ओपेरा परंपराएँ. ओपेरा की उत्पत्ति और विकास

इसके अलावा, निर्देशक को, वास्तव में, हर व्यक्ति को, यह समझना चाहिए कि उसकी राय और जिसे वह सच मानता है वह जरूरी नहीं कि सच हो और उसकी राय जरूरी नहीं कि हर किसी को मना ले। संक्षेप में, वास्तविक सत्य बिल्कुल भी उसके बराबर नहीं है जो आप अब सोचते हैं। यदि इस बात का ध्यान नहीं रखा गया तो आप कभी भी बातचीत में सहयोगी नहीं बन पाएंगे, आप एक फुलाए हुए गुरु बनकर रह जाएंगे।

विचार हवा में हैं, और उन्हें किसी मौखिक सूत्र में डालने की, वाक्यांशवैज्ञानिक मुहर की तलाश करने की कोई आवश्यकता नहीं है। प्रदर्शन का विचार काफी हद तक प्रदर्शन के दौरान बनता है। अनुभूति, धारणा आलंकारिक प्रणालीकला में जो सबसे महत्वपूर्ण है उसे जन्म देगा - जीवन की आध्यात्मिक समझ, उसकी धारणा, उसकी समझ। ये सभी प्रदर्शन बनाने वाली टीम की समानता और जनता के साथ प्रदर्शन की प्रक्रिया में सह-निर्माण के परिणाम हैं।

और एक और गुण है जो एक ओपेरा निर्देशक में होना चाहिए: वह है धैर्य. हमने कहा कि मालिकों गायन की आवाजेंउनमें अक्सर "खुशहाल कॉम्प्लेक्स" नहीं होता, यानी वे सभी गुण जिनकी हम एक कलाकार से अपेक्षा करते हैं। शीघ्रता के कारण, पालन-पोषण और प्रशिक्षण की परिस्थितियाँ जो हमें पहले से ज्ञात हैं, के अनुसार, ओपेरा कलाकारवह हमेशा अपनी क्षमताओं को स्वतंत्र रूप से विकसित करने का अवसर नहीं देखता है, उसे हमेशा इसके लिए जागृत आवश्यकता नहीं होती है। ऐसा होता है कि यह कलाकार की प्रतिभा के विकास को सीमित करने और जो हासिल किया गया है उसे समेकित करने की एक छोटी क्षमता के कारण के रूप में कार्य करता है। निर्देशक, थिएटर और स्वयं कलाकार की सफलता के नाम पर, अपनी दृढ़ता के साथ कार्य क्षमता और आत्म-मांग की गुणवत्ता को भरने के लिए मजबूर होते हैं जो कलाकार के पास नहीं है। इसमें व्यावसायिकता विकसित करें।

इस संबंध में मैं अक्सर कलाकारों को जीवनी से उदाहरण सुनाता हूं प्रसिद्ध गायकपॉलीन वियार्डोट. मुख्य चरित्रइस कहानी के संगीतकार और गायक मैनुअल गार्सिया हैं, जिन्हें आप पहले से ही जानते हैं। जैसा कि आपको याद है, वह पोलीना के पिता थे। “एक बार उन्होंने उनसे (पी. वियार्डोट से) शीट से एक नाटक पढ़ने के लिए कहा जो उन्होंने अभी-अभी लिखा था। पोलिना ने विचलित होकर खेला और दो बार गलती की। उसके पिता ने उसे डांटा, और उसने सब कुछ त्रुटिहीन तरीके से खेला, जिसके लिए उसे चेहरे पर एक थप्पड़ मिला। "आपने तुरंत ध्यान क्यों नहीं दिया? मैनुअल चिल्लाया. "आपने मुझे परेशान किया, मुझे थप्पड़ मारने के लिए मजबूर किया, और आप खुद भी आहत हुए।"

अक्सर ओपेरा प्रदर्शन के रिहर्सल में, कलाकार लापरवाह होता है, उसे यह एहसास नहीं होता कि यह उसके पेशे के लिए कितना हानिकारक है और प्रदर्शन के लिए कितना खतरनाक है। अक्सर हर चीज़ को छोटे-छोटे चुटकुलों से ढक दिया जाता है, जो रिहर्सल के मुख्य कार्य से भटका देता है। जो निर्देशक किसी अभिनेता से काम कराने में असफल रहता है वह शायद ही कभी सफल हो पाता है।

आप सोच भी नहीं सकते कि निर्देशक का काम सामान्य समझ, उत्साह और परिश्रम के माहौल में होता है. अक्सर, ओपेरा कला के सिद्धांतों के अपर्याप्त ज्ञान के कारण अभिनेता निर्देशक को समझ नहीं पाता है। अक्सर एक अभिनेता को "कष्टप्रद निर्देशक" के साथ काम करते समय परेशानी होती है। यहां निर्देशक का शैक्षणिक कौशल, अभिनेता को लुभाने, दिलचस्पी लेने और यहां तक ​​कि धोखा देने की क्षमता काम में आनी चाहिए। अनुभवी अभिनेता भी एक मायावी निर्देशन निर्णय को दरकिनार करके निर्देशक को धोखा देने की कोशिश करते हैं। ये आपसी धोखे, जो अक्सर दोनों पक्षों के लिए स्पष्ट होते हैं, कभी-कभी आपसी कलात्मक समाधान का स्रोत होते हैं, और कभी-कभी निर्देशक और अभिनेता के बीच एक दीवार बन जाते हैं। यहीं पर निर्देशक का धैर्य और धैर्य काम आता है।

ओपेरा प्रदर्शन का मंचन कैसे किया जाता है

शायद आप सोच रहे होंगे कि ओपेरा प्रदर्शन का मंचन कैसे किया जाता है? कल्पना कीजिए कि थिएटर एक ओपेरा का मंचन करने का निर्णय लेता है। क्या थिएटर में ऐसी आवाज़ें हैं जो इस ओपेरा को गाने में सक्षम हैं? यदि ऐसे वोट हैं, तो निदेशालय कलाकारों, निर्देशकों की संरचना और प्रदर्शन के जारी होने के समय का निर्धारण करने वाला एक आदेश जारी करता है।

काम शुरू हो गया है. पियानोवादक-कंसर्टमास्टर कलाकारों के साथ अपनी भूमिका सिखाते हैं। निर्देशक, कंडक्टर और कलाकार काम के बारे में बात कर रहे हैं, इसकी मुख्य अर्थ संबंधी विशेषताओं को परिभाषित कर रहे हैं और प्रदर्शन का मंचन कैसे किया जाएगा।

गायन मंडली गायक मंडली के साथ अपने हिस्से सीखती है। कलाकार दृश्यों और वेशभूषा के रेखाचित्र बनाता है, एक लेआउट डिजाइनर के साथ दृश्यों का लेआउट बनाता है; इस पर कलात्मक परिषद और प्रबंधन द्वारा चर्चा की जाती है और स्वीकार किया जाता है, जिसके बाद कार्यशालाओं में दृश्यों का उत्पादन शुरू होता है। इस बीच, गायकों ने अपने हिस्से सीखे और कंडक्टर द्वारा उनका स्वागत किया गया। स्वीकृत का मतलब क्या है? प्रदर्शन की शुद्धता, अभिव्यक्ति की जाँच की गई। पहले, कुछ कंडक्टर गायक के साथ काफी लंबे समय तक और विस्तार से काम करते थे, अब यह लगभग सार्वभौमिक रूप से अतीत की बात है। (जाहिरा तौर पर, कंडक्टर अब, ओपेरा प्रदर्शन में निर्देशक के कार्य की वृद्धि को महसूस करते हुए, उसे गायन की अभिव्यक्ति की चिंता सौंपता है।)

लेकिन अब संगीत की तैयारी पूरी हो गई है, और गायक रिहर्सल रूम में निर्देशक के पास जाते हैं, जहां गायकों को प्रत्येक एपिसोड के लिए उचित क्रियाएं दी जाती हैं, जहां गायक को अभिनेता बनना होता है। रिहर्सल कक्ष में, रिहर्सल मंच स्थानों पर होती है जिन्हें भविष्य के दृश्यों की तरह सटीक रूप से बंद कर दिया जाता है। फिर गाना बजानेवालों का दल कार्रवाई में शामिल हो जाता है, रिहर्सल मंच पर, पियानो पर, लेकिन दृश्यों में होती है।

इस समय, ऑर्केस्ट्रा और कंडक्टर सामान्य रिहर्सल की तैयारी कर रहे थे। रिहर्सल की एक श्रृंखला के बाद, जब वेशभूषा और मेकअप, और इस प्रदर्शन की सामग्री को धीरे-धीरे शामिल किया जाता है, तो एक ड्रेस रिहर्सल निर्धारित की जाती है (भविष्य के प्रदर्शन की तरह सब कुछ इस पर होना चाहिए) और प्रीमियर।

ओपेरा प्रदर्शन तैयार करने की ऐसी योजना आम तौर पर स्वीकार की जाती है, यह दशकों से विकसित एक परंपरा है। हालाँकि, ओपेरा प्रदर्शन के नए सौंदर्य पैटर्न में कुछ महत्वपूर्ण बदलावों की आवश्यकता है। आइए ये समायोजन करने का प्रयास करें।

यदि थिएटर में ऐसी आवाज़ें हैं जो किसी दिए गए स्कोर का प्रदर्शन कर सकती हैं, तो यह देखना आवश्यक है कि इन आवाज़ों के मालिक अपनी मनोवैज्ञानिक विशेषताओं में उस चरित्र से कैसे मेल खाते हैं जिसकी भूमिका निभाने के लिए दिए गए कलाकार को सौंपा गया है। यह पता लगाना आवश्यक है कि क्या यहां समझौते संभव हैं और ये समझौते प्रदर्शन में क्या लाएंगे। उदाहरण के लिए, शायद नाटक के निर्देशक का निर्णय मंटुआ के भविष्य के ड्यूक की बहुत बड़ी मोटाई को उचित ठहराएगा या इसके साथ सामंजस्य स्थापित करेगा पूर्ण अनुपस्थितिगिल्डा का किरदार निभाने वाली अभिनेत्री की जवानी।

काम, भविष्य के प्रदर्शन के कार्यों, इसकी विशेषताओं और अवधारणा के बारे में निर्देशक के साथ बातचीत के बाद अभिनेताओं द्वारा भागों का अध्ययन बेहतर है। बेशक, यह केवल सामान्य शब्दों में ही किया जा सकता है, यह देखते हुए कि कंडक्टर, कलाकार और अभिनेताओं का काम स्वयं अवधारणा के कार्यान्वयन को प्रभावित करेगा; अंतिम लक्ष्य को ध्यान में रखते हुए संगीत सामग्री सिखाई जानी चाहिए।

आगे। समय-समय पर, निर्देशक को अभिनेताओं द्वारा भागों को सीखने के पाठों में भाग लेने की सलाह दी जाती है ताकि गायक को उपयुक्त स्वरों की खोज करने की आवश्यकता हो - भाग के एक स्थान या किसी अन्य स्थान पर ध्वनि का रंग, मंच को बताना भविष्य के प्रदर्शन की स्थितियाँ. इसलिए संगीत की औपचारिक शिक्षा की तुलना अभिनेता की कल्पना के काम से की जा सकती है। भविष्य में नोट्स की अरचनात्मक याद पर काबू पाना बहुत मुश्किल होगा।

अतीत में, सभी मंच स्थितियाँ और आवाज़ के अभिव्यंजक रंग चिपके हुए लगते थे, औपचारिक रूप से सीखे गए नोट्स से जुड़े होते थे, और यदि वे ऐसा कर सकते थे, तो वे उनमें आत्मा और अर्थ पैदा करते थे। लेकिन यह पुनर्प्रशिक्षण हर किसी के लिए हमेशा संभव नहीं होता है। खेल को यंत्रवत् नहीं, बल्कि अर्थपूर्ण ढंग से सीखना बेहतर है, अर्थात् यह ध्यान में रखना कि यह पात्र कहाँ, कब और क्या करता है, किस दृष्टिकोण से करता है, उसका चरित्र क्या है। यहां, कक्षा में, तथाकथित संगीत-मुखर छवि का जन्म होता है, जो तब स्वाभाविक रूप से कार्यों, कर्मों और जीवित व्यक्ति के साथ जुड़ जाती है।

पहले उल्लेखित मिस-एन-सीन रिहर्सल अपने कार्यों का विस्तार करते हैं; यह प्रदर्शन में चरित्र की कई स्थितियों और कार्यों को आत्मसात करना नहीं है - यह प्रदर्शन में होने वाली घटनाओं में कलाकार के जैविक व्यवहार की खोज है। यह जो कुछ हो रहा है उसके बारे में अलग-अलग दृष्टिकोण और आकलन के साथ कई पात्रों की बातचीत है। यह एक सामूहिक प्रदर्शन है.

हालाँकि, इसका मतलब यह नहीं है कि रिहर्सल में प्रत्येक प्रतिभागी अपनी दिशा में खींचता है और निर्देशक की अवधारणा को कुचल देता है, बल्कि कार्रवाई के माध्यम से प्रकट होने और न केवल भागीदारी के साथ, बल्कि हर विवरण के निष्पादन में एक सामान्य रुचि है। निर्देशक का निर्देशन.

कठिन अवधि - एक ही कार्य को पूरा करने के लिए सभी टीमों का एकीकरण।

एक बड़े आधुनिक ओपेरा हाउस का संगठन, अपने मूल क्रम में, एक बड़ी टीम के प्रशासनिक विभाजन को अलग-अलग हिस्सों में प्रदान करता है: एकल कलाकार, गाना बजानेवालों, ऑर्केस्ट्रा, बैले, नकल कलाकारों की टुकड़ी। यह प्रशासनिक विभाजन पेशेवर विशेषताओं को बढ़ाता है, रचनात्मक तकनीकों की सीमाओं पर जोर देता है।

अनुभाग: सामान्य शैक्षणिक प्रौद्योगिकियाँ

बोल्शोई थिएटर, रूस का राज्य शैक्षणिक बोल्शोई थिएटर, प्रमुख रूसी थिएटर, ने ओपेरा और बैले कला की राष्ट्रीय परंपरा के निर्माण और विकास में उत्कृष्ट भूमिका निभाई है। इसकी उत्पत्ति 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में रूसी संस्कृति के उत्कर्ष, पेशेवर रंगमंच के उद्भव और विकास से जुड़ी है।

थिएटर की स्थापना 1776 में मॉस्को के परोपकारी राजकुमार पी. वी. उरुसोव और उद्यमी एम. मेडोक्स द्वारा की गई थी, जिन्हें नाट्य व्यवसाय के विकास के लिए सरकारी विशेषाधिकार प्राप्त हुआ था। मंडली का गठन एन. टिटोव के मॉस्को थिएटर मंडली, मॉस्को विश्वविद्यालय के थिएटर कलाकारों और सर्फ़ अभिनेताओं पी. उरुसोव के आधार पर किया गया था।

1780 में, मेडॉक्स ने मॉस्को में पेत्रोव्का के कोने पर एक इमारत बनाई, जिसे पेत्रोव्स्की थिएटर के नाम से जाना जाने लगा। यह पहला स्थायी व्यावसायिक थिएटर था।

मेडॉक्स का पेत्रोव्स्की थिएटर 25 वर्षों तक खड़ा रहा - 8 अक्टूबर, 1805 को इमारत जलकर खाक हो गई। नई इमारत का निर्माण के.आई. रॉसी द्वारा आर्बट स्क्वायर पर किया गया था। हालाँकि, यह लकड़ी का होने के कारण 1812 में नेपोलियन के आक्रमण के दौरान जलकर खाक हो गया।

1821 में, एक नए थिएटर का निर्माण शुरू हुआ, इस परियोजना का नेतृत्व वास्तुकार ओसिप बोवे ने किया था।

बोल्शोई थिएटर का निर्माण सबसे अधिक में से एक था महत्वपूर्ण कार्यबोवे, जिसने उन्हें प्रसिद्धि और गौरव दिलाया।

बोवे ओसिप इवानोविच (1784-1834) - रूसी वास्तुकार, साम्राज्य शैली के प्रतिनिधि। एक कलाकार के परिवार में जन्मे, जन्म से इतालवी। वह एक सूक्ष्म कलाकार थे जो जानते थे कि किसी रचनात्मक समाधान की सादगी और समीचीनता को वास्तुशिल्प रूपों और सजावट की परिष्कार और सुंदरता के साथ कैसे जोड़ा जाए। वास्तुकार को रूसी वास्तुकला की गहरी समझ थी, राष्ट्रीय परंपराओं के प्रति रचनात्मक दृष्टिकोण था, जिसने उनके काम की कई प्रगतिशील विशेषताओं को निर्धारित किया।

थिएटर का निर्माण 1824 में पूरा हुआ, 6 जनवरी, 1825 को नए भवन में पहला प्रदर्शन हुआ।

बोल्शोई पेट्रोव्स्की थिएटर, जो अंततः बोल्शोई के नाम से जाना जाने लगा, ने मिखाइल ग्लिंका के ओपेरा ए लाइफ फॉर द ज़ार और रुस्लान और ल्यूडमिला के प्रीमियर की मेजबानी की, और बैले ला सिलफाइड, गिजेल और एस्मेराल्डा का लगभग तुरंत बाद यूरोपीय प्रीमियर के लिए मंचन किया गया।

त्रासदी ने कुछ समय के लिए बोल्शोई थिएटर के काम को बाधित कर दिया: 1853 में, वास्तुकार ब्यूवैस द्वारा डिजाइन की गई राजसी इमारत जलकर राख हो गई। दृश्यावली, वेशभूषा, दुर्लभ वाद्ययंत्र, संगीत पुस्तकालय खो गए।

नियोक्लासिकल शैली में थिएटर की नई इमारत वास्तुकार अल्बर्ट कावोस द्वारा बनाई गई थी, जिसका उद्घाटन 20 अगस्त, 1856 को वी. बेलिनी के ओपेरा "द प्यूरिटानी" के साथ हुआ था।

कावोस ने इमारत के मुख्य हिस्से की सजावट में महत्वपूर्ण बदलाव किए, पोर्टिको के स्तंभों के आयनिक क्रम को एक समग्र के साथ बदल दिया। मुख्य अग्रभाग के ऊपरी हिस्से में भी महत्वपूर्ण परिवर्तन हुए: मुख्य पोर्टिको के ऊपर एक और पेडिमेंट दिखाई दिया; पोर्टिको के पेडिमेंट के ऊपर, अपोलो का अलबास्टर क्वाड्रिगा, जो पूरी तरह से आग में खो गया था, उसकी जगह लाल तांबे से ढकी धातु मिश्र धातु से बनी एक मूर्ति ने ले ली।

रूसी कोरियोग्राफिक कला को रूसी शास्त्रीय बैले की परंपराएं विरासत में मिली हैं, जिनमें से मुख्य विशेषताएं यथार्थवादी अभिविन्यास, लोकतंत्र और मानवतावाद हैं। परंपराओं के संरक्षण और विकास में एक बड़ी योग्यता बोल्शोई थिएटर के कोरियोग्राफरों और कलाकारों की है।

18वीं शताब्दी के अंत तक, रूस में बैले ने रूसी समाज की कला और जीवन में अपना स्थान ले लिया था, इसकी मुख्य विशेषताएं पश्चिमी स्कूलों (फ़्रेंच और इतालवी) और रूसी नृत्य प्लास्टिसिटी की विशेषताओं को मिलाकर निर्धारित की गई थीं। शास्त्रीय बैले के रूसी स्कूल ने अपना गठन शुरू किया, जिसमें निम्नलिखित परंपराएं शामिल हैं: यथार्थवादी अभिविन्यास, लोकतंत्र और मानवतावाद, साथ ही प्रदर्शन की अभिव्यक्ति और आध्यात्मिकता।

बोल्शोई थिएटर मंडली रूसी बैले के इतिहास में एक विशेष स्थान रखती है। इंपीरियल थिएटरों में दो में से एक, यह हमेशा पृष्ठभूमि में था, ध्यान और वित्तीय सब्सिडी दोनों से वंचित था, इसे "प्रांतीय" के रूप में सम्मानित किया गया था। इस बीच, मॉस्को बैले का अपना चेहरा, अपना चेहरा था, जो वापस आकार लेना शुरू कर दिया देर से XVIIपहली सदी की परंपरा. इसका गठन प्राचीन रूसी राजधानी के सांस्कृतिक वातावरण में हुआ था, जो शहर के जीवन पर निर्भर था, जहां राष्ट्रीय जड़ें हमेशा मजबूत थीं। राज्य के अधिकारी और पीटर्सबर्ग के दरबार के विपरीत, मॉस्को में पुराने रूसी कुलीनता और व्यापारियों ने माहौल तैयार किया, और एक निश्चित स्तर पर थिएटर के साथ निकटता से जुड़े विश्वविद्यालय मंडलों का प्रभाव बहुत अच्छा था।

राष्ट्रीय विषयों के प्रति एक विशेष झुकाव यहां लंबे समय से देखा गया है। हमेशा, जैसे ही पहला नृत्य प्रदर्शन मंच पर आया, लोक नृत्यों के कलाकारों को भारी सफलता मिली। दर्शक मेलोड्रामैटिक कथानकों से आकर्षित हुए और बैले में अभिनय को शुद्ध नृत्य से ऊपर महत्व दिया गया। कॉमेडीज़ बहुत लोकप्रिय थीं.

ई. हां सुरित्स लिखते हैं कि बोल्शोई बैले की परंपराएं 19वीं शताब्दी के दौरान मॉस्को थिएटर के अंदरूनी हिस्सों में विकसित हुईं, जिनकी अपनी विशेषताएं थीं, जिनमें कोरियोग्राफिक भी शामिल थी। यहां नाटकीय शुरुआत को हमेशा गीतात्मक पर प्राथमिकता दी गई, बाहरी कार्रवाई को आंतरिक की तुलना में अधिक ध्यान दिया गया। कॉमेडी आसानी से हास्य-विनोद में बदल गई, त्रासदी मेलोड्रामा में।

मॉस्को बैले की विशेषता चमकीले रंग, घटनाओं का गतिशील परिवर्तन, पात्रों का वैयक्तिकरण था। नृत्य सदैव नाटकीय खेल से युक्त रहा है। शास्त्रीय सिद्धांतों के संबंध में, स्वतंत्रता को आसानी से अनुमति दी गई थी: भावनाओं को प्रकट करने के लिए अकादमिक नृत्य के परिष्कृत अमूर्त रूप को यहां तोड़ दिया गया था, नृत्य ने अपना गुण खो दिया, चरित्र हासिल कर लिया। मॉस्को हमेशा अधिक लोकतांत्रिक और खुला रहा है - इसने नाटकीय प्रदर्शनों की सूची को प्रभावित किया, और बाद में - प्रदर्शन के तरीके को। शुष्क, आधिकारिक, संयमित पीटर्सबर्ग ने दुखद या पौराणिक सामग्री के बैले को प्राथमिकता दी, हंसमुख, शोरगुल वाले, भावनात्मक मास्को ने मेलोड्रामैटिक और हास्य बैले प्रदर्शन को प्राथमिकता दी। पीटर्सबर्ग बैले अभी भी शास्त्रीय कठोरता, अकादमिकता, नृत्य की कैंटिलीवरनेस से प्रतिष्ठित है, जबकि मॉस्को बैले ब्रावुरा, शक्तिशाली छलांग और एथलेटिसिज्म द्वारा प्रतिष्ठित है।

सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को दर्शकों की मांगों में अंतर, साथ ही प्रदर्शन शैलियों में अंतर, दोनों राजधानियों में काम करने वाले कोरियोग्राफरों द्वारा लंबे समय से महसूस किया गया है। 1820 के दशक में, श्री एल. डिडलो के प्रदर्शन की, जब उन्हें मॉस्को स्थानांतरित किया गया था, उनकी अत्यधिक स्वाभाविकता और "सरलीकरण" के लिए आलोचना की गई थी, जिसका उन्हें यहां सामना करना पड़ा था। और 1869 में, जब मारियस पेटिपा ने बोल्शोई थिएटर में अपना सबसे आनंदमय, शरारती, यथार्थवादी प्रदर्शन डॉन क्विक्सोट बनाया, तो उन्होंने दो साल बाद, सेंट पीटर्सबर्ग में, इसे मौलिक रूप से फिर से तैयार करना आवश्यक समझा। पहला "डॉन क्विक्सोट" लगभग पूरी तरह से स्पेनिश नृत्यों पर बनाया गया था, दूसरे संस्करण में, लोकतांत्रिक उद्देश्य पृष्ठभूमि में फीके पड़ गए: बैले के केंद्र में बैलेरीना का शानदार शास्त्रीय हिस्सा था। इस प्रकार के उदाहरण मॉस्को बैले के पूरे इतिहास में पाए जाते हैं।

बोल्शोई थिएटर के मंच पर रूसी राष्ट्रीय बैले की परंपराओं का गठन कोरियोग्राफर एडम पावलोविच ग्लुशकोवस्की की गतिविधियों से जुड़ा है, बाद में - 19वीं-20वीं शताब्दी के मोड़ पर बैलेरिनास एकातेरिना सांकोव्स्काया, नादेज़्दा बोगदानोवा, प्रस्कोव्या लेबेडेवा - कोंगोव रोस्लावलेवा, एडिलेड जूरी, एकातेरिना गेल्टसर, वासिली तिखोमीरोव, कोरियोग्राफर अलेक्जेंडर गोर्स्की।

वी. एम. पसुतिंस्काया का मानना ​​है कि ए. पी. ग्लुशकोवस्की एक प्रतिभाशाली नर्तक, कोरियोग्राफर और शिक्षक हैं। उन्होंने रूसी बैले थिएटर में रोमांटिक और यथार्थवादी परंपराओं के विकास के लिए बहुत कुछ किया, रूसी साहित्य के विषयों पर कई प्रदर्शन किए, व्यापक रूप से बैले के नृत्य स्कोर में तत्वों को पेश करना शुरू किया। लोक नृत्य. उन्होंने अपना पूरा जीवन बैले की कला को समर्पित कर दिया, मॉस्को बैले के "युवा" दिनों की सबसे मूल्यवान यादें छोड़ दीं।

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भाषण

ओपेरा शैलियाँ।

शब्द क्या करता है " ओपेरा"? इतालवी से अनुवादित - "कार्य", "रचना"।

इतालवी संगीतकारों के शुरुआती प्रयोगों में, संगीत प्रदर्शन कहा जाता था "संगीत में कहानी" या "संगीतमय कहानी",और इसमें विनम्रतापूर्वक जोड़ा गया - ओपेरा, यानी, ऐसे और ऐसे संगीतकार का काम।

ओपेरा -एक प्रकार का संगीतमय-नाटकीय कार्य।

ओपेरा शब्दों के संश्लेषण, क्रिया की नाटकीयता और संगीत पर आधारित है। अन्य प्रकारों के विपरीत नाटक थियेटरजहां संगीत सहायक, व्यावहारिक कार्य करता है, ओपेरा में संगीत मुख्य वाहक बन जाता है और प्रेरक शक्तिकार्रवाई. एक ओपेरा को एक समग्र, लगातार विकसित होने वाली संगीत और नाटकीय अवधारणा की आवश्यकता होती है।

सबसे महत्वपूर्ण, अपरिहार्य तत्व ओपेरा - गाना,बेहतरीन रंगों में मानवीय अनुभवों की एक समृद्ध श्रृंखला को व्यक्त करना। ओपेरा में मुखर स्वरों की एक अलग प्रणाली के माध्यम से, प्रत्येक चरित्र के व्यक्तिगत मानसिक गोदाम का पता चलता है, उसके चरित्र और स्वभाव की विशेषताएं प्रसारित होती हैं,

ओपेरा का उपयोग करता है विभिन्न शैलियाँघरेलू संगीत - गीत, नृत्य, मार्च.

ज्ञात:

ओपेरा पूर्ण या अपेक्षाकृत पूर्ण स्वर रूपों (एरिया, एरियोसो, कैवटिना, विभिन्न प्रकार के समूह, गायक मंडल) के विकल्प पर निर्मित होते हैं।

एक स्वीकार्य सस्वर पाठ गोदाम के ओपेरा, जिसमें कार्रवाई अलग-अलग एपिसोड में विभाजित किए बिना, लगातार विकसित होती है,

एकल शुरुआत की प्रधानता वाले ओपेरा

विकसित समूह या गायक मंडलियों के साथ ओपेरा।

पेन" थिएटर में एक नई शैली - संगीत नाटक के नाम के रूप में बना रहा।

ओपेरा की उत्पत्ति और विकास

इस प्रकार ओपेरा का जन्म इटली में हुआ। पहला सार्वजनिक प्रदर्शन दिया गया फ्लोरेंस मेंअक्टूबर 1600 में मेडिसी पैलेस में एक विवाह समारोह में। शिक्षित संगीत प्रेमियों के एक समूह ने विशिष्ट अतिथियों के सामने ऑर्फ़ियस और यूरीडाइस के बारे में उनकी लंबे समय से चली आ रही और लगातार खोज - "द लीजेंड इन म्यूज़िक" का फल पेश किया।

प्रदर्शन का पाठ कवि ओटावियो रिनुकिनी का था, संगीत जैकोपो पेरी का था, जो एक उत्कृष्ट ऑर्गेनिस्ट और गायक थे जिन्होंने नाटक में मुख्य भूमिका निभाई थी। वे दोनों कला प्रेमियों के एक समूह से संबंधित थे, जो ड्यूक ऑफ मेडिसी के दरबार में "मनोरंजन के आयोजक" काउंट जियोवानी बर्दी के घर में एकत्र हुए थे। एक ऊर्जावान और प्रतिभाशाली व्यक्ति, बर्दी अपने आसपास कई प्रतिनिधियों को समूहित करने में कामयाब रहे। कलात्मक दुनियाफ्लोरेंस. उनके "कैमराटा" ने न केवल संगीतकारों, बल्कि लेखकों और वैज्ञानिकों को भी एकजुट किया जो कला के सिद्धांत में रुचि रखते थे और इसके विकास को बढ़ावा देना चाहते थे।

अपने सौंदर्यशास्त्र में, वे पुनर्जागरण के उच्च मानवतावादी आदर्शों द्वारा निर्देशित थे, और यह विशेषता है कि तब भी, 17वीं शताब्दी की दहलीज पर, ओपेरा के रचनाकारों को मनुष्य की आध्यात्मिक दुनिया को प्राथमिक रूप में शामिल करने की समस्या का सामना करना पड़ा। काम। यह वह थीं जिन्होंने संगीत और प्रदर्शन कला के अभिसरण के मार्ग पर उनकी खोज को निर्देशित किया।

इटली में, यूरोप में अन्य जगहों की तरह, संगीत नाटकीय तमाशा के साथ था: गायन, नृत्य और वाद्य यंत्रों का व्यापक रूप से सामूहिक, वर्ग और उत्कृष्ट महल प्रदर्शनों में उपयोग किया जाता था। भावनात्मक प्रभाव को बढ़ाने, धारणाओं को बदलने, दर्शकों का मनोरंजन करने और मंच की घटनाओं को अधिक स्पष्ट रूप से समझने के लिए संगीत को कामचलाऊ तरीके से क्रियान्वित किया गया। वह कोई नाटकीय बोझ नहीं उठाती थी।

संगीत पेशेवर संगीतकारों द्वारा बनाया गया था और दरबारी संगीतकारों-कलाकारों द्वारा प्रस्तुत किया गया था। उन्होंने तकनीकी कठिनाइयों से परहेज किए बिना और संगीत को नाटकीय अभिव्यक्ति प्रदान करने का प्रयास किए बिना, स्वतंत्र रूप से लिखा। कुछ क्षणों में वे सफल हुए, लेकिन संगीत और मंच के बीच कोई वास्तविक नाटकीय संबंध अभी भी पैदा नहीं हुआ।

कई मायनों में, इसने संगीतकारों को रुचि की सामान्य अभिव्यक्ति तक सीमित कर दिया पॉलीफोनी के लिए - पॉलीफोनिक पत्र,कई शताब्दियों तक पेशेवर कला पर हावी रहा। और अब, 16वीं शताब्दी में, कई गायन और वाद्य स्वरों के अंतर्संबंध के कारण, रंगों की समृद्धि, ध्वनि की परिपूर्णता और गतिशीलता, युग की एक निर्विवाद कलात्मक विजय थी। हालाँकि, ओपेरा की स्थितियों में, पॉलीफोनी के लिए अत्यधिक उत्साह अक्सर दूसरा पक्ष निकला: पाठ का अर्थ, अलग-अलग आवाजों में और अलग-अलग समय पर गाना बजानेवालों में कई बार दोहराया गया, अक्सर श्रोता को समझ में नहीं आया; मोनोलॉग या संवादों में, जो पात्रों के व्यक्तिगत संबंधों को प्रकट करते हैं, उनकी टिप्पणियों के साथ कोरल प्रदर्शन स्पष्ट विरोधाभास में आ गया, और यहां तक ​​कि सबसे अभिव्यंजक पैंटोमाइम भी यहां नहीं बचा।

इस विरोधाभास को दूर करने की इच्छा ने बर्दी सर्कल के सदस्यों को उस खोज की ओर प्रेरित किया जिसने ओपेरा कला का आधार बनाया - सृजन के लिए एकरूपता- इसे प्राचीन ग्रीस में कहा जाता था एक वाद्य यंत्र के साथ एकल कलाकार द्वारा प्रस्तुत अभिव्यंजक राग।

मंडली के सदस्यों का सामान्य सपना ग्रीक त्रासदी को पुनर्जीवित करना था, यानी एक ऐसा प्रदर्शन बनाना, जो प्राचीन प्रदर्शनों की तरह, नाटक, संगीत और नृत्य को व्यवस्थित रूप से संयोजित करेगा। उस समय, प्रगतिशील इतालवी बुद्धिजीवी हेलस की कला से रोमांचित थे: हर कोई प्राचीन छवियों की लोकतंत्र और मानवता की प्रशंसा करता था। ग्रीक मॉडल का अनुकरण करते हुए, पुनर्जागरण मानवतावादियों ने पुरानी तपस्वी परंपराओं को दूर करने और कला को वास्तविकता का पूर्ण प्रतिबिंब देने की मांग की।

संगीतकारों ने खुद को चित्रकारों, मूर्तिकारों या कवियों की तुलना में अधिक कठिन स्थिति में पाया। जिन लोगों को पूर्वजों के कार्यों का अध्ययन करने का अवसर मिला, संगीतकारों ने प्राचीन दार्शनिकों और कवियों के बयानों के आधार पर ही हेलस के संगीत के बारे में अनुमान लगाया। उनके पास दस्तावेजी सामग्री नहीं थी: ग्रीक संगीत की कुछ जीवित रिकॉर्डिंग बहुत खंडित और अपूर्ण थीं, कोई नहीं जानता था कि उन्हें कैसे समझा जाए।

प्राचीन छंदीकरण की तकनीकों का अध्ययन करते हुए, संगीतकारों ने यह कल्पना करने की कोशिश की कि गायन में ऐसा भाषण कैसा होना चाहिए था। वे यह जानते थे यूनानी त्रासदीराग की लय पद्य की लय पर निर्भर करती थी, और स्वर पाठ में बताई गई भावनाओं को दर्शाता था कि पूर्वजों के बीच गायन प्रदर्शन का तरीका गायन और सामान्य भाषण के बीच कुछ था। मुखर माधुर्य और मानव भाषण के बीच का यह संबंध बर्दी सर्कल के उत्तरोत्तर इच्छुक सदस्यों को विशेष रूप से आकर्षक लगा, और उन्होंने उत्साहपूर्वक अपने कार्यों में प्राचीन नाटककारों के सिद्धांत को पुनर्जीवित करने का प्रयास किया।

इतालवी भाषण की "आवाज़" पर लंबी खोजों और प्रयोगों के बाद, सर्कल के सदस्यों ने न केवल माधुर्य में इसके विभिन्न स्वरों को व्यक्त करना सीखा - गुस्सा, पूछताछ, स्नेहपूर्ण, आह्वान, विनती, बल्कि उन्हें एक-दूसरे के साथ स्वतंत्र रूप से जोड़ना भी सीखा।

इस प्रकार एक नये प्रकार की स्वर-राग का जन्म हुआ - अर्ध-जप, अर्ध-वर्णनात्मकएकल के लिए अभिप्रेत पात्र वाद्ययंत्रों के साथ प्रदर्शन।मंडली के सदस्यों ने उसे एक नाम दिया "पाठात्मक"जिसका अनुवाद में अर्थ है "भाषण माधुर्य"। अब उनके पास अवसर था, यूनानियों की तरह, लचीले ढंग से पाठ का अनुसरण करने, उसके विभिन्न रंगों को व्यक्त करने का, और अपने सपने को पूरा कर सकते थे - उन नाटकीय एकालापों को संगीत में सेट करने के लिए जो उन्हें प्राचीन ग्रंथों में आकर्षित करते थे। इस तरह के नाटकीयकरण की सफलता ने बर्डी सर्कल के सदस्यों को सृजन के विचार से प्रेरित किया संगीतमय प्रदर्शनएकल कलाकार और गायक मंडल के साथ। इस तरह पहला ओपेरा "यूरीडाइस" (संगीतकार जे. पेरी) सामने आया, जिसका मंचन 1600 में ड्यूक ऑफ द मेडिसी के विवाह समारोह में किया गया था।

मेडिसी में उत्सव में भाग लिया क्लाउडियो मोंटेवेर्डी- उस समय के एक उत्कृष्ट इतालवी संगीतकार, उल्लेखनीय वाद्य और गायन रचनाओं के लेखक। वह स्वयं, बर्दी सर्कल के सदस्यों की तरह, लंबे समय से संगीत में मजबूत मानवीय भावनाओं को मूर्त रूप देने में सक्षम अभिव्यक्ति के नए साधनों की तलाश में थे। इसलिए, फ्लोरेंटाइन की उपलब्धियों में उनकी विशेष रुचि थी: उन्होंने समझा कि इस नए प्रकार के मंच संगीत से संगीतकार के लिए क्या संभावनाएं खुलती हैं। मंटुआ लौटने पर (मोंटेवेर्डी वहां ड्यूक ऑफ गोंजागो के दरबारी संगीतकार के रूप में थे), उन्होंने शौकीनों द्वारा शुरू किए गए प्रयोग को जारी रखने का फैसला किया। उनके दो ओपेरा, एक 1607 में, दूसरा 1608 में, भी इसी पर आधारित थे ग्रीक पौराणिक कथाएँ. इनमें से पहला, "ऑर्फ़ियस", पेरी द्वारा पहले से ही इस्तेमाल किए गए कथानक पर लिखा गया था।

लेकिन मोंटेवेर्डी यूनानियों की एक साधारण नकल पर नहीं रुके। मापा भाषण को अस्वीकार करते हुए, उन्होंने गति और लय में अचानक बदलाव के साथ, अभिव्यंजक विराम के साथ, सशक्त रूप से दयनीय स्वरों के साथ, जो मन की उत्तेजित स्थिति के साथ होता है, वास्तव में एक नाटकीय पाठ का निर्माण किया। इतना ही नहीं: प्रदर्शन के चरमोत्कर्ष पर, मोंटेवेर्डी ने परिचय दिया एरियास,वह है संगीतमय एकालाप जिसमें माधुर्य खो जाता है भाषण चरित्र, एक गीत की तरह मधुर और गोल हो गया।साथ ही, स्थिति के नाटक ने उन्हें पूरी तरह से नाटकीय विस्तार और भावनात्मकता प्रदान की। ऐसे एकालापों को कुशल गायकों द्वारा प्रस्तुत किया जाना था जिनकी आवाज और सांस पर उत्कृष्ट पकड़ थी। इसलिए इसका नाम "एरिया" पड़ा, जिसका शाब्दिक अर्थ है साँस, वायु.

सामूहिक दृश्यों को भी एक अलग दायरा मिला; मोंटेवेर्डी ने यहां चर्च की उत्कृष्ट तकनीकों का साहसपूर्वक उपयोग किया कोरल संगीतऔर उत्कृष्ट दरबारी गायन मंडलियों का संगीत, ओपेरा गायकों को मंच के लिए आवश्यक गतिशीलता प्रदान करता है।

ऑर्केस्ट्रा ने उससे और भी अधिक अभिव्यक्ति प्राप्त की। फ्लोरेंटाइन प्रदर्शनों के साथ-साथ पर्दे के पीछे से ल्यूटेन कलाकारों की टोली भी बज रही थी। मोंटेवेर्डी ने प्रदर्शन में अपने समय में मौजूद सभी उपकरणों को भी शामिल किया - तार, वुडविंड, पीतल, ट्रॉम्बोन तक (जो पहले चर्च में इस्तेमाल किया गया था), कई प्रकार के अंग, हार्पसीकोर्ड। इन नए रंगों और नए नाटकीय स्पर्शों ने लेखक को पात्रों और उनके परिवेश का अधिक स्पष्ट रूप से वर्णन करने की अनुमति दी। पहली बार, एक ओवरचर जैसा कुछ यहां दिखाई दिया: मोंटेवेर्डी ने अपने "ऑर्फ़ियस" को एक आर्केस्ट्रा "सिम्फनी" के साथ प्रस्तुत किया - इस तरह उन्होंने एक छोटा सा वाद्य परिचय कहा, जिसमें उन्होंने दो विषयों की तुलना की, जैसे कि विपरीत स्थितियों की आशंका हो नाटक। उनमें से एक - एक उज्ज्वल, रमणीय चरित्र - अप्सराओं, चरवाहों और चरवाहों के घेरे में यूरीडाइस के साथ ऑर्फियस की शादी की एक हर्षित तस्वीर की आशा करता था; दूसरा - उदास, कोरल वेयरहाउस - रहस्यमय दुनिया में ऑर्फ़ियस के मार्ग को दर्शाता है अंडरवर्ल्ड
(उस समय "सिम्फनी" शब्द का अर्थ कई उपकरणों की व्यंजन ध्वनि था। केवल बाद में, 18 वीं शताब्दी में, यह ऑर्केस्ट्रा के लिए एक संगीत कार्यक्रम को दर्शाने लगा, और फ्रांसीसी शब्द "ओवरचर" को ओपेरा परिचय के लिए सौंपा गया था , जिसका अर्थ है "संगीत जो क्रिया को खोलता है")।

इसलिए, "ऑर्फ़ियस" थाअब ओपेरा का एक प्रोटोटाइप नहीं, बल्कि एक उत्कृष्ट एक नई शैली का काम. हालाँकि, मंच के संदर्भ में, यह अभी भी बंधा हुआ था: घटना की कहानी अभी भी कार्रवाई के सीधे प्रसारण पर मोंटेवेर्डी की योजना पर हावी थी।

एक्शन में संगीतकारों की बढ़ी हुई रुचि तब दिखाई दी जब ऑपरेटिव शैली का लोकतांत्रिकरण शुरू हुआ, यानी श्रोताओं के एक विस्तृत और विविध समूह की सेवा करना। ओपेरा को अधिक से अधिक आकर्षक और सुलभ कथानक, अधिक से अधिक दृश्य क्रिया और प्रभावशाली मंच तकनीकों की आवश्यकता थी।

जनता पर नई शैली के प्रभाव की ताकत को कई दूरदर्शी हस्तियों ने सराहा और 17वीं शताब्दी के दौरान ओपेरा अलग-अलग हाथों में था - पहले रोमन मौलवियों के पास, जिन्होंने इसे धार्मिक आंदोलन का साधन बनाया, फिर उद्यमशील वेनिस के व्यापारियों के साथ, और अंत में, बिगड़ैल नियति कुलीन वर्ग के साथ, मनोरंजन के लक्ष्यों का पीछा करते हुए। लेकिन स्वाद और काम कितने भी अलग क्यों न हों थिएटर निर्देशक, ओपेरा के लोकतंत्रीकरण की प्रक्रिया लगातार विकसित हुई।

इसकी शुरुआत 20 के दशक में हुई थी रोम में, जहां कार्डिनल बारबेरिनी ने नए तमाशे से प्रसन्न होकर, विशेष रूप से पहला निर्माण किया ओपेरा थियेटर. रोम की पवित्र परंपरा के अनुसार, प्राचीन बुतपरस्त कहानियों का स्थान ईसाई कहानियों ने ले लिया: संतों का जीवन और पश्चाताप करने वाले पापियों के बारे में नैतिक कहानियाँ। लेकिन ऐसे प्रदर्शनों को जनता के बीच सफल बनाने के लिए, थिएटर के मालिकों को कई नवाचार करने पड़े। एक प्रभावशाली प्रदर्शन प्राप्त करने के लिए, उन्होंने कोई कसर नहीं छोड़ी: प्रदर्शन करने वाले संगीतकारों, गायकों, गायक मंडलियों और ऑर्केस्ट्रा ने दर्शकों को अपनी उत्कृष्टता से, और दृश्यों को अपनी रंगीनता से चकित कर दिया; सभी प्रकार के नाटकीय चमत्कार, स्वर्गदूतों और राक्षसों की उड़ानें, इतनी तकनीकी संपूर्णता के साथ की गईं कि एक जादुई भ्रम की अनुभूति हुई। लेकिन इससे भी अधिक महत्वपूर्ण तथ्य यह था कि, सामान्य श्रोताओं के स्वाद को पूरा करते हुए, रोमन संगीतकारों ने रोजमर्रा के हास्य दृश्यों को पवित्र विषयों में पेश करना शुरू कर दिया; कभी-कभी उन्होंने इस योजना में पूरे छोटे-छोटे प्रदर्शन बनाए। इस तरह सामान्य नायकों और रोजमर्रा की स्थितियों ने ओपेरा में प्रवेश किया - भविष्य के यथार्थवादी रंगमंच का जीवित अनाज।

वेनिस में- एक जीवंत वाणिज्यिक गणराज्य की राजधानी, 40 के दशक में ओपेरा पूरी तरह से अलग परिस्थितियों में गिर गया। इसके विकास में अग्रणी भूमिका उच्च श्रेणी के परोपकारियों की नहीं, बल्कि ऊर्जावान उद्यमियों की थी, जिन्हें सबसे पहले, बड़े पैमाने पर दर्शकों के स्वाद को ध्यान में रखना था। सच है, थिएटर की इमारतें (और उनकी) छोटी अवधिकई यहाँ बनाए गए थे) बहुत अधिक विनम्र हो गए। अंदर भीड़ थी और रोशनी इतनी ख़राब थी कि आगंतुकों को अपनी मोमबत्तियाँ लानी पड़ीं। लेकिन उद्यमियों ने तमाशा यथासंभव स्पष्ट करने की कोशिश की। यह वेनिस में था कि उन्होंने सबसे पहले ओपेरा की सामग्री का सारांश देने वाले मुद्रित पाठ तैयार करना शुरू किया। उन्हें छोटी पुस्तकों के रूप में प्रकाशित किया गया था जो आसानी से जेब में फिट हो जाती थीं और दर्शकों के लिए उन पर कार्रवाई की प्रक्रिया का पालन करना संभव हो जाता था। इसलिए ओपेरा ग्रंथों का नाम - "लिब्रेटो" (अनुवाद में - "छोटी किताब"), उनके पीछे हमेशा के लिए मजबूत हो गया।

प्राचीन साहित्यसामान्य वेनेशियनों को इसके बारे में बहुत कम जानकारी थी, इसलिए ओपेरा में प्राचीन ग्रीस के नायकों के साथ-साथ ऐतिहासिक शख्सियतें भी दिखाई देने लगीं; मुख्य बात कथानकों का नाटकीय विकास था - वे अब तूफानी कारनामों और सरलता से बुनी गई साज़िशों से भरपूर थे। 1640 में वेनिस चले गए मोंटेवेर्डी के अलावा कोई और नहीं, अपनी तरह के पहले ओपेरा - द कोरोनेशन ऑफ पोम्पेई के निर्माता बने।

वेनिस में ओपेरा प्रदर्शन की संरचना महत्वपूर्ण रूप से बदल रही है: उद्यमियों के लिए एक महंगे कार्यक्रम को बनाए रखने की तुलना में कई उत्कृष्ट गायकों को आमंत्रित करना अधिक लाभदायक था। गाना बजानेवालों, इसलिए भीड़ वाले दृश्यों ने धीरे-धीरे अपना अर्थ खो दिया। ऑर्केस्ट्रा का आकार छोटा कर दिया गया है. लेकिन एकल भाग और भी अधिक अभिव्यंजक हो गए हैं, और गायन कला के सबसे भावनात्मक रूप, अरिया में संगीतकारों की रुचि काफ़ी बढ़ गई है। इसकी रूपरेखा जितनी दूर, सरल और अधिक सुलभ होती गई, उतनी ही अधिक बार वेनिस के लोक गीतों के स्वर इसमें प्रवेश करते गए। मोंटेवेर्डी के अनुयायी और छात्र - युवा वेनेशियन कैवल्ली और ऑनर - के साथ बढ़ते संबंध के कारण मातृभाषाअपना देने में कामयाब रहे मंच छवियाँमनोरम नाटक और औसत श्रोता के लिए उनके मार्ग को समझने योग्य बनाते हैं। हालाँकि, जनता का सबसे बड़ा प्यार अभी भी हास्य एपिसोड द्वारा प्राप्त किया गया था, जो एक्शन को भरपूर रूप से संतृप्त करता था। संगीतकारों ने उनके लिए मंचीय सामग्री सीधे स्थानीय जीवन से प्राप्त की; यहां के अभिनेता नौकर, नौकरानियां, नाई, कारीगर, व्यापारी थे, जो प्रतिदिन वेनिस के बाजारों और चौराहों को अपनी जीवंत आवाज और गीत से भर देते थे। इस प्रकार, वेनिस ने न केवल कथानकों और छवियों, बल्कि ओपेरा की भाषा और रूपों के भी लोकतंत्रीकरण की दिशा में एक निर्णायक कदम उठाया।

इन रूपों के विकास में अंतिम भूमिका इसी की है नेपल्स. यहां थिएटर बहुत बाद में, 60 के दशक में ही बनाया गया था। यह एक आलीशान इमारत थी, जहां सर्वोत्तम स्थानकुलीन वर्ग (मेज़ानाइन और बक्से) को दिए गए थे, और स्टॉल शहरी जनता के लिए थे। सबसे पहले, फ्लोरेंटाइन, रोमन, वेनिसियन ओपेरा का मंचन यहां किया गया था। हालाँकि, बहुत जल्द, नेपल्स में अपना स्वयं का रचनात्मक स्कूल बनाया गया।

स्थानीय संगीतकारों और कलाकारों के कार्मिकों की आपूर्ति की गई "संरक्षक"- उस समय ऐसा कहा जाता था बड़े चर्चों में अनाथालय।पहले, बच्चों को यहां शिल्प सिखाया जाता था, लेकिन समय के साथ, चर्च ने इस बात को ध्यान में रखा कि विद्यार्थियों को गायकों और संगीतकारों के रूप में उपयोग करना उसके लिए अधिक लाभदायक था। इसलिए, संगीत शिक्षण ने रूढ़िवादियों के अभ्यास में अग्रणी स्थान ले लिया है। विद्यार्थियों को रहने की खराब परिस्थितियों के बावजूद, उनके लिए आवश्यकताएं बहुत अधिक थीं: उन्हें गायन, संगीत सिद्धांत, विभिन्न वाद्ययंत्र बजाना और सबसे प्रतिभाशाली - रचना सिखाई जाती थी। पाठ्यक्रम पूरा करने वाले सर्वश्रेष्ठ छात्र अपने छोटे साथियों के शिक्षक बन गए।

रूढ़िवादियों के विद्यार्थियों के पास, एक नियम के रूप में, लिखने की एक स्वतंत्र तकनीक थी; वे गायन कला के रहस्यों को विशेष रूप से अच्छी तरह से जानते थे, क्योंकि बचपन से ही वे गाना बजानेवालों और एकल में गाते थे। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि यह नियपोलिटन ही थे जिन्होंने ओपेरा गायन के उस प्रकार को मंजूरी दी थी जो इतिहास में इस नाम से दर्ज हुआ "बेल कांटो"वह है सुंदर गायन. इसका मतलब व्यापक मधुर धुनों को सुचारू रूप से बजाने की क्षमता है, जो आवाज की एक बड़ी रेंज और रजिस्टरों और सांस लेने में महारत हासिल करने के लिए डिज़ाइन की गई है। धुनें आम तौर पर गुणी अलंकरणों से भरपूर होती हैं, जिसमें प्रवाह के साथ, निष्पादन की समान सहजता बनाए रखनी होती है।

बेल कैंटो शैली ने एरिया के विकास में और योगदान दिया, जिसे उस समय तक सस्वर पाठ पर स्पष्ट प्रभुत्व प्राप्त हो चुका था। नियपोलिटन ने अनुभव का उपयोग किया
पूर्ववर्तियों ने, लेकिन स्वर एकालाप के इस पसंदीदा रूप को पूर्ण स्वतंत्रता और मधुर पूर्णता प्रदान की। उन्होंने कई विपरीत प्रकार के एरिया विकसित किए और उन्हें व्यवहार में लाया। तो वहाँ थे एरियास दयनीयजिसने क्रोध, ईर्ष्या, निराशा, जुनून को मूर्त रूप दिया; ब्रावुरा एरियास- प्रसन्नचित्त, उग्रवादी, प्रेरक, वीर; एरिया शोकाकुल-मरना, वादी, गिड़गिड़ाना; एरियस रमणीय- कामुक, मैत्रीपूर्ण, स्वप्निल, देहाती; आखिरकार, घरेलू एरिया- शराब पीना, मार्च करना, नाचना, हास्य। प्रत्येक प्रकार की अपनी अभिव्यंजक तकनीकें थीं।

तो, दयनीय अरिया, भिन्न तेज़ी से, आवाज के चौड़े स्ट्रोक, तूफानी, लंबे रोल; रंगों में सभी अंतरों के बावजूद, उनके माधुर्य को अतिरंजित दयनीय स्वर की विशेषता थी।

दुःखद अरिया - महान संयम और स्वर की सरलता से प्रतिष्ठित; उन्हें विशेष मधुर चालों की विशेषता थी जो "सिसकने" की नकल करती थीं।

प्यार और दोस्ती के एरिया में अक्सर नरम, ईमानदार चरित्र, ध्वनि का उज्ज्वल रंग, छोटे, पारदर्शी अनुग्रह से सजाया जाता है।

घरेलू अरिया का लोक गीत और नृत्य संगीत से गहरा संबंध है और इसके कारण वे एक स्पष्ट, लोचदार लयबद्ध संरचना के साथ सामने आते हैं।

सामूहिक दृश्यों में, विशेष रूप से उत्सव, गंभीर ओपेरा प्रदर्शन में, नेपोलिटन्स ने स्वेच्छा से उपयोग किया गाना बजानेवालों.लेकिन उनकी भूमिका नाटकीय से अधिक सजावटी थी: कार्रवाई के विकास में जनता की भागीदारी नगण्य थी; इसके अलावा, कोरल भागों की प्रस्तुति अक्सर इतनी सरल होती थी कि कई एकल कलाकार कोरल समूह की जगह ले सकते थे।

दूसरी ओर, ऑर्केस्ट्रा को भागों की अत्यंत सूक्ष्म और गतिशील व्याख्या द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था। अकारण नहीं, नेपल्स में, इतालवी ओपेरा प्रस्ताव का रूप आखिरकार आकार ले लिया। ओपेरा का दायरा जितना अधिक विस्तारित होता गया, उतना ही इसे ऐसे प्रारंभिक परिचय की आवश्यकता होती थी, जो श्रोता को प्रदर्शन की धारणा के लिए तैयार करता था।

इसलिए प्रथम शताब्दी के बाद इतालवी ओपेरा की संरचना क्या थी?

संक्षेप में, यह था एरिया चेन, स्पष्ट रूप से और पूरी तरह से मजबूत मानवीय भावनाओं को मूर्त रूप देता है, लेकिन किसी भी तरह से घटनाओं के विकास की प्रक्रिया को व्यक्त नहीं करता है। उस समय स्टेज एक्शन की अवधारणा अब की तुलना में अलग थी: ओपेरा थी चित्रों का विविध उत्तराधिकारऔर ऐसी घटनाएँ जिनका कोई सख्त तार्किक संबंध नहीं था। यह विविधता, दृश्यों में तेजी से बदलाव, समय और मनमोहक दृश्य था जिसने दर्शकों को प्रभावित किया। ओपेरा के संगीत में, संगीतकारों ने भी समग्रता की सुसंगतता के लिए प्रयास नहीं किया, इस तथ्य से संतुष्ट होकर कि उन्होंने सामग्री में पूर्ण, विपरीत संगीत एपिसोड की एक श्रृंखला बनाई। यह इस तथ्य को भी स्पष्ट करता है कि सस्वर पाठ, जो फ्लोरेंटाइन के बीच नाटकीयता का मुख्य आधार थे, नेपल्स में अपना महत्व खोने लगे। 18वीं सदी की शुरुआत में, प्रमुख ओपेरा गायकउन्होंने "सेको" सस्वर पाठ करना भी आवश्यक नहीं समझा: उन्होंने उन्हें अतिरिक्त लोगों को सौंप दिया, जबकि वे स्वयं उस समय मंच के चारों ओर घूम रहे थे, प्रशंसकों के उत्साही अभिवादन का जवाब दे रहे थे।

इस प्रकार, गायक की तानाशाही ने धीरे-धीरे खुद को सम्मान में स्थापित कर लिया, जिसमें संगीतकार से अपनी इच्छानुसार किसी भी बदलाव और किसी भी सम्मिलन की मांग करने का अधिकार था। यह गायकों के लिए श्रेय की बात नहीं है, उन्होंने अक्सर इस अधिकार का दुरुपयोग किया:

कुछ लोगों ने इस बात पर जोर दिया कि ओपेरा, और जो वे गाते हैं, उसमें आवश्यक रूप से कालकोठरी का एक दृश्य शामिल होना चाहिए, जहां कोई घुटने टेककर और बेड़ी वाले हाथों को आकाश की ओर फैलाकर शोकपूर्ण अरिया का प्रदर्शन कर सकता है;

दूसरों ने घोड़े पर बैठकर अपना निकास एकालाप करना पसंद किया;

फिर भी अन्य लोगों ने मांग की कि किसी भी एरिया में ट्रिल्स और पैसेज डाले जाएं, जिसमें वे विशेष रूप से अच्छे थे।

संगीतकार को ऐसी सभी आवश्यकताओं को पूरा करना था। इसके अलावा, गायक, जिनके पास उस समय, एक नियम के रूप में, एक ठोस सैद्धांतिक पृष्ठभूमि थी, ने मनमाने ढंग से अरिया के अंतिम खंड (तथाकथित आश्चर्य) में बदलाव करना शुरू कर दिया और इसे रंगतुरा से सुसज्जित किया, कभी-कभी इतना प्रचुर मात्रा में कि यह संगीतकार की धुन को पहचानना मुश्किल था।

तो, उच्चतम कौशल "बेल कैंटो" गाना- स्वयं संगीतकारों का काम अंततः उनके विरुद्ध हो गया; नाटक और संगीत का संश्लेषण, जिसकी इस शैली के संस्थापक, फ्लोरेंटाइन, ने आकांक्षा की थी, कभी प्राप्त नहीं हुआ।

18वीं शताब्दी की शुरुआत में एक ओपेरा प्रदर्शन अधिक पसंद आया "वेशभूषा में संगीत कार्यक्रम"एक सुसंगत नाटकीय तमाशा की तुलना में।

फिर भी, इस अपूर्ण रूप में भी, कई प्रकार की कलाओं के संयोजन का दर्शकों पर ऐसा प्रभाव पड़ा। भावनात्मक प्रभावकि ओपेरा को अन्य सभी प्रकार की नाटकीय कलाओं के बीच एक प्रमुख महत्व प्राप्त हुआ। 17वीं और 18वीं शताब्दी के दौरान, वह न केवल इटली में, बल्कि अन्य यूरोपीय देशों में भी थिएटर मंच की मान्यता प्राप्त रानी थीं। तथ्य यह है कि इतालवी ओपेरा ने बहुत जल्द ही अपना प्रभाव अपनी मातृभूमि की सीमाओं से कहीं आगे तक फैला दिया।

पहले से ही 17वीं शताब्दी (1647) के 40 के दशक में, रोमन ओपेरा मंडली ने पेरिस का दौरा किया। क्या यह सच है , फ्रांस में- मजबूत राष्ट्रीयता वाला देश - कलात्मक परंपराएँउनके लिए जीतना आसान नहीं था. फ्रांसीसियों के पास पहले से ही एक अच्छी तरह से स्थापित नाटकीय थिएटर था, जिसमें कॉर्निले और रैसीन की त्रासदियों का बोलबाला था, और मोलिएरे का शानदार कॉमेडी थिएटर था; 16वीं शताब्दी से, दरबार में बैले का मंचन किया जाता था, और अभिजात वर्ग के बीच उनके लिए उत्साह इतना अधिक था कि राजा स्वयं स्वेच्छा से बैले प्रस्तुतियों में प्रदर्शन करते थे। इतालवी ओपेरा के विपरीत, फ्रांसीसी चश्मे को कथानक के विकास में एक सख्त अनुक्रम द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था, और अभिनेताओं के तरीके और व्यवहार सबसे सख्त अदालत समारोह के अधीन थे। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि इतालवी प्रदर्शन पेरिसियों को अव्यवस्थित लग रहा था, और ऑपरेटिव सस्वर अप्रभावी थे - फ्रांसीसी अधिक आकर्षक के आदी थे

और इसके नाटकीय अभिनेताओं की अतिरंजित रूप से दयनीय अभिनय शैली। एक शब्द में, इतालवी रंगमंच यहाँ विफल रहा; लेकिन फिर भी नई शैली में पेरिसवासियों की रुचि थी, और विदेशी कलाकारों के जाने के तुरंत बाद, अपना स्वयं का ओपेरा बनाने का प्रयास शुरू हुआ। पहले ही प्रयोग सफल रहे; जब लुली, एक उत्कृष्ट दरबारी संगीतकार, जिस पर राजा का पूर्ण विश्वास था, ने मामलों को अपने हाथों में ले लिया, तो कुछ ही वर्षों में फ्रांस में एक राष्ट्रीय ओपेरा हाउस का उदय हुआ।

लूली द्वारा गीतात्मक त्रासदियों में (जैसा कि उन्होंने अपने ओपेरा कहा था), उस समय के फ्रांसीसी सौंदर्यशास्त्र को एक अद्भुत अवतार मिला: कथानक और संगीत के विकास के सामंजस्य और तर्क को यहां उत्पादन की वास्तव में शाही विलासिता के साथ जोड़ा गया था। गाना बजानेवालों और बैले प्रदर्शन के लगभग मुख्य स्तंभ थे। ऑर्केस्ट्रा अपनी अभिव्यक्ति और प्रदर्शन के अनुशासन के लिए पूरे यूरोप में प्रसिद्ध हो गया। गायक-एकल कलाकारों ने भी उत्कृष्ट प्रदर्शन किया प्रसिद्ध अभिनेतानाटकीय दृश्य, जो उनके लिए एक मॉडल के रूप में काम करता था (लुली ने स्वयं सस्वर पाठ की शिक्षा ली थी सर्वश्रेष्ठ अभिनेत्रीउस समय चनमेले. और, सस्वर पाठ और अरिया बनाकर, पहले उनका पाठ किया, और फिर संगीत में उपयुक्त अभिव्यक्ति की तलाश की)।

इन सभी ने फ्रांसीसी ओपेरा को ऐसी विशेषताएं प्रदान कीं जो सामान्य विषयों और कथानकों (प्राचीन पौराणिक कथाओं और शूरवीर महाकाव्य पर आधारित वीरता) के बावजूद, कई मायनों में इतालवी से भिन्न हैं। इस प्रकार, मंच शब्द की उच्च संस्कृति, फ्रांसीसी नाटक की विशेषता, यहाँ ऑपरेटिव सस्वर पाठ की प्रमुख भूमिका में परिलक्षित होती है, कुछ हद तक कठोर, कभी-कभी अनावश्यक रूप से ज्वलंत नाटकीय अभिव्यक्ति के साथ संपन्न भी। एरिया, जिसने इतालवी ओपेरा में एक प्रमुख भूमिका निभाई, ने एक अधिक विनम्र स्थिति पर कब्जा कर लिया, जो एक सस्वर एकालाप के संक्षिप्त निष्कर्ष के रूप में कार्य करता था।

कलाप्रवीण रंगतुरा और इटालियंस का जुनून ऊंची आवाजेंकास्त्राती भी फ्रांसीसियों की कलात्मक मांगों के प्रति विदेशी साबित हुई। लूली ने केवल प्राकृतिक पुरुष आवाज़ों के लिए लिखा, और महिला भागों में उन्होंने अत्यधिक ऊँची ध्वनियों का सहारा नहीं लिया। उन्होंने आर्केस्ट्रा वाद्ययंत्रों की मदद से ओपेरा में समान ध्वनि प्रभाव हासिल किया, जिसकी लय का उन्होंने इटालियंस की तुलना में अधिक व्यापक और अधिक सरलता से उपयोग किया। गायन में उन्होंने सबसे अधिक इसकी नाटकीय सार्थकता की सराहना की।

"निम्न" हास्य क्षण - पात्र, स्थितियाँ, साइडशो इटली में इतने लोकप्रिय हैं - इस कड़ाई से व्यवस्थित दुनिया में अनुमति नहीं थी। तमाशे का मनोरंजक पक्ष नृत्य की प्रचुरता थी। उन्हें किसी भी कार्य में, किसी भी कारण से, हर्षित या शोकपूर्ण, गंभीर या विशुद्ध रूप से गीतात्मक (उदाहरण के लिए, प्रेम दृश्यों में) पेश किया गया था, प्रदर्शन की उदात्त संरचना का उल्लंघन किए बिना, लेकिन इसमें विविधता और हल्कापन पेश किया गया था। फ्रांसीसी ओपेरा के नाट्यशास्त्र में कोरियोग्राफी की इस सक्रिय भूमिका के कारण जल्द ही एक विशेष प्रकार के संगीत प्रदर्शन का उदय हुआ: ओपेरा-बैले, जहां गायन-मंच और नृत्य कलासमान शर्तों पर बातचीत की।

इस प्रकार, इतालवी प्रदर्शन, जिसे पेरिस में सहानुभूतिपूर्ण प्रतिक्रिया नहीं मिली, ने यहां एक प्रोत्साहन की भूमिका निभाई, जिससे राष्ट्रीय ओपेरा संस्कृति के विकास को बढ़ावा मिला।

अन्य देशों में स्थिति अलग थी:

ऑस्ट्रिया,उदाहरण के लिए, वह फ़्रांस (40 के दशक की शुरुआत) के साथ-साथ इतालवी संगीतकारों के कार्यों से परिचित हुई। इतालवी वास्तुकारों, संगीतकारों, गायकों को वियना में आमंत्रित किया गया था, और जल्द ही एक शानदार मंडली और शानदार ढंग से सुसज्जित दृश्यों के साथ एक कोर्ट ओपेरा हाउस शाही महल के क्षेत्र में दिखाई दिया। इन प्रस्तुतियों में अक्सर विनीज़ कुलीन वर्ग और यहाँ तक कि शाही परिवार के सदस्य भी शामिल होते थे। कभी-कभी औपचारिक प्रदर्शनों को चौराहे तक ले जाया जाता था ताकि शहरवासी भी नई उत्कृष्ट कला से जुड़ सकें।

बाद में (17वीं सदी के अंत में) नियपोलिटन मंडलियाँ उतनी ही मजबूती से स्थापित हो गईं इंग्लैंड, जर्मनी, स्पेन- जहां भी अदालती जीवन ने उन्हें एक नया पैर जमाने का मौका दिया। इस प्रकार, यूरोपीय अदालतों में एक प्रमुख स्थान पर कब्जा करते हुए, इतालवी ओपेरा ने दोहरी भूमिका निभाई: इसने निस्संदेह एक मूल राष्ट्रीय संस्कृति के विकास में बाधा डाली, कभी-कभी लंबे समय तक इसके अंकुरों को भी दबा दिया; साथ ही, नई शैली और अपने कलाकारों के कौशल में रुचि जगाते हुए, उन्होंने हर जगह संगीत के स्वाद और ओपेरा हाउस के प्रति प्रेम के विकास में योगदान दिया।

इतने बड़े देश में ऑस्ट्रिया,इतालवी और घरेलू संस्कृतियों की परस्पर क्रिया ने सबसे पहले नाटकीय परंपराओं के मेल-मिलाप और पारस्परिक संवर्धन को जन्म दिया। ऑस्ट्रियाई कुलीन वर्ग के व्यक्ति में, वियना में काम करने वाले इतालवी संगीतकारों को एक ग्रहणशील, संगीत की दृष्टि से शिक्षित दर्शक वर्ग मिला, जिसने विदेशी नवाचारों को आसानी से आत्मसात कर लिया, लेकिन साथ ही अपने स्वयं के अधिकार और देश के कलात्मक जीवन के मूल तरीके की रक्षा की। इतालवी ओपेरा के लिए सबसे बड़े जुनून के समय भी, वियना ने ऑस्ट्रियाई मास्टर्स की कोरल पॉलीफोनी को उसी प्राथमिकता के साथ माना। उन्होंने कोरियोग्राफिक कला की अन्य किस्मों की तुलना में राष्ट्रीय नृत्यों को प्राथमिकता दी और उच्च-समाज के घुड़सवारी बैले - शाही दरबार की सुंदरता और गौरव - के साथ-साथ, वह पुराने समय से ही लोगों के सार्वजनिक प्रदर्शनों, विशेषकर प्रहसनों के प्रति उदासीन नहीं थीं। अपनी हँसमुख, शरारती हाजिरजवाबी और हास्यास्पद चालों के साथ।

ऐसे दर्शकों पर महारत हासिल करने के लिए, उसके स्वाद की मौलिकता पर विचार करना आवश्यक था, और इतालवी संगीतकारों ने इस संबंध में पर्याप्त लचीलापन दिखाया। विनीज़ पर भरोसा करते हुए, उन्होंने स्वेच्छा से ओपेरा में कोरल दृश्यों और प्रमुख वाद्य एपिसोड के पॉलीफोनिक विकास को गहरा कर दिया (अपनी मातृभूमि की तुलना में उन पर अधिक ध्यान दिया); बैले संगीत, एक नियम के रूप में, उनके विनीज़ सहयोगियों को सौंपा गया था - स्थानीय नृत्य लोककथाओं के पारखी; कॉमेडी इंटरल्यूड्स में, उन्होंने ऑस्ट्रियाई लोक थिएटर के अनुभव का व्यापक रूप से सहारा लिया, इससे मजाकिया कथानक चालें और तकनीकें उधार लीं। इस प्रकार, राष्ट्रीय कला के विभिन्न क्षेत्रों के साथ संपर्क स्थापित करके, उन्होंने इतालवी, या बल्कि "इतालवी" ओपेरा को सबसे अधिक मान्यता प्रदान की। व्यापक वृत्तराजधानी की जनसंख्या. ऑस्ट्रिया के लिए, इस तरह की पहल के अन्य, अधिक महत्वपूर्ण परिणाम थे: राजधानी की गतिविधियों में स्थानीय बलों की भागीदारी ओपेरा मंच, राष्ट्रीय ओपेरा कर्मियों के आगे स्वतंत्र विकास के लिए एक शर्त थी।

60 के दशक की शुरुआत से, इतालवी ओपेरा ने अपना विजयी जुलूस शुरू किया जर्मन भूमि के पार।इस चरण को कई ओपेरा हाउसों के खुलने से चिह्नित किया गया था - ड्रेसडेन (1660), हैम्बर्ग (1671), लीपज़िग (1685), ब्राउनश्वेग (1690) में और विदेशी प्रतिस्पर्धा के साथ जर्मन संगीतकारों का कठिन, असमान संघर्ष।

ड्रेसडेन थिएटर इसका स्थायी गढ़ बन गया, जहां सैक्सोनी के निर्वाचक ने एक उत्कृष्ट इतालवी मंडली को आमंत्रित किया। ड्रेसडेन प्रदर्शन की शानदार सफलता ने इटालियंस के लिए अन्य जर्मन अदालतों तक भी पहुंच आसान बना दी। हालाँकि, उनके दबाव का राष्ट्रीय संस्कृति के समर्थकों की ऊर्जा ने प्रतिकार किया, जिनमें उच्च पदस्थ अधिकारी और शिक्षित बर्गर और उन्नत पेशेवर संगीतकार दोनों शामिल थे। लेकिन देशभक्तों का आम दुर्भाग्य देश में ओपेरा कर्मियों की कमी थी: जर्मनी अपनी कोरल संस्कृति और उत्कृष्ट वाद्ययंत्रवादियों के लिए प्रसिद्ध था, लेकिन उसके पास विशिष्ट ओपेरा प्रशिक्षण और मंच पर रहने की क्षमता वाले एकल गायक नहीं थे, इसलिए यह था एक पूर्ण मंडली को इकट्ठा करना कोई आसान, कभी-कभी अघुलनशील कार्य नहीं है। ड्यूक ऑफ ब्रंसविक को प्रदर्शन के मंचन के लिए वीसेनफेल्स में गायकों को "उधार" लेना पड़ा और यहां तक ​​कि ग्राज़ के शौकिया छात्रों को भी आकर्षित करना पड़ा।

केवल हैम्बर्ग थिएटर, जो धनी हैन्सियाटिक व्यापारियों द्वारा वित्तपोषित था, बेहतर स्थिति में था: वहाँ एक रंगीन और खराब तैयारी थी, लेकिन फिर भी स्थायी मंडली, और इससे शहर में नियमित नाट्य जीवन स्थापित करना संभव हो गया। आश्चर्य की बात नहीं, हैम्बर्ग कई जर्मन संगीतकारों के लिए आकर्षण का केंद्र बन गया है।

तो, हम देखते हैं कि पहले से ही अपने विकास की शुरुआत में, प्रत्येक देश में ओपेरा ने अपने तरीके खोजने और इस या उस लोगों के स्वाद और कलात्मक झुकाव को व्यक्त करने की कोशिश की।

ओपेरा सबसे महत्वपूर्ण संगीत और नाट्य शैलियों में से एक है। वह संगीत, गायन, चित्रकला और अभिनय का मिश्रण हैं और भक्तों द्वारा उनका बहुत सम्मान किया जाता है। शास्त्रीय कला. यह आश्चर्य की बात नहीं है कि संगीत की शिक्षा में बच्चे को सबसे पहले इसी विषय पर एक रिपोर्ट दी जाती है।

के साथ संपर्क में

इसकी शुरुआत कहां से होती है

इसकी शुरुआत एक प्रस्ताव से होती है. यह सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा द्वारा बजाया गया परिचय है. नाटक के मूड और माहौल को सेट करने के लिए डिज़ाइन किया गया।

क्या चल रहा है

ओवरचर के बाद प्रदर्शन का मुख्य भाग आता है। यह एक भव्य कार्रवाई है, जो कृत्यों में विभाजित है - प्रदर्शन के पूर्ण भाग, जिनके बीच अंतराल होता है। मध्यांतर लंबे हो सकते हैं, ताकि दर्शक और निर्माण में भाग लेने वाले आराम कर सकें, या पर्दा नीचे होने पर, दृश्यों को बदलने के लिए छोटा हो सकता है।

मुख्य निकाय, संपूर्ण की प्रेरक शक्ति एकल एरिया हैं। वे अभिनेताओं - कहानी के पात्रों द्वारा प्रस्तुत किये जाते हैं। एरियस पात्रों के कथानक, चरित्र और भावनाओं को प्रकट करता है। कभी-कभी अरिआस - मधुर लयबद्ध टिप्पणियाँ - या सामान्य बोलचाल की भाषा के बीच सस्वर पाठ डाला जाता है।

साहित्यिक भाग लिब्रेटो पर आधारित है। यह एक तरह की स्क्रिप्ट है सारांशकाम करता है . दुर्लभ मामलों में, कविताएँ संगीतकारों द्वारा स्वयं लिखी जाती हैं।जैसे, उदाहरण के लिए, वैगनर। लेकिन अक्सर ओपेरा के लिए शब्द लिब्रेटिस्ट द्वारा लिखे जाते हैं।

यह कहां ख़त्म होता है

ऑपरेटिव प्रदर्शन का समापन उपसंहार है। यह भाग साहित्यिक उपसंहार के समान ही कार्य करता है। इसके बारे में एक कहानी हो सकती है भविष्य का भाग्यनायक, या नैतिकता का सारांश और परिभाषा।

ओपेरा इतिहास

विकिपीडिया के पास इस विषय पर प्रचुर मात्रा में जानकारी है, लेकिन यह लेख उल्लिखित संगीत शैली का संक्षिप्त इतिहास प्रदान करता है।

प्राचीन त्रासदी और फ्लोरेंटाइन कैमराटा

ओपेरा इटली से है. हालाँकि, इस शैली की जड़ें यहीं हैं प्राचीन ग्रीस, जहां पहली बार उन्होंने मंच और गायन कला का संयोजन शुरू किया। आधुनिक ओपेरा के विपरीत, जहां मुख्य जोर संगीत पर है प्राचीन यूनानी त्रासदीकेवल सामान्य भाषण और गायन के बीच वैकल्पिक। यह कला रूप रोमनों के बीच विकसित होता रहा। प्राचीन रोमन त्रासदियों में, एकल भागों का वजन बढ़ गया, और संगीत सम्मिलन का अधिक बार उपयोग किया जाने लगा।

प्राचीन त्रासदी को 16वीं शताब्दी के अंत में दूसरा जीवन मिला। कवियों और संगीतकारों के समुदाय, फ्लोरेंटाइन कैमराटा ने प्राचीन परंपरा को पुनर्जीवित करने का निर्णय लिया। उन्होंने "संगीत के माध्यम से नाटक" नामक एक नई शैली बनाई। उस समय लोकप्रिय पॉलीफोनी के विपरीत, कैमराटा के कार्य मोनोफोनिक मधुर गायन थे। नाट्य प्रदर्शनऔर संगीत संगत का उद्देश्य केवल कविता की अभिव्यक्ति और कामुकता पर जोर देना था।

ऐसा माना जाता है कि पहला ओपेरा प्रदर्शन 1598 में जारी किया गया था। दुर्भाग्य से, संगीतकार जैकोपो पेरी और कवि ओटावियो रिनुकिनी द्वारा लिखित कृति "डाफ्ने" से, हमारे समय में केवल शीर्षक ही बचा है। . लेकिन उनकी अपनी कलम "यूरीडाइस" की है, जो सबसे पुराना जीवित ओपेरा है। हालाँकि, आधुनिक समाज के लिए यह गौरवशाली कार्य अतीत की प्रतिध्वनि मात्र है। लेकिन 1607 में मंटुआ कोर्ट के लिए प्रसिद्ध क्लाउडियो मोंटेवेर्डी द्वारा लिखा गया ओपेरा ऑर्फियस आज भी सिनेमाघरों में देखा जा सकता है। गोंजागा परिवार, जिन्होंने उन दिनों मंटुआ में शासन किया था, ने ओपेरा शैली के जन्म में महत्वपूर्ण योगदान दिया।

नाटक रंगमंच

फ्लोरेंटाइन कैमराटा के सदस्यों को अपने समय का "विद्रोही" कहा जा सकता है। आखिरकार, ऐसे युग में जब संगीत का फैशन चर्च द्वारा तय किया जाता है, उन्होंने समाज में स्वीकृत सौंदर्य मानदंडों को त्यागते हुए, ग्रीस के बुतपरस्त मिथकों और किंवदंतियों की ओर रुख किया और कुछ नया बनाया। हालाँकि, इससे पहले भी, उनके असामान्य समाधान नाटक थिएटर द्वारा पेश किए गए थे। पुनर्जागरण में यह दिशा प्रवाहित हुई।

प्रयोग करते हुए और दर्शकों की प्रतिक्रिया पर ध्यान केंद्रित करते हुए इस शैली ने अपनी शैली विकसित की। नाटक थियेटर के प्रतिनिधियों ने अपनी प्रस्तुतियों में संगीत और नृत्य का उपयोग किया। नई कला शैली बहुत लोकप्रिय थी। यह नाटकीय रंगमंच का प्रभाव था जिसने "संगीत के माध्यम से नाटक" को अभिव्यक्ति के एक नए स्तर तक पहुंचने में मदद की।

ओपेरा जारी रहाविकास करें और लोकप्रियता हासिल करें। हालाँकि, यह वास्तव में है संगीत शैलीवेनिस में यह तब फला-फूला, जब 1637 में, बेनेडेटो फेरारी और फ्रांसेस्को मनेली ने पहला सार्वजनिक ओपेरा हाउस, सैन कैसियानो खोला। इस घटना के लिए धन्यवाद, इस प्रकार के संगीत कार्य दरबारियों के लिए मनोरंजन नहीं रह गए और व्यावसायिक स्तर पर प्रवेश कर गए। इस समय, संगीत की दुनिया में कैस्ट्राटी और प्राइमा डोना का शासन शुरू होता है।

विदेश में वितरण

17वीं शताब्दी के मध्य तक, अभिजात वर्ग के समर्थन से, ओपेरा कला एक अलग रूप में विकसित हो गई थी स्वतंत्र शैलीऔर जनता के लिए किफायती मनोरंजन। यात्रा करने वाली मंडलियों की बदौलत, इस प्रकार का प्रदर्शन पूरे इटली में फैल गया और विदेशों में दर्शकों का दिल जीतने लगा।

विदेश में प्रस्तुत शैली के पहले इतालवी प्रतिनिधि को "गैलाटिया" कहा जाता था। इसका प्रदर्शन 1628 में वारसॉ शहर में किया गया था। कुछ ही समय बाद, अदालत में एक और काम प्रदर्शित किया गया - फ्रांसेस्का कैसिनी द्वारा "ला लिबरेज़ियोन डि रग्गिएरो डैल'आइसोला डी'अलसीना"। यह कृति महिलाओं द्वारा लिखित सबसे पुराना मौजूदा ओपेरा भी है।

फ्रांसेस्को कैवल्ली का जेसन 17वीं सदी का सबसे लोकप्रिय ओपेरा था।. इस संबंध में, 1660 में उन्हें लुई XIV की शादी के लिए फ्रांस में आमंत्रित किया गया था। हालाँकि, उनकी "ज़ेरक्सेस" और "हरक्यूलिस इन लव" फ्रांसीसी जनता के बीच सफल नहीं रहीं।

एंटोनियो चेस्टी, जिन्हें ऑस्ट्रियाई हैब्सबर्ग परिवार के लिए एक ओपेरा लिखने के लिए कहा गया था, अधिक सफल रहे। उनका भव्य प्रदर्शन "गोल्डन एप्पल" दो दिनों तक चला। अभूतपूर्व सफलतायूरोपीय संगीत में इतालवी ओपेरा परंपरा के उदय पर ध्यान दिया गया।

सेरिया और बफ़ा

18वीं शताब्दी में, सेरिया और बफ़ा जैसी ओपेरा शैलियों ने विशेष लोकप्रियता हासिल की। हालाँकि दोनों की उत्पत्ति नेपल्स में हुई, लेकिन दोनों शैलियाँ मौलिक विरोधाभासों का प्रतिनिधित्व करती हैं। ओपेरा सेरिया का शाब्दिक अर्थ है "गंभीर ओपेरा"। यह क्लासिकवाद के युग का एक उत्पाद है, जिसने कला में शैली की शुद्धता और टाइपिंग को प्रोत्साहित किया। श्रृंखला में निम्नलिखित विशेषताएं हैं:

• ऐतिहासिक या पौराणिक विषय;
• एरियास पर सस्वर पाठों की प्रधानता;
• संगीत और पाठ की भूमिका का पृथक्करण;
• न्यूनतम चरित्र अनुकूलन;
• स्थैतिक क्रिया.

इस शैली में सबसे सफल और प्रसिद्ध लिब्रेटिस्ट पिएत्रो मेटास्टासियो थे। उनके सर्वश्रेष्ठ लिब्रेटो विभिन्न संगीतकारों द्वारा दर्जनों ओपेरा द्वारा लिखे गए थे।

उसी समय, बफ़ा कॉमेडी शैली समानांतर और स्वतंत्र रूप से विकसित हुई। यदि श्रृंखला अतीत की कहानियाँ बताती है, तो बफ़ा अपने कथानकों को आधुनिक और रोजमर्रा की स्थितियों के लिए समर्पित करता है। यह शैली लघु हास्य दृश्यों से उभरी जो मुख्य प्रदर्शन के मध्यांतर के दौरान मंचित किए गए थे और अलग-अलग कार्य थे। धीरे-धीरे इस तरह की कलालोकप्रियता हासिल की और इसे पूर्ण स्वतंत्र प्रतिनिधित्व के रूप में साकार किया गया।

ग्लक का सुधार

जर्मन संगीतकार क्रिस्टोफ़ विलीबाल्ड ग्लक ने संगीत के इतिहास पर अपना नाम मजबूती से अंकित कर दिया है। जब ओपेरा सेरिया यूरोप के मंचों पर हावी हो गया, तो उन्होंने हठपूर्वक ओपेरा कला के अपने दृष्टिकोण को बढ़ावा दिया। उनका मानना ​​था कि प्रदर्शन में नाटक का प्रभुत्व होना चाहिए और संगीत, गायन और कोरियोग्राफी का काम इसे बढ़ावा देना और इस पर ज़ोर देना होना चाहिए। ग्लुक ने तर्क दिया कि संगीतकारों को "सरल सुंदरता" के पक्ष में दिखावटी प्रदर्शन को छोड़ देना चाहिए। ओपेरा के सभी तत्व एक-दूसरे की निरंतरता होने चाहिए और एक सुसंगत कथानक का निर्माण करना चाहिए।

उन्होंने अपना सुधार 1762 में वियना में शुरू किया। लिब्रेटिस्ट रानिएरी डी कैलज़ाबिद्गी के साथ मिलकर उन्होंने तीन नाटकों का मंचन किया, लेकिन उन्हें कोई प्रतिक्रिया नहीं मिली। फिर 1773 में वह पेरिस गये। उसका सुधार गतिविधि 1779 तक चला, और संगीत प्रेमियों के बीच बहुत विवाद और अशांति पैदा हुई . ग्लक के विचारों का बहुत प्रभाव पड़ाओपेरा की शैली के विकास के लिए. वे 19वीं सदी के सुधारों में भी परिलक्षित हुए।

ओपेरा प्रकार

इतिहास की चार शताब्दियों से भी अधिक समय में, ओपेरा शैली में कई बदलाव आए हैं और इसने संगीत जगत में बहुत कुछ लाया है। इस समय के दौरान, कई प्रकार के ओपेरा सामने आए:

पूर्व दर्शन:

नगर स्वायत्त सामान्य शैक्षणिक संस्थान

तातारस्तान गणराज्य के अल्मेतयेव्स्क शहर का "जिमनैजियम नंबर 5"

7वीं कक्षा में संगीत पाठ “ओपेरा। परंपरा और नवीनता.

शैक्षिक कार्य के लिए उप निदेशक,

संगीत शिक्षक

सामग्री विवरण: सामग्री का उपयोग संगीत पाठ में किया जा सकता है। लक्षित दर्शक 13-14 वर्ष के बच्चे हैं। पाठ योजना सिंगापुर की शिक्षण विधियों का उपयोग करती है।

पाठ का उद्देश्य - परंपरा और नवीनता के बीच संबंध को देखना, जिसने सरल डिजाइनों के उद्भव में योगदान दिया समकालीन संगीतरॉक ओपेरा "मोजार्ट" के उदाहरण पर।

कार्य:

• शास्त्रीय ओपेरा की संरचना पर "पॉलीफोनी" विषय पर ज्ञान का सामान्यीकरण करना;
• नई शैली से परिचित हों और रॉक ओपेरा के संगीत अंशों के सार्थक विश्लेषण के तत्वों के आधार पर शास्त्रीय ओपेरा की पारंपरिक संरचना के समानांतर चित्र बनाएं।
• सूचना क्षेत्र के विस्तार में योगदान करें।

पाठ का प्रकार - संयुक्त.

तरीकों - पूर्वव्यापी, सार्थक विश्लेषण की विधि के तत्व संगीत, भावनात्मक नाटकीयता की विधि (डी.बी. काबालेव्स्की), संगीत की स्वर-शैलीगत समझ की विधि (ई.डी. क्रिट्स्काया), संगीत सामग्री के संगठन की एकाग्रता की विधि, एक संगीत कार्य की छवि को मॉडलिंग करने की विधि।

कार्य के स्वरूप - समूह, अग्रभाग, स्वतंत्र व्यक्ति।

कार्य संरचनाएँ- समयबद्ध - राउंड - रॉबिन, समयबद्ध - मटर - शीया, हे - एआर - गाइड, ज़ूम - इन, कॉनर्स, मॉडल फ्रीर।

मसल्स गतिविधियों के प्रकार
संगीत प्रदर्शन के लिए चयन मानदंड उनका कलात्मक मूल्य और शैक्षिक अभिविन्यास था।

कक्षाओं के दौरान.

आयोजन का समय.

अध्यापक: दोस्तों, आइए अपने अच्छे मूड की गारंटी के तौर पर एक-दूसरे को मुस्कुराहट दें।

इससे पहले कि हम संगीत के बारे में बात करना जारी रखें, मैं यह सुनना चाहूंगा कि आपने पिछले पाठ से क्या सीखा। संरचना इसमें मेरी सहायता करेगी।

समयबद्ध - दौर - प्रत्येक 20 सेकंड के लिए चर्चा के लिए रॉबिन, छात्र संख्या 1 (घड़ी) से शुरू करें।

और अब संक्षेप करते हैं।जिम्मेदार टेबल नंबर...अन्य लोग छूटी हुई जानकारी भर सकते हैं।

सुझाए गए उत्तर:

जे.एस. बाख - महान जर्मन संगीतकार,

पॉलीफोनिस्ट, ऑर्गेनिस्ट,

बारोक संगीतकार,

जीवन की तारीख,

सताया गया

मेरी दृष्टि खो गई, आदि।

पॉलीफोनी और होमोफोनी क्या है?समयबद्ध - मटर - शीयाकंधे पर पड़ोसी के साथ.

हर किसी के पास चर्चा करने के लिए 20 सेकंड हैं (घड़ी।)

छात्र संख्या 3 उत्तर। तालिका संख्या...

अध्यापक: मुख्य वाक्यांशों और शब्दों वाला एक लिफाफा इस पाठ का विषय तैयार करने में मदद करेगा। जिससे आपको एक प्रस्ताव बनाने की आवश्यकता है:

समयबद्ध - दौर - रोबिन 1 मिनट घड़ी।

"संगीत और नाट्य कार्य जिसमें स्वर संगीत बजता है"

अध्यापक: आप ओपेरा के बारे में क्या जानते हैं? इससे संरचना को समझने में मदद मिलेगी

अरे एआर गाइड

क्या आप कथन से सहमत हैं (यदि हां तो "+" लगाएं)? 2 मिनट (घंटे)

कथानक के अनुसार, रात की रानी की बेटी का अपहरण कर लिया गया था, और वह उसे बचाने के लिए राजकुमार और पक्षी पकड़ने वाले को भेजती है। सुनना, देखना...

क्या आप इस एरिया से परिचित हैं?

यह किस भाषा में प्रदर्शित किया जाता है?

यह आज तक की सबसे कठिन अरियाओं में से एक है और शायद इसीलिए यह लोकप्रिय बनी हुई है।

पुष्टि में, "वॉयस" कार्यक्रम का एक अंश देखना। 2-3 मि.

इंटरनेट पर आप निष्पादन के लिए कई विकल्प पा सकते हैं। यह एक बार फिर आज रात की रानी अरिया की लोकप्रियता की पुष्टि करता है।

अध्यापक: आपके अनुसार ओपेरा आज कैसा है? बदल गया या वैसा ही रहा?

तर्क…

अध्यापक: मेरा सुझाव है कि आप एक और अंश देखें,शैली और नाम घोषित किए बिना.रॉक ओपेरा "मोजार्ट" देखना

क्या आप समझ सकते हैं कि यह ओपेरा किस बारे में होगा?

क्या यह शास्त्रीय ओपेरा जैसा लगता है?

इसे क्या अलग बनाता है?
- रॉक और ओपेरा का यह मिलन क्यों हुआ?

(60 के दशक में, रॉक संगीत की लोकप्रियता बढ़ रही है और गंभीर शैलियों की लालसा गायब नहीं होती है, इसलिए दो असंगत दिशाओं को विलय करने का विचार उठता है) रॉक ओपेरा ब्रिटेन और अमेरिका में उठता है। कार्रवाई के दौरान, संगीतकार मंच पर हो सकते हैं, आधुनिक इलेक्ट्रॉनिक उपकरणों और विशेष प्रभावों का उपयोग किया जाता है।

एआर गाइड संरचना तालिका में उत्तर पूर्ण करें।

दो मिनट। घड़ी।

पत्तियां एकत्रित करें.

CONERS का कहना है कि सबसे अधिक बटन वाला। फिर जिसने सुना (एक-एक मिनट)।

1 मिनट की चर्चा

मैं सभी से अपनी सीटों पर जाने के लिए कहता हूं।

फ़्रीयर मॉडल हमें प्राप्त ज्ञान को समेकित करने में मदद करेगा,पत्रक पर हस्ताक्षर करेंमूल्यांकन हेतु एकत्रित करें।

मोजार्ट पर एक रिपोर्ट तैयार करने के लिए डी.जेड. पाठ ग्रेड. आपके काम करने का तरीका मुझे पसंद आया.
हमारा पाठ ख़त्म हो गया है. आपके काम के लिए धन्यवाद। अलविदा।

पाठ का आत्मनिरीक्षण

शिक्षक: खैरुतदीनोवा रिम्मा इलिचिन्ना।

सातवीं कक्षा में दिखाया गया पाठ

पाठ विषय: "ओपेरा. परंपरा और नवीनता.

संयुक्त पाठ. कवर की गई सामग्री को समेकित करने का काम किया गया और एक नए विषय का अध्ययन किया गया। उपयोग की जाने वाली संरचनाएँ टाइम्ड - राउंड - रॉबिन, टाइम्ड - मटर - शीया, हे - एआर - गाइड, ज़ूम - इन, कॉनर्स, फ्रीर मॉडल हैं।

उपयोग की जाने वाली विधियाँपूर्वव्यापी, एक संगीत कार्य के सार्थक विश्लेषण की विधि के तत्व, भावनात्मक नाटकीयता की विधि (डी.बी. काबालेव्स्की), संगीत की अन्तर्राष्ट्रीय और शैलीगत समझ की विधि (ई.डी. क्रिट्स्काया), संगीत सामग्री के संगठन की एकाग्रता की विधि, एक संगीत कार्य की छवि को मॉडलिंग करने की विधि।

मसल्स गतिविधियों के प्रकार- संगीत कार्यों के संगीत विश्लेषण पर विचार।

7वीं कक्षा में 22 छात्र हैं, उनमें से अधिकांश अच्छी तरह से पढ़ते हैं और कक्षा में सक्रिय हैं। पाठ को इस तरह से डिज़ाइन किया गया है कि इसमें बहुत सक्रिय छात्रों को शामिल नहीं किया जा सके।

पाठ का उद्देश्य: परंपरा और नवीनता के बीच संबंध देखें, जिसने रॉक ओपेरा "मोजार्ट" के उदाहरण पर आधुनिक संगीत के शानदार नमूनों के उद्भव में योगदान दिया।

कार्य:

शिक्षात्मक

इस पाठ के ढांचे के भीतर अध्ययन की गई जानकारी का उपयोग करने की क्षमता का गठन;

शास्त्रीय ओपेरा की संरचना पर "पॉलीफोनी" विषय पर ज्ञान का सामान्यीकरण;

दृश्य-श्रव्य कौशल का विकास।

शिक्षात्मक

आलोचनात्मक सोच का गठन;

स्मृति, कल्पना, संचार का विकास;

एक नई शैली से परिचित होना और एक रॉक ओपेरा के संगीत अंशों के सार्थक विश्लेषण के तत्वों पर आधारित होना।

सूचना और शैक्षिक स्थान का विस्तार।

शिक्षात्मक

रचनात्मक गतिविधि को सुदृढ़ बनाना;

संचार क्षमता का विकास. इस विषय के लिए 2 घंटे निर्धारित हैं।

पाठ के चरणों को इस तरह से संरचित किया गया है कि पहले अध्ययन की गई सामग्री और नई सामग्री दोनों को समेकित किया जा सके।

उपकरण: प्रोजेक्टर, स्क्रीन, लैपटॉप, टाइमर, संगीतकारों के चित्र। डेस्क की व्यवस्था की गई है सामूहिक कार्य 4 लोग

पाठ में मनोवैज्ञानिक माहौल आरामदायक है, संचार का उद्देश्य सफलता की स्थिति बनाना है।