Glazbeni instrumenti baroknog doba. Instrumentalna glazba 17. stoljeća Koji su instrumenti bili popularni u 17. stoljeću

Orgulje

Složeni glazbeni instrument sastavljen od puhala zraka, skupa drvenih i metalnih cijevi različite veličine te s izvedbene konzole (pulpita), na kojoj su smješteni regulatori registra, nekoliko klavijatura i pedala.

Čembalo

Djevičanski

Spinet

Spinet je malo čembalo kvadratnog, pravokutnog ili peterokutnog oblika.

Klaviciterium

Klaviciterium je čembalo s okomitim tijelom.

Klavikord

Žičani nizovi

barokna violina

Glavni članak: barokna violina

dupli bas

Najveće i najdublje zvuči gudalo u orkestru. Igra se stojeći ili sjedeći na visokoj stolici.

Žičano trzalačko

barokna lutnja

U 16. st. najzastupljenija je lutnja sa šest žica (u 15. st. poznata su glazbala s pet žica), na prijelazu u 17. st. (kasnobarokno doba) broj žica dosegao je dvadeset i četiri. Najčešće je bilo od 11 do 13 žica (9-11 parova i 2 pojedinačne). Build-akord u d-molu (ponekad u duru).

Teorba

Teorba je bas verzija lutnje. Broj žica je od 14 do 19 (uglavnom jednostruke, ali bilo je i glazbala u paru).

Quitarrone

Kitarrone - bas varijanta tzv. Talijanska gitara (instrument ovalnog tijela, za razliku od španjolske g.). Broj žica je 14 pojedinačnih. Quitarrone se praktički ne razlikuje od theorbona, ali ima drugačije podrijetlo od njega.

arhilut

Manji od teorbe. Najčešće je imala 14 žica, prvih šest u ugađanju tipičnom za renesansu - (za razliku od barokne lutnje, u kojoj je prvih šest žica davalo akord u d-molu) građene su u čistu kvartu, osim 3. i 4. koje su građene u velikoj trećini.

Anđelika

Mandora

Gallichon

Citra

archicitra

Mandolina

barokna gitara

Glavni članak: barokna gitara

Barokna gitara obično je imala pet pari (zborova) žica. Prve barokne ili peterokorne gitare poznate su s kraja 16. stoljeća. Tada je gitari dodan peti zbor (prije toga bila je opskrbljena s četiri uparene žice). Rasgeado stil čini ovaj instrument iznimno popularnim.

Nizati druge

hurdy gurdy

Hurdy gurdy ima šest do osam žica, od kojih većina zvuči istovremeno, vibrirajući kao rezultat trenja o kotač koji okreće desna ruka. Jedna ili dvije odvojene žice, čiji se zvučni dio skraćuje ili produljuje uz pomoć šipki lijevom rukom, reproduciraju melodiju, a preostale žice monotono bruje.

Mjed

Francuski rog

Barokni rog nije imao mehanike i omogućavao je izdvajanje samo tonova prirodne ljestvice; za sviranje u svakoj od tonaliteta korišten je poseban instrument.

Rog

Puhački mjedeni usnik glazbeni instrument bez ventila, sa koničnom cijevi.

Trombon

Trombon izgleda kao velika metalna cijev ovalnog oblika. Usnik se nalazi u njegovom gornjem dijelu. Donji zavoj trombona je pomičan i naziva se krilima. Izvlačenje zvona smanjuje zvuk, guranje ga povećava.

Drveni puhači

poprečna svirala

Blok flauta

Chalumot

oboa

Fagot

kvartfagot

Quartbassoon - uvećani fagot. U pisanju, dionica kvartfagota piše se na isti način kao i fagot, ali zvuči savršena četvrtina ispod ispisane note.

kontrafagot

Kontrafagot je bas verzija fagota.

bubnjevi

timpani

Timpani su udaraljke s određenom visinom tona. Visina se podešava pomoću vijaka ili posebnog mehanizma, najčešće u obliku nožne pedale.

POGLAVLJE 2. Gitara osvaja Europu

U 17. stoljeću gitara je nastavila osvajati Europu.
Jedna od gitara iz tog vremena pripada muzeju Royal College of Music u Londonu. Stvorio u Lisabonu 1581. izvjesni Melchior Dias.
Struktura ove gitare ima karakteristike koje će majstori glazbenih instrumenata ponavljati u svom radu više od dva stoljeća.

Talijanska battente gitara iz 17. stoljeća iz zbirke dvorca Sforza u Milanu.

Sve gitare tog vremena bile su bogato ukrašene. Za izradu tako izuzetnog predmeta, obrtnici koriste vrijedne materijale: rijetke šume (osobito crnu - ebanovinu), slonovaču, oklop kornjače. Donja paluba i bokovi ukrašeni su umetcima. Gornja paluba, naprotiv, ostaje jednostavna i izrađena je od crnogoričnog drva (najčešće smreke). Kako se ne bi potisnule vibracije, samo rezonatorska rupa i rubovi kućišta duž cijelog opsega obrubljeni su drvenim mozaicima.
Glavni ukrasni element je rozeta od reljefne kože. Ova rozeta ne samo da parira ljepoti cijelom ormariću, već i omekšava proizvedene zvukove. Očito je da su vlasnici ovih luksuznih instrumenata bili zainteresirani ne toliko za snagu i snagu koliko za sofisticiranost zvuka.
Jedan od prvih primjeraka gitara iz 17. stoljeća koji su došli do nas nalazi se u zbirci Muzeja glazbenih instrumenata Pariškog konzervatorija. Nosi ime majstora, Venecijanca Cristofa Cocoa, i datum 1602. Ravno tijelo u cijelosti je izrađeno od ploča od slonovače pričvršćenih uskim trakama smeđeg drva.

Augustine Quesnel gitarist 1610

U 17. stoljeću stil razgueado, donesen iz Španjolske, gdje je bio popularan, proširio se velikim dijelom Europe. Gitara odmah gubi važnost koju je imala za ozbiljne glazbenike. Od sada se koristi samo za pratnju, kako bi se "pjevalo, sviralo, plesalo, skakalo ... tapkalo nogama", kako piše Louis de Briseno u predgovoru svoje "Metode" (Pariz, 1626.).
Teoretičar iz Bordeauxa, Pierre Trichet, također sa žaljenjem primjećuje (oko 1640.): "Gitara, ili hyterna, široko je korišten instrument među Francuzima i Talijanima, ali osobito među Španjolcima, koji se njime služe tako nesputano kao nijedan drugi narod." Ona služi kao glazbena pratnja plesovima koji plešu, "trzajući se cijelim tijelom, gestikulirajući smiješno i smiješno, tako da sviranje instrumenta postaje nejasno i zbrkano". I ogorčen onim što mora vidjeti, Pierre Trichet nastavlja: “U Francuskoj, dame i kurtizane koje su upoznate sa španjolskom modom pokušavaju je oponašati. U tome nalikuju onima koji, umjesto da dobro jedu u svojoj kući, idu kod susjeda jesti slaninu, luk i crni kruh.

David Teniers mlađi gitarist

Koncert Mattie Prettija 1630-ih

Unatoč tome, gitara je i dalje popularna u Francuskoj. Gitara se rado koristi u baletima. U Vili iz Saint-Germainove šume (1625.) i Bogatoj udovici (1626.) glazbenici odjeveni u španjolske nošnje sviraju gitaru radi veće vjerodostojnosti. U prvom baletu, izvođači chaconne "prilagođavaju zvukove svojih gitara okretnim pokretima svojih stopala". U drugoj, koju je Njegovo Veličanstvo postavilo u Velikoj dvorani Louvrea, predvorje grenadira također se otvara uz pratnju gitare. Prema Mercure de France, sam Luj XIII. je u ovoj izvedbi na gitari pratio dvije plesačice sarabande.

Gerrit van Honthorst svira gitaru 1624

Jan Vermeer gitarist 1672

Sredinom 17. stoljeća počinje novi procvat gitare. I ovaj put ažuriranje dolazi iz Francuske. Da podučava gitaru mladog francuskog kralja, poznati učitelj i glazbenik Francesco Corbetta (1656.) pozvan je na sud. Ne usuđujući se tvrditi (za razliku od nekih dvorjana) da je Luj XIV u osamnaest mjeseci nadmašio svog učitelja, ipak se može ne sumnjati u kraljevu istinsku strast prema instrumentu. Tijekom njegove vladavine gitara ponovno postaje miljenica aristokracije i skladatelja. I opet moda za gitaru osvaja cijelu Europu.

Gravura s omota starog izdanja Skladbi za gitaru. 1676

Francisco Goya Ples na obali rijeke 1777

Francisco Goya Slijepi gitarist 1788

Ramon Baie Mladić s gitarom. Muzej Prado iz 1789. Madrid

Potkraj vladavine Luja XIV († 1715.) dolazi do prekretnice u povijesti gitare - kraljevski dvor postaje ravnodušan prema njoj.
Međutim, još uvijek je popularan među ljudima. Mademoiselle de Charolais na portretu koji je naručila predstavljena je s gitarom u rukama, lagano prebivajući po žicama. Watteau i Lancret uvode gitaru u prikaz ljubavnih scena. A u isto vrijeme, to je alat za farsične glumce i putujuće komičare!
Djelo Watteaua i Lancrea i gitara posebna je stranica francusko slikarstvo, pa sam odlučio ovim umjetnicima posvetiti zasebne galerije u ovom materijalu.

Jean Antoine Watteau
Jean Antoine Watteau

Rosalba Carriere Portret Jean-Antoinea Watteaua 1721

Francuski slikar i crtač, začetnik i najveći majstor rokokoa. Godine 1698.-1701. Watteau je studirao kod lokalnog umjetnika Gerina, na čije je inzistiranje kopirao djela Rubensa, Van Dycka i drugih flamanskih slikara. Godine 1702. Watteau odlazi u Pariz i ubrzo pronalazi učitelja i pokrovitelja u osobi Claudea Gillota, kazališnog umjetnika i dekoratera koji je slikao scene iz života modernog kazališta. Watteau je brzo nadmašio svog učitelja u vještini i cca. 1708. ušao u atelje dekoratera Claudea Audrana. Godine 1709. Watteau je neuspješno pokušao osvojiti Grand Prix Akademije umjetnosti, ali je njegov rad privukao pozornost nekoliko utjecajnih ljudi, među kojima su bili filantrop i poznavatelj slikarstva Jean de Julienne, trgovac umjetninama Edmond Francois Gersin, bankar i kolekcionar Pierre Crozat, u čijoj je kući umjetnik neko vrijeme živio itd. Godine 1712. Watteau je uveden u titulu akademika, a 1717. postaje članom Kraljevske akademije za slikarstvo i kiparstvo. Watteau je umro u Nogent-sur-Marneu 18. srpnja 1721.

Jean-Antoine Watteau Talijanska komedija 1714

Jean Antoine Watteau Pogled kroz drveće u parku Pierrea Crozata 1714.-16.

Jean-Antoine Watteau Gilles s obitelji 1716

Priča Jeana Antoinea Watteaua Pierrota

Jean Antoine Watteau Pjesma ljubavi 1717

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19

Nicola Lancre
Nicolas Lancret

Autoportret Nicolasa Lancrea 1720

Francuski umjetnik, rođen u Parizu. Prvo je učio kod Pierrea Dulina, a potom je od oko 1712. nekoliko godina radio pod vodstvom Claudea Gillota, preko kojeg je upoznao Jeana Antoinea Watteaua, koji je imao veliki utjecaj na njegov rad. Lancre se okrenuo istim temama kao i Watteau: pisao je likove talijanske commedia dell'arte i scene "galantnih svečanosti". Uz to je ilustrirao La Fontaineove basne i stvarao žanrovske slike. Lancret je umro u Parizu 1743.

Koncert Nicole Lancret u parku 1720

Nicola Lancre Odmor u vrtu

Koncert Nicole Lancrea u parku

Nicola Lancre galantni razgovor

Novi uspon gitare, prema Michelu Brenetu, povezan je s pojavom dvoje talentiranih pjevača koji nastupaju u salonima. Izvode duete, prateći sami sebe. To su slavni Pierre Geliot i Pierre de la Garde.
Poznata slika Michela Bartolomea Oliviera Čaj na engleskom i koncert u kući princeze de Conti prenosi atmosferu ovih svjetovnih okupljanja.

Iz Wikipedije, slobodne enciklopedije

Klavijature

Orgulje

Složeni glazbeni instrument koji se sastoji od mehanizma za ubrizgavanje zraka, skupa drvenih i metalnih cijevi različitih veličina i izvedbene konzole (postolje), na kojoj su smješteni regulatori registra, nekoliko klavijatura i pedala.

Čembalo

Djevičanski

Spinet

Spinet je malo čembalo kvadratnog, pravokutnog ili peterokutnog oblika.

Klaviciterium

Klaviciterium je čembalo s okomitim tijelom.

Klavikord

Žičani nizovi

barokna violina

Bariton

Bas viola "stopa" (gamba) tipa. Zvuk na baritonu izvlačio se gudalom od šest gudačkih žica ispod kojih su se nalazile simpatične žice. Iz simpatičkih (dodatnih) žica zvuk se izvlačio štipanjem palcem lijeve ruke.

Violone

Bas viola "stopa" (gamba) tipa.

Liron

Bas viola "stopa" (gamba) tipa. Posebno prilagođen za sviranje akorda.

Violončelo

Violončelo je gudački instrument bas-tenorskog registra. 4 žice su ugođene u kvintama (do i sol velike oktave, D mala, la prva). Violončelo se pojavilo krajem 15. i početkom 16. stoljeća. Klasična violončela stvorili su talijanski majstori 17. i 18. stoljeća. Antonio Amati i Girolamo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari.

dupli bas

Najveće i najdublje zvuči gudalo u orkestru. Igra se stojeći ili sjedeći na visokoj stolici.

Žičano trzalačko

barokna lutnja

U 16. st. najzastupljenija je lutnja sa šest žica (u 15. st. poznata su glazbala s pet žica), na prijelazu u 17. st. (kasnobarokno doba) broj žica dosegao je dvadeset i četiri. Najčešće je bilo od 11 do 13 žica (9-11 parova i 2 pojedinačne). Build-akord u d-molu (ponekad u duru).

Teorba

Teorba je bas verzija lutnje. Broj žica je od 14 do 19 (uglavnom jednostruke, ali bilo je i glazbala u paru).

Quitarrone

Kitarrone - bas varijanta tzv. Talijanska gitara (instrument ovalnog tijela, za razliku od španjolske g.). Broj žica je 14 pojedinačnih. Quitarrone se praktički ne razlikuje od theorbona, ali ima drugačije podrijetlo od njega.

arhilut

Manji od teorbe. Najčešće je imala 14 žica, prvih šest u ugađanju tipičnom za renesansu - (za razliku od barokne lutnje, u kojoj je prvih šest žica davalo akord u d-molu) građene su u čistu kvartu, osim 3. i 4. koje su građene u velikoj trećini.

Anđelika

Mandora

Gallichon

Citra

archicitra

Mandolina

barokna gitara

Barokna gitara obično je imala pet pari (zborova) žica. Prve barokne ili peterokorne gitare poznate su s kraja 16. stoljeća. Tada je gitari dodan peti zbor (prije toga bila je opskrbljena s četiri uparene žice). Rasgeado stil čini ovaj instrument iznimno popularnim.

Nizati druge

hurdy gurdy

Hurdy gurdy ima šest do osam žica, od kojih većina zvuči istovremeno, vibrirajući kao rezultat trenja o kotač koji okreće desna ruka. Jedna ili dvije odvojene žice, čiji se zvučni dio skraćuje ili produljuje uz pomoć šipki lijevom rukom, reproduciraju melodiju, a preostale žice monotono bruje.

Mjed

Francuski rog

Barokni rog nije imao mehanike i omogućavao je izdvajanje samo tonova prirodne ljestvice; za sviranje u svakoj od tonaliteta korišten je poseban instrument.

Rog

Puhački mjedeni usnik glazbeni instrument bez ventila, sa koničnom cijevi.

Trombon

Trombon izgleda kao velika metalna cijev ovalnog oblika. Usnik se nalazi u njegovom gornjem dijelu. Donji zavoj trombona je pomičan i naziva se krilima. Izvlačenje zvona smanjuje zvuk, guranje ga povećava.

Drveni puhači

poprečna svirala

Blok flauta

Chalumot

oboa

Fagot

kvartfagot

Quartbassoon - uvećani fagot. U pisanju, dionica kvartfagota piše se na isti način kao i fagot, ali zvuči savršena četvrtina ispod ispisane note.

kontrafagot

Kontrafagot je bas verzija fagota.

bubnjevi

timpani

Timpani su udaraljke s određenom visinom tona. Visina se podešava pomoću vijaka ili posebnog mehanizma, najčešće u obliku nožne pedale.

Napišite recenziju na članak "Glazbeni instrumenti baroknog doba"

Bilješke

Ulomak koji karakterizira glazbene instrumente baroknog doba

"Hoće li biti ikakvog naloga od vašeg visokog plemstva?" - rekao je Denisovu, stavljajući ruku na vizir i opet se vraćajući igri ađutanta i generala, za koju se bio pripremio, - ili da ostanem uz vašu čast?
"Naredbe?" rekao je Denisov zamišljeno. - Možeš li ostati do sutra?
- Oh, molim te... Mogu li ostati s tobom? Petja je vrisnula.
- Da, kako vam je točno naređeno iz genega "ala - sad van"? upita Denisov. Petja je pocrvenjela.
Da, nije ništa rekao. Mislim da je moguće? rekao je upitno.
"Pa, dobro", rekao je Denisov. I, okrenuvši se svojim podređenima, izdao je zapovijed da grupa ode na određeno mjesto za odmor u blizini stražarnice u šumi i da časnik na kirgiskom konju (taj je časnik bio ađutant) ode potražiti Dolokhova, saznati gdje je bio i hoće li doći navečer . Sam Denisov, s esaulom i Petjom, namjeravao je odvesti se do ruba šume, s pogledom na Šamšev, kako bi pogledao položaj Francuza, koji je trebao biti usmjeren na sutrašnji napad.
„Pa, ​​božja oda“, okrenuo se seljaku dirigentu, „odvedi me u Šamšev.
Denisov, Petya i esaul, u pratnji nekoliko kozaka i jednog husara koji je nosio zarobljenika, odvezli su se lijevo kroz klanac, do ruba šume.

Kiša je prestala, samo su magla i kapljice vode padale s grana drveća. Denisov, esaul i Petya šutke su slijedili seljaka s kapom, koji ih je, lagano i nečujno gazeći nogama u batinama preko korijenja i mokrog lišća, odveo do ruba šume.
Izašavši na izvolok, seljak zastane, pogleda oko sebe i uputi se prema sve tanjem zidu drveća. Kod velikog hrasta, koji još nije bio olistao, zastao je i tajanstveno ga rukom mahnuo.
Denisov i Petja su se odvezli do njega. S mjesta gdje je seljak stao vidjeli su se Francuzi. Sada se proljetno polje spuštalo iza šume kao polubrežuljak. S desne strane, preko strme klisure, vidjelo se malo selo i kurija s urušenim krovovima. U ovom selu, u dvorcu, i duž čitavog brežuljka, u vrtu, kod bunara i ribnjaka, i duž cijele ceste uzbrdo od mosta do sela, udaljenog ne više od dvije stotine sazhena, gomile ljudi. moglo se vidjeti u kolebavoj magli. Njihovi neruski krici jasno su se čuli kod konja u kolima koji su trgali planinu i međusobno dozivanje.
"Dajte zarobljenika ovamo", rekao je Denisop tiho, ne skidajući pogled s Francuza.
Kozak je sjahao s konja, sklonio dječaka i zajedno s njim prišao Denisovu. Denisov je, pokazujući na Francuze, pitao kakve su to trupe. Dječak je, gurajući promrzle ruke u džepove i podižući obrve, uplašeno pogledao Denisova i, unatoč očitoj želji da kaže sve što zna, zbunio se u odgovorima i samo potvrdio ono što je Denisov pitao. Denisov se namršteno okrene od njega i okrene esaulu, govoreći mu svoje misli.
Petya je, okrećući glavu brzim pokretima, prvo pogledao bubnjara, zatim Denisova, zatim esaula, zatim Francuze u selu i na cesti, pokušavajući ne propustiti nešto važno.
- Pg "dolazi, a ne pg" je Dolokhov, morate bg "at! .. Ha?" rekao je Denisov, a oči su mu veselo bljeskale.
"Mjesto je prikladno", reče esaul.
"Poslat ćemo pješaštvo odozdo - kroz močvare", nastavio je Denisov, "oni će dopuzati do vrta; ti ćeš se javiti s kozacima odande,” pokazao je Denisov na šumu izvan sela, “a ja sam odavde, sa svojim gusagama.
"U šupljini to neće biti moguće - to je močvara", rekao je esaul. - Zaglibit ćeš konje, moraš zaobići lijevo...
Dok su tako tiho razgovarali, dolje, u udubini od jezerca, škljocao je jedan pucanj, počeo se bijeliti dim, drugi, i prijateljski, kao vedar, krik stotine glasova Francuza koji su bili na polugori se čulo. U prvoj minuti su i Denisov i esaul zaklonili. Bili su toliko blizu da im se činilo da su oni uzrok ove pucnjeve i vriske. Ali pucnji i krici nisu pripadali njima. Dolje, kroz močvare, trčao je čovjek u nečem crvenom. Očito su ga Francuzi gađali i vikali na njega.
- Uostalom, ovo je naš Tihon - reče esaul.
- On! oni su!
"Eka lupež", rekao je Denisov.
- Napustiti! - stisnuvši oči reče esaul.
Čovjek kojeg su zvali Tihon, dotrčavši do rijeke, baci se u nju tako da je prskala voda i, sakrivši se na trenutak, sav crn od vode, izađe na sve četiri i potrča dalje. Francuzi, koji su trčali za njim, stali su.
- Pa, pametno - reče esaul.
- Kakva zvijer! reče Denisov s istim izrazom ozlojeđenosti. I što je dosad napravio?
- Tko je to? upitala je Petja.
- Ovo je naš plast. Poslao sam ga da pokupi jezik.
"Ah, da", rekao je Petja od prve Denisovljeve riječi, klimajući glavom kao da je sve razumio, iako očito nije razumio nijednu riječ.
Tihon Ščerbati bio je jedan od najpotrebnijih ljudi u stranci. Bio je seljak iz Pokrovskog blizu Gzhatye. Kad je na početku svojih akcija Denisov došao u Pokrovskoje i, kao i uvijek, dozvavši starješinu, upitao što znaju o Francuzima, starješina je odgovorio, kao što su odgovorili i svi glavari, kao da se brane, da ne znaju. bilo što, znaj da ne znaju. Ali kad im je Denisov objasnio da mu je cilj pobijediti Francuze i kad ih je upitao jesu li Francuzi zalutali u njih, poglavar je rekao da je pljačkaša sigurno bilo, ali da se u njihovom selu time bavi samo Tiška Ščerbati. pitanjima. Denisov je naredio da mu pozovu Tihona i, pohvalivši ga za njegovu djelatnost, rekao je pred poglavarom nekoliko riječi o odanosti caru i domovini i mržnji prema Francuzima, čega se trebaju pridržavati sinovi domovine.
"Ne činimo ništa loše Francuzima", rekao je Tihon, očito plašljiv na ove Denisovljeve riječi. - Samo smo se, znači, u lovu petljali s dečkima. Kao da je pretučeno dva tuceta Miroderova, inače nismo učinili ništa loše... - Sutradan, kad je Denisov, potpuno zaboravivši na tog seljaka, napustio Pokrovskog, obavijestili su ga da je Tihon ostao pri stranci i tražio da bude lijevo s njim. Denisov je naredio da ga napuste.
Tihon, koji je isprva ispravio mučki posao paljenja vatre, dostave vode, deranja konja itd., ubrzo je pokazao veliku volju i sposobnost da gerilski rat. Izlazio je noću u pljačku i svaki put nosio sa sobom haljinu i francusko oružje, a kad mu je bilo naređeno, dovodio je zarobljenike. Denisov je udaljio Tikhona s posla, počeo ga voditi sa sobom na putovanja i upisao ga u kozake.
Tihon nije volio jahati i uvijek je hodao, nikad ne zaostajući za konjicom. Oružje mu je bila loptica, koju je nosio više za smijanje, koplje i sjekira, koje je posjedovao kao vuk zube, jednako lako vadeći buhe iz vune i grizući njima debele kosti. Tihon je jednako vjerno, svom snagom, sjekirom cijepao cjepanice i, uzevši sjekiru za kundak, njome izrezivao tanke klinove i izrezivao žlice. U partiji Denisova Tihon je zauzimao svoje posebno, izuzetno mjesto. Kad je trebalo učiniti nešto posebno teško i ružno - ramenom okrenuti kola u blatu, izvući konja iz močvare za rep, oderati ga, popeti se u samu sred Francuza, hodati pedeset milja. dan - svi su, smijući se, pokazali na Tihona.
“Šta on radi, teška merenina”, govorili su za njega.
Jednom ga je Francuz, kojeg je Tihon vodio, upucao iz pištolja i pogodio u meso njegovih leđa. Ova rana, od koje se Tihon liječio samo votkom, iznutra i izvana, bila je predmet najveselijih šala u cijelom odredu i šala kojima je Tihon rado podlijegao.
— Što, brate, nećeš? Ali se zgrčio? kozaci su mu se smijali, a Tihon je, namjerno čučeći i praveći grimase, hineći ljutnju, grdio Francuze najsmješnijim psovkama. Ovaj incident je samo utjecao na Tihona da je, nakon ranjavanja, rijetko dovodio zarobljenike.

Ministarstvo obrazovanja i znanosti Ukrajine

SevNTU

Katedra: Ukrajinistika. Kulturologija. Pedagogija.

Esej o kulturološkim studijama

Predmet: “Instrumentalna glazba baroknog doba (XVII.-1. polovica XVIII. stoljeća). Podrijetlo žanrova – simfonija, koncert. Djelo Antonija Vivaldija.

Izvodi student

grupa IM-12d

Stupko M.G.

Provjereno:

Kostennikov A.M.

Sevastopolj 2007

Plan:

Uvod.

Glavni dio:

1) Razlike u baroknoj glazbi:

Od renesanse.

Od klasicizma.

2) Opće karakteristike instrumentalnih žanrova baroknog doba.

3) Povijest instrumentalne glazbe u zapadnoj Europi.

Završni dio.

1) Utjecaj barokne instrumentalne glazbe na kasniju glazbu.

Prijelaz u doba klasicizma (1740-1780).

Utjecaj baroknih tehnika i tehnike nakon 1760. godine.

Jazz.

2) Zaključak.

IV. Popis izvora.

Uvod:

Barokno doba (XVII. stoljeće) jedno je od najzanimljivijih razdoblja u povijesti svjetske kulture. Zanimljiva je svojom dramatičnošću, intenzitetom, dinamikom, kontrastom, au isto vrijeme skladom, cjelovitošću, jedinstvom.

Posebnu ulogu u ovoj eri zauzima glazbena umjetnost, koja počinje takoreći presudnom prekretnicom, beskompromisnom borbom protiv starog „strogog stila“.

Proširuju se izražajne mogućnosti glazbene umjetnosti, ujedno se teži odvajanju glazbe od riječi - intenzivnom razvoju instrumentalnih žanrova, uvelike povezanih s estetikom baroka. Javljaju se veliki ciklički oblici (concerto grosso, ansambl i solo sonate), u nekim suitama maštovito se izmjenjuju kazališne uvertire, fuge, orguljaške improvizacije. Usporedba i prožimanje polifonih i homofonih načela glazbenog pisma postaje tipično.Pisanje i izvedbene tehnike baroknog razdoblja postale su sastavni i značajan dio klasičnog glazbenog kanona. Djela tog vremena naširoko se izvode i proučavaju.

Razlike u baroknoj glazbi

iz renesanse

Barokna je glazba od renesanse preuzela praksu korištenja polifonije i kontrapunkta. Međutim, te su se tehnike primjenjivale drugačije. U renesansi se glazbena harmonija gradila na tome što su se u mekom i mirnom kretanju polifonije suzvučja pojavljivala sporedno i kao slučajno. U baroknoj je glazbi, međutim, postao bitan redoslijed pojavljivanja suzvučja: ono se manifestiralo uz pomoć akorada izgrađenih prema hijerarhijskoj shemi funkcionalnog tonaliteta (ili funkcionalnog dur-mol modalnog sustava). Oko 1600. definicija što je tonalitet bila je uglavnom netočna, subjektivna. Na primjer, neki su vidjeli određeni tonski razvoj u kadencama madrigala, dok je zapravo, u ranim monodijama, tonalitet još uvijek bio vrlo neodređen. Slab razvoj teorije jedinstvenog sustava temperamenta imao je učinak. Prema Shermanu, prvi put je tek 1533. Talijan Giovanni Maria Lanfranco predložio i uveo u praksu orguljaško-klavirskog izvođenja sustav jednake temperacije. A sustav je postao raširen mnogo kasnije. I tek 1722. godine pojavljuje se Dobro temperirani klavir J. S. Bacha. Druga razlika između glazbene harmonije baroka i renesanse bila je u tome što se u ranom razdoblju tonički pomak događao češće u tercama, dok je u razdoblju baroka dominirala modulacija u kvartama ili kvintama (pojava koncepta funkcionalnog tonaliteta imala je učinak ). Osim toga, barokna je glazba koristila dulje melodijske linije i stroži ritam. Glavna se tema proširivala ili sama ili uz pomoć basso continuo pratnje. Zatim se pojavila drugim glasom. Kasnije, glavna tema počeo izražavati kroz basso continuo, ne samo uz pomoć glavnih glasova. Hijerarhija melodije i pratnje bila je zamagljena.

Stilske razlike odredile su prijelaz s ricercara, fantazija i kancona renesanse na fuge, jedan od glavnih oblika barokne glazbe. Monteverdi je to nazvao novim, slobodnim stilom seconda pratica (drugi oblik) za razliku od prima pratica (prvi oblik), koji je karakterizirao motete i druge crkvene oblike korala takvih majstora renesanse poput Giovannija Pierluigija da Palestrine. Sam Monteverdi koristio je oba stila; njegova misa »In illo tempore« napisana je po starom, a »Večernja Blažene Djevice« po novom.

Postojale su i druge, dublje razlike u baroknim i renesansnim stilovima. Barokna glazba težila je višoj razini emocionalnog ispunjenja od renesansne glazbe. Barokni spisi često su opisivali jednu, specifičnu emociju (radovanje, tuga, pobožnost i tako dalje; usp.teorija utjecaja). Barokna glazba često je pisana za virtuozne pjevače i glazbenike, a obično ju je bilo mnogo teže izvoditi od renesansne glazbe, unatoč činjenici da je detaljno snimanje instrumentalnih dionica bila jedna od najvažnijih inovacija baroknog razdoblja. Postala je gotovo obavezna za korištenjeglazbene dekoracije, koju glazbenik često izvodi u oblikuimprovizacija. Izrazi kao što subilješke inegalespostala univerzalna; izvodi većina glazbenika, često uz veliku slobodu primjene.

Druga važna promjena bila je ta da je strast prema instrumentalnoj glazbi nadmašila strast prema vokalnoj glazbi. Vokalni komadi kao nprmadrigala I arije, zapravo se češće nisu pjevale, nego instrumentalno izvodile. O tome svjedoče svjedočanstva suvremenika, kao i broj rukopisa instrumentalnih skladbi, čiji je broj premašio broj djela koja predstavljaju svjetovnu vokalna glazba . Postupno nastajanje čistog instrumentalnog stila, različitog od vokalne polifonije 16. stoljeća, bio je jedan od najvažnijih koraka u prijelazu iz renesanse u barok. Sve do kraja 16. stoljeća instrumentalna se glazba jedva razlikovala od vokalne i sastojala se uglavnom od plesnih melodija, obrada poznatih popularnih pjesama i madrigala (uglavnom za klavijature ilutnje) kao i višeglasna djela koja bi se mogla okarakterizirati kaomoteti, kancona, madrigalabez poezije.

Iako različiti varijacijski tretmani,toccata, fantazije I preludijijer su lutnja i instrumenti s tipkama poznati odavno, ansamblska glazba još nije izborila samostalan opstanak. No, nagli razvoj svjetovne vokalne skladbe u Italiji i drugim europskim zemljama bio je novi poticaj stvaranju komorne glazbe za instrumente.

Na primjer, u Engleskaraširena umjetnost sviranjaviola- gudački instrumenti različitog raspona i veličine. Violisti su se često pridruživali vokalnoj grupi, nadopunjavajući nedostajuće glasove. Ova praksa postala je uobičajena, a mnoga izdanja su označena kao "Prikladno za glasove ili viole".

Kao instrumentalna djela izvedene su brojne vokalne arije i madrigali. Na primjer, madrigal"Srebrni labud"Orlando Gibbonsu desecima zbirki, označen i predstavljen kao instrumentalno djelo.

Od klasicizma

U doba klasicizma koje je uslijedilo nakon baroka uloga kontrapunkta se smanjuje (iako se razvoj umjetnosti kontrapunkta nije zaustavio), a dolazi do izražaja homofona struktura glazbenih djela. U glazbi je manje ukrasa. Djela su počela naginjati jasnijoj strukturi, osobito ona pisana u sonatnom obliku. Modulacije (promjena tonaliteta) postale su elementom strukturiranja; djela su se počela slušati kao putovanje puno dramatike kroz slijed ključeva, niz odlazaka i dolazaka na toniku. Modulacije su bile prisutne iu baroknoj glazbi, ali nisu imale strukturirajuću funkciju.

U djelima klasičnog doba često se u jednom dijelu djela otkrivaju mnoge emocije, dok u baroknoj glazbi jedan dio nosi jedan, jasno ocrtan osjećaj. I, konačno, u klasičnim djelima obično se dolazilo do emotivnog vrhunca, koji je bio razriješen do kraja djela. U baroknim djelima, nakon dostizanja ove kulminacije, sve do zadnje note, ostao je blagi osjećaj glavne emocije. Mnoštvo baroknih oblika poslužilo je kao polazište za razvoj sonatnog oblika, razvijajući mnoge varijante osnovnih kadenci.

Opće karakteristike instrumentalnih žanrova baroknog doba.

Podrijetlo žanrova – simfonija, koncert. Sonata u 17. stoljeću

Prototipom simfonije može se smatrati talijanska uvertira, koja se oblikovala pod Scarlattijem krajem 17. stoljeća. Taj se oblik već tada nazivao simfonijom i sastojao se od allegra, andantea i allegra, spojenih u jedno. S druge strane, preteča simfonije bila je orkestralna sonata, koja se sastojala od više dijelova u najjednostavnijim oblicima i uglavnom u istom ključu. U klasičnoj simfoniji samo prvi i zadnji dio imaju iste ključeve, a srednji su napisani u ključevima srodnim glavnom, koji određuje ključ cijele simfonije. Kasnije se Haydn smatra tvorcem klasičnog oblika simfonije i orkestralnog kolorita; Mozart i Beethoven dali su značajan doprinos njegovom razvoju.

Riječ koncert, kao naziv glazbene skladbe, pojavljuje se u Italiji krajem 16. stoljeća. Koncert u tri dijela pojavio se krajem 17. stoljeća. Utemeljiteljem ovog oblika koncerta smatra se Talijan Corelli (vidi).

Koncert se obično sastoji od 3 dijela (ekstremni dijelovi su u ubrzanom pokretu). U 18. stoljeću simfonija u kojoj su mnogi instrumenti mjestimično izvodili solo nazivala se concerto grosso. Kasnije je simfonija, u kojoj je jedan instrument dobio samostalniji značaj u usporedbi s drugima, postala poznata kao symphonique concertante, concertirende Sinfonie. Genetski, concerto grosso je povezan s oblikom fuge koja se temelji na sekvencijalnom prolasku teme kroz glasove, izmjenjujući se s netematskim konstrukcijama - međuigrejima. Concerto grosso nasljeđuje to načelo, s tom razlikom što je početna konstrukcija koncerta polifona. Postoje 3 vrste teksture u concerto grossu:

višeglasan;

homofoni;

zborski (zborski).

(gotovo se nikad ne nalaze u čistom obliku. Prevladava sintetička faktura - homofono-polifono skladište).

Sonata (ne brkati sa sonatnim oblikom). Sve do kraja 17. stoljeća sonatom se nazivala zbirka instrumentalnih skladbi, kao i vokalni motet, obrađen za instrumente. Sonate su se dijelile na dvije vrste: komorne sonate (tal. sonata za kameru ), koji se sastojao od preludija, arija, plesova itd., napisanih u različitim tonalitetima, te crkvene sonate (tal. sonata da chiesa ), u kojem je prevladavao kontrapunktski stil. Brojna instrumentalna djela napisana za mnoge orkestralne instrumente nazivaju se ne sonatom, već velikim koncertom (tal. concerto grosso ). Sonata se također koristi u koncertima za solo instrument s orkestrom, kao iu simfonijama.

Glavni instrumentalni žanrovi baroknog doba.

Concerto grosso ( Concerto grosso)

Fuga

Suite

Allemande

Courant

Sarabanda

Gigue

Gavota

Menuet

Sonata

Komorna sonata Sonata da camera

crkvena sonata sonata da chiesa

Trio sonata

Klasična sonata

Uvertira

Francuska uvertira (fr. uvertira)

Talijanska uvertira (talijanski) sinfonija)

Partita

Kancona

Simfonija

Fantazija

Reachercar

Toccata

Uvod

Chaconne

Passacaglia

Zborski preludij

Osnovni instrumenti baroknog doba.

Orgulje u sakralnoj i komornoj svjetovnoj glazbi postale su glavni glazbeni instrumenti baroka. U širokoj su uporabi bili i čembalo, trzalačka i gudala, kao i drveni puhački instrumenti: viole, barokna gitara, barokna violina, violončelo, kontrabas, razne flaute, klarinet, oboa, fagot. U doba baroka funkcije tako raširenog trzalačkog žičanog glazbala kao što je lutnja uglavnom su svedene na pratnju basso continua, a postupno je u tom obliku zamijenjena. instrumenti s tipkama. Hurdy gurdy, koji je u prethodnoj renesansi izgubio svoju popularnost i postao oruđem siromaha i skitnica, dobio je drugo rođenje; do kraja 18. stoljeća. hurdy-gurdy je ostao modna igračka francuskih aristokrata, koji su voljeli seoski život.

Povijest instrumentalne glazbe u zapadnoj Europi.

Instrumentalna glazba Italije.

Italija 17. stoljeća imala je ulogu svojevrsnog ogromnog eksperimentalnog studija, gdje su se odvijala ustrajna traganja i postupno formiranje novih progresivnih žanrova i oblika instrumentalne glazbe. Ove inovativne potrage dovele su do stvaranja velikog blaga umjetnosti.

Takvi otvoreni, demokratski oblici muziciranja javljaju se kao crkveni koncerti na kojima se izvodila ne samo duhovna, već i svjetovna glazba. Ti su se koncerti priređivali za župljane u prostorijama crkava i katedrala nedjeljom nakon misnog slavlja. U profesionalnu glazbu naširoko su prodrle različite metode variranja narodnih melodija.

Povijest instrumentalne glazbe 17. stoljeća. U Italiji je to povijest stvaranja instrumentalnih ansambala s vodećom ulogom violine, budući da je ona tek sada konačno zamijenila komorno izvrsnu šestožičanu violu sa svojim kvartertnim sustavom, potisnuvši lutnju. Kvintni sustav čini violinu instrumentom posebno sukladnim izražajnim mogućnostima harmonije koja sve više prodire u instrumentalnu glazbu.

Venecija je stvorila prvu violinsku školu u Italiji, gdje je prvi put formiran sastav profesionalnog gudačkog trija (dvije violine i bas) i definiran žanr koji je postao tipičan za ovaj ansambl: višeglasna trio sonata.

Sredinom stoljeća nastaje sonata, kao ciklus novog tipa.

To je dovelo do:

1) potraga za novom tematskom, figurativnom određenošću, konkretnošću;

2) proširenje opsega sastava, samoodređenje dijelova;

3) kontrast dinamike i lirike u makro i mikrorazmjerima.

Postupno sonata prelazi iz kontrastno-kompozitnog oblika u ciklus.

Razvija se i žanr suite. Postupno se stvara tip koncerta – grosso, ovaj žanr

Predstavnici talijanske instrumentalne glazbe:

Girolamo Frescobaldi (1583-1643).

Utemeljitelj talijanske orguljaške škole XVII. Skladao je: kancone, tokate, richercate, preradbe korala za orgulje, te fuge za čembalo, kancone i partite. Odstupio je od strogog pisanja prošlih stoljeća i postavio temelje novom slobodnom stilu. Melodične su teme dobile raznolika žanrovska obilježja, približavajući ih svakodnevnom, svjetovnom životu. Frescobaldi je stvarao emocionalno žive i individualizirane teme. Sve je to bila nova i svježa riječ u instrumentalnom višeglasju, u melodijskom i harmonijskom mišljenju toga doba.

Arcangelo Corelli (1653. -1713.)

Najveći violinist 17. stoljeća. Stvaralačka baština sadržana je u šest opusa: - Dvanaest trio sonata (uz pratnju orgulja) - 1685.

Dvanaest trio sonata (uz pratnju čembala) - 1685.

Dvanaest trio sonata (uz pratnju orgulja) - 1689.

Dvanaest trio sonata (uz pratnju čembala) - 1694.

Jedanaest sonata i varijacija za violinu (uz pratnju čembala) - 1700.

Dvanaest concerta grossa - 1712

Obilježja: odsutnost tematskih kontrasta unutar dijelova; jukstapozicija solo i tutti (gluma) za aktiviranje glazbenog tkiva; jasan i otvoren maštoviti svijet.

Corelli je sonati dao klasičnu cjelovitost oblika. Postao utemeljitelj žanra concerto grosso.

Antonio Vivaldi (1678.-1741.). Stvaranje.

Talijanski skladatelj, violinist, dirigent, pedagog. Učio je kod svog oca Dževana Battiste Vivaldija, violinista katedrale San Marco u Veneciji, a možda i kod G. Legrenzija. 1703—25 učitelj, zatim dirigent orkestra i koncertni ravnatelj te ravnatelj (od 1713) Ženskoga konzervatorija u Pieti (1735 opet kratko vrijeme kapelnik). Skladao je glazbu za brojne svjetovne i duhovne koncerte konzervatorija. Istodobno je pisao opere za kazališta u Veneciji (sudjelovao u njihovoj produkciji). Kao virtuozni violinist koncertirao je u Italiji i inozemstvu. Zadnjih godina proveo u Beču.

U Vivaldijevom stvaralaštvu, concerto grosso dosegnuo je svoj najviši vrhunac. Na temelju postignuća A. Corellija, Vivaldi je uspostavio trodijelnu cikličku formu za concerto grosso, izdvojivši virtuozni dio solista. Stvorio je žanr solo instrumentalni koncert, pridonio je razvoju virtuozne violinske tehnike. Vivaldijev glazbeni stil odlikuje melodičnost, velikodušnost, dinamičnost i izražajnost zvuka, transparentnost orka pisma, klasična harmonija u kombinaciji s emocionalnim bogatstvom. Vivaldijevi koncerti poslužili su kao uzori koncertnog žanra mnogim skladateljima, uključujući J. S. Bacha (transkribirao je oko 20 Vivaldijevih violinskih koncerata za čembalo i orgulje). Ciklus "Godišnja doba" jedan je od najranijih primjera programne orkestralne glazbe.

Značajan je Vivaldijev doprinos razvoju instrumentacije (prvi je upotrijebio gaboe, rogove, fagote i druga glazbala kao samostalna, a ne duplicirajuća). Vivaldijev instrumentalni koncert bio je etapa na putu nastajanja klasične simfonije. U Sieni je stvoren Talijanski institut nazvan po Vivaldiju (voditelj F. Malipiero).

Kompozicije:

opere (27)-
uključujući Rolanda - umišljenog luđaka (Orlando fiato pozzo, 1714., kazalište "Sant'Angelo", Venecija), Nerona, koji je postao Cezar (Nerone fatto Cesare, 1715., ibid), Darijevo krunjenje (L "incoronazione di Daria, 1716. , ibid.), Prijevara trijumfalna u ljubavi (L "inganno trionfante in amore, 1725., ibid.), Farnache (1727., ibid., kasnije nazvan i Farnache, vladar Ponta), Cunegonda (1727., ibid.), Olimpija ( 1734., ibid.), Griselda (1735., kazalište "San Samuele", Venecija), Aristides (1735., ibid.), Proročište u Meseniji (1738., kazalište "Sant'Angelo", Venecija), Ferasp (1739., ibid. ) ;

oratorij-
Mojsije, bog faraona (Moyses Deus Pharaonis, 1714.), Pobjednička Judita (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716.), Poklonstvo mudraca (L "Adorazione delli tre Re Magi, 1722.);

svjetovne kantate (56)-
uključujući 37 za glas s basso continuom, 14 za glas s gudačima, orkestar, velika kantata Gloria i Hymen (1725.);

kultna glazba (oko 55 komada) -
uključujući Stabat Mater, motete, psalme itd.;

instrumental. djela-
76 sonata (s basso continuom), uključujući 30 za violinu, 19 za 2 violine, 10 za violončelo, 1 za violinu i violončelo, 2 za lutnju i violinu, 2 za obou; 465 koncerata, uključujući 49 concerti grossi, 331 za jedan instrument s basso continuom (228 za violinu, 27 za violončelo, 6 za violu d'amour, 13 za poprečne, 3 za uzdužne flaute, 12 za obou, 38 za fagot, 1 za mandolina) 38 za 2 instrumenta s basso continuom (25 za violinu, 2 za violončelo, 3 za violinu i violončelo, 2 za rogove, 1 za mandoline), 32 za 3 ili više instrumenata s basso continuom.

Domenico Scarlatti (1685–1757).

Skladatelj, najveći majstor talijanske klavirske glazbe. Većina briljantnih klavirskih sonata pod naslovom Essercizi (vježbe ), koji je Domenico napisao za svoju talentiranu učenicu Mariju Barbaru, koja je učitelju ostala odana cijeli život. Vjeruje se da je još jedan slavni učenik Domenica bio španjolski skladatelj Padre Antonio Soler.

Originalnost Scarlattijevog klavirskog stila otkrivena je u 30 sonata iz 1738. godine. Scarlattijeve sonate su najautentičniji i najprofinjeniji odraz španjolskog glazbenog stila, s velikom živahnošću hvataju duh i ritam španjolskih plesova i kultura gitare. Ove sonate često imaju strogo binarni oblik (AABB), ali je njihov unutarnji sadržaj vrlo raznolik.

Među najupečatljivijim značajkama skladateljeva stila su briljantnost disonantnih harmonija i odvažne modulacije. Jedinstvenost Scarlattijevog klavirskog pisma povezana je s bogatstvom teksture: to se odnosi na križanje lijeve i desne ruke, repete, trilove i druge vrste ukrasa. Danas se Domenicove sonate smatraju među najizvornijim djelima ikada napisanim za instrumente s tipkama.

Instrumentalna glazba Njemačke.

U instrumentalnoj muzici 17.st. orgulje zauzele počasno mjesto. U prvim generacijama njemačkih orguljskih skladatelja najzanimljiviji su likovi Scheidta (1587.-1654.) i Johanna Frobergera (1616.-1667.). Njihovo je značenje veliko za povijest višeglasnih oblika na putu prema fugi i obradama za koral. Froberger je spojio glazbu za orgulje i čembalo (improvizacija, patos, virtuoznost, pokretljivost, fina razrada detalja). Među neposrednim Bachovim prethodnicima su Johann Adam, Georg Böhm, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtelhude. Veliki i originalni umjetnici, oni predstavljaju, takoreći, različite strane umjetnosti orgulja prije Bacha: Pachelbel - "klasična" linija, Buxtelhude - "barok". Buxtelhudeovo stvaralaštvo karakterizira rasprostranjenost kompozicije, sloboda mašte, sklonost patosu, dramatici i govorničkim intonacijama.

Johann Sebastian Bach.

Većina instrumentalne glazbe je čisto svjetovna (iznimka je glazba za orgulje). U instrumentalnoj glazbi postoji proces interakcije i međusobnog obogaćivanja različitih područja, žanrova, vrsta prezentacije. Glazba za klavir i orgulje zauzima središnje mjesto.

Klavir je kreativni laboratorij. Bach je pomaknuo granice repertoara, postavljajući ekstremne zahtjeve za instrument. Klavirski stil odlikuje se energičnom i veličanstvenom, suzdržanom i uravnoteženom emocionalnom strukturom, bogatstvom i raznolikošću teksture, intonacijskim bogatstvom. Bach je uveo nove tehnike sviranja. Djela: skladbe za početnike (mali preludiji, fugete), preludiji i fuge (HTK), suite, koncerti (talijanski), tokate, fantazije (slobodna improvizacija, patetično povišen ton, virtuozna faktura), “Umijeće fuge” (stvorio klasična fuga) .

Veliku ulogu u Bachovu stvaralaštvu imaju orgulje. Orguljski stil ostavio je traga na cjelokupnom skladateljevom instrumentalnom promišljanju. Orgulje su to koje pripadaju žanru koji povezuje instrumentalnu glazbu s duhovnim kantatama i pasijama - obradama korala (više od 150). Orguljaška djela gravitiraju prema ustaljenim oblicima, tradicionalnim žanrovima, kojima je Bach dao kvalitativno novu interpretaciju: preludiju i fugi (razlučio je dvije skladbene sfere, unaprijedio ih, spojio u novoj sintezi).

Bach je pisao i za druge instrumente: suite za violončelo, komorne ansamble, suite za orkestar, koncerte, koji su odigrali veliku ulogu u daljnjem glazbenom razvoju.

Bachova golema ostavština ima moralni utjecaj. Zakoračio je daleko izvan jednog stila, jedne ere.

Instrumentalna glazba Engleske.

Na području engleske instrumentalne glazbe uobličava se klavirska škola (verzhdinelists - po nazivu instrumenta). Predstavnici: Bird, Bull, Morny, Gibbons... Najzanimljivija djela su im varijacije na temu plesova i pjesama.

Georg Friedrich Handel.

Instrumentalna glazba - indikativna za skladateljev stil, povezana je s vokalnim djelima, slike, slikovna svojstva glazbe s riječju utječu na tematski, opći izgled drama, pojedinih dijelova. Općenito, karakteristični su sjaj, patos, gustoća zvuka, svečana svečanost, puna zvučnost, kontrasti chiaroscura, temperament, improvizacijska razlijevanja.

Za kreativnu sliku najkarakterističniji je žanr concerto grosso i koncert općenito (za orgulje, za orkestar...). Händel je dopustio slobodnu kompoziciju koncertnog ciklusa, nije se pridržavao načela "brzo-sporo". Njegovi su koncerti (uključujući i one za orgulje) čisto svjetovna djela, s uključenim plesnim dijelovima. U općem tonu dominira svečanost, energija, kontrast, improvizacija.

Händel je radio iu drugim žanrovima instrumentalne glazbe: sonatama (trio-sonatama), fantazijama, capricciima, varijacijama, pisao je zabavnu glazbu (dupli koncerti, “Glazba na vodi”).

Ipak, vodeće polje stvaralaštva zauzimaju sintetički žanrovi: opera, oratorij.

Instrumentalna glazba Francuske.

17. stoljeće je vrhunac u povijesti instrumentalne glazbe. U riznici svjetske glazbene kulture nalaze se djela francuskih virtuoza na klavecinu Jacquesa Chambonnièrea, Louisa Couprena i Francoisa Couprena. Omiljeni žanr bila je suita malih plesnih komada koji su se nizali jedan za drugim. F. Kupren tvorac je novog žanra u instrumentalnoj glazbi rondo (umjetnost sviranja čembala). Glazbeni stil čembala odlikuje se melodijskim bogatstvom, obiljem ukrasa, fleksibilnim gracioznim ritmom.

Završni dio.

Utjecaj barokne instrumentalne glazbe na kasniju glazbu.

Prijelaz u doba klasicizma (1740-1780)

Prijelazno razdoblje između kasnog baroka i ranog klasicizma, ispunjeno suprotstavljenim idejama i pokušajima ujednačavanja različitih pogleda na svijet, ima nekoliko naziva. Naziva se "galantni stil", "rokoko", "pretklasično razdoblje" ili "rano klasično razdoblje". U tih nekoliko desetljeća skladatelji koji su nastavili djelovati u baroknom stilu bili su uspješni, ali već nisu pripadali sadašnjosti, već prošlosti. Glazba je bila na raskrižju: majstori starog stila posjedovali su izvrsnu tehniku, a publika je već željela novu. Iskoristivši tu želju, Carl Philipp Emmanuel Bach postigao je slavu: bio je izvrstan majstor starog stila, ali je naporno radio na njegovom ažuriranju. Njegove klavirske sonate odlikuju se slobodom u strukturi, smjelim radom na strukturi djela.

U ovom prijelaznom trenutku porasla je razlika između sakralne i svjetovne glazbe. Duhovne skladbe ostale su pretežno u okvirima baroka, dok je svjetovna glazba gravitirala novom stilu.

Osobito u katoličkim zemljama srednje Europe barokni stil bio je prisutan u duhovnoj glazbi sve do kraja osamnaestog stoljeća, kao iu svoje vrijeme. starinski stil renesansa se održala do prve polovice sedamnaestog stoljeća. Mise i oratoriji Haydna i Mozarta, klasični u svojoj orkestraciji i ukrasima, sadržavali su mnoge barokne tehnike u svojim kontrapunktskim i harmonijskim strukturama. Propadanje baroka pratilo je dugo razdoblje suživota starih i novih tehnika. U mnogim njemačkim gradovima barokna izvedbena praksa preživjela je do 1790-ih, primjerice u Leipzigu, gdje je J. S. Bach djelovao na kraju svog života.

u Engleskoj, Händelova trajna popularnost osigurala je uspjeh manje poznatim skladateljima koji su skladali u baroknom stilu koji je sada izblijedio: Charles Avison (eng. Charles Avison ), William Boyes (eng. William Boyce ) i Thomas Augustine Arn (eng. Thomas Augustine Arne ). U kontinentalnoj Europi ovaj se stil već počeo smatrati staromodnim; posjedovanje je bilo potrebno samo za skladanje sakralne glazbe i diplomiranje tadašnjeg pojavljivanja na mnogim konzervatorijima.

Utjecaj baroknih tehnika i tehnike nakon 1760. godine

Budući da je mnogo toga u baroknoj glazbi postalo temeljem glazbenog obrazovanja, utjecaj baroknog stila ostao je i nakon odlaska baroka kao izvedbenog i skladateljski stil. Na primjer, iako se praksa generalnog basa više ne koristi, ostala je dio notnog zapisa. U 19. stoljeću partiture baroknih majstora tiskane su u punim izdanjima, što je dovelo do ponovnog zanimanja za kontrapunkt “strogog pisma” (primjerice, ruski skladatelj S. I. Tanejev već je krajem 19. stoljeća napisao teorijski rad “Pokretni kontrapunkt strogog pisma”).

20. stoljeće dalo je ime baroku. Započelo je sustavno proučavanje glazbe toga doba. Barokni oblici i stilovi utjecali su na različite skladatelje kao što su Arnold Schoenberg, Max Reger, Igor Stravinski i Bela Bartok. Rano dvadeseto stoljeće doživjelo je ponovno oživljavanje interesa za zrele barokne skladatelje kao što su Henry Purcell i Antonio Vivaldi.

Brojna djela suvremenih skladatelja objavljena su kao "izgubljena, ali ponovno otkrivena" djela baroknih majstora. Na primjer, koncert za violu, koji je skladao Henri Casadesus (fr. Henri-Gustav Casadesus ), ali ga je on pripisao Handelu. Ili nekoliko djela Fritza Kreislera (njem. Fritz Kreisler ), koju je pripisao malo poznatim baroknim skladateljima Gaetanu Pugnaniju (tal. Gaetano Pugnani ) i Padre Martini (tal. Padre Martini ). I na početku 21. stoljeća postoje skladatelji koji pišu isključivo u baroknom stilu, primjerice Giorgio Paccioni (tal. Giorgio Pacchioni).

U 20. stoljeću mnoga su djela nastala u "neobaroknom" stilu, s fokusom na imitaciju polifonije. Riječ je o djelima skladatelja kao što su Giacinto Scelsi, Paul Hindemith, Paul Creston i Bohuslav Martinu. Muzikolozi pokušavaju dovršiti nedovršena djela skladatelja baroknog doba (najpoznatije je od tih djela Umijeće fuge J. S. Bacha). Budući da je glazbeni barok bio zaštitni znak cijele jedne epohe, suvremena djela napisana "pod barokom" često se pojavljuju za televizijsku i filmsku upotrebu. Na primjer, skladatelj Peter Schickele parodira klasične i barokne stilove pod pseudonimom P. D. K. Bach.

Krajem 20. stoljeća javlja se povijesno informirana izvedba (ili "autentična izvedba" ili "autenticizam"). Bio je to pokušaj da se detaljno rekreira način izvedbe glazbenika baroknog doba. Djela Quantza i Leopolda Mozarta bila su osnova za proučavanje aspekata izvedbe barokne glazbe. Autentična izvedba uključivala je korištenje žica izrađenih od tetive, a ne od metala, rekonstrukciju čembala, korištenje starih načina proizvodnje zvuka i zaboravljenih tehnika sviranja. Nekoliko popularnih ansambala koristilo se ovim inovacijama. To su Anonymous 4, Academy of Early Music, Boston Society of Haydn and Handel, Academy of St. Martin in Fields, William Christie's Les Arts Florissants Ensemble, Le poeme harmonique, Catherine the Great's Orchestra i drugi.

Na prijelazu iz 20. u 21. stoljeće raste interes za baroknu glazbu, a prije svega za baroknu operu. Istaknuti operni pjevači poput Cecilije Bartoli uključili su barokna djela u svoj repertoar. Izvedbe se izvode koncertno iu klasičnoj verziji.

Jazz

Barokna glazba i jazz imaju neke dodirne točke. Barokna glazba, kao i jazz, uglavnom je pisana za male ansamble (u to vrijeme nije bilo realne mogućnosti okupiti orkestar od više stotina glazbenika), koji podsjećaju na jazz kvartet. Također, barokna djela ostavljaju široko polje za izvođenje improvizacije. Na primjer, mnoga barokna vokalna djela sadrže dvije vokalne dionice: prvi se dio pjeva/svira prema naznaci skladatelja, a zatim se ponavlja, ali pjevač improvizacijski ukrašava glavnu melodiju trilovima, gracijama i drugim ukrasima. Međutim, za razliku od jazza, nema promjene ritma i osnovne melodije. Barokna improvizacija samo nadopunjuje, ali ništa ne mijenja.

U sklopu cool jazz stila 50-ih godina XX. stoljeća postojala je tendencija povlačenja paralela u jazz kompozicije uz baroknu glazbu. Otkrivši zajednička harmonijska i melodijska načela u tako glazbeno i estetski udaljenim razdobljima, glazbenici su pokazali zanimanje za instrumentalnu glazbu J. S. Bacha. Niz glazbenika i ansambala krenulo je putem razvoja ovih ideja. Među njima su Dave Brubeck, Bill Evans, Gerry Mulligan, ali to se prije svega odnosi na "Modern Jazz Quartet", predvođen pijanistom Johnom Lewisom.

Zaključak.

Doba baroka ostavilo je za sobom kolosalan broj remek-djela svjetske kulture, a ne mali dio njih čine instrumentalne glazbene kreacije.Dakle, barok živi u glazbenoj svakodnevici, u intonacijama i ritmovima lake glazbe, u notornoj “Vivaldijevoj glazbi”, u školskim normama. glazbeni jezik. Žanrovi rođeni u epohi baroka živi su i razvijaju se na svoj način: fuga, opera, kantata, preludij, sonata, koncert, arija, varijacije...Nakon praćenja i analize njezine povijesti, uvjeravate se da je gotovo sva moderna glazba na neki način povezana s glazbom baroknog doba, posebno s instrumentalnom glazbom. Do danas se stvaraju ansambli stare glazbe, a to govori mnogo…

Popis izvora:

Enciklopedijski rječnik Brockhausa i Efrona (1890.-1907.).

Sposobin I. "Glazbeni oblik." M., 1984

Sherman N. S. "Formiranje jednakog temperamenta". M., 1964.

Livanova T.N., "Povijest zapadnoeuropske glazbe do 1789. (XVII. stoljeće)", udžbenik u 2 sv. T. 1. M., 1983

Rosenshield. "Priča strane glazbe do sredine 18. stoljeća. M. “Glazba” 1979

Kolesov. „Predavanja o povijesti svijeta umjetnička kultura." Kijev-2000

en.wikipedia.org

muzlit.ru

krugosvet.ru

Zaštitna folija.

Barokno doba (XVII. stoljeće) jedno je od najzanimljivijih razdoblja u povijesti svjetske kulture. Posebnu ulogu u ovoj epohi zauzima glazbena umjetnost, koja počinje takoreći presudnom prekretnicom, beskompromisnom borbom protiv starog "strogog stila".Dominacija je konačno određena svjetovna glazba(iako u Njemačkoj i nekim drugim zemljama crkva također zadržava veliku važnost).

Barokna glazba postaje složenija u odnosu na glazbu renesanse, a glazba klasicizma postaje strukturiranija s manje ukrasa i otkriva mnogo emocija, dok je u baroknoj glazbi jedan dio nosio jedan, jasno ocrtan osjećaj.

Zahvaljujući izvrsnim glazbenicima pojavljuju se novi glazbeni žanrovi poput simfonije i koncerta, sonata se razvija, fuga doseže neviđenu popularnost.Najznačajnija vrsta koncerta je grosso, ovaj žanrizgrađen na jakim kontrastima; instrumenti se dijele na one koji sudjeluju u zvuku punog orkestra i na manju solo skupinu. Glazba je izgrađena na oštrim prijelazima iz glasnih u tihe dijelove, brzi su odlomci suprotstavljeni sporim.

Bez sumnje, kolijevka i središte barokne instrumentalne glazbe je Italija, koja je svijetu dala najveći broj briljantnih virtuoznih skladatelja (Girolamo Frescobaldi (1583.-1643.),Domenico Scarlatti (1685–1757),Antonio Vivaldi (1678-1741), Arcangelo Corelli (1653-1713). Glazba ovih najvećih skladatelja ne prestaje oduševljavati slušatelje.

Nastojeći držati korak s Italijom i drugim zapadnoeuropskim zemljama: Njemačkom, Francuskom, Engleskom.

U Njemačkoj je najznačajnija ličnost bio J.S. Bacha, koji je orguljama dao vodeću ulogu u svom stvaralaštvu. Bachova golema ostavština ima moralni utjecaj. Zakoračio je daleko izvan jednog stila, jedne ere.

U riznici svjetske glazbene kulture nalaze se djela francuskih virtuoza na klavecinu Jacquesa Chambonnièrea, Louisa Couprena i Francoisa Couprena.

Na području engleske instrumentalne glazbe stvarala se klavirska škola. Najistaknutiji skladatelj bio je Georg Friedrich Handel. Za kreativnu sliku najkarakterističniji je žanr concerto grosso i koncert općenito (za orgulje, za orkestar...). Händel je dopustio slobodnu kompoziciju koncertnog ciklusa, nije se pridržavao načela "brzo-sporo". Njegovi su koncerti (uključujući i one za orgulje) čisto svjetovna djela, s uključenim plesnim dijelovima.

Kasnije je barokna instrumentalna glazba imala značajan utjecaj na svu kasniju glazbu, a zajedničke značajke nalazimo čak iu jazzu.

I sada se stvaraju ansambli stare glazbe.

Flauta je jedan od najstarijih glazbenih instrumenata. Oni su poprečni i uzdužni. Uzdužne se drže ravno naprijed, upuhujući zrak u rupu na gornjem kraju svirale. Poprečni se drže u vodoravnom smjeru, upuhujući zrak u bočnu rupu svirale.

Prvi spomen uzdužne flaute postoji u Grčka mitologija i povijest Egipta (treće tisućljeće pr. Kr.).

U Kini, prvi spomen poprečne flaute s pet ili šest rupa za prste datira iz prvog tisućljeća prije Krista, baš kao iu Japanu i Indiji. Revolucionarne promjene u dizajnu flaute dogodile su se sredinom devetnaestog stoljeća uz pomoć Theobalda Boehma.

Iako su moderne flaute drveni puhački instrumenti, obično se izrađuju od metalnih legura koristeći zlato, srebro, pa čak i platinu. To im daje svjetliji zvuk i lakše ih je svirati od drvenih flauta koje su prethodile metalnim flautama u prošlim stoljećima.

Flauta je jedan od najvirtuoznijih instrumenata u simfonijskom orkestru. Njezine su parije pune arpeggia i odlomaka.

Limeni glazbeni instrumenti

Limeni instrumenti - grupa puhački glazbeni instrumenti , čiji je princip sviranja postizanje harmonijskih suzvučja promjenom jačine strujanja upuhanog zraka ili položaja usana.

Naziv "bakar" povijesno seže do materijala od kojeg su izrađeni ovi alati, u naše vrijeme, osim bakra, često se koriste za njihovu proizvodnju. mjed, rjeđe srebro , te neka od glazbala srednjeg vijeka i baroka sa sličnim načinom proizvodnje zvuka (npr. zmija ) bili su izrađeni od drveta.

Limena glazbala uključuju moderne rog, truba, kornet, flugelhorn, trombon, tuba . Posebna grupa je sakshornovi . Stari limeni instrumenti - vreća (prethodnik modernog trombona), zmija i dr. Neki narodni instrumenti također su bakreni, na primjer srednjoazijski karnay.

Povijest limenih instrumenata

Umijeće puhanja u šupljinu rog životinja ili u školjci bila poznata već u antičko doba. Kasnije su ljudi naučili izrađivati ​​posebne alate od metala, slične rogovima i namijenjene za vojne, lovačke i vjerske svrhe.

Preci modernih limenih instrumenata bili su lovački rog, vojni rog i poštanski rog. Ovi alati, koji nisu imali mehanizam ventili ispustio nekoliko zvukovaprirodno mjerilo , dohvaćeno samo uz pomoć usana izvođača. Odavde su se pojavile vojne i lovačke fanfare i signali temeljeni na zvukovima prirodne ljestvice, koji su se čvrsto ustalili u glazbenoj praksi.

Usavršavanjem tehnologije obrade metala i proizvodnje metalnih proizvoda, postala je moguća izrada cijevi za puhače određenih dimenzija i željenog stupnja obrade. S usavršavanjem bakrenih puhačkih cijevi i razvojem umjetnosti izdvajanja značajne količine zvukova iz prirodne ljestvice na njih, pojavio se konceptprirodni instrumenti , to jest instrumenti bez mehanizma, koji mogu proizvesti samo prirodnu skalu.

Početkom 19. stoljeća izumljen je ventilni mehanizam koji je dramatično promijenio tehniku ​​izvođenja i povećao mogućnosti limenih puhačkih instrumenata.

Klasifikacija bakrenih instrumenata

Limeni duhački instrumenti podijeljeni su u nekoliko obitelji:

• Alati za ventile imaju nekoliko kapija (obično tri ili četiri) kojima se upravlja prstima izvođača. Princip ventila je da trenutno uključi dodatnu krunu u glavnu cijev, što povećava duljinu instrumenta i spušta cijeli njegov sustav. Nekoliko ventila koji spajaju cijevi različitih duljina omogućuju dobivanje kromatske ljestvice. Većina modernih limenih instrumenata ima ventil - rogovi, trube, tube, saxhornovi itd. Postoje dvije izvedbe ventila - "rotirajući" i "stojeći" (klip).
• Alati za jaram koristite posebnu uvlačnu cijev u obliku slova U - pozornicu, čije kretanje mijenja duljinu zraka u kanalu, čime se smanjuju ili povećavaju izvučeni zvukovi. Glavni rock instrument koji se koristi u glazbi je trombon.
• prirodni instrumenti nemaju nikakve dodatne cijevi i mogu izvući samo zvukove prirodne ljestvice. U 18. st. poseborkestri prirodnog roga . Sve do početka 19. stoljeća u glazbi su se naširoko koristili prirodni instrumenti, a zatim izumom ventilnog mehanizma nestaju iz upotrebe. Prirodni instrumenti se ponekad nalaze iu partiturama skladatelja 19.-20. stoljeća (Wagner, R. Strauss, Ligeti) za posebne zvučne efekte. Prirodni instrumenti uključuju antičke trube i francuske rogove, kao ialpski rog , fanfare, trube, signalne rogove (lovačke, poštanske) i sl.
• Ventilski instrumenti imaju rupe na tijelu koje otvaraju i zatvaraju prsti izvođača, kao nadrvene puhače . Takvi su instrumenti bili široko rasprostranjeni do 18. stoljeća, ali zbog nekih neugodnosti sviranja na njima, tada su također pali u upotrebu. Osnovni limeni instrumenti s ventilom - kornet (cink), zmija , ofikleid, cijev ventila . Oni također uključuju poštanski rog.

U današnje vrijeme, s oživljavanjem interesa za staru glazbu, sviranje na prirodnim i ventilnim instrumentima ponovno postaje praksa.

Limena glazbala također se mogu klasificirati prema njihovim akustičnim svojstvima:

• puna― instrumenti na kojima možete izdvojiti osnovni ton harmonijske ljestvice.
• pola― glazbala na kojima se ne može izdvojiti glavni ton, a ljestvica počinje drugom harmonijom.

Upotreba limenih limenih instrumenata u glazbi

Limeni puhački instrumenti naširoko se koriste u različitim glazbenim žanrovima i skladbama. Kao dioSimfonijski orkestar čine jednu od njegovih glavnih skupina. Standardni sastav simfonijskog orkestra uključuje:

• Rogovi (parni broj od dva do osam, najčešće četiri)
• Cijevi (od dvije do pet, najčešće dvije do tri)
• Tromboni (obično tri: dva tenora i jedan bas)
• Cijev (obično jedna)

U partiturama 19. stoljeća često je uključen i simfonijski orkestar korneti , no s razvojem izvedbene tehnike njihovi su se dijelovi počeli izvoditi na cijevima. Ostala limena glazbala pojavljuju se tek sporadično u orkestru.

Bakreni instrumenti su temeljlimena glazba , koji osim navedenih alata uključuje i sakshornovi različite veličine.

Solistička literatura za limene puhače je vrlo brojna - virtuozni izvođači na prirodnim sviralama i rogovima postojali su već u ranom baroku, a skladatelji su za njih rado stvarali svoje skladbe. Nakon izvjesnog pada zanimanja za puhačka glazbala u doba romantizma, u 20. stoljeću dolazi do otkrivanja novih izvedbenih mogućnosti limenih puhačkih instrumenata i značajnog proširenja njihova repertoara.

U komornim sastavima limena se glazbala relativno rijetko koriste, ali se i sama mogu spajati u ansamble od kojih su najčešći limeni kvintet (dvije trube, rog, trombon, tuba).

Važnu ulogu imaju trube i tromboni jazz i niz drugih žanrova suvremene glazbe.

Ksilofon

Klasifikacija
Povezani instrumenti
Ksilofon na Wikimedia Commons

Ksilofon(od grčkog. ξύλον - drvo + φωνή - zvuk) -udaraljkaški glazbeni instrument s određenom visinom tona. To je niz drvenih blokova različitih veličina, usklađenih na određene note. Po taktovima se udara palicama s kuglastim vrhovima ili posebnim čekićima koji izgledaju kao male žličice (u žargonu glazbenika ti se čekići nazivaju "kozje noge").

Timbar ksilofon je oštar i kliktav u forteu i mekan u klaviru.

Povijest instrumenta

Ksilofon ima drevno podrijetlo- najjednostavniji instrumenti ove vrste nalazili su se i nalaze kod raznih naroda Afrika, Jugoistočna Azija , Latinska Amerika .

U Europi prvi spomen ksilofona datira s početka 16. stoljeća: Arnolt Schlick u raspravi o glazbalima spominje sličan instrument pod nazivom hueltze glechter. Sve do 19. stoljeća europski ksilofon bio je prilično primitivan instrument, koji se sastojao od dvadesetak drvenih šipki, povezanih u lanac i položenih na ravnu površinu za sviranje. Pogodnost nošenja takvog instrumenta privukla je pozornost putujućih glazbenika.

Ksilofon poboljšao Guzikov

Poboljšanje ksilofona datira iz 1830-ih. Bjeloruski glazbenik Mikhoel Guzikov proširio je raspon na dvije i pol oktave, a promijenio je i dizajn, rasporedivši taktove na poseban način u četiri reda. Ovaj model ksilofona korišten je više od sto godina.

Na modernom ksilofonu taktovi su raspoređeni u dva reda poput klavirskih tipki, opremljeni rezonatorima u obliku limenih cijevi i postavljeni na poseban stolni stalak radi lakšeg kretanja.

Uloga ksilofona u glazbi

Prva poznata uporaba ksilofona u orkestru je sedam varijacija.Ferdinand Cauer napisano 1810 godina. Njegove partije uključene u njegova djela francuski kompozitor Kastner. Jedna od najpoznatijih skladbi u kojoj je uključen ksilofon je simfonijska pjesmaCamille Saint-Saens "Ples smrti" ( 1872 ).

Trenutno se ksilofon koristi uSimfonijski orkestar , na pozornici, izuzetno rijetko - kao solo instrument ("Fantazija na teme japanskih gravura" za ksilofon i orkestar, op. 211, ( 1964) Alana Hovaness).

Domra

Domra je stari ruski trzalački žičani glazbeni instrument. Njegova sudbina je nevjerojatna i jedinstvena u svojoj vrsti.

Odakle je došla, kako i kada se domra pojavila u Rusiji, još uvijek ostaje misterij za istraživače. U povijesni izvori malo je podataka o domri preživjelo, još manje slika drevne ruske domre došlo je do nas. A jesu li na dokumentima koji su došli do nas prikazane domre ili neki drugi trzalački instrumenti uobičajeni u to vrijeme, također nije poznato. Prvi spomen domre pronađen je u izvorima 16. stoljeća. Govore o domri kao o instrumentu koji je već tada bio prilično uobičajen u Rusiji.

U ovom trenutku postoje dvije najvjerojatnije verzije podrijetla domre. Prva i najčešća je verzija o istočnim korijenima ruske domre. Doista, instrumenti slični po dizajnu i načinu izvlačenja zvuka postojali su i još uvijek postoje u glazbenim kulturama zemalja Istoka. Ako ste ikada vidjeli ili čuli kazahstansku dombru, tursku baglamu ili tadžikistanski rubap, onda ste mogli primijetiti da sve imaju okrugli ili ovalni oblik, ravnu zvučnu ploču, zvuk se izvlači udarcem plektra različite frekvencije i intenziteta. Općenito je prihvaćeno da su svi ti instrumenti imali jednog pretka - istočni tanbur. Bio je to tanbur koji je imao ovalni oblik i ravnu zvučnu ploču, svirali su ga s posebnim čipom, izrezbarenim od improviziranih materijala - plektrom. Pretpostavlja se da je instrument, koji se kasnije pretvorio u domru, donesen ili u vrijeme tatarsko-mongolskog jarma, ili tijekom trgovačkih odnosa sa zemljama Istoka. I sam naziv "domra" nedvojbeno ima turski korijen.

Druga verzija polazi od pretpostavke da domra vodi svoj pedigre od europske lutnje. U principu se u srednjem vijeku bilo koja žica nazivala lutnjom. trzalački instrument, koji je imao tijelo, vrat i žice. Lutnja je pak također nastala iz istočnjačkog instrumenta - arapskog al-uda. Možda su na izgled i dizajn domre utjecali instrumenti zapadnih, europskih, Slavena, na primjer, poljsko-ukrajinska kobza i njezina poboljšana verzija - bandura. Samo je bandura mnogo toga posudila izravno od lutnje. S obzirom na to da su Slaveni u srednjem vijeku stalno bili u složenim povijesnim i kulturnim odnosima, dakako, domru možemo smatrati i srodnom svim europskim gudačko-trzalačkim instrumentima toga doba.

Dakle, na temelju saznanja i istraživanja prikupljenih do danas, možemo zaključiti da je domra bila tipično rusko glazbalo koje je kombiniralo, kao i mnogo toga u kulturi i povijesti naše države, europska i azijska obilježja.

Unatoč tome, bez obzira na pravo podrijetlo domre, dobro je utvrđeno da je instrument s ovim imenom postojao u Rusiji i da je bio sastavni dio ruske kulture u 16. i 17. stoljeću. Svirali su ga lakrdijaši, o čemu svjedoči i istraživačima poznata poslovica “Drago mi je da su lakrdovi oko svojih domra”. Štoviše, na kraljevskom dvoru postojala je cijela "Zabavna komora", svojevrsna glazbeno-zabavna skupina, čiju su osnovu činili lakrdijaši sa svojim domrama, harfama, rogovima i drugim drevnim ruskim glazbenim instrumentima. Osim toga, prema nekim istraživačima, domra je u to vrijeme već formirala obitelj ansamblskih sorti. Najmanja i škripava zvala se "domrishka", najveća i najnižeg zvuka - "bas domra".

Također je poznato da su domra i izvođači domre - buffoni i "domrachi", uživali znatnu popularnost u narodu. Sve vrste proslava, svetkovina i pučkih svečanosti u svim vremenima i kod svih naroda bile su popraćene pjesmom i sviranjem na glazbalima. U Rusiji su u srednjem vijeku zabavljali narod "domracheev", "goosemen", "skrypotchikov" i drugi glazbenici. Na domri, poput harfe, pratili su narodni ep, epovi, legende, au narodnim pjesmama domra je podržavala melodijsku liniju. Vjerodostojno se zna da je uspostavljena zanatska proizvodnja domra i žica za domre, o čijim su isporukama na dvor i u Sibir sačuvani povijesni dokumenti...

Pretpostavlja se da je tehnologija izrade domre bila sljedeća: tijelo se izdubljivalo iz jednog komada drveta, na njega se pričvršćivao štap-lešinar, povlačile su se uzice ili vene životinje. Igrali su se trnom, perom, ribljom kosti. Relativno jednostavna tehnologija, očito, omogućila je da se instrument široko koristi u Rusiji.

Ali ovdje u povijesti domre dolazi najdramatičniji trenutak. Zabrinuti za razvoj svjetovne kulture, službenici crkve digli su oružje protiv glazbenika i proglasili nastupe lakrdijaša "demonskim igrama". Kao rezultat toga, 1648. godine car Aleksej Mihajlovič izdao je dekret o masovnom istrebljenju nedužnih instrumenata - oruđa "demonskih igara". Čuveni dekret glasi: "Gdje će domre, i surne, i bipove, i psaltir, i hari, i sve vrste zujećih posuda ... naređeno je uhvatiti i, razbivši te demonske igre, naređeno spaliti." Prema njemačkom putniku iz 17. stoljeća Adamu Oleariju, Rusima je općenito bila zabranjena instrumentalna glazba, a jednom je nekoliko kola natovarenih instrumentima oduzetim od stanovništva prevezeno preko rijeke Moskve i tamo spaljeno. Progonjeni su i glazbenici i lakrdija općenito.

Možda se takav doista tragičan obrat sudbine nije dogodio niti jednom glazbenom instrumentu na svijetu. Dakle, da li zbog barbarskog istrebljenja i zabrane, ili iz drugih razloga, ali nakon 17. stoljeća istraživači ne nalaze značajnijeg spomena stare domre. Povijest drevnog ruskog instrumenta ovdje završava, i moglo bi se stati na to, ali ... Domra je bila predodređena da se doslovno ponovno rodi iz pepela!

To se dogodilo zahvaljujući aktivnostima izvanrednog istraživača i glazbenika, neobično talentirane i izvanredne osobe - Vasilija Vasiljeviča Andreeva. Godine 1896. u Vjatskoj guberniji otkrio je nepoznati instrument polukuglastog tijela. Pretpostavljajući po svom izgledu da je ovo domra, otišao je poznatom majstoru Semjonu Ivanoviču Nalimovu. Zajedno su razvili dizajn novog instrumenta, na temelju oblika i dizajna pronađenog. Povjesničari se još uvijek raspravljaju o tome je li instrument koji je pronašao Andreev doista stara domra. Ipak, instrument rekonstruiran 1896. godine nazvan je "domra". Okruglo tijelo, vrat srednje dužine, tri žice, četvrti sistem - tako je izgledala rekonstruirana domra.

U to vrijeme Andreev je već imao orkestar balalajke. No, da bi ostvario svoju briljantnu ideju, Velikom ruskom orkestru bila je potrebna vodeća melodijska skupina instrumenata, a restaurirana domra sa svojim novim mogućnostima bila je idealna za tu ulogu. U vezi s poviješću stvaranja Velikog ruskog orkestra, vrijedno je spomenuti još jednu izvanrednu osobu, bez koje, možda, ideja ne bi našla svoje utjelovljenje. Riječ je o pijanistu i profesionalnom skladatelju Nikolaju Petroviču Fominu, Andrejevljevu najbližem suradniku. Upravo zahvaljujući Fominovom profesionalnom pristupu, Andreevljev krug, isprva amaterski, proučavao je notni zapis, stao na profesionalnu osnovu, a zatim svojim nastupima osvojio slušatelje u Rusiji i inozemstvu. I ako je Andrejev prvenstveno bio generator ideja, onda je Fomin postao osoba zahvaljujući kojoj su, zapravo, domre i balalajke krenule na put razvoja kao punopravni akademski instrumenti.

Ali vratimo se domri. U razdoblju 1896.-1890. V. Andreev i S. Nalimov dizajnirali su ansambl varijante domre. I prvih nekoliko desetljeća nakon svog novog rođenja, domra se razvijala u skladu s orkestralnim i ansamblskim izvođenjem.

Međutim, gotovo odmah su otkrivena neka ograničenja mogućnosti Andreev domre, u vezi s kojima su se pokušali konstruktivno poboljšati. Glavni zadatak bio je proširiti raspon alata. Godine 1908., na prijedlog dirigenta G. Lyubimova, majstor S. Burov stvorio je četverožičnu domru s petim sustavom. "Četiri žice" dobio je raspon violine, ali je, nažalost, bio inferioran u odnosu na "tri žice" u smislu boje i boje. Kasnije su se pojavile i njegove ansambl varijante i orkestar domra s četiri žice.

Zanimanje za domru raslo je svake godine, širili su se glazbeni i tehnički horizonti, pojavili su se virtuozni glazbenici. Konačno, 1945. godine nastao je prvi instrumentalni koncert za domru s orkestrom ruskih narodnih instrumenata. slavni koncert g-moll Nikolaj Budaškin napisan je na zahtjev koncertnog majstora orkestra. Osipov Aleksej Simonenkov. Ovaj događaj otvorio je novu eru u povijesti domre. Pojavom prvog instrumentalnog koncerta domra postaje solistički, virtuozni instrument.

Godine 1948. u Moskvi je otvoren prvi odjel za narodne instrumente u Rusiji na Državnom glazbeno-pedagoškom institutu nazvanom po I.I. Gnesins. Prvi učitelj domre bio je izvanredni skladatelj Yu. Shishakov, a zatim mladi solisti orkestra nazvanog po. Osipova V. Miromanov i A. Aleksandrov - tvorac prve škole sviranja trožičane domre. Zahvaljujući višoj stručno obrazovanje izvorno narodno glazbalo domra u kratkom je vremenu prošla put na akademskoj pozornici na kojemu su instrumenti simfonijskog orkestra prolazili stoljećima (ipak je i violina nekada bila narodno glazbalo!).

Izvođenje domre napreduje gigantskim tempom. Godine 1974. održano je I sverusko natjecanje izvođača na narodnim instrumentima, pobjednici natjecanja bili su izvanredni virtuozni domisti - Aleksandar Tsygankov i Tamara Volskaya (vidi odjeljak kreativna aktivnost koja je za desetljeća unaprijed odredila smjer razvoja domrske umjetnosti kako na samom izvedbenom planu tako i u repertoaru domre.

Danas je domra mladi perspektivni instrument s ogromnim, prije svega glazbenim i izražajnim potencijalom, koji ima istinske ruske korijene, a ipak se uzdigao do visina akademskog žanra. Kakva će biti njegova daljnja sudbina? Vaša je riječ, dragi domisti!

Balalajka

Opis
Tijelo je izlijepljeno iz zasebnih (6-7) segmenata, glava dugog vrata blago je povijena prema natrag. Metalne žice (u 18. stoljeću dvije su bile s venama; moderne balalajke imaju najlonske ili karbonske žice). Na prstima moderne balalajke nalazi se 16-31 metalni prag (do kraja 19. stoljeća - 5-7 prisilnih pragova).

Zvuk je glasan, ali tih. Najčešće tehnike izvlačenja zvuka: zveckanje, pizzicato, dupli pizzicato, single pizzicato, vibrato, tremolo, frakcije, gitarski trikovi.

izgraditi

Sve do transformacije balalajke u koncertni instrument krajem 19. stoljeća od strane Vasilija Andrejeva, ona nije imala stalni, sveprisutni sustav. Svaki je izvođač ugodio instrument u skladu sa svojim stilom izvedbe, općim ugođajem sviranih djela i lokalnim tradicijama.

Sustav koji je uveo Andreev (dvije žice unisono - nota "mi", jedna - četvrtina viša - nota "la" (i "mi" i "la" prve oktave) postao je raširen među sviračima koncertne balalajke i počeo nazvati "akademskim". Postoji i "narodni" sustav - prva žica je "sol", druga - "mi", treća - "do". U ovom sustavu trozvuke je lakše uzeti, nedostatak je to je poteškoća sviranja na otvorenim žicama. Osim navedenog, postoje i regionalne tradicije ugađanja instrumenta. Rijetke lokalne postavke dosežu dva tuceta ..

Sorte

U modernom orkestru ruskih narodnih instrumenata koristi se pet varijanti balalajki: prima, sekunda, viola, bas i kontrabas. Od njih je samo prima solo, virtuozno glazbalo, dok su ostalima dodijeljene čisto orkestralne funkcije: sekunda i viola provode akordsku pratnju, a bas i kontrabas obavljaju basovsku funkciju.

Prevalencija

Balalajka je prilično čest glazbeni instrument koji se proučava u akademskim glazbenim obrazovnim ustanovama u Rusiji, Bjelorusiji, Ukrajini i Kazahstanu.

Trajanje obuke na balalajki u dječjoj glazbenoj školi je 5 - 7 godina (ovisno o dobi učenika), au prosjeku obrazovna ustanova- 4 godine, na visokoškolskoj ustanovi 4-5 godina. Repertoar: obrade narodnih pjesama, obrade klasičnih djela, autorska glazba.

Priča
Ne postoji jedinstveno gledište o vremenu pojavljivanja balalajke. Vjeruje se da se balalajka širi od kraja 17. stoljeća. Poboljšan zahvaljujući V. Andreevu zajedno s majstorima Paserbskim i Nalimovim. Stvorena je obitelj moderniziranih balalajki: pikolo, prima, sekunda, viola, bas, kontrabas. Balalajka se koristi kao solistički koncertni, ansamblski i orkestralni instrument.

Etimologija
Zanimljivo je već i samo ime instrumenta, tipično je narodno, zvukom slogova prenosi karakter sviranja na njemu. Korijen riječi "balalajka", ili, kako se još zvala, "balabajka", dugo je privlačio pozornost istraživača svojom srodnošću s ruskim riječima kao što su balakat, balabonit, balabolit, joker, što znači brbljati, prazniti. poziva (vratiti se na općeslavensko *bolbol istoga značenja). Svi ovi koncepti, nadopunjujući jedan drugoga, prenose bit balalajke - instrumenta laganog, smiješnog, "drndajućeg", ne baš ozbiljnog.

Po prvi put se riječ "balalaika" nalazi u pisanim spomenicima koji datiraju iz vremena vladavine Petra I.

Prvo pisano spominjanje balalajke sadržano je u dokumentu od 13. lipnja 1688. - "Sjećanje od Strelčevog reda do Maloruskog reda" (RGADA), koji, između ostalog, izvještava da su u Moskvi dovedeni Strelcički red “<...>varošanin Savka Fedorov<...>Da<...>seljak Ivashko Dmitriev, a s njima je donesena balalajka tako da su se zaprežnim konjima vozili u kolima do vrata Yausky, pjevali pjesme i svirali balalajku u toi, a stražarski strijelci koji su stajali na vratima Yausky na straži grdili<...>».

Sljedeći pisani izvor u kojem se spominje balalajka je "Registar" koji je potpisao Petar I., a odnosi se na 1715. godinu: u Sankt Peterburgu, tijekom proslave šaljivog vjenčanja "princa-pape" N. M. Zotova, pored drugih instrumenata koje nose mumeri, imenovane su četiri balalajke.

Po prvi put, riječ je potvrđena u ukrajinskom jeziku ranog 18. stoljeća (u dokumentima 1717.-1732.) u obliku "balabaika" (očito je to njezin stariji oblik, također sačuvan u kurskom i karačevskom dijalektu ). Prvi put na ruskom jeziku u pjesmi V. I. Maikova "Elisey", 1771., pjesma 1: "Ti mi naštimaj zviždaljku ili balalajku."

Violončelo (tal. violoncello, skr. cello, njem. Violoncello, franc. violoncelle, engl. cello)

Gudalo žičano glazbalo bas i tenorskog registra, poznato od pr polovica XVI stoljeća, iste strukture kao violina ili viola, ali mnogo veće. Violončelo ima široke izražajne mogućnosti i pomno razvijenu izvođačku tehniku, koristi se kao solistički, ansamblski i orkestralni instrument.

Povijest nastanka i razvoja instrumenta

Pojava violončela seže u početak 16. stoljeća. U početku se koristio kao bas instrument za pratnju pjevanja ili sviranja instrumenta višeg registra. Postojale su brojne varijante violončela, koje su se međusobno razlikovale po veličini, broju žica i ugađanju (najčešće ugađanje bilo je za ton niže od modernog).
U 17.-18. stoljeću napori izvanrednih glazbenih majstora talijanskih škola (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana itd.) Stvorili su klasični model violončela s čvrsto utvrđenom veličinom tijela. Krajem 17. stoljeća pojavila su se prva solo djela za violončelo - sonate i ricercari Giovannija Gabrielija. Sredinom 18. stoljeća violončelo se počelo koristiti kao koncertni instrument, zahvaljujući svjetlijem, punijem zvuku i sve boljoj tehnici izvođenja, čime je iz glazbene prakse konačno istisnuto viola da gamba. Violončelo je također dio simfonijskog orkestra i komornih ansambala. Konačno odobrenje violončela kao jednog od vodećih instrumenata u glazbi dogodilo se u 20. stoljeću naporima izvanrednog glazbenika Pabla Casalsa. Razvoj izvođačkih škola na ovom instrumentu doveo je do pojave brojnih virtuoznih violončelista koji redovito izvode solističke koncerte.
Repertoar violončela vrlo je širok i uključuje brojne koncerte, sonate, skladbe bez pratnje.


]Tehnika sviranja violončela

Mstislav Rostropovič sa Stradivarijevim Duportovim violončelom.
Principi sviranja i potezi pri izvođenju na violončelu isti su kao i na violini, ali je zbog veće veličine instrumenta i drugačijeg položaja svirača tehnika sviranja na violončelu donekle ograničena. Koriste se flažoleti, pizzicato, palac i druge tehnike igre. Zvuk violončela je sočan, melodičan i napet, blago komprimiran u gornjem registru.
Građa žice za violončelo: C, G, d, a (do, sol velike oktave, re, la male oktave), odnosno oktavu ispod viole. Raspon violončela, zahvaljujući razvijenoj tehnici sviranja na a žici, vrlo je širok - od C (do velike oktave) do a4 (A četvrte oktave) i više. Bilješke se pišu u basu, tenoru i visokim ključevima prema stvarnom zvuku.


instrument se držao za listove nogu
Izvođač pri sviranju oslanja violončelo na pod uz pomoć kapistana, koji je postao raširen tek krajem 19. stoljeća (prije toga instrument se držao za listove nogu). Na modernim violončelima naširoko se koristi zakrivljeni capstan, koji je izumio francuski violončelist P. Tortelier, što instrumentu daje ravniji položaj, donekle olakšavajući tehniku ​​sviranja.
Violončelo je široko rasprostranjeno kao solistički instrument, grupa violončela koristi se u gudačkim i simfonijskim orkestrima, violončelo je obvezni član gudačkog kvarteta u kojem je najniži (osim kontrabasa koji se ponekad koristi u to) instrumenata u smislu zvuka, a često se koristi iu drugim komornim ansamblima. U orkestralnoj partituri dionica violončela ispisana je između dionica viole i kontrabasa.

Povijest stvaranja violine

Povijest glazbe smatra da je violina u svom najsavršenijem obliku nastala u 16. stoljeću. Tada su već bila poznata sva gudala koja su bila aktivna kroz cijeli srednji vijek. Bili su poredani određenim redoslijedom, a tadašnji znanstvenici znali su, s većom ili manjom vjerojatnošću, cijeli njihov pedigre. Njihov broj je bio ogroman i sada nema potrebe ulaziti u dubinu ove stvari.

Najnoviji istraživači došli su do zaključka da violina ni u kom slučaju nije reducirana "viola da gamba". Štoviše, utvrđeno je s dovoljnom točnošću da obje ove vrste instrumenata u svom uređaju imaju oštro različite značajke jedna od druge. Svi instrumenti vezani za "viole da gamba" imali su ravnu poleđinu, ravne rubove, vrat podijeljen priječnicama, glavu rjeđe u obliku trolista, a češće s likom životinjske ili ljudske glave, izreze na gornja ploha instrumenta u obrisima latiničnog slova "C", te na kraju ugađanje žica u kvartama i tercama. Naprotiv, "viola da brachio", kao neposredna preteča moderne violine, imala je kvintni štim žica, konveksan stražnji dio, rubovi su nešto uzdignutiji, prstohvat bez ikakvih pragova, glavu u obliku svitak i zarezi ili "efs", u obrisu malih slova okrenutih jedno prema drugom. Latinsko f u kurzivu.
Ova je okolnost dovela do činjenice da je prava obitelj viola sastavljena od sukcesivne redukcije gambe. Tako je nastala cjelovita kompozicija starog "kvarteta" ili "kvinteta" koju čine samo viole raznih veličina. No, zajedno s pojavom cjelovite obitelji viola, razvio se i poboljšao instrument koji je imao sve osebujne i najvažnije karakterne osobine moderna violina. A to glazbalo, zapravo, nije ni "ručna viola" u doslovnom smislu te riječi, već tzv. "ručna lira", koja je kao narodno glazbalo slavenskih zemalja bila temelj suvremenog obitelj violina. Veliki Raphael(1483.-1520.) na jednoj od svojih slika iz 1503. daje izvrstan prikaz ovog instrumenta. Promišljajući o tome, nema ni trunke sumnje da je preostalo vrlo malo do potpune transformacije "ručne lire" u savršenu violinu našeg vremena. Jedina razlika koja razlikuje sliku Rafaela od moderne violine leži samo u broju žica - ima ih pet uz dvije bas - i u obrisu klinova koji još uvijek jako podsjećaju na klinove stara viola.
Od tada se dokazi umnožavaju nevjerojatnom brzinom. Beznačajne korekcije koje bi se mogle napraviti na slici drevne "lyre da brachio" dale bi joj najbesprijekorniju sličnost sa suvremenom violinom. Ova svjedočanstva, u obliku stare violine, potječu još iz 1516. i 1530. godine, kada je baselski knjižar odabrao stara violina sa svojim zaštitnim znakom. U isto vrijeme, riječ "violina", u francuskom stilu violon, prvi put se pojavila u francuskim rječnicima ranog 16. stoljeća. Henri Pruneer (1886.-1942.) tvrdi da se već 1529. godine ova riječ nalazi u nekim poslovnim novinama tog vremena. Međutim, naznake da se pojam "violon" pojavio oko 1490. treba smatrati dvojbenim. U Italiji se riječ violonista u značenju violista počela javljati od 1462. godine, dok je sama riječ violino u značenju "violina" ušla u upotrebu tek stotinjak godina kasnije, kada je postala široko rasprostranjena. Englezi su tek 1555. prihvatili francuski način pisanja te riječi, koji je, međutim, tri godine kasnije zamijenjen potpuno engleskim "violin".
U Rusiji su, prema svjedočenju najstarijih spomenika, gudala bila poznata vrlo dugo, ali se nijedna od njih nije toliko razvila da bi kasnije postala instrumentom simfonijskog orkestra. Najstariji drevni ruski gudački instrument je bip. U svom najčišćem obliku imao je ovalno, pomalo kruškoliko drveno tijelo, preko kojeg su bile napete tri žice. Zviždaljku su svirali lučnim lukom, što nije imalo veze s modernim. Vrijeme nastanka zviždaljke nije točno poznato, ali postoji pretpostavka da se "bip" pojavio u Rusiji zajedno s prodorom "istočnih" instrumenata - domre, surne i smyka. Ovo se vrijeme obično određuje prema drugoj polovici XIV i početku XV stoljeća. Teško je reći kada su se pojavile "violine" u doslovnom smislu te riječi. Pouzdano se zna samo da prvi spomeni violinista u abecednim knjigama 16.-17. stoljeća "jednako pokazuju da tumači o tome nisu imali pojma". U svakom slučaju, prema P. F. Findeisenu (1868.-1928.), ovaj instrument još nije bio poznat u domaćem i javnom životu Moskovske Rusije, a prve violine u potpuno dovršenom obliku pojavile su se u Moskvi, očito, tek početkom XVIII stoljeće. Međutim, sastavljači abecedara, koji nekada nikada nisu vidjeli pravu violinu, shvatili su samo da to glazbalo mora biti gudačko, pa su ga pogrešno usporedili s guslama i maloruskom lirom, koja naravno, definitivno nije bila istina.
Više ili manje detaljni opisi nove violine na Zapadu počinju se pojavljivati ​​tek od sredine 16. stoljeća. Tako Philibert Jambes de Fair (1526.-1572.), ocrtavajući značajke i posebnosti suvremene violine, navodi niz naziva iz kojih se može zaključiti da je "obitelj violina" izgrađena po uzoru i uzoru na viola. Od tog vremena, od 1556. godine, violina postoji do kraja 17. stoljeća u nekoliko varijanti, poznatih pod francuskim nazivima dessus, quinte, haute-contre, tailee i basse. U tom se obliku sastav obitelji violina ustalio kad je o njemu počeo pisati Peer Maryann (1588.-1648.). "Gang of twenty-four" - kako se nekad zvao Les vingt-quatre - sastojao se od istih instrumenata, ali s već pomaknutim nazivima. Dessus je slijedio haute-contre, a quinte je bio između tailee i basse, ali je njihov volumen točno odgovarao ranijim podacima, koji su upravo spomenuti. Kasnije je došlo do još jedne promjene u ovom sastavu violina, zbog koje je haute-contre potpuno nestao, ustupivši mjesto dessusu, a tailee se sjedinio s quinteom, preuzimajući potonji red. Tako je uspostavljen novi tip četveroglasne kombinacije gudala, u kojoj dessus odgovara prvoj i drugoj violini, tailee ili quinte - violi i basse - violončelima.
Sada je teško s točnošću utvrditi kada je došlo do konačnog završetka tog instrumenta, koji je danas poznat pod imenom "violina". Najvjerojatnije je to poboljšanje išlo u kontinuiranom nizu, a svaki je majstor donio nešto svoje. Ipak, jasno se može ustvrditi da je 17. stoljeće bilo “zlatno doba” za violinu, kada je došlo do konačnog zaokruživanja odnosa u građi instrumenta i kada je ona dosegla to savršenstvo da više nije bilo pokušaja da se “poboljša” već mogao prekoračiti. Povijest je u svom sjećanju sačuvala imena velikih pretvarača violina i povezala razvoj ovog instrumenta s imenima triju obitelji proizvođača violina. Prije svega, riječ je o obitelji kremonskih majstora Amati, koji su postali učitelji Andree Guarnerija (1626?-1698.) i Antonija Stradivarija (1644.-1736.). No, svoj konačni dovršetak violina najviše duguje Giuseppe-Antoniju Guarneriju (1687.-1745.), a posebno Antoniju Stradivariju, koji se smatra najvećim tvorcem moderne violine.
Ali nije se svima svidjelo sve u violini koju je do tada već uspostavio veliki Cremonese. Mnogi su pokušavali promijeniti omjere koje je usvojio Stradivari, ali nitko u tome, naravno, nije uspio. Najzanimljivija od svega bila je, međutim, želja nekih od najzaostalijih majstora da violinu vrate u nedavnu prošlost i nametnu joj zastarjela obilježja viole. Kao što znate, violina nije imala pragove. To je omogućilo proširenje njezinog zvuka i usavršavanje tehnike sviranja violine. Međutim, u Engleskoj su se te kvalitete violine činile "sumnjivim", a "intonacija" instrumenta nije bila dovoljno točna. Stoga su uvedeni pragovi na pragovima violine kako bi se eliminirala moguća "netočnost" u izvlačenju zvuka, a izdavačka kuća, na čelu s Johnom Playfordom (1623.-1686.?), od 1654. do 1730. ponovno tiska priručnik sastavljen prema "modalnoj tabulaturi" . Pravda, međutim, zahtijeva reći da je to općenito bio jedini slučaj poznat u povijesti sviranja violine. Ostali pokušaji da se poboljša i olakša sviranje ovog instrumenta sveli su se na ugađanje žica ili tzv. "skordaturu". To je imalo smisla i mnogi istaknuti violinisti, poput Tartinija (1692.-1770.), Lollija (1730.-1802.), Paganinija (1784.-1840.) i nekolicine drugih, svatko je ugađao svoj instrument na svoj način. Ponekad se ova metoda ugađanja žica koristi i sada, za posebne, umjetničke ciljeve.
Stradivarijeva violina. Fotografija s gruhn.com Dakle, violina je do kraja 17. stoljeća dobila svoju najsavršeniju inkarnaciju. Antonio Stradivari bio je posljednji koji ga je doveo u današnje stanje, a François Tourt, majstor iz 18. stoljeća, cijenjen je kao tvorac modernog luka. Ali u razvoju violine i njezinoj implementaciji u stvarnom životu stvari su bile manje uspješne. Vrlo je teško u nekoliko riječi prenijeti cijelu dugu i raznoliku povijest ovog razvoja i usavršavanja violinske tehnike. Dovoljno je reći da je pojava violine izazvala mnogo protivnika. Mnogi su jednostavno žalili zbog izgubljenih ljepota viole, dok su drugi smislili cijele "traktate" usmjerene protiv nepozvanog stranca. Samo zahvaljujući velikim violinistima, koji su tehniku ​​sviranja violine odlučno pomaknuli naprijed, violina je zauzela mjesto koje joj je pripadalo. U 17. stoljeću ovi virtuozni violinisti bili su Giuseppe Torelli i Arcangelo Corelli. U budućnosti je Antonio Vivaldi (1675.-1743.) uložio mnogo rada za dobrobit violine i, konačno, čitava plejada divnih violinista na čelu s Niccolòom Paganinijem. moderna violina ima četiri žice ugođene u kvinti. Gornja žica se ponekad naziva kvinta, a donja žica bas. Sve žice violine su žilne ili crijevne, a samo je "bas" ispleten tankom srebrnom niti ili "gimpom" za veću punoću i ljepotu zvuka. Trenutno svi violinisti koriste metalnu žicu za "kvintu" i potpuno istu, ali samo omotanu tankom aluminijskom niti radi mekoće, A žicu, iako neki glazbenici koriste i čistu aluminijsku A žicu bez ikakvog "gimpa". S tim u vezi, metalna žica za mi i aluminijska za la, uvjetovala je pojačavanje zvučnosti re žice, koja je tada još bila žilata, što se činilo uz pomoć aluminijske "gimpice" koja se obavijala, poput "baskija", ovaj drugi i, usput, koji joj je dobro poslužio. Ipak, svi ovi događaji jako su uznemirili prave poznavatelje, jer je zvonjava i oštrina zvuka metalnih žica u drugim slučajevima vrlo uočljiva i neugodna, ali nema se što učiniti i treba se pomiriti s okolnostima.
Žice violine, ugođene u skladu sa zahtjevima instrumenta, nazivaju se otvorene ili prazne, a zvuče redoslijedom spuštanja čiste kvinte od mi druge oktave do male soli. Redoslijed žica uvijek se vodi odozgo prema dolje, a taj se običaj očuvao od davnina u odnosu na sve gudale i gudački instrumenti"s ručkom" ili "šipkom". Note za violinu ispisuju se samo u "visokom ključu" ili ključu G.
Pojam "otvorena" ili u orkestralnom jeziku - prazna žica, podrazumijeva zvuk žice cijelom dužinom od stalka do matice, odnosno između one dvije točke koje određuju njezinu stvarnu visinu tijekom ugađanja. Duljina žice obično se određuje istim točkama, budući da se u orkestru uzima u obzir zvučni dio žice, a ne njezina "apsolutna vrijednost" zatvorena između podvratnika i klinova. U notnoj glazbi, otvorena žica označena je malim kružićem ili nulom postavljenom iznad ili ispod note.
U nekim slučajevima, kada glazbeno tkivo djela to zahtijeva, možete ugoditi žicu za pola tona kako biste dobili fis male oktave za "baskiju" ili drugi dis za "kvintu".
Izvor music-instrument.ru

Povijest od građenje električne gitare (električna gitara)

Razvoj tehnologije u 20. stoljeću nije zanemario kulturnu stranu ljudskog postojanja. Pojava elektroničkih uređaja za reprodukciju i, što je najvažnije, obradu zvuka, na kraju nije mogla utjecati na same glazbene instrumente. Osim pokušaja stvaranja temeljno novih glazbenih instrumenata, pokušavali su se i "modernizirati" dobro poznati stari. Tako je Lloyd Loher 1924. dizajnirao prvi magnetski pickup, uređaj koji pretvara vibracije metalne žice u električni signal. Što mislite, gdje je u to vrijeme radio ovaj talentirani inženjer? - u Gibsonu! No, kao što razumijete, nastanak Les Paula je još prilično daleko - čak dugih 28 godina, tako da prve masovne električne gitare nikako nije proizvodio Gibson. I to je učinila tvrtka pod nazivom Electro String Company, čiji je jedan od osnivača bio Adolf Rickenbacker, koji je nakon toga osnovao, kao što ste vjerojatno već pogodili, vrlo poznatu tvrtku Rickenbacker koja je izdala gitaru s potpisom za Johna Lennona - 325JL. Tijela ovih prvih gitara bila su izrađena od aluminija, zbog čega su dobile iskreni naziv "tave". Ovaj događaj zbio se 1931. godine. Ne znam je li bilo još pokušaja da se na gitaru pričvrsti pickup, vjerojatno je bilo, ali tek su 1951. poprimili te vrlo klasične i prepoznatljive oblike. A Leo Fender je to učinio izdajući svoj slavni Telecaster i to je već bio pomak, nešto poput postavljanja svemirske letjelice u orbitu s čovjekom, naravno, u njoj. Tijelo je bilo izrađeno od drveta, iako u dizajnu nije imalo ništa zajedničko s klasičnom gitarom. Mnogi iz nekog razloga misle da su električne gitare napravljene od tko zna čega: metala, plastike i još nekih ultramodernih materijala, ne - gitare su se izrađivale i izrađuju se i dan danas uglavnom od drveta, baš kao što je i čovjek 70% vode.
Od tog trenutka može se reći da je električna gitara zauzela mjesto kao glazbeni instrument i kulturni fenomen. Gibson, naravno, nije zaostao te je 1952. izdao svoj legendarni Les Paul. A probni snimak dogodio se 1954., kada je Fender lansirao Stratocaster u orbitu. Blues, rock i country glazbenici počeli su svirati gitare ovih modela i proizvođača. Naravno, od tada je bilo mnogo različitih lijepih i ne baš popularnih i ne popularnih gitara, ali malo je vjerojatno da je do danas netko smislio nešto značajnije, ako ne uzmete u obzir obradu zvuka. Ima, naravno, raznih inovacija, poput dodavanja sedme, pa i osme žice (u pravilu je riječ o gitarama namijenjenim bendovima i glazbenicima ekstremnih stilova i smjerova), ali sve su to pojave koje “nisu približiti” po svom značaju gore navedenim “otkrićima”.
Ali najzanimljivije je da je gitara ipak ostala gitara. Iz nekog razloga, mnogi ljudi koji su daleko od glazbe misle da je električna gitara glazbeni instrument koji nema nikakve veze s klasičnom gitarom. Razlika je, naravno, velika, od izgled tehnikama sviranja, no ipak se radi o jednom te istom instrumentu s istim (uz neke iznimke) štimom i prstohvatom akorda, što znači da se, poznavajući akorde pjesama, mogu jednako uspješno svirati i na električnim i na akustičnim gitarama .

KRATKA POVIJEST GITARE I NJENO DANAŠNJE STANJE

Gitara je, kao što znate, nacionalni španjolski instrument. Do sada nije točno utvrđeno podrijetlo gitare. Mora se pretpostaviti da je njegov prototip asirsko-babilonska kefara ili egipatska cithara. Na Pirinejski poluotok mogli su je donijeti Rimljani (latinska gitara) ili Arapi (maurska gitara). Na prvom se sviralo tehnikom "punteado", odnosno štipaljkom, a na drugom, oštrije zvučnosti, sviralo se tehnikom "rasgueado", odnosno zveckanjem žica svim silama. prstima desne ruke.

Gitara modernog tipa, ili u svakom slučaju bliska njemu, vjerojatno je nastala fuzijom ovih dviju varijanti drevne citare ne prije 16. stoljeća. Indirektan pokazatelj ovog dvostrukog podrijetla gitare imamo u različitom načinu sviranja do danas: narodnom - "rasgueado", - koji potječe od sviranja maurske gitare, i profesionalnim - "punteado", - koji potječe od latinske gitare. .

U vrijeme prodora u druge europske zemlje (XVI-XVII. st.) gitara je imala pet žica, ugođenih u četvrtinskom omjeru, poput srodne lutnje. Nije sigurno je li šesta žica dodana u Njemačkoj ili Italiji. U tom konačnom obliku gitara je stekla prava ozbiljnog instrumenta. Na temelju tog porasta glazbenih mogućnosti gitara sa šest žica doživljava svoj prvi procvat (od kraja 18. do sredine 19. stoljeća). U tom je razdoblju gitara iznijela niz briljantnih virtuoza i skladatelja, poput Španjolaca Aguada i Sora te Talijana Giulianija, Lenianija, Carcassija, Carullija, Zanija de Ferrantija, Regondija, Morettija i drugih. Koncertna djelatnost ovih gitarista u europskim zemljama podigla je gitaru na visoku profesionalnu razinu i pridobila brojne pristaše među najvećim glazbenicima, pjesnicima i piscima. Neki od njih - skladatelji Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - koristili su gitaru u svojim operama; drugi - skladatelji Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod - sami su svirali gitaru; drugi - Glinka, Čajkovski - voljeli su slušati gitaru. Posebno treba istaknuti da je slavni violinist Paganini bio ujedno i izvrstan gitarist te je napisao niz djela za gitaru. Pjesnici i pisci: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Deržavin, Puškin, Ljermontov, L. Tolstoj, Baudelaire i mnogi drugi voljeli su gitaru i posvetili joj više od jedne stranice u svojim djelima.

Procvat gitare, koji je trajao gotovo do kraja 19. stoljeća, zamijenio je njezin pad, ponajviše zbog pojave klavira. No, od početka 20. stoljeća svjedočimo razdoblju novog procvata gitare, očito uzrokovanog promjenom stava javnosti prema njoj, kao drevnom i jednom od najizražajnijih narodnih instrumenata. . Posljedica toga je niz iznimno darovitih gitarističkih virtuoza, uglavnom Španjolaca: Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol i drugi, koji su usavršili umijeće sviranja gitare i izjednačili je s ostalim tradicionalnim solističkim instrumentima. I opet, kao u doba prvog procvata, gitara privlači brojne prijatelje među najistaknutijim skladateljima, poput Turina, de Falle, Ponsa, Roussela i drugih.

Kod nas je, uz gitaru sa šest žica, bila raširena njezina varijanta - gitara sa sedam žica, uglavnom s tercističkim sustavom.

Harmonika, harmonika na dugme

Povijest i vrste instrumenata s trskom (harmonika, harmonika, itd.)

Harmonika je glazbeni instrument u kojem zvukovi nastaju slobodnim klizećim metalnim trstikama - tankim pločama koje vibriraju pod djelovanjem zračne struje pumpane mijehom. Lijevom rukom izvođač upravlja mijehom, a također pritišće tipke za bas i akorde kako bi pratio melodiju koja se svira desnom rukom.

U Rusiji, u Moskvi, postoji najbolji i najopsežniji Muzej harmonike na svijetu (postoje 4 takva muzeja u svijetu: postoji i Muzej nacionalne harmonike u Njemačkoj u Klingenthalu, Muzej harmonike u Italiji u Castelfidardu i Muzej harmonike u SAD-u u .Super Ior-Delucy).

Opća povijest razvoja instrumenata s jezgom

Prvi poznati instrument s principom izvlačenja zvuka s trskom je drevni istočni Sheng (porijeklom iz Burme, Tibeta, Laosa i Kine). Točan datum nastanka ovog instrumenta nije poznat, ali se vjeruje da je star više od 2000 godina. Smatralo se "čistim" instrumentom, odnosno pogodnim za izvođenje sakralne glazbe. Oko 700. godine sheng je poboljšan popularni instrument, moglo se svirati u 12 tipki, a za te je instrumente izrađen udžbenik harmonije.



Pojava harmonika, harmonika i harmonika u Rusiji

Pojava harmonike u Rusiji datira s početka 40-ih godina XIX stoljeća. privilegiranih slojeva stanovništva, kao što je navedeno u literarni izvori, kupovao ručne harmonike u inozemstvu, a posredstvom kmetskih slugu harmonika se pojavila i postala popularna u selima. Postoji pretpostavka da bi harmonike mogli uvesti strani majstori, naručiti tvornicama oružja u Tuli.
Među obrtnicima iz Tule postojalo je mišljenje da su oružari Sizov i Shkunaev izumili harmoniku. Prema nekim izvješćima, proizvedeni su 30-ih godina XIX stoljeća. u Tulskoj guberniji pak se ne zna o kojim harmonicima u pitanju- o labijalnom ili ručnom.



Opće informacije o uređaju harmonika

Harmonikom se mogu nazvati svi glazbeni instrumenti, čiji se zvuk reproducira metalnim jezikom (glasom) koji slobodno klizi, vibrirajući pod djelovanjem struje zraka. Zrak se u harmonike dovodi uz pomoć ručnog ili nožnog mijeha (ručne harmonike, harmoniji), lepeze (organole, orgulje) ili se izdiše i udiše plućima izvođača (usne harmonike). U svim modernim harmonikama, jezičak je pričvršćen zakovicama na jednom kraju na metalnu podlogu, koja se naziva okvir (šasija). Okvir zajedno sa zakovanim perom naziva se šipka.



Sheng (gonofui, ken, lusheng)

Sheng je jedan od najstarijih instrumenata iz obitelji harmonika, a potječe iz Burme, Tibeta, Laosa i Kine. Prema drevnim kineskim rukopisima (2-3 tisuće godina prije Krista), znanstvenici su ustanovili najraniji naziv instrumenta - Yu. Tada se počeo zvati chao, ho, sheng - ovisno o obliku i materijalu koji se koristi za njegovu izradu. Poznate su i druge sorte shenga - chonofui ili gonofui (Japan), ken (Laos), lusheng i hulusheng (jugozapadna Kina). U Rusiji i drugim europskim zemljama shengove su ponekad nazivali kineskim ustima.



Bibelharmonika, orkestrion, elodikon

Kada su se u Europi pojavila prva glazbala izgrađena na novom principu proizvodnje zvuka (klizeći metalni jezičak), izrađivači orgulja koristili su stare oblike glazbala: prijenosne orgulje, regalije, pozitiv (prijenosne) orgulje itd. To se jasno vidi. u primjeru prvih instrumenata takve vrste.

Sintesajzer

Elektronički glazbeni instrument koji sintetizira zvuk pomoću jednog ili više generatora zvučnih valova. Željeni zvuk se postiže promjenom svojstava električnog signala (kod analognih sintesajzera) ili podešavanjem parametara središnjeg procesora (kod digitalnih sintesajzera).

Sintesajzer izrađen u obliku kućišta s klavijaturom naziva se klavijaturni sintesajzer.
Sintesajzer izrađen u obliku kućišta bez tipkovnice naziva se modul sintesajzera i njime se upravlja s MIDI tipkovnice.
Ako je sintesajzer tipkovnice opremljen ugrađenim sekvencerom, naziva se radna stanica.
Vrste sintisajzera:

Ovisno o korištenoj tehnologiji, sintesajzeri se dijele na nekoliko vrsta:

Analogni sintesajzeri provode aditivne i subtraktivne vrste sinteze. Glavna značajka analognih sintesajzera je da se zvuk generira i obrađuje pomoću stvarnih električnih krugova. Često se povezivanje različitih modula sinteze vrši pomoću posebnih kabela - patch-wires, stoga je "patch" uobičajeni naziv za određeni ton sintesajzera među glazbenicima.

Glavna prednost analognih sintesajzera je u tome što se sve promjene u prirodi zvuka tijekom vremena, kao što je kretanje granične frekvencije filtra, događaju izuzetno glatko (kontinuirano). Nedostaci uključuju visoku razinu buke, problem nestabilnosti ugađanja sada je prevladan. Najpoznatiji analogni sintesajzeri koji se danas koriste su: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6.

Virtualni analogni sintesajzeri su hibrid između analognog sintesajzera i digitalnog sintesajzera koji u svom tijelu nosi softversku komponentu. Najpoznatiji među njima su: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

Digitalni sintesajzeri uključuju same digitalne sintesajzere, kao i njihove varijacije: virtualne sintesajzere-dodatke / samostalne i interaktivne sintesajzere. Oni provode razne vrste sinteze. Za stvaranje i reprodukciju izvornih valnih oblika, modificiranje zvuka filtrima, omotnicama itd. koriste se digitalni uređaji temeljeni na jednom središnjem procesoru i više koprocesora.

Zapravo, digitalni sintesajzer je visoko specijalizirano računalo. Najnapredniji modeli modernih digitalnih sintisajzera (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros), poput osobnih računala, omogućuju ažuriranje operacijski sustav, sadrže izbornike stranica, ugrađene datoteke pomoći, čuvare zaslona i tako dalje.

Virtualni sintesajzeri su podskup digitalnih sintesajzera, ali su posebna vrsta softvera. Za stvaranje zvuka koriste se središnji procesor i RAM osobnog računala, a za izlaz zvuka na uređaj za reprodukciju koristi se zvučna kartica osobnog računala.

Virtualni sintisajzeri mogu biti i samostalni softverski proizvodi i dodaci određenog formata (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA, itd.) dizajnirani za rad unutar glavnog programa, obično višekanalnog snimača (Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour itd.). Visoka dostupnost dovodi do rastuće popularnosti virtualnih sintisajzera, uključujući modele instrumenata iz stvarnog života (na primjer, Native Pro53 - Prophet emulator sintesajzera, Novation V-Station - Novation K-Station emulator sintesajzera, Korg Legacy - Korg M1 emulator sintesajzera, Wavestation , PolySix, MS20 itd.).

>Interaktivni ili kućni sintesajzeri također su različiti digitalni sintisajzeri dizajnirani posebno za kućno i salonsko amatersko muziciranje, kao i za interaktivno glazbeno obrazovanje. Tipično, ovi sintisajzeri nemaju sredstva za napredno uređivanje zvuka, uključujući kontrole u stvarnom vremenu. Naglasak je na realističnoj imitaciji raznih orkestralnih instrumenata i korištenju funkcije automatske pratnje. U ovom slučaju, kako bi svirao bilo koju glazbu, izvođač ne treba programirati glasove ili snimati dijelove u sekvencer - samo odaberite gotov glas za melodiju i stil za automatsku pratnju.

Naravno, upravljanje takvim sintisajzerima mnogo je jednostavnije od upravljanja profesionalnim izvedbenim modelima i često je dostupno čak i djetetu. Mnogi sintesajzeri ove vrste uključuju obrazovne igre kao što su "pogodi notu" ili "pogodi akord", zbirke gotove glazbe za slušanje i učenje, karaoke funkciju s prikazom riječi na ekranu itd. Ova kategorija sintisajzera uključuje obitelji Yamaha PSR, Casio CTK / WK, Roland E / VA / EXR itd.

Vrste sinteze zvuka:

Ovisno o načinu generiranja zvučnih valova i njihovoj transformaciji, sinteza zvuka može se klasificirati na sljedeći način:

Sumirajuća (aditivna) sinteza, koja koristi princip superpozicije (superpozicije) više valova jednostavnog (obično sinusoidnog) oblika s različitim frekvencijama i amplitudama. Po analogiji s električnim orguljama, ti se valovi nazivaju registri i označavaju kao 16' (ton za jednu oktavu niži od snimljenog), 8' (početni ton), 4' (ton za jednu oktavu viši od snimljenog) itd. (slika je duljina cijevi odgovarajućeg registra orgulja u stopama). U čistom obliku nalazi se u električnim orguljama (Hammond, Farfisa) i njihovim digitalnim emulatorima (Korg CX-3, Roland VK-8 i dr.). Zvuk instrumenta je bogatiji što se više registara koristi u konstrukciji.

Subtraktivna (suptraktivna) sinteza, u kojoj izvorni proizvoljni valni oblik mijenja boju dok prolazi kroz razne filtre, generatore omotnice, procesore efekata itd. Kao podskup, ova vrsta sinteze naširoko se koristi u gotovo svim modernim modelima sintesajzera.

Operator (FM, od engleskog Frequency Modulation) sinteza, u kojoj se odvija interakcija (frekvencijska modulacija i zbrajanje) više valova jednostavnog oblika. Svaki val, zajedno sa svojim karakteristikama, naziva se operator, a određena konfiguracija operatora čini algoritam. Što se više operatora koristi u dizajnu sintesajzera, to je zvuk instrumenta bogatiji. Na primjer, Yamaha DX-7 sintesajzer (1984.), koji je i danas popularan, ima 6 operatora, koji su konfigurirani pomoću 36 različitih algoritama.

Fizička sinteza, u kojoj se korištenjem snažnih procesora simuliraju stvarni fizički procesi u glazbenim instrumentima ove ili one vrste. Na primjer, za puhačke instrumente kao što je flauta, parametri će biti duljina, profil i promjer cijevi, brzina protoka zraka, materijal tijela; za gudačke instrumente - veličina tijela, materijal, duljina i napetost žice itd. Fizičku sintezu koriste instrumenti kao što su Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion itd.

Wavetable (PCM) sinteza, u kojoj se zvuk stvara sviranjem fragmenata zvuka pravih glazbenih instrumenata (uzorci i multisamplovi) prethodno snimljenih u memoriji instrumenta. Najpoznatiji sintisajzer iz ove skupine je Waldorf Wave, poznat i kao najskuplji sintisajzer na svijetu.

Hibridna sinteza, koja koristi jednu ili drugu kombinaciju različitih metoda sinteze zvuka, na primjer, "zbrajanje + oduzimanje", "val + oduzimanje", "operator + oduzimanje" itd. Većina modernih instrumenata stvorena je na temelju hibridne sinteze, budući da ima vrlo moćne alate za variranje boje u najširem rasponu.

Kontrola modernog sintesajzera:

Upravljanje modernim profesionalnim sintesajzerom složen je proces povezan s kontrolom nekoliko stotina, pa čak i tisuća različitih parametara koji su odgovorni za određene aspekte zvuka. Neki parametri se mogu kontrolirati u stvarnom vremenu pomoću rotirajućih gumba, kotača, pedala, gumba; drugi parametri se koriste za unaprijed programirane promjene u vremenu određenih karakteristika. U tom smislu, timbre (zakrpe) digitalnih sintesajzera također se često nazivaju programima.

Tipkovnica i dinamičko praćenje koriste se za praćenje položaja i brzine pritiska tipke. Na primjer, pri prelasku s donjih tipki na gornje, zvuk se može glatko promijeniti od violončela do flaute, a snažnijim pritiskom na tipku timpani se dodaju ukupnom zvuku.

Omotnica se koristi za neperiodičku promjenu određenog parametra zvuka. Tipično, graf ovojnice je isprekidana linija koja se sastoji od napada (Attack), opadanja (Decay), podrške (Sustain) i opadanja (Release) (vidi također ADSR omotnicu), međutim, u različitim modelima sintisajzera nalaze se kao jednostavniji ( ADR ) kao i složenije višestupanjske ovojnice. Ukupno Omotnica je važna karakteristika sintesajzera.

Filtar se koristi za izdvajanje određenog frekvencijskog pojasa iz ukupnog spektra signala. Često je filtar također opremljen rezonancijom, što omogućuje naglo povećanje frekvencijskog pojasa na granici prekida. Promjena karakteristika filtra s kontrolama u stvarnom vremenu, praćenjem tipkovnice i/ili omotnicama omogućuje vam da dobijete iznimno raznolike mogućnosti zvuka. Ukupan broj filtera važna je karakteristika sintesajzera.

Prstenasti modulator omogućuje vam modulaciju izvornog signala s drugim signalom s određenom (fiksnom ili plutajućom) frekvencijom, zbog čega dolazi do značajnog obogaćivanja harmonicima. Naziv “Ring” (eng. “call”) je zbog činjenice da ovaj čvor često služi za dobivanje “zvonastog” zvuka instrumenta.

Niskofrekventni oscilator se koristi za povremenu promjenu određenih parametara zvuka, kao što su visina, glasnoća, granična frekvencija filtra itd. U slučaju cikličke promjene glasnoće, stvara se tremolo efekt, promjena visine tona stvara vibrato efekt, periodična promjena granične frekvencije filtra naziva se "wah-wah" efekt.

Obrada efekata koristi se za finalizaciju zvuka. Moderni sintisajzeri obično su opremljeni prilično velikim brojem procesora efekata (na primjer, Korg Karma - 8 procesora, Roland Fantom - 6 procesora, itd.). Procesori rade neovisno jedan o drugome, iako se po želji mogu kombinirati u serijske sklopove. Moderni efekt procesori implementiraju veliki broj prostornih (reverb, delay, echo), modulacijskih (flange, chorus, phaser) i drugih (overamp, frekvencijski pomak, harmonijsko obogaćivanje) algoritama efekata.

Najnapredniji modeli imaju sredstva za kontrolu parametara efekta iz kontrola u stvarnom vremenu, omotnica, LFO-ova i više.

Mehaniku modernog klavira izumio je talijanski majstor Cristofori krajem 17. stoljeća ( službeni datum- U REDU. 1709), u njegovom dizajnu čekići su bili ispod žica. Instrument se zvao gravicembalo col piano e forte, - pianoforte - a kasnije se ustalio i naziv klavira.

Cristoforijev izum označio je početak razvoja mehanike engleskog sustava. Ostale vrste mehanike razvili su Marius u Francuskoj (1716.) i Schroeter u Njemačkoj (1717.-21.). Sebastian Erard izumio je mehaniku dvostruke probe, koja je omogućila izvlačenje zvuka ponovnim brzim pritiskom tipke od pola. U mehanici engleskog sustava takvo je ponavljanje bilo moguće samo kad je ključ bio potpuno podignut.

U Rusiji se klavirski posao prvenstveno povezivao sa Sankt Peterburgom. Samo u 18. stoljeću tu je radilo više od 50 majstora klavira. Na razvoj tvorničke proizvodnje klavira u prvoj polovici 19. stoljeća utjecala je djelatnost prvog ruskog proizvođača klavira, dobavljača Carskog dvora, engleskog majstora G. Faveriera, njemačkog majstora I.-A.Tischnera, K.-I.Wirth, A.-H.Schroeder, I.-F.Schroeder i od 1840. Belgijanac G.-G.Lichtental. Do danas su poznata imena više od 600 majstora klavira koji su radili u Rusiji prije revolucije 1917. Majstor klavira Konzervatorija u Sankt Peterburgu, kandidat filoloških znanosti Sergejev M. V. bavi se tim studijama.
Sredinom 19. stoljeća otvaraju se tvornice J. Blutnera, K. Bechsteina u Njemačkoj, u SAD-u - Steinway i sinovi, duge godine bez premca.
U 20. stoljeću pojavili su se temeljno novi instrumenti - elektronički klaviri i sintisajzeri, kao i poseban oblik proizvodnje zvuka - preparirani klavir.

Prvo glazbeno djelo napisano posebno za klavir pojavilo se 1732. (sonata Lodovica Giustinija). Međutim, masovno su se skladatelji počeli fokusirati na klavir, a ne na čembalo četrdeset ili pedeset godina kasnije, u doba Haydna i Mozarta.

Klaviri se dijele na velike klavire - instrumente s horizontalnim žicama - i uspravne klavire. Prvi poznati okomiti klavir pripisuje se K.-E.Friedericiju (Gera, Njemačka), koji ga je izradio 1745. Međutim, već 1742. sličan je instrument izašao iz radionice Johanna Söchera u Zanthofenu (Bavarska), a 1748. takve iste instrumente izradio je i G. Silbermann. Varijante vertikalnih klavira - piramidalni, klavir-lira, klavir-biro, klavir-harfa itd. Od sredine 19. stoljeća proizvode se samo klaviri i klaviri.

Zvuk u klaviru nastaje udaranjem čekića po žicama. Žice su zategnute na okviru od lijevanog željeza uz pomoć klinova (klinova), prolazeći kroz klinove visokih i basova zalijepljenih na rezonantnu palubu (kod klavira je paluba u okomitom položaju, kod velikih klavira - u horizontalni položaj). Za svaki zvuk postoji zbor žica: tri za srednje i visoke tonove, dvije ili jedna za niske. Raspon većine klavira je 88 polutonova od A subkontroktave do 5. oktave (stariji instrumenti mogu biti ograničeni na A notu 4. oktave odozgo; možete pronaći instrumente sa širim rasponom). U neutralnom položaju žice su, osim zadnje jedne i pol do dvije oktave, u kontaktu s prigušivačima (prigušivačima). Kad se pritisnu tipke, aktivira se naprava od poluga, remena i čekića, koja se naziva mehanika klavira. Nakon pritiska prigušnica izlazi iz odgovarajućeg zbora žica kako bi žica mogla slobodno zvučati, a čekić, presvučen filcem (filcom), udara po njoj.
Pedale za klavir
Moderni klaviri imaju dvije ili tri (najnoviji modeli imaju četiri) pedale. U ranijim instrumentima za istu su svrhu korištene poluge koje su se uvlačile, a koje je pijanist morao pritiskati koljenima.
Desna pedala (ponekad se jednostavno naziva "pedala" jer se najčešće koristi) podiže sve prigušnice odjednom, tako da kad se tipka otpusti, odgovarajuće žice nastavljaju zvučati. Osim toga, sve druge žice instrumenta također počinju vibrirati, postajući sekundarni izvor zvuka. Desna pedala služi u dvije svrhe: da slijed izvučenih zvukova učini neodvojivim (sviranje legata) tamo gdje je to zbog tehničkih poteškoća nemoguće učiniti prstima, te da obogati zvuk novim prizvukom. Postoje dva načina korištenja pedale: izravna pedala - pritiskom na papučicu prije pritiskanja tipki koje treba zadržati i odgođena pedala, kada se pedala pritisne neposredno nakon pritiska na tipku i prije nego što se otpusti. U notnoj glazbi taj se pedal označava slovom P (ili kraticom Ped.), a njegovo uklanjanje označeno je zvjezdicom. U glazbi skladatelja iz razdoblja romantizma i impresionizma često se nalaze ove oznake, obično kako bi zvuku dali poseban okus.
Lijeva pedala služi za prigušivanje zvuka. Kod velikih klavira to se postiže pomicanjem čekića udesno, tako da umjesto u tri žice zbora udaraju samo po dvije (nekada samo po jednoj). U klaviru se čekići približavaju žicama. Ova pedala se koristi mnogo rjeđe. U notnom zapisu označava se una corda, njegovo uklanjanje označava se tre corde ili tutte le corde. Osim prigušivanja zvuka, korištenje lijeve pedale pri sviranju klavira omogućuje vam da ublažite zvuk, učinite ga toplijim i ljepšim zbog vibracije opuštenih žica zbora.
Srednja (ili treća, budući da je povijesno dodana posljednja) pedala, ili sostenuto pedala, služi za selektivno podizanje prigušivača. Kada je srednja papučica pritisnuta, amortizeri podignuti kada se pritisnu tipke ostaju podignuti dok se pedala ne ukloni. Ona, kao i desna pedala, može poslužiti za sviranje legata, ali neće obogatiti zvuk vibracijom ostalih žica. Ova pedala je odsutna na većini današnjih klavira, a prisutna je na većini velikih klavira. Postoje klaviri kod kojih srednja pedala “klizi” ulijevo i tako se fiksira, dok se između čekića i žica stavlja posebna tkanina zbog koje zvuk postaje vrlo tih, što glazbeniku omogućuje sviranje npr. noću.
Klavir se može koristiti i kao solistički instrument i zajedno s orkestrom (na primjer, u klavirskim koncertima s orkestrom). Sviranje klavira je aktivnost koja zahtijeva dobru tehniku, pažnju i predanost. Preporuča se započeti trening u djetinjstvo. U dječjoj glazbene škole(DMSh) u Rusiji obuka traje 5 ili 7 godina, ovisno o programu, neki učenici ostaju još jednu ili dvije godine nakon diplome prije ulaska u glazbenu školu. Nakon glazbene škole ili ekvivalentne obuke, možete nastaviti studij u glazbenoj školi ili fakultetu, a zatim na konzervatoriju, sveučilištu, postavši profesionalni pijanist. U glazbenoj školi opći klavir također je obavezan predmet za gotovo sve smjerove. Izvanredni pijanisti XX. stoljeće - Sergej Rahmanjinov, Emil Gilels, Svjatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould i drugi.
Klavir zahtijeva odgovarajuće uvjete održavanja, kao i redovito ugađanje, jer s vremenom napetost žica instrumenta slabi. Učestalost ugađanja ovisi o klasi instrumenta, kvaliteti izrade, starosti, uvjetima održavanja i rada. Ugađanje, u pravilu, ne obavlja sam izvođač, već stručnjak - majstor klavirskog ugađanja, iako, teoretski, imajući elektronski tuner pri ruci i poznavajući točne frekvencijske karakteristike svake od žica, svatko to može učiniti. ugađanje, čak i ako nema glazbeno uho.
To je jedna od nominacija Delfijskih igara.