› › Μορφές του καλλιτεχνικού πολιτισμού του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Τέχνη του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα

Μορφές του καλλιτεχνικού πολιτισμού του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Τέχνη του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα

Στείλτε την καλή δουλειά σας στη βάση γνώσεων είναι απλή. Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα

Φοιτητές, μεταπτυχιακοί φοιτητές, νέοι επιστήμονες που χρησιμοποιούν τη βάση γνώσεων στις σπουδές και την εργασία τους θα σας είναι πολύ ευγνώμονες.

Φιλοξενείται στο http://www.allbest.ru/

Κρατικό Ιατρικό Πανεπιστήμιο της Αγίας Πετρούπολης που πήρε το όνομά του από τον Ακαδημαϊκό Ι.Π. Πάβλοβα

πειθαρχία: Ιστορία της πατρίδας

θέμα: "Διάσημες μορφές του ρωσικού πολιτισμού του 19ου αιώνα."

Εκτελέστηκε:

φοιτητικό γρ.125

Goncharenko D.A.

Τετραγωνισμένος:

Zimin I.V.

Αγία Πετρούπολη 2012

Εισαγωγή

2.1 Αρχιτεκτονική

2.2 Εικαστικές τέχνες

3.1 Αρχιτεκτονική και γλυπτική

3.2 Ζωγραφική

3.3 Περιπλανώμενοι

4. Τέχνη τέλους XIX - αρχές ΧΧ αιώνα

συμπέρασμα

Κατάλογος χρησιμοποιημένης βιβλιογραφίας

Εισαγωγή

Πρώτες δεκαετίες του 19ου αιώνα έλαβε χώρα στη Ρωσία στο κλίμα μιας πανεθνικής έξαρσης που συνδέεται με τον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812. Τα ιδανικά αυτής της εποχής βρήκαν έκφραση στην ποίηση του νεαρού Α. Σ. Πούσκιν. Ο πόλεμος του 1812 και οι φιλελεύθερες ελπίδες της νέας γενιάς της ρωσικής αριστοκρατίας, και ιδιαίτερα εκείνων των εκπροσώπων της που, έχοντας περάσει από τους Ναπολεόντειους πολέμους, μπήκαν στο Παρίσι ως απελευθερωτές, καθόρισαν σε μεγάλο βαθμό τον χαρακτήρα του ρωσικού πολιτισμού στο πρώτο τρίτο του αιώνα. πολιτισμός τέχνη ανθρωπιστική

Αυξανόμενο ενδιαφέρον για καλλιτεχνική ζωήΗ Ρωσία κατά τη διάρκεια αυτών των χρόνων εκφράστηκε με τη δημιουργία συλλόγων τέχνης και τη δημοσίευση ειδικών περιοδικών: «The Free Society of Lovers of Literature, Sciences and Arts» (1801), «Journal of Fine Arts» (πρώτα στη Μόσχα και στη συνέχεια στο St. 25). η συγκρότηση επαρχιακών καλλιτεχνικών σχολών, όπως η σχολή του A. V. Stupin στο Arzamas ή ο A. G. Venetsianov στην Αγία Πετρούπολη.

1. Παράγοντες στην ανάπτυξη του πολιτισμού στη Ρωσία

Η δουλοπαροικία που παρέμενε εκείνη την εποχή, η γενική οικονομική οπισθοδρόμηση της Ρωσίας σε σύγκριση με τις δυτικοευρωπαϊκές χώρες, εμπόδισαν την πολιτιστική πρόοδο. Και όμως, παρά αυτές τις δυσμενείς συνθήκες, και ακόμη και παρά τις αυτές, η Ρωσία τον 19ο αιώνα έκανε ένα πραγματικά γιγαντιαίο άλμα στην ανάπτυξη του πολιτισμού, συνέβαλε τεράστια παγκόσμιο πολιτισμό. Μια τέτοια άνοδος στη ρωσική κουλτούρα οφειλόταν σε διάφορους παράγοντες www.ru.wikipedia.org:

η διαδικασία συγκρότησης του ρωσικού έθνους σε μια κρίσιμη εποχή μετάβασης από τη φεουδαρχία στον καπιταλισμό

Η αρχή του επαναστατικού απελευθερωτικού κινήματος στη Ρωσία

στενή επικοινωνία και αλληλεπίδραση με άλλους πολιτισμούς

επιρροή της κληρονομιάς της Μοσχοβίτικης Ρωσίας στον πολιτισμό του 19ου αιώνα: η αφομοίωση των παλαιών παραδόσεων κατέστησε δυνατή τη βλάστηση νέων βλαστών δημιουργικότητας στη λογοτεχνία, την ποίηση, τη ζωγραφική και άλλους τομείς του πολιτισμού

2. Τέχνη του πρώτου μισού του 19ου αιώνα

Στη ρωσική τέχνη του XIX αιώνα. Πολλά έχουν αλλάξει από τον 18ο αιώνα. Όπως και στη Δύση, ο κοινωνικός ρόλος του καλλιτέχνη, η σημασία της προσωπικότητάς του, το δικαίωμά του στην ελευθερία της δημιουργικότητας, όπου τα κοινωνικά και ηθικά προβλήματα είναι πλέον όλο και πιο έντονα, έχουν αυξηθεί.

Το υπό όρους ορόσημο στην ιστορία της ρωσικής τέχνης ορίστηκε σε δύο στάδια - το πρώτο και το δεύτερο μισό της, και σε αυτό το τελευταίο φαίνεται πολύ φυσικό να ξεχωρίσουμε το τέλος του 19ου - αρχές του 20ού αιώνα. ως περίοδος με τα δικά της σημασιολογικά και υφολογικά χαρακτηριστικά.

Μέχρι τα μέσα του αιώνα υπήρχαν ομοιότητες στον πολιτισμό της Ευρώπης και της Ρωσίας, αλλά μετά τα μέσα του αιώνα, αναπτυξιακές πορείες καλλιτεχνική κουλτούρααποκλίνουν κάπως. Οι Ευρωπαίοι καλλιτέχνες, με επικεφαλής τους Γάλλους, βυθίζονται όλο και περισσότερο στα προβλήματα της φόρμας, αναζητώντας και βρίσκοντας νέες καλλιτεχνικές τεχνικές, όπως έκαναν έξοχα οι ιμπρεσιονιστές και οι μετα-ιμπρεσιονιστές. Οι Ρώσοι καλλιτέχνες, από την άλλη, αντιλαμβάνονται την τέχνη, πρώτα απ' όλα, ως μια κερκίδα από την οποία λύνονται τα «πονεμένα ερωτήματα του παρόντος». Ilyina T.V. Ιστορία της ρωσικής τέχνης 5η έκδοση, 2010.

2.1 Αρχιτεκτονική

Τα ανθρωπιστικά ιδανικά της ρωσικής κοινωνίας αντικατοπτρίστηκαν στα εξαιρετικά αστικά παραδείγματα αρχιτεκτονικής και μνημειακής και διακοσμητικής γλυπτικής, στη σύνθεση των οποίων διακοσμητική ζωγραφικήκαι εφαρμοσμένης τέχνης, συχνά δημιουργίες των ίδιων των αρχιτεκτόνων. Το κυρίαρχο στυλ αυτής της εποχής είναι ο ώριμος, ή υψηλός, κλασικισμός επιστημονική βιβλιογραφία, που συχνά αναφέρεται ως «Ρωσική Αυτοκρατορία». Στην πραγματικότητα, μόνο οι δεκαετίες 1820-1830 μπορούν να θεωρηθούν στυλ Αυτοκρατορίας και η πρώτη δεκαετία μπορεί να ονομαστεί ακριβέστερα «Ο κλασικισμός του Αλέξανδρου».

Η αρχιτεκτονική του πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα είναι, πρώτα απ' όλα, η λύση μεγάλων πολεοδομικών προβλημάτων. Στην Αγία Πετρούπολη ολοκληρώνεται ο σχεδιασμός των κεντρικών πλατειών της πρωτεύουσας: του Παλατιού και της Γερουσίας. δημιουργήθηκε τα καλύτερα σύνολαπόλεις. Ιδιαίτερα έντονη μετά την πυρκαγιά του 1812. Η Μόσχα είναι υπό κατασκευή. Η αρχιτεκτονική εικόνα χτυπά με μεγαλοπρέπεια και μνημειακότητα. Τεράστιο ρόλο στη συνολική εμφάνιση του κτιρίου παίζει η γλυπτική, η οποία έχει ένα ορισμένο σημασιολογικό νόημα. Μεταξύ των κτιρίων, την κύρια θέση καταλαμβάνουν δημόσια κτίρια: θέατρα, τμήματα, εκπαιδευτικά ιδρύματα, τα παλάτια και οι ναοί χτίζονται πολύ λιγότερο συχνά (με εξαίρεση τους καθεδρικούς ναούς του συντάγματος στους στρατώνες).

Ο μεγαλύτερος αρχιτέκτονας αυτής της εποχής, ο Andrei Nikiforovich Voronikhin (1759-1814), ξεκίνησε την ανεξάρτητη πορεία του πίσω στη δεκαετία του 1790. αναδιάρθρωση των εσωτερικών χώρων του παλατιού Stroganov στο Moika (αρχιτέκτων F. B. Rastrelli) στην Αγία Πετρούπολη (1793, Mineral Cabinet, γκαλερί τέχνης, γωνιακή αίθουσα).

Το κύριο πνευματικό τέκνο του Voronikhin είναι ο καθεδρικός ναός του Καζάν (1801-1811). Η ημικυκλική κιονοστοιχία του ναού, την οποία έστησε όχι από την πλευρά της κύριας (δυτικής), αλλά από την πλαϊνή βόρεια πρόσοψη, σχημάτιζε ένα τετράγωνο στο κέντρο του Νιέφσκι. Ο Voronikhin έδωσε στο Mining Cadet Corps (1806-1811, τώρα το Ινστιτούτο Μεταλλείων) έναν ακόμη πιο αυστηρό, ενεργοποιημένο χαρακτήρα, στον οποίο τα πάντα υποτάσσονται σε μια ισχυρή δωρική στοά 12 στηλών που βλέπει στον Νέβα.

Ο A. N. Voronikhin, ο αρχιτέκτονας του κλασικισμού, αφιέρωσε πολλή ενέργεια στη δημιουργία ενός αστικού συνόλου, στη σύνθεση αρχιτεκτονικής και γλυπτικής, στον οργανικό συνδυασμό γλυπτικών στοιχείων με αρχιτεκτονικούς διαχωρισμούς, τόσο σε μεγάλες όσο και σε μικρές κατασκευές.

Κορυφαίος αρχιτέκτονας της Πετρούπολης του πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα. («Ρωσική Αυτοκρατορία») ήταν ο Karl Ivanovich Rossi G.G. Grimm - Rossi Ensembles - L., 1947 (1775--1849). Ο Rossi έλαβε την αρχική του αρχιτεκτονική εκπαίδευση στο εργαστήριο του VF Brenna, στη συνέχεια ταξίδεψε στην Ιταλία, όπου μελέτησε τα μνημεία της Αρχαιότητας. Η ανεξάρτητη δουλειά του ξεκινά στη Μόσχα, συνεχίζει στο Τβερ. Ένα από τα πρώτα έργα στην Αγία Πετρούπολη είναι το συγκρότημα παλατιών και πάρκων στο νησί Elagin (1818, ολοκληρώθηκε το 1822). Μπορεί να ειπωθεί για τον Rossi ότι «σκέφτηκε σε σύνολα», ένα παλάτι ή ένα θέατρο μετατράπηκε σε πολεοδομικό κόμβο πλατειών και νέων δρόμων. Έτσι, δημιουργώντας το παλάτι Mikhailovsky (1819-1825), οργανώνει την πλατεία μπροστά από το παλάτι και στρώνει το δρόμο στη Nevsky Prospekt, ενώ συγκρίνεται με το σχέδιό του με άλλα κοντινά κτίρια - το Κάστρο Mikhailovsky και τον χώρο του Πεδίου του Άρη. Στο σχεδιασμό της πλατείας του Παλατιού (1819-1829), ο Rossi αντιμετώπισε το πιο δύσκολο έργο: να συνδυάσει το μπαρόκ παλάτι του Ραστρέλι και τη μονότονη κλασικιστική πρόσοψη του κτιρίου του Γενικού Επιτελείου και των υπουργείων σε ένα ενιαίο σύνολο. Ο αρχιτέκτονας έσπασε με τόλμη αυτή τη μονοτονία με μια κολοσσιαία αψίδα του κτηρίου του Γενικού Επιτελείου, το κέντρο της οποίας ήταν η Αψίδα του Θριάμβου, που ανοίγει το δρόμο προς την οδό Bolshaya Morskaya, προς τη λεωφόρο Nevsky Prospekt.

Ο νέος αιώνας σημαδεύτηκε από τη δημιουργία των σημαντικότερων συνόλων στην Αγία Πετρούπολη. Έτσι, Andrey Dmitrievich Zakharov GG Grimm - Αρχιτέκτονας Andrey Zakharov. Ζωή και έργο - Μ., 1940 (1761 - 1811) μαθητής της Ακαδημίας Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης και μαθητής του Παριζιάνου αρχιτέκτονα Zh.F. Schalgren, από το 1805. αρχίζει η κατασκευή του κτιρίου του Ναυαρχείου (1806 - 1823).

Η συνθετική λύση του Zakharov είναι εξαιρετικά απλή: μια διαμόρφωση δύο όγκων και ένας όγκος είναι, όπως λέγαμε, ένθετος σε έναν άλλο, του οποίου το εξωτερικό, σε σχήμα U, χωρίζεται από ένα κανάλι από δύο εσωτερικά κτίρια, σε σχήμα L σε κάτοψη. Ο εσωτερικός τόμος είναι εργαστήρια πλοίων και σχεδίων, αποθήκες, ο εξωτερικός τόμος είναι τμήματα, διοικητικά ιδρύματα, μουσείο, βιβλιοθήκη κ.λπ. Η πρόσοψη του Ναυαρχείου εκτείνεται σε 406 μ. Οι πλευρικές όψεις-φτερά βλέπουν στον Νέβα, η κεντρική πρόσοψη καταλήγει στη μέση με μια θριαμβευτική αψίδα διέλευσης με κωδωνοστάσιο, που είναι το κάστρο της σύνθεσης και μέσα από την οποία περνάει η κύρια είσοδος. Ο Zakharov διατήρησε το έξυπνο σχέδιο του Korobov για το κωδωνοστάσιο, δείχνοντας διακριτικότητα και σεβασμό για την παράδοση και καταφέρνοντας να το μετατρέψει σε μια νέα κλασικιστική εικόνα του κτιρίου στο σύνολό του. Η μονοτονία της σχεδόν μισού χιλιομέτρου πρόσοψης σπάει από ομοιόμορφες στοές.

ΚΟΛΑΣΗ. Ο Ζαχάρωφ πέθανε χωρίς να δει το Ναυαρχείο στην τελική του μορφή. Αυτό το κτίριο συνδέεται στενά με την αρχιτεκτονική του κέντρου της πόλης. Τρεις λεωφόροι προέρχονται από εδώ: Voznesensky, Gorokhovaya Street, Nevsky Prospekt (αυτό το σύστημα δοκών σχεδιάστηκε υπό τον Peter I)

2.2 Εικαστικές τέχνες

Ο κλασικισμός ήταν η κορυφαία τάση στην αρχιτεκτονική και τη γλυπτική στο πρώτο τρίτο του 19ου αιώνα. Στη ζωγραφική, αναπτύχθηκε, πρώτα απ 'όλα, από ακαδημαϊκούς καλλιτέχνες - στο ιστορικό είδος, δηλ. ιστορίες γραφών, αρχαία μυθολογίακαι μάλιστα ιστορική. Αλλά οι πραγματικές επιτυχίες της ζωγραφικής βρίσκονται σε μια διαφορετική κατεύθυνση: καλύτερες φιλοδοξίες ανθρώπινη ψυχή, σκαμπανεβάσματα του πνεύματος εξέφραζε τη ρομαντική ζωγραφική εκείνης της εποχής.

Αλλά ο ρομαντισμός εκδηλώθηκε πιο διακριτικά στο ρωσικό έδαφος στο είδος του πορτρέτου και η ηγετική θέση εδώ πρέπει να δοθεί στον Orest Adamovich Kiprensky I.V. Kislyakov - Orest Kiprensky. Epoch and Heroes - M., 1982 (1782-- 1836). Γιος ενός γαιοκτήμονα A. S. Dyakonov και ενός δουλοπάροικου, ο Kiprensky γεννήθηκε στην επαρχία της Αγίας Πετρούπολης. Από το 1788 έως το 1803 σπούδασε (αρχίζοντας από την Εκπαιδευτική Σχολή) στην Ακαδημία Τεχνών, όπου σπούδασε στην τάξη της ιστορικής ζωγραφικής με τον καθηγητή G. I. Ugryumov και τον Γάλλο ζωγράφο G. F. Doyen. Το 1805 έλαβε το Μεγάλο Χρυσό Μετάλλιο για τον πίνακα "Dmitry Donskoy στη νίκη επί του Mamai".

Περίπλοκη, στοχαστική, ευμετάβλητη στη διάθεση - τέτοια εμφανίζονται μπροστά μας που απεικονίζεται από τον Kiprensky «E. P. Rostopchin» (1809, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov), «D. Ν. Χβοστόφ» (1814, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ), αγόρι «Λ. A. Chelishchev» (1809, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ). Σε ελεύθερη πόζα, κοιτάζοντας άφαντα στο πλάι, ακουμπώντας χαλαρά σε ένα πέτρινο πουλί, στέκεται ο Συνταγματάρχης των Ουσάρων της Ζωής «E.V. Davydov (1809, Ρωσικό Μουσείο). Αυτό το πορτρέτο γίνεται αντιληπτό ως συλλογική εικόνα του ήρωα του πολέμου του 1812, αν και είναι αρκετά συγκεκριμένο.

Ο Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) ήταν ο πρόγονος του καθημερινού είδους. Ένας τοπογράφος γης από την εκπαίδευση, ο Βενετσιάνοφ άφησε την υπηρεσία για χάρη της ζωγραφικής και μετακόμισε στην Αγία Πετρούπολη. Έγινε μαθητής του Borovitsky. Έκανε τα πρώτα του βήματα στις «τέχνες» στο είδος του πορτραίτου, δημιουργώντας εκπληκτικά ποιητικές, λυρικές, ενίοτε εμπνευσμένες από ρομαντικές εικόνες («Πορτρέτο του Β. Σ. Πουτυατίνα») με παστέλ, μολύβι και λάδι.

Στο γύρισμα της δεκαετίας 1810-1820. Ο Βενετσιάνοφ έφυγε από την Πετρούπολη για την επαρχία του Τβερ, όπου αγόρασε ένα μικρό κτήμα. Εδώ βρήκε το κύριο θέμα του, αφοσιωμένος στην απεικόνιση της αγροτικής ζωής.

Ο Βενετσιάνοφ ήταν εξαιρετικός δάσκαλος. Η σχολή Βενετσιάνοφ, οι Βενετοί, είναι ένας ολόκληρος γαλαξίας καλλιτεχνών της δεκαετίας 1820-1840 που δούλεψαν μαζί του τόσο στην Αγία Πετρούπολη όσο και στο κτήμα του στο Σαφόνκοβο. Εκπρόσωποι της βενετικής σχολής ήταν οι A.V.Tyranov, E.F.Krendovsky, K.L.Zelentsov, A.A. Alekseev, S.K.Zaryanko, L.K. Plakhov, N. S. Krylov και πολλοί άλλοι.

3. Τέχνη του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα

3.1 Αρχιτεκτονική και γλυπτική

Λιγότερο γρήγορα από πριν, η γλυπτική και η αρχιτεκτονική αναπτύχθηκαν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου. Όπως ήδη αναφέρθηκε, τα τέλη της δεκαετίας του 1830. ο κλασικισμός πεθαίνει. Το εννοεί καλλιτεχνική εκφραστικότηταέρχονται σε αντίθεση με εκείνα τα νέα καθήκοντα που θέτει η αρχιτεκτονική του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Συνήθως ονομαζόταν "αναδρομική τυποποίηση" ή εκλεκτικισμός, αλλά τώρα ονομάζεται πιο συχνά ιστορικισμός, επειδή εκείνη την εποχή οι αρχιτέκτονες άρχισαν να χρησιμοποιούν τα μοτίβα και τα μοτίβα αρχιτεκτονικών στυλ περασμένων εποχών - γοτθικό, αναγεννησιακό, μπαρόκ, ροκοκό κ.λπ. D.E. Arkin - Εικόνες αρχιτεκτονικής - M., 1941.

Ένα από τα βασικά προβλήματα της εποχής εκείνης ήταν η ανέγερση πολυκατοικιών (ενοικιαζόμενων κατοικιών).

Ομοίως, η άνθηση της μνημειακής-διακοσμητικής γλυπτικής παρέμεινε στο πρώτο μισό του αιώνα.

Ο πιο διάσημος από τους δασκάλους αυτής της εποχής ήταν ο Mark Matveyevich Antokolsky (1843--1902), ο οποίος, όπως σωστά σημειώνεται από τους ερευνητές, αντισταθμίζει την έλλειψη μνημειωδών μέσων έκφρασης απεικονίζοντας "μνημειακές προσωπικότητες": απόδειξη αυτού είναι ο Ivan the Terrible (1870), Peter I (1872), Spiles (1875ist), 83), «Ερμάκ» (1888). Σε αυτές τις εικόνες που εκτελούνται σύμφωνα με ένα δεδομένο πρόγραμμα, η πόζα, η χειρονομία, οι εκφράσεις του προσώπου βρίσκονται πάντα με επιτυχία, αλλά η πραγματική εκφραστικότητα των γλυπτικών μέσων έχει αντικατασταθεί από αυτές τις νατουραλιστικές λεπτομέρειες.

3.2 Ζωγραφική

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, από όλες τις καλές τέχνες της ζωγραφικής, και πάνω από όλα τη ζωγραφική του είδους, ήταν απαραίτητο να ειπωθεί ο βαρύς λόγος της. Η κριτική στάση απέναντι στην πραγματικότητα, οι έντονες πολιτικές και ηθικές θέσεις, ο οξύς κοινωνικός προσανατολισμός γίνονται χαρακτηριστικά ιδιαίτερα για τη ζωγραφική, στην οποία διαμορφώνεται ένα νέο καλλιτεχνικό σύστημα όρασης, που εκφράζεται στον λεγόμενο κριτικό ρεαλισμό. Παίρνοντας τις περισσότερες φορές ως βάση της πλοκής τα οξεία κοινωνικά προβλήματα που ζούσαν τότε Ρωσική κοινωνία, οι καλλιτέχνες δεν έδρασαν, στην πραγματικότητα, τόσο ως εκπρόσωποι αυτών των ιδεών, όσο ως άμεσοι εικονογράφοι, απλοί ερμηνευτές τους. Η κοινωνική πλευρά τους απέκρυψε από καθαρά εικαστικά, πλαστικά καθήκοντα και η επίσημη κουλτούρα αναπόφευκτα έπεσε. Όπως σωστά σημειώθηκε, «η παραστατικότητα κατέστρεψε τη ζωγραφική τους».

Αληθινή ψυχή του εκκολαπτόμενου κριτική κατεύθυνσηστη ζωγραφική ήταν ο Vasily Grigorievich Perov V.A. Lenyashin - V.G. Ο Perov - M., 1987 (1834--1882), που πήρε την υπόθεση του Φεντότοφ απευθείας από τα χέρια του, κατάφερε με κατηγορηματικό πάθος να δείξει πολλές πτυχές της απλής καθημερινής ζωής: την αντιαισθητική εμφάνιση κάποιων κληρικών ("Rural πομπή το Πάσχα", 1861; "Tea drinking in the Mytishchi", the Deasing in the Mytishchi, the Deas. 1865· « Η τελευταία ταβέρνα στο φυλάκιο, 1868), η ζωή των φτωχών της πόλης («Τρόικα», 1866) και της διανόησης, που αναγκάστηκαν να αναζητήσουν σκληρά χρήματα από τις «κουφώματα» («Άφιξη μιας γκουβερνάντας στο σπίτι ενός εμπόρου», 1866). Τα έργα του είναι απλά στην πλοκή, αλλά συγκινητικά στη θλίψη τους.

3.3 Περιπλανώμενοι

Στη δεκαετία του 1870 Η προοδευτική δημοκρατική ζωγραφική κερδίζει τη δημόσια αναγνώριση. Έχει τους δικούς της κριτικούς - I. N. Kramskoy και V. V., Stasov και τον δικό της συλλέκτη - P. M. Tretyakov. Ήρθε η ώρα για την άνθηση του ρωσικού δημοκρατικού ρεαλισμού στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Εκείνη την εποχή, στο κέντρο του επίσημου σχολείου - της Ακαδημίας Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης - βρισκόταν επίσης ένας αγώνας για το δικαίωμα της τέχνης να στραφεί στην πραγματική, πραγματική ζωή, που κατέληξε στη λεγόμενη «εξέγερση του 14» το 1863. Αρκετοί απόφοιτοι της Ακαδημίας αρνήθηκαν να γράψουν μια προγραμματική εικόνα για ένα θέμα του σκανδιναβικού έπους, όταν υπάρχουν τόσα συναρπαστικά σύγχρονα προβλήματα τριγύρω και, μη έχοντας λάβει άδεια να επιλέξουν ελεύθερα ένα θέμα, εγκατέλειψαν την Ακαδημία, ιδρύοντας το "Petersburg Arttel of Artists".

Το «Artel» δεν κράτησε πολύ και σύντομα η Μόσχα και η Αγία Πετρούπολη προώθησαν τις καλλιτεχνικές δυνάμεις ενώθηκαν στην Ένωση Περιοδευόμενων Εκθέσεων Τέχνης (1870).

Η τέχνη των Περιπλανώμενων ήταν έκφραση δημοκρατικών ιδεών στην εγχώρια καλλιτεχνική κουλτούρα του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα.

Οι «περιπλανώμενοι» περιελάμβαναν, πιο «ανώτερους» - αυτοί είναι οι Ivan Nikolaevich Kramskoy, Nikolai Nikolaevich Ge, Vasily Vasilyevich Vereshchagin, Konstantin Apollonovich Savitsky και «νεαροί» - Ivan Ivanovich Shishkin, ο οποίος ονομαζόταν «η φύση των ηρωικών ανθρώπων», Arkhip18inight με τα εκπληκτικά εφέ του Arkhip18inight. 6;" Birch Grove", 1879), Isaac Ilyich Levitan.

Αξίζει να σημειωθεί ο Ilya Efimovich Repin. Γεννήθηκε στην Ουκρανία, στην επαρχία Χάρκοβο, και γνώρισε τις πρώτες δεξιότητες χειροτεχνίας από Ουκρανούς αγιογράφους. Ο Ρέπιν θεωρούσε τον Κράμσκι τον πρώτο του δάσκαλο. Το πρώτο έργο που προκάλεσε την έντονη αντίδραση του κοινού ήταν ο πίνακας «Barge Haulers on the Volga».

Το 1873, ο Ρεπίν πήγε σε ένα ταξίδι «συνταξιούχου» στη Γαλλία, όπου, μαζί με τον Πολένοφ, ζωγράφισε μελέτες πλήρους αέρα και έμαθε πολλά για τα προβλήματα του φωτός και του αέρα.

Επιστρέφοντας, ο Ρέπιν αρχίζει να εργάζεται γόνιμα. Φαίνεται ότι δεν υπάρχει είδος στο οποίο δεν θα δήλωνε: πορτρέτα με έντονα ατομικά χαρακτηριστικά και πορτραίτα-τύπους, πορτρέτα-πίνακες.

Σχεδόν όλα τα είδη υπόκεινταν στον Ρέπιν (δεν έγραψε μόνο σκηνές μάχης), όλα τα είδη - ζωγραφική, γραφικά, γλυπτική. δημιούργησε μια υπέροχη σχολή ζωγράφων, δήλωνε θεωρητικός τέχνης και εξαιρετικό συγγραφέα. Το έργο του Ρέπιν ήταν χαρακτηριστικό φαινόμενο της ρωσικής ζωγραφικής στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Ήταν αυτός που ενσάρκωσε αυτό που ο D.V. Sarabyanov ονόμασε «Περιπλανώμενος ρεαλισμός», απορρόφησε κάθε τι χαρακτηριστικό, το οποίο, σύμφωνα με τον ερευνητή, θα ήταν «διασπαρμένο» σε διαφορετικά είδη και προσωπικότητες. Και αυτή είναι η οικουμενικότητα, η εγκυκλοπαιδική φύση του καλλιτέχνη. Σε μια τέτοια πλήρη σύμπτωση με το χρόνο του στην «επαρκή εφαρμογή» του είναι απόδειξη της κλίμακας και της δύναμης του ταλέντου του Ρέπιν. Βλέπε: Sarabyanov, D.V. Repin και ρωσική ζωγραφική του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα - M., 1978

4. Τέχνη τέλους XIX - αρχές ΧΧ αιώνα

Στη δεκαετία του 1890 σε σχέση με την έναρξη της κρίσης του λαϊκιστικού κινήματος, η «αναλυτική μέθοδος του ρεαλισμού του 19ου αιώνα», όπως αποκαλείται στη ρωσική επιστήμη, γίνεται επίσης ξεπερασμένη. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, πολλοί από τους Wanderers βίωσαν δημιουργική κρίση, έχουν περάσει στη μικροπρέπεια μιας διασκεδαστικής εικόνας του είδους. Πρέπει να σημειωθεί, ωστόσο, ότι οι καλύτερες παραδόσεις του V. G. Perov διατηρήθηκαν κυρίως στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας χάρη στις διδακτικές δραστηριότητες καλλιτεχνών όπως οι S. N. Ivanov, K. A. Korovin, V. A. Serov και άλλοι.

Όλα τα είδη τέχνης - ζωγραφική, θέατρο, μουσική, αρχιτεκτονική - βγήκαν για την ανανέωση της καλλιτεχνικής γλώσσας, υψηλό επαγγελματισμό. Η κρίση των Περιπλανώμενων, με τη λαχτάρα της για μικροθέματα, εκφράστηκε με διακηρύξεις ιδεολογίας και εθνικότητας, οι οποίες όμως δεν υποστηρίχθηκαν από κανένα αισθητικό πρόγραμμα. Για τους ζωγράφους της αλλαγής του αιώνα, άλλοι τρόποι έκφρασης είναι χαρακτηριστικοί από τους περιπλανώμενους, άλλες μορφές καλλιτεχνική δημιουργικότητα-- σε αντιφατικές, περίπλοκες εικόνες, που αντανακλούν τη νεωτερικότητα χωρίς παραστατικότητα και αφήγηση. Οι καλλιτέχνες αναζητούν οδυνηρά την αρμονία και την ομορφιά σε έναν κόσμο που είναι θεμελιωδώς ξένος τόσο στην αρμονία όσο και στην ομορφιά. Γι' αυτό πολλοί από αυτούς βλέπουν την αποστολή τους στην καλλιέργεια της αίσθησης της ομορφιάς. Αλλά έδωσε επίσης αφορμή για την οικουμενικότητα μιας ολόκληρης γενιάς καλλιτεχνών που ακολούθησαν τους «κλασικούς» Wanderers, παράδειγμα της οποίας είναι το έργο των V. A. Serov και M. A. Vrubel.

Μεγάλος ρόλος στη διάδοση τόσο της εγχώριας τέχνης όσο και της δυτικοευρωπαϊκής τέχνης, στην προσέλκυση δασκάλων σε εκθέσεις Δυτική Ευρώπηέπαιξαν οι καλλιτέχνες του συλλόγου «World of Art» (1898 - 1924). Έχοντας συγκεντρώσει τις καλύτερες καλλιτεχνικές δυνάμεις στην Αγία Πετρούπολη, εκδίδοντας το δικό τους περιοδικό, ο «Κόσμος της Τέχνης» από την ίδια τους την ύπαρξη συνέβαλε στην εδραίωση των καλλιτεχνικών δυνάμεων στη Μόσχα, στη δημιουργία της «Ένωσης Ρώσων Καλλιτεχνών» (1903-1323) Ilyina T.V. Ιστορία της ρωσικής τέχνης 5η έκδοση, 2010.

συμπέρασμα

Η ρωσική τέχνη, εμποτισμένη με τις προοδευτικές ιδέες εκείνης της εποχής, υπηρέτησε έναν μεγάλο ανθρώπινο στόχο - τον αγώνα για την απελευθέρωση του ανθρώπου, για την κοινωνική αναδιοργάνωση ολόκληρης της κοινωνίας.

Γενικά, στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα, η Ρωσία σημείωσε εντυπωσιακές επιτυχίες στον τομέα του πολιτισμού. Το παγκόσμιο ταμείο περιελάμβανε για πάντα τα έργα πολλών Ρώσων καλλιτεχνών. Ολοκληρώθηκε η διαδικασία διαμόρφωσης του εθνικού πολιτισμού.

Επί σειρά XIX-XXαιώνες Οι μοντερνιστικές αναζητήσεις οδήγησαν στη συγκρότηση μιας ομάδας καλλιτεχνών ενωμένων γύρω από το περιοδικό «World of Art» (A.N. Benois, K.A. Somov, E.E. Lansere, L.S. Bakst, N.K. Roerich, I. Z. Grabar, κ.λπ.). Ο Κόσμος των Τεχνιτών διακήρυξε νέες καλλιτεχνικές και αισθητικές αρχές. Προώθησαν τον ατομικισμό, την ελευθερία της τέχνης από κοινωνικά και πολιτικά προβλήματα. Το κύριο πράγμα γι 'αυτούς είναι η ομορφιά και οι παραδόσεις του ρωσικού εθνικού πολιτισμού, κάτι που δεν μπορεί να ειπωθεί για τους "Wanderers".

Στις αρχές του ΧΧ αιώνα. προέκυψε η «ρωσική πρωτοπορία». Οι εκπρόσωποί της Κ.Σ. Malevich, P.P. Falk, Μ.Ζ. Ο Chagall και άλλοι κήρυτταν την τέχνη των «καθαρών» μορφών και της εξωτερικής μη αντικειμενικότητας. Ήταν οι πρόδρομοι του αφαιρετικού και είχαν τεράστιο αντίκτυπο στην ανάπτυξη της παγκόσμιας τέχνης.

Βιβλιογραφία

1. www.ru.wikipedia.org

2. Ilyina T.V. Ιστορία της ρωσικής τέχνης 5η έκδοση, 2010

3. Γ.Γ. Grimm - Ensembles of Rossi - L., 1947

4. GG Grimm - Αρχιτέκτων Andrey Zakharov. Ζωή και έργο - Μ., 1940

5. I.V. Kislyakov - Orest Kiprensky. Εποχή και ήρωες - Μ., 1982

6. Δ.Ε. Arkin - Εικόνες αρχιτεκτονικής - M., 1941

7. V.A. Lenyashin - V.G. Perov - M., 1987

8. Βλ.: Sarabyanov, D.V. Repin και ρωσική ζωγραφική του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα - M., 1978

Φιλοξενείται στο Allbest.ru

Παρόμοια Έγγραφα

    Καλές τέχνες του πρώτου μισού του 19ου αιώνα (O.A. Kiprensky, V.A. Tropinin, A.G. Venetsianov, P.A. Fedotov, K.P. Bryullov, A.A. Ivanov. Synthesis as χαρακτηριστικό γνώρισμαανάπτυξη της αρχιτεκτονικής και της γλυπτικής. Θέατρο και μουσική, ανάπτυξη της ρωσικής λογοτεχνίας.

    θητεία, προστέθηκε 20/08/2011

    Οι αρχές του 19ου αιώνα είναι η εποχή της πολιτιστικής και πνευματικής ανόδου της Ρωσίας, της προόδου του ρωσικού πολιτισμού, της ανάπτυξης της εκπαίδευσης, της επιστήμης, της λογοτεχνίας και της τέχνης. Η ανάπτυξη της εθνικής αυτοσυνείδησης του λαού και οι νέες δημοκρατικές αρχές που ρίζωναν στη ρωσική ζωή.

    έκθεση, προστέθηκε στις 29/03/2009

    Η ανάπτυξη του κοινωνικού κινήματος των Decembrists στο πρώτο μισό του XIX αιώνα. Θεμελιώδεις αλλαγές στους κοινωνικούς, πολιτικούς και οικονομικούς τομείς της ζωής στη ρωσική κοινωνία τον 19ο αιώνα. Συντηρητικά, φιλελεύθερα και επαναστατικά κοινωνικά κινήματα.

    περίληψη, προστέθηκε 27/02/2015

    Ιστορική εξέλιξη στη Ρωσία στα τέλη του 18ου αιώνα. Ο Σπεράνσκι και οι τρόποι του για την εφαρμογή φιλελεύθερων μεταρρυθμίσεων. Οι Δεκεμβριστές και η θέση τους στην ιστορία του απελευθερωτικού κινήματος. Δυτικοί και Σλαβόφιλοι για τους τρόπους ανάπτυξης της Ρωσίας στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα.

    εργασίες ελέγχου, προστέθηκε 12/07/2008

    Χαρακτηριστικά μιας βιομηχανικής κοινωνίας. Η ανάπτυξη του δυτικού πολιτισμού στη βιομηχανική εποχή. Εσωτερική πολιτική κατάσταση στη Ρωσία στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα. Συντηρητική πολιτική του Αλέξανδρου Γ'. Κοινωνικοπολιτισμικές τάσεις στην ανάπτυξη της ρωσικής κοινωνίας.

    παρουσίαση, προστέθηκε 24/03/2019

    Η άνοδος του απελευθερωτικού κινήματος στην Ινδία, στο οποίο συμμετείχε η αστική τάξη. Η διαδικασία σχηματισμού του κομματικού συστήματος, που αντανακλά την ανάπτυξη του εθνικού ινδικού κεφαλαίου. Δημιουργία του Ινδικού Εθνικού Κογκρέσου. φιλελεύθερη και ριζοσπαστική.

    θητεία, προστέθηκε 06/05/2010

    Κοινωνικοοικονομικές προϋποθέσεις για τη διαμόρφωση του ρωσικού πολιτισμού στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Η κατάσταση του διαφωτισμού και της εκπαίδευσης, ο καλλιτεχνικός πολιτισμός ( εικαστικές τέχνες, λογοτεχνία, θέατρο, μουσική, αρχιτεκτονική). Το φαινόμενο της Ασημένιας Εποχής.

    θητεία, προστέθηκε 20/08/2012

    Η ανάπτυξη του καπιταλισμού στη Ρωσία, ο Πατριωτικός Πόλεμος του 1812, η ​​αυξανόμενη εθνική συνείδηση ​​ως προϋποθέσεις για την άνθηση του πολιτισμού στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα. Ανάπτυξη εκπαίδευσης, επιστήμης, λογοτεχνίας, τέχνης, αρχιτεκτονικής και πολεοδομίας.

    δοκίμιο, προστέθηκε 28/02/2011

    Η πολιτισμική διαφορά μεταξύ της ευγενούς αριστοκρατίας της πρωτεύουσας και των επαρχιακών γαιοκτημόνων. Επιτυχίες στον τομέα της εκπαίδευσης και της διαφώτισης. Διεθνείς εμπορικές σχέσεις, ανάπτυξη εργοστασίων με πολιτικούς εργάτες. ο συναισθηματισμός και ο ρεαλισμός.

    περίληψη, προστέθηκε 27/01/2012

    Χαρακτηριστικά της ρωσικής οικονομίας την περίοδο του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα - αρχές του 20ου αιώνα, προϋποθέσεις για την ανάπτυξή της. Οικονομική πολιτική της χώρας στο πρώτο μισό του εικοστού αιώνα: η αρχή της εκβιομηχάνισης, τα πρώτα πενταετή σχέδια. Εθνική οικονομίαΕΣΣΔ στις αρχές της δεκαετίας του '40.

Δεύτερο μισό του 19ου αιώνα - μια ιδιαίτερη περίοδος στην ανάπτυξη του ρωσικού πολιτισμού. Τα χρόνια της βασιλείας του Αλεξάνδρου Β', που έδωσε μεγάλης σημασίαςστην πολιτιστική ζωή της «ανεξαρτησίας του πνεύματος του λαού», ήταν μια εποχή αναζήτησης εθνικής διαδρομής στην τέχνη και οξέων επίκαιρων κοινωνικών θεμάτων. Στη δεκαετία του '60, νέες κοινωνικο-πολιτικές δυνάμεις εμφανίστηκαν στη Ρωσία - raznochintsy, άνθρωποι από δημοκρατικά στρώματα, επαναστατική διανόηση. Επαναστατικές-δημοκρατικές ιδέες της Α.Ι. Herzen, Ν.Ρ. Ogareva, A.F. Pisemsky, ΟΝ. Nekrasova, M.E. Saltykov-Shchedrin, N.G. Chernyshevsky, ΝΑ. Ο Dobrolyubov, ο οποίος στιγμάτισε τις κοινωνικές κακίες, επηρέασε σημαντικά τις καλές τέχνες. Η κριτική ανάλυση της περιβάλλουσας πραγματικότητας και η ρεαλιστική της εμφάνιση έγινε η μέθοδος της προηγμένης ρωσικής λογοτεχνίας και μετά οι καλές τέχνες. Ο Τσερνισέφσκι έβαλε τα θεμέλια της αισθητικής με τα έργα του. Στην πραγματεία του «Οι αισθητικές σχέσεις της τέχνης με την πραγματικότητα» αναφέρεται ευθέως ότι «όμορφη είναι η ζωή», ότι « μεγαλύτερη ομορφιάείναι ακριβώς η ομορφιά που συναντά ο άνθρωπος στον κόσμο της πραγματικότητας και όχι η ομορφιά που δημιουργεί η τέχνη. Άρχισαν να απαιτούν από τον καλλιτέχνη "περιεχόμενο", "εξήγηση της ζωής" και ακόμη και "μια πρόταση για τα φαινόμενα που απεικονίζονται". Αρχηγός στα ρωσικά ζωγραφικήήταν η επικράτηση των ηθικών και κοινωνικών αρχών έναντι των καλλιτεχνικών. Αυτό το χαρακτηριστικό εκδηλώθηκε πιο ξεκάθαρα στο έργο των δημοκρατικών καλλιτεχνών.

Το 1863, η Ακαδημία Τεχνών έθεσε ένα πρόγραμμα για ένα χρυσό μετάλλιο με μια πλοκή από τη σκανδιναβική μυθολογία. Και οι δεκατρείς αιτούντες, μεταξύ αυτών και ο Ι.Ν. Ο Kramskoy, ο K. G. Makovsky, ο A. D. Litovchenko, που δεν συμφωνούσαν με αυτό το πρόγραμμα και γενικά με τα προγράμματα, αρνήθηκαν να συμμετάσχουν στον διαγωνισμό και αποχώρησαν από την Ακαδημία. Αφήνοντας προκλητικά την Ακαδημία, οι επαναστάτες οργάνωσαν το Artel of Artists και το 1870, μαζί με τους ζωγράφους της Μόσχας, τον Σύνδεσμο Περιοδευόμενων Εκθέσεων Τέχνης. Ξεκινώντας από τον Perov και τελειώνοντας με τον Levitan, όλοι οι εξέχοντες εκπρόσωποι της ρωσικής ζωγραφικής συμμετείχαν σε αυτές τις εκθέσεις - Περιπλανώμενοι.

Για το ρωσικό κοινό, η σημασία των Wanderers ήταν τεράστια - την ενδιέφεραν και της έμαθαν να σταματάει μπροστά στους πίνακες. με την εμφάνισή τους, ξεκίνησε μόνο η σύνδεση μεταξύ της ρωσικής κοινωνίας και των Ρώσων καλλιτεχνών. Η δημιουργικότητά τους, επίμονη από τις βασικές αρχές του ρεαλισμού, έμαθε στο ρωσικό κοινό να βλέπει τη ζωή στην τέχνη και να ξεχωρίζει την αλήθεια από το ψέμα σε αυτήν. Εδώ θα πρέπει να αναφέρουμε δύο Ρώσους στους οποίους οι Wanderers οφείλουν την επιτυχία και την επιρροή τους: ΜΕΤΑ ΜΕΣΗΜΒΡΙΑΣ. Tretyakov και V.V. Στασοφ.Ο Τρετιακόφ υποστήριξε τον σύντροφο-


μέσω αγορών και παραγγελιών, δημιουργώντας το μοναδικό Μουσείο Εθνικής Τέχνης στον κόσμο. Ο "ολοκαταστροφικός κολοσσός" Stasov, ο οποίος ηγήθηκε του εθνικού κινήματος στη ρωσική τέχνη, ήταν ο προάγγελος των αισθητικών απόψεων των Wanderers και πολλοί καλλιτέχνες του οφείλουν δημιουργικές συμβουλές, επιλογή πλοκών για πίνακες και παθιασμένη προπαγάνδα των δραστηριοτήτων τους στον Τύπο.


Μεταξύ των πρώτων Ρώσων καλλιτεχνών που, στο πνεύμα του προοδευτικού τύπου της δεκαετίας του '60, μετέτρεψαν τους πίνακές τους σε κήρυγμα που μαστίγωσε ήταν Βασίλι Γκριγκόριεβιτς Πέροφ(1834-1882). Ήδη στον πρώτο του πίνακα, Κήρυγμα στο χωριό, που κυκλοφόρησε τη χρονιά της απελευθέρωσης των χωρικών, δεν υπήρχε ίχνος της αβλαβούς κοροϊδίας του Φεντότοφ: ο παχύσαρκος γαιοκτήμονας, αδιαφορώντας για τα λόγια του ιερέα, αποκοιμήθηκε σε μια καρέκλα. Η νεαρή σύζυγός του, αρπάζοντας τη στιγμή, ψιθυρίζει με τον θαυμαστή της, δείχνοντας έτσι την περιφρόνηση για τις πνευματικές αξίες από την πλευρά της «φωτισμένης» κοινωνίας. Η επόμενη εικόνα, "Η θρησκευτική πομπή για το Πάσχα", ήταν αρκετά "Bazarov" σε ευκρίνεια και σύμφωνη με τα πιο σκοτεινά καταγγελτικά μυθιστορήματα εκείνης της εποχής.

Μια πομπή σε πλήρη ισχύ με πανό και εικόνες φεύγει από το tselovalnik, έχοντας μόλις κεράσει τη δόξα εκεί: μεθυσμένοι προσκυνητές πέφτουν από την ταβέρνα άτακτοι και χαστουκίζουν την λάσπη της άνοιξης. Ο ιερέας, μόλις πατάει με τα πόδια του, με μεγάλη δυσκολία κατεβαίνει από τη βεράντα. Ο διάκονος με το θυμιατήρι σκόνταψε και έπεσε.

Η πολλαπλότητα των καλλιτεχνικών κινημάτων τον 19ο αιώνα ήταν συνέπεια της διαδικασίας του εκσυγχρονισμού. Η καλλιτεχνική ζωή της κοινωνίας καθοριζόταν πλέον όχι μόνο από τις εκκλησιαστικές επιταγές και τη μόδα των αυλικών κύκλων. Αλλαγή κοινωνική δομήοδήγησε σε μια αλλαγή στην αντίληψη της τέχνης στην κοινωνία: υπάρχουν νέα κοινωνικά στρώματα πλούσιων και μορφωμένων ανθρώπων που είναι σε θέση να αξιολογούν ανεξάρτητα έργα τέχνης, εστιάζοντας μόνο στην απαίτηση του γούστου. Ήταν τον 19ο αιώνα που ο σχηματισμός του Μαζική κουλτούρα; εφημερίδες και περιοδικά από τεύχος σε τεύχος, που τύπωναν μεγάλα μυθιστορήματα με διασκεδαστική πλοκή, έγιναν το πρωτότυπο των τηλεοπτικών σειρών στην τέχνη του 20ού αιώνα.

Το πρώτο μισό του 19ου αιώνα, ο πολεοδομικός σχεδιασμός σε πρωτοφανή κλίμακα εκτυλίχθηκε στην Ευρώπη. Οι περισσότερες ευρωπαϊκές πρωτεύουσες - Παρίσι, Αγία Πετρούπολη, Βερολίνο - έχουν αποκτήσει τη χαρακτηριστική τους εμφάνιση. στα αρχιτεκτονικά τους σύνολα αυξήθηκε ο ρόλος των δημόσιων κτιρίων. Ο διάσημος Πύργος του Άιφελ, που χτίστηκε το 1889 για τα εγκαίνια της Παγκόσμιας Έκθεσης, έχει γίνει το σύμβολο του Παρισιού. Ο Πύργος του Άιφελ έδειξε τις τεχνικές δυνατότητες ενός νέου υλικού - μετάλλου. Ωστόσο, η αρχική καλλιτεχνική λύση δεν αναγνωρίστηκε αμέσως, ο πύργος κλήθηκε να κατεδαφιστεί, ονομάστηκε τερατώδης.

Ο νεοκλασικισμός στο πρώτο μισό του XIX αιώνα. γνώρισε μια αργή ακμή, τώρα λαμβάνει το όνομα Αυτοκρατορία (από το γαλλικό "αυτοκρατορία"), αυτό το στυλ εξέφραζε το μεγαλείο της αυτοκρατορίας που δημιούργησε ο Ναπολέοντας. Στα μέσα του αιώνα, το κύριο πρόβλημα της ευρωπαϊκής αρχιτεκτονικής ήταν η αναζήτηση του στυλ. Λόγω της ρομαντικής γοητείας με την αρχαιότητα, πολλοί δάσκαλοι προσπάθησαν να αναβιώσουν τις παραδόσεις της αρχιτεκτονικής του παρελθόντος - έτσι προέκυψε το νεογοτθικό, νεοαναγεννησιακό, νεομπαρόκ. Οι προσπάθειες των αρχιτεκτόνων οδήγησαν συχνά στον εκλεκτικισμό - έναν μηχανικό συνδυασμό στοιχείων διαφορετικών στυλ, παλιών με καινούργια.

Στην καλλιτεχνική ζωή του πρώτου μισού του 19ου αιώνα επικράτησε ο ρομαντισμός, αντανακλώντας την απογοήτευση στην ιδεολογία του Διαφωτισμού. Ο ρομαντισμός έχει γίνει μια ιδιαίτερη κοσμοθεωρία και τρόπος ζωής. Το ρομαντικό ιδανικό ενός ατόμου που δεν είναι κατανοητό από την κοινωνία διαμορφώνει τον τρόπο συμπεριφοράς των ανώτερων στρωμάτων της. Ο ρομαντισμός χαρακτηρίζεται από την αντίθεση δύο κόσμων: του πραγματικού και του φανταστικού. Η πραγματικότητα θεωρείται άψυχη, απάνθρωπη, ανάξια ενός ανθρώπου και που τον εναντιώνεται. Η «πεζογραφία της ζωής» του πραγματικού κόσμου έρχεται σε αντίθεση με τον κόσμο της «ποιητικής πραγματικότητας», τον κόσμο του ιδανικού, των ονείρων και των ελπίδων. Βλέποντας τον κόσμο των κακών στη σύγχρονη πραγματικότητα, ο ρομαντισμός προσπαθεί να βρει μια διέξοδο για τον άνθρωπο. Αυτή η έξοδος είναι ταυτόχρονα μια απομάκρυνση από την κοινωνία μέσα διαφορετικές επιλογές: ο ήρωας μπαίνει στον δικό του εσωτερικό κόσμο, πέρα ​​από τα όρια του πραγματικού χώρου και φεύγοντας για μια άλλη στιγμή. Ο ρομαντισμός αρχίζει να εξιδανικεύει το παρελθόν, ειδικά τον Μεσαίωνα, βλέποντας σε αυτό την πραγματικότητα, τον πολιτισμό και τις αξίες ως παγετό.

Ο Ευγένιος Ντελακρουά (1798-1863) έμελλε να γίνει ο επικεφαλής του γαλλικού ρομαντισμού στη ζωγραφική. Η ανεξάντλητη φαντασία αυτού του καλλιτέχνη δημιούργησε έναν ολόκληρο κόσμο εικόνων που ζουν ακόμα στον καμβά με την έντονη, γεμάτη αγώνα και πάθη ζωή τους. Ο Ντελακρουά συχνά αντλούσε κίνητρα από τα έργα των Ουίλιαμ Σαίξπηρ, Γιόχαν Βόλφγκανγκ Γκαίτε, Τζορτζ Μπάιρον, Γουόλτερ Σκοτ, στράφηκε στα γεγονότα της Γαλλικής Επανάστασης, άλλα επεισόδια εθνική ιστορία(«Μάχη του Πουατιέ»). Ο Ντελακρουά απαθανάτισε πολυάριθμες εικόνες των ανθρώπων της Ανατολής, κυρίως Αλγερινών και Μαροκινών, τους οποίους είδε κατά τη διάρκεια του ταξιδιού του στην Αφρική. Στη Σφαγή στο νησί της Χίου (1824), ο Ντελακρουά αντανακλούσε τον αγώνα των Ελλήνων κατά της Τουρκοκρατίας, που ανησύχησε τότε όλη την Ευρώπη. Μια ομάδα πονεμένων αιχμαλώτων Ελλήνων επάνω σε πρώτο πλάνοπίνακες, μεταξύ των οποίων είναι μια γυναίκα στενοχωρημένη από τη θλίψη και ένα παιδί που σέρνεται στο στήθος μιας νεκρής μητέρας, ο καλλιτέχνης αντιπαραβάλλει τις αλαζονικές και σκληρές φιγούρες των τιμωρών. μια φλεγόμενη ερειπωμένη πόλη φαίνεται στο βάθος. Η εικόνα εντυπωσίασε τους σύγχρονους με τη δύναμη του ανθρώπινου πόνου που κόβει την ανάσα και με τον ασυνήθιστα τολμηρό και ηχηρό χρώμα της.

Τα γεγονότα της επανάστασης του Ιουλίου του 1830, που έληξαν με την ήττα της επανάστασης και την αποκατάσταση της μοναρχίας, ενέπνευσαν τον Ντελακρουά να δημιουργήσει ευρέως διάσημος πίνακας«Ελευθερία στα οδοφράγματα» (1830). Η γυναίκα που ύψωσε το τρίχρωμο πανό της Γαλλικής Δημοκρατίας αντιπροσωπεύει την ελευθερία. Η εικόνα της ελευθερίας στα οδοφράγματα 0 προσωποποίηση του αγώνα.

Ο Ισπανός καλλιτέχνης Francisco Goya (1746-1828) ήταν ένας παγκοσμίως γνωστός εκπρόσωπος του ρομαντισμού.Ο Γκόγια εξελίχθηκε σε σημαντικό καλλιτέχνη σχετικά αργά. Η πρώτη σημαντική επιτυχία του έφερε δύο σειρές (1776-1791) πολυάριθμων ταπετσαριών που δημιουργήθηκαν για το Royal Manufactory της Santa Barbara στη Μαδρίτη ("Umbrella", "The Blind Guitarist", "Seller of Dishes", "Blind Man's Bluff", "Wedding"). Στη δεκαετία του '90. XVIII αιώνα στο έργο του Γκόγια, τα χαρακτηριστικά της τραγωδίας, της εχθρότητας προς τη φεουδαρχική-κληρική Ισπανία της «παλιάς τάξης» αυξάνονται. Την ασχήμια των ηθικών, πνευματικών και πολιτικών του θεμελίων ο Γκόγια αποκαλύπτει σε γκροτέσκο-τραγική μορφή, τρεφόμενος από λαογραφικές πηγές, σε μια μεγάλη σειρά χαρακτικών «Κάπριχος» (80 φύλλα με τα σχόλια του καλλιτέχνη). Η τολμηρή καινοτομία της καλλιτεχνικής γλώσσας, η έντονη εκφραστικότητα γραμμών και πινελιών, οι αντιθέσεις φωτός και σκιάς, ο συνδυασμός γκροτέσκου και πραγματικότητας, αλληγορίας και φαντασίας, κοινωνικής σάτιρας και νηφάλιας ανάλυσης της πραγματικότητας άνοιξαν νέους δρόμους για την ανάπτυξη της ευρωπαϊκής χαρακτικής. Στη δεκαετία του 1790 - αρχές του 1800, το πορτρέτο του Γκόγια έφτασε σε εξαιρετική άνθηση, όπου ένα ανήσυχο συναίσθημα μοναξιάς (πορτρέτο της Σενόρα Μπερμούντεζ), θαρραλέα αντίθεση και αμφισβήτηση στο περιβάλλον (πορτρέτο του Φ. Γκιμαρντέτ), το άρωμα του μυστηρίου και του κρυφού αισθησιασμού με τον ήχο ("Maja). Με εκπληκτική δύναμη πεποίθησης, ο καλλιτέχνης αποτύπωσε την αλαζονεία, τη σωματική και πνευματική εξαθλίωση της βασιλικής οικογένειας στο ομαδικό πορτρέτο«Η οικογένεια του Καρόλου Δ΄». Βαθύς ιστορικισμός, παθιασμένη διαμαρτυρία εμποτισμένη με τους μεγάλους πίνακες του Γκόγια αφιερωμένους στον αγώνα κατά της γαλλικής επέμβασης ("The Uprising of May 2, 1808 in Madrid", "The Execution of the Rebels on the Night of May 3, 1808"), μια σειρά από χαρακτικά που φιλοσοφικά κατανοούν τη μοίρα του Πολέμου (810,810,810,810,810, The Disaster of the people).

Francisco Goya "Caprichos"

Αν στη λογοτεχνία η υποκειμενικότητα της αντίληψης ενός καλλιτέχνη ανακαλύπτεται από τον συμβολισμό, τότε στη ζωγραφική μια παρόμοια ανακάλυψη γίνεται από τον ιμπρεσιονισμό. Ιμπρεσιονισμός (από το γαλλικό impression - impression) - κατεύθυνση σε Ευρωπαϊκή ζωγραφικήπροέρχεται από τη Γαλλία στα μέσα του 19ου αιώνα. Οι ιμπρεσιονιστές απέφευγαν κάθε λεπτομέρεια στο σχέδιο και προσπάθησαν να αποτυπώσουν τη γενική εντύπωση αυτού που βλέπει το μάτι σε μια συγκεκριμένη στιγμή. Πέτυχαν αυτό το αποτέλεσμα με τη βοήθεια του χρώματος και της υφής. Η καλλιτεχνική αντίληψη του ιμπρεσιονισμού βασίστηκε στην επιθυμία της φυσικής και φυσικής σύλληψης ο κόσμοςστην μεταβλητότητά του, μεταφέροντας τις φευγαλέες εντυπώσεις του. Γόνιμο έδαφος για την ανάπτυξη του ιμπρεσιονισμού ετοίμασαν οι καλλιτέχνες της σχολής Barbizon: ήταν οι πρώτοι που ζωγράφισαν σκίτσα από τη φύση. Η αρχή του «ζωγραφίζοντας αυτό που βλέπετε στη μέση του φωτός και του αέρα» αποτέλεσε τη βάση της ζωγραφικής πλήρους αέρα των ιμπρεσιονιστών.

Στη δεκαετία του 1860, οι νέοι ζωγράφοι του είδους E. Manet, O. Renoir, E. Degas προσπάθησαν να εμπνεύσουν γαλλική ζωγραφικήφρεσκάδα και αμεσότητα παρατήρησης της ζωής, απεικόνιση στιγμιαίων καταστάσεων, αστάθεια και ανισορροπία μορφών και συνθέσεων, ασυνήθιστες γωνίες και απόψεις. Η εργασία σε εξωτερικούς χώρους βοήθησε να δημιουργηθεί στους καμβάδες η αίσθηση του αστραφτερού χιονιού, ο πλούτος των φυσικών χρωμάτων, η διάλυση αντικειμένων στο περιβάλλον, η δόνηση του φωτός και του αέρα. Οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες έδωσαν ιδιαίτερη προσοχή στη σχέση ενός αντικειμένου με το περιβάλλον του, σε μελέτες για την αλλαγή στο χρώμα και τον τόνο ενός αντικειμένου σε ένα μεταβαλλόμενο περιβάλλον. Σε αντίθεση με τους ρομαντικούς και τους ρεαλιστές, δεν είχαν πλέον την τάση να απεικονίζουν το ιστορικό παρελθόν. Η νεωτερικότητα ήταν η περιοχή ενδιαφέροντός τους. Η ζωή των μικρών παρισινών καφέ, των θορυβωδών δρόμων, των γραφικών όχθες του Σηκουάνα, των σιδηροδρομικών σταθμών, των γεφυρών, της δυσδιάκριτης ομορφιάς των αγροτικών τοπίων. Οι καλλιτέχνες δεν είναι πλέον διατεθειμένοι να αγγίξουν οξέα κοινωνικά προβλήματα.

Το έργο του Edouard Manet (1832-1883) προέβλεψε μια νέα κατεύθυνση στη ζωγραφική - τον ιμπρεσιονισμό, αλλά ο ίδιος ο καλλιτέχνης δεν εντάχθηκε σε αυτό το κίνημα, αν και άλλαξε κάπως το δημιουργικό του στυλ υπό την επίδραση των ιμπρεσιονιστών. Ο Μανέ δήλωσε το πρόγραμμά του: «Ζήστε το χρόνο σας και απεικόνισε αυτό που βλέπετε μπροστά σας, ανακαλύπτοντας την αληθινή ομορφιά και την ποίηση στην καθημερινή πορεία της ζωής». Ταυτόχρονα, στα περισσότερα έργα του Μανέ δεν υπήρχε δράση, έστω και μια ελάχιστη πλοκή. Το Παρίσι γίνεται σταθερό κίνητρο για το έργο του Μανέ: το πλήθος της πόλης, τα καφέ και τα θέατρα, οι δρόμοι της πρωτεύουσας.

Édouard Manet "Bar at the Folies Bergère"

Edourd Manet "Music at the Tuileries"

Το ίδιο το όνομα ιμπρεσιονισμός οφείλει την προέλευσή του στο τοπίο του Κλοντ Μονέ (1840-1926) «Εντύπωση. Ανατολή ηλίου".

Στο έργο του Μονέ, το στοιχείο του φωτός απέκτησε πρωταγωνιστικό ρόλο. Μέχρι τη δεκαετία του '70. 19ος αιώνας Η εκπληκτική "Boulevard des Capucines" είναι ένα από αυτά, όπου οι πινελιές που ρίχνονται στον καμβά μεταφέρουν τόσο την προοπτική ενός πολυσύχναστου δρόμου που πηγαίνει μακριά, ένα ατελείωτο ρεύμα από άμαξες που κινούνται κατά μήκος του και ένα χαρούμενο εορταστικό πλήθος. Ζωγράφισε πολλούς πίνακες με το ίδιο, αλλά διαφορετικά φωτισμένο αντικείμενο παρατήρησης. Για παράδειγμα, μια θημωνιά το πρωί, το μεσημέρι, το βράδυ, στο φως του φεγγαριού, στη βροχή κ.ο.κ.

Πολλά από τα επιτεύγματα του ιμπρεσιονισμού συνδέονται με το έργο του Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), ο οποίος εισήλθε στην ιστορία της τέχνης ως «ζωγράφος της ευτυχίας». Πραγματικά δημιούργησε στους πίνακές του έναν ιδιαίτερο κόσμο με μαγευτικές γυναίκες και γαλήνια παιδιά, χαρούμενη φύση και όμορφα λουλούδια. Σε όλη του τη ζωή, ο Ρενουάρ ζωγράφιζε τοπία, αλλά το επάγγελμά του παρέμεινε η εικόνα ενός άνδρα. Του άρεσε να ζωγραφίζει πίνακες ειδών, όπου με εκπληκτική ζωντάνια αναδημιουργούσε τη φασαρία των παριζιάνικων δρόμων και λεωφόρων, την αδράνεια των καφέ και των θεάτρων, τη ζωντάνια των περιπάτων στην εξοχή και τις υπαίθριες διακοπές. Όλοι αυτοί οι πίνακες, ζωγραφισμένοι στο ύπαιθρο, διακρίνονται από την ηχητικότητα του χρώματος. Ο πίνακας «Moulin de la Galette» (λαϊκή μπάλα στον κήπο της αίθουσας χορού της Μονμάρτρης) είναι ένα αριστούργημα του ιμπρεσιονισμού του Ρενουάρ. Μαντεύει τον ζωηρό ρυθμό του χορού, την αναλαμπή νεανικών προσώπων. Δεν υπάρχουν απότομες κινήσεις στη σύνθεση και δημιουργείται μια αίσθηση δυναμικής από τον ρυθμό των χρωματικών κηλίδων. Η χωρική οργάνωση της εικόνας είναι ενδιαφέρουσα: το πρώτο πλάνο δίνεται από ψηλά, οι καθισμένες φιγούρες δεν συσκοτίζουν τους χορευτές. Σε πολλά πορτρέτα κυριαρχούν παιδιά και νεαρά κορίτσια, σε αυτά τα πορτρέτα αποκαλύφθηκε η δεξιοτεχνία του: «Αγόρι με γάτα», «Κορίτσι με θαυμαστή».

Ένας ενεργός συμμετέχων σε όλες τις εκθέσεις, ο Edgar Degas (1834 - 1917), ήταν μακριά από όλες τις αρχές των ιμπρεσιονιστών: ήταν αντίπαλος του plein air, δεν ζωγράφιζε από τη ζωή, δεν επιδίωξε να συλλάβει τη φύση διαφόρων καταστάσεων της φύσης. Σημαντική θέση στο έργο του Ντεγκά καταλαμβάνει μια σειρά από πίνακες που απεικονίζουν ένα γυμνό γυναικείο σώμα. Πολλοί από τους πίνακές του τα τελευταία χρόνιααφιερωμένο στη «γυναίκα πίσω από την τουαλέτα». Σε πολλά έργα, ο Ντεγκά δείχνει την ιδιαιτερότητα της συμπεριφοράς και της εμφάνισης των ανθρώπων, που δημιουργούνται από τις ιδιαιτερότητες της ζωής τους, αποκαλύπτει τον μηχανισμό μιας επαγγελματικής χειρονομίας, στάσης, κίνησης ενός ατόμου, την πλαστική ομορφιά του ("Σιδερώματα", "Πλύντες με λινό"). Στην επιβεβαίωση της αισθητικής σημασίας της ζωής των ανθρώπων, των καθημερινών τους δραστηριοτήτων, αντικατοπτρίζεται ο ιδιόρρυθμος ανθρωπισμός του έργου του Ντεγκά. Η τέχνη του Ντεγκά είναι εγγενής στον συνδυασμό του όμορφου, μερικές φορές φανταστικού και του πεζού: μεταφέροντας το εορταστικό πνεύμα του θεάτρου σε πολλές σκηνές μπαλέτου ("Ballet Star", "Ballet School", "Dance Lesson").

Ο μετα-ιμπρεσιονισμός καλύπτει την περίοδο από το 1886, όταν πραγματοποιήθηκε η τελευταία έκθεση ιμπρεσιονιστών, η οποία παρουσίασε τα πρώτα έργα των Νεοϊμπρεσιονιστών, έως τη δεκαετία του 1910, η οποία προανήγγειλε τη γέννηση μιας εντελώς νέας τέχνης με τις μορφές του κυβισμού και του φωβισμού. Ο όρος «μετα-ιμπρεσιονισμός» εισήχθη από τον Άγγλο κριτικό Roger Fry, εκφράζοντας τη γενική εντύπωση της έκθεσης μοντέρνας γαλλικής τέχνης που οργάνωσε στο Λονδίνο το 1910, η οποία παρουσίαζε έργα των Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cezanne και άλλων καλλιτεχνών.

Οι μετα-ιμπρεσιονιστές, πολλοί από τους οποίους είχαν προηγουμένως ενταχθεί στον ιμπρεσιονισμό, άρχισαν να αναζητούν μεθόδους έκφρασης όχι μόνο του στιγμιαίου και παροδικού - κάθε στιγμή, άρχισαν να κατανοούν τις μακροπρόθεσμες καταστάσεις του κόσμου γύρω τους. Ο μετα-ιμπρεσιονισμός χαρακτηρίζεται από διαφορετικά δημιουργικά συστήματα και τεχνικές που επηρέασαν τη μετέπειτα ανάπτυξη των καλών τεχνών. Το έργο του Βαν Γκογκ περίμενε την έλευση του Εξπρεσιονισμού, ο Γκογκέν άνοιξε το δρόμο για την Αρ Νουβό.

Ο Vincent van Gogh (1853-1890) δημιούργησε τα πιο εντυπωσιακά καλλιτεχνικές εικόνεςμε σύνθεση (συνδυασμό) σχεδίου και χρώματος. Η τεχνική του Βαν Γκογκ είναι τελείες, κόμματα, κάθετες γραμμές, συμπαγή σημεία. Οι δρόμοι, τα κρεβάτια και τα αυλάκια του τρέχουν πραγματικά μακριά, και οι θάμνοι καίγονται στο έδαφος σαν φωτιές. Δεν απεικόνιζε ούτε μια άπιαστη στιγμή, αλλά τη συνέχεια των στιγμών. Δεν απεικόνισε αυτό το φαινόμενο ενός δέντρου που λυγίζει ο άνεμος, αλλά την ίδια την ανάπτυξη ενός δέντρου από το έδαφος.. Ο Βαν Γκογκ ήξερε πώς να μετατρέπει τα πάντα τυχαία σε κοσμικά. Η ψυχή του Βαν Γκογκ απαιτούσε έντονα χρώματα, παραπονιόταν συνεχώς στον αδερφό του για την έλλειψη δύναμης ακόμη και του αγαπημένου του λαμπερού κίτρινου χρώματος.

Η Έναστρη Νύχτα δεν ήταν η πρώτη προσπάθεια του Βαν Γκογκ να απεικονίσει τον νυχτερινό ουρανό. Το 1888, στην Αρλ, ζωγράφισε την Έναστρη Νύχτα πάνω από τον Ροδανό. Ο Βαν Γκογκ ήθελε να απεικονίσει την έναστρη νύχτα ως παράδειγμα της δύναμης της φαντασίας, η οποία μπορεί να δημιουργήσει πιο εκπληκτική φύση από ό,τι μπορούμε να αντιληφθούμε όταν κοιτάμε τον πραγματικό κόσμο.

Η αυξημένη αντίληψη της πραγματικότητας και η ψυχική ανισορροπία οδηγούν τον Βαν Γκογκ σε ψυχική ασθένεια. Ο Γκωγκέν έρχεται για να μείνει στην Αρλ, αλλά οι δημιουργικές διαφορές προκαλούν καυγά. Ο Βαν Γκογκ ρίχνει ένα ποτήρι στο κεφάλι του καλλιτέχνη και στη συνέχεια, μετά τη δήλωση του Γκωγκέν για την πρόθεσή του να φύγει, πετάγεται εναντίον του με ένα ξυράφι. Σε μια κρίση τρέλας το βράδυ της ίδιας μέρας, ο καλλιτέχνης κόβει το αυτί του («Αυτοπροσωπογραφία με δεσμευμένο αυτί»).

Το έργο του Paul Gauguin (1848-1903) είναι αχώριστο από την τραγική του μοίρα. Το πιο σημαντικό πράγμα στη στυλιστική αντίληψη του Γκωγκέν ήταν η κατανόηση του χρώματος. Περίπου. Η Ταϊτή, όπου ο καλλιτέχνης έφυγε το 1891, υπό την επίδραση των πρωτόγονων μορφών της πολυνησιακής τέχνης, ζωγράφισε εικόνες που διακρίνονται από διακοσμητικότητα, επίπεδες φόρμες και εξαιρετικά καθαρά χρώματα. Ο «εξωτικός» πίνακας του Γκωγκέν - «Ζηλεύεις;», «Το όνομά της είναι Βαϊραουμάτι», «Γυναίκα που κρατά ένα έμβρυο» - αντικατοπτρίζει όχι τόσο τις φυσικές ιδιότητες των αντικειμένων όσο τη συναισθηματική κατάσταση του καλλιτέχνη και το συμβολικό νόημα των εικόνων που συνέλαβε. Η ιδιαιτερότητα του στυλ ζωγραφικής του Γκωγκέν είναι ένα έντονο διακοσμητικό αποτέλεσμα, η επιθυμία να ζωγραφίσει πάνω από μεγάλα επίπεδα του καμβά με ένα χρώμα, ερωτευμένος για διακόσμηση, που υπήρχε στα υφάσματα των ρούχων και στα χαλιά και στο φόντο του τοπίου.

Paul Gauguin «Πότε να παντρευτείς» «Γυναίκα που κρατά ένα έμβρυο»

Το σημαντικότερο επίτευγμα του πολιτισμού του XIX αιώνα. είναι η ανάδυση της τέχνης της φωτογραφίας και του design. Η πρώτη κάμερα στον κόσμο κατασκευάστηκε το 1839 από τον Louis Jacques Mande Daguerre.

Οι πρώτες προσπάθειες του Daguerre να φτιάξει μια λειτουργική κάμερα ήταν ανεπιτυχείς. Το 1827, γνώρισε τον Joseph Niépce, ο οποίος επίσης προσπαθούσε (και μέχρι τότε είχε ελαφρώς μεγαλύτερη επιτυχία) να εφεύρει την κάμερα. Δύο χρόνια αργότερα έγιναν σύντροφοι. Ο Niépce πέθανε το 1833, αλλά ο Daguerre συνέχισε να εργάζεται σκληρά. Μέχρι το 1837 κατάφερε τελικά να αναπτυχθεί πρακτικό σύστημαφωτογραφία, που ονομάζεται daguerreotype. Η εικόνα (daguerreotype) λήφθηκε σε μια πλάκα αργύρου επεξεργασμένη με ατμό ιωδίου. Μετά από έκθεση για 3-4 ώρες, η πλάκα αναπτύχθηκε σε ατμό υδραργύρου και στερεώθηκε με ένα θερμό διάλυμα κοινού αλατιού ή υποθειώδους. Οι δαγκεροτυπίες ήταν πολύ υψηλής ποιότητας εικόνας, αλλά μπορούσε να ληφθεί μόνο μία λήψη.

Το 1839 ο Daguerre δημοσίευσε την εφεύρεσή του αλλά δεν κατέθεσε δίπλωμα ευρεσιτεχνίας. Σε απάντηση, η γαλλική κυβέρνηση χορήγησε σε αυτόν και στον γιο του Niépce ισόβιες συντάξεις. Η ανακοίνωση της εφεύρεσης του Νταγκέρ προκάλεσε μεγάλη αίσθηση. Ο Daguerre έγινε ο ήρωας της ημέρας, η φήμη έπεσε πάνω του και η μέθοδος daguerreotype βρήκε γρήγορα ευρεία εφαρμογή.

Η ανάπτυξη της φωτογραφίας οδήγησε σε μια αναθεώρηση καλλιτεχνικές αρχέςγραφικά, ζωγραφική, γλυπτική, συνδυασμένη καλλιτεχνία και ντοκιμαντέρ, κάτι που δεν είναι εφικτό σε άλλες μορφές τέχνης. Η βάση για το σχεδιασμό τέθηκε από τη Διεθνή Βιομηχανική Έκθεση στο Λονδίνο το 1850. Ο σχεδιασμός του σηματοδότησε τη σύγκλιση της τέχνης και της τεχνολογίας και έθεσε τα θεμέλια για ένα νέο είδος δημιουργικότητας.

Louis Daguerre, Nicephore Niepce και Niepce's Camera Obscura

Joseph Nicephore Niepce. Η πρώτη φωτογραφία στον κόσμο που τραβήχτηκε σε κράμα κασσίτερου και μολύβδου, 1826.

Το «Στούντιο καλλιτέχνη» του Νταγκέρ, 1837

Στη δεκαετία του 1870, δύο εφευρέτες, ο Elisha Gray και ο Alexander Graham Bell, ανέπτυξαν ανεξάρτητα συσκευές που μπορούσαν να μεταδώσουν την ομιλία μέσω ηλεκτρικής ενέργειας, την οποία αργότερα ονόμασαν τηλέφωνο. Και οι δύο έστειλαν τις αντίστοιχες πατέντες τους στα γραφεία διπλωμάτων ευρεσιτεχνίας, η διαφορά στις αρχειοθετήσεις ήταν μόνο λίγες ώρες. Ωστόσο, ο Alexander Graham Bell) έλαβε πρώτος το δίπλωμα ευρεσιτεχνίας.

Το τηλέφωνο και ο τηλέγραφος είναι ηλεκτρικά συστήματα που βασίζονται σε καλώδια. Η επιτυχία του Alexander Bell, ή μάλλον η εφεύρεσή του, ήταν απολύτως φυσική, αφού, εφευρίσκοντας το τηλέφωνο, προσπάθησε να βελτιώσει τον τηλέγραφο. Όταν ο Μπελ άρχισε να πειραματίζεται με ηλεκτρικά σήματα, ο τηλέγραφος είχε ήδη χρησιμοποιηθεί ως μέσο επικοινωνίας για περίπου 30 χρόνια. Αν και ο τηλέγραφος ήταν ένα αρκετά επιτυχημένο σύστημα επικοινωνίας βασισμένο στον κώδικα Μορς με την εμφάνιση γραμμάτων χρησιμοποιώντας τελείες και παύλες, ωστόσο, το μεγάλο μειονέκτημα του τηλέγραφου ήταν ότι οι πληροφορίες περιορίζονταν στη λήψη και αποστολή ενός μηνύματος τη φορά.

Ο Alexander Bell μιλάει στο πρώτο μοντέλο τηλεφώνου

Το πρώτο τηλέφωνο, που δημιούργησε ο Alexander Graham Bell, ήταν μια συσκευή μέσω της οποίας μεταδίδονταν οι ήχοι της ανθρώπινης ομιλίας χρησιμοποιώντας ηλεκτρισμό (1875). Στις 2 Ιουνίου 1875, ο Alexander Graham Bell, ενώ πειραματιζόταν με την τεχνική του, την οποία ονόμασε «αρμονικός τηλέγραφος», ανακάλυψε ότι μπορούσε να ακούσει ήχο μέσω ενός καλωδίου. Ήταν ο ήχος ενός ρολογιού.

Η μεγαλύτερη επιτυχία του Μπελ σημειώθηκε στις 10 Μαρτίου 1876. Μιλώντας μέσω σωλήνα με τον βοηθό του, Τόμας Γουάτσον, που βρισκόταν στο διπλανό δωμάτιο, ο Μπελ πρόφερε τα λόγια που είναι γνωστά σε όλους σήμερα «Mr. Watson - έλα εδώ - θέλω να σε δω "(Κύριε Watson - έλα εδώ - θέλω να σε δω). Αυτή τη στιγμή, όχι μόνο γεννήθηκε το τηλέφωνο, αλλά πέθανε και ο πολλαπλός τηλέγραφος. Η δυνατότητα της επικοινωνίας να αποδείξει ότι ήταν δυνατή η ομιλία μέσω ηλεκτρικής ενέργειας ήταν πολύ διαφορετική από ό,τι μπορούσε να προσφέρει ο τηλέγραφος με το σύστημα μετάδοσης πληροφοριών χρησιμοποιώντας τελείες και παύλες.

Η έννοια του κινηματογράφου εμφανίστηκε για πρώτη φορά στη γαλλική εκδοχή του - "cinema", που υποδηλώνει ένα σύστημα δημιουργίας και προβολής μιας ταινίας, που αναπτύχθηκε από τους αδελφούς Louis Jean και Auguste Lumiere. Η πρώτη ταινία γυρίστηκε με κινηματογραφική μηχανή από τον Γάλλο Louis Aimé Augustin Le Prinecy (1842–1890) τον Νοέμβριο του 1888 στη Μεγάλη Βρετανία και αποτελούνταν από δύο κομμάτια: το πρώτο είχε 10-12 φωτογραφίες το δευτερόλεπτο, το δεύτερο είχε 20 φωτογραφίες το δευτερόλεπτο. Επισήμως όμως πιστεύεται ότι ο κινηματογράφος ξεκινάει στις 28 Δεκεμβρίου 1895. Την ημέρα αυτή, στο ινδικό σαλόνι «Grand Cafe» στη λεωφόρο των Capucines (Παρίσι, Γαλλία), πραγματοποιήθηκε δημόσια προβολή της ταινίας «Κινηματογράφος των αδελφών Lumiere». Το 1896, τα αδέρφια έκαναν μια παγκόσμια περιοδεία με την εφεύρεσή τους, επισκεπτόμενοι το Λονδίνο, τη Νέα Υόρκη, τη Βομβάη.

Ο Louis Jean Lumiere αποφοίτησε από βιομηχανική σχολή, ήταν φωτογράφος και εργάστηκε σε ένα φωτογραφικό εργοστάσιο που ανήκε στον πατέρα του. Το 1895, ο Lumière εφηύρε την κινηματογραφική κάμερα για τη λήψη και την προβολή "κινούμενων φωτογραφιών". Ο αδερφός του Auguste Lumiere συμμετείχε ενεργά στη δουλειά του για την εφεύρεση του κινηματογράφου. Η συσκευή κατοχυρώθηκε με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας και ονομάστηκε κινηματογράφος. Τα πρώτα κινηματογραφικά προγράμματα του Lumiere έδειχναν σκηνές που γυρίστηκαν στην τοποθεσία: «Έξοδος εργαζομένων από το εργοστάσιο του Lumiere», «Άφιξη τρένου», «Πρωινό του παιδιού», «Πασπαλισμένο ποτίστρο» και άλλα. Είναι ενδιαφέρον ότι η λέξη lumiere στα γαλλικά σημαίνει «φως». Ίσως είναι ατύχημα, ή ίσως η μοίρα των δημιουργών του κινηματογράφου είχε κριθεί εκ των προτέρων.

Αντροπόφ Αλεξέι Πέτροβιτς(1716-1795) - Ρώσος ζωγράφος. Τα πορτρέτα του Antropov διακρίνονται για τη σύνδεσή τους με την παράδοση της parsuna, την αλήθεια των χαρακτηριστικών, τεχνικές ζωγραφικήςμπαρόκ.

Αργκούνοφ Ιβάν Πέτροβιτς(1729-1802) - Ρώσος δουλοπάροικος προσωπογράφος. Συγγραφέας αντιπροσωπευτικών τελετουργικών και πορτρέτων δωματίου.

Αργκούνοφ Νικολάι Ιβάνοβιτς(1771-1829) - Ρώσος δουλοπάροικος προσωπογράφος, που βίωσε την επίδραση του κλασικισμού στο έργο του. Ο συγγραφέας του διάσημου πορτρέτου του P. I. Kovaleva-Zhemchugova.

Μπαζένοφ Βασίλι Ιβάνοβιτς(1737-1799) - ο μεγαλύτερος Ρώσος αρχιτέκτονας, ένας από τους ιδρυτές του ρωσικού κλασικισμού. Συγγραφέας του έργου για την ανοικοδόμηση του Κρεμλίνου, του ρομαντικού συνόλου του παλατιού και του πάρκου στο Tsaritsyn, του Pashkov House στη Μόσχα, του Mikhailovsky Castle στην Αγία Πετρούπολη. Τα έργα του διακρίθηκαν από την τόλμη της σύνθεσης, την ποικιλία ιδεών, τη δημιουργική χρήση και τον συνδυασμό των παραδόσεων της παγκόσμιας κλασικής και αρχαίας ρωσικής αρχιτεκτονικής.

Bering Vitus Jonassen (Ιβάν Ιβάνοβιτς)(1681-1741) - πλοηγός, καπετάνιος-διοικητής του ρωσικού στόλου (1730). Αρχηγός της 1ης (1725–1730) και της 2ης (1733–1741) αποστολών Καμτσάτκα. Πέρασε μεταξύ της χερσονήσου Chukchi και της Αλάσκας (το στενό μεταξύ τους φέρει τώρα το όνομά του), έφτασε στη Βόρεια Αμερική και ανακάλυψε μια σειρά από νησιά στην κορυφογραμμή των Αλεούτιων. Μια θάλασσα, ένα στενό και ένα νησί στον Βόρειο Ειρηνικό Ωκεανό έχουν πάρει το όνομά τους από τον Bering.

Borovikovsky Vladimir Lukich(1757-1825) - Ρώσος προσωπογράφος. Τα έργα του χαρακτηρίζονται από χαρακτηριστικά συναισθηματισμού, συνδυασμό διακοσμητικής λεπτότητας και χάρης ρυθμών με αληθινή μεταφορά χαρακτήρα (πορτρέτο του M. I. Lopukhina και άλλων).

Volkov Fedor Grigorievich(1729-1763) - Ρώσος ηθοποιός και θεατρική προσωπικότητα. Το 1750, οργάνωσε έναν ερασιτεχνικό θίασο στο Γιαροσλάβλ (ηθοποιοί - I. A. Dmitrevsky, Ya. D. Shumsky), βάσει του οποίου το 1756 δημιουργήθηκε το πρώτο μόνιμο επαγγελματικό ρωσικό δημόσιο θέατρο στην Αγία Πετρούπολη. Ο ίδιος έπαιξε σε μια σειρά από τραγωδίες του Σουμαρόκοφ.

Derzhavin Gavrila Romanovich (1743-1816) - Ρώσος ποιητής. Εκπρόσωπος του ρωσικού κλασικισμού. Ο συγγραφέας των επίσημων ωδών εμποτισμένος με την ιδέα ενός ισχυρού ρωσικού κρατιδίου, συμπεριλαμβανομένης της σάτιρας για τους ευγενείς, τα τοπία και τα οικιακά σκίτσα, φιλοσοφικές σκέψεις - "Felitsa", "Velmozha", "Καταρράκτης". Συγγραφέας πολλών λυρικών ποιημάτων.

Καζάκοφ Ματβέι Φιοντόροβιτς(1738-1812) - ένας εξαιρετικός Ρώσος αρχιτέκτονας, ένας από τους ιδρυτές του ρωσικού κλασικισμού. Στη Μόσχα, ανέπτυξε τύπους αστικών κτιρίων κατοικιών και δημόσιων κτιρίων που οργανώνουν μεγάλους αστικούς χώρους: η Γερουσία στο Κρεμλίνο (1776–1787). Πανεπιστήμιο της Μόσχας (1786–1793); Νοσοκομείο Golitsynskaya (1st Gradskaya) (1796–1801); σπίτι-κτήμα του Demidov (1779-1791); Παλάτι Petrovsky (1775-1782) κ.λπ. Επέδειξε ιδιαίτερο ταλέντο στην εσωτερική διακόσμηση (το κτίριο της Συνέλευσης των Ευγενών στη Μόσχα). Επιβλέπει την κατάρτιση του γενικού σχεδίου της Μόσχας. Δημιούργησε μια αρχιτεκτονική σχολή.

Kantemir Antioch Dmitrievich(1708-1744) - Ρώσος ποιητής, διπλωμάτης. Ορθολογιστής παιδαγωγός. Ένας από τους ιδρυτές του ρωσικού κλασικισμού στο είδος της ποιητικής σάτιρας.

Κουαρέγκι Τζάκομο(1744-1817) - Ρώσος αρχιτέκτονας ιταλικής καταγωγής, εκπρόσωπος του κλασικισμού. Εργάστηκε στη Ρωσία από το 1780. Το περίπτερο « Μέγαρο Μουσικής«(1786) και το Alexander Palace (1792-1800) στο Tsarskoye Selo, η Assignment Bank (1783-1790), το Θέατρο Ερμιτάζ (1783-1787), το Ινστιτούτο Smolny (1806-1808) στην Αγία Πετρούπολη.

Κρασενίννικοφ Στέπαν Πέτροβιτς(1711-1755) - Ρώσος περιηγητής, εξερευνητής της Καμτσάτκα, ακαδημαϊκός της Ακαδημίας Επιστημών της Αγίας Πετρούπολης (1750). Μέλος της 2ης αποστολής Καμτσάτκα (1733–1743). Συνέταξε την πρώτη «Περιγραφή της γης της Καμτσάτκα» (1756).

Κουλίμπιν Ιβάν Πέτροβιτς(1735-1818) - ένας εξαιρετικός Ρώσος αυτοδίδακτος μηχανικός. Συγγραφέας πολλών μοναδικών μηχανισμών. Βελτιωμένο γυαλί γυαλίσματος για οπτικά όργανα. Ανέπτυξε ένα έργο και κατασκεύασε ένα μοντέλο μονότοξης γέφυρας κατά μήκος του ποταμού. Νέβα με άνοιγμα 298 μ. Δημιούργησε ένα πρωτότυπο προβολέα («λάμπα καθρέφτη»), σηματοφόρο τηλέγραφο, ανελκυστήρα παλατιού κ.λπ.

Laptev Khariton Prokofievich(1700-1763) - καπετάνιος της 1ης τάξης. Έρευνα το 1739–1742. ακτή από το ποτάμι Η Λένα στο ποτάμι. Khatanga και η χερσόνησος Taimyr.

Λεβίτσκι Ντμίτρι Γκριγκόριεβιτς(1735-1822) - Ρώσος ζωγράφος. Σε συνθετικά θεαματικά τελετουργικά πορτρέτα, η επισημότητα συνδυάζεται με τη ζωτικότητα των εικόνων, τον πολύχρωμο πλούτο (“Kokorinov”, 1769–1770· μια σειρά από πορτρέτα μαθητών του Ινστιτούτου Smolny, 1773–1776). Τα οικεία πορτρέτα είναι βαθιά ατομικά στα χαρακτηριστικά τους, συγκρατημένα στο χρώμα («M. A. Dyakova», 1778). ΣΕ όψιμη περίοδοςπήρε εν μέρει την επιρροή του κλασικισμού (πορτρέτο της Αικατερίνης Β', 1783).

Λομονόσοφ Μιχαήλ Βασίλιεβιτς(1711-1765) - ο πρώτος Ρώσος παγκόσμιας κλάσης επιστήμονας-εγκυκλοπαιδικός, ποιητής. Ο ιδρυτής της σύγχρονης ρωσικής λογοτεχνικής γλώσσας. Καλλιτέχνης. Ιστοριογράφος. Φιγούρα δημόσιας εκπαίδευσης και επιστήμης. Σπούδασε στη Σλαβοελληνολατινική Ακαδημία της Μόσχας (από το 1731), στο Ακαδημαϊκό Πανεπιστήμιο της Αγίας Πετρούπολης (από το 1735), στη Γερμανία (1736-1741), από το 1742. - επικουρικός, από το 1745 - ο πρώτος Ρώσος ακαδημαϊκός της Ακαδημίας Επιστημών της Αγίας Πετρούπολης. Μέλος της Ακαδημίας Τεχνών (1763).

Μάικοφ Βασίλι Ιβάνοβιτς(1728-1778) - Ρώσος ποιητής. Συγγραφέας των ποιημάτων The Ombre Player (1763), Elisha, or the Irritated Bacchus (1771), Prayerful Fables (1766–1767).

Πολζούνοφ Ιβάν Ivanovich (1728-1766) - Ρώσος μηχανικός θέρμανσης, ένας από τους εφευρέτες της θερμικής μηχανής. Το 1763, ανέπτυξε ένα έργο για μια γενική ατμομηχανή. Το 1765, δημιούργησε το πρώτο εργοστάσιο ατμού και θερμότητας στη Ρωσία για τις ανάγκες του εργοστασίου, το οποίο λειτούργησε για 43 ημέρες. Πέθανε πριν από τη δοκιμή της.

Ποπόφσκι Νικολάι Νίκιτιτς(1730-1760) - Ρώσος εκπαιδευτικός, φιλόσοφος και ποιητής. Καθηγητής στο Πανεπιστήμιο της Μόσχας (από το 1755). Υποστηρικτής και ένας από τους ιδεολόγους του πεφωτισμένου απολυταρχισμού.

Ραστρέλι Μπαρτολομέο Κάρλο(1675-1744) - γλύπτης. Ιταλικός. Από το 1716 - στην υπηρεσία στην Αγία Πετρούπολη, τα έργα του χαρακτηρίζονται από μπαρόκ λαμπρότητα και μεγαλοπρέπεια, την ικανότητα να μεταδίδει την υφή του απεικονιζόμενου υλικού («Αυτοκράτειρα Άννα Ιωάννοβνα με ένα μαύρο παιδί», 1733-1741).

Ραστρέλι Βαρφολομέι Βαρφολομέεβιτς(1700-1771) - ένας εξαιρετικός Ρώσος αρχιτέκτονας, εκπρόσωπος του μπαρόκ. Γιος του B. K. Rastrelli. Τα έργα του χαρακτηρίζονται από μεγαλειώδη χωρική εμβέλεια, σαφήνεια όγκων, αυστηρότητα ευθύγραμμων κατόψεων, σε συνδυασμό με πλαστικότητα μαζών, πλούτο γλυπτικής διακόσμησης και χρώματος, ιδιότροπη διακόσμηση. Τα μεγαλύτερα έργαείναι το μοναστήρι Smolny (1748–1754) και το χειμερινό παλάτι (1754–1762) στην Αγία Πετρούπολη, Μεγάλο παλάτιστο Peterhof (1747–1752), το παλάτι της Αικατερίνης στο Tsarskoye Selo (1752–1757).

Rokotov Fedor Stepanovich(1735-1808) - Ρώσος ζωγράφος. Ωραία στη ζωγραφική, βαθιά ποιητικά πορτρέταεμποτισμένο με επίγνωση της πνευματικής και σωματικής ομορφιάς ενός ατόμου ("Άγνωστος με ροζ φόρεμα", 1775; "VE Novosiltsova", 1780, κ.λπ.).

Σουμαρόκοφ Αλεξάντερ Πέτροβιτς(1717-1777) - Ρώσος συγγραφέας, ένας από τους εξέχοντες εκπροσώπους του κλασικισμού. Στις τραγωδίες «Χόρεφ» (1747), «Σινάβ και Τρουβόρ» (1750) και άλλες, έθεσε το πρόβλημα του πολιτικού καθήκοντος. Συγγραφέας πολλών κωμωδιών, μύθων, λυρικών τραγουδιών.

Tatishchev Vasily Nikitich(1686-1750) - Ρώσος ιστορικός, πολιτικός. Διαχειριζόταν κρατικά εργοστάσια στα Ουράλια, ήταν ο κυβερνήτης του Αστραχάν. Συγγραφέας πολλών έργων για την εθνογραφία, την ιστορία, τη γεωγραφία. Το μεγαλύτερο και πιο διάσημο έργο είναι η «Ρωσική ιστορία από την αρχαιότητα».

Τρεντιακόφσκι Βασίλι Κιρίλοβιτς(1703-1768) - Ρώσος ποιητής, φιλόλογος, ακαδημαϊκός της Ακαδημίας Επιστημών της Αγίας Πετρούπολης (1745-1759). Στο έργο «Ένας νέος και σύντομος τρόπος σύνθεσης της ρωσικής ποίησης» (1735) διατύπωσε τις αρχές της ρωσικής συλλαβοτονικής στιχουργίας. Το ποίημα «Τηλεμαχίδα» (1766).

Trezzini Domenico(1670-1734) - Ρώσος αρχιτέκτονας, εκπρόσωπος του πρώιμου μπαρόκ. Ελβετός κατά εθνικότητα. Στη Ρωσία από το 1703 (προσκλήθηκε να συμμετάσχει στην κατασκευή της Αγίας Πετρούπολης). Έκτισε το θερινό παλάτι του Πέτρου Α' (1710–1714), τον Καθεδρικό Ναό του Αγ. Peter and Paul in the Peter and Paul Fortress (1712–1733), το κτίριο 12 κολεγίων (1722–1734) στην Αγία Πετρούπολη.

Φέλτεν Γιούρι Ματβέβιτς(1730-1801) - Ρώσος αρχιτέκτονας, εκπρόσωπος του πρώιμου κλασικισμού. Συγγραφέας του Παλαιού Ερμιτάζ (1771–1787), φράχτες του καλοκαιρινού κήπου (1771–1784) στην Αγία Πετρούπολη. Συμμετείχε στην κατασκευή των επιχωμάτων από γρανίτη του Νέβα (από το 1769).

Χεράσκοφ Μιχαήλ Ματβέεβιτς(1733-1807) - Ρώσος συγγραφέας. Συγγραφέας του διάσημου επικού ποιήματος «Rossiyada» (1779), γραμμένο στο πνεύμα του κλασικισμού.

Σέλιχοφ (Σέλεχοφ) Γκριγκόρι Ιβάνοβιτς(1747-1795) - Ρώσος έμπορος, πρωτοπόρος. Το 1775, δημιούργησε μια εταιρεία για το εμπόριο γούνας και γούνας βόρεια νησιάΕιρηνικός Ωκεανός και Αλάσκα. Ίδρυσε τους πρώτους ρωσικούς οικισμούς στη Ρωσική Αμερική. Διεξήγαγε σημαντική γεωγραφική έρευνα. Με βάση την εταιρεία που δημιούργησε ο Shelikhov, ιδρύθηκε η Ρωσοαμερικανική Εταιρεία το 1799.

Shubin Fedot Ivanovich(1740-1805) - ένας εξαιρετικός Ρώσος γλύπτης. εκπρόσωπος του κλασικισμού. Δημιούργησε μια γκαλερί ψυχολογικά εκφραστικών γλυπτικών πορτρέτων (προτομές του A. M. Golitsyn, 1775· M. R. Panina, 1775· I. G. Orlova, 1778· M. V. Lomonosov, 1792, κ.λπ.).

Γιαχόντοφ Νικολάι Παβλόβιτς(1764-1840) - Ρώσος συνθέτης. Ο συγγραφέας μιας από τις πρώτες ρωσικές όπερες "Sylph, or the Dream of a Young Woman".

    Ρωσική τέχνη του πρώτου ημιχρόνου XIX αιώνας. Εθνική έξαρση που σχετίζεται με τον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812. Πόλεμος και η εξέγερση των Δεκεμβριστών στη ρωσική κουλτούρα στο πρώτο τρίτο του αιώνα Οξείες χρονικές αντιθέσεις στη δεκαετία του '40. Ρομαντικά μοτίβα στη λογοτεχνία και την τέχνη, όπως είναι φυσικό για τη Ρωσία, η οποία εμπλέκεται στην πανευρωπαϊκή πολιτιστική διαδικασία για περισσότερο από έναν αιώνα. Η διαδρομή από τον κλασικισμό στον κριτικό ρεαλισμό μέσω του ρομαντισμού.

    Ο αυξημένος κοινωνικός ρόλος του καλλιτέχνη, η σημασία της προσωπικότητάς του, το δικαίωμα στην ελευθερία της δημιουργικότητας, στο οποίο τίθενται όλο και περισσότερο κοινωνικά και ηθικά προβλήματα. η δημιουργία συλλόγων τέχνης και ειδικών περιοδικών («Ελεύθερη Εταιρεία Λοτρών της Λογοτεχνίας, των Επιστημών και των Τεχνών», «Εφημερίδα Καλών Τεχνών», «Εταιρεία για την Ενθάρρυνση των Καλλιτεχνών», «Ρωσικό Μουσείο», «Ρωσική Πινακοθήκη»), επαρχιακές σχολές τέχνης. Το κυρίαρχο στυλ αυτής της εποχής είναι ο κλασικός ή υψηλός, εμπειρικός.

    Η αρχιτεκτονική του πρώτου τρίτου του αιώνα είναι η λύση μεγάλων αστικών προβλημάτων. Στην Αγία Πετρούπολη ολοκληρώνεται η διάταξη των κεντρικών πλατειών της πρωτεύουσας: του Παλατιού και της Γερουσίας. Η Μόσχα χτίστηκε ιδιαίτερα εντατικά μετά την πυρκαγιά του 1812. Η αρχαιότητα στην ελληνική (και μάλιστα αρχαϊκή) εκδοχή της γίνεται η ιδανική. Χρησιμοποιείται η δωρική (ή τοσκανική) τάξη, αυστηρή και συνοπτική. Τεράστιο ρόλο στη συνολική εμφάνιση του κτιρίου παίζει η γλυπτική, η οποία έχει ένα ορισμένο σημασιολογικό νόημα. Το χρώμα αποφασίζει πολλά, συνήθως η αρχιτεκτονική του υψηλού κλασικισμού είναι δίχρωμη: οι κολώνες και τα αγάλματα από γυψομάρμαρο είναι λευκά, το φόντο είναι κίτρινο ή σκουλαρίκια. Μεταξύ των κτιρίων, την κύρια θέση καταλαμβάνουν δημόσια κτίρια: θέατρα, τμήματα, εκπαιδευτικά ιδρύματα, παλάτια και ναοί χτίζονται πολύ λιγότερο συχνά.

    Α. Βορονίχιν - ο μεγαλύτερος αρχιτέκτονας αυτής της εποχής (καθεδρικός ναός του Καζάν). Α.Ζαχάρωφ από το 1805 - «ο κύριος αρχιτέκτονας του Ναυαρχείου» (Το Ναυαρχείο ως το κύριο σύνολο της Αγίας Πετρούπολης). C. Rossi - ο κορυφαίος αρχιτέκτονας της Πετρούπολης του πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα. ("Ρωσική Αυτοκρατορία"), "σκέφτομαι σε σύνολα": ένα παλάτι ή ένα θέατρο που μετατράπηκε σε πολεοδομικό κόμβο από πλατείες και νέους δρόμους (Παλάτι Μιχαηλόφσκι, τώρα το Ρωσικό Μουσείο, κτίριο Θέατρο Αλεξάνδρεια; Κτήριο της Γερουσίας στη διάσημη πλατεία Γερουσίας). «Ο πιο αυστηρός» από όλους τους αρχιτέκτονες του ύστερου κλασικισμού Β. Στάσο V(Ο στρατώνας Pavlovsky στο Πεδίο του Άρη, το "Στάβλο τμήμα" στο ανάχωμα Moika, ο καθεδρικός ναός του συντάγματος Izmailovsky, οι θριαμβευτικές πύλες Narva και Moscow, εσωτερικοί χώροι Χειμερινό Παλάτιμετά τη φωτιά), που τονίζει παντού τη μάζα, την πλαστική βαρύτητα, τη στατικότητα, την εντυπωσιακότητα και τη βαρύτητά της. Ο καθεδρικός ναός του Αγίου Ισαάκ στην Αγία Πετρούπολη (O.Montferrand) είναι ένα από τα τελευταία εξαιρετικά μνημεία θρησκευτικής αρχιτεκτονικής στην Ευρώπη του 19ου αιώνα, που ένωσε καλύτερες δυνάμειςαρχιτέκτονες, γλύπτες, ζωγράφοι, τέκτονες και τροχίσκοι, ένα παράδειγμα κλασικισμού που χάνει την αρμονία, τη βαρύτητα, την πολυπλοκότητά του.

    Η σύνδεση της γλυπτικής του πρώτου μισού του αιώνα με την ανάπτυξη της αρχιτεκτονικής: τα αγάλματα του Barclay de Tolly και του Kutuzov στον καθεδρικό ναό του Kazan (B. Orlovsky), που έδωσαν στα σύμβολα της ηρωικής αντίστασης ένα όμορφο αρχιτεκτονικό πλαίσιο. (“Guy Playing Money” του N. Pimenov, “Guy Playing Pile” του A. Loganovsky). το άλλο αποκαλύπτει την επιθυμία για μια πιο άμεση και πολυμερή αντανάκλαση της πραγματικότητας, γίνεται ευρέως διαδεδομένη στο δεύτερο μισό του αιώνα, αλλά και οι δύο κατευθύνσεις χάνουν σταδιακά τα χαρακτηριστικά του μνημειακού στυλ.

    Αληθινές επιτυχίες της ζωγραφικής στον ρομαντισμό. Στο είδος του πορτραίτου, την πρωταγωνιστική θέση κατέχουν Ο. Κιπρένσκι (ο πίνακας "Dmitry Donskoy για τη νίκη επί του Mamai", που έδωσε το δικαίωμα στο ταξίδι ενός συνταξιούχου στο εξωτερικό. πορτρέτα του E. Rostopchin, D. Khvostov, του αγοριού Chelishchev, Συνταγματάρχης της ζωής των Ουσάρων E. Davydov - μια συλλογική εικόνα του ήρωα του πολέμου του 1812).

    Ο ρομαντισμός βρίσκει την έκφρασή του στο τοπίο. S. Shchedrin («Άποψη της Νάπολης σε μια νύχτα με φεγγάρι») ήταν ο πρώτος που έκανε ανοιχτή ζωγραφική για τη Ρωσία: ζωγράφισε σκίτσα στην ύπαιθρο και ολοκλήρωσε την εικόνα («διακοσμημένη») στο στούντιο. ΣΕ πρόσφατα έργαΤο ενδιαφέρον του Shchedrin για τα εφέ του chiaroscuro γινόταν όλο και πιο ευδιάκριτο. Όπως ο προσωπογράφος Kiprensky και ο ζωγράφος μάχης Orlovsky, ο τοπιογράφος Shchedrin ζωγράφιζε συχνά σκηνές του είδους.

    Διάθλαση του καθημερινού είδους σε πορτρέτα V. Tropinina (πορτρέτο του γιου του Arseny, πορτρέτο του Bulakhov), ένας καλλιτέχνης που απελευθερώθηκε από τη δουλοπαροικία μόλις σε ηλικία 45 ετών. Τα καλύτερα από τα πορτρέτα του Tropinin χαρακτηρίζονται από υψηλή καλλιτεχνική τελειότητα, ειλικρίνεια των εικόνων, ζωντάνια και αμεσότητα, που τονίζονται από τον επιδέξιο φωτισμό.

    Ο Tropinin εισήγαγε μόνο ένα στοιχείο του είδους στο πορτρέτο. "Ο πατέρας του ρωσικού οικιακού είδους" - Α. Βενετσιάνοφ («Θεριστές», «Άνοιξη. Σε καλλιεργήσιμη γη», «Χωρική με κενταύριο», «Πρωί του γαιοκτήμονα»), ο οποίος συνδύαζε στο έργο του στοιχεία κλασικισμού, ρομαντισμού, συναισθηματισμού και νατουραλισμού, π.χ. όλων των «ζωντανών» καλλιτεχνικών κινημάτων στις αρχές του 19ου αιώνα.Δεν αποκάλυψε τις απότομες συγκρούσεις της ζωής ενός χωρικού, δεν έθεσε τα «αρρωστημένα ερωτήματα» της εποχής μας. Ζωγράφισε έναν πατριαρχικό τρόπο ζωής, αλλά δεν εισήγαγε την ποίηση απ' έξω, δεν την επινόησε, αλλά την άντλησε από την ίδια τη ζωή των ανθρώπων.

    Η ανάπτυξη της ρωσικής ιστορικής ζωγραφικής στις δεκαετίες του 1930 και του 1940 υπό το πρόσημο του ρομαντισμού. "Η ιδιοφυΐα του συμβιβασμού" μεταξύ των ιδανικών του κλασικισμού και των καινοτομιών του ρομαντισμού - K. Bryullov (Ο «Νάρκισσος» είναι ένα σκίτσο που μετατράπηκε σε πίνακα· «Η τελευταία μέρα της Πομπηίας» είναι το κύριο έργο του καλλιτέχνη, που δείχνει το μεγαλείο και την αξιοπρέπεια ενός ανθρώπου μπροστά στο θάνατο). Η κεντρική φιγούρα στη ζωγραφική των μέσων του αιώνα είναι Α. Ιβάνοφ (ο πίνακας «Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους», που αντανακλούσε την παθιασμένη πίστη του καλλιτέχνη στην ηθική μεταμόρφωση των ανθρώπων, στην τελειότητα ενός ανθρώπου που αναζητά την ελευθερία και την αλήθεια).

    Οι κύριες πηγές για τη ζωγραφική του είδους του δεύτερου μισού του αιώνα βρίσκονται στο έργο του Π. Φεντότοβα , ο οποίος κατάφερε να εκφράσει το πνεύμα της Ρωσίας στη δεκαετία του 40. Η διαδρομή από την απλή καθημερινή γραφή στην εφαρμογή σε εικόνες των προβλημάτων της ρωσικής ζωής: "Major's matchmaking" (καταγγελία των γάμων εξαθλιωμένων ευγενών με εμπορικούς "τσάντες με χρήματα"), "Choiceous bride" (μια σάτιρα για τον γάμο της ευκολίας" φίλε που ρίχνει σκόνη στα μάτια), «Άγκυρα, άλλη άγκυρα!» (μια τραγική αίσθηση του ανούσιου της ύπαρξης), «Ο φρέσκος καβαλάρης» ... Η τέχνη του Φεντότοφ ολοκληρώνει την εξέλιξη της ζωγραφικής στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα. και ανοίγει ένα νέο στάδιο - την τέχνη του κριτικού (δημοκρατικού) ρεαλισμού.

    Ρωσική τέχνη του δεύτερου ημιχρόνου XIX αιώνας . Η γλυπτική και η αρχιτεκτονική αναπτύχθηκαν λιγότερο γρήγορα κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου. Τα μέσα καλλιτεχνικής εκφραστικότητας του κλασικισμού έρχονται σε αντίθεση με τα καθήκοντα που έθεσε η αρχιτεκτονική του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Ο ιστορικισμός (αναδρομική στιλοποίηση, εκλεκτικισμός) ως αντίδραση στην κανονικότητα του κλασικού στυλ. Οι νέοι τύποι κτιρίων της περιόδου του καπιταλισμού απαιτούσαν νέες και ποικίλες συνθετικές λύσεις, τις οποίες οι αρχιτέκτονες άρχισαν να αναζητούν στις διακοσμητικές μορφές του παρελθόντος, χρησιμοποιώντας γοτθικά, αναγεννησιακά, μπαρόκ και ροκοκό μοτίβα.

    Δεκαετία 1840: γοητεία με την Αναγέννηση, Μπαρόκ, Ροκοκό. Στο πνεύμα του νεομπαρόκ και της νεοαναγέννησης, εκτελούνται ορισμένοι εσωτερικοί χώροι, το παλάτι Νικολάεφσκι. Στις δεκαετίες του 1970 και του 1980, οι κλασικές παραδόσεις στην αρχιτεκτονική εξαφανίστηκαν. Η εισαγωγή μεταλλικών επιστρώσεων, κατασκευών από μεταλλικό σκελετό, έφερε στη ζωή μια ορθολογική αρχιτεκτονική με τις νέες λειτουργικές και εποικοδομητικές της έννοιες. Τεχνική και λειτουργική σκοπιμότητα στην κατασκευή νέων τύπων κτιρίων: βιομηχανικών και διοικητικών, σταθμών, περασμάτων, αγορών, νοσοκομείων, τραπεζών, γεφυρών, θεατρικών και ψυχαγωγικών εγκαταστάσεων.

    Η κρίση του μνημειοκρατισμού επηρέασε και την ανάπτυξη της μνημειακής γλυπτικής. Τα μνημεία γίνονται πολύ αξιολύπητα, κλασματικά στη σιλουέτα, λεπτομερή (το μνημείο της Αικατερίνης Β' στην Αγία Πετρούπολη) ή σε θάλαμο (το μνημείο του Πούσκιν στη Μόσχα) Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. η γλυπτική καβαλέτο αναπτύσσεται, κυρίως είδος, αφήγηση, μοιάζει με ζωγραφική ειδών μεταφρασμένη σε γλυπτική (Μ. Τσίζοφ «Ένας αγρότης σε μπελάδες», Β. Μπεκλέμισεφ «Έρωτας του χωριού»). Αναπτύσσεται το ζωϊκό είδος (E. Lansere και A. Aubert), το οποίο έπαιξε μεγάλο ρόλο στην ανάπτυξη της ρωσικής ρεαλιστικής γλυπτικής μικρών μορφών.

    Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, η κριτική στάση απέναντι στην πραγματικότητα, οι έντονες πολιτικές και ηθικές θέσεις και ο οξύς κοινωνικός προσανατολισμός ήταν επίσης χαρακτηριστικά της ζωγραφικής, στην οποία διαμορφωνόταν ένα νέο καλλιτεχνικό σύστημα όρασης, που εκφραζόταν στον κριτικό ρεαλισμό.Στενή σύνδεση ζωγραφικής και λογοτεχνίας. Καλλιτέχνες ως εικονογράφοι, απλοί ερμηνευτές οξέων κοινωνικών προβλημάτων της ρωσικής κοινωνίας.

    Η ψυχή μιας κριτικής κατεύθυνσης στη ζωγραφική V. Perov , ο οποίος έπιασε την υπόθεση του Φεντότοφ και κατάφερε να δείξει απλά και διαπεραστικά τις πλευρές της απλής καθημερινότητας: την αντιαισθητική εμφάνιση του κλήρου («Πομπή της υπαίθρου το Πάσχα»), την απελπιστική ζωή των Ρώσων αγροτών («Βλέποντας τον νεκρό»), τη ζωή των φτωχών της πόλης («Τρόικα») και τους οίκους των διανοούμενων της κυβέρνησης.

    Ο αγώνας για το δικαίωμα της τέχνης να στραφεί στην πραγματική, πραγματική ζωή στην Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης («εξέγερση του 14»). Ο σύλλογος αποφοίτων της Ακαδημίας που αρνήθηκαν να γράψουν μια προγραμματική εικόνα για ένα θέμα του Σκανδιναβικού έπους (υπάρχουν τόσα πολλά σύγχρονα προβλήματα τριγύρω!), Ένωση Περιοδευτικών Εκθέσεων Τέχνης (1870-1923). Αυτές οι εκθέσεις ονομάστηκαν κινητές επειδή διοργανώθηκαν στην Αγία Πετρούπολη, τη Μόσχα, τις επαρχίες («πηγαίνω στους ανθρώπους») Κάθε έκθεση των «Περιπλανητών» είναι σαν ένα τεράστιο γεγονός. Το ιδεολογικό πρόγραμμα της Συνεργασίας: μια αντανάκλαση της ζωής με όλα τα οξεία κοινωνικά της προβλήματα, σε όλη της την επικαιρότητα. Η τέχνη των περιπλανώμενων ως έκφραση επαναστατικών δημοκρατικών ιδεών στην καλλιτεχνική κουλτούρα του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Η εταιρική σχέση δημιουργήθηκε με πρωτοβουλία του Myasoedov, με την υποστήριξη των Perov, Ge, Kramskoy, Savrasov, Savrasov. Αργότερα προστέθηκαν νέοι καλλιτέχνες. Ρέπιν, Σουρίκοφ, Βασνέτσοφ, Γιαροσένκο. Οι Serov, Levitan, Polenov συμμετέχουν σε εκθέσεις από τα μέσα της δεκαετίας του '80. Ο αρχηγός και θεωρητικός των Wanderers I. Kramskoy.

    Είδος μάχης στη δεκαετία του 70-80. V.Vereshchagin («Η Αποθέωση του Πολέμου») ως κοντά στους Περιπλανώμενους (οργανωτικά, δεν ανήκε σε αυτούς). Διοργάνωσε τις εκθέσεις του σε διάφορα μέρη του κόσμου και πραγματοποίησε την ιδέα της περιπλάνησης πολύ ευρέως.

    Η δημοκρατία στο είδος του τοπίου. Ένα λίγο εντυπωσιακό εξωτερικά κεντρικό ρωσικό τοπίο, η σκληρή βόρεια φύση ως το κύριο θέμα των ζωγράφων. A.Savrasov ("Rooks Have Arrived", "Rye", "Country Road") - "ο βασιλιάς του αέρα", που ήξερε πώς να βρει με τον πιο απλό τρόπο εκείνα τα βαθιά οδυνηρά, συχνά θλιβερά χαρακτηριστικά που γίνονται τόσο έντονα αισθητά στο τοπικό του τοπίο και επηρεάζουν τόσο ακαταμάχητα την ψυχή. ... Μια διαφορετική έννοια του τοπίου στη δημιουργικότητα Φ. Βασίλιεβα ("After the Rain", "Thaw", "Wet Meadow") - ένα "λαμπρό αγόρι" που ανακάλυψε τον "ζωντανό ουρανό" για τη ζωγραφική τοπίων, δείχνοντας με τη "μοτσαρτική" μοίρα του ότι η ζωή δεν υπολογίζεται για τα χρόνια που έζησε, αλλά για το πόσο έτοιμη άνθρωπος δες, δημιουργήστε, αγαπήστε και θαυμάστε. Β. Πολένοφ («Moscow Yard», «Christ and the Sinner») ασχολήθηκε πολύ με εγχώρια και ιστορικά είδη, στα οποία το τοπίο έπαιξε τεράστιο ρόλο. Ο Polenov είναι ένας πραγματικός μεταρρυθμιστής της ρωσικής ζωγραφικής, που την ανέπτυξε στο μονοπάτι του plein airism. Η κατανόηση του σκίτσου ως ανεξάρτητου έργου τέχνης είχε μεγάλη επιρροή στους ζωγράφους της επόμενης εποχής. Ι. Λεβιτάν ως διάδοχος των παραδόσεων του Savrasov και του Vasilyev ("Birch Grove", "Evening Ringing", "At the Pool", "March", "Golden Autumn"), "ένα τεράστιο, πρωτότυπο, πρωτότυπο ταλέντο", "ο καλύτερος Ρώσος ζωγράφος τοπίου".

    Η κορυφή του δημοκρατικού ρεαλισμού στη ρωσική ζωγραφική του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Δικαίως θεωρήθηκε το έργο του Ρέπιν και του Σουρίκοφ, που ο καθένας με τον δικό του τρόπο δημιούργησε μια μνημειώδη ηρωική εικόνα του λαού. Ι. Ρέπιν (“Barge Haulers on the Volga”, “Religious Procession in Επαρχία Κουρσκ», « Η σύλληψη του προπαγανδιστή», «Άρνηση εξομολόγησης», «Δεν περίμεναν») - «ένας μεγάλος ρεαλιστής», που εργάστηκε σε διάφορα είδη, από τη λαογραφία μέχρι το πορτραίτο, που κατάφερε να εκφράσει τα εθνικά χαρακτηριστικά της ρωσικής ζωής πιο φωτεινά από άλλους ζωγράφους. Του κόσμος τέχνηςολόκληρο, γιατί είναι «ημιδιαφανές» με μια σκέψη, μια αγάπη - αγάπη για τη Ρωσία.Στη δημιουργικότητα V. Surikov («Πρωί της εκτέλεσης Streltsy», «Menshikov in Berezov», «Boyar Morozova», «The Conquest of Siberia by Ermak», «The Capture of the Snow Town»), η ιστορική ζωγραφική βρήκε τη δική της σύγχρονη κατανόηση. Ο Σουρίκοφ, ως «μάρτυρας του παρελθόντος», κατάφερε να δείξει «τα τρομερά πράγματα του παρελθόντος, παρουσίασε στις εικόνες του στην ανθρωπότητα την ηρωική ψυχή του λαού του.» Δίπλα στον Σουρίκοφ, στο ρωσικό ιστορικό είδος του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. δούλεψαν και άλλοι καλλιτέχνες. Στη δημιουργικότητα Β.Βασνέτσοβα κυριαρχεί το παραμύθι, η λαογραφία ή η θρυλική εικόνα ("Alyonushka", "Ο Ιππότης στο σταυροδρόμι", "Bogatyrs").

    Ρωσική τέχνη του τέλους XIX -αρχή XX αιώνας . Με την κρίση του λαϊκιστικού κινήματος στη δεκαετία του 1990, η «αναλυτική μέθοδος του ρεαλισμού του δέκατου ένατου αιώνα» κατέστη παρωχημένη. Η δημιουργική παρακμή των περιπλανώμενων, που μπήκαν στο «μικρό θέμα» μιας διασκεδαστικής εικόνας του είδους. Οι παραδόσεις του Perov διατηρήθηκαν στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας. Όλα τα είδη τέχνης - ζωγραφική, θέατρο, μουσική, αρχιτεκτονική - πρεσβεύουν την ανανέωση της καλλιτεχνικής γλώσσας, τον υψηλό επαγγελματισμό.

    Για τους ζωγράφους της αλλαγής του αιώνα, άλλοι τρόποι έκφρασης είναι χαρακτηριστικοί από εκείνους των Περιπλανώμενων, άλλες μορφές καλλιτεχνικής δημιουργικότητας - σε εικόνες που είναι αντιφατικές, περίπλοκες και αντανακλούν τη νεωτερικότητα χωρίς παραστατικότητα και αφήγηση. Οι καλλιτέχνες αναζητούν οδυνηρά την αρμονία και την ομορφιά σε έναν κόσμο που είναι θεμελιωδώς ξένος τόσο στην αρμονία όσο και στην ομορφιά. Γι' αυτό πολλοί είδαν την αποστολή τους στην καλλιέργεια της αίσθησης της ομορφιάς. Αυτή η εποχή των «παραμονών», η προσδοκία των αλλαγών στη δημόσια ζωή, έδωσε αφορμή για πολλά κινήματα, συνειρμούς, ομαδοποιήσεις.

    Ο ρόλος των συλλόγων καλλιτεχνών "Κόσμος της Τέχνης" στην εκλαΐκευση της εγχώριας και δυτικοευρωπαϊκής τέχνης. Ο «Κόσμος της Τέχνης» (Benoit, Somov, Bakst, Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, Korovin, Levitan, Nesterov, Bilibin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin) συνέβαλε στην εδραίωση της δημιουργίας των Ρώσων καλλιτεχνικών δυνάμεων. στο εξωτερικό ("Ρωσικές εποχές") Οι κύριες διατάξεις του "Κόσμου της Τέχνης": η αυτονομία της τέχνης, τα προβλήματα της μορφής τέχνης, το κύριο καθήκον της τέχνης είναι να εκπαιδεύσει τα αισθητικά γούστα της ρωσικής κοινωνίας μέσω της γνωριμίας με έργα παγκόσμιας τέχνης.

    Η γέννηση του στυλ Art Nouveau, που επηρέασε όλες τις πλαστικές τέχνες, από την αρχιτεκτονική μέχρι τα γραφικά, δεν είναι ένα ξεκάθαρο φαινόμενο, περιέχει επίσης παρακμιακή επιδεξιότητα, επιδεξιότητα, σχεδιασμένη για αστικά γούστα, αλλά υπάρχει επίσης μια επιθυμία για ενότητα του στυλ που είναι από μόνη της σημαντική. Χαρακτηριστικά της Art Nouveau: στη γλυπτική - η ρευστότητα των μορφών, η ιδιαίτερη εκφραστικότητα της σιλουέτας, ο δυναμισμός της σύνθεσης. στη ζωγραφική - ο συμβολισμός των εικόνων, ο εθισμός στις αλληγορίες.

    Η εμφάνιση της Art Nouveau δεν σήμαινε την κατάρρευση των ιδεών της περιπλάνησης, η οποία εξελίσσεται διαφορετικά: το αγροτικό θέμα αποκαλύπτεται με νέο τρόπο (S. Korovin, A. Arkhipov). αρχαία Ρωσίακληρώνει Μ. Νεστέροφ , αλλά η εικόνα του Rus εμφανίζεται στους πίνακές του ως ένας ιδανικός, μαγεμένος κόσμος, σε αρμονία με τη φύση, αλλά εξαφανίστηκε σαν τη θρυλική πόλη Kitezh («Όραμα για τη νεολαία Βαρθολομαίο»).

    Μια άλλη άποψη του κόσμου Κ. Κοροβίνα , ο οποίος άρχισε νωρίς να γράφει στο ύπαιθρο.Τα γαλλικά τοπία του («Παρισινά Φώτα») είναι ήδη αρκετά ιμπρεσιονιστική γραφή. Αιχμηρές, στιγμιαίες εντυπώσεις από τη ζωή της μεγάλης πόλης: ήσυχοι δρόμοι μέσα διαφορετική ώραμέρες, αντικείμενα διαλυμένα στο φως του αέρα - χαρακτηριστικά που θυμίζουν τα τοπία του Manet, του Pissarro. Το ιμπρεσιονιστικό etude, η εικαστική μαεστρία, η καλλιτεχνία διατηρούν τον Korovin στο πορτρέτο και τη νεκρή φύση, σε διακοσμητικά πάνελ, στα θεατρικά σκηνικά.

    Καινοτόμος της ρωσικής ζωγραφικής στις αρχές του αιώνα V.Serov («Το κορίτσι με τα ροδάκινα», «Το κορίτσι που φωτίζεται από τον ήλιο») είναι μια ολόκληρη σκηνή στη ρωσική ζωγραφική. Πορτραίτο, τοπίο, νεκρή φύση, οικιακή, ιστορική ζωγραφική. λάδι, γκουάς, τέμπερα, κάρβουνο - είναι δύσκολο να βρεθούν είδη στα οποία ο Serov δεν θα λειτουργούσε. Ένα ιδιαίτερο θέμα στο έργο του είναι ο χωρικός, στο οποίο δεν υπάρχει πλανόδιος κοινωνική οξύτητα, αλλά υπάρχει μια αίσθηση της ομορφιάς και της αρμονίας της αγροτικής ζωής, θαυμασμός για την υγιή ομορφιά του ρωσικού λαού.

    "Κήρυξ των Άλλων Κόσμων" M.Vrubel , που προκάλεσε σύγχυση ως άτομο και αγανάκτηση ως καλλιτέχνη ("Pan", "The Swan Princess", " Ο δαίμονας κάθεται"," μάντης", "πασχαλιά"). Ο πρώτος συμβολιστής (;), «καθολικός στην τέχνη», η αναζήτηση του οποίου συγκρίνεται με τη μέθοδο του Λεονάρντο ντα Βίντσι, ο Βρούμπελ «ξεφεύγει» πολύ γρήγορα από την «παραδοσιακή» ζωγραφική, χτυπά με μια πρωτότυπη, γεμάτη μυστήριο και σχεδόν δαιμονική δύναμη στον τρόπο γραφής, που αποδείχθηκε προφητική για τις νέες καλλιτεχνικές τάσεις του 20ού αιώνα...

    "Miriskussnik" N. Roerich . Γνώστης της φιλοσοφίας και της εθνογραφίας της Ανατολής, ο αρχαιολόγος-επιστήμονας Roerich είχε κοινά σημεία με τον «Κόσμο της Τέχνης» την αγάπη για την αναδρομή, για την παγανιστική σλαβική και σκανδιναβική αρχαιότητα («Αγγελιοφόρος», «Οι Πρεσβύτεροι Συγκλίνουν», «Sinister»). Ο Roerich συνδέθηκε στενά με τη φιλοσοφία και την αισθητική του ρωσικού συμβολισμού, αλλά η τέχνη του δεν ταίριαζε στο πλαίσιο των υπαρχουσών τάσεων, επειδή, σύμφωνα με την κοσμοθεωρία του καλλιτέχνη, απηύθυνε έκκληση σε όλη την ανθρωπότητα. φιλική ένωσηόλους τους λαούς. Αργότερα, τα ιστορικά θέματα δίνουν τη θέση τους σε θρησκευτικούς θρύλους («Heavenly Battle»). Το διακοσμητικό του πάνελ "The Battle of Kerzhents" εκτέθηκε κατά την παράσταση ενός ομώνυμου κομματιού από την όπερα του Rimsky-Korsakov "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" στις παρισινές "Russian Seasons".

    Στη δεύτερη γενιά του «Κόσμου της Τέχνης» ήταν ένας από τους πιο προικισμένους καλλιτέχνες B. Kustodiev , μαθητής του Repin, ο οποίος χαρακτηρίζεται από στυλιζάρισμα, αλλά αυτό είναι ένα στυλιζάρισμα δημοφιλούς δημοφιλούς εκτύπωσης ("Fairs", "Shrovetide", "Balagany", "Merchant for tea").

    1903, η σύσταση του συλλόγου "Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών" , που περιλαμβάνει φιγούρες από τον «Κόσμο της Τέχνης» - Μπενουά, Μπακστ, Σόμοφ, Ντομπουζίνσκι, Σερόφ, και οι συμμετέχοντες στις πρώτες εκθέσεις ήταν οι Βρούμπελ, Μπορίσοφ-Μουσάτοφ. Οι εμπνευστές της δημιουργίας του συλλόγου ήταν καλλιτέχνες της Μόσχας που σχετίζονται με " τον κόσμο της τέχνης», αλλά επιβαρύνεται από την προγραμματική αισθητική των Πετρούπολης. Αρχηγός της «Ένωσης» θεωρούνταν ο Κ. Κοροβίν.

    1910, δημιουργία του συλλόγου "Jack of Diamonds" (P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, M. Larionov), ο οποίος μίλησε ενάντια στην ασάφεια, το αμετάφραστο, τις αποχρώσεις της συμβολικής γλώσσας του «Μπλε τριαντάφυλλου» και τον αισθητικό στυλ του «Κόσμου της Τέχνης». Το "Knaves of Diamonds" δέχτηκε μια σαφή κατασκευή της εικόνας, τόνισε την αντικειμενικότητα της μορφής, την ένταση, το πλήρες χρώμα. Η νεκρή φύση ως αγαπημένο είδος των «βαλέδων».

    «Μοναχική και μοναδική» δημιουργικότητα P.Filonova , που έθεσε ως στόχο να κατανοήσει τη μεταφυσική του σύμπαντος μέσω της ζωγραφικής, δημιουργώντας κρυστάλλινες μορφές ως κύρια στοιχεία του σύμπαντος («Γιορτή των Βασιλέων», «Αγία Οικογένεια»). Ζωτικότητα των εθνικών παραδόσεων, σπουδαία αρχαία ρωσική ζωγραφική στη δημιουργικότητα Κ. Πέτροβα-Βότκινα , ένας καλλιτέχνης-στοχαστής ("Λούζοντας το κόκκινο άλογο" ως εικονική μεταφορά, "Κορίτσια στο Βόλγα" - προσανατολισμός προς τις παραδόσεις της ρωσικής τέχνης).

    Η εποχή του ιδιαίτερα ανεπτυγμένου βιομηχανικού καπιταλισμού και οι αλλαγές στην αρχιτεκτονική της πόλης. Νέοι τύποι κτιρίων: εργοστάσια, σταθμοί, καταστήματα, τράπεζες, κινηματογράφοι. Νέα οικοδομικά υλικά - οπλισμένο σκυρόδεμα και μεταλλικές κατασκευές, που επιτρέπουν την κάλυψη γιγάντιων χώρων, την κατασκευή τεράστιων βιτρινών.

    Η τέχνη των προεπαναστατικών χρόνων στη Ρωσία χαρακτηρίζεται από την ασυνήθιστη πολυπλοκότητα και την ασυνέπεια των καλλιτεχνικών αναζητήσεων, εξ ου και οι ομάδες αντικαθιστούν η μία την άλλη με τις δικές τους ρυθμίσεις προγράμματος και στυλιστικές συμπάθειες. Αλλά μαζί με τους πειραματιστές στον τομέα των αφηρημένων μορφών στη ρωσική τέχνη εκείνης της εποχής, ο «Κόσμος της Τέχνης» και οι «Γαλάζιοι Φορείς», «σύμμαχοι», «Knaves of Diamonds», καλλιτέχνες της νεοκλασικής τάσης συνέχισαν να εργάζονται ταυτόχρονα.

Δημοφιλή στην κατηγορία:
Πλανήτες του ηλιακού μας συστήματος
Πλανήτες του ηλιακού μας συστήματος
ανάγνωση
Τα μεγέθη των πλανητών του ηλιακού συστήματος σε αύξουσα σειρά και ενδιαφέρουσες πληροφορίες για τους πλανήτες
Τα μεγέθη των πλανητών του ηλιακού συστήματος σε αύξουσα σειρά και ενδιαφέροντα ...
ανάγνωση
Στρατόπεδο συγκέντρωσης Άουσβιτς-Ι
Στρατόπεδο συγκέντρωσης Άουσβιτς-Ι
ανάγνωση
μαύρος κύκνος Αυστραλός μαύρος κύκνος
μαύρος κύκνος Αυστραλός μαύρος κύκνος
ανάγνωση

πρόσφατα άρθρα
Το Volchansk είναι η μικρότερη πόλη της Ρωσίας με...
ανάγνωση
Πασχαλινή λειτουργία: η αρχή και...
ανάγνωση
Προέλευση, χαρακτηριστικά και σημασία του ονόματος ...
ανάγνωση
Τα πουλιά δεν ανήκουν εδώ: πώς λειτουργεί η ομάδα...
ανάγνωση
Καφέ πέτρα ανθρακί. Ανθρακίτες. Ανθρακίτης -...
ανάγνωση
Πίνακας ισοθερμικών διεργασιών
ανάγνωση
Εύρεση κλάσματος από έναν αριθμό
ανάγνωση
Σύστημα ταξινόμησης ζωντανών οργανισμών
ανάγνωση
Μπλουζα