बैरोक युग के संगीत वाद्ययंत्र। 17वीं शताब्दी का वाद्य संगीत 17वीं शताब्दी में कौन से वाद्य यंत्र लोकप्रिय थे

अंग

एक वायु धौंकनी, लकड़ी और धातु के पाइपों का एक सेट से बना एक जटिल संगीत वाद्ययंत्र विभिन्न आकारऔर प्रदर्शन करने वाले कंसोल (पल्पिट) से, जिस पर रजिस्टर नॉब्स, कई कीबोर्ड और पैडल स्थित हैं।

हार्पसीकोर्ड

अक्षत

एक प्रकार का बीज

स्पिनेट एक छोटा हार्पसीकोर्ड है जो आकार में चौकोर, आयताकार या पंचकोणीय होता है।

क्लैविसाइटेरियम

क्लैविसाइटेरियम एक वर्टिकल बॉडी वाला हार्पसीकोर्ड है।

क्लाविकोर्ड

स्ट्रिंग स्ट्रिंग्स

बैरोक वायलिन

मुख्य लेख: बैरोक वायलिन

डबल - बेस

ऑर्केस्ट्रा में सबसे बड़ा और सबसे गहरा लगने वाला झुका हुआ वाद्य यंत्र। इसे खड़े होकर या ऊंचे स्टूल पर बैठकर बजाया जाता है।

तार खींचा हुआ

बैरोक वीणा

16वीं शताब्दी में, छह-तार वाला वीणा सबसे आम था (15वीं शताब्दी में पांच-तार वाले वाद्ययंत्र ज्ञात थे), 17 वीं शताब्दी (देर से बारोक युग) में संक्रमण के दौरान, तारों की संख्या चौबीस तक पहुंच गई। सबसे अधिक बार, 11 से 13 तार (9-11 जोड़े और 2 एकल) थे। डी माइनर (कभी-कभी प्रमुख) में बिल्ड-कॉर्ड।

थोरबो

थोरबो ल्यूट का बास संस्करण है। तार की संख्या 14 से 19 तक है (ज्यादातर एकल, लेकिन जोड़े के साथ उपकरण भी थे)।

Quitarrone

Kitarrone - तथाकथित की बास किस्म। इतालवी गिटार (स्पेनिश जी के विपरीत एक अंडाकार शरीर वाला एक वाद्य यंत्र)। स्ट्रिंग्स की संख्या 14 सिंगल है। Quitarrone व्यावहारिक रूप से प्रमेय से अलग नहीं दिखता है, लेकिन इसकी उत्पत्ति अलग है।

आर्किल्यूट

थोरबो से छोटा। सबसे अधिक बार इसमें 14 तार होते थे, पुनर्जागरण के विशिष्ट ट्यूनिंग में पहले छह - (बारोक ल्यूट के विपरीत, जिसमें पहले छह तार डी माइनर कॉर्ड देते थे) एक साफ क्वार्ट में बनाए गए थे, तीसरे और चौथे को छोड़कर, जो कि बिग थर्ड में बनाए गए थे।

एंजेलिका

मंडोरा

गैलिचोन

जिट्रा

artictra

सारंगी की तरह का एक बाजा

बैरोक गिटार

मुख्य लेख: बैरोक गिटार

बैरोक गिटार में आमतौर पर गट स्ट्रिंग्स के पांच जोड़े (गाना बजानेवालों) होते थे। 16 वीं शताब्दी के अंत से पहली बारोक या पांच-गाना बजानेवालों को जाना जाता है। यह तब था जब पाँचवाँ गाना बजानेवालों को गिटार में जोड़ा गया था (इससे पहले, इसे चार जोड़ीदार तारों के साथ आपूर्ति की गई थी)। रसगेडो शैली इस वाद्य यंत्र को अत्यधिक लोकप्रिय बनाती है।

दूसरों को स्ट्रिंग करें

हर्डी बाजा

हर्डी गार्डी में छह से आठ तार होते हैं, जिनमें से अधिकांश एक साथ ध्वनि करते हैं, दाहिने हाथ से घुमाए गए पहिये के खिलाफ घर्षण के परिणामस्वरूप कंपन होता है। एक या दो अलग-अलग तार, जिनमें से लगने वाले हिस्से को बाएं हाथ से छड़ की मदद से छोटा या लंबा किया जाता है, माधुर्य को पुन: उत्पन्न करता है, और शेष तार एक नीरस गुंजन का उत्सर्जन करते हैं।

पीतल

फ्रेंच भोंपू

बैरोक हॉर्न में कोई यांत्रिकी नहीं थी और यह केवल प्राकृतिक पैमाने के स्वरों को निकालना संभव बनाता था; प्रत्येक चाबियों में खेलने के लिए, एक अलग उपकरण का उपयोग किया जाता था।

हॉर्न

शंक्वाकार बैरल के साथ वाल्व के बिना पवन पीतल मुखपत्र संगीत वाद्ययंत्र।

तुरही

ट्रॉम्बोन एक बड़े, अंडाकार आकार के धातु के पाइप जैसा दिखता है। इसके ऊपरी भाग में मुखपत्र लगा होता है। ट्रॉम्बोन का निचला मोड़ जंगम है, और इसे पंख कहा जाता है। घंटी को बाहर निकालने से आवाज कम होती है, अंदर धकेलने से आवाज बढ़ती है।

काष्ठ वाद्य

अनुप्रस्थ बांसुरी

ब्लॉक बांसुरी

चालुमोट

ओबाउ

अलगोजा

quartbassoon

क्वार्टबेसून - एक बढ़ा हुआ बासून। लिखित रूप में, क्वार्टर बासून भाग बेससून के समान ही लिखा जाता है, लेकिन यह लिखित नोट के नीचे एक पूर्ण चौथा लगता है।

कोंट्राबासून

कॉन्ट्राबेसून बासून का बास संस्करण है।

ड्रम

टिंपनो

टिमपनी एक निश्चित पिच के साथ तालवाद्य संगीत वाद्ययंत्र है। पिच को शिकंजा या एक विशेष तंत्र का उपयोग करके समायोजित किया जाता है, जो अक्सर पैर पेडल के रूप में होता है।

अध्याय 2. गिटार यूरोप को जीतता है

17वीं शताब्दी में, गिटार ने यूरोप को जीतना जारी रखा।
उस समय के गिटार में से एक लंदन में रॉयल कॉलेज ऑफ़ म्यूज़िक के संग्रहालय का है। लिस्बन में 1581 में एक निश्चित Melchior Dias द्वारा बनाया गया।
इस गिटार की संरचना में ऐसी विशेषताएं हैं जो दो शताब्दियों से अधिक समय तक संगीत वाद्ययंत्र के उस्तादों द्वारा उनके काम में दोहराई जाएंगी।

सफ़ोर्ज़ा कैसल, मिलान के संग्रह से 17वीं सदी का इटैलियन बैटेंट गिटार।

उस समय के सभी गिटार बड़े पैमाने पर अलंकृत थे। इस तरह के एक अति सुंदर वस्तु के निर्माण के लिए, शिल्पकार मूल्यवान सामग्रियों का उपयोग करते हैं: दुर्लभ लकड़ी (विशेष रूप से, काला - आबनूस), हाथी दांत, कछुआ। निचले डेक और किनारों को जड़ाई से सजाया गया है। शीर्ष डेक, इसके विपरीत, सरल रहता है और शंकुधारी लकड़ी (अक्सर स्प्रूस) से बना होता है। कंपन को दबाने के लिए नहीं, केवल गुंजयमान छेद और मामले के किनारों को इसकी पूरी परिधि के साथ लकड़ी के मोज़ाइक के साथ छंटनी की जाती है।
मुख्य सजावटी तत्व उभरा हुआ चमड़े से बना रोसेट है। यह रोसेट न केवल पूरे कैबिनेट की सुंदरता को टक्कर देता है, बल्कि उत्पादित ध्वनियों को भी नरम करता है। जाहिर है, इन शानदार उपकरणों के मालिकों को शक्ति और शक्ति में इतनी दिलचस्पी नहीं थी जितनी ध्वनि के परिष्कार में।
17 वीं शताब्दी के गिटार के पहले उदाहरणों में से एक जो हमारे पास आया है वह पेरिस कंज़र्वेटरी के संगीत वाद्ययंत्र संग्रहालय के संग्रह में है। इस पर शिल्पकार, विनीशियन क्रिस्टोफो कोको का नाम और 1602 की तारीख अंकित है। सपाट शरीर पूरी तरह से हाथीदांत की प्लेटों से बना है जो भूरे रंग की लकड़ी की संकीर्ण पट्टियों से जकड़ी हुई है।

ऑगस्टाइन क्सेनेल गिटारवादक 1610

17वीं शताब्दी में, स्पेन से लाई गई रज़गुएडो शैली, जहाँ यह लोकप्रिय थी, यूरोप के एक बड़े हिस्से में फैल गई। गिटार तुरंत उस महत्व को खो देता है जो गंभीर संगीतकारों के लिए हुआ करता था। अब से, इसका उपयोग केवल संगत के लिए किया जाता है, ताकि "गाओ, खेलो, नाचो, कूदो ... अपने पैरों को स्टंप करो," जैसा कि लुइस डी ब्रिसेनो अपने "मेथड" (पेरिस, 1626) की प्रस्तावना में लिखते हैं।
बोर्डो के सिद्धांतकार, पियरे ट्रिचेट ने भी अफसोस के साथ नोट किया (सी। 1640): "गिटार, या हाइटेर्ना, फ्रेंच और इटालियंस के बीच एक व्यापक रूप से इस्तेमाल किया जाने वाला उपकरण है, लेकिन विशेष रूप से स्पेनियों के बीच, जो इसे इतने अनर्गल रूप से उपयोग करते हैं जितना कोई अन्य नहीं राष्ट्र।" वह उस नृत्य को नृत्य करने के लिए एक संगीत संगत के रूप में कार्य करती है, "हर तरफ घुमाती है, हास्यास्पद और हास्यास्पद तरीके से इशारा करती है, ताकि वाद्य यंत्र बजाना अस्पष्ट और भ्रमित हो जाए।" और जो कुछ उसने देखा उससे क्रोधित होकर, पियरे ट्रिशेट जारी रखता है: "फ्रांस में, महिलाएं और वेश्याएं जो स्पेनिश फैशन से परिचित हैं, इसकी नकल करने की कोशिश करती हैं। इसमें वे उन लोगों से मिलते जुलते हैं जो अपने घर में अच्छा खाने के बजाय किसी पड़ोसी के पास बेकन, प्याज और काली रोटी खाने जाते हैं।

डेविड टेनियर्स जूनियर गिटारवादक

मटिया प्रेट्टी कॉन्सर्ट 1630

इसके बावजूद, फ़्रांस में गिटार लोकप्रिय बना हुआ है। गिटार का उपयोग बैले में आसानी से किया जाता है। द फेयरी ऑफ़ सेंट-जर्मेन फ़ॉरेस्ट (1625) और द रिच विडो (1626) में, स्पेनिश वेशभूषा में सजे संगीतकार अधिक विश्वसनीयता के लिए गिटार बजाते हैं। पहले बैले में, चाकोन कलाकार "अपने गिटार की आवाज़ को अपने पैरों की फुर्तीली चाल के अनुकूल बनाते हैं"। दूसरे में, लौवर के ग्रेट हॉल में महामहिम द्वारा मंचित, ग्रेनेडियर्स के प्रवेश द्वार को भी गिटार की संगत के लिए प्रकट किया गया है। Mercure de France के अनुसार, इस प्रदर्शन में लुई XIII स्वयं गिटार पर दो सरबांडे नर्तकियों के साथ थे।

गेरिट वैन हॉन्टॉर्स्ट गिटार बजाते हुए 1624

जनवरी Vermeer गिटारवादक 1672

17 वीं शताब्दी के मध्य में, गिटार का एक नया उत्कर्ष शुरू होता है। और इस बार अपडेट फ्रांस से आया है। युवा फ्रांसीसी राजा को गिटार सिखाने के लिए प्रसिद्ध शिक्षक और संगीतकार फ्रांसेस्को कॉर्बेटा (1656) को अदालत में बुलाया जाता है। यह दावा करने की हिम्मत नहीं (कुछ दरबारियों के विपरीत) कि अठारह महीनों में लुई XIV ने अपने शिक्षक को पार कर लिया, हालांकि, उपकरण के लिए राजा के सच्चे जुनून पर संदेह नहीं किया जा सकता है। उनके शासनकाल के दौरान, गिटार फिर से अभिजात वर्ग और संगीतकारों का प्रिय बन गया। और फिर से गिटार के लिए फैशन पूरे यूरोप को जीत लेता है।

गिटार के लिए मोहरे के एक पुराने संस्करण के कवर से उत्कीर्णन। 1676

नदी तट पर फ्रांसिस्को गोया नृत्य, 1777

फ्रांसिस्को गोया द ब्लाइंड गिटारिस्ट 1788

रेमन बाई गिटार के साथ एक युवक। 1789 प्राडो संग्रहालय। मैड्रिड

लुई XIV (डी। 1715) के शासनकाल के अंत तक, गिटार के इतिहास में एक महत्वपूर्ण मोड़ आता है - शाही दरबार इसके प्रति उदासीन हो जाता है।
हालांकि, यह अभी भी लोगों के बीच लोकप्रिय है। उनके द्वारा बनाए गए चित्र में मैडमियोसेले डी चारोलिस को उनके हाथों में एक गिटार के साथ प्रस्तुत किया गया है, हल्के ढंग से इसके तार खींच रहे हैं। वट्टू और लैंक्रेट प्रेम दृश्यों के चित्रण में गिटार का परिचय देते हैं। और साथ ही, यह मज़ाकिया अभिनेताओं और घूमने-फिरने वाले हास्य कलाकारों के लिए एक उपकरण है!
वट्टू और लैंक्रे और गिटार का काम एक अलग पृष्ठ है फ्रेंच पेंटिंग, इसलिए मैंने इस सामग्री में इन कलाकारों को अलग गैलरी समर्पित करने का निर्णय लिया।

जीन एंटोनी वट्टू
जीन एंटोनी वट्टू

जीन-एंटोनी वट्टू का रोसाल्बा कैरिएर पोर्ट्रेट, 1721

फ्रांसीसी चित्रकार और ड्राफ्ट्समैन, रोकोको शैली के संस्थापक और महानतम गुरु। 1698-1701 में वट्टू ने स्थानीय कलाकार गेरिन के साथ अध्ययन किया, जिसके आग्रह पर उन्होंने रूबेन्स, वैन डाइक और अन्य फ्लेमिश चित्रकारों के कार्यों की नकल की। 1702 में, वट्टू पेरिस के लिए रवाना हुए और जल्द ही एक थिएटर कलाकार और डेकोरेटर क्लॉड गिलोट के रूप में एक शिक्षक और संरक्षक मिले, जिन्होंने आधुनिक थिएटर के जीवन के दृश्यों को चित्रित किया। वट्टू ने कौशल और लगभग में अपने शिक्षक को जल्दी से पार कर लिया। 1708 डेकोरेटर क्लाउड ऑड्रन के स्टूडियो में प्रवेश किया। 1709 में, वट्टू ने कला अकादमी के ग्रैंड प्रिक्स को जीतने का असफल प्रयास किया, लेकिन उनके काम ने कई प्रभावशाली लोगों का ध्यान आकर्षित किया, जिनमें से जीन डे जुलिएन, कला डीलर एडमंड फ्रेंकोइस गेर्सिन, बैंकर, परोपकारी और पेंटिंग के पारखी थे। और कलेक्टर पियरे क्रोज़ैट, जिनके घर में कलाकार कुछ समय के लिए रहता था, आदि। 1712 में वट्टू को शिक्षाविद की उपाधि से परिचित कराया गया और 1717 में रॉयल एकेडमी ऑफ़ पेंटिंग एंड स्कल्प्चर के सदस्य बने। 18 जुलाई, 1721 को नोगेंट-सुर-मार्ने में वट्टू की मृत्यु हो गई।

जीन-एंटोनी वट्टू इतालवी कॉमेडी 1714

पियरे क्रोज़ैट के पार्क में जीन एंटोनी वट्टू 1714-16 के पेड़ों के माध्यम से देखें

जीन-एंटोनी वट्टू गिल्स अपने परिवार के साथ 1716

जीन एंटोनी वट्टू पिय्रोट की कहानी

जीन एंटोनी वट्टू सॉन्ग ऑफ लव 1717

जीन-एंटोनी वेटेउ मेज़ेटिन 1717-19

निकोला लैंक्रे
निकोलस लैंक्रेट

निकोलस लैंक्रे सेल्फ-पोर्ट्रेट 1720

फ्रांसीसी कलाकार, पेरिस में पैदा हुए। उन्होंने पहले पियरे डुलिन के साथ अध्ययन किया, और फिर लगभग 1712 से उन्होंने क्लाउड गिलोट के मार्गदर्शन में कई वर्षों तक काम किया, जिसके माध्यम से उनकी मुलाकात जीन एंटोनी वेटेउ से हुई, जिनका उनके काम पर बहुत प्रभाव था। लैंक्रे ने वट्टू के समान विषयों की ओर रुख किया: उन्होंने इटालियन कॉमेडिया डेल'आर्ट के पात्रों और "वीरतापूर्ण उत्सव" के दृश्यों को लिखा। इसके अलावा, उन्होंने ला फोंटेन की दंतकथाओं का वर्णन किया और बनाया शैली के चित्र. 1743 में लैंक्रेट की पेरिस में मृत्यु हो गई।

पार्क 1720 में निकोला लैंक्रेट कॉन्सर्ट

बगीचे में निकोला लांक्रे हॉलिडे

पार्क में निकोला लैंक्रे कॉन्सर्ट

निकोला लांक्रे वीरतापूर्ण बातचीत

मिशेल ब्रेनेट के अनुसार, गिटार का नया उदय सैलून में प्रदर्शन करने वाले दो प्रतिभाशाली गायकों के उद्भव से जुड़ा है। वे स्वयं के साथ, युगल प्रदर्शन करते हैं। ये प्रसिद्ध पियरे गेलियोट और पियरे डी ला गार्डे हैं।
मिशेल बार्टोलोमियो ओलिवियर की अंग्रेजी में प्रसिद्ध पेंटिंग टी एंड ए कॉन्सर्ट एट द हाउस ऑफ द प्रिंसेस डे कोंटी इन धर्मनिरपेक्ष सभाओं के माहौल को व्यक्त करती है।

विकिपीडिया, निःशुल्क विश्वकोष से

कीबोर्ड

अंग

वायु-इंजेक्शन तंत्र, विभिन्न आकारों के लकड़ी और धातु के पाइपों का एक सेट, और एक प्रदर्शन करने वाला कंसोल (लेक्टर्न) से बना एक जटिल संगीत वाद्ययंत्र, जिस पर रजिस्टर नॉब्स, कई कीबोर्ड और पैडल स्थित होते हैं।

हार्पसीकोर्ड

अक्षत

एक प्रकार का बीज

स्पिनेट एक छोटा हार्पसीकोर्ड है जो आकार में चौकोर, आयताकार या पंचकोणीय होता है।

क्लैविसाइटेरियम

क्लैविसाइटेरियम एक वर्टिकल बॉडी वाला हार्पसीकोर्ड है।

क्लाविकोर्ड

स्ट्रिंग स्ट्रिंग्स

बैरोक वायलिन

मध्यम आवाज़

बास वायोला "फुट" (गांबा) प्रकार। बैरिटोन पर ध्वनि छह आंतों के धनुष के साथ निकाली गई थी, उनके नीचे स्थित सहानुभूति वाले तार थे। सहानुभूतिपूर्ण (अतिरिक्त) तारों से, ध्वनि को बाएं हाथ के अंगूठे से चुटकी के साथ निकाला गया था।

वायलिन

बास वायोला "फुट" (गांबा) प्रकार।

लिरॉन

बास वायोला "फुट" (गांबा) प्रकार। कॉर्ड बजाने के लिए विशेष रूप से अनुकूलित।

वायलनचेलो

सेलो बास-टेनर रजिस्टर का एक स्ट्रिंग इंस्ट्रूमेंट है। 4 तार पांचवें (एक बड़े सप्तक के नमक, डी छोटे, ला पहले) में ट्यून किए गए हैं। 15वीं सदी के अंत और 16वीं सदी की शुरुआत में सेलो दिखाई दिया। शास्त्रीय सेलोस 17वीं और 18वीं शताब्दी के इतालवी मास्टर्स द्वारा बनाए गए थे। एंटोनियो अमती और गिरोलामो अमती, ग्यूसेप ग्वारनेरी, एंटोनियो स्ट्राडिवारी।

डबल - बेस

ऑर्केस्ट्रा में सबसे बड़ा और सबसे गहरा लगने वाला झुका हुआ वाद्य यंत्र। इसे खड़े होकर या ऊंचे स्टूल पर बैठकर बजाया जाता है।

तार खींचा हुआ

बैरोक वीणा

16वीं शताब्दी में, छह-तार वाला वीणा सबसे आम था (15वीं शताब्दी में पांच-तार वाले वाद्ययंत्र ज्ञात थे), 17 वीं शताब्दी (देर से बारोक युग) में संक्रमण के दौरान, तारों की संख्या चौबीस तक पहुंच गई। सबसे अधिक बार, 11 से 13 तार (9-11 जोड़े और 2 एकल) थे। डी माइनर (कभी-कभी प्रमुख) में बिल्ड-कॉर्ड।

थोरबो

थोरबो ल्यूट का बास संस्करण है। तार की संख्या 14 से 19 तक है (ज्यादातर एकल, लेकिन जोड़े के साथ उपकरण भी थे)।

Quitarrone

Kitarrone - तथाकथित की बास किस्म। इतालवी गिटार (स्पेनिश जी के विपरीत एक अंडाकार शरीर वाला एक वाद्य यंत्र)। स्ट्रिंग्स की संख्या 14 सिंगल है। Quitarrone व्यावहारिक रूप से प्रमेय से अलग नहीं दिखता है, लेकिन इसकी उत्पत्ति अलग है।

आर्किल्यूट

थोरबो से छोटा। सबसे अधिक बार इसमें 14 तार होते थे, पुनर्जागरण के विशिष्ट ट्यूनिंग में पहले छह - (बारोक ल्यूट के विपरीत, जिसमें पहले छह तार डी माइनर कॉर्ड देते थे) एक साफ क्वार्ट में बनाए गए थे, तीसरे और चौथे को छोड़कर, जो कि बिग थर्ड में बनाए गए थे।

एंजेलिका

मंडोरा

गैलिचोन

जिट्रा

artictra

सारंगी की तरह का एक बाजा

बैरोक गिटार

बैरोक गिटार में आमतौर पर गट स्ट्रिंग्स के पांच जोड़े (गाना बजानेवालों) होते थे। 16 वीं शताब्दी के अंत से पहली बारोक या पांच-गाना बजानेवालों को जाना जाता है। यह तब था जब पाँचवाँ गाना बजानेवालों को गिटार में जोड़ा गया था (इससे पहले, इसे चार जोड़ीदार तारों के साथ आपूर्ति की गई थी)। रसगेडो शैली इस वाद्य यंत्र को अत्यधिक लोकप्रिय बनाती है।

दूसरों को स्ट्रिंग करें

हर्डी बाजा

हर्डी गार्डी में छह से आठ तार होते हैं, जिनमें से अधिकांश एक साथ ध्वनि करते हैं, दाहिने हाथ से घुमाए गए पहिये के खिलाफ घर्षण के परिणामस्वरूप कंपन होता है। एक या दो अलग-अलग तार, जिनमें से लगने वाले हिस्से को बाएं हाथ से छड़ की मदद से छोटा या लंबा किया जाता है, माधुर्य को पुन: उत्पन्न करता है, और शेष तार एक नीरस गुंजन का उत्सर्जन करते हैं।

पीतल

फ्रेंच भोंपू

बैरोक हॉर्न में कोई यांत्रिकी नहीं थी और यह केवल प्राकृतिक पैमाने के स्वरों को निकालना संभव बनाता था; प्रत्येक चाबियों में खेलने के लिए, एक अलग उपकरण का उपयोग किया जाता था।

हॉर्न

शंक्वाकार बैरल के साथ वाल्व के बिना पवन पीतल मुखपत्र संगीत वाद्ययंत्र।

तुरही

ट्रॉम्बोन एक बड़े, अंडाकार आकार के धातु के पाइप जैसा दिखता है। इसके ऊपरी भाग में मुखपत्र लगा होता है। ट्रॉम्बोन का निचला मोड़ जंगम है, और इसे पंख कहा जाता है। घंटी को बाहर निकालने से आवाज कम होती है, अंदर धकेलने से आवाज बढ़ती है।

काष्ठ वाद्य

अनुप्रस्थ बांसुरी

ब्लॉक बांसुरी

चालुमोट

ओबाउ

अलगोजा

quartbassoon

क्वार्टबेसून - एक बढ़ा हुआ बासून। लिखित रूप में, क्वार्टर बासून भाग बेससून के समान ही लिखा जाता है, लेकिन यह लिखित नोट के नीचे एक पूर्ण चौथा लगता है।

कोंट्राबासून

कॉन्ट्राबेसून बासून का बास संस्करण है।

ड्रम

टिंपनो

टिमपनी एक निश्चित पिच के साथ तालवाद्य संगीत वाद्ययंत्र है। पिच को शिकंजा या एक विशेष तंत्र का उपयोग करके समायोजित किया जाता है, जो अक्सर पैर पेडल के रूप में होता है।

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टिप्पणियाँ

बैरोक युग के संगीत वाद्ययंत्रों की विशेषता का एक अंश

"क्या आपके उच्च बड़प्पन से कोई आदेश होगा?" - उन्होंने डेनिसोव से कहा, अपना हाथ अपने छज्जे पर रखकर और फिर से सहायक और सामान्य के खेल में लौट आए, जिसके लिए उन्होंने तैयारी की थी, - या मुझे आपके सम्मान के साथ रहना चाहिए?
"आदेश?" डेनिसोव ने सोच समझकर कहा। - क्या आप कल तक रह सकते हैं?
- ओह, कृपया ... क्या मैं आपके साथ रह सकता हूं? पेट्या चिल्लाई।
- हां, आपको "अला - अब बाहर निकलने के लिए" जीनग से वास्तव में कैसे आदेश दिया गया था? डेनिसोव ने पूछा। पेट्या शरमा गई।
हाँ, उसने कुछ नहीं कहा। मुझे लगता है कि यह संभव है? उसने पूछताछ करते हुए कहा।
"ठीक है," डेनिसोव ने कहा। और, अपने मातहतों की ओर मुड़ते हुए, उन्होंने आदेश दिया कि पार्टी जंगल में गार्डहाउस के पास निर्दिष्ट विश्राम स्थल पर जाए और किर्गिज़ घोड़े पर अधिकारी (यह अधिकारी सहायक के रूप में काम करता है) डोलोखोव की तलाश में गया, पता करें कि वह कहाँ है था और क्या वह शाम को आएगा । डेनिसोव खुद, एसॉल और पेट्या के साथ, फ्रांसीसी के स्थान को देखने के लिए, शमशेव को देखने के लिए जंगल के किनारे तक ड्राइव करने का इरादा रखता था, जिसे कल के हमले का निर्देशन करना था।
"ठीक है, भगवान की स्तुति," वह किसान कंडक्टर की ओर मुड़ा, "मुझे शमशेव के पास ले चलो।
डेनिसोव, पेट्या और एसॉल, कई कोसैक्स और एक हसर के साथ, जो एक कैदी को ले जा रहा था, खड्ड के माध्यम से जंगल के किनारे बाईं ओर चला गया।

बारिश बीत चुकी थी, पेड़ों की शाखाओं से केवल कोहरा और पानी की बूंदें गिर रही थीं। डेनिसोव, एसाउल और पेट्या ने चुपचाप टोपी में किसान का पीछा किया, जो जड़ों और गीली पत्तियों के ऊपर बस्ट शूज़ में अपने पैरों के साथ हल्के और ध्वनिहीन रूप से आगे बढ़ रहा था, उन्हें जंगल के किनारे तक ले गया।
इज़्वोलोक के लिए बाहर आकर, किसान रुका, चारों ओर देखा और पेड़ों की पतली दीवार की ओर बढ़ गया। एक बड़े ओक के पेड़ पर, जिसने अभी तक अपने पत्ते नहीं गिराए थे, वह रुक गया और रहस्यमय तरीके से उसे अपने हाथ से इशारा किया।
डेनिसोव और पेट्या उसके पास गए। जिस स्थान पर किसान रुके थे, वहाँ से फ्रांसीसी दिखाई दे रहे थे। अब एक वसंत का मैदान जंगल के पीछे अर्ध-पहाड़ी की तरह जा रहा था। दाईं ओर, एक खड़ी खड्ड के पार, एक छोटा सा गाँव और ढही हुई छतों वाला एक मनोर घर दिखाई दे रहा था। इस गाँव में, जागीर घर में, और पूरी पहाड़ी के साथ, बगीचे में, कुएँ और तालाब के किनारे, और पुल से गाँव तक पूरी सड़क के साथ, दो सौ से अधिक दूर नहीं, लोगों की भीड़ घने कोहरे में देखा जा सकता है। उनके गैर-रूसी रोने की आवाज़ गाड़ियों में घोड़ों पर पहाड़ को चीरते हुए और एक-दूसरे को पुकारते हुए स्पष्ट रूप से सुनाई दे रही थी।
"कैदी को यहाँ दे दो," डेनिसोप ने चुपचाप कहा, फ्रेंच से अपनी आँखें नहीं हटाते हुए।
कोसाक अपने घोड़े से उतर गया, लड़के को हटा दिया, और उसके साथ डेनिसोव से संपर्क किया। डेनिसोव ने फ्रांसीसी की ओर इशारा करते हुए पूछा कि वे किस तरह के सैनिक थे। लड़का, अपने ठंडे हाथों को अपनी जेबों में डाल रहा था और अपनी भौंहों को ऊपर उठा रहा था, डेनिसोव से डर गया था और अपनी स्पष्ट इच्छा के बावजूद वह सब कुछ कह रहा था जो वह जानता था, अपने उत्तरों में भ्रमित हो गया और केवल वही पुष्टि की जो डेनिसोव पूछ रहा था। डेनिसोव, डूबते हुए, उससे दूर हो गया और उसे अपने विचार बताते हुए एसौल की ओर मुड़ गया।
पेट्या ने तेज गति से अपना सिर घुमाते हुए पहले ढोलकिया पर, फिर डेनिसोव पर, फिर एसौल में, फिर गाँव में फ्रेंच पर और सड़क पर, कुछ महत्वपूर्ण याद न करने की कोशिश की।
- पीजी "आ रहा है, पीजी नहीं" डोलोखोव है, आपको बीजी "पर! .. हुह?" डेनिसोव ने कहा, उसकी आँखें खुशी से चमक रही थीं।
"यह जगह सुविधाजनक है," एसौल ने कहा।
"हम नीचे से पैदल सेना भेजेंगे - दलदल से," डेनिसोव ने जारी रखा, "वे बगीचे तक रेंगेंगे; आप वहां से कॉसैक्स के साथ कॉल करेंगे, "डेनिसोव ने गांव के बाहर जंगल की ओर इशारा किया," और मैं यहां से हूं, मेरे गुस्सों के साथ।
"यह एक खोखले में संभव नहीं होगा - यह एक दलदल है," एसौल ने कहा। - तुम घोड़ों को नीचे गिराओगे, तुम्हें बाईं ओर घूमना होगा ...
जबकि वे एक स्वर में इस तरह से बात कर रहे थे, नीचे, तालाब से खोखले में, एक शॉट क्लिक किया, धुआं सफेद होने लगा, दूसरा, और एक दोस्ताना, जैसे कि हंसमुख, सैकड़ों फ्रांसीसी आवाजों का रोना जो थे आधे पहाड़ पर सुना गया था। पहले मिनट में डेनिसोव और एसॉल दोनों पीछे हट गए। वे इतने करीब थे कि ऐसा लग रहा था कि वे इन शॉट्स और चीखों का कारण थे। लेकिन गोलियां और चीखें उनकी नहीं थीं। नीचे, दलदल के माध्यम से, लाल रंग में एक आदमी चल रहा था। जाहिर है, फ्रांसीसी उस पर गोली चला रहे थे और उस पर चिल्ला रहे थे।
- आखिरकार, यह हमारा तिखोन है, - एसौल ने कहा।
- वह! वे हैं!
"एक दुष्ट," डेनिसोव ने कहा।
- छुट्टी! - अपनी आँखें मलते हुए, एसाउल ने कहा।
जिस आदमी को वे तिखोन कहते थे, वह नदी तक दौड़ रहा था, जिससे स्प्रे उड़ गया और एक पल के लिए छिप गया, पानी से पूरी तरह काला हो गया, चारों तरफ से निकल गया और भाग गया। उसके पीछे चल रहे फ्रांसीसी रुक गए।
- ठीक है, चतुर, - एसौल ने कहा।
- क्या जानवर है! डेनिसोव ने झुंझलाहट की उसी अभिव्यक्ति के साथ कहा। और उसने अब तक क्या किया है?
- यह कौन है? पेट्या ने पूछा।
- यह हमारा प्लास्ट है। मैंने उसे भाषा सीखने के लिए भेजा।
"आह, हाँ," डेनिसोव के पहले शब्द से पेट्या ने कहा, अपना सिर हिलाया जैसे कि वह सब कुछ समझ गया हो, हालाँकि वह निश्चित रूप से एक भी शब्द नहीं समझता था।
तिखोन शचरबेटी पार्टी में सबसे ज्यादा जरूरत वाले लोगों में से एक थे। वह गज़ात्या के पास पोक्रोव्स्की का एक किसान था। जब, अपने कार्यों की शुरुआत में, डेनिसोव पोक्रोवस्कॉय में आया और, हमेशा की तरह, मुखिया को बुलाकर पूछा कि वे फ्रांसीसी के बारे में क्या जानते हैं, मुखिया ने उत्तर दिया, जैसा कि सभी प्रमुखों ने उत्तर दिया, जैसे कि खुद का बचाव करते हुए, कि वे नहीं जानते थे कुछ भी, पता है कि वे नहीं जानते। लेकिन जब डेनिसोव ने उन्हें समझाया कि उनका लक्ष्य फ्रांसीसी को हराना है, और जब उन्होंने पूछा कि क्या फ्रांसीसी उनमें भटक गए थे, तो मुखिया ने कहा कि निश्चित रूप से लुटेरे थे, लेकिन उनके गांव में केवल टिस्का शचरबेटी इन में लगी हुई थी मायने रखता है। डेनिसोव ने तिखोन को अपने पास बुलाने का आदेश दिया और उसकी गतिविधियों के लिए उसकी प्रशंसा करते हुए मुखिया के सामने राजा और पितृभूमि के प्रति वफादारी और फ्रांसीसी के प्रति घृणा के बारे में कुछ शब्द कहे, जो पितृभूमि के पुत्रों को देखने चाहिए।
"हम फ्रांसीसी को कोई नुकसान नहीं पहुंचाते हैं," टिखन ने कहा, जाहिर तौर पर डेनिसोव के इन शब्दों से डरपोक। - हम केवल इसलिए, इसका मतलब है, शिकार पर लोगों के साथ दबोच लिया। यह ऐसा है जैसे दो दर्जन मिरोडेरोव को पीटा गया था, अन्यथा हमने कुछ भी बुरा नहीं किया ... - अगले दिन, जब डेनिसोव, इस किसान के बारे में पूरी तरह से भूलकर, पोक्रोव्स्की को छोड़ दिया, उन्हें सूचित किया गया कि तिखोन पार्टी से चिपक गया था और होने के लिए कहा इसके साथ छोड़ दिया। डेनिसोव ने उसे छोड़ने का आदेश दिया।
तिखोन, जिसने सबसे पहले आग बुझाने, पानी पहुँचाने, घोड़ों की खाल उतारने आदि के मामूली काम को ठीक किया, जल्द ही बड़ी इच्छा और क्षमता दिखायी गुरिल्ला युद्ध. वह रात में लूट करने के लिए बाहर जाता था और हर बार अपने साथ एक पोशाक और फ्रांसीसी हथियार लाता था, और जब उसे आदेश दिया जाता था, तो वह कैदियों को लाता था। डेनिसोव ने तिखोन को काम से निकाल दिया, उसे अपने साथ यात्राओं पर ले जाने लगा और उसे कोसैक्स में नामांकित कर दिया।
तिखोन को घुड़सवारी करना पसंद नहीं था और वह हमेशा चलता था, कभी भी घुड़सवार सेना के पीछे नहीं पड़ता था। उनके हथियार एक ब्लंडरबस थे, जिसे उन्होंने हँसी के लिए अधिक पहना था, एक भाला और एक कुल्हाड़ी, जिसे वे एक भेड़िये की तरह अपने पास रखते थे, समान रूप से आसानी से ऊन से पिस्सू निकालते थे और उनके साथ मोटी हड्डियों को काटते थे। तिखोन ने समान रूप से ईमानदारी से, अपनी सारी शक्ति के साथ, एक कुल्हाड़ी के साथ लॉग को विभाजित किया और कुल्हाड़ी को बट से लेते हुए, पतले खूंटे को काट दिया और चम्मच काट दिया। डेनिसोव की पार्टी में, तिखोन ने अपने विशेष, असाधारण स्थान पर कब्जा कर लिया। जब कुछ विशेष रूप से कठिन और बदसूरत करना आवश्यक था - अपने कंधे के साथ कीचड़ में एक बग्घी को मोड़ने के लिए, एक घोड़े को पूंछ से दलदल से बाहर निकालने के लिए, उसकी खाल उतारें, फ्रेंच के बीच में चढ़ें, पचास मील चलें एक दिन - सभी ने इशारा किया, चकली, तिखोन पर।
"वह क्या कर रहा है, भारी मेरेनिना," उन्होंने उसके बारे में कहा।
एक बार एक फ्रांसीसी व्यक्ति, जिसे तिखोन ले जा रहा था, ने उसे पिस्तौल से गोली मार दी और उसकी पीठ के मांस में मारा। यह घाव, जिसमें से आंतरिक और बाहरी रूप से केवल वोडका के साथ तिखोन का इलाज किया गया था, पूरी टुकड़ी में सबसे हंसमुख चुटकुलों का विषय था और मजाक में तिखोन ने स्वेच्छा से दम तोड़ दिया।
"क्या, भाई, तुम नहीं करोगे?" अली सहम गया? कोसाक्स उस पर हँसे, और तिखोन, जानबूझकर झुकते हुए और चेहरे बनाते हुए, क्रोधित होने का नाटक करते हुए, सबसे हास्यास्पद शाप के साथ फ्रांसीसी को डांटा। इस घटना का तिखोन पर ही प्रभाव पड़ा कि उसके घाव के बाद, वह शायद ही कभी कैदियों को लाया।

यूक्रेन के शिक्षा और विज्ञान मंत्रालय

सेवएनटीयू

विभाग: यूक्रेनी अध्ययन। कल्चरोलॉजी। शिक्षा शास्त्र।

सांस्कृतिक अध्ययन पर निबंध

विषय: “बैरोक युग का वाद्य संगीत (XVII-XVIII सदी का पहला भाग)। शैलियों की उत्पत्ति - सिम्फनी, कंसर्टो। एंटोनियो विवाल्डी का काम।

एक छात्र द्वारा किया जाता है

समूह आईएम-12डी

स्टुपको एम.जी.

जाँच की गई:

कोस्टेनिकोव ए.एम.

सेवस्तोपोल 2007

योजना:

परिचय।

मुख्य हिस्सा:

1) बैरोक संगीत अंतर:

पुनर्जागरण से।

क्लासिकवाद से।

2) बैरोक युग की वाद्य शैलियों की सामान्य विशेषताएँ।

3) पश्चिमी यूरोप में वाद्य संगीत का इतिहास।

अंतिम भाग।

1) बाद के संगीत पर बारोक वाद्य संगीत का प्रभाव।

क्लासिकवाद के युग में संक्रमण (1740-1780)।

1760 के बाद बारोक तकनीकों और तकनीकों का प्रभाव।

जाज।

2) निष्कर्ष।

चतुर्थ। सूत्रों की सूची।

परिचय:

बैरोक युग (XVII सदी) विश्व संस्कृति के इतिहास में सबसे दिलचस्प युगों में से एक है। यह अपने नाटक, तीव्रता, गतिशीलता, विपरीतता और एक ही समय में सद्भाव, अखंडता, एकता के लिए दिलचस्प है।

इस युग में एक विशेष भूमिका पर कब्जा कर लिया है संगीत कला, जो शुरू होता है, जैसा कि एक निर्णायक मोड़ के साथ, पुरानी "सख्त शैली" के खिलाफ एक समझौता संघर्ष के साथ।

संगीत कला की अभिव्यंजक संभावनाओं का विस्तार हो रहा है, साथ ही संगीत को शब्द से अलग करने की प्रवृत्ति है - वाद्य शैलियों के गहन विकास के लिए, बड़े पैमाने पर बारोक के सौंदर्यशास्त्र से जुड़ा हुआ है। बड़े पैमाने पर चक्रीय रूप दिखाई देते हैं (कॉन्सर्टो ग्रोसो, कलाकारों की टुकड़ी और एकल सोनटास), कुछ सुइट्स में थिएट्रिकल ओवरचर्स, फ्यूग्स, ऑर्गन-टाइप इंप्रोवाइजेशन काल्पनिक रूप से वैकल्पिक हैं। संगीत लेखन के पॉलीफोनिक और होमोफोनिक सिद्धांतों की तुलना और अंतर्संबंध विशिष्ट हो जाता है।बैरोक काल की लेखन और प्रदर्शन तकनीकें शास्त्रीय संगीत कैनन का एक अभिन्न और महत्वपूर्ण हिस्सा बन गई हैं। उस समय के कार्यों का व्यापक रूप से प्रदर्शन और अध्ययन किया जाता है।

बैरोक संगीत में अंतर

पुनर्जागरण से

बैरोक संगीत ने पुनर्जागरण से पॉलीफोनी और काउंटरपॉइंट का उपयोग करने का अभ्यास किया। हालाँकि, इन तकनीकों को अलग तरह से लागू किया गया था। पुनर्जागरण के दौरान, संगीत सद्भाव इस तथ्य पर बनाया गया था कि पॉलीफोनी के नरम और शांत आंदोलन में व्यंजन गौण दिखाई दिए और जैसे कि संयोग से। बैरोक संगीत में, हालांकि, जिस क्रम में व्यंजन प्रकट हुए, वह महत्वपूर्ण हो गया: यह कार्यात्मक tonality (या एक कार्यात्मक प्रमुख-लघु मोडल सिस्टम) की पदानुक्रमित योजना के अनुसार निर्मित तारों की सहायता से प्रकट हुआ। 1600 के आसपास, रागिनी क्या थी इसकी परिभाषा काफी हद तक गलत, व्यक्तिपरक थी। उदाहरण के लिए, कुछ ने मैड्रिगल्स के ताल में कुछ तानवाला विकास देखा, जबकि वास्तव में, शुरुआती मोनोडीज में, रागिनी अभी भी बहुत अनिश्चित थी। समान स्वभाव प्रणाली के सिद्धांत के कमजोर विकास का प्रभाव पड़ा। शर्मन के अनुसार, पहली बार केवल 1533 में, इतालवी जियोवानी मारिया लैनफ्रेंको ने प्रस्तावित किया और अंग-क्लैवियर प्रदर्शन के अभ्यास में समान स्वभाव की प्रणाली पेश की। और यह प्रणाली बहुत बाद में व्यापक हुई। और केवल 1722 में जेएस बाख द्वारा वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर दिखाई देता है। बैरोक और पुनर्जागरण के संगीत सद्भाव के बीच एक और अंतर यह था कि शुरुआती काल में टॉनिक शिफ्ट तीसरे में अधिक बार होता था, जबकि बैरोक अवधि में चौथे या पांचवें में मॉड्यूलेशन हावी था (कार्यात्मक रागिनी की अवधारणा का प्रभाव था) ). इसके अलावा, बारोक संगीत में लंबी मधुर रेखाओं और अधिक कठोर लय का उपयोग किया जाता था। मुख्य विषयवस्तु को या तो स्वयं या बासो निरंतर संगत की सहायता से विस्तारित किया गया था। फिर वह दूसरी आवाज में प्रकट हुई। बाद में, मुख्य विषयमुख्य आवाजों की मदद से ही नहीं, बासो निरंतरता के माध्यम से व्यक्त किया जाने लगा। माधुर्य और संगत का पदानुक्रम धुंधला हो गया था।

शैलीगत भिन्नताओं ने पुनर्जागरण के राइसरकार, फंतासियों और कैनज़ोन से संक्रमण को निर्धारित किया, जो बैरोक संगीत के मुख्य रूपों में से एक है। मोंटेवेर्डी ने इसे नई, मुक्त शैली कहादूसरा अभ्यास (दूसरा रूप) के विपरीतप्रथम अभ्यास (पहला रूप), जिसमें गियोवन्नी पियरलुइगी दा फिलिस्तीना के रूप में पुनर्जागरण के ऐसे स्वामी द्वारा मोटेट्स और कोरल के अन्य चर्च रूपों की विशेषता है। मोंटेवेर्डी ने स्वयं दोनों शैलियों का उपयोग किया; उनका द्रव्यमान "इलो टेम्पोर में" पुरानी शैली में लिखा गया है, और उनकी "वेस्पर्स ऑफ द धन्य वर्जिन" नई शैली में।

बैरोक और पुनर्जागरण शैलियों में अन्य, गहरे अंतर थे। बैरोक संगीत ने पुनर्जागरण संगीत की तुलना में उच्च स्तर की भावनात्मक पूर्ति के लिए प्रयास किया। बैरोक लेखन में अक्सर एक एकल, विशिष्ट भावना (उत्साह, उदासी, पवित्रता, और इसी तरह; cf.सिद्धांत को प्रभावित करें). बैरोक संगीत अक्सर गुणी गायकों और संगीतकारों के लिए लिखा गया था, और आमतौर पर पुनर्जागरण संगीत की तुलना में प्रदर्शन करना अधिक कठिन था, इस तथ्य के बावजूद कि वाद्य यंत्रों की विस्तृत रिकॉर्डिंग बारोक काल के सबसे महत्वपूर्ण नवाचारों में से एक थी। प्रयोग करना लगभग अनिवार्य हो गया थासंगीतमय सजावट, अक्सर संगीतकार द्वारा रूप में प्रस्तुत किया जाता हैआशुरचना. भाव जैसेनोट्स इनगल्ससार्वभौमिक हो गया; अधिकांश संगीतकारों द्वारा प्रदर्शन किया जाता है, अक्सर आवेदन की बड़ी स्वतंत्रता के साथ।

एक अन्य महत्वपूर्ण परिवर्तन यह था कि वाद्य संगीत के लिए जुनून ने मुखर संगीत के जुनून को पार कर लिया। वोकल पीस जैसेmedrigalsऔर एरियस, वास्तव में, अधिक बार उन्हें गाया नहीं जाता था, लेकिन वाद्य यंत्रों का प्रदर्शन किया जाता था। इसका प्रमाण समकालीनों की गवाही के साथ-साथ वाद्य यंत्रों की पांडुलिपियों की संख्या से मिलता है, जिनमें से धर्मनिरपेक्षता का प्रतिनिधित्व करने वाले कार्यों की संख्या से अधिक है स्वर संगीत . 16वीं शताब्दी के मुखर पॉलीफोनी से अलग एक शुद्ध वाद्य शैली का क्रमिक उद्भव, पुनर्जागरण से बारोक के संक्रमण में सबसे महत्वपूर्ण कदमों में से एक था। 16वीं शताब्दी के अंत तक, वाद्य संगीत मुखर संगीत से शायद ही अलग था और इसमें मुख्य रूप से नृत्य की धुनें, प्रसिद्ध लोकप्रिय गीतों की व्यवस्था और मैड्रिगल्स शामिल थे (मुख्य रूप से कीबोर्ड औरतम्बूरे) के साथ-साथ पॉलीफोनिक टुकड़े जिन्हें विशेषता दी जा सकती हैमोटेट्स, कैनज़ोन, medrigalsकविता के बिना।

हालांकि विभिन्न भिन्न उपचार,टेकट्टा, कल्पनाओंऔर प्रस्तावनाल्यूट और कीबोर्ड उपकरणों के लिए लंबे समय से जाना जाता है, पहनावा संगीत ने अभी तक एक स्वतंत्र अस्तित्व नहीं जीता है। हालांकि, इटली और अन्य यूरोपीय देशों में धर्मनिरपेक्ष मुखर रचनाओं का तेजी से विकास वाद्य यंत्रों के लिए कक्ष संगीत के निर्माण के लिए एक नया प्रोत्साहन था।

उदाहरण के लिए, में इंगलैंडखेलने की व्यापक कलावाइला- विभिन्न रेंज और आकार के तार वाले यंत्र। लापता आवाज़ों को भरते हुए, हिंसक खिलाड़ी अक्सर मुखर समूह में शामिल हो जाते हैं। यह अभ्यास आम हो गया, और कई संस्करणों को "फ़िट फ़ॉर वॉइस या वायलस" के रूप में लेबल किया गया।

वाद्य यंत्रों के रूप में कई मुखर अरिया और मैड्रिगल्स का प्रदर्शन किया गया। उदाहरण के लिए, मद्रिगल"सिल्वर स्वान"ऑरलैंडो गिबन्सदर्जनों संग्रहों में, एक वाद्य यंत्र के रूप में लेबल और प्रस्तुत किया गया।

क्लासिकवाद से

बैरोक का अनुसरण करने वाले क्लासिकवाद के युग में, काउंटरपॉइंट की भूमिका कम हो गई (हालांकि काउंटरपॉइंट की कला का विकास नहीं रुका), और संगीत कार्यों की होमोफोनिक संरचना सामने आई। संगीत में अलंकरण कम होता है। कार्य एक स्पष्ट संरचना की ओर झुकाव करने लगे, विशेष रूप से सोनाटा रूप में लिखे गए। मॉड्यूलेशन (कुंजी का परिवर्तन) एक संरचनात्मक तत्व बन गया है; चाबियों के अनुक्रम, प्रस्थान की एक श्रृंखला और टॉनिक के आगमन के माध्यम से काम को नाटक से भरी यात्रा के रूप में सुना जाने लगा। बारोक संगीत में मॉडुलन भी मौजूद थे, लेकिन एक संरचनात्मक कार्य नहीं किया।

शास्त्रीय युग के कार्यों में, काम के एक हिस्से के भीतर अक्सर कई भावनाएं प्रकट होती थीं, जबकि बारोक संगीत में एक भाग में एक, स्पष्ट रूप से खींची गई भावना होती थी। और, अंत में, शास्त्रीय कार्यों में, आमतौर पर एक भावनात्मक चरमोत्कर्ष पर पहुंच गया, जिसे काम के अंत तक हल किया गया था। बैरोक कार्यों में, इस परिणति तक पहुंचने के बाद, अंतिम नोट तक, मुख्य भावना का एक छोटा सा भाव बना रहा। सोनाटा फॉर्म के विकास के लिए बारोक रूपों की भीड़ ने शुरुआती बिंदु के रूप में कार्य किया, बुनियादी कैडेंस के कई रूपों का विकास किया।

बैरोक युग की वाद्य शैलियों की सामान्य विशेषताएँ।

शैलियों की उत्पत्ति - सिम्फनी, कंसर्टो। 17वीं शताब्दी में सोनाटा

सिम्फनी के प्रोटोटाइप को इतालवी ओवरचर माना जा सकता है, जिसने 17 वीं शताब्दी के अंत में स्कारलाट्टी के तहत आकार लिया था। इस फॉर्म को पहले से ही एक सिम्फनी कहा जाता था और इसमें एलेग्रो, एंडेंटे और एलेग्रो शामिल थे, जो एक में विलय हो गए। दूसरी ओर, सिम्फनी का पूर्ववर्ती ऑर्केस्ट्रल सोनाटा था, जिसमें सरलतम रूपों में और ज्यादातर एक ही कुंजी में कई भाग शामिल थे। एक शास्त्रीय सिम्फनी में, केवल पहले और अंतिम भागों में समान कुंजियाँ होती हैं, और मध्य वाले मुख्य से संबंधित कुंजियों में लिखे जाते हैं, जो संपूर्ण सिम्फनी की कुंजी निर्धारित करता है। बाद में, हेडन को सिम्फनी और ऑर्केस्ट्रल रंग के शास्त्रीय रूप का निर्माता माना जाता है; मोजार्ट और बीथोवेन ने इसके विकास में महत्वपूर्ण योगदान दिया।

कॉन्सर्ट शब्द, एक संगीत रचना के नाम के रूप में, 16 वीं शताब्दी के अंत में इटली में दिखाई दिया। 17 वीं शताब्दी के अंत में तीन भागों में एक संगीत कार्यक्रम दिखाई दिया। इतालवी कोरेली (देखें) को कंसर्ट के इस रूप का संस्थापक माना जाता है।

संगीत कार्यक्रम में आमतौर पर 3 भाग होते हैं (चरम भाग तेज गति में होते हैं)। 18वीं शताब्दी में, एक सिम्फनी जिसमें कई वाद्य यंत्रों ने स्थानों पर एकल प्रदर्शन किया, उसे कंसर्टो ग्रोसो कहा जाता था। बाद में, सिम्फनी, जिसमें एक उपकरण ने दूसरों की तुलना में अधिक स्वतंत्र महत्व लिया, सिम्फोनिक कॉन्सर्टेंटे, कंसर्टिरेन्डे सिनफोनी के रूप में जाना जाने लगा। आनुवंशिक रूप से, कंसर्टो ग्रोसो गैर-विषयक निर्माणों के साथ बारी-बारी से आवाजों के माध्यम से एक विषय के अनुक्रमिक मार्ग के आधार पर एक फ्यूग्यू के रूप से जुड़ा हुआ है - अंतराल। कॉन्सर्टो ग्रोसो इस सिद्धांत को विरासत में मिला है, इस अंतर के साथ कि कंसर्टो का प्रारंभिक निर्माण पॉलीफोनिक है। कंसर्टो ग्रोसो में बनावट के 3 प्रकार हैं:

पॉलीफोनिक;

होमोफोनिक;

कोरल (कोरल)।

(वे अपने शुद्ध रूप में लगभग कभी नहीं पाए जाते हैं। सिंथेटिक बनावट प्रबल होती है - होमोफोनिक-पॉलीफोनिक गोदाम)।

सोनाटा (सोनाटा रूप से भ्रमित नहीं होना)। 17 वीं शताब्दी के अंत तक, वाद्ययंत्रों के संग्रह के साथ-साथ वाद्ययंत्रों के लिए व्यवस्थित एक मुखर गति को सोनाटा कहा जाता था। सोनाटा को दो प्रकारों में विभाजित किया गया था: कक्ष सोनाटा (इतालवी।सोनाटा दा कैमरा ), जिसमें प्रस्तावना, एरियोसो, नृत्य आदि शामिल थे, जो अलग-अलग चाबियों में लिखे गए थे, और एक चर्च सोनाटा (इतालवी।सोनाटा दा चियासा ), जिसमें कॉन्ट्रापुंटल शैली प्रचलित थी। कई वाद्य यंत्रों के लिए लिखे गए कई वाद्ययंत्रों को सोनाटा नहीं कहा जाता था, लेकिन एक भव्य संगीत कार्यक्रम (इतालवी।कंसर्टो ग्रोसो ). सोनाटा का उपयोग ऑर्केस्ट्रा के साथ-साथ सिम्फनी में एकल वाद्य यंत्र के लिए संगीत कार्यक्रम में भी किया जाता है।

बैरोक युग की मुख्य वाद्य शैलियाँ।

कंसर्टो ग्रोसो (कंसर्टो ग्रोसो)

लोप

सुइट

एलेमैंड

कुरंट

साराबांदे

गिग

गवोटे

एक प्रकार का नाच

सोनाटा

चैंबर सोनाटा सोनाटा दा कैमरा

चर्च सोनाटासोनाटा दा चियासा

तीनों सोनाटा

शास्त्रीय सोनाटा

प्रस्ताव

फ्रेंच प्रस्तावना (fr।प्रस्तावना)

इतालवी प्रस्ताव (इतालवी)सिनफ़ोनिया)

पार्टिता

कैनज़ोन

स्वर की समता

कल्पना

रीचरकार

टेकट्टा

प्रस्तावना

chaconne

Passacaglia

कोरल प्रस्तावना

बैरोक युग के मूल उपकरण।

पवित्र और चैम्बर धर्मनिरपेक्ष संगीत का अंग बैरोक का मुख्य संगीत वाद्ययंत्र बन गया। हार्पसीकोर्ड, प्लक और झुके हुए तार, साथ ही वुडविंड इंस्ट्रूमेंट्स का भी व्यापक रूप से उपयोग किया जाता था: उल्लंघन, बारोक गिटार, बारोक वायलिन, सेलो, डबल बास, विभिन्न बांसुरी, शहनाई, ओबो, बेससून। बैरोक युग में, इस तरह के एक व्यापक रूप से फंसे तार वाले यंत्र के कार्यों को ल्यूट के रूप में काफी हद तक बासो निरंतर संगत में कम कर दिया गया था, और धीरे-धीरे इसे इस रूप में बदल दिया गया था। कीबोर्ड उपकरण. पिछले पुनर्जागरण में अपनी लोकप्रियता खो चुके और गरीबों और आवारा लोगों का एक साधन बन चुके हॉर्डी गार्डी को दूसरा जन्म मिला; 18वीं शताब्दी के अंत तक। हर्डी-गार्डी फ्रांसीसी अभिजात वर्ग का एक फैशनेबल खिलौना बना रहा, जो ग्रामीण जीवन के शौकीन थे।

पश्चिमी यूरोप में वाद्य संगीत का इतिहास।

इटली का वाद्य संगीत।

17 वीं शताब्दी के इटली ने एक प्रकार के विशाल प्रायोगिक स्टूडियो की भूमिका निभाई, जहाँ लगातार खोज और नई प्रगतिशील शैलियों और वाद्य संगीत के रूपों का क्रमिक गठन हुआ। इन नवोन्मेषी अन्वेषणों ने कला के महान खजाने की रचना की है।

संगीत-निर्माण के ऐसे खुले, लोकतांत्रिक रूप चर्च संगीत कार्यक्रम के रूप में प्रकट हुए, जिसमें न केवल आध्यात्मिक, बल्कि धर्मनिरपेक्ष संगीत भी प्रस्तुत किया गया। मास मनाने के बाद रविवार को चर्चों और गिरिजाघरों के परिसर में पैरिशियन के लिए ये संगीत कार्यक्रम आयोजित किए गए थे। अलग-अलग लोक धुनों के विभिन्न तरीके पेशेवर संगीत में व्यापक रूप से प्रवेश कर चुके हैं।

17 वीं शताब्दी के वाद्य संगीत का इतिहास। इटली में, यह वायलिन की अग्रणी भूमिका के साथ वाद्य यंत्रों के निर्माण का इतिहास है, क्योंकि केवल अब इसने अपने क्वार्टर-टर्ट सिस्टम के साथ कक्ष-उत्तम छह-तार वाले उल्लंघन को बदल दिया है, ल्यूट को एक तरफ धकेल दिया है। पांचवीं प्रणाली वायलिन को विशेष रूप से सद्भाव की अभिव्यंजक संभावनाओं के साथ एक उपकरण बनाती है, जो वाद्य संगीत में तेजी से प्रवेश कर रही है।

वेनिस ने इटली में पहला वायलिन स्कूल बनाया, जहाँ पहली बार एक पेशेवर स्ट्रिंग तिकड़ी (दो वायलिन और बास) की रचना की गई और इस पहनावा के लिए विशिष्ट बनने वाली शैली को परिभाषित किया गया: कई-भाग तिकड़ी सोनाटा।

शताब्दी के मध्य में, सोनाटा एक नए प्रकार के चक्र के रूप में बनता है।

इसने इसे जन्म दिया:

1) एक नई विषयगत, आलंकारिक निश्चितता, संक्षिप्तता की खोज;

2) रचना के दायरे का विस्तार, भागों का आत्मनिर्णय;

3) स्थूल- और सूक्ष्म पैमाने में गतिकी और गीत के विपरीत।

धीरे-धीरे, सोनाटा विपरीत-समग्र रूप से एक चक्र में बदल जाता है।

सुइट शैली भी विकसित हो रही है। एक प्रकार का संगीत कार्यक्रम धीरे-धीरे बनाया जा रहा है - ग्रोसो, यह शैली

इतालवी वाद्य संगीत के प्रतिनिधि:

गिरोलामो फ्रेस्कोबाल्डी (1583-1643)।

XVII सदी के इतालवी अंग स्कूल के संस्थापक। उन्होंने रचना की: canzones, toccatas, Richercats, अंग के लिए कोरल के अनुकूलन, साथ ही harpsichord fugues, canzones और partitas। उन्होंने पिछली शताब्दियों के सख्त लेखन से प्रस्थान किया और एक नई मुक्त शैली की नींव रखी। मेलोडिक विषयों ने विभिन्न प्रकार की शैली सुविधाओं का अधिग्रहण किया, जिससे उन्हें रोज़मर्रा के जीवन के करीब लाया गया। फ्रेस्कोबाल्डी ने भावनात्मक रूप से ज्वलंत और व्यक्तिगत विषयों का निर्माण किया। यह सब उस समय की माधुर्य और सुरीली सोच में वाद्य पॉलीफोनी में एक नया और ताज़ा शब्द था।

आर्केंजेलो कोरेली (1653 -1713)

17वीं सदी के सबसे महान वायलिन वादक। रचनात्मक विरासत छह विरोधों में समाहित है: - बारह तिकड़ी सोनाटा (अंग संगत के साथ) - 1685।

बारह तिकड़ी सोनाटा (हार्पसीकोर्ड संगत के साथ) - 1685।

बारह तिकड़ी सोनाटा (अंग संगत के साथ) - 1689।

बारह तिकड़ी सोनाटा (हार्पसीकोर्ड संगत के साथ) - 1694।

वायलिन के लिए ग्यारह सोनाटा और विविधताएं (हार्पसीकोर्ड संगत के साथ) - 1700।

बारह कंसर्टो ग्रोसो - 1712

विशेषता: भागों के भीतर विषयगत विरोधाभासों की अनुपस्थिति; संगीत के ताने-बाने को सक्रिय करने के लिए एकल और टूटी (अभिनय करना) का संयोजन; स्पष्ट और खुली कल्पनाशील दुनिया।

कोरेली ने सोनाटा को रूप की शास्त्रीय पूर्णता प्रदान की। शैली के संस्थापक बनेकंसर्टो ग्रोसो।

एंटोनियो विवाल्डी (1678-1741)। निर्माण।

इतालवी संगीतकार, वायलिन वादक, कंडक्टर, शिक्षक। उन्होंने अपने पिता जेवन बतिस्ता विवाल्डी के साथ अध्ययन किया, जो वेनिस में सैन मार्को के कैथेड्रल के वायलिन वादक थे, संभवतः जी। लेग्रेन्ज़ी के साथ भी। 1703-25 में, एक शिक्षक, फिर एक ऑर्केस्ट्रा कंडक्टर और कॉन्सर्ट निर्देशक, साथ ही पिएटा महिला कंज़र्वेटरी के निदेशक (1713 से) (1735 में वह फिर से थोड़े समय के लिए बैंडमास्टर थे)। उन्होंने कंज़र्वेटरी के कई धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक संगीत कार्यक्रमों के लिए संगीत तैयार किया। साथ ही उन्होंने वेनिस के सिनेमाघरों के लिए ओपेरा लिखा (उनके उत्पादन में भाग लिया)। एक गुणी वायलिन वादक के रूप में, उन्होंने इटली और अन्य देशों में संगीत कार्यक्रम दिए। पिछले साल कावियना में बिताया।

विवाल्डी के काम में, कंसर्ट ग्रोसो अपने उच्चतम शिखर पर पहुंच गया। ए. कोरेली की उपलब्धियों के आधार पर, विवाल्डी ने कंसर्टो ग्रोसो के लिए 3-भाग चक्रीय रूप स्थापित किया, एकल कलाकार के कलाप्रवीण हिस्से को अलग किया। उन्होंने सोलो की शैली बनाई वाद्य संगीत कार्यक्रम, गुणी वायलिन तकनीक के विकास में योगदान दिया। विवाल्डी की संगीत शैली माधुर्य, उदारता, गतिशीलता और ध्वनि की अभिव्यक्ति, लेखन के ऑर्कास की पारदर्शिता, भावनात्मक समृद्धि के साथ संयुक्त शास्त्रीय सद्भाव से प्रतिष्ठित है। विवाल्डी के संगीत कार्यक्रमों ने जे.एस. बाख सहित कई संगीतकारों के लिए संगीत कार्यक्रम शैली के मॉडल के रूप में काम किया (उन्होंने हार्पसीकोर्ड और अंग के लिए लगभग 20 विवाल्डी वायलिन संगीत कार्यक्रमों का अनुवाद किया)। चक्र "मौसम" कार्यक्रम आर्केस्ट्रा संगीत के शुरुआती उदाहरणों में से एक है।

इंस्ट्रूमेंटेशन के विकास में विवाल्डी का योगदान महत्वपूर्ण है (वह गैबो, सींग, बेससून और अन्य उपकरणों को स्वतंत्र रूप से उपयोग करने वाले पहले व्यक्ति थे, न कि दोहराव के रूप में)। शास्त्रीय सिम्फनी के निर्माण के रास्ते में विवाल्डी का वाद्य संगीत कार्यक्रम एक मंच था। सिएना में, विवाल्डी के नाम पर इतालवी संस्थान बनाया गया था (एफ। मालिपिएरो के नेतृत्व में)।

रचनाएँ:

ओपेरा (27)-
रोलैंड सहित - एक काल्पनिक पागल (ऑरलैंडो फिएटो पॉज़ो, 1714, थियेटर "संत'एंजेलो", वेनिस), नीरो, जो सीज़र बन गया (नेरोन फेट्टो सेसरे, 1715, ibid), डेरियस का राज्याभिषेक (एल "incoronazione di Daria, 1716) , ibid।), प्यार में धोखे की जीत (L "inganno trionfante in amore, 1725, ibid।), Farnache (1727, ibid।, जिसे बाद में Farnache, पोंटस का शासक भी कहा जाता है), कुनेगोंडा (1727, ibid।), ओलंपियास। 1734, ibid।), ग्रिसेल्दा (1735, थिएटर "सैन सैमुएल", वेनिस), एरिस्टाइड्स (1735, ibid।), मेसेनिया में ओरेकल (1738, थिएटर "सेंट एंजेलो", वेनिस), फेरसप (1739, ibid।) ;

वक्तृत्व-
मोसेस, फिरौन के देवता (मोयसेस डेस फैरोनिस, 1714), विजयी जूडिथ (जुडिथा ट्रायम्फंस डेविक्टा होलो-फर्निस बारबरी, 1716), मैगी की आराधना (एल "एडोराजियोन डेल्ली ट्रे रे मागी, 1722);

धर्मनिरपेक्ष छावनी (56) -
बासो कॉन्टिन्यू के साथ आवाज के लिए 37, स्ट्रिंग्स, ऑर्केस्ट्रा, ग्रैंड कैंटाटा ग्लोरिया और हाइमन (1725) के साथ आवाज के लिए 14 शामिल हैं;

पंथ संगीत (लगभग 55 टुकड़े) -
स्टैबट मेटर, मोटेट्स, स्तोत्र आदि सहित;

वाद्य। काम करता है-
वायलिन के लिए 30, 2 वायलिन के लिए 19, सेलो के लिए 10, वायलिन और सेलो के लिए 1, ल्यूट और वायलिन के लिए 2, ओबो के लिए 2 सहित 76 सोनटास; 465 कंसर्ट, जिसमें 49 कंसर्टी ग्रॉसी, 331 बासो कॉन्टिन्यू के साथ एक उपकरण के लिए (वायलिन के लिए 228, सेलो के लिए 27, वॉयल डी "एमोर के लिए 6, अनुप्रस्थ के लिए 13, अनुदैर्ध्य बांसुरी के लिए 3, ओबो के लिए 12, बेससून के लिए 38, 1 के लिए 1 शामिल हैं। मैंडोलिन) 38 बेसो कंटीयूओ के साथ 2 इंस्ट्रूमेंट्स के लिए (वायलिन के लिए 25, सेलो के लिए 2, वायलिन और सेलो के लिए 3, हॉर्न के लिए 2, मैंडोलिन्स के लिए 1), बेसो कॉन्टिन्यू के साथ 3 या अधिक इंस्ट्रूमेंट्स के लिए 32।

डोमेनिको स्कारलाट्टी (1685-1757)।

संगीतकार, इतालवी क्लैवियर संगीत का सबसे बड़ा स्वामी। अधिकांश शानदार क्लैवियर सोनटास के हकदार हैंएस्सेर्सी (व्यायाम ), डोमिनिको द्वारा अपनी प्रतिभाशाली छात्रा मारिया बारबरा के लिए लिखा गया है, जो जीवन भर शिक्षक के प्रति समर्पित रही। ऐसा माना जाता है कि डोमिनिको के एक अन्य प्रसिद्ध छात्र स्पेनिश संगीतकार पाद्रे एंटोनियो सोलर थे।

स्कारलाट्टी की क्लैवियर शैली की मौलिकता 1738 के 30 सोनटास में प्रकट हुई थी। स्कारलाट्टी के सोनटास स्पेनिश संगीत शैली का सबसे प्रामाणिक और परिष्कृत प्रतिबिंब हैं, वे बड़ी जीवंतता के साथ स्पेनिश नृत्यों की भावना और लय को पकड़ते हैं और गिटार संस्कृति. इन सोनटास में अक्सर सख्ती से बाइनरी फॉर्म (एएबीबी) होता है, लेकिन इसकी आंतरिक सामग्री बहुत विविध होती है।

संगीतकार की शैली की सबसे हड़ताली विशेषताओं में असंगत सामंजस्य और बोल्ड मॉड्यूलेशन की प्रतिभा है। स्कारलाट्टी के क्लैवियर लेखन की विशिष्टता बनावट की समृद्धि से जुड़ी है: यह बाएं और दाएं हाथों के क्रॉसिंग, रिहर्सल, ट्रिल्स और अन्य प्रकार के अलंकरण को संदर्भित करता है। आज, डोमेनिको के सोनटास को कीबोर्ड उपकरणों के लिए लिखे गए अब तक के सबसे मूल कार्यों में से एक माना जाता है।

जर्मनी का वाद्य संगीत।

17 वीं शताब्दी के वाद्य संगीत में। अंग ने गौरवपूर्ण स्थान प्राप्त किया। जर्मन अंग रचनाकारों की पहली पीढ़ियों में, स्कीड्ट (1587-1654) और जोहान फ्रोबर्गर (1616-1667) के आंकड़े सबसे दिलचस्प थे। फ्यूग्यू के रास्ते पर पॉलीफोनिक रूपों के इतिहास और कोरल की व्यवस्था के लिए उनका महत्व बहुत अच्छा है। फ्रोबर्गर ने अंग और हार्पसीकोर्ड संगीत (सुधार, करुणा, गुण, गतिशीलता, विवरणों का बढ़िया विस्तार) को एक साथ लाया। बाख के तत्काल पूर्ववर्तियों में जोहान एडम, जॉर्ज बॉम, जोहान पैकेलबेल, डायट्रिच बक्सटेलहुड हैं। बड़े और मूल कलाकार, वे प्रतिनिधित्व करते हैं, जैसा कि यह था, पूर्व-बाख अंग कला के विभिन्न पक्ष: पचेलबेल - "शास्त्रीय" रेखा, बक्सटेलहुड - "बारोक"। बक्सटेलहुड के काम की विशेषता रचना के प्रसार, कल्पना की स्वतंत्रता, करुणा, नाटक और वाक्पटुता के लिए एक प्रवृत्ति है।

जोहान सेबेस्टियन बाच।

अधिकांश वाद्य संगीत विशुद्ध रूप से धर्मनिरपेक्ष है (अंग के लिए एक अपवाद संगीत है)। वाद्य संगीत में, विभिन्न क्षेत्रों, शैलियों, प्रस्तुति के प्रकारों के बीच बातचीत और पारस्परिक संवर्धन की प्रक्रिया होती है। क्लैवियर और अंग के लिए संगीत केंद्र में आता है।

क्लैवियर एक रचनात्मक प्रयोगशाला है। बाख ने वाद्य पर अत्यधिक मांग करते हुए, प्रदर्शनों की सूची की सीमाओं को आगे बढ़ाया। क्लैवियर शैली अपनी ऊर्जावान और राजसी, संयमित और संतुलित भावनात्मक संरचना, समृद्धि और बनावट की विविधता, स्वर की समृद्धि से प्रतिष्ठित है। बाख ने नई खेल तकनीकें पेश कीं। काम करता है: शुरुआती लोगों के लिए टुकड़े (छोटे प्रस्तावना, फुगेटा), प्रस्तावना और फुग्यू (HTK), सूट, संगीत कार्यक्रम (इतालवी), टोकाटास, कल्पनाएँ (मुक्त कामचलाऊ व्यवस्था, दयनीय रूप से उन्नत स्वर, कलाप्रवीण बनावट), "द आर्ट ऑफ़ फ्यूग्यू" (एक बनाया गया) क्लासिकल फ्यूग्यू)।

बाख के काम में एक बड़ी भूमिका अंग की है। अंग शैली ने संगीतकार की सभी वाद्य सोच पर अपनी छाप छोड़ी। यह वह अंग है जो उस शैली से संबंधित है जो वाद्य संगीत को आध्यात्मिक छावनी और जुनून से जोड़ता है - कोरल की व्यवस्था (150 से अधिक)। ऑर्गन वर्क्स ने स्थापित रूपों, पारंपरिक शैलियों की ओर गुरुत्वाकर्षण किया, जिसके लिए बाख ने गुणात्मक रूप से नई व्याख्या दी: प्रस्तावना और फ्यूग्यू (उन्होंने दो रचनात्मक क्षेत्रों को प्रतिष्ठित किया, उन्हें बेहतर बनाया, उन्हें एक नए संश्लेषण में फिर से जोड़ा)।

बाख ने अन्य वाद्ययंत्रों के लिए भी लिखा: सेलो सूट, चैम्बर पहनावा, ऑर्केस्ट्रा के लिए सूट, संगीत कार्यक्रम, जिसने संगीत के आगे के विकास में बहुत बड़ी भूमिका निभाई।

बाख की विशाल विरासत का नैतिक प्रभाव है। वह एक शैली, एक युग से बहुत आगे निकल गया।

इंग्लैंड का वाद्य संगीत।

अंग्रेजी वाद्य संगीत के क्षेत्र में, क्लैवियर स्कूल आकार ले रहा था (verzhdinelists - वाद्य के नाम से)। प्रतिनिधि: बर्ड, बुल, मॉर्नी, गिबन्स... उनके कार्यों में सबसे दिलचस्प नृत्य और गीतों के विषय पर विविधताएं हैं।

जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल।

वाद्य संगीत - संगीतकार की शैली का सूचक, मुखर कार्यों से जुड़ा हुआ है, यह चित्र हैं, शब्द के साथ संगीत के सचित्र गुण जो विषयगत, नाटकों के सामान्य स्वरूप, व्यक्तिगत भागों को प्रभावित करते हैं। सामान्य तौर पर, दीप्ति, करुणा, ध्वनि का घनत्व, उत्सव की गंभीरता, पूर्ण सोनोरिटी, चिरोस्कोरो के विपरीत, स्वभाव, कामचलाऊ छलकना विशेषता है।

कंसर्टो ग्रोसो की शैली और सामान्य रूप से कंसर्टो (अंग के लिए, ऑर्केस्ट्रा के लिए ...) रचनात्मक छवि की सबसे विशेषता है। हैंडेल ने कॉन्सर्ट चक्र की एक मुक्त रचना की अनुमति दी, "तेज-धीमी" के सिद्धांत का पालन नहीं किया। उनके संगीत कार्यक्रम (अंग के लिए उन सहित) विशुद्ध रूप से धर्मनिरपेक्ष कार्य हैं, जिसमें नृत्य भागों को शामिल किया गया है। उत्सव, ऊर्जा, इसके विपरीत, कामचलाऊ व्यवस्था सामान्य स्वर पर हावी है।

हैंडेल ने वाद्य संगीत की अन्य शैलियों में भी काम किया: सोनटास (तीनों-सोनाटास), कल्पनाएँ, मनमौजी, विविधताएँ, मनोरंजक संगीत (डबल कंसर्ट, "म्यूजिक ऑन द वॉटर") लिखा।

फिर भी, रचनात्मकता के प्रमुख क्षेत्र में सिंथेटिक शैलियों का कब्जा है: ओपेरा, ओटोरियो।

फ्रांस का वाद्य संगीत।

17वीं शताब्दी वाद्य संगीत के इतिहास में शिखर है। विश्व संगीत संस्कृति के खजाने में फ्रेंच क्लैवेसिन वर्चुओसोस जैक्स चंबोनियर, लुइस कूप्रेन और फ्रेंकोइस कूप्रेन के कार्य शामिल हैं। एक पसंदीदा शैली छोटे नृत्य टुकड़ों का एक सूट था जो एक दूसरे का अनुसरण करते थे। एफ। कुप्रेन वाद्य संगीत में एक नई शैली के निर्माता हैंरोण्डो (हार्पसीकोर्ड बजाने की कला)। हार्पसीकोर्ड संगीत की शैली मधुर समृद्धि, गहनों की प्रचुरता, लचीली सुंदर लय से प्रतिष्ठित है।

अंतिम भाग।

बाद के संगीत पर बारोक वाद्य संगीत का प्रभाव।

श्रेण्यवाद के युग में संक्रमण (1740-1780)

परस्पर विरोधी विचारों और दुनिया के विभिन्न विचारों को एकजुट करने के प्रयासों से भरे देर से बारोक और शुरुआती क्लासिकवाद के बीच संक्रमणकालीन चरण के कई नाम हैं। इसे "बहादुर शैली", "रोकोको", "पूर्व शास्त्रीय काल" या "प्रारंभिक शास्त्रीय काल" कहा जाता है। इन कुछ दशकों में, जो संगीतकार बारोक शैली में काम करना जारी रखते थे, वे अभी भी सफल थे, लेकिन वे पहले से ही वर्तमान के नहीं, बल्कि अतीत के थे। संगीत एक चौराहे पर था: पुरानी शैली के उस्तादों के पास उत्कृष्ट तकनीक थी, और जनता पहले से ही एक नया चाहती थी। इस इच्छा का लाभ उठाते हुए, कार्ल फिलिप इमैनुएल बाख ने प्रसिद्धि प्राप्त की: वह पुरानी शैली के उत्कृष्ट स्वामी थे, लेकिन उन्होंने इसे अद्यतन करने के लिए कड़ी मेहनत की। उनके क्लैवियर सोनटास संरचना में उनकी स्वतंत्रता, काम की संरचना पर बोल्ड काम के लिए उल्लेखनीय हैं।

इस संक्रमणकालीन क्षण में, पवित्र और धर्मनिरपेक्ष संगीत के बीच का अंतर बढ़ गया। आध्यात्मिक रचनाएँ मुख्य रूप से बारोक के ढांचे के भीतर बनी रहीं, जबकि धर्मनिरपेक्ष संगीत नई शैली की ओर आकर्षित हुआ।

विशेष रूप से मध्य यूरोप के कैथोलिक देशों में, बैरोक शैली अठारहवीं शताब्दी के अंत तक और साथ ही अपने समय में आध्यात्मिक संगीत में मौजूद थी।प्राचीन शैली पुनर्जागरण सत्रहवीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध तक बना रहा। हेडन और मोजार्ट के जनसमूह और वक्तृत्व, उनके ऑर्केस्ट्रेशन और अलंकरण में शास्त्रीय, उनके कॉन्ट्रापंटल और हार्मोनिक संरचनाओं में कई बारोक तकनीकें शामिल थीं। बैरोक की गिरावट के साथ पुरानी और नई तकनीकों के सह-अस्तित्व की लंबी अवधि थी। कई जर्मन शहरों में, बैरोक प्रदर्शन अभ्यास 1790 के दशक तक जीवित रहा, उदाहरण के लिए, लीपज़िग में, जहाँ जे.एस. बाख ने अपने जीवन के अंत में काम किया।

इंग्लैंड में, हैंडेल की स्थायी लोकप्रियता ने कम प्रसिद्ध संगीतकारों के लिए सफलता सुनिश्चित की, जिन्होंने अब लुप्त होती बारोक शैली में रचना की: चार्ल्स एविसन (इंग्लैंड।चार्ल्स एविसन ), विलियम बॉयज़ (इंग्लैंड।विलियम बॉयस ) और थॉमस ऑगस्टाइन अर्न (इंग्लैंड।थॉमस ऑगस्टाइन अर्ने ). महाद्वीपीय यूरोप में, इस शैली को पहले से ही पुराने जमाने का माना जाने लगा है; इसका अधिकार केवल पवित्र संगीत की रचना करने और तत्कालीन कई संरक्षिकाओं में प्रदर्शित होने से स्नातक करने के लिए आवश्यक था।

1760 के बाद बैरोक तकनीकों और तकनीकों का प्रभाव

चूँकि बारोक संगीत में बहुत कुछ संगीत शिक्षा का आधार बन गया, बैरोक शैली का प्रभाव एक प्रदर्शन के रूप में बारोक के प्रस्थान के बाद बना रहा और संगीतकार शैली. उदाहरण के लिए, हालांकि सामान्य बास अभ्यास अनुपयोगी हो गया, यह संगीत संकेतन का हिस्सा बना रहा। 19वीं शताब्दी में, बारोक मास्टर्स के अंकों को पूर्ण संस्करणों में मुद्रित किया गया था, जिसके कारण "सख्त लेखन" के प्रतिरूप में नए सिरे से रुचि पैदा हुई (उदाहरण के लिए, रूसी संगीतकार एस. आई. तन्येव ने 19 वीं शताब्दी के अंत में पहले से ही लिखा था। सैद्धांतिक कार्य "सख्त लेखन का मोबाइल काउंटरपॉइंट")।

20वीं शताब्दी ने बैरोक काल को अपना नाम दिया। उस युग के संगीत का व्यवस्थित अध्ययन प्रारम्भ हुआ। बैरोक रूपों और शैलियों ने अर्नोल्ड स्कोनबर्ग, मैक्स रेगर, इगोर स्ट्राविंस्की और बेला बार्टोक जैसे विविध संगीतकारों को प्रभावित किया है। बीसवीं सदी की शुरुआत में हेनरी परसेल और एंटोनियो विवाल्डी जैसे परिपक्व बैरोक संगीतकारों में रुचि का पुनरुत्थान देखा गया।

बैरोक मास्टर्स द्वारा समकालीन संगीतकारों द्वारा कई कार्यों को "खोया लेकिन फिर से खोजा गया" कार्यों के रूप में प्रकाशित किया गया है। उदाहरण के लिए, हेनरी कैसडेसस द्वारा रचित वियोला कंसर्टो (fr।हेनरी-गुस्ताव कैसडेसस ), लेकिन उसके द्वारा हैंडेल को जिम्मेदार ठहराया। या फ़्रिट्ज़ क्रेस्लर (जर्मन।फ्रिट्ज क्रेस्लर ), उनके द्वारा अल्पज्ञात बारोक संगीतकार गेटानो पुगनानी (इटाल।गेटानो पुगनानी ) और पड्रे मार्टिनी (इतालवी।पाद्रे मार्टिनी ). और 21 वीं सदी की शुरुआत में, ऐसे संगीतकार हैं जो विशेष रूप से बारोक शैली में लिखते हैं, उदाहरण के लिए, जियोर्जियो पैसिओनी (इतालवी।जियोर्जियो पचियोनी)।

20 वीं शताब्दी में, पॉलीफोनी की नकल पर ध्यान केंद्रित करते हुए, "नव-बारोक" शैली में कई रचनाएँ रची गईं। ये गियासिंटो स्केल्सी, पॉल हिंडमिथ, पॉल क्रेस्टन और बोहुस्लाव मार्टिनु जैसे संगीतकारों द्वारा काम करता है। संगीतज्ञ बैरोक युग के संगीतकारों के अधूरे कार्यों को पूरा करने का प्रयास कर रहे हैं (इन कार्यों में सबसे प्रसिद्ध जे.एस. बाख की द आर्ट ऑफ फ्यूग्यू है)। चूंकि संगीत बारोक पूरे युग की पहचान थी, इसलिए "बारोक के तहत" लिखे गए समकालीन काम अक्सर टेलीविजन और फिल्म के उपयोग के लिए दिखाई देते हैं। उदाहरण के लिए, संगीतकार पीटर शिकेले छद्म नाम पी.डी.के. बाख के तहत शास्त्रीय और बारोक शैलियों की पैरोडी करते हैं।

20वीं शताब्दी के अंत में, ऐतिहासिक रूप से सूचित प्रदर्शन (या "प्रामाणिक प्रदर्शन" या "प्रामाणिकता") प्रकट हुआ। यह बैरोक युग के संगीतकारों के प्रदर्शन के तरीके को विस्तार से फिर से बनाने का एक प्रयास था। क्वांटज़ और लियोपोल्ड मोजार्ट के कार्यों ने बारोक संगीत प्रदर्शन के पहलुओं के अध्ययन का आधार बनाया। प्रामाणिक प्रदर्शन में धातु के बजाय सिन्यू से बने तारों का उपयोग, हार्पिसकोर्ड्स का पुनर्निर्माण, ध्वनि उत्पादन के पुराने तरीकों का उपयोग और भूली हुई तकनीक शामिल है। कई लोकप्रिय पहनावाओं ने इन नवाचारों का उपयोग किया है। ये हैं बेनामी 4, द एकेडमी ऑफ़ अर्ली म्यूज़िक, द बोस्टन सोसाइटी ऑफ़ हेडन एंड हैंडेल, द एकेडमी ऑफ़ सेंट मार्टिन इन फील्ड्स, विलियम क्रिस्टीज़ लेस आर्ट्स फ्लोरिसेंट्स एन्सेम्बल, ले पोमे हारमोनिक, कैथरीन द ग्रेट का ऑर्केस्ट्रा और अन्य।

20 वीं और 21 वीं सदी के मोड़ पर, बारोक संगीत में रुचि और सबसे पहले बारोक ओपेरा में वृद्धि हुई। सेसिलिया बार्टोली जैसे प्रमुख ओपेरा गायकों ने अपने प्रदर्शनों की सूची में बारोक कार्य शामिल किए। संगीत कार्यक्रम और शास्त्रीय संस्करण दोनों में प्रदर्शन किए जाते हैं।

जाज

बैरोक संगीत और जैज़ में कुछ सामान्य आधार हैं। बैरोक संगीत, जैज़ की तरह, मुख्य रूप से छोटे कलाकारों की टुकड़ियों के लिए लिखा जाता है (उस समय सैकड़ों संगीतकारों के ऑर्केस्ट्रा को इकट्ठा करने की कोई वास्तविक संभावना नहीं थी), एक जैज़ चौकड़ी की याद ताजा करती है। साथ ही, बैरोक कार्य कामचलाऊ व्यवस्था करने के लिए एक विस्तृत क्षेत्र छोड़ते हैं। उदाहरण के लिए, कई बैरोक मुखर कार्यों में दो मुखर भाग होते हैं: पहला भाग संगीतकार द्वारा बताए अनुसार गाया / बजाया जाता है, और फिर इसे दोहराया जाता है, लेकिन गायक कामचलाऊ तरीके से मुख्य राग को ट्रिल्स, ग्रेस और अन्य सजावट से सजाता है। हालाँकि, जैज़ के विपरीत, ताल और मूल राग में कोई बदलाव नहीं होता है। बैरोक आशुरचना केवल पूरक है, लेकिन कुछ भी नहीं बदलता है।

XX सदी के 50 के दशक में शांत जाज शैली के हिस्से के रूप में समानताएं खींचने की प्रवृत्ति थी जैज रचनाएँबैरोक संगीत के साथ। इस तरह के संगीत और सौंदर्य की दृष्टि से दूर की अवधि में सामान्य हार्मोनिक और मेलोडिक सिद्धांतों की खोज करने के बाद, संगीतकारों ने जे.एस. बाख के वाद्य संगीत में रुचि दिखाई। कई संगीतकारों और कलाकारों की टुकड़ियों ने इन विचारों को विकसित करने का मार्ग अपनाया है। इनमें डेव ब्रूबेक, बिल इवांस, गेरी मुलिगन शामिल हैं, लेकिन यह मुख्य रूप से पियानोवादक जॉन लुईस के नेतृत्व में "आधुनिक जैज़ चौकड़ी" को संदर्भित करता है।

निष्कर्ष।

बैरोक युग ने विश्व संस्कृति की उत्कृष्ट कृतियों की एक बड़ी संख्या को पीछे छोड़ दिया, और उनमें से एक छोटा सा हिस्सा वाद्य संगीत की रचना नहीं है।इस प्रकार, बैरोक स्कूल के मानदंडों में कुख्यात "विवाल्डी के संगीत के लिए", हल्के संगीत के स्वर और लय में संगीतमय रोजमर्रा की जिंदगी में रहता है। संगीतमय भाषा. बैरोक युग से पैदा हुई शैलियाँ जीवित हैं और अपने तरीके से विकसित हो रही हैं: फ्यूग्यू, ओपेरा, कैंटाटा, प्रील्यूड, सोनाटा, कंसर्टो, एरिया, विविधताएं ...इसके इतिहास का पता लगाने और उसका विश्लेषण करने के बाद, आप आश्वस्त हैं कि लगभग सभी आधुनिक संगीत किसी न किसी तरह से बारोक युग के संगीत से जुड़े हैं, अलग से वाद्य संगीत के साथ। आज तक, शुरुआती संगीत के समूह बनाए जा रहे हैं, और यह बहुत कुछ कहता है...

स्रोतों की सूची:

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सुरक्षात्मक चादर।

बैरोक युग (XVII सदी) विश्व संस्कृति के इतिहास में सबसे दिलचस्प युगों में से एक है। इस युग में एक विशेष भूमिका संगीत कला द्वारा कब्जा कर ली गई है, जो पुराने "सख्त शैली" के खिलाफ एक समझौता संघर्ष के साथ, निर्णायक मोड़ के साथ शुरू होती है।प्रभुत्व अंततः निर्धारित होता है धर्मनिरपेक्ष संगीत(हालांकि जर्मनी और कुछ अन्य देशों में, चर्च भी बहुत महत्व रखता है)।

पुनर्जागरण के संगीत की तुलना में बैरोक संगीत अधिक जटिल हो जाता है, और क्लासिकवाद का संगीत कम अलंकरण के साथ अधिक संरचित हो जाता है, और कई भावनाओं को प्रकट करता है, जबकि बारोक संगीत में एक भाग में स्पष्ट रूप से पता लगाया जाता है।

उत्कृष्ट संगीतकारों के लिए धन्यवाद, संगीत की नई विधाएं दिखाई देती हैं, जैसे कि सिम्फनी और कंसर्ट, सोनाटा विकसित होती है, फ्यूग्यू अभूतपूर्व लोकप्रियता तक पहुंचता है। कंसर्ट का सबसे महत्वपूर्ण प्रकार ग्रोसो है, यह शैलीमजबूत विरोधाभासों पर निर्मित; वाद्ययंत्रों को एक पूर्ण ऑर्केस्ट्रा की ध्वनि में भाग लेने वालों और एक छोटे एकल समूह में विभाजित किया गया है। संगीत ज़ोर से शांत भागों में तेज बदलाव पर बनाया गया है, तेज़ मार्ग धीमे लोगों के विरोध में हैं।

निस्संदेह, बैरोक वाद्य संगीत का उद्गम स्थल और केंद्र इटली है, जिसने दुनिया को सबसे शानदार कलाप्रवीण संगीतकार (गिरोलामो फ्रेस्कोबाल्डी (1583-1643),डोमेनिको स्कारलाट्टी (1685-1757),एंटोनियो विवाल्डी (1678-1741), आर्केंजेलो कोरेली (1653 -1713)। इन महान संगीतकारों का संगीत श्रोताओं को आनंदित करता रहता है।

इटली और अन्य पश्चिमी यूरोपीय देशों के साथ बने रहने की कोशिश: जर्मनी, फ्रांस, इंग्लैंड।

जर्मनी में, सबसे महत्वपूर्ण आंकड़ा जे.एस. बाख, जिन्होंने अंग को अपने काम में अग्रणी भूमिका दी। बाख की विशाल विरासत का नैतिक प्रभाव है। वह एक शैली, एक युग से बहुत आगे निकल गया।

विश्व संगीत संस्कृति के खजाने में फ्रेंच क्लैवेसिन वर्चुओसोस जैक्स चंबोनियर, लुइस कूप्रेन और फ्रेंकोइस कूप्रेन के कार्य शामिल हैं।

अंग्रेजी वाद्य संगीत के क्षेत्र में क्लैवियर स्कूल आकार ले रहा था। सबसे प्रमुख संगीतकार जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल थे। कंसर्टो ग्रोसो की शैली और सामान्य रूप से कंसर्टो (अंग के लिए, ऑर्केस्ट्रा के लिए ...) रचनात्मक छवि की सबसे विशेषता है। हैंडेल ने कॉन्सर्ट चक्र की एक मुक्त रचना की अनुमति दी, "तेज-धीमी" के सिद्धांत का पालन नहीं किया। उनके संगीत कार्यक्रम (अंग के लिए उन सहित) विशुद्ध रूप से धर्मनिरपेक्ष कार्य हैं, जिसमें नृत्य भागों को शामिल किया गया है।

इसके बाद, बारोक वाद्य संगीत का बाद के सभी संगीतों पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा और सामान्य विशेषताएं जैज़ में भी पाई जाती हैं।

अब भी, शुरुआती संगीत के समूह बनाए जा रहे हैं।

बांसुरी सबसे प्राचीन वाद्य यंत्रों में से एक है। वे अनुप्रस्थ और अनुदैर्ध्य हैं। अनुदैर्ध्य वाले सीधे आगे रखे जाते हैं, बांसुरी के ऊपरी छोर पर छेद में हवा उड़ाते हैं। अनुप्रस्थ वाले एक क्षैतिज दिशा में आयोजित होते हैं, जो हवा को बांसुरी के पार्श्व छेद में प्रवाहित करते हैं।

अनुदैर्ध्य बांसुरी का सर्वप्रथम उल्लेख मिलता है ग्रीक पौराणिक कथाएँऔर मिस्र का इतिहास (तीसरी सहस्राब्दी ईसा पूर्व)।

चीन में, पाँच या छह अंगुल छेद वाली अनुप्रस्थ बांसुरी का पहला उल्लेख पहली सहस्राब्दी ईसा पूर्व का है, जैसा कि जापान और भारत में है। बांसुरी के डिजाइन में क्रांतिकारी बदलाव उन्नीसवीं सदी के मध्य में थोबाल्ड बोहम की मदद से हुआ।

हालांकि आधुनिक बांसुरी वुडविंड वाद्ययंत्र हैं, वे आमतौर पर सोने, चांदी और यहां तक ​​कि प्लैटिनम का उपयोग करके धातु मिश्र धातुओं से बनाई जाती हैं। यह उन्हें पिछली शताब्दियों में धातु की बांसुरी से पहले की लकड़ी की बांसुरी की तुलना में तेज आवाज और बजाने में आसान बनाता है।

सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में बांसुरी सबसे गुणी वाद्य यंत्रों में से एक है। उसके परिया आर्पीगियोस और पैसेज से भरे हुए हैं।

पीतल के वाद्य यंत्र

पीतल के उपकरण - समूह पवन संगीत वाद्ययंत्र , जिस पर खेलने का सिद्धांत उड़ाए गए वायु प्रवाह की शक्ति या होठों की स्थिति को बदलकर हार्मोनिक व्यंजन प्राप्त करना है।

"कॉपर" नाम ऐतिहासिक रूप से उस सामग्री पर वापस जाता है जिससे ये उपकरण बनाए गए थे, हमारे समय में, तांबे के अलावा, वे अक्सर उनके निर्माण के लिए उपयोग किए जाते हैं।पीतल, कम अक्सर चांदी , और मध्य युग और बैरोक के कुछ उपकरण ध्वनि उत्पादन के समान तरीके से (उदाहरण के लिए,नागिन ) लकड़ी के बने थे।

पीतल के उपकरणों में आधुनिक शामिल हैंहॉर्न, तुरही, कॉर्नेट, फ्लगेलहॉर्न, ट्रॉम्बोन, टुबा . अलग गुट है saxhorns . प्राचीन पीतल के यंत्र -सैकबट (आधुनिक ट्रॉम्बोन के पूर्ववर्ती),नागिन और अन्य कुछ लोक वाद्ययंत्र भी तांबे के होते हैं, उदाहरण के लिए, मध्य एशियाईकरनाय।

पीतल के उपकरणों का इतिहास

खोखला उड़ाने की कलाहॉर्न जानवर या एक खोल में प्राचीन काल में पहले से ही जाना जाता था। इसके बाद, लोगों ने धातु से विशेष उपकरण बनाना सीखा, जो सींग के समान थे और सैन्य, शिकार और धार्मिक उद्देश्यों के लिए थे।

आधुनिक पीतल के उपकरणों के पूर्वज शिकार सींग, सैन्य सींग और पोस्ट सींग थे। ये उपकरण, जिनमें तंत्र नहीं थावाल्व कुछ आवाजें दींप्राकृतिक पैमाना , कलाकार के होठों की मदद से ही पुनर्प्राप्त किया गया। यहाँ से सैन्य और शिकार के पंखे और प्राकृतिक पैमाने की आवाज़ के आधार पर संकेत दिखाई दिए, जो संगीत अभ्यास में दृढ़ता से स्थापित हो गए हैं।

धातु प्रसंस्करण और धातु उत्पादों के उत्पादन की तकनीक में सुधार के साथ, कुछ आयामों के पवन उपकरणों और खत्म होने की वांछित डिग्री के लिए पाइप बनाना संभव हो गया। तांबे के पवन पाइपों के सुधार और उन पर प्राकृतिक पैमाने से महत्वपूर्ण मात्रा में ध्वनि निकालने की कला के विकास के साथ, अवधारणा प्रकट हुईप्राकृतिक उपकरण , अर्थात्, एक तंत्र के बिना उपकरण, केवल एक प्राकृतिक पैमाने का उत्पादन करने में सक्षम।

19 वीं शताब्दी की शुरुआत में, वाल्व तंत्र का आविष्कार किया गया था, जिसने नाटकीय रूप से प्रदर्शन की तकनीक को बदल दिया और पीतल के वायु उपकरणों की क्षमताओं में वृद्धि की।

तांबे के उपकरणों का वर्गीकरण

पीतल के पवन उपकरणों को कई परिवारों में विभाजित किया गया है:

• वाल्व उपकरण कलाकार की उंगलियों द्वारा नियंत्रित कई द्वार (आमतौर पर तीन या चार) होते हैं। वाल्व का सिद्धांत मुख्य ट्यूब में तुरंत एक अतिरिक्त क्राउन शामिल करना है, जो उपकरण की लंबाई बढ़ाता है और इसकी पूरी प्रणाली को कम करता है। विभिन्न लंबाई के नलियों को जोड़ने वाले कई वाल्व एक रंगीन पैमाने को प्राप्त करना संभव बनाते हैं। अधिकांश आधुनिक पीतल के उपकरण वाल्वयुक्त हैं - सींग, तुरही, टब, सैक्सहॉर्न, आदि। वाल्व के दो डिज़ाइन हैं - "रोटरी" और "स्टैंडिंग" (पिस्टन)।
• योक उपकरण एक विशेष यू-आकार की वापस लेने योग्य ट्यूब का उपयोग करें - एक चरण, जिसकी गति चैनल में हवा की लंबाई को बदल देती है, इस प्रकार निकाली गई आवाज़ को कम या बढ़ा देती है। संगीत में प्रयुक्त मुख्य रॉक वाद्य यंत्र ट्रॉम्बोन है।
• प्राकृतिक उपकरण कोई अतिरिक्त ट्यूब नहीं है और केवल प्राकृतिक पैमाने की आवाज निकालने में सक्षम हैं। 18वीं शताब्दी में विशेषप्राकृतिक हॉर्न आर्केस्ट्रा . 19वीं शताब्दी की शुरुआत तक, संगीत में प्राकृतिक उपकरणों का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता था, फिर, वाल्व तंत्र के आविष्कार के साथ, वे अनुपयोगी हो गए। विशेष ध्वनि प्रभावों के लिए कभी-कभी 19वीं-20वीं शताब्दी के संगीतकारों (वैगनर, आर. स्ट्रॉस, लिगेटी) के स्कोर में प्राकृतिक वाद्ययंत्र भी पाए जाते हैं। प्राकृतिक वाद्ययंत्रों में प्राचीन तुरही और फ्रेंच सींग, साथ ही साथ शामिल हैंअल्पाइन सींग , धूमधाम, बिगुल, सिग्नल हॉर्न (शिकार, मेल) और इसी तरह।
• वाल्व उपकरण शरीर पर छेद होते हैं, कलाकार की उंगलियों द्वारा खोले और बंद किए जाते हैं, जैसा कि होता हैकाष्ठ वाद्य . 18वीं शताब्दी तक इस तरह के वाद्य यंत्र व्यापक थे, लेकिन उन्हें बजाने में कुछ असुविधा होने के कारण वे भी अनुपयोगी हो गए। बेसिक वाल्व ब्रास इंस्ट्रूमेंट्स -कॉर्नेट (जिंक), सर्प , ओफिकलिड, वाल्व पाइप . वे भी शामिल हैंमेल हॉर्न।

आजकल, प्रारंभिक संगीत में रुचि के पुनरुद्धार के साथ, प्राकृतिक और वाल्व वाद्ययंत्र बजाना फिर से एक अभ्यास बन रहा है।

पीतल के उपकरणों को उनके ध्वनिक गुणों के अनुसार भी वर्गीकृत किया जा सकता है:

• भरा हुआ- उपकरण जिस पर आप हार्मोनिक पैमाने के मौलिक स्वर को निकाल सकते हैं।
• आधा- उपकरण जिस पर मुख्य स्वर नहीं निकाला जा सकता है, और पैमाने दूसरे हार्मोनिक व्यंजन से शुरू होता है।

संगीत में पीतल के वाद्य यंत्रों का प्रयोग

विभिन्न संगीत शैलियों और रचनाओं में पीतल के पवन उपकरणों का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। के हिस्से के रूप मेंसिम्फनी ऑर्केस्ट्रा वे इसके मुख्य समूहों में से एक बनाते हैं। सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की मानक संरचना में शामिल हैं:

• सींग (सम संख्या दो से आठ तक, अक्सर चार)
• पाइप (दो से पांच तक, अक्सर दो से तीन)
• ट्रॉम्बोन्स (आमतौर पर तीन: दो टेनर और एक बास)
• ट्यूब (आमतौर पर एक)

19वीं शताब्दी के अंकों में सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा भी अक्सर शामिल होता थाकॉर्नेट हालाँकि, प्रदर्शन तकनीकों के विकास के साथ, उनके भागों को पाइपों पर प्रदर्शित किया जाने लगा। अन्य पीतल के उपकरण ऑर्केस्ट्रा में छिटपुट रूप से दिखाई देते हैं।

तांबे के यंत्र नींव हैंब्रास बैंड , जिसमें उपरोक्त उपकरणों के अतिरिक्त भी शामिल है saxhorns विभिन्न आकार।

पीतल के लिए एकल साहित्य काफी असंख्य हैं - प्राकृतिक पाइपों और सींगों पर गुणी कलाकार पहले से ही बैरोक युग में मौजूद थे, और संगीतकारों ने स्वेच्छा से उनके लिए अपनी रचनाएँ बनाईं। रूमानियत के युग में पवन उपकरणों में रुचि में कुछ गिरावट के बाद, 20 वीं शताब्दी में पीतल के उपकरणों के लिए नई प्रदर्शन संभावनाओं की खोज हुई और उनके प्रदर्शन का एक महत्वपूर्ण विस्तार हुआ।

चैंबर के पहनावे में, पीतल के उपकरणों का उपयोग अपेक्षाकृत कम ही किया जाता है, लेकिन वे खुद को पहनावा में जोड़ सकते हैं, जिनमें से सबसे आम हैंपीतल का पंचक (दो तुरहियां, हॉर्न, ट्रॉम्बोन, टुबा)।

तुरही और तुरही इसमें महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैंजाज और समकालीन संगीत की कई अन्य विधाएं।

सिलाफ़न

वर्गीकरण
संबंधित उपकरण
विकिमीडिया कॉमन्स पर जाइलोफोन

सिलाफ़न(ग्रीक से। ξύλον - पेड़ + φωνή - ध्वनि) -टक्कर संगीत वाद्ययंत्र एक निश्चित पिच के साथ। यह विभिन्न आकारों के लकड़ी के ब्लॉकों की एक श्रृंखला है, जो कुछ निश्चित स्वरों के अनुरूप है। सलाखों को गोलाकार युक्तियों या विशेष हथौड़ों से मारा जाता है जो छोटे चम्मच की तरह दिखते हैं (संगीतकारों के शब्दजाल में, इन हथौड़ों को "बकरी के पैर" कहा जाता है)।

लय जाइलोफोन फोर्टे में शार्प और क्लिकी है और पियानो में सॉफ्ट है।

साधन का इतिहास

जाइलोफोन है प्राचीन मूल- इस प्रकार के सबसे सरल उपकरण अभी भी विभिन्न लोगों के बीच पाए गए हैंअफ्रीका, दक्षिण - पूर्व एशिया , लैटिन अमेरिका .

यूरोप में, ज़ाइलोफोन का पहला उल्लेख 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में मिलता है: अर्नोल्ट श्लिक, संगीत वाद्ययंत्रों पर एक ग्रंथ में, इसी तरह के एक उपकरण का उल्लेख करता है, जिसे ह्यूल्ट्ज़ ग्लेचर कहा जाता है। 19 वीं शताब्दी तक, यूरोपीय जाइलोफोन एक बल्कि आदिम उपकरण था, जिसमें लगभग दो दर्जन लकड़ी की सलाखें होती थीं, जो एक श्रृंखला में बंधी होती थीं और खेलने के लिए एक सपाट सतह पर रखी जाती थीं। इस तरह के वाद्य यंत्र को ले जाने की सुविधा ने यात्रा करने वाले संगीतकारों का ध्यान आकर्षित किया।

गुज़िकोव द्वारा ज़ाइलोफोन में सुधार किया गया

जाइलोफोन का सुधार 1830 के दशक का है। बेलारूसी संगीतकारमिखोएल गुज़िकोव इसकी सीमा को ढाई सप्तक तक बढ़ाया, और चार पंक्तियों में सलाखों को एक विशेष तरीके से व्यवस्थित करते हुए, डिज़ाइन को भी बदल दिया। ज़ाइलोफ़ोन के इस मॉडल का उपयोग सौ वर्षों से अधिक समय तक किया गया था।

एक आधुनिक जाइलोफोन पर, सलाखों को पियानो कुंजियों की तरह दो पंक्तियों में व्यवस्थित किया जाता है, जो टिन ट्यूब के रूप में गुंजयमान यंत्रों से सुसज्जित होता है और आसानी से चलने के लिए एक विशेष टेबल-स्टैंड पर रखा जाता है।

संगीत में जाइलोफोन की भूमिका

ऑर्केस्ट्रा में जाइलोफोन का पहला ज्ञात उपयोग सेवन वेरिएशन है।फर्डिनेंड कॉयर 1810 में लिखा गया वर्ष। उनकी पार्टियां उनके कामों में शामिल हैं फ्रेंच संगीतकारकस्तनर। सबसे प्रसिद्ध रचनाओं में से एक जिसमें जाइलोफोन शामिल है, एक सिम्फोनिक कविता हैकेमिली सेंट-सेन्स "मौत का नाच" ( 1872 ).

वर्तमान में जाइलोफोन का उपयोग किया जाता हैसिम्फनी ऑर्केस्ट्रा , मंच पर, अत्यंत दुर्लभ - एक एकल वाद्य के रूप में ("जापानी उत्कीर्णन के विषयों पर फंतासी" जाइलोफोन और ऑर्केस्ट्रा के लिए, ऑप। 211, ( 1964) अलाना होवेनेस)।

डोमरा

डोमरा एक पुराना रूसी तारवाला वाद्य यंत्र है। उनका भाग्य अद्भुत और अपनी तरह का अनूठा है।

यह कहां से आया, कैसे और कब रूस में दिखाई दिया, यह अभी भी शोधकर्ताओं के लिए एक रहस्य बना हुआ है। में ऐतिहासिक स्रोतडोमरा के बारे में बहुत कम जानकारी बची है, प्राचीन रूसी डोमरा की और भी कम छवियां हमारे सामने आई हैं। और क्या डोमरा को उन दस्तावेजों पर चित्रित किया गया है जो हमारे पास आए हैं, या उन दिनों में प्रचलित कुछ अन्य उपकरणों को भी अज्ञात है। डोमरा का पहला उल्लेख XVI सदी के स्रोतों में पाया गया था। वे डोमरा के बारे में एक उपकरण के रूप में बात करते हैं जो उस समय रूस में पहले से ही काफी आम था।

फिलहाल, डोमरा की उत्पत्ति के दो सबसे संभावित संस्करण हैं। रूसी डोमरा की पूर्वी जड़ों के बारे में पहला और सबसे आम संस्करण है। दरअसल, पूर्व के देशों की संगीत संस्कृतियों में डिजाइन और ध्वनि निष्कर्षण की विधि के समान उपकरण मौजूद थे और अभी भी मौजूद हैं। यदि आपने कभी कजाख डोमबरा, तुर्की बैगलामा या ताजिक रुबाब देखा या सुना है, तो आपने देखा होगा कि इन सभी में एक गोल या अंडाकार आकार, एक सपाट साउंडबोर्ड होता है, ध्वनि अलग-अलग आवृत्ति और तीव्रता के पेलट्रम से टकराकर निकाली जाती है। यह आमतौर पर स्वीकार किया जाता है कि इन सभी उपकरणों का एक पूर्वज था - पूर्वी तनबुर। यह तानबुर था जिसमें एक अंडाकार आकार और एक सपाट साउंडबोर्ड था; उन्होंने इसे एक विशेष चिप के साथ बजाया, जो कामचलाऊ सामग्री से उकेरी गई थी - एक पल्ट्रम। संभवतः, साधन, जो बाद में एक डोमरा में परिवर्तित हो गया, या तो तातार-मंगोल योक के समय या पूर्व के देशों के साथ व्यापार संबंधों के दौरान लाया गया था। और "डोमरा" नाम निस्संदेह एक तुर्क मूल है।

एक अन्य संस्करण इस धारणा से आगे बढ़ता है कि डोमरा यूरोपीय ल्यूट से अपनी वंशावली का नेतृत्व करता है। सिद्धांत रूप में, मध्य युग में, किसी भी तार को ल्यूट कहा जाता था। खींचा हुआ यंत्र, जिसमें एक शरीर, गर्दन और तार थे। ल्यूट, बदले में, एक प्राच्य वाद्ययंत्र - अरबी अल-उद से भी उत्पन्न हुआ। शायद डोमरा की उपस्थिति और डिजाइन पश्चिमी, यूरोपीय, स्लाव के उपकरणों से प्रभावित था, उदाहरण के लिए, पोलिश-यूक्रेनी कोब्जा और इसका उन्नत संस्करण - बंडुरा। बंडुरा ने सीधे ल्यूट से बहुत कुछ उधार लिया। यह देखते हुए कि मध्य युग में स्लाव लगातार जटिल ऐतिहासिक और सांस्कृतिक संबंधों में थे, निश्चित रूप से, डोमरा को उस समय के सभी यूरोपीय तार वाले उपकरणों के समान माना जा सकता है।

इस प्रकार, आज तक संचित ज्ञान और शोध के आधार पर, हम यह निष्कर्ष निकाल सकते हैं कि डोमरा एक विशिष्ट रूसी उपकरण था, जो संयुक्त था, जैसे हमारे राज्य की संस्कृति और इतिहास में, यूरोपीय और एशियाई दोनों विशेषताएं।

फिर भी, डोमरा की वास्तविक उत्पत्ति जो भी हो, यह अच्छी तरह से स्थापित है कि इस नाम का एक उपकरण रूस में मौजूद था और 16वीं-17वीं शताब्दी में रूसी संस्कृति का एक अभिन्न अंग था। इसे बफून संगीतकारों द्वारा बजाया गया था, जैसा कि शोधकर्ताओं के लिए प्रसिद्ध कहावत "मुझे खुशी है कि बफून अपने डोमरस के बारे में हैं"। इसके अलावा, शाही दरबार में एक संपूर्ण "मनोरंजन कक्ष" था, एक प्रकार का संगीत और मनोरंजन समूह, जिसका आधार उनके डोमरस, वीणा, सींग और अन्य प्राचीन रूसी संगीत वाद्ययंत्रों के साथ भैंस थे। इसके अलावा, कुछ शोधकर्ताओं के अनुसार, उस समय डोमरा ने पहनावा किस्मों का एक परिवार बना लिया था। सबसे छोटी और चीख़ को "डोमरीका" कहा जाता था, सबसे बड़ी और सबसे कम आवाज़ - "बास डोमरा"।

यह भी ज्ञात है कि डोमरा और डोमरा कलाकार - भैंस और "डोमराची", लोगों के बीच काफी लोकप्रिय थे। सभी प्रकार के उत्सव, उत्सव और लोक उत्सव हर समय और सभी लोगों के बीच गीतों और वाद्य यंत्रों के साथ होते थे। मध्य युग में रूस में, लोगों का मनोरंजन करना "डोमराचेव", "गूसमेन", "स्क्रीपोटचिकोव" और अन्य संगीतकारों का बहुत कुछ था। डोमरा पर, वीणा की तरह, वे साथ गए लोक महाकाव्य, महाकाव्यों, किंवदंतियों और लोक गीतों में डोमरा ने मधुर रेखा का समर्थन किया। यह प्रामाणिक रूप से ज्ञात है कि डोमरा और डोमरा स्ट्रिंग्स का हस्तकला उत्पादन स्थापित किया गया था, जिसके अभिलेखों को अदालत और साइबेरिया में ऐतिहासिक दस्तावेजों में संरक्षित किया गया है ...

संभवतः, डोमरा बनाने की तकनीक इस प्रकार थी: लकड़ी के एक टुकड़े से एक शरीर को खोखला कर दिया गया था, एक छड़ी-गिद्ध को उससे जोड़ा गया था, तार या जानवरों की नसें खींची गई थीं। वे एक ज़ुल्फ़, एक पंख, एक मछली की हड्डी से खेलते थे। एक अपेक्षाकृत सरल तकनीक, जाहिरा तौर पर, इस उपकरण को रूस में व्यापक रूप से उपयोग करने की अनुमति देती है।

लेकिन यहां डोमरा के इतिहास में सबसे नाटकीय क्षण आता है। धर्मनिरपेक्ष संस्कृति के विकास के बारे में चिंतित, चर्च के मंत्रियों ने संगीतकारों के खिलाफ हथियार उठाए और भैंसों के प्रदर्शन को "राक्षसी खेल" घोषित किया। परिणामस्वरूप, 1648 में, ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच ने "राक्षसी खेलों" के उपकरण - निर्दोष उपकरणों के सामूहिक विनाश पर एक फरमान जारी किया। प्रसिद्ध फरमान पढ़ता है: "डोम्रास, और सुरन, और बीप्स, और स्तोत्र, और हरि, और सभी प्रकार के भनभनाने वाले बर्तन ... कहाँ से जब्त करने का आदेश दिया और उन राक्षसी खेलों को तोड़कर जलाने का आदेश दिया।" 17वीं सदी के जर्मन यात्री एडम ओलेरियस के अनुसार, रूसियों को सामान्य रूप से वाद्य संगीत से प्रतिबंधित कर दिया गया था, और एक बार आबादी से लिए गए वाद्ययंत्रों से लदी कई गाड़ियाँ मास्को नदी के पार ले जाई गईं और वहाँ जला दी गईं। सामान्य तौर पर संगीतकारों और भैंसों दोनों को सताया गया।

शायद भाग्य का ऐसा दुखद मोड़ दुनिया के किसी भी वाद्य यंत्र के साथ नहीं हुआ है। तो, चाहे बर्बर विनाश और निषेध के परिणामस्वरूप, या अन्य कारणों से, लेकिन 17 वीं शताब्दी के बाद, शोधकर्ताओं को पुराने डोमरा का कोई महत्वपूर्ण उल्लेख नहीं मिलता है। प्राचीन रूसी वाद्य यंत्र का इतिहास यहीं समाप्त होता है, और कोई इसे समाप्त कर सकता है, लेकिन ... डोमरा को सचमुच राख से पुनर्जन्म होना तय था!

यह एक उत्कृष्ट शोधकर्ता और संगीतकार, असामान्य रूप से प्रतिभाशाली और असाधारण व्यक्ति - वासिली वासिलीविच एंड्रीव की गतिविधियों के लिए धन्यवाद हुआ। 1896 में, व्याटका प्रांत में, उन्होंने एक गोलार्द्ध शरीर के साथ एक अज्ञात उपकरण की खोज की। अपनी उपस्थिति से यह मानते हुए कि यह डोमरा है, वह प्रसिद्ध मास्टर शिमोन इवानोविच नलिमोव के पास गया। साथ में उन्होंने एक नए उपकरण का डिज़ाइन विकसित किया, जो कि पाए गए के आकार और डिज़ाइन पर आधारित था। इतिहासकार अभी भी बहस कर रहे हैं कि क्या एंड्रीव द्वारा पाया गया उपकरण वास्तव में एक पुराना डोमरा था। फिर भी, 1896 में पुनर्निर्मित उपकरण को "डोमरा" कहा जाता था। एक गोल शरीर, एक मध्यम लंबाई की गर्दन, तीन तार, एक चौथी प्रणाली - इस तरह से पुनर्निर्मित डोमरा दिखता था।

उस समय तक, एंड्रीव के पास पहले से ही एक बालिका ऑर्केस्ट्रा था। लेकिन अपने शानदार विचार को महसूस करने के लिए, महान रूसी ऑर्केस्ट्रा को वाद्ययंत्रों के एक प्रमुख मधुर समूह की आवश्यकता थी, और अपनी नई क्षमताओं के साथ बहाल किया गया डोमरा इस भूमिका के लिए आदर्श था। महान रूसी ऑर्केस्ट्रा के निर्माण के इतिहास के संबंध में, यह एक और उत्कृष्ट व्यक्ति का उल्लेख करने योग्य है, जिसके बिना, शायद, इस विचार को अपना अवतार नहीं मिला होगा। यह एंड्रीव के सबसे करीबी सहयोगी पियानोवादक और पेशेवर संगीतकार निकोलाई पेट्रोविच फ़ोमिन हैं। यह फ़ोमिन के पेशेवर दृष्टिकोण के लिए धन्यवाद था कि एंड्रीव का सर्कल, पहले शौकिया तौर पर, संगीत संकेतन का अध्ययन करता था, एक पेशेवर आधार पर खड़ा था और फिर अपने प्रदर्शन से रूस और विदेशों दोनों में श्रोताओं को जीत लिया। और अगर एंड्रीव मुख्य रूप से विचारों का एक जनक था, तो फ़ोमिन वह व्यक्ति बन गया जिसकी बदौलत, वास्तव में, डोमरा और बालिका पूर्ण विकसित शैक्षणिक उपकरणों के रूप में विकास के मार्ग पर चल पड़े।

लेकिन वापस डोमरा में। 1896-1890 की अवधि में। वी। एंड्रीव और एस। नलिमोव ने डोमरा की पहनावा किस्मों को डिजाइन किया। और इसके नए जन्म के पहले कुछ दशकों के बाद, डोमरा आर्केस्ट्रा और कलाकारों की टुकड़ी के प्रदर्शन के अनुरूप विकसित हुआ।

हालाँकि, लगभग तुरंत, एंड्रीव डोमरा की क्षमताओं पर कुछ सीमाएं सामने आईं, जिसके संबंध में इसे रचनात्मक रूप से सुधारने का प्रयास किया गया। मुख्य कार्य साधन की सीमा का विस्तार करना था। 1908 में, कंडक्टर जी। ल्यूबिमोव के सुझाव पर, मास्टर एस। बुरोव ने पांचवीं प्रणाली के साथ एक चार-स्ट्रिंग डोमरा बनाया। "फोर-स्ट्रिंग" को एक वायलिन रेंज मिली, लेकिन, दुर्भाग्य से, समय और रंग के मामले में "थ्री-स्ट्रिंग" से हीन था। इसके बाद, इसके पहनावे की किस्में और चार-तार वाले डोम्रास का एक आर्केस्ट्रा भी दिखाई दिया।

डोमरा में रुचि हर साल बढ़ी, संगीत और तकनीकी क्षितिज का विस्तार हुआ, गुणी संगीतकार दिखाई दिए। अंत में, 1945 में, रूसी लोक वाद्ययंत्रों के एक ऑर्केस्ट्रा के साथ डोमरा के लिए पहला वाद्य संगीत कार्यक्रम बनाया गया था। प्रसिद्ध संगीत कार्यक्रमजी-मोल निकोलाई बुडास्किन ऑर्केस्ट्रा के कंसर्टमास्टर के अनुरोध पर लिखा गया था। ओसिपोव एलेक्सी सिमोनेंकोव। इस घटना ने डोमरा के इतिहास में एक नए युग की शुरुआत की। पहले वाद्य संगीत कार्यक्रम के आगमन के साथ, डोमरा एक एकल, कलाप्रवीण व्यक्ति बन जाता है।

1948 में, रूस में लोक वाद्ययंत्रों का पहला विभाग मास्को में स्टेट म्यूजिकल एंड पेडागोगिकल इंस्टीट्यूट में खोला गया था जिसका नाम I.I. Gnesins। पहले डोमरा शिक्षक उत्कृष्ट संगीतकार यू शीशकोव थे, और फिर आर्केस्ट्रा के युवा एकल कलाकार थे। ओसिपोवा वी। मिरोमानोव और ए। अलेक्जेंड्रोव - तीन-तार वाले डोमरा खेलने के पहले स्कूल के निर्माता। ऊपरवाले का शुक्रिया व्यावसायिक शिक्षामूल रूप से लोक वाद्य यंत्र डोमरा ने थोड़े समय में शैक्षणिक मंच पर रास्ता पार कर लिया, जिस पर सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के वाद्ययंत्रों को सदियों लग गए (आखिरकार, वायलिन कभी लोक वाद्य था!) ​​।

डोमरा का प्रदर्शन जबरदस्त गति से आगे बढ़ रहा है। 1974 में, लोक वाद्ययंत्रों पर कलाकारों की I अखिल रूसी प्रतियोगिता आयोजित की गई थी, प्रतियोगिता के विजेता उत्कृष्ट गुणी डोमिस्ट थे - अलेक्जेंडर त्स्यगानकोव और तमारा वोल्स्काया (अनुभाग देखें) रचनात्मक गतिविधिजो आने वाले दशकों के लिए प्रदर्शन के क्षेत्र में और डोमरा प्रदर्शनों की सूची में डोमरा कला के विकास की दिशा निर्धारित करता है।

आज, डोमरा एक विशाल, मुख्य रूप से संगीतमय और अभिव्यंजक क्षमता वाला एक युवा होनहार उपकरण है, जिसकी वास्तव में रूसी जड़ें हैं और फिर भी, अकादमिक शैली की ऊंचाइयों तक पहुंच गया है। उसका भविष्य भाग्य क्या होगा? शब्द तुम्हारा है, प्रिय डोमरिस्ट्स!

बालालय्का

विवरण
शरीर को अलग (6-7) खंडों से चिपकाया जाता है, लंबी गर्दन का सिर थोड़ा पीछे की ओर झुका होता है। धातु के तार (18 वीं शताब्दी में, उनमें से दो को तराशा गया था; आधुनिक बालिका में नायलॉन या कार्बन के तार होते हैं)। एक आधुनिक बालिका के फ़िंगरबोर्ड पर 16-31 धातु के फ़्रेट्स होते हैं (19 वीं शताब्दी के अंत तक - 5-7 ज़बरदस्त फ़ेट्स)।

आवाज तेज है लेकिन मधुर है। ध्वनि निकालने के लिए सबसे आम तकनीकें: रैटलिंग, पिज़्ज़िकाटो, डबल पिज़्ज़िकाटो, सिंगल पिज़्ज़िकाटो, वाइब्रेटो, ट्रेमोलो, फ्रैक्शंस, गिटार ट्रिक्स।

निर्माण

19वीं सदी के अंत में वासिली एंड्रीव द्वारा बालिका को एक संगीत वाद्ययंत्र में बदलने तक, इसमें एक स्थायी, सर्वव्यापी प्रणाली नहीं थी। प्रत्येक कलाकार ने अपने प्रदर्शन की शैली, बजाए गए टुकड़ों के सामान्य मूड और स्थानीय परंपराओं के अनुसार वाद्य यंत्र को ट्यून किया।

एंड्रीव द्वारा शुरू की गई प्रणाली (एकसमान में दो तार - नोट "मील", एक - एक क्वार्ट उच्च - नोट "ला" (और "मील" और पहले सप्तक का "ला") कॉन्सर्ट बालिका खिलाड़ियों के बीच व्यापक हो गया और शुरू हुआ "अकादमिक" कहलाने के लिए। "लोक" प्रणाली भी है - पहली स्ट्रिंग "नमक" है, दूसरी - "मील", तीसरी - "करो"। इस प्रणाली में, ट्रायड्स लेना आसान है, इसका नुकसान यह खुले तारों पर खेलने की कठिनाई है। उपरोक्त के अलावा, वाद्य यंत्र को ट्यून करने की क्षेत्रीय परंपराएं भी हैं। दुर्लभ स्थानीय सेटिंग्स दो दर्जन तक पहुँचती हैं।

किस्मों

रूसी लोक वाद्ययंत्रों के एक आधुनिक ऑर्केस्ट्रा में, बालिका की पाँच किस्मों का उपयोग किया जाता है: प्राइमा, दूसरा, वायोला, बास और डबल बास। इनमें से, केवल प्राइमा एक एकल, कलाप्रवीण यंत्र है, जबकि बाकी को पूरी तरह से ऑर्केस्ट्रल कार्यों को सौंपा गया है: दूसरा और वायोला कॉर्ड संगत को लागू करता है, जबकि बास और डबल बास बास फ़ंक्शन करते हैं।

प्रसार

बालिका एक काफी सामान्य संगीत वाद्ययंत्र है, जिसका अध्ययन रूस, बेलारूस, यूक्रेन और कजाकिस्तान के शैक्षणिक संगीत शिक्षण संस्थानों में किया जाता है।

बच्चों के संगीत विद्यालय में बालिका पर प्रशिक्षण की अवधि 5-7 वर्ष (छात्र की आयु के आधार पर) है, और औसतन शैक्षिक संस्था- 4 साल, एक उच्च शिक्षण संस्थान में 4-5 साल। प्रदर्शनों की सूची: लोक गीतों की व्यवस्था, शास्त्रीय कार्यों की व्यवस्था, लेखक का संगीत।

कहानी
बालिका के प्रकट होने के समय के बारे में कोई एक दृष्टिकोण नहीं है। ऐसा माना जाता है कि 17वीं शताब्दी के अंत से बालिका का प्रसार हो रहा है। स्वामी Paserbsky और Nalimov के साथ मिलकर वी। एंड्रीव के लिए बेहतर धन्यवाद। आधुनिक बालिका का एक परिवार बनाया गया है: पिकोलो, प्राइमा, दूसरा, वायोला, बास, डबल बास। बालिका का उपयोग एकल संगीत कार्यक्रम, कलाकारों की टुकड़ी और आर्केस्ट्रा वाद्य के रूप में किया जाता है।

शब्द-साधन
वाद्य यंत्र का नाम पहले से ही जिज्ञासु है, यह आम तौर पर लोक है, जो शब्दांशों की ध्वनि के साथ उस पर बजने वाले चरित्र को बताता है। "बालालाइका" शब्दों की जड़, या, जैसा कि इसे "बालाबायका" भी कहा जाता था, ने लंबे समय से शोधकर्ताओं का ध्यान इस तरह के रूसी शब्दों जैसे बालाकत, बालबोनिट, बालबोलिट, जोकर के साथ आकर्षित किया है, जिसका अर्थ है चैट करना, खाली कॉल (समान अर्थ के सामान्य स्लाव *बोलबोल पर वापस जाएं)। ये सभी अवधारणाएँ, एक-दूसरे की पूरक हैं, बालिका का सार बताती हैं - प्रकाश का एक उपकरण, मज़ेदार, "झनकार", बहुत गंभीर नहीं।

पहली बार, "बालिका" शब्द लिखित स्मारकों में पाया जाता है, जो पीटर I के शासनकाल में वापस आता है।

बालिका का पहला लिखित उल्लेख 13 जून, 1688 के एक दस्तावेज़ में निहित है - "मेमोरी फ्रॉम द स्ट्रेल्त्सी ऑर्डर टू द लिटिल रशियन ऑर्डर" (आरजीएडीए), जो अन्य बातों के अलावा, रिपोर्ट करता है कि मॉस्को में स्ट्रेल्त्सी ऑर्डर लाया गया था। "<...>शहरवासी सावका फेडोरोव<...>हाँ<...>किसान इवाशको दिमित्रिक, और उनके साथ एक बालिका को लाया गया था ताकि वे एक रथ के घोड़े पर यौस्की फाटकों पर सवार हों, गाने गाएं और तोई में बालिका बजाएं, और रक्षक धनुर्धारियों को डांटा जो यॉस्की द्वार पर खड़े थे<...>».

अगला लिखित स्रोत जिसमें बालिका का उल्लेख किया गया है, वह पीटर I द्वारा हस्ताक्षरित "रजिस्टर" है, जिसमें 1715 का जिक्र है: सेंट पीटर्सबर्ग में, "प्रिंस-पापा" एनएम ज़ोटोव की जस्टर की शादी के जश्न के दौरान, अन्य उपकरणों के अलावा मम्मरों द्वारा किए गए, चार बालिकाएं नामित की गईं।

पहली बार, शब्द 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में (1717-1732 के दस्तावेजों में) "बालाबाइका" के रूप में यूक्रेनी भाषा में प्रमाणित किया गया था (जाहिर है, यह इसका पुराना रूप है, जिसे कुर्स्क और कराचेव बोलियों में भी संरक्षित किया गया है। ). वी। आई। मायकोव की कविता "एलिसी", 1771, गीत 1 में पहली बार रूसी में: "आप मुझे एक सीटी या एक बालिका ट्यून करते हैं।"

सेलो (इतालवी वायलनसेल्लो, abbr। सेलो, जर्मन वायलनसेल्लो, फ्रेंच वायलनसेल्लो, अंग्रेजी सेलो)

बास और टेनर रजिस्टर का एक झुका हुआ संगीत वाद्ययंत्र, जिसे पहले से जाना जाता है XVI का आधासदी, वायलिन या वायोला के समान संरचना, लेकिन बहुत बड़ी। सेलो में व्यापक अभिव्यंजक संभावनाएँ हैं और सावधानीपूर्वक विकसित प्रदर्शन तकनीक है, इसका उपयोग एकल, पहनावा और आर्केस्ट्रा उपकरण के रूप में किया जाता है।

साधन के उद्भव और विकास का इतिहास

सेलो की उपस्थिति 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में हुई थी। प्रारंभ में, इसे गायन या उच्च रजिस्टर के वाद्य यंत्र के साथ खेलने के लिए बास उपकरण के रूप में उपयोग किया जाता था। सेलो की कई किस्में थीं, जो आकार, तार की संख्या और ट्यूनिंग में एक दूसरे से भिन्न थीं (सबसे आम ट्यूनिंग आधुनिक से कम टोन थी)।
17वीं-18वीं शताब्दियों में, इतालवी स्कूलों के उत्कृष्ट संगीत गुरुओं (निकोलो अमती, ग्यूसेप ग्वारनेरी, एंटोनियो स्ट्राडिवारी, कार्लो बर्गोंज़ी, डोमेनिको मोंटाग्नाना, आदि) के प्रयासों ने एक मजबूती से स्थापित शरीर के आकार के साथ एक शास्त्रीय सेलो मॉडल बनाया। 17 वीं शताब्दी के अंत में, सेलो के लिए पहला एकल काम दिखाई दिया - जियोवन्नी गैब्रिएली द्वारा सोनटास और राइसकार्स। 18 वीं शताब्दी के मध्य तक, सेलो को एक संगीत वाद्ययंत्र के रूप में इस्तेमाल किया जाने लगा, इसकी उज्जवल, पूर्ण ध्वनि और प्रदर्शन तकनीक में सुधार के कारण, अंत में संगीत अभ्यास से वायोला दा गाम्बा को विस्थापित कर दिया। सेलो सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा और चैम्बर एनसेंबल का भी हिस्सा है। संगीत में अग्रणी उपकरणों में से एक के रूप में सेलो की अंतिम स्वीकृति 20 वीं शताब्दी में उत्कृष्ट संगीतकार पाब्लो कैसल्स के प्रयासों से हुई। इस उपकरण पर प्रदर्शन स्कूलों के विकास से कई गुणी सेलिस्टों का उदय हुआ है जो नियमित रूप से एकल संगीत कार्यक्रम करते हैं।
सेलो के प्रदर्शनों की सूची बहुत विस्तृत है और इसमें कई संगीत कार्यक्रम, सोनटास, बेहिसाब रचनाएँ शामिल हैं।


] सेलो बजाने की तकनीक

स्ट्राडिवारी द्वारा डुपोर्ट सेलो के साथ मस्टीस्लाव रोस्ट्रोपोविच।
सेलो पर प्रदर्शन करते समय खेलने और स्ट्रोक करने के सिद्धांत वायलिन के समान ही होते हैं, हालांकि, उपकरण के बड़े आकार और खिलाड़ी की अलग-अलग स्थिति के कारण, सेलो बजाने की तकनीक कुछ हद तक सीमित होती है। फ्लैगियोलेट्स, पिज्जाटो, थंब बेट और अन्य खेल तकनीकों का उपयोग किया जाता है। सेलो की ध्वनि रसदार, मधुर और तनावपूर्ण होती है, जो ऊपरी रजिस्टर में थोड़ी संकुचित होती है।
सेलो स्ट्रिंग संरचना: सी, जी, डी, ए (डू, एक बड़े सप्तक का नमक, रे, एक छोटे सप्तक का ला), यानी वायोला के नीचे एक सप्तक। सेलो की सीमा, एक स्ट्रिंग पर खेलने की विकसित तकनीक के लिए धन्यवाद, बहुत विस्तृत है - C (एक बड़े सप्तक के लिए) से a4 (चौथे सप्तक का A) और उच्चतर। नोट्स वास्तविक ध्वनि के अनुसार बास, टेनर और ट्रेबल फांक में लिखे गए हैं।


उपकरण पैरों के बछड़ों द्वारा आयोजित किया गया था
खेलते समय, कलाकार एक केपस्टर के साथ सेलो को फर्श पर टिका देता है, जो केवल 19 वीं शताब्दी के अंत में व्यापक हो गया (इससे पहले, उपकरण पैरों के बछड़ों द्वारा आयोजित किया गया था)। आधुनिक सेलोस पर, फ्रांसीसी सेलिस्ट पी। टोर्टेलियर द्वारा आविष्कार किए गए घुमावदार कैपस्तान का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है, जो उपकरण को एक चापलूसी की स्थिति देता है, जो कुछ हद तक खेल तकनीक को सुविधाजनक बनाता है।
सेलो का व्यापक रूप से एक एकल उपकरण के रूप में उपयोग किया जाता है, सेलो समूह का उपयोग स्ट्रिंग और सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में किया जाता है, सेलो स्ट्रिंग चौकड़ी का एक अनिवार्य सदस्य होता है, जिसमें यह सबसे कम होता है (डबल बास को छोड़कर, जिसे कभी-कभी उपयोग किया जाता है) यह) ध्वनि के संदर्भ में उपकरणों की, और अक्सर अन्य चैम्बर पहनावाओं में भी प्रयोग किया जाता है। ऑर्केस्ट्रल स्कोर में, सेलो भाग वायोला और डबल बेस के हिस्सों के बीच लिखा जाता है।

वायलिन के निर्माण का इतिहास

संगीत का इतिहास मानता है कि वायलिन अपने सबसे उत्तम रूप में सोलहवीं शताब्दी में उत्पन्न हुआ था। उस समय तक, सभी झुके हुए उपकरण जो पूरे मध्य युग में सक्रिय थे, पहले से ही ज्ञात थे। उन्हें एक निश्चित क्रम में व्यवस्थित किया गया था, और उस समय के वैज्ञानिक अधिक या कम संभावना के साथ, उनकी संपूर्ण वंशावली को जानते थे। उनकी संख्या बहुत अधिक थी और अब इस मामले की गहराई में जाने की आवश्यकता नहीं है।

नवीनतम शोधकर्ता इस निष्कर्ष पर पहुंचे हैं कि वायलिन किसी भी तरह से कम "वायोला दा गाम्बा" नहीं है। इसके अलावा, यह पर्याप्त सटीकता के साथ स्थापित किया गया है कि इन दोनों प्रकार के उपकरणों में उनके डिवाइस में एक दूसरे से अलग-अलग विशेषताएं हैं। "वायल दा गंबा" से संबंधित सभी उपकरणों में एक सपाट पीठ, सपाट किनारे, गर्दन को झरोखों से विभाजित किया गया था, एक सिर कम अक्सर एक ट्रेफिल के रूप में और अधिक बार एक जानवर या एक मानव सिर की छवि के साथ, कटआउट लैटिन अक्षर "सी" की रूपरेखा में उपकरण की ऊपरी सतह, और अंत में, चौथे और तीसरे में स्ट्रिंग ट्यूनिंग। इसके विपरीत, "वायोला दा ब्राचियो", आधुनिक वायलिन के तत्काल पूर्ववर्ती के रूप में, स्ट्रिंग्स की पांचवीं ट्यूनिंग थी, एक उत्तल पीठ, किनारों को कुछ उठा हुआ, बिना किसी झल्लाहट के फिंगरबोर्ड, सिर के रूप में इटैलिक में एक दूसरे लैटिन एफ का सामना करने वाले लोअरकेस की रूपरेखा में एक स्क्रॉल और नॉच या "ईएफएस"।
इस परिस्थिति ने इस तथ्य को जन्म दिया कि उचित उल्लंघन का परिवार गाम्बा की क्रमिक कमी से बना था। इस प्रकार, पुराने "चौकड़ी" या "पंचक" की एक पूरी रचना उत्पन्न हुई, जो विभिन्न आकारों के केवल उल्लंघनों से बनी थी। लेकिन, उल्लंघनों के एक पूरे परिवार के उद्भव के साथ, एक उपकरण विकसित और बेहतर हुआ जिसमें सभी विशिष्ट और सबसे अधिक थे चरित्र लक्षणआधुनिक वायलिन। और यह उपकरण, वास्तव में, शब्द के शाब्दिक अर्थ में "हैंड वायोला" भी नहीं है, लेकिन तथाकथित "हैंड लिरे", जो कि स्लाव भूमि के एक लोक वाद्य के रूप में, आधुनिक का आधार बना वायलिन का परिवार। महान राफेल(1483-1520), 1503 के अपने एक चित्र में, इस यंत्र का उत्कृष्ट चित्रण करता है। इस पर विचार करते हुए, इसमें कोई संदेह नहीं है कि हमारे समय के पूर्ण वायलिन में "हस्त गीत" के पूर्ण परिवर्तन के लिए बहुत कम बचा है। एकमात्र अंतर जो आधुनिक वायलिन से राफेल की छवि को अलग करता है, केवल तार की संख्या में निहित है - उनमें से पांच दो बास वाले की उपस्थिति में हैं - और खूंटे की रूपरेखा में, जो अभी भी खूंटे के समान दृढ़ता से मिलते हैं पुराना उल्लंघन।
तब से, साक्ष्य अविश्वसनीय दर से कई गुना बढ़ गया है। प्राचीन "लिरे दा ब्राचियो" की छवि में किए जा सकने वाले महत्वहीन सुधार इसे आधुनिक वायलिन के लिए सबसे त्रुटिहीन समानता प्रदान करेंगे। ये साक्ष्य, एक पुराने वायलिन के रूप में, 1516 और 1530 तक के हैं, जब एक बेसल बुकसेलर ने चुना पुराना वायलिनअपने ट्रेडमार्क के साथ। उसी समय, "वायलिन" शब्द, इसकी फ्रांसीसी शैली के उल्लंघन में, पहली बार 16 वीं शताब्दी की शुरुआत के फ्रांसीसी शब्दकोशों में दिखाई दिया। हेनरी प्रूनीर (1886-1942) का दावा है कि 1529 से ही यह शब्द उस समय के कुछ व्यावसायिक पत्रों में निहित है। हालांकि, संकेत है कि "उल्लंघन" की अवधारणा 1490 के आसपास दिखाई दी, इसे संदिग्ध माना जाना चाहिए। इटली में, वायल प्लेयर के अर्थ में वायोलोनिस्टा शब्द 1462 से प्रकट होना शुरू हुआ, जबकि वायोलिनो शब्द "वायलिन" के अर्थ में केवल सौ साल बाद उपयोग में आया, जब यह व्यापक हो गया। अंग्रेजी ने केवल 1555 में शब्द की फ्रेंच वर्तनी को अपनाया, हालांकि, तीन साल बाद पूरी तरह से अंग्रेजी "वायलिन" द्वारा बदल दिया गया।
रूस में, सबसे प्राचीन स्मारकों की गवाही के अनुसार, झुके हुए वाद्य बहुत लंबे समय से ज्ञात थे, लेकिन उनमें से कोई भी इतना विकसित नहीं हुआ कि बाद में एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का एक उपकरण बन गया। सबसे पुराना रूसी धनुष यंत्र बीप है। अपने शुद्धतम रूप में, इसमें एक अंडाकार, कुछ हद तक नाशपाती के आकार का लकड़ी का शरीर था, जिसके ऊपर तीन तार लगे हुए थे। उन्होंने धनुषाकार धनुष के साथ सीटी बजाई, जिसका आधुनिक से कोई लेना-देना नहीं था। जिस समय सीटी की उत्पत्ति हुई, वह ठीक-ठीक ज्ञात नहीं है, लेकिन एक धारणा है कि "बीप" रूस में "पूर्वी" उपकरणों - डोमरा, सुर्ना और स्माइक के प्रवेश के साथ दिखाई दिया। यह समय आमतौर पर XIV की दूसरी छमाही और XV सदी की शुरुआत से निर्धारित होता है। शब्द के शाब्दिक अर्थ में "वायलिन" कब दिखाई दिया, यह कहना कठिन है। यह केवल निश्चित रूप से जाना जाता है कि 16 वीं -17 वीं शताब्दी की वर्णमाला पुस्तकों में वायलिन वादक का पहला उल्लेख "समान रूप से दर्शाता है कि दुभाषियों को इसके बारे में कोई जानकारी नहीं थी।" किसी भी मामले में, पीएफ फाइंडिसन (1868-1928) के अनुसार, यह उपकरण अभी तक मॉस्को रस के घरेलू और सार्वजनिक जीवन में ज्ञात नहीं था, और उनके पूर्ण रूप से पूर्ण रूप में पहला वायलिन मॉस्को में दिखाई दिया, जाहिर है, शुरुआत में ही XVIII सदी। हालांकि, वर्णमाला पुस्तकों के संकलक, जिन्होंने एक समय में एक वास्तविक वायलिन कभी नहीं देखा था, केवल यह समझ गए थे कि इस उपकरण को एक तार वाला वाद्य यंत्र होना चाहिए, और इसलिए ग़लती से इसकी तुलना "गुसली" और "लिटिल रूसी लीरा" से की, जो, बेशक, निश्चित रूप से सच नहीं था।
पश्चिम में नए वायलिन के अधिक या कम विस्तृत विवरण केवल 16वीं शताब्दी के मध्य से प्रकट होने लगते हैं। इस प्रकार, फ़िलिबर्ट जाम्बेस डे फेयर (1526-1572), समकालीन वायलिन की विशेषताओं और विशिष्ट विशेषताओं को रेखांकित करते हुए, कई नामों का हवाला देते हैं जिनसे यह निष्कर्ष निकाला जा सकता है कि "वायलिन का परिवार" मॉडल और समानता पर बनाया गया था। वियोला। इसी समय से, 1556 से, वायलिन 17वीं शताब्दी के अंत तक कई किस्मों में मौजूद था, जिसे फ्रांसीसी नाम डेसस, क्विन्टे, हाउते-कॉन्ट्रे, टेली और बेस के नाम से जाना जाता था। इस रूप में, वायलिन के परिवार की रचना उस समय तक स्थापित हो गई थी जब पीर मैरीन (1588-1648) ने उनके बारे में लिखना शुरू किया था। "चौबीस का गिरोह" - जैसा कि एक समय में लेस विंग्ट-क्वाट्रे कहा जाता था - इसमें समान उपकरण शामिल थे, लेकिन नामों के साथ पहले से ही चले गए थे। डेसस के बाद हाउते-कॉन्ट्रे था, और क्विंट टेली और बेस के बीच था, लेकिन उनकी मात्रा पहले के आंकड़ों से बिल्कुल मेल खाती थी, जिनका अभी उल्लेख किया गया है। बाद में वायलिन की इस रचना में एक और परिवर्तन हुआ, जिसके कारण हाउते-कॉन्ट्रे पूरी तरह से गायब हो गया, डेसस को रास्ता दे रहा था, और पूंछ बाद के आदेश को अपनाते हुए क्विंट के साथ एकजुट हो गई। इस प्रकार, एक नए प्रकार का चार-भाग धनुष संयोजन स्थापित किया गया था, जिसमें डेसस पहले और दूसरे वायलिन, टेली या क्विंट - वायलस और बेस - सेलोस के अनुरूप था।
अब सटीकता के साथ यह स्थापित करना मुश्किल है कि उस उपकरण का अंतिम समापन कब हुआ, जिसे अब "वायलिन" के नाम से जाना जाता है। सबसे अधिक संभावना है, यह सुधार एक सतत श्रृंखला में चला गया, और प्रत्येक मास्टर ने अपना कुछ लाया। फिर भी, यह स्पष्ट रूप से कहा जा सकता है कि 17 वीं शताब्दी वायलिन के लिए "स्वर्ण युग" थी, जब उपकरण की संरचना में संबंधों का अंतिम समापन हुआ और जब यह उस पूर्णता तक पहुंच गया कि इसे "सुधार" करने का कोई प्रयास नहीं किया गया पहले ही कदम रख सकता है। इतिहास ने अपनी स्मृति में महान वायलिन ट्रांसड्यूसर के नामों को बरकरार रखा है और इस उपकरण के विकास को वायलिन निर्माताओं के तीन परिवारों के नामों से जोड़ा है। सबसे पहले, यह क्रेमोनीज़ मास्टर्स का अमती परिवार है, जो एंड्रिया ग्वारनेरी (1626? -1698) और एंटोनियो स्ट्राडिवरी (1644-1736) के शिक्षक बने। हालांकि, वायलिन की अंतिम पूर्णता सबसे अधिक Giuseppe-Antonio Guarneri (1687-1745) और विशेष रूप से एंटोनियो स्ट्राडिवरी के लिए है, जो आधुनिक वायलिन के महानतम निर्माता के रूप में प्रतिष्ठित हैं।
लेकिन हर किसी को वायलिन में वह सब कुछ पसंद नहीं आया जो उस समय तक महान क्रेमोनीज़ द्वारा स्थापित किया जा चुका था। कई लोगों ने स्ट्राडिवरी द्वारा अपनाए गए अनुपातों को बदलने की कोशिश की, और निश्चित रूप से कोई भी इसमें सफल नहीं हुआ। हालाँकि, सबसे अधिक उत्सुकता, कुछ सबसे पिछड़े उस्तादों की इच्छा थी कि वे वायलिन को हाल के दिनों में लौटा दें और उस पर वायोला की अप्रचलित विशेषताओं को थोप दें। जैसा कि आप जानते हैं, वायलिन में कोई झल्लाहट नहीं थी। इससे इसकी ध्वनि की मात्रा का विस्तार करना और वायलिन वादन की तकनीक में सुधार करना संभव हो गया। हालांकि, इंग्लैंड में वायलिन के ये गुण "संदिग्ध" लगते थे, और उपकरण का "स्वर" पर्याप्त सटीक नहीं था। इसलिए, ध्वनि के निष्कर्षण में संभावित "अशुद्धि" को खत्म करने के लिए वायलिन के फ्रेटबोर्ड पर फ्रेट्स पेश किए गए थे, और 1654 से 1730 तक जॉन प्लेफोर्ड (1623-1686?) के नेतृत्व में पब्लिशिंग हाउस ने एक मैनुअल का पुनर्मुद्रण किया। "मोडल टेबलेचर" के अनुसार संकलित। न्याय, हालांकि, यह कहने की आवश्यकता है कि यह आमतौर पर वायलिन वादन के इतिहास में ज्ञात एकमात्र मामला था। इस वाद्य यंत्र को बजाने में सुधार करने और सुगम बनाने के अन्य प्रयासों को स्ट्रिंग ट्यूनिंग या तथाकथित "स्कॉर्डेटुरा" तक सीमित कर दिया गया है। यह समझ में आया, और कई प्रमुख वायलिन वादक, जैसे टार्टिनी (1692-1770), लोली (1730-1802), पगनीनी (1784-1840) और कुछ अन्य, प्रत्येक ने अपने-अपने तरीके से वाद्य यंत्र को ट्यून किया। कभी-कभी विशेष, कलात्मक लक्ष्यों का पीछा करते हुए स्ट्रिंग ट्यूनिंग की इस पद्धति का उपयोग किया जाता है।
स्ट्रैडिवेरियस वायलिन। gruhn.com से फोटो तो, 17 वीं शताब्दी के अंत तक वायलिन को अपना सबसे उत्तम अवतार प्राप्त हुआ। एंटोनियो स्ट्राडिवरी इसे अपनी वर्तमान स्थिति में लाने वाले अंतिम व्यक्ति थे, और 18 वीं शताब्दी के मास्टर फ्रांकोइस टूर्ट को आधुनिक धनुष के निर्माता के रूप में सम्मानित किया जाता है। लेकिन वायलिन के विकास और वास्तविक जीवन में इसके कार्यान्वयन में, चीजें कम सफल रहीं। इस विकास और वायलिन तकनीक के सुधार के पूरे लंबे और विविध इतिहास को कुछ शब्दों में व्यक्त करना बहुत मुश्किल है। यह कहने के लिए पर्याप्त है कि वायलिन की उपस्थिति ने बहुत सारे विरोधियों को उकसाया। कई लोगों ने वियोला की खोई हुई सुंदरियों पर पछतावा किया, जबकि अन्य बिन बुलाए अजनबी के खिलाफ पूरे "संबंध" लेकर आए। केवल महान वायलिन वादकों के लिए धन्यवाद, जिन्होंने वायलिन बजाने की तकनीक को निर्णायक रूप से आगे बढ़ाया, वायलिन ने वह स्थान ले लिया जिसके वह हकदार थे। 17 वीं शताब्दी में, ये गुणी वायलिन वादक ग्यूसेप टोरेली और आर्केंजेलो कोरेली थे। भविष्य में, एंटोनियो विवाल्डी (1675-1743) ने वायलिन के लाभ के लिए बहुत काम किया, और अंत में, निकोलो पगनीनी के नेतृत्व में अद्भुत वायलिन वादकों की एक पूरी आकाशगंगा। आधुनिक वायलिनपाँचवें में चार तार हैं। शीर्ष स्ट्रिंग को कभी-कभी पांचवां कहा जाता है, और नीचे की स्ट्रिंग को बास कहा जाता है। वायलिन के सभी तार नसदार या आंतों के होते हैं, और ध्वनि की अधिक परिपूर्णता और सुंदरता के लिए केवल "बास" को एक पतले चांदी के धागे या "जिम्प" के साथ जोड़ा जाता है। वर्तमान में, सभी वायलिन वादक "पांचवें" के लिए एक धातु के तार का उपयोग करते हैं और ठीक उसी तरह, लेकिन कोमलता के लिए केवल एक पतले एल्यूमीनियम धागे के साथ लपेटा जाता है, ए स्ट्रिंग, हालांकि कुछ संगीतकार बिना किसी "जिंप" के शुद्ध एल्यूमीनियम ए स्ट्रिंग का भी उपयोग करते हैं। इस संबंध में, mi के लिए धातु की डोरी और la के लिए एल्युमीनियम, ने फिर से डोरी की ध्वनि की ध्वनि को मजबूत करना आवश्यक बना दिया, जो तब भी नसदार था, जिसे एक एल्यूमीनियम "जिंप" की मदद से किया गया था, जो चारों ओर लिपटा हुआ था, जैसे कि एक "बास्क", यह बाद वाला और, वैसे, जिसने उसकी अच्छी सेवा की। फिर भी, इन सभी घटनाओं ने सच्चे पारखी लोगों को बहुत परेशान किया, क्योंकि अन्य मामलों में धातु के तारों की आवाज़ का बजना और तीखापन बहुत ही ध्यान देने योग्य और अप्रिय है, लेकिन इससे कोई लेना-देना नहीं है और किसी को परिस्थितियों से हाथ धोना पड़ता है।
वाद्य यंत्र की आवश्यकताओं के अनुसार ट्यून किए गए वायलिन के तारों को खुले या खाली कहा जाता है, और दूसरे सप्तक के मील से छोटे नमक तक शुद्ध पांचवें अवरोही के क्रम में ध्वनि होती है। तारों के क्रम को हमेशा ऊपर से नीचे तक माना जाता है, और यह प्रथा प्राचीन काल से सभी झुके हुए और के संबंध में संरक्षित है स्ट्रिंग उपकरण"एक हैंडल के साथ" या "बार"। वायलिन के लिए नोट्स केवल "ट्रेबल क्लेफ" या जी की कुंजी में लिखे गए हैं।
"ओपन" या ऑर्केस्ट्रल उपयोग की अवधारणा - एक खाली स्ट्रिंग, स्टैंड से अखरोट तक इसकी लंबाई में स्ट्रिंग की ध्वनि का अर्थ है, जो कि उन दो बिंदुओं के बीच है जो ट्यूनिंग के दौरान इसकी वास्तविक ऊंचाई निर्धारित करते हैं। स्ट्रिंग की लंबाई आमतौर पर समान बिंदुओं द्वारा निर्धारित की जाती है, क्योंकि ऑर्केस्ट्रा में यह स्ट्रिंग का ध्वनि वाला हिस्सा होता है जिसे ध्यान में रखा जाता है, न कि इसके "पूर्ण मूल्य" को उप-गर्दन और खूंटे के बीच संलग्न किया जाता है। शीट संगीत में, एक खुली स्ट्रिंग को नोट के ऊपर या नीचे एक छोटे वृत्त या शून्य द्वारा इंगित किया जाता है।
कुछ मामलों में, जब काम के संगीतमय ताने-बाने को इसकी आवश्यकता होती है, तो आप "बास्क" के लिए एक छोटे सप्तक का एफ तेज या "पांचवें" के लिए दूसरा डी तेज प्राप्त करने के लिए स्ट्रिंग को एक सेमीटोन नीचे ट्यून कर सकते हैं।
स्रोत संगीत-instrument.ru

इतिहास का इलेक्ट्रिक गिटार का निर्माण (इलेक्ट्रिक गिटार)

20वीं शताब्दी में प्रौद्योगिकी के विकास ने मानव अस्तित्व के सांस्कृतिक पक्ष की अवहेलना नहीं की। प्लेबैक के लिए इलेक्ट्रॉनिक उपकरणों का उद्भव और, सबसे महत्वपूर्ण, ध्वनि प्रसंस्करण, अंत में, संगीत वाद्ययंत्रों को प्रभावित नहीं कर सका। मौलिक रूप से नए संगीत वाद्ययंत्र बनाने के प्रयासों के अलावा, प्रसिद्ध पुराने लोगों को "आधुनिकीकरण" करने का भी प्रयास किया गया। इसलिए 1924 में लॉयड लोहर ने पहला चुंबकीय पिकअप डिजाइन किया, एक ऐसा उपकरण जो धातु के तार के कंपन को विद्युत संकेत में परिवर्तित करता है। यह प्रतिभाशाली इंजीनियर उस समय काम करता था, आप कहां सोचेंगे? - गिब्सन में! लेकिन जैसा कि आप समझते हैं, लेस पॉल का निर्माण अभी भी काफी दूर है - जितना लंबा 28 साल, इसलिए पहले बड़े पैमाने पर उत्पादित इलेक्ट्रिक गिटार गिब्सन द्वारा निर्मित नहीं थे। और यह इलेक्ट्रो स्ट्रिंग कंपनी नामक एक कंपनी द्वारा किया गया था, जिसके संस्थापकों में से एक एडॉल्फ रेनबैकर थे, जिन्होंने बाद में स्थापना की, जैसा कि आप शायद पहले ही अनुमान लगा चुके हैं, बहुत प्रसिद्ध रेनबैकर कंपनी जिसने जॉन लेनन - 325JL के लिए एक सिग्नेचर गिटार जारी किया था। इन पहले गिटार के शरीर एल्यूमीनियम से बने थे, यही वजह है कि उन्हें "फ्राइंग पैन" का ईमानदार नाम मिला। यह घटना 1931 में हुई थी। मुझे नहीं पता कि गिटार में पिकअप को जोड़ने के लिए कोई अन्य प्रयास थे, शायद थे, लेकिन केवल 1951 में उन्होंने उन बहुत ही क्लासिक और पहचानने योग्य रूपों को हासिल किया। और लियो फेंडर ने अपने प्रसिद्ध टेलीकास्टर को जारी करके ऐसा किया और यह पहले से ही एक सफलता थी, एक अंतरिक्ष यान को कक्षा में एक आदमी के साथ, निश्चित रूप से, बोर्ड पर रखने जैसा कुछ। शरीर लकड़ी से बना था, हालांकि इसमें शास्त्रीय गिटार के साथ डिजाइन में कुछ भी सामान्य नहीं था। किसी कारण से, बहुत से लोग सोचते हैं कि इलेक्ट्रिक गिटार किस चीज से बने होते हैं: धातु, प्लास्टिक, और कुछ अन्य अति-आधुनिक सामग्री, नहीं - गिटार आज भी बनाए जाते हैं और बनाए जाते हैं, मुख्य रूप से लकड़ी से, जैसे एक व्यक्ति है 70% पानी।
उसी क्षण से, इलेक्ट्रिक गिटार को एक संगीत वाद्ययंत्र और एक सांस्कृतिक घटना के रूप में कहा जा सकता है। गिब्सन, बेशक, पीछे नहीं रहे और 1952 में अपने दिग्गज लेस पॉल को रिहा कर दिया। और परीक्षण शॉट 1954 में आया, जब फेंडर ने स्ट्रैटोकास्टर को कक्षा में लॉन्च किया। ब्लूज़, रॉक एंड कंट्री संगीतकारों ने इन मॉडलों और निर्माताओं के गिटार बजाना शुरू किया। बेशक, तब से कई अलग-अलग सुंदर और बहुत लोकप्रिय नहीं और लोकप्रिय गिटार नहीं हैं, लेकिन यह संभावना नहीं है कि आज तक कोई व्यक्ति कुछ अधिक महत्वपूर्ण लेकर आया है, यदि आप ध्वनि प्रसंस्करण को ध्यान में नहीं रखते हैं। बेशक, विभिन्न नवाचार हैं, जैसे कि सातवें और यहां तक ​​​​कि आठवें तार के अलावा (एक नियम के रूप में, ये चरम शैलियों और प्रवृत्तियों के बैंड और संगीतकारों के लिए डिज़ाइन किए गए गिटार हैं), लेकिन ये सभी ऐसी घटनाएं हैं जो "नहीं किया" "खोजों" के ऊपर सूचीबद्ध लोगों के महत्व में "करीब आओ"।
लेकिन सबसे दिलचस्प बात यह है कि गिटार फिर भी गिटार ही बना रहा। किसी कारण से, बहुत से लोग जो संगीत से दूर हैं, सोचते हैं कि इलेक्ट्रिक गिटार एक संगीत वाद्ययंत्र है जिसका शास्त्रीय गिटार से कोई लेना-देना नहीं है। अंतर, निश्चित रूप से, महान है उपस्थितितकनीक बजाने के लिए, लेकिन फिर भी यह एक और एक ही उपकरण है जिसमें समान (कुछ अपवादों के साथ) ट्यूनिंग और कॉर्ड फ़िंगरिंग्स हैं, जिसका अर्थ है कि, गानों के कॉर्ड को जानने के बाद, उन्हें इलेक्ट्रिक और ध्वनिक गिटार दोनों पर समान सफलता के साथ बजाया जा सकता है। .

गिटार और इसकी वर्तमान स्थिति का एक संक्षिप्त इतिहास

जैसा कि आप जानते हैं, गिटार राष्ट्रीय स्पेनिश वाद्य यंत्र है। अब तक, गिटार की उत्पत्ति ठीक से स्थापित नहीं हुई है। यह माना जाना चाहिए कि इसका प्रोटोटाइप असीरियन-बेबीलोनियन केफारा या मिस्र का सिटहारा है। इसे रोमन (लैटिन गिटार) या अरब (मूरिश गिटार) द्वारा इबेरियन प्रायद्वीप में लाया जा सकता था। पहले एक पर, उन्होंने "पंटेडो" तकनीक के साथ खेला, जो कि एक चुटकी के साथ, दूसरे पर, जिसमें एक तेज स्वर था, उन्होंने "रसगुएडो" तकनीक के साथ खेला, यानी सभी के साथ तार को खड़खड़ाते हुए दाहिने हाथ की उँगलियाँ।

आधुनिक प्रकार का गिटार, या किसी भी मामले में इसके करीब, संभवतः 16 वीं शताब्दी से पहले प्राचीन सिथारा की इन दो किस्मों के संलयन से उत्पन्न हुआ था। हमारे पास गिटार की इस दोहरी उत्पत्ति का अप्रत्यक्ष संकेत है कि इसे वर्तमान में खेलने के एक अलग तरीके से: लोक - "रसगुएडो", - मूरिश गिटार बजाने से उत्पन्न, और पेशेवर - "पंटेडो", - लैटिन गिटार से उत्पन्न .

अन्य यूरोपीय देशों (XVI-XVII सदियों) में प्रवेश के समय तक, गिटार में संबंधित ल्यूट की तरह, एक चौथाई अनुपात में ट्यून किए गए पांच तार थे। यह निश्चित नहीं है कि छठा तार जर्मनी या इटली में जोड़ा गया था या नहीं। इस अंतिम रूप में, गिटार ने एक गंभीर वाद्य यंत्र का अधिकार हासिल कर लिया। अपनी संगीत संभावनाओं में इस वृद्धि के आधार पर, छह-तार वाले गिटार ने अपना पहला उत्कर्ष अनुभव किया (18वीं शताब्दी के अंत से 19वीं शताब्दी के मध्य तक)। इस अवधि के दौरान, गिटार ने कई शानदार गुणों और संगीतकारों को आगे बढ़ाया, जैसे कि स्पैनियार्ड्स अगुआडो और सोर और इटालियंस गिउलिआनी, लेनियानी, कारासी, कारुल्ली, ज़ानी डे फेरेंटी, रेगोंडी, मोरेटी और अन्य। यूरोपीय देशों में इन गिटारवादकों की संगीत कार्यक्रम गतिविधि ने गिटार को एक उच्च पेशेवर स्तर तक पहुँचाया और इसे सबसे बड़े संगीतकारों, कवियों और लेखकों में से कई अनुयायियों को जीता। उनमें से कुछ - संगीतकार मोंटेवेर्डी, रॉसिनी, ग्रेट्री, ओबेर, डोनिज़ेट्टी, वर्डी, मस्सेनेट - ने अपने ओपेरा में गिटार का इस्तेमाल किया; अन्य - संगीतकार लूली, वेबर, डियाबेली, बर्लियोज़, गुनोद - ने स्वयं गिटार बजाया; अन्य - ग्लिंका, त्चिकोवस्की - गिटार सुनना पसंद करते थे। यह विशेष रूप से ध्यान दिया जाना चाहिए कि प्रसिद्ध वायलिन वादक पगनिनी एक ही समय में एक उत्कृष्ट गिटारवादक थे और उन्होंने गिटार के लिए कई रचनाएँ लिखीं। कवि और लेखक: गोएथे, कर्नर, लेनौ, बायरन, शेली, डेरझाविन, पुश्किन, लेर्मोंटोव, एल। टॉल्स्टॉय, बॉडेलेयर और कई अन्य लोगों ने गिटार से प्यार किया और अपने कामों में इसके लिए एक से अधिक पृष्ठ समर्पित किए।

गिटार का उत्कर्ष, जो लगभग 19 वीं सदी के अंत तक चला, इसकी गिरावट से बदल दिया गया, मुख्य रूप से पियानोफोर्टे की उपस्थिति के कारण। हालाँकि, 20 वीं शताब्दी की शुरुआत के बाद से, हम गिटार के एक नए उत्कर्ष की अवधि देख रहे हैं, जाहिर तौर पर इसके प्रति आम जनता के रवैये में बदलाव के कारण, एक प्राचीन और सबसे अभिव्यंजक लोक वाद्ययंत्रों में से एक के रूप में . परिणामस्वरूप, असाधारण रूप से उपहार में दिए गए गिटार गुणी, ज्यादातर स्पेनियों, दिखाई दिए: तारेगा, लोबेट, सेगोविया, पुजोल और अन्य, जिन्होंने गिटार बजाने की कला को सिद्ध किया और गिटार को अन्य पारंपरिक एकल वाद्ययंत्रों के बराबर रखा। और फिर से, पहले सुनहरे दिनों की तरह, गिटार सबसे प्रमुख संगीतकारों में से कई दोस्तों को आकर्षित करता है, जैसे कि ट्यूरिन, डी फाला, पोंस, रसेल और अन्य।

हमारे देश में, सिक्स-स्ट्रिंग गिटार के साथ, इसकी विविधता व्यापक थी - सात-स्ट्रिंग गिटार, मुख्य रूप से टर्शियन सिस्टम के साथ।

अकॉर्डियन, बटन अकॉर्डियन

ईख उपकरणों का इतिहास और किस्में (अकॉर्डियन, बटन अकॉर्डियन, आदि)

एक अकॉर्डियन एक संगीत वाद्ययंत्र है जिसमें धातु के नरकटों को स्वतंत्र रूप से खिसकाकर ध्वनियाँ बनाई जाती हैं - धौंकनी द्वारा पंप की गई वायु धारा की क्रिया के तहत कंपन करने वाली पतली प्लेटें। बाएं हाथ से, कलाकार धौंकनी को नियंत्रित करता है, और राग के साथ बास और कॉर्ड बटन भी दबाता है, जिसे दाहिने हाथ से बजाया जाता है।

रूस में, मास्को में, दुनिया में हार्मोनिक्स का सबसे अच्छा और सबसे व्यापक संग्रहालय है (दुनिया में 4 ऐसे संग्रहालय हैं: जर्मनी में क्लिंगनथल में राष्ट्रीय हार्मोनिक्स का संग्रहालय भी है, इटली में हारमोनिक्स का संग्रहालय Castelfidardo में है। और संयुक्त राज्य अमेरिका में .सुपर इओर-डेल्यूसी में एकॉर्डियन संग्रहालय)।

ईख उपकरणों के विकास का सामान्य इतिहास

ध्वनि निष्कर्षण के रीड सिद्धांत वाला पहला ज्ञात उपकरण प्राचीन पूर्वी शेंग (बर्मा, तिब्बत, लाओस और चीन में उत्पन्न) है। इस उपकरण के निर्माण की सटीक तिथि अज्ञात है, लेकिन ऐसा माना जाता है कि यह 2,000 वर्ष से अधिक पुराना है। इसे एक "शुद्ध" साधन माना जाता था, जो कि पवित्र संगीत के प्रदर्शन के लिए उपयुक्त है। लगभग 700 ई शेंग में सुधार हुआ था लोकप्रिय साधन, इसे 12 चाबियों में बजाया जा सकता था, और इन उपकरणों के लिए एक सामंजस्य पाठ्यपुस्तक बनाई गई थी।



रूस में हारमोनिका, बटन समझौते और समझौते की उपस्थिति

रूस में हार्मोनिक्स की उपस्थिति XIX सदी के 40 के दशक की शुरुआत में हुई। आबादी के विशेषाधिकार प्राप्त खंड, जैसा कि संकेत दिया गया है साहित्यिक स्रोत, विदेशों में हैंड हारमोनिका खरीदे, और सर्फ़ नौकरों के माध्यम से, हारमोनिका दिखाई दिए और गांवों में लोकप्रिय हो गए। एक धारणा है कि विदेशी कारीगरों द्वारा हारमोनिका का आयात किया जा सकता है, जिसे तुला हथियार कारखानों को आदेश दिया गया था।
तुला कारीगरों के बीच, एक राय थी कि बंदूकधारी सिज़ोव और शकुनाएव ने हार्मोनिकस का आविष्कार किया था। कुछ रिपोर्टों के अनुसार, वे XIX सदी के 30 के दशक में उत्पादित किए गए थे। तुला प्रांत में, हालांकि, यह ज्ञात नहीं है कि किस हार्मोनिक्स के बारे में प्रश्न में- प्रयोगशाला या मैनुअल के बारे में।



हार्मोनिक्स के उपकरण के बारे में सामान्य जानकारी

हारमोनिका को सभी संगीत वाद्ययंत्र कहा जा सकता है, जिसमें ध्वनि एक धातु की जीभ (आवाज) द्वारा पुन: पेश की जाती है जो हवा की धारा की क्रिया के तहत स्वतंत्र रूप से फिसलती है। हारमोनिका में हवा की आपूर्ति एक हाथ या पैर की धौंकनी (हैंड हार्मोनिकस, हारमोनियम), एक पंखे (ऑर्गोलोन, ऑर्गेनेट्स) की मदद से की जाती है या कलाकार के फेफड़ों (मुंह के हार्मोनिकस) द्वारा साँस ली जाती है। सभी आधुनिक हार्मोनिकों में, ईख को धातु के आधार पर एक छोर पर रिवेटिंग के साथ बांधा जाता है, जिसे फ्रेम (चेसिस) कहा जाता है। रिवेट की हुई जीभ के साथ फ्रेम को बार कहा जाता है।



शेंग (गोनोफुई, केन, लुशेंग)

शेंग हारमोनिका परिवार के सबसे पुराने वाद्ययंत्रों में से एक है, जिसकी उत्पत्ति बर्मा, तिब्बत, लाओस और चीन में हुई है। प्राचीन चीनी पांडुलिपियों (2-3 हजार वर्ष ईसा पूर्व) के अनुसार, वैज्ञानिकों ने यंत्र का सबसे पहला नाम स्थापित किया है - यू। फिर इसे चाओ, हो, शेंग कहा जाने लगा - इसके निर्माण के लिए उपयोग की जाने वाली आकृति और सामग्री के आधार पर। शेंग की अन्य किस्मों को भी जाना जाता है - चोनोफुई या गोनोफुई (जापान), केन (लाओस), लुशेंग और हुलुशेंग (दक्षिण-पश्चिमी चीन)। रूस और अन्य यूरोपीय देशों में, शेंगों को कभी-कभी चीनी मुख अंग कहा जाता था।



बिबेलहारमोनिका, आर्केस्ट्रा, एलोडिकॉन

जब ध्वनि उत्पादन के नए सिद्धांत (एक फिसलती धातु की जीभ) पर निर्मित पहला संगीत वाद्ययंत्र यूरोप में दिखाई दिया, तो अंग निर्माताओं ने संगीत वाद्ययंत्रों के पुराने रूपों का उपयोग किया: पोर्टेबल अंग, रीगलिया, सकारात्मक (पोर्टेबल) अंग, आदि। यह स्पष्ट रूप से देखा जाता है इस तरह के पहले उपकरणों के उदाहरण में।

सिंथेसाइज़र

एक इलेक्ट्रॉनिक संगीत वाद्ययंत्र जो एक या अधिक ध्वनि तरंग जनरेटर का उपयोग करके ध्वनि को संश्लेषित करता है। विद्युत संकेत (एनालॉग सिंथेसाइज़र में) के गुणों को बदलकर या केंद्रीय प्रोसेसर (डिजिटल सिंथेसाइज़र में) के मापदंडों को समायोजित करके वांछित ध्वनि प्राप्त की जाती है।

कीबोर्ड के साथ केस के रूप में बने सिंथेसाइज़र को कीबोर्ड सिंथेसाइज़र कहा जाता है।
कीबोर्ड के बिना केस के रूप में बने सिंथेसाइज़र को सिंथेसाइज़र मॉड्यूल कहा जाता है और इसे MIDI कीबोर्ड से नियंत्रित किया जाता है।
यदि एक कीबोर्ड सिंथेसाइज़र एक अंतर्निर्मित सीक्वेंसर से सुसज्जित है, तो इसे वर्कस्टेशन कहा जाता है।
सिंथेसाइज़र के प्रकार:

प्रयुक्त तकनीक के आधार पर, सिंथेसाइज़र को कई प्रकारों में विभाजित किया जाता है:

एनालॉग सिंथेसाइज़र एडिटिव और सबट्रैक्टिव प्रकार के संश्लेषण को लागू करते हैं। एनालॉग सिंथेसाइज़र की मुख्य विशेषता यह है कि वास्तविक विद्युत परिपथों का उपयोग करके ध्वनि उत्पन्न और संसाधित की जाती है। अक्सर विभिन्न संश्लेषण मॉड्यूल का कनेक्शन विशेष केबलों - पैच-तारों का उपयोग करके किया जाता है, इसलिए "पैच" संगीतकारों के बीच एक सिंथेसाइज़र के एक निश्चित समय के लिए सामान्य नाम है।

एनालॉग सिंथेसाइज़र का मुख्य लाभ यह है कि समय के साथ ध्वनि की प्रकृति में सभी परिवर्तन, जैसे कि फिल्टर कटऑफ आवृत्ति की गति, अत्यंत सुचारू रूप से (लगातार) होती है। नुकसान में उच्च स्तर का शोर शामिल है, ट्यूनिंग अस्थिरता की समस्या अब दूर हो गई है। आज उपयोग में आने वाले सबसे प्रसिद्ध एनालॉग सिंथेसाइज़र में शामिल हैं: मिमिमोग वोयाजर, लिटिलफैटी, पैगंबर '08, एंड्रोमेडा ए6।

वर्चुअल एनालॉग सिंथेसाइज़र एक एनालॉग सिंथेसाइज़र और एक डिजिटल एक के बीच एक संकर है, जो उनके शरीर में एक सॉफ्टवेयर घटक ले जाता है। उनमें से सबसे प्रसिद्ध हैं: एक्सेस वायरस टीआई, नॉर्ड लीड 2x, नॉर्ड मॉड्यूलर, डीएसआई पॉली इवोल्वर।

डिजिटल सिंथेसाइज़र में स्वयं डिजिटल सिंथेसाइज़र, साथ ही साथ उनकी विविधताएँ शामिल हैं: वर्चुअल सिंथेसाइज़र-प्लगइन्स / स्टैंडअलोन और इंटरैक्टिव सिंथेसाइज़र। वे विभिन्न प्रकार के संश्लेषण को लागू करते हैं। मूल तरंगों को बनाने और चलाने के लिए, ध्वनि को फिल्टर, लिफाफे आदि के साथ संशोधित करना। एक केंद्रीय प्रोसेसर और कई सहसंसाधकों पर आधारित डिजिटल उपकरणों का उपयोग किया जाता है।

वास्तव में, एक डिजिटल सिंथेसाइज़र एक अति विशिष्ट कंप्यूटर है। आधुनिक डिजिटल सिंथेसाइज़र (कॉर्ग OASYS, रोलैंड फैंटम, यामाहा टायरोस) के सबसे उन्नत मॉडल, पर्सनल कंप्यूटर की तरह, आपको अपडेट करने की अनुमति देते हैं ऑपरेटिंग सिस्टम, पेज मेन्यू, बिल्ट-इन हेल्प फाइल्स, स्क्रीनसेवर आदि शामिल हैं।

वर्चुअल सिंथेसाइज़र डिजिटल सिंथेसाइज़र का एक सबसेट हैं, लेकिन वे एक विशेष प्रकार के सॉफ़्टवेयर हैं। ध्वनि उत्पन्न करने के लिए, एक व्यक्तिगत कंप्यूटर के केंद्रीय प्रोसेसर और रैम का उपयोग किया जाता है, और एक प्लेबैक डिवाइस को ध्वनि आउटपुट करने के लिए, एक पीसी साउंड कार्ड का उपयोग किया जाता है।

वर्चुअल सिंथेसाइज़र स्टैंड-अलोन सॉफ़्टवेयर उत्पाद और एक निश्चित प्रारूप (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA, आदि) के प्लग-इन दोनों हो सकते हैं, जिन्हें होस्ट प्रोग्राम के अंदर चलाने के लिए डिज़ाइन किया गया है, आमतौर पर एक मल्टी-चैनल रिकॉर्डर (Cubase VST, काकवॉक सोनार, लॉजिक प्रो, प्रो टूल्स, अर्डोर, आदि)। उच्च उपलब्धता आभासी सिंथेसाइज़र की बढ़ती लोकप्रियता की ओर ले जाती है, जिसमें वास्तविक जीवन के उपकरणों के मॉडल शामिल हैं (उदाहरण के लिए, नेटिव प्रो53 - पैगंबर सिंथेसाइज़र एमुलेटर, नोवेशन वी-स्टेशन - नोवेशन के-स्टेशन सिंथेसाइज़र एमुलेटर, कॉर्ग लिगेसी - कॉर्ग एम1 सिंथेसाइज़र एमुलेटर, वेवस्टेशन , पॉलीसिक्स, एमएस20 आदि)।

> इंटरएक्टिव या होम सिंथेसाइज़र भी विभिन्न प्रकार के डिजिटल सिंथेसाइज़र हैं जिन्हें विशेष रूप से घर और सैलून शौकिया संगीत बनाने के साथ-साथ इंटरैक्टिव संगीत शिक्षा के लिए डिज़ाइन किया गया है। आमतौर पर, इन सिंथेसाइज़र के पास वास्तविक समय नियंत्रण सहित उन्नत ध्वनि संपादन के साधन नहीं होते हैं। विभिन्न आर्केस्ट्रा उपकरणों की यथार्थवादी नकल और स्वचालित संगत समारोह के उपयोग पर जोर दिया गया है। इस मामले में, संगीत के किसी भी टुकड़े को चलाने के लिए, कलाकार को सीक्वेंसर में आवाज प्रोग्राम करने या भागों को रिकॉर्ड करने की आवश्यकता नहीं होती है - बस एक मेलोडी के लिए तैयार आवाज और ऑटो संगत के लिए एक शैली का चयन करें।

बेशक, ऐसे सिंथेसाइज़र का नियंत्रण पेशेवर प्रदर्शन करने वाले मॉडल की तुलना में बहुत सरल है और अक्सर एक बच्चे के लिए भी सुलभ होता है। इस प्रकार के कई सिंथेसाइज़र में शैक्षिक खेल शामिल हैं जैसे "नोट का अनुमान लगाएं" या "कॉर्ड का अनुमान लगाएं", सुनने और सीखने के लिए तैयार संगीत का संग्रह, स्क्रीन पर गीत प्रदर्शित करने के साथ कराओके फ़ंक्शन आदि। सिंथेसाइज़र की इस श्रेणी में यामाहा PSR, Casio CTK / WK, रोलैंड E / VA / EXR परिवार आदि शामिल हैं।

ध्वनि संश्लेषण प्रकार:

ध्वनि तरंगों को उत्पन्न करने की विधि और उनके परिवर्तन के आधार पर ध्वनि संश्लेषण को निम्नानुसार वर्गीकृत किया जा सकता है:

सारांश (योगात्मक) संश्लेषण, जो विभिन्न आवृत्तियों और आयामों के साथ एक सरल (आमतौर पर साइनसॉइडल) आकार की कई तरंगों के सुपरपोजिशन (सुपरपोजिशन) के सिद्धांत का उपयोग करता है। विद्युत अंगों के अनुरूप, इन तरंगों को रजिस्टर कहा जाता है और इन्हें 16' (स्वर एक सप्तक की तुलना में कम), 8' (प्रारंभिक स्वर), 4' (स्वर एक सप्तक की तुलना में अधिक), आदि के रूप में निरूपित किया जाता है। (आंकड़ा पैरों में संबंधित अंग रजिस्टर की पाइप लंबाई है)। अपने शुद्ध रूप में, यह विद्युत अंगों (हैमंड, फरफिसा) और उनके डिजिटल एमुलेटर (कोर्ग सीएक्स-3, रोलैंड वीके-8, आदि) में पाया जाता है। उपकरण की आवाज अधिक समृद्ध है, डिजाइन में अधिक रजिस्टरों का उपयोग किया जाता है।

सबट्रैक्टिव (सबट्रैक्टिव) सिंथेसिस, जिसमें मूल मनमाना तरंग समय बदलता है क्योंकि यह विभिन्न प्रकार के फिल्टर, लिफाफा जनरेटर, प्रभाव प्रोसेसर आदि से गुजरता है। एक सबसेट के रूप में, इस प्रकार का संश्लेषण लगभग सभी आधुनिक सिंथेसाइज़र मॉडल में व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है।

ऑपरेटर (एफएम, अंग्रेजी फ्रीक्वेंसी मॉड्यूलेशन से) संश्लेषण, जिसमें एक साधारण रूप की कई तरंगों की परस्पर क्रिया (आवृत्ति मॉड्यूलेशन और योग) होती है। प्रत्येक तरंग, इसकी विशेषताओं के साथ, एक ऑपरेटर कहलाती है, ऑपरेटरों का एक निश्चित विन्यास एक एल्गोरिथ्म का गठन करता है। सिंथेसाइज़र के डिज़ाइन में जितने अधिक ऑपरेटरों का उपयोग किया जाता है, उपकरण की ध्वनि उतनी ही समृद्ध होती जाती है। उदाहरण के लिए, Yamaha DX-7 सिंथेसाइज़र (1984), जो आज भी लोकप्रिय है, में 6 ऑपरेटर हैं, जो 36 अलग-अलग एल्गोरिदम द्वारा कॉन्फ़िगर किए गए हैं।

भौतिक संश्लेषण, जिसमें, शक्तिशाली प्रोसेसर के उपयोग के कारण, वास्तविक भौतिक प्रक्रियाओं को एक या दूसरे प्रकार के वाद्य यंत्रों में सिम्युलेट किया जाता है। उदाहरण के लिए, बांसुरी जैसे वाद्य यंत्रों के लिए, पैरामीटर पाइप की लंबाई, प्रोफ़ाइल और व्यास, वायु प्रवाह दर, शरीर सामग्री होंगे; स्ट्रिंग उपकरणों के लिए - शरीर का आकार, सामग्री, स्ट्रिंग की लंबाई और तनाव, आदि। Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion, आदि जैसे उपकरणों द्वारा भौतिक संश्लेषण का उपयोग किया जाता है।

वेवटेबल (पीसीएम) संश्लेषण, जिसमें वास्तविक वाद्य यंत्रों (नमूने और बहु-नमूने) की ध्वनि के टुकड़े बजाकर ध्वनि बनाई जाती है, जो पहले वाद्य यंत्र की स्मृति में दर्ज की गई थी। इस समूह का सबसे प्रसिद्ध सिंथेसाइज़र वाल्डोर्फ वेव है, जिसे दुनिया के सबसे महंगे सिंथेसाइज़र के रूप में भी जाना जाता है।

हाइब्रिड संश्लेषण, जो विभिन्न ध्वनि संश्लेषण विधियों के एक या दूसरे संयोजन का उपयोग करता है, उदाहरण के लिए, "संक्षेप + घटाव", "तरंग + घटाव", "संचालक + घटाव", आदि। अधिकांश आधुनिक उपकरण हाइब्रिड संश्लेषण के आधार पर बनाए गए हैं, क्योंकि इसमें सबसे व्यापक रेंज में लय को बदलने के लिए बहुत शक्तिशाली उपकरण हैं।

एक आधुनिक सिंथेसाइज़र का नियंत्रण:

एक आधुनिक पेशेवर सिंथेसाइज़र का नियंत्रण एक जटिल प्रक्रिया है जो ध्वनि के कुछ पहलुओं के लिए जिम्मेदार विभिन्न मापदंडों के कई सैकड़ों या हजारों के नियंत्रण से जुड़ी है। रोटरी घुंडी, पहियों, पैडल, बटन का उपयोग करके कुछ मापदंडों को वास्तविक समय में नियंत्रित किया जा सकता है; कुछ विशेषताओं के समय में पूर्व क्रमादेशित परिवर्तनों के लिए अन्य मापदंडों का उपयोग किया जाता है। इस संबंध में, डिजिटल सिंथेसाइज़र के टिम्ब्रे (पैच) को अक्सर प्रोग्राम भी कहा जाता है।

कीस्ट्रोक की स्थिति और वेग को ट्रैक करने के लिए कीबोर्ड और डायनेमिक ट्रैकिंग का उपयोग किया जाता है। उदाहरण के लिए, जब निचली कुंजियों से ऊपरी वाले की ओर बढ़ते हैं, तो टिमब्रे आसानी से सेलो से बांसुरी में बदल सकता है, और कुंजी के अधिक जोरदार दबाव के साथ, टिमपनी को समग्र ध्वनि में जोड़ा जाता है।

ध्वनि के एक निश्चित पैरामीटर को गैर-आवधिक रूप से बदलने के लिए एक लिफाफे का उपयोग किया जाता है। विशिष्ट रूप से, लिफाफा ग्राफ एक टूटी हुई रेखा है जिसमें आक्रमण (हमला), क्षय (क्षय), समर्थन (सस्टेन) और क्षय (रिलीज़) शामिल है (एडीएसआर लिफाफा भी देखें), हालांकि, विभिन्न सिंथेसाइज़र मॉडल में वे सरल (एडीआर) के रूप में पाए जाते हैं ) साथ ही अधिक जटिल मल्टी-स्टेज लिफाफे। कुललिफाफा एक सिंथेसाइज़र की एक महत्वपूर्ण विशेषता है।

फ़िल्टर का उपयोग कुल सिग्नल स्पेक्ट्रम से एक निश्चित आवृत्ति बैंड को काटने के लिए किया जाता है। अक्सर, फ़िल्टर प्रतिध्वनि से भी सुसज्जित होता है, जो कटऑफ सीमा पर आवृत्ति बैंड को तेजी से बढ़ाना संभव बनाता है। रीयल-टाइम नियंत्रण, कीबोर्ड ट्रैकिंग और/या लिफ़ाफ़े के साथ फ़िल्टर विशेषताओं को बदलने से आपको अत्यधिक विविध ध्वनि विकल्प प्राप्त करने की अनुमति मिलती है। फिल्टर की कुल संख्या एक सिंथेसाइज़र की एक महत्वपूर्ण विशेषता है।

रिंग-मॉड्यूलेटर आपको मूल सिग्नल को एक निश्चित (निश्चित या फ़्लोटिंग) आवृत्ति के साथ दूसरे सिग्नल के साथ संशोधित करने की अनुमति देता है, जिसके कारण हार्मोनिक्स के साथ एक महत्वपूर्ण संवर्धन होता है। नाम "रिंग" (संलग्न। "कॉल") इस तथ्य के कारण है कि यह नोड अक्सर उपकरण की "घंटी जैसी" ध्वनि प्राप्त करने के लिए कार्य करता है।

लो फ्रीक्वेंसी ऑसिलेटर का उपयोग समय-समय पर ध्वनि के कुछ मापदंडों को बदलने के लिए किया जाता है, जैसे कि पिच, वॉल्यूम, फिल्टर कटऑफ फ्रीक्वेंसी आदि। आयतन में चक्रीय परिवर्तन के मामले में, एक ट्रेमोलो प्रभाव पैदा होता है, पिच में बदलाव एक कंपन प्रभाव पैदा करता है, फिल्टर कटऑफ आवृत्ति में आवधिक परिवर्तन को "वाह-वाह" प्रभाव कहा जाता है।

ध्वनि को अंतिम रूप देने के लिए प्रभाव प्रसंस्करण का उपयोग किया जाता है। आधुनिक सिंथेसाइज़र आमतौर पर काफी बड़ी संख्या में प्रभाव प्रोसेसर (उदाहरण के लिए, कॉर्ग कर्मा - 8 प्रोसेसर, रोलैंड फैंटम - 6 प्रोसेसर, आदि) से लैस होते हैं। प्रोसेसर एक दूसरे से स्वतंत्र रूप से काम करते हैं, हालांकि अगर वांछित हो तो उन्हें सीरियल सर्किट में जोड़ा जा सकता है। आधुनिक प्रभाव प्रोसेसर बड़ी संख्या में स्थानिक (reverb, विलंब, प्रतिध्वनि), मॉडुलन (निकला हुआ किनारा, कोरस, फेजर) और अन्य (overamp, आवृत्ति बदलाव, हार्मोनिक संवर्धन) प्रभाव एल्गोरिदम को लागू करते हैं।

सबसे उन्नत मॉडल में रीयल-टाइम नियंत्रण, लिफाफे, एलएफओ और अन्य से प्रभाव पैरामीटर को नियंत्रित करने का साधन होता है।

आधुनिक पियानो के यांत्रिकी का आविष्कार इतालवी मास्टर क्रिस्टोफ़ोरी ने 17वीं शताब्दी के अंत में किया था ( आधिकारिक तिथि- ठीक है। 1709), उनके डिजाइन में हथौड़े तारों के नीचे थे। उपकरण को ग्रेविसेंबलो कोल पियानो ई फोर्टे, - पियानोफोर्ते - कहा जाता था और बाद में पियानो का नाम तय किया गया था।

क्रिस्टोफ़ोरी के आविष्कार ने अंग्रेजी प्रणाली के यांत्रिकी के विकास की शुरुआत की। अन्य प्रकार के यांत्रिकी फ्रांस में मारियस (1716) और जर्मनी में श्रोएटर (1717-21) द्वारा विकसित किए गए थे। सेबस्टियन एरार्ड ने डबल रिहर्सल मैकेनिक का आविष्कार किया, जिसने कुंजी को आधे रास्ते से फिर से जल्दी से दबाकर ध्वनि निकालना संभव बना दिया। अंग्रेजी प्रणाली के यांत्रिकी में, इस तरह की पुनरावृत्ति केवल तभी संभव थी जब कुंजी को पूरी तरह से उठाया गया हो।

रूस में, पियानो व्यवसाय मुख्य रूप से सेंट पीटर्सबर्ग से जुड़ा था। अकेले 18वीं शताब्दी में, 50 से अधिक पियानो मास्टर्स ने वहां काम किया। 19 वीं शताब्दी के पहले छमाही में पियानो के कारखाने के उत्पादन का विकास पहले रूसी पियानो निर्माता, इंपीरियल कोर्ट के आपूर्तिकर्ता, अंग्रेजी मास्टर जी। फेवरियर, जर्मन मास्टर्स I.-A. Tischner की गतिविधियों से प्रभावित था। K.-I. Wirth, A.-H. श्रोएडर, I. -F. श्रोएडर और, 1840 से, बेल्जियन G.-G. Lichtental। आज तक, 1917 की क्रांति से पहले रूस में काम करने वाले 600 से अधिक पियानो मास्टर्स के नाम ज्ञात हैं। सेंट पीटर्सबर्ग कंजर्वेटरी के पियानो मास्टर, दार्शनिक विज्ञान के उम्मीदवार सर्गेव एम.वी. इन अध्ययनों में लगे हुए हैं।
19 वीं शताब्दी के मध्य में, जे। ब्लुटनर, के। बेचस्टीन के कारखाने जर्मनी में, संयुक्त राज्य अमेरिका में खुले - स्टीनवे और बेटे, लंबे सालअद्वितीय।
20 वीं शताब्दी में, मौलिक रूप से नए उपकरण दिखाई दिए - इलेक्ट्रॉनिक पियानो और सिंथेसाइज़र, साथ ही ध्वनि उत्पादन का एक विशेष रूप - एक तैयार पियानो।

विशेष रूप से पियानो के लिए लिखा गया पहला संगीत 1732 में प्रकाशित हुआ (लॉडोविको गिउस्टिनी द्वारा सोनाटा)। हालांकि, बड़े पैमाने पर, संगीतकारों ने हेडन और मोजार्ट के दिनों में चालीस या पचास साल बाद हार्पसीकोर्ड के बजाय पियानो पर ध्यान देना शुरू किया।

पियानो को भव्य पियानो में विभाजित किया गया है - क्षैतिज तार वाले उपकरण - और सीधे पियानो। पहले ज्ञात वर्टिकल पियानो का श्रेय K.-E. फ्रीडेरिसी (गेरा, जर्मनी) को दिया जाता है, जिन्होंने इसे 1745 में बनाया था। हालांकि, पहले से ही 1742 में, ज़ांथोफेन (बवेरिया) में जोहान सोचर की कार्यशाला से एक समान उपकरण निकला था, और 1748 में ऐसे जी सिल्बरमैन ने भी वही उपकरण बनाए। ऊर्ध्वाधर पियानो की किस्में - पिरामिडल, पियानो-लिरे, पियानो-ब्यूरो, पियानो-वीणा, आदि। 19 वीं शताब्दी के मध्य से, केवल पियानो और भव्य पियानो का उत्पादन किया गया है।

पियानो में ध्वनि हथौड़े से तारों को मारकर उत्पन्न की जाती है। स्ट्रिंग्स को पिंस (खूंटे) की मदद से कास्ट-आयरन फ्रेम पर फैलाया जाता है, जो गुंजयमान डेक से चिपके तिगुने और बास खूंटे से गुजरता है (पियानो में, डेक एक ऊर्ध्वाधर स्थिति में है, भव्य पियानो में - एक में) क्षैतिज स्थिति)। प्रत्येक ध्वनि के लिए तारों का एक समूह होता है: मध्य और उच्च श्रेणियों के लिए तीन, निम्न के लिए दो या एक। अधिकांश पियानो की सीमा एक उपमहाद्वीप से 5वें सप्तक तक 88 सेमिटोन है (पुराने वाद्ययंत्र ऊपर से चौथे सप्तक के ए नोट तक सीमित हो सकते हैं; आप एक व्यापक रेंज वाले उपकरण पा सकते हैं)। तटस्थ स्थिति में, पिछले डेढ़ से दो सप्तक को छोड़कर, तार, डैम्पर्स (मफलर) के संपर्क में हैं। जब कुंजियों को दबाया जाता है, तो लीवर, पट्टियों और हथौड़ों का एक उपकरण, जिसे पियानो यांत्रिकी कहा जाता है, सक्रिय हो जाता है। दबाने के बाद, डम्पर तार के संबंधित गाना बजानेवालों को छोड़ देता है ताकि स्ट्रिंग स्वतंत्र रूप से ध्वनि कर सके, और एक हथौड़ा, महसूस (महसूस) के साथ असबाबवाला, उस पर प्रहार करता है।
पियानो पेडल
आधुनिक पियानो में दो या तीन पैडल होते हैं (नवीनतम मॉडल में चार होते हैं)। पहले के उपकरणों में, वापस लेने योग्य लीवर का उपयोग उसी उद्देश्य के लिए किया जाता था, जिसे पियानोवादक को अपने घुटनों से दबाना पड़ता था।
दाहिना पेडल (कभी-कभी केवल "पेडल" के रूप में संदर्भित किया जाता है क्योंकि यह सबसे अधिक बार उपयोग किया जाता है) सभी डैम्पर्स को एक साथ उठाता है, ताकि जब कुंजी जारी की जाए, तो संबंधित तार बजते रहें। इसके अलावा, वाद्य के अन्य सभी तार भी कंपन करने लगते हैं, जो ध्वनि का द्वितीयक स्रोत बन जाता है। सही पेडल का उपयोग दो उद्देश्यों के लिए किया जाता है: निकाली गई ध्वनियों के अनुक्रम को अविभाज्य (लेगाटो प्लेइंग) बनाने के लिए जहां तकनीकी कठिनाइयों के कारण इसे उंगलियों से करना असंभव है, और नए ओवरटोन के साथ ध्वनि को समृद्ध करना। पैडल का उपयोग करने के दो तरीके हैं: एक सीधा पेडल - दबाए जाने वाली कुंजियों को दबाने से पहले पैडल को दबाना, और विलंबित पेडल, जब पेडल को कुंजी दबाए जाने के तुरंत बाद दबाया जाता है और इसे जारी करने से पहले। शीट संगीत में, इस पेडल को अक्षर P (या संक्षिप्त नाम Ped.) द्वारा दर्शाया जाता है, और इसके निष्कासन को तारांकन द्वारा इंगित किया जाता है। रूमानियत और प्रभाववाद के युग के संगीतकारों के संगीत में, ये पदनाम अक्सर पाए जाते हैं, आमतौर पर ध्वनि को एक विशेष स्वाद देने के लिए।
ध्वनि को क्षीण करने के लिए बाएं पेडल का उपयोग किया जाता है। भव्य पियानो में, यह हथौड़ों को दाईं ओर स्थानांतरित करके प्राप्त किया जाता है, ताकि गाना बजानेवालों के तीन तारों के बजाय, वे केवल दो (अतीत में, कभी-कभी केवल एक) पर वार करें। एक पियानो में, हथौड़े तार के करीब जाते हैं। यह पेडल बहुत कम बार प्रयोग किया जाता है। शीट संगीत में, इसे उना कोर्डा के रूप में चिह्नित किया जाता है, इसके हटाने को ट्रे कॉर्डे या टुट्टे ले कॉर्डे के रूप में चिह्नित किया जाता है। ध्वनि को क्षीण करने के अलावा, पियानो बजाते समय बाएं पेडल का उपयोग आपको ध्वनि को नरम करने की अनुमति देता है, इसे जारी गाना बजानेवालों के कंपन के कारण इसे गर्म और अधिक सुंदर बनाता है।
मध्य (या तीसरा, चूंकि यह ऐतिहासिक रूप से अंतिम रूप से जोड़ा गया था) पेडल, या सोस्टेनुटो पेडल, चुनिंदा रूप से डैम्पर्स को बढ़ाने के लिए कार्य करता है। जब मध्य पेडल दब जाता है, तो कुंजियों को दबाए जाने पर उठे हुए डैम्पर्स तब तक ऊपर उठे रहते हैं जब तक कि पैडल को हटा नहीं दिया जाता। यह, सही पेडल की तरह, लेगाटो खेलने के लिए इस्तेमाल किया जा सकता है, लेकिन अन्य तारों के कंपन के साथ ध्वनि को समृद्ध नहीं करेगा। यह पेडल आज अधिकांश पियानो से अनुपस्थित है और अधिकांश भव्य पियानो पर मौजूद है। ऐसे पियानो हैं जिनमें मध्य पेडल बाईं ओर "स्लाइड" करता है और इस तरह तय होता है, जबकि हथौड़ों और तारों के बीच एक विशेष कपड़ा रखा जाता है, जिसके कारण ध्वनि बहुत शांत हो जाती है, जो संगीतकार को खेलने की अनुमति देती है, उदाहरण के लिए, रात में।
पियानो का उपयोग एकल वाद्य यंत्र के रूप में और ऑर्केस्ट्रा के साथ मिलकर किया जा सकता है (उदाहरण के लिए, ऑर्केस्ट्रा के साथ पियानो संगीत कार्यक्रम में)। पियानो बजाना एक ऐसी गतिविधि है जिसमें अच्छी तकनीक, ध्यान और समर्पण की आवश्यकता होती है। में प्रशिक्षण शुरू करने की सिफारिश की गई है बचपन. बच्चों में संगीत विद्यालय(DMSh) रूस में, प्रशिक्षण में 5 या 7 साल लगते हैं, कार्यक्रम के आधार पर, कुछ छात्र स्नातक होने के बाद एक संगीत विद्यालय में प्रवेश करने से पहले एक या दो साल अतिरिक्त रहते हैं। संगीत विद्यालय या समकक्ष प्रशिक्षण के बाद, आप एक संगीत विद्यालय या कॉलेज में अपनी पढ़ाई जारी रख सकते हैं, और फिर एक कंज़र्वेटरी, विश्वविद्यालय में, बन सकते हैं पेशेवर पियानोवादक. संगीत विद्यालय में, लगभग सभी बड़ी कंपनियों के लिए सामान्य पियानो भी एक अनिवार्य विषय है। उत्कृष्ट पियानोवादक XX सदी - सर्गेई राचमानिनोव, एमिल गिलल्स, सियावेटोस्लाव रिक्टर, व्लादिमीर होरोविट्ज़, आर्थर रुबिनस्टीन, ग्लेन गोल्ड और अन्य।
पियानो को रखरखाव की सही स्थितियों के साथ-साथ नियमित ट्यूनिंग की आवश्यकता होती है, क्योंकि समय के साथ उपकरण के तारों का तनाव कमजोर हो जाता है। ट्यूनिंग की आवृत्ति उपकरण के वर्ग, उसके निर्माण की गुणवत्ता, उसकी आयु, रखरखाव और संचालन की शर्तों पर निर्भर करती है। ट्यूनिंग, एक नियम के रूप में, स्वयं कलाकार द्वारा नहीं किया जाता है, लेकिन एक विशेषज्ञ - मास्टर पियानो ट्यूनर, हालांकि, सैद्धांतिक रूप से, हाथ में एक इलेक्ट्रॉनिक ट्यूनर होने और प्रत्येक तार की सटीक आवृत्ति विशेषताओं को जानने के बाद, कोई भी कर सकता है ट्यूनिंग, भले ही उसके पास संगीतमय कान न हो।
यह डेल्फ़िक खेलों के नामांकन में से एक है।