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यू.के.ज़ोलोटोव

18वीं सदी की शुरुआत में फ्रांस की कला में बड़े बदलाव हुए। वर्साय से कला केन्द्रधीरे-धीरे पेरिस चले गए। न्यायालय कला, निरपेक्षता के अपने एपोथोसिस के साथ, संकट में थी। ऐतिहासिक चित्र का प्रभुत्व अब अविभाजित नहीं था, अधिक से अधिक चित्र और शैली की रचनाएँ कला प्रदर्शनियों में उपलब्ध हो गईं। धार्मिक विषयों की व्याख्या ने इतना धर्मनिरपेक्ष चरित्र प्राप्त कर लिया कि पादरियों ने उनके द्वारा आदेशित वेदी चित्रों को स्वीकार करने से इनकार कर दिया (सैंटेरा द्वारा सुसन्ना)।

रोमन-बोलोग्ना शैक्षणिक परंपरा के बजाय, 17वीं शताब्दी के फ्लेमिश और डच यथार्थवाद के प्रभाव में वृद्धि हुई; रूबेन्स द्वारा चित्रों के चक्र की नकल करने के लिए युवा कलाकार लक्समबर्ग पैलेस पहुंचे। इस समय उत्पन्न होने वाले कई निजी संग्रहों में, फ्लेमिश, डच और विनीशियन मास्टर्स द्वारा अधिक से अधिक कार्य हैं। सौंदर्यशास्त्र में, "उत्कृष्ट सुंदरता" (फेलिबिएन) के लिए क्षमायाचना उन सिद्धांतकारों के कड़े विरोध के साथ मिलती है जो यथार्थवादी खोज के प्रति सहानुभूति रखते हैं। तथाकथित "पोसिनिस्ट्स एंड रूबेन्सिस्ट्स की लड़ाई" का समापन रोजर डी पिएल की विजय में हुआ, जिन्होंने कलाकारों को प्रकृति की नकल करने की आवश्यकता की याद दिलाई और पेंटिंग में रंग की भावनात्मकता की अत्यधिक सराहना की। "सन किंग" के समय की भावना के अनुरूप अकादमिकता के महाकाव्यों की कर्कश बयानबाजी धीरे-धीरे नए रुझानों से पहले घट गई।

इस महत्वपूर्ण समय में, दो शताब्दियों के मोड़ पर, जब पुराने आदर्श ढह रहे थे और नए केवल आकार ले रहे थे, एंटोनी वट्टू (1684-1721) की कला का उदय हुआ।

वैलेंसिएनेस रूफर का बेटा, जिसने कोई व्यवस्थित शिक्षा प्राप्त नहीं की, वट्टू 1702 के आसपास पेरिस गए।

पहले दस वर्षों में - रचनात्मकता की प्रारंभिक अवधि - वे चित्रकारों और उत्कीर्णकों के बीच रहते थे और काम करते थे, जो "फैशन और रीति-रिवाजों" के रोजमर्रा के दृश्यों और उत्कीर्णन का प्रदर्शन करते थे, जो खरीदारों की एक विस्तृत श्रृंखला के बीच लोकप्रिय थे। एक अज्ञात शिल्पकार की कार्यशाला में, उन्होंने डच शैली के चित्रकारों की प्रतियां बनाईं। इस माहौल में, युवा कलाकार ने न केवल फ्लेमिश बल्कि राष्ट्रीय चित्रकला परंपराओं को भी माना जो अकादमिक दीवारों के बाहर विकसित हुई थी। और कोई फर्क नहीं पड़ता कि बाद में वट्टू की कला कैसे बदल गई, इन परंपराओं ने हमेशा के लिए उस पर अपनी छाप छोड़ी। दिलचस्पी है समान्य व्यक्ति, छवि की गीतात्मक गर्मी, प्रकृति से स्केच के लिए अवलोकन और सम्मान - यह सब उनकी युवावस्था में उत्पन्न हुआ।

इन वर्षों के दौरान, वट्टू ने सजावटी कला का भी अध्ययन किया; लेकिन दोस्तों ने "देश उत्सव, नाटकीय विषयों और आधुनिक परिधानों" के लिए अपने स्वाद पर जोर दिया। जीवनीकारों में से एक ने कहा कि वट्टू ने "विभिन्न हास्य दृश्यों को चित्रित करने के लिए वर्ग में जाने के लिए हर मुफ्त मिनट का उपयोग किया, जो आमतौर पर घूमने वाले चार्लटन द्वारा खेला जाता था।" कोई आश्चर्य नहीं कि वट्टू के पहले पेरिस शिक्षक क्लाउड गिलोट थे, जिन्हें अकादमी में "आधुनिक विषयों का एक कलाकार" नाम दिया गया था। दूसरे शिक्षक - क्लॉड ऑड्रन की मदद से, जो लक्ज़मबर्ग पैलेस के संग्रह के क्यूरेटर थे, वेट्टू ने विश्व कला के बारे में बहुत कुछ सीखा, रूबेन्स द्वारा "मेडिसी गैलरी" से परिचित हुए। 1709 में, उन्होंने रोम पुरस्कार जीतने की कोशिश की - इसने इटली की यात्रा करने का अधिकार दिया। लेकिन बाइबिल की कहानी पर उनकी रचना सफल नहीं रही। गिलोट और ऑड्रन की कार्यशालाओं में वट्टू के काम ने सजावटी पैनलों में उनकी रुचि में योगदान दिया। यह शैली, इसलिए सभी की विशेषता है फ्रेंच पेंटिंग 18 वीं शताब्दी, अपनी उत्कृष्ट सनक के साथ, उन्होंने कलाकार के चित्रफलक कार्यों के रचनात्मक सिद्धांतों को प्रभावित किया। बदले में, वट्टू की नई खोजों के प्रभाव में रोकोको की सजावटी कला के आवश्यक तत्वों ने सदी की शुरुआत में आकार लिया।

उसी 1709 में, वट्टू ने वैलेंसिएनेस में अपनी मातृभूमि के लिए पेरिस छोड़ दिया। अपने प्रस्थान से कुछ समय पहले, उन्होंने अपनी शैली की एक स्किट का प्रदर्शन किया। उसने सैनिकों की टुकड़ी के प्रदर्शन को चित्रित किया। जाहिर तौर पर, जनता को ये कहानियाँ पसंद आईं - वैलेंसिएनेस में होना, जिसके पास लड़ाई हुई (स्पेनिश उत्तराधिकार के लिए युद्ध हुआ)। वट्टू ने उन पर काम करना जारी रखा, ठीक वैसे ही जैसे उन्होंने पेरिस लौटने के बाद किया।

वट्टू की "सैन्य शैली" युद्ध के दृश्य नहीं हैं। उनमें कोई डरावनी या त्रासदी नहीं है। ये सैनिकों के पड़ाव हैं, बाकी शरणार्थी, टुकड़ी की आवाजाही। वे 17 वीं शताब्दी की यथार्थवादी शैली की याद दिलाते हैं, और हालांकि अधिकारियों और शरणार्थियों के आंकड़ों में एक कठपुतली अनुग्रह है, परिष्कार की यह छाया उनमें मुख्य बात नहीं है। "बिवैक" (मॉस्को, ए.एस. पुश्किन के नाम पर ललित कला संग्रहालय) जैसे दृश्य निर्णायक रूप से कहानी की दृढ़ता, टिप्पणियों की समृद्धि द्वारा आदर्श युद्ध पेंटिंग से भिन्न होते हैं। पोज़, इशारों की सूक्ष्म अभिव्यक्ति को परिदृश्य के गीतवाद के साथ जोड़ा जाता है।

वट्टू के काम लगभग अदिनांकित हैं, और उनके काम के विकास की कल्पना करना मुश्किल है। लेकिन यह स्पष्ट है कि उनकी "आधुनिक शैली" के शुरुआती कार्यों में अभी भी कोई उदासी और कड़वाहट नहीं है जो कलाकार की परिपक्व कला की विशेषता है। उनके प्लॉट बहुत विविध हैं: "सैन्य शैली", शहरी जीवन के दृश्य, नाटकीय एपिसोड (उनमें से एक को 1712 में अकादमी में प्रस्तुत किया गया था)। इन समकालीन शैलियों में हेर्मिटेज सेवॉयर्ड है, जो इसकी गीतात्मक पैठ के लिए उल्लेखनीय है।

1710 के पहले भाग में। वट्टू उस समय के सबसे महान व्यंग्यकार लेसेज के करीबी बन गए। उन्हें प्रसिद्ध अमीर आदमी और कलेक्टर क्रोज़ैट के घर में पेश किया गया था, जहाँ उन्होंने पुराने उस्तादों की कई उत्कृष्ट कृतियाँ देखीं और प्रख्यात रूबेन चित्रकारों (चार्ल्स डी लाफोस और अन्य) से मिले।

यह सब धीरे-धीरे कारीगर-शैली के चित्रकार को बदल गया, जैसा कि वट्टू पेरिस के शुरुआती वर्षों में वीरतापूर्ण उत्सवों के एक लोकप्रिय चित्रकार के रूप में था, क्योंकि उनके कुलीन ग्राहक उन्हें जानते थे। लेकिन जीवन की मान्यता ने इसके अंतर्विरोधों की गहरी समझ पैदा की, जो एक अप्राप्य सौंदर्य के काव्यात्मक सपने से जुड़ा हुआ था।

वट्टू के परिपक्व कार्यों में सबसे महत्वपूर्ण स्थान पर वीरतापूर्ण उत्सवों का कब्जा था। उनमें, उन्होंने धर्मनिरपेक्ष "विधानसभाओं" और नाट्य मुखौटों को चित्रित किया, जिसे वे कला क्रोज़ैट के संरक्षक संत के रूप में देख सकते थे। लेकिन अगर वट्टू के वीरतापूर्ण उत्सव शुद्ध कल्पना नहीं थे और यहां तक ​​​​कि दोस्तों और ग्राहकों के चित्र भी उनमें पाए जाते हैं, तो उनकी आलंकारिक संरचना दर्शकों को रोजमर्रा की जिंदगी से दूर दुनिया में ले जाती है। ऐसा है "प्यार का पर्व" (ड्रेसडेन) - कामदेव के साथ एफ़्रोडाइट की मूर्ति के पास पार्क में महिलाओं और सज्जनों की छवि। आकृति से आकृति तक, समूह से समूह तक, भावनाओं की ये सूक्ष्म बारीकियाँ एक-दूसरे को बदल देती हैं, नाजुक रंग संयोजनों में गूंजती हैं, परिदृश्य की कोमल रेखाओं में। छोटे स्ट्रोक - हरे और नीले, गुलाबी और मोती ग्रे, बैंगनी और लाल - तरकश और कोमल सामंजस्य में संयुक्त होते हैं; इन प्रकाश स्वरों की विविधता पेंटिंग की रंगीन सतह के हल्के कंपन का आभास देती है। पेड़ों की पंक्तियों को मंच के पीछे मंच की तरह रखा गया है, लेकिन हवा में लचीली, कांपती शाखाओं की पारदर्शिता बैकस्टेज को स्थानिक बनाती है; वट्टू इसे आंकड़ों के साथ बसाता है, और पेड़ों की चड्डी के माध्यम से दूरी को देख सकता है, इसकी लगभग रोमांटिक असामान्यता के साथ मनोरम। 18 वीं शताब्दी में लैंडस्केप पेंटिंग के विकास के लिए वट्टू के चित्रों में पात्रों की भावनाओं और परिदृश्य के बीच सामंजस्य उनकी कला की महत्वपूर्ण भूमिका का आधार है। भावुकता की खोज वट्टू को रुबेन्स की विरासत की ओर खींचती है। यह खुद को पौराणिक रचनाओं में प्रकट करता है - उदाहरण के लिए, "बृहस्पति और एंटीओप"। लेकिन रूबेन्सियन जुनून उदासी उदासी, भावनाओं की परिपूर्णता - उनके रंगों का कांपना देता है। वट्टू के कलात्मक आदर्श मॉन्टेस्क्यू के विचार की याद दिलाते हैं कि सुंदरता चेहरे की विशेषताओं में इतनी अधिक व्यक्त नहीं की जाती है जितनी कि अक्सर अगोचर आंदोलनों में होती है।

चित्रकार की पद्धति की विशेषता उस सलाह से है जो उसने अपने छात्र लाइक्रा को दी थी: “किसी भी शिक्षक के साथ रहने में समय बर्बाद मत करो, आगे बढ़ो, अपने प्रयासों को शिक्षकों - प्रकृति के शिक्षक की ओर निर्देशित करो। पेरिस के बाहरी इलाके में जाएं और वहां के कुछ परिदृश्यों को स्केच करें, फिर कुछ आंकड़े स्केच करें और इसमें से एक चित्र बनाएं, जो आपकी अपनी कल्पना और पसंद से निर्देशित हो ”( "कला के बारे में कला के परास्नातक", खंड 1, एम.-एल., 1937, पृष्ठ.597). आंकड़ों के साथ परिदृश्यों को जोड़ते हुए, कल्पना करना और चुनना, वट्टू ने उन विभिन्न तत्वों को अधीन कर दिया जिनसे उन्होंने प्रमुख भावनात्मक मकसद के लिए पेंटिंग बनाई। वीरतापूर्ण उत्सवों में, चित्रित से कलाकार की टुकड़ी को महसूस किया जाता है; यह चित्रकार के स्वप्न और जीवन की अपूर्णता के बीच गहरे अंतर का परिणाम है। और फिर भी वट्टू हमेशा होने के सूक्ष्मतम काव्य की ओर आकर्षित होता है। यह कुछ भी नहीं है कि उनकी कला संगीत की सबसे विशेषता है, और पात्र अक्सर एक अस्पष्ट, बमुश्किल बोधगम्य माधुर्य को सुनते प्रतीत होते हैं। ऐसा मेसेटिन (सी। 1719; न्यूयॉर्क, मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट) है, ऐसा लौवर फिनेट है, जो अनुपस्थित विचारों से भरा है।

वट्टू के काम की सूक्ष्म भावुकता एक विजय थी जिसने सदी की कला के ज्ञान का मार्ग प्रशस्त किया जिसे बाद में डेलैक्रिक्स ने "अस्पष्ट और उदासीन भावनाओं का क्षेत्र" कहा। बेशक, जिन संकीर्ण सीमाओं के भीतर चित्रकार की खोजों का विकास हुआ, उन्होंने इन खोजों पर अपरिहार्य सीमाएं लगा दीं। कलाकार ने इसे महसूस किया। जीवनीकार बताते हैं कि कैसे वह एक कथानक से दूसरे कथानक की ओर दौड़ा, अपने आप से चिढ़ गया, जो उसने किया था उससे जल्दी निराश हो गया। यह आंतरिक कलह वट्टू की कला की असंगति का प्रतिबिंब है।

1717 में, वट्टू ने अकादमी को एक बड़ी पेंटिंग "पिलग्रिमेज टू द आइलैंड ऑफ साइथेरा" (लौवर) भेंट की, जिसके लिए उन्हें शिक्षाविद की उपाधि मिली। यह उनकी सर्वश्रेष्ठ रचनाओं में से एक है, जिसे वेनेशियन की याद दिलाने वाले सुनहरे रंगों की एक शानदार श्रृंखला में निष्पादित किया गया है, जिसके माध्यम से एक चांदी-नीली रागिनी दिखाई देती है। सेक्युलर देवियों और सज्जनों ने पहाड़ी के साथ-साथ सोने की नाव की ओर बढ़ रहे हैं, खुद को साइथेरा द्वीप के तीर्थयात्रियों के रूप में प्रस्तुत करते हैं - प्रेम का द्वीप (ग्रीक किंवदंती के अनुसार, प्रेम की देवी एफ़्रोडाइट का जन्म हुआ था)। युगल एक के बाद एक का अनुसरण करते हैं, जैसे कि चित्र के सामान्य गीतात्मक विषय को उठाते हुए, इसके भावनात्मक रंगों को बदलते हुए। आंदोलन, ऊंचे पेड़ों की शाखाओं के नीचे एफ़्रोडाइट की मूर्ति से शुरू होता है, एक तेज लय में प्रकट होता है - उदासीनता और संदेह उत्साह, एनीमेशन और अंत में - नाव पर फड़फड़ाते कामदेवों का सनकी नाटक। नाजुक, परिवर्तनशील भावनाओं के लगभग अगोचर संक्रमण, अस्पष्ट पूर्वाभास और अनिर्णायक इच्छाओं का एक अस्थिर खेल - ऐसा वट्टू की कविता का क्षेत्र था, जो निश्चितता और ऊर्जा से रहित था। भावनाओं की बारीकियों की धारणा की तीक्ष्णता उनके "महान पथ" के विपरीत, "मानव हृदय के पथ" के बारे में नाटककार मारिवाक्स को संबोधित वोल्टेयर के शब्दों की याद दिलाती है। "साइथेरा के द्वीप की तीर्थयात्रा" में वट्टू का उत्कृष्ट रंगवाद उल्लेखनीय है; ब्रश के हल्के हिलने-डुलने से रूपों की गतिशीलता, उनकी कांपती उत्तेजना की भावना पैदा होती है; पेड़ों के हल्के मुकुटों के माध्यम से सब कुछ नरम विसरित प्रकाश प्रवाहित होता है; कोमल हवादार धुंध में पहाड़ी दूरियों की रूपरेखा घुल जाती है। नारंगी, हल्के हरे और गुलाबी-लाल कपड़े के हल्के रंग के लहजे सुनहरे रंग की पृष्ठभूमि के खिलाफ चमकते हैं। वट्टू की स्वप्निल कला एक विशेष काव्यात्मक आकर्षण से संपन्न है, जो जादुई रूप से "वीरतापूर्ण उत्सव" को बदल देती है, जो उनके समकालीनों को शिष्ट और दूर की कौड़ी लगती थी।

वट्टू की कई रचनाएँ नाटकीय दृश्यों की याद दिलाती हैं, जिन पर पात्र एक अजीब जीवन जीते हैं, अपने लिए पुराने प्रदर्शन करते हैं, लेकिन फिर भी उनके दिल को प्रिय हैं, एक मज़ेदार और उदास नाटक से भूमिकाएँ। लेकिन आधुनिक प्रदर्शन की वास्तविक सामग्री ने थिएटर और नाटकीय भूखंडों में वट्टू की रुचि को भी निर्धारित किया। उनमें से कई न केवल कलाकार के शुरुआती काम में हैं। हाल के वर्षों में, इस चक्र के सबसे महत्वपूर्ण कार्य प्रकट हुए हैं। उनमें से द इटैलियन कॉमेडियन (बर्लिन) है, जिसे 1716 के बाद लिखा गया था, जब इतालवी अभिनेता पेरिस लौट आए, 17 वीं शताब्दी के अंत में देश पर शासन करने वाले हलकों के खिलाफ व्यंग्यात्मक हमलों के लिए फ्रांस से निष्कासित कर दिया गया। प्रदर्शन के अंतिम दृश्य में, एक मशाल और एक लालटेन की रोशनी में, मेट्सटिन के आंकड़े, गाइल्स का मज़ाक उड़ाते हुए, गतिशील हार्लेक्विन, कोमल और चुलबुली अभिनेत्रियाँ शाम से उभरती हैं। बाद में भी, चित्रात्मक तरीके से देखते हुए, फ्रांसीसी कॉमेडी (न्यूयॉर्क, बीट संग्रह) के अभिनेताओं की छवि का प्रदर्शन किया गया - इस थिएटर के प्रदर्शनों में से एक का एक एपिसोड, जिसमें कम से कम 1717 तक, धूमधाम शैली पहली गिल ब्लास किताब में लेसेज द्वारा उपहास किए गए अभिनय का प्रभुत्व। स्थापत्य तत्वों के ढेर और वेशभूषा की भव्यता "रोमन" के मज़ेदार मार्ग को चित्रित करती है, जो चित्रकार द्वारा संक्षेप में व्यक्त किया गया था (जैसा कि फ्रांसीसी कॉमेडी थिएटर के अभिनेताओं को तब विडंबना कहा जाता था), उनके सैलून शिष्टाचार और हास्यास्पद पोज़। इस तरह की तुलना कला के कार्यों के लिए कलाकार के जीवन की घटनाओं के प्रति दृष्टिकोण को प्रकट करती है।

लेकिन थिएटर से जुड़ा वट्टू का सबसे उल्लेखनीय काम गाइल्स (लौवर) है। इस बड़ी तस्वीर का रचनात्मक समाधान कुछ हद तक रहस्यमय है और इसने हमेशा कई परस्पर विरोधी व्याख्याओं को जन्म दिया है। चमकीले आकाश और गहरे हरे पेड़ों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, सफेद कपड़ों में एक अभिनेता की आकृति उभरती है। एक ग्रे टोपी उसके चेहरे को फ्रेम करती है, दर्शक पर एक शांत टकटकी लगाई जाती है, उसके हाथ नीचे कर दिए जाते हैं। रैंप जैसी पहाड़ी के पीछे, जिस पर गिल्स खड़े हैं, उनके साथी कारीगर स्थित हैं, वे गधे को रस्सी से खींचते हैं, एक मुस्कुराते हुए स्कैपिन उस पर निकल जाता है। संयमित कंट्रास्ट वाले इस समूह का पुनरुद्धार गतिहीन गाइल्स की एकाग्रता पर जोर देता है। गाइल्स की आकृति की रचनागत असमानता और दूसरी योजना के पात्र जो किसी भी क्रिया से जुड़े नहीं हैं, एक दिलचस्प धारणा से समझाया जा सकता है कि यह चित्र इतालवी कॉमेडी थियेटर के निष्पक्ष मौसमों में से एक के लिए एक संकेत के रूप में निष्पादित किया गया था। तब यह स्पष्ट है कि जनता का पसंदीदा, गाइल्स, जैसा कि वह था, दर्शक को संबोधित करता है, और इतालवी पाइन परिदृश्य में दिखाई देता है; मेले के सिनेमाघरों में अक्सर ऐसे संकेत लटकाए जाते हैं। चित्र का नायक ध्यान, गहन विचार की अवस्था में प्रकट होता है; रचना की प्रकृति अंततः दुनिया के लिए अपील के इस विरोधाभासी अंतर्संबंध और जटिल आत्म-गहन आंतरिक जीवन द्वारा सटीक रूप से निर्धारित की जाती है, जो सूक्ष्म भावनात्मक रंगों में खुद को प्रकट करती है। थोड़ी उभरी हुई भौं, भारी सूजी हुई पलकें पुतलियों को थोड़ा ढँकती हैं और होठों का हल्का सा हिलना - यह सब अभिनेता के चेहरे को एक विशेष अभिव्यक्ति देता है। उसमें दुखद उपहास है, और छिपा हुआ अभिमान है, और एक ऐसे व्यक्ति का छिपा हुआ उत्साह है जो लोगों के दिलों पर राज करने में सक्षम है।

जिस सुरम्य तरीके से गिल्स को अंजाम दिया गया है, वह वट्टू की खोजों की विविधता, उनकी कला के नवाचार की गवाही देता है। पहले के काम एक पतले और सख्त ब्रश, छोटे हल्के स्ट्रोक, आयताकार, चिपचिपे, उभरा हुआ, थोड़ा टेढ़ा, जैसे कि वस्तुओं के आकार और आकृति पर बने होते थे। प्रकाश, सतह पर कुचला हुआ, कई कीमती मदर-ऑफ-पर्ल शेड्स के साथ झिलमिलाता है - पीला सफेद, हरा, नीला, बैंगनी, गुलाबी, मोती ग्रे और पीला। इन मदर-ऑफ-पर्ल ओवरफ्लो ने समकालीनों को चुटकुले लिखने के लिए जन्म दिया कि वट्टू अपने ब्रश नहीं धोता है और एक बर्तन से पेंट लेता है, जहां वे सभी मिश्रित होते हैं। रंगों की एक अद्भुत विविधता बेहतरीन ग्लेज़ के साथ मिलती है। Delacroix ने Watteau की तकनीक को अद्भुत कहा, यह तर्क देते हुए कि फ़्लैंडर्स और वेनिस इसमें संयुक्त थे।

"गाइल्स" के लिए, "साइथेरा के द्वीप की तीर्थयात्रा" के सुनहरे पैमाने के बगल में इसकी रंग योजना ठंडी, नीली, साथ ही वट्टू के बाद के रंग के साथ पिछले "सुनहरे" काल के संबंध में काम करती है। चित्र वीर उत्सवों की तुलना में बहुत अधिक व्यापक रूप से लिखा गया है, यह रंग की मुक्त गति को महसूस करता है और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि अभिनेता के सफेद कपड़ों पर रंगीन छाया - पीला, नीला, बकाइन और लाल। यह एक साहसिक खोज है, यथार्थवादी प्रवृत्तियों की गहराई है, इसलिए मास्टर के कई चित्रों में स्पष्ट रूप से शामिल है।

ग्राफिक्स वत्तू 18वीं शताब्दी की फ्रांसीसी कला के सबसे उल्लेखनीय पृष्ठों में से एक था। कलाकार आमतौर पर एक काले इतालवी पेंसिल, सांगुइन और चाक का उपयोग करके तीन रंगों में चित्रित करता है। उनके चित्र सजीव अवलोकन पर आधारित हैं। वे भविष्य के चित्रों के लिए बनाए गए थे, जिन्हें कलाकार ने खुद नहीं कहा था, जैसा कि अब हम उन्हें कहते हैं, लेकिन उदाहरण के लिए: "आठ आकृतियों वाले बगीचे का प्रतिनिधित्व करने वाली एक छोटी तस्वीर।" वट्टू के ग्राफिक्स में, हम इन विभिन्न आकृतियों से मिलते हैं: रईसों और भिखारियों, सैनिकों और कुलीन महिलाओं, व्यापारियों और किसानों - प्रकारों का एक विशाल संग्रह, जो बाद में उत्कीर्ण "विभिन्न पात्रों के आंकड़े" के चार खंडों की राशि थी। सजावटी पैनलों के रेखाचित्र, सुंदर परिदृश्य चित्र अद्भुत हैं, लेकिन महिलाओं के सिर विशेष रूप से अच्छे हैं - अलग-अलग मोड़ में, आंदोलनों जो भावनाओं के उन सूक्ष्म रंगों को व्यक्त करती हैं जिन्हें चित्रकार ने बहुत सराहा। यह चित्रों के लिए आवश्यक एक मुद्रा, एक हावभाव की खोज थी। लेकिन इन रेखाचित्रों में इतनी गहरी सामग्री है कि वे एक स्वतंत्र यथार्थवादी मूल्य प्राप्त करते हैं। हल्के स्ट्रोक और लहराती रेखाएं अंतरिक्ष को फिर से बनाती हैं, प्रकाश के फिसलने वाले प्रतिबिंब, चमकदार कपड़ों की इंद्रधनुषीता, हवा की धुंध की कोमलता। वट्टू के चित्र में उनकी पेंटिंग की तरह ही सूक्ष्म काव्यात्मक आकर्षण है।

वट्टू का आखिरी काम गेर्सिन (सी। 1721; बर्लिन) की प्राचीन वस्तुओं की दुकान के लिए एक संकेत था। इस तस्वीर की सराहना खुद वट्टू ने की थी, जो आमतौर पर खुद से असंतुष्ट था।

केवल पंद्रह दिनों के लिए गेर्सिन की दुकान पर लटके वट्टू के संकेत ने जनता का ध्यान आकर्षित किया। उसने अपने सामान्य आगंतुकों के साथ इस दुकान के अंदर का चित्रण किया: कुलीन महिलाएं और रईस उनके साथ थे, मालिकों और नौकरों ने एक बॉक्स में पेंटिंग खरीदीं। मेहमानों और मेजबानों का ध्यान कला के कार्यों द्वारा अवशोषित किया जाता है, इसलिए, "साइन ऑफ गेर्सिन" में अति भावुकता का एक विशेष वातावरण, वट्टू के काम की विशेषता हावी है। इसमें, यह एक जीवंत और वास्तविक कथा द्वारा पहले से कहीं अधिक ठोस है, जिसमें सूक्ष्म विडंबना को गेय कोमलता द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है। बॉक्स के पास जहां लुई XIV का चित्र रखा गया है, वहां एक मजाकिया सामान्य व्यक्ति है, प्रधान अभिजात वर्ग एक बड़े देहाती चित्र में नग्न अप्सराओं को देख रहे हैं, और पहले समूह में, एक अच्छी तरह से तैयार महिला की भव्य मुद्रा मामूली बंद कर देती है गेर्सिन की युवा पत्नी का थोड़ा शर्मीला व्यवहार। दुकान, एक मंच की तरह, सड़क के लिए खुली है। एक गुलाबी पोशाक में एक महिला के इंटीरियर में प्रवेश करने की आकृति से, कथानक का विकास शुरू होता है, आंदोलनों की एक श्रृंखला और वट्टू की रचनाओं की विशेषता, मिसे-एन-दृश्यों का एक लयबद्ध विकल्प और उनके बीच स्थानिक कैसुरास। पोज़ और इशारों की प्लास्टिक समृद्धि यहाँ कथा के विकास, भावनात्मक संचार की ठोस प्रेरणा से जुड़ी है, जो चित्रकार की रचनात्मक पद्धति की विशेषता है। भंगुर और नाजुक रंग सामंजस्य संयम और प्लास्टिक निश्चितता प्राप्त करते हैं।

"द साइन ऑफ गेर्सिन" उस समय के लोगों के बारे में एक अभिव्यंजक कहानी है, जो 18 वीं शताब्दी में यथार्थवाद की नई विजय की आशा करता है। लेकिन 1721 में मरने वाले कलाकार की असामयिक मृत्यु ने उनके विरोधाभासी और तेजी से रचनात्मक विकास को बाधित कर दिया, जिसने 18 वीं शताब्दी की फ्रांसीसी पेंटिंग में बहुत कुछ निर्धारित किया।

18वीं शताब्दी की शुरुआत के चित्रकारों पर वट्टू के काम का गहरा प्रभाव था। उनके छात्रों ने उनकी कला की परंपराओं को विकसित करने की कोशिश की - पैटर, उनके प्रत्यक्ष अनुयायियों में सबसे अधिक अभियुक्त, देहाती एंटोनी क्विलार्ड और निकोला लांक्रे की ओर आकर्षित हुए, जिन्होंने सतही वीर भूखंडों और विकासशील के नए रूपों को श्रद्धांजलि दी। घरेलू शैली. शिक्षाविद कार्ल वनलू और अन्य "वीर शैली" के शौकीन थे। लेकिन 18वीं शताब्दी की फ्रांसीसी कला पर वट्टू का प्रभाव। बहुत व्यापक था: उन्होंने आधुनिक विषयों के लिए रास्ता खोल दिया, भावनाओं के गेय रंगों, प्रकृति के साथ काव्यात्मक संचार, रंग की सूक्ष्म भावना की ऊँची धारणा के लिए।

वट्टू के बाद, जो दो शताब्दियों के कगार पर खड़े थे, फ्रांसीसी कला में समाज की संघर्षशील ताकतों से जुड़ी विभिन्न प्रवृत्तियों के बीच विरोधाभास अधिक स्पष्ट रूप से उभरने लगे। एक ओर, 1720-1730 के दशक में। रोकोको की कला, जो पहले से ही उभर रही थी, आकार ले रही है। यह वास्तुकला और स्थापत्य सजावट के नए सिद्धांतों के प्रत्यक्ष अनुपात में उत्पन्न होता है, जब स्मारकीय कलाकारों की टुकड़ियों को बड़प्पन की अंतरंग हवेली से बदल दिया जाता है, और कला के कामों की व्याख्या इन हवेली के छोटे अंदरूनी हिस्सों को सजाने वाले सुरुचिपूर्ण ट्रिंकेट के रूप में की जाने लगती है। अंतत: रोकोको की सुखवादी प्रकृति, कला के संज्ञानात्मक मूल्य में रुचि का कमजोर होना, "हमारे बाद - यहां तक ​​​​कि एक बाढ़" शब्दों द्वारा वर्णित एक समय में महान संस्कृति के पतन के साथ जुड़ा हुआ है। इन दशकों की कला में, प्रकार और शैलियों का अनुपात बदल रहा है - ऐतिहासिक और धार्मिक चित्रकला संकट में है, सजावटी और सजावटी पैनलों, कालीनों और छोटे desudeports द्वारा प्रतिस्थापित किया जा रहा है जो कि वीरतापूर्ण दृश्यों, मौसमों और कला के रूपक को दर्शाते हैं।

रोकोको शैली का उत्कर्ष 1730-1740 के दशक का है; दृश्य कला में इस शैली का एक उत्कृष्ट उदाहरण पेरिस में सोबिस होटल के अंदरूनी हिस्सों की सुरम्य और मूर्तिकला सजावट है। यह पहनावा 1730 के दशक के उत्तरार्ध में कई उत्कृष्ट स्वामी - वास्तुकार ब्यूफ्रान, मूर्तिकारों - अडानोव और लेमोइन, चित्रकार बाउचर, ट्रेमोलिरे, वनलू और नैटोयर दोनों के संयुक्त प्रयासों से बनाया गया था। हवेली के सबसे अच्छे अंदरूनी हिस्सों में से एक ऊपरी मंजिल का अंडाकार हॉल है, जिसे तथाकथित राजकुमारी सैलून कहा जाता है। बड़ी मेहराबदार खिड़कियाँ जो प्रांगण को देखती हैं, बारी-बारी से समान आकार और ऊँचाई के दरवाज़ों और दर्पणों के साथ आती हैं। इंटीरियर की रचना में दर्पणों का उपयोग इसे भव्य नहीं बनाता है, जैसा कि वर्साय की मिरर गैलरी में था, जहां दर्पण सीधे खिड़कियों के सामने रखे गए थे। अंडाकार हॉल में, प्रतिबिंब इंटीरियर को जटिल बनाते हैं, एक काल्पनिक स्थानिक पैटर्न बनाते हैं, और कई असममित उद्घाटनों का भ्रम राजकुमारी सैलून को बगीचे के गज़ेबो जैसा दिखता है। अंदरूनी हिस्सों में सफेद रंग का प्रभुत्व है; अति सुंदर हल्के रंग - गुलाबी और हल्का नीला - लपट और अनुग्रह की छाप को मजबूत करते हैं। दरवाजों और खिड़कियों के मेहराबों के ऊपर सोने का पानी चढ़ा हुआ प्लास्टर कार्टूच, अलमारी, आपस में जुड़ी हुई शाखाएँ और नटुआरा के सजावटी पैनल हैं, जो एक सनकी माला में जुड़े हुए हैं। यह लहरदार, हल्का पैटर्न दीवारों और छत के बीच की सीमा को छुपाता है, जबकि छत के केंद्रीय रोसेट की ओर फैली हुई मालाएं सजावटी प्रणाली को पूरा करती हैं। कामदेव और मानस की प्रेम कहानी को समर्पित नटुआरा की पेंटिंग पैटर्न का हिस्सा बन जाती है, जो सुंदर सजावट का एक तत्व है। इंटीरियर के स्थापत्य अलंकरण की चिकनी लहराती लय भी चित्रों की रचनाओं में गुजरती है, जो आंकड़ों को एक सजावटी पैटर्न के साथ जोड़ती है।

रोकोको सुखवाद भूखंडों की जानबूझकर कामुकता, आंदोलनों के प्रभाव, अनुपात के परिष्कार और रंग रंगों की मधुर कोमलता - गुलाबी, हरा, नीला में प्रकट होता है। पेंटिंग की यह दिशा आंतरिक सजावट में व्यापक हो गई है, यह 18 वीं शताब्दी की महान संस्कृति की विशिष्ट विशेषताओं को दर्शाती है।

शताब्दी के पूर्वार्द्ध की अन्य हवेलियों की तरह, सौबिसे होटल के आंतरिक भाग वास्तुकला, चित्रकला, मूर्तिकला और अनुप्रयुक्त कला का एक परिष्कृत और जैविक पहनावा हैं। मूर्तिकार एरपेन द्वारा की गई बेहतरीन प्लास्टर सजावट को दरवाजे के ऊपर ट्रेमोलियर और बाउचर के सुरम्य पैनलों के साथ जोड़ा गया है, सुरुचिपूर्ण कांस्य अस्तर दरवाजे और संगमरमर की चिमनियों को सुशोभित करते हैं, हल्के हरे और क्रिमसन कपड़े जो दीवारों को कवर करते हैं, एक सोने के पैटर्न के साथ कशीदाकारी हैं। रोकोको नक्काशीदार लकड़ी के फर्नीचर, रेखाचित्र जिसके लिए प्रसिद्ध सज्जाकार मीसोनियर और ओपेनोर ने बनाया, हल्का और विविध है, इसके रूप सजावटी आभूषण की तरह सनकी हैं, घुमावदार समर्थन अस्थिर लगते हैं।

17वीं शताब्दी का भारी और भव्य फर्नीचर। अधिक आरामदायक सन लाउंजर, आर्मचेयर और सोफा, दराज के छोटे चेस्ट और कंसोल टेबल के लिए रास्ता देता है। वे स्क्रॉल, शंख और गुलदस्ते के रूप में नाजुक नक्काशी, चीनी और पशुचारण रूपांकनों को चित्रित करने वाली पेंटिंग और जड़ाई से ढके हुए हैं। जिस तरह रोकेल पोर्सिलेन में पैटर्न ने एक मुक्त "आरक्षित" क्षेत्र छोड़ दिया, फर्नीचर कांस्य ओवरले में अक्सर हल्की माला के साथ, विभिन्न रंगों की कीमती लकड़ियों से बनी सतह को ढंका जाता है। मनमौजी डिजाइन और आभूषण रूपरेखा की स्पष्टता से दूर हैं, लघु और परिष्कार इंटीरियर के चरित्र के अनुरूप हैं। इस समय के सबसे प्रसिद्ध फर्नीचर निर्माताओं में से एक जैक्स कैफिएरी थे।

रोकोको के अंदरूनी हिस्सों को टेपेस्ट्री कारख़ाना में बने टेपेस्ट्रीज़ और जीन बेरेन, क्लाउड ऑड्रन, जीन फ्रेंकोइस डे ट्रॉय, फ्रेंकोइस बाउचर और अन्य चित्रकारों के कार्डबोर्ड पर आधारित ब्यूवैस कारख़ाना की विशेषता थी। उनके विषय वीरतापूर्ण दृश्य और चरवाहे, शिकार और मौसम, चीनी रूपांकन ("चिनोइसेरी") हैं। उत्तरार्द्ध पूर्व से लाए गए कपड़े और चीनी मिट्टी के बरतन की बहुतायत से जुड़ा हुआ है। इस समय के कालीनों के लिए हल्के रंगीन व्यंजन और हल्के सुशोभित गहने विशिष्ट हैं, जिन्हें रोसेल के अंदरूनी हिस्सों को सजाने के लिए डिज़ाइन किया गया है। टेपेस्ट्री के लिए टेपेस्ट्री के लेखक अक्सर सजावटी पैनलों के स्वामी थे। 18 वीं शताब्दी के मध्य के सज्जाकारों में। कार्वर जीन वेरबर्कट (वर्साय के अंदरूनी भाग) और चित्रकार क्रिस्टोफ़ ह्यू (शान में महल के अंदरूनी भाग) बाहर खड़े हैं।

17वीं शताब्दी के अंत में खोजा गया। सदी की पहली छमाही में फ्रांसीसी नरम चीनी मिट्टी के बरतन धीरे-धीरे विकसित हुए और अक्सर अनुकरणीय थे (सेंट क्लाउड, चान्तिली और मेनेसी के कारख़ाना)। वास्तव में, केवल सदी के मध्य में मूल चीनी मिट्टी के उत्पादन का विकास हुआ - विन्सेन्स और विशेष रूप से सेवर्स कारख़ाना में। 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में चांदी (थॉमस जर्मेन और अन्य स्वामी) की तकनीक अधिक विकसित थी, साथ ही कांस्य की वस्तुएं - घड़ियां, जिरांडोल और स्कोनस, फूलदान और फर्श लैंप। चीनी मिट्टी के बरतन के रूप में, विन्सेन्स उत्पाद डुप्लेसिस और बाउचर के काम से जुड़े हैं, जिनके चित्र के अनुसार वे बनाए गए थे। सेवर्स कारख़ाना का बाद का उत्कर्ष, जहाँ फाल्कोन ने काम किया, वह भी काफी हद तक बाउचर की गतिविधियों के कारण था। यह इस क्षेत्र में था कि रोसेल डेकोरेटर का उत्तम कौशल सबसे व्यवस्थित रूप से प्रकट हुआ। XVIII सदी के मध्य में प्रदर्शन किया। सेवरेस में, उनके रेखाचित्रों के अनुसार, बिना चमकता हुआ बिस्किट पोर्सिलेन की छोटी मूर्तियां शायद उन्होंने जो कुछ भी किया है, वह सबसे अच्छा है। उनकी गेय सूक्ष्मता और सुशोभित लालित्य शैलीगत विशेषताएं हैं जो युग की अन्य प्रकार की सजावटी कलाओं की विशेषता भी हैं। बाउचर और फालकोन के बाद, सेव्रेस की मूर्तिकला कार्यशालाओं का नेतृत्व ले रिच, फिर बोइसो ने किया। पर फ्रांसीसी मूर्तिकारऔर सदी के दूसरे भाग में, प्लास्टिक कला के कक्ष रूपों में रुचि बनी रही। सेवर्स के लिए मॉडल साली, पिगले, क्लोडियन और अन्य द्वारा बनाए गए थे।

फ्रेंकोइस बाउचर (1703-1770) खुद को वट्टू का अनुयायी मानते थे। उन्होंने अपने चित्रों को उकेर कर शुरुआत की। लेकिन वट्टू की कला की गहरी सामग्री और बाउचर के काम के बाहरी अलंकरण के बीच एक बुनियादी अंतर है, जो 18 वीं शताब्दी के मध्य में बना। फ्रांस में कलात्मक स्वाद का ट्रेंडसेटर। बाउचर के उत्कीर्णन में, वट्टू के तीव्र विशिष्ट शैली के दृश्य सजावटी विगनेट्स में बदल गए। इसी तरह के सिद्धांतों को तब रोकोको पुस्तक के चित्रण में सन्निहित किया गया था - विगनेट्स और एंडिंग जो पुस्तक को एक अति सुंदर पैटर्न के साथ सुशोभित करते थे, ठीक उसी तरह जैसे प्लास्टर और डेसुपोर्ट्स ने रोकोले के अंदरूनी हिस्सों को सजाया था। लैंक्रेट, पैटर और ईसेन बाउचर के साथ मिलकर उन्होंने लाफोंटेन की परियों की कहानियों के लिए चित्र उकेरे। यह तथाकथित लार्मेसेन सूट है, जिसे छेनी और नक़्क़ाशी की मिश्रित तकनीक में निष्पादित किया गया है।

बाउचर के चित्र वट्टू की तरह आध्यात्मिक नहीं हैं, लेकिन वे अपने तरीके से अभिव्यंजक और भावनात्मक हैं। लगभग सुलेखन लालित्य के साथ, "द मिल" (ए.एस. पुश्किन संग्रहालय ऑफ फाइन आर्ट्स) नामक एक जल रंग और बिस्ट्रे ड्राइंग बनाया गया था। ड्राइंग की रचना सशक्त रूप से सजावटी है - एक नदी, एक पेड़ और एक बादल इस युग के आभूषणों के समान एक घुमावदार रेखा बनाते हैं। बाउचर की परिदृश्य रचनाओं में, फिर भी सच्चाई से रहित और प्रकृति के साथ ईमानदार नशा, गीतवाद है, वे रोजमर्रा की जिंदगी से लिए गए रूपांकनों से सजीव हैं। टेपेस्ट्री और चीनी मिट्टी के बरतन, उत्कीर्णन और रेखाचित्रों के लिए स्केच के अलावा, बाउचर ने कई चित्रफलक चित्रों को चित्रित किया, हालांकि, रोसेल आंतरिक सजावट के समान सिद्धांतों के साथ जुड़ा हुआ है। वह फ्रांसीसी देहाती शैली के सच्चे रचनाकार हैं, जो वीर चरवाहों और प्यारे चरवाहों या प्राचीन पौराणिक कथाओं के कामुक प्रसंगों का चित्रण करते हैं। बाउचर के देहाती मीठे हैं, वे "ग्रामीण दृश्यों" के लिए भावुक महान फैशन के उदाहरण के रूप में काम करते हैं। ये लौवर "स्लीपिंग शेफर्डेस" (1745), "द बाथिंग ऑफ डायना" (1742) और अन्य कार्य हैं जो एक सुंदर परिदृश्य में कठपुतली के आंकड़ों को दर्शाते हैं। यह "सुखद की कला" थी, यह खुश करना चाहता था, लेकिन परेशान नहीं करना चाहता था। अपनी युवावस्था में, एक इतालवी यात्रा के दौरान, बाउचर ने टाईपोलो की कुछ पेंटिंग तकनीकों को अपनाया, विशेष रूप से पैलेट का हल्कापन। उसकी अप्सराओं के शरीर एक नरम प्रकाश बिखेरते प्रतीत होते हैं, और छाया और आकृति गुलाबी हो जाती है। बाउचर के अप्राकृतिक रंग उस समय की विशेषता हैं जब वे उत्तम, दुर्लभ रंगों की तलाश कर रहे थे जो अक्सर अजीब नामों को धारण करते थे: "कबूतर की गर्दन", "उज्ज्वल चरवाहा", "खोए हुए समय का रंग", "मेरी विधवा" और यहां तक ​​​​कि "का रंग" एक उत्तेजित अप्सरा की जांघ"। बाउचर की पेंटिंग शैली की ख़ासियत, एक अकादमिक मास्टर, इस तथ्य में भी शामिल थी कि उन्होंने "महान शैली" की ओर रुख किया और लेब्रन के एपिगोन्स की तरह आदर्शीकरण के तरीकों का इस्तेमाल किया। उनके चित्रों में असममित रोसेल योजनाओं के साथ अकादमिक त्रिकोणीय और पिरामिड रचनाओं का अनुमान लगाया गया है। यह ठंडी तर्कसंगतता भी बाउचर को वट्टू और उनके स्कूल से अलग करती है। समकालीनों के अनुसार, प्रकृति को करीब से देखने के लिए इच्छुक नहीं, बाउचर ने तर्क दिया कि उसमें सद्भाव और आकर्षण की कमी थी, कि वह पूर्णता से रहित थी और खराब रोशनी में थी। जाहिर है, इसलिए, उन्होंने अपने चित्रों में इसे रंगीन और बहुत हल्का - गुलाबी और नीला बनाने की कोशिश की। आश्चर्य नहीं कि बाउचर के तौर-तरीकों की भारी आलोचना हुई; ज्ञानियों द्वारा उनकी कला का नकारात्मक मूल्यांकन ज्ञात है।

बाउचर के आसपास, जो सदी के मध्य में रोकोको के प्रमुख मास्टर थे, इस दिशा के कई कलाकारों को समूहीकृत किया गया था - चार्ल्स जोसेफ नाटोइरे, पियरे चार्ल्स ट्रेमोलियर, कार्ल वनलू, पुरानी पीढ़ी के वीर चित्रकार - चार्ल्स एंटोनी कोयपेल, जीन मार्क नैटियर .

18वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध की मूर्तिकला, चित्रकला की तरह, आंतरिक साज-सज्जा के सिद्धांतों पर निर्भर थी। Hotel Soubise में, desudéportes राहत में क्रियान्वित किया जाता है, प्लास्टर आभूषण में बुने हुए कपड़ों के आंकड़ों का उल्लेख नहीं करना। पौराणिक समूहों और चित्रों की प्रतिमाएं जो अंदरूनी हिस्सों में खड़ी थीं, सजावटी मूर्तिकला को प्रतिध्वनित करती थीं। लेकिन 18वीं शताब्दी के पहले दशकों में। मूर्तिकला में, वर्साय स्कूल की परंपराएँ अपनी विशालता और स्थानिक दायरे के साथ मजबूत थीं। शताब्दी के पूर्वार्द्ध में काम करने वाले कई शिल्पकारों ने 17वीं शताब्दी में निर्मित वर्साय पार्क, मार्ली, भव्य पेरिस के पहनावे के लिए ऑर्डर पूरे किए। गुइलौम कॉस्टौ द एल्डर (1677-1746) ने मार्ले घोड़ों के समूहों को निष्पादित किया, जो ऊर्जा और अभिव्यक्ति से भरे हुए थे, जो अब पेरिस में चैंप्स एलिसीज़ की शुरुआत में खड़े हैं। वह अलंकारिक आंकड़ों के बीच लेस इनवैलिड्स - मार्स, मिनर्वा और लुई XIV के पोर्टल के अग्रभाग और मुख्य टाम्पेनम की मूर्तियों का भी मालिक है।

Coust के एक छात्र, Edme Bouchardon (1698-1762) ने भी Versailles में काम किया। और स्मारक महल स्कूल के कौशल ने इसके गठन में एक भूमिका निभाई। बाउचर्डन के सबसे प्रसिद्ध कार्यों में लुइस XV की खोई हुई घुड़सवारी मूर्ति है, जो एक बार इसी नाम के वर्ग (अब प्लेस डे ला कॉनकॉर्ड) के केंद्र में खड़ी थी, साथ ही पेरिस के रू ग्रेनेले पर एक बड़ा फव्वारा ( 1739-1745)। इस मास्टर के काम में नई कलात्मक तकनीकें निर्धारित की जाती हैं। वह खुद को रूपों के भारीपन और ड्रैपरियों के वैभव से मुक्त करता है, देर से वर्साय के क्लासिकवाद की विशेषता है, और गीतात्मक विषय, आंदोलनों की कृपा, प्रकाश और छाया संक्रमण की कोमलता, लचीली रेखाओं की संगीतमयता में महारत हासिल करता है। इन विशेषताओं को रुए ग्रेनेले पर फव्वारे को सुशोभित करने वाले अलंकारिक आंकड़ों से भी अलग किया जाता है। यह एक घर के मुख के समान एक बड़ी स्थापत्य और मूर्तिकला रचना है। निचला जंग लगा हुआ टीयर ऊपरी के लिए एक पेडस्टल के रूप में कार्य करता है, केंद्र को ऊपरी टीयर के एक आयनिक पोर्टिको द्वारा चिह्नित किया जाता है, इसके दोनों किनारों पर मूर्तियों के साथ निचे होते हैं, निचे के नीचे राहतें होती हैं। यह एक युग के चौराहे पर खड़ा एक स्मारक है: एक उभड़ा हुआ मध्य भाग के साथ एक अवतल दीवार रोकेल लेआउट की सनकीपन को याद करती है; नदियों की अलंकारिक छवियों में और विशेष रूप से राहत में, गेय, देहाती नोट मजबूत हैं; पोर्टिको, जो रचना के केंद्र के रूप में कार्य करता है, इसे एकजुट करता है, तपस्या और संयम देता है, रोकोको के लिए असामान्य है। बाउचर्डन की सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक है कामदेव की प्रतिमा (1739-1750; लौवर)।

सबसे बढ़कर, रोकोको शैली की विशेषताएं जीन बैप्टिस्ट लेमोइन (1704-1778) के काम में प्रकट हुईं। उनके काम का मुख्य क्षेत्र - सजावटी प्लास्टिक और विशेष रूप से पोर्ट्रेट बस्ट। वह उन मूर्तिकारों में से एक थे, जिन्होंने सोबिस होटल में काम किया था - उनके पास वहाँ अलंकारिक आंकड़े थे। हर्मिटेज (लेनिनग्राद) के संग्रह से एक युवा लड़की के चित्र बस्ट में, रचना की सुंदर विषमता, रेखाओं की कोमलता, आंदोलन की मधुरता - लेमोइन की प्रतिभा की ये सभी विशेषताएं उनकी भूमिका को सबसे विशिष्ट के रूप में निर्धारित करती हैं रोकोको पोर्ट्रेट पेंटर, एक गेय उपहार और धारणा की सूक्ष्मता से संपन्न है, लेकिन चरित्र की जटिलता को प्रकट करने का प्रयास नहीं करता है।

साथ ही 1730-1740 के दशक में फ्रेंच पेंटिंग में रोकोको कला के विकास के साथ। तीसरे एस्टेट के विचारों से जुड़ी एक अलग, यथार्थवादी दिशा उभर रही है।

जीन बैप्टिस्ट सिमोन चारडिन (1699 -1779) ने अकादमिक मास्टर्स (पियरे जैक्स केस, नोएल निकोलस कोयपेल, जीन बैप्टिस्ट वनलू) के साथ अध्ययन किया। काज़ की कार्यशाला में, उन्हें लंबे समय तक शिक्षक के चित्रों की नकल करनी पड़ी। बहुत बाद में, उन्होंने इस समय को याद किया: “हम लंबे समय तक निर्जीव प्रकृति के सामने दीयों की रोशनी में दिन और रात बिताते हैं, इससे पहले कि वे हमें जीवित प्रकृति दें। और अचानक पिछले वर्षों के सारे काम शून्य होने लगते हैं, हम उतना ही भ्रमित महसूस करते हैं जितना पहली बार पेंसिल उठाते समय। प्रकृति को देखने के लिए आंखों को प्रशिक्षित करना जरूरी है, और कितने लोगों ने इसे कभी नहीं देखा है और कभी नहीं देख पाएंगे। यह हमारे जीवन की पीड़ा है" ( डी। डिडरॉट, 1765 का सैलून। - संग्रह। सोच।, खंड VI, एम।, 1946, पीपी। 94-95।).

यहां तक ​​\u200b\u200bकि अपनी युवावस्था में, चारडिन का अभी भी जीवन शैली के प्रति आकर्षण प्रकट हुआ था, और 1728 में "युवा प्रदर्शनी" में, जो समय-समय पर पेरिस के मुख्य वर्गों (डौफिन स्क्वायर) में से एक में आयोजित किया गया था, उन्होंने दो रचनाएँ दिखाईं - " बुफे" और "ढलान" (लौवर)। वे सफल रहे और चारदिन को शिक्षाविदों के पद से परिचित कराया। इन कार्यों में, फ्लेमिश पेंटिंग के प्रभाव को ठीक ही नोट किया गया था; वे सजावटी हैं और साथ ही प्रकृति के विचारशील चिंतन से समृद्ध हैं। चारडिन ने फ्लेमिंग्स की बड़ी वर्बोज़ रचनाओं के लिए नहीं, बल्कि अधिक केंद्रित और गहन डच "नाश्ते" के लिए गुरुत्वाकर्षण किया। शीघ्र ही उन्होंने साधारण विषयों की ओर रुख किया। ये कलफ की भावना में "किचन स्टिल लाइफ्स" हैं, अभी भी रंगों में गहरे हैं, जिनमें हरे, जैतून और भूरे रंग प्रमुख हैं। पहले से ही प्रारंभिक अभी भी जीवन में, द्रव्यमान के संतुलन की सूक्ष्मता से गणना की जाती है, लेकिन वस्तुएं अभी भी किसी तरह बिखरी हुई हैं और रूप का सटीक हस्तांतरण नीरस लगता है।

1730-1740 के दशक में घरेलू शैली का कब्जा था। चारदिन के काम में एक प्रमुख स्थान, जिसने तीसरे वर्ग के चित्रकार के रूप में दर्शकों की सहानुभूति जीती।

उनकी "वॉशरवोमेन", "कुक्स", जो 1730 के दशक के उत्तरार्ध में दिखाई दी, बाउचर के शक्करदार पादरी से उनकी मामूली कविता में भिन्न थी, जो रोजमर्रा की जिंदगी में पकड़ी गई थी। चारडिन के चित्रों में सूक्ष्म भावुकता और कोमल ईमानदारी की विशेषता है। उनके द्वारा चुने गए विषय भी निराले हैं। उनके पास सक्रिय कार्रवाई नहीं है, एक कठिन स्थिति है। पात्रों के रिश्ते उनके जीवन के कुछ असामान्य क्षणों में नहीं, बल्कि शांत, इत्मीनान से वर्तमान रोजमर्रा की गतिविधियों में प्रकट होते हैं। उनकी कला चिंतनशील है, इसमें कोई जटिल, नाटकीय जीवन की समस्याएं नहीं हैं। उस समय, दूसरे, अधिक प्रभावी आदर्श के उद्भव के लिए अभी भी पर्याप्त पूर्वापेक्षाएँ नहीं थीं।

द कुक (1738; विएना, लिकटेंस्टीन गैलरी) को विचारपूर्वक प्रस्तुत किया गया है; कलाकार ध्यान के साथ प्रत्यक्ष कार्रवाई की जगह, समय के प्रवाह में देरी करने लगता है। यह उनके शुरुआती दिनों का एक पसंदीदा उपकरण है, जिसके द्वारा सबसे साधारण एपिसोड का महत्व बढ़ाया जाता है।

चारदिन की सबसे बड़ी सचित्र विजयों में से एक यह है कि उन्होंने रंग प्रतिबिंबों की प्रणाली को व्यापक रूप से लागू किया। यहाँ, उदाहरण के लिए, सफेद रंग को गुलाबी, पीले, हल्के नीले, ग्रे रंगों से बुना गया है। एक दूसरे के बगल में छोटे स्ट्रोक जीवंत रंग संक्रमण और उनके पर्यावरण के साथ वस्तुओं के संबंध की भावना पैदा करते हैं।

1730 के अंत तक। चारदिन की रोजमर्रा की शैली में, कथानक के विचार अधिक जटिल हो जाते हैं, नैतिक नोट अधिक ध्यान देने योग्य हो जाते हैं। इन वर्षों की लगभग सभी शैली की पेंटिंग शिक्षा के दृश्यों को दर्शाती हैं: द गवर्नेस (वियना), 1740 के सैलून में प्रदर्शित दो जोड़ी रचनाएँ - द हार्डवर्किंग मदर एंड प्रेयर बिफोर डिनर (दोनों लौवर में)। "ए प्रेयर बिफोर डिनर" में तीन पात्र - एक माँ और दो छोटी लड़कियाँ - एक सीधी रोजमर्रा की स्थिति से जुड़ी हुई हैं; दर्शक माँ के शांत परोपकार, बच्चों की प्रत्यक्ष भावनाओं के कई रंगों का आसानी से अनुमान लगा लेता है।

चारडिन की शैली की पेंटिंग आम लोगों की "अच्छे नैतिकता" के बारे में, उनके जीवन के तरीके की गरिमा के बारे में एक काव्यात्मक कहानी है। चारडिन का यथार्थवाद लोगों की समानता के अपने विचार के साथ, मनुष्य की गरिमा में विश्वास के साथ प्रबुद्धता के लोकतांत्रिक विचार की पहली अभिव्यक्तियों में से एक था। चित्रकार की रचनात्मक खोजों ने ज्ञानियों के प्रतिबिंबों को प्रतिध्वनित किया। 1740 तक, जब द इंडस्ट्रियस मदर एंड द प्रेयर बिफोर डिनर का प्रदर्शन किया गया, तो रूसो के शुरुआती शैक्षणिक कार्य की शुरुआत हुई, जिसमें "अच्छे नैतिकता" की शिक्षा के लिए परियोजनाओं को किसी भी तरह से स्पष्ट रूप से इंगित नहीं किया गया था।

गेय भावुकता चारडिन की कला के मुख्य गुणों में से एक है। एनग्रेवर कोशेन ने अपनी जीवनी में मास्टर के एक बयान की रिपोर्ट की, जो एक रचनात्मक क्रेडो की तरह लग रहा था। पेंटिंग के रहस्यों में रुचि रखने वाले एक सतही कलाकार की बकवास से नाराज, चारडिन ने पूछा: "लेकिन आपको किसने बताया कि वे पेंट से पेंट करते हैं?" "लेकिन क्या?" उसने सोचा। - "वे पेंट का उपयोग करते हैं," चारडिन ने उत्तर दिया, "लेकिन वे भावना के साथ लिखते हैं।"

शैली चित्रकला के क्षेत्र में, चारडिन के अनुयायी थे जिन्होंने उनके चारों ओर समूह बनाए: ज़ोरा, कैनो, डूमस्नील द यंगर। इसमें उन अनेक उत्कीर्णकों के नाम अवश्य जोड़े जाने चाहिए जो उनकी कला के प्रभाव में सामने आए। ये हैं लेबा, विले, लेपिसे, कर, स्यूरुग, फ्लिपर और अन्य। कला समीक्षक लाफॉन डे सेंट-इयन के अनुसार, चारडिन के चित्रों की नक्काशी बहुत जल्दी बिक गई। 1750 और 1760 के दशक में, जब रोजमर्रा की शैली के नए रूप विकसित हो रहे थे, बुर्जुआ गुण का प्रचार करते हुए, साठ वर्षीय कलाकार ने शैली चित्रकला में लगभग कुछ भी नया नहीं बनाया; आम आदमी की नैतिक गरिमा पर जोर देते हुए, चारदिन जानबूझकर नैतिकता के लिए अजनबी बने रहे।

चारदीन की कला में रोजमर्रा की जिंदगी और अभी भी जीवन की शैली बारीकी से जुड़ी हुई थी। तीसरे एस्टेट के एक चित्रकार के लिए, फिर भी जीवन कला की एक गहरी अर्थपूर्ण शैली थी। उन्होंने न केवल रोज़मर्रा के जीवन की गरिमा और कविता के बारे में बात की, उन्होंने होने की सुंदरता और महत्व की पुष्टि की; चारडिन का काम प्रकृति को समझने के मार्ग के साथ प्रतिध्वनित होता है, चीजों की संरचना और सार, उनके व्यक्तित्व, उनके रिश्तों के पैटर्न को प्रकट करता है। किसी व्यक्ति की कथित निकटता से उसके अभी भी जीवन में चीजें आध्यात्मिक हो जाती हैं; वस्तुओं की व्यवस्था की स्वाभाविकता को संरचनागत तर्क, संतुलन और संबंधों की सटीक गणना के साथ जोड़ा जाता है। स्थिर जीवन की आलंकारिक संरचना की सामंजस्यपूर्ण स्पष्टता दर्शकों को मानव उपयोग की सरल वस्तुओं की सख्त गरिमा के संबंध में प्रेरित करती है। लौवर "कॉपर टैंक" और स्टॉकहोम "स्टिल लाइफ विद ए हरे" हैं।

18वीं शताब्दी के मध्य तक। सभी कलाकारों द्वारा नई रंगीन समस्याओं पर व्यापक रूप से चर्चा की गई; 1749 में, शिक्षाविदों ने अभी भी जीवन और परिदृश्य के मास्टर जीन-बैप्टिस्ट ओड्री के भाषण को एक चित्रकार के लिए वस्तुओं की तुलना करने के लाभों के बारे में सुना, जो रंग की संभावनाओं का अध्ययन करता है। 1757 के सैलून की समीक्षा में, सार्थक शीर्षक "भौतिकी और कला पर अवलोकन" के तहत, गौथियर डागोटी ने लिखा कि वस्तुएं एक दूसरे में परिलक्षित होती हैं।

चारदिन के कार्यों में, सुरम्य सतह सबसे छोटे स्ट्रोक से बुनी हुई लगती है; वी परिपक्व अवधिरचनात्मक स्ट्रोक व्यापक और मुक्त हैं, हालांकि वे हमेशा कलाकार के शांत और विचारशील स्वभाव के संयम को महसूस करते हैं। रंगों की ताजगी और चारडिन की सजगता की समृद्धि अब भी हड़ताली है, जब उनका अभी भी जीवन 18 वीं शताब्दी के अन्य स्वामी ("ऑरेंज एंड ए सिल्वर गॉब्लेट", 1756; पेरिस, निजी संग्रह) के कार्यों के बगल में लटका हुआ है। यह न केवल वस्तुओं की बनावट की विशेषताओं को व्यक्त करता है, बल्कि उन्हें उनके मांस का एहसास भी कराता है - उदाहरण के लिए, पके फलों की पारदर्शी त्वचा के नीचे कोमल गूदा और रस का अतिप्रवाह ("प्लम की टोकरी", सैलून 1765; पेरिस, निजी संग्रह ). चारडिन को रंगीन रचनाओं के सबसे आधिकारिक पारखी में से एक माना जाता था, और यह वह था जिसे अकादमी द्वारा नए पेंट की गुणवत्ता की जांच करने का निर्देश दिया गया था।

चारडिन अपने भविष्य के बर्तनों के साथ एक सेरामिस्ट की तरह रंगीन "पेस्ट" के साथ काम करते हुए, ठोस और आत्मविश्वास से वस्तु के आकार को बिखेरता है। इस तरह हाउस ऑफ कार्ड्स (1735; उफीजी) बनाया गया; स्टिल लाइफ "पाइप्स एंड जग" (लौवर) में, एक फ़ाइयेंस बर्तन को पेंट की बहुत घनी परत के साथ ढाला जाता है।

रोजमर्रा की जिंदगी की कविता, चीजों के सार में एक सूक्ष्म अंतर्दृष्टि, रंग की गीतात्मक भावनात्मकता और रचनात्मक तर्क चारडिन की कला और यथार्थवादी अभी भी जीवन के विकास में पिछले चरण के बीच सबसे महत्वपूर्ण अंतर हैं।

चारदीन योजना के कार्यान्वयन में जल्दबाजी के लिए विदेशी थे, उन्होंने हर विवरण पर ध्यान से विचार करते हुए धीरे-धीरे काम किया। कार्य प्रक्रिया की विचारशीलता सभी अधिक महत्वपूर्ण थी क्योंकि चारडिन, जाहिरा तौर पर, प्रारंभिक रेखाचित्र नहीं बनाते थे। उनके समकालीन मैरियट इस बारे में सीधे बात करते हैं। दरअसल, चारडिन के चित्र शायद ही हमारे पास आए हों। उनके चित्रों में ड्राइंग में बड़े सुधार के कोई स्पष्ट निशान नहीं हैं। काम की इस प्रकृति के साथ, ड्राइंग का गहरा ज्ञान और रचना की महारत जो कलाकार के पास थी, विशेष रूप से प्रमुखता से सामने आती है। उनकी रचनाएँ बहुत अच्छी तरह से और अच्छी तरह से बनाई गई हैं, उदाहरण के लिए, स्टॉकहोम संग्रहालय से "ड्राफ्टर"।

1770 के दशक में चारदिन पहले से ही उम्र में उन्नत थे; इन वर्षों के दौरान एक और चित्र चक्र उत्पन्न हुआ। चारडिन के पहले के चित्रों में (उदाहरण के लिए, जौहरी गोडेफ्रॉय के बेटे की छवि में), चरित्र लक्षण एक व्यवसाय के माध्यम से प्रकट हुए थे जो चित्र में इतना महत्वपूर्ण है कि इसे एक शैली के दृश्य के रूप में अधिक माना जाता है। यह कोई संयोग नहीं है कि गोदेफ्रॉय के बेटे के चित्र को "एक शीर्ष वाला लड़का" (1777; लौवर) के रूप में जाना जाता है। 1770 के दशक में, पेस्टल तकनीक की ओर मुड़ते हुए, चारडिन चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की उपस्थिति पर ध्यान केंद्रित करते हैं। इन कार्यों में, तीसरे वर्ग के आदमी का प्रकार क्रिस्टलीकृत होता है। यह कलाकार की पत्नी (1775; लौवर) का चित्र है। उसकी व्यस्तता और उसकी टकटकी की गंभीरता में - रोजमर्रा की छोटी-छोटी चिंताओं और अशांति के निशान - गृह व्यवस्था और विवेक की विशेषताएं दिखाई देती हैं, जो इस छवि में सन्निहित जीवन के तरीके में निहित हैं। "हरे रंग के छज्जा के साथ स्व-चित्र" (1775; लौवर) घर के कपड़ों में खुद चारडिन का प्रतिनिधित्व करता है। चित्र के स्पष्ट आयतन में, जिसके लिए चित्र का प्रारूप तंग किया गया है, आसन की कठोरता को पढ़ा जाता है। मुद्रा के विश्वास में, सिर के संयमित मोड़ द्वारा समर्थित, एक चौकस नज़र की अंतर्दृष्टि में, एक कठोर और मांग वाले व्यक्ति की सख्त गरिमा प्रकट होती है, जिसने एक लंबा और कठिन जीवन पथ पार कर लिया है।

18वीं शताब्दी के मध्य की सबसे बड़ी यथार्थवाद घटनाओं में से एक, लटौर की चित्र कला, चारडिन के काम के साथ लगभग एक साथ आकार लेती है।

सदी की शुरुआत में, औपचारिक चित्रकला की परंपराएं प्रबल हुईं, जिनमें से रिगौड और लार्गिलियरे प्रतिनिधि थे; हालाँकि, उनका काम नए विचारों से प्रभावित था, और भावना की कविता ने राजसी के मार्ग को अलग कर दिया। अन्य शैलियों की तरह, 1730 और 1740 के दशक में, चित्रांकन में विभिन्न प्रवृत्तियाँ उभरीं। रोकोको चित्रकार जीन-मार्क नैटिएर (1685-1766), ड्राउट और अन्य ने अपने चित्रों में प्राचीन देवियों की विशेषताओं के साथ दरबारी महिलाओं को सजाया। व्यवहारवाद और आदर्शवाद ने अदालत में नैटियर की सफलता को निर्धारित किया। बाउचर की तरह, नैटियर ने मॉडल पर कई सत्रों का बोझ नहीं डाला, खुद को प्रकृति से एक सरसरी रेखाचित्र तक सीमित कर लिया। समकालीनों ने कहा कि नैटियर अपनी शैली की तुलना ऐतिहासिक से करते हैं, जिसके द्वारा वे तब "एपोथोसिस", आदर्शीकरण और प्रकृति की सजावट के लिए कलाकार की इच्छा को समझते थे। उनके चित्रों में किसी प्रकार की कठपुतली सुंदरता है, रंग पारंपरिक हैं, सिल्हूट अति सुंदर हैं; वह एक चित्रकार के मनोविज्ञान को नहीं, बल्कि एक चापलूसी और कुशल सज्जाकार के कौशल को प्रकट करता है। उदाहरण के लिए, हेबे (1744; लौवर) के रूप में डचेस डे चोलिन का चित्र है। 1747 के सैलून के बारे में बताते हुए, आलोचक सेंट येन ने बुजुर्ग महिलाओं के इन "अजीब apotheoses" का उपहास किया।

नैटिएर के एक अनुयायी लुइस टोक्वेट (1696-1772) के पास एक अधिक अभियुक्त, कथात्मक उपहार था। उन्होंने शैलियों के पदानुक्रम का सम्मान किया और चित्रांकन की अंतरंगता की ओर बढ़ते हुए, रिगौड की औपचारिक रचना ("मारिया लेश्चिंस्काया"; लौवर) के पारंपरिक रूपों का भी उपयोग किया। 1750 में एक अकादमिक सम्मेलन में एक भाषण में, उन्होंने सिफारिश की कि चित्र चित्रकार अनुकूल परिस्थितियों को कैप्चर करें जो चेहरे को सुंदर बनाते हैं। फिर भी, नैटियर की तुलना में टॉक्वेट ने प्रकृति से अधिक काम किया, और उनके विस्तार के प्यार ने उन्हें मॉडल की व्यक्तित्व को व्यक्त करने में मदद की। उनके चित्र अधिक प्राकृतिक और सरल हैं।

1730 और 1740 के दशक में, चित्रांकन में यथार्थवादी प्रवृत्तियाँ मजबूत हुईं। उन्होंने सबसे पहले चारडिन के "शैली चित्र" के रूप में अभिनय किया। चित्रकार चित्रकार जैक्स आंद्रे जोसेफ एवेद की कला में इसी तरह की विशेषताएं दिखाई दे रही थीं। उन्हीं वर्षों में, लटौर ने अपना पहला काम किया।

मौरिस क्वेंटिन डे लटौर (1704-1788) का जन्म सेंट क्वेंटिन शहर में हुआ था। अपनी युवावस्था में, वे पेरिस गए और वहां छोटे कलाकारों के साथ अध्ययन किया, पेस्टलिस्ट्स - इतालवी रोसाल्बा कैरिएरा और फ्रेंचमैन विवियन से प्रभावित थे। उन्हें "एक नज़र में चेहरे की विशेषताओं को समझने के लिए एक प्राकृतिक उपहार" होने का उल्लेख किया गया था, लेकिन यह उपहार धीरे-धीरे विकसित हुआ। केवल 1730 के मध्य तक। लटौर ने प्रसिद्धि प्राप्त की, 1737 में उन्हें अकादमी में "पेस्टल पोर्ट्रेट पेंटर" के रूप में जोड़ा गया, और एक साल बाद वोल्टेयर ने खुद उन्हें प्रसिद्ध कहा।

लटौर का पहला काम, जिसकी तारीख हम जानते हैं, वोल्टेयर का एक चित्र है। लटौर की शुरुआती सफलताएं 1737-1739 में लौवर प्रदर्शनियों की बहाली से जुड़ी हैं।

1742 के सैलून में, उन्होंने अब्बे ह्यूबर्ट (जिनेवा, संग्रहालय) का एक चित्र प्रदर्शित किया। इस रचना की शैली प्रकृति इसे चारदिन द्वारा समान चित्रों के करीब लाती है। विद्वान मठाधीश ठुमके पर झुके। चारडिन के मॉडल के गीतात्मक लक्षण वर्णन को उनके सक्रिय जीवन के क्षण में विचारों और भावनाओं के जटिल आंदोलन को पकड़ने की इच्छा से बदल दिया गया है: अपने दाहिने हाथ की उंगली से, अब्बे ह्यूबर्ट किताब के पन्नों को पकड़ते हैं, जैसे कि दो की तुलना कर रहे हों इस कार्य के अंश (मॉन्टेनजी द्वारा "प्रयोग")। नैटियर जैसे चित्रकारों के विपरीत, लटौर ने न केवल मॉडल को "सजाने" से परहेज किया, बल्कि उसकी मौलिकता को भी उजागर किया। ह्यूबर्ट की अनियमित चेहरे की विशेषताएं बौद्धिक शक्ति से ओत-प्रोत हैं। भारी झुर्रीदार पलकें एक मर्मज्ञ टकटकी, एक नकली मुस्कान छिपाती हैं। मठाधीश के चेहरे के भाव इस व्यक्ति की असाधारण गतिशीलता और ऊर्जा का बोध कराते हैं।

अभिव्यंजक चेहरे के भावों की मदद से चित्रित किए जा रहे व्यक्ति को चित्रित करने की विधि, जो विचार के सक्रिय जीवन को व्यक्त करती है, लटौर के आदर्शों के कारण है। यह अपने नैतिक गुणों के साथ चारदिन के पहले चित्रण का सिर्फ एक नया सामाजिक प्रकार नहीं है। हमारे सामने समय की आलोचनात्मक भावना से ओत-प्रोत एक सक्रिय चरित्र है।

1740 के पहले भाग में। लटौर ने बड़े औपचारिक चित्रों को भी चित्रित किया। 1746 में चित्रकार रेटौक्स का चित्र अकादमी को प्रस्तुत करने के बाद, लटौर ने शिक्षाविद की उपाधि प्राप्त की।

इन वर्षों की महान रचनाओं में, डुवल डी एल "एपाइन (1745; रोथ्सचाइल्ड संग्रह) का चित्र सामने आया है, जिसे उनके समकालीनों ने "पेस्टल का राजा" कहा है। वास्तव में, यह 1740 के दशक के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में से एक है। चरित्र-चित्रण की सटीकता निर्दयता पर सीमा बनाती है। एक दयालु मुस्कान और प्रतीत होता है अनुपस्थित-दिमाग एक परोपकारी रूप एक ठंडे मुखौटे की तरह दिखता है, जो एक औपचारिक चित्र के विहित रूपों के लिए आम है।

यह लटौर की ऐसी कृतियों में है कि कलाकार की सतर्कता प्रकृतिवादी की वैराग्य के समान है। यह समझ में आता है - ऐसा मॉडल चित्रकार की भावनाओं को उत्तेजित करने के बजाय उसकी विश्लेषणात्मक क्षमता को विकसित कर सकता है। पतले सूखे होठों की अभिमानी अभिव्यक्ति में, टकटकी की सतर्कता में, अविश्वास, संदेह और अहंकार प्रकट होता है, जैसे कि उपस्थिति के माध्यम से "देखना"। यही कारण है कि Duval de l "Epine का चित्र, छवि की सभी प्रतीत होने वाली गतिहीनता के साथ, दर्शकों में भावनाओं को उद्घाटित करता है जो उन लोगों के विपरीत हैं जो ह्यूबर्ट के चित्र पर विचार करते समय उत्पन्न होते हैं, जहां कलाकार मॉडल के साथ बिना शर्त सहानुभूति रखता है। यहां लटौर , जैसा कि यह था, दर्शक को एक मिलनसार और विडंबनापूर्ण धर्मनिरपेक्ष वार्ताकार के विहित मुखौटे से प्रकृति के सच्चे लक्षणों की ओर ले जाता है। वह मुखौटा और सार की तुलना करने के लिए मजबूर करता है।

1750 के दशक में लटौर ने अपनी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ प्रदर्शित कीं। 1753 के सैलून में, उन्होंने प्रबुद्धता के दार्शनिकों, लेखकों और फ्रांस के वैज्ञानिकों को चित्रित करने वाले चित्रों की एक श्रृंखला प्रदर्शित की। इस समय मास्टर के काम के सबसे महत्वपूर्ण पहलुओं में से एक सक्रिय और दृढ़ इच्छाशक्ति वाले व्यक्तित्व की गरिमा की पुष्टि है। लटौर के पोर्ट्रेट चित्र बौद्धिक होते हैं। कलाकार ने मानव स्वभाव के अस्पष्ट, अंधेरे पक्षों से परहेज किया, वे गुण जो कारण के प्रकाश से प्रकाशित नहीं होते हैं। आलोचना की भावना और विश्लेषणात्मक सूक्ष्मता उस बौद्धिकता के पूरक थे जो पुराने, मरने वाले आदेश के खिलाफ उन्नत विचारों के संघर्ष के समय उत्पन्न हुई थी। ये विशेषताएं लातूर के कई स्व-चित्रों में भी दिखाई देती हैं।

1753 के कार्यों में डी'अलेम्बर्ट (लौवर; सेंट क्वेंटिन में लाटौर संग्रहालय में प्रारंभिक स्केच) का एक चित्र है। चेहरे की विशेषताएं गति में हैं, प्रकाश की चकाचौंध मुस्कान की परिवर्तनशीलता और जीवंत रूप की भावना को बढ़ाती है। प्रतिभाशाली विवादकर्ता का चरित्र, जो दार्शनिक विवादों की आत्मा था, प्रकट होता है, जैसा कि वार्ताकार के साथ संचार में था। यह एक विशिष्ट लटौर तकनीक है।

रूसो ने लटौर की "दुर्लभ प्रतिभाओं" और उनके द्वारा बनाए गए चित्र की प्रशंसा के साथ बात की। रूसो की छवि कई संस्करणों में जानी जाती है। सेंट-क्वेंटिन संग्रहालय के चित्र में, रूसो विचारशील और उदास है, लेकिन उसकी आँखें विशेष आजीविका से भरी हैं, इस व्यक्ति की जीवन के आकर्षण के लिए अपने पूरे दिल से आत्मसमर्पण करने की क्षमता की याद दिलाती है। चित्र में भावनात्मक उत्साह है जो द न्यू एलोइस के लेखक की आत्मा की विशेषता है।

एक अन्य रचना (1753; पेरिस, पोम संग्रह) में, उनकी चेस्टनट आँखें बेचैन, उदास, उनकी भौहें टेढ़ी हैं और उनके बीच का माथा सिलवटों में झुर्रीदार है। यहाँ, जिस व्यक्ति को चित्रित किया जा रहा है, उसकी आड़ में, उस व्यक्ति की कोणीयता और मजबूरी ध्यान देने योग्य है जो उसे खुश करने की कोशिश नहीं करता है। एक जटिल, विरोधाभासी छवि उत्पन्न होती है, जो संवेदनशीलता और संदेहवाद, सूक्ष्मता और मोटे कठोरता, अविश्वसनीयता और छिपे हुए उत्साह को जोड़ती है। इस चरित्र-चित्रण में एक उल्लेखनीय भूमिका एक उदासी, गायब होने के लिए तैयार मुस्कान द्वारा निभाई जाती है।

जाहिर तौर पर 1750 के दशक तक। "तैयारियों" लटौर के उत्कर्ष के लिए जिम्मेदार ठहराया जाना चाहिए, पोर्ट्रेट के लिए प्रारंभिक रेखाचित्र। लटौर के चित्र रेखाचित्रों को स्ट्रोक की स्वतंत्रता, बनावट की रूपरेखा और विभिन्न प्रकार की तकनीकों से अलग किया जाता है: उनमें पेस्टल को पेंसिल, चॉक और सांगुइन के साथ मिलाया जाता है। लेकिन उनके पास एक उच्च आलंकारिक और औपचारिक पूर्णता है।

इनमें से अधिकांश रेखाचित्र सेंट क्वेंटिन संग्रहालय में रखे गए हैं।

सर्वश्रेष्ठ में से एक अभिनेत्री मैरी फेल (सेंट क्वेंटिन, लटौर संग्रहालय; 1757 के सैलून में प्रदर्शित चित्र, हम तक नहीं पहुंचा है) के चित्र का एक स्केच है। उसे रामू के ओपेरा जोरास्टर की एक भूमिका में प्रस्तुत किया गया है, इसलिए वह एक हल्के नीले रंग की पगड़ी के साथ सोने के रिबन और लाल रंग और सफेद फूलों से सुशोभित है। अभिनय प्रेरणा के आकर्षण के साथ प्रकृति की आध्यात्मिक कोमलता यहाँ परस्पर जुड़ी हुई है। अभिनेत्री के सिर के सुशोभित मोड़ में मंच सम्मेलन का एक संकेत है, लेकिन यह एक सौम्य सहलाने वाली नज़र और एक मार्मिक विचारशील मुस्कान की ईमानदारी को रास्ता देता है।

लातूर की महिलाओं के चित्र बहुत अलग हैं। उनमें से प्रत्येक में, चरित्र-चित्रण की अंतर्दृष्टि और सूक्ष्मता हड़ताली है - गर्व और थोड़ा विडंबनापूर्ण केमारगो, विनम्र, प्रत्यक्ष डांगेविले, बोल्ड और जिद्दी फवार्ड, भोली देहातीपन की आड़ में प्राकृतिक मन को छिपाते हुए। ये सभी उत्कृष्ट अभिनेत्रियाँ हैं, और में मनोवैज्ञानिक आंकड़ाउनके कलात्मक व्यक्तित्व की छाप हमेशा मौजूद रहती है। तो, जस्टिन फेवर्ड (सेंट-क्वेंटिन) की आड़ में, उनके जीवंत उपहास में, उनकी टकटकी में, बोल्ड धूर्तता और दिलेर उत्साह से भरे हुए, उनके द्वारा बनाए गए मंच प्रकार की विशेषताएं भी प्रकट होती हैं। लेकिन कलात्मक प्रतिभा व्यक्तित्व के सबसे महत्वपूर्ण और सामाजिक रूप से महत्वपूर्ण गुण के रूप में कार्य करती है।

यह लटौर की कला के व्यापक सार्वजनिक अनुनाद की नींव में से एक है। उन्होंने चित्र में न केवल किसी व्यक्ति की सामाजिक स्थिति को दर्शाया - यह अन्य चित्रकारों द्वारा किया गया था - बल्कि प्रकृति की वह गतिविधि भी, जो चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की गतिविधि की सामग्री और प्रकृति के अनुरूप थी।

कई रिपोर्टों को देखते हुए, लटौर एक दृढ़ और स्वतंत्र व्यक्ति थे। बड़प्पन के साथ तीव्र, अपने गौरव को चोट पहुँचाते हुए, उन्होंने लुई XV द्वारा दिए गए आदेश को अस्वीकार कर दिया। कलाकार की स्वतंत्रता पर जोर देने की इच्छा को उन्नत सामाजिक विचारों में गहरी रुचि के साथ जोड़ा गया था - डिडरॉट के "सैलून" में चित्रकार और उनके आलोचकों की वैचारिक निकटता के कई सबूत हैं, और लटौर के पत्रों में प्रकृति की परिवर्तनशीलता के बारे में दिलचस्प चर्चा है, एक चित्र में परिप्रेक्ष्य के निर्माण के बारे में, पात्रों के वैयक्तिकरण के बारे में और क्रमशः - पेंटिंग तकनीकें।

लटौर ने पेस्टल तकनीक को समृद्ध किया, जो मखमली बनावट की कोमलता, रंग की ऐसी शुद्धता से प्रतिष्ठित थी, जो इसे एक विशेष प्लास्टिक शक्ति प्रदान करती थी।

एक चित्र बनाना, लटौर ने सहायक उपकरण के साथ तिरस्कृत किया; चेहरे का अध्ययन करते हुए, उन्होंने हाथों की अभिव्यक्ति पर ध्यान भी नहीं दिया। लेकिन लटौर ने अद्भुत कौशल के साथ चेहरे को चित्रित किया। कोई आश्चर्य नहीं कि उसने उस व्यक्ति को लंबे समय तक पोज़ देने के लिए मजबूर किया, जिससे उसके साथ जीवंत और मजाकिया बातचीत हुई। वार्ताकार का अध्ययन करते हुए, ऐसा लग रहा था कि वह उसके साथ एक सूक्ष्म खेल खेल रहा है। ऐसा लगता है कि मारमोंटेल, खुद पर शक किए बिना, इस खेल का शिकार हो गया, जब उसने लटौर की बात सुनी, "यूरोप की नियति का नेतृत्व किया।"

लटौर ने उन लोगों के बारे में बात की जिन्हें उन्होंने चित्रित किया: "वे सोचते हैं कि मैं केवल उनके चेहरे की विशेषताओं को पकड़ता हूं, लेकिन उनके ज्ञान के बिना मैं उनकी आत्मा की गहराई में उतरता हूं और इसे पूरी तरह से लेता हूं।"

शायद कलाकार ने अतिशयोक्ति की - उसके सभी कार्य इतने गहरे नहीं हैं; और फिर भी सबसे व्यावहारिक चित्रकार के ये शब्द, उनके मॉडल को "दावा" करते हुए, उनके काम के लिए एक एपिग्राफ के रूप में काम कर सकते हैं। "एक आदमी का चेहरा," डिडरोट ने लिखा, "एक परिवर्तनशील कैनवास है जो प्रकाश और तेज सांसों के अनगिनत परिवर्तनों का पालन करते हुए आंदोलन, चाल, तनाव, नरम, रंग और फीका पड़ता है, जिसे आत्मा कहा जाता है।" लक्षण वर्णन की निश्चितता को बनाए रखते हुए, आध्यात्मिक आंदोलनों के रंगों को पकड़ने की क्षमता, लातूर के यथार्थवाद के मुख्य गुणों में से एक है। उन्होंने ऐसे राज्यों को चुना, जो अपने आप में विशेष आजीविका से प्रतिष्ठित हैं - यह बिना कारण नहीं है कि उन्होंने अक्सर अपने नायकों को मुस्कुराते हुए चित्रित किया। लटौर के चित्रों में मुस्कान बौद्धिक है। इसके अलावा, चित्रित व्यक्ति की आंतरिक दुनिया मुस्कान की सूक्ष्मतम मनोवैज्ञानिक अभिव्यक्ति में विशेष चमक के साथ प्रकट होती है जो वास्तव में चेहरे को रोशन करती है।

लैटौर और पेरोनन्यू के चित्रांकन की तुलना करते समय, यह अक्सर अनदेखा किया जाता है कि जीन-बैप्टिस्ट पेरोनन्यू, लैटौर (1715-1783) से ग्यारह साल छोटा था। पेरोनन्यू द्वारा एक चित्र कार्य के लिए पहली ज्ञात तिथि 1744 है, उस समय फ्रांसीसी चित्र पहले से ही अत्यधिक विकसित था। पेरोन्यू ने अपने पूर्ववर्तियों द्वारा चलाए गए मार्ग का अनुसरण किया, और यह आश्चर्य की बात नहीं है कि वह जल्द ही लटौर के समान उम्र का लगने लगा।

उन्होंने शिक्षाविद नैटोयर के तहत अध्ययन किया, लेकिन छोटे आकार के चित्रों की शैली को चुना, ज्यादातर बस्ट, कम अक्सर आधी लंबाई के। लटौर का प्रभाव और उससे निकटता समकालीनों द्वारा सर्वसम्मति से नोट की गई थी; यह सामान्य दिशा के बारे में है। संभवतः पहले से ही 1744 से पेरोन्यू ने एक भटकने वाला जीवन शुरू किया; रोजी-रोटी की तलाश में उन्हें यूरोप का चक्कर लगाना पड़ा। वह नैटियर की तरह एक फैशनेबल कोर्ट पेंटर नहीं था, और उसके लिए आदेश आसान नहीं थे। ग्राहक पेरोनोनो के परिश्रम के बारे में लिखते हैं, कि वह छवि की सटीकता और पूर्णता के लिए प्रयास करते हुए अपने मॉडल को मारने के लिए तैयार था। यह सब उसके जीवन को सुरक्षित नहीं बनाता था, और वह अक्सर अपने पत्रों में अपनी गरीबी और असफलताओं का उल्लेख करता था।

उनके काम में, दो दशकों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है, जो कि उत्कर्ष के काल थे। पहला दशक - 1744 और 1753 के बीच, पहली बड़ी सफलताओं का समय, पेरोनोनो की उत्कृष्ट प्रतिभा की पहचान का समय। दूसरी अवधि में 1760 के दशक शामिल हैं।

पेरोनोनो की कलात्मक तकनीकों का वर्णन करते हुए, आलोचकों ने अक्सर ब्रशस्ट्रोक की कृपा, रंग की सूक्ष्मता और ड्राइंग की आध्यात्मिकता की बात की। ये गेय गुण हैं, और पेरोनॉट को उनके लिए सटीक रूप से महत्व दिया गया था; उनकी कला के लिए उनके मॉडल के सामान्य गुण प्राकृतिक दया, आध्यात्मिक कोमलता, परिवर्तनशील भावनाओं की अनिश्चितता हैं।

उनके कामों में, रंग की कोमलता, ग्रे और जैतून, हरे और गुलाबी, नीले और काले रंगों के संयोजन, एक चांदी की टोन से एकजुट, विशेष रूप से आकर्षक हैं ("एक किताब के साथ एक लड़के का चित्र", 1740, हर्मिटेज, चित्रण देखें "श्री सुश्री सोरकेनविले, लौवर का चित्र)। छोटे स्ट्रोक और रंग प्रतिबिंब पेरोनोनो को चारडिन के करीब लाते हैं। उन्होंने त्वचा की नाजुक कोमलता, अच्छी गुणवत्ता वाले कपड़े के घनत्व, हल्के पाउडर वाले बालों की हवा, गहनों की गर्म झिलमिलाहट को पूरी तरह से पुन: पेश किया।

एक उज्ज्वल व्यक्तित्व के प्रोग्रामेटिक स्टेटमेंट से, पेरोनोनो की कला लटौर की बौद्धिकता से बहुत दूर है। लेकिन उनकी छवियां अपने तरीके से काव्यात्मक हैं: यह कोई संयोग नहीं है कि वह बच्चों और महिलाओं को चित्रित करने के इच्छुक थे। जब एक युवा आत्मा के आकर्षण को व्यक्त करना आवश्यक था, तो पेरोनोनो की कला की गीतात्मक भाषा ने उनकी उत्कृष्ट सेवा की। इसका सबसे अच्छा उदाहरण ड्राफ्ट्समैन की बेटी युक्यो (पेस्टल, लौवर) का चित्र है। ज्यादातर मामलों में, पेरोनोनो के पात्र दर्शकों को देखते हैं, उन्हें अपने आध्यात्मिक रहस्य बताते हैं। यहां टकटकी को एक तरफ कर दिया जाता है, जिससे चित्रित किए जा रहे व्यक्ति के आंतरिक जीवन पर चित्रकार का स्पर्श अधिक सावधान और नाजुक हो जाता है। धूर्त, कोमल मुस्कान कुछ अनिश्चित है; प्रकाश से छाया में संक्रमण इतना मायावी है कि मैडमियोसेले युकियर का सुंदर सिर पारदर्शी धुंध में डूबा हुआ लगता है।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के चित्रकारों में। जोसेफ सिफ्रेड डुप्लेसिस (1725-1802), एडिलेड लैबिल-गुइलार्ड (1749-1803) सबसे अलग हैं।

18वीं शताब्दी के मध्य में ग्राफिक्स के उत्कर्ष में प्रवेश करता है - ड्राइंग, उत्कीर्णन, पुस्तक चित्रण। इसकी सफलताएँ आम तौर पर इस युग की विशेषता हैं, जब इसने सापेक्ष स्वतंत्रता प्राप्त की। यह शैली विषयों के विकास और जीवन से स्केचिंग की गरिमा के लिए सम्मान की वृद्धि से सुगम हुआ। ड्राइंग के परास्नातक आधुनिक जीवन के विषयों पर विभिन्न सूट बनाते हुए दिखाई देते हैं। ये प्रक्रियाएँ और भी अधिक समझ में आती हैं क्योंकि उस समय शैली चित्रकला में विषयों की श्रेणी का विस्तार हुआ था।

चारडिन का एक अनुयायी, एटिने जोरा, बाजार टाउन स्क्वायर, एपिसोड में दृश्य बनाता है सड़क का जीवन. 1750 के दशक की कला में कथा की शुरुआत तेज होती है, शैली के लेखक घरेलू छापों, आंतरिक शैली की सीमाओं से परे जाते हैं। चित्रकार जे.बी. बेनार्ड और जीन-बैप्टिस्ट लेप्रिन्स एक ही वर्ष में "ग्रामीण दृश्यों" की ओर मुड़ते हैं, इसी तरह के विषय गिफ्टेड एनग्रेवर विले के चित्र में पाए जाते हैं।

18वीं शताब्दी के मध्य के सबसे प्रतिभाशाली ड्राफ्ट्समैन में से एक। गेब्रियल डी सेंट-ऑबिन (1724-1780) थे। एक कारीगर के बेटे, सेंट-ऑबिन ने अपनी युवावस्था में एक वास्तुशिल्प स्कूल में ड्राइंग सिखाई। 1750 के दशक की शुरुआत में। उन्होंने दो बार प्रिक्स डी रोम प्राप्त करने की कोशिश की, लेकिन हर बार यह केवल दूसरा पुरस्कार था, और अकादमिक अनुदान उनके लिए अप्राप्य साबित हुए। ऐतिहासिक चित्रकला के क्षेत्र में कलाकार के विचार रेखाचित्रों में बने रहे, और उन्होंने उन रचनाओं पर फिर से काम किया, जिन्हें उन्होंने इतनी बार शुरू किया था कि उन्होंने अंततः इसे खत्म किए बिना ही छोड़ दिया। लेकिन वह पेरिस में रोजमर्रा की जिंदगी के लाइव अवलोकन के आधार पर चित्रों में बहुत अच्छा था।

सेंट-ऑबिन परिवार में दो प्रतिभाशाली ड्राफ्ट्समैन थे; दूसरा ऑगस्टिन (1737-1807) था। भाइयों की प्रतिभाएं अलग हैं - ऑगस्टिन की ड्राइंग मुख्य रूप से सटीक और कथात्मक है, लेकिन इसमें सूक्ष्म सुरुचिपूर्ण स्पर्श का परिष्कार भी है। प्रसिद्धि पाकर, ऑगस्टिन आधिकारिक उत्सवों और समारोहों का एक इतिहासकार बन जाता है। लेकिन 1750 के दशक में वह अभी भी गेब्रियल के साथ कुछ इस तरह से जुड़ा हुआ है जो आम तौर पर इन वर्षों की विशेषता है। इसलिए, 1757 में, ऑगस्टिन ने पेरिस के माध्यम से दर्शनीय यात्रा के दृश्यों को उकेरा।

गेब्रियल के काम में, कथानक की विविधता हड़ताली है - वह मेले और सैलून, शहर के पार्क और थिएटर हॉल, सड़कों और चौकों पर दृश्य, वैज्ञानिकों के व्याख्यान और मंत्रमुग्ध कर देने वाले सत्र, स्मारक और परिदृश्य, छुट्टियां और रात्रिभोज, सैर और शौचालय, मूर्तियाँ और चित्र बनाता है। पेंटिंग - लौवर से सेंट क्लाउड और वर्साय तक। इन चित्रों के तहत अक्सर हस्ताक्षर किए जाते हैं: "चलने के दौरान बनाया गया।" उन्होंने न केवल जीवन की विविधता, बल्कि प्रकारों की विशिष्टता की भी सराहना की, इसमें वे फ्रांसीसी उत्कीर्णन "फैशन और रीति-रिवाजों" की परंपराओं के प्रति वफादार हैं। उनकी सर्वश्रेष्ठ कृतियों में से एक नक़्क़ाशी "1753 में लौवर सैलून का दृश्य" है। नक़्क़ाशी की संरचना में दो स्तर होते हैं - शीर्ष पर आप दीवारों पर लटके हुए चित्रों को देख सकते हैं, और जनता उन्हें देख रही है, तल पर - प्रदर्शनी में भागते हुए आगंतुक, सीढ़ियाँ चढ़ते हुए। प्रत्याशा से भरे एक बूढ़े व्यक्ति का अकेला चित्र विशेष रूप से अभिव्यंजक है। भीड़ की उत्तेजना और जीवंतता, पारखी लोगों की केंद्रित विचारशीलता, विवाद प्रेमियों के अभिव्यंजक हावभाव - यह सब उकेरने वाले ने तेजी से देखा। उत्तम तानवाला उन्नयन में एक विशेष आध्यात्मिकता और भावुकता होती है जो वट्टू की याद दिलाती है।

सेंट-ऑबिन एक लचीली और मुक्त तकनीक की तलाश में था जो दुनिया की परिवर्तनशीलता, उसके रूपों की गतिशीलता को बता सके। उन्होंने सीसा और इतालवी पेंसिल का इस्तेमाल किया, उनमें काले स्वर की कोमलता और गहराई की सराहना की। उन्होंने चीनी स्याही का उपयोग धोने, बिस्ट्रे, सेपिया, पीले और हल्के नीले पानी के रंग के साथ कलम और ब्रश के साथ काम करना पसंद किया। उनके चित्र में इतालवी पेंसिल को बिस्ट्रे और पेस्टल के साथ जोड़ा गया है, लीड पेंसिल- चीनी स्याही और संगीन के साथ। विभिन्न तकनीकी साधनों का यह मिश्रण गेब्रियल डे सेंट-ऑबिन के ग्राफिक्स की एक विशेषता है।

अपने बाद के वर्षों में, सेंट-ऑबिन ने नाटककार सेडेन, मर्सिएर की पुस्तकों के कार्यों का वर्णन किया। यह उत्सुक है कि वे स्वयं व्यंग्यात्मक कविताओं के लेखक थे; उनमें से बुश पर एक उपसंहार है।

सदी के मध्य में, आधुनिक रीति-रिवाजों के दृश्यों को उकेरने वालों की संख्या कई गुना बढ़ जाती है। ये हैं कोचीन, ग्रेवेलो, ईसेन, जीन मिशेल मोरो द यंगर। पुस्तक चित्रण के विकास में उनकी कला सबसे महत्वपूर्ण चरण थी - 18 वीं शताब्दी की ग्राफिक संस्कृति की सबसे उत्कृष्ट कृतियों में से एक। विशेष रूप से अभिव्यंजक मोरो द यंगर के उत्कीर्णन, सामाजिक जीवन के दृश्य हैं; वह उस समय के फ्रांस में रोजमर्रा की जिंदगी के सबसे अच्छे लेखकों में से एक थे।

उत्कीर्णन की तकनीक में इस समय बहुत सारी रोचक चीजें। उत्कीर्णन की लोकप्रियता ने प्रौद्योगिकी में सुधार किया, और खोजों ने खोज का अनुसरण किया। यह विशेषता है कि तकनीकों की खोजी गई किस्मों को गतिशील और मुक्त तकनीकों के लिए जीवंत अभिव्यंजना की इच्छा से एकजुट किया गया था। गाइल्स डेमार्टो ने एक पेंसिल तरीके से काम करना शुरू किया, अपने पूर्ववर्तियों में से एक की खोज को विकसित करते हुए, एफ। चारपेंटियर ने लविस का आविष्कार किया - उत्कीर्णन में धुंधला होने की नकल, और शैली के चित्रकार लेप्रिन्स ने इस नवाचार को उठाते हुए, एक्वाटिंट तकनीक विकसित की। अंत में, बाद में लैविस और एक्वाटिंट (जीन फ्रेंकोइस जीनिनेट, लुइस फिलिबर्ट डेब्यूकोर्ट) पर आधारित एक रंग उत्कीर्णन है।

18 वीं शताब्दी के अंत में, फ्रांसीसी ग्राफिक्स में एक नया उदय क्रांति की घटनाओं के प्रतिबिंब से जुड़ा हुआ है, जिसने ड्राफ्ट्समैन की एक शानदार आकाशगंगा को सामने रखा - प्रियर, थेवेनिन, मोनेट, एलमैन, डुप्लेसिस-बेर्टो, स्वेबैक और अन्य .

सदी के मध्य में यथार्थवाद का विकास, अंतर्विरोधों का बढ़ना और कला में प्रवृत्तियों का संघर्ष - यह सब कला के सिद्धांत के उदय, कला आलोचना की एक अभूतपूर्व गतिविधि का कारण बना। सदी के मध्य तक, जब वोल्टेयर के शब्दों में, राष्ट्र ने अंततः रोटी के बारे में बात करना शुरू किया, बुर्जुआ ज्ञानियों के शिविर ने रैली की, 1751 में अपने "बैटल टॉवर" को आगे बढ़ाया - अभिजात वर्ग और चर्च के खिलाफ विश्वकोश। सौंदर्यशास्त्र के क्षेत्र में एक वैचारिक संघर्ष भी सामने आया। जैसा कि आप जानते हैं, ज्ञानियों का मानना ​​​​था कि नैतिक शिक्षा की मदद से समाज का पुनर्निर्माण संभव है, इसलिए, सबसे पहले, अनैतिकता और उन साधनों को उखाड़ फेंकना आवश्यक है जिनके द्वारा इसे समाज में लगाया जाता है। जब डिजॉन अकादमी ने "क्या विज्ञान और कला के पुनरुत्थान से नैतिकता में सुधार हुआ?" विषय को सामने रखा तो रूसो ने गुलामी की लोहे की जंजीरों पर एक फूल की माला के रूप में ब्रांडिंग कला को नकारात्मक, ब्रांडिंग में उत्तर दिया। संक्षेप में, उन्होंने महान संस्कृति को उसकी प्रतिकूलता और प्रकृति के प्रति शत्रुता के साथ ब्रांडेड किया। एक स्पष्ट अंतर के साथ, एक झूठी सभ्यता के खिलाफ रूसो के इस युद्ध और रोकोको कला के प्रदर्शन के बीच एक निस्संदेह समानता है, जो हर किसी में डिडरॉट के सैलून में पाई जा सकती है।

प्रबुद्धता सौंदर्यशास्त्र में बहुत कुछ कला में यथार्थवाद की स्थापना की ओर निर्देशित है। डाइडरॉट, जिन्होंने यथार्थवादी कलाकारों चारडिन, लटौर और अन्य का समर्थन किया, ने अथक रूप से इसे दोहराया। डिडरॉट की कला आलोचना शायद कलात्मक अभ्यास के क्षेत्र में एक उन्नत विचारक की सक्रिय घुसपैठ का पहला उदाहरण है, जो कला की घटनाओं का उनके यथार्थवादी मूल्य और लोकतांत्रिक अभिविन्यास के संदर्भ में मूल्यांकन करती है।

डिडरॉट का सौंदर्यवादी सिद्धांत कला का ठोस जीवन जीता था, और इस तरह इसने शैक्षणिक सिद्धांतकारों के सट्टा, सट्टा निर्माणों का विरोध किया। कला में सच्चाई की मांगों के साथ-साथ, डिडरॉट, आधुनिक चित्रकला और मूर्तिकला का विश्लेषण करते हुए, कार्रवाई की समस्या को सामने रखता है। उन्हें चिंता है कि बुजुर्गों के लिए रोजमर्रा की शैली कला बन रही है। वह चित्र में कार्रवाई देखना चाहता है और रूसो के चित्र से "हमारे दिनों के कैटो" की छवि नहीं बनाने के लिए, अपने दिल के लिए प्रिय लटौर पर गिर जाता है।

इन्हीं वर्षों के दौरान फ़्रांस में "ऊर्जा" शब्द प्रयोग में आया। डिडरॉट के लिए दृश्य कला में कार्रवाई की समस्या कला की सामाजिक गतिविधि की समस्या है। बाद में क्या होगा, यह अनुमान लगाते हुए, उन्होंने विचार, जुनून, कल्पना को चित्रित करने और समर्थन करने की मांग की - वह सब कुछ जो राष्ट्र के जागरण में योगदान दे सकता है।

पेंटिंग में लोगों की वर्ग स्थिति के हस्तांतरण के बारे में बोलते हुए, डिडरोट का मतलब बाहरी विशेषताओं से नहीं है जो उस दर्शक को समझाएगा जो वह चित्र में देखता है। इसका तात्पर्य मानव मानस में इस स्थिति की छाप से है भीतर की दुनिया, भावनाओं की प्रकृति। "कारीगरों के आंकड़े और चेहरे दुकानों और कार्यशालाओं के कौशल को संरक्षित करते हैं।" यह अध्ययन करने का आह्वान कि पर्यावरण किसी व्यक्ति की प्रकृति को कैसे आकार देता है, और अंत में, कला में एक साधारण व्यक्ति को चित्रित करने के लिए प्रबुद्धता के सौंदर्यशास्त्र की विशेषता थी।

कलात्मक छवि की सत्यता के बारे में तर्क देते हुए, डिडरॉट ने अपने "एक्सपीरियंस ऑन पेंटिंग" में समकालीन कलाकारों की यथार्थवादी खोजों को सामान्यीकृत किया। विशेष रूप से दिलचस्प हवाई परिप्रेक्ष्य और रंग प्रतिबिंबों के बारे में उनकी टिप्पणी है, जो कि क्रियोस्कोरो और अभिव्यक्तता के बारे में है।

डिडरॉट की सौंदर्य संबंधी अवधारणाएं बिना विवाद के नहीं हैं। बाउचर को फटकार लगाते हुए, वह उत्साहपूर्वक कला के कार्यों में विनम्रता और लालित्य के बारे में बात करता है; चारदिन के सुरम्य गुणों की सराहना करने के बारे में जानने के बाद, वह ग्रीज़े के शर्करा "प्रमुखों" के लिए अवर्णनीय प्रशंसा में आता है, यह घोषणा करते हुए कि वे रूबेन्स के चित्रों से अधिक हैं। आकलनों के ये अघुलनशील अंतर्विरोध बुर्जुआ प्रबुद्धजनों के विचारों के सारतत्व से उत्पन्न होते हैं।

कला को महान शैक्षिक महत्व देते हुए, ज्ञानियों ने इसे अपने सिद्धांत के अनुसार नैतिकता को शिक्षित करने का एक साधन माना। प्राकृतिक आदमी"। लेकिन चूंकि यह ठीक इसी बिंदु पर था, नैतिकता के क्षेत्र में, कि वे आदर्शवाद की ओर मुड़े, बुर्जुआ की कथित अच्छाई कला में आदर्शीकरण का विषय बन गई। एक अमूर्त गुण के साथ अभिजात वर्ग की शातिरता की तुलना करते हुए, ज्ञानियों ने यह नहीं देखा कि पूंजीवाद अपने साथ क्या लेकर आया है। इसलिए, डिडरोट के अपने नाटकों में बुर्जुआ नायक अवास्तविक, बेजान और रूखे हैं, जो धर्मोपदेश देने के लिए मुखपत्र के रूप में काम करते हैं। शायद प्रबुद्धता सौंदर्यशास्त्र में सबसे कमजोर बिंदु कला में नैतिकता की मांग है, और कला के लिए समर्पित निबंधों के सबसे पुराने पृष्ठ वे हैं जहां नैतिकता की शैली पर उत्साह लुटाया जाता है। ऐसे मामलों में डाइडरॉट का अंधापन हड़ताली है। विशेष रूप से उत्सुक वे मर्मस्पर्शी कहानियाँ हैं जो उन्होंने स्वयं चित्रकारों के लिए रची थीं।

दृश्य कलाओं में, जिस कलाकार का काम इन विरोधाभासों को दर्शाता है वह जीन-बैप्टिस्ट ग्रीस (1725-1805) था। ग्रीज़ ने ल्योन में दूसरे दर्जे के चित्रकार ग्रैंडन के साथ अध्ययन किया। पहली प्रसिद्धि उन्हें शैली की पेंटिंग "बाइबल पढ़ने वाले परिवार के पिता" द्वारा लाई गई थी। 1750 के दशक में उन्होंने इटली की यात्रा की और वहाँ से घर के दृश्य लाए, जिसमें कथानक के अलावा कुछ भी इतालवी नहीं है। उसके चारों ओर एक संघर्ष प्रकट होता है। शाही इमारतों के निदेशक, मारकिस ऑफ मारगैन ने उन्हें मार्क्विस पोम्पडौर के लिए अलंकारिक रचनाओं के आदेशों के साथ आकर्षित करने की कोशिश की, और उन्हें इटली भेजने की पेशकश की। ज्ञानियों ने ग्रीज़े के भूखंडों के लोकतंत्रवाद का समर्थन किया, जिन्होंने तीसरे एस्टेट के चित्रकार के रूप में काम किया।

1761 के सैलून में ग्रीज़ के प्रोग्रामेटिक काम का प्रदर्शन किया गया था। यह "कंट्री ब्राइड" (लौवर) है। ग्रीज़ की पेंटिंग न केवल घरेलू जीवन के क्षणों में से एक की छवि है। वह कार्य जो उन्होंने काफी सचेत रूप से अपने लिए निर्धारित किया था - एक विस्तृत मल्टी-फिगर रचना में पारिवारिक जीवन में एक असाधारण घटना को प्रस्तुत करने के लिए, तीसरे वर्ग के अच्छे नैतिकता की महिमा करते हुए। इसलिए, घटना में मुख्य घटना के आसपास - दहेज के परिवार के पिता द्वारा अपने दामाद को हस्तांतरण - कहानी की कहानी कितनी उत्साह से परिवार के सम्मानित सदस्य इस "आत्मा के असाधारण आंदोलन" को गंभीरता से लेते हैं प्रकट करता है। रचना एक नए तरीके से बनाई गई है: ड्रीम के पात्र ऐसा महसूस करते हैं जैसे कि वे एक मंच पर रहते हैं, वे अभिनय नहीं करते हैं, लेकिन प्रतिनिधित्व करते हैं। पात्रों की व्यवस्था, उनके इशारों और चेहरे के भावों के बारे में सोचा जाता है जैसे कि "आंसू भरी कॉमेडी" के स्कूल द्वारा लाए गए निर्देशक द्वारा। इसलिए, नववरवधू की दो बहनों की तुलना की जाती है, जैसा कि एक की भक्ति और कोमलता और दूसरे की निंदनीय ईर्ष्या की तुलना करने के उद्देश्य से की गई थी। अंग्रेजी नाटककारगोल्डस्मिथ ने नाट्य कला में इसी तरह की घटनाओं के बारे में लिखा: "इन नाटकों में, लगभग सभी पात्र अच्छे और अत्यंत महान हैं: एक उदार हाथ से वे मंच पर अपना टिन पैसा वितरित करते हैं।"

1761 के सैलून में भी, ग्रीज़ ने हर्मिटेज पेंटिंग पैरालिटिक के लिए कई चित्र प्रदर्शित किए। इस पेंटिंग के रेखाचित्रों में, "दादी" (पेरिस, निजी संग्रह) नामक एक जल रंग ज्ञात है। जल रंग एक गरीब आवास को दर्शाता है, सीढ़ियों के नीचे एक बीमार बूढ़ी औरत के चारों ओर भीड़ वाले बच्चे। पोज़ की दृढ़ता, स्थिति की जीवन शक्ति जीवन से ग्रीज़ के काम की याद दिलाती है। पेरिस के व्यापारियों, भिखारियों, किसानों, कारीगरों के अपने चित्र के लिए जाना जाता है। पेंटिंग पर कलाकार के काम की शुरुआत में, प्रकृति के रेखाचित्रों ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। लेकिन 1763 के सैलून में प्रदर्शित पेंटिंग के साथ स्केच की तुलना करने पर एक बदलाव ध्यान देने योग्य है। आसन और चाल-चलन प्रभावित हो गए और किसी तरह लकड़ी, परिवार लकवाग्रस्त के पास पहुंचा, उनकी कृतज्ञता और उत्साह की शोरगुल वाली परेड के साथ उन्हें उनकी आखिरी ताकत से वंचित कर दिया। चित्र में सीढ़ियों की टेढ़ी-मेढ़ी रेलिंग पर स्केच में लटका चीर-फाड़, राजसी चिलमन में बदल जाता है। यह चादर, एक पारिवारिक बैनर की तरह, गुणी नायकों के पिरामिड समूह का ताज पहनती है। संक्षेप में, ग्रीज़ अकादमिक रचनात्मक तकनीकों का सहारा लेता है, पात्रों को "बेस-रिलीफ" में अग्रभूमि में रखता है। ग्रीज़े के कई चित्र यथार्थवाद की विशेषताओं से संपन्न हैं; वे जीवन के अवलोकन पर आधारित हैं। लेकिन कलाकार की रचनात्मक पद्धति बाहरी, रूढ़िबद्ध होती है। यह प्रक्रिया 17वीं शताब्दी के एक शिक्षाविद के प्रयास की याद दिलाती है। लेब्रन ने मानव भावनाओं की सभी विविधता को अमूर्त जुनून के कुछ सूत्रों तक कम कर दिया।

1760 के दशक में प्रत्येक नए काम के साथ, ग्रीज़ के नायक, जैसे कि "पीड़ित उपहास" प्राप्त करते हैं - परिवार के पीड़ित पिता, शातिर पुत्र, सम्मानित दामाद, दुष्ट सौतेली माँ, आदि। , और अन्य)।

रचना "नॉर्थ एंड काराकाल्ला" (सैलून 1769; लौवर) एक गुणी पिता और एक शातिर बेटे की कहानी है, जो एक ऐतिहासिक पेंटिंग के पद तक ऊंचा है। एक ओर, ग्रीज़ का पारिवारिक गुण अधिक से अधिक सारगर्भित हो गया, और इस दृष्टिकोण से इसका "ऐतिहासिक गौरव" काफी तार्किक है। लेकिन साथ ही, यहां एक महत्वपूर्ण नया अर्थ भी है। कराकल्ला न केवल एक शातिर पुत्र है, बल्कि एक बुरा शासक भी है। इस तस्वीर को स्वीकार करने के लिए ग्रीज़े से इनकार करते हुए, अकादमी (यह तब वृद्ध बाउचर की अध्यक्षता में थी) ने उस नागरिक मकसद के खिलाफ विरोध किया जो 1770 के दशक में पहले से ही हो रहा था। नागरिक गुण के साथ पारिवारिक गुण का प्रतिस्थापन।

बाद की अवधि के ग्रीज़ के कार्यों में अधिक से अधिक तरीके हैं। ऐसे हैं द ब्रोकन जग (लौवर), डेड बर्ड्स, हेड्स और मॉर्निंग प्रेयर अपनी अस्पष्टता, परोपकारी भावुकता और खराब पेंटिंग के साथ। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि यह ग्रीज़ था जिसने कहा था: "मसालेदार बनो अगर तुम सच्चे नहीं हो सकते।" पेंटिंग में उस समय के प्रगतिशील विचारों को व्यक्त करने की इच्छा पर "मनभावन करने की कला" प्रबल हुई।

18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में ग्रीज़े ने फ्रांसीसी चित्रकला में एक संपूर्ण प्रवृत्ति की स्थापना की (लेपिसियर, ऑब्री और कई अन्य)। यह 1770 के दशक में विकसित हुआ, जब क्रांतिकारी क्लासिकवाद की कला पहले से ही आकार ले रही थी। इसलिए, इस समय की नैतिक शैली फ्रांसीसी चित्रकला में एक मामूली घटना बन गई। ग्रीज़े के सबसे विशिष्ट अनुयायियों में से एक एटिने ऑब्री ने अपने चित्रों के भूखंडों को जीवन से नहीं, बल्कि मारमोंटेल की मोरल टेल्स से आकर्षित किया। निकोलस बर्नार्ड लेपिसियर (1735-1784) के काम में देर से भावुक शैली का एक और पक्ष है - आलस्य। फाल्कोन ने एक बार ठीक ही टिप्पणी की थी: "हमें स्थानांतरित करने के प्रयास जितने अधिक स्पष्ट होते हैं, हम उतने ही कम स्थानांतरित होते हैं।"

ग्रीज़े और उनके अनुयायियों की कला का मूल्यांकन करते समय, किसी को रूसो की विश्वदृष्टि से जुड़े 18 वीं शताब्दी के भावुकता के एक और प्रवाह के साथ पुण्य के उपदेश को भ्रमित नहीं करना चाहिए। प्रकृति के प्रति आकर्षण, जो सदी के उत्तरार्ध की विशेषता है, विशेष रूप से, इस युग की परिदृश्य कला में यथार्थवादी प्रवृत्तियों के विकास के लिए एक शर्त थी।

18 वीं शताब्दी की शुरुआत में प्रकृति की एक नई धारणा की नींव - इसकी गीतकारिता, भावुकता, मानव आत्मा के आंदोलनों के अनुरूप होने की क्षमता - वट्टू के काम में रखी गई थी। यह कला तब अन्य शैलियों के ढांचे के भीतर विकसित हुई: कालीनों के लिए कार्डबोर्ड में परिदृश्य पृष्ठभूमि, साथ ही युद्ध और पशुवादी रचनाओं में। सबसे दिलचस्प फ्रांकोइस डेपोर्टे (1661-1743) और ओड्री (1686-1755) के शिकार के दृश्य हैं; डेपोर्टे के अध्ययन ("वैली ऑफ द सीन", कॉम्पिएग्ने) में लाइव अवलोकन सबसे अधिक ध्यान देने योग्य हैं।

लैंडस्केप पेंटिंग के प्रमुख स्वामी 18वीं शताब्दी के मध्य में प्रकट हुए। उनमें से सबसे बड़े जोसेफ वर्नेट (1714-1789) थे। बीस वर्ष की आयु में वे इटली चले गए और वहाँ सत्रह वर्ष तक रहे। इसलिए, 1750 के दशक में वर्नेट फ्रांस में प्रसिद्ध हो गया। 1753 में लौवर सैलून में सफलता के बाद। रचनात्मकता वर्नेट क्लाउड लॉरेन की परंपराओं को याद करती है - उनके परिदृश्य सजावटी हैं। कभी-कभी वर्नेट गेय रूपांकनों के लिए इच्छुक होते हैं, कभी-कभी नाटकीय नोटों के लिए, अपने बाद के वर्षों में उन्होंने विशेष रूप से तूफान और चांदनी के रोमांटिक प्रभावों का इस्तेमाल किया। वर्नेट एक कुशल कहानीकार हैं, उनके पास कई प्रकार के परिदृश्य हैं; ऐसी प्रसिद्ध श्रृंखला "फ्रांस के बंदरगाह", समुद्र और पार्क के कई दृश्य हैं। आंतरिक सजावट के हिस्से के रूप में इस कलाकार के परिदृश्यों को काफी लोकप्रियता मिली।

लुई गेब्रियल मोरो द एल्डर (1739-1805) - बाद में लैंडस्केप पेंटिंग के मास्टर। उन्होंने आमतौर पर पेरिस और उसके परिवेश के विचार लिखे - मेउडॉन, सेंट क्लाउड, बागेटेल, लौवेसीनेस। मोरो अपने सुरुचिपूर्ण परिदृश्य चित्रों के लिए प्रसिद्ध थे - जैसे "लैंडस्केप विथ ए पार्क फेंस" (वाटरकलर और गौचे; पुश्किन म्यूजियम ऑफ फाइन आर्ट्स)। उनकी रचनाएँ परिष्कृत, कुछ ठंडी, लेकिन रंग में सूक्ष्म हैं। मोरो की काव्यात्मक और अवलोकन की महत्वपूर्ण शक्तियों को द हिल्स एट मीडॉन (लौवर) जैसे कार्यों में अपवर्तित किया गया था। उनके चित्र आकार में छोटे होते हैं, चित्रकार की लिखावट सुलेखन होती है।

XVIII सदी की दूसरी छमाही का सबसे प्रसिद्ध परिदृश्य चित्रकार। ह्यूबर्ट रॉबर्ट (1733-1808) थे। इटली में बिताए वर्षों के दौरान, प्राचीन रोम के खंडहरों के लिए रॉबर्ट को पुरातनता के प्रति श्रद्धा के साथ ग्रहण किया गया था। यह एक नई पीढ़ी का कलाकार है, जो क्लासिकवाद के विचारों से प्रेरित है। लेकिन रॉबर्ट की कला विशेष रूप से प्रकृति के प्रति आकर्षण के साथ पुरातनता में रुचि के जैविक संयोजन की विशेषता है। यह 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्रांसीसी संस्कृति की सबसे महत्वपूर्ण प्रवृत्ति है, जब पुरातनता और प्रकृति में उन्होंने स्वतंत्रता के प्रोटोटाइप और मनुष्य की प्राकृतिक अवस्था को देखा। कलाकार के पेरिस लौटने के बाद, उसे वास्तु परिदृश्य के लिए कई कमीशन मिले। उनका एक सजावटी उद्देश्य था, नई क्लासिकिस्ट हवेली के अंदरूनी हिस्सों को सजाना। उन्हें आर्कान्जेस्क में संपत्ति के लिए युसुपोव जैसे रूसी रईसों द्वारा भी आदेश दिया गया था।

एक चित्र बनाते हुए, रॉबर्ट ने कल्पना की, रचना की, हालाँकि उन्होंने प्रकृति से रेखाचित्रों का उपयोग किया। पिरानेसी की तरह उन्होंने अलग-अलग खंडहरों और स्मारकों को एक तस्वीर में मिला दिया। कलाकार को वास्तुशिल्प रूपांकनों की महिमा की विशेषता है। पद्धति और विषयों के संदर्भ में, वह क्लासिकवाद का विशिष्ट स्वामी है। लेकिन 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के परिदृश्य की यथार्थवादी प्रवृत्तियाँ। उनकी कला में बहुत कुछ परिभाषित करते हैं। पुराने पत्थरों की सतह प्रकाश से संतृप्त है, वह अंधेरे खंडहरों के बीच चमकदार पारदर्शी लटकते हुए प्रकाश के नाटक को व्यक्त करना पसंद करता है। गीला कपड़े धोने. कभी-कभी इमारतों के तल पर एक धारा बहती है, और इसमें धोबी के कपड़े धोए जाते हैं। रंग की बारीकियों की हवा और कोमलता रॉबर्ट के परिदृश्य की विशेषता है; इसकी सीमा में हरे और मोती-ग्रे रंगों की एक अद्भुत विविधता है, जिसमें सिंदूर द्वारा संयमित उच्चारण अक्सर रखा जाता है।

18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में लैंडस्केप पेंटिंग के विकास के लिए, नियमित प्रणाली की जगह, पार्क योजना के नए सिद्धांत बहुत महत्वपूर्ण थे। कोई आश्चर्य नहीं कि रॉबर्ट "एंग्लो-चीनी" उद्यानों के शौकीन थे जो प्राकृतिक प्रकृति की नकल करते थे, जो भावुकता की भावना में था। 1770 के अंत में। उन्होंने वर्साय में एक समान पार्क के परिवर्तन का पर्यवेक्षण किया; परिदृश्य चित्रकारों की सलाह पर, इस समय एर्मेननविले, बागेटेल, चेंटिली, मेरेविल (बाद वाले - रॉबर्ट की योजना के अनुसार) के बगीचे टूट गए थे। ये दार्शनिकों और सपने देखने वालों के लिए बगीचे थे - सनकी रास्तों, छायादार गलियों, देहाती झोपड़ियों, वास्तुशिल्प खंडहरों के साथ, प्रतिबिंब के लिए अनुकूल। बदले में, लैंडस्केप पार्कों में स्वाभाविकता की खोज, उनकी रचनात्मक स्वतंत्रता, अंतरंग मकसद - यह सब लैंडस्केप पेंटिंग को प्रभावित करता है, इसकी यथार्थवादी प्रवृत्तियों को उत्तेजित करता है।

सदी के उत्तरार्ध का सबसे बड़ा चित्रकार और ग्राफिक कलाकार होनोर फ्रैगनार्ड (1732-1806) था। सत्रह वर्ष की आयु में, फ्रैगनार्ड बाउचर की कार्यशाला में गए, जिन्होंने उन्हें चारदिन भेजा; चारदिन के साथ छह महीने बिताने के बाद युवा कलाकार बुश के पास लौट आया। बड़े आदेशों को पूरा करने के लिए फ्रैगनार्ड को शिक्षक की मदद करनी पड़ी। 1752 में, बाइबिल की कहानी पर अपनी रचना के लिए फ्रैगनार्ड को प्रिक्स डे रोम मिला। 1756 में वे रोम में फ्रेंच अकादमी के छात्र बने। कलाकार के लिए पाँच इतालवी वर्ष बहुत फलदायी रहे। वह अब दुनिया को बुश की नज़र से नहीं देख सकता था।

फ्रैगनार्ड। विला डी "एस्टे के बड़े सरू। ड्राइंग। धोया हुआ बिस्टर। 1760 वियना, अल्बर्टिना।

मुख्य रूप से 17वीं और 18वीं शताब्दी में फ्रैगनार्ड का काम इतालवी चित्रकला से काफी प्रभावित था। उन्होंने प्राचीन सरकोफेगी की राहत की भी नकल की, प्राचीन विषयों पर कामचलाऊ व्यवस्था की - 1760 के दशक के बैकिक दृश्य। इन वर्षों के दौरान, फ्रैगनार्ड के अद्भुत परिदृश्य चित्र उत्पन्न हुए, जो हवा और प्रकाश से भरे हुए थे। लचीली और मुक्त ग्राफिक तकनीकें धारणा की कामुक सूक्ष्मता के अनुरूप हैं। वायुमंडलीय धुंध को प्रसारित करते हुए, गली-मोहल्लों में धूप का खेल, उन्होंने ड्राइंग में कोमल प्रकाश और छाया संक्रमण की शुरुआत की, बिस्ट्रे या स्याही धोने की तकनीक को समृद्ध किया। वह इन वर्षों और संगीन में प्यार करता था। फ्रैगनार्ड के शुरुआती परिदृश्य युवा चित्रकार की पहली सफलताओं में से एक हैं।

1761 की शरद ऋतु में, फ्रैगनार्ड पेरिस लौट आए। 1760 का दशक वह समय है जब उनकी कला परिपक्व हो रही थी। यह अत्यधिक विवादास्पद रहा। रोकोको के पारंपरिक रूपों ने यथार्थवादी खोज के साथ तर्क दिया। लेकिन पौराणिक शैली में भी गेय विषय मुख्य था। 1764 की सर्दियों में उन्होंने अपना कार्यक्रम "कलीरा को बचाने के लिए खुद को बलिदान करते हुए पुजारी कोरज़" पूरा किया; इस बड़ी पेंटिंग को 1765 के लौवर सैलून में प्रदर्शित किया गया था। यह बाद के प्रभाव में लिखा गया था इतालवी स्वामीइसमें सशर्त नाटकीयता की भरमार है, लेकिन बयानबाजी से भावुकता टूट जाती है। चित्र सफल रहा। अपोलो की लौवर गैलरी के लिए एक बड़े प्लैफॉन्ड को निष्पादित करने के लिए अकादमी (1766) के आदेश ने शिक्षाविद की उपाधि का वादा किया। लेकिन यह कार्य फ्रैगनार्ड द्वारा कभी पूरा नहीं किया गया, वह ऐतिहासिक शैली से दूर हो गया, और 1769 से उसने लौवर के सैलून में प्रदर्शन करना बंद कर दिया। अकादमिकता की ऐतिहासिक चित्रकला की हठधर्मिता से उन्हें स्पष्ट रूप से घृणा थी। समकालीनों ने शोक व्यक्त किया कि वह बड़े विचारों और एक ऐतिहासिक चित्रकार की महिमा को त्यागते हुए अभिजात वर्ग में अपने कामों की लोकप्रियता से संतुष्ट थे।

वास्तव में, 1760 के दशक में युवा मास्टर की कला ने आकार लिया। गेय के रूप में, अंतरंग। फ्रैगनार्ड के काम में रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्य, परिदृश्य, चित्र इस समय की फ्रांसीसी कलात्मक संस्कृति की विशेषता, प्रकृति और भावना में रुचि से चिह्नित हैं। फ्रैगनार्ड की कला की ख़ासियत यह है कि यह शायद 18वीं शताब्दी के अन्य चित्रकारों की कला से अधिक है, सुखवाद, आनंद की कविता से ओत-प्रोत है। जैसा कि आप जानते हैं, 18वीं शताब्दी का सुखवाद। एक विवादास्पद घटना थी। खुशी का दर्शन लाखों लोगों के अस्तित्व की वास्तविक स्थितियों के साथ संघर्ष में आया, और यह कुछ भी नहीं था कि लोकतांत्रिक रूसो का उग्र क्रोध उस पर गिर गया। लेकिन एक ही समय में, वास्तविक, सांसारिक कामुकता का दावा इसके साथ जुड़ा हुआ था: फ्रांसीसी भौतिकवादियों ने अभिजात वर्ग की भ्रष्टता और संतों के पाखंड के साथ एक व्यक्ति के अधिकार के साथ सभी समृद्धि का आनंद लेने का विरोध किया। दूसरे शब्दों में, शिक्षक ला मेट्री का आह्वान "दुश्मनी का दुश्मन और आनंद का दोस्त" पाखंड और चर्च के लोगों की मध्ययुगीन नैतिकता के विरोध की तरह लग रहा था। रोकोको पेंटिंग की तृप्त कामुकता, जो गिरती हुई अभिजात वर्ग, विनाशकारी कला के तटों को दर्शाती है। और फ्रैगनार्ड के काम पर महान संस्कृति की विशिष्ट विशेषताओं की मुहर है। लेकिन अपनी सबसे अच्छी बातों में वह बाउचर के एपिगोन्स के ठंडे परिष्कार से मुक्त है, उनमें बहुत वास्तविक भावना है।

यहां तक ​​\u200b\u200bकि "द थेफ्ट ऑफ़ द शर्ट ऑफ़ द क्यूपिड" (लौवर), "बाथिंग नायड्स" (लौवर) जैसे पौराणिक दृश्य, एक ठोस जीवन चरित्र प्राप्त करते हैं, दर्शक को होने के अंतरंग क्षेत्र में स्थानांतरित करते हैं। ये तस्वीरें कामुक आनंद से भरी हैं; चिकनी रचनात्मक लय, मुलायम तरकश छाया, हल्के और गर्म रंगीन रंग एक भावनात्मक वातावरण बनाते हैं। फ्रैगनार्ड के दृश्यों में प्यार की तड़प को जीवंत धूर्तता और दिलेर मजाक के साथ जोड़ा गया है।

फ्रैगनार्ड की कला की भावनात्मक समृद्धि ने उनकी तकनीकों के स्वभाव, प्रकाश और गतिशील स्ट्रोक की स्वतंत्रता, प्रकाश और वायु प्रभावों की सूक्ष्मता को निर्धारित किया। वह एक सुधारक के रूप में एक अद्भुत उपहार के साथ संपन्न था और किसी भी तरह से हमेशा उन विचारों को पूरी तरह से मूर्त रूप नहीं देता था जो उसे रोशन करते थे। फ्रैगनार्ड की सचित्र प्रणाली में, अभिव्यक्ति को उत्तम अलंकारिकता के साथ जोड़ा जाता है, और रंग वस्तुओं की मात्रा, भौतिकता को व्यक्त नहीं करते हैं, जैसा कि चारडिन करने में सक्षम थे।

1760 के दशक के सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक - "स्विंग" (1767; लंदन, वालेस संग्रह) - ग्राहक के कथानक के अनुसार बनाया गया था - फाइनेंसर सेंट-जूलियन, जो कलाकार से अपने प्रिय को झूले पर चित्रित करना चाहते थे। पार्क का एक अंतरंग कोक्वेट बाउडॉयर जैसा दिखता है। सुडौल आकृति की फड़फड़ाहट, उसके कपड़ों की रूपरेखा, एक पतंगे के सिल्हूट की याद ताजा करती है, सुस्त नज़रों का प्यारा खेल - यह सब मसालेदार रोसेल परिष्कार से भरी छवि बनाता है।

लेकिन फ्रैगनार्ड के काम में लॉन्ड्रेसेस (अमीन्स) के समान कई शैली के दृश्य हैं। बड़े पैमाने पर ग्रे तोरणों के पास पुराने पार्क में, धोबी अपनी चादरें लटकाती हैं। रंग शुद्ध और पारदर्शी होते हैं, वे पुराने पत्थरों पर कोमल प्रतिबिंबों के साथ बिखरी हुई सूर्य की किरणों की चमक को व्यक्त करते हैं। गहरे पत्ते पुराने पत्थरों पर छाया डालते हैं, उनका धूसर रंग जैतून, धूसर और हरे रंग से बुना जाता है। रंगों की ताजगी, बारीकियों की समृद्धि, स्ट्रोक की लपट - यह सब बाउचर के एपिगोन्स के सुस्त और अप्राकृतिक तरीके का विरोध करता था और 19 वीं शताब्दी के परिदृश्य की रंगीन विजय का अनुमान लगाता था।

प्रकृति के प्रति फ्रैगनार्ड के आकर्षण ने उनके रोजमर्रा के दृश्यों को जीवन शक्ति दी, परिदृश्य शैली को समृद्ध किया, चित्र में मॉडल की व्यक्तित्व की सराहना करने के लिए मजबूर किया। फ्रैगनार्ड के चित्र ("सेंट-नॉन"; बार्सिलोना) शानदार और मनमौजी हैं; कलाकार की चिंता आंतरिक दुनिया की सटीक समानता और जटिलता नहीं थी - वह चित्र में आत्मा की उत्तेजना, सजावटी गुंजाइश, रंगीन वेशभूषा की असामान्यता से प्यार करता था। फ्रैगनार्ड के चित्र कार्यों में, डिडरॉट (पेरिस, निजी संग्रह) की छवि सामने आती है, इस शैली के ग्राफिक कार्य "मैडम फ्रैगनार्ड" (चीनी स्याही; बेसनकॉन), "मार्गुराइट जेरार्ड" (बिस्ट्रे, ibid।) हैं। उनकी योग्यता पूर्वकल्पित कैनन, भावनाओं की ईमानदारी के जुनून, उनकी अभिव्यक्ति की तत्कालता से चित्रकला की मुक्ति थी।

परिदृश्य में, फ्रैगनार्ड वट्टू की परंपरा में वापस चला गया, लेकिन वट्टू की उदासीन दिवास्वप्न को होने के कामुक आनंद से बदल दिया गया है।

रॉबर्ट के विपरीत, फ्रैगनार्ड के परिदृश्य में वास्तुशिल्प रूपांकन हावी नहीं होते हैं, स्थानिक संबंधों और प्रकाश-वायु प्रभावों को प्राथमिकता देते हैं, पर्यावरण जो प्रकृति की ठोस छवि बनाता है। परिप्रेक्ष्य आंख को गहराई में ले जाता है, लेकिन अक्सर सीधी रेखा में नहीं। मध्य योजना में एक बॉस्केट, पेड़ों का झुरमुट, एक मंडप है; उनके चारों ओर घुमावदार, एक गली या रास्ता दूरी की ओर जाता है, एक जादुई रोशनी से रोशन होता है, लेकिन क्षितिज आमतौर पर पेड़ों, छतों, सीढ़ियों से बंद होता है। फ्रैगनार्ड का परिदृश्य हमेशा अंतरंग होता है। विला डी'एस्ट के धूमधाम वाले बारोक पार्क में, फ्रैगनार्ड को दुर्लभ कोने मिलते हैं, धूमधाम से रहित और सख्त समरूपता। इन कोनों को दर्शकों की भीड़ से घिरे शोरगुल वाले फव्वारों से हटा दिया जाता है।

छोटे कंपन वाले स्ट्रोक पर्णसमूह पर प्रतिबिंब और सूर्य के प्रकाश की चमक को व्यक्त करते हैं। ये चमक अंधेरे वस्तुओं के चारों ओर प्रकाश का एक फैला हुआ प्रभामंडल बनाते हैं; एक कोमल चमक गहराई से प्रवाहित होती है, पेड़ों के सिल्हूट को रोशन करती है। प्रकाश के झरने फ्रैगनार्ड के चित्र भरते हैं, और यह उनके ग्राफिक्स के सबसे आश्चर्यजनक गुणों में से एक है। ग्राफिक तकनीकों की प्रकृति भी कागज की रंग अभिव्यक्ति को ही बदल देती है - पेड़ों के मुकुट सीढ़ियों के सफेद पत्थरों की तुलना में धूप में नरम चमकते हैं।

1770 के दशक तक फ्रैगनार्ड का परिदृश्य सरल और अधिक ईमानदार हो जाता है। तेजी से, सजाए गए प्रकृति का स्थान साधारण प्रकृति ("जेनोआ के पास समुद्र तट", सेपिया, 1773) द्वारा कब्जा कर लिया गया है। यह उल्लेखनीय है कि लोक जीवन के दृश्यों के साथ रोजमर्रा की शैली के संवर्धन के साथ ऐसा हुआ। फ्रैगनार्ड की शैली और परिदृश्य कला के विकास में बहुत महत्व इटली की यात्रा थी, जिसे उन्होंने 1773-1774 में लिया था। इन वर्षों के दौरान इटली में कलात्मक माहौल पहले से ही नया था। रोम के मेडिसी विला में, युवा क्लासिकिस्टों ने अध्ययन किया - विन्सेंट, सुवे, मेनाजो। लेकिन फ्रैगनार्ड इटली से क्लासिकवाद के सिद्धांत नहीं, बल्कि यथार्थवादी परिदृश्य और रोजमर्रा के दृश्य लाए।

फ्रैगनार्ड के काम में, दृष्टांतों के कई चक्र ज्ञात हैं - ला फोंटेन की दास्तां के लिए, एरियोस्टो के फ्यूरियस रोलैंड, सर्वेंटेस के डॉन क्विक्सोट के लिए। एरियोस्टो के चित्र सेपिया और पेंसिल स्केच में बने रहे। एक अभिव्यंजक स्पर्श और सुरम्य क्रियोस्कोरो, कभी-कभी लयात्मक रूप से नरम, कभी-कभी नाटकीय, ने काव्यात्मक कहानी की मुक्त और जीवंत लय को व्यक्त करना संभव बना दिया, अनपेक्षित परिवर्तन। इन रेखाचित्रों में रूबेन्स की अलंकारिक रचनाओं और वेनेटियन के ग्राफिक्स - टाईपोलो और गैस्पारो डिज़ियानी - का प्रभाव ध्यान देने योग्य है। रोकोको चित्रकारों के विपरीत, जो पुस्तक को विगनेट्स से सजाते हैं, फ्रैगनार्ड चादरों की एक श्रृंखला बनाता है जो कविता की मुख्य घटनाओं और नायकों के बारे में बताता है। यह चित्रण का एक अलग, नया तरीका है। हालांकि, वह पात्रों के गहन चरित्र चित्रण के लिए उनके जीवन से असाधारण घटनाओं की शानदार अभिव्यक्ति को पसंद करते हैं।

बाद की अवधि में, फ्रैगनार्ड का काम इस मास्टर की विशिष्ट समस्याओं की श्रेणी में रहा। उनकी गेय, अंतरंग कला, जो बड़े पैमाने पर महान संस्कृति की परंपराओं से जुड़ी हुई है, निश्चित रूप से क्रांतिकारी क्लासिकवाद में निहित वीर आदर्शों को व्यवस्थित रूप से नहीं देख सकती थी, जो 1780 के दशक में जीत गई थी। लेकिन क्रांति के वर्षों के दौरान, फ्रैगनार्ड इससे दूर नहीं रहे कलात्मक जीवन, लौवर के कला जूरी और क्यूरेटर का सदस्य बनना।

18 वीं शताब्दी के मध्य की फ्रांसीसी मूर्तिकला में। स्वामी उभरे, नए रास्तों पर चल पड़े।

जीन बैप्टिस्ट पिगले (1714-1785) अपने शिक्षक जे.-बी से केवल दस वर्ष छोटे थे। लेमोइन; लेकिन उनके काम में कई मूलभूत रूप से नए गुण हैं। उनके कार्यों में सबसे लोकप्रिय, "मर्करी", रोम में टेराकोटा में बना है, जहां पिगले ने 1736-1739 में अध्ययन किया था, अभी भी बहुत पारंपरिक है (1744 में उन्होंने संगमरमर संस्करण के लिए शिक्षाविद की उपाधि प्राप्त की)। बुध की जटिल मुद्रा, अपने पंखों वाले सैंडल को समायोजित करते हुए, सुशोभित है, उसमें कुछ चालाक और वीरता है, विषय की अंतरंगता के अनुसार सामग्री का प्रसंस्करण उत्तम है। उसके पास "वीनस" (संगमरमर, 1748; बर्लिन) है - सदी के मध्य की सजावटी मूर्तिकला का एक उदाहरण; वह एक बादल पर बैठी हुई है, एक अस्थिर स्थिति में उसे आनंद की अनुभूति होती है, ऐसा लगता है कि आकृति अपने समर्थन से फिसलने वाली है। मधुर रेखाओं की कोमलता, अनुपातों का परिष्कार, संगमरमर का नाजुक प्रसंस्करण, मानो धुंध में डूबा हुआ हो - यह सब प्रारंभिक पिगले के परिष्कृत आदर्श की विशेषता है। लेकिन यहां पहले से ही रोकोको के घनिष्ठ नोट्स रूपों की अद्भुत प्राकृतिकता के साथ संयुक्त हैं। महिला शरीर. पिगले को बाद में "निर्दयी" कहा जाएगा। और वास्तव में - डैनकोर्ट (1771; नोट्रे डेम कैथेड्रल) और सक्सोनी के मौरिस (1753-1776) की कब्रों में न केवल रूपक की बयानबाजी है, बल्कि कई उद्देश्यों की परम स्वाभाविकता भी है। Marquise Pompadour के कई चित्रकारों में से किसी ने भी इतनी सटीकता (न्यूयॉर्क, निजी संग्रह) के साथ उसकी वास्तविक उपस्थिति को व्यक्त नहीं किया। लटौर के साथ भी, वह बहुत सुंदर थी। लेकिन विशेष रूप से प्रकृति में यह रुचि वोल्टेयर की संगमरमर की मूर्ति (1776; पेरिस, फ्रांसीसी संस्थान की लाइब्रेरी) में प्रकट हुई थी। 1770 में वापस, वोल्टेयर ने एक पत्र में अपनी धँसी हुई आँखों और चर्मपत्र गालों के बारे में लिखा। पिगले ने यहां "वीर नग्नता" के क्लासिक सूत्र का पालन किया, लेकिन साथ ही साथ बुढ़ापे के इन सभी संकेतों को छवि में स्थानांतरित कर दिया। और फिर भी उनकी कला में प्रकृति का सटीक संचरण हमेशा एक उच्च सामान्यीकरण तक नहीं बढ़ा, और आमतौर पर यह अलंकारिक उपकरणों के साथ था।

एटिने मौरिस फाल्कोन (1716-1791) की उम्र लगभग पिगले जितनी ही थी। द ब्रॉन्ज हॉर्समैन के निर्माता 18वीं शताब्दी में मूर्तिकला के महानतम उस्तादों में से एक थे। एक बढ़ई के बेटे, फालकोन, अठारह वर्ष की आयु में, लेमोइन के लिए प्रशिक्षु थे। पिगले की तरह, वह बाउचर के लगभग अविभाजित प्रभाव के वर्षों में शुरू हुआ, पोम्पडौर युग के ट्रेंडसेटर। लेकिन "सुखद की कला" के बारे में पिगले की तुलना में फाल्कोन अधिक साहसी था, उसके क्षितिज व्यापक थे, और अतीत की स्मारकीय कला की विरासत ने उसे भविष्य के कार्यों के लिए तैयार किया। फाल्कोन ने पुगेट के काम की सराहना करते हुए कहा कि उनकी मूर्तियों की नसों में "जीवित रक्त बहता है"; पुरातनता के गहन अध्ययन के परिणामस्वरूप बाद में मार्कस ऑरेलियस की मूर्ति पर टिप्पणियों का ग्रंथ निकला। इसने पहले में बहुत कुछ निर्धारित किया महत्वपूर्ण कार्यफाल्कोन - "मिलो ऑफ क्रोटन, एक शेर द्वारा सताया गया" (जिप्सम मॉडल, 1745) - कथानक की नाटकीय प्रकृति, रचना की गतिशीलता, शरीर की प्लास्टिसिटी की अभिव्यक्ति। 1755 के सैलून में, संगमरमर "मिलन" का प्रदर्शन किया गया। लेकिन पहले अनुभव के बाद, फाल्कोन का रचनात्मक मार्ग इन समय के कलाकारों के लिए आम हो गया। उन्हें Marquise Pompadour और Bellevue, Crecy की महान हवेली के लिए अलौकिक रचनाओं और सजावटी मूर्तियों का प्रदर्शन करना था। ये फ्लोरा (1750), थ्रेटिंग क्यूपिड और बाथेर (1757) हैं। वे रोकोको की अंतरंगता, इस शैली के अनुपात की विशेषता के सुंदर लालित्य, लचीले रूपों की कोमलता, पापी आकृति की सनकी लय और फिसलने की गति में आसानी से हावी हैं। लेकिन फाल्कोन ने रोकोको के विषय को सूक्ष्म कविता से संपन्न कुछ में बदल दिया।

1757 के बाद से, फाल्कोन सेव्रेस चीनी मिट्टी के कारख़ाना के कलात्मक निदेशक बन गए। वह, जिसने दस साल तक स्मारकीय रचनाओं की ओर रुख किया, उसे सेव्रेस बिस्किट - "अपोलो और डाफ्ने", "हेबे", आदि के लिए मॉडल बनाना पड़ा। फ्रांसीसी चीनी मिट्टी के बरतन के विकास के लिए, उनकी गतिविधि का बहुत महत्व था; लेकिन स्वयं मूर्तिकार के लिए यह एक कठिन समय था। 1750 के दशक के अंत तक - 1760 के दशक की शुरुआत में, फाल्कोन के कार्यों में पुरातनता के रुझानों को उस सूक्ष्म अपवर्तन में महसूस किया गया था जो युग की विशेषता थी। इस अवधि के कार्यों में, विचार की अधिक सामग्री की खोज, प्लास्टिक भाषा की कठोरता और संयम ध्यान देने योग्य है। इस तरह के बड़े समूह "पिग्मेलियन और गैलाटिया" (1763), "टेंडर सैडनेस" (1763; हर्मिटेज) हैं। एक सुखद क्षण की चट्टानी मायावीता को घटना के महत्व, विचार की गंभीरता की भावना से बदल दिया जाता है। कलात्मक संस्कृति में नए रुझानों और फाल्कोन के प्रगतिशील विचारों के कारण इन परिवर्तनों ने रूसी काल की उनकी कला के फूल तैयार किए।

ऑगस्टिन पजौ (1730-1809) सजावटी स्मारक मूर्तिकला के एक मास्टर थे - उन्होंने पेरिस में वर्साय थिएटर और चर्च, पैलेस रॉयल, लेस इनवैलिड्स, पैलेस ऑफ जस्टिस को मूर्तियों से सजाया। उनके द्वारा बनाए गए कई आवक्ष जे.-बी. के काम की याद दिलाते हैं। लेमोइन एक सुंदर चित्रांकन की शानदारता से, जिसमें बाहरी संदेश देने की सूक्ष्मता है, लेकिन कोई गहरा मनोविज्ञान नहीं है।

मिशेल क्लाउड, उपनाम क्लोडियन (1738-1814), पेज के करीब है। लेकिन वह अपने अंतरंग शैली के दृश्यों के लिए फ्रैगनार्ड के और भी करीब है। एडम और पिगले के एक छात्र, 1759 में क्लोडियन को रोम का अकादमिक पुरस्कार मिला। वह लंबे समय तक इटली में रहे - 1762 से 1771 तक, वहां भी उन्होंने प्रसिद्धि प्राप्त की और एक मास्टर के रूप में पेरिस लौट आए, जो कलेक्टरों के बीच लोकप्रिय थे। बृहस्पति प्रतिमा के लिए अकादमी में भर्ती होने के बाद, उन्होंने "ऐतिहासिक शैली" में काम करना लगभग बंद कर दिया और कभी भी शिक्षाविद की उपाधि प्राप्त नहीं की। उनकी छोटी मूर्तियां, सजावटी आधार-राहतें और फूलदान, कैंडलस्टिक्स और कैंडेलबरा महान हवेली के लिए बनाए गए थे। प्राचीन कला के प्रभाव में, क्लोडियन की शैली ने इटालियन वर्षों के आरंभ में ही आकार लेना शुरू कर दिया था, जो इसके अपेक्षाकृत बाद के रूप थे जो हरकुलेनियम की खुदाई के दौरान ज्ञात हुए। क्लोडियन की कला में प्राचीन दृश्यों ने एक सूक्ष्म रूप से कामुक चरित्र का अधिग्रहण किया - उनके तांडव, अप्सराएं और जीव, व्यंग्य और कामदेव रोकेले दृश्यों के करीब हैं, न कि प्राचीन प्रोटोटाइप के लिए।

वे प्रारंभिक चरण के रोकोको से कथानक रूपांकनों की अधिक सुरुचिपूर्ण प्रकृति और फ्रांसीसी कलात्मक संस्कृति में क्लासिकवाद के गठन की अवधि की संयमित रचनागत लय द्वारा प्रतिष्ठित हैं। क्लोडियन के काम में सूक्ष्म गीतकारिता और कोमल सुरम्यता मुख्य है, जो अनुग्रह और जीवन शक्ति का एक विशेष मिश्र धातु है। इस तरह के टेराकोटा "निम्फ" (मॉस्को, पुश्किन म्यूजियम ऑफ फाइन आर्ट्स) और पोर्सिलेन बेस-रिलीफ "निम्फ्स सेटिंग अप द हर्मे ऑफ पैन" हैं, जो 1788 के उनके मॉडल के अनुसार सेवर्स कारख़ाना (हर्मिटेज) में बनाए गए थे।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के यथार्थवादी चित्र मूर्तिकला के सबसे बड़े स्वामी। जीन एंटोनी हॉडॉन (1741-1828) थे। यह एक नई पीढ़ी के मूर्तिकार थे, जो सीधे तौर पर क्रांतिकारी युग से जुड़े थे। उन्होंने जिस दिशा को चुना, उसने रोकोको कला की वैचारिक नींव और परिष्कृत रूपों को खारिज कर दिया। मूर्तिकार के पास एक स्पष्ट, शांत दिमाग और यथार्थवादी सोच थी, जिसने पुराने मानवयुक्त स्कूल के सम्मेलनों के साथ-साथ नए क्लासिकवाद के अलंकारिक चरम पर काबू पाने में योगदान दिया। हौडॉन के लिए, किसी भी प्रकार के मॉडल पर प्रकृति के लिए एक निर्णायक वरीयता एक सामान्य नहीं है, लेकिन वास्तव में उनके काम का मार्गदर्शक सिद्धांत है।

अपनी युवावस्था में, उनका नेतृत्व पिगले और स्लोड्ज़ ने किया, जिन्होंने हौडॉन को उनके महान व्यावहारिक ज्ञान का संचार किया। सोलोमन और क्वीन सेवकाई की राहत के लिए प्रिक्स डी रोम प्राप्त करने के बाद, हौडॉन ने रोम में चार साल (1764-1768) तक अध्ययन किया। रोम में फ्रेंच अकादमी के एक छात्र के रूप में, हौडॉन ने प्राचीन मूर्तियों के साथ-साथ 17वीं शताब्दी के लोकप्रिय मूर्तिकारों के काम का अध्ययन किया। पगेट और बर्नीनी। लेकिन हौडॉन की पहली स्वतंत्र रचनाएं पुरातनता या बारोक जैसी नहीं दिखती थीं। अधिकारियों ने उसे सम्मोहित नहीं किया। लेकिन लंबे समय तक और कड़ी मेहनत से उन्होंने शरीर रचना विज्ञान का अध्ययन किया, जो कि रोमन एनाटोमिकल थिएटर में व्यवस्थित रूप से काम कर रहा था। इसका परिणाम 1767 में हौडॉन द्वारा बनाया गया प्रसिद्ध "इकोर्चे" था - खुली मांसपेशियों के साथ त्वचा के बिना एक पुरुष आकृति की छवि। छब्बीस वर्षीय छात्र द्वारा बनाई गई इस छवि से, मूर्तिकारों की कई पीढ़ियों ने बाद में अध्ययन किया। तकनीकी ज्ञान की संपूर्णता और प्रकृति के नियमों पर ध्यान हौडन की भविष्य की गतिविधियों के लिए सबसे महत्वपूर्ण आधार है, जिसे रोमन वर्षों में मजबूत किया गया था।

इस अवधि के दौरान उन्होंने रोम में साइट मारिया डिगली एंगेली के चर्च के लिए दो संगमरमर की मूर्तियाँ बनाईं। उनका बड़ा आकार माइकलएंजेलो इंटीरियर की भव्यता से मेल खाता था। इनमें से केवल एक प्रतिमा बची है - सेंट। ब्रूनो। बहुत तथ्य यह है कि हौडॉन ने स्मारकीय मूर्तिकला की ओर रुख किया, जो फ्रांसीसी प्लास्टिक के पारंपरिक कक्ष रूपों को दूर करने की उनकी इच्छा के दृढ़ संकल्प की गवाही देता है। इन मूर्तियों को बनाकर, हौडॉन छवि के आंतरिक महत्व, आसन और आंदोलन के सख्त संयम को प्राप्त करना चाहता था। यह ध्यान देने योग्य है कि उन्होंने बारोक प्रभाव से परहेज किया। फिर भी, हौडॉन की कला में महत्वपूर्ण प्रवृत्तियों को इंगित करने वाली सांता मारिया डेगली एंगेली की मूर्तियाँ स्वयं बहुत नीरस और शुष्क हैं; उनमें एक गुरु के परिपक्व कार्य को देखना अतिशयोक्ति होगी। बोर्गीस गैलरी के प्लास्टर मॉडल से ज्ञात जॉन द बैपटिस्ट की आकृति में, रचना की कृत्रिमता और प्लास्टिक के रूप की सुस्ती को महसूस किया जा सकता है।

1768 के अंत में मूर्तिकार पेरिस लौट आया। उन्हें अकादमी में नियुक्त किया गया था, सैलून में रोमन कार्यों और चित्रों की एक श्रृंखला दिखाई गई थी। एक भित्ति चित्रकार के रूप में कुछ कौशल के साथ इटली से लौटकर, हौडन ने इस रास्ते का अनुसरण नहीं किया। एक ओर, उन्हें लगभग आधिकारिक आदेश नहीं मिले, कला का नेतृत्व करने वाले शाही अधिकारियों में कोई संरक्षक नहीं था। उन्हें फ्रांस के बाहर के आदेशों की तलाश करनी थी - उन्होंने विशेष रूप से 1770 के दशक में कैथरीन द्वितीय, कोबर्ग-गोथा के जर्मन ड्यूक और रूसी रईसों के लिए काम किया। कई स्मारकीय रचनाएँ हम तक नहीं पहुँची हैं - पैंथियन के पांडित्य की राहत से लेकर नेपोलियन की विशाल कांस्य प्रतिमा तक; इस अर्थ में, हौडॉन विशेष रूप से बदकिस्मत था। लेकिन, दूसरी ओर, हौडॉन के काम की प्रकृति चित्र के प्रति उनके निरंतर आकर्षण का कायल है। यह सर्वाधिक है मजबूत शैलीउनके काम के बारे में, और यह कुछ भी नहीं है कि यह हॉडॉन की कला में है कि चित्र एक स्मारकीय, समस्याग्रस्त शैली बन जाता है।

1777 में हौडन ने शिक्षाविद की उपाधि प्राप्त की। डायना (गोथा) का प्लास्टर मॉडल एक साल पहले का था। उसके रूप का बहुत प्रभाव पड़ा। हौडन पुरातनता से प्रेरित था। हल्के ढंग से लिपटी हुई अप्सराओं और रोकोको बैचेन्स के विपरीत, उन्होंने डायना को नग्न प्रस्तुत किया, जिससे उनकी नग्नता को एक विशेष गंभीरता, यहां तक ​​​​कि शीतलता भी मिली। क्लासिकिज़्म की प्रवृत्ति, जो 1770 के दशक में विकसित हुई, सिल्हूट की स्पष्टता और प्रपत्र की स्पष्ट स्पष्टता दोनों में दिखाई देती है। 18 वीं शताब्दी के अन्य उस्तादों के कार्यों की पृष्ठभूमि के खिलाफ। डायना बड़ी बौद्धिक कृति जान पड़ती है; और साथ ही, एक अच्छी तरह से तैयार धर्मनिरपेक्ष महिला की उपस्थिति, डायना के लिए अजीब, मुद्रा की सुरुचिपूर्ण कृपा शताब्दी की अभिजात संस्कृति की भावना से प्रेरित है।

हौडन के यथार्थवादी चित्र का उत्कर्ष 1770-1780 के दशक में आता है, क्रांति की पूर्व संध्या पर। इस अवधि के सैलून में उनके काम नियमित रूप से दिखाई देते थे; उदाहरण के लिए, 1777 की प्रदर्शनी में हौडन द्वारा लगभग बीस आवक्ष मूर्तियाँ प्रदर्शित की गई थीं। उनके काम के डेढ़ सौ से अधिक चित्र हैं। उनके पैटर्न विविध हैं। लेकिन उस समय के उन्नत लोगों, विचारकों, सेनानियों, इच्छाशक्ति और ऊर्जा के लोगों को चित्रित करने में हौडॉन की रुचि विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है। इसने उनके चित्र कार्य को एक महान सामाजिक महत्व दिया।

इस अवधि के दौरान हौडन की कला रूप की किसी भी विशेषता, इसकी नवीनता से प्रभावित नहीं होती है। नवीनता छिपी हुई है क्योंकि इसमें सभी प्रकार की विशेषताओं, अलंकारिक रूपांकनों, आभूषणों और ड्रैपरियों के उन्मूलन में अधिकतम सादगी शामिल है। लेकिन यह बहुत कुछ है। इसने हौडॉन को चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की आंतरिक दुनिया पर ध्यान केंद्रित करने की अनुमति दी। उसका रचनात्मक तरीकालटौर विधि के करीब।

हौडन 18वीं शताब्दी की फ्रांसीसी कला की सर्वश्रेष्ठ यथार्थवादी परंपराओं का उत्तराधिकारी है - इसकी विश्लेषणात्मकता और सूक्ष्म मनोविज्ञान। हॉडॉन ने जिसे भी चित्रित किया, उसके चित्र सदी की आध्यात्मिक सर्वोत्कृष्टता बन गए, जो हर चीज पर सवाल और विश्लेषण करती है।

आंतरिक जीवन की तीव्रता Marquise de Sabran (टेराकोटा, सी। 1785; बर्लिन) के चित्र की विशेषता है। दाहिने कंधे तक जाने वाले कपड़ों की हल्की तह, कर्लिंग कर्ल, गर्दन का एक गतिशील मोड़ सिर के थोड़े तेज मोड़ की अभिव्यक्ति को व्यक्त करता है। इसे जल्दी से प्रतिक्रिया करने की क्षमता, एक ऊर्जावान और मोबाइल चरित्र की विशेषता के रूप में माना जाता है। प्रकृति की जीवंतता एक मुक्त केश विन्यास के सुरम्य "स्ट्रोक" में एक रिबन द्वारा इंटरसेप्ट की गई है, और चेहरे और कपड़ों पर हल्के प्रतिबिंबों के खेल में प्रकट होती है। उच्च चीकबोन्स चौड़ा चेहरा बदसूरत है; एक तेज, मजाकिया दिमाग एक कास्टिक मुस्कान और एक स्थिर नज़र में चमकता है; Marquise de Sabran की बौद्धिकता में उनके समय की बहुत विशेषता है।

हॉडॉन के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक - शायद पूर्व-क्रांतिकारी वर्षों के उनके रचनात्मक फूल का शिखर - वोल्टेयर की प्रतिमा (लेनिनग्राद, हर्मिटेज; एक अन्य विकल्प पेरिस में फ्रेंच कॉमेडी थियेटर का फ़ोयर है)। हॉडॉन ने इस चित्र पर 1778 में काम करना शुरू किया, "फर्नी के पितामह" की मृत्यु से कुछ समय पहले, जो जीत के साथ पेरिस लौटे थे। यह ज्ञात है कि हाउडन द्वारा मुद्रा और आंदोलन को तुरंत नहीं पाया गया था - सत्र के दौरान, जल्दी से थके हुए चौरासी वर्षीय व्यक्ति में विजयी भव्यता को देखना मुश्किल था, जिसे समकालीनों ने मूर्तिकार से उम्मीद की थी। हौडॉन की कल्पना, जो उनकी प्रतिभा का एक मजबूत बिंदु नहीं थी, को संयोग से मदद मिली - टिप्पणियों का एक जीवंत आदान-प्रदान जिसने यादों को पुनर्जीवित किया, वोल्टेयर के दिमाग को फिर से प्रज्वलित किया। इसलिए, दार्शनिक की मुद्रा इतनी अभिव्यंजक है। वह काल्पनिक वार्ताकार की ओर मुड़ा, उसका दाहिना हाथ इस तेज गति में मदद कर रहा था - बोनी लंबी उंगलियां कुर्सी के हाथ से चिपकी हुई थीं। मोड़ का तनाव दोनों पैरों की स्थिति में महसूस किया जाता है, और धड़ के प्रयास में, और यहां तक ​​​​कि कुर्सी के आकार में भी - खांचे नीचे की ओर लंबवत होते हैं, ऊपर से वे एक सर्पिल में मुड़ने लगते हैं, हाथ की गति को प्रसारित करना। वोल्टेयर के झुर्रीदार चेहरे में ध्यान और केंद्रित विचार दोनों हैं - भौहें नाक के पुल पर स्थानांतरित हो जाती हैं। लेकिन उनके बारे में सबसे उल्लेखनीय बात वोल्टेयर की प्रकृति की व्यंग्यात्मक मुस्कराहट है, जो मन की छिपी हुई ऊर्जा की अभिव्यक्ति है, जो वैचारिक दुश्मन को शानदार नीतिज्ञ की विडंबना की घातक आग से हराने के लिए तैयार है। हॉडॉन के काम में वोल्टेयर की छवि तत्कालीन फैशनेबल "एपोथोसिस" से बहुत दूर है। इसकी ताकत इस तथ्य में निहित है कि यह प्रबुद्धता की सबसे महत्वपूर्ण विशेषताओं को प्रकट करता है, जो इसके सबसे महान प्रतिनिधियों में से एक के चरित्र में व्यक्त किया गया है, साहसिक क्रांतिकारी विचारों का युग, पूर्वाग्रहों की निर्दयी आलोचना।

हौडन द्वारा बनाई गई वोल्टेयर की मूर्ति को एक ऐतिहासिक चित्र कहा जा सकता है - इसमें एक संपूर्ण युग समाहित है। इसके लिए हौडन ने बयानबाजी और रूपक के पारंपरिक मार्ग का पालन नहीं किया। यहां तक ​​\u200b\u200bकि प्राचीन टोगा, क्लासिकवाद की एक स्पष्ट तकनीक, एक प्राचीन दार्शनिक की विशेषता के रूप में नहीं, बल्कि साधारण ढीले कपड़ों के रूप में माना जाता है, जो सफलतापूर्वक सेनील पतलेपन को छुपाता है और स्मारकीय प्रतिमा को रूप का आवश्यक सामान्यीकरण देता है।

हौडॉन ने मूर्तिकार के महान अवसर के बारे में लिखा "उन लोगों की छवियों को पकड़ने के लिए जिन्होंने अपनी जन्मभूमि की महिमा या खुशी बनाई"; यह पूरी तरह से उस पोर्ट्रेट गैलरी पर लागू होता है जिसे उन्होंने प्रबुद्धजनों वोल्टेयर और रूसो, डिडरॉट और डी'अलेम्बर्ट और 18 वीं शताब्दी के कई प्रमुख वैज्ञानिकों और राजनेताओं से बनाया था।

संगीत में एक महान क्रांतिकारी, संगीतकार ग्लक (1775; वीमर) का चित्र बस्ट उल्लेखनीय है, जिसका काम वीर पथ और नाटक से संतृप्त है, जो क्रांति की पूर्व संध्या की विशेषता है। संगीतकार की मुद्रा में, उसके कपड़ों की चौड़ी, ढीली तह में, एक विशेष गुंजाइश और आध्यात्मिक शक्ति का उदय महसूस होता है। सिर की बारी दृढ़ है, इसमें साहस और ऊर्जा का अनुमान लगाया गया है; बालों की बड़ी-बड़ी लटें उलझी हुई हैं। उच्च माथे को इस तरह खींचा जाता है मानो विचार के तनाव से; दर्शक पर टकटकी लगा दी जाती है, उसका जुनून एक दुखद अंतर्दृष्टि, मन की एक उत्साही स्थिति व्यक्त करता है। ग्लुक को असाधारण संगीत सुनने के रूप में चित्रित किया गया है, लेकिन जो इच्छाशक्ति और साहस उसे प्रेरित करता है वह चित्र की आलंकारिक ध्वनि का विस्तार करता है, आपको उस समय के महान विचारों की सांस का एहसास कराता है। चेहरे के बदलते जीवन की स्वाभाविकता के बावजूद, संगीतकार की छवि को एक विशेष उदात्त क्षेत्र - रचनात्मक प्रेरणा के क्षेत्र में ऊंचा किया गया है।

और ग्लुक का चित्र और हौडन के अन्य कार्य लोकतांत्रिक हैं। हँसती हुई पत्नी के जीवंत और आकर्षक चित्र में कुछ सशक्त रूप से प्लेबीयन है (जिप्सम, सी। 1787; लौवर)। उनके मॉडल रैंक या स्थिति में श्रेष्ठ होने का दावा नहीं करते हैं। उनका उत्कर्ष उनकी गतिविधियों के सामाजिक महत्व में निहित है, और यह हौडन की रचनात्मक अवधारणा की मुख्य विशेषताओं में से एक है, जो चित्र में अपने नायक की "सामाजिक क्रिया" को व्यक्त करता है। इसलिए, उदाहरण के लिए, मिराब्यू (1790 के दशक; वर्साय) के चित्र में एक अनुभवी संचालक की विशेषताएं इतनी सूक्ष्मता से पकड़ी गई हैं।

एक मॉडल की मदद से वास्तविक चेहरे के आकार को बहुत सटीक रूप से पुन: पेश करते हुए, हौडॉन ने चतुराई से चरित्र के सार पर कब्जा कर लिया। मास्टर के चित्र यथार्थवाद के सबसे मजबूत पहलुओं में से एक चित्र में नज़र की अभिव्यक्ति है। पुतली में, उसने संगमरमर का एक टुकड़ा छोड़ दिया, चमक रहा था और एक विशेष अभिव्यक्ति दे रहा था। रोडिन ने हॉडॉन के बारे में कहा: "उसके लिए लुक आधे से ज्यादा एक्सप्रेशन है। उसकी आंखों में, उसने आत्मा को उजागर किया।

फ़्रांस में क्रांतिकारी उत्थान के साथ जुड़े, क्रांति के बाद हौडन की यथार्थवादी कला अपना पूर्व महत्व खो देती है। शाही परिवार के सदस्यों के क्लासिक चित्र, अलेक्जेंडर I (1814) की प्रतिमा ठंडी और सारगर्भित है, साम्राज्य की औपचारिकता हौडॉन की पद्धति के प्रति शत्रुतापूर्ण थी। 1803 में, उन्होंने स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में पढ़ाना शुरू किया और 1814 से उन्होंने पूरी तरह से मूर्तिकला छोड़ दी।

हॉडॉन, रॉबर्ट और 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के कई अन्य आचार्यों के काम की सबसे महत्वपूर्ण विशेषताएं। फ्रांसीसी कलात्मक संस्कृति में क्लासिकवाद के विकास के कारण। सदी के मध्य में इस नई शैली के गठन की संभावनाएं पहले से ही ध्यान देने योग्य थीं। नई पुरातात्विक खोजों के बाद पुरातनता में रुचि और अधिक जीवंत हो गई, यह हरकुलेनियम की खुदाई से प्रेरित हुई, जिसे कई कलाकारों ने देखा था। लेकिन यह इस तथ्य की व्याख्या नहीं कर सकता है कि सदी के अंतिम चौथाई तक नया क्लासिकवाद प्रमुख प्रवृत्ति बन गया है। कला में उनकी अग्रणी भूमिका आवश्यक हो गई, जब जी वी प्लेखानोव के शब्दों में, "पुराने आदेश के विरोधियों को वीरता की आवश्यकता महसूस हुई" ( जीवी प्लेखानोव, निर्वाचित दार्शनिक कार्य, खंड वी, एम, 1958।). सपनों की भावना में पारिवारिक सद्गुणों के उपदेश को नागरिक सद्गुणों की पुष्टि, वीर कर्मों के आह्वान से बदल दिया गया। यह ठीक इसके लिए था कि पुरातनता की आवश्यकता थी, जिसमें वे वीरता, गणतंत्रात्मक आदर्शों के एक मॉडल की तलाश कर रहे थे, क्योंकि, जैसा कि के। मार्क्स ने कहा, "कोई फर्क नहीं पड़ता कि वीर बुर्जुआ समाज, वीरता, आत्म-बलिदान, आतंक, नागरिक इसके जन्म के लिए युद्ध और लोगों की लड़ाइयों की आवश्यकता थी » ( के। मार्क्स iF। एंगेल्स, सोच।, खंड 8, पृष्ठ 120।).

क्लासिकिज़्म की पहली अभिव्यक्तियाँ अभी तक पूर्व-क्रांतिकारी वर्षों के ऊर्जावान कलात्मक आंदोलन के समान नहीं हैं। 1760-1770 के दशक के अंतरंग वास्तुशिल्प सजावट के भीतर प्राचीन रूपांकनों, तकनीकों, भूखंडों का विकास हुआ। इस प्रवृत्ति की पेंटिंग डेविड के शिक्षक (1763; फॉनटेनब्लियू) वियेन (1716-1809) द्वारा "कामदेव के विक्रेता" की विशेषता है। चित्र पुरातनता से प्रेरित है, लेकिन इसका कथानक मनोरंजक है, और पात्रों की "सुखद कृपा" वास्तव में बहुत पारंपरिक है।

विशेष रूप से 1760 के दशक के मध्य से सजावटी और अनुप्रयुक्त कलाओं में भी नए रुझान दिखाई दिए। इंटीरियर विवर्तनिकता, विभाजनों की स्पष्टता प्राप्त करता है, एक निरंतर सजावटी पैटर्न को दीवार की शांत सतह से बदल दिया जाता है, संयमित ग्राफिक रूपांकनों के साथ सजाया जाता है, साथ ही ह्यूबर्ट रॉबर्ट द्वारा सजावटी परिदृश्य जैसी चित्रफलक रचनाएं भी। फ़र्नीचर निर्माता - रिज़नर से लेकर जैकब तक - प्राचीन रूपों का उपयोग करते थे, उन्हें पुरातात्विक प्रकाशनों से अलग करते थे। फर्नीचर रचनात्मक हो जाता है, यह फर्श पर मजबूती से खड़ा होता है; सनकी रूपरेखाओं के बजाय, अब यह सख्त सीधी रेखाओं की विशेषता है। चिकनी सतह को उभरे हुए पदकों से सजाया गया है, आभूषण में प्राचीन रूपांकन प्रमुख हैं। इस अवधि के सर्वश्रेष्ठ आंतरिक सज्जा में जे.-ए. गेब्रियल (उदाहरण के लिए, लुई सोलहवें का पुस्तकालय, 1774)।

इस समय तक निरंकुशता की कलात्मक नीति बदल रही थी। कला अकादमी और रॉयल बिल्डिंग निदेशालय - आधिकारिक संस्थान - कला को विनियमित करने का प्रयास करते हैं। रोकोको देहाती अब शाही अधिकारियों को संतुष्ट नहीं करते हैं, "राजसी शैली" को पुनर्जीवित करने की आवश्यकता है जो निरंकुश निरपेक्षता का समर्थन कर सकती है। ऐतिहासिक शैली के स्वामी रोकोको के "वीर पौराणिक कथाओं" के पारंपरिक रूपों को छोड़ रहे हैं। गेब्रियल फ़्राँस्वा डॉयेन (1726-1806), लुई लैग्रेन द एल्डर (1725-1808) और अन्य बड़े भारी और भव्य चित्रों को "राजसी" विषयों में जोड़ते हैं। चित्रांकन (एलिजाबेथ विगी-लेब्रन) में आदर्शवादी प्रवृत्तियाँ तेज होती हैं। शिक्षाविदों की ऐतिहासिक पेंटिंग अच्छे राजाओं के "नागरिक गुणों" का महिमामंडन करने लगती है। 1780 में, चित्रकार सुवेट ने एक भव्य नाम के साथ एक पेंटिंग के लिए शिक्षाविद की उपाधि प्राप्त की: "श्री डी'अंगविलियर की देखभाल द्वारा लुई XVI के शासनकाल में कला को दी गई स्वतंत्रता"।

1774 में रॉयल बिल्डिंग्स के निदेशालय के प्रमुख बनने वाले कॉम्टे डी'एंगिविलियर ने कला में सर्वश्रेष्ठ का पीछा किया। अपने पूर्ववर्ती के दिनों में, कोचीन अकादमी के सचिव, मारकिस ऑफ मारगैन ने चित्रकारों के लिए चापलूसी वाले वफादार भूखंडों का आविष्कार किया : "अगस्त, जानूस के मंदिर के दरवाजे बंद करना", "टाइटस कैदियों को मुक्त करता है", "मार्कस ऑरेलियस लोगों को भूख और प्लेग से बचाता है।" डी "एंगिविलियर अधिक निर्णायक रूप से कार्य करता है। प्राचीन कहानियाँ खतरनाक होती हैं - वे बहुत अत्याचारी लगती हैं। और शाही अधिकारी ऐतिहासिक चित्रकला में राष्ट्रीय विषय को प्रोत्साहित करते हैं, इसे एक प्रतिक्रियावादी, राजशाही चरित्र देते हैं। कलात्मक जीवन का नियमन अकादमी को छोड़कर, कला के सभी संस्थानों के जबरन उन्मूलन की ओर ले जाता है। 1776 में, सेंट ल्यूक की अकादमी को "मिस्टर डी" अंझिविये द्वारा समाप्त कर दिया गया था, उत्पीड़न के बाद, कॉलिस और पत्राचार सैलून बंद कर दिए गए थे, यह सब "नैतिक शुद्धिकरण" की आवश्यकता के झूठे बहाने के तहत किया गया था। शाही भवनों के निदेशक इस युग के सबसे बड़े प्रगतिशील कलाकारों - मूर्तिकार हौडन और चित्रकार डेविड के प्रति मित्रवत थे।

इन परिस्थितियों में, बढ़ी हुई प्रतिक्रिया के वर्षों के दौरान, लोकप्रिय विद्रोह, सामाजिक विरोधाभासों का बढ़ना और क्रांति की ओर फ्रांसीसी समाज का तेजी से आंदोलन, क्रांतिकारी क्लासिकवाद की प्रगतिशील कला ने आकार लिया, जिसकी अध्यक्षता जैक्स लुई डेविड ने की।

पूर्व-क्रांतिकारी दशकों में डेविड का काम, अगले खंड में माना जाता है, क्लासिकवाद के सभी-फ्रांसीसी कलात्मक आंदोलन का एक अभिन्न अंग था: 1780 के दशक में डेविड द्वारा बनाई गई वीर छवियों को एक फ्रांसीसी में एक नागरिक को जगाना था; उनके गंभीर जुनून ने दिलों को जला दिया। कोई आश्चर्य नहीं कि 1790 में जैकोबिन्स में से एक ने डेविड को एक कलाकार कहा, "जिसकी प्रतिभा ने क्रांति को करीब ला दिया।" 18वीं शताब्दी की फ्रेंच पेंटिंग की प्रगतिशील प्रवृत्तियों से डेविड का शास्त्रीयवाद विकसित हुआ; उसी समय, उन्होंने रोकोको की अभिजात संस्कृति की परंपराओं का खंडन किया, जो 19 वीं शताब्दी की कला में नई समस्याओं के विकास की शुरुआत बन गया।

अठारहवीं शताब्दी रूस के इतिहास में एक महत्वपूर्ण मोड़ था। इस अवधि की आध्यात्मिक आवश्यकताओं को पूरा करने वाली संस्कृति ने जल्दी से एक धर्मनिरपेक्ष चरित्र प्राप्त करना शुरू कर दिया, जिसे कला और विज्ञान के अभिसरण से बहुत मदद मिली। इसलिए, आज उन दिनों के भौगोलिक "भूमि मानचित्र" और उभरते उत्कीर्णन (ए.एफ. जुबोव के कार्यों के अपवाद के साथ) के बीच एक कलात्मक अंतर खोजना बहुत मुश्किल है। सदी के पूर्वार्द्ध के अधिकांश उत्कीर्णन तकनीकी रेखाचित्रों की तरह दिखते हैं। कला और विज्ञान के बीच तालमेल ने कलाकारों में ज्ञान के प्रति रुचि जगाई।

चित्रकला में, नई, यथार्थवादी कला की शैलियों को रेखांकित और परिभाषित किया गया था। उनमें से प्रमुख भूमिका चित्र शैली द्वारा अधिग्रहित की गई थी। धार्मिक कला में मनुष्य के विचार को नीचा दिखाया गया और ईश्वर के विचार को ऊंचा किया गया, इसलिए धर्मनिरपेक्ष कला को मनुष्य की छवि से शुरू करना पड़ा।

रचनात्मकता आई एम निकितिन

रूस में राष्ट्रीय चित्र शैली के संस्थापक इवान मक्सिमोविच निकितिन (1690 के आसपास पैदा हुए - डी। 1741) थे। हम इस कलाकार की जीवनी को अच्छी तरह से नहीं जानते हैं, लेकिन दुर्लभ जानकारी से भी पता चलता है कि यह असामान्य थी। एक पुजारी के बेटे, उन्होंने मूल रूप से पितृसत्तात्मक गाना बजानेवालों में गाया था, लेकिन बाद में एंटिलर्नया स्कूल (भविष्य की आर्टिलरी अकादमी) में गणित के शिक्षक बन गए। पीटर I ललित कला के लिए अपने शुरुआती जुनून से अवगत हो गया, और निकितिन को छात्रवृत्ति धारक के रूप में इटली भेजा गया, जहां उन्हें वेनिस और फ्लोरेंस की अकादमियों में अध्ययन करने का अवसर मिला। विदेश से लौटकर और रूसी यथार्थवादी स्कूल का नेतृत्व करते हुए, चित्रकार जीवन भर पीटर द ग्रेट के समय के आदर्शों के प्रति वफादार रहे। अन्ना इयोनोव्ना के शासनकाल के दौरान, वह विपक्षी हलकों में शामिल हो गए और साइबेरियाई निर्वासन की कीमत चुकाई, जिससे लौटकर (एलिजाबेथ पेत्रोव्ना के प्रवेश के दौरान) उनकी सड़क पर मृत्यु हो गई।

निकितिन की प्रतिभा उनके शुरुआती कामों में पहले से ही दिखाई दे रही है, उदाहरण के लिए, पीटर I की प्यारी बहन, नताल्या अलेक्सेना (1714) के चित्र में, जिन्होंने रूस में उत्पन्न होने वाले कोर्ट थिएटर के संरक्षक के रूप में काम किया। कैनवास, लेखक की तकनीकी अयोग्यता को प्रकट करता है (मखमली मेंटल की सिलवटों की लकड़ी की कठोरता विशेष रूप से हड़ताली है), एक ही समय में राजकुमारी की उपस्थिति को सच्चाई से बताती है, क्योंकि उसके करीबी लोग उसे जानते थे - मोटा, बूढ़ा। उसकी स्पष्ट रुग्णता उसकी त्वचा के पीले रंग से बढ़ जाती है (जल्द ही, 1716 में, वह जलोदर से मर गई)।

मास्टर की परिपक्व रचनात्मकता की अवधि न केवल पीटर I के प्राकृतिक चित्रों का पर्याप्त रूप से प्रतिनिधित्व करने में सक्षम है, बल्कि "पोर्ट्रेट ऑफ़ द फ्लोर हेटमैन" (1720 के दशक) जैसे उत्कृष्ट कार्य भी हैं।

इसके तकनीकी निष्पादन के संदर्भ में, निकितिन की रचना 18 वीं शताब्दी की यूरोपीय चित्रकला के स्तर पर काफी है। यह कड़ाई से रचना में है, आकार धीरे-धीरे ढाला जाता है, रंग पूर्ण-ध्वनि वाला होता है, और गर्म पृष्ठभूमि वास्तविक गहराई की भावना पैदा करती है।

छवि अपनी सादगी के साथ लुभावना है, जो सदी की शुरुआत की कला के लिए असामान्य है। हालाँकि, हेटमैन ने पूरी पोशाक पहनी हुई है, जिसमें ब्रैड्स के साथ बड़े पैमाने पर कशीदाकारी की गई है, यह महसूस किया जाता है कि वह दर्शकों की तुलना में अभियानों के माहौल के लिए अधिक अभ्यस्त है। उसका मर्दाना चेहरा हवा और धूप से कठोर हो गया है; केवल माथा चमकता है, बाहर खड़ा होता है, टोपी के नीचे सनबर्न से अछूता रहता है जो इसे अभियानों में कवर करता है। आँखें, मैदानों में झाँकने की आदी, थोड़ी सूजन, लाल हो चुकी पलकों के नीचे से खोजती हुई दिखती हैं।

"फ्लोर हेटमैन" को आज के दर्शक एक साहसी व्यक्ति की छवि के रूप में मानते हैं - कलाकार का एक समकालीन, जो अपनी उदारता के कारण नहीं, बल्कि अथक परिश्रम और क्षमताओं के कारण सामने आया।

हालांकि, निकितिन की खूबियों को ध्यान में रखते हुए, यह निर्धारित किया जाना चाहिए कि चित्रकार ने चित्रित व्यक्ति के आंतरिक लक्षण वर्णन को केवल तभी चित्रित किया जब चित्रित किए जा रहे व्यक्ति का चरित्र, जैसा कि वे कहते हैं, "चेहरे पर लिखा" तेजी से और निश्चित रूप से। निकितिन के काम ने चित्र शैली की प्रारंभिक समस्या को सिद्धांत रूप में हल किया - लोगों की व्यक्तिगत उपस्थिति की विशिष्टता को दर्शाता है।

18 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के अन्य रूसी चित्रकारों में, ए। एम। मतवेव (1701 - 1739) का नाम भी लिया जा सकता है, जिन्हें हॉलैंड में पेंटिंग का प्रशिक्षण दिया गया था। सबसे अच्छा काम करता हैयह गोलित्सिन (1727 - 1728) के चित्रों और एक स्व-चित्र पर विचार करने की प्रथा है जिसमें उन्होंने अपनी युवा पत्नी (1729) के साथ खुद को चित्रित किया।

निकितिन और मतवेव दोनों ही सबसे स्पष्ट रूप से पेट्रिन युग के रूसी चित्र के विकास में यथार्थवादी प्रवृत्ति को प्रकट करते हैं।

XVIII सदी के मध्य की रूसी कला। रचनात्मकता ए पी एंट्रोपोव

निकितिन द्वारा निर्धारित परंपराओं को पीटर के निकटतम उत्तराधिकारियों के शासनकाल की कला में प्रत्यक्ष विकास नहीं मिला, जिसमें तथाकथित बिरोनिज़्म भी शामिल था।

18 वीं शताब्दी के मध्य के चित्रकारों की रचनाएँ इस बात की गवाही देती हैं कि युग ने अब उन्हें वह उपजाऊ सामग्री नहीं दी जो उनके पूर्ववर्ती निकितिन के पास थी। हालांकि, चित्रित की उपस्थिति की सभी विशेषताओं के एक सतर्क और कर्तव्यनिष्ठ निर्धारण ने इस तथ्य को जन्म दिया कि व्यक्तिगत चित्रों ने वास्तव में अभियोगात्मक शक्ति प्राप्त कर ली है। यह विशेष रूप से अलेक्सई पेट्रोविच एंट्रोपोव (1716 - 1795) के काम पर लागू होता है।

शिल्पकारों के मूल निवासी, ए। एम। मतवेव के छात्र, उन्होंने अंततः इमारतों से चांसलरी की "सुरम्य टीम" का गठन किया, जो कई अदालत भवनों पर तकनीकी और कलात्मक कार्यों के प्रभारी थे। 18 वीं शताब्दी के मध्य तक उनकी रचनाएँ उस समय का एक दस्तावेज बनी रहीं, जैसे निकितिन की पहली तिमाही की रचनाएँ। उन्होंने ए। एम। इस्माइलोवा (1754), पीटर III (1762) और अन्य कैनवस के चित्रों को निष्पादित किया, जिसमें लेखक के रचनात्मक तरीके की मौलिकता और लोक लागू कला की परंपराएं, सजावट में प्रकट हुईं; शुद्ध (स्थानीय) रंग के चमकीले धब्बों का संयोजन, एक साथ जुड़े हुए।

"पीटर III के पोर्ट्रेट" में, यह सजावटी रंग आपको महल की सेटिंग के वैभव और इसकी पृष्ठभूमि के खिलाफ चित्रित व्यक्ति के बीच विसंगति को तुरंत पकड़ लेता है। एक छोटा सिर, संकीर्ण कंधे और असमान रूप से लंबे पैर इस धारणा को मजबूत करते हैं। चित्र को देखते हुए, आप अनैच्छिक रूप से पीटर III की पत्नी, भविष्य की महारानी कैथरीन द्वितीय की कहानियों पर विश्वास करते हैं। "नोट्स" में वह रिपोर्ट करती है कि उसका पति बच्चों के सैनिकों के खेल से प्यार करता था (वैसे, पीटर III को एक सैन्य वर्दी में फील्ड मार्शल के बैटन के साथ चित्रित किया गया है, और तस्वीर की गहराई में एक युद्ध दृश्य प्रस्तुत किया गया है)।

एंट्रोपोव की गतिविधि मध्य को छोड़कर, 18 वीं शताब्दी के पूरे दूसरे भाग को कवर करती है। फिर भी, 18 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में उनके काम के विश्लेषण के साथ कला के इतिहास के विचार को पूरा करने की सलाह दी जाती है, क्योंकि रूसी कलात्मक संस्कृति के आगे के विकास में, अन्य कार्यों की पहचान की गई थी, जिसके समाधान में किसी व्यक्ति की उसकी व्यक्तिगत उपस्थिति की विशिष्टता में छवि एक शुरुआती बिंदु से ज्यादा कुछ नहीं थी।

18 वीं शताब्दी की दूसरी छमाही की रूसी कला

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध तक, मध्यकालीन कलात्मक संस्कृति के अप्रचलित रूपों से पूरी तरह से विदा होने के बाद, रूस ने आध्यात्मिक विकास के एक मार्ग में प्रवेश किया जो यूरोपीय देशों के साथ आम नहीं था। यूरोप के लिए इसकी सामान्य दिशा 1789 की आसन्न फ्रांसीसी क्रांति द्वारा निर्धारित की गई थी। सच है, उभरता हुआ रूसी पूंजीपति तब भी कमजोर था। सामंती नींव पर हमले का ऐतिहासिक मिशन रूस के लिए उन्नत कुलीन बुद्धिजीवियों की गतिविधियों से जुड़ा हुआ था, जिनके प्रतिनिधियों को प्रबुद्ध होना था! XVIII सदी धीरे-धीरे अगली सदी की शुरुआत के डिसमब्रिस्टिज़्म में आ गई।

प्रबुद्धता, युग की सबसे बड़ी सामान्य सांस्कृतिक घटना होने के नाते, कानूनी विचारधारा के प्रभुत्व के तहत बनाई गई थी। उभरते वर्ग के सिद्धांतकारों - पूंजीपति वर्ग - ने कानूनी चेतना के दृष्टिकोण से अपने वर्चस्व और सामंती संस्थानों को खत्म करने की आवश्यकता को प्रमाणित करने की मांग की। एक उदाहरण के रूप में "प्राकृतिक कानून" के सिद्धांत के विकास और 1748 में प्रबोधक चार्ल्स मोंटेस्क्यू के प्रसिद्ध कार्य "द स्पिरिट ऑफ द लॉज़" के प्रकाशन का हवाला दे सकते हैं। बदले में, बड़प्पन, प्रतिशोधी कार्रवाई करते हुए, विधायी प्रावधानों की ओर मुड़ गया, क्योंकि आसन्न खतरे के प्रतिरोध के अन्य रूपों ने अपना हाथ छोड़ दिया।

पश्चिमी यूरोप में, कला के रूपों में, रंगमंच का उदय हुआ, जिसका मंच विचारों का समूह बन गया जिसने समाज को एक क्रांतिकारी परिवर्तन के लिए तैयार किया। इस अवधि को रंगमंच की सामाजिक और शैक्षिक भूमिका की समस्याओं के निर्माण और समाधान की विशेषता है। यहां डेनिस डिडरॉट के "पैराडॉक्स ऑफ द एक्टर" और गॉथोल्ड लेसिंग के "हैम्बर्ग ड्रामाटर्जी" को याद करना पर्याप्त है, जो सौंदर्यशास्त्र के सुनहरे कोष में हमेशा के लिए बने रहे।

सदी के उत्तरार्ध में रूस के लिए, कैथरीन द्वितीय की सरकार ने भी व्यापक सुरक्षात्मक विधायी उपाय किए, जो 1767 के कोड पर आयोग के लिए साम्राज्ञी के "आदेश" से शुरू होकर "नोबेलिटी के पत्र" तक थे। ” (1787)।

रूसी प्रबुद्धता पूरी तरह से "प्राकृतिक कानून" के सिद्धांत के प्रावधानों से आगे बढ़ी, जिसने व्यक्ति की गरिमा का सम्मान करने के लिए मनुष्य की प्रकृति में निहित अधिकार पर जोर दिया, उसकी सामाजिक स्थिति की परवाह किए बिना, संप्रभु निपटान का विशेषाधिकार अपने स्वयं के श्रम के फल, आदि। इस प्रकार, रूसी प्रबुद्धता के विचार व्यक्तित्व की समस्या के लिए सबसे पहले थे। (उसी समय, कोई याद कर सकता है कि महान का कार्यक्रम दस्तावेज़ फ्रेंच क्रांतिमनुष्य और नागरिक के अधिकारों की घोषणा कहा जाता है।

पचास के दशक में, रूस में पहला सार्वजनिक थिएटर दिखाई दिया, जिसकी स्थापना F. G. Volkov ने की थी। सच है, थिएटरों की संख्या बड़ी नहीं थी, लेकिन किसी को शौकिया मंच के विकास को ध्यान में रखना चाहिए (मास्को विश्वविद्यालय में, स्मॉली इंस्टीट्यूट फॉर नोबल मेडेंस, जेंट्री कॉर्प्स, आदि)। वास्तुकार और अनुवादक एन ए लावोव के होम थिएटर ने राजधानी के जीवन में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। रूसी में नाटकीयता के कब्जे वाले स्थान पर साहित्य XVIIIशताब्दी, कम से कम तथ्य कहती है कि यहां तक ​​​​कि कैथरीन द्वितीय ने भी, मन पर सरकारी संरक्षकता के साधनों की तलाश में, एक नाटकीय रचना के रूप का उपयोग किया (उसने "ओह, समय!", "श्रीमती वोरचलकिना का नाम दिवस" ​​​​लिखा। , "धोखेबाज" और अन्य)।

सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को में, कुलीन मंडलियों के लिए बने थिएटरों के अलावा, एक समय में मुद्रण श्रमिकों और कारखाने के प्रशिक्षुओं की पहल पर थिएटर बनाए गए थे, जो मध्य और निचले शहरी तबके के लिए डिज़ाइन किए गए थे। उनके प्रदर्शनों की सूची में जीन-बैप्टिस्ट मोलीयर द्वारा नाटक, हास्य और नाटक शामिल थे। समकालीनों ने उल्लेख किया कि "भीड़, व्यापारियों, क्लर्कों और उनके जैसे अन्य लोगों" ने प्रदर्शनों के लिए "इतना बड़ा लालच" दिखाया कि, "अपने अन्य मनोरंजनों को छोड़कर, जिनमें से अन्य कार्रवाई से बहुत मज़ेदार नहीं हैं, वे इन चश्मे के लिए रोज़ इकट्ठा होते हैं।" अंत में, हमें सर्फ़ थिएटरों को याद करना चाहिए, जिनकी संख्या सदी के अंत तक एक सौ सत्तर तक पहुँच गई थी। सर्वश्रेष्ठ सर्फ़ मंडली - शेरमेवेट - में 150 अभिनेता और 40 ऑर्केस्ट्रा सदस्य शामिल थे।

नाट्य कला में दर्शकों के द्रव्यमान के सामने एक घटना को उसकी सभी महत्वपूर्ण संक्षिप्तता में नेत्रहीन रूप से प्रकट करने की क्षमता है। जिस सामग्री से अभिनेता मंच के प्रकारों का निर्माण करता है, वह स्वयं एक नागरिक के रूप में और एक व्यक्ति के रूप में, अर्थात् एक व्यक्ति के रूप में होता है। 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में रूसी चित्रकला और मूर्तिकला के इतिहास को चिह्नित करने वाली मानवीय गरिमा, नागरिक आदर्शों की पुष्टि करने के तरीकों की खोज, नाट्य कला के क्षेत्र में खोजों के समान ही हुई।

चित्र शैली का विकास

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में रूसी ललित कला के प्रत्यक्ष इतिहास की ओर मुड़ते हुए, हमें सबसे पहले तथाकथित अंतरंग चित्र के जन्म पर ध्यान देना चाहिए। उत्तरार्द्ध की विशेषताओं को समझने के लिए, यह ध्यान रखना महत्वपूर्ण है कि शताब्दी के पहले छमाही के महान स्वामी समेत सभी ने औपचारिक चित्र के रूप में भी काम किया। कलाकारों ने सबसे पहले, मुख्य रूप से महान वर्ग के एक योग्य प्रतिनिधि को दिखाने की मांग की। इसलिए, दर्शाए गए व्यक्ति को पूर्ण पोशाक में चित्रित किया गया था, राज्य के लिए सेवाओं के प्रतीक चिन्ह के साथ, और अक्सर एक नाटकीय मुद्रा में, चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की उच्च सामाजिक स्थिति का खुलासा करते हुए।

औपचारिक चित्र सदी की शुरुआत में युग के सामान्य वातावरण और बाद में ग्राहकों के स्थापित स्वाद द्वारा निर्धारित किया गया था। हालाँकि, यह बहुत जल्दी, वास्तव में, एक आधिकारिक में बदल गया। उस समय के कला सिद्धांतकार, एएम इवानोव ने कहा: "यह होना चाहिए कि ... चित्र खुद के लिए बोलते थे और, जैसा कि यह था, घोषणा करते हैं:" मुझे देखो, मैं यह अजेय राजा हूं, जो ऐश्वर्य से घिरा हुआ है। ”

औपचारिक चित्र के विपरीत, एक अंतरंग चित्र एक व्यक्ति को पकड़ने की कोशिश करता है क्योंकि वह एक करीबी दोस्त की आंखों में दिखाई देता है। इसके अलावा, कलाकार का कार्य, चित्रित व्यक्ति की सटीक उपस्थिति के साथ-साथ, उसके चरित्र की विशेषताओं को प्रकट करना, व्यक्तित्व का आकलन करना था।

रूसी चित्रांकन के इतिहास में एक नई अवधि की शुरुआत फ्योडोर स्टेपानोविच रोकोतोव (जन्म 1736 - डी। 1808 या 1809) के कैनवस द्वारा चिह्नित की गई थी।

F. S. Rokotov की रचनात्मकता

जीवनी संबंधी जानकारी की कमी हमें मज़बूती से यह स्थापित करने की अनुमति नहीं देती है कि उसने किसके साथ अध्ययन किया। चित्रकार की उत्पत्ति के बारे में भी लंबे विवाद थे। कलाकार की प्रारंभिक पहचान उसकी वास्तविक प्रतिभा द्वारा सुनिश्चित की गई थी, जो कि वी। आई। मायकोव (1765) के चित्रों में प्रकट हुई थी, जो गुलाबी (1770 के दशक) में अज्ञात थी। नव युवककॉक्ड हैट (1770 के दशक), वी. ई. नोवोसिल्टसेवा (1780), पी. एन. लांस्काया (1780 के दशक) में।

गुलाबी रंग में एक अज्ञात व्यक्ति के चित्र में, एक सुंदर लड़की को नाजुक, लगभग बचकानी विशेषताओं के साथ चित्रित किया गया है। पिंक और सिल्वर-ग्रे टोन की पेस्टल रेंज छवि को शुद्ध शुद्धता प्रदान करती है। अज्ञात के चेहरे पर अविस्मरणीय अभिव्यक्ति है - उसके होठों पर फिसलती हुई आधी मुस्कान, छायादार बादाम के आकार की आँखों का एक रूप। यहाँ और भोलापन, और किसी प्रकार की मितव्ययिता, शायद इसका अपना हृदय रहस्य है। रोकोतोव का चित्र एक व्यक्ति में आध्यात्मिक संचार की आवश्यकता को जागृत करता है, उसके आसपास के लोगों को जानने के आकर्षण की बात करता है। हालांकि, रोकोतोव की पेंटिंग के सभी कलात्मक गुणों के साथ, यह नोटिस करना असंभव नहीं है कि रहस्यमय अर्ध-मुस्कुराहट, उनकी लम्बी आंखों का गूढ़ रूप चित्र से चित्र तक जाता है, खुलासा नहीं करता है, लेकिन केवल देखने वाले को उजागर करने की पेशकश करता है उनके पीछे छिपी प्रकृति। किसी को यह आभास हो जाता है कि लेखक एक रहस्यमय मानवीय चरित्र का एक प्रकार का नाटकीय मुखौटा बनाता है और इसे उन सभी पर थोपता है जो उसके लिए पोज देते हैं।

अंतरंग चित्र का और विकास दिमित्री ग्रिगोरिविच लेवित्स्की (1735 - 1822) के नाम से जुड़ा था।

रचनात्मकता डी जी लेविट्स्की

उन्होंने अपनी प्रारंभिक कला शिक्षा अपने पिता के मार्गदर्शन में प्राप्त की, जो कि कीव-पिएर्सक लावरा के उत्कीर्णक थे। ए.पी. एंट्रोपोव द्वारा किए गए कीव एंड्रीव्स्की कैथेड्रल की पेंटिंग पर काम में भागीदारी ने इस मास्टर के साथ बाद में चार साल की अप्रेंटिसशिप और पोर्ट्रेट शैली के लिए एक जुनून पैदा किया। लेविट्स्की के शुरुआती कैनवस में, पारंपरिक औपचारिक चित्र के साथ संबंध स्पष्ट रूप से दिखाई देता है। उनके काम में एक महत्वपूर्ण मोड़ स्मॉली इंस्टीट्यूट फॉर नोबल मेडेंस के विद्यार्थियों की एक कस्टम-निर्मित चित्र श्रृंखला द्वारा चिह्नित किया गया था, जिसमें 1773-1776 में किए गए सात बड़े प्रारूप वाले काम शामिल थे। आदेश का मतलब, ज़ाहिर है, औपचारिक चित्र। बोर्डिंग हाउस में मंचित शौकिया प्रदर्शन के दृश्यों की पृष्ठभूमि के खिलाफ नाट्य वेशभूषा में लड़कियों को पूर्ण विकास में चित्रित करने की परिकल्पना की गई थी।

1773-1774 के सर्दियों के मौसम तक, छात्र प्रदर्शन कला में इतने सफल हो गए थे कि प्रदर्शन में शाही अदालत और राजनयिक कोर उपस्थित थे।

साम्राज्ञी ने स्वयं शैक्षिक संस्थान के आगामी प्रथम स्नातक के संबंध में ग्राहक के रूप में कार्य किया। उसने अपने पोषित सपने की पूर्ति की एक स्पष्ट स्मृति को छोड़ने की मांग की - रईसों की एक पीढ़ी की रूस में शिक्षा, जो न केवल जन्मसिद्ध अधिकार से, बल्कि शिक्षा, ज्ञान से भी, निम्न वर्गों से ऊपर उठेगी।

हालाँकि, जिस तरह से चित्रकार कार्य के लिए संपर्क करता है, वह प्रकट करता है, उदाहरण के लिए, "ई। आई। नेलिडोवा का चित्र" (1773)। लड़की को चित्रित किया गया है, जैसा कि माना जाता है, उसकी सबसे अच्छी भूमिका में - जियोवन्नी पेर्गोलेसी के ओपेरा द सर्वेंट-मिस्ट्रेस के मंचन से सर्बिना की नौकरानी, ​​​​जिसने एक चतुर नौकरानी के बारे में बताया, जो मास्टर के सौहार्दपूर्ण स्वभाव को प्राप्त करने में कामयाब रही, और फिर उसके साथ शादी कर ली। इनायत से अपनी उँगलियों से अपने हल्के लेस एप्रन को उठाते हुए और चालाकी से अपना सिर झुकाते हुए, नेलिडोवा तथाकथित तीसरी स्थिति में खड़ी है, कंडक्टर के डंडे की लहर की प्रतीक्षा कर रही है। (वैसे, पंद्रह वर्षीय "अभिनेत्री" को जनता से इतना प्यार था कि उनके खेल को समाचार पत्रों में नोट किया गया था और कविताएँ उन्हें समर्पित थीं।) यह महसूस किया जाता है कि उनके नाटकीय प्रदर्शन के लिए प्रदर्शन करने का कोई कारण नहीं है। "सुशोभित शिष्टाचार" बोर्डिंग स्कूल में पैदा हुआ, लेकिन स्मॉली संस्थान के दैनिक सख्त नियमों से विवश, युवा उत्साह को प्रकट करने का अवसर। कलाकार नेलिडोवा के पूर्ण आध्यात्मिक विघटन को मंच की कार्रवाई में व्यक्त करता है। ग्रे-ग्रीन शेड्स टोन के करीब हैं, जिसमें परिदृश्य नाटकीय पृष्ठभूमि तैयार की गई है, लड़की की पोशाक के मोती रंग - सब कुछ इस कार्य के अधीन है। लेविट्स्की भी नेलिडोवा के स्वभाव की तात्कालिकता को दर्शाता है। चित्रकार ने जानबूझकर पृष्ठभूमि में स्वरों को मंद कर दिया और साथ ही उन्हें नायिका के कपड़ों में - अग्रभूमि में चमक दिया। गामा ग्रे-हरे और मोती के टन के अनुपात पर आधारित है, जो अपने सजावटी गुणों से समृद्ध है, चेहरे, गर्दन, हाथों और रिबन के रंग में गुलाबी रंग के साथ जो पोशाक को सुशोभित करता है। इसके अलावा, दूसरे मामले में, कलाकार स्थानीय रंग का पालन करता है, जिससे उसे अपने शिक्षक एंट्रोपोव के तरीके को याद करने के लिए मजबूर होना पड़ता है।

इस छोटी पोर्ट्रेट गैलरी को मौलिकता देने वाली कलात्मक उपलब्धियाँ, लेविट्स्की ने बाद के काम में समेकित कीं, विशेष रूप से, सीनेट के मुख्य अभियोजक (1778 और 1781) की बेटी एम। ए। लवोवा, नी डायकोवा के दो उत्कृष्ट चित्र बनाए।

उनमें से पहला एक अठारह वर्षीय लड़की को दिखाता है, लगभग उसी उम्र की स्मोलेंस्क महिला। उसे एक मोड़ में चित्रित किया गया है, जिसकी सहजता स्पष्ट रूप से उस सुनहरे पार्श्व प्रकाश पर जोर देती है जो आकृति पर गिरती है। युवा नायिका की दीप्तिमान आँखें स्वप्निल और हर्षित रूप से दर्शक के अतीत में कहीं दिखती हैं, और उसके गीले होंठ एक काव्यात्मक अस्पष्ट मुस्कान से छू जाते हैं। उसकी उपस्थिति में - धूर्त-उग्र साहस और पवित्र समयबद्धता, सर्व-मर्मज्ञ सुख और प्रबुद्ध उदासी। यह एक ऐसा चरित्र है जो अभी तक पूरी तरह से विकसित नहीं हुआ है, वयस्कता के साथ मिलने की उम्मीदों से भरा है।

लड़की को लेविट्स्की के करीबी दोस्त आर्किटेक्ट से प्यार था, लेकिन उसके माता-पिता इस बात से सहमत नहीं थे कि उनकी बेटी को "शिल्पकार" से शादी करनी चाहिए। फिर उन्होंने गुपचुप तरीके से शादी कर ली। यह उस अवधि के दौरान था जब मास्टर ने उसे पहले चित्र में कैद किया था। तीन साल तक वह अपने माता-पिता की छत के नीचे रही, इस उम्मीद में कि उसके पिता और माँ अपने गुस्से को दया में बदल देंगे। अंत में, उसकी दृढ़ता जीत गई।

दूसरा चित्र तब चित्रित किया गया था जब युवती इक्कीस वर्ष की थी, लेकिन वह अपने वर्षों से अधिक उम्र की दिखती है। उसकी आँखों में थकान है, मुस्कान में कड़वाहट है। ऐसा लगता है कि उसे कुछ कठिन, कठिन का सामना करना पड़ा। हालाँकि, कंधों का शांत, राजसी मोड़, गर्व से पीछे की ओर फेंका गया सिर दिखाता है कि यह संघर्ष ही था जिसने उसके आत्मसम्मान को उभारा और उसके व्यक्तित्व को आकार दिया।

रंग योजना बदल गई है। पहले काम में, पेंटिंग को तानवाला एकता में लाया जाता है और रोकोतोव की रंगीन खोजों से मिलता जुलता है। 1781 के चित्र में रंग को उसकी ध्वनि की तीव्रता में लिया गया है। वार्म सोनोरस टोन रंग को थोड़ा कठोर बनाते हैं।

एम. ए. लवोवा, एन. आई. नोविकोव, ए. वी. ख्रोपोवित्स्की, मित्रोफानोव्स के पति और पत्नी, बाकुनिना और अन्य, अस्सी के दशक में वापस डेटिंग करते हैं, इस बात की गवाही देते हैं कि लेविट्स्की, एंट्रोपोव की कठोर सटीकता और रोकोतोव के गीतवाद का संयोजन, सबसे प्रमुख प्रतिनिधि बन गया XVIII सदी की रूसी चित्र पेंटिंग।

18वीं शताब्दी के सबसे बड़े चित्रकारों की आकाशगंगा को व्लादिमीर लुकिच बोरोविकोवस्की (1757 - 1825) ने पूरा किया।

रचनात्मकता वी। एल। बोरोविकोवस्की

एक छोटे यूक्रेनी रईस का सबसे बड़ा बेटा, जिसने अपने पिता के साथ मिलकर आइकन पेंटिंग से आजीविका अर्जित की, उसने पहली बार क्रेमेनचुग में अलंकारिक चित्रों के साथ ध्यान आकर्षित किया, जिसे कैथरीन II के आगमन के लिए 1787 में बनाया गया था। इसने युवा मास्टर को अपने चित्रकला कौशल में सुधार करने के लिए सेंट पीटर्सबर्ग जाने का मौका दिया। वह कामयाब रहे, जैसा कि वे कहते हैं, डीजी लेविट्स्की से सबक लेने के लिए और अंत में, खुद को राजधानी के कलात्मक हलकों में स्थापित करने के लिए।

कलाकार द्वारा छोड़ी गई विरासत में, एम। आई। लोपुखिना (1797) का चित्र विशेष रूप से सामने आता है। मास्टर ने रूसी इतिहास में एक प्रसिद्ध उपनाम से एक युवा महिला को पकड़ लिया। यह लिविंग रूम में नहीं, बल्कि परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ लिखा गया था - एक पुराने पार्क के फैलते पेड़ों के मुकुट के नीचे, पकने वाली राई के मैदान के बगल में। लोपुखिना संगमरमर की मुंडेर पर शान से झुकी हुई खड़ी है। यहाँ, मौन में, उसकी भावनाओं के प्रकटीकरण में कुछ भी हस्तक्षेप नहीं कर सकता है। सच है, चित्रकार उनमें से केवल एक को बाहर निकालता है - निस्तेज आनंद; कैनवास में, सब कुछ इस भावना की अभिव्यक्ति के अधीन है, और सबसे बढ़कर, प्रकाश की विविधताएं, रंग के फीके स्वर। नीले, बकाइन और जैतून के हरे रंग का सबसे हल्का संक्रमण एक दुलारती हवा की सांस के तहत कैनवास के साथ चलता है। बमुश्किल उठाई गई भारी पलकें उसकी आँखों को छाया देती हैं और उन्हें संवेदनशील श्रद्धा का रूप देती हैं। कंधों से उतरते हुए, एक पतली शॉल एक लचीले शरीर के सुंदर और लाड़ प्यार पर जोर देती है। यह निचले हाथों में दोहराया जाता है और रचना का निर्माण करने वाली सभी रेखाओं के गोल अंडाकारों में प्रतिक्रियाएँ पाता है (यहां तक ​​​​कि पैरापेट पर खड़े एक गिलास में मुड़े हुए गुलाब की रूपरेखा में)।

बोरोविकोवस्की के चित्र, जिसमें अभी-अभी जांच की गई है, यह दर्शाता है कि चित्रकार किसी व्यक्ति की छवि को गहरा करने के लिए अगले, नए (लेवित्स्की की उपलब्धियों के बाद) कदम उठा चुका है। लेवित्स्की ने रूसी चित्र शैली के लिए मानवीय चरित्रों की विविधता की दुनिया खोली। दूसरी ओर, बोरोविकोवस्की ने मन की स्थिति में घुसने की कोशिश की और सोचा कि मॉडल के चरित्र का निर्माण कैसे हुआ।