O gitarskoj umjetnosti i školovanju gitarista. Formiranje ruske gitarističke izvedbe Formiranje izvedbene umjetnosti na gitari
Formiranje ruske gitarističke izvedbe1. Pojava umjetnosti sviranja gitare sa sedam žica u Rusiji u 19. - ranom 20. stoljeću
Originalnost postojanja gitare u Rusiji leži u paralelnom postojanju dviju varijanti - sa sedam žica i sa šest žica. No, njihov "udio" u muziciranju bio je drugačiji: od druge polovice 20-ih godina XX. stoljeća, u razdoblju koje nadilazi okvire proučavanja ove knjige, gitara sa šest žica postaje sve popularnija. U međuvremenu, gotovo cijelo vrijeme trajanja 19. stoljeća, u domaćem muziciranju dominirala je vrsta glazbala koja se u potpunosti mogu nazvati ruskim narodnim glazbalom. I to ne samo po socijalnom kriteriju, povezanom s usmjerenošću na neelitu u glazbenom i umjetničkom smislu, dominantni dio stanovništva Rusije. U gitari sa sedam žica, s posebnim “ruskim” štimom, etnički element nacionalnosti nije ništa manje očit: već više od dva stoljeća široko se koristi u našoj zemlji i još uvijek postoji za izražavanje tradicionalnih žanrova narodna glazba. Ugađanje prema zvukovima G-dur trozvuka udvostručenog na oktavu i donje žice s razmakom od kvarte pojavilo se u Rusiji u drugoj polovici 18. stoljeća i pokazalo se izuzetno organskim u urbanoj sredini, gdje su voljeli pjevati pjesme i romanse, s njihovim nepromjenjivim formulama pratnje bas-akorda (U domaćem U glazbenom životu s početka 19. stoljeća takav se instrument često nazivao gitarom „poljskog sustava”. U međuvremenu, ugađanje zvukovima trozvuk G-dur postao je raširen tek u Rusiji (jedina iznimka može biti okruženje ruskih emigranata u drugim zemljama).
Uz pratnju na gitari sa sedam žica u kućnom muziciranju, obično na sluh - najjednostavnije harmonijske funkcije takve pratnje postale su izuzetno dostupne. Autori pjesama i romansi najčešće su bili malo poznati amateri, ali ponekad i istaknuti skladatelji 19. stoljeća, prethodnici M. I. Glinke, poput A. E. Varlamova, A. L. Guriljeva, A. A. Aljabjeva, A. I. Djubuka, P. P. Bulahova. Izvedba na "sedam žica" pjesama kao što su "Zvono zvecka monotono" A. L. Gurileva, "Snježna mećava mete ulicom" A. E. Varlamova, "Ne grdi me, draga" A. I. Dyubuka i mnoge druge učinile su široko popularne - nije slučajno da su počele postojati među širokim stanovništvom upravo kao ruske narodne pjesme.
Umjetnost ruskih Roma odigrala je važnu ulogu u aktivnom širenju gitare sa sedam žica. Veličanstveni gitaristi sa sedam žica bili su vođe romskih zborova, kao što su Ilja Osipovič i Grigorij Ivanovič Sokolov, Aleksandar Petrovič Vasiljev, kasnije Nikolaj Sergejevič Šiškin, Rodion Arkadevič Kalabin i drugi (Kao što primjećuje K. A. Baurov, “Ciganski zborovi u Rusiji postaju moderni s laka ruka grof A. G. Orlov. Mnogi plemići, bogati zemljoposjednici i trgovci stječu vlastite ciganske zborove.
Krajem 18. stoljeća gitara sa sedam žica mogla se čuti u aristokratskim salonima, pa čak i na kraljevskom dvoru, ali do sredinom devetnaestog stoljeća uočena je njegova značajna demokratizacija. M. A. Stakhovich u svom “Ogledu o povijesti gitare sa sedam žica”, prvi put objavljenom 1854., napisao je: “Gitara sa sedam žica je najčešći instrument u Rusiji, jer je najzastupljeniji jer, osim obrazovanog klase, igraju je i obični ljudi.”
Istodobno, već krajem 18. stoljeća, ova se vrsta gitare počela razvijati također kao predstavnik akademske glazbena umjetnost. Ako je pjevanje uz gitaru gradskih pjesama i romansi karakterizirala nepisano-slušna tradicija, onda su iste pjesme namijenjene solističkoj izvedbi na gitari u kućnom muziciranju objavljivane u raznim notnim zbirkama. Uglavnom su to bile varijacije – obrade melodija narodnih pjesama. Ovdje su autori pokazali kreativnu maštu prilikom ukrašavanja teme, njezinog šarenog "bojanja" u najrazličitijim opcijama.
Za gitaru sa sedam žica pojavljuju se i glavne skladbe. Već u početkom XIX st. izašla je Sonata za duet gitara V. Lvova. Sve su se češće počela objavljivati razna djela za gitaru, stavljati u nastavno-metodičke priručnike ili objavljivati u zasebnim izdanjima. Takve su, primjerice, brojne minijature, uglavnom u plesnim žanrovima - mazurke, valceri, seoski plesovi, ecossaise, poloneze, kao i serenade, divertissementi, koje je stvorio glasoviti gitarist-pedagog i metodist Ignaz Geld (1766.-1816.).
Ignaz Geld
Proživjevši gotovo cijeli svoj kreativni život u Rusiji, ovaj rusificirani Čeh učinio je mnogo za popularizaciju akademskog sviranja gitare. Godine 1798. u Petrogradu je objavljena njegova "Školska poduka za gitaru sa sedam žica" koja je imala naslov na francuskom - "Methode facile pour apprendre a pincer la guitare a sept cordes sans maitre". Uz razne teorijske informacije, sadrži mnoge glazbene uzorke - kako aranžirane za gitaru, tako i autorove vlastite skladbe. To su Preludij, Valcer, Dumka, Poloneza, Koračnica, Allegretto; na kraju izdanja nalazi se čak i sonata za flautu i gitaru, skladbe za violinu i gitaru, za glas i gitaru itd.
Škola je opetovano tiskana i dopunjena raznim novim materijalom (konkretno, treće izdanje prošireno je s četrdeset obrada ruskih i ukrajinskih narodnih pjesama). O njegovim visokim umjetničkim vrijednostima svjedoči već činjenica da je postao metodološka osnova za izdvajanje prirodnih i umjetnih harmonija. To je učinio S. N. Aksenov, koji je metode njihova izvođenja objavio u svojim dodacima publikacije i ovdje ih izdvojio u zasebnom poglavlju.
Značajna pojava u svoje vrijeme postala je i “Škola za gitaru sa sedam žica” učitelja, autora niza glazbenih skladbi Dmitrija Fedoroviča Kušenova-Dmitrijevskog (oko 1772.-1835.). Njegov priručnik za gitaru je “Nova i potpuna škola gitare, koju je 1808. sastavio g. Kushenov-Dmitrievsky, ili priručnik za samoučenje gitare, prema kojem možete sami naučiti kako pravilno svirati gitaru bez pomoći učitelj”, prvi put objavljen u Petrogradu 1808., uživao je veliku popularnost u prvoj polovici 19. stoljeća i više puta je pretiskavan. Iako je predviđao samostalno učenje, autor je naglasio da se uspjeh u spoznaji uvelike stječe "uz pomoć dobrog učitelja". U ponovljenom izdanju Škole iz 1817. autor još kategoričnije kaže: “... nema nijedne znanosti koja ne zahtijeva mentora ili vodiča do savršenog znanja. Stoga vam ne savjetujem da prije tog vremena počnete podučavati, dok se za to ne nađe sposoban i dosta upućen učitelj.
D. F. Kušenov-Dmitrijevski stvorio je niz narodnih fantazija i obrada za gitaru sa sedam žica, a 1818. objavio je zbirku gitarističkih skladbi “Interdubele, ili Zbirka primjernih skladbi za gitaru sa sedam žica”. Sadrži stotinu glazbeni brojevi, posebice vlastite minijature, obrade narodne glazbe, kao i transkripcije drama W. A. Mozarta, A. O. Sichre, F. Carullija i drugih skladatelja.
Poznati ruski skladatelji-violinisti druge polovice 18. - početka 19. stoljeća savršeno su posjedovali gitaru sa sedam žica. Među njima, kao iu području umjetnosti balalajke, prije svega treba spomenuti Ivana Evstafjeviča Khandoškina, koji je također napisao glazbu za gitaru, skladajući za nju niz varijacija na teme ruskih narodnih pjesama (nažalost, nisu sačuvane) . U istom kontekstu želim spomenuti Gavrila Andrejeviča Račinskog (1777.-1843.), koji je svoja djela za gitaru objavio već u prvim desetljećima 19. stoljeća.
Pravi procvat domaćeg profesionalnog sviranja gitare počinje kreativnom aktivnošću izvanrednog učitelja-gitariste Andreja Osipoviča Sikhre (1773.-1850.). Budući da je po obrazovanju bio harfist i savršeno vladao izvođenjem ovog instrumenta, on je ipak cijeli život posvetio promicanju gitare sa sedam žica: u mladosti se bavio koncertnom djelatnošću, a zatim pedagogijom i prosvjetiteljstvom.
Andrej Osipovič Sikra
Na samom kraju 18. stoljeća Sichra je iz Vilniusa došao u Moskvu, gdje se zainteresirao za gitaru, a do 1813. preselio se u St. Od 1801. njegovi gitaristički koncerti u Moskvi i Sankt Peterburgu bili su vrlo uspješni (A. O. Sikhra se dugo vremena čak smatrao izumiteljem ruske gitare sa sedam žica. Tako je M. A. Stakhovich primijetio da je Sikhra još uvijek na kraj 18. stoljeća “Došao sam na ideju da od gitare sa šest žica napravim instrument koji je cjelovitiji i po arpeggiju bliži harfi, a ujedno melodičniji od harfe, i privezao sedmu žicu za gitaru; u isto vrijeme je promijenio njen štim, dajući šest žica skupinu od dva tonična akorda u tonu G-dur [...] U sedmu žicu smjestio je najdeblji bas, koja čini donju oktavu - re (D) i sadrži glavni zvuk gornjeg dominantnog tona G-dur. "A. S. Famintsyn ponavlja iste podatke, naglašavajući da je Sichra, dodajući sedmu žicu, promijenio štimovanje, "približavajući ga arpeggio svom posebnom instrumentu – harfi.” Iako ovaj podatak nije naišao na dokumentarnu potvrdu, jedno je nedvojbeno: glazbenik je, poput svojih učenika, , uvelike je pridonio širokoj popularnosti ove vrste gitare u Rusiji.).
A. O. Sikhra je postigao poseban uspjeh zahvaljujući svojim glazbenim publikacijama, koje su tada nazivali "časopisima". Tako je 1800. godine takvo izdanje objavljeno pod naslovom na francuskom “Journal pour la Guittare a sept cordes par A. Sychra” (“Časopis za gitaru sa sedam žica A. Sychre”). Časopis je doživio jasan uspjeh, što dokazuje njegovo ponovno izdanje dvije godine kasnije. Ovdje su postavljene mnoge obrade ruskih narodnih pjesama, obrade glazbenih klasika, jednostavne minijature u plesnim žanrovima.
Sljedećih desetljeća, sve do 1838., glazbenik je izdavao niz sličnih gitarističkih časopisa, koji su predstavljali najrazličitija djela, transkripcije iz operne glazbe, romanse, pjesme i plesove, varijacije na teme iz klasičnih djela itd. Sve je to uvelike stupnja pridonio sve većoj popularnosti instrumenta.
Osobitu je slavu stekao časopis koji je izlazio od 1826. godine pod nazivom "Peterburški časopis za gitaru, koji izdaje Sychra, koji sadrži razne vrste skladbi, uhu ugodne i lake za sviranje". Posljednjih godina života uglavnom je skladao skladbe za duet gitara, a sam je izvodio nižu tesituru, drugi dio, a prvi, viši red - terc gitare povjerio je jednom od svojih učenika.
Važna je bila i metodička aktivnost glazbenika. Godine 1850. pojavila se njegova "Teoretička i praktična škola za gitaru sa sedam žica" u tri dijela (prvi dio - "O pravilima glazbe uopće", drugi - tehničke vježbe, ljestvice i arpeggio, treći - glazbeni materijal, uglavnom iz djela Sychrinih učenika). U drugoj polovici 19. stoljeća F. T. Stellovsky, koji je više puta izdavao školu, značajno je proširio repertoar dodavši mnoge aranžmane djela klasičnih skladatelja.
Drugi važan instruktivno-pedagoški priručnik bila su “Praktična pravila koja se sastoje od četiri vježbe” A. O. Sikhre, svojevrsna viša škola za usavršavanje tehničkih vještina gitarista, enciklopedija tehnika i metoda sviranja gitare sa sedam žica tog vremena. Iako su ovdje obuhvaćene samo etide, one su u biti proširene drame, pa će o njima biti riječi u posebnom dijelu ovog poglavlja.
Sichra je prva utemeljila gitaru sa sedam žica kao solo akademski instrument, učinivši mnogo za estetski odgoj širokog spektra gitarista amatera. Uvježbao je ogroman broj učenika i, što je najvažnije, stvorio vlastitu izvedbenu školu kao umjetnički pravac, karakteriziran svestranom pažnjom na kreativnu individualnost učenika i aktiviranje njegova umjetničkog mišljenja, spoj izvedbenih umjetnosti i skladanje glazbe, s prevladavanjem obrade folklorne pjesničke građe. Nije slučajno da je Sichrina pedagoška djelatnost na području gitare visoko vrednovana, npr. poznatih skladatelja, kao A. E. Varlamov, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky.
Radeći mnogo sa svojim učenicima na postizanju suptilnosti i sofisticiranosti zvuka gitare, ovaj glazbenik nije od njih nastojao razviti igru kantilene, već je gitaru usporedio s harfom. Na primjer, glazbenik je ekspresivnu legatu koja svira s obiljem vibrata jednog od svojih najtalentiranijih sljedbenika nazvao "Ciganinom", iako se, naravno, nije miješao u otkrivanje ove značajke svog izvođačkog stila, jer, kako je rekao M. G. Dolgushina, smatrao ga je “svojim najboljim učenikom i posebno za njega stvorio je niz tehnički složenih djela. Ovaj student bio je Semjon Nikolajevič Aksenov (1784-1853). U 1810-1830-ima, on je bio možda najistaknutiji promicatelj instrumenta, iako je njegovo glavno zanimanje bilo služenje kao visoki dužnosnik (nakon što se preselio iz Moskve u St. Petersburg 1810., S. N. Aksenov je započeo brzu službenu karijeru: 1823. bio dužnosnik za posebne zadaće pri ministru rata Rusije, dugo vremena služio na istoj dužnosti u Ministarstvu mornarice, bio član vojni čin pukovnik).
Semjon Nikolajevič Aksenov
Igru S. N. Aksenova odlikovala je izvanredna melodioznost, toplina tona, a uz to i velika virtuoznost. Glazbenik je dao značajan doprinos poboljšanju tehnike izvedbe: on je bio taj koji je, kao što je već rečeno, prvi pažljivo razvio sustav umjetnih harmonika na gitari sa sedam žica. Godine 1819. također je značajno dopunio pretisak Škole I. Gelda, opskrbivši ga ne samo poglavljem o harmonici, već i mnogim novim djelima i obradama narodnih pjesama.
Jedan od najvažnijih vidova Aksenovljeve djelatnosti bilo je glazbeno prosvjetiteljstvo. Konkretno, 1810-ih počeo je izdavati Novi časopis za gitaru sa sedam žica, posvećen ljubiteljima glazbe, gdje je objavio mnoge transkripcije popularnih opernih arija, vlastite varijacije na teme ruskih narodnih pjesama. Pod utjecajem gitaristove strasti prema ruskom pjesničkom folkloru, njegov učitelj A. O. Sikhra počeo je posvećivati mnogo više pažnje obradama narodnih pjesama.
Među prvim učenicima A. O. Sikhre treba spomenuti i Vasilija Sergejeviča Alferjeva (1775.-oko 1835.). Već 1797. objavljena je njegova fantazija na temu ruske narodne pjesme “Kako sam te razljutio”, a 1808. počeo je izdavati mjesečna izdanja “Ruske džepne pjesmarice za gitaru sa sedam žica”. Sadržao je brojne "pjesme s varijacijama", zasebne minijature, transkripcije opernih arija popularnih u to vrijeme, djela glazbenih klasika, romanse za glas i gitaru. Ovdje su objavljeni i razni modni plesovi, namijenjeni kako gitarističkim solažama, tako i gitarističkim duetima (V. S. Alferjev bio je i član Slobodnog društva ljubitelja ruske književnosti. Kako primjećuje M. G. Dolgušina, ono se, „proglasivši prvenstveno dobrotvorne ciljeve, oko sebe ujedinilo širok krug zainteresiranih predstavnika plemstva". Glazbenik je također bio veliki ljubitelj i sakupljač ruskog folklora. Prema istoj knjizi, romanse V. S. Alferjeva, kao i S. N. Aksenova - nastale su uglavnom na riječima suvremeni pjesnici).
Među učenicima A. O. Sikhre bio je i Fedor Mikhailovich Zimmerman (1813-1882), talentirani gitarist. Suvremenici su ga često nazivali “Paganinijem gitare”, čudeći se tehnici, samostalnosti i pokretljivosti njegovih ruku, “kao da nema pet, nego deset prstiju na svakoj ruci”, savršeno je improvizirao na gitari, stvarao širok izbor predstava - fantazije, valceri, mazurke, etide i tako dalje.
Zapažen trag u gitarskoj umjetnosti ostavio je i Vasilij Stepanovič Šarenko (1814.-1881.).
Vasilij Stepanovič Šarenko
A. I. Dubuk, istaknuti ruski skladatelj i pijanist 19. stoljeća, autor mnogih popularnih pjesama i romansi, opisao je svoju umjetnost na sljedeći način: „Svirač je bio prvoklasan i savršeno je poznavao glazbu, imao je puno ukusa i mašte, općenito je bio svestrano razvijen glazbenik. Odsvirano elegantno, čisto, glatko; njegove su žice pjevale i brzim i sporim tempom. Drame i etide koje je skladao V. S. Šarenko obično su zasićene izražajnom melodijom i razvijenom teksturom. Također je napravio mnoge gitarske aranžmane i transkripcije. Također treba spomenuti tako talentiranog učenika A. O. Sikhre kao što je Pavel Feodosievich Beloshein, koji je postao prekrasan učitelj klase gitare, autor mnogih minijatura.
Vladimir Ivanovič Morkov (1801.-1864.) također je bio visokoobrazovani učenik A. O. Sikhre
Vladimir Ivanovič Morkov
(Citirani portret, izrađen 1839., pripada kistu izvanrednog ruskog umjetnika Vasilija Andrejeviča Tropinina (1776.-1857.), koji je bio kmet u velikoj plemićkoj obitelji Mrkva, pohranjen je u Državnom ruskom muzeju sv. . Petersburg. Godine 2007. "Portret V. I. Morkova" objavljen je u trećem tomu serije "Ruski muzej predstavlja. Slikarstvo prve polovice 19. stoljeća. Almanah "(broj 193). V. A. Tropinin se pozabavio slikom gitarist više od jednom. Jedna od varijanti takve slike, datirana 1823. i pohranjena u Državnoj galeriji Tretyakov, u šarenim bojama originala nalazi se na naslovnici knjige.) Posjeduje aranžmane mnogih glazbenih klasika, namijenjen za jednu i dvije gitare. Objavio je i “Školu za gitaru sa sedam žica”, a 1861. napisao je Dvadeset i četiri preludija za gitaru u svim durskim i molskim tonalitetama (Uz sviranje gitare V. I. Morkov bio je i glazbeni kritičar, autor raznih članke i recenzije u prijestolničkim novinama i časopisima, stvorio je monografska djela o glazbi, uključujući knjigu “Povijesna skica ruske opere od samog početka do 1862.”, objavljenu u Sankt Peterburgu 1862., koja je privukla pozornost mjuzikla zajednica tog vremena.članak o tome napisao je istaknuti ruski kritičar A. N. Serov.U međuvremenu, glazba nije bila profesija V. I. Morkova - imao je visok čin stvarnog državnog savjetnika, njegovo glavno mjesto službe bio je Odjel za Vojna evidencija.).
Jedna od najistaknutijih osoba u razvoju ruskog sviranja gitare bio je Mihail Timofejevič Visotski (1791.-1837.).
Mihail Timofejevič Visotski
Prvi ga je s ovim instrumentom upoznao S. N. Aksenov, koji mu je ujedno bio i mentor.
Izvođački stil M. T. Vysockog obilježen je hrabrim poletom kreativne mašte u različitim melodijama narodnih pjesama, izvanrednom tehničkom vještinom i izvanrednom izražajnošću glazbenog izgovora. “Njegovo sviranje odlikovalo se snagom i klasičnom ujednačenošću tona; iznimnom brzinom i hrabrošću odisala je istodobno nježnom iskrenošću i melodioznošću. Igrao je potpuno slobodno, bez imalo napora; za njega kao da nije bilo poteškoća, [...] pogađao je originalnošću svog milozvučnog legata i raskoši arpeggia, u kojima je spajao snagu harfe s melodioznošću violine; poseban originalni stil skladanja utjecao je na njegovo sviranje; njegovo je sviranje fasciniralo, osvajalo slušatelja i ostavljalo neizbrisiv dojam zauvijek [...] Vysotsky je imao još jednu vrstu sviranja koja je iznenadila njegove suvremenike: on sam ju je nazvao "sondama" ili "akordima". Zapravo je to bio besplatni preludij. Mogao je preludirati u najraskošnijim pasažima, modulacijama, s beskrajnim bogatstvom akorada, i u tom je pogledu bio neumoran”, zapisao je o njemu V. A. Rusanov.
M. T. Vysotsky stvorio je mnoge aranžmane i transkripcije djela klasičnih skladatelja, posebno djela W. A. Mozarta, L. Beethovena, D. Fielda, napisao je mnoge minijature za gitaru - preludije, fantazije, komade u plesnim žanrovima. Najvrjedniji dio njegove skladateljske baštine bile su varijacije na teme ruskih narodnih pjesama, o čemu će još biti riječi.
Glazbenik je bio predstavnik improvizatorsko-auditivnog načina izvođenja, au tome je blizak tradicionalnom ruskom narodnom muziciranju. Visokoumjetničke varijacije na teme ruskih narodnih pjesama, koje se danas često izvode, nije sam zabilježio, a tek kasnije su ih u notni tekst zabilježili njegovi učenici (V. A. Rusanov također je primijetio neobično improvizatorsko umijeće gitarista: “ Jednom, došavši k A. I. Dubuc tijekom lekcije i čuvši Kramerove etide u izvedbi njegovog učenika, Vysotsky je bio oduševljen i, zgrabivši gitaru, počeo reproducirati i varirati te etide tako da je A. I. Dubuc bio zadivljen. Savjetovao je Vysotskom da zapiše ovu fantaziju i sam prihvatio aktivno sudjelovanje u tome).
Odgovarala je i pedagoška metoda M. T. Vysockog, koja se sastojala u prenošenju vještine sviranja instrumenta isključivo „iz ruku“ i „iz prstiju“ učitelja, na temelju slušnih dojmova učenika. Ipak, njegov pedagoški rad bio je vrlo plodan. Inspirativan način gitarističkog stila izvođenja stvorio je doista kreativnu atmosferu na nastavi, nadahnuo učenike i bio jako cijenjen od strane onih koji su slučajno učili s njim (Vysotsky je zabilježio svoje učiteljsko iskustvo nedugo prije smrti u "Praktičnoj i teoretskoj školi za Gitara", objavljena u Moskvi 1836. godine, međutim, ni po značaju metodičkih preporuka, ni po obujmu i redoslijedu iznesenog repertoara (u školi ima samo 24 stranice) velika uloga nije svirala u formaciji ruske gitarističke izvedbe.). Od njega je posebno podučavao gitaru šesnaestogodišnji pjesnik M. Yu. Lermontov, koji je svom učitelju posvetio pjesmu "Zvukovi".
Gitarist je aktivno njegovao kod svojih učenika ljubav prema ruskim narodnim pjesmama. Nije slučajno da je među njegovim učenicima bio i Mihail Aleksandrovič Stahovič (1819.-1858.), poznati ruski folklorist, autor zbirki narodnih pjesama uz pratnju gitare, pjesnik i književnik, koji je napisao i prvu objavljenu knjigu o podrijetlu ruskog jezika. izvedba gitare - "Esej o povijesti gitare sa sedam žica "(Sankt Peterburg, 1864.). Ivan Jegorovič Ljahov (1813.-1877.), autor niza drama i obrada, Aleksandar Aleksejevič Vetrov, tvorac zbirke “100 ruskih narodnih pjesama”, djela i obrada za gitaru sa sedam žica, ciklusa varijacija narodnih pjesama, bili i učenici M. T. Vysockog. Mnogi gitaristi-vođe romskih zborova, kao što su I. O. Sokolov, F. I. Gubkin i drugi, također su studirali kod M. T. Vysotskog.
Od druge polovice 19. stoljeća ruska gitaristička umjetnost, kao i umjetnost gusla, počinje propadati. No, ako je gusla počela nestajati iz svakodnevnog muziciranja, onda je gitara, ostajući jednako nepromijenjen prateći instrument u području gradske pjesme i romantike, romskog pjevanja, postupno gubila na važnosti u domaćem društvu zbog pada profesionalne razine. gitarista. U tom razdoblju nisu se pojavili tako istaknuti izvođači i učitelji kao što su Sikhra, Vysotsky ili Aksenov, ozbiljni metodički priručnici gotovo su prestali izlaziti, a objavljeni samoučitelji uglavnom su dizajnirani za nepretenciozne potrebe ljubitelja svakodnevnog muziciranja. i sadržavao je samo popularne uzorke romansi, pjesama, plesova, često niske kvalitete (U tom smislu, zanimljivo je navesti zapažanje A. S. Famintsyna: "Postavši instrument galanterije među nižim slojevima društva, znak sitnog -buržoaske civilizacije, gitara je postala vulgarna, njeni zvuci su počeli služiti kao pratnja banalnim „osjetljivim" romansama. Sama gitara, na ovom „služanskom" instrumentu, predmetu trgovine trafika, postala je znak neukusa u društvo; gitara je potpuno nestala iz njega").
Novi val interesa javnosti za gitaru u Rusiji dogodio se krajem 19. - početkom 20. stoljeća. Tijekom ovih godina nadaleko je poznata djelatnost istaknutih gitarista, izvođača i pedagoga. Među njima bih prije svega želio spomenuti Aleksandra Petroviča Solovjeva (1856.-1911.). "Škola za gitaru sa sedam žica" (1896.) koju je stvorio i objavio postao je važan doprinos razvoju metoda podučavanja sviranja instrumenta (1964. ponovno je objavljena škola A.P. Solovjova (pod uredništvom R.F. Meleška). ) izdavačke kuće Muzyka.) . Prvi dio priručnika uključuje opsežan teorijski materijal; podijeljen u dvadeset i pet lekcija, prezentiran je na vrlo stručan, a istovremeno pristupačan način. Daljnji dijelovi škole sadrže vrijedne tehničke vježbe i repertoar - transkripcije djela ruskih i zapadnoeuropskih klasika, obrade narodnih pjesama.
Aleksandar Petrovič Solovjev
Osim toga, A. P. Solovyov napravio je ogroman broj aranžmana za gitaru, što je značajno proširilo razumijevanje publike o umjetničkim sredstvima instrumenta. Dovoljno je spomenuti Drugu i Šestu mađarsku rapsodiju F. Liszta, "Ples smrti" C. Saint-Saensa, djela L. Beethovena, F. Chopina, F. Mendelssohna. Objavio je i četiri albuma s četrdeset obrada ukrajinskih narodnih pjesama, zbirke romskih romansi za glas i gitaru, skladbe za duet, trio i kvartet gitare, napisao više od tri stotine skladbi, od kojih je osamdeset i pet objavljeno.
Među poznatim učenicima A. P. Solovjova, Vasilij Mihajlovič Jurijev (1881-1962), Viktor Georgijevič Uspenski (1879-1934), Vladimir Nilovič Berezkin (1881-1945), Mihail Fedorovič Ivanov (1889-1953), Sergej Aleksandrovič Kurlajev (1885- 1962).
Ali Solovjevljev najpametniji učenik bio je Valerijan Aleksejevič Gusanov (1866.-1918.). Bio je neobično svestrana ličnost: učitelj, autor glazbenih skladbi, i što je najvažnije, istaknuti historiograf i propagator gitare (Valja napomenuti da je V. A. Rusanov stekao slavu i kao voditelj Moskovskog društva ljubitelja sviranja narodnih instrumenata, u sklopu koje je organizirao narodno - instrumentalni orkestar, sastav se jasno razlikuje od onog koji su njegovali V. V. Andrejev i njegovi suradnici, o čemu će biti riječi kasnije. U ovom instrumentalnom sastavu balalajke su postojale uz mandoline, gitare i klavir.).
Upravo je V. A. Rusanov uspio okupiti ruske gitariste organizirajući izdavanje sveruskog časopisa "Gitarist", koji je postojao od 1904. do 1906. godine. Ih
napisani su mnogi članci u časopisima Glazba gitarista, Akord, objavljeni su informativni detaljni eseji - Gitara i gitaristi, Katekizam gitare i niz drugih. Posebno značajna publikacija bila je njegova knjiga "Gitara u Rusiji", gdje je prvi put u domaće književnosti prikazana je vrlo detaljna povijest instrumenta.
Valerijan Aleksejevič Rusanov
Pedagoška djelatnost V. A. Rusanova također je bila plodna. Njegov učenik bio je, na primjer, P. S. Agafoshin, koji je u drugoj polovici 1920-ih - 1930-ih postao vođa domaćih učitelja i metodičara na tom području. gitara sa šest žica.
Od gitarista s početka 20. stoljeća spomenula bih Vasilija Petroviča Lebedeva (1867.-1907.), autora mnoštva različitih skladbi i aranžmana za gitare sa sedam i šest žica, briljantnog izvođača. Napominjem da ga je 1898. V. V. Andrejev pozvao da radi kao učitelj narodnih instrumenata i narodne glazbe u gardijskim pukovnijama Sanktpeterburškog vojnog okruga.
Ovdje je V. P. Lebedev vodio najraznovrsniji glazbeni i obrazovni rad. Nastupao je kao solist na gitari sa sedam žica na koncertima Velikog ruskog orkestra, volio je njegov komorni i nježni zvuk (turneja V. P. Lebedeva s Velikim ruskim orkestrom V. V. Andreeva na Svjetskoj izložbi 1900. u Parizu imala je poseban uspjeh. ). Godine 1904. objavio je i metodički priručnik - "Škola za gitaru sa sedam žica ruskog i španjolskog sustava" (potonje je značilo dodavanje donje žice "P" na klasičnu gitaru sa šest žica).
Tako je gitarističko umijeće tijekom 19., a posebno početkom 20. stoljeća imalo jednako važnu ulogu u glazbenom i umjetničkom obrazovanju širokih narodnih masa, kao i umijeće sviranja domre ili balalajke. Stoga je, budući da je bio upućen općoj populaciji Rusije, mogao osigurati pouzdane korake u kretanju prema glazbenoj eliti, a time i steći najvažnije kvalitete narodnog instrumenta u smislu njegovog društvenog statusa.
Gitara sa šest žica (španjolska) i sedam žica (ruska).
Gitara je jedan od najomiljenijih i najpopularnijih instrumenata u mnogim zemljama svijeta. Povijest gitarističke umjetnosti ispunjena je bogatim događajima, kreativnim traženjima, stalnim usavršavanjem kako samog instrumenta tako i tehnike sviranja.
Gitara je svoj izgled, blizak modernom, poprimila tek u 18. stoljeću. Njegovim pretečama s pravom se smatraju trzalačka glazbala poput lutnje, lire, grčke citre, talijanske viole i španjolske vihuele.
Trenutno postoji nekoliko glavnih vrsta gitara: klasična šest žica ("španjolska"), sedam žica ("ruska"), kao i "havajska", jazz gitara, električna gitara.
Rodno mjesto najčešće gitare sa šest žica na svijetu je Španjolska, a gitara sa sedam žica s pravom se smatra Rusijom.
Među ljubiteljima gitarističke umjetnosti, rasprave još uvijek ne prestaju: koji od ovih instrumenata treba dati prednost? Pobornici šestožičane gitare ukazuju na veliku virtuoznost svog instrumenta, na zaista značajan kreativni uspjeh koji su skladatelji i izvođači na njemu postigli. Ljubitelji gitare sa sedam žica također se pozivaju na velika postignuća glazbenika i izvedbene tradicije koje su se razvile u umjetničkoj kulturi Rusije u 19. stoljeću, naglašavajući bliskost instrumenta prirodi ruske pjesme, narodnog melosa. Oni s pravom primjećuju činjenicu da je razvoj žanra stare ruske romanse sa svojim karakterističnim mekim lirizmom i iskrenošću, toplinom osjećaja, blizinom urbanog folklora uvelike zaslužna gitara sa sedam žica.
Po našem mišljenju, odgovor na postavljena pitanja sasvim je nedvosmislen: i gitara sa šest žica i gitara sa sedam žica imaju svoje prednosti i tradicije, svaki od ovih instrumenata može riješiti različite umjetničke zadatke. Legitimnost korištenja jedne ili druge vrste gitare može ovisiti samo o tome koja izražajna sredstva skladatelj treba da utjelovi kreativnu ideju, koji figurativni sadržaj želi otkriti uz njegovu pomoć.
Literatura o gitari ima dugu povijest i tradiciju. Obrade djela napisanih za druge instrumente, kao i za svoje neposredne prethodnike, posebice za lutnju, zauzimaju istaknuto mjesto u repertoaru gitarista.
Izvanredni španjolski virtuozni gitarist i učitelj Andres Torres Segovia (1893. - 1987.), koji se smatra utemeljiteljem moderne akademske škole sviranja gitare sa šest žica
Mnoge skladbe za violinu uspješno interpretiraju gitaristi. Tako je, primjerice, Andres Segovia nenadmašni izvođač najteže Chaconne J. S. Bacha, jednog od remek-djela violinske glazbe.
Ali najvažnije: za gitaru postoji stalno rastući originalni solo repertoar, koji se sastoji od koncerata, sonata, varijacija, skladbi; aktivno ga koriste skladatelji kao ansambl i prateći instrument.
Važnu ulogu u stvaranju gitarističkog repertoara imaju španjolski skladatelji: Fernando Sora (1778.-1839.), Francisco Tarrega Eixea (1852.-1909.), Miguel Llobet (1878.-1938.), Emilio Pujol Villarubi (r. 1886.) i dr. broj drugih. Stvorili su talentirana djela za gitaru, čiji je stil imao određeni utjecaj na glasovirske skladbe C. Debussyja, M. Ravela. Izvanredna djela za gitaru napisali su N. Paganini, F. Schubert, K. M. Weber, G. Berlioz; u našem stoljeću - M. de Falley, A. Roussel, D. Millau, A. Jolivet, E. Vila Lobos, X. Rodrigo.
Napisano je više značajnih djela za gitaru sovjetski skladatelji. Među njima bih istaknuo Koncert za gitaru s gudačkim kvartetom, klarinetom i timpanima B. Asafjeva, Sonatu V. Šebalina. Djela za gitaru stvorili su I. Boldyrev, Yu. Obedov, L. Birnov, N. Chaikin, Yu. Shishakov, G. Kamaldinov i drugi skladatelji.
Zanimljiva je povijest gitare sa sedam žica, koja je postala raširena u Rusiji. Široko je ušla u glazbeni život. Kućno muziciranje nije bilo potpuno bez gitare, uz njezinu pratnju pjevale su se romanse i pjesme, koristila se kao solistički i ansamblski instrument.
Vrhunac umjetnosti sviranja gitare sa sedam žica povezan je s aktivnostima A. Sikhre (1773.-1850.) i M. Vysotskog (oko 1791.-1837.), velikih glazbenika svog vremena. Uživali su simpatije i ljubav ruske javnosti, poštovanje i uvažavanje likova nacionalne kulture.
Učenici Sichre dali su svoj doprinos umjetnosti sviranja gitare. Među njima valja istaknuti gitarista i skladatelja S. Aksenova (1784.-1853.), koji je izdao "Novi časopis za gitaru sa sedam žica, posvećen ljubiteljima glazbe"; V. Svintsov (umro oko 1880.), koji je postao jedan od prvih profesionalnih izvođača na gitari sa sedam žica; F. Zimmermann (1810.-1882.), poznat po divnim improvizacijama; V. Morkov (1801.-1864.), autor djela i transkripcija za gitaru sa sedam žica.
U Rusiji se razvija i umjetnost sviranja gitare sa šest žica. Na njemu je bio izvanredan izvođač M. Sokolovski (1818.-1883.), čija se koncertna djelatnost odvijala s velikim uspjehom kako u Rusiji tako iu mnogim europskim zemljama. Izvođač i popularizator klasične gitare sa šest žica N. Makarov (1810.-1890.) također je uživao znatnu slavu.
Ruski sovjetski virtuozni gitarist i učitelj Pjotr Spiridonovič Agafošin (1874. - 1950.)
Međutim, u drugoj polovici 19. stoljeća, kako u Europi tako i u Rusiji, dolazi do slabljenja zanimanja za gitaru od strane profesionalnih glazbenika, sve više se na nju gleda kao na instrument koji nema veliki umjetnički značaj, a stoga ne zaslužuje pozornost, podcjenjuju se njegove izražajne mogućnosti i originalnost.
Novi procvat gitarističke umjetnosti događa se već u 20. stoljeću i zahvaća sva područja: skladanje glazbe, izvođenje, pedagogiju. Gitara zauzima ravnopravno mjesto uz ostale instrumente na koncertnom podiju. Za promicanje gitarističke umjetnosti i aktivnosti glazbenika gitarista, u Rusiji se objavljuju posebni časopisi: "Gitarist", "Guitarist's Music". Sadrže informacije koje u naše vrijeme nisu izgubile na značaju.
Posljednjih desetljeća u različite zemlje održavaju se međunarodna natjecanja i festivali gitarista, otvorene su nastave gitare na mnogim glazbenim akademijama i konzervatorijima, djeluju brojna društva i udruge izvođača, profesionalaca i amatera, izdaju se posebne knjige i glazbena literatura. Glazba za gitaru neprestano se čuje na radiju i televiziji, snima se na ploče i kompakt kasete.
Vodeće mjesto među gitaristima našeg stoljeća zasluženo pripada velikom španjolskom glazbeniku Andresu Segoviji (r. 1893.). Njegovo višestrano izvođačko, nastavno, obrazovno djelovanje, stvaranje transkripcija imalo je veliki utjecaj na daljnji razvoj gitarističke umjetnosti.
Segovia je više puta posjećivao Sovjetski Savez. Njegovi koncerti, koji su uvijek bili uspješni, pridonijeli su oživljavanju interesa za gitaru u našoj zemlji, jasno pokazali značajne tehničke i umjetničke mogućnosti instrumenta, potaknuli izvedbene, nastavne i skladateljske aktivnosti takvih sovjetskih glazbenika kao što je P. Agafoshin ( 1874-1950), P. Isakov (1886-1958), V. Yashnev (1879-1962), A. Ivanov-Kramskoy (1912-1973).
Sovjetski virtuozni gitarist i učitelj Aleksandar Mihajlovič Ivanov-Kramskoj (1912. - 1973.)
Posebno bih želio istaknuti važnost za razvoj sovjetske škole gitare zaslužnog umjetnika RSFSR Aleksandra Mihajloviča Ivanova-Kramskoja. Autor dvaju koncerata za gitaru i orkestar i više od stotinu skladbi za ovaj instrument, A. Ivanov-Kramskoj uspješno je spajao koncertnu djelatnost, radijska snimanja i gramofonske ploče s pedagogijom. Unutar zidova glazbene škole pri Moskovskom državnom konzervatoriju imena P. I. Čajkovskog pripremao je cijela linija zanimljivi glazbenici. A. Ivanov-Kramskoy objavio je "Školu sviranja gitare sa šest žica", koja je odigrala važnu ulogu u školovanju mladih gitarista.
Trenutno klasičnu gitaru sa šest žica aktivno promoviraju P. Veshchitsky, N. Komoliatov, E. Larichev, A. Frauchi, B. Khlopovsky i mnogi drugi gitaristi.
Veliki doprinos razvoju i promicanju gitare sa sedam žica dali su V. Sazonov (1912.-1969.), M. Ivanov (1889.-1953.), V. Jurjev (1881.-1962.); danas - B. Okunev, S. Orekhov, L. Menro i niz drugih glazbenika.
Kod nas su u koncertnoj praksi i šesterožičani i gitara sa sedam žica. Obrazovanje se provodi u nizu viših i srednjih specijaliziranih obrazovnih ustanova, u mnogim dječjim i večernjim glazbenim školama, studijima i krugovima u Palačama pionira i školaraca i klupskim ustanovama.
Umijeće sviranja gitare u inozemstvu se neprestano razvija. Poznati su M. Zelenka, V. Mikulka (Čehoslovačka), L. Sendrei-Karper (Mađarska); 3. Behrend (Njemačka), L. Brouwer (Kuba), D. Blanke, M. Cubedo, A. Membrado (Španjolska), D. Brim, D. Williams (V. Britanija), M. L. Anido, E. Bitetti (Argentina) , A. Diaz (Venezuela) i mnogi drugi izvođači.
S razvojem jazza i popa u 20. st instrumentalna glazbaŠiroko se raširila i jazz gitara, koja je 1930-ih postala električni glazbeni instrument. Koristi se u raznim jazz i pop sastavima i orkestrima, folklornim skupinama, a na njemu se izvode i solo djela.
Kod nas se razvoj jazz gitare veže uz imena oca i sina Kuznjecova, Alekseja Jakuševa, Stanislava Kaširina i niza drugih glazbenika.
Gitara je jedan od glavnih instrumenata u vokalno-instrumentalnim sastavima. Koriste ga solisti i ansambli koji izvode pjesme borbe za mir, za nacionalnu neovisnost protiv imperijalističkog ugnjetavanja.
Živopisan primjer utjecaja na srca i umove ljudi je umjetnost čileanskog pjevača i gitariste Victora Jare, koji je dao svoj život u borbi za demokraciju i društveni napredak u svojoj domovini.
Umjetnost gitare neprestano se razvija, literatura za ovaj instrument stalno se ažurira novim izvornim djelima u različitim žanrovima. Velika popularnost gitare, njezine značajne virtuozne i izražajne mogućnosti daju osnove za pretpostavku o daljnjem procvatu umjetnosti sviranja ovog demokratskog instrumenta.
Vezano za II tisućljeće pr. Prikazuju instrumente s malim tijelom od kornjačinog oklopa ili tikve.
U starom Egiptu instrumenti slični gitari bili su toliko blisko povezani sa životom ljudi da su postali simbol dobrote, a njihovi obrisi ušli su u hijeroglifske znakove, označavajući "dobro".
Postoji pretpostavka da se gitara pojavila na Bliskom istoku i odatle se proširila po Aziji i Europi.
Rusiju su gitaru sa šest žica upoznali Talijani koji su služili na dvoru monarha i dvorskog plemstva. Povijest je sačuvala imena dvojice Talijana - Giuseppe Sarti i Carlo Canobbio. talijanski kompozitor Giuseppe Sarti, prema grofici V.N. Golovina, rado je svirao gitaru. Carlo Canobbio učio je tri kćeri Pavla I svirati gitaru, primajući vrlo solidnu nagradu za ove lekcije - 1 tisuću rubalja godišnje.
Tada je još uvijek bilo malo ljubitelja gitare. Talijanski virtuozni glazbenik Pasquale Gagliani, koji je nastupao u salonima dvorskog plemstva, uspio je donekle proširiti krug ljubitelja instrumenata. Nakon nekoliko godina djelovanja u Rossiju, Galliani je objavio zbirku etida i vježbi - nešto poput udžbenika gitare.
Talijani su pokušali obraditi narodne pjesme za gitaru, ali nisu dobro uspjeli: gitara sa šest žica nije bila u potpunosti prilagođena strukturi ruske narodne glazbe. Zato se otprilike u isto vrijeme pojavila ruska gitara sa sedam žica.
Godine 1821. Marcus Aurelius Zani de Ferranti (1800-1878) došao je u Rusiju. Niccolo Paganini, koji je slušao mnoge virtuoze na gitari, ovako je ocijenio sviranje Zanija de Ferrantija: "Svjedočim da je Zani de Ferranti jedan od najvećih gitarista koje sam ikada čuo i koji mi je pružio neizrecivo zadovoljstvo svojim divnim, divnim sviranjem." Ovom gitaristu Rusija duguje činjenicu da je gitara sa šest žica ovdje postala nadaleko poznata. Glazbenik je puno koncertirao, a morao je i svirati velike dvorane. Bio je i balski skladatelj - skladao je nokturna, fantazije, glazbu za ples. Tsani de Ferranti je davao satove gitare onima koji su željeli, ali samo one početne, bez zadaće da od učenika napravi profesionalnog gitaristu.
Za razliku od sedmožičanog, njegova šestožičana varijanta razvila se u Rusiji u 17. i 19. stoljeću gotovo isključivo kao profesionalni akademski instrument i malo je bila orijentirana na prijenos gradskih pjesama i svakodnevne romantike.
Početkom 19. stoljeća pojavljuju se škole i priručnici za šestožičanu gitaru I. Gelda i I. Berezovskog, u kojima se najvećim dijelom oslanja na španjolske i talijanske klasike - gitarska djela Maura Giulianija, Mattea Carcassi, Luigi Legnani, Ferdinando Carulli, Fernando Sora, o transkripcijama klavirske glazbe istaknutih zapadnoeuropskih skladatelja. Značajnu ulogu u distribuciji gitare sa šest žica u Rusiji igrala je turneja izvrsnih inozemnih gitarista - 1822. u Sankt Peterburgu su nastupili Talijan Mauro Giuliani, a 1923. u Moskvi Španjolac Ferdinand Sor. .
Zapadni glazbenici probudili su u Rusiji zanimanje za klasičnu gitaru. Na koncertnim plakatima počela su se pojavljivati imena naših sunarodnjaka. Najveći ruski izvođači, propagatori gitare sa šest žica bili su Nikolaj Petrovič Makarov (1810. - 1890.) i Mark Danilovič Sokolovski (1818. - 1883.).
N.P. Makarov je rođen u Kostromskoj pokrajini, u obitelji zemljoposjednika. Godine 1829. imao je sreću čuti Paganinija kako svira, a 1830. prisustvovao je Chopinovom koncertu.
Niccolo Paganini toliko je šokirao Makarova da nitko od kasnijih glazbenika nije mogao zasjeniti dojam njegovog sviranja.
N.P. Makarov je krenuo u postizanje prvoklasnog sviranja gitare. Glazbenik je bio angažiran 01 - 12 sati dnevno. Godine 1841. održan je njegov prvi koncert u Tuli. Ne pronalazeći priznanje, pa čak ni ozbiljnu pozornost na sebe kao gitaristu, odlazi na turneju po Europi. U mnogim zemljama svijeta N.P. Makarov se proslavio kao vrsni virtuozni gitarist, briljantan interpret najsloženijih gitarističkih skladbi. Tijekom svojih turneja glazbenik se susreo s istaknutim stranim gitaristima: Tzani de Ferranti, Matteo Carcassi, Napoleon Cost.
Kako bi oživio nekadašnju slavu gitare, Makarov odlučuje organizirati međunarodno natjecanje u Europi. U Bruxellesu organizira natjecanje za gitarističke skladatelje i majstore. Prije natjecanja gitarist održava vlastiti koncert na kojem izvodi vlastite skladbe i djela drugih autora. Makarov je svirao gitaru s deset žica.
Zahvaljujući ovom natjecanju, glazbenik je uspio zamjetno intenzivirati rad na polju gitarska glazba brojnim zapadnoeuropskim skladateljima i proizvođačima gitara, pridonijeti stvaranju novih konstruktivnih varijanti instrumenta.
Makarov je autor niza eseja i književnih memoara. Objavio je vlastite knjige i vlastite glazbene drame kao što su Venecijanski karneval, mazurke, romanse, Koncert za gitaru, obrade narodnih pjesama. Međutim, glazba koju je stvarao nije bila vrlo izražajna i nije bila široko korištena. Godine 1874. objavljeno je njegovo "nekoliko pravila višeg sviranja gitare". Brošura je sadržavala dragocjene savjete o usavršavanju tehnike gitare: sviranje trilova, harmonika, kromatskih ljestvica, korištenje malog prsta u igri itd.
Drugi ruski gitarist, Mark Danilovič Sokolovski (1812. - 1883.), nije nastojao impresionirati publiku složenim tehničkim tehnikama. Slušatelji su bili očarani njegovom iznimnom muzikalnošću.
Kao dijete, Sokolovski je svirao violinu i violončelo, a zatim je počeo svirati gitaru. U dovoljnoj mjeri ovladavši instrumentom, 1841. započinje aktivnu koncertnu djelatnost. Koncerti su mu održani u Žitomiru, Kijevu, Vilni, Moskvi, St. Godine 1857. gitarist je dobio priliku nastupiti u Moskvi u dvorani Noble Assembly od tisuću mjesta. Godine 1860. naizgled su ga nazivali "miljenikom moskovske publike". Od 1864. do 1868. godine glazbenik obilazi gradove Europe. Koncertira u Londonu, Parizu, Berlinu i drugim gradovima. Svugdje ga prati veliki uspjeh. Trijumfalna turneja glazbenika donijela mu je slavu jednog od najvećih gitarista. Važno je napomenuti da je u mnogim nastupima Sokolovskog njegov korepetitor bio izvrsni ruski pijanist N.G. Rubinstein.
Među kvalitetama koje su odlikovale izvođački stil Sokolovskog, prije svega, potrebno je izdvojiti suptilnost nijansiranja, raznolikost palete zvukova, visoku virtuoznost i toplinu kantilene. Te su se osobine osobito očitovale u interpretaciji triju koncerata M. Giulianija, kao i u izvedbi transkripcija. skladbe za klavir F. Chopina i njegove vlastite minijature, po mnogočemu bliske Chopinovom stilu - preludiji, poloneze, varijacije itd. Posljednji javni koncert M. D. Sokolovskog održan je u Sankt Peterburgu 1877. godine, a zatim se glazbenik nastanio u Vilniusu, gdje se bavio nastavnim aktivnostima.
Koncertni nastupi domaćih gitarista N.P.Makarova i M.D. Sokolovski je postao važno sredstvo glazbenog obrazovanja brojnih ljubitelja ovog instrumenta u Rusiji.
Gitara sa sedam žica u 18.-19.st
Kod kuće su gitaru najčešće pratili po sluhu - takva pratnja od najjednostavnijih harmonijskih funkcija bila je elementarna i uz ovakvo ugađanje izuzetno pristupačna. Autori pjesama i romansi najčešće su bili malo poznati glazbenici amateri, ali ponekad i istaknuti skladatelji 19. stoljeća - A. Varlamov, A. Gurilev, A. Alyabyev, A. Dubuk, A. Bulakhov i drugi.
Gitara sa sedam žica također je igrala važnu ulogu u glazbi Roma. Veličanstveni gitaristi bili su voditelji ciganskih zborova - I. Sokolov, I. Vasiljev, M. Šiškin, R. Kalabin.
Posebno mjesto u povijesti ruske gitare pripada Ignaciju Geldu (1766. - 1816.), autoru prve "Škole" za rusku gitaru sa sedam žica. Čeh po nacionalnosti, gotovo cijeli svoj stvaralački vijek proživio je u Rusiji i uspio je učiniti mnogo za popularizaciju gitare sa sedam žica kao ozbiljnog akademskog instrumenta.
Od kraja 18. stoljeća gitara sa sedam žica počinje se razvijati kao akademski instrument. Pojavljuju se glavne skladbe za gitaru. Tako je 1799. objavljena Sonata I. Kamenskog, početkom 19. stoljeća - Sonata za dvije gitare V. Lvova. U prvoj polovici 19. stoljeća literatura za gitaru proizvedena je u tolikoj količini da je nadmašila literaturu za druga glazbala, čak i za klavir. Objavljivana su razna gitaristička djela koja su stavljana u nastavno-metodičke priručnike ili su izlazila u zasebnim izdanjima. Takve su, primjerice, brojne minijature, uglavnom u plesnim žanrovima - mazurke, valceri, ecossaise, poloneze, serenade, divertissementi, koje je stvorio poznati gitarist-pedagog i metodičar Ignatius Geld.
Neki poznati ruski skladatelji druge polovice 18. - početka 19. stoljeća voljeli su svirati gitaru sa sedam žica. Među njima su Ivan Evstafjevič Khandoškin (1747. - 1804.), koji je skladao niz varijacija na teme ruskih narodnih pjesama za instrument, i Gavriil Andrejevič Račinski (1777. - 1843.), koji je objavio deset djela za gitaru sa sedam žica u 1817. Među njima je pet poloneza i dva ciklusa varijacija na teme ruskih narodnih pjesama. U isto vrijeme, za instrument su objavljena djela danas zaboravljenih skladatelja - Gornostajeva. Konovkina, Maslova.
Pravi procvat profesionalne izvedbe na gitari sa sedam žica pada na godine kreativne aktivnosti izvanrednog učitelja-gitariste Andreja Osipoviča Sikhre (1773. - 1850.). Po obrazovanju harfist, cijeli je život posvetio promociji gitare. Baveći se isključivo glazbom, Andrej Osipovič se već u ranoj mladosti proslavio i kao virtuozan izvođač i kao skladatelj. Sychra je skladao ne samo za harfu i gitaru, već i za klavir.
Krajem 18. stoljeća Sychra seli u Mostku te postaje energičan i aktivan promotor svog glazbenog instrumenta. Njegova gitara odmah nalazi brojne obožavatelje među moskovskom publikom. Ovdje, u Moskvi, formira se njegova "rana" moskovska škola: podučava mnoge studente, sam uči, usavršava svoj instrument, stvara raznovrstan metodički materijal, postavlja temelje repertoaru za gitaru sa sedam žica i nastupa s studenti na koncertima. Mnogi od njegovih učenika kasnije su postali izvrsni gitaristi i skladatelji, nastavljajući posao koji je započeo njihov veliki učitelj. Sljedbenici A.O. Sichry - S.N. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Šarenko, F.M. Zimmerman - stvorio mnoge drame i obrade ruskih narodnih pjesama.
Od 1800. godine do kraja života A.O. Sychra je objavio mnogo djela za ovaj instrument, to su obrade popularnih arija, plesne glazbe, najsloženijih fantazija koncertnog plana. Sychrin rad se razvio u svim aspektima. Stvorio je skladbe za gitaru solo, za duet gitara, za violinu i gitaru, uključujući fantazije na teme poznatih i modernih skladatelja, fantazije na teme ruskih narodnih pjesama, originalna djela, uključujući mazurke, valcere, ecossaise, kadrile, vježbe. Sykhra je izveo transkripcije i aranžmane M.I. Glinka, V.A. Mozart, G. Donizetti, K. Weber, D. Rossini, D. Verdi.
A.O. Sichra je prva utemeljila gitaru sa sedam žica kao solo akademski instrument, učinivši mnogo za estetski odgoj širokog spektra gitarista amatera.
Godine 1802. A.O. Sychry”, koja je objavljivala obrade ruskih narodnih pjesama, transkripcije glazbenih klasika. U narednim godinama, do 1838., glazbenik objavljuje niz sličnih časopisa, pridonoseći značajnom porastu popularnosti instrumenta.
Uz veliki broj djela za gitaru sa sedam žica, Sychra je napustio "Školu", koju je napisao na inzistiranje svog učenika V.I. Mrkva. Objavljena je 1840. godine.
Glavna ličnost Sichrine škole je Semjon Nikolajevič Aksenov (1784. - 1853.). Svojedobno ga nitko nije nadmašio u vladanju instrumentom i skladanjem. U Moskvi se glazbenik smatrao najboljim virtuoznim gitaristom. Aksenovljevo sviranje odlikovalo se izvanrednom melodioznošću, toplinom tona i uz to velikom virtuoznošću. Posjedujući radoznalost, tražio je nove tehnike sviranja instrumenta. Tako je razvio sustav umjetnih flažoleta. Glazbenik je imao nevjerojatan dar onomatopeje na instrumentu. Aksjonov je prikazivao pjev ptica, zvuk bubnja, zvona zvona, približavanje i odmicanje zbora itd. Ovim zvučnim efektima doveo je publiku u čuđenje. Nažalost, Aksjonovljeve drame ove vrste nisu došle do nas.
Obrazovna djelatnost S.N. Aksenova. Počevši od 1810. objavio je Novi časopis za gitaru sa sedam žica, posvećen ljubiteljima glazbe, koji je uključivao mnoge transkripcije popularnih opernih arija i varijacija na teme ruskih narodnih pjesama. Aksjonov je stvarao i romanse za glas uz pratnju gitare.
Aksjonov je odgojio briljantno nadarenog gitarista Mihaila Vysotskog, koji je ubrzo donio slavu moskovskoj školi ruskih gitarista.
Stvaralačka djelatnost Mihaila Timofejeviča Visockog (1791. - 1837.) odigrala je veliku ulogu u razvoju profesionalnog i akademskog ruskog sviranja gitare.
Glazbenikovo sviranje moglo se čuti ne samo u svjetovnim salonima i trgovačkim sastancima. Gitarist je za širu javnost svirao i s prozora stana, posebice posljednjih godina, kada je bio u velikoj potrebi. Ti su koncerti pridonijeli širenju gitare sa sedam žica među građanstvom i obrtnicima.
Glazbenik je imao nevjerojatan dar improvizacije. Vysotsky je mogao satima improvizirati s beskrajnim bogatstvom akorda i modulacija.
Gitarist je također skladao plesnu glazbu koja je bila moderna u njegovo vrijeme: mazurke, poloneze, valcere, ecossaise. Sva ova djela su vrlo graciozna i muzikalna. Vysotsky je izvodio transkripcije djela V.A. Mozart, L. Beethoven, D. Field. Glazbenik je svoje skladbe objavio u malim nakladama i bez ponovnog tiskanja, pa su se zbirke odmah rasprodale i gotovo odmah postale bibliografska rijetkost. Sačuvano je samo nekoliko Vysostkyjevih rukom pisanih skladbi, kao i 84 drame objavljene u Gutheilovu izdanju.
Prvi priručnici za samoučenje sviranja gitare sa sedam žica u Rusiji pojavili su se krajem 18. stoljeća. U Sankt Peterburgu 1798. godine objavljen je "Semantički vodič za gitaru sa sedam žica" I. Gelda, koji je više puta pretiskavan i dopunjen novim materijalom. Treće izdanje prošireno je s 40 obrada ruskih i ukrajinskih narodnih pjesama. Godine 1808. u Sankt Peterburgu je objavljena "škola za gitaru sa sedam žica" D. F. Kušenova-Dmitrijevskog. Od tada je ova zbirka nekoliko puta pretiskana. Godine 1850., "Teoretska i praktična škola za gitaru sa sedam žica" A.O. Sikhre objavljena je u tri dijela. Prvi dio se zvao “O pravilima glazbe općenito”, drugi je sadržavao tehničke vježbe, ljestvice i arpeggio, treći dio je sadržavao glazbeni materijal, koji se uglavnom sastojao od skladbi učenika Sykhre. Drugi važan instruktivno-pedagoški priručnik bila su “Praktična pravila koja se sastoje od četiri vježbe” A.O. Sychry. Ovo je svojevrsna viša škola za usavršavanje tehničkih vještina gitarista.
Godine 1819. S. N. Aksenov napravio je značajne dodatke sljedećem pretisku "Škole" I. Gelda. Dodano je poglavlje o prirodnoj i umjetnoj harmoniji, uvedena su mnoga nova djela, etide i obrade narodnih pjesama, uklj. vlastiti sastav. Razne priručnike za učenje gitare sa sedam žica objavio je V.I. Morkov, M.T. Vysotsky i drugi gitaristi prve polovice 19. stoljeća.
U Rusiji je paralelno postojala gitara sa sedam žica - i kao akademski i kao narodni instrument. U prvim desetljećima 19. stoljeća gitara sa sedam žica, kao izraz tradicionalnog sloja kućnog muziciranja, bila je rasprostranjena uglavnom među radnicima, obrtnicima, šegrtima i raznim vrstama posluge – kočijašima, lakejima. Instrument za širu populaciju postaje instrument obrazovanja i upoznavanja s glazbenom kulturom.
Od 1840-ih, umjetnost gitare, kao i umjetnost guselnya, počinje propadati. Ali ako je gusla počela nestajati iz svakodnevnog muziciranja, onda je gitara, ostajući jednako nepromijenjeno prateće glazbalo u području gradske pjesme, romantike i romskog pjevanja, postupno gubila svoja društvena svojstva naroda zbog smanjenja profesionalne glazbe. razina gitarista. U drugoj polovici stoljeća nije bilo tako svijetlih izvođača i učitelja poput A.O. Sychra, S.N. Aksenov i M.T. Vysotsky. Značajni metodički priručnici gotovo su se prestali tiskati, a objavljeni udžbenici uglavnom su bili namijenjeni nepretencioznim potrebama ljubitelja svakodnevnog muziciranja i sadržavali su samo uzorke. popularne romanse, pjesme, plesovi, najčešće niske umjetničke kvalitete.
Formiranje izvedbe na ruskoj domri
Iako je sam naziv "domra" postao poznat tek u 16. stoljeću, prvi podaci o trzalačkim instrumentima (u obliku tanbura) u Rusiji dopiru do nas od 10. stoljeća. Tanbur kod Rusa narodni instrumenti opisao arapski putnik iz desetog stoljeća, Ibn Dasta, koji je posjetio Kijev između 903. i 912. godine.
Prvi spomen domre koji je došao do nas datira iz 1530. godine. U "Učenju mitropolita Danijela" govori se o sviranju domre, uz sviranje harfe i smyka (bipova) crkvenih službenika. Do početka 17. stoljeća čak su i gusle, tako omiljene u narodu, u svojoj popularnosti “uvelike ustupile mjesto domramima”. U Moskvi je u 17. stoljeću postojao "kućni red" u kojem su se prodavale domre. Zbog toga je potreba za tim alatima bila tolika da je bilo potrebno organizirati niz trgovina za njihovu prodaju. Podatke da su se domre izrađivale u velikim količinama, i to ne samo u Moskvi, uvjerljivo potvrđuju carinske knjige u kojima su bilježene dnevne naknade na lokalnim tržištima ruske države.
Domra u Rusiji pala je u gustu narodnog života. Postala je javno, demokratsko sredstvo. Lakoća i mala veličina instrumenta, njegova zvučnost (uvijek su svirali domru s plektrom), bogate umjetničke tehničke mogućnosti - sve je to bilo po volji lakrdijaša, Domra je zvučala posvuda u to vrijeme: na seljačkim i kraljevskim dvorovima, u sate zabave i trenutke tuge. „Rado skomram o svojoj domri“, kaže stara ruska poslovica.
Lakovci su često bili pokretači i sudionici narodnih nemira. Zato su se svećenstvo, a onda i državni poglavari toliko naoružali protiv njihove umjetnosti.
Gotovo 100 godina (od 1470. do 1550.) bilo je zabranjeno sviranje glazbenih instrumenata u osam kraljevskih dekreta. Progoni lakrdijaša i njihove glazbe pojačani su osobito u XV. XVII stoljeće x - u razdobljima organiziranih prosvjeda seljaka protiv carske vlasti i veleposjednika (seljački ratovi pod vodstvom Ivana Bolotnikova i Stepana Razina).
Godine 1648. car Aleksej Mihajlovič izdao je povelju u kojoj su ozakonjene mjere za izopćenje naroda od glazbenih instrumenata: “A gdje će domre i surne, i rogovi, i harfe, i svete posude za trube, i ti bi naredio te demonske posude zaplijeniti i, razbivši te demonske igre, naredi da se spale.
U ljeto i jesen 1654. godine, po nalogu patrijarha Nikona, izvršena je masovna zapljena glazbenih instrumenata od "crnih". Uništavali su ih posvuda. Gusle, rogovi, domre, svirale, tambure prevezeni su preko rijeke Moskve i spaljeni.
Zbog kraljevskih dekreta o zabrani sviranja narodnih instrumenata, sredinom 17. stoljeća prestala je proizvodnja domri kod majstora specijalista. Slijedila je oštra kazna za izradu, pa čak i za skladištenje alata. Iskorijenjivanjem umjetnosti lakrdijaša nestaje i profesionalno djelovanje domračkih glazbenika.
Ipak, zahvaljujući umjetnosti lakrdijaša. Domra je stekla veliku popularnost među ljudima. Prodirala je u najudaljenija i gluha sela.
U rukopisima 16. - 17. stoljeća postoje brojne ilustracije sa slikama narodnih instrumenata, posebno domra i izvođača na njima - domracheev. Ove ilustracije pokazuju da je u to vrijeme domra bila među najčešćim glazbenim instrumentima u Rusiji.
Stara ruska domra u XVI. XVII stoljeća postojao u dvije verzije: mogla je imati oblik vrlo blizak modernoj domri, a druga je bila vrsta lutnje - instrument s više žica s velikim tijelom, prilično kratkim vratom i glavom savijenom unatrag.
Povijesni dokumenti tog vremena svjedoče o zajedničkom nastupu na domri, kao io suživotu varijanti domre: male, srednje i velike domre. Na domri su svirali sliverom ili perom.
16. stoljeće je razdoblje najšire rasprostranjenosti staroruske skomoroš domre. Slike luboka s početka 18. stoljeća često su prikazivale dva lakrdijaša - Fomu i Yerema. U rukama jednog od njih možete vidjeti žičano trzalo. Ima malo ovalno tijelo i uzak vrat. Istraživač ruskog popularnog tiska, istaknuti povjesničar umjetnosti D.A. Rovinski, kao objašnjenja za crteže, navodi cijelu priču u stihovima o Tomi i Yeremi. Kaže: "Yerema ima harfu, a Foma ima domru."
Domra je često zvučala na otvorenom, štoviše, ponekad u ansamblu s dinamički glasnijim instrumentima.
Uspoređujući sve slike drevne ruske domre i sličnih instrumenata drugih naroda, važno je obratiti pozornost na iznimno zanimljiva značajka: svi instrumenti su kobza (instrument je bio uobičajen u Ukrajini u 16.-17. st., imao je veliko ovalno ili polukružno tijelo i vrat s 5-6 žica nategnutih na njemu, s glavom savijenom unatrag - to je tip lutnje , ili instrument s malim tijelom i 3 - 4 žice), orijentalne domre i dr. - predstavljaju se isključivo kao solo. Nigdje uz njih nisu prikazani drugi instrumenti. Ipak, slike staroruske domre 16. - 17. stoljeća govore o njezinoj upotrebi u zajedničkom sviranju s drugim instrumentima. Antička domra bila je instrument prvenstveno namijenjen kolektivnom muziciranju i postojala je u raznim varijantama tesiture. Na primjer, minijature koje su došle do nas prikazuju domre različitih veličina. Domra s malim tijelom odgovara veličini moderne male domre. Na drevnim crtežima postoji slika domre s još manjim tijelom: moguće je da je ovo "domrishko" instrument s vrlo visokom tesiturom.
U drugoj polovici 18. stoljeća domra postupno nestaje iz sjećanja ljudi.
Balalajka u 18.-19.st
Nestankom samog naziva "domra" u zadnjoj trećini 17. stoljeća - 1688. godine - javlja se prvi spomen balalajki. Narodu je bilo potrebno gudačko trzalo slično domri, jednostavno za izradu i zvonkog, ritmički jasnog zvuka. Tako je, napravljeno na domaći zanatski način, i frka nova verzija domre - balalajka.
Balalajka se pojavila u drugoj polovici 17. stoljeća kao narodna verzija domre. Već u 18. stoljeću stekao je izuzetnu popularnost, postavši, prema povjesničaru J. Shtelinu, "najčešći instrument u cijeloj ruskoj zemlji". Tome je pridonio niz okolnosti - gubitak vodećeg značaja prethodno postojećih instrumenata (harfa, domra, bip), dostupnost i lakoća svladavanja balalajke, jednostavnost njezine izrade.
Narodne balalajke u raznim pokrajinama Rusije razlikovale su se po obliku. U 18. i početkom 19. stoljeća bile su popularne balalajke s okruglim (odozdo usječenim) i ovalnim tijelom koje su se izrađivale od bundeve. Uz njih se u 18. stoljeću sve češće počinju javljati glazbala s trokutastim tijelom. Njihove slike dane su u raznim popularnim otiscima. Bilo je glazbala s četverokutnim i trapezoidnim tijelom, s brojem žica od 2 do 5 (bakrenih ili crijevnih). Materijal za izradu alata bile su razne vrste drva, au južnim krajevima bundeva. Vrste balalajki i sustava su se razlikovale. Bile su trožičane balalajke kvartnog, kvintnog, mješovitog kvart-kvintnog i tercnog štimovanja. Na pragu je nametnuto 4 - 5 pokretnih pragova.
Primitivne balalajke koje su postojale među ljudima bile su ručne izrade, imale su dijatonsku ljestvicu i vrlo ograničene mogućnosti.
Dimenzije balalajki često su bile takve da su se morale držati u remenu: širina 0 1 stope, tzv. dug oko 30,5 cm, dugačak 1,5 stopa (46 cm), a vrat je prelazio "najmanje 4 puta dužinu tijela", tj. dosegla 1,5 metara. Balalajku su svirali trzajući pojedine žice, zveckajući, a također i uz pomoć plektra – tipičnog načina sviranja u 18. stoljeću.
Tijekom druge polovice 18. stoljeća instrument se širi kako u amaterskoj sferi tako i među profesionalnim glazbenicima. Uz široko postojanje naroda, balalajka se već u ovom razdoblju sastajala u "eminentnim" kućama i čak sudjelovala u glazbeni aranžman svečane dvorske ceremonije. Repertoar gradskih svirača balalajke u to je vrijeme uključivao ne samo narodne pjesme i plesove, već i djela takozvane svjetovne glazbe: arije, menuete, poljske plesove, kao i “djela iz andantea, allegra i presta”.
Pojava profesionalnih urbanih svirača balalajke datira iz tog vremena. Prvi od njih trebao bi se nazvati briljantnim violinistom Ivanom Evstafjevičem Khandoškinom (1747. - 1804.). Nije isključena mogućnost da ovaj glazbenik sklada skladbe za balalajku. Khandoshkin je bio nenadmašan izvođač ruskih narodnih pjesama i na violini i na balalajci; iza njega se dugo očuvao ugled prvog virtuoza na balalajci. Poznato je da je upravo Khandoshkin svojim instrumentom dovodio u "glazbeni bijes" tako visoke plemiće kao što su Potemkin i Naryshkin. Khandoshkin je u početku svirao narodnu balalajku izrađenu od tikve i iznutra oblijepljenu lomljenim kristalom, što je instrumentu davalo posebnu zvučnost, a kasnije na instrumentu koji je izradio divni graditelj violina Ivan Batov. Sasvim je moguće da je Batovljeva balalajka mogla biti ne samo s poboljšanim tijelom, već i s utorima. U instrumentalnom djelu A.S. Famintsyn "Domra i srodni glazbeni instrumenti" objavio je sliku "Narodni izvođač s trokutastom balalajkom s početka 19. stoljeća", u kojoj glazbenik svira poboljšanu balalajku sa sedam udubljenja.
Među poznatim profesionalnim sviračima balalajke može se navesti dvorski violinist Katarine II, I. F. Yablochkin, učenik Khandoshkina ne samo u violini, već iu balalajci. Bez sumnje, izuzetan svirač balalajke koji je skladao djela za ovaj instrument bio je moskovski violinist, skladatelj i dirigent Vladimir Iljič Radivilov (1805. - 1863.). Suvremenici svjedoče da je Radivilov poboljšao balalajku, učinivši je četverožičanom, au “sviranju je postigao takvo savršenstvo da je iznenadio publiku. Sve uvertire bile su njegove vlastite skladbe.
Prijelaz iz 18. u 19. stoljeće je vrhunac umjetnosti sviranja balalajke.
U dokumentima ovog razdoblja pojavljuju se podaci koji potvrđuju postojanje profesionalnih izvođača među sviračima balalajke, od kojih je većina ostala bez imena.
Dobili smo informaciju o izvrsnom sviraču balalajke M.G. Khrunov, koji je svirao balalajku "posebnog dizajna". Suvremenici daju odličnu ocjenu sviranja glazbenika, unatoč prezirnom odnosu prema ovom jednostavnom narodnom instrumentu.
Tiskane publikacije nazivaju imena još nekoliko svirača balalajke koji su majstorski posjedovali ovaj instrument. To su P.A. Bayer i A.S. Paskin je veleposjednik iz Tverske gubernije, kao i izvanredan izvođač, orlovski veleposjednik sa šifriranim prezimenom (P.A. La-ky), koji je svirao „balalajku“ neponovljivom tehnikom, posebno se razmećući svojim harmonikama. Ovi su glazbenici svirali na instrumentima koje su izradili najbolji majstori.
Balalajke koje su postojale u gradu razlikovale su se od običnih ljudi; sama izvedba je bila drugačija. V. V. Andreev je napisao da je u gradu upoznao instrumente sa sedam pragova, a da je A.S. Paskin ga je doslovno zaprepastio svojom profesionalnom igrom, prepunom originalnih tehnika i otkrića.
U selima na zabavama sviranje balalajke plaćalo se u klubu. U mnogim veleposjedničkim imanjima držao se svirač balalajke koji je svirao za kućnu zabavu.
Početkom 19. stoljeća pojavio se esej za balalajku - varijacije na temu ruske narodne pjesme "Elnik, moja smrekova šumo". Ovo djelo napisao je veliki zaljubljenik u balalajku, poznati operni pjevač Marijinskog kazališta N.V. Lavrov ( pravo imeČirkin). Varijacije su objavljene na francuskom jeziku i posvećene tada slavnom skladatelju A.A. Aljabjev. Naslovna stranica pokazuje da je djelo napisano za balalajku s tri žice. To svjedoči o velikoj popularnosti u to vrijeme. instrument s tri žice.
Povijesni dokumenti potvrđuju činjenicu da je balalajka djelovala kao instrument ansambla u različitim kombinacijama s narodnim glazbalima - u duetima s bipom, gajdama, harmonikom, rogom; u triju - s bubnjem i žlicama; u malim orkestrima koji se sastoje od violine, gitare i tambure; u ansamblima s flautama i violinama. Poznata je i uporaba balalajke u opernim izvedbama. Tako je u operi M. M. Sokolovskog "Mlinar, čarobnjak, varalica i provodadžija" Melnikova arija iz trećeg čina "Put kojim su hodali starac i starica" izvedena uz pratnju balalajke.
Popularnost balalajke među masama ogleda se iu narodnim pjesmama iu fikciji. Instrument se spominje u djelima A. S. Puškina, M. Yu Lermontova, F. I. Dostojevski, L.N. Tolstoj, A.P. Čehov, I.Turgenjev, N.V. Gogolja i drugih.
Do sredine 19. stoljeća popularnost balalajke kao masovnog instrumenta počela je nestajati. U svom primitivnom obliku balalajka više nije mogla u potpunosti zadovoljiti nove estetske zahtjeve. Prvo je gitara sa sedam žica, a potom i usna harmonika, istisnula balalajku iz narodnog domaćeg muziciranja. Proces postupnog nestajanja balalajke počinje i u narodnom glazbenom životu. Od sveprisutne rasprostranjenosti instrument se sve više pretvarao u predmet glazbene arheologije.
Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja jednostavno je. Koristite obrazac u nastavku
Studenti, diplomanti, mladi znanstvenici koji koriste bazu znanja u svom studiju i radu bit će vam vrlo zahvalni.
Objavljeno na http://www.allbest.ru/
Objavljeno na http://www.allbest.ru/
Ministarstvo kulture Ukrajine
Harkovska državna akademija za kulturu
za upis na studij za zvanje "magistar"
gitarska umjetnost povijesni fenomen glazbena kultura
Pikhulya Taras Olegovich
Harkov 2015
Plan
Uvod
1. Preduvjeti za formiranje i razvoj sviranja klasične gitare
1.1 Povijest nastanka, razvoja i poboljšanja izvedbe gitare
1.2 Formiranje gitarske umjetnosti u SSSR-u i Rusiji
2. Povijest nastanka i evolucije pop-jazz pravca u umjetnosti
2.1 Varijante gitara koje se koriste u pop-jazz umjetnosti
2.2 Glavni pravci pop-jazz izvedbe 60-70-ih
Bibliografija
Udirigiranje
Glazbena umjetnost XX. stoljeća. razvijao se brzo i brzo. Glavne karakteristike tog razvoja bile su asimilacija različitih stilova i pravaca, kristalizacija novog glazbenog jezika, novih principa skladanja, oblikovanja i formiranja različitih estetskih platformi. Taj proces uključuje ne samo skladatelje, izvođače, povjesničare umjetnosti, već i milijune slušatelja za koje se stvaraju glazbena djela.
Relevantnost teme je zbog razmatranja klasične i pop-jazz instrumentalne glazbe sa stajališta evolutivnog razvoja gitarističke umjetnosti, odnosno formiranja novih žanrova i trendova.
Svrha studija je razmotriti klasičnu i pop-jazz instrumentalnu glazbu i njihov utjecaj na formiranje novih stilova, izvedbenih vještina i kulture gitare općenito.
Ciljevi istraživanja:
1) Razmotrite povijest nastanka, razvoja i formiranja kulture gitare u Europi, Rusiji, SSSR-u.
2) Razmotriti porijeklo, nastanak i formiranje novih stilova u pop-jazz umjetnosti.
Predmet istraživanja je nastanak klasične i pop-jazz instrumentalne glazbe.
Metodološka osnova rada je metoda intonacijske analize, usmjerena na jedinstvo glazbenih i govornih načela, kao temelja europske, afričke i ruske umjetničke tradicije.
Znanstvena novost rada leži u činjenici da je rad proučavanje nastanka i evolucije gitarističke umjetnosti i njezinog utjecaja na formiranje gitarske kulture.
Praktična vrijednost rada leži u mogućnosti korištenja njegove građe u procesu proučavanja povijesnih i teorijskih glazbenih disciplina.
1. PreduvjetiformiranjeIrazvojigrenaklasičnigitara
1.1 Povijest nastanka, razvoja i poboljšanja izvedbe gitare
Povijest nastanka, razvoja i usavršavanja ovog glazbenog instrumenta toliko je nevjerojatna i tajanstvena da je više poput uzbudljive detektivske priče. Prvi podaci o gitari datiraju iz davnih vremena. Na egipatskim spomenicima od prije tisuću godina nalaze se slike glazbenog instrumenta - "nabla", koji izgleda kao gitara. Gitara je bila raširena i u Aziji, što potvrđuju slike na arhitektonskim spomenicima Asirije, Babilona i Fenicije. U 13. stoljeću Arapi su je donijeli u Španjolsku, gdje je ubrzo dobila puno priznanje. Krajem 15. stoljeća bogate španjolske obitelji počele su se međusobno natjecati u pokroviteljstvu znanosti i umjetnosti. Gitara, uz lutnju i ostala trzalačka glazbala, postaje omiljeno glazbalo na dvorovima. U kulturni život U Španjolskoj su, počevši od 16. stoljeća, važnu ulogu imale brojne udruge, akademije, krugovi i sastanci – “saloni” koji su se redovito održavali. Od tog vremena strast za trzalačkim instrumentima prodire u široke narodne mase i za njih se stvara posebna glazbena literatura. Imena skladatelja koji su je predstavljali čine dugačak niz: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz i mnogi drugi.
Prošavši dug put razvoja, gitara je poprimila moderan izgled. Sve do 18. stoljeća bio je manji, a tijelo mu je bilo prilično usko i izduženo. U početku je na instrumentu bilo postavljeno pet žica, ugođenih u četvrtinama, kao na lutnji. Kasnije je gitara postala šestožičana, s ugađanjem prikladnijim za sviranje na otvorenim pozicijama kako bi se bolje iskoristio zvuk otvorenih žica. Tako je do sredine 19. stoljeća gitara dobila svoj konačni oblik. Na njemu se pojavilo šest žica sa sustavom: mi, si, sol, re, la, mi.
Gitara je stekla veliku popularnost u Europi i donesena je u zemlje Sjeverne i Južne Amerike. Kako objasniti tako raširenu upotrebu gitare? Ponajviše zato što ima veliki potencijal: može se svirati solo, uz pratnju glasa, violine, violončela, flaute, može se naći u raznim orkestrima i ansamblima. Male dimenzije i mogućnost lakog kretanja u prostoru te, što je najvažnije, neobično melodičan, dubok i istovremeno transparentan zvuk opravdava ljubav prema ovom univerzalnom glazbenom instrumentu širokog spektra obožavatelja od romantičnih turista do profesionalnih glazbenika.
Krajem 18. stoljeća u Španjolskoj se pojavljuju skladatelji i virtuozi
F. Sor i D. Aguado, istodobno s njima u Italiji - M. Giuliani. L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi i drugi. Stvaraju opsežan koncertni repertoar za gitaru, od malih skladbi do sonata i koncerata s orkestrom, kao i prekrasne "Škole sviranja gitare sa šest žica", opsežan edukativni i konstruktivni repertoar. Iako je prošlo gotovo dvjesto godina od prvih izdanja ove pedagoške literature, ona je još uvijek vrijedna baština za učitelje i učenike.
Skladatelj Sor s velikim uspjehom koncertira u gradovima zapadne Europe i Rusije. Njegovi baleti Pepeljuga, Lubok kao slikar, Herkul i Omfal, kao i opera Telemah više su puta postavljani u Sankt Peterburgu, Moskvi i velikim gradovima zapadne Europe. Polifon stil, bogata mašta i dubina sadržaja karakteriziraju Sorin rad. Riječ je o školovanom glazbeniku-skladatelju, virtuoznom gitaristu koji je impresionirao dubinom svoje izvedbe i briljantnošću svoje tehnike. Njegove su skladbe čvrsto ušle u repertoar gitarista. Talijan Giuliani jedan je od utemeljitelja talijanske škole gitare. Bio je briljantan gitarist i također savršen violinist. Kada je 1813. Beethovenova Sedma simfonija prvi put izvedena u Beču pod autorskom palicom, Giuliani je sudjelovao u njezinoj izvedbi kao violinist. Beethoven je Giulianija visoko cijenio kao skladatelja i glazbenika. Njegove sonate, koncerte s orkestrom izvode suvremeni gitaristi, a pedagoška literatura vrijedna je baština i učitelja i učenika.
Posebno bih se zadržao na najpoznatijoj i kod nas najčešće izdavanoj „Školi sviranja gitare sa šest žica“ poznatog talijanskog gitarista-pedagoga, skladatelja M. Carcassija. U predgovoru „Škole“ autor kaže: „... Nisam imao namjeru pisati znanstveno djelo. Htio sam samo olakšati učenje gitare izlažući plan koji bi mogao omogućiti bolje upoznavanje svih značajki ovog instrumenta. Prema ovim riječima jasno je da si M. Carcassi nije zadao zadatak izrade univerzalnog priručnika za učenje sviranja gitare, a teško da je to uopće moguće. "Škola" daje niz dragocjenih uputa o tehnici lijeve i desne ruke, raznim karakterističnim metodama sviranja gitare, sviranju u različitim položajima i tipkama. Glazbeni primjeri i djela dani su redom, uzlaznim redoslijedom težine, napisani su s velikom vještinom skladatelja i učitelja te su i dalje od velike vrijednosti kao obrazovni materijal.
Iako, sa suvremenog stajališta, ova "Škola" ima niz ozbiljnih nedostataka. Na primjer, malo je pažnje posvećeno tako važnoj tehnici sviranja desne ruke kao što je apoyando (svira uz podršku); glazbeni jezik, utemeljen na glazbi zapadnoeuropske tradicije 18. stoljeća, pomalo je monoton; pitanja razvoja prstiju, melodijsko-harmonijskog mišljenja praktički se ne dotiču, govorimo samo o pravilnom postavljanju prstiju lijeve i desne ruke, što nam omogućuje rješavanje mnogih tehničkih poteškoća u izvedbi, poboljšanje zvuka, fraziranje itd.
U drugoj polovici 19. stoljeća u povijesti gitare pojavljuje se novo svijetlo ime španjolskog skladatelja, virtuoznog solista i učitelja Francisca Tarrege. Stvara vlastiti stil pisanja. U njegovim rukama gitara se pretvara u mali orkestar.
Izvođački rad ovog izuzetnog glazbenika utjecao je na rad njegovih prijatelja - skladatelja: Albeniza, Granadosa, de Falle i drugih. U njihovim klavirskim djelima često se može čuti imitacija gitare. Loše zdravlje Tarregi nije dalo priliku za koncertiranje, pa se posvetio podučavanju. Sa sigurnošću možemo reći da je Tarrega stvorio vlastitu školu sviranja gitare. Među njegovim najboljim učenicima su Miguel Llobet, Emelio Pujol, Domenico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe i drugi poznati koncertni svirači. Do danas su objavljene "Škole" E. Pujola, D. Fortea, D. Prata, I. Lelupea, I. Ahrensa i P. Rocha, temeljene na nastavnoj metodi Tarrega. Pogledajmo pobliže ovu metodu na primjeru "Škole sviranja gitare sa šest žica" poznatog španjolskog gitarista, učitelja i muzikologa E. Pujola. Osobitost "Škole" je izdašna, detaljna prezentacija svih glavnih "tajni" sviranja klasične gitare. Pomno su razrađena najbitnija pitanja tehnike gitare: položaj ruku, instrument, način proizvodnje zvuka, tehnika sviranja itd. Redoslijed rasporeda materijala doprinosi sustavnoj tehničkoj i umjetničkoj pripremi gitarista. "Škola" je u cijelosti izgrađena na izvornom glazbenom materijalu: gotovo sve etide i vježbe skladao je autor (uzimajući u obzir metodologiju F. Tarrege) posebno za odgovarajuće dijelove.
Posebno je vrijedno što ova edukativna publikacija ne samo da detaljno opisuje poteškoće sviranja gitare, već i detaljno opisuje kako ih prevladati. Posebno se puno pažnje posvećuje problemu pravilnog korištenja prstiju pri sviranju desnom i lijevom rukom, kao i tehnici sviranja u različitim položajima, raznim pokretima, pomacima lijeve ruke, što svakako pridonosi razvoju prstnog razmišljanja. Učinkovitost Pujolove "Škole" potvrđuje, posebice, praksa njezine primjene u nizu obrazovnih ustanova u našoj zemlji, Europi i Americi.
Od velike je važnosti za razvoj svjetske gitarističke umjetnosti stvaralaštvo najvećeg španjolskog gitarista 20. stoljeća. Andres Segovia. Iznimna važnost njegove uloge u povijesti razvoja instrumenta bila je ne samo njegova izvođačka i pedagoška nadarenost, već i njegova sposobnost organizatora i propagandista. Istraživač M. Weisbord piše: „...da bi se gitara uspostavila kao koncertni instrument, nedostajalo joj je ono što su, primjerice, imali klavir ili violina - visokoumjetnički repertoar. Povijesna zasluga Andresa Segovije leži prije svega u stvaranju takvog repertoara...”. I dalje: “M. Ponce (Meksiko), M.K. Tedesco (Italija), J. Ibert, A. Roussel (Francuska) K. Pedrel (Argentina), A. Tansman (Poljska) i D. Duart (Engleska), R. Smith (Švedska)…”. Od ovako malog i dalekog kompletan popis skladatelja, jasno je da se upravo zahvaljujući A. Segoviji geografija profesionalnih skladbi za klasičnu gitaru naglo širila, a s vremenom je ovaj instrument privukao pozornost mnogih istaknutih umjetnika - E. Vila Lobos, B. Britten. S druge strane, postoje cijele plejade talentiranih skladatelja koji su ujedno i profesionalni izvođači - A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin itd.
1. 2 FormiranjegitaraumjetnostVSSSRIRusija
Danas je uspješno gostovao u mnogim zemljama svijeta, uključujući četiri posjete SSSR-u (1926. i 1935., 1936.) Izvodio je djela klasičnih gitarista: Sora, Giulianija, transkripcije djela Čajkovskog, Schuberta, Haydna i originalna. djela španjolskih skladatelja: Turin, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco i dr. skladatelja. Segovia je imao mnogo susreta sa sovjetskim gitaristima, na čija je pitanja rado odgovarao. U razgovorima o tehnici sviranja gitare Segovia je isticao osobitu važnost ne samo postavljanja ruku, već i pravilne upotrebe prstiju. Gitara je ostavila svijetli trag u glazbenoj umjetnosti Rusije. Akademik J. Shtelin, koji je živio u Moskvi od 1735. do 1785., napisao je da se gitara u Rusiji širila sporo, ali s pojavom virtuoznih gitarista Tsanija de Ferrantija, F. Sora, M. Giulianija i drugih među ostalim gostujućim izvođačima ovo je oruđe stječe simpatije i naširoko se koristi.
Stjecanjem u Rusiji od druge polovice 18. stoljeća izvorne varijante sa sedam žica s G-dur trozvukom udvostručenim na oktavu i nižom žicom razmakom od jedne kvarte, pokazalo se da je gitara optimalno prilagođena pratnji bas akorda. gradske pjesme i romanse.
Pravi procvat profesionalne izvedbe na ovom instrumentu počinje zahvaljujući stvaralačkoj djelatnosti izvanrednog učitelja gitare Andreja Osipovič Sikhre (1773.-1850.). Kao harfist po obrazovanju, cijeli život posvetio je promicanju gitare sa sedam žica - u mladosti se bavio koncertnom djelatnošću, a zatim pedagogijom i prosvjetiteljstvom. Godine 1802. u Petrogradu je počeo izlaziti časopis A. Sikhre za gitaru sa sedam žica, s obradama ruskih narodnih pjesama i obradama glazbenih klasika. U sljedećim desetljećima, sve do 1838., glazbenik je objavio niz sličnih časopisa koji su pridonijeli značajnom porastu popularnosti instrumenta, A.O. Sychra je odgojio ogroman broj učenika, potičući njihov interes za skladanje glazbe za gitaru, posebno varijacija na teme melodija narodnih pjesama. Najpoznatiji njegovi učenici su S.N. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Šarenko, F.M. Zimmerman i drugi - ostavili su puno drama i obrada ruskih pjesama. Djelatnost Mihaila Timofejeviča Vysockog (1791.-1837.) bila je od velike važnosti za razvoj profesionalno-akademskog ruskog sviranja gitare. Prvi koji ga je upoznao s gitarom bio je S.N. Aksenov, postao je i njegov mentor.
Otprilike od 1813. ime M.T. Vysotsky je postao široko popularan. Njegovo sviranje odlikovalo se originalnim improvizacijskim stilom, smjelim poletom stvaralačke mašte u različitim melodijama narodnih pjesama. M.T. Vysotsky je predstavnik improvizacijskog auditivnog stila izvedbe - u tome je blizak tradicionalnom ruskom narodnom muziciranju. O drugim predstavnicima ruske gitarističke izvedbe, koji su pridonijeli razvoju nacionalne izvođačke škole, može se mnogo reći, ali to je poseban razgovor. Pravu rusku školu odlikovale su sljedeće značajke: jasnoća artikulacije, prekrasan glazbeni ton, usmjerenost na melodijske mogućnosti instrumenta i stvaranje specifičnog repertoara, po mnogočemu jedinstvenog, progresivna metoda korištenja posebnih prstnih "praznina" , pokušaji i kadence, otkrivajući mogućnosti instrumenta.
Sustav sviranja instrumenta uključivao je sviranje glazbenih funkcija, intonacija i njihovih apela, koji su se pamtili zasebno u svakoj tonaliteti i imali su nepredvidljivo kretanje glasova. Često su se takve individualne prstometne, melodijsko-harmonijske "praznine" revno čuvale i prenosile samo najboljim učenicima. Improvizacija se nije posebno proučavala, bila je rezultat zajedničke tehničke baze, a dobar gitarist je bio u stanju spojiti poznate intonacije pjesme s harmonijskim slijedom. Skup različitih kadenci često je okruživao glazbenu frazu i davao osebujnu boju glazbenom tkivu. Čini se da je takva inventivna metoda podučavanja bila čisto rusko otkriće i ne nalazi se nigdje u stranim djelima tog vremena. Nažalost, tradicija ruske izvedbe gitare XVIII-XIX stoljeća. nepravedno su zaboravljeni, a samo zahvaljujući naporima entuzijasta situacija se u tom smjeru mijenja na bolje.
Umjetnost gitare također se razvila u sovjetsko doba, iako je stav vlasti prema razvoju ovog glazbenog instrumenta bio, blago rečeno, hladan. Teško je precijeniti ulogu izvanrednog učitelja, izvođača i skladatelja A.M. Ivanov-Kramskoj. Njegova škola sviranja, kao i škola sviranja gitariste i učitelja P.A. Agafoshina je neizostavna pomoć u podučavanju mladih gitarista. Tu aktivnost briljantno nastavljaju njihovi brojni učenici i sljedbenici: E. Larichev, N. Komoliatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky (klasična gitara u jazzu), S. Rudnev (klasična gitara na ruskom jeziku). stil) i mnogi drugi.
gitara klasični pop jazz
2. PričapojavaIevolucijapop-jazzpravcimaVumjetnost
2.1 Varijante gitara koje se koriste u pop-jazz umjetnosti
U modernoj pop glazbi uglavnom se koriste četiri vrste gitara:
1. Flat Top (Flat Top) - uobičajena narodna gitara s metalnim žicama.
2. Klasična (Classical) - klasična gitara s najlonskim žicama.
3. Arch Top (Arch Top) - jazz gitara, u obliku povećane violine s "efs" duž rubova zvučne ploče.
4. Električna gitara - gitara s elektromagnetskim snimačima i monolitnim drvenim dekom (šankom).
Još prije 120-130 godina samo je jedna vrsta gitare bila popularna u Europi i Americi. Koristi se u različitim zemljama različitim sustavima postavke, a ponegdje čak promijenio i broj žica (u Rusiji je npr. bilo sedam žica, a ne šest). Ali u obliku su sve gitare bile vrlo slične - relativno simetrični gornji i donji dijelovi tijela, koji se spajaju s vratom na 12. pragu.
Mala veličina, dlan s prorezima, široki vrat, opruge u obliku lepeze, itd. - sve je to karakteriziralo ovu vrstu gitare. Naime, navedeni instrument oblikom i sadržajem podsjeća na današnju klasičnu gitaru. A oblik današnje klasične gitare pripada španjolskom majstoru Torresu, koji je živio prije otprilike 120 godina.
Krajem prošlog stoljeća gitara je počela dramatično dobivati na popularnosti. Ako su se prije toga gitare svirale samo u privatnim kućama i salonima, onda se krajem prošlog stoljeća gitara počela pojavljivati na pozornicama. Trebalo je pojačati zvuk. Tada dolazi do jasnije podjele između klasike i onoga što se danas najčešće naziva folk gitara ili western. Tehnologija je počela proizvoditi metalne žice koje su zvučale glasnije.
Osim toga, sam kabinet se povećao u veličini, što je omogućilo da zvuk bude dublji i glasniji. Ostavljen sam ozbiljan problem- jaka napetost metalnih žica zapravo je ubila gornju palubu, a zadebljanje stijenki školjke, na kraju, ubilo je vibraciju, a s njom i zvuk. A onda je izumljen poznati opružni nosač u obliku slova X. Opruge su bile zalijepljene poprečno, čime je povećana čvrstoća gornje palube, ali joj je omogućeno da vibrira.
Tako je postojala jasna podjela - klasična gitara, koja se od tada nije puno promijenila (samo su se žice počele izrađivati od sintetike, a ne od tetive, kao prije), i folk-western gitara, koja je imala nekoliko oblika, ali je gotovo uvijek išao s oprugama u obliku slova X, metalnim žicama, povećanim tijelom i tako dalje.
U isto vrijeme razvijala se druga vrsta gitare - "lučni vrh" (lučni vrh). Što je? Dok su se tvrtke poput Martina hvatale u koštac s problemom pojačavanja zvuka pričvršćivanjem opruga, tvrtke poput Gibsona krenule su drugim putem, proizvodeći gitare oblikovane i građene poput violina. Takve instrumente karakterizirala je zakrivljena gornja zvučna ploča, matica, koja je bila poput kontrabasa, i rep. U pravilu su ti instrumenti imali izreze za violinu duž rubova zvučne ploče umjesto tradicionalne okrugle rupe u sredini. Ove su gitare imale zvuk koji nije bio topao i dubok, već uravnotežen i prodoran. S takvom gitarom svaka se nota jasno čula, a jazzisti su brzo shvatili kakav se "tamni konj" pojavio u njihovom vidnom polju. Upravo jazzu svoju popularnost duguju "lučni vrhovi" zbog kojih su i prozvani jazz gitarama. U 1930-ima i 1940-ima situacija se počela mijenjati - uglavnom zbog pojave visokokvalitetnih mikrofona i snimača. Osim toga, novi popularni stil glazbe, blues, ušao je u arenu i odmah osvojio svijet. Kao što znate, blues se razvio uglavnom zahvaljujući naporima siromašnih crnih glazbenika. Svirali su ga na sve načine prstima, trzalicama, pa čak i pivskim bocama (grlića pivskih boca su izravni preci modernih slajdova). Ti ljudi nisu imali novca za skupe instrumente, nisu uvijek imali priliku kupiti nove žice za sebe, kakve to jazz gitare postoje? A svirali su što su morali, uglavnom na uobičajenijim instrumentima – westernima. Tih godina, uz skupe "archtopove", tvrtka Gibson još je proizvodila veliki postava"potrošačke" narodne gitare. Situacija na tržištu bila je takva da je Gibson bio gotovo jedina tvrtka koja je proizvodila jeftine, ali kvalitetne folk gitare. Logično je da je većina bluzera u nedostatku novca za nešto savršenije uzela Gibsone u ruke. Tako da se do sada nisu rastali od njih.
Što se dogodilo s jazz gitarama? Pojavom pickupa pokazalo se da uravnotežen i jasan zvuk ove vrste instrumenata najbolje odgovara tadašnjem sustavu pojačala. Iako jazz gitara uopće nije poput modernog Fendera ili Ibaneza, Leo Fender vjerojatno nikad ne bi stvorio svoje Telecastere i Stratocastere da ja prvo nisam eksperimentirao s jazz gitarama i pickupima. Inače, kasnije se svirao i električni blues i svira se na jazz instrumentima sa dizalicama, samo im je smanjena debljina tijela. Upečatljiv primjer za to je B. B. King i njegova poznata gitara Lussil, koju mnogi danas smatraju standardom blues električne gitare.
Prvi poznati eksperimenti s pojačavanjem zvuka gitare elektricitetom datiraju iz 1923. godine, kada je inženjer i izumitelj Lloyd Loar izumio elektrostatski pickup koji je bilježio vibracije rezonatorske kutije žičanih instrumenata.
Godine 1931. Georges Beauchamp i Adolph Rickenbacker izumili su elektromagnetski dizač u kojem je električni impuls prolazio kroz namotaj magneta, stvarajući elektromagnetsko polje u kojem je signal iz vibrirajuće žice bio pojačan. Potkraj 1930-ih brojni eksperimentatori počeli su ugrađivati pickupove u tradicionalnije španjolske gitare sa šupljim tijelom. Pa, najradikalniju opciju predložio je gitarist i inženjer Les Paul (Les Paul) - jednostavno je zvučnu ploču za gitaru napravio monolitnom.
Bio je od drveta i zvao se jednostavno - "Bar" (The Log). S čvrstim ili gotovo čvrstim komadom drugi su inženjeri počeli eksperimentirati. Od 40-ih godina XX. stoljeća to uspješno rade i pojedinačni entuzijasti i velike tvrtke.
Tržište proizvođača gitara nastavlja se aktivno razvijati, stalno proširujući asortiman. A ako su raniji "trendseteri" bili isključivo Amerikanci, sada Yamaha, Ibanez i druge japanske tvrtke čvrsto zauzimaju vodeće pozicije, čineći svoje modele i izvrsne kopije poznatih gitara među vodećima u proizvodnji.
Posebno mjesto zauzima gitara – i to prvenstveno elektrificirana – u rock glazbi. No, gotovo svi najbolji rock gitaristi nadilaze stil rock glazbe, odajući veliku počast jazzu, a neki su glazbenici potpuno raskinuli s rockom. U tome nema ništa iznenađujuće, jer su najbolje tradicije sviranja gitare koncentrirane u jazzu.
Na vrlo važnu točku skreće pozornost Joe Pass, koji u svojoj poznatoj školi jazza piše: “Klasični gitaristi su imali nekoliko stoljeća da razviju organski, dosljedan pristup izvedbi – “ispravnu” metodu. Jazz gitara, plektrum gitara, pojavila se tek u našem stoljeću, a električna gitara je još uvijek toliko nova pojava da tek počinjemo shvaćati njezine mogućnosti kao punopravnog glazbenog instrumenta. U takvim okolnostima od posebnog je značaja akumulirano iskustvo, jazz tradicija gitarističkog majstorstva.
Već u ranom obliku bluesa, "arhaičnom", odnosno "ruralnom", često nazivanom i engleskim izrazom "country blues" (country blues), formiraju se glavni elementi gitarske tehnike, koji određuju njegov daljnji razvoj. Odvojene tehnike blues gitarista kasnije su postale osnova za formiranje sljedećih stilova.
Najraniji zapisi country bluesa datiraju iz sredine 20-ih godina prošlog stoljeća, ali postoji svaki razlog za vjerovanje da se on u biti gotovo nimalo ne razlikuje od izvornog stila koji se formirao među crncima južnih država (Teksas, Louisiana, Alabama, itd.). ) još 70-80-ih godina XIX stoljeća.
Među istaknutim pjevačima-gitaristima ovog stila je Blind Lemon Jefferson (1897.-1930.) koji je imao zamjetan utjecaj na mnoge glazbenike kasnijeg razdoblja, i to ne samo bluesa.Briljantan majstor gitarskog ragtimea i bluesa bio je Blind Blake (Blind Blake, 1895. -1931.), čije mnoge snimke i danas zadivljuju izvrsnom tehnikom i domišljatošću improvizacija. Blake se s pravom smatra jednim od inicijatora upotrebe gitare kao solo instrumenta. Huddie Leadbetter, poznatiji kao Leadbelly (1888-1949) nekoć je nazivan "kraljem gitare s dvanaest žica". Ponekad je svirao u duetu s Jeffersonom, iako mu je bio inferioran kao izvođač. Leadbelly je u pratnju uveo karakteristične bas figure - "lutajući bas", koji će kasnije biti široko korišten u jazzu.
Među country-blues gitaristima ističe se Lonnie Johnson (Lonnie Johnson, 1889-1970), virtuozni glazbenik, vrlo blizak jazzu. Snimili su odličan blues bez vokala, a često je svirao i kao medijator, pokazujući ne samo izvrsnu tehniku, već i izvanrednu improvizacijsku vještinu.
Jedna od značajki čikaškog razdoblja u razvoju tradicionalnog jazza, koji postaje prijelaz u swing, bila je zamjena instrumenata: umjesto korneta, tube i bendža u prvi plan dolaze truba, kontrabas i gitara.
Među razlozima za to bila je pojava mikrofona i elektromehaničke metode snimanja: gitara je konačno zvučala u potpunosti na pločama. Važna značajka čikaškog jazza bila je povećana uloga solo improvizacije. Tu se dogodio značajan zaokret u sudbini gitare: ona postaje punopravni solo instrument.
To je zbog imena Eddieja Langa (Eddie Lang, pravo ime - Salvador Massaro), koji je u sviranje gitare uveo mnoge jazz tehnike tipične za druge instrumente - posebno fraziranje karakteristično za puhačke instrumente. Eddie Lang je također stvorio taj jazz stil sviranja kao medijator, koji je kasnije postao prevladavajući. Prvo je koristio plektrum gitaru - posebnu gitaru za sviranje jazza, koja se od uobičajene španjolske razlikovala po odsustvu okrugle rozete. Umjesto toga, na palubi su se pojavili efovi, slični onima za violinu, i uklonjivi panel-štit koji štiti od udaraca trzalicama. Igranje Eddieja Langa u ansamblu odlikovalo se snažnom zvučnom produkcijom. Često je koristio prolazne zvukove, kromatske nizove; ponekad je mijenjao kut plektra u odnosu na prstohvat, čime je postigao specifičan zvuk.
Karakteristika Langovog načina su akordi s prigušenim žicama, oštrim naglascima, paralelnim neakordima, ljestvicama cijelog tona, idiosinkratičnim glisandom, umjetnim harmonicima, pojačanim napredovanjem akorda i fraziranjem puhačkih glazbala. Možemo reći da su mnogi gitaristi pod utjecajem Eddieja Langa počeli obraćati više pažnje na bas note u akordima i, ako je moguće, postići bolje glasovno vodstvo. Izum električne gitare bio je poticaj za nastanak novih gitarističkih škola i trendova. Osnovala su ih dva jazz gitarista: Charlie Christian u Americi i Django Reinhardt
(Django Reinhardt) u Europi
Poznati njemački kritičar I. Berendt u svojoj knjizi “Od rega do rocka” piše: “Za modernog jazz glazbenika, povijest gitare počinje s Charliejem Christianom. Tijekom dvije godine na jazz sceni napravio je revoluciju u sviranju gitare. Naravno, bilo je gitarista i prije njega, no čini se ipak da su gitara koja je svirala prije Christiana i ona koja je zvučala nakon njega dva različita instrumenta.”
Charlie je svirao s virtuoznošću koja se njegovim suvremenicima činila jednostavno nedostižnom. Njegovim dolaskom gitara postaje ravnopravan član jazz sastava. Prvi je u ansambl s trubom i tenor saksofonom uveo gitarski solo kao treći glas, oslobađajući instrument čisto ritmičke funkcije u orkestru. C. Christian je prije drugih shvatio da se tehnika sviranja električne gitare bitno razlikuje od tehnike sviranja akustične. U harmoniji je eksperimentirao s povišenim i smanjenim akordima, izmislio nove ritmičke obrasce za najbolje jazz melodije (evergreene). U odlomcima je često koristio dodatke septakordima, zadivljujući slušatelje melodijskom i ritmičkom domišljatošću. On je prvi počeo razvijati svoje improvizacije, oslanjajući se ne na harmoniju teme, već na prolazne akorde, koje je postavljao između glavnih. U melodijskoj sferi karakteristična je po upotrebi legata umjesto tvrdog staccata.
Izvedba C. Christiana oduvijek se odlikovala izuzetnom snagom izražaja, u kombinaciji s intenzivnim swingom. Teoretičari jazza tvrde da je svojim sviranjem anticipirao nastanak novog jazz stila bebop (be-bop) i bio jedan od njegovih tvoraca.
Istovremeno s Christianom, u Parizu je zablistao jednako izvanredan jazz gitarist Django Reinhardt. Charlie Christian, još dok je nastupao po klubovima u Oklahomi, divio se Djangu i često ponavljao notu po notu njegove solaže snimljene na pločama, iako su se ovi glazbenici jedni od drugih oštro razlikovali u načinu sviranja. O Djangovom doprinosu razvoju jazz stila sviranja gitare i njegovom majstorstvu govorili su brojni poznati muzikolozi i jazz umjetnici. Prema D. Ellingtonu, “Django je super umjetnik. Svaka nota koju uzme je blago, svaki akord je dokaz njegovog nepokolebljivog ukusa.
Django se od drugih gitarista razlikovao po ekspresivnom, bogatom zvuku i osebujnom stilu sviranja, s dugim kadencama nakon nekoliko taktova, iznenadnim brzim pasažima, stabilnim i oštro naglašenim ritmom. U trenucima vrhunca često je svirao u oktavama.
Ovu vrstu tehnike od njega je posudio C. Christian, a dvanaest godina kasnije - W. Montgomery. U brzim djelima uspio je stvoriti takvu vatru i pritisak, koji su se prije mogli naći samo u izvedbi na puhačkim instrumentima. U sporim je bio sklon preludiji i rapsodiji, bliskoj crnačkom bluesu. Django nije bio samo izvrstan virtuoz solist, već i izvrstan korepetitor. Bio je ispred mnogih svojih suvremenika u korištenju molskih septakorda, smanjenih, pojačanih i drugih prolaznih akorada. Django je veliku pozornost poklanjao harmoniji harmonijskih shema skladbi, često naglašavajući da ako je sve ispravno i logično u slijedovima akorda, onda će melodija teći sama od sebe.
Kao korepetitor često je koristio akorde koji su imitirali zvuk limene sekcije. Doprinos Charlieja Christiana i Djanga Reinhardta povijesti jazz gitare je neprocjenjiv. Ova dva izvanredna glazbenika pokazala su neiscrpne mogućnosti vašeg instrumenta ne samo u pratnji, već iu improvizaciji sola, predodredivši glavne pravce razvoja tehnike sviranja električne gitare za dugi niz godina.
Povećana uloga gitare kao solo instrumenta dovela je do žudnje izvođača za sviranjem u malim ansamblima (combo). Ovdje se gitarist osjećao kao punopravni član ansambla, obavljajući funkcije i korepetitora i solista. Popularnost gitare rasla je svakim danom, pojavljivalo se sve više talentiranih jazz gitarista, a broj big bendova je ostao ograničen. Osim toga, mnogi voditelji i aranžeri velikih orkestara nisu uvijek uvodili gitaru u ritam sekciju. Dovoljno je reći npr.
Duke Ellington, koji nije volio spajati zvuk gitare i klavira u pratnji. No ponekad se "mehanički" rad, koji služi za održavanje ritma u big bandu, pretvori u pravu jazz umjetnost. Riječ je o jednom od vodećih predstavnika akordsko-ritamskog stila sviranja gitare Freddieju Greenu.
Virtuozna akordska tehnika, prekrasan osjećaj za swing, istančan glazbeni ukus odlikuju njegovo sviranje. Gotovo nikada nije svirao solo, ali su ga u isto vrijeme često uspoređivali s tegljačem, uključujući cijeli orkestar.
Upravo Freddie Green velikim dijelom duguje big bandu Counta Basieja neobičnu kompaktnost ritam sekcije, emancipaciju i jezgrovitost igre. Ovaj majstor imao je veliki utjecaj na gitariste koji preferiraju pratnju i akordsku improvizaciju od igre dugih pasaža i jednoglasnih improvizacija. Radovi Charlieja Christiana, Djanga i Freddieja Greena čine, takoreći, tri grane obiteljskog stabla jazz gitara. Ipak, treba spomenuti još jedan smjer koji se donekle izdvojio, ali u naše vrijeme sve više dobiva priznanje i rasprostranjenost.
Činjenica je da nije svim gitaristima bio prihvatljiv stil Ch. Christiana, u čijim je rukama gitara poprimila zvuk puhačkih instrumenata (nije slučajno da su mnogi, slušajući snimke Charlieja Christiana, glas njegove gitare zamijenili za saksofon). Prije svega, njegov stil je bio nemoguć za one koji su svirali prste na akustičnim gitarama.
Mnoge od tehnika koje je razvio C. Christian (dugi legato, duge improvizacijske linije bez harmonijske potpore, trajne note, zavoji, rijetka upotreba otvorenih žica, itd.) bile su neučinkovite za njih, osobito kod sviranja instrumenata s najlonskim žicama. Osim toga, pojavili su se i gitaristi koji su na svoj kreativan način spojili klasiku, sviranje gitare, flamenko i elemente latinoameričke glazbe s jazzom. Tu prije svega spadaju dva istaknuta jazz glazbenika: Laurindo Almeida (Laurindo Almeida) i Charlie Byrd (Charlie Byrd), čiji je rad utjecao na mnoge gitariste klasika, demonstrirajući u praksi neograničene mogućnosti akustične gitare. S razlogom se mogu smatrati začetnicima stila "klasične gitare u jazzu".
Crni gitarist Wes John Leslie Montgomery jedan je od najpametnijih glazbenika koji su se pojavili na jazz sceni od C. Christiana. Rođen je 1925. u Indianapolisu; Za gitaru se zainteresirao tek s 19 godina pod utjecajem Charlie Christian recordsa i entuzijazma svoje braće Buddyja i Monka, koji su svirali klavir i kontrabas u orkestru slavnog vibrafonista Lionela Hamptona. Uspio je postići neobično topao, "baršunast" zvuk (koristeći palac desne ruke umjesto trzalice) i razvio oktavnu tehniku do te mjere da je čitave improvizacijske zborove izvodio u oktavama s nevjerojatnom lakoćom i čistoćom, često prilično prilično brza tempa. Njegovo umijeće toliko je impresioniralo partnere da su Wesa u šali prozvali "gospodin Octave". Prvi disk sa snimkom W. Montgomeryja objavljen je 1959. godine i odmah je gitaristu donio uspjeh i široku prepoznatljivost. Ljubitelji jazza bili su šokirani virtuoznošću njegova sviranja, profinjenom i suzdržanom artikulacijom, melodioznošću improvizacija, stalnim osjećajem blues intonacija i živopisnim osjećajem za swing ritam. Vrlo je zanimljiva kombinacija solo električne gitare Wesa Montgomeryja sa zvukom velikog orkestra, uključujući gudačku grupu.
Većina kasnijih jazz gitarista - uključujući poznate glazbenike kao što su Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell - prepoznali su veliki utjecaj Wesa Montgomeryja na njihov rad. Već u 40-ima standardi razvijeni swingom prestali su zadovoljavati mnoge glazbenike. Ustaljeni klišeji u harmoniji forme pjesme, vokabular, često sveden na izravno citiranje vrsnih jazz majstora, ritmička monotonija i uporaba swinga u komercijalnoj glazbi postali su kočnica na putu daljnji razvojžanr. Nakon "zlatnog razdoblja" swinga, vrijeme je za potragu za novim, naprednijim oblicima. Pojavljuje se sve više novih pravaca koji se u pravilu ujedinjuju ime - moderno jazz (Modern Jazz). Uključuje bebop ("jazz-staccato"), hard bop, progressive, cool, treću struju, bossa novu i afro-kubanski jazz, modalni jazz, jazz-rock, free jazz, fusion i neke druge: Takva raznolikost, međusobni utjecaj i međusobno prožimanje različitih struja otežava analizu rada pojedinih glazbenika, tim više što su mnogi od njih u jednom razdoblju svirali na različite načine. Tako se, primjerice, na snimkama Ch.Byrda mogu pronaći boss nova, blues, swung teme, obrade klasike, country rocka i još mnogo toga. U igri B. Kessela - swing, bebop, bossa nova, elementi modalnog jazza itd. Karakteristično je da sami jazz gitaristi često vrlo oštro reagiraju na pokušaje da ih se svrsta u jedan ili drugi jazz smjer, smatrajući to primitivnim pristupom ocjenjivanju njihova rada. Takve se izjave mogu naći kod Larryja Coryella, Joea Passa, Johna McLaughlina i drugih.
2 .2 Glavnipravcimapop-jazzizvođenje60-70 - xgodine
Pa ipak, prema jednom od kritičara jazza, I. Berendtu, na rubu 60-ih i 70-ih godina razvila su se četiri glavna smjera u modernoj gitarističkoj izvedbi: 1) mainstream (glavni tok); 2) jazz-rock; 3) blues smjer; 4) stijena. Najistaknutijim predstavnicima mainstreama mogu se smatrati Jim Hall, Kenny Burrell i Joe Pass. Jim Hall, "pjesnik jazza" kako ga često nazivaju, poznat je i omiljen u javnosti od kasnih 50-ih pa sve do danas.
"Jazz gitaristički virtuoz" zove se Joe Pass (Joe Pass, punim imenom Joseph Anthony Jacoby Passalaqua). Kritičari ga stavljaju u rang s glazbenicima kao što su Oscar Peterson, Ella Fitzgerald i Barney Kessel. Velik uspjeh doživljavaju njegove duetske ploče s Ellom Fitzgerald i Herbom Ellisom, trio s Oscarom Petersonom i basistom Nilsom Pedersonom, a posebno njegove solo ploče "Joe Pass the Virtuoso". Joe Pass bio je jedan od najzanimljivijih i najsvestranijih jazz gitarista u tradiciji Jacga Reinhardta, Charlieja Christiana i Wesa Montgomeryja. Na njegov rad malo utječu novi trendovi modernog jazza: preferirao je bebop. Uz koncertnu djelatnost Joe Pass je mnogo i uspješno predavao, objavljivao metodičke radove među kojima posebno mjesto zauzima njegova škola „Joe Pass Guitar Style“ „2E
No, nisu svi jazz gitaristi toliko odani "mainstreamu". Među izvrsnim glazbenicima koji gravitiraju novome u razvoju jazza valja istaknuti Georgea Bensona, Carlosa Santanu, Ola di Meolu. Meksički glazbenik Carlos Santana (Carlos Santana, rođen 1947.) svira u stilu "latino rocka", koji se temelji na izvedbi latinoameričkih ritmova (samba, rumba, salsa itd.) u rocky maniri, u kombinaciji s elementima flamenca .
George Benson rođen je 1943. u Pittsburghu, a kao dijete pjevao je blues te svirao gitaru i bendžo. George je s 15 godina dobio na poklon malu električnu gitaru, a sa 17, nakon završene škole, osnovao je mali rock and roll bend u kojem je pjevao i svirao. Godinu dana kasnije, jazz orguljaš Jack McDuff stigao je u Pittsburgh. Danas neki stručnjaci njegove prve snimke s Jackom McDuffom smatraju najboljima u cjelokupnoj Bensonovoj diskografiji. Na Bensona su uvelike utjecali radovi Djanga Reinhardta i Wesa Montgomeryja, posebice tehnika potonjeg.
Među novom generacijom gitarista koji sviraju jazz-rock, a razvijaju relativno novi jazz stil - fusion, ističe se Ol di Meola (AI di Meola). Strast mladog glazbenika prema jazz gitari započela je slušanjem snimke trija s Larryjem Coryellom (kojega je, stjecajem okolnosti, nekoliko godina kasnije u istoj postavi zamijenio Al di Meola). Već sa 17 godina sudjeluje u snimanjima s Chikom Corea. Ol di Meola maestralno svira gitaru - i prstima i plektrom. Udžbenik "Karakteristične metode sviranja gitare od strane medijatora" koji je napisao visoko su cijenili stručnjaci.
U inovatore našeg vremena spada i talentirani gitarist Larry Coryell, koji je teško prošao kreativan način-- od strasti za rock and rollom do najnovijih trendova u modernoj jazz glazbi.
Naime, nakon Djanga samo je jedan europski gitarist postigao bezuvjetnu afirmaciju u cijelom svijetu i utjecao na razvoj jazza općenito - Englez John McLaughlin. Procvat njegovog talenta pada na prvu polovicu 70-ih godina 20. stoljeća - razdoblje u kojem jazz naglo širi svoje stilske granice, stapajući se s rock glazbom, eksperimentima u elektronskoj i avangardnoj glazbi te različitim narodnim glazbenim tradicijama. Nije slučajno da McLaughlina ne smatraju "svojim" samo ljubitelji jazza: njegovo ime pronaći ćemo u svakoj enciklopediji rock glazbe. Početkom 1970-ih, McLaughlin je organizirao Mahavishnu (Veliki Višnu) orkestar. Osim klavijatura, gitare, bubnjeva i basa, u njen sastav uveo je i violinu. S ovim orkestrom gitarist je snimio niz ploča koje je publika s oduševljenjem prihvatila. Recenzenti bilježe virtuoznost McLaughlina, inovativnost u aranžmanu, svježinu zvuka, zbog upotrebe elemenata indijske glazbe. Ali najvažnije je da pojava ovih ploča označava uspostavu i razvoj novog jazz pravca: jazz-rocka.
Trenutno su se pojavili mnogi izvrsni gitaristi koji nastavljaju i povećavaju tradiciju majstora prošlosti. Od velikog značaja za svjetsku pop-jazz kulturu je rad najpoznatijeg učenika Jimm Halla - Pata Mattinija. Njegove su inovativne ideje uvelike obogatile melodijsko-harmonijski jezik moderne zabavne glazbe. Također bih želio istaknuti briljantne izvedbene i predavačke aktivnosti Mikea Sterna, Franka Gambala, Joea Satrianija, Stevea Vaija, učenika Joea Passa Leeja Ritenoura i mnogih drugih.
Što se tiče razvoja umjetnosti sviranja pop-jazz (električne i akustične) gitare u našoj zemlji, to ne bi bilo moguće bez dugogodišnjeg uspješnog obrazovnog i obrazovnog rada V. Manilova, V. Molotkova, A. Kuznetsova. , A. Vinitsky, kao i njihovi sljedbenici S. Popov, I. Boyko i drugi. Od velikog je značaja koncertno-izvođačka djelatnost glazbenika kao što su: A. Kuznjecov, I. Smirnov, I. Bojko, D. Četvergov, T. Kvitelašvili, A. Čumakov, V. Zinčuk i mnogi drugi. Prošavši od bluesa do jazz-rocka, gitara ne samo da nije iscrpila svoje mogućnosti, već je, naprotiv, osvojila vodstvo u mnogim novim smjerovima jazza. Dostignuća na području tehnike sviranja akustične i elektrificirane gitare, korištenje elektronike, uključivanje elemenata flamenka, klasičnog stila itd. daju razlog da se gitara smatra jednim od vodećih instrumenata ovog glazbenog žanra. Zato je za novu generaciju glazbenika tako važno proučavati iskustva svojih prethodnika - jazz gitarista. Samo na temelju toga moguće je tražiti individualni izvođački stil sviranja, načine vlastitog usavršavanja i daljnjeg razvoja pop-jazz gitare.
zaključke
U naše vrijeme, tema razvoja izvedbenih vještina na gitari sa 6 žica ostaje relevantna, budući da trenutno postoji mnogo škola i sustava obuke. Obuhvaćaju različite smjerove, od klasične škole sviranja, do škola jazza, latina, bluesa.
U razvoju jazz stilistike vrlo značajnu ulogu ima specifična instrumentalna tehnika, koja je karakteristična za jazz uporabu instrumenta i njegove izražajne mogućnosti - melodijske, intonacijske, ritmičke, harmonijske itd. Blues je odigrao važnu ulogu u formiranju jazza. Zauzvrat, "jedan od odlučujućih čimbenika u kristalizaciji bluesa iz ranijih i manje formaliziranih tipova crnačkog folklora bilo je 'otkriće' gitare u ovom mediju."
Povijest razvoja gitarističke umjetnosti poznaje mnoga imena gitarista-učitelja, skladatelja i izvođača koji su stvorili brojna nastavna sredstva za učenje sviranja gitare, od kojih su mnoga izravno ili neizravno povezana s problemom razvoja prstohvatnog mišljenja.
Doista, u naše vrijeme pojam gitarista uključuje ovladavanje glavnim klasičnim tehnikama, kako bazom, tako i sposobnost i razumijevanje stila koji prati funkciju, sposobnost sviranja i improvizacije na digitalu, sve suptilnosti i značajke blues i jazz mišljenja.
Nažalost, u U zadnje vrijeme mediji daju vrlo malo utjecaja ne samo na ozbiljnu klasiku, već i na nekomercijalne vrste pop-jazz glazbe
Popiskoristi seknjiževnost
1. Bakhmin A.A. Priručnik za samoučenje sviranja gitare sa šest žica / A.A. Bakhmin. M.: ASS-centar, 1999.-80 str.
2. Boyko I.A. Improvizacija na električnoj gitari. 2. dio "Osnove tehnike akorda" - M.; Hobby centar, 2000.-96 str.;
3. Boyko I.A. Improvizacija na električnoj gitari. 3. dio "Progresivna metoda improvizacije" - M.; Hobby centar, 2001.-86 str.
4. Boyko I.A. Improvizacija na električnoj gitari. 4. dio "Pentatonika i njezine izražajne mogućnosti" - M.; Hobby centar, 2001. - 98 str.; bolestan
5. Brandt V.K. Osnove tehnike gitarista pop ansambla / Obrazovno-metodički vodič za glazbene škole - M. 1984. - 56 str.
6. Dmitrievsky Yu.V. / Gitara od bluesa do jazz-rocka / Yu.V. Dmitrijevski - M.: Glazbena Ukrajina, 1986. - 96 str.
7. Ivanov-Kramskoy A.M. Škola sviranja gitare sa šest žica / A.M. Ivanov-Kramskoj. - M.: Sov. Skladatelj, 1975. - 120 str.
8. Manilov V.A. Naučite pratiti na gitari / V.A. Manilov. - K .: Glazbena Ukrajina, 1986. - 105 str.
9. Pass, D. Gitarski stil Joea Passa / Joe Pass, Bill Thrasher / Comp .: "Guitar College" - M .: "Guitar College", 2002 - 64 str.; bolestan
10. Popov, S. Osnova / Komp.; "Koledž gitare" - M.; "Guitar College", 2003. - 127 str.;
11. Puhol M. Škola sviranja gitare sa šest žica / Per. i uredništvo N. Polikarpova - M.; Sove. Skladatelj, 1987. - 184 str.
12. Al Di Meola "Tehnika igre s posrednikom"; Po. / Comp.; GIDinform
13. Yalovets A. Django Reichard - "Krugozor", M.; 1971. broj 10 - str. 20-31 (prikaz, ostalo).
Domaćin na Allbest.ru
...Slični dokumenti
Razvoj i uporaba harmonije i melodije jazz glazbe u modernoj pop-jazz izvedbi i pedagogiji. Jazz melodija u stilu be-bopa. Praktične preporuke za optimizaciju rada pop pjevača na jazz repertoaru.
diplomski rad, dodan 17.07.2017
Značajke pisanja, izvođenje melizama u različitim vremenskim razdobljima, uzroci nastanka melizama. Korištenje glazbena recepcija u vokalnoj pop-jazz izvedbi. Vježbe za razvoj fine vokalne tehnike kod pjevača.
diplomski rad, dodan 18.11.2013
Izrazite značajke glazbene kulture renesanse: pojava oblika pjesama (madrigal, villancico, frottol) i instrumentalne glazbe, pojava novih žanrova (solo pjesma, kantata, oratorij, opera). Pojam i glavne vrste glazbene teksture.
sažetak, dodan 18.01.2012
Formiranje glazbe kao umjetničke forme. Povijesne etape nastanka glazbe. Povijest nastanka glazbe u kazališnim predstavama. koncept " glazbeni žanr". Dramaturške funkcije glazbe i glavne vrste glazbenih karakteristika.
sažetak, dodan 23.05.2015
Mehanizam nastanka klasične glazbe. Izrastanje klasične glazbe iz sustava govornih glazbenih iskaza (izražaja), njihovo oblikovanje u žanrovima glazbene umjetnosti (zborovi, kantate, opera). Glazba kao nova umjetnička komunikacija.
sažetak, dodan 25.03.2010
Rođenje svjetske rock kulture: "country", "rhythm and blues", "rock and roll". Osvit slave rock and rolla i njegov pad. Pojava rock stila. Priča legendarni bend"Beatlesi". Legendarne rock zvijezde. Kraljevi gitara, formacija hard rocka.
sažetak, dodan 08.06.2010
Tradicija narodne kulture u glazbenom odgoju i obrazovanju djece. Sviranje na instrumentima kao vrsta glazbene aktivnosti predškolske djece. Preporuke o korištenju instrumentalne kulture za razvoj glazbenih sposobnosti djece.
diplomski rad, dodan 05.08.2010
Mjesto rock glazbe u masovnoj glazbenoj kulturi XX. stoljeća, njezin emocionalni i ideološki utjecaj na publiku mladih. Trenutna pozicija Ruski rock na primjeru djela V. Tsoija: osobnost i kreativnost, misterij kulturnog fenomena.
seminarski rad, dodan 26.12.2010
Osobitosti suvremene sociokulturne situacije koje utječu na proces formiranja glazbene i estetske kulture učenika, tehnologija njezina razvoja u nastavi glazbe. Učinkovite metode koje pridonose odgoju glazbene kulture kod adolescenata.
diplomski rad, dodan 12.07.2009
Sinteza afričkih i europske kulture i tradicije. Razvoj jazza, razvoj novih ritmičkih i harmonijskih modela jazz glazbenika i skladatelja. Jazz u novom svijetu. Žanrovi jazz glazbe i njihove glavne značajke. jazz glazbenici Rusija.
Izvedba gitare u Rusiji ima svoju jedinstvenu povijest. Međutim, u ovom ćemo radu razmotriti samo one stranice koje su izravno povezane s praksom sviranja gitare sa sedam žica i utječu na značajke na kojima se temelji oblikovanje ruskog stila gitare.
Ruska gitaristička škola nastala je u vrijeme kada se u zapadnoj Europi klasična gitara već deklarirala kao samostalni solistički koncertni instrument. Posebno je bila popularna u Italiji. Španjolska. Nastupio je niz izvođača i skladatelja. stvorio novi, klasični repertoar. Najpoznatiji od njih su D. Aguado. M. Giuliani. F. Carulli, M. Carcassi. Kasnije su se tako izvanredni glazbenici kao što su Franz Schubert, Niccolò Paganini, Carl Weber i drugi okrenuli PR-u i pisali za njega.
Glavna razlika između ruske gitare i klasične gitare popularne u Europi bio je broj žica (sedam, a ne šest) i princip njihovog ugađanja. Pitanje ugađanja uvijek je bilo kamen temeljac prastare rasprave o prednosti gitare sa šest ili sedam žica. Shvaćajući posebnu važnost ovog pitanja, smatramo potrebnim vratiti se na temu podrijetla gitare sa sedam žica i njezine pojave u Rusiji.
Do kraja XVIII stoljeća. u Europi je postojalo više tipova gitara raznih dizajna, veličina, s različitim brojem žica i mnogo načina ugađanja (dovoljno je spomenuti da je broj žica varirao od pet do dvanaest) -. Velika skupina gitara bila je ujedinjena po principu ugađanja žica po kvartama s jednom velikom tercom u sredini (zbog praktičnosti nazvat ćemo to ugađanje kvartom). Ovi su instrumenti bili naširoko korišteni u Italiji. Španjolska. Francuska.
U Velikoj Britaniji, Njemačkoj, Portugalu i srednjoj Europi postojala je skupina glazbala s tzv. tercnim sustavom, u kojem su se pri ugađanju glasovnih žica preferirale terce (npr. dvije velike terce bile su odvojene kvartom).
Obje ove skupine instrumenata ujedinila je činjenica da se glazba napisana za jednu ljestvicu može svirati koristeći mali aranžman na instrumentu druge ljestvice.
Za nas je zanimljiva gitara s četiri dvostruke žice, koja je iz Engleske stigla u Europu, a iz Europe u Rusiju (Sankt Peterburg). Struktura ove gitare imala je dvije vrste: četvrtu i treću. Potonja se razlikovala od ruske gitare sa sedam žica veličinom (bila je mnogo manja), ali je praktički anticipirala načela njezina ugađanja prema proširenom durskom trozvuku (g, e, c, G, F, C, G). Ova činjenica je za nas vrlo važna.
Nedostatak povijesnih dokaza o transformaciji tijela gitare, njegovoj veličini i ukupnom razmjeru žica omogućuje nam samo pretpostaviti mogućnosti za njihov razvoj. Najvjerojatnije su dimenzije vrata gitare bile određene pogodnošću sviranja, a napetost žica, njihovo ugađanje, odgovarala je tesituri pjevačkog glasa. Možda su poboljšanja dovela do povećanja tijela, zamjene metalnih krasta s nitima, a time i do smanjenja tesiture zvuka, "klizanja" cjelokupnog sustava prema dolje.
Nema pouzdanih informacija koje potvrđuju da je upravo ova gitara poslužila kao prototip ruske "sedam žica", ali njihov odnos je očit. Povijest izvedbe gitare u Rusiji povezana je s pojavom tijekom vladavine Katarine Velike (1780-90-ih) stranih gitarista koji su svirali treću i treću gitaru. Među njima su Giuseppe Sarti, Jean-Baptiste Guenglez. Postoje publikacije zbirki skladbi za 5-6 žičanu gitaru, časopisi o gitari.
Ignaz von Geld (Ignatius von Geld) po prvi put objavljuje priručnik pod nazivom "Jednostavna metoda za učenje sviranja gitare sa sedam žica bez učitelja". Nažalost, nema niti jednog primjerka ove prve ruske škole sviranja gitare, kao ni podataka o metodama podučavanja njezina autora, o vrsta gitare, kako to postaviti. Postoje samo suvremena svjedočanstva. Taj Geld je bio izvrstan engleski gitarist.
Ali pravi utemeljitelj ruske škole gitare bio sam ja koji sam se nastanio u Moskvi.Krajem 18. stoljeća. školovani glazbenik, veličanstveni harfist Andrey Osipovich Sikhra. Upravo je on uveo u praktično muziciranje gitaru sa sedam žica sa sustavom d, h, g, D, H, G, D, koja je kasnije postala poznata kao ruska.
Ne možemo znati koliko je A. Sichra bio upoznat s europskim eksperimentima u stvaranju gitara s različitim brojem žica i načinima ugađanja, je li njihove rezultate koristio u svom radu na “poboljšanju” (ali vlastitim riječima) klasične šestice. -žičana gitara. Ovo nije toliko značajno.
Bitno je da A. Sihra. Kao gorljivi obožavatelj gitarističke izvedbe, briljantan učitelj i kompetentan popularizator svojih ideja, ostavio je svijetli trag u povijesti razvoja ruske instrumentalne izvedbe. Koristeći najbolja dostignuća klasične španjolske škole gitare, razvio je metodologiju podučavanja gitare sa sedam žica, koju je kasnije izložio u knjizi objavljenoj 1832. i 1840. godine. "Škola". Korištenje klasičnih oblika i žanrova. Sychra je stvorio novi repertoar posebno za rusku gitaru i odgojio briljantnu plejadu studenata.
Zahvaljujući aktivnostima A. O. Sikhre i njegovih suradnika, gitara sa sedam žica stekla je izuzetnu popularnost među predstavnicima različitih staleža: bili su joj dragi ruska inteligencija i predstavnici srednje klase, okrenuli su joj se profesionalni glazbenici i ljubitelji svakodnevne glazbe: suvremenici su ga počeli povezivati sa samom biti ruske urbane narodne glazbe. Opis očaravajućeg zvuka gitare sa sedam žica može se pronaći u Puškinovim iskrenim stihovima. Ljermontov, Turgenjev. Čehov, Tolstoj i mnogi drugi pjesnici i pisci. Gitara se počela doživljavati kao prirodni dio ruske glazbene kulture.
Podsjetimo se da se gitara A. Sikhre pojavila u Rusiji u uvjetima kada se gitara sa sedam žica gotovo nikada nije vidjela nigdje, bilo ju je nemoguće kupiti ni u trgovinama ni od zanatskih obrtnika. Sada se ostaje samo čuditi koliko su brzo (u 2-3 desetljeća) ti majstori, među kojima su bili najveći violinisti, uspjeli uspostaviti proizvodnju ruske gitare. Ovo je Ivan Batov, Ivan Arhuzen. Ivan Krasnoščekov. Gitare bečkog majstora I. Scherzera smatrane su jednima od najboljih. Prema suvremenicima, gitare F. Savitskog, E. Eroshkina, F. Paserbskog odlikovale su se svojom jedinstvenom individualnošću. Ali sada se nećemo zadržavati na ovome, jer zaslužuje zasebnu raspravu.
Nacionalni okus gitari sa sedam žica dali su i aranžmani napisani za nju na teme ruskih narodnih pjesama. “Utjecaj narodne glazbe na glazbenu umjetnost počet će, naravno, kao dio tradicije mnogih naroda. U Rusiji je, međutim, narodna glazba postala predmet najluđeg entuzijazma ljudi za vlastitu glazbu, možda jedan od najznamenitijih pokreta ruske duše.
Da budemo pošteni, treba napomenuti. da su djela A. Sikhre na ruske teme napisana u stilu klasičnih varijacija i nisu imala takav izvorni, čisto ruski okus koji razlikuje aranžmane drugih ruskih gitarista. Osobito je Mihail Timofejevič Vysotsky, tvorac brojnih skladbi na teme ruskih narodnih pjesama, dao veliki doprinos formiranju ruske škole gitare kao izvornog nacionalnog fenomena. M. Vysotsky odrastao je u selu Ochakovo (12 km od Moskve) na imanju pjesnika M. Kheraskova, rektora Moskovskog sveučilišta, u ozračju ljubavi i poštovanja prema ruskim narodnim tradicijama. Dječak je mogao slušati divno narodni pjevači sudjelovati u narodnim obredima. Budući da je sin kmeta. Misha je mogao steći obrazovanje samo posjećujući sastanke kreativne inteligencije i kuće Kheraskovih, slušajući pjesme, rasprave i improvizirane nastupe obrazovanih gostiju.
Među njima je bio i glavni učitelj M. Vysotskog - Semyon Nikolaevich Aksenov. Primijetio je dječakovu nadarenost i počeo ga podučavati sviranje ruske gitare. I iako ove nastave nisu bile sustavne, dječak je značajno napredovao. Zahvaljujući naporima S. Aksenova, M. Vysotsky dobio je slobodu 1813. i preselio se u Moskvu radi daljnjeg obrazovanja. Kasnije, poznati glazbenik, skladatelj A. Dubuk pružio je Vysotskom značajnu pomoć u svladavanju glazbenih i teorijskih disciplina.
M. Vysotsky postao je prekrasan gitarist - improvizator, skladatelj. Uskoro mu je došla slava nenadmašnog virtuoznog gitarista. Prema suvremenicima, sviranje Vysotskog impresioniralo je ne samo njegovom izvanrednom tehnikom, već i nadahnućem, bogatstvom. glazbena fantazija. Činilo se da se stopio s gitarom: bila je to živi izraz njegova duhovnog raspoloženja, njegovih misli.
Ovako je njegov učenik i kolega gitarist I. E. Lyakhov ocijenio sviranje Vysockog: - Njegovo je sviranje bilo neshvatljivo, neopisivo i ostavljalo je takav dojam kakav nikakve note i riječi ne mogu prenijeti. Ovdje je pred vama žalosno, nježno, sjetno zvučala pjesma prelje; mali fermato - i sve kao da joj govori kao odgovor: kažu, uzdišući, basovi, odgovaraju im plačni glasovi visokih, a cijeli je ovaj zbor prekriven bogatim pomirljivim akordima; ali onda se zvuci, kao umorne misli, pretvaraju u ravnomjerne triode, tema gotovo nestaje, kao da je pjevač o nečem drugom razmišljao; ali ne, opet se vraća na temu, na svoju misao, i to zvuči svečano i ujednačeno, pretvarajući se u molitveni adagio. Čuješ ruskog psa, uzdignutog do svetog (Sudet. Sve je tako lijepo i prirodno, tako duboko iskreno i muzikalno, kao što se rijetko viđa u drugim skladbama za ruske pjesme. Ovdje se nećete sjetiti nečeg sličnog: ovdje je sve novo i originalno.Pred nama je nadahnuti ruski glazbenik,pred vama je Vysotsky.
Izrazito obilježje rada Vysotskog bilo je oslanjanje na moćne slojeve ruske narodne pjesme i djelomice instrumentalnog stvaralaštva. To je odredilo razvoj ruske škole gitare, njezinog moskovskog ogranka. M. Vysotsky se možda manje bavio sistematiziranjem preporuka za učenje sviranja gitare sa sedam žica, iako je dao veliki broj lekcija. Ali u njegovom je radu ruska gitara sa sedam žica postala istinski nacionalni instrument, koji ima svoj poseban repertoar, posebne tehnike i stilske razlike, stil izvedbe, obrasce razvoja unutar glazbenih oblika (mislimo na vezu između poetskog sadržaja pjesme i procesa razvoja varijanti u glazbenoj skladbi). U tom pogledu za nas je M. Vysotsky. vjerojatno najvažnija figura u ruskom sviranju gitare. Njegov rad je postavio temelje originalnog stila sviranja, kao i principa dobivanja melodičnog zvuka i tehnika koje ga prate. Ali o tome će biti riječi kasnije.
Tako se nastanak izvorne škole gitare u Rusiji povezuje s imenima A. Sikhre i M. Vysotskog, kao i njihovih najboljih učenika.
Zaključno, želio bih reći da raširena uporaba gitare u Rusiji u kratkom povijesnom razdoblju ne može biti slučajnost. Umjesto toga, to je dobar dokaz održivosti instrumenta. Ima dovoljno razloga za ponos na dostignuća ruske škole gitare. No, s gorčinom se može ustvrditi da ne znamo cijelu istinu o našem instrumentu i ostavštini koja je za njega stvorena. Važno je to znati i razumjeti danas, kada je gotovo sve čime se Rusija ponosila u prošlosti uništeno do temelja, a ništa nije stvoreno da to zamijeni. Možda je vrijeme da se okrenete ruskoj gitarističkoj baštini?! Sastoji se od djela, metoda i repertoara najobrazovanijih ljudi svog vremena. Evo nekih imena: M. Stakhovich - plemić, povjesničar, književnik; A. Golikov - plemić, kolegijski matičar; V. Šarenko - doktor medicinskih znanosti; F. Zimmerman - plemić, posjednik; I. Makarov - zemljoposjednik, veliki bibliograf; V. Morkov - plemić, pravi državni vijećnik: V. Rusanov - plemić, dirigent, izvrstan urednik.
