Impresionizam kao umjetnički pokret. Priča

Impresionizam(impresionizam, franc. impression - dojam) pravac je u slikarstvu nastao u Francuskoj šezdesetih godina 19. stoljeća. i uvelike odredio razvoj umjetnosti u 19. stoljeću. Središnje figure ovog pravca bile su Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir i Sisley, a doprinos svakog od njih njegovom razvoju je jedinstven. Impresionisti su se suprotstavljali konvencijama klasicizma, romantizma i akademizma, afirmirali ljepotu svakodnevne zbilje, jednostavne, demokratične motive, postizali živu autentičnost slike, pokušavali uhvatiti "dojam" onoga što oko u određenom trenutku vidi.

Najtipičnija tema za impresioniste je krajolik, ali su se u svom radu dotakli i mnogih drugih tema. Degas je, primjerice, prikazivao rase, balerine i pralje, a Renoir šarmantne žene i djecu. U impresionističkim krajolicima nastalim na otvorenom, jednostavan, svakodnevni motiv često je transformiran sveprožimajućim pokretnim svjetlom, što u sliku unosi osjećaj svečanosti. U nekim metodama impresionističkog građenja kompozicije i prostora zamjetan je utjecaj japanske gravure i dijelom fotografije. Impresionisti su prvi stvorili višestruku sliku svakodnevnog života modernog grada, hvatajući originalnost krajolika i izgled ljudi koji ga nastanjuju, njihov način života, rada i zabave.

Impresionisti u svom radu nisu nastojali dotaknuti akutne društvene probleme, filozofiju ili šokantnost, usredotočujući se samo na različite načine izražavanja dojma okolne svakodnevice. U nastojanju da se "vidi trenutak" i odražava raspoloženje.

Ime " Impresionizam" nastala je nakon izložbe 1874. u Parizu, na kojoj je izložena Monetova slika "Impresija. Izlazeće sunce" (1872.; slika je ukradena iz muzeja Marmottan u Parizu 1985. i sada je na popisu Interpola).

Između 1876. i 1886. održano je više od sedam impresionističkih izložbi; na kraju potonjeg samo je Monet nastavio striktno slijediti ideale impresionizma. "Impresionistima" se nazivaju i umjetnici izvan Francuske koji su slikali pod utjecajem francuskog impresionizma (npr. Englez F. W. Steer).

Umjetnici impresionisti

Poznate impresionističke slike:

Edgar Degas

Claude Monet

U posljednjoj trećini XIX stoljeća. Francuska umjetnost i dalje svira vodeća uloga u umjetničkom životu zapadnoeuropskih zemalja. U to su se vrijeme u slikarstvu pojavili mnogi novi trendovi čiji su predstavnici tražili vlastite načine i oblike kreativnog izražavanja.

Najupečatljivija i najznačajnija pojava francuske umjetnosti tog razdoblja bio je impresionizam.

Impresionisti su se izjasnili 15. travnja 1874. na pariškoj izložbi, održanoj pod otvoreno nebo na Boulevard des Capucines. Ovdje je svoje slike izložilo 30 mladih umjetnika čije je radove Salon odbio. Središnje mjesto na izložbi zauzela je slika Claudea Moneta „Impresija. Izlazak sunca". Ova je kompozicija zanimljiva jer je prvi put u povijesti slikarstva umjetnik pokušao na platno prenijeti svoj dojam, a ne predmet stvarnosti.

Izložbu je posjetio predstavnik izdanja Sharivari, reporter Louis Leroy. Upravo je on prvi nazvao Moneta i njegove suradnike "impresionistima" (od franc. impression - dojam), izražavajući tako svoju negativnu ocjenu njihova slikarstva. Ubrzo je ovo ironično ime izgubilo svoje prvotno negativno značenje i zauvijek ušlo u povijest umjetnosti.

Izložba na Boulevard des Capucines postala je svojevrsni manifest koji je proglasio pojavu novog trenda u slikarstvu. U njemu su sudjelovali O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin, kao i majstori starije generacije - E. Boudin, C. Daubigny, I. Jonkind.

Impresionistima je najvažnije bilo prenijeti dojam onoga što su vidjeli, uhvatiti na platnu kratki trenutak života. Time su impresionisti sličili fotografima. Zaplet im zapravo nije bio bitan. Teme za svoje slike umjetnici su uzimali iz svakodnevnog života oko sebe. Slikali su mirne ulice, večernje kavane, seoske pejzaže, gradske zgrade, obrtnike na poslu. Važnu ulogu u njihovim slikama imala je igra svjetla i sjene, sunčeve zrake koje su preskakale predmete i davale im pomalo neobičan i iznenađujuće živ izgled. Kako bi vidjeli predmete u prirodnom svjetlu, kako bi prenijeli promjene koje se događaju u prirodi u različito doba dana, umjetnici impresionisti napustili su svoje radionice i otišli na otvoreni zrak (plener).

Impresionisti su koristili novu tehniku ​​slikanja: nisu miješali boje na štafelaju, već su ih odmah nanosili na platno u zasebnim potezima. Ova tehnika omogućila je prenošenje osjećaja dinamike, blagih fluktuacija zraka, kretanja lišća na drveću i vode u rijeci.

Obično slike predstavnika ovog smjera nisu imale jasnu kompoziciju. Umjetnik je na platno prenio trenutak ugrabljen iz života, pa je njegovo djelo nalikovalo slučajno snimljenom kadru fotografije. Impresionisti se nisu pridržavali jasnih granica žanra, na primjer, portret je često izgledao kao domaća scena.

Od 1874. do 1886. impresionisti su organizirali 8 izložbi, nakon čega se grupa raspala. Što se tiče publike, ona je, kao i većina kritičara, neprijateljski doživljavala novu umjetnost (primjerice, slika C. Moneta nazivana je “tabom”), pa su mnogi umjetnici koji su zastupali ovaj trend živjeli u krajnjem siromaštvu, ponekad bez sredstava da dovrše ono što počeli su slikati. I tek krajem XIX - početkom XX stoljeća. situacija se radikalno promijenila.

Impresionisti su se u svom stvaralaštvu služili iskustvom svojih prethodnika: umjetnika romantičara (E. Delacroix, T. Gericault), realista (C. Corot, G. Courbet). Veliki utjecaj na njih imali su pejzaži J. Constablea.

E. Manet odigrao je značajnu ulogu u nastanku novog trenda.

Edouarda Maneta

Edouard Manet, rođen 1832. u Parizu, jedna je od najznačajnijih ličnosti u povijesti svjetskog slikarstva, koja je postavila temelje impresionizmu.

Na formiranje njegovog umjetničkog svjetonazora uvelike je utjecao poraz Francuske buržoaske revolucije 1848. Taj je događaj toliko uzbudio mladog Parižanina da je odlučio očajnički potez i pobjegao od kuće, upisavši se kao mornar na morskom jedrenjaku. Međutim, u budućnosti nije puno putovao, dajući sav svoj duhovni i fizičke sile raditi.

Manetovi roditelji, kulturni i bogati ljudi, sanjali su o administrativnoj karijeri za svog sina, ali njihovim nadama nije bilo suđeno da se ostvare. Slikarstvo - to je ono što je zanimalo mladića, te je 1850. godine ušao u Školu likovne umjetnosti, u radionicu Couture, gdje je dobio dobru stručnu obuku. Tu je umjetnik početnik osjetio gađenje prema akademskim i salonskim pečatima u umjetnosti, koji ne mogu u potpunosti odražavati ono što je podložno samo pravom majstoru s njegovim individualnim stilom pisanja.

Stoga, nakon što je neko vrijeme studirao u radionici Couture i stekao iskustvo, Manet je napušta 1856. godine i okreće se platnima svojih velikih prethodnika izloženim u Louvreu, kopirajući ih i pomno proučavajući. Djela majstora poput Tiziana, D. Velazqueza, F. Goye i E. Delacroixa imala su veliki utjecaj na njegove stvaralačke poglede; mladi se umjetnik naklonio pred ovim posljednjim. Godine 1857. Manet je posjetio velikog maestra i zatražio dopuštenje da napravi nekoliko kopija njegovog "Danteova barka", koje su do danas preživjele u Metropolitan Museum of Art u Lyonu.

druga polovica 1860-ih. umjetnik se posvetio proučavanju muzeja u Španjolskoj, Engleskoj, Italiji i Nizozemskoj, gdje je kopirao slike Rembrandta, Tiziana i dr. Godine 1861. njegova djela "Portret roditelja" i "Gitarist" dobila su pohvale kritike i nagrađena “Počasno priznanje”.

Proučavanje djela starih majstora (uglavnom Mlečana, Španjolaca 17. stoljeća, a kasnije i F. Goye) i njegovo promišljanje dovodi do činjenice da je do 1860-ih. postoji proturječnost u Manetovoj umjetnosti, koja se očituje u nametanju muzejskog pečata na nekim od njegovih ranih slika, među kojima su: Španjolski pjevač (1860.), dijelom Dječak sa psom (1860.), Stari svirač (1862.).

Što se tiče junaka, umjetnik ih, poput realista sredine 19. stoljeća, pronalazi u uzavreloj pariškoj gomili, među šetačima vrtom Tuileries i redovitim posjetiteljima kavana. U osnovi, ovo je svijetli i šareni svijet boema - pjesnici, glumci, umjetnici, modeli, sudionici španjolske borbe s bikovima: "Glazba u Tuileriesu" (1860), "Ulična pjevačica" (1862), "Lola iz Valencije" ( 1862), "Doručak na travi" (1863), "Flautist" (1866), "Portret E. Zsl" (1868).

Među ranim platnima posebno mjesto zauzima "Portret roditelja" (1861.), koji je vrlo točna realistična skica. izgled i temperamentom starijeg para. Estetski značaj slike leži ne samo u detaljnom prodoru u duhovni svijet likova, već iu tome koliko je točno prenesena kombinacija promatranja i bogatstva slikovnog razvoja, što ukazuje na poznavanje umjetničke tradicije E. Delacroixa.

Drugo platno, koje je slikarevo programsko djelo i, mora se reći, vrlo tipično za njegov rani rad, jest "Doručak na travi" (1863.). Na ovoj slici Manet je preuzeo određenu kompoziciju zapleta, potpuno lišenu bilo kakvog značaja.

Slika se može smatrati slikom doručka dvoje umjetnika u krilu prirode, okruženih ženskim modelima (zapravo, umjetnikov brat Eugene Manet, F. Lenkof i jedan ženski model, Quiz Meran, pozirali su za slika, čijim je uslugama Manet često pribjegavao). Jedan je ušao u potok, a drugi, gol, sjedi u društvu dvojice umjetnički odjevenih muškaraca. Kao što znate, motiv usporedbe odjevenog muškarca i golog žensko tijelo tradicionalan i seže do Giorgioneove slike "Ladanjski koncert", koja se nalazi u Louvreu.

Kompozicijski raspored figura djelomično reproducira poznatu renesansnu gravuru Marcantonija Raimondija s Rafaelove slike. Ovo platno, takoreći, polemički tvrdi dva međusobno povezana stava. Jedna je potreba prevladavanja klišeja salonske umjetnosti koja je izgubila istinsku vezu s velikim umjetnička tradicija, izravno pozivanje na realizam renesanse i 17. stoljeća, tj. pravo ishodište realističke umjetnosti novog vremena. Druga odredba potvrđuje pravo i dužnost umjetnika da prikazuje likove iz svakodnevnog života oko sebe. U to je vrijeme ova kombinacija nosila određenu proturječnost. Većina je smatrala da se novi stupanj u razvoju realizma ne može postići ispunjavanjem starih kompozicijskih shema novim tipovima i likovima. No Edouard Manet je u svom ranom razdoblju stvaralaštva uspio prevladati dualnost slikarskih principa.

Međutim, unatoč tradicionalnoj prirodi radnje i kompozicije, kao i prisutnosti slika salonskih majstora koji prikazuju gole mitske ljepotice u otvorenim zavodljivim pozama, Manetova slika izazvala je veliki skandal među modernim buržujima. Publika je bila šokirana sučeljavanjem nagog ženskog tijela s prozaično svakodnevnom, modernom muškom odjećom.

Što se tiče slikovnih normi, Ručak na travi napisan je kompromisno, karakteristično za šezdesete godine 19. stoljeća. način, karakteriziran sklonošću tamnim bojama, crnim sjenama, kao i ne uvijek dosljednim privlačenjem pleinističkog osvjetljenja i otvorene boje. Ako se osvrnemo na preliminarnu skicu izrađenu u akvarelu, onda se na njoj (više nego na samoj slici) uočava koliki je majstorov interes za nove slikarske probleme.

Slika "Olympia" (1863.), na kojoj je dan obris ležeće nage žene, kao da upućuje na općeprihvaćene kompozicijske tradicije - sličnu sliku nalazimo kod Giorgionea, Tiziana, Rembrandta i D. Velasqueza. Međutim, Manet u svom stvaralaštvu ide drugačijim putem, slijedeći F. Goyu (“Gola Maha”) i odbacujući mitološku motivaciju radnje, interpretaciju slike koju su uveli Mlečani, a djelomično sačuvao D. Velasquez (“Venera”). s ogledalom”).

"Olimpija" uopće nije poetski promišljena slika ženska ljepota, ali ekspresivan, majstorski izveden portret, precizno i, moglo bi se čak reći, pomalo hladno dočaravajući sličnost s Quizom Meranom, Manetovim stalnim modelom. Slikar pouzdano prikazuje prirodno bljedilo tijela moderna žena boji se sunca. Dok su stari majstori isticali poetsku ljepotu nagog tijela, muzikalnost i harmoniju njegovih ritmova, Manet se usredotočuje na prenošenje motiva životne specifičnosti, potpuno odstupajući od poetskog idealiziranja svojstvenog njegovim prethodnicima. Tako, primjerice, gesta Jurjeve Venere lijevom rukom u Olimpiji u svojoj ravnodušnosti dobiva gotovo vulgarnu konotaciju. Izrazito je karakterističan ravnodušan, ali istodobno pozorno fiksiran pogled modela, nasuprot samozaokupljenosti Venere Giorgione i osjetljivoj sanjivosti Tizianove Venere iz Urbina.

Na ovoj slici postoje znakovi prijelaza na sljedeću fazu u razvoju slikareva stvaralačkog načina. Dolazi do promišljanja uobičajene kompozicijske sheme koja se sastoji u prozaičnom promatranju i slikovno-umjetničkom viđenju svijeta. Jukstapozicija trenutno uhvaćenih oštrih kontrasta pridonosi razaranju uravnoteženog skladnog sklada starih majstora. Tako se sudaraju statika pozirajućeg modela i dinamika u slikama crnke i crne mačke koja savija leđa. Promjene zahvaćaju i tehniku ​​slikanja, koja daje novo razumijevanje figurativnih zadaća likovnog jezika. Edouard Manet, kao i mnogi drugi impresionisti, posebice Claude Monet i Camille Pissarro, napušta zastarjeli sustav slikanja koji se razvio u 17. stoljeću. (podslikavanje, pisanje, glazura). Od tog vremena počela su se slikati platna tehnikom nazvanom "a la prima", koja se odlikovala većom neposrednošću, emocionalnošću, bliskom etidama i skicama.

Razdoblje prijelaza od ranog do zrelog stvaralaštva, koje za Maneta zauzima gotovo cijelu drugu polovicu 1860-ih, predstavljeno je slikama kao što su Flautist (1866), Balkon (oko 1868-1869) i drugi.

Na prvom platnu, na neutralnoj maslinastosivoj pozadini, prikazan je dječak-svirač koji uzdiže flautu do usana. Izražajnost jedva primjetnog pokreta, ritmički odjek preljeva zlatnih gumba na plavoj uniformi uz lagano i brzo klizanje prstiju po rupicama svirale govore o urođenom umijeću i istančanoj moći zapažanja majstora. Unatoč činjenici da je stil slikanja ovdje prilično gust, boja je teška, a umjetnik se još nije okrenuo otvorenom prostoru, ovo platno u većoj mjeri od svih ostalih anticipira zrelo razdoblje Manetovog stvaralaštva. Što se tiče Balkona, on je bliži Olimpiji nego radovima iz 1870-ih.

Godine 1870-1880. Manet postaje vodeći slikar svog vremena. I premda su ga impresionisti smatrali svojim idejnim vođom i inspiratorom, a i sam se uvijek s njima slagao u tumačenju temeljnih pogleda na umjetnost, njegovo je djelo mnogo šire i ne uklapa se u okvire niti jednog smjera. Takozvani Manetov impresionizam, zapravo, bliži je umjetnosti japanskih majstora. Pojednostavljuje motive, uravnotežujući dekorativno i stvarno, stvara generaliziranu predodžbu o onome što je vidio: čisti dojam, lišen ometajućih detalja, izraz radosti osjeta ("Na obali mora", 1873.).

Osim toga, kao dominantni žanr, on nastoji sačuvati kompozicijski cjelovitu sliku, gdje je glavno mjesto dano slici osobe. Manetova umjetnost je završna faza u razvoju višestoljetne tradicije realističkog narativnog slikarstva, koja potječe iz renesanse.

U kasnijim djelima Maneta postoji tendencija udaljavanja od detaljne interpretacije detalja okoline koja okružuje prikazanog junaka. Tako se u portretu Mallarmea, punom nervozne dinamike, umjetnik fokusira na pjesnikovu gestu, kao da je slučajno provirio, koji je sneno stavio ruku s cigarom koja se dimila na stol. Uz svu nedorečenost, glavna stvar u karakteru i mentalnom skladištu Mallarmea uhvaćena je iznenađujuće precizno, s velikom uvjerljivošću. Dubinska karakterizacija unutarnjeg svijeta pojedinca, karakteristična za portrete J. L. Davida i J. O. D. Ingresa, ovdje je zamijenjena oštrijom i izravnijom karakterizacijom. Takav je nježno poetičan portret Berthe Morisot s lepezom (1872.) i graciozna pastelna slika Georgea Moorea (1879.).

Slikaričin opus uključuje radove vezane uz povijesne teme i velike događaje. javni život. Ipak, treba napomenuti da su ova platna manje uspješna, jer su problemi ove vrste bili strani njegovom umjetničkom talentu, krugu ideja i ideja o životu.

Tako je, na primjer, pozivanje na događaje građanskog rata između Sjevera i Juga u Sjedinjenim Državama rezultiralo slikom potapanja korsarskog broda južnjaka od strane sjevernjaka („Bitka kod Kirseža“ s „ Alabama”, 1864), a epizoda se više može pripisati krajoliku, gdje vojni brodovi djeluju kao osoblje. Maximilianovo smaknuće (1867.) u biti ima karakter žanrovske crtice, lišene ne samo interesa za sukob borbenih Meksikanaca, već i same dramatičnosti događaja.

Temu moderne povijesti Manet je dotaknuo u doba Pariške komune (Pogubljenje komunara, 1871). Simpatičan odnos prema komunjarama ide na čast autoru slike, kojeg ovakvi događaji dosad nisu zanimali. Ali ipak, njegova je umjetnička vrijednost niža od ostalih platna, jer se ovdje zapravo ponavlja kompozicijska shema "Maksimilijanova smaknuća", a autor je ograničen samo na skicu koja uopće ne odražava značenje okrutnog sudara dva suprotstavljena svijeta.

Kasnije se Manet više nije okretao njemu stranom povijesnom žanru, radije otkrivajući umjetničko i ekspresivno početak u epizodama, pronalazeći ih u tijeku svakodnevnog života. Pritom je pomno birao posebno karakteristične trenutke, tražio najizrazitiji kut gledanja, a zatim ih s velikom vještinom reproducirao u svojim slikama.

Šarm većine ostvarenja ovog razdoblja ne duguje se toliko značaju prikazanog događaja koliko dinamičnosti i duhovitoj autorovoj opservaciji.

Izvanredan primjer grupne kompozicije na otvorenom je slika "U čamcu" (1874.), gdje je kombinacija obrisa krme jedrilice, suzdržane energije pokreta kormilara, sanjive gracioznosti sjedeće dame. , prozirnost zraka, osjećaj svježine povjetarca i klizno kretanje čamca stvara neopisivu sliku, punu lagane radosti i svježine. .

Posebnu nišu u Manetovom stvaralaštvu zauzimaju mrtve prirode, karakteristične za različita razdoblja njegova stvaralaštva. Tako rana mrtva priroda "Božuri" (1864.-1865.) prikazuje rascvjetane crvene i bijelo-ružičaste pupoljke, kao i cvjetove koji su već procvali i počinju venuti, padajući latice na stolnjak prekriven stolom. Kasniji radovi karakteristični su po lakoj skicioznosti. U njima slikar nastoji dočarati sjaj cvijeća, obavijen atmosferom prožetom svjetlošću. Takva je slika "Ruže u kristalnoj čaši" (1882.-1883.).

Na kraju svog života, Manet je, očito, bio nezadovoljan onim što je postigao i pokušao se vratiti pisanju velikih dovršenih kompozicija na drugoj razini vještine. U to vrijeme počinje raditi na jednom od najznačajnijih platna - "Bar u Folies Bergèreu" (1881-1882), u kojem se približio novoj razini, novoj etapi u razvoju svoje umjetnosti, prekinutoj smrt (kao što je poznato, za vrijeme Manet je bio teško bolestan dok je radio). U središtu kompozicije nalazi se lik mlade prodavačice okrenute licem prema promatraču. Pomalo umorna, atraktivna plavuša, odjevena u tamnu haljinu s dubokim odsjajem, stoji na pozadini golemog zrcala koje zauzima cijeli zid u kojem se odražava sjaj treperavog svjetla i nejasni, mutni obrisi publike koja sjedi za stolovi kafića. Žena je okrenuta prema dvorani, u kojoj se, takoreći, nalazi i sam gledatelj. Ova osebujna tehnika daje tradicionalnoj slici, na prvi pogled, neku nesigurnost, sugerirajući jukstapoziciju stvarnog i reflektiranog svijeta. Istodobno, središnja os slike ispada da je pomaknuta u desni kut, u kojem, prema tipičnom za 1870-e. recepcije, okvir slike malo zaklanja figuru čovjeka s cilindrom, u ogledalu koji razgovara s mladom prodavačicom.

Tako se u ovom djelu klasično načelo simetrije i stabilnosti spaja s dinamičnim pomakom u stranu, kao i s fragmentacijom, kada se određeni trenutak (fragment) otme iz jednog toka života.

Pogrešno bi bilo misliti da je radnja Bara u Folies Bergèreu lišena suštinskog sadržaja i da je svojevrsna monumentalizacija beznačajnog. Figura mlade, ali već iznutra umorne i ravnodušne prema okolnom maskenbalu žene, njezin lutajući pogled okrenut nigdje, otuđenost od iluzornog sjaja života iza nje, unose značajnu semantičku nijansu u djelo, zadivljujući gledatelja svoju neočekivanost.

Gledatelj se divi jedinstvenoj svježini dviju ruža koje stoje na šanku u kristalnoj čaši svjetlucavih rubova; a onda nehotice dolazi do usporedbe tog raskošnog cvijeća s ružom napola uvelim u blizini hodnika, zakačenom za dekolte prodavačice. Gledajući sliku, vidi se jedinstveni kontrast između svježine njezinih poluotvorenih prsa i ravnodušnog pogleda koji luta kroz gomilu. Ovaj posao smatra se programom u umjetnikovom stvaralaštvu, jer sadrži elemente svih njegovih omiljenih tema i žanrova: portret, mrtvu prirodu, razne svjetlosne efekte, kretanje gomile.

Općenito, nasljeđe koje je ostavio Manet predstavljeno je s dva aspekta, koji su posebno izraženi u njegovom najnoviji rad. Kao prvo, on svojim radom zaokružuje i iscrpljuje razvoj klasičnih realističkih tradicija francuske umjetnosti 19. stoljeća, i kao drugo, on u umjetnost polaže prve klice onih struja koje će pokupiti i razviti tragači za novim realizmom. u 20. stoljeću.

Puno i službeno priznanje slikar je dobio godine posljednjih godinaživotu, naime 1882., kada je odlikovan Ordenom Legije časti (glavna nagrada Francuske). Manet je umro 1883. u Parizu.

Claude Monet

Claude Monet, francuski umjetnik, jedan od začetnika impresionizma, rođen je 1840. godine u Parizu.

Kao sin skromnog trgovca mješovitom robom koji se iz Pariza preselio u Rouen, mladi Monet na početku svog kreativan način crtao smiješne karikature, zatim učio kod rouenskog pejzažista Eugenea Boudina, jednog od tvoraca plenerističkog realističkog pejzaža. Boudin nije samo uvjerio budućeg slikara u potrebu rada na otvorenom, već mu je uspio usaditi ljubav prema prirodi, pažljivom promatranju i istinitom prenošenju onoga što je vidio.

Godine 1859. Monet odlazi u Pariz s ciljem da postane pravi umjetnik. Roditelji su sanjali da će upisati školu likovnih umjetnosti, ali mladić ne opravdava njihove nade i strmoglavo uranja u boemski život, stječe brojna poznanstva u umjetničkom okruženju. Potpuno lišen materijalne potpore svojih roditelja, a time i bez sredstava za život, Monet je bio prisiljen pridružiti se vojsci. No, i nakon povratka iz Alžira, gdje je imao tešku službu, nastavlja voditi isti način života. Nešto kasnije upoznao je I. Ionkinda koji ga je fascinirao radom na prirodoslovlju. A onda posjećuje atelje Suisse, neko vrijeme uči u ateljeu tada poznatog slikara akademskog smjera - M. Gleyrea, a zbližava se i sa skupinom mladih umjetnika (J.F. Basil, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O Renoir, A. Sisley i dr.), koji su, kao i sam Monet, tražili nove putove razvoja u umjetnosti.

Najveći utjecaj na slikara početnika nije imala škola M. Gleyrea, već prijateljstvo s istomišljenicima, gorljivim kritičarima salonskog akademizma. Upravo zahvaljujući tom prijateljstvu, međusobnoj podršci, mogućnosti razmjene iskustava i razmjene postignuća rođen je novi slikovni sustav koji je kasnije dobio naziv "impresionizam".

Osnova reforme bila je da se rad odvijao u prirodi, pod vedrim nebom. Istodobno, umjetnici su na otvorenom slikali ne samo skice, već cijelu sliku. U neposrednom kontaktu s prirodom sve su se više uvjeravali da se boja predmeta neprestano mijenja ovisno o promjeni osvjetljenja, stanju atmosfere, o blizini drugih predmeta koji odaju odraze boja i mnogim drugim čimbenicima. Upravo su te promjene nastojali prenijeti kroz svoja djela.

Godine 1865. Monet je odlučio naslikati veliko platno "u duhu Maneta, ali na otvorenom". Bio je to Ručak na travi (1866.) - njegov prvi najveći značajno djelo, koji prikazuje elegantno odjevene Parižane koji su napustili grad i sjeli u hladovinu stabla oko stolnjaka položenog na zemlju. Djelo karakterizira tradicionalni karakter zatvorene i uravnotežene kompozicije. Međutim, pozornost umjetnika nije usmjerena toliko na mogućnost prikazivanja ljudskih likova ili stvaranje ekspresivne sižejne kompozicije, koliko na uklapanje ljudskih figura u okolni krajolik i prenošenje atmosfere lakoće i opuštenosti koja među njima vlada. Da bi stvorio ovaj efekt, umjetnik veliku pozornost posvećuje prijenosu sunčevog odsjaja koji se probija kroz lišće, igrajući se na stolnjaku i haljini mlade dame koja sjedi u sredini. Monet precizno hvata i prenosi igru ​​refleksija boja na stolnjacima i prozirnost lagane ženske haljine. Ovim otkrićima počinje razbijanje starog sustava slikanja koji naglašava tamne sjene i gust materijalni način izvedbe.

Od tog vremena, Monetov pristup svijetu postao je pejzaž. Ljudski karakter, odnos ljudi manje ga zanimaju. Događaji 1870-1871 prisilio Moneta da emigrira u London, odakle putuje u Nizozemsku. Po povratku slika nekoliko slika koje su postale programske u njegovom radu. To uključuje "Impresija. Izlazak sunca" (1872), "Jorgovani na suncu" (1873), "Boulevard des Capucines" (1873), "Polje makova u Argenteuilu" (1873) itd.

Godine 1874. neki od njih bili su izloženi na poznatoj izložbi koju je organiziralo "Anonimno društvo slikara, umjetnika i gravera", koje je vodio sam Monet. Nakon izložbe, Monet i skupina njegovih istomišljenika počeli su se nazivati ​​impresionistima (od francuskog dojma - dojam). Do tog vremena, umjetnička načela Moneta, karakteristična za prvu fazu njegova rada, konačno su se oblikovala u određeni sustav.

U krajoliku na otvorenom Jorgovani na suncu (1873.), koji prikazuje dvije žene koje sjede u hladu velikih grmova rascvjetanih jorgovana, njihove su figure obrađene na isti način i s istom intenzivnošću kao i sami grmovi i trava na kojoj oni sjede. Likovi ljudi samo su dio općeg krajolika, dok se osjećaj meke topline ranog ljeta, svježine mladog lišća, izmaglice sunčanog dana prenosi iznimnom živošću i neposrednom uvjerljivošću, nekarakterističnom za to vrijeme.

Druga slika - "Boulevard des Capucines" - odražava sve glavne kontradikcije, prednosti i nedostatke impresionističke metode. Ovdje je vrlo precizno prenesen trenutak izvučen iz toka života velikog grada: osjećaj gluhe monotone buke prometa, vlažna prozirnost zraka, zrake veljačkog sunca koje klize po golim granama drveća, film sivkastih oblaka koji prekrivaju plavetnilo neba... Slika je prolazna, ali ipak manje budna i zapaža pogled umjetnika, a umjetnik je osjetljiv, reagira na sve pojave života. Činjenicu da je pogled doista bačen slučajno naglašava promišljena kompozicija
recepcija: okvir slike s desne strane, takoreći, odsijeca figure muškaraca koji stoje na balkonu.

Platna ovog razdoblja daju gledatelju osjećaj da je on sam glumac ovo slavlje života, ispunjeno sunčevom svjetlošću i neprestanim žamorom elegantne gomile.

Nastanivši se u Argenteuilu, Monet s velikim zanimanjem piše o Seini, mostovima, lakim jedrilicama koje klize po vodenoj površini...

Krajolik ga toliko očara da, prepustivši se neodoljivoj privlačnosti, sagradi si mali čamac i njime stigne u svoj rodni Rouen, i tamo, zadivljen slikom koju vidi, ispljune svoje osjećaje u skicama, koje oslikavaju okolinu grada i velikih morskih voda koje ulaze u ušće rijeke.brodovi ("Argenteuil", 1872; "Jedrenjak u Argenteuilu", 1873-1874).

1877. obilježena je stvaranjem niza slika koje prikazuju željezničku stanicu Saint-Lazare. Zacrtali su nova pozornica u djelu Moneta.

Od tada su skice, koje se odlikuju svojom cjelovitošću, ustupile mjesto djelima u kojima je glavna stvar analitički pristup prikazanom ("Gare Saint-Lazare", 1877.). Promjena stila slikanja povezana je s promjenama u umjetnikovom osobnom životu: njegova supruga Camilla teško se razboli, siromaštvo pada na obitelj, uzrokovano rođenjem drugog djeteta.

Nakon smrti njegove supruge, Alice Goshede preuzela je brigu o djeci, čija je obitelj unajmila istu kuću u Vetheuilu kao i Monet. Ta je žena kasnije postala njegova druga žena. Nakon nekog vremena Monetova financijska situacija se toliko popravila da je mogao kupiti vlastitu kuću u Givernyju, gdje je radio ostatak vremena.

Slikar suptilno osjeća nove trendove, što mu omogućuje da s nevjerojatnom pronicljivošću mnogo toga predvidi.
od onoga što će postići umjetnici s kraja XIX - početka XX. stoljeća. Mijenja stav prema boji i parcelama
slike. Sada je njegova pozornost usmjerena na izražajnost sheme boja poteza kistom odvojeno od njegove predmetne korelacije, pojačavajući dekorativnost. Naposljetku, stvara panoe. Jednostavne parcele 1860-1870 ustupiti mjesto složenim motivima zasićenim raznim asocijativnim vezama: epske slike stijene, elegični nizovi topola (»Stijene u Belle-Ileu«, 1866; »Topole«, 1891).

Ovo razdoblje obilježeno je brojnim serijskim djelima: kompozicije “Hacks” (“Stog sijena u snijegu. Tmuran dan”, 1891.; “Hacks. Kraj dana. Jesen”, 1891.), slike katedrale u Rouenu (“ Katedrala u Rouenu u podne”, 1894. i dr.), vedute Londona (“Magla u Londonu”, 1903. i dr.). I dalje radeći na impresionistički način i koristeći različite tonalitet svoje palete, majstor nastoji s najvećom točnošću i pouzdanošću dočarati kako se osvjetljenje istih objekata može mijenjati u različitim vremenskim uvjetima tijekom dana.

Ako pažljivije pogledate niz slika o katedrali u Rouenu, postaje jasno da katedrala ovdje nije utjelovljenje složeni svijet misli, osjećaja i ideala ljudi srednjovjekovne Francuske i nije čak ni spomenik umjetnosti i arhitekture, već svojevrsna pozadina, polazeći od koje autor prenosi stanje života svjetla i atmosfere. Gledatelj osjeća svježinu jutarnjeg povjetarca, podnevnu vrućinu, meke sjene nadolazeće večeri, koji su pravi junaci ove serije.

No, osim toga, takve su slike neobične dekorativne kompozicije koje, zahvaljujući nehotice nastalim asocijativnim vezama, daju promatraču dojam dinamike vremena i prostora.

Preselivši se s obitelji u Giverny, Monet je puno vremena provodio u vrtu, baveći se svojom organizacijom slikanja. Ovo je zanimanje toliko utjecalo na umjetnikove poglede da je umjesto običnog svijeta u kojem žive ljudi, na svojim platnima počeo prikazivati ​​tajanstveni dekorativni svijet vode i biljaka (“Irisi u Givernyju”, 1923.; “Žakoće vrbe”, 1923.). ). Otuda i vedute jezerca u kojima plutaju lopoči, prikazane u najpoznatijoj seriji njegovih kasnijih panoa (“Bijeli lopoč. Harmonija plavetnila”, 1918.-1921.).

Giverny je postao posljednje utočište umjetnika, gdje je umro 1926.

Treba napomenuti da se način pisanja impresionista uvelike razlikovao od načina pisanja akademika. Impresioniste, posebice Moneta i njegove istomišljenike, zanimala je izražajnost sheme boja poteza kistom odvojeno od njegove predmetne korelacije. Odnosno, pisali su zasebnim potezima, koristeći samo čiste boje koje nisu miješane na paleti, dok je željeni ton već bio formiran u percepciji gledatelja. Dakle, za lišće drveća i trave, uz zelenu, korištene su plava i žuta, dajući pravu nijansu zelene na daljinu. Ova metoda je djelima impresionističkih majstora dala posebnu čistoću i svježinu, svojstvenu samo njima. Zasebno položeni potezi stvorili su dojam reljefa i, takoreći, vibrirajuće površine.

Pierre Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir, francuski slikar, grafičar i kipar, jedan od vođa impresionističke grupe, rođen je 25. veljače 1841. u Limogesu, u siromašnoj obitelji provincijskog krojača, koja se 1845. preselila u Pariz. Talent mladog Renoira vrlo su rano uočili njegovi roditelji te ga 1854. dodijelili u radionicu za slikanje porculana. Dok je posjećivao radionicu, Renoir je paralelno studirao u školi crtanja i primijenjene umjetnosti, a 1862. godine, uštedjevši novac (zarađujući slikanjem grbova, zavjesa i lepeza), mladi umjetnik upisao je školu likovnih umjetnosti. Nešto kasnije, počeo je posjećivati ​​radionicu C. Gleyrea, gdje se blisko sprijateljio s A. Sisleyem, F. Basilom i C. Monetom. Često je posjećivao Louvre, proučavajući djela takvih majstora kao što su A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard.

Komunikacija sa skupinom impresionista navodi Renoira da razvije vlastiti stil vizije. Tako se, primjerice, za razliku od njih, kroz cijeli svoj rad okrenuo liku osobe kao glavnom motivu svojih slika. Osim toga, njegov rad, iako je bio pleneristički, nikada se nije rasplinuo
plastična težina materijalnog svijeta u svjetlucavom mediju svjetla.

Upotreba chiaroscura od strane slikara, dajući slici gotovo skulpturalni oblik, čini njegove rane radove sličnim djelima nekih realističkih umjetnika, posebno G. Courbeta. Međutim, svjetlija i svjetlija shema boja, svojstvena samo Renoiru, razlikuje ovog majstora od njegovih prethodnika ("Taverna majke Anthonyja", 1866.). U mnogim umjetnikovim djelima primjetan je pokušaj prenošenja prirodne plastičnosti kretanja ljudskih figura na otvorenom. U "Portretu Alfreda Sisleya sa suprugom" (1868.), Renoir pokušava prikazati osjećaj koji povezuje par koji hoda ruku pod ruku: Sisley je zastao na trenutak i nježno se nagnuo prema svojoj ženi. Na ovoj slici, kompozicijom koja podsjeća na okvir fotografije, motiv pokreta još uvijek je slučajan i praktički nesvjestan. No, u usporedbi s "Tavernom", figure u "Portretu Alfreda Sisleya sa suprugom" djeluju ležernije i življe. Još jedna važna točka je značajna: supružnici su prikazani u prirodi (u vrtu), ali Renoir još uvijek nema iskustva u prikazivanju ljudskih figura na otvorenom.

"Portret Alfreda Sisleya sa suprugom" - prvi korak umjetnika na putu nove umjetnosti. Sljedeća faza u umjetnikovom stvaralaštvu bila je slika Kupanje u Seini (oko 1869.), gdje su likovi ljudi koji šetaju obalom, kupači, kao i čamci i gomile drveća spojeni svjetlosno-zračnom atmosferom prekrasan ljetni dan. Slikar već slobodno koristi obojene sjene i svjetlobojne refleksije. Njegov razmaz postaje živ i energičan.

Kao i C. Monet, Renoir je sklon problemu uključivanja ljudske figure u svijet okoline. Taj problem umjetnik rješava slikom "Ljuljačka" (1876.), ali na nešto drugačiji način od C. Moneta, u kojoj likovi ljudi kao da se rastapaju u krajoliku. Renoir uvodi nekoliko ključnih figura u svoju kompoziciju. Slikoviti način izrade ovog platna vrlo prirodno prenosi atmosferu vrućeg ljetnog dana umekšanu sjenom. Slika je prožeta osjećajem sreće i veselja.

Sredinom 1870-ih. Renoir slika djela poput suncem okupanog krajolika "Put u livadama" (1875), ispunjen svjetlom, živahnim pokretom i nedostižnom igrom sjajnih svjetlosnih refleksija "Moulin de la Galette" (1876), kao i "Kišobrani" ( 1883), "Loža" (1874) i Kraj doručka (1879). Ova prekrasna platna nastala su unatoč činjenici da je umjetnik morao raditi u teškom okruženju, budući da je nakon skandalozne izložbe impresionista (1874.) Renoirov rad (kao i rad njegovih istomišljenika) bio podložan oštrom udaru. napadi tzv. poznavatelja umjetnosti. Međutim, u tom teškom trenutku Renoir je osjetio podršku dvoje ljudi koji su mu bili bliski: brata Edmonda (izdavača časopisa La Vie Moderne) i Georgesa Charpentiera (vlasnika tjednika). Pomogli su umjetniku da dobije malu svotu novca i unajmi radionicu.

Treba napomenuti da je u pogledu kompozicije krajolik "Put u livadama" vrlo blizak "Makovima" (1873.) C. Moneta, međutim, slikovita tekstura Renoirovih platna je gušća i materijalnija. Druga razlika u kompozicijskom rješenju je nebo. Kod Renoira, za kojeg je bila bitna materijalnost prirodnog svijeta, nebo zauzima tek mali dio slike, dok kod Moneta, koji je prikazivao nebo po kojemu trče sivo-srebrni ili snježnobijeli oblaci, uzdiže se iznad padine prošarane rascvjetanim makovima, pojačavajući osjećaj suncem okupanog ljetnog dana.

U skladbama "Moulin de la Galette" (s njom je umjetniku došao pravi uspjeh), "Kišobrani", "Kuća" i "Kraj doručka" jasno se pokazuje (kao kod Maneta i Degasa) zanimanje za naizgled slučajno provirena životna situacija; karakteristično je i pozivanje na metodu rezanja okvira kompozicijskog prostora, što je svojstveno i E. Degasu i dijelom E. Manetu. No, za razliku od djela potonjeg, Renoirove slike odlikuju se velikom smirenošću i kontemplacijom.

Platno “Koliba” u kojem, kao da dalekozorom gleda nizove stolica, autor nehotice nailazi na kutiju u kojoj se nalazi ljepotica ravnodušnog pogleda. Njezin pratitelj, naprotiv, s velikim zanimanjem gleda u publiku. Dio njegove figure odsječen je okvirom slike.

Rad "Kraj doručka" predstavlja rudimentarnu epizodu: dvije dame odjevene u bijelo i crno, kao i njihov gospodin, kompletno doručkuju u sjenovitom kutku vrta. Stol je već postavljen za kavu, koja se poslužuje u šalicama od finog blijedoplavog porculana. Žene čekaju nastavak priče koju je muškarac prekinuo kako bi zapalio cigaretu. Ova slika nije dramatičan ili dubok psihologizam, ona privlači pažnju gledatelja suptilnim prijenosom najsitnijih nijansi raspoloženja.

Sličan osjećaj smirene vedrine prožima i "Doručak veslača" (1881.), pun svjetla i živog pokreta. Entuzijazam i šarm izviru iz figure zgodne mlade dame koja sjedi sa psom u naručju. Umjetnik je prikazao svoje buduća žena. Platno “Akt” (1876.) ispunjeno je istim radosnim raspoloženjem, samo u nešto drugačijem lomu. Svježina i toplina tijela mlade žene u kontrastu je s plavičasto-hladnom tkaninom plahti i lana koji čine svojevrsnu pozadinu.

Karakteristična značajka Renoirovog djela je da je osoba lišena svoje složene psihološke i moralne punoće, što je karakteristično za slikarstvo gotovo svih realističkih umjetnika. Ova je značajka svojstvena ne samo djelima poput "Akta" (gdje priroda motiva radnje dopušta odsutnost takvih kvaliteta), već i Renoirovim portretima. Međutim, to ne lišava njegova platna šarma, koji leži u vedrini likova.

U najvećoj mjeri te se osobine osjećaju u poznatom portretu Renoira "Djevojka s lepezom" (oko 1881.). Platno je poveznica koja povezuje rani rad Renoir s kasnim, karakteriziran hladnijim i profinjenijim boje. U tom razdoblju umjetnik u većoj mjeri nego prije ima interes za jasne linije, za jasan crtež, kao i za lokalnost boje. Veliku ulogu umjetnik pridaje ritmičkim ponavljanjima (polukrug lepeze - polukružni naslon crvenog stolca - nagnuta djevojačka ramena).

No sva su se ta strujanja u Renoirovu slikarstvu najjače očitovala u drugoj polovici 1880-ih, kada je nastupilo razočaranje u njegovo djelo i impresionizam općenito. Nakon što je uništio neke od svojih djela, koje je umjetnik smatrao "osušenim", počinje proučavati rad N. Poussina, okreće se crtežu J. O. D. Ingresa. Kao rezultat toga, njegova paleta dobiva posebnu svjetlinu. Takozvani. "Biserno razdoblje", poznato nam je iz djela kao što su "Djevojke za glasovirom" (1892.), "Kupačica koja spava" (1897.), kao i portreti sinova - Pierrea, Jeana i Claudea - "Gabriel i Jean" ( 1895), "Koko" (1901).

Osim toga, od 1884. do 1887. Renoir radi na nizu varijanti velika slika"Kupačice". U njima uspijeva postići jasnu kompozicijsku zaokruženost. Međutim, svi pokušaji oživljavanja i promišljanja tradicije velikih prethodnika, dok se radnja okreće daleko od velikih problema našeg vremena, završili su neuspjehom. “Kupačice” su samo udaljile umjetnika od njegove ranije neposredne i svježe percepcije života. Sve to uvelike objašnjava činjenicu da je od 1890. god. Renoirov rad postaje slabiji: u koloritu njegovih djela počinju prevladavati narančasto-crveni tonovi, a pozadina, lišena prozračne dubine, postaje dekorativna i plošna.

Od 1903. Renoir se nastanio vlastita kuća u Cagnes-sur-Meru, gdje nastavlja s radom na pejzažima, kompozicijama s ljudskim likovima i mrtvim prirodama, u kojima uglavnom prevladavaju već spomenuti crvenkasti tonovi. Budući da je teško bolestan, umjetnik više ne može samostalno držati kistove i oni su mu vezani za ruke. Međutim, nakon nekog vremena slikanje se mora potpuno napustiti. Tada se majstor okreće kiparstvu. Zajedno s Guinovim pomoćnikom stvara nekoliko nevjerojatnih skulptura, koje se odlikuju ljepotom i skladom silueta, radošću i životnom snagom (Venera, 1913.; Velika pralja, 1917.; Majčinstvo, 1916.). Renoir je umro 1919. na svom imanju u Alpes-Maritimesu.

Edgar Degas

Edgar Hilaire Germain Degas, francuski slikar, grafičar i kipar, najveći predstavnik impresionizma, rođen je 1834. godine u Parizu u obitelji bogatog bankara. Kako je bio imućan, stekao je izvrsno obrazovanje na prestižnom liceju nazvanom po Luju Velikom (1845.-1852.). Neko je vrijeme bio student na Pravnom fakultetu Sveučilišta u Parizu (1853.), ali je, osjetivši žudnju za umjetnošću, napustio sveučilište i počeo pohađati atelje umjetnika L. Lamottea (učenika i sljedbenika). of Ingres) i ujedno (od 1855) Školu
likovne umjetnosti. Međutim, 1856. godine, neočekivano za sve, Degas napušta Pariz i odlazi na dvije godine u Italiju, gdje s velikim zanimanjem studira i, poput mnogih slikara, kopira djela velikih majstora renesanse. Najveću pozornost posvećuje djelima A. Mantegne i P. Veronesea čije je nadahnuto i živopisno slikarstvo mladi umjetnik visoko cijenio.

Degasove rane radove (uglavnom portrete) karakterizira jasan i precizan crtež i suptilna opservacija, u kombinaciji s izrazito suzdržanim načinom pisanja (skice njegova brata, 1856.-1857.; crtež glave barunice Belleli, 1859.) ili s nevjerojatnim istinitost izvršenja (portret talijanskog prosjaka, 1857).

Vrativši se u domovinu, Degas se okrenuo povijesnoj temi, ali joj je dao interpretaciju nekarakterističnu za to vrijeme. Tako u skladbi "Spartanske djevojke izazivaju mladiće na natjecanje" (1860.) majstor, zanemarujući uvjetnu idealizaciju drevne radnje, nastoji je utjeloviti onako kako bi mogla biti u stvarnosti. Antika je ovdje, kao i na drugim njegovim platnima na povijesnu temu, kao da je propuštena kroz prizmu modernosti: slike djevojaka i mladića drevne Sparte uglatih oblika, tankih tijela i oštrih pokreta, prikazane na pozadini svakodnevice prozaični krajolik, daleko su od klasičnih ideja i više nalikuju običnim tinejdžerima pariških predgrađa nego idealiziranim Spartancima.

Šezdesetih godina 19. stoljeća postupno se formira kreativna metoda slikara početnika. U ovom desetljeću, uz manje značajna povijesna platna ("Semiramida gleda gradnju Babilona", 1861.), umjetnik je stvorio nekoliko portretnih djela, u kojima su izoštrene promatračke i realističke vještine. U tom pogledu najindikativnija je slika „Glava mlade žene“, koju je izradio
godine 1867

Godine 1861. Degas upoznaje E. Maneta i ubrzo postaje redoviti gost kavane Gerbois, gdje se okupljaju mladi inovatori tog vremena: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley i dr. Ali ako ih prvenstveno zanima krajolik i rad. na otvorenom, tada se Degas više fokusira na temu grada, pariških tipova. Privlači ga sve što je u pokretu; statika ga ostavlja ravnodušnim.

Degas je bio vrlo pozoran promatrač, suptilno hvatajući sve ono što je karakteristično ekspresivno u beskonačnoj smjeni životnih pojava. Tako, prenoseći ludi ritam velegrada, dolazi do stvaranja jedne od varijanti svakodnevnog žanra posvećenog kapitalističkom gradu.

U stvaralaštvu ovog razdoblja ističu se portreti, među kojima ima mnogo onih koji se svrstavaju u bisere svjetskog slikarstva. Među njima su portret obitelji Belleli (oko 1860.-1862.), portret žene (1867.), portret umjetnikova oca koji sluša gitarista Pagana (oko 1872.).

Neke slike iz razdoblja 1870-ih karakterizira fotografska nepromišljenost u prikazu likova. Primjer je platno pod nazivom "Lekcija plesa" (oko 1874.), izrađeno u hladnim plavičastim tonovima. S nevjerojatnom preciznošću autorica bilježi pokrete balerina koje podučavaju starog plesnog majstora. Ima, međutim, slika drukčije naravi, kao što je, primjerice, portret vikonta Lepica s kćerima na Place de la Concorde iz 1873. godine. Ovdje je trezvena prozaična fiksacija prevladana zbog naglašene dinamike kompozicija i izvanredna oštrina prijenosa Lepićeva lika; jednom riječju, to se događa zbog umjetnički britkog i oštrog razotkrivanja karakteristično ekspresivnog početka života.

Treba napomenuti da djela ovog razdoblja odražavaju umjetnikov pogled na događaj koji je prikazao. Njegove slike ruše uobičajene akademske kanone. Degasova slika Glazbenici orkestra (1872.) izgrađena je na oštrom kontrastu koji nastaje usporedbom glava glazbenika (naslikanih u krupnom planu) i male figure plesačice koja se klanja publici. Zanimanje za ekspresivni pokret i njegovo točno kopiranje na platnu također se uočava u brojnim skicama figurica plesača (ne smijemo zaboraviti da je Degas bio i kipar), koje je majstor stvorio kako bi što preciznije uhvatio bit pokreta, njegovu logiku. koliko je moguće.

Umjetnicu je zanimala profesionalna specifičnost pokreta, položaja i geste, lišena bilo kakve poetizacije. To je posebno vidljivo u djelima posvećenim konjskim utrkama ("Mladi džokej", 1866.-1868.; "Utrke konja u provinciji. Posada na utrkama", oko 1872.; "Jokeji pred tribinama", oko 1879. itd.). U Jahanju trkaćih konja (1870-ih) analiza stručne strane stvari dana je gotovo reporterskom točnošću. Usporedimo li ovo platno sa slikom T. Géricaulta "Utrke u Epsomu", odmah postaje jasno da, zbog svoje očigledne analitičnosti, Degasovo djelo mnogo gubi od emocionalne kompozicije T. Géricaulta. Iste kvalitete svojstvene su Degasovom pastelu "Balerina na pozornici" (1876-1878), koji ne pripada broju njegovih remek-djela.

No, unatoč takvoj jednostranosti, a možda i zahvaljujući njoj, Degasova se umjetnost odlikuje uvjerljivošću i sadržajnošću. U programskim djelima vrlo precizno i ​​s velikim umijećem razotkriva dubinu i složenost unutarnjeg stanja prikazane osobe, kao i atmosferu otuđenosti i usamljenosti u kojoj živi suvremeno društvo, pa tako i sam autor.

Prvi su put ta raspoloženja zabilježena na malom platnu “Plesač pred fotografom” (1870-ih), na kojemu je umjetnik naslikao usamljenu figuru plesačice, zamrznutu u sumornoj i sumornoj atmosferi u naučenoj pozi ispred glomaznog fotografskog aparata. U budućnosti, osjećaj gorčine i usamljenosti prodire u takva platna kao što su "Absint" (1876), "Pjevačica iz kavane" (1878), "Ironers" (1884) i mnogi drugi. Degas je pokazao dvije figure čovjeka i žena, usamljena i ravnodušna jedna prema drugoj i prema cijelom svijetu. Prigušeno zelenkasto treperenje čaše napunjene absintom naglašava tugu i beznađe koje se vidi u ženinim očima i njenom držanju. Blijed bradonja podbuhlog lica tmuran je i zamišljen.

Kreativnost Degasa inherentna je istinskim zanimanjem za likove ljudi, za osebujne značajke njihova ponašanja, kao i za dobro izgrađenu dinamičnu kompoziciju koja je zamijenila tradicionalnu. Njegovo glavno načelo je pronaći najizrazitije kutove u samoj stvarnosti. To razlikuje rad Degasa od umjetnosti drugih impresionista (osobito C. Moneta, A. Sisleya i, dijelom, O. Renoira) s njihovim kontemplativnim pristupom svijetu oko sebe. Umjetnik je to načelo koristio već u svom ranom djelu Prijemni ured za pamuk u New Orleansu (1873.), koje je svojom iskrenošću i realizmom izazvalo divljenje E. Goncourta. Takva su njegova kasnija djela "Gospođica Lala u cirkusu Fernando" (1879.) i "Plesači u foajeu" (1879.), gdje se unutar istog motiva daje suptilna analiza izmjene raznolikih pokreta.

Ponekad ovu tehniku neki istraživači koriste kako bi ukazali na bliskost Degasa s A. Watteauom. Iako su oba umjetnika u nekim točkama doista slični (A. Watteau se također fokusira na različite nijanse istoga stavka), dovoljno je usporediti crtež A. Watteaua sa slikom pokreta violinista iz spomenute Degasove kompozicije. , jer se odmah osjeti suprotnost njihovim umjetničkim tehnikama.

Ako A. Watteau pokušava prenijeti neuhvatljive prijelaze jednog pokreta u drugi, da tako kažemo, polutonove, onda je za Degasa, naprotiv, karakteristična energična i kontrastna promjena motiva pokreta. Više teži njihovoj usporedbi i oštrom sudaru, često čineći lik uglatim. Na taj način umjetnik nastoji uhvatiti dinamiku razvoja suvremenog života.

Krajem 1880-ih - početkom 1890-ih. u djelu Degasa prevladavaju ukrasni motivi, što je vjerojatno posljedica neke tuposti njegove budnosti. umjetnička percepcija. Ako je na platnima ranih 1880-ih posvećenih aktu ("Žena koja napušta kupaonicu", 1883.) veći interes za živopisnom izražajnošću pokreta, onda se do kraja desetljeća umjetnikov interes primjetno pomaknuo prema prikazu. ženske ljepote. To je posebno vidljivo na slici "Kupanje" (1886.), gdje slikarica s velikim umijećem prenosi čar gipkog i gracioznog tijela mlade žene nagnute nad zdjelicu.

Umjetnici su već slikali slične slike, ali Degas ide malo drugačijim putem. Ako su heroine drugih majstora uvijek osjećale prisutnost gledatelja, onda ovdje slikar prikazuje ženu, kao da je potpuno nezabrinut kako izgleda izvana. I iako takve situacije izgledaju lijepo i sasvim prirodno, međutim, slike u slična djelačesto se približavaju groteski. Uostalom, bilo koje poze i geste, čak i najintimnije, ovdje su sasvim prikladne, potpuno su opravdane funkcionalnom potrebom: prilikom pranja posegnite na pravo mjesto, otkopčajte kopču na leđima, skliznite, uhvatite se za nešto.

Posljednjih godina života Degas se više bavio kiparstvom nego slikarstvom. To je djelomično zbog bolesti oka i oštećenja vida. Stvara iste slike koje su prisutne na njegovim slikama: kleše figurice balerina, plesača, konja. Istodobno, umjetnik pokušava što točnije prenijeti dinamiku pokreta. Degas ne napušta slikarstvo koje, iako odlazi u drugi plan, ne nestaje u potpunosti iz njegova djela.

Zbog formalno ekspresivne, ritmičke gradnje kompozicija, težnja za dekorativno-plošnom interpretacijom slika Degasovih slika, nastalih krajem 1880-ih i tijekom 1890-ih. ispadaju lišeni realne vjerodostojnosti i postaju poput ukrasnih ploča.

Degas je ostatak života proveo u rodnom Parizu, gdje je i umro 1917. godine.

Camille Pissarro

Camille Pissarro, francuski slikar i grafičar, rođen je 1830. na oko. Sveti Toma (Antili) u obitelji trgovca. Školovao se u Parizu, gdje je studirao od 1842. do 1847. Nakon završetka studija, Pissarro se vratio u St. Thomas i počeo pomagati ocu u trgovini. Međutim, to uopće nije bilo ono o čemu je mladić sanjao. Njegovo zanimanje bilo je daleko izvan šaltera. Slikarstvo mu je bilo najvažnije, no otac nije podržavao sinovljev interes i protivio se njegovom napuštanju obiteljskog posla. Potpuno nerazumijevanje i nespremnost obitelji da se nađu na pola puta doveli su do toga da potpuno očajni mladić pobjegne u Venezuelu (1853.). Taj je čin ipak utjecao na nepokolebljivog roditelja, te je dopustio sinu da ode u Pariz na studij slikarstva.

U Parizu, Pissarro je ušao u studio Suisse, gdje je studirao šest godina (od 1855. do 1861.). Na Svjetskoj izložbi slikarstva 1855. budući umjetnik otkriva J. O. D. Ingresa, G. Courbeta, ali najveći dojam na njega ostavljaju djela C. Corota. Na savjet potonjeg, nastavljajući posjećivati ​​atelje Suisse, mladi slikar ušao je u školu likovnih umjetnosti A. Melbija. U to vrijeme upoznaje C. Moneta, s kojim slika krajolike periferije Pariza.

Godine 1859. Pissarro je prvi put izložio svoje slike na Salonu. Njegova rana djela nastala su pod utjecajem C. Corota i G. Courbeta, no postupno Pissarro razvija vlastiti stil. Slikar početnik dosta vremena posvećuje radu na otvorenom. Njega, kao i druge impresioniste, zanima život prirode u pokretu. Pissarro posvećuje veliku pozornost boji, koja može prenijeti ne samo oblik, već i materijalnu bit predmeta. Kako bi otkrio jedinstveni šarm i ljepotu prirode, koristi se laganim potezima čistih boja koje, međusobno djelujući, stvaraju vibrirajući tonski niz. Iscrtane u obliku križa, paralelnim i dijagonalnim linijama, daju cijeloj slici nevjerojatan osjećaj dubine i ritmičnog zvuka (“Seina u Marlyju”, 1871.).

Slikarstvo ne donosi Pissarroa veliki novac a on jedva spaja kraj s krajem. U trenucima očaja umjetnik pokušava zauvijek raskinuti s umjetnošću, ali se ubrzo ponovno vraća stvaralaštvu.

U godinama Francusko-pruski rat Pissarro živi u Londonu. Zajedno s C. Monetom slika londonske krajolike iz prirode. Umjetnikovu kuću u Louveciennesu u to su vrijeme opljačkali pruski osvajači. Većina slika koje su ostale u kući su uništene. Vojnici su za kiše raširili platna u dvorištu ispod nogu.

Po povratku u Pariz, Pissarro još uvijek ima financijskih poteškoća. Republika koja je došla zamijeniti
carstva, nije promijenio gotovo ništa u Francuskoj. Buržoazija, osiromašena nakon događaja vezanih uz Komunu, ne može kupovati slike. U to vrijeme Pissarro preuzima pod pokroviteljstvom mladog umjetnika P. Cezannea. Zajedno rade u Pontoiseu, gdje Pissarro stvara platna koja prikazuju okolicu Pontoisea, gdje je umjetnik živio do 1884. ("Oise in Pontoise", 1873.); tiha sela, ceste koje se protežu u daljinu (“Cesta od Gisorsa do Pontoisea pod snijegom”, 1873.; “Crveni krovovi”, 1877.; “Pejzaž u Pontoiseu”, 1877.).

Pissarro je aktivno sudjelovao na svih osam izložbi impresionista, organiziranih od 1874. do 1886. Posjedujući pedagoški talent, slikar je mogao pronaći uzajamni jezik s gotovo svim umjetnicima početnicima, pomagao im savjetima. Suvremenici su o njemu govorili da "čak može naučiti crtati kamenje". Majstorov talent bio je toliki da je mogao razlikovati čak i najsuptilnije nijanse boja tamo gdje su drugi vidjeli samo sivu, smeđu i zelenu.

Posebno mjesto u Pissarrovom stvaralaštvu zauzimaju platna posvećena gradu, prikazanom kao živom organizmu koji se neprestano mijenja ovisno o svjetlu i godišnjem dobu. Umjetnik je imao nevjerojatnu sposobnost vidjeti puno i uhvatiti ono što drugi nisu primijetili. Tako je, primjerice, gledajući kroz isti prozor, napisao 30 djela koja prikazuju Montmartre ("Bulevar Montmartre u Parizu", 1897.). Majstor je strastveno volio Pariz, pa mu je posvetio većinu slika. Umjetnik je u svojim djelima uspio prenijeti jedinstvenu magiju koja je Pariz učinila jednim od najvećih gradova na svijetu. Slikar je za rad iznajmljivao sobe u ulici Saint-Lazare, Grands Boulevards itd. Sve što je vidio prenio je na svoja platna (“Talijanski bulevar ujutro, obasjan suncem”, 1897.; “Mjesto francuskog kazališta u Parizu). , proljeće”, 1898; “Operni prolaz u Parizu).

Među njegovim urbanim pejzažima su djela koja prikazuju druge gradove. Dakle, 1890-ih. majstor je dugo živio u Dieppeu, zatim u Rouenu. U slikama posvećenim raznim dijelovima Francuske otkrio je ljepotu drevnih trgova, poeziju uličica i drevnih građevina iz kojih odiše duhom prošlih vremena (“Veliki most u Rouenu”, 1896.; “Most Boildieu u Rouenu). na zalasku sunca", 1896.; "Pogled na Rouen", 1898.; "Crkva Saint-Jacques u Dieppeu", 1901.).

Iako Pissarrovi krajolici nisu jarkih boja, njihova je slikovna tekstura neobično bogata raznim nijansama: na primjer, sivi ton kaldrme formiran je od poteza čiste ružičaste, plave, plave, zlatnog okera, engleske crvene itd. Kao rezultat, siva izgleda kao sedef, svjetluca i sjaji, čineći slike poput dragulja.

Pissarro nije stvarao samo krajolike. U njegovom radu postoje žanrovske slike u kojem je bio utjelovljen interes za neku osobu.

Među najznačajnijima valja istaknuti "Kava s mlijekom" (1881.), "Djevojka s granom" (1881.), "Žena s djetetom na zdencu" (1882.), "Tržnica: trgovac mesom" (1883.). ). Radeći na ovim djelima, slikar je nastojao ujednačiti potez i unijeti elemente monumentalnosti u kompozicije.

Sredinom osamdesetih godina 19. stoljeća, već zreo umjetnik, Pissarro se pod utjecajem Seurata i Signaca zainteresirao za divizionizam i počeo slikati sitnim točkicama u boji. Na taj način, njegovo djelo kao što je “Otok Lacroix, Rouen. Magla" (1888). Međutim, hobi nije dugo trajao, a uskoro (1890.) majstor se vratio svom prijašnjem stilu.

Osim slikarstva, Pissarro je radio akvarel, stvarao bakropise, litografije i crteže.
Umjetnik je umro u Parizu 1903.

Europska umjetnost kasnog 19. stoljeća obogaćena je pojavom modernističke umjetnosti, čiji se utjecaj kasnije proširio na glazbu i književnost. Nazvan je "impresionizam" jer se temeljio na najsuptilnijim dojmovima umjetnika, slikama i raspoloženjima.

Podrijetlo i povijest nastanka

U drugoj polovici 19. stoljeća nekoliko mladih umjetnika formira grupu. Imali su zajednički cilj i podudarne interese. Za ovu tvrtku najvažnije je bilo raditi u prirodi, bez zidova radionice i raznih sputavajućih faktora. U svojim slikama nastojali su prenijeti svu senzualnost, dojam igre svjetla i sjene. Pejzaži i portreti odražavali su jedinstvo duše sa Svemirom, s okolnim svijetom. Njihove slike prava su poezija boja.

Godine 1874. održana je izložba ove skupine umjetnika. Pejzaž Claudea Moneta “Impresija. Sunrise” zapeo je za oko kritičaru koji je u svojoj recenziji ove stvaraoce prvi put nazvao impresionistima (od franc. impression – “dojam”).

Preduvjeti za rođenje stila impresionizma, čije će slike uskoro postići nevjerojatan uspjeh, bila su djela renesanse. Djelo Španjolaca Velazqueza, El Greca, Engleza Turnera, Constabla bezuvjetno je utjecalo na Francuze koji su bili začetnici impresionizma.

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir i drugi postali su istaknuti predstavnici stila u Francuskoj.

Filozofija impresionizma u slikarstvu

Umjetnici koji su slikali u ovom stilu nisu si postavili zadatak privući pozornost javnosti na nevolje. U njihovim se djelima ne mogu naći zapleti na temu dana, ne može se primiti moraliziranja niti se uočavaju ljudska proturječja.

Slike u stilu impresionizma usmjerene su na prenošenje trenutnog raspoloženja, razvijanje shema boja tajanstvene prirode. U djelima postoji samo mjesto za pozitivan početak, tama je zaobišla impresioniste.

Zapravo, impresionisti se nisu trudili promišljati radnju i detalje. Glavni faktor nije bio što nacrtati, već kako prikazati i prenijeti svoje raspoloženje.

Tehnika slikanja

Kolosalna je razlika između akademskog stila crtanja i tehnike impresionista. Jednostavno su napustili mnoge metode, neke su promijenili do neprepoznatljivosti. Evo koje su inovacije napravili:

1. Napuštena kontura. Zamijenjen je potezima - malim i kontrastnim.
2. Prestali smo koristiti palete za Odabrali smo boje koje se međusobno nadopunjuju i ne zahtijevaju stapanje da bi se dobio određeni efekt. Na primjer, žuta je ljubičasta.
3. Prestanite slikati u crno.
4. Posve napušten rad u radionicama. Pisali su isključivo o prirodi, kako bi lakše uhvatili trenutak, sliku, osjećaj.
5. Korištene su samo boje s dobrom neprozirnošću.
6. Nemojte čekati da se sljedeći sloj osuši. Odmah su stavljeni svježi razmazi.
7. Napravili su cikluse radova koji su pratili promjene svjetla i sjene. Na primjer, "Stogovi sijena" Claudea Moneta.

Naravno, nisu svi umjetnici izvodili upravo značajke stila impresionizma. Slike Edouarda Maneta, na primjer, nikada nisu sudjelovale na zajedničkim izložbama, a on se sam pozicionirao kao zasebni umjetnik. Edgar Degas je radio samo u radionicama, ali to nije naštetilo kvaliteti njegovih djela.

Predstavnici francuskog impresionizma

Prva izložba impresionističkih djela datira iz 1874. godine. Nakon 12 godina održana je njihova posljednja izložba. Prvi rad u ovom stilu može se nazvati "Doručak na travi" E. Maneta. Ova je slika predstavljena u Salonu odbačenih. Dočekan je neprijateljski, jer je bio vrlo različit od akademskih kanona. Zbog toga Manet postaje figura oko koje se okuplja krug sljedbenika ovog stilskog pravca.

Nažalost, suvremenici nisu cijenili takav stil kao što je impresionizam. Slike i umjetnici postojali su u nesuglasju sa službenom umjetnošću.

Postupno u timu slikara dolazi do izražaja Claude Monet, koji kasnije postaje njihov vođa i glavni ideolog impresionizma.

Claude Monet (1840.-1926.)

Rad ovog umjetnika može se opisati kao hvalospjev impresionizmu. On je bio taj koji je prvi odbio koristiti crnu u svojim slikama, tvrdeći da čak i sjene i noć imaju druge tonove.

Svijet u Monetovim slikama nejasni su obrisi, voluminozni potezi, gledajući u koje možete osjetiti cijeli spektar igre boja dana i noći, godišnjih doba, harmonije sublunarnog svijeta. Samo trenutak koji je iščupan iz toka života, u shvatanju Moneta, je impresionizam. Njegove slike kao da nemaju materijalnosti, sve su prožete zrakama svjetlosti i strujanjem zraka.

Claude Monet stvorio je nevjerojatna djela: "Kolodvor Saint-Lazare", "Katedrala u Rouenu", ciklus "Charing Cross Bridge" i mnoga druga.

Auguste Renoir (1841.-1919.)

Renoirove kreacije ostavljaju dojam izuzetne lakoće, prozračnosti, eteričnosti. Zaplet je nastao kao slučajno, ali poznato je da je umjetnik pažljivo razmišljao o svim fazama svog rada i radio od jutra do mraka.

Posebnost djela O. Renoira je uporaba glazure, što je moguće samo kada se pisanje impresionizma u umjetnikovim djelima očituje u svakom potezu. Čovjeka doživljava kao česticu same prirode, zato i ima toliko slika s aktovima.

Renoirova omiljena zabava bila je slika žene u svoj svojoj privlačnoj i privlačnoj ljepoti. Portreti zauzimaju posebno mjesto u stvaralačkom životu umjetnika. "Kišobrani", "Djevojka s lepezom", "Doručak veslača" samo su mali dio nevjerojatne zbirke slika Augustea Renoira.

Georges Seurat (1859.-1891.)

Seurat je povezivao proces stvaranja slika sa znanstvenim utemeljenjem teorije boja. Svjetlosno-zračni okoliš nacrtan je na temelju ovisnosti glavnih i dodatnih tonova.

Unatoč tome što je J. Seurat predstavnik završne faze impresionizma, a njegova tehnika se u mnogome razlikuje od utemeljitelja, on na isti način stvara iluzorni prikaz objektivne forme uz pomoć poteza, koji mogu gledati i vidjeti samo na daljinu.

Remek-djela kreativnosti mogu se nazvati slikama "Nedjelja", "Cancan", "Modeli".

Predstavnici ruskog impresionizma

Ruski impresionizam nastao je gotovo spontano, miješajući mnoge pojave i metode. Međutim, osnova je, poput Francuza, bila cjelovita vizija procesa.

U ruskom impresionizmu, iako su sačuvane značajke francuskog, značajke nacionalne prirode i stanja duha učinile su značajne promjene. Na primjer, vizija snijega ili sjevernih krajolika izražena je neobičnom tehnikom.

U Rusiji je nekoliko umjetnika radilo u stilu impresionizma, njihove slike privlače oko i danas.

Impresionističko razdoblje može se razlikovati u radu Valentina Serova. Njegova "Djevojka s breskvama" je najjasniji primjer i standard ovog stila u Rusiji.

Slike osvajaju svježinom i suzvučjem čistih boja. Glavna tema rada ovog umjetnika je slika osobe u prirodi. "Sjeverna idila", "U čamcu", "Fjodor Šaljapin" svijetle su prekretnice u djelovanju K. Korovina.

Impresionizam u moderno doba

Trenutno je ovaj smjer u umjetnosti dobio novi život. U ovom stilu nekoliko umjetnika slika svoje slike. Moderni impresionizam postoji u Rusiji (André Cohn), u Francuskoj (Laurent Parcelier), u Americi (Diana Leonard).

Andre Cohn je najviše istaknuti predstavnik novi impresionizam. Njegove uljane slike zadivljuju svojom jednostavnošću. Umjetnik vidi ljepotu u običnim stvarima. Stvoritelj mnoge predmete tumači kroz prizmu kretanja.

Radovi akvarela Laurenta Parceliera poznati su diljem svijeta. Njegova serija radova "Čudan svijet" objavljena je u obliku razglednica. Prekrasne, živahne i senzualne, oduzimaju dah.

Kao iu 19. stoljeću, umjetnicima i danas ostaje plenersko slikarstvo. Zahvaljujući njoj impresionizam će živjeti vječno. umjetnici nastavljaju nadahnjivati, impresionirati i inspirirati.

Impresionizam je umjetnički pokret koji se pojavio 70-ih godina prošlog stoljeća. XIX stoljeća u francusko slikarstvo, a zatim se manifestirao u glazbi, književnosti, kazalištu.

Impresionizam u slikarstvu počeo se oblikovati davno prije poznate izložbe 1874. Edouard Manet tradicionalno se smatra začetnikom impresionista. Bio je vrlo inspiriran klasičnim djelima Tiziana, Rembrandta, Rubensa, Velazqueza. Manet je izrazio svoju viziju slika na svojim platnima, dodajući "vibrirajuće" poteze koji su stvorili učinak nedovršenosti. Godine 1863. Manet stvara "Olympiju", koja izaziva veliki skandal u kulturnoj javnosti.

Na prvi pogled, slika je napravljena u skladu s tradicionalnim kanonima, ali je u isto vrijeme već nosila inovativne trendove. O Olimpiji je u raznim pariškim tiskovinama napisano oko 87 recenzija. Puno negativnih kritika palo je na nju - umjetnica je optužena za vulgarnost. A dobronamjernim bi se moglo nazvati samo nekoliko članaka.

Manet je u svom radu koristio tehniku ​​nanošenja jednog sloja boje, što je stvorilo efekt mrlja. Kasnije su ovu metodu prekrivanja boja prihvatili umjetnici impresionisti kao osnovu za slike na slikama.

Osobitost impresionizma bila je najsuptilnija fiksacija kratkotrajnih dojmova, na poseban način reprodukcije svjetlosnog okruženja uz pomoć složenog mozaika čistih boja, površnih ukrasnih poteza.

Zanimljivo je da su umjetnici na početku svoje potrage koristili cijanometar - instrument za određivanje plavetnila neba. Crna boja je isključena iz palete, zamijenjena je drugim nijansama boja, što je omogućilo da se ne pokvari sunčano raspoloženje slika.

Impresionisti su se usredotočili na najnovije znanstvena otkrića svoga vremena. Teorija boja Chevrela i Helmholtza svodi se na sljedeće: sunčeva zraka se rastavlja na sastavne boje, te prema tome dvije boje postavljene na platno pojačavaju slikovni učinak, a miješanjem boje gube na intenzitetu.

Estetika impresionizma oblikovala se, dijelom, kao pokušaj odlučnog oslobađanja od konvencija klasicizma u umjetnosti, kao i od postojanog simbolizma i promišljenosti kasnoromantičarskog slikarstva, koje je pozivalo svakoga da vidi šifrirane ideje koje je trebalo pažljivo tumačiti. . Impresionizam nije zahtijevao samo ljepotu svakodnevne stvarnosti, već i fiksiranje šarene atmosfere, bez detaljiziranja ili tumačenja, prikazujući svijet kao optički fenomen koji se neprestano mijenja.

Impresionistički umjetnici razvili su potpuni pleneristički sustav. Preteče ove stilske značajke bili su pejzažisti koji su potekli iz barbizonske škole, čiji su glavni predstavnici bili Camille Corot i John Constable.

Raditi na otvoreni prostor omogućio je snimanje i najmanjih promjena boje drugačije vrijeme dana.

Claude Monet stvorio je nekoliko serija slika na istu temu, na primjer, Katedrala u Rouenu (serija od 50 slika), Stogovi sijena (serija od 15 slika), Ribnjak s lopočima itd. Glavni pokazatelj ovih serija bio je promjena svjetla i boja na slici istog predmeta, napisanoj u različito doba dana.

Drugo postignuće impresionizma je razvoj originalnog slikarskog sustava, gdje se složeni tonovi rastavljaju u čiste boje koje se prenose zasebnim potezima. Umjetnici nisu miješali boje na paleti, već su radije nanosili poteze izravno na platno. Ova tehnika slikama je davala posebnu strepnju, promjenjivost i reljefnost. Radovi umjetnika bili su ispunjeni bojama i svjetlom.

Izložba 15. travnja 1874. u Parizu bila je rezultat razdoblja formiranja i predstavljanja široj javnosti novog trenda. Izložba je postavljena u studiju fotografa Felixa Nadara na Boulevard des Capucines.

Naziv "Impresionizam" nastao je po izložbi na kojoj je bila izložena Monetova slika "Impresija. Izlazak sunca". Kritičar L. Leroy u svojoj je recenziji u Sharivariju šaljivo opisao izložbu iz 1874., navodeći kao primjer Monetovo djelo. Drugi kritičar, Maurice Denis, zamjera impresionistima nedostatak individualnosti, osjećaja i poezije.

Na prvoj izložbi svoje je radove predstavilo 30-ak umjetnika. Bio je to najveći broj u usporedbi s sljedećim izložbama do 1886. godine.

Ne može se reći o Pozitivna ocjena iz ruskog društva. Ruski umjetnici i demokratski kritičari, uvijek živo zainteresirani umjetnički život Francuska - I. V. Kramskoj, I. E. Repin i V. V. Stasov - visoko su cijenili postignuća impresionista već od prve izložbe.

Nova etapa u povijesti umjetnosti, koja je započela izložbom 1874., nije bila nagla eksplozija revolucionarnih tendencija - bila je to vrhunac sporog i dosljednog razvoja.

Unatoč činjenici da su svi veliki majstori prošlosti pridonijeli razvoju načela impresionizma, neposredni korijeni aktualnog najlakše se mogu pronaći u dvadeset godina koje su prethodile povijesnoj izložbi.

Paralelno s izložbama u Salonu, zamah su dobivale izložbe impresionista. Njihovi su radovi pokazali nove trendove u slikarstvu. Bio je to prijekor salonskoj kulturi i izlagačkoj tradiciji. U budućnosti impresionistički umjetnici uspjeli su privući obožavatelje novih trendova u umjetnosti na svoju stranu.

Teorijske spoznaje i formulacije impresionizma počele su se oblikovati dosta kasno. Umjetnici su više voljeli više prakse i vlastitih eksperimenata sa svjetlom i bojom. Impresionizam, prije svega pikturalni, prati naslijeđe realizma, jasno izražava antiakademsko, antisalonsko usmjerenje i instalaciju slike tadašnje okolne stvarnosti. Neki istraživači primjećuju da je impresionizam postao poseban izdanak realizma.

Nedvojbeno je da su se u impresionističkoj umjetnosti, kao iu svakom umjetničkom pokretu koji nastaje u razdoblju prekretnice i krize starih tradicija, ispreplitale različite, pa i proturječne tendencije, uza svu njegovu vanjsku cjelovitost.

Glavna obilježja bila su u temama umjetničkih radova, u sredstvima likovnog izražavanja. Knjiga Irine Vladimirove o impresionistima uključuje nekoliko poglavlja: "Pejzaž, priroda, dojmovi", "Grad, mjesta susreta i rastanaka", "Hobiji kao način života", "Ljudi i likovi", "Portreti i autoportreti" , "Mrtva priroda". Također opisuje povijest stvaranja i lokaciju svakog djela.

U doba procvata impresionizma umjetnici su pronašli skladnu ravnotežu između objektivne stvarnosti i njezine percepcije. Umjetnici su nastojali uhvatiti svaku zraku svjetlosti, kretanje povjetarca, promjenjivost prirode. Da bi sačuvali svježinu slika, impresionisti su stvorili originalan slikovni sustav, koji se kasnije pokazao vrlo važnim za razvoj umjetnosti u budućnosti. Unatoč općim trendovima u slikarstvu, svaki je umjetnik pronašao svoj kreativni put i glavne žanrove u slikarstvu.

Klasični impresionizam predstavljaju umjetnici kao što su Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Basil, Berthe Morisot, Edgar Degas.

Razmotrite doprinos nekih umjetnika formiranju impresionizma.

Edouard Manet (1832.-1883.)

Manet je dobio prve lekcije slikanja od T. Couturea, zahvaljujući kojima je budući umjetnik stekao puno potrebnih profesionalnih vještina. Zbog nedostatka učiteljeve odgovarajuće pažnje prema učenicima, Manet napušta majstorski atelje i bavi se samoobrazovanjem. Posjećuje izložbe u muzejima, na njegovo stvaralačko formiranje veliki su utjecaj imali stari majstori, posebice španjolski.

Šezdesetih godina 19. stoljeća Manet je napisao dva djela koja pokazuju osnovna načela njegova umjetničkog stila. Lola iz Valencije (1862.) i Flautistica (1866.) prikazuju Maneta kao umjetnika koji bojom otkriva karakter modela.

Njegove ideje o tehnici poteza i odnosu prema boji preuzeli su i drugi impresionistički slikari. U 1870-ima Manet se zbližio sa svojim sljedbenicima i radio plein air bez crne boje na paleti. Pojava impresionizma bila je rezultat kreativne evolucije samog Maneta. Manetove najimpresionističkije slike su U čamcu (1874.) i Claude Monet u čamcu (1874.).

Manet je također naslikao mnoge portrete raznih svjetovnih dama, glumica, modela, lijepih žena. U svakom portretu prenijeta je jedinstvenost i individualnost modela.

Neposredno prije smrti, Manet piše jedno od svojih remek-djela - "Bar Folies-Bergere" (1881-1882). Ova slika kombinira nekoliko žanrova odjednom: portret, mrtva priroda, domaća scena.

N. N. Kalitina piše: “Čarolija Manetove umjetnosti je takva da se djevojka odupire okolini, zahvaljujući kojoj je njezino raspoloženje tako jasno otkriveno, a ujedno je i dio, jer cijela pozadina, nejasno naslućena, neodređena, uzburkana, zvuči kao dio, a ujedno je i njezin dio. također je riješen u plavo-crnim, plavkasto-bijelim, žutim tonovima.

Claude Monet (1840.-1926.)

Claude Monet bio je neprikosnoveni vođa i začetnik klasičnog impresionizma. Glavni žanr njegovog slikarstva bio je pejzaž.

Monet je u mladosti volio karikaturu i karikaturu. Prvi uzori za njegov rad bili su njegovi učitelji, drugovi. Za uzorak je koristio karikature u novinama i časopisima. Kopirao je crteže u Goloisu E. Karzha, pjesnika i karikaturista, prijatelja Gustavea Coubreta.

Na koledžu je Monetu predavao Jacques-Francois Hauchard. Ali pošteno je primijetiti utjecaj na Moneta od Boudina, koji je podržavao umjetnika, davao mu savjete, motivirao ga da nastavi s radom.

U studenom 1862. u Parizu, Monet je nastavio studij u Parizu s Gleyreom. Zahvaljujući tome, Monet je u svom studiju upoznao Basila, Renoira, Sisleya. Mladi umjetnici pripremali su se za upis u Školu likovnih umjetnosti, poštujući svog učitelja, koji je malo uzimao za poduku i davao blage savjete.

Monet nije stvarao svoje slike kao priču, ne kao ilustraciju ideje ili teme. Njegovo slikarstvo, kao ni život, nije imalo jasne ciljeve. Vidio je svijet bez fokusiranja na detalje, na nekim principima, otišao je do "pejzažne vizije" (termin povjesničara umjetnosti A. A. Fedorov-Davydov). Monet je težio besprizornosti, spoju žanrova na platnu. Sredstvo za provedbu njegovih inovacija bile su skice, koje su trebale postati gotove slike. Sve skice su nacrtane iz prirode.

Slikao je i livade, i brežuljke, i cvijeće, i kamenje, i vrtove, i seoske ulice, i more, plaže i još mnogo toga, okrenuo se slici prirode u različita doba dana. Često je slikao isto mjesto u različito vrijeme, stvarajući tako čitave cikluse od svojih djela. Načelo njegovog rada nije bila slika predmeta na slici, već točan prijenos svjetlosti.

Evo nekoliko primjera umjetnikovih djela - "Polje makova u Argenteuilu" (1873.), "Žaba" (1869.), "Jezerce s lopočima" (1899.), "Stogovi pšenice" (1891.).

Pierre Auguste Renoir (1841.-1919.)

Renoir je jedan od izvanrednih majstora svjetovnog portreta, osim toga, radio je u žanrovima pejzaža, domaće scene, mrtve prirode.

Osobitost njegovog rada je interes za osobnost osobe, otkrivanje njenog karaktera i duše. Renoir u svojim platnima nastoji naglasiti osjećaj punine bića. Umjetnika privlače zabava i praznici, slika lopte, šetnje s njihovim pokretom i raznolikim likovima, plesovima.

Najpoznatija umjetnikova djela su "Portret glumice Jeanne Samary", "Kišobrani", "Kupanje u Seini" itd.

Zanimljivo je da se Renoir odlikovao svojom muzikalnošću te je kao dijete pjevao u crkvenom zboru pod vodstvom vrsnog skladatelja i pedagoga Charlesa Gounoda u Parizu u katedrali Saint-Eustache. C. Gounod je snažno preporučio dječaku da studira glazbu. Ali u isto vrijeme, Renoir je otkrio svoj umjetnički talent - od svoje 13 godine već je naučio kako slikati porculansko posuđe.

Glazbena poduka utjecala je na formiranje umjetnikove osobnosti. Brojna njegova djela vezana su uz glazbenu tematiku. Ogledali su se svirajući klavir, gitaru, mandolinu. To su slike "Lekcija gitare", "Mlada Španjolka s gitarom", "Mlada dama za klavirom", "Žena svira gitaru", "Lekcija klavira" itd.

Jean Frederic Basile (1841.-1870.)

Prema njegovim prijateljima umjetnicima, Basil je bio najperspektivniji i najistaknutiji impresionist.

Njegove radove odlikuju vedri kolorit i produhovljenost slika. Veliki utjecaj na njegov stvaralački put imali su Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley i Claude Monet. Stan Jeana Frederica za slikare početnike bio je svojevrsni atelje i stanovanje.

Basil je uglavnom slikao plein air. Glavna ideja njegova rada bila je slika čovjeka na pozadini prirode. Njegovi prvi junaci na slikama bili su njegovi prijatelji umjetnici; mnogi su impresionisti jako voljeli slikati jedni druge u svojim djelima.

Frédéric Bazille obilježio je pravac realističkog impresionizma u svom stvaralaštvu. Njegova najpoznatija slika, Obiteljsko okupljanje (1867.), autobiografska je. Umjetnik na njemu prikazuje članove svoje obitelji. Rad je predstavljen na Salonu i dobio je pozitivnu ocjenu javnosti.

Godine 1870. umjetnik je umro u prusko-francuskom ratu. Nakon umjetnikove smrti, njegovi prijatelji umjetnici organizirali su treću izložbu impresionista, na kojoj su bila izložena i njegova platna.

Camille Pissarro (1830.-1903.)

Camille Pissarro jedan je od najvećih predstavnika pejzažista nakon C. Moneta. Njegovi su radovi stalno izlagani na izložbama impresionista. Pissarro je u svojim djelima najradije prikazivao oranice, seljački život i rad. Njegove slike odlikovale su se strukturom oblika i jasnoćom kompozicije.

Kasnije je umjetnik počeo slikati i slikati na urbane teme. N. N. Kalitina u svojoj knjizi bilježi: "On gleda na gradske ulice s prozora gornjih katova ili s balkona, ne uvodeći ih u kompozicije."

Pod utjecajem Georges-Pierrea Seurata, umjetnik se prihvatio pointilizma. Ova tehnika uključuje nametanje svakog poteza zasebno, kao da stavljate točke. Ali kreativni izgledi na ovom području nisu ostvareni, a Pissarro se vratio impresionizmu.

Pissarrove najpoznatije slike su Boulevard Montmartre. Poslijepodne, sunčano”, “Operni prolaz u Parizu”, “Mjesto francuskog kazališta u Parizu”, “Vrt u Pontoiseu”, “Žetva”, “Kosidba” itd.

Alfred Sisley (1839.-1899.)

Glavni žanr slikarstva Alfreda Sisleya bio je pejzaž. U njegovim ranim djelima vidljiv je uglavnom utjecaj K. Corota. Postupno, u procesu zajedničkog rada s C. Monetom, J. F. Basilom, P. O. Renoirom, u njegovim djelima počinju se javljati svijetle boje.

Umjetnika privlači igra svjetla, promjena stanja atmosfere. Sisley se više puta bavio istim krajolikom, snimajući ga u različito doba dana. Umjetnik je u svojim radovima dao prednost slici vode i neba, koja se mijenjala svake sekunde. Umjetnik je uz pomoć boje uspio postići savršenstvo, svaka nijansa u njegovim radovima nosi neku vrstu simbolike.

Najpoznatija njegova djela: "Seoska aleja" (1864), "Mraz u Louveciennesu" (1873), "Pogled na Montmartre s Otoka cvijeća" (1869), "Rani snijeg u Louveciennesu" (1872), "Most" u Argenteuilu" (1872.).

Edgar Degas (1834.-1917.)

Edgar Degas je umjetnik koji je svoju kreativnu karijeru započeo studirajući na Školi likovnih umjetnosti. Inspirirao se umjetnicima talijanske renesanse, što je utjecalo na njegov rad općenito. U početku je Degas slikao povijesne slike, na primjer, “Spartanske djevojke izazivaju spartanske mladeži na natjecanje. (1860). Glavni žanr njegovog slikarstva je portret. Umjetnik se u svojim djelima oslanja na klasične tradicije. Stvara djela obilježena istančanim osjećajem za svoje vrijeme.

Za razliku od svojih kolega, Degas ne dijeli radostan, otvoren pogled na život i stvari svojstven impresionizmu. Umjetnik je bliži kritičkoj tradiciji umjetnosti: suosjećanje sa sudbinom običnog čovjeka, sposobnost da vidi duše ljudi, njihove unutrašnji svijet, nedosljednost, tragedija.

Za Degasa, predmeti i unutrašnjost koja okružuje osobu igraju važnu ulogu u stvaranju portreta. Evo nekoliko djela kao primjer: "Desiree Dio s orkestrom" (1868-1869), " Ženski portret"(1868)," Par Morbilly "(1867) i drugi.

Načelo portretiranja u Degasovim djelima može se pratiti kroz cijelu njegovu karijeru. Sedamdesetih godina 19. stoljeća umjetnik u svojim djelima prikazuje društvo Francuske, posebice Pariza, u punom sjaju. U interesu umjetnika - urbani život u pokretu. "Pokret je za njega bio jedna od najvažnijih manifestacija života, a sposobnost umjetnosti da ga prenese bila je najvažnije postignuće modernog slikarstva", piše N.N. Kalitina.

Tijekom tog razdoblja stvorene su slike poput "Zvijezda" (1878.), "Gospođica Lola u Fernandovom cirkusu", "Utrke Epsom" i druge.

Novi krug Degasova stvaralaštva je njegov interes za balet. Prikazuje zakulisni život balerina, govori o njihovom trudu i napornom treniranju. No, unatoč tome, umjetnik uspijeva pronaći prozračnost i lakoću u prijenosu svojih slika.

U baletnom ciklusu Degasovih slika vidljiva su dostignuća na polju prijenosa umjetne svjetlosti reflektora, govore o umjetnikovom kolorističkom talentu. Najpoznatije slike su "Plave plesačice" (1897.), "Razred plesa" (1874.), "Plesačica s buketom" (1877.), "Plesačice u ružičastom" (1885.) i druge.

Na kraju života, zbog pogoršanja vida, Degas se okušava u kiparstvu. Iste balerine, žene, konji postaju njegovi objekti. U skulpturi Degas pokušava prenijeti pokret, a da biste cijenili skulpturu, morate je razmotriti iz različitih kutova.

fr. impresija – dojam) – pravac u umjetnosti posljednje trećine XIX – rano. 20. stoljeća, čiji su predstavnici počeli slikati krajolike i žanr-scene izravno iz života, nastojeći vrlo čistim i intenzivnim bojama dočarati blještavilo sunca, dah vjetra, šuštanje trave, kretanje gradske mase. Impresionisti su nastojali na najprirodniji i najnepristraniji način uhvatiti stvarni svijet u njegovoj pokretljivosti i promjenjivosti, prenijeti svoje prolazne dojmove.

Sjajna definicija

Nepotpuna definicija ↓

IMPRESIONIZAM

francuski impresionizam, od impresija - dojam), pravac u umjetnosti kon. 1860 - poč. 1880-ih Najjasnije se očituje u slikarstvu. Vodeći predstavnici: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte i J. F. Basil. Zajedno s njima svoje su slike izložili E. Manet i E. Degas, iako se stil njihovih djela ne može nazvati potpuno impresionističkim. Naziv "impresionisti" dodijeljen je skupini mladih umjetnika nakon njihove prve zajedničke izložbe u Parizu (1874.; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley i dr.), što je izazvalo bijesno ogorčenje javnosti i kritike. Jedna od predstavljenih slika C. Moneta (1872.) nazvana je “Impresija. Sunrise ”(“ L’impression. Soleil levant ”), a recenzent je umjetnike podrugljivo nazvao “impresionistima” - “impresionistima”. Pod tim imenom slikari su nastupili na trećoj zajedničkoj izložbi (1877.). Istodobno su počeli izdavati časopis Impressionist, čiji je svaki broj bio posvećen radu jednog od članova grupe.

Impresionisti su nastojali uhvatiti svijet u svojoj stalnoj promjenjivosti, fluidnosti, nepristrano izražavaju svoje neposredne dojmove. Impresionizam se temeljio na najnovijim otkrićima u optici i teoriji boja (spektralno razlaganje sunčeve zrake na sedam duginih boja); u tome je on suglasan s duhom znanstvena analiza, karakterističan za kon. 19. stoljeća Međutim, sami impresionisti nisu pokušali definirati teorijska osnova njegovu umjetnost, inzistirajući na spontanosti, intuitivnosti umjetnikova stvaralaštva. Umjetnička načela impresionista nisu bila jedinstvena. Monet je slikao krajolike samo u neposrednom dodiru s prirodom, na otvorenom (en plein air) te je čak izgradio radionicu u čamcu. Degas je u radionici radio po sjećanjima ili pomoću fotografija. Za razliku od predstavnika kasnijih radikalnih pokreta, umjetnici nisu nadilazili renesansni iluzorno-prostorni sustav temeljen na korištenju izravne perspektive. Čvrsto su se držali načina rada iz prirode u kojoj su i podizali glavno načelo kreativnost. Umjetnici su nastojali "slikati ono što vidite" i "kako vidite". Dosljedna primjena ove metode podrazumijeva preobrazbu svih temelja postojećeg slikovnog sustava: boje, kompozicije, prostorne konstrukcije. Čiste boje nanesene su na platno u malim odvojenim potezima: raznobojne "točke" ležale su jedna pored druge, miješajući se u šareni spektakl ne na paleti i ne na platnu, već u oku gledatelja. Impresionisti su postigli neviđenu zvučnost boje, neviđeno bogatstvo nijansi. Potez kistom postaje samostalno izražajno sredstvo, ispunjavajući površinu slike živim svjetlucavim titranjem čestica boje. Platno je bilo uspoređeno s mozaikom koji svjetluca dragocjenim bojama. U nekadašnjoj slici prevladavale su crne, sive, smeđe nijanse; na platnima impresionista boje su sjajile. Impresionisti nisu koristili chiaroscuro za prenošenje volumena, napustili su tamne sjene, sjene na njihovim slikama također su postale obojene. Umjetnici su naširoko koristili dodatne tonove (crvenu i zelenu, žutu i ljubičastu), čiji je kontrast povećavao intenzitet boje. U Monetovim slikama boje su se posvijetlile i otopile u sjaju sunčevih zraka, lokalne boje su dobile mnoge nijanse.

Impresionisti su prikazivali okolni svijet u neprestanom kretanju, prijelaz iz jednog stanja u drugo. Počeli su slikati niz slika, želeći pokazati kako se isti motiv mijenja ovisno o dobu dana, osvjetljenju, vremenskim prilikama itd. (ciklusi Boulevard Montmartre C. Pissarra, 1897; Katedrala u Rouenu, 1893–95, i "Londonski parlament", 1903-04, C. Monet). Umjetnici su pronašli načine da na slikama odraze kretanje oblaka (A. Sisley. “Louan u Saint-Mammeu”, 1882.), igru ​​odsjaja sunčeve svjetlosti (O. Renoir. “Ljuljačka”, 1876.), udare vjetra (C. Monet. “Terasa u Sainte-Adresseu”, 1866.), mlazovi kiše (G. Caillebotte. “Jer. Učinak kiše”, 1875.), snijeg koji pada (C. Pissarro. “Operni prolaz. Učinak snijega”, 1898.), brzo trčanje konja (E. Manet "Utrke u Longchampu", 1865.).

Impresionisti su razvili nova načela za konstrukciju kompozicije. Ranije se prostor slike uspoređivao s pozornicom, sada su snimljeni prizori sličili snimci, okviru za fotografije. Izumljen u 19. stoljeću fotografija je značajno utjecala na kompoziciju impresionističkog slikarstva, posebice u djelu E. Degasa, koji je i sam bio pasionirani fotograf te je, prema vlastitim riječima, nastojao prikazane balerine iznenaditi, vidjeti ih „kao da kroz ključanicu”, kada su njihove poze, linije tijela prirodne, izražajne i autentične. Stvaranje slika na otvorenom, želja za snimanjem brzo promjenjive rasvjete natjerala je umjetnike da ubrzaju rad, pišu "alla prima" (u jednom koraku), bez preliminarnih skica. Fragmentacija, "slučajnost" kompozicije i dinamičan slikovni način stvarali su osjećaj posebne svježine u slikama impresionista.

Omiljeni impresionistički žanr bio je pejzaž; portret je bio i svojevrsni “pejzaž lica” (O. Renoir, “Portret glumice J. Samary”, 1877). Osim toga, umjetnici su značajno proširili raspon slikarskih tema, okrećući se temama koje su dotad smatrane nedostojnima pozornosti: pučke svetkovine, konjske utrke, piknici umjetničke boeme, zakulisni život kazališta itd. No, njihove slike nemaju detaljan zaplet, detaljna pripovijest; ljudski život je otopljen u prirodi ili u atmosferi grada. Impresionisti nisu pisali događaje, nego raspoloženja, nijanse osjećaja. Umjetnici su iz temelja odbacivali povijesne i književne teme, izbjegavao je prikazati dramatične, mračne strane života (ratovi, katastrofe i sl.). Nastojali su umjetnost osloboditi ispunjavanja društvenih, političkih i moralnih zadataka, obveze vrednovanja prikazanih pojava. Umjetnici su opjevali ljepotu svijeta, znajući najsvakodnevniji motiv (renoviranje sobe, sivu londonsku maglu, dim parnih lokomotiva itd.) pretvoriti u očaravajući spektakl (G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C Monet, "Stanica Saint-Lazare", 1877).

Godine 1886. održana je posljednja izložba impresionista (na njoj nisu sudjelovali O. Renoir i K. Monet). Do tada su otkrivena značajna neslaganja između članova grupe. Mogućnosti impresionističke metode bile su iscrpljene, a svaki od umjetnika počeo je tražiti svoj put u umjetnosti.

Impresionizam kao cjelovita stvaralačka metoda bio je fenomen pretežno francuske umjetnosti, ali je djelovanje impresionista imalo utjecaja na cjelokupno europsko slikarstvo. Želja za ažuriranjem umjetničkog jezika, isticanje šarene palete, izloženost slikarske tehnike sada čvrsto ušao u arsenal umjetnika. U drugim su zemljama impresionizmu bliski J. Whistler (Engleska i SAD), M. Lieberman, L. Corinth (Njemačka), J. Sorolla (Španjolska). Utjecaj impresionizma iskusili su mnogi ruski umjetnici (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar i dr.).

Osim u slikarstvu, impresionizam se utjelovio u stvaralaštvu nekih kipara (E. Degas i O. Rodin u Francuskoj, M. Rosso u Italiji, P. P. Trubetskoy u Rusiji) u živom slobodnom modeliranju fluida. meki oblici, koji stvara teška igra svjetlost na površini materijala i osjećaj nedovršenosti djela; u pozama je uhvaćen trenutak kretanja, razvoja. U glazbi bliskost impresionizmu nalazimo u djelima C. Debussyja ("Jedra", "Magle", "Odrazi u vodi" itd.).

Sjajna definicija

Nepotpuna definicija ↓