एक कला आंदोलन के रूप में प्रभाववाद। कहानी

प्रभाववाद(इंप्रेशनिज़्म, फ्रेंच इम्प्रेशन - इम्प्रेशन) पेंटिंग की एक दिशा है जिसकी उत्पत्ति 1860 के दशक में फ्रांस में हुई थी। और 19वीं शताब्दी में कला के विकास को काफी हद तक निर्धारित किया। इस प्रवृत्ति के केंद्रीय आंकड़े सेज़ेन, डेगास, मानेट, मोनेट, पिस्सारो, रेनॉयर और सिसली थे, और उनमें से प्रत्येक का इसके विकास में योगदान अद्वितीय है। प्रभाववादियों ने क्लासिकवाद, रूमानियत और शिक्षावाद की परंपराओं का विरोध किया, रोजमर्रा की वास्तविकता, सरल, लोकतांत्रिक उद्देश्यों की सुंदरता पर जोर दिया, छवि की जीवंत प्रामाणिकता हासिल की, एक विशेष क्षण में आंख जो देखती है, उसकी "छाप" को पकड़ने की कोशिश की।

प्रभाववादियों के लिए सबसे विशिष्ट विषय परिदृश्य है, लेकिन उन्होंने अपने काम में कई अन्य विषयों को भी छुआ। उदाहरण के लिए, देगास ने दौड़, बैलेरिना और लॉन्ड्रेस को चित्रित किया, जबकि रेनॉयर ने आकर्षक महिलाओं और बच्चों को चित्रित किया। खुली हवा में बनाए गए प्रभावशाली परिदृश्यों में, एक साधारण, रोजमर्रा की आकृति अक्सर सर्वव्यापी चलती रोशनी से बदल जाती है, जो चित्र में उत्सव की भावना लाती है। रचना और स्थान के प्रभाववादी निर्माण के कुछ तरीकों में, जापानी उत्कीर्णन और आंशिक रूप से फोटोग्राफी का प्रभाव ध्यान देने योग्य है। प्रभाववादी सबसे पहले एक आधुनिक शहर के रोजमर्रा के जीवन की एक बहुमुखी तस्वीर बनाने वाले थे, इसके परिदृश्य की मौलिकता और इसमें रहने वाले लोगों की उपस्थिति, उनके जीवन के तरीके, काम और मनोरंजन पर कब्जा कर लिया।

प्रभाववादियों ने अपने काम में तीव्र सामाजिक समस्याओं, दर्शन या चौंकाने वाले को छूने की कोशिश नहीं की, केवल आसपास के रोजमर्रा के जीवन की छाप को व्यक्त करने के विभिन्न तरीकों पर ध्यान केंद्रित किया। "पल देखने" और मनोदशा को दर्शाने के प्रयास में।

नाम " प्रभाववाद" पेरिस में 1874 की प्रदर्शनी के बाद उठी, जिसमें मोनेट की पेंटिंग "इंप्रेशन" प्रदर्शित की गई थी। द राइजिंग सन" (1872; पेंटिंग 1985 में पेरिस के मर्मोटन संग्रहालय से चुराई गई थी और अब इंटरपोल सूची में है)।

1876 ​​और 1886 के बीच सात से अधिक प्रभाववादी प्रदर्शनियां आयोजित की गईं; उत्तरार्द्ध के अंत में, केवल मोनेट ने प्रभाववाद के आदर्शों का सख्ती से पालन करना जारी रखा। "इंप्रेशनिस्ट्स" को फ्रांस के बाहर के कलाकार भी कहा जाता है जिन्होंने फ्रांसीसी प्रभाववाद (उदाहरण के लिए, अंग्रेज एफ. डब्ल्यू. स्टीयर) के प्रभाव में चित्रित किया।

प्रभाववादी कलाकार

प्रसिद्ध प्रभाववादी पेंटिंग:

एडगर देगास

क्लॉड मोनेट

XIX सदी के अंतिम तीसरे में। फ्रांसीसी कला अभी भी खेलती है अग्रणी भूमिकापश्चिमी यूरोपीय देशों के कलात्मक जीवन में। इस समय, चित्रकला में कई नए रुझान दिखाई दिए, जिनके प्रतिनिधि रचनात्मक अभिव्यक्ति के अपने तरीकों और रूपों की तलाश कर रहे थे।

इस अवधि की फ्रांसीसी कला की सबसे हड़ताली और महत्वपूर्ण घटना प्रभाववाद थी।

प्रभाववादियों ने 15 अप्रैल, 1874 को आयोजित पेरिस प्रदर्शनी में खुद को घोषित किया खुला आसमान Boulevard des Capucines पर। यहां 30 युवा कलाकारों, जिनके काम को सैलून ने खारिज कर दिया था, ने अपने चित्रों का प्रदर्शन किया। प्रदर्शनी में केंद्रीय स्थान क्लाउड मोनेट "इंप्रेशन" द्वारा पेंटिंग को दिया गया था। सूर्योदय"। यह रचना दिलचस्प है क्योंकि पेंटिंग के इतिहास में पहली बार, कलाकार ने कैनवास पर अपनी छाप देने की कोशिश की, न कि वास्तविकता की वस्तु।

प्रदर्शनी का दौरा शारिवरी संस्करण के प्रतिनिधि, रिपोर्टर लुइस लेरॉय ने किया था। यह वह था जिसने सबसे पहले मोनेट और उनके सहयोगियों को "इंप्रेशनिस्ट" (फ्रांसीसी प्रभाव - छाप से) कहा था, इस प्रकार उनकी पेंटिंग के बारे में उनका नकारात्मक मूल्यांकन व्यक्त किया। जल्द ही इस विडंबनापूर्ण नाम ने अपना मूल नकारात्मक अर्थ खो दिया और कला के इतिहास में हमेशा के लिए प्रवेश कर गया।

Boulevard des Capucines पर प्रदर्शनी एक प्रकार का घोषणापत्र बन गई जिसने चित्रकला में एक नई प्रवृत्ति के उद्भव की घोषणा की। इसमें O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin, साथ ही पुरानी पीढ़ी के स्वामी - E. Boudin, C. Daubigny, I ने भाग लिया। जॉनकाइंड।

प्रभाववादियों के लिए सबसे महत्वपूर्ण बात यह थी कि उन्होंने जो देखा उसकी छाप को व्यक्त करना, जीवन के एक संक्षिप्त क्षण को कैनवास पर कैद करना। इस तरह, प्रभाववादी फोटोग्राफरों के समान थे। कथानक उनके लिए वास्तव में मायने नहीं रखता था। कलाकारों ने अपने चित्रों के लिए अपने आस-पास के दैनिक जीवन से विषयों को लिया। उन्होंने शांत सड़कों, शाम के कैफे, ग्रामीण परिदृश्य, शहर की इमारतों, काम पर कारीगरों को चित्रित किया। उनके चित्रों में एक महत्वपूर्ण भूमिका प्रकाश और छाया के खेल द्वारा निभाई गई थी, सूरज की किरणें वस्तुओं पर कूदती थीं और उन्हें थोड़ा असामान्य और आश्चर्यजनक रूप से जीवंत रूप देती थीं। प्राकृतिक प्रकाश में वस्तुओं को देखने के लिए, दिन के अलग-अलग समय में प्रकृति में होने वाले परिवर्तनों को व्यक्त करने के लिए, प्रभाववादी कलाकार अपनी कार्यशालाओं को छोड़कर खुली हवा (प्लेन एयर) में चले गए।

प्रभाववादियों ने पेंटिंग की एक नई तकनीक का इस्तेमाल किया: वे एक चित्रफलक पर पेंट नहीं मिलाते थे, लेकिन तुरंत उन्हें अलग-अलग स्ट्रोक में कैनवास पर लागू करते थे। इस तकनीक ने गतिशीलता, हवा में मामूली उतार-चढ़ाव, पेड़ों पर पत्तियों की आवाजाही और नदी में पानी की भावना को व्यक्त करना संभव बना दिया।

आमतौर पर इस दिशा के प्रतिनिधियों के चित्रों में स्पष्ट रचना नहीं होती थी। कलाकार जीवन से छीने गए एक क्षण को कैनवास पर स्थानांतरित कर देता है, इसलिए उसका काम संयोग से लिए गए एक फोटोग्राफिक फ्रेम जैसा दिखता है। प्रभाववादियों ने शैली की स्पष्ट सीमाओं का पालन नहीं किया, उदाहरण के लिए, चित्र अक्सर एक घरेलू दृश्य जैसा दिखता था।

1874 से 1886 तक, प्रभाववादियों ने 8 प्रदर्शनियों का आयोजन किया, जिसके बाद समूह टूट गया। जनता के लिए, अधिकांश आलोचकों की तरह, शत्रुता के साथ नई कला को माना (उदाहरण के लिए, सी। मोनेट की पेंटिंग को "दाब" कहा जाता था), इस प्रवृत्ति का प्रतिनिधित्व करने वाले कई कलाकार अत्यधिक गरीबी में रहते थे, कभी-कभी बिना किसी साधन के उन्होंने चित्र बनाना शुरू किया। और केवल XIX के अंत तक - XX सदी की शुरुआत। स्थिति मौलिक रूप से बदल गई है।

अपने काम में, प्रभाववादियों ने अपने पूर्ववर्तियों के अनुभव का उपयोग किया: रोमांटिक कलाकार (ई। डेलाक्रोइक्स, टी। गेरिकॉल्ट), यथार्थवादी (सी। कोरोट, जी। कोर्टबेट)। जे कॉन्स्टेबल के परिदृश्य का उन पर बहुत प्रभाव पड़ा।

ई। मानेट ने एक नई प्रवृत्ति के उद्भव में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

एडवर्ड मानेट

एडवर्ड मानेट, 1832 में पेरिस में पैदा हुए, विश्व चित्रकला के इतिहास में सबसे महत्वपूर्ण शख्सियतों में से एक हैं, जिन्होंने प्रभाववाद की नींव रखी।

उनकी कलात्मक विश्वदृष्टि का गठन 1848 की फ्रांसीसी बुर्जुआ क्रांति की हार से काफी हद तक प्रभावित था। इस घटना ने युवा पेरिसियों को इतना उत्साहित किया कि उन्होंने फैसला किया हताश कदमऔर एक समुद्री नौकायन जहाज पर नाविक के रूप में भर्ती होकर घर से भाग गया। हालाँकि, भविष्य में, उन्होंने अधिक यात्रा नहीं की, अपने सभी आध्यात्मिक और शारीरिक बलकाम।

मानेट के माता-पिता, सुसंस्कृत और धनी लोग, अपने बेटे के लिए एक प्रशासनिक कैरियर का सपना देखते थे, लेकिन उनकी उम्मीदें पूरी नहीं हुईं। पेंटिंग - यही युवक की दिलचस्पी थी और 1850 में उसने स्कूल में प्रवेश लिया ललित कला, कॉउचर की कार्यशाला में, जहाँ उन्होंने अच्छा पेशेवर प्रशिक्षण प्राप्त किया। यह यहाँ था कि नौसिखिए कलाकार ने कला में अकादमिक और सैलून टिकटों के लिए घृणा महसूस की, जो पूरी तरह से प्रतिबिंबित नहीं कर सकता कि केवल एक वास्तविक मास्टर के पास अपनी व्यक्तिगत शैली के लेखन के अधीन क्या है।

इसलिए, कुछ समय के लिए Couture की कार्यशाला में अध्ययन करने और अनुभव प्राप्त करने के बाद, मानेट ने इसे 1856 में छोड़ दिया और लौवर में प्रदर्शित अपने महान पूर्ववर्तियों के कैनवस की ओर रुख किया, उनकी नकल की और उनका सावधानीपूर्वक अध्ययन किया। Titian, D. Velazquez, F. Goya और E. Delacroix जैसे उस्तादों के कार्यों का उनके रचनात्मक विचारों पर बहुत प्रभाव था; युवा कलाकार बाद के सामने झुक गया। 1857 में, मानेट ने महान उस्ताद का दौरा किया और उनके "दांते के बार्क" की कई प्रतियां बनाने की अनुमति मांगी, जो आज तक ल्योन में मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट में बची हुई हैं।

1860 के दशक की दूसरी छमाही। कलाकार ने स्पेन, इंग्लैंड, इटली और हॉलैंड में संग्रहालयों के अध्ययन के लिए खुद को समर्पित किया, जहां उन्होंने रेम्ब्रांट, टिटियन और अन्य लोगों के चित्रों की नकल की। ​​1861 में, उनकी कृतियों "पोर्ट्रेट ऑफ पेरेंट्स" और "गिटारवादक" को आलोचनात्मक प्रशंसा मिली और उन्हें सम्मानित किया गया। एक "माननीय उल्लेख"।

पुराने आकाओं (मुख्य रूप से वेनेटियन, 17 वीं शताब्दी के स्पैनियार्ड्स और बाद में एफ। गोया) के काम का अध्ययन और इसके पुनर्विचार से इस तथ्य की ओर जाता है कि 1860 के दशक तक। मानेट की कला में एक विरोधाभास है, जो उनके कुछ शुरुआती चित्रों पर एक संग्रहालय छाप लगाने में प्रकट हुआ, जिसमें शामिल हैं: द स्पैनिश सिंगर (1860), आंशिक रूप से द बॉय विद द डॉग (1860), द ओल्ड म्यूजिशियन (1862)।

नायकों के लिए, कलाकार, 19 वीं शताब्दी के मध्य के यथार्थवादियों की तरह, उन्हें पेरिस की भीड़ में, ट्यूलरीज़ गार्डन में चलने वालों और नियमित कैफे आगंतुकों के बीच पाता है। मूल रूप से, यह बोहेमिया की एक उज्ज्वल और रंगीन दुनिया है - कवि, अभिनेता, कलाकार, मॉडल, स्पेनिश बुल फाइट में भाग लेने वाले: "म्यूजिक एट द ट्यूलरीज" (1860), "स्ट्रीट सिंगर" (1862), "वेलेंसिया से लोला" ( 1862), "ब्रेकफास्ट एट ग्रास" (1863), "फ्लूटिस्ट" (1866), "पोर्ट्रेट ऑफ ई. जेडएसएल" (1868)।

शुरुआती कैनवस के बीच, "माता-पिता के चित्र" (1861) द्वारा एक विशेष स्थान पर कब्जा कर लिया गया है, जो एक बहुत ही सटीक यथार्थवादी रेखाचित्र है उपस्थितिऔर एक बुजुर्ग जोड़े का स्वभाव। चित्र का सौंदर्य महत्व न केवल पात्रों की आध्यात्मिक दुनिया में एक विस्तृत पैठ में निहित है, बल्कि यह भी है कि ई। डेलाक्रोइक्स की कलात्मक परंपराओं के ज्ञान का संकेत देते हुए अवलोकन और चित्रात्मक विकास की समृद्धि के संयोजन को कितनी सटीक रूप से व्यक्त किया गया है।

एक और कैनवास, जो चित्रकार का कार्यक्रम का काम है और, यह कहा जाना चाहिए, उनके शुरुआती काम का बहुत विशिष्ट है, "ब्रेकफास्ट ऑन द ग्रास" (1863)। इस चित्र में, मानेट ने एक निश्चित कथानक रचना की, जो किसी भी महत्व से पूरी तरह रहित है।

चित्र को प्रकृति की गोद में दो कलाकारों के नाश्ते की छवि के रूप में माना जा सकता है, जो महिला मॉडलों से घिरे हुए हैं (वास्तव में, कलाकार के भाई यूजीन मानेट, एफ. लेनकोफ़ और एक महिला मॉडल, क्विज़ मेरान, जो चित्र, जिसकी सेवाओं का मानेट अक्सर सहारा लेता है)। उनमें से एक ने धारा में प्रवेश किया, और दूसरा, नग्न, दो पुरुषों की संगति में कलात्मक रूप से कपड़े पहने हुए बैठता है। जैसा कि आप जानते हैं, एक कपड़े पहने हुए पुरुष और एक नग्न की तुलना करने का मकसद महिला शरीरपारंपरिक और लौवर में स्थित जियोर्जियोन की पेंटिंग "कंट्री कॉन्सर्ट" पर वापस जाता है।

आंकड़ों की रचनात्मक व्यवस्था आंशिक रूप से राफेल की एक पेंटिंग से मार्केंटोनियो रायमोंडी द्वारा प्रसिद्ध पुनर्जागरण उत्कीर्णन को पुन: पेश करती है। यह कैनवास, जैसा कि था, विवादात्मक रूप से दो परस्पर संबंधित स्थितियों पर जोर देता है। सैलून कला के क्लिच को दूर करने की आवश्यकता है, जिसने बड़े के साथ अपना वास्तविक संबंध खो दिया है कलात्मक परंपरा, पुनर्जागरण के यथार्थवाद और 17वीं शताब्दी, यानी नए समय की यथार्थवादी कला की वास्तविक उत्पत्ति के लिए एक सीधी अपील। एक अन्य प्रावधान रोज़मर्रा के जीवन से उसके आसपास के पात्रों को चित्रित करने के लिए कलाकार के अधिकार और कर्तव्य की पुष्टि करता है। उस समय, इस संयोजन ने एक निश्चित विरोधाभास किया। अधिकांश का मानना ​​था कि पुरानी रचनात्मक योजनाओं को नए प्रकारों और पात्रों से भरकर यथार्थवाद के विकास में एक नया चरण हासिल नहीं किया जा सकता है। लेकिन एडवर्ड मानेट अपनी रचनात्मकता के शुरुआती दौर में पेंटिंग के सिद्धांतों के द्वंद्व को दूर करने में कामयाब रहे।

हालांकि, कथानक और रचना की पारंपरिक प्रकृति के साथ-साथ सैलून मास्टर्स द्वारा नग्न पौराणिक सुंदरियों को खुले मोहक पोज में चित्रित करते हुए चित्रों की उपस्थिति के बावजूद, मानेट की पेंटिंग ने आधुनिक बुर्जुआ के बीच एक बड़ा घोटाला किया। दर्शकों को एक नग्न महिला शरीर के रसिक रूप से हर रोज़, आधुनिक पुरुष पोशाक के साथ हैरान कर दिया गया था।

सचित्र मानदंडों के अनुसार, लंच ऑन द ग्रास को 1860 के दशक की एक विशेषता के रूप में लिखा गया था। तरीके, गहरे रंगों, काली छायाओं की प्रवृत्ति के साथ-साथ प्लेन एयर लाइटिंग और खुले रंग के लिए हमेशा सुसंगत अपील नहीं है। यदि हम जल रंग में बने प्रारंभिक स्केच की ओर मुड़ते हैं, तो उस पर (चित्र से अधिक) यह ध्यान देने योग्य है कि नई सचित्र समस्याओं में मास्टर की रुचि कितनी महान है।

पेंटिंग "ओलंपिया" (1863), जिसमें एक लेटी हुई नग्न महिला की रूपरेखा दी गई है, आम तौर पर स्वीकृत रचनात्मक परंपराओं को संदर्भित करती है - एक समान छवि जियोरगियोन, टिटियन, रेम्ब्रांट और डी। वेलास्केज़ में पाई जाती है। हालांकि, अपनी रचना में, एफ. गोया ("नेकेड महा") का अनुसरण करते हुए, मानेट एक अलग रास्ते का अनुसरण करता है और कथानक की पौराणिक प्रेरणा को अस्वीकार करता है, वेनेशियन द्वारा पेश की गई छवि की व्याख्या और आंशिक रूप से डी. वेलास्केज़ ("वीनस) द्वारा संरक्षित एक दर्पण के साथ")।

"ओलंपिया" बिल्कुल भी काव्यात्मक रूप से पुनर्विचारित छवि नहीं है महिला सौंदर्य, लेकिन एक अभिव्यंजक, उत्कृष्ट रूप से निष्पादित चित्र, सटीक और, कोई यह भी कह सकता है, कुछ हद तक ठंडा रूप से प्रश्नोत्तरी मेरन, मानेट के निरंतर मॉडल के समान है। चित्रकार मज़बूती से शरीर के प्राकृतिक पैलोर को दर्शाता है आधुनिक महिलासूरज से डर लगता है। जबकि पुराने उस्तादों ने नग्न शरीर की काव्यात्मक सुंदरता, उसकी लय की संगीतमयता और सामंजस्य पर जोर दिया, मानेट जीवन की विशिष्टता के उद्देश्यों को व्यक्त करने पर ध्यान केंद्रित करता है, अपने पूर्ववर्तियों में निहित काव्य आदर्शीकरण से पूरी तरह से हटकर। इस प्रकार, उदाहरण के लिए, ओलंपिया में बाएं हाथ से जॉर्ज वीनस का इशारा अपनी उदासीनता में लगभग अशिष्ट अर्थ प्राप्त करता है। अत्यधिक विशेषता उदासीन है, लेकिन एक ही समय में मॉडल के दर्शकों की टकटकी को ध्यान से ठीक करते हुए, वीनस जियोर्जियोन के आत्म-अवशोषण और उरबिनो के टिटियन के वीनस की संवेदनशील स्वप्निलता के विपरीत।

इस तस्वीर में चित्रकार के रचनात्मक तरीके के विकास में अगले चरण में संक्रमण के संकेत हैं। सामान्य रचना योजना पर पुनर्विचार है, जिसमें दुनिया के गद्य अवलोकन और सचित्र और कलात्मक दृष्टि शामिल है। पुराने आकाओं के संतुलित रचनात्मक सामंजस्य के विनाश में तुरन्त जब्त किए गए तीखे विरोधाभासों का रसपान योगदान देता है। इस प्रकार, एक पोज़िंग मॉडल की स्टैटिक्स और एक काली महिला की छवियों में गतिशीलता और उसकी पीठ को झुकाने वाली एक काली बिल्ली टकराती है। परिवर्तन पेंटिंग की तकनीक को भी प्रभावित करते हैं, जो कलात्मक भाषा के आलंकारिक कार्यों की एक नई समझ देता है। एडवर्ड मानेट, कई अन्य प्रभाववादियों की तरह, विशेष रूप से क्लाउड मोनेट और केमिली पिसारो में, 17 वीं शताब्दी में विकसित हुई चित्रकला की पुरानी प्रणाली को छोड़ देते हैं। (अंडरपेंटिंग, राइटिंग, ग्लेज़िंग)। उस समय से, कैनवस को "ए ला प्राइमा" नामक एक तकनीक के साथ चित्रित किया जाने लगा, जो कि अधिक सहजता, भावुकता, रेखाचित्रों और रेखाचित्रों के करीब था।

प्रारंभिक से परिपक्व रचनात्मकता के लिए संक्रमण की अवधि, जो मानेट के लिए 1860 के दशक के लगभग पूरे दूसरे भाग में व्याप्त है, को फ्लूटिस्ट (1866), बालकनी (सी। 1868-1869) और अन्य जैसे चित्रों द्वारा दर्शाया गया है।

पहले कैनवास पर, एक तटस्थ जैतून-ग्रे पृष्ठभूमि के खिलाफ, एक लड़के-संगीतकार को चित्रित किया गया है, जो उसके होठों पर एक बांसुरी उठा रहा है। एक बमुश्किल बोधगम्य आंदोलन की अभिव्यक्ति, नीले रंग की वर्दी पर इंद्रधनुषी सोने के बटनों की लयबद्ध प्रतिध्वनि और बांसुरी के छिद्रों के साथ उंगलियों की त्वरित फिसलन सहज कलात्मकता और गुरु के अवलोकन की सूक्ष्म शक्तियों की बात करती है। इस तथ्य के बावजूद कि यहाँ पेंटिंग की शैली काफी सघन है, रंग वजनदार है, और कलाकार अभी तक खुली हवा में नहीं आया है, यह कैनवासअन्य सभी की तुलना में अधिक हद तक, यह मानेट के कार्य की परिपक्व अवधि का अनुमान लगाता है। बालकनी के लिए, यह 1870 के कार्यों की तुलना में ओलंपिया के अधिक निकट है।

1870-1880 में। मानेट अपने समय के प्रमुख चित्रकार बने। और यद्यपि प्रभाववादियों ने उन्हें अपना वैचारिक नेता और प्रेरक माना, और वे स्वयं हमेशा कला पर मौलिक विचारों की व्याख्या करने में उनसे सहमत थे, उनका काम बहुत व्यापक है और किसी एक दिशा के ढांचे में फिट नहीं होता है। मानेट का तथाकथित प्रभाववाद, वास्तव में, जापानी मास्टर्स की कला के करीब है। वह उद्देश्यों को सरल करता है, सजावटी और वास्तविक को संतुलित करता है, उसने जो देखा उसका एक सामान्यीकृत विचार बनाता है: एक शुद्ध छाप, विचलित करने वाले विवरणों से रहित, सनसनी की खुशी की अभिव्यक्ति ("समुद्र तट पर", 1873)।

इसके अलावा, प्रमुख शैली के रूप में, वह एक समग्र रूप से पूर्ण चित्र को संरक्षित करना चाहता है, जहां किसी व्यक्ति की छवि को मुख्य स्थान दिया जाता है। मानेट की कला यथार्थवादी कथा चित्रकला की सदियों पुरानी परंपरा के विकास का अंतिम चरण है, जिसकी उत्पत्ति पुनर्जागरण में हुई थी।

मानेट के बाद के कार्यों में चित्रित नायक के आसपास के वातावरण के विवरण की विस्तृत व्याख्या से दूर जाने की प्रवृत्ति है। इस प्रकार, नर्वस डायनेमिक्स से भरे मलार्मे के चित्र में, कलाकार कवि के हावभाव पर ध्यान केंद्रित करता है, जैसे कि गलती से झाँक रहा हो, जिसने स्वप्निल तरीके से अपना हाथ धूम्रपान करने वाले सिगार के साथ मेज पर रख दिया। सभी स्केचनेस के साथ, मलारमे के चरित्र और मानसिक गोदाम में मुख्य बात आश्चर्यजनक रूप से सटीक रूप से कैप्चर की जाती है, बड़ी दृढ़ता के साथ। जे. एल. डेविड और जे. ओ. डी. इंग्रेस के चित्रों की विशेषता, व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की गहराई से विशेषता को यहां एक तेज और अधिक प्रत्यक्ष लक्षण वर्णन द्वारा प्रतिस्थापित किया गया है। एक प्रशंसक (1872) और जॉर्ज मूर (1879) की सुंदर पस्टेल छवि के साथ बर्थे मोरिसोट का यह कोमल काव्य चित्र है।

चित्रकार के कार्य में ऐतिहासिक विषयों और प्रमुख घटनाओं से संबंधित कार्य शामिल हैं। सार्वजनिक जीवन. हालांकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि ये कैनवस कम सफल हैं, क्योंकि इस तरह की समस्याएं उनकी कलात्मक प्रतिभा, विचारों के चक्र और जीवन के बारे में विचारों से अलग थीं।

इसलिए, उदाहरण के लिए, संयुक्त राज्य अमेरिका में उत्तर और दक्षिण के बीच गृह युद्ध की घटनाओं के लिए एक अपील के परिणामस्वरूप उत्तरी लोगों द्वारा ("किर्सेज़ की लड़ाई" के साथ "किर्सेज़ की लड़ाई" द्वारा स्मारकों के जहाज के डूबने की छवि थी। अलबामा", 1864), और एपिसोड को परिदृश्य के लिए अधिक जिम्मेदार ठहराया जा सकता है, जहां सैन्य जहाज स्टाफिंग के रूप में कार्य करते हैं। मैक्सिमिलियन (1867) का निष्पादन, संक्षेप में, एक शैली स्केच का चरित्र है, न केवल संघर्षरत मेक्सिकन लोगों के संघर्ष में रूचि से रहित है, बल्कि घटना का नाटक भी है।

पेरिस कम्यून के दिनों में मानेट द्वारा आधुनिक इतिहास के विषय को छुआ गया था (द एक्ज़ीक्यूशन ऑफ़ द कम्युनार्ड्स, 1871)। कम्युनिस्टों के प्रति सहानुभूतिपूर्ण रवैया चित्र के लेखक को श्रेय देता है, जिसे पहले कभी भी इस तरह के आयोजनों में दिलचस्पी नहीं रही। लेकिन फिर भी, इसका कलात्मक मूल्य अन्य कैनवस की तुलना में कम है, क्योंकि वास्तव में "द एक्ज़ीक्यूशन ऑफ़ मैक्सिमिलियन" की रचना योजना यहाँ दोहराई गई है, और लेखक केवल एक स्केच तक सीमित है जो क्रूर टकराव के अर्थ को बिल्कुल भी प्रतिबिंबित नहीं करता है दो विरोधी दुनिया के।

बाद के समय में, मानेट अब उनके लिए एक ऐतिहासिक शैली से अलग नहीं हुआ, जो एपिसोड में कलात्मक और अभिव्यंजक शुरुआत को प्रकट करना पसंद करता है, उन्हें रोजमर्रा की जिंदगी के प्रवाह में ढूंढता है। उसी समय, उन्होंने विशेष रूप से विशिष्ट क्षणों का सावधानीपूर्वक चयन किया, सबसे अभिव्यंजक दृष्टिकोण की तलाश की, और फिर उन्हें अपने चित्रों में बड़ी कुशलता से पुन: पेश किया।

इस अवधि की अधिकांश रचनाओं का आकर्षण लेखक की गतिशीलता और मजाकिया अवलोकन के रूप में चित्रित घटना के महत्व के कारण नहीं है।

एक ओपन-एयर समूह रचना का एक उल्लेखनीय उदाहरण पेंटिंग "इन ए बोट" (1874) है, जहां एक सेलबोट के स्टर्न की रूपरेखा का संयोजन, हेल्समैन के आंदोलनों की संयमित ऊर्जा, एक बैठी हुई महिला की स्वप्निल कृपा , हवा की पारदर्शिता, हवा की ताजगी का अहसास और नाव के फिसलने की गति एक अवर्णनीय तस्वीर बनाती है, जो हल्के आनंद और ताजगी से भरी होती है।

मानेट के काम में एक विशेष स्थान पर अभी भी जीवन का कब्जा है, जो उनके काम की विभिन्न अवधियों की विशेषता है। इस प्रकार, शुरुआती अभी भी जीवन "पेओनीज़" (1864-1865) लाल और सफेद-गुलाबी कलियों के साथ-साथ फूलों को दर्शाता है जो पहले से ही खिल चुके हैं और टेबल को कवर करने वाले टेबलक्लोथ पर पंखुड़ियों को छोड़कर फीका करना शुरू कर देते हैं। बाद के कार्य उनके सहज चित्रण के लिए उल्लेखनीय हैं। उनमें, चित्रकार फूलों की चमक को व्यक्त करने की कोशिश करता है, जो प्रकाश से भरे वातावरण में छाया हुआ है। ऐसी है पेंटिंग "रोजेज इन ए क्रिस्टल ग्लास" (1882-1883)।

अपने जीवन के अंत में, मानेट, जाहिरा तौर पर, उसने जो हासिल किया था उससे असंतुष्ट था और उसने कौशल के एक अलग स्तर पर बड़ी पूरी की गई कथानक रचनाएँ लिखने की कोशिश की। इस समय, वह सबसे महत्वपूर्ण कैनवस में से एक पर काम करना शुरू करता है - "द बार एट द फोलीज बर्गेरे" (1881-1882), जिसमें उन्होंने एक नए स्तर पर संपर्क किया, उनकी कला के विकास में एक नया चरण, बाधित मृत्यु (जैसा कि ज्ञात है, काम के दौरान मानेट गंभीर रूप से बीमार था)। रचना के केंद्र में एक युवा महिला सेल्सवुमेन का चित्र है, जो दर्शकों के सामने है। थोड़ा थका हुआ, आकर्षक गोरा, एक गहरी चमक के साथ एक गहरे रंग की पोशाक पहने हुए, एक विशाल दर्पण की पृष्ठभूमि के खिलाफ खड़ा होता है जो पूरी दीवार पर कब्जा कर लेता है, जो झिलमिलाती रोशनी की चमक और दर्शकों की अस्पष्ट, धुंधली रूपरेखा को दर्शाता है। कैफे की टेबल। महिला को हॉल का सामना करना पड़ता है, जिसमें दर्शक स्वयं स्थित होता है। यह अजीबोगरीब तकनीक पारंपरिक तस्वीर, पहली नज़र में, कुछ अस्थिरता देती है, जो वास्तविक दुनिया और प्रतिबिंबित की तुलना का सुझाव देती है। उसी समय, चित्र का केंद्रीय अक्ष दाहिने कोने में स्थानांतरित हो जाता है, जिसमें, 1870 के दशक के अनुसार। रिसेप्शन, तस्वीर का फ्रेम एक शीर्ष टोपी में एक आदमी की आकृति को थोड़ा अवरुद्ध करता है, दर्पण में परिलक्षित होता है, एक युवा सेल्सवुमन से बात करता है।

इस प्रकार, इस काम में, समरूपता और स्थिरता के शास्त्रीय सिद्धांत को एक गतिशील बदलाव के साथ-साथ विखंडन के साथ जोड़ा जाता है, जब जीवन की एक धारा से एक निश्चित क्षण (टुकड़ा) छीन लिया जाता है।

यह सोचना गलत होगा कि The Bar at the Folies Bergère का कथानक आवश्यक सामग्री से रहित है और महत्वहीन का एक प्रकार का स्मारक है। एक युवा, लेकिन पहले से ही आंतरिक रूप से थका हुआ और एक महिला के आस-पास के बहाने के प्रति उदासीन, उसकी भटकती टकटकी कहीं नहीं मुड़ी, उसके पीछे जीवन की भ्रामक चमक से अलगाव, काम के लिए एक महत्वपूर्ण शब्दार्थ छाया लाना, दर्शक के साथ हड़ताली इसकी अप्रत्याशितता।

दर्शक स्पार्कलिंग किनारों के साथ एक क्रिस्टल ग्लास में बार पर खड़े दो गुलाबों की अनूठी ताजगी की प्रशंसा करता है; और फिर अनैच्छिक रूप से इन शानदार फूलों की तुलना हॉल की निकटता में आधे मुरझाए हुए गुलाब के साथ की जाती है, जो सेल्सवुमन की ड्रेस के नेकलाइन पर टिकी होती है। तस्वीर को देखते हुए, आप उसकी आधी खुली छाती की ताजगी और भीड़ में भटकती उदासीन नज़र के बीच अद्वितीय अंतर देख सकते हैं। यह कामकलाकार के काम में एक कार्यक्रम माना जाता है, क्योंकि इसमें उसके सभी पसंदीदा विषयों और शैलियों के तत्व शामिल हैं: चित्र, स्थिर जीवन, विभिन्न प्रकाश प्रभाव, भीड़ की आवाजाही।

सामान्य तौर पर, मानेट द्वारा छोड़ी गई विरासत को दो पहलुओं द्वारा दर्शाया गया है, जो विशेष रूप से उनके द्वारा स्पष्ट किए गए हैं नवीनतम काम. सबसे पहले, अपने काम के साथ, वह 19 वीं शताब्दी की फ्रांसीसी कला की शास्त्रीय यथार्थवादी परंपराओं के विकास को पूरा करता है और समाप्त करता है, और दूसरी बात, वह कला में उन प्रवृत्तियों का पहला अंकुर देता है, जिन्हें नए यथार्थवाद के चाहने वालों द्वारा उठाया और विकसित किया जाएगा। 20 वीं सदी में।

में चित्रकार को पूर्ण और आधिकारिक मान्यता मिली पिछले साल काजीवन, अर्थात् 1882 में, जब उन्हें ऑर्डर ऑफ द लीजन ऑफ ऑनर (फ्रांस का मुख्य पुरस्कार) से सम्मानित किया गया। मानेट की मृत्यु 1883 में पेरिस में हुई।

क्लॉड मोनेट

प्रभाववाद के संस्थापकों में से एक फ्रांसीसी कलाकार क्लाउड मोनेट का जन्म 1840 में पेरिस में हुआ था।

एक मामूली पंसारी के बेटे के रूप में, जो पेरिस से रूएन चले गए, युवा मोनेट ने अपनी शुरुआत की रचनात्मक तरीकामज़ेदार कैरिकेचर बनाए, फिर रेन लैंडस्केप पेंटर यूजीन बौडिन के साथ अध्ययन किया, जो प्लेन एयर रियलिस्टिक लैंडस्केप के रचनाकारों में से एक थे। बौडिन ने न केवल भविष्य के चित्रकार को खुली हवा में काम करने की आवश्यकता के बारे में आश्वस्त किया, बल्कि प्रकृति के प्रति प्रेम, सावधानीपूर्वक अवलोकन और जो उसने देखा उसका सच्चा प्रसारण करने में भी कामयाब रहा।

1859 में, मोनेट एक वास्तविक कलाकार बनने के लक्ष्य के साथ पेरिस के लिए रवाना हुआ। उसके माता-पिता का सपना था कि वह ललित कला के स्कूल में प्रवेश करेगा, लेकिन युवक अपनी आशाओं पर खरा नहीं उतरता है और बोहेमियन जीवन में सुर्खियां बटोरता है, कलात्मक वातावरण में कई परिचितों को प्राप्त करता है। अपने माता-पिता के भौतिक समर्थन से पूरी तरह से वंचित, और इसलिए आजीविका के बिना, मोनेट को सेना में शामिल होने के लिए मजबूर होना पड़ा। हालाँकि, अल्जीरिया से लौटने के बाद भी, जहाँ उन्हें एक कठिन सेवा करनी पड़ी थी, वे उसी जीवन शैली का नेतृत्व करना जारी रखते हैं। थोड़ी देर बाद, उनकी मुलाकात आई। इओकाइंड से हुई, जिन्होंने उन्हें प्राकृतिक अध्ययन पर काम करने के लिए आकर्षित किया। और फिर वह सुइस के स्टूडियो का दौरा करता है, कुछ समय के लिए वह अकादमिक दिशा के तत्कालीन प्रसिद्ध चित्रकार - एम। ग्लीरे के स्टूडियो में पढ़ता है, और युवा कलाकारों (जे.एफ. बेसिल, सी। पिसारो,) के एक समूह के भी करीब हो जाता है। ई. डेगास, पी. सिज़ेन, ओ रेनॉयर, ए. सिसली और अन्य), जो खुद मोनेट की तरह कला में विकास के नए तरीकों की तलाश कर रहे थे।

नौसिखिए चित्रकार पर सबसे बड़ा प्रभाव एम। ग्लीरे के स्कूल का नहीं था, बल्कि समान विचारधारा वाले लोगों के साथ दोस्ती का था, जो सैलून अकादमिकता के प्रबल आलोचक थे। यह इस मित्रता, आपसी समर्थन, अनुभव का आदान-प्रदान करने और उपलब्धियों को साझा करने का अवसर था, जो एक नई सचित्र प्रणाली का जन्म हुआ, जिसे बाद में "प्रभाववाद" नाम मिला।

सुधार का आधार यह था कि काम प्रकृति में, खुले आसमान के नीचे होता था। इसी समय, कलाकारों ने खुली हवा में न केवल स्केच, बल्कि पूरी तस्वीर चित्रित की। सीधे प्रकृति के संपर्क में, वे अधिक से अधिक आश्वस्त हो गए कि प्रकाश में परिवर्तन, वातावरण की स्थिति, रंग प्रतिबिंबों को डालने वाली अन्य वस्तुओं की निकटता और कई अन्य कारकों के आधार पर वस्तुओं का रंग लगातार बदल रहा है। यह वे परिवर्तन थे जिन्हें उन्होंने अपने कार्यों के माध्यम से व्यक्त करने का प्रयास किया।

1865 में, मोनेट ने "मानेट की भावना में, लेकिन खुली हवा में" एक बड़े कैनवास को पेंट करने का फैसला किया। यह लंच ऑन द ग्रास (1866) था - उनका पहला सबसे महत्वपूर्ण कार्य, चालाकी से कपड़े पहने हुए पेरिसियों को चित्रित करते हुए, जिन्होंने शहर छोड़ दिया और जमीन पर रखी मेज़पोश के चारों ओर एक पेड़ की छाया में बैठ गए। कार्य को इसकी बंद और संतुलित रचना के पारंपरिक चरित्र की विशेषता है। हालाँकि, कलाकार का ध्यान मानवीय चरित्रों को दिखाने या एक अभिव्यंजक कथानक रचना बनाने के अवसर पर इतना अधिक नहीं है, बल्कि मानव आकृतियों को आसपास के परिदृश्य में फिट करने और उनके बीच व्याप्त सहजता और विश्राम के वातावरण को व्यक्त करने के लिए है। इस आशय को बनाने के लिए, कलाकार केंद्र में बैठी युवती की मेज़पोश और पोशाक पर खेलते हुए, पर्ण के माध्यम से सूरज की चमक के हस्तांतरण पर बहुत ध्यान देता है। मोनेट सटीक रूप से मेज़पोशों पर रंग प्रतिबिंबों के खेल और हल्के महिलाओं की पोशाक की पारदर्शिता को दर्शाता है। इन खोजों के साथ, पेंटिंग की पुरानी प्रणाली का टूटना शुरू हो जाता है, जो अंधेरे छाया और निष्पादन के घने भौतिक तरीके पर जोर देती है।

उस समय से, मोनेट का दुनिया के प्रति दृष्टिकोण परिदृश्य बन गया है। मानवीय चरित्र, लोगों के संबंध उसके लिए कम रुचि रखते हैं। घटनाक्रम 1870-1871 मोनेट को लंदन जाने के लिए मजबूर किया, जहाँ से वह हॉलैंड की यात्रा करता है। अपनी वापसी पर, उन्होंने कई पेंटिंग बनाईं जो उनके काम में प्रोग्रामेटिक बन गईं। इनमें "इंप्रेशन" शामिल है। सनराइज" (1872), "लिलाक्स इन द सन" (1873), "बुलेवार्ड डेस कैपुसीन" (1873), "अर्जेंटीयूइल में पोपियों का क्षेत्र" (1873), आदि।

1874 में, उनमें से कुछ को "बेनामी सोसाइटी ऑफ़ पेंटर्स, आर्टिस्ट्स एंड एंग्रेवर्स" द्वारा आयोजित प्रसिद्ध प्रदर्शनी में प्रदर्शित किया गया था, जिसका नेतृत्व स्वयं मोनेट ने किया था। प्रदर्शनी के बाद, मोनेट और उनके समान विचारधारा वाले लोगों के एक समूह को प्रभाववादी (फ्रांसीसी प्रभाव - छाप से) कहा जाने लगा। इस समय तक, मोनेट के कलात्मक सिद्धांत, उनके काम के पहले चरण की विशेषता, अंततः एक निश्चित प्रणाली में बन गए।

खुली हवा में लिलाक्स इन द सन (1873) में, दो महिलाओं को फूलों की बकाइन की बड़ी झाड़ियों की छाया में बैठे हुए चित्रित किया गया है, उनके आंकड़े उसी तरीके से और उसी इरादे से व्यवहार किए जाते हैं जैसे स्वयं झाड़ियों और जिस घास पर वो बैठते हैं। लोगों के आंकड़े केवल सामान्य परिदृश्य का हिस्सा हैं, जबकि शुरुआती गर्मियों की कोमल गर्मी, युवा पर्णसमूह की ताजगी, धूप के दिन की धुंध को असाधारण आजीविका और प्रत्यक्ष अनुनय के साथ व्यक्त किया जाता है, जो उस समय की विशेषता नहीं थी।

एक और तस्वीर - "बुलेवार्ड डेस कैपुसीन" - प्रभाववादी पद्धति के सभी मुख्य विरोधाभासों, फायदे और नुकसान को दर्शाता है। यहाँ, एक बड़े शहर के जीवन के प्रवाह से छीने गए एक क्षण को बहुत सटीक रूप से व्यक्त किया गया है: यातायात के बहरे नीरस शोर की भावना, हवा की नम पारदर्शिता, फरवरी के सूरज की किरणें पेड़ों की नंगी शाखाओं के साथ फिसलती हुई, एक आकाश के नीले रंग को ढँकने वाले भूरे बादलों की फिल्म ... चित्र क्षणभंगुर है, लेकिन फिर भी कलाकार की नज़र कम सतर्क और ध्यान देने योग्य है, और कलाकार संवेदनशील है, जीवन की सभी घटनाओं का जवाब देता है। तथ्य यह है कि नज़र वास्तव में संयोग से फेंकी जाती है, विचारशील रचना द्वारा बल दिया जाता है
स्वागत: दाईं ओर की तस्वीर का फ्रेम, जैसा कि था, बालकनी पर खड़े पुरुषों के आंकड़े काट देता है।

इस काल के कैनवस दर्शक को यह आभास कराते हैं कि वह स्वयं है अभिनेताजीवन का यह उत्सव, सूरज की रोशनी से भरा हुआ और एक सुंदर भीड़ का लगातार हुड़दंग।

अर्जेंटीना में बसने के बाद, मोनेट सीन, पुलों, पानी की सतह पर ग्लाइडिंग करने वाली हल्की सेलबोट्स के लिए बहुत रुचि के साथ लिखते हैं ...

परिदृश्य उसे इतना आकर्षित करता है कि, एक अनूठा आकर्षण के आगे झुकते हुए, वह खुद के लिए एक छोटी नाव बनाता है और उसमें अपने मूल रूयन तक पहुँच जाता है, और वहाँ वह जो चित्र देखता है, उससे चकित होकर, अपनी भावनाओं को रेखाचित्रों में बिखेर देता है, जो परिवेश को चित्रित करता है। नदी के मुहाने में प्रवेश करने वाले शहर और बड़े समुद्री जल जहाजों ("अर्जेंटीयूइल", 1872; "अर्जेंटीयूइल में सेलबोट", 1873-1874)।

1877 को सेंट-लज़ारे रेलवे स्टेशन को चित्रित करने वाली चित्रों की एक श्रृंखला के निर्माण से चिह्नित किया गया है। उन्होंने चार्ट किया नया मंचमोनेट के काम में।

उस समय से, रेखाचित्र, उनकी पूर्णता से प्रतिष्ठित, ने उन कार्यों के लिए रास्ता दिया है जिनमें मुख्य बात चित्रित करने के लिए एक विश्लेषणात्मक दृष्टिकोण है ("गारे सेंट-लज़ारे", 1877)। पेंटिंग शैली में बदलाव कलाकार के निजी जीवन में बदलाव से जुड़ा है: उसकी पत्नी कैमिला गंभीर रूप से बीमार पड़ जाती है, दूसरे बच्चे के जन्म के कारण परिवार पर गरीबी आ जाती है।

अपनी पत्नी की मृत्यु के बाद, ऐलिस गोशेडे ने बच्चों की देखभाल की, जिनके परिवार ने मोनेट के रूप में वेथेउइल में एक ही घर किराए पर लिया। यह महिला बाद में उनकी दूसरी पत्नी बनीं। कुछ समय बाद, मोनेट की वित्तीय स्थिति में इतना सुधार हुआ कि वह गिवरनी में अपना घर खरीदने में सक्षम हो गया, जहाँ उसने बाकी समय काम किया।

चित्रकार सूक्ष्मता से नए रुझानों को महसूस करता है, जो उसे अद्भुत अंतर्दृष्टि के साथ बहुत कुछ अनुमान लगाने की अनुमति देता है।
XIX के उत्तरार्ध के कलाकारों द्वारा क्या हासिल किया जाएगा - शुरुआती XX सदी। यह रंग और भूखंडों के प्रति दृष्टिकोण को बदलता है
चित्रों। अब उनका ध्यान ब्रशस्ट्रोक की रंग योजना की अभिव्यक्तता पर केंद्रित है, जो इसके विषय सहसंबंध से अलग है, सजावटी प्रभाव को बढ़ाता है। अंतत: वह पैनल पेंटिंग बनाता है। साधारण भूखंड 1860-1870 विभिन्न साहचर्य कड़ियों के साथ जटिल रूपांकनों को रास्ता दें: महाकाव्य चित्रचट्टानें, पोपलर की एलिगियाक रैंक ("रॉक इन बेले-इले", 1866; "पोप्लर", 1891)।

इस अवधि को कई धारावाहिक कार्यों द्वारा चिह्नित किया गया है: "हैक्स" की रचनाएँ ("बर्फ में घास। उदास दिन", 1891; "हक्स। दिन का अंत। शरद ऋतु", 1891), रूयन कैथेड्रल की छवियां (" रूयन कैथेड्रलदोपहर", 1894, आदि), लंदन के दृश्य ("लंदन में कोहरा", 1903, आदि)। अभी भी एक प्रभावशाली तरीके से काम कर रहे हैं और अपने पैलेट की विभिन्न प्रकार की टॉन्सिलिटी का उपयोग करते हुए, मास्टर का लक्ष्य सबसे बड़ी सटीकता और विश्वसनीयता के साथ बताना है कि दिन के दौरान अलग-अलग मौसम में समान वस्तुओं की रोशनी कैसे बदल सकती है।

यदि आप रूयन कैथेड्रल के बारे में चित्रों की एक श्रृंखला को अधिक बारीकी से देखते हैं, तो यह स्पष्ट हो जाता है कि यहां कैथेड्रल का अवतार नहीं है जटिल दुनियामध्ययुगीन फ्रांस के लोगों के विचार, भावनाएँ और आदर्श और कला और वास्तुकला का एक स्मारक भी नहीं, बल्कि एक प्रकार की पृष्ठभूमि, जिससे लेखक प्रकाश और वातावरण के जीवन की स्थिति बताता है। दर्शक सुबह की हवा की ताजगी, दोपहर की गर्मी, आने वाली शाम की कोमल छायाओं को महसूस करता है, जो इस श्रृंखला के सच्चे नायक हैं।

हालांकि, इसके अलावा, ऐसी पेंटिंग असामान्य सजावटी रचनाएं हैं, जो अनैच्छिक रूप से उत्पन्न होने वाले साहचर्य संबंधों के लिए धन्यवाद, दर्शक को समय और स्थान की गतिशीलता का आभास देती हैं।

अपने परिवार के साथ गिवरनी में रहने के बाद, मोनेट ने अपना पेंटिंग संगठन करने के लिए बगीचे में बहुत समय बिताया। इस व्यवसाय ने कलाकार के विचारों को इतना प्रभावित किया कि लोगों द्वारा बसाई गई सामान्य दुनिया के बजाय, उसने अपने कैनवस पर पानी और पौधों की रहस्यमयी सजावटी दुनिया ("इराइज एट गिवरनी", 1923; "वीपिंग विलो", 1923) का चित्रण करना शुरू कर दिया। ). इसलिए उनके बाद के पैनलों की सबसे प्रसिद्ध श्रृंखला ("व्हाइट वॉटर लिली। हार्मनी ऑफ ब्लू", 1918-1921) में दिखाए गए पानी के लिली के साथ तालाबों के दृश्य।

गिवरनी कलाकार की अंतिम शरणस्थली बन गई, जहाँ 1926 में उनकी मृत्यु हो गई।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि प्रभाववादियों के लेखन का तरीका शिक्षाविदों के तरीके से बहुत अलग था। प्रभाववादी, विशेष रूप से मोनेट और उनके समान विचारधारा वाले लोग, ब्रशस्ट्रोक की रंग योजना की अभिव्यक्तता में इसके विषय सहसंबंध से अलगाव में रुचि रखते थे। यही है, उन्होंने अलग-अलग स्ट्रोक में लिखा, केवल शुद्ध रंगों का उपयोग करते हुए जो पैलेट पर मिश्रित नहीं थे, जबकि दर्शक की धारणा में वांछित स्वर पहले से ही बन गया था। तो, पेड़ों और घास के पत्ते के लिए, हरे, नीले और पीले रंग के साथ, कुछ दूरी पर हरे रंग की सही छाया देने के लिए उपयोग किया जाता था। इस पद्धति ने प्रभाववादी उस्तादों के कार्यों को एक विशेष शुद्धता और ताजगी प्रदान की, जो केवल उन्हीं में निहित है। अलग-अलग रखे गए स्ट्रोक ने राहत की छाप पैदा की, और जैसे कि सतह हिल रही थी।

पियरे अगस्टे रेनॉयर

पियरे अगस्टे रेनॉयर, फ्रांसीसी चित्रकार, ग्राफिक कलाकार और मूर्तिकार, प्रभाववादी समूह के नेताओं में से एक, का जन्म 25 फरवरी, 1841 को लिमोजेस में एक प्रांतीय दर्जी के एक गरीब परिवार में हुआ था, जो 1845 में पेरिस चले गए थे। युवा रेनॉयर की प्रतिभा को उसके माता-पिता ने बहुत पहले ही देख लिया था, और 1854 में उन्होंने उसे एक चीनी मिट्टी के बरतन पेंटिंग कार्यशाला में नियुक्त किया। कार्यशाला का दौरा करते हुए, रेनॉयर ने एक साथ ड्राइंग और एप्लाइड आर्ट के स्कूल में अध्ययन किया, और 1862 में, पैसे बचाए (हथियारों, पर्दे और पंखे के कोट को पेंट करके पैसा कमाया), युवा कलाकार ने स्कूल ऑफ़ फाइन आर्ट्स में प्रवेश किया। थोड़ी देर बाद, वह सी. ग्लीरे की कार्यशाला में जाने लगे, जहां वे ए. सिसली, एफ. बेसिल और सी. मोनेट के करीबी दोस्त बन गए। वह अक्सर लौवर का दौरा करते थे, ए। वेटेउ, एफ। बाउचर, ओ। फ्रैगनार्ड जैसे उस्तादों के कार्यों का अध्ययन करते थे।

प्रभाववादियों के एक समूह के साथ संचार Renoir को अपनी दृष्टि की अपनी शैली विकसित करने के लिए प्रेरित करता है। इसलिए, उदाहरण के लिए, उनके विपरीत, अपने पूरे काम के दौरान उन्होंने एक व्यक्ति की छवि को अपने चित्रों के मुख्य उद्देश्य के रूप में बदल दिया। इसके अलावा, उनका काम, हालांकि यह प्लेन एयर था, कभी भंग नहीं हुआ
प्रकाश के झिलमिलाते माध्यम में भौतिक दुनिया का प्लास्टिक वजन।

चित्रकार द्वारा चिरोस्कोरो का उपयोग, छवि को लगभग मूर्तिकला रूप देते हुए, उनके शुरुआती कार्यों को कुछ यथार्थवादी कलाकारों के कार्यों की तरह दिखता है, विशेष रूप से जी। कोर्टबेट। हालांकि, एक हल्का और हल्का रंग योजना, जो केवल रेनॉयर में निहित है, इस मास्टर को अपने पूर्ववर्तियों ("मदर एंथोनी टैवर्न", 1866) से अलग करता है। कलाकार के कई कार्यों में खुली हवा में मानव आकृतियों के संचलन की प्राकृतिक प्लास्टिसिटी को व्यक्त करने का प्रयास ध्यान देने योग्य है। "अल्फ्रेड सिसली की अपनी पत्नी के साथ पोर्ट्रेट" (1868) में, रेनॉयर उस भावना को दिखाने की कोशिश करता है जो युगल को हाथ में हाथ डालकर जोड़ती है: सिसली एक पल के लिए रुका और धीरे से अपनी पत्नी की ओर झुक गया। इस तस्वीर में, एक फोटोग्राफिक फ्रेम की याद दिलाने वाली रचना के साथ, आंदोलन का मकसद अभी भी आकस्मिक और व्यावहारिक रूप से बेहोश है। हालांकि, "मधुशाला" की तुलना में, "अल्फ्रेड सिसली के चित्र में उनकी पत्नी के साथ" के आंकड़े अधिक सहज और जीवंत लगते हैं। एक और महत्वपूर्ण बिंदु महत्वपूर्ण है: पति-पत्नी को प्रकृति (बगीचे में) में चित्रित किया गया है, लेकिन रेनॉयर को अभी भी खुली हवा में मानव आकृतियों को चित्रित करने का कोई अनुभव नहीं है।

"अल्फ्रेड सिसली का चित्र अपनी पत्नी के साथ" - नई कला की राह पर कलाकार का पहला कदम। कलाकार के काम में अगला चरण पेंटिंग बाथिंग इन द सीन (सी। 1869) था, जहां किनारे पर चलने वाले लोगों, स्नानार्थियों के साथ-साथ नावों और पेड़ों के झुरमुटों के आंकड़े प्रकाश-वायु वातावरण द्वारा एक साथ लाए जाते हैं। एक सुंदर गर्मी का दिन। चित्रकार पहले से ही स्वतंत्र रूप से रंगीन छाया और हल्के रंग के प्रतिबिंबों का उपयोग कर रहा है। उसका स्मीयर जीवंत और ऊर्जावान हो जाता है।

सी. मोनेट की तरह, Renoir पर्यावरण की दुनिया में मानव आकृति को शामिल करने की समस्या का शौकीन है। कलाकार इस समस्या को पेंटिंग "स्विंग" (1876) में हल करता है, लेकिन सी। मोनेट की तुलना में थोड़ा अलग तरीके से, जिसमें लोगों के आंकड़े परिदृश्य में घुलने लगते हैं। रेनॉयर ने अपनी रचना में कई प्रमुख आकृतियों का परिचय दिया। जिस सुरम्य तरीके से यह कैनवास बनाया गया है वह बहुत ही स्वाभाविक रूप से छाया द्वारा नरम किए गए गर्म गर्मी के दिन के वातावरण को व्यक्त करता है। तस्वीर खुशी और खुशी की भावना से भरी हुई है।

1870 के मध्य में। रेनॉयर पेंट धूप में भीगने वाले परिदृश्य "पाथ इन द मीडोज" (1875) के रूप में काम करता है, जो प्रकाश जीवंत आंदोलन से भरा हुआ है और उज्ज्वल प्रकाश प्रतिबिंबों का मायावी खेल "मौलिन डे ला गैलेट" (1876), साथ ही साथ "छाते" ( 1883), "लॉज" (1874) और द एंड ऑफ ब्रेकफास्ट (1879)। ये खूबसूरत कैनवस इस तथ्य के बावजूद बनाए गए थे कि कलाकार को एक कठिन वातावरण में काम करना पड़ता था, क्योंकि प्रभाववादियों (1874) की निंदनीय प्रदर्शनी के बाद, रेनॉयर का काम (साथ ही उनके समान विचारधारा वाले लोगों का काम) तेज के अधीन था। तथाकथित कला पारखियों के हमले। हालांकि, इस कठिन समय के दौरान, रेनॉयर ने अपने करीबी दो लोगों का समर्थन महसूस किया: भाई एडमंड (पत्रिका ला वी मॉडर्न के प्रकाशक) और जॉर्जेस चारपेंटियर (साप्ताहिक के मालिक)। उन्होंने कलाकार को थोड़ी सी धनराशि प्राप्त करने और एक कार्यशाला किराए पर लेने में मदद की।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि रचना के संदर्भ में, सी। मोनेट द्वारा "पाथ इन द मीडोज" का परिदृश्य "पोपीज़" (1873) के बहुत करीब है, हालांकि, रेनॉयर के कैनवस की सुरम्य बनावट अधिक घनी और सामग्री है। रचनात्मक समाधान के संबंध में एक और अंतर आकाश है। रेनॉयर में, जिनके लिए यह प्राकृतिक दुनिया की भौतिकता थी जो महत्वपूर्ण थी, आकाश चित्र के केवल एक छोटे से हिस्से पर कब्जा करता है, जबकि मोनेट में, जिसने आकाश को ग्रे-सिल्वर या बर्फ-सफेद बादलों के साथ चित्रित किया, यह फूलों की खसखस ​​​​के साथ बिंदीदार एक ढलान के ऊपर उगता है, जो गर्मी के दिनों में धूप से भीगने का एहसास कराता है।

रचनाओं में "मौलिन डे ला गैलेट" (इसके साथ कलाकार को एक वास्तविक सफलता मिली), "छाते", "लॉज" और "नाश्ते का अंत" स्पष्ट रूप से दिखाया गया है (मानेट और डेगस के रूप में) एक प्रतीत होता है आकस्मिक रूप से रुचि झाँक जीवन की स्थिति; संरचनागत स्थान के फ्रेम को काटने की विधि के लिए भी विशेषता है, जो ई। डेगास और आंशिक रूप से ई। मैनेट की भी विशेषता है। लेकिन, बाद के कार्यों के विपरीत, रेनोइर की पेंटिंग्स महान शांति और चिंतन से प्रतिष्ठित हैं।

कैनवस "द लॉज", जिसमें, जैसे कि दूरबीन के माध्यम से कुर्सियों की पंक्तियों को देखते हुए, लेखक अनजाने में एक बॉक्स में आता है जिसमें एक उदासीन रूप वाली सुंदरता स्थित होती है। इसके विपरीत, उसका साथी दर्शकों को बड़े चाव से देखता है। उनके फिगर का कुछ हिस्सा पिक्चर फ्रेम से कट गया है।

काम "नाश्ते का अंत" एक अल्पविकसित प्रकरण प्रस्तुत करता है: दो महिलाओं ने सफेद और काले कपड़े पहने, साथ ही साथ उनके सज्जन, बगीचे के एक छायादार कोने में नाश्ता पूरा किया। टेबल पहले से ही कॉफी के लिए सेट है, जो ठीक हल्के नीले चीनी मिट्टी के बरतन से बने कप में परोसा जाता है। महिलाएं कहानी की निरंतरता की प्रतीक्षा कर रही हैं, जिसे आदमी ने सिगरेट जलाने के लिए बाधित किया। यह चित्र नाटकीय या गहरा मनोविज्ञान नहीं है, यह मूड के सबसे छोटे रंगों के सूक्ष्म हस्तांतरण के साथ दर्शकों का ध्यान आकर्षित करता है।

शांत प्रफुल्लता की एक समान भावना "ब्रेकफास्ट ऑफ़ द रोवर्स" (1881), प्रकाश और जीवंत आंदोलन से भरी हुई है। अपनी बाहों में एक कुत्ते के साथ बैठी एक सुंदर युवा महिला के चित्र से उत्साह और आकर्षण निकलता है। कलाकार ने उसका चित्रण किया होने वाली पत्नी. कैनवास "न्यूड" (1876) एक ही हर्षित मनोदशा से भरा है, केवल थोड़ा अलग अपवर्तन में। एक युवा महिला के शरीर की ताजगी और गर्माहट चादर और सनी के नीले-ठंडे कपड़े के विपरीत होती है, जो एक तरह की पृष्ठभूमि बनाती है।

रेनॉयर के काम की एक विशेषता यह है कि एक व्यक्ति अपनी जटिल मनोवैज्ञानिक और नैतिक परिपूर्णता से वंचित है, जो लगभग सभी यथार्थवादी कलाकारों की पेंटिंग की विशेषता है। यह विशेषता न केवल "न्यूड" (जहां कथानक की प्रकृति ऐसे गुणों की अनुपस्थिति की अनुमति देती है) जैसे कार्यों में निहित है, बल्कि रेनॉयर के चित्रों में भी है। हालांकि, यह उनके कैनवास के आकर्षण से वंचित नहीं करता है, जो पात्रों की प्रफुल्लता में निहित है।

सबसे बड़ी हद तक, इन गुणों को रेनॉयर "गर्ल विद ए फैन" (सी। 1881) के प्रसिद्ध चित्र में महसूस किया गया है। कैनवास वह कड़ी है जो बांधती है जल्दी कामएक ठंडा और अधिक परिष्कृत द्वारा विशेषता, एक देर से Renoir रंग की. इस अवधि के दौरान, कलाकार, पहले की तुलना में अधिक हद तक, स्पष्ट रेखाओं में, स्पष्ट रेखाचित्र में, साथ ही साथ रंग के इलाके में रुचि रखता है। कलाकार लयबद्ध दोहराव (एक पंखे का अर्धवृत्त - एक लाल कुर्सी का अर्धवृत्ताकार पीछे - झुका हुआ कंधा) के लिए एक बड़ी भूमिका प्रदान करता है।

हालाँकि, रेनॉयर की पेंटिंग में ये सभी रुझान 1880 के दशक के उत्तरार्ध में पूरी तरह से प्रकट हुए, जब उनके काम में निराशा और सामान्य रूप से प्रभाववाद स्थापित हुआ। अपने कुछ कामों को नष्ट करने के बाद, जिसे कलाकार ने "सूखा" माना, वह एन। पुसिन के काम का अध्ययन करना शुरू कर देता है, जे.ओ.डी. इंग्रेस की ड्राइंग की ओर मुड़ता है। नतीजतन, उनका पैलेट एक विशेष चमक प्राप्त करता है। कहा गया। "पर्ल पीरियड", "गर्ल्स एट द पियानो" (1892), "द स्लीपिंग बाथर" (1897) के साथ-साथ बेटों के चित्रों - पियरे, जीन और क्लाउड - "गेब्रियल और जीन" के रूप में जाना जाता है। 1895), "कोको" (1901)।

इसके अलावा, 1884 से 1887 तक, Renoir वेरिएंट की एक श्रृंखला पर काम कर रहा है बड़ी तस्वीर"स्नान करने वाले"। उनमें, वह एक स्पष्ट रचना पूर्णता प्राप्त करने का प्रबंधन करता है। हालाँकि, हमारे समय की बड़ी समस्याओं से दूर कथानक की ओर मुड़ते हुए, महान पूर्ववर्तियों की परंपराओं को पुनर्जीवित करने और पुनर्विचार करने के सभी प्रयास विफल हो गए। "स्नान करने वालों" ने केवल कलाकार को जीवन के अपने पहले के प्रत्यक्ष और ताज़ा बोध से अलग कर दिया। यह सब काफी हद तक इस तथ्य की व्याख्या करता है कि 1890 के दशक से। रेनॉयर का काम कमजोर हो जाता है: नारंगी-लाल स्वर उसके कामों के रंग में प्रबल होने लगते हैं, और पृष्ठभूमि, हवादार गहराई से रहित, सजावटी और सपाट हो जाती है।

1903 से, Renoir में बस गए हैं अपना मकानकॉग्नेस-सुर-मेर में, जहां वह परिदृश्य पर काम करना जारी रखता है, मानव आकृतियों के साथ रचनाएं और अभी भी जीवन है, जिसमें अधिकांश भाग के लिए लाल रंग के स्वर पहले से ही ऊपर उल्लिखित हैं। गंभीर रूप से बीमार होने के कारण, कलाकार अब ब्रश को अपने आप नहीं पकड़ सकता है, और वे उसके हाथों से बंधे हैं। हालाँकि, कुछ समय बाद, पेंटिंग को पूरी तरह से छोड़ देना पड़ता है। फिर मास्टर मूर्तिकला में बदल जाता है। गुइनो के सहायक के साथ मिलकर, वह कई अद्भुत मूर्तियां बनाता है, जो सिल्हूट, आनंद और जीवन-पुष्टि शक्ति (वीनस, 1913; द ग्रेट लॉन्ड्रेस, 1917; मातृत्व, 1916) की सुंदरता और सामंजस्य से प्रतिष्ठित हैं। 1919 में एल्प्स-मैरीटाइम्स में अपनी संपत्ति पर रेनॉयर की मृत्यु हो गई।

एडगर देगास

एडगर हिलैरे जर्मेन डेगास, फ्रांसीसी चित्रकार, ग्राफिक कलाकार और मूर्तिकार, प्रभाववाद के सबसे बड़े प्रतिनिधि, का जन्म 1834 में पेरिस में एक धनी बैंकर के परिवार में हुआ था। समृद्ध होने के नाते, उन्होंने लुइस द ग्रेट (1845-1852) के नाम पर प्रतिष्ठित लिसेयुम में एक उत्कृष्ट शिक्षा प्राप्त की। कुछ समय के लिए वह पेरिस विश्वविद्यालय (1853) में विधि संकाय में एक छात्र थे, लेकिन, कला के लिए तरस महसूस करते हुए, उन्होंने विश्वविद्यालय छोड़ दिया और कलाकार एल। लामोटे (एक छात्र और अनुयायी) के स्टूडियो में भाग लेने लगे। इंग्रेस की) और उसी समय (1855 से) स्कूल
ललित कला। हालाँकि, 1856 में, अप्रत्याशित रूप से सभी के लिए, देगास ने पेरिस छोड़ दिया और दो साल के लिए इटली चला गया, जहाँ उन्होंने बहुत रुचि के साथ अध्ययन किया और कई चित्रकारों की तरह, पुनर्जागरण के महान स्वामी के कार्यों की नकल की। उनका सबसे बड़ा ध्यान ए. मेंटेग्ना और पी. वेरोनीज़ के कार्यों पर दिया जाता है, जिनकी प्रेरित और रंगीन पेंटिंग की युवा कलाकार ने बहुत सराहना की।

डेगस के शुरुआती काम (मुख्य रूप से चित्र) एक स्पष्ट और सटीक ड्राइंग और सूक्ष्म अवलोकन की विशेषता है, जो लेखन के एक अति संयमित तरीके से संयुक्त है (उनके भाई द्वारा रेखाचित्र, 1856-1857; बैरोनेस बेलेली के सिर का चित्रण, 1859) या अद्भुत के साथ निष्पादन की सत्यता (एक इतालवी भिखारी का चित्र, 1857)।

अपनी मातृभूमि में लौटकर, देगास ने ऐतिहासिक विषय की ओर रुख किया, लेकिन उस समय के लिए इसकी व्याख्या नहीं की। इस प्रकार, "स्पार्टन गर्ल्स चैलेंज यंग मेन टू अ कॉम्पिटिशन" (1860) की रचना में, मास्टर, प्राचीन कथानक के सशर्त आदर्शीकरण की अनदेखी करते हुए, इसे मूर्त रूप देना चाहता है क्योंकि यह वास्तविकता में हो सकता है। यहाँ पुरातनता, जैसा कि एक ऐतिहासिक विषय पर उनके अन्य कैनवस में है, मानो आधुनिकता के चश्मे से गुज़री हो: प्राचीन स्पार्टा की लड़कियों और युवकों की छवियां, कोणीय रूपों, पतले शरीर और तेज आंदोलनों के साथ, एक रोज़ की पृष्ठभूमि के खिलाफ चित्रित नीरस परिदृश्य, शास्त्रीय विचारों से बहुत दूर हैं और आदर्श स्पार्टन्स की तुलना में पेरिस के उपनगरों के सामान्य किशोरों से अधिक मिलते जुलते हैं।

1860 के दशक के दौरान, नौसिखिए चित्रकार की रचनात्मक पद्धति का क्रमिक गठन हुआ। इस दशक में, कम महत्वपूर्ण ऐतिहासिक कैनवस ("सेमिरमाइड वाचिंग द कंस्ट्रक्शन ऑफ बेबीलोन", 1861) के साथ, कलाकार ने कई चित्र कार्य बनाए, जिसमें अवलोकन और यथार्थवादी कौशल का सम्मान किया गया। इस संबंध में, सबसे अधिक सांकेतिक पेंटिंग "एक युवा महिला का प्रमुख" है, जिसके द्वारा बनाई गई है
1867 में

1861 में, डेगास ई. मैनेट से मिले और जल्द ही गेरबोइस कैफे में एक नियमित बन गए, जहां उस समय के युवा नवप्रवर्तक इकट्ठा होते हैं: सी. मोनेट, ओ. रेनॉयर, ए. सिसली और अन्य। लेकिन अगर वे मुख्य रूप से परिदृश्य और काम में रुचि रखते हैं खुली हवा में, तो देगस शहर, पेरिस प्रकार के विषय पर अधिक ध्यान केंद्रित करता है। वह गतिमान हर चीज की ओर आकर्षित होता है; स्थैतिक उसे उदासीन छोड़ देता है।

डेगस एक बहुत ही चौकस पर्यवेक्षक था, जो जीवन की घटनाओं के अंतहीन परिवर्तन में चारित्रिक रूप से अभिव्यक्त होने वाली हर चीज पर सूक्ष्मता से कब्जा कर लेता था। इस प्रकार, बड़े शहर की पागल लय को व्यक्त करते हुए, वह पूंजीवादी शहर को समर्पित रोजमर्रा की शैली के रूपों में से एक के निर्माण के लिए आता है।

इस अवधि के काम में, चित्र बाहर खड़े हैं, जिनमें से कई ऐसे हैं जिन्हें विश्व चित्रकला के मोती के रूप में वर्गीकृत किया गया है। उनमें बेलेली परिवार का एक चित्र (सी। 1860-1862), एक महिला का चित्र (1867), कलाकार के पिता का एक चित्र है जो गिटारवादक पैगन (सी। 1872) को सुन रहा है।

1870 के दशक की कुछ पेंटिंग में पात्रों के चित्रण में एक फोटोग्राफिक भावहीनता की विशेषता है। एक उदाहरण एक कैनवास है जिसे "डांसिंग लेसन" (सी। 1874) कहा जाता है, जो ठंडे नीले रंग के स्वर में बनाया गया है। अद्भुत सटीकता के साथ, लेखक एक पुराने डांस मास्टर से सबक लेते हुए बैलेरिना के आंदोलनों को पकड़ता है। हालाँकि, एक अलग प्रकृति के चित्र हैं, जैसे, उदाहरण के लिए, प्लेस डे ला कॉनकॉर्ड पर अपनी बेटियों के साथ विस्काउंट लेपिक का एक चित्र, जो 1873 में वापस डेटिंग करता है। लेपिक के चरित्र के हस्तांतरण की रचना और असाधारण तीक्ष्णता; एक शब्द में, यह जीवन की चारित्रिक रूप से अभिव्यंजक शुरुआत के कलात्मक रूप से तेज और तेज प्रकटीकरण के कारण होता है।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि इस अवधि के कार्य कलाकार द्वारा चित्रित घटना के बारे में कलाकार के दृष्टिकोण को दर्शाते हैं। उनके चित्र सामान्य अकादमिक कैनन को नष्ट कर देते हैं। डेगस की पेंटिंग द म्यूज़िशियन ऑफ़ द ऑर्केस्ट्रा (1872) उस तीव्र कंट्रास्ट पर बनाई गई है जो संगीतकारों के प्रमुखों (क्लोज़-अप में चित्रित) और दर्शकों को झुकते हुए एक नर्तक की छोटी आकृति की तुलना करके बनाई गई है। अभिव्यंजक आंदोलन में रुचि और कैनवास पर इसकी सटीक नकल भी नर्तकियों के कई स्केच मूर्तियों में देखी जाती है (हमें यह नहीं भूलना चाहिए कि देगस भी एक मूर्तिकार थे), मास्टर द्वारा आंदोलन के सार को पकड़ने के लिए बनाया गया था, इसका तर्क सटीक रूप से यथासंभव।

कलाकार आंदोलनों, मुद्राओं और इशारों की पेशेवर बारीकियों में रुचि रखते थे, जो किसी भी काव्यात्मकता से रहित थे। यह घुड़दौड़ के लिए समर्पित कार्यों में विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है ("यंग जॉकी", 1866-1868; "हॉर्स रेसिंग इन द प्रोविंस। क्रू एट द रेस", सीए। 1872; "जॉकी इन फ्रॉम द स्टैंड्स", सीए। 1879, वगैरह।)। द राइड ऑफ रेसहॉर्स (1870 के दशक) में, मामले के पेशेवर पक्ष का विश्लेषण लगभग रिपोर्टर की सटीकता के साथ दिया गया है। यदि हम इस कैनवास की तुलना टी। गेरिकॉल्ट की पेंटिंग "द रेस एट एप्सोम" से करते हैं, तो यह तुरंत स्पष्ट हो जाता है कि, इसकी स्पष्ट विश्लेषणात्मकता के कारण, डेगस का काम टी। गेरिकॉल्ट की भावनात्मक रचना से बहुत कम हो जाता है। डेगस के पेस्टल "बैलेरिना ऑन स्टेज" (1876-1878) में समान गुण निहित हैं, जो उनकी उत्कृष्ट कृतियों की संख्या से संबंधित नहीं है।

हालाँकि, इस तरह की एकतरफाता के बावजूद, और शायद इसके लिए भी धन्यवाद, देगास की कला दृढ़ता और सामग्री से अलग है। अपने प्रोग्रामेटिक कार्यों में, वह बहुत सटीक और महान कौशल के साथ चित्रित व्यक्ति की आंतरिक स्थिति की गहराई और जटिलता को प्रकट करता है, साथ ही अलगाव और अकेलेपन का वातावरण जिसमें समकालीन समाज रहता है, जिसमें स्वयं लेखक भी शामिल है।

पहली बार, इन मनोदशाओं को एक छोटे कैनवास "एक फोटोग्राफर के सामने डांसर" (1870 के दशक) में दर्ज किया गया था, जिस पर कलाकार ने एक नर्तक के एक अकेले चित्र को चित्रित किया था, जो एक उदास और उदास वातावरण में एक सीखी हुई मुद्रा में जमे हुए थे। एक भारी फोटोग्राफिक उपकरण की। भविष्य में, कड़वाहट और अकेलेपन की भावना "एब्सिन्थे" (1876), "सिंगर फ्रॉम द कैफे" (1878), "आयरनर्स" (1884) और कई अन्य जैसे कैनवस में प्रवेश करती है। देगास ने एक आदमी के दो आंकड़े दिखाए और एक महिला, अकेली और एक दूसरे के प्रति और पूरी दुनिया के प्रति उदासीन। चिरायता से भरे गिलास की मंद हरी झिलमिलाहट महिला की आंखों में और उसकी मुद्रा में दिखाई देने वाली उदासी और निराशा पर जोर देती है। फूले हुए चेहरे वाला पीला दाढ़ी वाला आदमी उदास और विचारशील होता है।

रचनात्मकता डेगस लोगों के चरित्रों में उनके व्यवहार की अजीब विशेषताओं के साथ-साथ एक अच्छी तरह से निर्मित गतिशील रचना के लिए वास्तविक रुचि है जो पारंपरिक को बदल देती है। इसका मुख्य सिद्धांत वास्तविकता में ही सबसे अभिव्यंजक कोणों को खोजना है। यह देगस के काम को अन्य प्रभाववादियों (विशेष रूप से, सी। मोनेट, ए। सिसली और, आंशिक रूप से, ओ। रेनॉयर) की कला से उनके आसपास की दुनिया के लिए उनके चिंतनशील दृष्टिकोण से अलग करता है। कलाकार ने पहले ही अपने शुरुआती काम द कॉटन रिसीविंग ऑफिस इन न्यू ऑरलियन्स (1873) में इस सिद्धांत का इस्तेमाल किया था, जिसने ई। गोंकोर्ट की ईमानदारी और यथार्थवाद की प्रशंसा की। उनकी बाद की रचनाएँ "मिस लाला इन द फर्नांडो सर्कस" (1879) और "डांसर्स इन द फ़ोयर" (1879) हैं, जहाँ एक ही मकसद के भीतर विविध आंदोलनों के परिवर्तन का सूक्ष्म विश्लेषण दिया गया है।

कभी-कभी यह तकनीककुछ शोधकर्ता ए। वट्टू के साथ डेगस की निकटता को इंगित करने के लिए उपयोग करते हैं। हालाँकि दोनों कलाकार वास्तव में कुछ बिंदुओं में समान हैं (ए। वट्टू भी एक ही आंदोलन के विभिन्न रंगों पर ध्यान केंद्रित करते हैं), यह ए। वट्टू द्वारा ड्राइंग की तुलना करने के लिए पर्याप्त है, जो उपरोक्त डेगस रचना से वायलिन वादक के आंदोलनों की छवि के साथ है। , जैसा कि उनकी कलात्मक तकनीकों के विपरीत तुरंत महसूस किया जाता है।

यदि ए। वट्टू एक आंदोलन के मायावी संक्रमण को दूसरे में व्यक्त करने की कोशिश करता है, तो बोलने के लिए, सेमिटोन, फिर देगास के लिए, इसके विपरीत, आंदोलन के उद्देश्यों में एक ऊर्जावान और विपरीत परिवर्तन की विशेषता है। वह उनकी तुलना और तेज टक्कर के लिए और अधिक प्रयास करता है, अक्सर आंकड़ा कोणीय बना देता है। इस तरह, कलाकार समकालीन जीवन के विकास की गतिशीलता को पकड़ने की कोशिश करता है।

1880 के अंत में - 1890 के दशक की शुरुआत में। देगास के काम में, सजावटी रूपांकनों की प्रबलता है, जो शायद उनकी सतर्कता की कुछ नीरसता के कारण है कलात्मक धारणा. यदि 1880 के दशक की शुरुआत में नग्न ("बाथरूम छोड़ने वाली महिला", 1883) के कैनवस में, आंदोलन की विशद अभिव्यक्ति में अधिक रुचि है, तो दशक के अंत तक कलाकार की रुचि चित्रण की ओर ध्यान देने योग्य हो गई स्त्री सौंदर्य की। यह पेंटिंग "बाथिंग" (1886) में विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है, जहां चित्रकार महान कौशल के साथ अपने श्रोणि पर झुकी हुई एक युवती के लचीले और सुंदर शरीर के आकर्षण को व्यक्त करता है।

कलाकारों ने पहले भी इसी तरह के चित्रों को चित्रित किया है, लेकिन देगास थोड़ा अलग रास्ता अपनाता है। यदि अन्य स्वामी की नायिकाओं ने हमेशा दर्शक की उपस्थिति महसूस की, तो यहां चित्रकार एक महिला को चित्रित करता है, जैसे कि वह बाहर से कैसी दिखती है, इस बारे में पूरी तरह से असंबद्ध। और यद्यपि ऐसी स्थितियाँ सुंदर और काफी स्वाभाविक दिखती हैं, हालाँकि, चित्र अंदर हैं समान कार्यअक्सर विचित्र से संपर्क करें। आखिरकार, कोई भी पोज़ और इशारे, यहां तक ​​\u200b\u200bकि सबसे अंतरंग, यहां काफी उपयुक्त हैं, वे एक कार्यात्मक आवश्यकता द्वारा पूरी तरह से उचित हैं: धोते समय, सही जगह पर पहुंचें, पीठ पर अकवार को हटा दें, फिसलें, किसी चीज़ को पकड़ें।

अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, देगस पेंटिंग की तुलना में मूर्तिकला में अधिक शामिल थे। यह आंशिक रूप से नेत्र रोग और दृश्य हानि के कारण है। वह वही चित्र बनाता है जो उसके चित्रों में मौजूद हैं: वह बैलेरिना, नर्तकियों, घोड़ों की मूर्तियों को उकेरता है। उसी समय, कलाकार आंदोलनों की गतिशीलता को यथासंभव सटीक रूप से व्यक्त करने का प्रयास करता है। डेगस पेंटिंग नहीं छोड़ता है, हालांकि यह पृष्ठभूमि में फीका पड़ जाता है, लेकिन अपने काम से पूरी तरह से गायब नहीं होता है।

रचनाओं के औपचारिक रूप से अभिव्यंजक, लयबद्ध निर्माण के कारण, 1880 के दशक के अंत में और 1890 के दशक के दौरान बनाए गए डेगस के चित्रों की एक सजावटी-प्लानर व्याख्या की इच्छा। यथार्थवादी विश्वसनीयता से रहित हो जाते हैं और सजावटी पैनलों की तरह बन जाते हैं।

डेगस ने अपना शेष जीवन अपने मूल पेरिस में बिताया, जहाँ 1917 में उनकी मृत्यु हो गई।

केमिली पिसारो

केमिली पिसारो, फ्रांसीसी चित्रकार और ग्राफिक कलाकार, का जन्म 1830 में लगभग हुआ था। एक व्यापारी के परिवार में सेंट थॉमस (एंटिलीज़)। उनकी शिक्षा पेरिस में हुई, जहाँ उन्होंने 1842 से 1847 तक अध्ययन किया। अपनी पढ़ाई पूरी करने के बाद, पिसारो सेंट थॉमस लौट आए और स्टोर में अपने पिता की मदद करने लगे। हालाँकि, यह वह नहीं था जो युवक ने सपना देखा था। उनकी दिलचस्पी काउंटर से बहुत आगे थी। पेंटिंग उनके लिए सबसे महत्वपूर्ण थी, लेकिन उनके पिता ने अपने बेटे की रुचि का समर्थन नहीं किया और पारिवारिक व्यवसाय छोड़ने का विरोध किया। आधे रास्ते से मिलने के लिए परिवार की पूरी गलतफहमी और अनिच्छा ने इस तथ्य को जन्म दिया कि पूरी तरह से हताश युवक वेनेजुएला (1853) भाग गया। इस अधिनियम ने अभी भी अड़ियल माता-पिता को प्रभावित किया, और उन्होंने अपने बेटे को पेंटिंग का अध्ययन करने के लिए पेरिस जाने की अनुमति दी।

पेरिस में, पिस्सारो ने सुइस के स्टूडियो में प्रवेश किया, जहां उन्होंने छह साल (1855 से 1861 तक) अध्ययन किया। 1855 में चित्रकला की विश्व प्रदर्शनी में, भविष्य के कलाकार ने जे. बाद की सलाह पर, सुइस के स्टूडियो का दौरा जारी रखते हुए, युवा चित्रकार ने ललित कला के स्कूल में ए। मेलबी में प्रवेश किया। इस समय, उनकी मुलाकात सी. मोनेट से हुई, जिनके साथ उन्होंने पेरिस के बाहरी इलाके के परिदृश्य चित्रित किए।

1859 में, पिसारो ने सैलून में पहली बार अपने चित्रों का प्रदर्शन किया। उनकी शुरुआती रचनाएँ सी. कोरोट और जी. कोर्टबेट के प्रभाव में लिखी गई थीं, लेकिन धीरे-धीरे पिसारो ने अपनी शैली विकसित करना शुरू कर दिया। एक नौसिखिए चित्रकार खुली हवा में काम करने के लिए बहुत समय देता है। वह, अन्य प्रभाववादियों की तरह, गति में प्रकृति के जीवन में रुचि रखते हैं। पिसारो रंग पर बहुत ध्यान देता है, जो न केवल रूप, बल्कि वस्तु का भौतिक सार भी बता सकता है। प्रकृति के अनूठे आकर्षण और सुंदरता को प्रकट करने के लिए, वह शुद्ध रंगों के हल्के स्ट्रोक का उपयोग करता है, जो एक दूसरे के साथ बातचीत करते हुए एक कंपन तानवाला रेंज बनाते हैं। क्रॉस-आकार, समांतर और विकर्ण रेखाओं में खींचे गए, वे पूरी छवि को गहराई और लयबद्ध ध्वनि ("द सीन एट मार्ली", 1871) की अद्भुत भावना देते हैं।

पेंटिंग पिसारो नहीं लाती है बहुत पैसाऔर वह मुश्किल से ही गुज़ारा करता है। निराशा के क्षणों में, कलाकार कला के साथ हमेशा के लिए टूटने का प्रयास करता है, लेकिन जल्द ही फिर से रचनात्मकता पर लौट आता है।

सालों में फ्रेंको-प्रशिया युद्धपिसारो लंदन में रहता है। सी. मोनेट के साथ मिलकर, उन्होंने लंदन के परिदृश्य को जीवन से चित्रित किया। उस समय लोवेसीनेस में कलाकार का घर प्रशिया के आक्रमणकारियों द्वारा लूट लिया गया था। घर में बनी अधिकांश पेंटिंग नष्ट हो गईं। बारिश के दौरान सैनिकों ने अपने पैरों के नीचे यार्ड में कैनवस बिछाए।

पेरिस लौटकर, पिसारो अभी भी वित्तीय कठिनाइयों का सामना कर रहा है। गणतंत्र जो प्रतिस्थापित करने के लिए आया था
साम्राज्य, फ्रांस में लगभग कुछ भी नहीं बदला। कम्यून से जुड़ी घटनाओं के बाद दरिद्र बुर्जुआ वर्ग पेंटिंग नहीं खरीद सकता। इस समय, पिसारो युवा कलाकार पी। सेज़ेन को अपने संरक्षण में लेता है। साथ में वे पोंटोइज़ में काम करते हैं, जहाँ पिस्सारो पोंटोइज़ के परिवेश को दर्शाते हुए कैनवस बनाता है, जहाँ कलाकार 1884 तक रहता था ("ओइज़ इन पोंटोइज़", 1873); शांत गाँव, दूर तक फैली सड़कें ("बर्फ के नीचे गिसर्स से पोंटोइज़ तक सड़क", 1873; "रेड रूफ्स", 1877; "लैंडस्केप इन पोंटोइज़", 1877)।

1874 से 1886 तक आयोजित प्रभाववादियों की सभी आठ प्रदर्शनियों में पिसारो ने सक्रिय भाग लिया। एक शैक्षणिक प्रतिभा के साथ, चित्रकार पा सकता था आपसी भाषालगभग सभी नौसिखिए कलाकारों के साथ, उनकी सलाह के साथ मदद की। उनके समकालीनों ने उनके बारे में कहा कि "वह पत्थरों को आकर्षित करना भी सिखा सकते हैं।" मास्टर की प्रतिभा इतनी महान थी कि वह रंगों के सूक्ष्मतम रंगों को भी भेद सकता था, जहां दूसरों को केवल ग्रे, भूरा और हरा दिखाई देता था।

पिसारो के काम में एक विशेष स्थान पर शहर को समर्पित कैनवस का कब्जा है, जो एक जीवित जीव के रूप में दिखाया गया है, जो प्रकाश और मौसम के आधार पर लगातार बदलता रहता है। कलाकार के पास बहुत कुछ देखने और दूसरों को नोटिस नहीं करने की अद्भुत क्षमता थी। इसलिए, उदाहरण के लिए, उसी खिड़की से बाहर देखते हुए, उन्होंने मोंटमार्ट्रे ("मोंटमार्ट्रे बुलेवार्ड इन पेरिस", 1897) का चित्रण करते हुए 30 रचनाएँ लिखीं। गुरु को पेरिस से बहुत प्यार था, इसलिए उन्होंने अधिकांश पेंटिंग उन्हें समर्पित कर दीं। कलाकार अपने कामों में उस अनोखे जादू को व्यक्त करने में कामयाब रहे जिसने पेरिस को दुनिया के सबसे महान शहरों में से एक बना दिया। काम के लिए, चित्रकार ने सेंट-लज़ारे स्ट्रीट, ग्रैंड्स बुलेवार्ड्स आदि पर कमरे किराए पर लिए। उसने जो कुछ भी देखा वह अपने कैनवस में स्थानांतरित कर दिया ("सुबह में इतालवी बुलेवार्ड, सूरज से रोशन", 1897; "पेरिस में फ्रेंच थिएटर का स्थान" , वसंत", 1898; "पेरिस में ओपेरा मार्ग)।

उनके शहरी परिदृश्यों में ऐसे कार्य हैं जो अन्य शहरों को चित्रित करते हैं। तो, 1890 के दशक में। मास्टर लंबे समय तक डेप्पे में रहे, फिर रूएन में। फ्रांस के विभिन्न हिस्सों को समर्पित चित्रों में, उन्होंने प्राचीन चौकों की सुंदरता, गलियों और प्राचीन इमारतों की कविता को प्रकट किया, जिसमें से बीते युगों की भावना सांस लेती है ("द ग्रेट ब्रिज इन रूएन", 1896; "द बोइलडियू ब्रिज इन रूयन सूर्यास्त में", 1896; "रूएन का दृश्य", 1898; "द चर्च ऑफ सेंट-जैक्स इन डायपे", 1901)।

हालांकि पिस्सारो के परिदृश्य उज्ज्वल रंगीन नहीं हैं, उनकी चित्रात्मक बनावट विभिन्न रंगों में असामान्य रूप से समृद्ध है: उदाहरण के लिए, एक कोबलस्टोन फुटपाथ का ग्रे टोन शुद्ध गुलाबी, नीले, नीले, सुनहरे गेरू, अंग्रेजी लाल, आदि के स्ट्रोक से बनता है। परिणामतः धूसर मोती की तरह लगता है, झिलमिलाता है और चमकता है, जिससे पेंटिंग रत्नों की तरह दिखती हैं।

पिस्सारो ने न केवल परिदृश्य बनाया। उनके काम में हैं शैली के चित्रजिसमें एक व्यक्ति में रुचि सन्निहित थी।

सबसे महत्वपूर्ण में, "कॉफी विद मिल्क" (1881), "गर्ल विद ए ब्रांच" (1881), "वुमन विद ए चाइल्ड एट द वेल" (1882), "मार्केट: ए मीट ट्रेडर" (1883) ). इन कार्यों पर काम करते हुए, चित्रकार ने स्ट्रोक को सुव्यवस्थित करने और रचनाओं में स्मारकीयता के तत्वों को पेश करने की मांग की।

1880 के दशक के मध्य में, पहले से ही एक परिपक्व कलाकार, पिसारो, सेराट और सिग्नैक के प्रभाव में, विभाजनवाद में रुचि रखने लगे और छोटे रंगीन डॉट्स के साथ पेंट करना शुरू कर दिया। इस तरह, "लैक्रॉइक्स द्वीप, रूएन" के रूप में उनका ऐसा काम। कोहरा" (1888)। हालाँकि, शौक लंबे समय तक नहीं चला और जल्द ही (1890) मास्टर अपनी पूर्व शैली में लौट आए।

पेंटिंग के अलावा, पिसारो ने जल रंग में काम किया, नक़्क़ाशी, लिथोग्राफ और चित्र बनाए।
1903 में पेरिस में कलाकार की मृत्यु हो गई।

19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की यूरोपीय कला आधुनिकतावादी कला के उद्भव से समृद्ध हुई थी। बाद में, इसका प्रभाव संगीत और साहित्य तक बढ़ा। इसे "इंप्रेशनिज़्म" कहा जाता था क्योंकि यह कलाकार, छवियों और मनोदशाओं के सूक्ष्म छापों पर आधारित था।

उत्पत्ति और घटना का इतिहास

19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में कई युवा कलाकारों ने एक समूह बनाया। उनका एक सामान्य लक्ष्य था और हितों का मेल था। इस कंपनी के लिए मुख्य बात प्रकृति में कार्यशाला की दीवारों और विभिन्न अवरोधक कारकों के बिना काम करना था। अपने चित्रों में, उन्होंने सभी कामुकता, प्रकाश और छाया के खेल की छाप को व्यक्त करने की कोशिश की। परिदृश्य और चित्र आसपास की दुनिया के साथ ब्रह्मांड के साथ आत्मा की एकता को दर्शाते हैं। उनके चित्र रंगों की सच्ची कविता हैं।

1874 में कलाकारों के इस समूह की एक प्रदर्शनी हुई थी। क्लाउड मोनेट द्वारा लैंडस्केप "छाप। सनराइज" ने आलोचक की नज़र को पकड़ा, जिसने पहली बार अपनी समीक्षा में इन रचनाकारों को प्रभाववादी (फ्रांसीसी छाप से - "छाप") कहा।

प्रभाववाद शैली के जन्म के लिए आवश्यक शर्तें, जिनके प्रतिनिधियों के चित्रों को जल्द ही अविश्वसनीय सफलता मिलेगी, वे पुनर्जागरण के कार्य थे। स्पैनियार्ड्स वेलाज़ेक्ज़, एल ग्रीको, इंग्लिश टर्नर, कॉन्स्टेबल के काम ने बिना शर्त फ्रेंच को प्रभावित किया, जो प्रभाववाद के संस्थापक थे।

पिस्सारो, मैनेट, देगास, सिसली, सेज़ेन, मोनेट, रेनॉयर और अन्य फ्रांस में शैली के प्रमुख प्रतिनिधि बन गए।

पेंटिंग में प्रभाववाद का दर्शन

इस शैली में चित्रकारी करने वाले कलाकारों ने मुसीबतों की ओर जनता का ध्यान आकर्षित करने का कार्य अपने लिए निर्धारित नहीं किया। उनके कार्यों में, किसी को दिन के विषय पर भूखंड नहीं मिल सकते हैं, किसी को नैतिकता प्राप्त नहीं हो सकती है या मानवीय अंतर्विरोधों पर ध्यान नहीं दिया जा सकता है।

प्रभाववाद की शैली में चित्रों का उद्देश्य एक रहस्यमय प्रकृति की रंग योजनाओं को विकसित करते हुए एक क्षणिक मनोदशा को व्यक्त करना है। कार्यों में सकारात्मक शुरुआत के लिए केवल एक जगह है, प्रभाववादियों ने निराशा को दरकिनार कर दिया।

वास्तव में, प्रभाववादियों ने कथानक और विवरण के माध्यम से सोचने की जहमत नहीं उठाई। मुख्य कारक यह नहीं था कि क्या आकर्षित किया जाए, बल्कि यह था कि अपने मूड को कैसे चित्रित और व्यक्त किया जाए।

पेंटिंग तकनीक

ड्राइंग की अकादमिक शैली और प्रभाववादियों की तकनीक के बीच भारी अंतर है। उन्होंने बस कई तरीकों को छोड़ दिया, कुछ को मान्यता से परे बदल दिया गया। यहां उनके द्वारा किए गए नवाचार हैं:

1. परित्यक्त समोच्च। इसे स्ट्रोक से बदल दिया गया - छोटा और विपरीत।
2. हमने पैलेट का उपयोग करना बंद कर दिया क्योंकि हमने उन रंगों का चयन किया जो एक दूसरे के पूरक हैं और एक निश्चित प्रभाव प्राप्त करने के लिए विलय की आवश्यकता नहीं है। उदाहरण के लिए, पीला बैंगनी है।
3. काले रंग में रंगना बंद करो।
4. कार्यशालाओं में पूरी तरह से छोड़ दिया गया काम। उन्होंने विशेष रूप से प्रकृति पर लिखा, ताकि एक पल, एक छवि, एक भावना को पकड़ना आसान हो।
5. केवल अच्छी अस्पष्टता वाले पेंट्स का उपयोग किया गया था।
6. अगली परत के सूखने का इंतज़ार न करें। ताजा स्मीयर तुरंत लगाए गए।
7. उन्होंने प्रकाश और छाया में परिवर्तन का पालन करने के लिए कार्यों का चक्र बनाया। उदाहरण के लिए, क्लाउड मोनेट द्वारा "हेस्टैक्स"।

बेशक, सभी कलाकारों ने बिल्कुल प्रभाववाद शैली की विशेषताओं का प्रदर्शन नहीं किया। उदाहरण के लिए, एडौर्ड मानेट की पेंटिंग्स ने कभी भी संयुक्त प्रदर्शनियों में भाग नहीं लिया, और उन्होंने खुद को एक अलग कलाकार के रूप में स्थापित किया। एडगर डेगस ने केवल कार्यशालाओं में काम किया, लेकिन इससे उनके कार्यों की गुणवत्ता को नुकसान नहीं पहुंचा।

फ्रांसीसी प्रभाववाद के प्रतिनिधि

प्रभाववादी कार्यों की पहली प्रदर्शनी 1874 की है। 12 वर्षों के बाद, उनका अंतिम प्रदर्शन हुआ। इस शैली में पहला काम ई। मैनेट द्वारा "ब्रेकफास्ट ऑन द ग्रास" कहा जा सकता है। यह तस्वीर रिजेक्टेड के सैलून में पेश की गई थी। यह शत्रुतापूर्ण था, क्योंकि यह अकादमिक कैनन से बहुत अलग था। यही कारण है कि मानेट एक ऐसी आकृति बन जाती है जिसके चारों ओर इस शैलीगत दिशा के अनुयायियों का एक समूह इकट्ठा होता है।

दुर्भाग्य से, समकालीनों ने इस तरह की शैली को प्रभाववाद के रूप में सराहना नहीं की। आधिकारिक कला के साथ असहमति में पेंटिंग और कलाकार मौजूद थे।

धीरे-धीरे, चित्रकारों की टीम में क्लाउड मोनेट सामने आता है, जो बाद में उनके नेता और प्रभाववाद के मुख्य विचारक बन जाते हैं।

क्लाउड मोनेट (1840-1926)

इस कलाकार के काम को प्रभाववाद के भजन के रूप में वर्णित किया जा सकता है। यह वह था जिसने सबसे पहले अपने चित्रों में काले रंग का उपयोग करने से इंकार कर दिया था, यह तर्क देते हुए कि छाया और रात में भी अन्य स्वर होते हैं।

मोनेट के चित्रों में दुनिया अस्पष्ट रूपरेखा, विशाल स्ट्रोक है, जिसे देखकर आप दिन और रात के रंगों के खेल के पूरे स्पेक्ट्रम को महसूस कर सकते हैं, मौसम, सबलूनर दुनिया का सामंजस्य। केवल एक क्षण जो मोनेट की समझ में जीवन के प्रवाह से छीन लिया गया, वह प्रभाववाद है। ऐसा लगता है कि उनके चित्रों में कोई भौतिकता नहीं है, वे सभी प्रकाश और वायु धाराओं की किरणों से संतृप्त हैं।

क्लाउड मोनेट ने अद्भुत रचनाएँ बनाईं: "स्टेशन सेंट-लज़ारे", "रूएन कैथेड्रल", साइकिल "चेरिंग क्रॉस ब्रिज" और कई अन्य।

अगस्टे रेनॉयर (1841-1919)

रेनॉयर की कृतियाँ असाधारण हल्कापन, वायुहीनता, ईथरता का आभास देती हैं। कथानक का जन्म संयोग से हुआ था, लेकिन यह ज्ञात है कि कलाकार ने अपने काम के सभी चरणों को ध्यान से सोचा और सुबह से रात तक काम किया।

O. Renoir के काम की एक विशिष्ट विशेषता ग्लेज़िंग का उपयोग है, जो केवल तभी संभव है जब कलाकार के कार्यों में प्रभाववाद लिखना हर स्ट्रोक में प्रकट होता है। वह मनुष्य को स्वयं प्रकृति के कण के रूप में देखता है, यही कारण है कि नग्न चित्रों के साथ बहुत सारे चित्र हैं।

Renoir का पसंदीदा शगल एक महिला की छवि उसकी सभी आकर्षक और आकर्षक सुंदरता में थी। चित्र कलाकार के रचनात्मक जीवन में एक विशेष स्थान रखते हैं। "अम्ब्रेलास", "गर्ल विद ए फैन", "ब्रेकफास्ट ऑफ़ द रोवर्स" अगस्टे रेनॉयर के चित्रों के अद्भुत संग्रह का एक छोटा सा हिस्सा हैं।

जॉर्जेस सेराट (1859-1891)

सेराट ने पेंटिंग बनाने की प्रक्रिया को रंग सिद्धांत की वैज्ञानिक पुष्टि के साथ जोड़ा। मुख्य और अतिरिक्त स्वरों की निर्भरता के आधार पर प्रकाश-वायु वातावरण तैयार किया गया था।

इस तथ्य के बावजूद कि जे। सेराट प्रभाववाद के अंतिम चरण के प्रतिनिधि हैं, और उनकी तकनीक कई मायनों में संस्थापकों से अलग है, वह उसी तरह से स्ट्रोक की मदद से वस्तुनिष्ठ रूप का एक भ्रामक प्रतिनिधित्व करता है, जो कर सकता है दूर से ही देखा और देखा जा सकता है।

रचनात्मकता की उत्कृष्ट कृतियों को पेंटिंग "रविवार", "कैनकन", "मॉडल" कहा जा सकता है।

रूसी प्रभाववाद के प्रतिनिधि

कई घटनाओं और विधियों को मिलाकर, रूसी प्रभाववाद लगभग अनायास उत्पन्न हुआ। हालाँकि, आधार, फ्रेंच की तरह, प्रक्रिया की एक पूर्ण-स्तरीय दृष्टि थी।

रूसी प्रभाववाद में, हालांकि फ्रेंच की विशेषताओं को संरक्षित किया गया था, राष्ट्रीय प्रकृति और मन की स्थिति की विशेषताओं ने महत्वपूर्ण परिवर्तन किए। उदाहरण के लिए, एक असामान्य तकनीक का उपयोग करके बर्फ या उत्तरी परिदृश्य की दृष्टि व्यक्त की गई थी।

रूस में, कुछ कलाकारों ने प्रभाववाद की शैली में काम किया, उनके चित्र आज भी ध्यान आकर्षित करते हैं।

वैलेंटाइन सेरोव के काम में प्रभाववादी अवधि को प्रतिष्ठित किया जा सकता है। उनकी "गर्ल विद पीचिस" रूस में इस शैली का सबसे स्पष्ट उदाहरण और मानक है।

पेंटिंग अपनी ताजगी और शुद्ध रंगों की संगति से जीतती हैं। इस कलाकार के काम का मुख्य विषय प्रकृति में मनुष्य की छवि है। "नॉर्दर्न आइडिल", "इन द बोट", "फ्योडोर चालियापिन" के। कोरोविन की गतिविधि में उज्ज्वल मील के पत्थर हैं।

आधुनिक समय में प्रभाववाद

वर्तमान में कला में यह दिशा प्राप्त हुई है नया जीवन. इस शैली में अनेक कलाकार अपनी पेंटिंग बनाते हैं। आधुनिक प्रभाववाद रूस (आंद्रे कोह्न), फ्रांस (लॉरेंट पार्सलियर), अमेरिका (डायना लियोनार्ड) में मौजूद है।

आंद्रे कोहन सबसे ज्यादा हैं प्रमुख प्रतिनिधिनया प्रभाववाद। उनके तैल चित्र उनकी सादगी में आघात कर रहे हैं। कलाकार साधारण चीजों में सुंदरता देखता है। गति के चश्मे के माध्यम से सृष्टिकर्ता कई वस्तुओं की व्याख्या करता है।

लॉरेंट पार्सलियर के जल रंग के काम पूरी दुनिया में जाने जाते हैं। उनकी रचनाओं की श्रृंखला "स्ट्रेंज वर्ल्ड" पोस्टकार्ड के रूप में जारी की गई थी। भव्य, जीवंत और कामुक, वे लुभावनी हैं।

19वीं सदी की तरह इस समय भी प्लेन एयर पेंटिंग कलाकारों के लिए बनी हुई है। उसके लिए धन्यवाद, प्रभाववाद हमेशा के लिए जीवित रहेगा। कलाकार प्रेरित करना, प्रभावित करना और प्रेरित करना जारी रखते हैं।

प्रभाववाद एक कला आंदोलन है जो 70 के दशक में उभरा। XIX सदी में फ्रेंच पेंटिंग, और फिर संगीत, साहित्य, रंगमंच में प्रकट हुआ।

1874 की प्रसिद्ध प्रदर्शनी से बहुत पहले चित्रकला में प्रभाववाद ने आकार लेना शुरू कर दिया था। एडवर्ड मानेट को पारंपरिक रूप से प्रभाववादियों का संस्थापक माना जाता है। वह टिटियन, रेम्ब्रांट, रूबेन्स, वेलाज़क्वेज़ के शास्त्रीय कार्यों से बहुत प्रेरित थे। मानेट ने अपने कैनवस पर छवियों के बारे में अपनी दृष्टि व्यक्त की, जिसमें "कंपन" वाले स्ट्रोक शामिल थे जिन्होंने अपूर्णता का प्रभाव पैदा किया। 1863 में, मानेट ने "ओलंपिया" बनाया, जिससे सांस्कृतिक समुदाय में एक बड़ा घोटाला हुआ।

पहली नज़र में, चित्र पारंपरिक कैनन के अनुरूप बनाया गया है, लेकिन साथ ही यह पहले से ही नवीन प्रवृत्तियों को आगे बढ़ा रहा है। पेरिस के विभिन्न प्रकाशनों में ओलंपिया के बारे में लगभग 87 समीक्षाएँ लिखी गईं। उस पर बहुत सारी नकारात्मक आलोचनाएँ हुईं - कलाकार पर अश्लीलता का आरोप लगाया गया। और कुछ ही लेखों को परोपकारी कहा जा सकता है।

मानेट ने अपने काम में पेंट की एक परत को ओवरले करने की तकनीक का इस्तेमाल किया, जिससे धब्बों का प्रभाव पैदा हुआ। इसके बाद, पेंटिंग्स पर छवियों के आधार के रूप में प्रभाववादी कलाकारों द्वारा पेंट्स को ओवरले करने की इस पद्धति को अपनाया गया।

शुद्ध रंगों के एक जटिल मोज़ेक, सरसरी सजावटी स्ट्रोक की मदद से हल्के वातावरण को पुन: पेश करने के एक विशेष तरीके से प्रभाववाद की एक विशिष्ट विशेषता क्षणभंगुर छापों का सूक्ष्मतम निर्धारण था।

यह उत्सुक है कि अपनी खोज की शुरुआत में, कलाकारों ने साइनोमीटर का उपयोग किया - आकाश के नीलेपन को निर्धारित करने के लिए एक उपकरण। काले रंग को पैलेट से बाहर रखा गया था, इसे अन्य रंगों के रंगों से बदल दिया गया था, जिससे चित्रों के धूप के मूड को खराब नहीं करना संभव हो गया।

प्रभाववादियों ने नवीनतम पर ध्यान केंद्रित किया वैज्ञानिक खोजअपने समय का। शेवरेल और हेल्महोल्त्ज़ का रंग सिद्धांत निम्नलिखित के लिए उबलता है: एक सनबीम अपने घटक रंगों में विभाजित होता है, और तदनुसार, कैनवास पर रखे गए दो पेंट चित्रात्मक प्रभाव को बढ़ाते हैं, और जब पेंट मिश्रित होते हैं, तो वे अपनी तीव्रता खो देते हैं।

प्रभाववाद के सौंदर्यशास्त्र ने आकार लिया, भाग में, कला में क्लासिकवाद के सम्मेलनों से खुद को निर्णायक रूप से मुक्त करने के प्रयास के साथ-साथ देर से रोमांटिक पेंटिंग के लगातार प्रतीकवाद और विचारशीलता से, जिसने सभी को एन्क्रिप्टेड विचारों को देखने के लिए आमंत्रित किया, जिन्हें सावधानीपूर्वक व्याख्या की आवश्यकता थी . प्रभाववाद ने न केवल रोजमर्रा की वास्तविकता की सुंदरता का दावा किया, बल्कि एक रंगीन वातावरण का निर्धारण, बिना विस्तार या व्याख्या के, दुनिया को कभी-कभी बदलती ऑप्टिकल घटना के रूप में चित्रित किया।

प्रभाववादी कलाकारों ने एक पूर्ण प्लेन एयर सिस्टम विकसित किया। इस शैलीगत विशेषता के अग्रदूत बारबिजोन स्कूल से आए परिदृश्य चित्रकार थे, जिनमें से मुख्य प्रतिनिधि केमिली कोरोट और जॉन कॉन्स्टेबल थे।

पर काम खुली जगहमें मामूली रंग परिवर्तन को कैप्चर करना संभव बनाता है अलग समयदिन।

क्लाउड मोनेट ने एक ही विषय पर चित्रों की कई श्रृंखलाएँ बनाईं, उदाहरण के लिए, रूयन कैथेड्रल (50 चित्रों की एक श्रृंखला), हेस्टैक्स (15 चित्रों की एक श्रृंखला), पानी के लिली के साथ तालाब, आदि। इन श्रृंखलाओं का मुख्य संकेतक वहाँ एक था दिन के अलग-अलग समय में लिखी गई एक ही वस्तु की छवि में प्रकाश और रंगों में परिवर्तन।

प्रभाववाद की एक और उपलब्धि एक मूल चित्रकला प्रणाली का विकास है, जहां जटिल स्वरों को अलग-अलग स्ट्रोक द्वारा प्रेषित शुद्ध रंगों में विघटित किया जाता है। कलाकार पैलेट पर रंग नहीं मिलाते थे, बल्कि कैनवास पर सीधे स्ट्रोक लगाना पसंद करते थे। इस तकनीक ने चित्रों को एक विशेष उत्साह, परिवर्तनशीलता और राहत दी। कलाकारों की कृतियों में रंग और प्रकाश भरा हुआ था।

पेरिस में 15 अप्रैल, 1874 को प्रदर्शनी एक नई प्रवृत्ति के आम जनता के गठन और प्रस्तुति की अवधि का परिणाम थी। प्रदर्शनी Boulevard des Capucines पर फोटोग्राफर फेलिक्स नादर के स्टूडियो में तैनात की गई थी।

प्रदर्शनी के बाद "इंप्रेशनिज़्म" नाम सामने आया, जिसमें मोनेट की पेंटिंग "इंप्रेशन" थी। सूर्योदय"। आलोचक एल. लेरॉय ने शारिवारी में अपनी समीक्षा में, उदाहरण के तौर पर मोनेट के काम का हवाला देते हुए 1874 की प्रदर्शनी का मज़ाकिया विवरण दिया। एक अन्य आलोचक मौरिस डेनिस ने प्रभाववादियों को उनके व्यक्तित्व, भावना और कविता की कमी के लिए फटकार लगाई।

पहली प्रदर्शनी में करीब 30 कलाकारों ने अपनी कला का प्रदर्शन किया। 1886 तक बाद की प्रदर्शनियों की तुलना में यह सबसे बड़ी संख्या थी।

के बारे में नहीं कहा जा सकता है सकारात्मक प्रतिक्रियारूसी समाज से। रूसी कलाकारों और लोकतांत्रिक आलोचकों में हमेशा गहरी दिलचस्पी रही है कलात्मक जीवनफ्रांस - आई. वी. क्राम्स्कोय, आई. ई. रेपिन और वी. वी. स्टासोव - ने पहली प्रदर्शनी से ही प्रभाववादियों की उपलब्धियों की अत्यधिक सराहना की।

कला के इतिहास में नया चरण, जो 1874 की प्रदर्शनी के साथ शुरू हुआ, क्रांतिकारी प्रवृत्तियों का अचानक विस्फोट नहीं था - यह एक धीमी और लगातार विकास की पराकाष्ठा थी।

इस तथ्य के बावजूद कि अतीत के सभी महान आचार्यों ने प्रभाववाद के सिद्धांतों के विकास में योगदान दिया है, वर्तमान की तत्काल जड़ें ऐतिहासिक प्रदर्शनी से पहले के बीस वर्षों में सबसे आसानी से पाई जा सकती हैं।

सैलून में प्रदर्शनियों के समानांतर, प्रभाववादियों की प्रदर्शनियाँ जोर पकड़ रही थीं। उनके कार्यों ने चित्रकला में नई प्रवृत्तियों का प्रदर्शन किया। यह सैलून संस्कृति और प्रदर्शनी परंपराओं का अपमान था। भविष्य में, प्रभाववादी कलाकार कला में नए रुझानों के प्रशंसकों को अपनी ओर आकर्षित करने में कामयाब रहे।

सैद्धांतिक ज्ञान और प्रभाववाद के सूत्र काफी देर से आकार लेने लगे। कलाकारों ने अधिक अभ्यास और प्रकाश और रंग के साथ अपने स्वयं के प्रयोगों को प्राथमिकता दी। प्रभाववाद, मुख्य रूप से सचित्र, यथार्थवाद की विरासत का पता लगाता है, यह स्पष्ट रूप से उस समय के आसपास की वास्तविकता की छवि की विरोधी शैक्षणिक, विरोधी सैलून अभिविन्यास और स्थापना को व्यक्त करता है। कुछ शोधकर्ता ध्यान देते हैं कि प्रभाववाद यथार्थवाद की एक विशेष शाखा बन गया है।

निस्संदेह, प्रभाववादी कला में, जैसा कि पुरानी परंपराओं के मोड़ और संकट की अवधि के दौरान उत्पन्न होने वाले प्रत्येक कलात्मक आंदोलन में, विभिन्न और यहां तक ​​​​कि विरोधाभासी प्रवृत्तियों को आपस में जोड़ा गया था, इसकी सभी बाहरी अखंडता के लिए।

कलात्मक अभिव्यक्ति के साधनों में मुख्य विशेषताएं कलाकारों के कार्यों के विषयों में थीं। प्रभाववादियों के बारे में इरीना व्लादिमिरोवा की पुस्तक में कई अध्याय शामिल हैं: "लैंडस्केप, प्रकृति, इंप्रेशन", "शहर, बैठकों और बिदाई के स्थान", "जीवन के एक तरीके के रूप में शौक", "लोग और चरित्र", "पोर्ट्रेट और सेल्फ-पोर्ट्रेट" , "स्थिर वस्तु चित्रण"। यह रचना के इतिहास और प्रत्येक कार्य के स्थान का भी वर्णन करता है।

प्रभाववाद के उत्कर्ष के दौरान, कलाकारों ने वस्तुनिष्ठ वास्तविकता और इसकी धारणा के बीच एक सामंजस्यपूर्ण संतुलन पाया। कलाकारों ने प्रकाश की हर किरण, हवा की गति, प्रकृति की परिवर्तनशीलता को पकड़ने की कोशिश की। चित्रों की ताजगी बनाए रखने के लिए, प्रभाववादियों ने एक मूल सचित्र प्रणाली बनाई, जो बाद में भविष्य में कला के विकास के लिए बहुत महत्वपूर्ण साबित हुई। पेंटिंग में सामान्य प्रवृत्तियों के बावजूद, प्रत्येक कलाकार ने पेंटिंग में अपना रचनात्मक मार्ग और मुख्य शैलियों को पाया है।

शास्त्रीय प्रभाववाद का प्रतिनिधित्व एडोअर्ड मानेट, क्लाउड मोनेट, पियरे अगस्टे रेनॉयर, एडगर अल्फ्रेड सिसली, केमिली पिसारो, जीन फ्रेडरिक बेसिल, बर्थे मोरिसोट, एडगर डेगास जैसे कलाकारों द्वारा किया जाता है।

प्रभाववाद के निर्माण में कुछ कलाकारों के योगदान पर विचार करें।

एडवर्ड मानेट (1832-1883)

मानेट ने अपना पहला पेंटिंग सबक टी। कॉउचर से प्राप्त किया, जिसकी बदौलत भविष्य के कलाकार ने बहुत सारे आवश्यक पेशेवर कौशल हासिल किए। शिक्षक द्वारा अपने छात्रों पर उचित ध्यान न देने के कारण, मानेट ने गुरु के स्टूडियो को छोड़ दिया और स्व-शिक्षा में संलग्न हो गए। वह संग्रहालयों में प्रदर्शनियों का दौरा करते हैं, उनका रचनात्मक गठन पुराने उस्तादों, विशेष रूप से स्पेनिश लोगों से बहुत प्रभावित था।

1860 के दशक में, मानेट ने दो रचनाएँ लिखीं जो उनकी कलात्मक शैली के मूल सिद्धांतों को दर्शाती हैं। वालेंसिया से लोला (1862) और द फ्लूटिस्ट (1866) मानेट को एक कलाकार के रूप में दिखाते हैं जो रंग के प्रतिपादन के माध्यम से मॉडल के चरित्र को प्रकट करता है।

ब्रशस्ट्रोक तकनीक और रंग के प्रति दृष्टिकोण पर उनके विचारों को अन्य प्रभाववादी चित्रकारों द्वारा अपनाया गया। 1870 के दशक में, मानेट अपने अनुयायियों के करीब हो गए और पैलेट पर काले रंग के बिना खुली हवा में काम किया। प्रभाववाद का आगमन स्वयं मानेट के रचनात्मक विकास का परिणाम था। मानेट की सबसे प्रभावशाली पेंटिंग इन ए बोट (1874) और क्लॉड मोनेट इन ए बोट (1874) हैं।

मानेट ने विभिन्न धर्मनिरपेक्ष महिलाओं, अभिनेत्रियों, मॉडलों, सुंदर महिलाओं के कई चित्र भी चित्रित किए। प्रत्येक चित्र में, मॉडल की विशिष्टता और व्यक्तित्व से अवगत कराया गया।

अपनी मृत्यु के कुछ समय पहले, मानेट ने अपनी उत्कृष्ट कृतियों में से एक - "बार फोलीज-बर्गेरे" (1881-1882) लिखी थी। यह चित्र कई शैलियों को एक साथ जोड़ता है: चित्र, स्थिर जीवन, घरेलू दृश्य।

एनएन कलिटिना लिखती हैं: "मानेट की कला का जादू ऐसा है कि लड़की पर्यावरण का प्रतिरोध करती है, जिसके लिए उसकी मनोदशा इतनी स्पष्ट रूप से प्रकट होती है, और साथ ही एक हिस्सा है, क्योंकि पूरी पृष्ठभूमि, अस्पष्ट अनुमान, अनिश्चित, उत्तेजित, नीले-काले, नीले-सफेद, पीले स्वरों में भी हल किया जाता है।

क्लाउड मोनेट (1840-1926)

क्लाउड मोनेट निर्विवाद नेता और शास्त्रीय प्रभाववाद के संस्थापक थे। उनकी पेंटिंग की मुख्य शैली लैंडस्केप थी।

अपनी युवावस्था में, मोनेट कैरिकेचर और कैरिकेचर के शौकीन थे। उनके काम के पहले मॉडल उनके शिक्षक, साथी थे। एक नमूने के लिए उन्होंने अखबारों और पत्रिकाओं में कार्टून का इस्तेमाल किया। उन्होंने गुस्ताव कॉब्रेट के मित्र, एक कवि और कैरिक्युरिस्ट, ई। कर्ज़ द्वारा गोलोइस में चित्रों की नकल की।

कॉलेज में, मोनेट को जैक्स-फ़्रेंकोइस हॉचर्ड द्वारा पढ़ाया गया था। लेकिन बौडिन के मोनेट पर प्रभाव को ध्यान में रखना उचित है, जिन्होंने कलाकार का समर्थन किया, उसे सलाह दी, उसे अपना काम जारी रखने के लिए प्रेरित किया।

नवंबर 1862 में पेरिस में, मोनेट ने पेरिस में ग्लेयरे के साथ अपनी पढ़ाई जारी रखी। इसके लिए धन्यवाद, मोनेट ने अपने स्टूडियो में तुलसी, रेनॉयर, सिसली से मुलाकात की। युवा कलाकार अपने शिक्षक का सम्मान करते हुए स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में प्रवेश की तैयारी कर रहे थे, जो उनके पाठों के लिए बहुत कम लेते थे और नरम सलाह देते थे।

मोनेट ने अपने चित्रों को कहानी के रूप में नहीं, किसी विचार या विषय के चित्रण के रूप में नहीं बनाया। उनकी पेंटिंग, जीवन की तरह, स्पष्ट लक्ष्य नहीं थे। उन्होंने विवरणों पर ध्यान केंद्रित किए बिना दुनिया को देखा, कुछ सिद्धांतों पर, वे "लैंडस्केप विजन" (कला इतिहासकार ए। ए। फेडोरोव-डेविडोव का शब्द) गए। मोनेट ने कथानकहीनता के लिए प्रयास किया, कैनवास पर शैलियों का एक संलयन। उनके नवाचारों को लागू करने के साधन रेखाचित्र थे, जिन्हें तैयार चित्र माना जाता था। सभी रेखाचित्र प्रकृति से खींचे गए थे।

उसने घास के मैदान, और पहाड़ियाँ, और फूल, और चट्टानें, और बगीचे, और गाँव की गलियाँ, और समुद्र, समुद्र तट और बहुत कुछ चित्रित किया, उसने दिन के अलग-अलग समय में प्रकृति की छवि की ओर रुख किया। अक्सर उन्होंने एक ही स्थान को अलग-अलग समय पर चित्रित किया, इस प्रकार अपने कार्यों से पूरे चक्र का निर्माण किया। उनके काम का सिद्धांत चित्र में वस्तुओं की छवि नहीं था, बल्कि प्रकाश का सटीक संचरण था।

यहाँ कलाकार की कृतियों के कुछ उदाहरण दिए गए हैं - "अर्जेंटील में पोपियों का क्षेत्र" (1873), "मेंढक" (1869), "पानी के लिली के साथ तालाब" (1899), "गेहूं के ढेर" (1891)।

पियरे अगस्टे रेनॉयर (1841-1919)

रेनॉयर धर्मनिरपेक्ष चित्रांकन के उत्कृष्ट आचार्यों में से एक हैं, इसके अलावा, उन्होंने परिदृश्य, घरेलू दृश्य, फिर भी जीवन की शैलियों में काम किया।

उनके काम की ख़ासियत किसी व्यक्ति के व्यक्तित्व, उसके चरित्र और आत्मा के प्रकटीकरण में रुचि है। अपने कैनवस में, रेनॉयर होने की परिपूर्णता की भावना पर जोर देने की कोशिश करता है। कलाकार मनोरंजन और छुट्टियों से आकर्षित होता है, वह गेंदों को पेंट करता है, उनके आंदोलन और विभिन्न प्रकार के पात्रों, नृत्यों के साथ चलता है।

कलाकार की सबसे प्रसिद्ध कृतियाँ "अभिनेत्री जीन सामरी का चित्र", "छाता", "बाथिंग इन द सीन" आदि हैं।

यह दिलचस्प है कि रेनॉयर अपनी संगीतमयता से प्रतिष्ठित थे और एक बच्चे के रूप में उन्होंने पेरिस में सेंट-यूस्टैच के कैथेड्रल में उत्कृष्ट संगीतकार और शिक्षक चार्ल्स गुनोद के मार्गदर्शन में चर्च गाना बजानेवालों में गाया था। सी। गुनोद ने दृढ़ता से सिफारिश की कि लड़का संगीत का अध्ययन करे। लेकिन उसी समय, रेनॉयर ने अपनी कलात्मक प्रतिभा की खोज की - 13 साल की उम्र से उन्होंने पहले से ही चीनी मिट्टी के बरतन व्यंजन बनाना सीख लिया था।

संगीत के पाठों ने कलाकार के व्यक्तित्व के निर्माण को प्रभावित किया। उनकी कई रचनाएँ संगीत विषयों से संबंधित हैं। वे पियानो, गिटार, मैंडोलिन बजाते हुए दिखाई दिए। ये पेंटिंग हैं "गिटार लेसन", "यंग स्पैनिश वुमन विद गिटार", "यंग लेडी एट द पियानो", "वूमन प्लेइंग द गिटार", "पियानो लेसन", आदि।

जीन फ्रेडरिक बेसिल (1841-1870)

उनके कलाकार मित्रों के अनुसार, तुलसी सबसे होनहार और उत्कृष्ट प्रभाववादी थे।

उनकी रचनाएँ चमकीले रंगों और छवियों की आध्यात्मिकता से प्रतिष्ठित हैं। पियरे-अगस्टे रेनॉयर, अल्फ्रेड सिसली और क्लाउड मोनेट का उनके रचनात्मक पथ पर बहुत प्रभाव था। नौसिखिए चित्रकारों के लिए जीन फ्रेडरिक का अपार्टमेंट एक तरह का स्टूडियो और आवास था।

तुलसी ने ज्यादातर प्लेन एयर में पेंट किया। उनके काम का मुख्य विचार प्रकृति की पृष्ठभूमि के खिलाफ मनुष्य की छवि थी। चित्रों में उनके पहले नायक उनके कलाकार मित्र थे; कई प्रभाववादी अपने कामों में एक-दूसरे को चित्रित करने के बहुत शौकीन थे।

Frédéric Bazille ने अपने काम में यथार्थवादी प्रभाववाद के पाठ्यक्रम को चिह्नित किया। उनकी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग, फैमिली रीयूनियन (1867), आत्मकथात्मक है। कलाकार इस पर अपने परिवार के सदस्यों को दर्शाता है। यह काम सैलून में प्रस्तुत किया गया था और जनता का अनुमोदन मूल्यांकन प्राप्त हुआ था।

1870 में, प्रशिया-फ्रांसीसी युद्ध में कलाकार की मृत्यु हो गई। कलाकार की मृत्यु के बाद, उनके कलाकार मित्रों ने प्रभाववादियों की तीसरी प्रदर्शनी का आयोजन किया, जहाँ उनके कैनवस भी प्रदर्शित किए गए।

केमिली पिसारो (1830-1903)

केमिली पिसारो सी मोनेट के बाद परिदृश्य चित्रकारों के सबसे बड़े प्रतिनिधियों में से एक है। उनके काम को लगातार प्रभाववादियों के प्रदर्शन में प्रदर्शित किया गया। अपने कामों में, पिसारो ने जुते हुए खेतों, किसान जीवन और काम को चित्रित करना पसंद किया। उनके चित्र रूपों की संरचना और रचना की स्पष्टता से प्रतिष्ठित थे।

बाद में, कलाकार ने शहरी विषयों पर पेंटिंग और पेंटिंग शुरू की। N. N. Kalitina ने अपनी पुस्तक में नोट किया है: "वह शहर की सड़कों को ऊपरी मंजिलों की खिड़कियों से या बालकनियों से देखता है, उन्हें रचनाओं में पेश किए बिना।"

जॉर्जेस-पियरे सेराट के प्रभाव में, कलाकार ने बिंदुवाद को अपनाया। इस तकनीक में प्रत्येक स्ट्रोक को अलग से लागू करना शामिल है, जैसे कि डॉट्स लगाना। लेकिन इस क्षेत्र में रचनात्मक संभावनाओं का एहसास नहीं हुआ और पिसारो प्रभाववाद में लौट आया।

पिसारो की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे हैं। दोपहर, धूप", "पेरिस में ओपेरा मार्ग", "पेरिस में फ्रेंच थिएटर का स्थान", "गार्डन इन पोंटोइज़", "हार्वेस्ट", "हेमकिंग", आदि।

अल्फ्रेड सिसली (1839-1899)

अल्फ्रेड सिसली द्वारा चित्रकला की मुख्य शैली परिदृश्य थी। उनके शुरुआती कार्यों में, मुख्य रूप से के। कोरोट का प्रभाव देखा जा सकता है। धीरे-धीरे, सी. मोनेट, जे.एफ. बेसिल, पी.ओ. रेनॉयर के साथ संयुक्त कार्य की प्रक्रिया में, उनके कार्यों में हल्के रंग दिखाई देने लगते हैं।

कलाकार प्रकाश के खेल, वातावरण की स्थिति में बदलाव से आकर्षित होता है। सिसली ने एक ही परिदृश्य को कई बार संबोधित किया, इसे दिन के अलग-अलग समय पर कैप्चर किया। अपने कामों में, कलाकार ने पानी और आकाश की छवि को प्राथमिकता दी, जो हर पल बदल गई। कलाकार रंग की मदद से पूर्णता प्राप्त करने में कामयाब रहे, उनके कार्यों में प्रत्येक छाया एक प्रकार का प्रतीकवाद रखती है।

उनके कार्यों में सबसे प्रसिद्ध: "कंट्री एले" (1864), "फ्रॉस्ट इन लोवेसीनेस" (1873), "फ्लावर आइलैंड से मोंटमार्ट्रे का दृश्य" (1869), "लौवेसीनेस में प्रारंभिक हिमपात" (1872), "द ब्रिज" अर्जेंटीना में" (1872)।

एडगर देगास (1834-1917)

एडगर डेगस एक कलाकार हैं जिन्होंने स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में अध्ययन करके अपने रचनात्मक करियर की शुरुआत की। वह इतालवी पुनर्जागरण के कलाकारों से प्रेरित थे, जिसने सामान्य रूप से उनके काम को प्रभावित किया। शुरुआत में, देगास ने ऐतिहासिक चित्रों को चित्रित किया, उदाहरण के लिए, "संयमी लड़कियां स्पार्टन युवाओं को एक प्रतियोगिता के लिए चुनौती देती हैं। (1860)। उनकी पेंटिंग की मुख्य शैली एक चित्र है। कलाकार अपने कामों में शास्त्रीय परंपराओं पर निर्भर करता है। वह अपने समय की गहरी समझ से चिह्नित कार्यों का निर्माण करता है।

अपने सहयोगियों के विपरीत, देगस जीवन पर आनंदमय, खुले दृष्टिकोण और प्रभाववाद में निहित चीजों को साझा नहीं करता है। कलाकार कला की महत्वपूर्ण परंपरा के करीब है: आम आदमी के भाग्य के लिए करुणा, लोगों की आत्मा को देखने की क्षमता, उनकी भीतर की दुनिया, असंगति, त्रासदी।

डेगस के लिए, एक व्यक्ति के आसपास की वस्तुएं और इंटीरियर एक चित्र बनाने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं। उदाहरण के तौर पर यहां कुछ काम दिए गए हैं: "ऑर्केस्ट्रा के साथ देसीरी डियो" (1868-1869), " महिला चित्र"(1868)," द मोरबिली कपल "(1867) और अन्य।

देगस के कार्यों में चित्रांकन के सिद्धांत को उनके पूरे करियर में खोजा जा सकता है। 1870 के दशक में, कलाकार फ्रांस के समाज को, विशेष रूप से पेरिस में, अपने कार्यों में पूर्ण महिमा में चित्रित करता है। कलाकार के हित में - गति में शहरी जीवन। "आंदोलन उनके लिए जीवन की सबसे महत्वपूर्ण अभिव्यक्तियों में से एक था, और इसे संप्रेषित करने की कला की क्षमता आधुनिक चित्रकला की सबसे महत्वपूर्ण उपलब्धि थी," एन.एन. कालिटिना।

इस अवधि के दौरान, "स्टार" (1878), "मिस लोला एट फर्नांडो सर्कस", "एप्सोम रेस" और अन्य जैसी पेंटिंग बनाई गईं।

डेगस की रचनात्मकता का एक नया दौर बैले में उनकी रुचि है। यह बैलेरिना के बैकस्टेज जीवन को दर्शाता है, उनकी कड़ी मेहनत और कठिन प्रशिक्षण के बारे में बात करता है। लेकिन, इसके बावजूद, कलाकार अपनी छवियों के हस्तांतरण में हवादारता और हल्कापन खोजने में कामयाब होता है।

देगास द्वारा चित्रों की बैले श्रृंखला में, फुटलाइट से कृत्रिम प्रकाश के प्रसारण के क्षेत्र में उपलब्धियां दिखाई देती हैं, वे कलाकार की रंगीन प्रतिभा की बात करते हैं। सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग "ब्लू डांसर्स" (1897), "डांस क्लास" (1874), "डांसर विद ए बुके" (1877), "डांसर्स इन पिंक" (1885) और अन्य हैं।

अपने जीवन के अंत में, उसकी दृष्टि खराब होने के कारण, देगस मूर्तिकला में अपना हाथ आजमाता है। वही बैलेरिना, महिलाएं, घोड़े उसकी वस्तु बन जाते हैं। मूर्तिकला में, देगस आंदोलन को व्यक्त करने की कोशिश करता है, और मूर्तिकला की सराहना करने के लिए, आपको इसे विभिन्न कोणों से विचार करने की आवश्यकता है।

फादर छाप - छाप) - उन्नीसवीं के अंतिम तीसरे की कला में एक दिशा - जल्दी। 20 वीं शताब्दी के, जिनके प्रतिनिधियों ने जीवन से सीधे परिदृश्य और शैली के दृश्यों को चित्रित करना शुरू किया, सूरज की चकाचौंध, हवा की सांस, घास की सरसराहट, बहुत साफ और गहन रंगों के साथ शहर की भीड़ की आवाजाही को व्यक्त करने की कोशिश की। प्रभाववादियों ने अपने क्षणभंगुर छापों को व्यक्त करने के लिए वास्तविक दुनिया को उसकी गतिशीलता और परिवर्तनशीलता में सबसे स्वाभाविक और निष्पक्ष तरीके से पकड़ने का प्रयास किया।

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प्रभाववाद

फ्रेंच इंप्रेशनिसमे, इंप्रेशन - इंप्रेशन से), चोर की कला में दिशा। 1860 - जल्दी। 1880 के दशक पेंटिंग में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ। प्रमुख प्रतिनिधि: सी. मोनेट, ओ. रेनॉइर, सी. पिस्सारो, ए. गुइलुमिन, बी. मोरिसोट, एम. कसाट, ए. सिसली, जी. कैलेबोट्टे और जे. एफ. बेसिल। उनके साथ, ई। मैनेट और ई। डेगस ने अपने चित्रों का प्रदर्शन किया, हालांकि उनके कार्यों की शैली को पूरी तरह से प्रभावशाली नहीं कहा जा सकता है। पेरिस (1874; मोनेट, रेनॉयर, पिजारो, डेगास, सिसली, आदि) में अपनी पहली संयुक्त प्रदर्शनी के बाद "इंप्रेशनिस्ट्स" नाम युवा कलाकारों के एक समूह को सौंपा गया था, जिससे जनता और आलोचकों का गुस्सा भड़क उठा। सी। मोनेट (1872) द्वारा प्रस्तुत चित्रों में से एक को “छाप” कहा गया था। सनराइज ”(“ L’impression। Soleil levant ”), और समीक्षक ने मजाक में कलाकारों को“इंप्रेशनिस्ट” - “इंप्रेशनिस्ट” कहा। तीसरी संयुक्त प्रदर्शनी (1877) में इस नाम के तहत चित्रकारों ने प्रदर्शन किया। उसी समय, उन्होंने इम्प्रेशनिस्ट पत्रिका प्रकाशित करना शुरू किया, जिसका प्रत्येक अंक समूह के सदस्यों में से एक के काम को समर्पित था।

प्रभाववादियों ने कब्जा करने की मांग की दुनियाअपनी निरंतर परिवर्तनशीलता, तरलता में, निष्पक्ष रूप से अपने तत्काल छापों को व्यक्त करते हैं। प्रभाववाद प्रकाशिकी और रंग सिद्धांत (इंद्रधनुष के सात रंगों में सूर्य की किरण का वर्णक्रमीय अपघटन) में नवीनतम खोजों पर आधारित था; इसमें वह आत्मा के अनुरूप है वैज्ञानिक विश्लेषण, चोर की विशेषता। 19 वीं सदी हालाँकि, प्रभाववादियों ने स्वयं इसे परिभाषित करने का प्रयास नहीं किया सैद्धांतिक आधारउनकी कला, कलाकार की रचनात्मकता की सहजता, सहजता पर जोर देती है। प्रभाववादियों के कलात्मक सिद्धांत एक समान नहीं थे। मोनेट ने केवल प्रकृति के सीधे संपर्क में, खुली हवा में (en plein air) परिदृश्य चित्रित किए और यहां तक ​​कि एक नाव में एक कार्यशाला भी बनाई। डेगस ने कार्यशाला में यादों से या तस्वीरों का उपयोग करके काम किया। बाद के कट्टरपंथी आंदोलनों के प्रतिनिधियों के विपरीत, कलाकार प्रत्यक्ष परिप्रेक्ष्य के उपयोग के आधार पर पुनर्जागरण भ्रामक-स्थानिक प्रणाली से आगे नहीं बढ़े। उन्होंने प्रकृति से काम करने की उस पद्धति का दृढ़ता से पालन किया, जिसमें उन्होंने निर्माण किया मुख्य सिद्धांतरचनात्मकता। कलाकार "जो आप देखते हैं उसे चित्रित करें" और "जैसा आप देखते हैं" के लिए प्रयासरत हैं। इस पद्धति के निरंतर अनुप्रयोग ने मौजूदा सचित्र प्रणाली की सभी नींवों के परिवर्तन को आवश्यक बना दिया: रंग, रचना, स्थानिक निर्माण। छोटे अलग स्ट्रोक में कैनवास पर शुद्ध रंग लागू किए गए थे: बहु-रंगीन "डॉट्स" अगल-बगल बिछे थे, एक रंगीन तमाशे में मिलाते हुए पैलेट पर नहीं और कैनवास पर नहीं, बल्कि दर्शक की नज़र में। प्रभाववादियों ने रंग की अभूतपूर्व सोनोरिटी, रंगों की अभूतपूर्व समृद्धि हासिल की। ब्रशस्ट्रोक अभिव्यक्ति का एक स्वतंत्र साधन बन गया, चित्र की सतह को रंगीन कणों के जीवंत झिलमिलाते कंपन से भर दिया। कैनवास की तुलना कीमती रंगों से झिलमिलाते मोज़ेक से की गई थी। पूर्व पेंटिंग में काले, भूरे, भूरे रंगों का प्रभुत्व था; प्रभाववादियों के कैनवस में, रंग चमकीले चमकते थे। प्रभाववादियों ने मात्राओं को संप्रेषित करने के लिए काइरोस्कोरो का उपयोग नहीं किया, उन्होंने अंधेरे छायाओं को त्याग दिया, उनके चित्रों में छायाएं भी रंगीन हो गईं। कलाकारों ने व्यापक रूप से अतिरिक्त स्वर (लाल और हरे, पीले और बैंगनी) का इस्तेमाल किया, जिसके विपरीत रंग की तीव्रता में वृद्धि हुई। मोनेट के चित्रों में, रंगों को उज्ज्वल किया गया और सूर्य के प्रकाश की किरणों की चमक में भंग कर दिया गया, स्थानीय रंगों ने कई रंगों का अधिग्रहण किया।

प्रभाववादियों ने आसपास की दुनिया को सतत गति में चित्रित किया, एक राज्य से दूसरे राज्य में संक्रमण। उन्होंने चित्रों की एक श्रृंखला को चित्रित करना शुरू किया, यह दिखाना चाहते थे कि दिन के समय, प्रकाश व्यवस्था, मौसम की स्थिति आदि के आधार पर एक ही रूपांकन कैसे बदलता है (सी। पिस्सारो द्वारा साइकिल बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे, 1897; रूएन कैथेड्रल, 1893-95, और "लंदन पार्लियामेंट", 1903-04, सी. मोनेट)। कलाकारों ने चित्रों में बादलों की गति को प्रतिबिंबित करने के तरीके खोजे हैं (ए। सिसली। "लुआन इन सेंट-मैम", 1882), सूरज की रोशनी की चकाचौंध का खेल (ओ। रेनॉयर। "स्विंग", 1876), हवा के झोंके (सी। मोनेट। "टेरेस इन सैंटे-एड्रेस", 1866), जेट्स ऑफ रेन (जी। कैलेबोट्टे। "जेर। बारिश का प्रभाव", 1875), गिरती बर्फ (सी। पिसारो। "ओपेरा पैसेज। स्नो इफेक्ट", 1898), घोड़ों की तेज दौड़ (ई. मानेट "रेसेस एट लॉन्गचैम्प", 1865)।

प्रभाववादियों ने रचना के निर्माण के लिए नए सिद्धांत विकसित किए। पहले, चित्र के स्थान की तुलना एक मंच से की जाती थी, अब कैप्चर किए गए दृश्य एक स्नैपशॉट, एक फोटो फ्रेम के समान थे। 19वीं शताब्दी में आविष्कार किया फोटोग्राफी का इम्प्रेशनिस्ट पेंटिंग की रचना पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा, विशेष रूप से ई। देगास के काम में, जो खुद एक भावुक फोटोग्राफर थे और अपने शब्दों में, आश्चर्य से चित्रित बैलेरिना को लेने की कोशिश की, उन्हें देखने के लिए "जैसे कि" एक कीहोल के माध्यम से", जब उनके पोज़, शरीर की रेखाएँ प्राकृतिक, अभिव्यंजक और प्रामाणिक होती हैं। बाहरी चित्रों का निर्माण, तेजी से बदलते प्रकाश को पकड़ने की इच्छा ने कलाकारों को प्रारंभिक रेखाचित्रों के बिना, "अल्ला प्राइमा" (एक चरण में) लिखने के लिए काम में तेजी लाने के लिए मजबूर किया। विखंडन, रचना की "यादृच्छिकता" और गतिशील सचित्र तरीके ने प्रभाववादियों के चित्रों में विशेष ताजगी की भावना पैदा की।

पसंदीदा प्रभाववादी शैली परिदृश्य थी; चित्र भी एक तरह का "चेहरे का परिदृश्य" था (ओ रेनॉयर, "पोर्ट्रेट ऑफ़ द एक्ट्रेस जे। सैमरी", 1877)। इसके अलावा, कलाकारों ने उन विषयों की ओर मुड़ते हुए पेंटिंग विषयों की सीमा का काफी विस्तार किया, जिन्हें पहले ध्यान देने योग्य नहीं माना जाता था: लोक उत्सव, घुड़दौड़, कलात्मक बोहेमिया पिकनिक, थिएटरों का बैकस्टेज जीवन, आदि। एक विस्तृत कथानक, एक विस्तृत आख्यान; मानव जीवन प्रकृति में या शहर के वातावरण में विसर्जित है। प्रभाववादियों ने घटनाओं को नहीं, बल्कि मनोदशाओं, भावनाओं के रंगों को लिखा। कलाकारों ने मौलिक रूप से ऐतिहासिक और खारिज कर दिया साहित्यिक विषय, जीवन के नाटकीय, अंधेरे पक्षों (युद्ध, आपदा, आदि) को चित्रित करने से परहेज किया। उन्होंने चित्रित घटनाओं का मूल्यांकन करने के दायित्व से, सामाजिक, राजनीतिक और नैतिक कार्यों की पूर्ति से कला को मुक्त करने की मांग की। कलाकारों ने दुनिया की सुंदरता गाई, सबसे रोजमर्रा की आकृति (एक कमरे का नवीनीकरण, ग्रे लंदन फॉग, स्टीम लोकोमोटिव का धुआं, आदि) को एक करामाती तमाशा (जी। कैलेबोट्टे। "परक्वेट", 1875; सी) में बदलने में सक्षम होने के नाते। मोनेट। "सेंट-लज़ारे स्टेशन", 1877)।

1886 में, प्रभाववादियों की अंतिम प्रदर्शनी हुई (ओ रेनॉयर और के मोनेट ने इसमें भाग नहीं लिया)। इस समय तक, समूह के सदस्यों के बीच महत्वपूर्ण असहमति सामने आई थी। प्रभाववादी पद्धति की संभावनाएं समाप्त हो गईं, और प्रत्येक कलाकार कला में अपना रास्ता तलाशने लगा।

समग्र रचनात्मक पद्धति के रूप में प्रभाववाद मुख्य रूप से फ्रांसीसी कला की एक घटना थी, लेकिन प्रभाववादियों के काम का प्रभाव सभी यूरोपीय चित्रकला पर पड़ा। रंगीन पैलेट, एक्सपोजर को हाइलाइट करते हुए कलात्मक भाषा को अपडेट करने की इच्छा पेंटिंग तकनीकअब दृढ़ता से कलाकारों के शस्त्रागार में प्रवेश किया। अन्य देशों में, जे. व्हिस्लर (इंग्लैंड और यूएसए), एम. लिबरमैन, एल. कोरिंथ (जर्मनी), जे. सोरोला (स्पेन) प्रभाववाद के करीब थे। प्रभाववाद का प्रभाव कई रूसी कलाकारों (वी। ए। सेरोव, के। ए। कोरोविन, आई। ई। ग्रैबर और अन्य) द्वारा अनुभव किया गया था।

पेंटिंग के अलावा, कुछ मूर्तिकारों (फ्रांस में ई। डेगास और ओ। रोडिन, इटली में एम। रोसो, रूस में पी। पी। ट्रुबेट्सकोय) के काम में प्रभाववाद को मूर्त रूप दिया गया था। कोमल रूप, जो बनाता है कठिन खेलसामग्री की सतह पर प्रकाश और काम की अपूर्णता की भावना; आंदोलन के क्षण में, विकास पर कब्जा कर लिया जाता है। संगीत में, सी। डेबसी ("सेल्स", "मिस्ट्स", "रिफ्लेक्शंस इन द वॉटर", आदि) के कार्यों में प्रभाववाद की निकटता पाई जाती है।

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