संगीतमय रूमानियत एक सामान्य विशेषता है। मॉस्को आर्ट थिएटर में रूमानियत-प्रस्तुति के युग की संगीत कला

रूमानियत के सौंदर्यशास्त्र में संगीत ने एक विशेष स्थान ले लिया है। इसे कला के सभी क्षेत्रों के लिए एक मॉडल और आदर्श घोषित किया गया था, क्योंकि, अपनी विशिष्टता के कारण, यह आत्मा की गतिविधियों को पूरी तरह से व्यक्त करने में सक्षम है।"संगीत तब शुरू होता है जब शब्द समाप्त होते हैं" (जी. हेइन)।

एक दिशा के रूप में संगीतमय रूमानियतवाद शुरुआत में विकसित हुआउन्नीसवींसदी और साहित्य, चित्रकला और रंगमंच में विभिन्न प्रवृत्तियों के साथ घनिष्ठ संबंध में विकसित हुआ। प्रथम चरणसंगीतमय रूमानियत का प्रतिनिधित्व एफ. शुबर्ट, ई. टी. ए. हॉफमैन, के. एम. वेबर, एन. पगनिनी, जी. रॉसिनी के कार्यों द्वारा किया जाता है; अगला चरण (1830-50 के दशक) - एफ. चोपिन, आर. शुमान, एफ. मेंडेलसोहन, जी. बर्लियोज़, एफ. लिस्ज़त, आर. वैगनर, जे. वर्डी का कार्य। रूमानियत का अंतिम चरण अंत तक फैला हुआ हैउन्नीसवींशतक। इस प्रकार, यदि साहित्य और चित्रकला में रोमांटिक दिशा मूलतः मध्य तक अपना विकास पूरा कर लेती हैउन्नीसवींसदियों से, यूरोप में संगीतमय रूमानियत का जीवन बहुत लंबा है।

में संगीतमय रूमानियत, कला और साहित्य के अन्य रूपों की तरह, सुंदर, अप्राप्य आदर्शों और रोजमर्रा की जिंदगी की दुनिया के विरोध ने परोपकारिता और परोपकारिता की भावना को जन्म दिया, एक ओर, नाटकीय संघर्ष को जन्म दिया, दुखद उद्देश्यों का प्रभुत्व अकेलापन, निराशा, भटकन आदि, एक दूसरे के साथ - सुदूर अतीत, लोक जीवन, प्रकृति का आदर्शीकरण और काव्यीकरण। किसी व्यक्ति की मानसिक स्थिति के समान, रोमांटिक लोगों के कार्यों में प्रकृति आमतौर पर असामंजस्य की भावना से रंगी होती है।

अन्य रोमांटिक लोगों की तरह, संगीतकारों का मानना ​​था कि भावनाएँ मन की तुलना में आत्मा की गहरी परत हैं:"मन ग़लत है, भावनाएँ - कभी नहीं" (आर. शुमान)।

रोमांटिक संगीत में निहित मानव व्यक्तित्व में विशेष रुचि की प्रधानता व्यक्त की गईव्यक्तिगत स्वर . व्यक्तिगत नाटक के प्रकटीकरण ने अक्सर रोमांटिक लोगों के बीच एक अर्थ प्राप्त कर लिया।आत्मकथा, जो संगीत में विशेष ईमानदारी लेकर आए। तो, उदाहरण के लिए, बहुत सारे पियानो काम करता हैशुमान क्लारा विएक के प्रति अपने प्रेम की कहानी से जुड़े हुए हैं। बर्लियोज़ ने आत्मकथात्मक "फैंटास्टिक" सिम्फनी लिखी। वैगनर ने अपने ओपेरा की आत्मकथात्मक प्रकृति पर दृढ़ता से जोर दिया था।

अक्सर "गीतात्मक स्वीकारोक्ति" के विषय से जुड़ा हुआप्रकृति विषय .

रोमांटिक संगीतकारों की असली खोज थीकाल्पनिक विषय. संगीत ने पहली बार विशुद्ध रूप से संगीतमय तरीकों से शानदार-शानदार छवियों को मूर्त रूप देना सीखा। ओपेरा मेंXVII - XVIIIसदियों से चले आ रहे "असाधारण" पात्र (जैसे कि मोजार्ट की "रात की रानी" जादुई बांसुरी”) ने “आम तौर पर स्वीकृत” संगीत भाषा में बात की, जो वास्तविक लोगों की पृष्ठभूमि से बहुत कम अलग थी। रोमांटिक संगीतकारों ने काल्पनिक दुनिया को पूरी तरह से विशिष्ट (असामान्य आर्केस्ट्रा और हार्मोनिक रंगों की मदद से) व्यक्त करना सीख लिया है। वेबर के मैजिक एरो में "वुल्फ़ गुल्च सीन" एक उल्लेखनीय उदाहरण है।

अगर XVIIIशताब्दी एक सार्वभौमिक प्रकार के गुणी सुधारकों का युग था, जो गायन, रचना, विभिन्न वाद्ययंत्र बजाने में समान रूप से कुशल थे।उन्नीसवींयह सदी कलाप्रवीण पियानोवादकों (के.एम. वेबर, एफ. मेंडेलसोहन, एफ. चोपिन, एफ. लिस्ट्ट, आई. ब्राह्म्स) की कला के लिए अभूतपूर्व उत्साह का समय था।

रूमानियत के युग ने "दुनिया के संगीत भूगोल" को पूरी तरह से बदल दिया। यूरोप के लोगों की राष्ट्रीय आत्म-चेतना की सक्रिय जागृति के प्रभाव में, रूस, पोलैंड, हंगरी, चेक गणराज्य और नॉर्वे में युवा संगीतकार स्कूल अंतरराष्ट्रीय संगीत क्षेत्र में आगे बढ़े। इन देशों के संगीतकार, राष्ट्रीय साहित्य, इतिहास की छवियों को मूर्त रूप देते हैं। मूल स्वभाव, देशी लोककथाओं के स्वर और लय पर भरोसा किया।

संगीतमय रूमानियत की अत्यधिक विशेषता इसमें रुचि हैलोक कला . रोमांटिक कवियों की तरह, जिन्होंने लोककथाओं की कीमत पर समृद्ध और अद्यतन किया साहित्यिक भाषा, संगीतकारों ने व्यापक रूप से राष्ट्रीय लोककथाओं की ओर रुख किया - लोक गीत, गाथागीत, महाकाव्य (एफ. शुबर्ट, आर. शुमान, एफ. चोपिन, आई. ब्राह्म्स, बी. स्मेताना, ई. ग्रिग, आदि)। राष्ट्रीय साहित्य, इतिहास, मूल प्रकृति की छवियों को मूर्त रूप देते हुए, उन्होंने पुराने डायटोनिक तरीकों को पुनर्जीवित करते हुए, राष्ट्रीय लोककथाओं के स्वर और लय पर भरोसा किया।लोककथाओं के प्रभाव में, यूरोपीय संगीत की सामग्री में नाटकीय रूप से बदलाव आया है।

नए विषयों और छवियों के लिए रोमांटिकता के विकास की आवश्यकता थीसंगीत भाषा के नये साधन और आकार देने के सिद्धांत, माधुर्य का वैयक्तिकरण और भाषण स्वरों का परिचय, संगीत के समय और हार्मोनिक पैलेट का विस्तार (प्राकृतिक झल्लाहट, प्रमुख और लघु का रंगीन संयोजन, आदि)।

चूँकि रोमांटिक लोगों का ध्यान अब समग्र रूप से मानवता पर नहीं है, बल्कि क्रमशः अपनी अनूठी भावना के साथ एक विशिष्ट व्यक्ति पर हैऔर अभिव्यक्ति के साधनों में, सामान्य तेजी से व्यक्ति, व्यक्तिगत रूप से अद्वितीय को रास्ता देता जा रहा है। माधुर्य में सामान्यीकृत स्वरों का अनुपात, सामंजस्य में आमतौर पर उपयोग की जाने वाली राग प्रगति, और बनावट में विशिष्ट पैटर्न कम हो रहे हैं - इन सभी साधनों को वैयक्तिकृत किया जा रहा है। ऑर्केस्ट्रेशन में, समूह समूहों के सिद्धांत ने लगभग सभी ऑर्केस्ट्रल आवाज़ों के एकल गायन का मार्ग प्रशस्त किया।

सबसे महत्वपूर्ण बिंदुसौंदर्यशास्र संगीतमय रूमानियत थीकला संश्लेषण का विचार , जिसने वैगनर और इन के ऑपरेटिव कार्य में अपनी सबसे ज्वलंत अभिव्यक्ति पाईकार्यक्रम संगीत बर्लियोज़, शुमान, लिस्ज़त।

रोमांटिक संगीतकारों की कृतियों में संगीत शैलियाँ

रोमांटिक संगीत में, तीन शैली समूह स्पष्ट रूप से उभरते हैं:

• वे शैलियाँ जिन्होंने क्लासिकिज़्म की कला में एक अधीनस्थ स्थान पर कब्जा कर लिया (मुख्य रूप से गीत और पियानो लघु);
• पिछले युग के रोमांटिक लोगों द्वारा समझी जाने वाली शैलियाँ (ओपेरा, ऑरेटोरियो, सोनाटा-सिम्फनी चक्र, ओवरचर);
• मुक्त, काव्यात्मक शैलियाँ (गाथागीत, कल्पनाएँ, रैप्सोडी, सिम्फोनिक कविताएँ)। उनमें रुचि को रोमांटिक संगीतकारों की स्वतंत्र आत्म-अभिव्यक्ति की इच्छा, छवियों के क्रमिक परिवर्तन से समझाया गया है।

अग्रभूमि में संगीत संस्कृतिरूमानियत के समर्थकगाना एक कलाकार के अंतरतम विचारों को व्यक्त करने के लिए सबसे उपयुक्त शैली के रूप में (जबकि संगीतकारों के पेशेवर काम में)।XVIIIसदी, गीतात्मक गीत को एक मामूली भूमिका सौंपी गई - यह मुख्य रूप से फुरसत को भरने के लिए काम करता था)। शूबर्ट, शुमान, लिस्ज़त, ब्राह्म्स, ग्रिग और अन्य ने गीत के क्षेत्र में काम किया।

ठेठ रोमांटिक संगीतकार अपने दिल के आदेश पर बहुत सीधे, सहज रूप से रचना करता है। दुनिया की रोमांटिक समझ वास्तविकता की लगातार दार्शनिक समझ नहीं है, बल्कि कलाकार की आत्मा को छूने वाली हर चीज का तात्कालिक निर्धारण है। इस संबंध में, रूमानियत के युग में, शैली का विकास हुआलघुचित्र (स्वतंत्र या एक चक्र में अन्य लघुचित्रों के साथ संयुक्त)। यह न केवल एक गीत और रोमांस है, बल्कि वाद्य रचनाएँ भी हैं -संगीतमय क्षण, तात्कालिक, प्रस्तावना, रेखाचित्र, रात्रिचर, वाल्ट्ज, माजुरकास (लोक कला पर निर्भरता के संबंध में).

कई रोमांटिक विधाओं की उत्पत्ति कविता, उसके काव्य रूपों से हुई है। ऐसे हैं सॉनेट, बिना शब्दों के गाने, लघु कथाएँ, गाथागीत।

रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र के प्रमुख विचारों में से एक - कला के संश्लेषण का विचार - ने स्वाभाविक रूप से ओपेरा की समस्या को ध्यान के केंद्र में रखा। दुर्लभ अपवादों (ब्राह्म) को छोड़कर लगभग सभी रोमांटिक संगीतकारों ने ओपेरा शैली की ओर रुख किया।

रूमानियत में निहित अभिव्यक्ति का व्यक्तिगत, गोपनीय स्वर सिम्फनी, सोनाटा और चौकड़ी की शास्त्रीय शैलियों को पूरी तरह से बदल देता है। उन्हें प्राप्त हुआमनोवैज्ञानिक और गीतात्मक-नाटकीय व्याख्या। कई रोमांटिक कार्यों की सामग्री इससे जुड़ी हैप्रोग्रामिंग (पियानो चक्रशुमान, लिस्ज़्ट की इयर्स ऑफ़ वांडरिंग्स, बर्लियोज़ की सिम्फनीज़, मेंडेलसोहन की प्रस्तुति)।

फ़्रेंच प्राकृतवाद

एक कलात्मक आंदोलन जो 18वीं सदी के अंत और 19वीं सदी की शुरुआत में उभरा। पहले साहित्य में (जर्मनी, ग्रेट ब्रिटेन, यूरोप और अमेरिका के अन्य देश), फिर संगीत और अन्य कलाओं में। "रोमांटिकतावाद" की अवधारणा "रोमांटिक" विशेषण से आती है; 18वीं सदी से पहले उन्होंने रोमांस भाषाओं (अर्थात शास्त्रीय पुरातनता की भाषाओं में नहीं) में लिखी गई साहित्यिक कृतियों की कुछ विशेषताओं की ओर इशारा किया। ये रोमांस (स्पेनिश रोमांस) थे, साथ ही शूरवीरों के बारे में कविताएँ और उपन्यास भी थे। साथ में. 18 वीं सदी "रोमांटिक" को अधिक व्यापक रूप से समझा जाता है: न केवल साहसिक, मनोरंजक, बल्कि प्राचीन, मूल लोक, दूर का, भोला, शानदार, आध्यात्मिक रूप से उदात्त, भूतिया, साथ ही अद्भुत, भयावह भी। ब्लूम ने लिखा, "रोमांटिक्स ने हाल के और सुदूर अतीत की हर उस चीज़ को रोमांटिक बना दिया जो उन्हें पसंद थी।" वे दांते और डब्ल्यू. शेक्सपियर, पी. काल्डेरन और एम. सर्वेंट्स, जे.एस. बाख और जे.डब्ल्यू. गोएथे के काम को "अपना" मानते हैं, बहुत प्राचीन काल में; वे डॉ. की कविता से भी आकर्षित हैं। पूर्व और मध्यकालीन मिनेसिंगर्स। ऊपर उल्लिखित विशेषताओं के आधार पर, एफ. शिलर ने अपनी "मेड ऑफ़ ऑरलियन्स" को "रोमांटिक त्रासदी" कहा, और मिग्नॉन और हार्पर की छवियों में वह गोएथे की "इयर्स ऑफ़ विल्हेम मिस्टर टीचिंग्स" की रूमानियत देखते हैं।

रूमानियतवाद के रूप में साहित्यिक शब्दपहली बार नोवेलिस में दिखाई देता है संगीतमय शब्द- ई. टी. ए. हॉफमैन। हालाँकि, इसकी सामग्री में यह संबंधित विशेषण से बहुत अलग नहीं है। स्वच्छंदतावाद कभी भी स्पष्ट रूप से परिभाषित कार्यक्रम या शैली नहीं था; यह विस्तृत वृत्तवैचारिक और सौंदर्यवादी रुझान, जिसमें ऐतिहासिक स्थिति, देश, कलाकार के हितों ने कुछ लहजे बनाए, विभिन्न लक्ष्य और साधन निर्धारित किए। हालाँकि, विभिन्न संरचनाओं की रोमांटिक कला में वैचारिक स्थिति और शैली दोनों के संबंध में महत्वपूर्ण सामान्य विशेषताएं भी हैं।

ज्ञानोदय से अपनी कई प्रगतिशील विशेषताएं विरासत में मिलने के बाद, रूमानियतवाद एक ही समय में स्वयं ज्ञानोदय और संपूर्ण नई सभ्यता की सफलताओं दोनों में गहरी निराशा से जुड़ा है। शुरुआती रोमांटिक लोगों के लिए जो अभी तक महान के परिणामों को नहीं जानते थे फ्रेंच क्रांति, जीवन को तर्कसंगत बनाने की सामान्य प्रक्रिया, एक औसत शांत "कारण" और निष्प्राण व्यावहारिकता के अधीन होना निराशाजनक था। भविष्य में, विशेष रूप से साम्राज्य और पुनर्स्थापना के वर्षों के दौरान, रोमांटिक लोगों की स्थिति का सामाजिक अर्थ - उनका बुर्जुआ विरोधी - अधिक से अधिक स्पष्ट रूप से रेखांकित हो गया। एफ. एंगेल्स के अनुसार, "तर्क की जीत से स्थापित सार्वजनिक और राजनीतिक संस्थाएं प्रबुद्धजनों के शानदार वादों का एक बुरा, कड़वा निराशाजनक व्यंग्य बन गईं" (मार्क्स के. और एंगेल्स एफ., ऑन आर्ट, वॉल्यूम। 1, एम., 1967, पृ. 387 ).

रोमान्टिक्स के काम में, व्यक्तित्व का नवीनीकरण, उसकी आध्यात्मिक शक्ति और सुंदरता की पुष्टि, दार्शनिकों के दायरे के प्रदर्शन के साथ संयुक्त है; पूर्ण मानव, रचनात्मक, औसत दर्जे का, महत्वहीन, घमंड, घमंड, क्षुद्र गणना में फंसा हुआ है। हॉफमैन और जे. बायरन, वी. ह्यूगो और जॉर्ज सैंड, एच. हेइन और आर. शुमान के समय तक, बुर्जुआ दुनिया की सामाजिक आलोचना रूमानियत के मुख्य तत्वों में से एक बन गई थी। आध्यात्मिक नवीनीकरण के स्रोतों की तलाश में, रोमांटिक लोगों ने अक्सर अतीत को आदर्श बनाया, प्रेरित करने की कोशिश की नया जीवनधार्मिक मिथकों में. इस प्रकार, रूमानियत के सामान्य प्रगतिशील अभिविन्यास और अपने स्वयं के चैनल में उत्पन्न होने वाली रूढ़िवादी प्रवृत्तियों के बीच एक विरोधाभास पैदा हुआ। रोमांटिक संगीतकारों के काम में, इन प्रवृत्तियों ने कोई उल्लेखनीय भूमिका नहीं निभाई; उन्होंने खुद को मुख्य रूप से कुछ कार्यों के साहित्यिक और काव्यात्मक रूपांकनों में प्रकट किया, हालांकि, ऐसे रूपांकनों की संगीतमय व्याख्या में, जीवित, वास्तविक-मानवीय सिद्धांत आमतौर पर अधिक महत्वपूर्ण होता है।

संगीतमय रूमानियतवाद, जो 19वीं शताब्दी के दूसरे दशक में स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ, एक ऐतिहासिक रूप से नई घटना थी और साथ ही, संगीत क्लासिक्स के साथ गहरे क्रमिक संबंधों को भी प्रकट किया। पिछले समय के उत्कृष्ट संगीतकारों का काम (न केवल विनीज़ क्लासिक्स, बल्कि 16वीं और 17वीं शताब्दी का संगीत भी शामिल है) ने उच्च कलात्मक रैंक की खेती के लिए समर्थन के रूप में कार्य किया। यह ऐसी कला थी जो रोमांटिक लोगों के लिए आदर्श बन गई; शुमान के अनुसार, "केवल यह शुद्ध स्रोत ही नई कला की शक्तियों को पोषण दे सकता है" ("संगीत और संगीतकारों पर", खंड 1, एम., 1975, पृष्ठ 140)। और यह समझ में आता है: केवल उदात्त और परिपूर्ण को ही धर्मनिरपेक्ष सैलून की संगीतमय बेकार बातों, मंच की शानदार खूबी और का सफलतापूर्वक विरोध किया जा सकता है। ओपेरा मंच, कारीगर संगीतकारों की उदासीन परंपरावाद।

बाख के बाद के युग के संगीत क्लासिक्स ने अपनी सामग्री के संबंध में संगीतमय रूमानियत के आधार के रूप में कार्य किया। सी.एफ.ई. बाख से शुरू करके, इसमें महसूस करने का तत्व अधिक से अधिक स्वतंत्र रूप से प्रकट हुआ, संगीत ने नए साधनों में महारत हासिल की जिससे भावनात्मक जीवन की ताकत और सूक्ष्मता, गीतकारिता दोनों को अपने व्यक्तिगत संस्करण में व्यक्त करना संभव हो गया। इन आकांक्षाओं ने 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में कई संगीतकारों को संबंधित बनाया। स्टर्म अंड ड्रैंग साहित्यिक आंदोलन के साथ। एक रोमांटिक गोदाम के कलाकारों के रूप में के. वी. ग्लक, डब्ल्यू. ए. मोजार्ट और विशेष रूप से एल. बीथोवेन के प्रति हॉफमैन का रवैया काफी स्वाभाविक था। इस तरह के आकलन न केवल रोमांटिक धारणा के प्रति झुकाव को दर्शाते हैं, बल्कि "पूर्व-रोमांटिकतावाद" की विशेषताओं पर भी ध्यान देते हैं जो वास्तव में 18वीं सदी के उत्तरार्ध और 19वीं सदी की शुरुआत के प्रमुख संगीतकारों में निहित थे।

संगीतमय रूमानियत भी ऐतिहासिक रूप से उस आंदोलन द्वारा तैयार की गई थी जो जर्मनी में "जेनियन" और "हीडलबर्ग" रोमांटिक (डब्ल्यू.जी. वेकेनरोडर, नोवालिस, भाई एफ. और ए. श्लेगल, एल. टाईक, एफ. शेलिंग, एल.) के बीच साहित्यिक रूमानियत के लिए तैयार हुआ था। . अर्निम, सी. ब्रेंटानो, और अन्य), लेखक जीन पॉल से, जो उनके करीबी थे, बाद में हॉफमैन से, ग्रेट ब्रिटेन में, तथाकथित कवियों से। "लेक स्कूल" (डब्ल्यू. वर्ड्सवर्थ, एस.टी. कोलरिज, और अन्य) ने पहले ही रूमानियत के सामान्य सिद्धांतों को पूरी तरह से विकसित कर लिया था, जिनकी तब संगीत में अपने तरीके से व्याख्या और विकास किया गया था। भविष्य में, हेइन, बायरन, लैमार्टिन, ह्यूगो, मिकीविक्ज़ और अन्य जैसे लेखकों ने संगीतमय रूमानियत को काफी प्रभावित किया।

रोमांटिक संगीतकारों की रचनात्मकता के सबसे महत्वपूर्ण क्षेत्रों में गीत, फंतासी, लोक और राष्ट्रीय मूल, प्राकृतिक, विशेषता शामिल हैं।

रोमांटिक में गीत का महत्व सर्वोपरि है। कला, विशेषकर संगीत में, मौलिक रूप से उनके द्वारा प्रमाणित थी। आर सिद्धांतकार। उनके लिए, "रोमांटिक" मुख्य रूप से "संगीतमय" है (संगीत में कला के पदानुक्रम में सबसे सम्मानजनक स्थान दिया गया था), क्योंकि संगीत में भावना सर्वोच्च होती है, और इसलिए एक रोमांटिक कलाकार का काम अपना सर्वोच्च लक्ष्य पाता है इस में। अत: संगीत ही गीत है। अमूर्त दार्शनिक पहलू में, लिट के सिद्धांत के अनुसार। आर., एक व्यक्ति को "दुनिया की आत्मा", "ब्रह्मांड" के साथ विलय करने की अनुमति देता है; ठोस जीवन के पहलू में, संगीत अपनी प्रकृति से गद्य का प्रतिपद है। वास्तविकता, यह दिल की आवाज़ है, जो किसी व्यक्ति के बारे में, उसकी आध्यात्मिक संपदा, उसके जीवन और आकांक्षाओं के बारे में उच्चतम पूर्णता के साथ बताने में सक्षम है। यही कारण है कि संगीत के गीत के क्षेत्र में। आर. सबसे चमकीले शब्द से संबंधित है। रोमांटिक संगीतकारों द्वारा प्राप्त गीतकारिता, तात्कालिकता और अभिव्यक्ति, गीतकारिता का वैयक्तिकरण नया था। कथन, मनोवैज्ञानिक का स्थानांतरण। अपने सभी चरणों में नए बहुमूल्य विवरणों से भरी भावना का विकास।

गद्य के विपरीत कथा साहित्य। वास्तविकता गीत के समान है और अक्सर, विशेष रूप से संगीत में, गीत के साथ गुंथी होती है। अपने आप में, फंतासी विभिन्न पहलुओं को प्रकट करती है जो आर के लिए समान रूप से आवश्यक हैं। यह कल्पना की स्वतंत्रता, विचार और भावना का एक स्वतंत्र खेल और एक ही समय में कार्य करती है। ज्ञान की स्वतंत्रता के रूप में, साहसपूर्वक "अजीब", अद्भुत, अज्ञात की दुनिया में भागना, मानो परोपकारी व्यावहारिकता, मनहूस "सामान्य ज्ञान" की अवहेलना करना। फंतासी भी एक प्रकार का रूमानी सौन्दर्य है। साथ ही, विज्ञान कथा अप्रत्यक्ष रूप में (और, इसलिए, अधिकतम कलात्मक सामान्यीकरण के साथ) सुंदर और बदसूरत, अच्छे और बुरे का टकराव संभव बनाती है। कला में. आर. ने इस संघर्ष के विकास में बहुत बड़ा योगदान दिया।

"बाहर" जीवन में रोमांटिक लोगों की रुचि लोक और राष्ट्रीय पहचान, प्राकृतिक, विशेषता जैसी अवधारणाओं की सामान्य अवधारणा के साथ अटूट रूप से जुड़ी हुई है। यह आस-पास की वास्तविकता में खोई हुई प्रामाणिकता, प्रधानता, अखंडता को फिर से बनाने की इच्छा थी; इसलिए इतिहास में, लोककथाओं में, प्रकृति के पंथ में रुचि, आदिम के रूप में व्याख्या की गई, "दुनिया की आत्मा" के सबसे पूर्ण और अविरल अवतार के रूप में। एक रोमांटिक व्यक्ति के लिए, प्रकृति सभ्यता की परेशानियों से एक आश्रय है; यह एक बेचैन व्यक्ति को सांत्वना और उपचार देती है। रोमान्टिक्स ने ज्ञान, कला में बहुत बड़ा योगदान दिया। लोगों का पुनरुद्धार पिछले युगों की कविता और संगीत, साथ ही "दूरस्थ" देश। टी. मान के अनुसार, आर. "अतीत के लिए एक लालसा है और साथ ही हर उस चीज़ के लिए मौलिकता के अधिकार की एक यथार्थवादी मान्यता है जो वास्तव में अपने स्थानीय रंग और वातावरण के साथ अस्तित्व में है" (कोल. सोच., वी. 10, एम., 1961, पृ. 322), 18वीं सदी में ब्रिटेन में शुरू हुआ। राष्ट्रीय का संग्रह लोकगीत 19वीं शताब्दी में भी जारी रहे। डब्ल्यू स्कॉट; जर्मनी में, यह रोमांटिक लोग थे जिन्होंने सबसे पहले चारपाई बिस्तरों के खजाने को एकत्र किया और सार्वजनिक किया। उनके देश की रचनात्मकता (एल. अर्निम और के. ब्रेंटानो का संग्रह "द मैजिक हॉर्न ऑफ ए बॉय", भाई ग्रिम द्वारा "चिल्ड्रन्स एंड फैमिली टेल्स"), जो था बडा महत्वऔर संगीत के लिए. राष्ट्रीय-नट के एक वफादार प्रसारण की इच्छा। कला. शैली ("स्थानीय रंग") - विभिन्न देशों और स्कूलों के रोमांटिक संगीतकारों की एक सामान्य विशेषता। संगीत के बारे में भी यही कहा जा सकता है। परिदृश्य। इस क्षेत्र में 18 वर्ष की शुरुआत में संगीतकारों द्वारा बनाया गया। 19वीं शताब्दी रोमांटिक लोगों से कहीं आगे। संगीत में प्रकृति का अवतार, आर. पहले से अज्ञात आलंकारिक संक्षिप्तता तक पहुंच गया; यह नई खोजी गई एक्सप्रेसों द्वारा परोसा गया था। संगीत के साधन, मुख्य रूप से हार्मोनिक और आर्केस्ट्रा (जी. बर्लियोज़, एफ. लिस्ज़त, आर. वैगनर)।

"विशेषता" ने रोमांटिक लोगों को कुछ मामलों में मौलिक, अभिन्न, मूल के रूप में आकर्षित किया, दूसरों में - अजीब, विलक्षण, व्यंग्यात्मक के रूप में। विशेषता को नोटिस करने, उसे उजागर करने का अर्थ है सामान्य धारणा के समतल धूसर पर्दे को तोड़ना और वास्तविक, विचित्र रूप से रंगीन और उभरते हुए जीवन को छूना। इस लक्ष्य के लिए प्रयास करना, साहित्य में रोमांटिक कला के लिए एक विशिष्ट बात है। और संगीत। चित्रण. ऐसा दावा अक्सर कलाकार की आलोचना से जुड़ा होता था और इससे पैरोडी और विचित्र चित्रों का निर्माण हुआ। जीन पॉल और हॉफमैन से, एक विशिष्ट चित्र रेखाचित्र की प्रवृत्ति शुमान और वैगनर तक प्रेषित होती है। रूस में, रोमांटिक के प्रभाव के बिना नहीं। संगीत परंपराएँ. नेट संगीतकारों के बीच चित्रांकन का विकास हुआ। वास्तविक। स्कूल - ए.एस. डार्गोमीज़्स्की से लेकर एम.पी. मुसॉर्स्की और एन.ए. रिम्स्की-कोर्साकोव तक।

आर. ने दुनिया की व्याख्या और प्रदर्शन में द्वंद्वात्मकता के तत्वों को विकसित किया और इस संबंध में वह अपने समकालीन के करीब थे। क्लासिक दर्शन। मुकदमे में व्यक्ति और सामान्य के बीच संबंधों की समझ को बढ़ाया जाता है। एफ. श्लेगल के अनुसार, रोमांटिक। कविता "सार्वभौमिक" है, इसमें "कला की सबसे बड़ी प्रणाली से लेकर सभी काव्य शामिल हैं, जिसमें फिर से संपूर्ण प्रणालियाँ शामिल हैं, एक आह से लेकर एक चुंबन तक, जैसा कि वे खुद को एक बच्चे के कलाहीन गीत में व्यक्त करते हैं" ("फादर श्लेगल्स" जुगेंडस्क्रिफ़टेन”, एचआरएसजी वॉन जे. माइनर, बीडी 2, एस. 220)। छिपे हुए विस्तार के साथ असीमित विविधता। उदाहरण के लिए, एकता - रोमांटिक लोग इसे महत्व देते हैं। सर्वेंट्स द्वारा डॉन क्विक्सोट में; एफ. श्लेगल इस उपन्यास के विविध ताने-बाने को "जीवन का संगीत" कहते हैं (उक्त, पृष्ठ 316)। यह "खुले क्षितिज" वाला एक उपन्यास है - ए श्लेगल नोट करता है; उनके अवलोकन के अनुसार, सर्वेंट्स "अंतहीन विविधताओं" का सहारा लेते हैं, "जैसे कि वह एक परिष्कृत संगीतकार थे" (ए. डब्ल्यू. श्लेगल। सैमटलिचे वेर्के, एचआरजी। वॉन ई. बोकिंग, बीडी 11, एस. 413)। ऐसी कला. स्थिति ओ.टी.डी. पर विशेष ध्यान आकर्षित करती है। एक सामान्य अवधारणा के निर्माण के लिए प्रभाव और उनके संबंध। सीधे संगीत में. भावनाओं का प्रवाह दार्शनिक हो जाता है, परिदृश्य, नृत्य, शैली दृश्य, चित्र गीतकारिता से ओतप्रोत हो जाते हैं और सामान्यीकरण की ओर ले जाते हैं। आर. जीवन प्रक्रिया में विशेष रुचि दिखाते हैं, जिसे एन. हां. बर्कोव्स्की "जीवन का प्रत्यक्ष प्रवाह" ("जर्मनी में रोमांटिकतावाद", लेनिनग्राद, 1973, पृष्ठ 31) कहते हैं; यह बात संगीत पर भी लागू होती है. रोमांटिक संगीतकारों के लिए "अंतहीन" विकास के लिए मूल विचार के अंतहीन परिवर्तनों के लिए प्रयास करना विशिष्ट है।

चूँकि आर. ने सभी दावों में एक ही अर्थ और एक ही अध्याय देखा। लक्ष्य जीवन के रहस्यमय सार के साथ विलय करना है, कला के संश्लेषण के विचार ने एक नया अर्थ प्राप्त किया। “एक कला का सौंदर्यशास्त्र दूसरे का सौंदर्यशास्त्र है; केवल सामग्री अलग है," शुमान कहते हैं ("संगीत और संगीतकारों पर", खंड 1, एम., 1975, पृष्ठ 87)। लेकिन "विभिन्न सामग्रियों" का संयोजन कलात्मक संपूर्ण की प्रभावशाली शक्ति को बढ़ाता है। संगीत के साथ कविता, रंगमंच और चित्रकला के गहरे और जैविक संलयन में कला के लिए नई संभावनाएं खुलीं। इंस्ट्रक्टर के क्षेत्र में. संगीत, प्रोग्रामयोग्यता का सिद्धांत एक महत्वपूर्ण भूमिका प्राप्त करता है, अर्थात, संगीतकार के विचार और संगीत को समझने की प्रक्रिया दोनों में समावेश। और अन्य संघ।

आर. का विशेष रूप से जर्मनी और ऑस्ट्रिया के संगीत में व्यापक प्रतिनिधित्व है। प्रारंभिक चरण में - एफ. शूबर्ट, ई. टी. ए. हॉफमैन, के. एम. वेबर, एल. स्पोह्र, जी. मार्शनर का कार्य; आगे लीपज़िग स्कूल द्वारा, मुख्य रूप से एफ. मेंडेलसोहन-बार्थोल्डी और आर. शुमान द्वारा; दूसरी मंजिल में. 19 वीं सदी - आर. वैगनर, आई. ब्राह्म्स, ए. ब्रुकनर, ह्यूगो वुल्फ। फ़्रांस में, आर. पहले से ही ए. बोइल्डियू और एफ. ऑबर्ट के ओपेरा में दिखाई दिए, फिर बर्लियोज़ द्वारा बहुत अधिक विकसित और मूल रूप में। इटली में रोमांटिक जी. रॉसिनी और जी. वर्डी में प्रवृत्तियाँ स्पष्ट रूप से परिलक्षित हुईं। सामान्य यूरोपीय पोलिश कंप्यूटर का कार्य मूल्य प्राप्त हुआ। एफ. चोपिन, हंग. - एफ. लिस्ज़त, इतालवी। - एन. पगनिनी (लिस्ज़त और पगनिनी का काम भी रोमांटिक प्रदर्शन का शिखर था), जर्मन। - जे. मेयरबीर.

राष्ट्रीय की शर्तों के तहत आर. स्कूलों ने बहुत कुछ समान रखा और साथ ही विचारों, कथानकों, पसंदीदा शैलियों और शैली में भी ध्यान देने योग्य मौलिकता दिखाई।

30 के दशक में. प्राणी पाए गए. उसके बीच असहमति. और फ्रेंच स्कूल. शैलीगत के अनुमेय माप के बारे में अलग-अलग विचार हैं। नवाचार; सौंदर्यशास्त्र की स्वीकार्यता का प्रश्न भी विवादास्पद था। कलाकार "भीड़" की पसंद को खुश करने के लिए समझौता करते हैं। बर्लियोज़ के नवाचार के विरोधी मेंडेलसोहन थे, जिन्होंने उदारवादी "क्लासिक-रोमांटिक" शैली के मानदंडों का दृढ़ता से बचाव किया। शुमान, जिन्होंने बर्लियोज़ और लिस्ज़त का उत्साहपूर्वक बचाव किया, फिर भी उन्हें फ्रांसीसी की चरम सीमा स्वीकार नहीं हुई। स्कूल; उन्होंने फैंटास्टिक सिम्फनी के लेखक, अत्यधिक उच्च पदस्थ मेंडेलसोहन और ए. हेन्सेल्ट, एस. हेलर, वी. टौबर्ट, डब्ल्यू.एस. बेनेट और इस संगीतकार के करीबी अन्य लोगों की तुलना में कहीं अधिक संतुलित चोपिन को प्राथमिकता दी। शुमान ने असाधारण तीक्ष्णता के साथ मेयरबीर की आलोचना की, जिसे देखते हुए उनकी शानदार नाटकीयता, केवल लोकतंत्र और सफलता की खोज। इसके विपरीत, हेइन और बर्लियोज़, लेखक की "ह्यूजेनोट्स" गतिशीलता की सराहना करते हैं। संगीत नाट्य शास्त्र। वैगनर गंभीर रूप से विकसित होता है शुमान के इरादे, हालांकि, अपने काम में वह एक उदारवादी रोमांटिक के मानदंडों से बहुत दूर चले जाते हैं। शैली; सख्त सौंदर्य मानदंडों का पालन करना (मेयरबीर के विपरीत)। चयन, वह साहसिक सुधारों के मार्ग का अनुसरण करता है। सभी हैं। 19 वीं सदी लीपज़िग स्कूल के विरोध के रूप में, तथाकथित। न्यू जर्मन या वीमर स्कूल; लिस्केट उनके वीमर वर्षों (1849-61) में इसका केंद्र बन गया, आर. वैगनर, एच. बुलो, पी. कॉर्नेलियस, जे. रैफ़ और अन्य अनुयायी थे। वीमरियन कार्यक्रम संगीत, संगीत के समर्थक थे। वैगनरियन प्रकार के नाटक, और नए संगीत के अन्य मौलिक रूप से सुधारित प्रकार। मुकदमा. 1859 से, नए जर्मन स्कूल के विचारों का प्रतिनिधित्व "जनरल जर्मन फ़ेरिन" और शुमान द्वारा 1834 में बनाई गई पत्रिका द्वारा किया गया है। 1844 से क्रिम का निर्देशन के.एफ. ब्रेंडेल द्वारा किया गया था। विपरीत खेमे में, आलोचक ई. हंसलिक, वायलिन वादक और संगीतकार जे. जोआचिम और अन्य लोगों के साथ, जे. ब्राह्म्स थे; उत्तरार्द्ध ने विवाद के लिए प्रयास नहीं किया और केवल रचनात्मकता में अपने सिद्धांतों का बचाव किया (1860 में, ब्राह्म्स ने अकेले ही एक विवादास्पद लेख के तहत अपने हस्ताक्षर किए - बर्लिन पत्रिका "इको" में प्रकाशित "वीमराइट्स" के कुछ विचारों के खिलाफ एक सामूहिक भाषण। ). आलोचक ब्राह्म्स के काम में रूढ़िवादिता पर विचार करने के इच्छुक थे, वास्तव में, यह एक जीवित और मूल कला थी, जहां रोमांटिक। क्लासिक के एक नए शक्तिशाली प्रभाव का अनुभव करते हुए, परंपरा को अद्यतन किया गया। अतीत का संगीत. इस रास्ते की संभावनाएँ यूरोप के विकास से पता चलीं। अगला संगीत. दशकों (एम. रेगर, एस. फ्रैंक, एस. आई. तनीव और अन्य)। उसी माप में, "वीमारिट्स" की अंतर्दृष्टि आशाजनक निकली। भविष्य में, दोनों स्कूलों के बीच विवाद ऐतिहासिक रूप से अप्रचलित हो जाते हैं।

चूंकि आर की मुख्यधारा में नेट की सफल खोजें हुईं। प्रामाणिकता, सामाजिक और मनोवैज्ञानिक। सत्यता, इस आंदोलन के आदर्श यथार्थवाद की विचारधारा के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़े हुए थे। उदाहरण के लिए, वर्डी और बिज़ेट के ओपेरा में ऐसे संबंध स्पष्ट हैं। एक ही परिसर कई नेट के लिए विशिष्ट है। संगीत 19वीं सदी में स्कूल रूसी में रूमानी संगीत। तत्वों को दूसरे भाग में पहले से ही एम. आई. ग्लिंका और ए. एस. डार्गोमीज़्स्की द्वारा स्पष्ट रूप से दर्शाया गया है। 19 वीं सदी - द माइटी हैंडफुल के संगीतकारों से और पी.आई. त्चैकोव्स्की से, बाद में एस.वी. राचमानिनोव, ए.एन. स्क्रिबिन, एन.के. मेडटनर से। आर के प्रबल प्रभाव में युवा संगीत का विकास हुआ। पोलैंड, चेक गणराज्य, हंगरी, नॉर्वे, डेनमार्क, फ़िनलैंड की संस्कृतियाँ (एस. मोनियस्ज़को, बी. स्मेताना, ए. ड्वोरक, एफ. एर्केल, के. सिंडिंग, ई. ग्रिग, एन. गाडे, ई. हार्टमैन, के. नील्सन, आई सिबेलियस और अन्य), साथ ही स्पेनिश। संगीत दूसरी मंजिल. 19 - भीख माँगना. 20 वीं सदी (आई. अल्बेनिज़, ई. ग्रेनाडोस, एम. डी फ़ल्ला)।

मसल्स। आर. ने चैम्बर वोकल लिरिक्स और ओपेरा के विकास में सक्रिय रूप से योगदान दिया। कड़ाही सुधार में आर. के आदर्शों के अनुसार। संगीत चौ. कला-इन के संश्लेषण को गहरा करने में भूमिका निभाई जाती है। कडाई। माधुर्य काव्य की अभिव्यक्ति के प्रति संवेदनशील रूप से प्रतिक्रिया करता है। शब्द, अधिक विस्तृत और व्यक्तिगत हो जाते हैं। औजार पार्टी तटस्थ "संगत" का चरित्र खो देती है और तेजी से आलंकारिक सामग्री से संतृप्त हो जाती है। शुबर्ट, शुमान, फ्रांज, वुल्फ के काम में, एक कथानक-विकसित गीत से "संगीत" तक का रास्ता खोजा जा सकता है। कविता।" कड़ाही के बीच. शैलियाँ, गाथागीत, एकालाप, दृश्य, कविता की भूमिका बढ़ जाती है; पीएल में गाने. मामलों को चक्रों में संयोजित किया जाता है। रोमांटिक में ओपेरा, जो दिसंबर में विकसित हुआ। दिशाएँ, संगीत, शब्द, रंगमंच के बीच संबंध लगातार बढ़ रहा है। कार्रवाई. यह उद्देश्य इस प्रकार पूरा होता है: मसल्स की प्रणाली। विशेषताएँ और लेटमोटिफ़्स, भाषण स्वरों का विकास, संगीत के तर्क का विलय। और मंच विकास, समृद्ध अवसरों का उपयोग सिम्फनी। ऑर्केस्ट्रा (वैगनर के स्कोर ऑपरेटिव सिम्फनी की सर्वोच्च उपलब्धियों से संबंधित हैं)।

इंस्ट्र में. संगीत, रोमांटिक संगीतकार विशेष रूप से एफपी के प्रति संवेदनशील होते हैं। लघु. एक लघु नाटक उस क्षण का निर्धारण बन जाता है, जो एक रोमांटिक कलाकार के लिए वांछनीय है: एक मनोदशा, एक परिदृश्य, एक विशिष्ट छवि का एक सरसरी रेखाचित्र। यह सराहना करता है और संबंधित करता है। सादगी, संगीत के महत्वपूर्ण स्रोतों से निकटता - गीत, नृत्य, एक ताजा, मूल स्वाद को पकड़ने की क्षमता। रोमांटिक की लोकप्रिय किस्में। लघु अंश: "शब्दों के बिना गीत", रात्रिचर, प्रस्तावना, वाल्ट्ज, माजुरका, साथ ही कार्यक्रम के नाम वाले टुकड़े। इंस्ट्र में. लघुचित्र उच्च सामग्री, राहत कल्पना प्राप्त करता है; एक संक्षिप्त रूप के साथ, यह एक उज्ज्वल अभिव्यक्ति द्वारा प्रतिष्ठित है। जैसा कि कड़ाही में होता है। गीत, यहां ओडीटी को एकजुट करने की प्रवृत्ति है। चक्रों में खेलता है (चोपिन - प्रस्तावना, शुमान - "बच्चों के दृश्य", लिस्ट्ट - "इयर्स ऑफ वांडरिंग्स", आदि); कुछ मामलों में, ये "थ्रू" संरचना के चक्र होते हैं, जहां अलग-अलग लोगों के बीच वे अपेक्षाकृत स्वतंत्र होते हैं। नाटकों में भिन्नता उत्पन्न होती है। एक प्रकार का स्वर। संचार (शुमान - "तितलियाँ", "कार्निवल", "क्रिस्लेरियाना")। इस तरह के "थ्रू" चक्र पहले से ही रूमानियत की मुख्य प्रवृत्तियों का कुछ अंदाजा देते हैं। एक बड़े निर्देश की व्याख्या. प्रपत्र. एक ओर, यह व्यक्ति की विषमता, विविधता पर जोर देता है। दूसरी ओर, प्रकरणों से संपूर्ण की एकता मजबूत होती है। इन प्रवृत्तियों के संकेत के तहत एक नई रचनात्मकता का संचार होता है। क्लासिक की व्याख्या सोनाटा और सोनाटा चक्र; वही आकांक्षाएं एक-भाग वाले "मुक्त" रूपों के तर्क को निर्धारित करती हैं, जो आमतौर पर सोनाटा रूपक, सोनाटा चक्र और भिन्नता की विशेषताओं को जोड़ती हैं। कार्यक्रम संगीत के लिए "निःशुल्क" रूप विशेष रूप से सुविधाजनक थे। उनके विकास में, एक-भाग "सिम्फनी" की शैली के स्थिरीकरण में। कविताएँ" लिस्ट्ट की योग्यता महान है। लिस्ज़त की कविताओं में अंतर्निहित रचनात्मक सिद्धांत - एक विषय (एकेश्वरवाद) का मुक्त परिवर्तन - एक अभिव्यक्ति बनाता है। विरोधाभास और एक ही समय में संपूर्ण रचना (प्रस्तावना, टैसो, आदि) की अधिकतम एकता सुनिश्चित करता है।

संगीत की शैली में आर. सबसे महत्वपूर्ण भूमिका मोडल और हार्मोनिक साधनों द्वारा निभाई जाती है। नई अभिव्यंजना की खोज दो समानांतर और अक्सर परस्पर संबंधित प्रक्रियाओं से जुड़ी है: कार्यात्मक और गतिशील की मजबूती के साथ। सामंजस्य के पक्ष और हार्मोनिक के प्रवर्धन के साथ। रंगीलापन. इन प्रक्रियाओं में से पहली थी परिवर्तन और विसंगतियों के साथ तारों की बढ़ती संतृप्ति, जिसने उनकी अस्थिरता को बढ़ा दिया, तनाव में वृद्धि हुई जिसके लिए भविष्य के हार्मोनिक्स में समाधान की आवश्यकता थी। आंदोलन। सद्भाव के ऐसे गुणों ने आर के विशिष्ट "सुस्ती" को सर्वोत्तम रूप से व्यक्त किया, "असीम" विकासशील भावनाओं की धारा, जो वैगनर के "ट्रिस्टन" में विशेष पूर्णता के साथ सन्निहित थी। मेजर-माइनर मोडल सिस्टम (शूबर्ट) की संभावनाओं के उपयोग में रंगीन प्रभाव पहले से ही दिखाई देने लगे। नये, बहुत विविध रंग. तथाकथित से शेड निकाले गए। प्राकृतिक तरीकेजिसकी सहायता से नर पर बल दिया गया। या पुरातन. संगीत की प्रकृति; एक महत्वपूर्ण भूमिका - विशेष रूप से विज्ञान कथा में - पूरे-टोन और "टोन-सेमिटोन" स्केल वाले फ्रेट्स को सौंपी गई थी। रंगीन गुण रंगीन रूप से जटिल, असंगत तार में भी पाए गए, और यह इस बिंदु पर था कि ऊपर उल्लिखित प्रक्रियाएं स्पष्ट रूप से प्रभावित हुईं। ताज़ा ध्वनि प्रभावके जरिये भी हासिल किये गये डायटोनिक के भीतर कॉर्ड या मोड की तुलना। पैमाना।

रोमांटिक में मेलोडिक ने निम्नलिखित अध्याय में अभिनय किया। प्रवृत्तियाँ: संरचना में - विकास की चौड़ाई और निरंतरता की इच्छा, और आंशिक रूप से रूप के "खुलेपन" के लिए; लय में - परंपराओं पर काबू पाना। नियमितता मीट्रिक. उच्चारण और कोई भी स्वचालित पुनरावृत्ति; स्वर-शैली में. रचना - विवरण, न केवल प्रारंभिक उद्देश्यों, बल्कि संपूर्ण माधुर्य को अभिव्यंजना से भरना। चित्रकला। वैगनर के "अंतहीन माधुर्य" के आदर्श में ये सभी प्रवृत्तियाँ शामिल थीं। 19वीं सदी के महानतम संगीतकारों की कला भी इनसे जुड़ी हुई है। चोपिन और त्चिकोवस्की। मसल्स। आर. ने प्रस्तुति (बनावट) के साधनों को बहुत समृद्ध किया, वैयक्तिकृत किया, जिससे वे संगीत के सबसे महत्वपूर्ण तत्वों में से एक बन गए। कल्पना. यही बात इंस्ट्र के उपयोग पर भी लागू होती है। रचनाएँ, विशेषकर सिम्फोनिक। आर्केस्ट्रा. आर. विकसित रंग. ऑर्केस्ट्रा के साधन और ऑर्क की नाटकीयता। उस ऊंचाई तक विकास जो पिछले युगों के संगीत को नहीं पता था।

देर से संगीत. आर. (19वीं सदी के अंत - 20वीं सदी की शुरुआत) ने अभी भी "समृद्ध पौध" दी, और इसके सबसे बड़े उत्तराधिकारियों में रोमांटिक थे। परंपरा अभी भी प्रगतिशील, मानवतावादी विचारों को व्यक्त करती है। दावे (जी. महलर, आर. स्ट्रॉस, के. डेब्यूसी, ए.एन. स्क्रीबिन)।

नई रचनात्मकता आर की प्रवृत्तियों के सुदृढ़ीकरण और गुणात्मक परिवर्तन से जुड़ी है। संगीत में उपलब्धियाँ. नई विस्तृत कल्पना की खेती की जा रही है - बाहरी छापों (प्रभाववादी रंगीनता) के क्षेत्र में और भावनाओं के उत्कृष्ट सूक्ष्म संचरण (डेबसी, रवेल, स्क्रिपबिन) दोनों में। संगीत की संभावनाएं बढ़ रही हैं। आलंकारिकता (आर. स्ट्रॉस)। एक ओर परिष्कार, और दूसरी ओर बढ़ी हुई अभिव्यंजना, संगीत की भावनात्मक अभिव्यक्ति के व्यापक पैमाने का निर्माण करती है (स्क्रिपियन, महलर)। उसी समय, आर के अंत में, जो 19वीं और 20वीं शताब्दी के मोड़ पर नए रुझानों के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़ा हुआ था। (प्रभाववाद, अभिव्यक्तिवाद), संकट के लक्षण बढ़ रहे थे। प्रारंभ में। 20 वीं सदी आर. के विकास से व्यक्तिपरक सिद्धांत की अतिवृद्धि, अनाकारता और गतिहीनता में परिशोधन का क्रमिक अध: पतन का पता चलता है। इन संकटकालीन विशेषताओं पर विवादात्मक रूप से तीव्र प्रतिक्रिया ही प्रेरणा थी। 10-20 के दशक का एंटी-रोमांटिकवाद (आई.एफ. स्ट्राविंस्की, युवा एस.एस. प्रोकोफिव, फ्रेंच "सिक्स" के संगीतकार, आदि); दिवंगत आर. सामग्री में निष्पक्षता, रूप की स्पष्टता की इच्छा के विरोधी थे; पड़ी नई लहर"क्लासिकिज्म", पुराने उस्तादों का पंथ, अध्याय। गिरफ्तार. बीथोवेन पूर्व युग. 20वीं सदी के मध्य हालाँकि, आर की सबसे मूल्यवान परंपराओं की व्यवहार्यता दिखाई गई। पश्चिमी संगीत में तीव्र विनाशकारी प्रवृत्तियों के बावजूद, आर ने अपने आध्यात्मिक आधार को बरकरार रखा और नई शैली के साथ समृद्ध किया। तत्व, कई लोगों द्वारा विकसित किया गया था। 20वीं सदी के उत्कृष्ट संगीतकार। (डी. डी. शोस्ताकोविच, प्रोकोफिव, पी. हिंडेमिथ, बी. ब्रिटन, बी. बार्टोक और अन्य)।

साहित्य:असमस वी., दार्शनिक रूमानियत का संगीतमय सौंदर्यशास्त्र, "एसएम", 1934, संख्या 1; नेफ के., पश्चिमी यूरोपीय संगीत का इतिहास, फ्रेंच से अनुवादित। बी. वी. आसफ़ीव द्वारा संपादित। मॉस्को, 1938। सोलर्टिंस्की आई., रूमानियतवाद, इसका सामान्य और संगीतमय सौंदर्यशास्त्र, अपनी पुस्तक में: हिस्टोरिकल एट्यूड्स, एल., 1956, खंड 1, 1963; ज़िटोमिरस्की डी., संगीतमय रोमांटिकतावाद पर नोट्स (चोपिन और शुमान), "एसएम", 1960, नंबर 2; उनका अपना, शुमान और स्वच्छंदतावाद, उनकी पुस्तक में: रॉबर्ट शुमान, एम., 1964; वासिना-ग्रॉसमैन वी., 19वीं सदी का रोमांटिक गीत, एम., 1966; कोनेन, वी., विदेशी संगीत का इतिहास, खंड। 3, एम., 1972; माज़ेल एल., शास्त्रीय सामंजस्य की समस्याएं, एम., 1972 (अध्याय 9 - 19वीं सदी और 20वीं सदी की शुरुआत में शास्त्रीय सामंजस्य के ऐतिहासिक विकास पर); स्क्रेबकोव एस., कलात्मक सिद्धांतसंगीत शैलियाँ, एम., 1973; 19वीं सदी में फ्रांस का संगीत सौंदर्यशास्त्र। कॉम्प. पाठ, परिचय. लेख और परिचय. ई. एफ. ब्रोंफिन, एम. द्वारा निबंध, 1974 (संगीत और सौंदर्यवादी विचार के स्मारक); 19वीं सदी का ऑस्ट्रिया और जर्मनी का संगीत, पुस्तक। 1, एम., 1975; ड्रुस्किन एम., विदेशी संगीत का इतिहास, खंड। 4, एम., 1976.

डी. वी. ज़िटोमिर्स्की

विचारधारा कलात्मक दिशा, जो यूरोप और उत्तर के सभी देशों में विकसित हुआ। अमेरिका साथ में. 18 - पहली मंजिल. 19वीं शताब्दी आर. ने बुर्जुआ समाज का असंतोष व्यक्त किया। परिवर्तन, खुद को क्लासिकवाद और ज्ञानोदय का विरोध करना। एफ. एंगेल्स ने कहा कि "... "तर्क की जीत" द्वारा स्थापित सामाजिक और राजनीतिक संस्थाएं प्रबुद्धजनों के शानदार वादों का एक बुरा, कड़वा निराशाजनक व्यंग्य बन गईं।" भावुकतावादियों के बीच ज्ञानोदय की मुख्यधारा में उल्लिखित जीवन के नए तरीके की आलोचना, रोमांटिक लोगों के बीच और भी अधिक स्पष्ट थी। दुनिया उन्हें जानबूझकर अनुचित, रहस्यमय, समझ से बाहर और शत्रुतापूर्ण लोगों से भरी हुई लगती थी। व्यक्तित्व। रोमांटिक लोगों के लिए, उच्च आकांक्षाएं बाहरी दुनिया के साथ असंगत थीं, और वास्तविकता के साथ कलह लगभग मुख्य बन गई। फ़ीचर आर. तराई क्षेत्र और वास्तविक दुनिया की अश्लीलता आर. ने धर्म, प्रकृति, इतिहास, शानदार का विरोध किया। और विदेशी. क्षेत्र, सलाह. रचनात्मकता, लेकिन सबसे बढ़कर - मनुष्य का आंतरिक जीवन। उसके आर के बारे में विचार अत्यंत समृद्ध हैं। यदि प्राचीनता क्लासिकवाद का आदर्श थी, तो आर. को मध्य युग और आधुनिक समय की कला द्वारा निर्देशित किया गया था, ए. दांते, डब्ल्यू. शेक्सपियर और जे.डब्ल्यू. गोएथे को अपने पूर्ववर्ती मानते हुए। आर. ने कला पर जोर दिया, जो मॉडलों द्वारा प्रदान नहीं की गई, बल्कि कलाकार की स्वतंत्र इच्छा से बनाई गई, उसकी आंतरिक दुनिया को मूर्त रूप देती है। आस-पास की वास्तविकता को स्वीकार न करते हुए, आर. वास्तव में इसे क्लासिकिज़्म की तुलना में अधिक गहराई से और अधिक पूर्ण रूप से जानता था। उच्चतम कलाआर के लिए संगीत जीवन के मुक्त तत्व का अवतार था। उस दौरान उन्हें बड़ी सफलता हासिल हुई. आर. बैले के असामान्य रूप से तीव्र और महत्वपूर्ण विकास का भी काल था। रोमांटिक का पहला कदम बैले इंग्लैंड, इटली, रूस (श्री डिडलो, ए.पी. ग्लुशकोवस्की और अन्य) में बनाए गए थे। हालाँकि, आर. ने पूरी तरह से और लगातार फ्रेंच में आकार लिया। बैले थियेटर, जिसका प्रभाव अन्य देशों में परिलक्षित हुआ। इसके लिए आवश्यक शर्तों में से एक उस समय फ्रांस में शास्त्रीय प्रौद्योगिकी का उच्च विकास था। नृत्य, विशेषकर महिलाएँ। सबसे स्पष्ट रूप से रोमांटिक. प्रवृत्तियाँ एफ. टैग्लियोनी ("ला सिल्फाइड", 1832, आदि) के बैले में प्रकट हुईं, जहाँ कार्रवाई आमतौर पर वास्तविक और शानदार दुनिया में समानांतर रूप से सामने आती थी। फंतासी ने नृत्य को निजी रोजमर्रा के औचित्य की आवश्यकता से मुक्त कर दिया, नृत्य में चित्रित पात्रों के आवश्यक गुणों को प्रकट करने के लिए संचित तकनीक के उपयोग और इसके आगे के विकास की गुंजाइश खोल दी। महिला नृत्य में, जो आर के बैले में सामने आया, छलांग को अधिक से अधिक व्यापक रूप से पेश किया गया, नुकीले जूतों पर नृत्य आदि का उदय हुआ, जो पूरी तरह से उपस्थिति से मेल खाता था। अलौकिक जीव- विलिस, सिल्फ। बैले डांस में आर. का दबदबा रहा. शास्त्रीयता के नए रचनात्मक रूप नृत्य में, यूनिसन कोर डी बैले महिला नृत्य की भूमिका तेजी से बढ़ी है। पहनावा, युगल और एकल नृत्य. एम. टैग्लियोनी से शुरुआत करते हुए अग्रणी बैलेरीना की भूमिका बढ़ गई। एक अंगरखा एक नर्तक के लिए एक स्थायी पोशाक के रूप में दिखाई दिया। संगीत की भूमिका अक्सर राष्ट्रीय टीम से पहले बढ़ गई है। नृत्यों की सिम्फनी शुरू हुई। कार्रवाई. रोमांस की पराकाष्ठा. बैले - "गिजेल" (1841), जिसका मंचन जे. कोरल्ली और जे. पेरोट द्वारा किया गया। पेरौल्ट के काम ने बैले आर में एक नए चरण को चिह्नित किया। प्रदर्शन अब साहित्य पर बहुत अधिक निर्भर था। मूल स्रोत (ह्यूगो के अनुसार "एस्मेराल्डा", बायरन के अनुसार "कॉर्सेर", आदि), और तदनुसार, नृत्य अधिक नाटकीय था, प्रभावी रचनाओं की भूमिका (पास डी "एक्शन" बढ़ गई), नृत्य लोककथाओं का अधिक उपयोग किया गया व्यापक रूप से। इसी तरह की आकांक्षाएं अगस्त में सबसे प्रमुख तारीखों के बैले डांसर के काम में प्रकट हुईं, बॉर्नविले डांसर एफ. एल्स्लर, सी. ग्रिसी, एफ. सेरिटो, एल. ग्रैंड, ई. आई. आंद्रेयानोवा, ई. ए. संकोव्स्काया आगे आए।

रोमांटिक टाइप. टैग्लियोनी, पेरोट, बॉर्नविले के बैले में स्थापित प्रदर्शन अंत तक जारी रहा। 19 वीं सदी हालाँकि, इन प्रदर्शनों की आंतरिक संरचना, मुख्य रूप से बैले के काम में है। एम. आई. पेटिपा, रूपांतरित।

एक रोमांटिक पुनरुद्धार की इच्छा. बैले अपने मूल रूप में 20वीं सदी के कुछ बैले मास्टर्स के काम में प्रकट हुआ। एम. एम. फ़ोकिन ने आर. को बैले में प्रभाववाद की नई विशेषताएँ दीं।

बैले. विश्वकोश, एसई, 1981

संगीत (ग्रीक म्यूसिक से, शाब्दिक रूप से म्यूज़ की कला) एक प्रकार की कला है जो वास्तविकता को प्रतिबिंबित करती है और सार्थक और विशेष रूप से संगठित ध्वनि अनुक्रमों के माध्यम से किसी व्यक्ति को प्रभावित करती है, जिसमें मुख्य रूप से स्वर शामिल होते हैं ... ... महान सोवियत विश्वकोश

- (ग्रीक मोयसिकन, मौसा म्यूज़ से) एक प्रकार का सूट जो वास्तविकता को दर्शाता है और ध्वनि अनुक्रमों के माध्यम से किसी व्यक्ति को प्रभावित करता है जो सार्थक और विशेष रूप से ऊंचाई और समय में व्यवस्थित होते हैं, जिसमें मुख्य रूप से स्वर शामिल होते हैं ... ... संगीत विश्वकोश

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आर.एम. की उत्पत्ति पूर्व के कार्य से होती है। वैभव। जनजातियाँ जो डॉ के क्षेत्र में निवास करती थीं। 9वीं शताब्दी में उद्भव से पहले रूस। पहला रूसी गोस वा. के बारे में प्राचीन प्रजातिपूर्व वैभव। संगीत का अनुमान काल्पनिक रूप से ओ.टी.डी. द्वारा लगाया जा सकता है। ऐतिहासिक प्रमाण... ... संगीत विश्वकोश

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XVIII के अंत में - प्रारंभिक XIXसदी, रूमानियत जैसी कलात्मक दिशा सामने आई। इस युग में, लोग एक आदर्श दुनिया का सपना देखते थे और कल्पना में "पलायन" करते थे। इस शैली को संगीत में सबसे ज्वलंत और आलंकारिक अवतार मिला। रूमानियत के प्रतिनिधियों में 19वीं सदी के कार्ल वेबर जैसे संगीतकार शामिल हैं।

रॉबर्ट शुमान, फ्रांज शूबर्ट, फ्रांज लिस्ज़त और रिचर्ड वैगनर।

फ्रांज लिस्ज़त

भविष्य का जन्म एक सेलिस्ट के परिवार में हुआ था। उनके पिता ने उन्हें बचपन से ही संगीत सिखाया। एक बच्चे के रूप में, उन्होंने एक गायक मंडली में गाया और ऑर्गन बजाना सीखा। जब फ्रांज 12 वर्ष का था, तो उसका परिवार पेरिस चला गया ताकि लड़का संगीत सीख सके। उन्हें कंज़र्वेटरी में भर्ती नहीं किया गया था, हालांकि, 14 साल की उम्र से वह रेखाचित्र बना रहे हैं। उन पर 19वीं सदी के बर्लियोज़, पगनिनी जैसे विद्वानों का बहुत प्रभाव था।

पगनिनी लिस्केट की असली आदर्श बन गई, और उसने अपने पियानो कौशल को सुधारने का फैसला किया। 1839-1847 की संगीत कार्यक्रम गतिविधि एक शानदार विजय के साथ थी। इन वर्षों के दौरान, फ़ेरेन्क ने नाटकों का प्रसिद्ध संग्रह "इयर्स ऑफ़ वांडरिंग्स" बनाया। पियानो वादन का एक गुणी और जनता का पसंदीदा युग का एक सच्चा अवतार बन गया है।

फ्रांज लिस्ज़त ने संगीत की रचना की, कई किताबें लिखीं, पढ़ाया और खुले पाठ आयोजित किए। पूरे यूरोप से 19वीं सदी के संगीतकार उनके पास आये। हम कह सकते हैं कि उनका लगभग पूरा जीवन संगीत में लगा रहा, क्योंकि उन्होंने 60 वर्षों तक काम किया। आज तक, उनकी संगीत प्रतिभा और कौशल आधुनिक पियानोवादकों के लिए एक आदर्श हैं।

रिचर्ड वैगनर

प्रतिभा ने ऐसा संगीत बनाया जो किसी को भी उदासीन नहीं छोड़ सकता। उनके प्रशंसक और कट्टर विरोधी दोनों थे। वैगनर को बचपन से ही थिएटर का शौक था और 15 साल की उम्र में उन्होंने संगीत के साथ एक त्रासदी रचने का फैसला किया। 16 साल की उम्र में वह अपनी रचनाएँ पेरिस ले आये।

3 साल तक उन्होंने ओपेरा का मंचन करने की व्यर्थ कोशिश की, लेकिन कोई भी एक अज्ञात संगीतकार से निपटना नहीं चाहता था। ऐसा लोकप्रिय संगीतकार 19वीं सदी, फ़्रांज़ लिस्ज़त और बर्लियोज़ की तरह, जिनसे उनकी मुलाकात पेरिस में हुई थी, उनके लिए भाग्य नहीं लेकर आए। वह गरीबी में है, और कोई भी उसके संगीत संबंधी विचारों का समर्थन नहीं करना चाहता।

फ्रांस में असफल होने के बाद, संगीतकार ड्रेसडेन लौट आया, जहां उसने कोर्ट थिएटर में एक कंडक्टर के रूप में काम करना शुरू किया। 1848 में, वह स्विट्जरलैंड चले गये, क्योंकि विद्रोह में भाग लेने के बाद उन्हें अपराधी घोषित कर दिया गया था। वैगनर बुर्जुआ समाज की अपूर्णता और कलाकार की आश्रित स्थिति से अवगत थे।

1859 में, उन्होंने ओपेरा ट्रिस्टन अंड इसोल्डे में प्रेम गीत गाया। पारसिफ़ल में, सार्वभौमिक भाईचारे को एक काल्पनिक तरीके से प्रस्तुत किया गया है। बुराई पराजित हुई, और न्याय और ज्ञान की जीत हुई। 19वीं सदी के सभी महान संगीतकार वैगनर के संगीत से प्रभावित थे और उनके काम से सीखते थे।

19वीं शताब्दी में, रूस में एक राष्ट्रीय रचना और प्रदर्शन स्कूल का गठन किया गया था। रूसी संगीत में दो अवधियाँ हैं: प्रारंभिक रूमानियतऔर क्लासिक. पहले में 19वीं सदी के ए. वरलामोव, ए. वर्स्टोव्स्की, ए. गुरिलेव जैसे रूसी संगीतकार शामिल हैं।

मिखाइल ग्लिंका

मिखाइल ग्लिंका ने हमारे देश में संगीतकारों के एक स्कूल की स्थापना की। रूसी भावना उनके सभी प्रसिद्ध ओपेरा में मौजूद है जैसे "रुस्लान और ल्यूडमिला", "लाइफ फॉर द ज़ार" देशभक्ति से ओत-प्रोत हैं। ग्लिंका ने लोक संगीत की पुरानी धुनों और लय का उपयोग करते हुए लोक संगीत की विशिष्ट विशेषताओं का सारांश प्रस्तुत किया। संगीतकार संगीत नाट्यशास्त्र में भी एक प्रर्वतक थे। उनका कार्य राष्ट्रीय संस्कृति का उत्थान है।

रूसी संगीतकारों ने दुनिया को बहुत कुछ दिया प्रतिभा के कार्यजो आज भी लोगों का दिल जीत लेते हैं. 19वीं सदी के प्रतिभाशाली रूसी संगीतकारों में एम. बालाकिरेव, ए. ग्लेज़ुनोव, एम. मुसॉर्स्की, एन. रिमस्की-कोर्साकोव, पी. त्चैकोव्स्की जैसे नाम अमर हैं।

शास्त्रीय संगीत विशद और कामुक ढंग से व्यक्ति की आंतरिक दुनिया को दर्शाता है। कठोर बुद्धिवाद का स्थान 19वीं सदी के रोमांस ने ले लिया।

रोमांटिक दौर

संगीत में रोमांटिक काल लगभग 1830 से 1910 के दशक तक चला। कुछ हद तक, "रोमांटिक" शब्द सिर्फ एक लेबल है, एक अवधारणा जिसे कड़ाई से परिभाषित नहीं किया जा सकता है, वास्तव में, कई अन्य लोगों की तरह। बिना किसी अपवाद के हमारी पुस्तक के सभी अध्यायों में उल्लिखित कई कार्यों को उचित रूप से "रोमांटिक" कहा जा सकता है।

इस अवधि का दूसरों से मुख्य अंतर यह है कि उस युग के संगीतकारों ने संगीत की भावनाओं और धारणा पर अधिक ध्यान दिया, इसकी मदद से भावनात्मक अनुभवों को व्यक्त करने का प्रयास किया। इसमें वे शास्त्रीय काल के संगीतकारों से भिन्न हैं, जिनके लिए संगीत में सबसे महत्वपूर्ण चीज़ शैली थी और जिन्होंने रचना के निर्माण के लिए कुछ नियमों का पालन करने का प्रयास किया था।

वहीं, शास्त्रीय काल के कुछ संगीतकारों में रूमानियत के तत्व देखे जा सकते हैं और रोमांटिक काल के संगीतकारों में क्लासिकवाद के तत्व देखे जा सकते हैं। इसलिए ऊपर हमने जो कुछ भी बात की वह बिल्कुल भी कोई सख्त नियम नहीं है, बल्कि उचित है सामान्य विशेषताएँ.

इतिहास स्थिर नहीं रहा, और सभी लोग अचानक रोमांटिक नहीं हो गए, जो केवल अपने भावनात्मक अनुभवों में रुचि रखते हैं। यह समाजवाद के जन्म, डाक सुधार और साल्वेशन आर्मी की स्थापना का समय है। उसी समय, विटामिन और रेडियम की खोज की गई, स्वेज़ नहर का निर्माण किया गया; डेमलर ने पहली कार डिज़ाइन की और राइट बंधुओं ने पहली उड़ान भरी। मार्कोनी ने डेढ़ मील दूर वायरलेस संदेश सफलतापूर्वक भेजकर रेडियो का आविष्कार किया। महारानी विक्टोरिया किसी भी अन्य अंग्रेजी सम्राट की तुलना में ग्रेट ब्रिटेन के सिंहासन पर अधिक समय तक बैठी रहीं। सोने की भीड़ ने हजारों लोगों को अमेरिका की यात्रा करने के लिए प्रेरित किया।

हमारी पुस्तक को पलटते हुए, आप देखेंगे कि यह इसके सभी अध्यायों में से सबसे बड़ा है, जिसमें कम से कम सैंतीस संगीतकारों का उल्लेख है। उनमें से कई अलग-अलग देशों में एक साथ रहते थे और काम करते थे। इसलिए, हमने इस अध्याय को तीन खंडों में विभाजित किया है: "प्रारंभिक रोमांटिक", "राष्ट्रीय संगीतकार" और "उत्तर रोमांटिक"।

जैसा कि आप शायद पहले ही अनुमान लगा चुके हैं, यह विभाजन भी बिल्कुल सटीक होने का दावा नहीं करता है। फिर भी, हम आशा करते हैं कि यह कथा को सुसंगत बनाए रखने में मदद करेगा, हालाँकि हमेशा कालानुक्रमिक क्रम में नहीं।

ये ऐसे संगीतकार हैं जो शास्त्रीय काल और स्वर्गीय रूमानियत के काल के बीच एक प्रकार का पुल बन गए हैं। उनमें से कई ने "क्लासिक्स" के साथ एक ही समय में काम किया, और मोजार्ट और बीथोवेन का उनके काम पर बहुत प्रभाव पड़ा। साथ ही, उनमें से कई ने शास्त्रीय संगीत के विकास में अपना व्यक्तिगत योगदान दिया।

रोमांटिक काल का हमारा पहला संगीतकार अपने समय का एक वास्तविक सितारा था। अपने प्रदर्शन के दौरान, उन्होंने वायलिन कला के चमत्कारों का प्रदर्शन किया और प्रदर्शन किया अविश्वसनीय स्टंट. प्रतिभाशाली रॉक गिटारवादक जिमी हेंड्रिक्स की तरह, जिनका जन्म एक सौ साठ साल बाद हुआ था, निकोलो पगनिनीअपने जोशीले प्रदर्शन से दर्शकों को हमेशा प्रभावित किया।

पगानिनी चार के बजाय दो वायलिन तारों पर पूरा टुकड़ा बजा सकती थी। कभी-कभी

यहां तक ​​कि उन्होंने जानबूझकर प्रदर्शन के बीच में तार तोड़ दिए, जिसके बाद भी उन्होंने जनता की शोर भरी तालियों के बीच शानदार ढंग से काम पूरा किया।

एक बच्चे के रूप में, पगनिनी विशेष रूप से संगीत में लगी हुई थी। हालाँकि, उनके पिता ने उन्हें पर्याप्त व्यायाम न करने के लिए भोजन या पानी न देकर दंडित भी किया था।

एक वयस्क के रूप में, पगानिनी ने इतनी कुशलता से वायलिन बजाया कि यह अफवाह फैल गई कि उसने खुद शैतान के साथ एक समझौता किया था, क्योंकि कोई भी इंसान इतनी शानदार ढंग से वायलिन नहीं बजा सकता था। संगीतकार की मृत्यु के बाद, चर्च ने पहले तो उसे अपनी ज़मीन पर दफ़नाने से भी इनकार कर दिया।

इसमें कोई संदेह नहीं है कि पगानिनी ने स्वयं अपने सार्वजनिक भाषणों के सभी लाभों को समझते हुए कहा:

"मैं बदसूरत हूं, लेकिन जब महिलाएं मुझे खेलते हुए सुनती हैं, तो वे मेरे पैरों पर रेंगने लगती हैं।"

संगीत रचनाओं की शैली और संरचना वाद्य रचनाओं और ओपेरा दोनों में विकसित होती रही। जर्मनी में, ओपेरा के अवंत-गार्ड ने नेतृत्व किया कार्ल मारिया वॉन वेबर,हालाँकि वह ऐसे वर्षों में रहे जिसे कई लोग रोमांटिक काल का नहीं मानते।

यह कहा जा सकता है कि वेबर्स के लिए, ओपेरा एक पारिवारिक मामला था, और कार्ल ने एक बच्चे के रूप में अपने पिता की ओपेरा कंपनी के साथ बड़े पैमाने पर यात्रा की। उनका ओपेरा फ्री शूटर (मैजिक शूटर)संगीत के इतिहास में इस तथ्य के कारण प्रवेश किया गया कि इसमें लोक रूपांकनों का उपयोग किया गया था।

थोड़ी देर बाद आप जानेंगे कि ऐसी तकनीक पर विचार किया जाता है अभिलक्षणिक विशेषतारोमांटिक अवधि.

वेबर ने कई शहनाई संगीत कार्यक्रम भी लिखे, जिसके लिए वह आज भी काफी हद तक जाने जाते हैं।

इटली ओपेरा का जन्मस्थान है, और चेहरे पर भी गियोआचिनो एंटोनियो रॉसिनीइटालियंस भाग्यशाली थे कि उन्हें इस शैली का एक नया नायक मिला। उन्होंने हास्य और दुखद दोनों तरह की सामग्री के ओपेरा समान सफलता के साथ लिखे।

रॉसिनी उन संगीतकारों में से एक थे जो तेजी से रचना करते हैं, और आमतौर पर उन्हें ओपेरा लिखने में केवल कुछ सप्ताह लगते थे। अपनी प्रसिद्धि के चरम पर, उन्होंने एक बार कहा था:

"मुझे कपड़े धोने का बिल दो और मैं इसे संगीत पर सेट कर दूंगा।"

वे कहते हैं कि सेविला का नाईरॉसिनी ने मात्र तेरह दिनों में रचना की। काम की इतनी तेज़ गति ने इस तथ्य को जन्म दिया कि उनके नए ओपेरा का इटली के सभी थिएटरों में लगातार मंचन किया गया। लेकिन उन्होंने हमेशा अपनी रचनाओं के कलाकारों के साथ अच्छा व्यवहार नहीं किया और एक बार तो उनके बारे में अपमानजनक बातें भी कीं:

"अगर इसमें गायक न होते तो ओपेरा कितना अद्भुत होता!"

लेकिन सैंतीस साल की उम्र में, रॉसिनी ने अचानक ओपेरा लिखना बंद कर दिया, और लगभग अतीत में चार दशकअपने जीवन के प्रमुख कार्यों में से केवल उन्होंने ही रचना की छुरा घोंपना.

अब तक, यह पूरी तरह से स्पष्ट नहीं है कि ऐसा निर्णय लेते समय उन्हें किस दिशा में निर्देशित किया गया था, हालांकि, उस समय तक उनके बैंक खाते में एक बड़ी राशि जमा हो गई थी - प्रस्तुतियों से रॉयल्टी।

संगीत के अलावा, रॉसिनी को पाक कला का शौक था और अन्य संगीतकारों की तुलना में कई व्यंजनों के नाम उनके नाम पर रखे गए हैं। आप संपूर्ण रात्रिभोज की व्यवस्था भी कर सकते हैं, जिसमें रॉसिनी सलाद, रॉसिनी ऑमलेट और रॉसिनी टूरनेडो शामिल होंगे। (टर्नेडोस ब्रेडक्रंब में तले हुए मांस के टुकड़े हैं, जिन्हें पैट और ट्रफ़ल्स के साथ परोसा जाता है।)

फ्रांज शूबर्ट,जो केवल इकतीस वर्ष जीवित रहे, सत्रह वर्ष की आयु तक ही उन्होंने खुद को एक प्रतिभाशाली संगीतकार के रूप में स्थापित कर लिया था। मेरे खुद के लिए लंबा जीवनकुल मिलाकर उन्होंने छह सौ से अधिक गाने, नौ सिम्फनी, ग्यारह ओपेरा और लगभग चार सौ अन्य रचनाएँ लिखीं। अकेले 1815 में, उन्होंने एक सौ चौवालीस गाने, दो जनसमूह, एक सिम्फनी और कई अन्य रचनाएँ लिखीं।

1823 में उन्हें सिफलिस हो गया और पांच साल बाद, 1828 में टाइफाइड बुखार से उनकी मृत्यु हो गई। एक साल पहले, वह अपने आदर्श लुडविग वान बीथोवेन के अंतिम संस्कार में शामिल हुए थे।

यह उल्लेखनीय है कि शुबर्ट अन्य लोगों के कार्यों के प्रदर्शन के कारण प्रसिद्ध होने वाले पहले प्रमुख संगीतकारों में से एक थे। उन्होंने स्वयं केवल एक ही दिया बड़ा संगीत कार्यक्रमउनकी मृत्यु के वर्ष में, और तब भी उन पर पगानिनी के प्रदर्शन का प्रभाव पड़ा, जो लगभग उसी समय वियना आये थे। इसलिए बेचारे शुबर्ट को अपने जीवनकाल में कभी भी वह सम्मान नहीं मिला जिसके वे हकदार थे।

शूबर्ट के सबसे महान रहस्यों में से एक है सिम्फनी नंबर 8,नाम से जाना जाता है अधूरा.उन्होंने इसके केवल दो भाग लिखे और फिर काम करना बंद कर दिया। कोई नहीं जानता कि उन्होंने ऐसा क्यों किया, लेकिन यह सिम्फनी आज भी उनके सबसे लोकप्रिय कार्यों में से एक है।

हेक्टर बर्लियोज़उनका जन्म एक डॉक्टर के परिवार में हुआ था, इसलिए हमारी पुस्तक में उल्लिखित कई अन्य संगीतकारों के विपरीत, उन्हें संगीत की पूर्ण शिक्षा नहीं मिली।

सबसे पहले, उन्होंने अपने पिता के नक्शेकदम पर चलने और डॉक्टर बनने का फैसला किया, जिसके लिए वह पेरिस गए, लेकिन वहां उन्होंने ओपेरा में अधिक से अधिक समय बिताना शुरू कर दिया। आख़िरकार उन्होंने संगीत को अपनाने का निर्णय लिया, जिससे उनके माता-पिता बहुत नाराज़ हुए।

लेखन से अब तक दूर लोगों को बर्लियोज़ की छवि व्यंग्यपूर्ण लग सकती है

किसी भी संगीतकार को प्रस्तुत किया जाता है: बहुत घबराया हुआ और चिड़चिड़ा, आवेगी, तेज मिजाज वाला और निश्चित रूप से, विपरीत लिंग के साथ संबंधों में असामान्य रूप से रोमांटिक। एक बार उसने अपनी पूर्व प्रेमिका पर हाथ में बंदूक लेकर हमला कर दिया और उसे जहर देने की धमकी दी; उसने महिलाओं के कपड़े पहनकर दूसरे का पीछा किया।

लेकिन बर्लियोज़ की रोमांटिक आकांक्षाओं का मुख्य विषय अभिनेत्री हैरियट स्मिथसन थीं, जो बाद में गंभीर नर्वस ब्रेकडाउन से पीड़ित हो गईं - जाहिर है, वह काफी हद तक खुद बर्लियोज़ की आभारी हैं। उन्होंने पहली बार उन्हें 1827 में देखा था, लेकिन वे उनसे व्यक्तिगत रूप से 1832 में ही मिल पाए। सबसे पहले, स्मिथसन ने बर्लियोज़ को अस्वीकार कर दिया, और उन्होंने पारस्परिकता प्राप्त करने की इच्छा रखते हुए लिखा शानदार सिम्फनी. 1833 में, उन्होंने फिर भी शादी कर ली, लेकिन, जैसी कि उम्मीद थी, कुछ साल बाद बर्लियोज़ को एक अन्य महिला से प्यार हो गया।

जहाँ तक संगीत की बात है, बर्लियोज़ को गुंजाइश पसंद थी। उदाहरण के लिए, उसका ही लीजिए अनुरोध,एक विशाल ऑर्केस्ट्रा और गायन मंडली के लिए लिखा गया, साथ ही मंच के प्रत्येक कोने में चार ब्रास बैंड रखे गए। के प्रति इतना लगाव बड़े रूपउनकी मरणोपरांत प्रसिद्धि में बहुत योगदान नहीं दिया। अपने कार्यों को उसी रूप में निष्पादित करना जिस रूप में उन्होंने कल्पना की थी, बहुत महंगा हो सकता है, और कभी-कभी असंभव भी हो सकता है। लेकिन ऐसी बाधाओं ने उन्हें बिल्कुल भी परेशान नहीं किया और उन्होंने पूरे जुनून के साथ संगीत रचना जारी रखी, जिसमें वे सक्षम थे। एक बार उन्होंने कहा:

"प्रत्येक संगीतकार उस दर्द और निराशा से परिचित है जो वह जो लेकर आया है उसे लिखने के लिए पर्याप्त समय न होने से उत्पन्न होता है।"

इस पुस्तक को पढ़ने वाले किसी भी स्कूली बच्चे को इन जैसे लोगों से ईर्ष्या होनी चाहिए फ़ेलिक्स मेंडेलसोहन,उन लोगों के लिए जो बचपन में प्रसिद्ध हो गए।

जैसा कि हम अनेक उदाहरणों से देखते हैं, शास्त्रीय संगीत की दुनिया में यह बिल्कुल भी असामान्य नहीं है।

हालाँकि, मेंडेलसोहन न केवल संगीत में सफल हुए; वह उन कुछ लोगों में से एक थे जो पेंटिंग, कविता, खेल, भाषा - हर चीज में अच्छा परिणाम हासिल करने में सफल होते हैं।

मेंडेलसोहन के लिए इन सब में महारत हासिल करना मुश्किल नहीं था।

मेंडेलसोहन भाग्यशाली थे - उनका जन्म एक धनी परिवार में हुआ था और वे बर्लिन कलात्मक मंडल के रचनात्मक माहौल में बड़े हुए थे। एक बच्चे के रूप में, उनकी मुलाकात कई प्रतिभाशाली कलाकारों और संगीतकारों से हुई जो उनके माता-पिता से मिलने आए थे।

मेंडेलसोहन ने अपनी पहली सार्वजनिक उपस्थिति नौ साल की उम्र में की थी, और सोलह साल की उम्र तक उन्होंने पहले ही रचना कर ली थी स्ट्रिंग ऑक्टेट.एक साल बाद उन्होंने शेक्सपियर के नाटक का प्रस्तावना लिखा गर्मी की रात में एक सपना.लेकिन इस कॉमेडी के लिए बाकी संगीत उन्होंने सत्रह साल बाद ही तैयार किया (प्रसिद्ध सहित)। मार्च में शादी, जो आज भी अक्सर शादियों में किया जाता है)।

मेंडेलसोहन का निजी जीवन भी सफलतापूर्वक विकसित हुआ: एक लंबी और स्थायी शादी के वर्षों में, उनके और उनकी पत्नी के पांच बच्चे हुए।

उन्होंने स्कॉटलैंड सहित बहुत काम किया और यात्रा की, जहां के निवासियों के बारे में उन्होंने बहुत अधिक अनुमोदनात्मक ढंग से बात नहीं की:

"... [वे] व्हिस्की, कोहरे और खराब मौसम के अलावा कुछ भी नहीं पैदा करते हैं।"

लेकिन इसने उन्हें स्कॉटलैंड को समर्पित दो अद्भुत रचनाएँ लिखने से नहीं रोका। पहली यात्रा ख़त्म होने के तेरह साल बाद स्कॉटिश सिम्फनी;बुनियाद हेब्रिड्स के प्रस्तावस्कॉटिश धुनें बज उठीं। मेंडेलसोहन अपने भाषण एलिजा द्वारा ग्रेट ब्रिटेन से भी जुड़े थे, जिसका पहली बार मंचन 1846 में बर्मिंघम में किया गया था। यहां तक ​​कि उन्होंने महारानी विक्टोरिया से भी मुलाकात की और प्रिंस अल्बर्ट को संगीत की शिक्षा दी।

मेंडेलसोहन की अपेक्षाकृत एक स्ट्रोक से मृत्यु हो गई युवा अवस्थाअड़तीस पर. बेशक, यह कहा जा सकता है कि उन्होंने खुद को नहीं बख्शा और अत्यधिक काम से खुद को दूर कर लिया, लेकिन काफी हद तक उनकी प्रिय बहन फैनी, जो एक प्रतिभाशाली संगीतकार भी थीं, की मृत्यु के कारण उनकी मृत्यु जल्दी हो गई।

हमसे पहले हड्डियों के मज्जा के लिए एक और रोमांटिक है। जिसमें फ़्रेडरिक चॉपिनवह एक वाद्ययंत्र के प्रति भावुक समर्पण से भी प्रतिष्ठित थे, और यह हमारी पुस्तक में वर्णित संगीतकारों के लिए एक बड़ी दुर्लभता है।

यह कहना कि चोपिन को पियानो पसंद था, एक अतिशयोक्ति होगी। उन्होंने इसकी प्रशंसा की, उन्होंने अपना पूरा जीवन पियानो रचनाएँ लिखने और इसे बजाने की तकनीक में सुधार करने के लिए समर्पित कर दिया। यह ऐसा था मानो आर्केस्ट्रा रचनाओं में संगत के अलावा उसके लिए कोई अन्य वाद्ययंत्र ही नहीं था।

चोपिन का जन्म 1810 में वारसॉ में हुआ था; उनके पिता जन्म से फ़्रांसीसी थे, और उनकी माँ पोलिश थीं। फ्रेडरिक ने सात साल की उम्र में प्रदर्शन करना शुरू किया और उनकी पहली रचनाएँ उसी समय की हैं। कहना होगा कि उसका बानगीहमेशा भविष्य पर ध्यान केंद्रित रहता था।

इसके बाद, चोपिन पेरिस में प्रसिद्ध हो गए, जहाँ उन्होंने अमीर लोगों को संगीत की शिक्षा देना शुरू किया, जिसकी बदौलत वह खुद अमीर बन गए। वह हमेशा उस पर कड़ी नजर रखते थे उपस्थितिऔर अपनी अलमारी को नवीनतम फैशन के साथ अद्यतन रखना।

एक संगीतकार के रूप में, चोपिन व्यवस्थित और सावधानीपूर्वक थे। उन्होंने स्वयं को कभी भी लापरवाह नहीं होने दिया, प्रत्येक कार्य को उन्होंने पूर्णता के साथ पूरा किया। आश्चर्य की बात नहीं कि संगीत रचना उनके लिए एक कष्टदायक प्रक्रिया थी।

कुल मिलाकर, उन्होंने पियानो के लिए एक सौ उनसठ एकल कृतियों की रचना की।

पेरिस में, चोपिन को अमांडीन ऑरोरा ल्यूसिल डुपिन से प्यार हो गया, जो फैंसी नाम वाली एक प्रसिद्ध फ्रांसीसी लेखिका थीं, जिन्हें छद्म नाम जॉर्ज सैंड के नाम से जाना जाता था। वह एक असाधारण व्यक्ति थी: वह अक्सर पेरिस की सड़कों पर पुरुषों के कपड़े पहने और सिगार पीते हुए पाई जाती थी, जिसे देखकर अच्छे व्यवहार वाली जनता चौंक जाती थी। चोपिन और जॉर्ज सैंड के बीच रोमांस तूफानी ढंग से आगे बढ़ा और एक दर्दनाक ब्रेक के साथ समाप्त हुआ।

रोमांटिक काल के कुछ अन्य संगीतकारों की तरह, चोपिन लंबे समय तक जीवित नहीं रहे - जॉर्ज सैंड के साथ ब्रेक के तुरंत बाद, उनतीस साल की उम्र में तपेदिक से उनकी मृत्यु हो गई।

रॉबर्ट शुमान- एक और संगीतकार जिसने छोटा और रोमांचक जीवन जीया, हालाँकि उसके मामले में हर चीज़ में काफी हद तक पागलपन भरा हुआ था। आजकल शुमान के पियानो, गाने और चैम्बर संगीत के काम जाने जाते हैं।

शुमान एक प्रतिभाशाली संगीतकार थे, लेकिन अपने जीवनकाल के दौरान वह अपनी पत्नी के साये में थे क्लारा शुमान,उस समय के प्रतिभाशाली पियानोवादक। एक संगीतकार के रूप में उन्हें कम जाना जाता है, हालाँकि उन्होंने काफी दिलचस्प संगीत भी लिखा है।

रॉबर्ट शुमान स्वयं हाथ की चोट के कारण पियानोवादक के रूप में प्रदर्शन नहीं कर सके, और उनके लिए उस महिला के बगल में रहना कठिन था जो इस क्षेत्र में प्रसिद्ध हो गई थी।

संगीतकार सिफलिस और नर्वस ब्रेकडाउन से पीड़ित थे; एक बार तो उन्होंने खुद को राइन में फेंककर आत्महत्या करने की भी कोशिश की। उसे बचा लिया गया और एक मनोरोग अस्पताल में रखा गया, जहाँ दो साल बाद उसकी मृत्यु हो गई।

शुमान ने कला को व्यावहारिक रूप से व्यवहार किया। निम्नलिखित कथन ज्ञात है:

"रचना करने के लिए, आपको बस एक ऐसी धुन के साथ आने की ज़रूरत है जिसके बारे में किसी और ने नहीं सोचा हो।"

यदि पगनिनी को वायलिन वादकों-कलाकारों का राजा कहा जा सकता है, तो रोमांटिक पियानोवादकों के बीच यह उपाधि उचित रूप से संबंधित है फ्रांज लिस्ज़त.वह शिक्षण गतिविधियों में भी लगे रहे और अन्य संगीतकारों, विशेषकर वैगनर के कार्यों का अथक प्रदर्शन किया, जिनकी चर्चा बाद में की जाएगी।

लिस्ज़त की पियानो रचनाओं को प्रस्तुत करना बेहद कठिन है, लेकिन उन्होंने अपनी वादन तकनीक के अनुसार लिखा, यह अच्छी तरह से जानते हुए कि उन्हें उनसे बेहतर कोई नहीं बजा सकता।

इसके अलावा, लिस्केट ने अन्य संगीतकारों: बीथोवेन, बर्लियोज़, रॉसिनी और शूबर्ट के कार्यों को पियानो पर लिखा। उनकी उंगलियों के नीचे, उन्होंने एक विचित्र मौलिकता हासिल कर ली और एक नए तरीके से ध्वनि करने लगे। यह मानते हुए कि वे मूल रूप से ऑर्केस्ट्रा के लिए लिखे गए थे, यह संगीतकार के कौशल पर आश्चर्यचकित करता है, जो उन्हें एक ही उपकरण पर आश्चर्यजनक रूप से सटीक रूप से पुन: प्रस्तुत करता है।

लिस्केट अपने समय का एक वास्तविक सितारा था; रॉक एंड रोल के आविष्कार से सौ साल पहले, उन्होंने विभिन्न सहित किसी भी रॉक संगीतकार के योग्य जीवन जीया प्रेम - प्रसंग. यहां तक ​​कि पवित्र आदेश लेने के फैसले ने भी उन्हें अफेयर शुरू करने से नहीं रोका।

लिस्केट ने पियानो और ऑर्केस्ट्रा के साथ प्रदर्शन को भी लोकप्रिय बनाया, एक शैली जो आज भी जारी है। उन्हें प्रशंसकों की प्रशंसा भरी निगाहों को पकड़ना और अपनी उंगलियों को चाबियों पर उड़ते हुए देखकर दर्शकों की उत्साहपूर्ण चीखें सुनना पसंद था। इसलिए उसने पियानो घुमा दिया ताकि दर्शक पियानोवादक के वादन का अनुसरण कर सकें। इससे पहले, वे दर्शकों की ओर पीठ करके बैठे थे।

आम जनता जानती है जॉर्जेस बिज़ेटओपेरा के निर्माता के रूप में कारमेनलेकिन हमारी पुस्तक के अंत में प्रकाशित सूची में उनकी अन्य कृतियाँ भी शामिल थीं, औ फोंड डु टेम्पल सेंट(के रूप में भी जाना जाता है नादिर और ज़ुर्गी की जोड़ी)ओपेरा से मोती चाहने वाले. 1996 में क्लासिक एफएम श्रोताओं के बीच सबसे लोकप्रिय गीतों की सूची संकलित करना शुरू करने के बाद से यह लगातार चार्ट में शीर्ष पर रहा है।

बिज़ेट एक और प्रतिभाशाली बच्चा है जिसने अपनी असाधारणता का प्रदर्शन किया है संगीत क्षमताबचपन में भी. उन्होंने सत्रह साल की उम्र में अपनी पहली सिम्फनी लिखी। सच है, छत्तीस वर्ष की आयु में उनकी भी मृत्यु हो गई, जो असामयिक दिवंगत प्रतिभाओं की सूची में शामिल हो गई।

अपनी प्रतिभा के बावजूद, बिज़ेट को अपने जीवनकाल में कभी भी वास्तविक पहचान नहीं मिली। ओपेरा मोती चाहने वालेमिश्रित सफलता के साथ मंचन किया गया, और प्रीमियर कारमेनऔर पूरी तरह से विफलता में समाप्त हो गया - उस समय की फैशनेबल जनता ने इसे स्वीकार नहीं किया। आलोचकों और संगीत के सच्चे पारखी लोगों द्वारा पसंदीदा कारमेनसंगीतकार की मृत्यु के बाद ही विजय प्राप्त की गई। तब से इसे सभी अग्रणी में रखा गया है ओपेरा हाउसशांति।

यहाँ एक और अत्यंत अस्पष्ट परिभाषा है. न केवल सभी रोमांटिक संगीतकार, बल्कि कुछ हद तक, बारोक और शास्त्रीय काल के कई प्रतिनिधियों को भी सही मायने में "राष्ट्रवादी" कहा जा सकता है।

फिर भी, इस खंड में हम रोमांटिक काल के चौदह प्रमुख संगीतकारों की सूची देंगे, जिनकी रचनाएँ ऐसी शैली में लिखी गई हैं कि जो श्रोता शास्त्रीय संगीत से बहुत परिचित नहीं हैं, वे भी बता सकते हैं कि यह या वह गुरु कहाँ से आता है।

कभी-कभी इन संगीतकारों को एक या दूसरे राष्ट्रीय संगीत विद्यालय से संबंधित के रूप में वर्गीकृत किया जाता है, हालांकि यह दृष्टिकोण पूरी तरह से सही नहीं है।

आमतौर पर, जब "स्कूल" शब्द का प्रयोग किया जाता है, तो एक कक्षा का प्रतिनिधित्व किया जाता है जिसमें बच्चे, एक शिक्षक के मार्गदर्शन में, वही कार्य करते हैं।

यदि हम संगीतकारों के बारे में बात करते हैं, तो वे एक सामान्य दिशा से एकजुट थे, और वे प्रत्येक अपने-अपने रास्ते पर चले, संगीत अभिव्यक्ति के अपने स्वयं के अनूठे साधन खोजने की कोशिश कर रहे थे।

यदि रूसी शास्त्रीय संगीत का कोई संस्थापक जनक है, तो इसमें कोई संदेह नहीं है, मिखाइल इवानोविच ग्लिंका।राष्ट्रवादी संगीतकारों की पहचान इस बात से होती है कि वे अपने कार्यों में लोक धुनों का उपयोग करते हैं। ग्लिंका को उनकी दादी ने रूसी गीतों से परिचित कराया था।

कई अन्य प्रतिभाशाली संगीतकारों के विपरीत, जिनका अक्सर हमारी पुस्तक के पन्नों पर उल्लेख किया जाता है, ग्लिंका ने अपेक्षाकृत कम उम्र में - अपने शुरुआती बीसवें दशक में संगीत का गंभीरता से अध्ययन करना शुरू कर दिया था। सबसे पहले, उन्होंने रेल मंत्रालय में एक अधिकारी के रूप में कार्य किया।

जब ग्लिंका ने अपना करियर बदलने का फैसला किया, तो वह इटली चले गए, जहां उन्होंने एक पियानोवादक के रूप में प्रदर्शन किया। यहीं पर उनमें ओपेरा के प्रति गहरा प्रेम विकसित हुआ। घर लौटकर उन्होंने अपना पहला ओपेरा तैयार किया राजा के लिए जीवन.जनता ने तुरंत उन्हें सर्वश्रेष्ठ रूसी समकालीन संगीतकार के रूप में पहचान लिया। उनका दूसरा ओपेरा रुस्लान और लुडमिला,उतना सफल नहीं रहा, हालाँकि समय की कसौटी पर यह बेहतर खरा उतरा।

अलेक्जेंडर पोर्फिरिविच बोरोडिनउन संगीतकारों से संबंधित है, जो संगीत के अलावा, अन्य गतिविधियों में भी सक्रिय रूप से शामिल थे। जहां तक ​​बोरोडिन का सवाल है, उन्होंने अपना करियर एक वैज्ञानिक - एक रसायनज्ञ के रूप में शुरू किया। उनकी पहली रचना का नाम था "हाइड्रोबेंजामाइड और अमारिन पर एथिल आयोडाइड की क्रिया पर", और निश्चित रूप से आप इसे क्लासिक एफएम पर कभी नहीं सुनेंगे, क्योंकि यह है वैज्ञानिकों का कामजिसका संगीत से कोई लेना-देना नहीं है.

बोरोडिन एक जॉर्जियाई राजकुमार का नाजायज बेटा था; उन्होंने संगीत के प्रति अपना प्रेम और सामान्य तौर पर कला में रुचि अपनी मां से ली और उन्हें जीवन भर अपने पास रखा।

निरंतर रोजगार के कारण, वह केवल बीस कार्यों को प्रकाशित करने में सफल रहे, जिनमें सिम्फनी, गाने और चैम्बर संगीत शामिल थे।

के साथ साथ माइली बालाकिरेव, निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव, सीज़र कुईऔर मामूली मुसॉर्स्कीबोरोडिन माइटी हैंडफुल संगीत समुदाय का सदस्य था। इन सभी संगीतकारों की सफलता इस मायने में और भी उल्लेखनीय है कि इन सभी की रुचि संगीत के अलावा अन्य गतिविधियों में भी थी।

इसमें वे इस पुस्तक में उल्लिखित अधिकांश अन्य संगीतकारों से स्पष्ट रूप से भिन्न हैं।

बोरोडिन की सर्वाधिक लोकप्रिय कृति - पोलोवेट्सियन नृत्यउनके ओपेरा से प्रिंस इगोर.यह उल्लेख किया जाना चाहिए कि उन्होंने स्वयं इसे कभी पूरा नहीं किया (हालाँकि उन्होंने इस पर सत्रह वर्षों तक काम किया)। ओपेरा को उनके दोस्त रिमस्की - कोर्साकोव ने पूरा किया था, जिनके बारे में हम बाद में अधिक विस्तार से बात करेंगे।

हमारी राय के अनुसार, मामूली पेत्रोविच मुसॉर्स्की"माइटी हैंडफुल" के संगीतकारों में सबसे आविष्कारशील और प्रभावशाली थे, हालांकि, एक असामान्य व्यक्ति के रूप में, वह रचनात्मक व्यवसायों के कई प्रतिनिधियों में निहित एक या दो बुराइयों से बच नहीं पाए।

सेना छोड़कर मुसॉर्स्की को सिविल सेवा में नौकरी मिल गयी। अपनी युवावस्था में, जैसा कि वे कहते हैं, उन्हें सैर करना बहुत पसंद था, वे प्रभावशाली स्वभाव के थे, और अपने जीवन के अंत में वे शराब की लत से पीड़ित हो गए। इस कारण से, उन्हें अक्सर बिखरे हुए बालों और अप्राकृतिक रूप से लाल नाक के साथ चित्रित किया जाता है।

मुसॉर्स्की अक्सर अपना काम पूरा नहीं करते थे, और उनके दोस्तों ने उनके लिए यह किया - कभी-कभी उस तरीके से नहीं जैसा उनका इरादा था, इसलिए अब हम निश्चित नहीं हैं कि लेखक का मूल इरादा क्या था। ओपेरा का आर्केस्ट्रा बोरिस गोडुनोवरिमस्की-कोर्साकोव का पुनर्निर्माण, साथ ही प्रसिद्ध " संगीतमय चित्र» बाल्ड माउंटेन पर रात(डिज्नी फिल्म में प्रयुक्त कल्पना)।को आर्केस्ट्रा प्रदर्शनी से चित्रमौरिस रवेल ने लिखा, और इस संस्करण में वे हमारे समय में जाने जाते हैं।

इस तथ्य के बावजूद कि मुसॉर्स्की एक धनी परिवार से थे और उनमें पियानोवादक और संगीतकार के रूप में महान प्रतिभा थी, शराब के कारण केवल बयालीस वर्ष की आयु में उनकी मृत्यु हो गई।

अभिभावक निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोवउनका सपना था कि उनका बेटा नौसेना में सेवा करे और वह उनकी उम्मीदों पर खरा उतरा। लेकिन, नौसेना में कई वर्षों तक सेवा करने और कई पद संभालने के बाद समुद्री यात्राएँ, वह एक संगीतकार और संगीत शिक्षक बन गए, जो निस्संदेह उनके परिवार के लिए एक आश्चर्य था। सच कहें तो, रिमस्की-कोर्साकोव को हमेशा से संगीत में रुचि थी, और उन्होंने संगीत रचना भी शुरू कर दी थी सिम्फनी नंबर 1,जब उनका जहाज टेम्स के मुहाने पर ग्रेवसेंड के औद्योगिक क्षेत्र में बंधा हुआ था। इस पुस्तक में उल्लिखित संगीत की रचना करने के लिए यह संभवतः सबसे कम रोमांटिक स्थानों में से एक है।

इस तथ्य के अलावा कि रिमस्की-कोर्साकोव ने मुसॉर्स्की की कुछ रचनाओं को पूरा किया और संशोधित किया, उन्होंने स्वयं रूसी जीवन के विषयों पर पंद्रह ओपेरा बनाए, हालांकि उनके कार्यों में विदेशी देशों का प्रभाव भी महसूस किया जाता है। उदाहरण के लिए, Scheherazadeहज़ारों और एक रातों की कहानी पर आधारित।

रिमस्की-कोर्साकोव पूरे ऑर्केस्ट्रा की ध्वनि की सुंदरता दिखाने में विशेष रूप से अच्छे थे। उन्होंने अपनी शिक्षण गतिविधियों में इस पर बहुत ध्यान दिया और इस तरह उनके बाद काम करने वाले कई रूसी संगीतकारों, विशेषकर स्ट्राविंस्की को प्रभावित किया।

पीटर इलिच त्चिकोवस्कीउन्होंने अपनी रचनाओं में रूसी लोक धुनों का भी इस्तेमाल किया, लेकिन, अन्य रूसी राष्ट्रीय संगीतकारों के विपरीत, उन्होंने उन्हें अपने तरीके से संसाधित किया, वास्तव में, पूरे यूरोप की संगीत विरासत।

त्चिकोवस्की का निजी जीवन, विभिन्न रहस्यों में डूबा हुआ (उनके समलैंगिक झुकाव के बारे में व्यापक अफवाहें थीं), आसान नहीं था। उन्होंने स्वयं एक बार कहा था:

"अगर इसमें संगीत न होता तो यह वास्तव में पागल हो जाने वाली बात होती!"

एक बच्चे के रूप में, वह प्रभावशाली थे, और एक वयस्क के रूप में, वह उदासी और यहाँ तक कि अवसाद के दौरों से ग्रस्त थे। उनके मन में एक से अधिक बार आत्महत्या के विचार आए। अपनी युवावस्था में, उन्होंने कानून का अध्ययन किया और कुछ समय के लिए न्याय मंत्रालय में काम किया, लेकिन जल्द ही उन्होंने खुद को पूरी तरह से संगीत के लिए समर्पित करने के लिए सेवा छोड़ दी। सैंतीस साल की उम्र में, उन्होंने अप्रत्याशित रूप से शादी कर ली, लेकिन उनकी शादी उनके और उनकी पत्नी दोनों के लिए एक वास्तविक पीड़ा बन गई। अंत में, उसकी पत्नी एक मनोरोग अस्पताल में पहुँची, जहाँ उसकी मृत्यु हो गई। शादी के ठीक दो महीने बाद हुए ब्रेकअप से त्चिकोवस्की खुद भी लंबे समय तक पीड़ित रहे।

त्चिकोवस्की के शुरुआती कार्यों को आम जनता द्वारा मान्यता नहीं दी गई और इससे उन्हें बहुत पीड़ा हुई। मजे की बात यह है कि इनमें से कई कार्य, जिनमें शामिल हैं वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए कॉन्सर्टोऔर पियानो कॉन्सर्टो नंबर 1, मेंवर्तमान में बहुत लोकप्रिय हैं. रिकॉर्डिंग पियानो कॉन्सर्टो नंबर 1आम तौर पर दस लाख प्रतियां बेचने के लिए "गोल्डन डिस्क" का दर्जा पाने वाली शास्त्रीय संगीत की पहली रिकॉर्डिंग बन गई।

त्चिकोवस्की ने दस ओपेरा लिखे, जिनमें शामिल हैं यूजीन वनगिन,और बैले के लिए संगीत जैसे नटक्रैकर, स्लीपिंग ब्यूटीऔर स्वान झील।इस संगीत को सुनकर, आपको तुरंत त्चिकोवस्की की प्रतिभा की महानता का एहसास होता है, जो एक बेहद सामंजस्यपूर्ण और रोमांचक धुन बनाने में सक्षम था। उनके बैले आज भी अक्सर विश्व मंचों पर मंचित होते हैं और जनता की निरंतर प्रशंसा जगाते हैं। इसी कारण से, उनकी सिम्फनी और संगीत कार्यक्रम के संगीत वाक्यांश वे लोग भी जानते हैं जो शास्त्रीय संगीत से परिचित नहीं हैं।

वर्षों तक, त्चिकोवस्की ने नादेज़्दा वॉन मेक नाम की एक धनी विधवा के पक्ष का आनंद लिया, जिसने उसे इस शर्त पर बड़ी रकम भेजी कि वे कभी व्यक्तिगत रूप से नहीं मिलेंगे। संभव है कि निजी मुलाकात में वे एक-दूसरे को पहचान न सकें.

संगीतकार की मृत्यु की परिस्थितियाँ अभी भी पूरी तरह से स्पष्ट नहीं हैं। आधिकारिक निष्कर्ष के अनुसार, त्चिकोवस्की की मृत्यु हैजा से हुई: उसने वायरस-संक्रमित पानी पिया। लेकिन एक संस्करण यह भी है कि अपने समलैंगिक संबंधों के सार्वजनिक हो जाने के डर से उन्होंने खुद आत्महत्या कर ली।

यदि ग्लिंका को रूसी शास्त्रीय संगीत का जनक माना जाता है, तो चेक शास्त्रीय संगीत में भी वही भूमिका निभाई जाती है बेडरिच स्मेताना.

स्मेताना हमेशा चेक से प्रेरित रही है लोक संस्कृतिऔर प्रकृति स्वदेश. यह विशेष रूप से उनकी सिम्फोनिक कविताओं के चक्र में महसूस किया जाता है। मेरी मातृभूमि,जिसे लिखने में स्मेताना को आठ साल लगे।

वर्तमान में इस चक्र का सर्वाधिक लोकप्रिय कार्य है वल्तावा,प्राग से बहने वाली सबसे बड़ी चेक नदियों में से एक को समर्पित।

अपने जीवन के अंत में, बेडरिच स्मेताना गंभीर रूप से बीमार पड़ गए (संभवतः सिफलिस से), बहरे हो गए और अपना दिमाग खो बैठे। साठ वर्ष की आयु में उनका निधन हो गया।

उनके संगीत ने हमारी सूची के अगले संगीतकार, एंटोनिन ड्वोरक को प्रभावित किया, जिनकी रचनाएँ चेक गणराज्य से कहीं दूर तक पहचानी जाती हैं।

एंटोनिन ड्वोरकवह एक वास्तविक चेक राष्ट्रीय नायक थे जो अपनी मातृभूमि से बहुत प्यार करते थे। उनके देशवासियों ने उनका प्रतिउत्तर दिया और उनका आदर किया।

ड्वोरक के कार्यों को ब्राह्म्स (जिसकी चर्चा थोड़ी देर बाद की जाएगी) द्वारा व्यापक रूप से प्रचारित किया गया था। धीरे-धीरे ड्वोरक का नाम पूरी दुनिया में पहचाना जाने लगा। इसलिए, उदाहरण के लिए, उन्हें इंग्लैंड में प्रशंसक मिले, जहां उन्होंने रॉयल फिलहारमोनिक सोसाइटी के निमंत्रण पर, साथ ही बर्मिंघम और लीड्स में त्योहारों पर प्रदर्शन किया।

उसके बाद, ड्वोरक ने संयुक्त राज्य अमेरिका जाने का फैसला किया, जहां 1890 के दशक में उन्हें न्यूयॉर्क में नेशनल कंजर्वेटरी के कंडक्टर के पद की पेशकश की गई, जिस पर उन्होंने तीन साल तक काम किया। ड्वोरक को अपनी मातृभूमि की बहुत याद आती थी, लेकिन उसने स्थानीय संगीत में रुचि लेना बंद नहीं किया। उसके प्रभाव उसमें झलकते हैं सिम्फनीज़ नंबर 9,नाम नई दुनिया से.

अंततः, ड्वोरक ने घर लौटने का फैसला किया और अपने जीवन के अंतिम वर्ष प्राग में अध्यापन में बिताए।

संगीत के अलावा, ड्वोरक को ट्रेनों और जहाजों में रुचि थी, और यह उनका जुनून ही था, जिसने जाहिर तौर पर उन्हें संयुक्त राज्य अमेरिका की यात्रा के लिए सहमत होने में योगदान दिया, हालांकि उन्हें दी जाने वाली बड़ी फीस भी निर्णायक भूमिका निभा सकती थी।

घ. राष्ट्रीय चेक संगीत विद्यालय के प्रतिनिधि भी शामिल हैं जोसेफ सुक, लेओस जनासेकऔर बोगुस्लाव मार्टिन.

नार्वेजियन एडवर्ड ग्रिगउन संगीतकारों के समूह से संबंधित हैं जो अपनी मातृभूमि से बहुत प्यार करते थे। और मातृभूमि ने उसे बदले में जवाब दिया। नॉर्वे में उनकी रचनाएँ आज भी बेहद लोकप्रिय हैं। लेकिन सब कुछ अलग हो सकता था, क्योंकि ग्रिग परिवार वास्तव में स्कॉटिश मूल का था - उनके परदादा कलोडेन के पास अंग्रेजों के साथ लड़ाई में हार के बाद स्कैंडिनेविया चले गए थे।

सबसे अच्छी बात यह है कि ग्रिग ने छोटी शैलियों के काम किए, जैसे कि गीत बजता हैपियानो के लिए. लेकिन उनका सबसे मशहूर कॉन्सर्ट है पियानो संगीत कार्यक्रम,एक प्रभावशाली परिचय के साथ, जिसमें टिमपनी ट्रेमोलो के नीचे पियानो की ध्वनियाँ बरसती हुई प्रतीत होती हैं।

घ स्कैंडिनेवियाई राष्ट्रीय संगीत विद्यालय के प्रतिनिधि भी शामिल हैं कार्ल नीलसनऔर जोहान स्वेनडसन.

इस तथ्य के बावजूद कि में XIX सदीस्पेन में भी, उन्होंने शास्त्रीय संगीत लिखा, ऐसे बहुत से संगीतकार नहीं थे जिन्होंने विश्व प्रसिद्धि हासिल की हो। अपवादों में से एक है इसहाक अल्बेनिज़,अपनी युवावस्था में उनका स्वभाव विनम्र नहीं था।

उनका कहना है कि अल्बेनिज़ ने एक साल की उम्र में पियानो बजाना सीख लिया था. तीन साल बाद, उन्होंने सार्वजनिक रूप से प्रदर्शन किया और आठ साल की उम्र में उन्होंने दौरा करना शुरू किया। पंद्रह वर्ष की आयु तक, वह अर्जेंटीना, क्यूबा, ​​​​अमेरिका और इंग्लैंड का दौरा करने में सफल रहे।

अल्बेनिज़ विशेष रूप से सुधार में सफल रहा: वह तुरंत किसी प्रकार की धुन लेकर आ सकता था और तुरंत उसे कई संस्करणों में हरा सकता था। उन्होंने वाद्ययंत्र में महारत हासिल करने का चमत्कार भी दिखाया - उन्होंने अपनी ओर पीठ करके खड़े होकर वाद्ययंत्र बजाया। सबसे बढ़कर, वह हर बार एक बंदूकधारी के रूप में तैयार होता था, जिससे उसके प्रदर्शन की शोभा बढ़ जाती थी।

वयस्कता में, वह थोड़ा शांत हो गए और दर्शकों को अब अपने अपमानजनक व्यवहार से नहीं, बल्कि अपनी रचनाओं से चकित कर दिया। वह विशेष रूप से पियानो के टुकड़ों के अपने चक्र के लिए प्रसिद्ध है। इबेरिया।अपनी सफलता की बदौलत इस संगीतकार ने स्पेन को छाया से बाहर निकाला और विश्व संगीत समुदाय का ध्यान अपनी ओर आकर्षित किया।

डी अल्बेनिज़ का स्पेन के राष्ट्रीय स्कूल के कई अन्य संगीतकारों पर बहुत प्रभाव था पाब्लो डी सारासाटे, एनरिक ग्रेनाडोस, मैनुअल डी फ़लाऔर हेइटोरा विला - लोबोसा(जो ब्राज़ीलियाई था)।

आर्थर सुलिवानआज प्रसिद्ध है. लेकिन इतिहास ने उनके साथ उचित व्यवहार नहीं किया, क्योंकि आज उनके सर्वोत्तम कार्यों को बहुत दूर तक याद किया जाता है। 1870 के दशक में उन्होंने कवि और लिबरेटिस्ट डब्ल्यू.एस. गिल्बर्ट के साथ सहयोग करना शुरू किया। दोनों ने मिलकर कई कॉमिक ओपेरा लिखे: जूरी द्वारा परीक्षण, पाइरेट्स ऑफ पेनज़ेंस, हर मेजेस्टीज़ फ्रिगेट पिनाफोर, प्रिंसेस इडा, द मिकाडो, येओमन द गार्डऔर दूसरे।

अपने संयुक्त कार्य की भारी सफलता के बावजूद, दोनों लेखकों को एक-दूसरे का साथ नहीं मिला और अंत में, हिंसक झगड़ों के बाद, उन्होंने पूरी तरह से संवाद करना बंद कर दिया। हालाँकि, ये झगड़े खोखले थे।

इसलिए, उदाहरण के लिए, उनमें से एक का संबंध लंदन के सेवॉय थिएटर में एक नए कालीन से था, जहां आमतौर पर उनके ओपेरा का मंचन किया जाता था।

सुलिवन ने एक गंभीर संगीतकार के रूप में प्रसिद्ध होने का सपना देखा था, लेकिन अब तक उनके काम, जो कि ओपेरेटा शैली से संबंधित नहीं हैं, भुला दिए गए हैं।

हालाँकि, उन्होंने एक ओपेरा लिखा Ivanhoeकाफी दिलचस्प ई माइनर में सिम्फनीऔर गान "आगे बढ़ो, मसीह की सेना!"- शायद उनका सबसे अधिक बार प्रदर्शित किया जाने वाला कार्य।

डी में इंग्लिश नेशनल स्कूल ऑफ म्यूजिक के प्रतिनिधि भी शामिल हैं अर्नोल्ड बक्स, ह्यूबर्ट पैरी, सैमुअल कोलरिज-टेलर, चार्ल्स विलियर्स स्टैनफोर्डऔर जॉर्ज बटरवर्थ.

गिल्बर्ट और सुलिवन आपरेटा के फ्रांसीसी एनालॉग को कार्य कहा जा सकता है जैक्स ऑफ़ेनबैक,एक ऐसा व्यक्ति जिसमें निश्चित रूप से हास्य की भावना थी। उनका जन्म कोलोन में हुआ था और इसलिए कभी-कभी उनका हस्ताक्षर "ओ" के रूप में किया जाता था। कोलोन से" ("ओ. डी कोलोन" "कोलोन" जैसा लगता है)।

1858 में ऑफेनबैक ने पेरिसवासियों को चकित कर दिया कर सकते हैंएक आपरेटा से नरक में ऑर्फियस; एक परिष्कृत जनता के लिए, आम लोगों के ऐसे नृत्य जंगली और अश्लील लगते थे, हालाँकि, ओपेरेटा को ही निंदनीय माना जाता था।

वैसे, यदि यह नाम आपको परिचित लगता है, तो यह याद रखने योग्य है कि पेरी, मोंटेवेर्डी और ग्लक ने पिछली शताब्दियों में ऑर्फ़ियस के मिथक के लिए संगीत लिखा था। ऑफ़ेनबैक का संस्करण व्यंग्यपूर्ण था, मनोरंजन के लिए था और इसलिए इसमें बहुत ही तुच्छ दृश्य शामिल थे। फिर भी, पहली छाप के बावजूद, अंततः जनता को ओपेरेटा से प्यार हो गया, जिससे कि ओफ़ेनबैक के पास अपने लिखे पर पछतावा करने का शायद ही कोई कारण हो।

उनके अन्य कार्यों में सीरियस ओपेरा जाना जाता है। हॉफमैन की कहानियाँजिसमें यह ध्वनि आती है Barcaroll.

लियो डेलिबेसओफ़ेनबाक से कम प्रभावशाली संगीतकार नहीं थे, हालाँकि अब उनका केवल एक ओपेरा ही अधिकतर याद किया जाता है - लक्मे,जिसमें प्रसिद्ध फूल जोड़ी,कई टेलीविज़न स्क्रीनसेवर और विज्ञापनों में उपयोग किया जाता है।

डेलिबेस के परिचितों में बर्लियोज़ और बिज़ेट जैसे महान संगीतकार थे, जिनके साथ उन्होंने पेरिस में लिरिक थिएटर के गायक मंडल के निदेशक के रूप में काम किया था।

घ. फ्रांसीसी राष्ट्रीय संगीत विद्यालय के प्रतिनिधि भी शामिल हैं एलेक्सिस - इमैनुएल चैबरियर, चार्ल्स मैरी विडोर, जोसेफ कांटे - लबऔर जूल्स मैसेनेट,ओपेरा थाई लोगजिसमें, इंटरमेज़ो भी शामिल है कुछ विचार (ध्यान),कई समकालीन वायलिन वादकों के बीच लोकप्रिय।

हमारे अंतिम दो राष्ट्रीय संगीतकार - रोमांस - पिता और पुत्र हैं, हालांकि उनके बीच उम्र का अंतर (इक्कीस वर्ष) इतिहास के लिए इतना बड़ा नहीं है। जोहान स्ट्रॉस सीनियर"वाल्ट्ज का जनक" माना जाता है। वह एक उत्कृष्ट वायलिन वादक थे और उन्होंने पूरे यूरोप में प्रदर्शन करने वाले एक ऑर्केस्ट्रा का नेतृत्व किया और इसके लिए उन्हें ठोस धन प्राप्त हुआ।

फिर भी, "वाल्ट्ज के राजा" की उपाधि सही मायनों में उनके बेटे की है, जिसे जोहान स्ट्रॉस भी कहा जाता था। उनके पिता नहीं चाहते थे कि वे वायलिन वादक बनें, लेकिन छोटे जोहान ने वैसे भी अपना जीवन संगीत के लिए समर्पित कर दिया और अपने स्वयं के ऑर्केस्ट्रा का आयोजन किया, जो उनके पिता के प्रतिद्वंद्वी था। पर छोटा स्ट्रॉसउनके पास अच्छा व्यावसायिक कौशल था, जिसकी बदौलत वह अपनी वित्तीय स्थिति मजबूत करने में सफल रहे।

कुल जोहान स्ट्रॉस - बेटाएक सौ अड़सठ वाल्ट्ज़ लिखे, जिनमें सबसे लोकप्रिय भी शामिल है - खूबसूरत नीले डेन्यूब पर.अंत में, छह ऑर्केस्ट्रा का नाम स्ट्रॉस के नाम पर रखा गया, जिनमें से एक का नेतृत्व जोहान के भाई, छोटे जोसेफ ने किया, और दूसरे का नेतृत्व उनके दूसरे भाई, एडुआर्ड ने किया (उनमें से प्रत्येक ने लगभग तीन सौ रचनाएँ कीं)।

जोहान के वाल्ट्ज और पोल्का विनीज़ कॉफी हाउस में वास्तव में हिट थे, और उनकी हल्की और आकर्षक शैली पूरे यूरोप में नृत्य संगीत का मानक बन गई।

कुछ शास्त्रीय संगीत प्रेमी अभी भी स्ट्रॉस की रचनाओं को बहुत अश्लील और तुच्छ मानते हैं। उन पर विश्वास न करें और उनके उकसावे में न आएं! यह परिवार पहली बार सुनने के तुरंत बाद वास्तव में महान, उत्थानकारी और लंबे समय तक यादगार रचनाएँ लिखने में सक्षम था।

इस अवधि के कई संगीतकारों ने 20वीं सदी तक भी अच्छा संगीत लिखना जारी रखा। हालाँकि, हम उनके बारे में यहाँ बात करते हैं, अगले अध्याय में नहीं, इस कारण से कि उनके संगीत में रूमानियत की भावना प्रबल थी।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि उनमें से कुछ ने "प्रारंभिक रोमान्टिक्स" और "राष्ट्रवादियों" उपखंडों में उल्लिखित संगीतकारों के साथ घनिष्ठ संबंध और यहां तक ​​कि मित्रता भी बनाए रखी।

इसके अलावा, यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि इस अवधि के दौरान इतने सारे उत्कृष्ट संगीतकारों ने विभिन्न यूरोपीय देशों में काम किया कि किसी भी सिद्धांत के अनुसार उनका विभाजन पूरी तरह से मनमाना होगा। यदि शास्त्रीय काल और बारोक काल को समर्पित विभिन्न साहित्य में लगभग एक ही समय सीमा का उल्लेख किया गया है, तो रोमांटिक काल को हर जगह अलग तरह से परिभाषित किया गया है। ऐसा लगता है कि संगीत में रोमांटिक काल के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत के बीच की सीमा बहुत धुंधली है।

19वीं सदी के इटली के अग्रणी संगीतकार निस्संदेह थे ग्यूसेप वर्डी.घनी मूंछों और भौहों वाला यह आदमी, हमें चमकती आँखों से देखते हुए, अन्य सभी ओपेरा संगीतकारों से ऊपर खड़ा था।

वर्डी की सभी रचनाएँ सचमुच उज्ज्वल, यादगार धुनों से भरी हुई हैं। कुल मिलाकर, उन्होंने छब्बीस ओपेरा लिखे, जिनमें से अधिकांश का आज भी नियमित रूप से मंचन किया जाता है। इनमें सभी समय की ओपेरा कला की सबसे प्रसिद्ध और सबसे उत्कृष्ट कृतियाँ शामिल हैं।

संगीतकार के जीवनकाल के दौरान भी वर्डी के संगीत को अत्यधिक महत्व दिया गया था। प्रीमियर पर हैडिसदर्शकों ने इतनी देर तक खड़े होकर तालियाँ बजाईं कि कलाकारों को बत्तीस बार झुकना पड़ा।

वर्डी एक अमीर आदमी था, लेकिन पैसा संगीतकार की दोनों पत्नियों और दो बच्चों को शुरुआती मौत से नहीं बचा सका, इसलिए उसके जीवन में दुखद क्षण आए। उन्होंने मिलान में अपने निर्देशन में निर्मित पुराने संगीतकारों के लिए एक आश्रय स्थल को अपना भाग्य सौंप दिया। वर्डी ने स्वयं संगीत नहीं, बल्कि आश्रय के निर्माण को अपनी सबसे बड़ी उपलब्धि माना।

इस तथ्य के बावजूद कि वर्डी का नाम मुख्य रूप से ओपेरा से जुड़ा हुआ है, उसके बारे में बोलते हुए, इसका उल्लेख करना असंभव है अनुरोध,जिसे कोरल संगीत के बेहतरीन उदाहरणों में से एक माना जाता है। यह नाटक से भरपूर है, और ओपेरा की कुछ विशेषताएं इसमें झलकती हैं।

हमारा अगला संगीतकार किसी भी तरह से सबसे आकर्षक व्यक्ति नहीं है। सामान्य तौर पर, यह हमारी पुस्तक में उल्लिखित सभी आंकड़ों में सबसे निंदनीय और विवादास्पद आंकड़ा है। यदि हमें केवल व्यक्तित्व लक्षणों के आधार पर एक सूची बनानी हो, तो रिचर्ड वैगनरइसे कभी नहीं मारेंगे. हालाँकि, हम केवल संगीत मानदंडों द्वारा निर्देशित होते हैं, और शास्त्रीय संगीत का इतिहास इस व्यक्ति के बिना अकल्पनीय है।

वैगनर की प्रतिभा निर्विवाद है. उनकी कलम के नीचे से कुछ सबसे महत्वपूर्ण और प्रभावशाली चीजें आईं संगीत रचनाएँरूमानियत की पूरी अवधि के लिए - विशेष रूप से ओपेरा के लिए। साथ ही, उनके बारे में यहूदी विरोधी, नस्लवादी, लालफीताशाही, आखिरी धोखेबाज और यहां तक ​​कि एक चोर के रूप में भी बात की जाती है जो अपनी जरूरत की हर चीज लेने में संकोच नहीं करता है, और बिना पछतावे के असभ्य लोग हैं। वैगनर के पास अतिरंजित आत्म-सम्मान था, और उनका मानना ​​था कि उनकी प्रतिभा ने उन्हें अन्य सभी लोगों से ऊपर उठा दिया।

वैगनर को उनके ओपेरा के लिए याद किया जाता है। यह संगीतकार जर्मन ओपेरा को बिल्कुल नए स्तर पर ले गया, और यद्यपि उनका जन्म वर्डी के साथ ही हुआ था, उनका संगीत उस काल की इतालवी रचनाओं से बहुत अलग था।

वैगनर के नवाचारों में से एक यह था कि प्रत्येक मुख्य पात्र को उसका अपना चरित्र दिया गया था संगीत विषय, जिसे हर बार दोहराया गया जब उन्होंने मंच पर एक महत्वपूर्ण भूमिका निभानी शुरू की।

आज यह स्वतः स्पष्ट प्रतीत होता है, परन्तु उस समय इस विचार ने वास्तविक क्रान्ति कर दी।

वैगनर की सबसे बड़ी उपलब्धि साइकिल थी निबेलुंग की अंगूठी,चार ओपेरा से मिलकर: राइन गोल्ड, वाल्किरी, सिगफ्राइडऔर देवताओं की मृत्यु.इन्हें आम तौर पर लगातार चार रातों में रखा जाता है, और कुल मिलाकर ये लगभग पंद्रह घंटे तक चलते हैं। ये ओपेरा अकेले ही अपने संगीतकार को महिमामंडित करने के लिए पर्याप्त होंगे। एक व्यक्ति के रूप में वैगनर की तमाम अस्पष्टताओं के बावजूद, यह माना जाना चाहिए कि वह एक उत्कृष्ट संगीतकार थे।

वैगनर के ओपेरा की एक विशिष्ट विशेषता उनकी अवधि है। उनका आखिरी ओपेरा पारसिफ़लचार घंटे से अधिक समय तक चलता है.

कंडक्टर डेविड रैंडोल्फ ने एक बार उनके बारे में कहा था:

"यह उस तरह का ओपेरा है जो छह बजे शुरू होता है, और जब आप तीन घंटे के बाद अपनी कलाई घड़ी देखते हैं, तो पता चलता है कि यह 6:20 दिखाता है।"

ज़िंदगी एंटोन ब्रुकनरएक संगीतकार के रूप में, यह एक सबक है कि कैसे हार नहीं माननी चाहिए और अपने आप पर ज़ोर नहीं देना चाहिए। उन्होंने दिन में बारह घंटे अभ्यास किया, अपना सारा समय काम को समर्पित किया (वे एक ऑर्गेनिस्ट थे) और अपने दम पर संगीत में बहुत कुछ सीखा, काफी परिपक्व उम्र में - सैंतीस साल की उम्र में पत्राचार द्वारा लेखन कौशल में महारत हासिल की।

आज, ब्रुकनर की सिम्फनी को सबसे अधिक बार याद किया जाता है, जिसमें से उन्होंने कुल नौ रचनाएँ लिखीं। कई बार, एक संगीतकार के रूप में उनकी व्यवहार्यता के बारे में संदेह ने उन्हें घेर लिया, लेकिन फिर भी उन्होंने पहचान हासिल की, भले ही अपने जीवन के अंत में। इसे क्रियान्वित करने के बाद सिम्फनीज़ नंबर 1आलोचकों ने अंततः संगीतकार की प्रशंसा की, जो उस समय तक चौवालीस वर्ष का हो चुका था।

जोहान्स ब्राह्म्सउन संगीतकारों में से एक भी नहीं जो हाथ में चांदी की छड़ी लेकर पैदा हुए थे। उनके जन्म के समय तक, परिवार ने अपनी पूर्व संपत्ति खो दी थी और मुश्किल से गुजारा हो पाता था। एक किशोर के रूप में, उन्होंने अपने गृहनगर हैम्बर्ग के वेश्यालयों में खेलकर जीविकोपार्जन किया। जब तक ब्राह्म वयस्क हुआ, तब तक वह निस्संदेह जीवन के सबसे आकर्षक पहलुओं से परिचित हो गया।

ब्राह्म्स के संगीत का प्रचार उनके मित्र रॉबर्ट शुमान ने किया था। शुमान की मृत्यु के बाद, ब्राह्म्स क्लारा शुमान के करीब हो गए और अंततः उन्हें उनसे प्यार भी हो गया। यह ठीक से ज्ञात नहीं है कि उनके बीच किस प्रकार का रिश्ता था, हालाँकि उसके लिए भावना ने संभवतः अन्य महिलाओं के साथ उसके संबंधों में कुछ भूमिका निभाई - उसने उनमें से किसी को भी अपना दिल नहीं दिया।

एक व्यक्ति के रूप में, ब्राह्म्स काफी असंयमित और चिड़चिड़े थे, लेकिन उनके दोस्तों ने दावा किया कि उनमें कोमलता थी, हालाँकि वह हमेशा अपने आस-पास के लोगों के सामने इसका प्रदर्शन नहीं करते थे। एक दिन, एक पार्टी से घर लौटते हुए उन्होंने कहा:

"अगर मैंने किसी को ठेस नहीं पहुंचाई है तो मैं उनसे माफ़ी मांगता हूं।"

ब्राह्म्स ने सबसे फैशनेबल और सुरुचिपूर्ण ढंग से कपड़े पहने संगीतकार की प्रतियोगिता नहीं जीती होगी। उन्हें नए कपड़े खरीदना बेहद नापसंद था और वे अक्सर वही बैगी, पैच वाली पतलून पहनते थे, जो लगभग हमेशा उनके लिए बहुत छोटी होती थी। एक प्रदर्शन के दौरान, उनका पतलून लगभग गिर गया। एक अन्य अवसर पर उन्हें अपनी टाई उतारनी पड़ी और बेल्ट की जगह उसका उपयोग करना पड़ा।

ब्राह्म्स की संगीत शैली हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन से बहुत प्रभावित थी, और कुछ संगीत इतिहासकारों का यह भी दावा है कि उन्होंने क्लासिकिज्म की भावना से लिखा था, जो उस समय तक फैशन से बाहर हो चुका था। साथ ही उनके पास कई नए विचार भी हैं। वह विशेष रूप से संगीत के छोटे टुकड़े विकसित करने और उन्हें पूरे काम में दोहराने में सफल रहे - जिसे संगीतकार "दोहराया जाने वाला रूपांकन" कहते हैं।

ओपेरा ब्राह्म्स ने नहीं लिखा, लेकिन उन्होंने शास्त्रीय संगीत की लगभग सभी अन्य शैलियों में खुद को आजमाया। इसलिए, उन्हें हमारी पुस्तक में वर्णित महानतम संगीतकारों में से एक, शास्त्रीय संगीत का सच्चा दिग्गज कहा जा सकता है। उन्होंने खुद अपने काम के बारे में ये कहा:

"इसे बनाना कठिन नहीं है, लेकिन अतिरिक्त नोट्स को टेबल के नीचे फेंकना आश्चर्यजनक रूप से कठिन है।"

मैक्स ब्रुचब्राह्म के ठीक पांच साल बाद पैदा हुआ था, और अगर एक काम नहीं होता तो ब्राह्म निश्चित रूप से उस पर भारी पड़ जाता, वायलिन कॉन्सर्टो नंबर 1।

ब्रुच ने स्वयं इस तथ्य को स्वीकार किया, कई संगीतकारों के लिए विनम्रता के साथ असामान्य बताते हुए:

"अब से पचास साल बाद, ब्राह्म्स को सभी समय के महानतम संगीतकारों में से एक कहा जाएगा, और मुझे जी माइनर में वायलिन कॉन्सर्टो लिखने के लिए याद किया जाएगा।"

और वह सही निकला. सच है, ब्रुजा के पास खुद को याद रखने के लिए कुछ है! उन्होंने कई अन्य कृतियों की रचना की - कुल मिलाकर लगभग दो सौ - उनके पास विशेष रूप से गाना बजानेवालों और ओपेरा के लिए कई रचनाएँ हैं, जिनका मंचन इन दिनों शायद ही कभी किया जाता है। उनका संगीत मधुर है, लेकिन उन्होंने इसके विकास में कोई खास नया योगदान नहीं दिया। उनकी पृष्ठभूमि में, उस समय के कई अन्य संगीतकार वास्तविक नवप्रवर्तक प्रतीत होते हैं।

1880 में, ब्रुच को लिवरपूल रॉयल फिलहारमोनिक सोसाइटी का कंडक्टर नियुक्त किया गया, लेकिन तीन साल बाद बर्लिन लौट आए। ऑर्केस्ट्रा के संगीतकार उनसे खुश नहीं थे.

अपनी पुस्तक के पन्नों पर, हम पहले ही कई संगीत प्रतिभाओं से मिल चुके हैं, और केमिली सेंट-सैंसउनमें से सबसे अधिक पर कब्जा नहीं है अंतिम स्थान. दो साल की उम्र में, सेंट-सेन्स पहले से ही पियानो पर धुनें बजा रहा था, और साथ ही उसने संगीत पढ़ना और लिखना भी सीखा। तीन साल की उम्र से वह नाटक खेल रहे थे स्वयं की रचना. दस साल की उम्र में उन्होंने मोजार्ट और बीथोवेन का उत्कृष्ट प्रदर्शन किया। हालाँकि, उन्हें कीट विज्ञान (तितलियों और कीड़ों) में और बाद में भूविज्ञान, खगोल विज्ञान और दर्शन सहित अन्य विज्ञानों में गंभीरता से रुचि हो गई। ऐसा लग रहा था कि इतना प्रतिभाशाली बच्चा खुद को किसी एक चीज़ तक सीमित नहीं रख सकता।

पेरिस कंज़र्वेटरी से स्नातक होने के बाद, सेंट-सेन्स ने कई वर्षों तक एक ऑर्गेनिस्ट के रूप में काम किया। उम्र के साथ-साथ उनका प्रभाव भी पड़ने लगा संगीतमय जीवनफ्रांस, और यह उनके लिए धन्यवाद था कि जे.एस. बाख, मोजार्ट, हैंडेल और ग्लक जैसे संगीतकारों का संगीत अधिक बार प्रदर्शित किया जाने लगा।

अधिकांश प्रसिद्ध निबंधसंत - संसा - पशु कार्निवल,जिसे संगीतकार ने अपने जीवनकाल में प्रदर्शित करने से मना किया था। वह चिंतित था कि कैसे संगीत समीक्षक, इस काम को सुनने के बाद, इसे बहुत तुच्छ नहीं माना। आख़िरकार, यह मज़ेदार है जब मंच पर ऑर्केस्ट्रा एक शेर, मुर्गे के साथ मुर्गियाँ, कछुए, एक हाथी, एक कंगारू, मछली, पक्षियों, एक गधे और एक हंस के साथ एक मछलीघर को चित्रित करता है।

सेंट-सेन्स ने अपनी कुछ अन्य रचनाएँ वाद्ययंत्रों के कम-से-कम संयोजनों के लिए लिखीं, जिनमें प्रसिद्ध भी शामिल हैं "ऑर्गन" सिम्फनी नंबर 3,फिल्म "बेब" में आवाज दी गई।

सेंट-सेन्स के संगीत ने दूसरों के काम को प्रभावित किया फ़्रांसीसी संगीतकार, शामिल गेब्रियल फॉरे.इस युवक को सेंट मैग्डलीन के पेरिस चर्च में ऑर्गेनिस्ट का पद विरासत में मिला, जो पहले सेंट-सेन्स के पास था।

और यद्यपि फ़ौरे की प्रतिभा की तुलना उसके शिक्षक की प्रतिभा से नहीं की जा सकती, वह एक महान पियानोवादक थे।

फॉरे एक गरीब आदमी था और इसलिए उसने कड़ी मेहनत की, ऑर्गन बजाया, गाना बजानेवालों को निर्देशित किया और सबक दिया। वह लिख रहा था खाली समय, जो बहुत कम रह गया, लेकिन इसके बावजूद, वह अपने ढाई सौ से अधिक कार्यों को प्रकाशित करने में सफल रहा। उनमें से कुछ की रचना बहुत लंबे समय के लिए की गई थी: उदाहरण के लिए, इस पर काम करें Requiemबीस वर्षों से अधिक समय तक चला।

1905 में, फ़ॉरे पेरिस कंज़र्वेटरी के निदेशक बने, यानी वह व्यक्ति जिस पर उस समय के फ्रांसीसी संगीत का विकास काफी हद तक निर्भर था। पंद्रह साल बाद फॉरे सेवानिवृत्त हो गए। अपने जीवन के अंत में उन्हें सुनने की क्षमता में कमी आ गई।

आज फ़ौरे को फ़्रांस के बाहर भी सम्मानित किया जाता है, हालाँकि उन्हें वहीं सबसे अधिक सराहा जाता है।

अंग्रेजी संगीत के प्रशंसकों के लिए, इस तरह की आकृति की उपस्थिति एडवर्ड एल्गर,यह सचमुच एक चमत्कार जैसा प्रतीत हुआ होगा। कई संगीत इतिहासकार उन्हें हेनरी पुरसेल के बाद पहला महत्वपूर्ण अंग्रेजी संगीतकार कहते हैं, जिन्होंने बारोक काल के दौरान काम किया था, हालांकि थोड़ा पहले हमने आर्थर सुलिवन का उल्लेख किया था।

एल्गर को इंग्लैंड से बहुत प्यार था, खासकर अपने मूल देश वॉर्सेस्टरशायर से, जहां उन्होंने अपना अधिकांश जीवन माल्वर्न हिल्स के खेतों में प्रेरणा पाते हुए बिताया।

एक बच्चे के रूप में, वह हर जगह संगीत से घिरा हुआ था: उसके पिता एक स्थानीय संगीत स्टोर के मालिक थे और छोटे एल्गर को विभिन्न बजाना सिखाया करते थे संगीत वाद्ययंत्र. बारह साल की उम्र में, लड़का पहले से ही चर्च सेवाओं में ऑर्गेनिस्ट की जगह ले रहा था।

एक वकील के कार्यालय में काम करने के बाद, एल्गर ने खुद को बहुत कम आर्थिक रूप से सुरक्षित व्यवसाय में समर्पित करने का फैसला किया। कुछ समय तक उन्होंने अंशकालिक काम किया, वायलिन और पियानो की शिक्षा दी, स्थानीय आर्केस्ट्रा में बजाया और थोड़ा संचालन भी किया।

धीरे-धीरे, एक संगीतकार के रूप में एल्गर की प्रसिद्धि बढ़ती गई, हालाँकि उन्हें अपनी मूल काउंटी के बाहर अपना रास्ता बनाने के लिए संघर्ष करना पड़ा। प्रसिद्धि उसे ले आई मूल विषय पर विविधताएँ,जो अब बेहतर रूप में जाने जाते हैं पहेली विविधताएँ.

अब एल्गर का संगीत बहुत अंग्रेजी माना जाता है और राष्ट्रीय स्तर की सबसे बड़ी घटनाओं के दौरान बजता है। इसकी पहली ध्वनि पर सेलो कॉन्सर्टोअंग्रेजी देहात तुरंत प्रकट होता है। निमरॉडसे बदलावअक्सर आधिकारिक समारोहों में बजाया जाता है, और गंभीर और औपचारिक मार्च नंबर 1,जाना जाता है आशा और गौरव की भूमिपूरे ब्रिटेन में प्रोम में प्रदर्शन किया गया।

एल्गर एक पारिवारिक व्यक्ति था और शांत, व्यवस्थित जीवन पसंद करता था। फिर भी, उन्होंने इतिहास पर अपनी छाप छोड़ी। घनी रसीली मूंछों वाले इस संगीतकार को बीस पाउंड के बैंकनोट पर तुरंत देखा जा सकता है। जाहिर है, बैंकनोट डिजाइनरों ने पाया कि ऐसे चेहरे के बालों को नकली बनाना बहुत मुश्किल होगा।

इटली में ओपेरा कला में ग्यूसेप वर्डी के उत्तराधिकारी थे जियाकोमो पुक्किनी, इस कला के मान्यता प्राप्त विश्व उस्तादों में से एक माने जाते हैं।

पुक्किनी परिवार लंबे समय से जुड़ा हुआ है चर्च संगीतलेकिन जब जियाकोमो ने पहली बार ओपेरा सुना ऐदावर्डी, उसे एहसास हुआ कि यह उसकी बुलाहट थी।

मिलान में अध्ययन करने के बाद, पुकिनी ने एक ओपेरा की रचना की मैनन लेस्को,जिससे उन्हें 1893 में पहली बड़ी सफलता मिली। उसके बाद, एक सफल उत्पादन के बाद दूसरा उत्पादन हुआ: बोहेमिया 1896 में, तड़प 1900 में और मदमा तितली 1904 में.

कुल मिलाकर, पुक्किनी ने बारह ओपेरा की रचना की, जिनमें से अंतिम था टरंडोट।इस रचना को पूरा किये बिना ही उनकी मृत्यु हो गयी और दूसरे संगीतकार ने यह रचना पूरी की। ओपेरा के प्रीमियर पर, कंडक्टर आर्टुरो टोस्कानिनी ने ऑर्केस्ट्रा को ठीक उसी जगह रोक दिया, जहां पुक्किनी ने छोड़ा था। वह दर्शकों की ओर मुड़े और बोले:

"यहाँ मृत्यु ने कला पर विजय पा ली है।"

पुक्किनी की मृत्यु के साथ, इटली की ओपेरा कला का उत्कर्ष समाप्त हो गया। हमारी पुस्तक में अब इतालवी का उल्लेख नहीं होगा ओपेरा संगीतकार. लेकिन कौन जानता है कि भविष्य में हमारे लिए क्या होगा?

ज़िन्दगी में गुस्ताव महलरवह एक संगीतकार की तुलना में एक कंडक्टर के रूप में अधिक जाने जाते थे। वह सर्दियों में संचालन करते थे, और गर्मियों में, एक नियम के रूप में, वह लिखना पसंद करते थे।

कहा जाता है कि एक बच्चे के रूप में, महलर को अपनी दादी के घर की अटारी में एक पियानो मिला था। चार साल बाद, दस साल की उम्र में, उन्होंने अपना पहला प्रदर्शन दिया।

महलर ने वियना कंजर्वेटरी में अध्ययन किया, जहां उन्होंने संगीत रचना शुरू की। 1897 में वे वियना स्टेट ओपेरा के निदेशक बने और अगले दस वर्षों में उन्होंने इस क्षेत्र में काफी प्रसिद्धि प्राप्त की।

उन्होंने स्वयं तीन ओपेरा लिखना शुरू किया, लेकिन उन्हें कभी ख़त्म नहीं किया। हमारे समय में, उन्हें सिम्फनी के संगीतकार के रूप में जाना जाता है। इस शैली में, वह वास्तविक "हिट" में से एक का मालिक है - सिम्फनी नंबर 8,जिसके प्रदर्शन में एक हजार से अधिक संगीतकार और गायक शामिल होते हैं।

महलर की मृत्यु के बाद, उनका संगीत पचास वर्षों के लिए फैशन से बाहर हो गया, लेकिन 20वीं सदी के उत्तरार्ध में इसने फिर से लोकप्रियता हासिल की, खासकर ग्रेट ब्रिटेन और संयुक्त राज्य अमेरिका में।

रिचर्ड स्ट्रॉसजर्मनी में पैदा हुआ था और विनीज़ स्ट्रॉस राजवंश से संबंधित नहीं था। इस तथ्य के बावजूद कि यह संगीतकार 20वीं शताब्दी के लगभग पूरे पूर्वार्ध में जीवित रहा, फिर भी उसे जर्मन संगीत रूमानियत का प्रतिनिधि माना जाता है।

रिचर्ड स्ट्रॉस की विश्वव्यापी लोकप्रियता को इस तथ्य से कुछ हद तक नुकसान हुआ कि उन्होंने 1939 के बाद जर्मनी में रहने का फैसला किया और द्वितीय विश्व युद्ध के बाद उन पर नाज़ियों के साथ सहयोग करने का पूरी तरह से आरोप लगाया गया।

स्ट्रॉस एक उत्कृष्ट संवाहक थे, जिसकी बदौलत वह पूरी तरह से समझते थे कि ऑर्केस्ट्रा में यह या वह वाद्ययंत्र कैसा बजना चाहिए। उन्होंने अक्सर इस ज्ञान को व्यवहार में लागू किया। उन्होंने अन्य संगीतकारों को भी कई सलाह दीं, जैसे:

"ट्रॉम्बोन्स को कभी न देखें, आप केवल उन्हें प्रोत्साहित करते हैं।"

“प्रदर्शन करते समय पसीना मत बहाओ; सिर्फ सुनने वालों का पारा चढ़ना चाहिए।”

आज स्ट्रॉस को मुख्य रूप से उनकी रचना के सिलसिले में याद किया जाता है जरथुस्त्र ने इस प्रकार कहा,वह परिचय जिसका उपयोग स्टैनली कुब्रिक ने अपनी फिल्म 2001: ए स्पेस ओडिसी में किया था। लेकिन उन्होंने कुछ बेहतरीन जर्मन ओपेरा भी लिखे, उनमें से - रोसेनकवेलियर, सैलोमऔर नक्सोस पर एराडने।अपनी मृत्यु से एक वर्ष पूर्व उन्होंने बहुत सुन्दर रचनाएँ भी कीं चार आखिरी गानेआवाज़ और ऑर्केस्ट्रा के लिए. दरअसल, ये स्ट्रॉस के आखिरी गाने नहीं थे, बल्कि ये उनकी रचनात्मक गतिविधि का एक प्रकार का समापन बन गए।

अब तक, इस पुस्तक में उल्लिखित संगीतकारों में स्कैंडिनेविया का केवल एक ही प्रतिनिधि था - एडवर्ड ग्रिग। लेकिन अब हमें फिर से इस कठोर और ठंडी भूमि पर ले जाया गया है - इस बार फिनलैंड में, जहां जीन सिबेलियस,महान संगीत प्रतिभा.

सिबेलियस के संगीत ने अपनी मातृभूमि के मिथकों और किंवदंतियों को समाहित कर लिया। उनका सबसे बड़ा काम फिनलैंड,फिन्स की राष्ट्रीय भावना का अवतार माना जाता है, जैसे ब्रिटेन में एल्गर के कार्यों को राष्ट्रीय खजाने के रूप में मान्यता दी जाती है। इसके अलावा, सिबेलियस, महलर की तरह, सिम्फनी का सच्चा स्वामी था।

जहाँ तक संगीतकार के अन्य शौक की बात है, अपने दैनिक जीवन में वह शराब पीने और धूम्रपान के अत्यधिक शौकीन थे, यहाँ तक कि लगभग चालीस वर्ष की आयु में वे गले के कैंसर से पीड़ित हो गये। उनके पास अक्सर पैसे की कमी होती थी, और राज्य उन्हें पेंशन देता था ताकि वह अपनी वित्तीय भलाई की चिंता किए बिना संगीत लिखना जारी रख सकें। लेकिन अपनी मृत्यु से बीस वर्ष से अधिक पहले, सिबेलियस ने कुछ भी रचना करना बंद कर दिया। उन्होंने अपना शेष जीवन सापेक्ष एकांत में बिताया। वह उन लोगों के प्रति विशेष रूप से कठोर थे जिन्हें उनके संगीत की समीक्षाओं के लिए धन मिलता था:

“आलोचक क्या कहते हैं उस पर ध्यान न दें। अब तक एक भी आलोचक को मूर्ति नहीं दी गई है.''

रोमांटिक संगीतकारों की हमारी सूची में अंतिम संगीतकार भी लगभग 20वीं सदी के मध्य तक जीवित रहे, हालाँकि उन्होंने अपनी अधिकांश प्रसिद्ध रचनाएँ 1900 के दशक में लिखीं। और फिर भी उन्हें रोमांटिक लोगों में स्थान दिया गया है, और हमें ऐसा लगता है कि यह सबसे अधिक है रोमांटिक संगीतकारपूरे समूह से.

सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोवका जन्म एक कुलीन परिवार में हुआ था, जो उस समय तक बहुत सारा पैसा खर्च कर चुका था। उन्होंने शुरू से ही संगीत में रुचि विकसित की बचपन, और उसके माता-पिता ने उसे पढ़ने के लिए भेजा, पहले सेंट पीटर्सबर्ग में, और फिर मॉस्को में।

राचमानिनोव आश्चर्यजनक रूप से प्रतिभाशाली पियानोवादक थे, और वह एक अद्भुत संगीतकार भी बने।

मेरा पियानो कॉन्सर्टो नंबर 1उन्होंने उन्नीस साल की उम्र में लिखा। उन्हें अपने पहले ओपेरा के लिए भी समय मिला, अलेको.

लेकिन यह महान संगीतकार, एक नियम के रूप में, जीवन से विशेष रूप से संतुष्ट नहीं था। कई तस्वीरों में हम एक गुस्से में, भौंहें चढ़ाए हुए आदमी को देखते हैं। एक अन्य रूसी संगीतकार, इगोर स्ट्राविंस्की ने एक बार टिप्पणी की थी:

“राचमानिनोव का अमर सार उसकी भ्रूभंग थी। वह साढ़े छह फीट का था... वह एक डरावना आदमी था।"

जब युवा राचमानिनॉफ़ ने त्चिकोवस्की के लिए खेला, तो वह इतना खुश हुआ कि उसने अपने स्कोर की शीट पर चार प्लस के साथ पांच अंक डाल दिए - मॉस्को कंज़र्वेटरी के इतिहास में उच्चतम अंक। जल्द ही पूरा शहर युवा प्रतिभा के बारे में बात करने लगा।

फिर भी, भाग्य लंबे समय तक संगीतकार के प्रतिकूल रहा।

आलोचक उन पर बहुत कठोर थे। सिम्फनीज़ नंबर 1,जिसका प्रीमियर विफलता में समाप्त हुआ। इससे राचमानिनोव को गंभीर भावनात्मक अनुभव हुए, उन्होंने अपनी ताकत पर विश्वास खो दिया और कुछ भी नहीं लिख सके।

अंत में, केवल एक अनुभवी मनोचिकित्सक निकोलाई डाहल की मदद से ही उन्हें संकट से बाहर निकलने में मदद मिली। 1901 तक, राचमानिनॉफ़ ने पियानो कॉन्सर्टो पूरा कर लिया था, जिसे उन्होंने कई वर्षों तक कड़ी मेहनत करके डॉ. डाहल को समर्पित किया था। इस बार दर्शकों ने संगीतकार के काम का खुशी से स्वागत किया। के बाद से पियानो कॉन्सर्टो नंबर 2पसंदीदा बन गया क्लासिकविभिन्न द्वारा किया गया संगीत समूहदुनिया भर।

राचमानिनॉफ़ ने यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका का दौरा शुरू किया। रूस लौटकर उन्होंने संचालन और रचना की।

1917 की क्रांति के बाद, राचमानिनोव और उनका परिवार स्कैंडिनेविया में संगीत समारोहों में गए। वह कभी घर नहीं लौटा. इसके बजाय, वह स्विट्जरलैंड चले गए, जहां उन्होंने ल्यूसर्न झील के तट पर एक घर खरीदा। उसे हमेशा जल निकायों से प्यार था और अब, जब वह काफी अमीर आदमी बन गया, तो वह तट पर आराम कर सकता था और खुले परिदृश्य की प्रशंसा कर सकता था।

राचमानिनॉफ़ एक उत्कृष्ट संवाहक थे और वे हमेशा उन लोगों को निम्नलिखित सलाह देते थे जो इस क्षेत्र में उत्कृष्टता प्राप्त करना चाहते थे:

“एक अच्छा कंडक्टर एक अच्छा ड्राइवर होना चाहिए। दोनों को समान गुणों की आवश्यकता है: एकाग्रता, निरंतर गहन ध्यान और मन की उपस्थिति। कंडक्टर को केवल संगीत का थोड़ा ज्ञान होना चाहिए…”

1935 में राचमानिनॉफ ने संयुक्त राज्य अमेरिका में बसने का फैसला किया। वह पहले न्यूयॉर्क में रहे, और फिर लॉस एंजिल्स चले गए। वहां उन्होंने अपने लिए निर्माण करना शुरू किया नया घर, बिल्कुल वैसा ही जैसा उसने मॉस्को में छोड़ा था।

उम्र के साथ, राचमानिनॉफ़ ने कम और कम आचरण किया और संगीत रचना लगभग पूरी तरह से बंद कर दी। वह एक उत्कृष्ट पियानोवादक के रूप में अपनी प्रसिद्धि के शिखर पर पहुँच गये।

घर की याद आने के बावजूद राचमानिनोव को अमेरिका पसंद आया। उन्हें अपनी विशाल कैडिलैक पर गर्व था और वह अक्सर अपनी कार दिखाने के लिए मेहमानों को कार की सवारी के लिए आमंत्रित करते थे।

अपनी मृत्यु से कुछ समय पहले, राचमानिनॉफ़ को अमेरिकी नागरिकता प्राप्त हुई। इसी देश में उन्हें दफनाया गया.

हमने अपनी पुस्तक में शास्त्रीय संगीत के अन्य सभी कालों की तुलना में रोमांटिक काल पर अधिक ध्यान दिया है।

इस युग में, विभिन्न देशों में इतनी दिलचस्प चीजें हुईं कि एक छोटे से लेख में सब कुछ बताना असंभव है। शास्त्रीय संगीत बहुत बदल गया है, साथ ही इसकी ध्वनि भी, जो महान हो गई है सिम्फनी ऑर्केस्ट्राअधिक समृद्ध और अधिक गहन. कई मायनों में, राचमानिनॉफ़ की रचनाएँ इस ध्वनि का आदर्श उदाहरण हैं। यदि हम इसकी तुलना बीथोवेन से करें तो यह स्पष्ट हो जाता है कि परिवर्तन कितने भव्य थे।

लेकिन रोमांटिक काल के लगभग अस्सी वर्षों के दौरान संगीत की दुनिया में ये परिवर्तन चाहे कितने भी महत्वपूर्ण क्यों न हों, उनकी तुलना बाद में जो हुआ उससे नहीं की जा सकती। और भविष्य में, संगीत और भी अधिक विविध और असामान्य हो गया - जो, हमारी राय के अनुसार, हमेशा इसके पक्ष में नहीं जाता था।