Koji su instrumenti bili popularni u 17. stoljeću. Instrumentalna glazba 17. stoljeća

Glazba 17. i 18. stoljeća

Na prijelazu iz 16. u 17. stoljeće polifonija, koja je dominirala glazbom renesanse, počela je ustupati mjesto homofoniji (od grčkog "homos" - "jedan", "isti" i "pozadina" - "zvuk", "glas"). Za razliku od polifonije, gdje su svi glasovi ravnopravni, u homofonoj polifoniji se izdvaja jedan koji izvodi glavnu temu, a ostali imaju ulogu pratnje (pratnje). Pratnja je najčešće sustav akorada (harmonija). Odatle i naziv novog načina skladanja glazbe - homofona harmonija.

Ideje o crkvenoj glazbi su se promijenile. Sada su skladatelji nastojali ne toliko osigurati da se osoba odrekne zemaljskih strasti, već otkriti složenost njegovih duhovnih iskustava. Bilo je djela pisanih na vjerske tekstove ili parcele, ali nisu bila namijenjena obveznom izvođenju u crkvi. (Takve se skladbe nazivaju duhovnima, budući da riječ "duhovni" ima šire značenje od "crkvenog".) Glavni duhovni žanrovi 17.-18.st. - kantata i oratorij. Raste važnost svjetovne glazbe: svirala se na dvoru, u salonima aristokrata, u javnim kazalištima (prva takva kazališta otvorena su u 17. st.). Pojavila se nova vrsta glazbene umjetnosti - opera.

Instrumentalna glazba također je obilježena pojavom novih žanrova, ponajprije instrumentalnog koncerta. Violina, čembalo, orgulje postupno su se pretvorile u solističke instrumente. Glazba napisana za njih omogućila je pokazati talent ne samo za skladatelja, već i za izvođača. Prije svega, cijenila se virtuoznost (sposobnost suočavanja s tehničkim poteškoćama), koja je postupno postala sama sebi svrha i umjetnička vrijednost za mnoge glazbenike.

Skladatelji 17.-18. stoljeća obično nisu samo skladali glazbu, već i majstorski svirali instrumente, proučavali pedagoška djelatnost. Dobrobit umjetnika uvelike je ovisila o konkretnom kupcu. U pravilu je svaki ozbiljan glazbenik nastojao dobiti mjesto ili na dvoru monarha ili bogatog aristokrata (mnogi pripadnici plemstva imali su vlastite orkestre ili operne kuće), ili u hramu. Štoviše, većina skladatelja lako je spajala crkveno muziciranje sa službom svjetovnog zaštitnika.

Oratorij i kantata

Kao samostalna glazbena vrsta oratorij (tal. oratorio, od kasnolat. oratorium - "kapela") počeo se oblikovati u Italiji u 16. stoljeću. Muzikolozi podrijetlo oratorija vide u liturgijskoj drami (v. članak „Kazalište srednjovjekovna Europa") - kazališne predstave koje govore o biblijskim događajima.

Slične akcije su se izvodile u hramovima - otuda i naziv žanra. Isprva su se oratoriji pisali na tekstove Svetoga pisma, a bili su namijenjeni izvođenju u crkvi. U XVII stoljeće skladatelji su počeli skladati oratorije na modern poetskih tekstova duhovni sadržaj. Struktura oratorija bliska je operi. Ovo je veliko djelo za solo pjevače, zbor i orkestar, dramatičnog zapleta. No, za razliku od opere, u oratoriju nema scenske radnje: on govori o događajima, ali ih ne prikazuje.

u Italiji u 17. stoljeću. formirao se još jedan žanr - kantata (tal. cantata, od lat. canto- "pjevati"). Kao i oratorij, kantatu obično izvode solisti, zbor i orkestar, ali je kraća od oratorija. Na duhovne i svjetovne tekstove pisane su kantate.

Glazba Italije

Krajem 16. stoljeća u Italiji se razvija barokni umjetnički stil (od um. barocco - "čudan", "bizaran"). Ovaj stil karakterizira ekspresivnost, dramatičnost, zabavnost, želja za sintezom (povezivanjem) različiti tipovi umjetnost. Ove su se značajke u potpunosti očitovale u operi koja je nastala na prijelazu iz 16. u 17. stoljeće. Jedno djelo spajalo je glazbu, poeziju, dramaturgiju i kazališno slikarstvo.U početku je opera nosila drugačiji naziv: "drama za glazbu" (tal. dramma per musica); riječ "opera" (tal. opera - "kompozicija") pojavila se tek sredinom 17. stoljeća. Ideja o "drami za glazbu" rođena je u Firenci, u umjetničkom krugu firentinske Camerate. Sastanci kružoka održavali su se u komori (od talijanskog camera - "soba"), kod kuće. Od 1579. do 1592. u kući grofa Giovannija Bardija okupljali su se prosvijećeni ljubitelji glazbe, pjesnici, znanstvenici. Posjećivali su ga i profesionalni glazbenici - pjevači i skladatelji Jacopo Peri (1561. - 1633.) i Giulio Caccini (oko 1550. - 1618.), teoretičar i skladatelj Vincenzo Galilei (oko 1520. - 1591.), otac slavnog znanstvenika Galilea Galileija.

Sudionici firentinske Camerate bili su uzbuđeni razvojem glazbene umjetnosti. Njegovu su budućnost vidjeli u spoju glazbe i drame: tekstovi takvih djela (za razliku od tekstova složenih zborskih polifonih napjeva 16. stoljeća) postali bi razumljivi slušatelju.

Članovi kružoka pronašli su idealan spoj riječi i glazbe u antičkom teatru: stihovi su se pjevali raspjevano, svaka riječ, svaki slog zvučao je jasno. Tako je firentinska camerata došla na ideju solo pjevanja uz pratnju instrumenta - monodije (od grčkog "monos" - "jedan" i "ode" - "pjesma"). Novi stil pjevanje se počelo nazivati ​​recitativnim (od njem. recitare - "recitirati"): glazba je pratila tekst a pjevanje je bilo monotono recitiranje. Glazbene intonacije nisu bile impresivne - naglasak je bio na jasnom izgovoru riječi, a ne na prenošenju osjećaja likova.

Rane firentinske opere temeljile su se na scenama iz antičke mitologije. Prva djela novog žanra koja su došla do nas su dvije istoimene opere "Euridika" skladatelja Perija (1600.) i Caccinija (1602.). Nastali su na zapletu mita o Orfeju. Pjevanje je pratio instrumentalni sastav koji se sastojao od čembala (preteče klavira), lire, lutnje, gitare itd.

Junacima prvih opera upravljala je sudbina, a njezinu volju objavljivali su glasnici. Akcija je otvorena prologom, u kojem su opjevane vrline i snaga umjetnosti. Daljnji nastup uključivao je vokalne ansamble (operne brojeve u kojima više sudionika pjeva istovremeno), zbor i plesne epizode. Na njihovom izmjenjivanju izgrađena je glazbena kompozicija.

Opera se počela ubrzano razvijati, i to prije svega kao dvorska glazba. Plemstvo je patroniziralo umjetnost, a takva briga nije se objašnjavala samo ljubavlju prema lijepom: prosperitet umjetnosti smatrao se neizostavnim atributom moći i bogatstva. U većim gradovima Italije - Rimu, Firenci, Veneciji, Napulju - razvile su se vlastite operne škole.

Najbolje osobine različitih škola - pozornost na pjesničku riječ (Firenca), ozbiljan duhovni podtekst radnje (Rim), monumentalnost (Venecija) - kombinirao je u svom djelu Claudio Monteverdi (1567-1643). Skladatelj je rođen u talijanski grad Cremona u liječnikovoj obitelji. Kao glazbenik Monteverdi se razvijao u mladosti. Pisao je i izvodio madrigale; svirao orgulje, violu i druge instrumente. Monteverdi je studirao kompoziciju kod poznatih skladatelja toga doba. Godine 1590. kao pjevač i glazbenik pozvan je u Mantovu, na dvor vojvode Vincenza Gonzage; kasnije je vodio dvorsku kapelu. Godine 1612. Monteverdi je napustio službu u Mantovi i od 1613. nastanio se u Veneciji. Ponajviše zahvaljujući Monteverdiju 1637. godine u Veneciji je otvorena prva svjetska javna operna kuća. Tamo je skladatelj vodio kapelu katedrale San Marco. Prije smrti Claudio Monteverdi preuzeo je sveti red.

Proučavajući rad Perija i Caccinija, Monteverdi je stvorio vlastita djela ovog žanra. Već u prvim operama - "Orfej" (1607.) i "Arijadna" (1608.) - skladatelj je uspio glazbenim sredstvima prenijeti duboke i strastvene osjećaje, stvoriti napetu dramatičnu radnju. Monteverdi je autor mnogih opera, no sačuvane su samo tri - "Orfej", "Uliksov povratak u domovinu" (1640.; prema radnji starogrčkog epa "Odiseja") i "Krunidba Poppea" ( 1642).

Monteverdijeva djela skladno spajaju glazbu i tekst. Opera se temelji na monologu u kojem svaka riječ zvuči jasno, a glazba fleksibilno i suptilno prenosi nijanse raspoloženja. Monolozi, dijalozi i zborske epizode glatko se prelijevaju jedna u drugu, radnja se razvija sporo (tri-četiri čina u Monteverdijevim operama), ali dinamično. Važnu ulogu skladatelj je dodijelio orkestru. U “Orfeju” je, primjerice, koristio gotovo sve tada poznate instrumente. Orkestralna glazba ne samo da prati pjevanje, već i sama govori o događajima koji se odvijaju na pozornici i doživljajima likova. U Orfeju se prvi put pojavila uvertira (francuski ouverture, ili latinski apertura - "otvaranje", "početak") - instrumentalni uvod u veliko glazbeno djelo. Opere Claudija Monteverdija imale su značajan utjecaj na venecijanske skladatelje i postavile temelje venecijanske operne škole.

Monteverdi je pisao ne samo opere, već i sakralnu glazbu, vjerske i svjetovne madrigale. Postao je prvi skladatelj koji se nije protivio polifonoj i homofonoj metodi - zborske epizode njegovih opera uključuju polifone tehnike. U djelu Monteverdija, novo se kombiniralo sa starim - tradicijama renesanse.

Do početka XVIII stoljeća. u Napulju je nastala operna škola. Značajke ove škole - povećana pozornost na pjevanje, dominantna uloga glazbe. Upravo je u Napulju nastao vokalni stil belcanto (tal. bel canto - "lijepo pjevanje"). Belcanto je poznat po svojoj izuzetnoj ljepoti zvuka, melodije i tehničke savršenosti. U visokom registru (raspon zvuka glasa), pjevanje se odlikovalo lakoćom i prozirnošću tona, u niskom registru - baršunastom mekoćom i gustoćom. Izvođač je morao biti u stanju reproducirati mnoge nijanse boje glasa, kao i majstorski prenijeti brojne brze nizove zvukova nadređenih glavnoj melodiji - koloraturi (it. coloratura - "ukras"). Poseban zahtjev bila je ravnomjernost zvuka glasa - u sporim melodijama ne bi se smjelo čuti disanje.

U 18. stoljeću opera postaje glavna vrsta glazbene umjetnosti u Italiji, čemu je pogodovala visoka profesionalna razina pjevača koji su se školovali na konzervatorijima (tal. conservatorio, err lat. conserve - "čuvam") - obrazovnim ustanovama koje su osposobljavale glazbenici. Do tada su stvorena četiri konzervatorija u središtima talijanske opere - Veneciji i Napulju. Popularnosti žanra također su poslužile operne kuće koje su otvorene u različitim gradovima zemlje, dostupne svim segmentima društva. Talijanske opere postavljale su se u kazalištima velikih europskih metropola, a skladatelji iz Austrije, Njemačke i drugih zemalja pisali su opere na talijanske tekstove.

Značajna dostignuća glazbe Italije XVII-XVIII stoljeća. te na području instrumentalnih žanrova. Skladatelj i orguljaš Girolamo Frescobaldi (1583-1643) mnogo je učinio za razvoj orguljaškog stvaralaštva. "U crkvenoj glazbi postavio je temelje novom stilu. Njegove skladbe za orgulje detaljne su skladbe fantazijskog (slobodnog) skladišta. Frescobaldi je postao poznat po svom virtuoznom sviranju i umijeću improvizacije na orguljama i klaviru. Violinska umjetnost je procvjetala . Do tog vremena u Italiji su se razvile tradicije proizvodnje violina. Nasljedni majstori obitelji Amati, Guarneri, Stradivari iz grada Cremone razvili su dizajn violine, metode njezine izrade, koji su držani u dubokoj tajnosti i prošli s generacije na generaciju.Instrumenti koje su izradili ovi majstori imaju nevjerojatno lijep, topao zvuk, sličan ljudskom glasu.Stekli su popularnost kao ansambl i solo instrument.

Utemeljitelj rimske violinske škole je Arcangelo Corelli (1653-1713), jedan od tvoraca žanra concerto grosso (um. concerto grosso - "veliki koncert"). Koncert obično uključuje solo instrument (ili grupu instrumenata) i orkestar. "Veliki koncert" izgrađen je na izmjeni solističkih epizoda i zvuka cijelog orkestra koji je u 17. stoljeću bio komorni i uglavnom gudački. Corellijevi solisti uglavnom su bili violina i violončelo. Njegovi koncerti sastojali su se od dijelova različitog karaktera; njihov je broj bio proizvoljan.

Jedan od istaknutih majstora violinske glazbe je Antonio Vivaldi (1678.-1741.). Proslavio se kao briljantan virtuoz na violini.

Suvremenike je privlačio njegov dramatični stil izvedbe, pun neočekivanih kontrasta. Nastavljajući tradiciju Corellija, skladatelj je radio u žanru "velikog koncerta". Broj djela koja je napisao je golem - četiri stotine šezdeset pet koncerata, četrdeset opera, kantata i oratorija.

Stvarajući koncerte, Vivaldi je težio svijetlim i neobičnim zvukovima. Pomiješao je glasove različite instrumente, često uključene disonance (oštre konsonancije) u glazbi; za soliste je birao tada rijetke instrumente - fagot, mandolinu (smatrala se uličnim). Vivaldijevi koncerti sastoje se od tri dijela, pri čemu se prvi i posljednji izvode u brzom ritmu, a srednji je spor. Mnogi Vivaldijevi koncerti imaju program – naslov ili čak književnu posvetu. Ciklus "Godišnja doba" (1725.) jedan je od najranijih primjera programa orkestralna glazba. Četiri koncerta ovog ciklusa - "Proljeće", "Ljeto", "Jesen", "Zima" - živopisno oslikavaju prirodu. Vivaldi je u glazbi uspio prenijeti pjev ptica ("Proljeće", prvi dio), grmljavinu ("Ljeto", treći dio), kišu ("Zima", drugi dio). Virtuoznost, tehnička složenost nisu ometali slušatelja, već su pridonijeli stvaranju nezaboravne slike. Vivaldijevo koncertno djelo postalo je živo utjelovljenje baroknog stila u instrumentalnoj glazbi.

Operaseria i operabuffa

U XVIII stoljeću. formiraju se operni žanrovi kao što su opera seria (tal. opera seria - "ozbiljna opera") i operabuffa (tal. opera buffa - "komična opera"). Operaseria se etablirala u radu Alessandra Scarlattija (1660.-1725.) - utemeljitelja i najveći predstavnik napuljska operna škola. Za života je skladao više od stotinu takvih djela. Za opernu seriju obično se birala mitološka ili povijesna radnja. Otvarala se uvertirom, a sastojala se od dovršenih brojeva - arija, recitativa i zborova. Glavnu ulogu imale su velike arije; obično su se sastojale od tri dijela, a treći je bio ponavljanje prvoga. U arijama su likovi izrazili svoj stav prema događajima koji su se odvijali.

Bilo je nekoliko vrsta arija: herojska, patetična (strastvena), žalosna itd. Za svaku je korišten određeni raspon izražajnih sredstava: u herojskim arijama - odlučne, invokativne intonacije, živahni ritam; u žalobnim - kratke, isprekidane glazbene fraze koje pokazuju uzbuđenje junaka, itd. Recitativi, mali fragmenti veličine, služili su za odvijanje dramske priče, kao da je pokreću naprijed. Heroji su razgovarali o planovima za daljnje akcije, ispričali jedni drugima o događajima koji su se dogodili. Recitativi su podijeljeni u dvije vrste: secco (od talijanskog secco - "suho") - brzo vrtenje jezika uz srednje akorde čembala i accompaniato (tal. Assotraniato - "uz pratnju") - izražajno recitiranje uz zvuk orkestar. Secco se češće koristio za razvoj radnje, accompaniato - za prenošenje misli i osjećaja junaka. Zborovi i vokalni ansambli komentirali su što se događalo, ali nisu sudjelovali u događanjima.

Broj aktivnih liasa ovisio je o vrsti parcele i bio je strogo definiran; isto vrijedi i za odnose likova. Utvrđene su vrste solističkih vokalnih brojeva i njihovo mjesto u scenskoj radnji. Svaki lik imao je svoju boju glasa: lirski junaci - sopran i tenor, plemeniti otac ili negativac - bariton ili bas, fatalna junakinja - kontraalt.

Do sredine XVIII stoljeća. nedostaci operne serije postali su očiti. Predstava je često bila tempirana uz dvorska slavlja, pa je posao morao završiti sretno, što je ponekad izgledalo nevjerojatno i neprirodno. Često su tekstovi bili napisani umjetnim, istančanim jezikom. Skladatelji su ponekad zanemarivali sadržaj i pisali glazbu koja nije odgovarala karakteru siene ili situaciji; bilo je puno pečata, nepotrebnih vanjskih efekata. Pjevači su pokazali vlastitu virtuoznost, ne razmišljajući o ulozi arije u djelu u cjelini. Operuseria se počela zvati "koncert u kostimima". Publika nije pokazala ozbiljnije zanimanje za samu operu, već je odlazila na izvedbe za "krunsku" ariju slavne pjevačice; tijekom akcije gledatelji su ulazili i izlazili iz dvorane.

Operabuffu su također formirali napuljski majstori. Prvi klasični primjer takve opere je Sluškinjin sluga (1733.) skladatelja Giovannija Battiste Pergolesija (1710.-1736.). Ako su u operi seria u prvom planu - arije, onda u operi buffa - kolokvijalni dijalozi, izmjenjujući se s vokalni ansambli. U operebuffa, potpuno drugačija glavna likovi. To su u pravilu obični ljudi - sluge, seljaci. Zaplet se temeljio na zabavnoj intrigi s dotjerivanjem, zavaravanjem glupog bogatog vlasnika od strane sluga itd. Od glazbe je bila potrebna elegantna lakoća, od akcije - brzina.

Na Operubuffu je velik utjecaj imao talijanski dramatičar, tvorac nacionalne komedije Carlo Goldoni. Najduhovitija, živa i najživahnija djela ovog žanra stvorili su napuljski skladatelji: Niccolo Piccinni (1728.-1800.) - "Chekkina, ili Dobra kći" (1760.); Giovanni Paisiello (1740-1816) - "Seviljski brijač" (1782), "Mlinar" (1788); pjevač, violinist, čembalist i skladatelj Domenico Cimarosa (1749.-1801.) - "Tajni brak" (1792.).

Gudački instrumenti

Preteče modernih gudačkih gudala - violine, viole, violončela i kontrabasa - su viole. Pojavili su se krajem 15. - početkom 16. stoljeća. a ubrzo su zahvaljujući mekom i nježnom zvuku počeli igrati vodeću ulogu u orkestrima.

Postupno su viole zamijenjene novim, naprednijim žičanim gudačkim instrumentima. U XVI-XVII stoljeću čitave škole obrtnika radile su na njihovom stvaranju. Najpoznatije od njih su dinastije proizvođača violina koje su nastale na sjeveru Italije - u gradovima Cremona i Brescia.

Osnivač kremonske škole je Andrea Amati (oko 1520. - oko 1580.). Njegov unuk Nicolo Amati (1596.-1684.) posebno se proslavio svojom umjetnošću. Učinio je uređaj violine gotovo savršenim, pojačao zvuk instrumenta; pritom je sačuvana mekoća i toplina zvuka. Obitelj Guarneri djelovala je u Cremoni u 17.-18. Osnivač dinastije je Andrea Guarneri (1626.-1698.), učenik Nicolòja Amatija. Izvanredni majstor Azuseppe Guarneri (1698.-1744.) razvio je novi model violine, drugačiji od instrumenta Amati.

Tradiciju škole Amati nastavio je Antonio Stradivari (1644-1737). Studirao je kod Nicolò Amati, a 1667. otvorio je vlastiti obrt. Stradivari je više od drugih majstora uspio zvuk violine približiti boji ljudskog glasa.

Obitelj Magini radila je u Brecheu; najbolje violine izradio je Giovanni Magini (1580-1630 ili 1632).

Gudačko gudačko glazbalo najvišeg registra je violina. Slijede viola, violončelo, kontrabas u silaznom nizu zvukova. Oblik tijela (ili rezonantne kutije) violine podsjeća na obrise ljudskog tijela. Korpus ima gornju i donju palubu (njemački Decke - "poklopac"), pri čemu je prva izrađena od smreke, a druga od javora. Dekovi služe za refleksiju i pojačavanje zvuka. Na vrhu se nalaze rezonatorske rupe (u obliku latiničnog slova f; ne zovu se slučajno "efs"). Uz tijelo je pričvršćen vrat; obično se izrađuje od ebanovine. To je dugačka uska ploča preko koje su napete četiri žice. Klinovi se koriste za zatezanje i ugađanje žica; nalaze se i na pragu.

Viola, violončelo i kontrabas po strukturi su slični violini, ali veći od nje. Viola nije velika, drži se na ramenu. Violončelo je veće od viole, a prilikom sviranja glazbenik sjedi na stolici, a instrument stavlja na pod, između nogu. Kontrabas je veći od violončela, pa izvođač mora stajati ili sjediti na visokoj stolici, a instrument postaviti ispred sebe. Tijekom igre svirač gudalom vodi strune, što je drveni štap s napetom konjskom dlakom; žica vibrira i proizvodi melodičan zvuk. Kvaliteta zvuka ovisi o brzini kretanja gudala i snazi ​​kojom ono pritišće strunu. Prstima lijeve ruke izvođač skraćuje žicu, pritišćući je na raznim mjestima uz prag - na taj način postiže različite visine tona. Na instrumentima ove vrste zvuk se može izvući i trzanjem ili udaranjem po žici drvenim dijelom gudala. Zvuk gudala vrlo je izražajan, izvođač može glazbi dati najfinije nijanse.

Puhački instrumenti su najstarija vrsta glazbenih instrumenata koja je u srednji vijek stigla iz antike. Međutim, u procesu razvoja i formiranja srednjovjekovne zapadne civilizacije, opseg puhačkih instrumenata uvelike je proširen: neki, poput, na primjer, oliphant, pripadaju dvorovima plemenitih seigneura, drugi - flaute - koriste se iu narodu i u narodu. okruženju i među profesionalnim glazbenicima, a opet neki, poput trube postaju isključivo vojna glazbala.

Najstariji predstavnik puhačkim instrumentima u Francuskoj vjerojatno treba smatrati fretel (fretel), odnosno "Panovu frulu". Sličan instrument može se vidjeti na minijaturi iz rukopisa iz 11. stoljeća. u Nacionalnoj knjižnici u Parizu (slika I). Ovo je višecijevna frula, koja se sastoji od niza cijevi (trska, trska ili drvo) različitih duljina, s jednim otvorenim, a drugim zatvorenim krajem. Fretel se često spominje zajedno s drugim vrstama flauta u romanima XI-XII stoljeća. Međutim, već u XIV.st. o fretelu se govori samo kao o glazbenom instrumentu koji se svira na seoskim praznicima, postaje instrumentom puka.

Flauta (fluûte), naprotiv, doživljava "uspon": od običnog pučkog instrumenta postaje dvorski. Najstarije flaute pronađene su na području Francuske u galsko-rimskom kulturnom sloju (I-II stoljeća nove ere). Većina njih su kosti. Sve do 13. stoljeća flauta je obično dvostruka, kao na minijaturi iz rukopisa iz 10. stoljeća. iz Nacionalne knjižnice u Parizu (slika 3), a cijevi mogu biti iste ili različite duljine. Broj rupa na cijevi frule mogao je varirati (od četiri do šest, sedam). Flaute su obično svirali ministranti, žongleri, a često je njihova svirka prethodila pojavi svečane povorke ili neke visoke osobe.

Ministreli su također svirali duplu flautu s trubama različite duljine. Takva je svirala prikazana na vinjeti iz rukopisa iz 13. stoljeća. (slika 2). Na minijaturnoj slici možete vidjeti orkestar od tri svirača: jedan svira violu; drugi na sličnoj flauti sličnoj modernom klarinetu; treći udara u četvrtastu tamburu od kože napetu preko okvira. Četvrti lik toči vino glazbenicima da ih okrijepi. Slični orkestri flaute, bubnja i violine postojali su u selima Francuske sve do početka 19. stoljeća.

U XV stoljeću. počele su se pojavljivati ​​svirale od kuhane kože. Štoviše, sama svirala mogla je biti okruglog i osmerokutnog presjeka, a ne samo ravna, već i valovita. Sličan alat sačuvan je u privatna zbirka g. Fo (slika 4). Duljina mu je 60 cm, na najširem dijelu promjer je 35 mm. Tijelo je od crne kuhane kože, ukrasna glava je farbana. Takva frula poslužila je kao prototip za izradu serpanske cijevi. Serpanske frule korištene su i tijekom bogosluženja u crkvama i na svjetovnim svečanostima. Poprečne svirale, kao i flažoleti, prvi put se spominju u tekstovima 14. stoljeća.

Druga vrsta puhačkih instrumenata su gajde. U srednjovjekovnoj Francuskoj također ih je bilo nekoliko vrsta. Riječ je o chevrette - puhačkom instrumentu koji se sastoji od torbe od kozje kože, zračne cijevi i dude. Glazbenik koji svira ovaj instrument (slika 6) prikazan je u rukopisu iz 14. stoljeća. "Romantika o ruži", iz Nacionalne knjižnice u Parizu. Neki izvori razdvajaju chevret i gajde, dok drugi jednostavno nazivaju chevret "male gajde". Alat, koji svojim izgledom jako podsjeća na chevret, još u 19. stoljeću. sastali u selima francuskih pokrajina Burgundije i Limousin.

Druga vrsta gajdi bila je horo ili horum (choro). Prema opisu pronađenom u rukopisu iz opatije sv. Vlaha (IX. stoljeće), ovo je puhački instrument s cijevi za dovod zraka i cijevi, a obje cijevi se nalaze u istoj ravni (oni su, takoreći, nastavak jedna druge). U središnjem dijelu hora nalazi se rezervoar za zrak, izrađen od dotjerane kože, savršenog sferičnog oblika. Budući da je koža “torbe” počela vibrirati kada je svirač puhao u horo, zvuk je bio pomalo klepetav i oštar (slika 6).

Gajde (coniemuese), francuski naziv za ovaj instrument dolazi od latinskog corniculans (rogat) i nalazi se u rukopisima tek od 14. stoljeća. Ni izgled ni uporaba u srednjovjekovnoj Francuskoj nisu se razlikovali od tradicionalnih škotskih gajdi koje su nam poznate, što se može vidjeti na slici iz rukopisa iz 14. stoljeća. (slika 9).

Rogovi i rogovi (corne). Sva ova puhačka glazbala, uključujući veliki olifantov rog, malo se međusobno razlikuju po dizajnu i upotrebi. Izrađivali su se od drveta, kuhane kože, slonovače, rožine i metala. Obično su se nosile o pojasu. Raspon zvučnih rogova nije širok, ali lovci XIV. na njima su se svirale jednostavne melodije sastavljene od određenih signala. Lovački rogovi, kao što smo već rekli, prvo su se nosili za pojasom, zatim, do 16. stoljeća, na remenu preko ramena; sličan privjesak često se nalazi na slikama, posebice u Knjizi o lovu Gastona Phoebea (sl. 8). Lovački rog plemenitog gospodara dragocjena je stvar; tako je Siegfried u "Pjesmi o Nibelunzima" sa sobom u lov nosio zlatni rog fine izrade.

Zasebno treba reći o alifantu - ogromnom rogu s metalnim prstenovima napravljenim posebno tako da se oliphant može objesiti s desne strane svog vlasnika. Izrađivali su olifante od slonovskih kljova. Koristi se u lovu i tijekom vojnih operacija za signaliziranje približavanja neprijatelja. Posebnost olifanta je da je mogao pripadati samo suverenom seigneuru, u čijoj su podređenosti baroni. Časnu prirodu ovog glazbenog instrumenta potvrđuje skulptura iz 12. stoljeća. iz crkve opatije u Vasellesu, gdje je prikazan anđeo s olifantom na boku koji naviješta rođenje Spasitelja (sl. 13).

Rogovi za lov razlikovali su se od onih koje su koristili ministranti. Potonji je koristio instrument naprednijeg dizajna. Na kapitelu stupa iz iste crkve opatije u Vazelleu prikazan je ministrant (sl. 12) koji svira rog, na kojemu su ne samo uzduž cijevi, već i na zvonu napravljene rupe, što je omogućilo modulaciju zvuka, dajući mu veću ili manju glasnoću.

Lule su bile predstavljene pravom lulom (trompe) i zakrivljenim cijevima dužim od jednog metra - busine. Bazge su se izrađivale od drveta, kuhane kože, ali najčešće od mjedi, što se vidi na minijaturi iz rukopisa iz 13. stoljeća. (slika 9). Zvuk im je bio oštar i glasan. A pošto se daleko čulo, starješine su u vojsci služile za jutarnje buđenje, davale su znake da se makne tabor, da se isplove lađe. Najavili su i dolazak kraljevske obitelji. Tako je 1414. godine ulazak Karla VI u Pariz najavljen zvucima starješina. Zbog posebne jačine zvuka u srednjem vijeku vjerovalo se da će anđeli sviranjem bazge najaviti početak Sudnjeg dana.

Truba je bila isključivo vojno glazbeno glazbalo. Odslužila je odgoj u vojsci borbeni duh, da skupi vojsku. Lula je manja od bazge i metalna je cijev (ravna ili višestruko savijena) s nastavkom na kraju. Sam pojam pojavio se krajem 15. stoljeća, ali instrument ove vrste (ravne cijevi) koristio se u vojsci od 13. stoljeća. Do kraja XIV stoljeća. mijenja se oblik lule (tijelo joj se savija), a sama lula je obavezno ukrašena plamencem s grbom (sl. 7).

Posebna vrsta cijevi - serpan (zmija) - poslužila je kao prototip mnogim modernim puhačkim instrumentima. U zbirci g. Fo nalazi se srp (sl. 10), izrađen od kuhane kože, visine mu je 0,8 m, a ukupna dužina 2,5 m. Glazbenik je držao instrument objema rukama, dok je lijevom držao zakrivljeni dio (A), a prsti desne ruke prelazili su preko rupa napravljenih na gornjem dijelu srpa. Zvuk serpana bio je snažan, ovaj se puhački instrument koristio iu vojnim orkestrima iu crkvenim službama.

Orgulje (orgue) stoje pomalo izdvojeno u obitelji puhačkih instrumenata. Ovaj klavijaturno-pedalni instrument sa sklopom od nekoliko desetaka cijevi (registara) koji se ozvučavaju upuhivanjem zraka mijehom za sada se povezuje samo s velikim stacionarnim orguljama - crkvenim i koncertnim (sl. 14). No, možda je u srednjem vijeku bila raširenija druga vrsta ovog glazbala, ručne orgulje (orgue de main). Temelji se na "Panovoj fruli" koja se ozvučava uz pomoć komprimiranog zraka koji ulazi u cijevi iz spremnika s otvorima zatvorenim ventilima. No već u antici, u Aziji, staroj Grčkoj i Rimu, bile su poznate velike orgulje s hidrauličkim upravljanjem. Na Zapadu su se ovi instrumenti pojavili tek u 8. stoljeću, i to već tada kao darovi zapadnim monarsima od bizantskih careva (Konstantin V. Kopronim takve je orgulje poslao na dar Pipinu Malom, a Konstantin Kuropolat Karlu Velikom i Ludoviku I. Dobro).

Slike ručnih organa pojavljuju se u Francuskoj tek u 10. stoljeću. Desnom rukom svirač prebira po tipkama, a lijevom pritišće mijeh koji pumpa zrak. Sam instrument obično se nalazi na glazbenikovim prsima ili trbuhu.Kod ručnih orgulja obično ima osam cijevi i, prema tome, osam tipki. Tijekom 13.-14. stoljeća orgulje se praktički nisu mijenjale, ali je broj cijevi mogao varirati. Tek se u 15. st. kod ručnih orgulja pojavljuje drugi red cijevi i dvostruka klavijatura (četiri registra). Cijevi su uvijek bile metalne. Ručne orgulje njemačkog rada 15. stoljeća. dostupan u münchenskom Pinoteku (Sl. 15).

Orgulje su postale raširene među putujućim glazbenicima koji su mogli pjevati uz pratnju na instrumentu. Zvučale su na gradskim trgovima, na seoskim praznicima, ali nikad u crkvama.

Orgulje, manje od crkvenih, ali više od ručnih, svojedobno su se nalazile u dvorcima (primjerice na dvoru Karla V.) ili su se mogle postaviti na ulične platforme tijekom svečanih ceremonija. Tako je nekoliko sličnih orgulja zazvučalo u Parizu, kada je Izabela Bavarska svečano ušla u grad.

Možda ne postoji civilizacija koja nije izumila glazbeni instrument sličan bubnju. Osušena koža nategnuta preko lonca ili izdubljena cjepanica - to je već bubanj. Međutim, iako su bubnjevi poznati još od starog Egipta, u ranom srednjem vijeku malo su se koristili. Tek od vremena križarskih ratova spominjanje bubnjeva (tambura) postalo je redovno, a počevši od 12.st. pod tim imenom nalaze se glazbala najrazličitijih oblika: duge, dvojne, tambure itd. Do kraja 12.st. ovaj instrument, koji zvuči na bojnom polju iu banketnoj dvorani, već privlači pažnju glazbenika. Pritom je toliko raširen da je u 13.st. Trouvers, koji tvrde da čuvaju drevne tradicije u svojoj umjetnosti, žale se na "dominaciju" bubnjeva i tambura, koji zamjenjuju "plemenitija" glazbala.

Tambure i bubnjevi prate ne samo pjevanje, nastupe trouveursa, već ih prihvaćaju i lutajući plesači, glumci, žongleri; žene plešu, prateći svoje plesove sviranjem tambura. Pritom se u jednoj ruci drži tambura (tambour, bosquei), a druga, slobodna, ritmički udara po njoj. Ponekad su se ministranti, svirajući frulu, pratili na tamburi ili bubnju, koje su remenom pričvrstili na lijevom ramenu. Ministrel je svirao na flauti, prateći njezino pjevanje ritmičkim udarcima u tamburu, koju je izrađivao glavom, što se vidi na skulpturi iz 13. stoljeća. s pročelja Kuće glazbenika u Reimsu (slika 17).

Prema skulpturi Doma glazbenika poznati su i saracenski, odnosno dupli bubnjevi (sl. 18). U doba križarskih ratova našli su distribuciju u vojsci, jer su se lako postavljali s obje strane sedla.

Druga vrsta udaraljki, uobičajena u srednjem vijeku u Francuskoj, bio je timbar (tymbre, cembel) - dvije polutke, a kasnije - ploče, izrađene od bakra i drugih legura, koje su se koristile za udaranje takta, ritmičku pratnju plesova. U limoškom rukopisu iz 12.st. iz Nacionalne knjižnice u Parizu, plesačica je prikazana s ovim instrumentom (sl. 14). Do 15. stoljeća odnosi se na ulomak skulpture s oltara iz opatske crkve u O, na kojoj je timbar korišten u orkestru (sl. 19).

Zvuk bi trebao uključivati ​​činelu (cymbalum) - instrument koji je bio prsten s brončanim cijevima zalemljenim na njega, na čijim krajevima zvona zvone kada se trese, slika ovog instrumenta poznata je iz rukopisa iz 13. stoljeća. iz opatije svetoga Vlaha (sl. 20). Cimbal je bio uobičajen u Francuskoj tijekom ranog srednjeg vijeka a koristio se i u svjetovnom životu i u crkvama – davali su znak za početak bogoslužja.

U srednjovjekovne udaraljke spadaju i zvona (chochettes). Bila su jako raširena, zvona su zvonila za vrijeme koncerata, šivala su se na odjeću, vješala sa stropova u stanovima – da ne govorimo o upotrebi zvona u crkvi... Zvona su također pratila plesove, a ima i primjera za to – slike na minijaturama, s početka 10. stoljeća! U Chartresu, Sensu, Parizu, na portalima katedrala možete pronaći bareljefe na kojima žena koja udara u viseća zvona simbolizira glazbu u obitelji Liberalnih umjetnosti. Kralj David je prikazan kako svira u zvona. Kao što se vidi na minijaturi iz Biblije iz 13. stoljeća, on ih svira uz pomoć maljeva (sl. 21). Broj zvona mogao je varirati - obično od pet do deset ili više.

U srednjem vijeku rođena su i turska zvona - vojni glazbeni instrument (neki turska zvona zovu cimbale).

U XII stoljeću. moda za zvona ili zvona ušivena na odjeću postala je raširena. Koristile su ih i dame i muškarci. Štoviše, potonji se dugo nije odvajao od ove mode, sve do XIV stoljeća. Tada je bilo uobičajeno ukrašavati odjeću debelim zlatnim lancima, a muškarci su često na njih vješali zvona. Ta je moda bila znak pripadnosti visokom feudalnom plemstvu (sl. 8 i 22) - sitnom plemstvu i buržoaziji bilo je zabranjeno nositi zvona. Ali već u XV.st. zvona ostaju samo na odjeći šaljivdžija. Orkestarski život ovoga udaraljkaški instrument traje do danas; i od tada se nije puno promijenio.

Od svih srednjovjekovnih gudačkih instrumenata, viola (vièle) je najplemenitija i najteža za izvođenje. Prema opisu dominikanskog redovnika Jeronima Moravskog, u XIII.st. viola je imala pet žica, ali ranije minijature prikazuju instrumente s tri i četiri žice (sl. 12 i 23, 23a). U isto vrijeme, žice se povlače i na "konju" i izravno na palubi. Sudeći prema opisima, viola nije zvučala glasno, ali vrlo melodično.

Zanimljiva je skulptura s pročelja Doma glazbenika koja prikazuje glazbenika u prirodnoj veličini (sl. 24) koji svira violu s tri žice. Budući da su žice zategnute u istoj ravnini, gudalo, izvlačeći zvuk iz jedne žice, može dodirivati ​​ostale. Posebnu pažnju zaslužuje “modernizirano” za sredinu 13. stoljeća. oblik luka.

Do sredine XIV stoljeća. u Francuskoj se viola oblikom približava suvremenoj gitari, što je vjerojatno omogućilo lakše sviranje gudalom (sl. 25).

U XV stoljeću. javljaju se velike viole – viola de gamba. Svirali su s instrumentom između koljena. Do kraja petnaestog stoljeća viola de gamba postaje sedmožičana. Kasnije će violu de gamba zamijeniti violončelo. Sve vrste viola bile su vrlo raširene u srednjovjekovnoj Francuskoj, sviranje na njima pratilo je i svečanosti i intimne večeri.

Viola se od croutha razlikovala po dvostrukom pričvršćivanju žica na zvučnoj ploči. Bez obzira koliko žica ima na ovom srednjovjekovnom instrumentu (na najstarijim krugovima su tri), one su uvijek pričvršćene za “konja”. Osim toga, sama zvučna ploča ima dvije rupe duž žica. Ove rupe su prolazne i služe da se kroz njih provuče lijeva ruka, čiji prsti naizmjence pritišću žice na palubu, pa ih otpuštaju. Izvođač je obično držao gudalo u desnoj ruci. Jedan od najstarijih prikaza kroota nalazi se u rukopisu iz 11. stoljeća. iz limoške opatije sv. Marcijal (sl. 26). No, mora se naglasiti da je krut pretežno engleski i saksonski instrument. Broj žica na krugu raste s vremenom. I premda se smatra rodonačelnikom svih gudačkih instrumenata s gudalom, krut nikada nije zaživio u Francuskoj. Mnogo češći nakon 11. stoljeća. ovdje se nalazi ruber ili gigue.

Gigue (gigue, gigle), očito, izmislili su Nijemci, oblikom podsjeća na violu, ali nema presretanje na palubi. Jig je omiljeno glazbalo ministranta. Izvedbene mogućnosti ovog instrumenta bile su znatno slabije od viole, ali je zahtijevalo i manje vještine u izvođenju. Sudeći prema slikama, glazbenici su svirali jig (sl. 27) poput violine, stavljajući eru na rame, što se vidi na vinjeti iz rukopisa "Knjiga svjetskih čuda", koja datira iz početak 15. stoljeća.

Ruber (rubère) - gudačko gudalo, podsjeća na arapski rebab. Oblikom sličan lutnji, ruber ima samo jednu žicu napetu na “greben” (sl. 29), kako je to prikazano na minijaturi u rukopisu iz opatije sv. Vlaha (IX. stoljeće). Prema Jeronimu Moravskom, u XII - XIII st. rubert je već dvožičani instrument, koristi se u ansamblskom sviranju i uvijek vodi “donju” bas partiju. Zhig, odnosno, - "gornji". Tako se ispostavlja da je monokord (monocorde) - gudačko gudačko glazbalo koje je u određenoj mjeri poslužilo kao praotac kontrabasa - također vrsta rubera, budući da se i u ansamblu koristio kao instrument koji postavlja bas ton. Ponekad je bilo moguće svirati monokord i bez gudala, kao što se vidi na skulpturi s pročelja crkve opatije u Vasellesu (sl. 28).

Unatoč širokoj upotrebi i brojnim varijantama, ruber se nije smatrao instrumentom ravnim violi. Njegova sfera - radije, ulica, narodni praznici. Nije, međutim, sasvim jasno kakav je zapravo bio zvuk rubera, budući da neki istraživači (Jerome Moravsky) govore o niskim oktavama, dok drugi (Aymeric de Peyrac) tvrde da je zvuk rubera oštar i “glasan”, slično "ženskom vrisku". Možda, međutim, govorimo o instrumentima različitih vremena, na primjer, XIV ili XVI stoljeća...

Vjerojatno rasprave o tome koji je instrument drevni treba priznati kao nevažne, jer je gudački instrument, lira, postao amblem glazbe, s kojim ćemo započeti priču o žičanim trzačkim instrumentima.

Drevna lira je žičani instrument s tri do sedam žica koje su okomito rastegnute između dva stupa postavljena na drvenu zvučnu ploču. Žice lire su se ili prstima svirale ili su se svirale uz pomoć plektrum rezonatora. Na minijaturi iz rukopisa X-XI stoljeća. (Slika 30), pohranjena u Nacionalnoj knjižnici u Parizu, možete vidjeti liru s dvanaest žica, skupljenu u skupine od po tri i rastegnute na različitim visinama (Slika 30a.) Takve lire obično imaju lijepe isklesane ručke s obje strane, za koju je bilo moguće pričvrstiti remen što je glazbeniku očito olakšalo sviranje.

Lira je u srednjem vijeku pomiješana sa sitarom (cithare), koji se također pojavio u staroj Grčkoj. Izvorno je šesterožičani trzalački instrument. Prema Jeronimu Moravskom, sitar je u srednjem vijeku bio trokutastog oblika (točnije, imao je oblik slova "delta" grčkog alfabeta), a broj žica na njemu varirao je od dvanaest do dvadeset i četiri. Sitar ove vrste (9. st.) prikazan je u rukopisu iz opatije sv. Vlasija (sl. 31). No, oblik instrumenta mogao je varirati, poznata je slika nepravilno zaobljenog sitara s ručkom koja otkriva igru ​​(sl. 32). Međutim, glavna razlika između sitara i psalteriona (vidi dolje) i ostalih trzalačkih instrumenata sa žičanim instrumentima je u tome što se žice jednostavno povlače na okvir, a ne na nekakvu "zvučnu posudu".

Srednjovjekovna guiterna (guiterne) također vodi svoje porijeklo od sitara. Oblik ovih instrumenata također je raznolik, ali obično nalikuje ili mandolini ili gitari (citri). Spominjanja takvih instrumenata počinju se nalaziti od 13. stoljeća, a sviraju ih i žene i muškarci. Giterna je pratila pjevačevo pjevanje, ali su je svirali ili uz pomoć rezonator-plektra, ili bez njega.U rukopisu "Romansa o Troji" Benoita de Saint-Maura (XIII. st.) ministrant pjeva, svirajući giter bez plektra (slika 34) . U drugom slučaju, u romanu "Tristan i Izolda" (sredina 13. st.) nalazi se minijatura koja prikazuje ministranta koji prati ples svog druga svirajući hiternu (sl. 33). Žice na hiterni su ravno nategnute (bez ždrebice), ali na tijelu postoji rupa (rozeta). Kao medijator služio je koštani štap koji se držao palcem i kažiprstom, što se jasno vidi na skulpturi glazbenika iz crkve opatije u O (sl. 35).

Gitern bi, sudeći prema dostupnim slikama, mogao biti ansambl instrument. Poznat je poklopac kovčega iz zbirke muzeja Cluny (XIV. st.), gdje je kipar na bjelokosti isklesao dražesnu žanr-scenu: dva mladića igraju se u vrtu, oduševljavaju uho; jedan ima u rukama lutnju, drugi ima hiternu (sl. 36).

Ponekad se guitern, kao i prije sitar, u srednjovjekovnoj Francuskoj nazivala kompanijom (rote), imala je sedamnaest žica. Družinu je u zatočeništvu glumio Richard Lavljeg Srca.

U XIV stoljeću. spominje se još jedno glazbalo slično githeronu – lutnja (luth). Do 15. stoljeća njegov se oblik već konačno oblikuje: vrlo konveksno, gotovo polukružno tijelo, s okruglom rupom na zvučnoj ploči. "Vrat" nije dugačak, "glava" se nalazi pod pravim kutom u odnosu na njega (slika 36). Istoj skupini instrumenata pripada i mandolina, mandora, koja je u 15.st. najraznovrsniji oblik.

Harfa (harpa) se također može pohvaliti antikom svog podrijetla - njene slike se već nalaze u Drevni Egipt. Kod Grka je harfa samo varijacija sitara; kod Kelta se zove sambuk. Oblik harfe je nepromijenjen: to je glazbalo na kojem su žice različitih duljina napete preko okvira u obliku više ili manje otvorenog kuta. Stare harfe imaju trinaest žica, ugođene u dijatonskoj ljestvici. Harfu su svirali stojeći ili sjedeći, objema rukama i ojačavajući instrument tako da je njegov uspravni stalak bio na prsima izvođača. U XII stoljeću pojavile su se i harfe malih dimenzija s različitim brojem žica. Karakteristična vrsta harfe predstavljena je na skulpturi s pročelja Kuće glazbenika u Reimsu (sl. 37). Žongleri su u svojim nastupima koristili samo njih, a mogli su se stvarati i cijeli ansambli harfista. Irci i Bretonci smatrani su najboljim harfistima. U XVI. stoljeću. harfa je u Francuskoj praktički nestala i ovdje se pojavila tek stoljećima kasnije, u svom modernom obliku.

Posebno treba istaknuti dva trzalačka srednjovjekovna glazbala. To su psaltir i sifon.

Antički psaltir je žičani instrument trokutastog oblika koji pomalo podsjeća na našu harfu. U srednjem vijeku dolazi do promjene oblika glazbala - četvrtasti psaltiri zastupljeni su i na minijaturama. Svirač ga je držao u krilu i prstima ili plektrom svirao dvadeset i jednu žicu (raspon instrumenta bio je tri oktave). Izumitelj psalterija je kralj David, koji je, prema legendi, koristio ptičji kljun kao plektrum. Minijatura iz rukopisa Gerarda od Landsberga u knjižnici u Strasbourgu prikazuje biblijskog kralja kako se igra na svom potomku (sl. 38).

U srednjovjekovnoj francuskoj književnosti počinju se spominjati psaltiri početkom XII st., oblik instrumenata mogao je biti vrlo različit (sl. 39 i 40), svirali su ih ne samo ministranti, već i žene - plemenite dame i njihova pratnja. Do XIV stoljeća. psaltir postupno napušta pozornicu ustupajući mjesto čembalu, ali čembalo nije moglo postići kromatski zvuk koji je bio karakterističan za dvožičane psalterione.

Donekle je sličan sadrenom još jedan srednjovjekovni instrument, koji je praktički nestao već u 15. stoljeću. Ovo je sifonija (chifonie) - zapadna verzija ruske harfe na kotaču. No, osim kotačića s drvenom četkom, koji pri okretanju ručke dodiruje tri ravne žice, sifon je opremljen i tipkama koje također reguliraju njegov zvuk.Na sifonu se nalazi sedam tipki, a smještene su na kraju suprotnom od onoga na kojem se kotač okreće. Sifon su obično svirale dvije osobe, zvuk instrumenta bio je, prema izvorima, skladan i tih. Crtež sa skulpture na kapitelu jednog od stupova u Boshvilleu (XII. stoljeće) pokazuje sličan način sviranja (sl. 41). Najrasprostranjeniji sifon bio je u XI-XII stoljeću. U XV stoljeću. bila je popularna mala sifonija koju je svirao jedan glazbenik. U rukopisu "Romanca o Gerardu de Neversu i lijepoj Ariani" iz Nacionalne knjižnice u Parizu nalazi se minijatura koja prikazuje glavnog junaka prerušenog u ministranta, sa sličnim instrumentom na boku (sl. 42).

POGLAVLJE 2. Gitara osvaja Europu

U 17. stoljeću gitara je nastavila osvajati Europu.
Jedna od gitara iz tog vremena pripada muzeju Royal College of Music u Londonu. Stvorio u Lisabonu 1581. izvjesni Melchior Dias.
Struktura ove gitare ima karakteristike koje će majstori glazbenih instrumenata ponavljati u svom radu više od dva stoljeća.

Talijanska battente gitara iz 17. stoljeća iz zbirke dvorca Sforza u Milanu.

Sve gitare tog vremena bile su bogato ukrašene. Za izradu tako izuzetnog predmeta, obrtnici koriste vrijedne materijale: rijetke šume (osobito crnu - ebanovinu), slonovaču, oklop kornjače. Donja paluba i bokovi ukrašeni su umetcima. Gornja paluba, naprotiv, ostaje jednostavna i izrađena je od crnogoričnog drva (najčešće smreke). Kako se ne bi potisnule vibracije, samo rezonatorska rupa i rubovi kućišta duž cijelog opsega obrubljeni su drvenim mozaicima.
Glavni ukrasni element je rozeta od reljefne kože. Ova rozeta ne samo da parira ljepoti cijelom ormariću, već i omekšava proizvedene zvukove. Očito je da su vlasnici ovih luksuznih instrumenata bili zainteresirani ne toliko za snagu i snagu koliko za sofisticiranost zvuka.
Jedan od prvih primjeraka gitara iz 17. stoljeća koji su došli do nas nalazi se u zbirci Muzeja glazbenih instrumenata Pariškog konzervatorija. Nosi ime majstora, Venecijanca Cristofa Cocoa, i datum 1602. Ravno tijelo u cijelosti je izrađeno od ploča od slonovače pričvršćenih uskim trakama smeđeg drva.

Augustine Quesnel gitarist 1610

U 17. stoljeću stil razgueado, donesen iz Španjolske, gdje je bio popularan, proširio se velikim dijelom Europe. Gitara odmah gubi važnost koju je imala za ozbiljne glazbenike. Od sada se koristi samo za pratnju, kako bi se "pjevalo, sviralo, plesalo, skakalo ... tapkalo nogama", kako piše Louis de Briseno u predgovoru svoje "Metode" (Pariz, 1626.).
Teoretičar iz Bordeauxa, Pierre Trichet, također sa žaljenjem primjećuje (oko 1640.): "Gitara, ili hyterna, široko je korišten instrument među Francuzima i Talijanima, ali osobito među Španjolcima, koji se njime služe tako nesputano kao nijedan drugi narod." Ona služi kao glazbena pratnja plesovima koji plešu, "trzajući se cijelim tijelom, gestikulirajući smiješno i smiješno, tako da sviranje instrumenta postaje nejasno i zbrkano". I ogorčen onim što mora vidjeti, Pierre Trichet nastavlja: “U Francuskoj, dame i kurtizane koje su upoznate sa španjolskom modom pokušavaju je oponašati. U tome nalikuju onima koji, umjesto da dobro jedu u svojoj kući, idu kod susjeda jesti slaninu, luk i crni kruh.

David Teniers mlađi gitarist

Koncert Mattie Prettija 1630-ih

Unatoč tome, gitara je i dalje popularna u Francuskoj. Gitara se rado koristi u baletima. U Vili iz Saint-Germainove šume (1625.) i Bogatoj udovici (1626.) glazbenici odjeveni u španjolske nošnje sviraju gitaru radi veće vjerodostojnosti. U prvom baletu, izvođači chaconne "prilagođavaju zvukove svojih gitara okretnim pokretima svojih stopala". U drugoj, koju je Njegovo Veličanstvo postavilo u Velikoj dvorani Louvrea, predvorje grenadira također se otvara uz pratnju gitare. Prema Mercure de France, sam Luj XIII. je u ovoj izvedbi na gitari pratio dvije plesačice sarabande.

Gerrit van Honthorst svira gitaru 1624

Jan Vermeer gitarist 1672

Sredinom 17. stoljeća počinje novi procvat gitare. I ovaj put ažuriranje dolazi iz Francuske. Da podučava gitaru mladog francuskog kralja, poznati učitelj i glazbenik Francesco Corbetta (1656.) pozvan je na sud. Ne usuđujući se tvrditi (za razliku od nekih dvorjana) da je Luj XIV u osamnaest mjeseci nadmašio svog učitelja, ipak se može ne sumnjati u kraljevu istinsku strast prema instrumentu. Tijekom njegove vladavine gitara ponovno postaje miljenica aristokracije i skladatelja. I opet moda za gitaru osvaja cijelu Europu.

Gravura s omota starog izdanja Skladbi za gitaru. 1676

Francisco Goya Ples na obali rijeke 1777

Francisco Goya Slijepi gitarist 1788

Ramon Baie Mladić s gitarom. Muzej Prado iz 1789. Madrid

Potkraj vladavine Luja XIV († 1715.) dolazi do prekretnice u povijesti gitare - kraljevski dvor postaje ravnodušan prema njoj.
Međutim, još uvijek je popularan među ljudima. Mademoiselle de Charolais na portretu koji je naručila predstavljena je s gitarom u rukama, lagano prebivajući po žicama. Watteau i Lancret uvode gitaru u prikaz ljubavnih scena. A u isto vrijeme, to je alat za farsične glumce i putujuće komičare!
Djelo Watteaua i Lancreta i gitara posebna je stranica francuskog slikarstva, pa sam odlučio ovim umjetnicima posvetiti zasebne galerije u ovom materijalu.

Jean Antoine Watteau
Jean Antoine Watteau

Rosalba Carriere Portret Jean-Antoinea Watteaua 1721

Francuski slikar i crtač, začetnik i najveći majstor rokokoa. Godine 1698.-1701. Watteau je studirao kod lokalnog umjetnika Gerina, na čije je inzistiranje kopirao djela Rubensa, Van Dycka i drugih flamanskih slikara. Godine 1702. Watteau odlazi u Pariz i ubrzo pronalazi učitelja i pokrovitelja u osobi Claudea Gillota, kazališnog umjetnika i dekoratera koji je slikao scene iz života modernog kazališta. Watteau je brzo nadmašio svog učitelja u vještini i cca. 1708. ušao u atelje dekoratera Claudea Audrana. Godine 1709. Watteau je neuspješno pokušao osvojiti Grand Prix Akademije umjetnosti, ali je njegov rad privukao pozornost nekoliko utjecajnih ljudi, među kojima su bili filantrop i poznavatelj slikarstva Jean de Julienne, trgovac umjetninama Edmond Francois Gersin, bankar i kolekcionar Pierre Crozat, u čijoj je kući umjetnik neko vrijeme živio itd. Godine 1712. Watteau je uveden u titulu akademika, a 1717. postaje članom Kraljevske akademije za slikarstvo i kiparstvo. Watteau je umro u Nogent-sur-Marneu 18. srpnja 1721.

Jean-Antoine Watteau Talijanska komedija 1714

Jean Antoine Watteau Pogled kroz drveće u parku Pierrea Crozata 1714.-16.

Jean-Antoine Watteau Gilles s obitelji 1716

Priča Jeana Antoinea Watteaua Pierrota

Jean Antoine Watteau Pjesma ljubavi 1717

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19

Nicola Lancre
Nicolas Lancret

Autoportret Nicolasa Lancrea 1720

Francuski umjetnik, rođen u Parizu. Prvo je učio kod Pierrea Dulina, a potom je od oko 1712. nekoliko godina radio pod vodstvom Claudea Gillota, preko kojeg je upoznao Jeana Antoinea Watteaua, koji je imao veliki utjecaj na njegov rad. Lancre se okrenuo istim temama kao i Watteau: pisao je likove talijanske commedia dell'arte i scene "galantnih svečanosti". Osim toga, ilustrirao je La Fontaineove basne i stvarao žanrovske slike. Lancret je umro u Parizu 1743.

Koncert Nicole Lancret u parku 1720

Nicola Lancre Odmor u vrtu

Koncert Nicole Lancrea u parku

Nicola Lancre galantni razgovor

Novi uspon gitare, prema Michelu Brenetu, povezan je s pojavom dvoje talentiranih pjevača koji nastupaju u salonima. Izvode duete, prateći sami sebe. To su slavni Pierre Geliot i Pierre de la Garde.
Poznata slika Michela Bartolomea Oliviera Čaj na engleskom i koncert u kući princeze de Conti prenosi atmosferu ovih svjetovnih okupljanja.

postoji ogroman broj slika koje prikazuju glazbene instrumente. Umjetnici su se sličnim temama obraćali u različitim povijesnim epohama: od antičkih vremena do danas.

Brueghel Stariji, Jan
SLUH (ulomak). 1618

Česta upotreba slika glazbenih instrumenata u umjetničkim djelima posljedica je bliskog odnosa glazbe i slikarstva.
glazbeni instrumenti na slikama umjetnika Ne samo dati predodžbu o kulturnom životu toga doba i razvoju glazbenih instrumenata toga doba, ali i imaju neko simbolično značenje.

Melozzo

da forli
Anđeo
1484

Dugo se vjerovalo da su ljubav i glazba neraskidivo povezane. A glazbeni instrumenti već su stoljećima povezani s ljubavnim osjećajima.

Srednjovjekovna astrologija je sve glazbenike smatrala "djecom Venere", božice ljubavi. U mnogim lirskim scenama umjetnika različitih razdoblja glazbeni instrumenti igraju važnu ulogu.

Jan Mens Molenaer
Dama iza leđa
17. stoljeće
Dugo se vremena glazba povezivala s ljubavlju, o čemu svjedoči nizozemska poslovica iz 17. stoljeća: “Nauči svirati lutnju i spinet, jer žice imaju moć ukrasti srca.”

Andrea Solario
žena s lutnjom

Na nekim Vermeerovim slikama glazba je glavna tema. Pojava ovih slika glazbenih instrumenata u zapletima tumači se kao suptilna aluzija na profinjene i romantične odnose likova.

"Music Lesson" (, Kraljevska skupština, St. Jamesova palača).

Virginal, vrsta čembala, bio je vrlo popularan kao glazbalo za kućno muziciranje. Prema točnosti slike, stručnjaci su mogli utvrditi da je izrađena u radionici Ruckers u Antwerpenu, poznatoj u cijelom svijetu. Latinski natpis na poklopcu djevice glasi: "Glazba je pratilac radosti i liječnica u žalostima".

Glazbenici su često postajali likovi na slikama francuskog slikara, začetnika stila rokokoa, Jeana Antoinea Watteaua.

Glavni žanr Watteauova djela su "galantne svečanosti": aristokratsko društvo,
smještena u krilu prirode, zauzeta razgovorom, plesom, muziciranjem i flertom

Sličan krug slika bio je iznimno popularan u kreativnim krugovima Francuske. O tome svjedoči činjenica da neke od Watteauovih slika nose iste naslove kao skladbe za čembalo skladatelja Françoisa Couperina, francuskog skladatelja i umjetnikova suvremenika. Fino osjetljivi znalci cijenili su ne samo Watteauovu slikovitost, već i njegovu muzikalnost. “Watto pripada sferi F. Couperina i C. F. E. Bacha”, rekao je veliki filozof umjetnosti Oswald Spengler (Dodatak II).

Također, glazbeni instrumenti mogu se povezati s mitološkim likovima.

Mnogi glazbeni instrumenti simboliziraju muze i njihovi su neizostavni atributi. Dakle, za Clio su muze povijesti truba; za Euterpu (glazba, lirika) - flauta ili neko drugo glazbalo; za Taliju (komedija, pastoralna poezija) - mala viola; za Melpomenu (tragedija) - truba; za terpsihoru (ples i pjesma) - viola, lira ili drugi žičani instrument;

za Erato (lirska poezija) - tambura, lira, rjeđe trokut ili viola; za Kaliopu (epsko pjesništvo) - truba; za polihimnije (herojske himne) - prijenosne orgulje, rjeđe - lutnja ili drugi instrument.

Sve muze, osim Uranije, imaju glazbene instrumente među svojim simbolima ili atributima. Zašto? To se objašnjava činjenicom da je u antičko doba pjesme različitih žanrova pjevane su pjevajućim glasom i uključivale su, u jednom ili drugom stupnju, glazbeni element. Stoga su muze, koje su bile pokrovitelji raznih pjesničkih žanrova, imale svaka svoj instrument.

Dirk Hals
Glazbenici
16. stoljeće

Simbolično značenje instrumenata povezuje se upravo s ovim likovima. Primjerice, harfa je u europskoj kulturi srednjeg vijeka i renesanse čvrsto povezana s legendarnim autorom psalama, biblijskim kraljem Davidom. Veliki kralj, političar, ratnik bio je i najveći pjesnik i glazbenik, a kroz simboliku deset žica Davidove harfe sveti Augustin je objasnio značenje deset biblijskih zapovijedi. Na slikama je David često prikazivan kao pastir koji svira ovaj instrument.

Jan de Bray. David svira harfu. 1670

Takvo tumačenje biblijska priča približio je kralja Davida Orfeju koji je sviranjem lire umirivao životinje.

(C) Zlatna harfa bila je atribut keltskog boga Dagde. Kelti su govorili da je harfa sposobna proizvesti tri svete melodije. Prva melodija je melodija tuge i nježnosti. Drugi je uspavljujući: kada ga slušate, duša se ispuni stanjem mira i utone u san. Treća melodija harfe je melodija radosti i povratka proljeća

U svetim gajevima, uz zvuke harfe, druidi, svećenici Kelta, obraćali su se bogovima, pjevali njihova slavna djela i izvodili obrede. Tijekom bitaka, bardovi s malim harfama okrunjenim zelenim vijencima penjali su se na brda i pjevali borbene pjesme, ulijevajući hrabrost ratnicima.-

Od svih zemalja svijeta, samo grb Irske prikazuje glazbeni instrument. Ovo je zlatna harfa čije su žice srebrne. Dugo vremena Harfa je bila heraldički simbol Irske. Od 1945. godine je i grb

W. Bosch - "Vrt zemaljskih radosti" -
nalazi se slika čovjeka razapetog na žicama ovog instrumenta. Ovdje se, vjerojatno, odražavaju ideje o simbolici napetosti struna, izražavajući istovremeno ljubav i napetost, patnju, šokove koje je osoba doživjela tijekom svog zemaljskog života.

Širenjem kršćanstva i njegovih svetih knjiga, sve češći su prikazi anđela s glazbalima kod umjetnika. Anđeli koji sviraju glazbene instrumente pojavljuju se u engleskim rukopisima iz 12. stoljeća. U budućnosti se broj takvih slika stalno povećava.

Mnogi glazbeni instrumenti u rukama anđela daju ideju o njihovom obliku i dizajnu, značajkama njihovih kombinacija, a također vam omogućuju da naučite o glazbenim ansamblima koji su postojali u to vrijeme.

U renesansi dolazi do najbolji sat»za anđele. Majstori slikarstva sve se više inspiriraju tim savršenim i skladnim kreacijama.

Scene slavljenja Boga pretvaraju se u prave anđeoske koncerte u djelima renesansnih umjetnika, kroz koje možete proučavati glazbenu kulturu tog vremena. Orgulje, lutnja, violina, flauta, harfa, činele, trombon,viola da gamba ... Ovo nije potpuni popis instrumenata koje sviraju anđeli.

Piero della Francesca.
Božić. London. Nacionalna galerija. 1475

slike glazbenih instrumenata mogu se podijeliti u nekoliko skupina:

1) glazbeni instrumenti koriste se u lirskim zapletima;

2) slika glazbenih instrumenata ima vezu s mitologijom, na primjer, drevnom, gdje simboliziraju muze i njihovi su neizostavni atributi:

3) u sižeima vezanim uz kršćanstvo glazbala najčešće personificiraju najuzvišenije ideje i slike te prate vrhunce biblijske povijesti;

4) slike instrumenata također daju ideju o instrumentalnim sastavima i glazbenim tehnikama,

postojeće u povijesno razdoblje stvaranje slike;

5) često slika pojedinih instrumenata nosi filozofske ideje, kao npr. u mrtvim prirodama na temu Vanitas;

6) simbolika alata može varirati ovisno o namjeri umjetnika i općem sadržaju slike (kontekstu), kao npr. u Boschevoj slici Vrt zemaljskih užitaka.
fascinantan i ja a ponekad i tajanstvenu stranu umjetnosti.
Uostalom, mnogi vintage instrumenti, glazbeni sastavi, tehnike sviranja sada možete vidjeti samo na slikama.

Hendrik van Balen
Apolon i muze

Judith Leyster
Mlada flautistica
1635

Dama s harfom
1818

John Meliush Stradwick Večernja
1897. godine

Jean van Biglert
Koncert

E. Degas
Fagot (detalj)

Flauta je jedan od najstarijih glazbenih instrumenata. Oni su poprečni i uzdužni. Uzdužne se drže ravno naprijed, upuhujući zrak u rupu na gornjem kraju svirale. Poprečni se drže u vodoravnom smjeru, upuhujući zrak u bočnu rupu svirale.

Prvi spomen uzdužne flaute postoji u grčkoj mitologiji i povijesti Egipta (treće tisućljeće prije Krista).

U Kini, prvi spomen poprečne flaute s pet ili šest rupa za prste datira iz prvog tisućljeća prije Krista, baš kao iu Japanu i Indiji. Revolucionarne promjene u dizajnu flaute dogodile su se sredinom devetnaestog stoljeća uz pomoć Theobalda Boehma.

Iako su moderne flaute drveni puhački instrumenti, obično se izrađuju od metalnih legura koristeći zlato, srebro, pa čak i platinu. To im daje svjetliji zvuk i lakše ih je svirati od drvenih flauta koje su prethodile metalnim flautama u prošlim stoljećima.

Flauta je jedan od najvirtuoznijih instrumenata u simfonijskom orkestru. Njezine su parije pune arpeggia i odlomaka.

Limeni glazbeni instrumenti

Limeni instrumenti - grupa puhački glazbeni instrumenti , čiji je princip sviranja postizanje harmonijskih suzvučja promjenom jačine strujanja upuhanog zraka ili položaja usana.

Naziv "bakar" povijesno seže do materijala od kojeg su izrađeni ovi alati, u naše vrijeme, osim bakra, često se koriste za njihovu proizvodnju. mjed, rjeđe srebro , te neka od glazbala srednjeg vijeka i baroka sa sličnim načinom proizvodnje zvuka (npr. zmija ) bili su izrađeni od drveta.

Limena glazbala uključuju moderne rog, truba, kornet, flugelhorn, trombon, tuba . Posebna grupa je sakshornovi . Stari limeni instrumenti - vreća (prethodnik modernog trombona), zmija i dr. Neki narodni instrumenti također su bakreni, na primjer srednjoazijski karnay.

Povijest limenih instrumenata

Umijeće puhanja u šupljinu rog životinja ili u školjci bila poznata već u antičko doba. Kasnije su ljudi naučili izrađivati ​​posebne alate od metala, slične rogovima i namijenjene za vojne, lovačke i vjerske svrhe.

Preci modernih limenih instrumenata bili su lovački rog, vojni rog i poštanski rog. Ovi alati, koji nisu imali mehanizam ventili ispustio nekoliko zvukovaprirodno mjerilo , dohvaćeno samo uz pomoć usana izvođača. Odavde su se pojavile vojne i lovačke fanfare i signali temeljeni na zvukovima prirodne ljestvice, koji su se čvrsto ustalili u glazbenoj praksi.

Usavršavanjem tehnologije obrade metala i proizvodnje metalnih proizvoda, postala je moguća izrada cijevi za puhače određenih dimenzija i željenog stupnja obrade. S usavršavanjem bakrenih puhačkih cijevi i razvojem umjetnosti izdvajanja značajne količine zvukova iz prirodne ljestvice na njih, pojavio se konceptprirodni instrumenti , to jest instrumenti bez mehanizma, koji mogu proizvesti samo prirodnu skalu.

Početkom 19. stoljeća izumljen je ventilni mehanizam koji je dramatično promijenio tehniku ​​izvođenja i povećao mogućnosti limenih puhačkih instrumenata.

Klasifikacija bakrenih instrumenata

Limeni duhački instrumenti podijeljeni su u nekoliko obitelji:

• Alati za ventile imaju nekoliko kapija (obično tri ili četiri) kojima se upravlja prstima izvođača. Princip ventila je da trenutno uključi dodatnu krunu u glavnu cijev, što povećava duljinu instrumenta i spušta cijeli njegov sustav. Nekoliko ventila koji spajaju cijevi različitih duljina omogućuju dobivanje kromatske ljestvice. Većina modernih limenih instrumenata ima ventil - rogovi, trube, tube, saxhornovi itd. Postoje dvije izvedbe ventila - "rotirajući" i "stojeći" (klip).
• Alati za jaram koristite posebnu uvlačnu cijev u obliku slova U - pozornicu, čije kretanje mijenja duljinu zraka u kanalu, čime se smanjuju ili povećavaju izvučeni zvukovi. Glavni rock instrument koji se koristi u glazbi je trombon.
• prirodni instrumenti nemaju nikakve dodatne cijevi i mogu izvući samo zvukove prirodne ljestvice. U 18. st. poseborkestri prirodnog roga . Sve do početka 19. stoljeća u glazbi su se naširoko koristili prirodni instrumenti, a zatim izumom ventilnog mehanizma nestaju iz upotrebe. Prirodni instrumenti također se ponekad nalaze u partiturama skladatelja 19.-20. stoljeća (Wagner, R. Strauss, Ligeti) za posebne zvučni efekti. Prirodni instrumenti uključuju antičke trube i francuske rogove, kao ialpski rog , fanfare, trube, signalne rogove (lovačke, poštanske) i sl.
• Ventilski instrumenti imaju rupe na tijelu koje otvaraju i zatvaraju prsti izvođača, kao nadrvene puhače . Takvi su instrumenti bili široko rasprostranjeni do 18. stoljeća, ali zbog nekih neugodnosti sviranja na njima, tada su također pali u upotrebu. Osnovni limeni instrumenti s ventilom - kornet (cink), zmija , ofikleid, cijev ventila . Oni također uključuju poštanski rog.

U današnje vrijeme, s oživljavanjem interesa za staru glazbu, sviranje na prirodnim i ventilnim instrumentima ponovno postaje praksa.

Limena glazbala također se mogu klasificirati prema njihovim akustičnim svojstvima:

• puna― instrumenti na kojima možete izdvojiti osnovni ton harmonijske ljestvice.
• pola― glazbala na kojima se ne može izdvojiti glavni ton, a ljestvica počinje drugom harmonijom.

Upotreba limenih limenih instrumenata u glazbi

Limeni puhački instrumenti naširoko se koriste u različitim glazbenim žanrovima i skladbama. Kao dioSimfonijski orkestar čine jednu od njegovih glavnih skupina. Standardni sastav simfonijskog orkestra uključuje:

• Rogovi (parni broj od dva do osam, najčešće četiri)
• Cijevi (od dvije do pet, najčešće dvije do tri)
• Tromboni (obično tri: dva tenora i jedan bas)
• Cijev (obično jedna)

U partiturama 19. stoljeća često je uključen i simfonijski orkestar korneti , no s razvojem izvedbene tehnike njihovi su se dijelovi počeli izvoditi na cijevima. Ostala limena glazbala pojavljuju se tek sporadično u orkestru.

Bakreni instrumenti su temeljlimena glazba , koji osim navedenih alata uključuje i sakshornovi različite veličine.

Solistička literatura za limene puhače je vrlo brojna - virtuozni izvođači na prirodnim sviralama i rogovima postojali su već u ranom baroku, a skladatelji su za njih rado stvarali svoje skladbe. Nakon izvjesnog pada zanimanja za puhačka glazbala u doba romantizma, u 20. stoljeću dolazi do otkrivanja novih izvedbenih mogućnosti limenih puhačkih instrumenata i značajnog proširenja njihova repertoara.

U komornim sastavima limena se glazbala relativno rijetko koriste, ali se i sama mogu spajati u ansamble od kojih su najčešći limeni kvintet (dvije trube, rog, trombon, tuba).

Važnu ulogu imaju trube i tromboni jazz i niz drugih žanrova suvremene glazbe.

Ksilofon

Ksilofon(od grčkog. ξύλον - drvo + φωνή - zvuk) -udaraljkaški glazbeni instrument s određenom visinom tona. To je niz drvenih blokova različitih veličina, usklađenih na određene note. Po taktovima se udara palicama s kuglastim vrhovima ili posebnim čekićima koji izgledaju kao male žličice (u žargonu glazbenika ti se čekići nazivaju "kozje noge").

Timbar ksilofon je oštar i kliktav u forteu i mekan u klaviru.

Povijest instrumenta

Ksilofon ima drevno podrijetlo - najjednostavniji instrumenti ove vrste bili su i još uvijek se nalaze među različitim narodima Afrika, Jugoistočna Azija , Latinska Amerika .

U Europi prvi spomen ksilofona datira s početka 16. stoljeća: Arnolt Schlick u raspravi o glazbalima spominje sličan instrument pod nazivom hueltze glechter. Sve do 19. stoljeća europski ksilofon bio je prilično primitivan instrument, koji se sastojao od dvadesetak drvenih šipki, povezanih u lanac i položenih na ravnu površinu za sviranje. Pogodnost nošenja takvog instrumenta privukla je pozornost putujućih glazbenika.

Ksilofon poboljšao Guzikov

Poboljšanje ksilofona datira iz 1830-ih. Bjeloruski glazbenik Mikhoel Guzikov proširio je raspon na dvije i pol oktave, a promijenio je i dizajn, rasporedivši taktove na poseban način u četiri reda. Ovaj model ksilofona korišten je više od sto godina.

Na modernom ksilofonu taktovi su raspoređeni u dva reda poput klavirskih tipki, opremljeni rezonatorima u obliku limenih cijevi i postavljeni na poseban stolni stalak radi lakšeg kretanja.

Uloga ksilofona u glazbi

Prva poznata uporaba ksilofona u orkestru je sedam varijacija.Ferdinand Cauer napisano 1810 godina. Francuski skladatelj Kastner uključio je njegove dijelove u svoja djela. Jedna od najpoznatijih skladbi u kojoj je uključen ksilofon je simfonijska pjesmaCamille Saint-Saens "Ples smrti" ( 1872 ).

Trenutno se ksilofon koristi uSimfonijski orkestar , na pozornici, izuzetno rijetko - kao solo instrument ("Fantazija na teme japanskih gravura" za ksilofon i orkestar, op. 211, ( 1964) Alana Hovaness).

Domra

Domra je stari ruski trzalački žičani glazbeni instrument. Njegova sudbina je nevjerojatna i jedinstvena u svojoj vrsti.

Odakle je došla, kako i kada se domra pojavila u Rusiji, još uvijek ostaje misterij za istraživače. U povijesnim izvorima sačuvano je malo podataka o domri, još manje slika drevne ruske domre došlo je do nas. A jesu li na dokumentima koji su došli do nas prikazane domre ili neki drugi trzalački instrumenti uobičajeni u to vrijeme, također nije poznato. Prvi spomen domre pronađen je u izvorima 16. stoljeća. Govore o domri kao o instrumentu koji je već tada bio prilično uobičajen u Rusiji.

U ovom trenutku postoje dvije najvjerojatnije verzije podrijetla domre. Prva i najčešća je verzija o istočnim korijenima ruske domre. Doista, instrumenti slični po dizajnu i načinu izvlačenja zvuka postojali su i još uvijek postoje u glazbenim kulturama zemalja Istoka. Ako ste ikada vidjeli ili čuli kazahstansku dombru, tursku baglamu ili tadžikistanski rubap, onda ste mogli primijetiti da sve imaju okrugli ili ovalni oblik, ravnu zvučnu ploču, zvuk se izvlači udarcem plektra različite frekvencije i intenziteta. Općenito je prihvaćeno da su svi ti instrumenti imali jednog pretka - istočni tanbur. Bio je to tanbur koji je imao ovalni oblik i ravnu zvučnu ploču, svirali su ga s posebnim čipom, izrezbarenim od improviziranih materijala - plektrom. Pretpostavlja se da je instrument, koji se kasnije pretvorio u domru, donesen ili u vrijeme tatarsko-mongolskog jarma, ili tijekom trgovačkih odnosa sa zemljama Istoka. I sam naziv "domra" nedvojbeno ima turski korijen.

Druga verzija polazi od pretpostavke da domra vodi svoj pedigre od europske lutnje. U principu se u srednjem vijeku lutnjom nazivalo svako gudačko trzalo koje je imalo tijelo, vrat i žice. Lutnja je pak također nastala iz istočnjačkog instrumenta - arapskog al-uda. Možda su na izgled i dizajn domre utjecali instrumenti zapadnih, europskih, Slavena, na primjer, poljsko-ukrajinska kobza i njezina poboljšana verzija - bandura. Samo je bandura mnogo toga posudila izravno od lutnje. S obzirom na to da su Slaveni u srednjem vijeku stalno bili u složenim povijesnim i kulturnim odnosima, dakako, domru možemo smatrati i srodnom svim europskim gudačko-trzalačkim instrumentima toga doba.

Dakle, na temelju saznanja i istraživanja prikupljenih do danas, možemo zaključiti da je domra bila tipično rusko glazbalo koje je kombiniralo, kao i mnogo toga u kulturi i povijesti naše države, europska i azijska obilježja.

Unatoč tome, bez obzira na pravo podrijetlo domre, dobro je utvrđeno da je instrument s ovim imenom postojao u Rusiji i da je bio sastavni dio ruske kulture u 16. i 17. stoljeću. Svirali su ga lakrdijaši, o čemu svjedoči i istraživačima poznata poslovica “Drago mi je da su lakrdovi oko svojih domra”. Štoviše, na kraljevskom dvoru postojala je cijela "Zabavna komora", svojevrsna glazbeno-zabavna skupina, čiju su osnovu činili lakrdijaši sa svojim domrama, harfama, rogovima i drugim drevnim ruskim glazbenim instrumentima. Osim toga, prema nekim istraživačima, domra je u to vrijeme već formirala obitelj ansamblskih sorti. Najmanja i škripava zvala se "domrishka", najveća i najnižeg zvuka - "bas domra".

Također je poznato da su domra i izvođači domre - buffoni i "domrachi", uživali znatnu popularnost u narodu. Sve vrste proslava, svetkovina i pučkih svečanosti u svim vremenima i kod svih naroda bile su popraćene pjesmom i sviranjem na glazbalima. U Rusiji su u srednjem vijeku zabavljali narod "domracheev", "goosemen", "skrypotchikov" i drugi glazbenici. Na domri su poput harfe pratile narodni ep, ep, legendu, au narodnim pjesmama domra je podržavala melodijsku liniju. Vjerodostojno se zna da je uspostavljena zanatska proizvodnja domra i žica za domre, o čijim su isporukama na dvor i u Sibir sačuvani povijesni dokumenti...

Pretpostavlja se da je tehnologija izrade domre bila sljedeća: tijelo se izdubljivalo iz jednog komada drveta, na njega se pričvršćivao štap-lešinar, povlačile su se uzice ili vene životinje. Igrali su se trnom, perom, ribljom kosti. Relativno jednostavna tehnologija, očito, omogućila je da se instrument široko koristi u Rusiji.

Ali ovdje u povijesti domre dolazi najdramatičniji trenutak. Zabrinuti za razvoj svjetovne kulture, službenici crkve digli su oružje protiv glazbenika i proglasili nastupe lakrdijaša "demonskim igrama". Kao rezultat toga, 1648. godine car Aleksej Mihajlovič izdao je dekret o masovnom istrebljenju nedužnih instrumenata - oruđa "demonskih igara". Čuveni dekret glasi: "Gdje će domre, i surne, i bipove, i psaltir, i hari, i sve vrste zujećih posuda ... naređeno je uhvatiti i, razbivši te demonske igre, naređeno spaliti." Prema njemačkom putniku iz 17. stoljeća Adamu Oleariju, Rusima je općenito bila zabranjena instrumentalna glazba, a jednom je nekoliko kola natovarenih instrumentima oduzetim od stanovništva prevezeno preko rijeke Moskve i tamo spaljeno. Progonjeni su i glazbenici i lakrdija općenito.

Možda se takav doista tragičan obrat sudbine nije dogodio niti jednom glazbenom instrumentu na svijetu. Dakle, da li zbog barbarskog istrebljenja i zabrane, ili iz drugih razloga, ali nakon 17. stoljeća istraživači ne nalaze značajnijeg spomena stare domre. Povijest drevnog ruskog instrumenta ovdje završava, i moglo bi se stati na to, ali ... Domra je bila predodređena da se doslovno ponovno rodi iz pepela!

To se dogodilo zahvaljujući aktivnostima izvanrednog istraživača i glazbenika, neobično talentirane i izvanredne osobe - Vasilija Vasiljeviča Andreeva. Godine 1896. u Vjatskoj guberniji otkrio je nepoznati instrument polukuglastog tijela. Pretpostavljajući po izgledu da je ovo domra, otišao je slavni majstor Semjon Ivanovič Nalimov. Zajedno su razvili dizajn novog instrumenta, na temelju oblika i dizajna pronađenog. Povjesničari se još uvijek raspravljaju o tome je li instrument koji je pronašao Andreev doista stara domra. Ipak, instrument rekonstruiran 1896. godine nazvan je "domra". Okruglo tijelo, vrat srednje dužine, tri žice, četvrti sistem - tako je izgledala rekonstruirana domra.

U to vrijeme Andreev je već imao orkestar balalajke. No, da bi ostvario svoju briljantnu ideju, Velikom ruskom orkestru bila je potrebna vodeća melodijska skupina instrumenata, a restaurirana domra sa svojim novim mogućnostima bila je idealna za tu ulogu. U vezi s poviješću stvaranja Velikog ruskog orkestra, vrijedi spomenuti još jedan izvanredna osoba, bez koje, možda, ideja ne bi našla svoje utjelovljenje. Riječ je o pijanistu i profesionalnom skladatelju Nikolaju Petroviču Fominu, Andrejevljevu najbližem suradniku. Upravo zahvaljujući Fominovom profesionalnom pristupu, Andreevljev krug, isprva amaterski, proučavao je notni zapis, stao na profesionalnu osnovu, a zatim svojim nastupima osvojio slušatelje u Rusiji i inozemstvu. I ako je Andrejev prvenstveno bio generator ideja, onda je Fomin postao osoba zahvaljujući kojoj su, zapravo, domre i balalajke krenule na put razvoja kao punopravni akademski instrumenti.

Ali vratimo se domri. U razdoblju 1896.-1890. V. Andreev i S. Nalimov dizajnirali su ansambl varijante domre. I prvih nekoliko desetljeća nakon svog novog rođenja, domra se razvijala u skladu s orkestralnim i ansamblskim izvođenjem.

Međutim, gotovo odmah su otkrivena neka ograničenja mogućnosti Andreev domre, u vezi s kojima su se pokušali konstruktivno poboljšati. Glavni zadatak bio je proširiti raspon alata. Godine 1908., na prijedlog dirigenta G. Lyubimova, majstor S. Burov stvorio je četverožičnu domru s petim sustavom. "Četiri žice" dobio je raspon violine, ali je, nažalost, bio inferioran u odnosu na "tri žice" u smislu boje i boje. Kasnije su se pojavile i njegove ansambl varijante i orkestar domra s četiri žice.

Zanimanje za domru raslo je svake godine, širili su se glazbeni i tehnički horizonti, pojavili su se virtuozni glazbenici. Konačno, 1945. godine nastao je prvi instrumentalni koncert za domru s orkestrom ruskih narodnih instrumenata. slavni koncert g-moll Nikolaj Budaškin napisan je na zahtjev koncertnog majstora orkestra. Osipov Aleksej Simonenkov. Ovaj događaj je otvoren nova era u povijesti domre. Pojavom prvog instrumentalnog koncerta domra postaje solistički, virtuozni instrument.

Godine 1948. u Moskvi je otvoren prvi odjel za narodne instrumente u Rusiji na Državnom glazbeno-pedagoškom institutu nazvanom po I.I. Gnesins. Postao prvi učitelj domre izvanredan skladatelj Yu.Shishakov, a potom i mladi solisti orkestra. Osipova V. Miromanov i A. Aleksandrov - tvorac prve škole sviranja trožičane domre. Zahvaljujući visokom stručnom obrazovanju, izvorno narodni instrument domra u kratkom je vremenu prošao put akademske pozornice za koji su instrumentima simfonijskog orkestra bila potrebna stoljeća (ipak je i violina nekoć bila narodni instrument!).

Izvođenje domre napreduje gigantskim tempom. Godine 1974. održano je I sverusko natjecanje izvođača na narodnim instrumentima, pobjednici natjecanja bili su izvanredni virtuozi domre - Alexander Tsygankov i Tamara Volskaya (vidi odjeljak čija je kreativna aktivnost odredila smjer razvoja umjetnosti domre desetljećima do dolaze, kako na području samog izvođenja tako i na repertoaru domre.

Danas je domra mladi perspektivni instrument s ogromnim, prije svega glazbenim i izražajnim potencijalom, koji ima istinske ruske korijene, a ipak se uzdigao do visina akademskog žanra. Što će biti njegovo daljnju sudbinu? Vaša je riječ, dragi domisti!

Balalajka

Opis
Tijelo je izlijepljeno iz zasebnih (6-7) segmenata, glava dugog vrata blago je povijena prema natrag. Metalne žice (u 18. stoljeću dvije su bile s venama; moderne balalajke imaju najlonske ili karbonske žice). Na prstima moderne balalajke nalazi se 16-31 metalni prag (do kraja 19. stoljeća - 5-7 prisilnih pragova).

Zvuk je glasan, ali tih. Najčešće tehnike izvlačenja zvuka: zveckanje, pizzicato, dupli pizzicato, single pizzicato, vibrato, tremolo, frakcije, gitarski trikovi.

izgraditi

Sve do transformacije balalajke u koncertni instrument krajem 19. stoljeća od strane Vasilija Andrejeva, ona nije imala stalni, sveprisutni sustav. Svaki je izvođač ugodio instrument u skladu sa svojim stilom izvedbe, općim ugođajem sviranih djela i lokalnim tradicijama.

Sustav koji je uveo Andreev (dvije žice unisono - nota "mi", jedna - četvrtina viša - nota "la" (i "mi" i "la" prve oktave) postao je raširen među sviračima koncertne balalajke i počeo nazvati "akademskim". Postoji i "narodni" sustav - prva žica je "sol", druga - "mi", treća - "do". U ovom sustavu trozvuke je lakše uzeti, nedostatak je to je poteškoća sviranja na otvorenim žicama. Osim navedenog, postoje i regionalne tradicije ugađanja instrumenta. Rijetke lokalne postavke dosežu dva tuceta ..

Sorte

U modernom orkestru ruskih narodnih instrumenata koristi se pet varijanti balalajki: prima, sekunda, viola, bas i kontrabas. Od njih je samo prima solo, virtuozno glazbalo, dok su ostalima dodijeljene čisto orkestralne funkcije: sekunda i viola provode akordsku pratnju, a bas i kontrabas obavljaju basovsku funkciju.

Prevalencija

Balalajka je prilično čest glazbeni instrument koji se proučava u akademskim glazbenim obrazovnim ustanovama u Rusiji, Bjelorusiji, Ukrajini i Kazahstanu.

Trajanje obuke na balalajki u dječjoj glazbenoj školi je 5-7 godina (ovisno o dobi učenika), au srednjoj obrazovnoj ustanovi - 4 godine, u visokoškolskoj ustanovi 4-5 godina. Repertoar: obrade narodnih pjesama, obrade klasičnih djela, autorska glazba.

Priča
Ne postoji jedinstveno gledište o vremenu pojavljivanja balalajke. Vjeruje se da se balalajka širi od kraja 17. stoljeća. Poboljšan zahvaljujući V. Andreevu zajedno s majstorima Paserbskim i Nalimovim. Stvorena je obitelj moderniziranih balalajki: pikolo, prima, sekunda, viola, bas, kontrabas. Balalajka se koristi kao solistički koncertni, ansamblski i orkestralni instrument.

Etimologija
Zanimljivo je već i samo ime instrumenta, tipično je narodno, zvukom slogova prenosi karakter sviranja na njemu. Korijen riječi "balalajka", ili, kako se još zvala, "balabajka", dugo je privlačio pozornost istraživača svojom srodnošću s ruskim riječima kao što su balakat, balabonit, balabolit, joker, što znači brbljati, prazniti. poziva (vratiti se na općeslavensko *bolbol istoga značenja). Svi ovi koncepti, nadopunjujući jedan drugoga, prenose bit balalajke - instrumenta laganog, smiješnog, "drndajućeg", ne baš ozbiljnog.

Po prvi put se riječ "balalaika" nalazi u pisanim spomenicima koji datiraju iz vremena vladavine Petra I.

Prvo pisano spominjanje balalajke sadržano je u dokumentu od 13. lipnja 1688. - "Sjećanje od Strelčevog reda do Maloruskog reda" (RGADA), koji, između ostalog, izvještava da su u Moskvi dovedeni Strelcički red “<...>varošanin Savka Fedorov<...>Da<...>seljak Ivashko Dmitriev, a s njima je donesena balalajka tako da su se zaprežnim konjima vozili u kolima do vrata Yausky, pjevali pjesme i svirali balalajku u toi, a stražarski strijelci koji su stajali na vratima Yausky na straži grdili<...>».

Sljedeći pisani izvor u kojem se spominje balalajka je "Registar" koji je potpisao Petar I., a odnosi se na 1715. godinu: u Sankt Peterburgu, tijekom proslave šaljivog vjenčanja "princa-pape" N. M. Zotova, pored drugih instrumenata koje nose mumeri, imenovane su četiri balalajke.

Po prvi put, riječ je potvrđena u ukrajinskom jeziku ranog 18. stoljeća (u dokumentima 1717.-1732.) u obliku "balabaika" (očito je to njezin stariji oblik, također sačuvan u kurskom i karačevskom dijalektu ). Prvi put na ruskom jeziku u pjesmi V. I. Maikova "Elisey", 1771., pjesma 1: "Ti mi naštimaj zviždaljku ili balalajku."

Violončelo (tal. violoncello, skr. cello, njem. Violoncello, franc. violoncelle, engl. cello)

Gudalo žičano glazbalo bas i tenorskog registra, poznato iz prve polovice 16. stoljeća, iste strukture kao violina ili viola, ali znatno veće. Violončelo ima široke izražajne mogućnosti i pomno razvijenu izvođačku tehniku, koristi se kao solistički, ansamblski i orkestralni instrument.

Povijest nastanka i razvoja instrumenta

Pojava violončela seže u početak 16. stoljeća. U početku se koristio kao bas instrument za pratnju pjevanja ili sviranja instrumenta višeg registra. Postojale su brojne varijante violončela, koje su se međusobno razlikovale po veličini, broju žica i ugađanju (najčešće ugađanje bilo je za ton niže od modernog).
U 17.-18. stoljeću napori izvanrednih glazbenih majstora talijanskih škola (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana itd.) Stvorili su klasični model violončela s čvrsto utvrđenom veličinom tijela. Krajem 17. stoljeća pojavila su se prva solo djela za violončelo - sonate i ricercari Giovannija Gabrielija. Sredinom 18. stoljeća violončelo se počelo koristiti kao koncertni instrument, zahvaljujući svjetlijem, punijem zvuku i sve boljoj tehnici izvođenja, čime je iz glazbene prakse konačno istisnuto viola da gamba. Violončelo je također dio simfonijskog orkestra i komornih ansambala. Konačno odobrenje violončela kao jednog od vodećih instrumenata u glazbi dogodilo se u 20. stoljeću naporima izvanrednog glazbenika Pabla Casalsa. Razvoj izvođačkih škola na ovom instrumentu doveo je do pojave brojnih virtuoznih violončelista koji redovito izvode solističke koncerte.
Repertoar violončela vrlo je širok i uključuje brojne koncerte, sonate, skladbe bez pratnje.


]Tehnika sviranja violončela

Mstislav Rostropovič sa Stradivarijevim Duportovim violončelom.
Principi sviranja i potezi pri izvođenju na violončelu isti su kao i na violini, ali je zbog veće veličine instrumenta i drugačijeg položaja svirača tehnika sviranja na violončelu donekle ograničena. Koriste se flažoleti, pizzicato, palac i druge tehnike igre. Zvuk violončela je sočan, melodičan i napet, blago komprimiran u gornjem registru.
Građa žice za violončelo: C, G, d, a (do, sol velike oktave, re, la male oktave), odnosno oktavu ispod viole. Raspon violončela, zahvaljujući razvijenoj tehnici sviranja na a žici, vrlo je širok - od C (do velike oktave) do a4 (A četvrte oktave) i više. Bilješke se pišu u basu, tenoru i visokim ključevima prema stvarnom zvuku.


instrument se držao za listove nogu
Izvođač pri sviranju oslanja violončelo na pod uz pomoć kapistana, koji je postao raširen tek krajem 19. stoljeća (prije toga instrument se držao za listove nogu). Na modernim violončelima naširoko se koristi zakrivljeni capstan, koji je izumio francuski violončelist P. Tortelier, što instrumentu daje ravniji položaj, donekle olakšavajući tehniku ​​sviranja.
Violončelo je široko rasprostranjeno kao solistički instrument, grupa violončela koristi se u gudačkim i simfonijskim orkestrima, violončelo je obvezni član gudačkog kvarteta u kojem je najniži (osim kontrabasa koji se ponekad koristi u to) instrumenata u smislu zvuka, a često se koristi iu drugim komornim ansamblima. U orkestralnoj partituri dionica violončela ispisana je između dionica viole i kontrabasa.

Povijest stvaranja violine

Povijest glazbe smatra da je violina u svom najsavršenijem obliku nastala u 16. stoljeću. Tada su već bila poznata sva gudala koja su bila aktivna kroz cijeli srednji vijek. Nalazili su se u određeni red a tadašnji znanstvenici poznavali su s većom ili manjom vjerojatnošću cijelo njihovo rodoslovlje. Njihov broj je bio ogroman i sada nema potrebe ulaziti u dubinu ove stvari.

Najnoviji istraživači došli su do zaključka da violina ni u kom slučaju nije reducirana "viola da gamba". Štoviše, utvrđeno je s dovoljnom točnošću da obje ove vrste instrumenata u svom uređaju imaju oštro različite značajke jedna od druge. Svi instrumenti vezani za "viole da gamba" imali su ravnu poleđinu, ravne rubove, vrat podijeljen priječnicama, glavu rjeđe u obliku trolista, a češće s likom životinjske ili ljudske glave, izreze na gornja ploha instrumenta u obrisima latiničnog slova "C", te na kraju ugađanje žica u kvartama i tercama. Naprotiv, "viola da brachio", kao neposredna preteča moderne violine, imala je kvintni štim žica, konveksan stražnji dio, rubovi su nešto uzdignutiji, prstohvat bez ikakvih pragova, glavu u obliku svitak i zarezi ili "efs", u obrisu malih slova okrenutih jedno prema drugom. Latinsko f u kurzivu.
Ova je okolnost dovela do činjenice da je prava obitelj viola sastavljena od sukcesivne redukcije gambe. Tako je nastao puni sastav stari "kvartet" ili "kvintet", sastavljen samo od viola raznih veličina. No, usporedo s pojavom cjelovite obitelji viola, razvijao se i usavršavao instrument koji je imao sve osebujne i najkarakterističnije značajke moderne violine. A ovaj instrument, zapravo, nije ni "ručna viola". izravno značenje riječi, već tzv. "ručna lira", koja je kao narodno glazbalo slavenskih zemalja bila temelj suvremene obitelji violina. Veliki Rafael (1483-1520) na jednoj od svojih slika iz 1503. daje izvrstan prikaz ovog instrumenta. Promišljajući o tome, nema ni trunke sumnje da je preostalo vrlo malo do potpune transformacije "ručne lire" u savršenu violinu našeg vremena. Jedina razlika koja razlikuje sliku Rafaela od moderne violine leži samo u broju žica - ima ih pet uz dvije bas - i u obrisu klinova koji još uvijek jako podsjećaju na klinove stara viola.
Od tada se dokazi umnožavaju nevjerojatnom brzinom. Beznačajne korekcije koje bi se mogle napraviti na slici drevne "lyre da brachio" dale bi joj najbesprijekorniju sličnost sa suvremenom violinom. Ova svjedočanstva, u obliku stare violine, potječu još iz 1516. i 1530. godine, kada je baselski knjižar odabrao stara violina sa svojim zaštitnim znakom. U isto vrijeme, riječ "violina", u francuskom stilu violon, prvi put se pojavila u francuskim rječnicima ranog 16. stoljeća. Henri Pruneer (1886.-1942.) tvrdi da se već 1529. godine ova riječ nalazi u nekim poslovnim novinama tog vremena. Međutim, naznake da se pojam "violon" pojavio oko 1490. treba smatrati dvojbenim. U Italiji se riječ violonista u značenju violista počela javljati od 1462. godine, dok je sama riječ violino u značenju "violina" ušla u upotrebu tek stotinjak godina kasnije, kada je postala široko rasprostranjena. Englezi su tek 1555. prihvatili francuski način pisanja te riječi, koji je, međutim, tri godine kasnije zamijenjen potpuno engleskim "violin".
U Rusiji su, prema svjedočenju najstarijih spomenika, gudala bila poznata vrlo dugo, ali se nijedna od njih nije toliko razvila da bi kasnije postala instrumentom simfonijskog orkestra. Najstariji drevni ruski gudački instrument je bip. U svom najčišćem obliku imao je ovalno, pomalo kruškoliko drveno tijelo, preko kojeg su bile napete tri žice. Zviždaljku su svirali lučnim lukom, što nije imalo veze s modernim. Vrijeme nastanka zviždaljke nije točno poznato, ali postoji pretpostavka da se "bip" pojavio u Rusiji zajedno s prodorom "istočnih" instrumenata - domre, surne i smyka. Ovo se vrijeme obično određuje prema drugoj polovici XIV i početku XV stoljeća. Teško je reći kada su se pojavile "violine" u doslovnom smislu te riječi. Pouzdano se zna samo da prvi spomeni violinista u abecednim knjigama 16.-17. stoljeća "jednako pokazuju da tumači o tome nisu imali pojma". U svakom slučaju, prema P. F. Findeisenu (1868.-1928.), ovaj instrument još nije bio poznat u domaćem i javnom životu Moskovske Rusije, a prve violine u potpuno dovršenom obliku pojavile su se u Moskvi, očito, tek početkom XVIII stoljeće. Međutim, sastavljači abecedara, koji nekada nikada nisu vidjeli pravu violinu, shvatili su samo da to glazbalo mora biti gudačko, pa su ga pogrešno usporedili s guslama i maloruskom lirom, koja naravno, definitivno nije bila istina.
Više ili manje detaljni opisi nove violine na Zapadu počinju se pojavljivati ​​tek od sredine 16. stoljeća. Tako Philibert Jambes de Fair (1526.-1572.), ocrtavajući značajke i posebnosti suvremene violine, navodi niz naziva iz kojih se može zaključiti da je "obitelj violina" izgrađena po uzoru i uzoru na viola. Od tog vremena, od 1556. godine, violina je postojala sve do kraja 17. stoljeća u nekoliko varijanti, poznatih kao francuska imena dessus, quinte, haute-contre, tailee i basse. U tom se obliku sastav obitelji violina ustalio kad je o njemu počeo pisati Peer Maryann (1588.-1648.). "Gang of twenty-four" - kako se nekad zvao Les vingt-quatre - sastojao se od istih instrumenata, ali s već pomaknutim nazivima. Dessus je slijedio haute-contre, a quinte je bio između tailee i basse, ali je njihov volumen točno odgovarao ranijim podacima, koji su upravo spomenuti. Kasnije je došlo do još jedne promjene u ovom sastavu violina, zbog koje je haute-contre potpuno nestao, ustupivši mjesto dessusu, a tailee se sjedinio s quinteom, preuzimajući potonji red. Tako je uspostavljen novi tip četveroglasne kombinacije gudala, u kojoj dessus odgovara prvoj i drugoj violini, tailee ili quinte - violi i basse - violončelima.
Sada je teško s točnošću utvrditi kada je došlo do konačnog završetka tog instrumenta, koji je danas poznat pod imenom "violina". Najvjerojatnije je to poboljšanje išlo u kontinuiranom nizu, a svaki je majstor donio nešto svoje. Ipak, jasno se može ustvrditi da je 17. stoljeće bilo “zlatno doba” za violinu, kada je došlo do konačnog zaokruživanja odnosa u građi instrumenta i kada je ona dosegla to savršenstvo da više nije bilo pokušaja da se “poboljša” već mogao prekoračiti. Povijest je u svom sjećanju sačuvala imena velikih pretvarača violina i povezala razvoj ovog instrumenta s imenima triju obitelji proizvođača violina. Prije svega, riječ je o obitelji kremonskih majstora Amati, koji su postali učitelji Andree Guarnerija (1626?-1698.) i Antonija Stradivarija (1644.-1736.). No, svoj konačni dovršetak violina najviše duguje Giuseppe-Antoniju Guarneriju (1687.-1745.), a posebno Antoniju Stradivariju, koji se smatra najvećim tvorcem moderne violine.
Ali nije se svima svidjelo sve u violini koju je do tada već uspostavio veliki Cremonese. Mnogi su pokušavali promijeniti omjere koje je usvojio Stradivari, ali nitko u tome, naravno, nije uspio. Najzanimljivija od svega bila je, međutim, želja nekih od najzaostalijih majstora da violinu vrate u nedavnu prošlost i nametnu joj zastarjela obilježja viole. Kao što znate, violina nije imala pragove. To je omogućilo proširenje njezinog zvuka i usavršavanje tehnike sviranja violine. Međutim, u Engleskoj su se te kvalitete violine činile "sumnjivim", a "intonacija" instrumenta nije bila dovoljno točna. Stoga su uvedeni pragovi na pragovima violine kako bi se eliminirala moguća "netočnost" u izvlačenju zvuka, a izdavačka kuća, na čelu s Johnom Playfordom (1623.-1686.?), od 1654. do 1730. ponovno tiska priručnik sastavljen prema "modalnoj tabulaturi" . Pravda, međutim, zahtijeva da se kaže da je to bilo općenito jedini slučaj, poznat u povijesti sviranja violine. Ostali pokušaji da se poboljša i olakša sviranje ovog instrumenta sveli su se na ugađanje žica ili tzv. "skordaturu". To je imalo smisla i mnogi istaknuti violinisti, poput Tartinija (1692.-1770.), Lollija (1730.-1802.), Paganinija (1784.-1840.) i nekolicine drugih, svatko je ugađao svoj instrument na svoj način. Ponekad se ova metoda ugađanja žica koristi i sada, za posebne, umjetničke ciljeve.
Stradivarijeva violina. Fotografija s gruhn.com Dakle, violina je do kraja 17. stoljeća dobila svoju najsavršeniju inkarnaciju. Antonio Stradivari bio je posljednji koji ga je doveo u današnje stanje, a François Tourt, majstor iz 18. stoljeća, cijenjen je kao tvorac modernog luka. Ali u razvoju violine i njezinoj implementaciji u stvarnom životu stvari su bile manje uspješne. Vrlo je teško u nekoliko riječi prenijeti cijelu dugu i raznoliku povijest ovog razvoja i usavršavanja violinske tehnike. Dovoljno je reći da je pojava violine izazvala mnogo protivnika. Mnogi su jednostavno žalili zbog izgubljenih ljepota viole, dok su drugi smislili cijele "traktate" usmjerene protiv nepozvanog stranca. Samo zahvaljujući velikim violinistima, koji su tehniku ​​sviranja violine odlučno pomaknuli naprijed, violina je zauzela mjesto koje joj je pripadalo. U 17. stoljeću ovi virtuozni violinisti bili su Giuseppe Torelli i Arcangelo Corelli. U budućnosti je Antonio Vivaldi (1675.-1743.) uložio mnogo rada za dobrobit violine i, konačno, čitava plejada divnih violinista na čelu s Niccolòom Paganinijem. Moderna violina ima četiri žice ugođene u kvinti. Gornja žica se ponekad naziva kvinta, a donja žica bas. Sve žice violine su žilne ili crijevne, a samo je "bas" ispleten tankom srebrnom niti ili "gimpom" za veću punoću i ljepotu zvuka. Trenutno svi violinisti koriste metalnu žicu za "kvintu" i potpuno istu, ali samo omotanu tankom aluminijskom niti radi mekoće, A žicu, iako neki glazbenici koriste i čistu aluminijsku A žicu bez ikakvog "gimpa". S tim u vezi, metalna žica za mi i aluminijska za la, uvjetovala je pojačavanje zvučnosti re žice, koja je tada još bila žilata, što se činilo uz pomoć aluminijske "gimpice" koja se obavijala, poput "baskija", ovaj drugi i, usput, koji joj je dobro poslužio. Ipak, svi ovi događaji jako su uznemirili prave poznavatelje, jer je zvonjava i oštrina zvuka metalnih žica u drugim slučajevima vrlo uočljiva i neugodna, ali nema se što učiniti i treba se pomiriti s okolnostima.
Žice violine, ugođene u skladu sa zahtjevima instrumenta, nazivaju se otvorene ili prazne, a zvuče redoslijedom spuštanja čiste kvinte od mi druge oktave do male soli. Redoslijed žica uvijek se promatra odozgo prema dolje, a taj se običaj očuvao od davnina u odnosu na sva gudala i gudačka glazbala "s ručkom" ili "vratom". Note za violinu pišu se samo u " visoki ključ" ili tipku Sol.
Pojam "otvorena" ili u orkestralnom jeziku - prazna žica, podrazumijeva zvuk žice cijelom dužinom od stalka do matice, odnosno između one dvije točke koje određuju njezinu stvarnu visinu tijekom ugađanja. Duljina žice obično se određuje istim točkama, budući da se u orkestru uzima u obzir zvučni dio žice, a ne njezina "apsolutna vrijednost" zatvorena između podvratnika i klinova. U notnoj glazbi, otvorena žica označena je malim kružićem ili nulom postavljenom iznad ili ispod note.
U nekim slučajevima, kada glazbeno tkivo djela to zahtijeva, možete ugoditi žicu za pola tona kako biste dobili fis male oktave za "baskiju" ili drugi dis za "kvintu".
Izvor music-instrument.ru

Povijest od građenje električne gitare (električna gitara)

Razvoj tehnologije u 20. stoljeću nije zanemario kulturnu stranu ljudskog postojanja. Pojava elektroničkih uređaja za reprodukciju i, što je najvažnije, obradu zvuka, na kraju nije mogla utjecati na same glazbene instrumente. Osim pokušaja stvaranja temeljno novih glazbenih instrumenata, pokušavali su se i "modernizirati" dobro poznati stari. Tako je Lloyd Loher 1924. dizajnirao prvi magnetski pickup, uređaj koji pretvara vibracije metalne žice u električni signal. Što mislite, gdje je u to vrijeme radio ovaj talentirani inženjer? - u Gibsonu! Ali kao što razumijete, prije stvaranja Les Paul još uvijek dovoljno daleko - čak dugih 28 godina, da prve serijske električne gitare nije izdao Gibson. I to je učinila tvrtka pod nazivom Electro String Company, čiji je jedan od osnivača bio Adolf Rickenbacker, koji je nakon toga osnovao, kao što ste vjerojatno već pogodili, vrlo poznatu tvrtku Rickenbacker koja je izdala gitaru s potpisom za Johna Lennona - 325JL. Tijela ovih prvih gitara bila su izrađena od aluminija, zbog čega su dobile iskreni naziv "tave". Ovaj događaj zbio se 1931. godine. Ne znam je li bilo još pokušaja da se na gitaru pričvrsti pickup, vjerojatno je bilo, ali tek su 1951. poprimili te vrlo klasične i prepoznatljive oblike. A Leo Fender je to učinio izdajući svoj slavni Telecaster i to je već bio pomak, nešto poput postavljanja svemirske letjelice u orbitu s čovjekom, naravno, u njoj. Trup je bio izrađen od drveta, iako nije imao ništa zajedničko u dizajnu klasična gitara. Mnogi iz nekog razloga misle da su električne gitare napravljene od tko zna čega: metala, plastike i još nekih ultramodernih materijala, ne - gitare su se izrađivale i izrađuju se i dan danas uglavnom od drveta, baš kao što je i čovjek 70% vode.
Od tog trenutka može se reći da je električna gitara zauzela mjesto kao glazbeni instrument i kulturni fenomen. Gibson, naravno, nije zaostao te je 1952. izdao svoj legendarni Les Paul. A probni snimak dogodio se 1954., kada je Fender lansirao Stratocaster u orbitu. Blues, rock i country glazbenici počeli su svirati gitare ovih modela i proizvođača. Naravno, od tada je bilo mnogo različitih lijepih i ne baš popularnih i ne popularnih gitara, ali malo je vjerojatno da je do danas netko smislio nešto značajnije, ako ne uzmete u obzir obradu zvuka. Ima, naravno, raznih inovacija, poput dodavanja sedme, pa i osme žice (u pravilu je riječ o gitarama namijenjenim bendovima i glazbenicima ekstremnih stilova i smjerova), ali sve su to pojave koje “nisu približiti” po svom značaju gore navedenim “otkrićima”.
Ali najzanimljivije je da je gitara ipak ostala gitara. Iz nekog razloga, mnogi ljudi koji su daleko od glazbe misle da je električna gitara glazbeni instrument koji nema nikakve veze s klasičnom gitarom. Naravno, razlika je velika, od izgleda do tehnike sviranja, ali ipak se radi o jednom te istom instrumentu s istim (uz neke iznimke) štimanjem i prstima akorda, što znači da se, poznavajući akorde pjesama, mogu s jednakim uspjehom izvode i na električnim i na akustičnim gitarama.

KRATKA POVIJEST GITARE I NJENO DANAŠNJE STANJE

Gitara je, kao što znate, nacionalni španjolski instrument. Do sada nije točno utvrđeno podrijetlo gitare. Mora se pretpostaviti da je njegov prototip asirsko-babilonska kefara ili egipatska cithara. Na Pirinejski poluotok mogli su je donijeti Rimljani (latinska gitara) ili Arapi (maurska gitara). Na prvom se sviralo tehnikom "punteado", odnosno štipaljkom, a na drugom, oštrije zvučnosti, sviralo se tehnikom "rasgueado", odnosno zveckanjem žica svim silama. prstima desne ruke.

Gitara modernog tipa, ili u svakom slučaju bliska njemu, vjerojatno je nastala fuzijom ovih dviju varijanti drevne citare ne prije 16. stoljeća. Indirektan pokazatelj ovog dvostrukog podrijetla gitare imamo u različitom načinu sviranja do danas: narodnom - "rasgueado", - koji potječe od sviranja maurske gitare, i profesionalnim - "punteado", - koji potječe od latinske gitare. .

U vrijeme prodora u druge europske zemlje (XVI-XVII. st.) gitara je imala pet žica, ugođenih u četvrtinskom omjeru, poput srodne lutnje. Nije sigurno je li šesta žica dodana u Njemačkoj ili Italiji. U tom konačnom obliku gitara je stekla prava ozbiljnog instrumenta. Na temelju tog porasta glazbenih mogućnosti gitara sa šest žica doživljava svoj prvi procvat (od kraja 18. do sredine 19. stoljeća). Tijekom tog razdoblja gitara je napredovala cijela linija briljantni virtuozi i skladatelji, kao što su Španjolci Aguado i Sor te Talijani Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Tsani de Ferranti, Regondi, Moretti i drugi. Koncertna djelatnost ovih gitarista u europskim zemljama podigla je gitaru na visoku profesionalnu razinu i pridobila brojne pristaše među najvećim glazbenicima, pjesnicima i piscima. Neki od njih - skladatelji Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - koristili su gitaru u svojim operama; drugi - skladatelji Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod - sami su svirali gitaru; drugi - Glinka, Čajkovski - voljeli su slušati gitaru. Posebno treba istaknuti da je slavni violinist Paganini bio ujedno i izvrstan gitarist te je napisao niz djela za gitaru. Pjesnici i pisci: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Deržavin, Puškin, Ljermontov, L. Tolstoj, Baudelaire i mnogi drugi voljeli su gitaru i posvetili joj više od jedne stranice u svojim djelima.

Procvat gitare, koji je trajao gotovo do kraja 19. stoljeća, zamijenio je njezin pad, ponajviše zbog pojave klavira. No, od početka 20. stoljeća svjedočimo razdoblju novog procvata gitare, očito uzrokovanog promjenom stava javnosti prema njoj, kao drevnom i jednom od najizražajnijih narodnih instrumenata. . Posljedica toga je niz iznimno darovitih gitarističkih virtuoza, uglavnom Španjolaca: Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol i drugi, koji su usavršili umijeće sviranja gitare i izjednačili je s ostalim tradicionalnim solističkim instrumentima. I opet, kao u doba prvog procvata, gitara privlači brojne prijatelje među najistaknutijim skladateljima, poput Turina, de Falle, Ponsa, Roussela i drugih.

U našoj je zemlji bio široko rasprostranjen zajedno s gitara sa šest žica njegova varijanta je gitara sa sedam žica, uglavnom s tercističkim ugađanjem.

Harmonika, harmonika na dugme

Povijest i sorte instrumenti s trskom(harmonika, harmonika, itd.)

Harmonika je glazbeni instrument u kojem zvukovi nastaju slobodnim klizećim metalnim trstikama - tankim pločama koje vibriraju pod djelovanjem zračne struje pumpane mijehom. Lijevom rukom izvođač upravlja mijehom, a također pritišće tipke za bas i akorde kako bi pratio melodiju koja se svira desnom rukom.

U Rusiji, u Moskvi, postoji najbolji i najopsežniji Muzej harmonike na svijetu (postoje 4 takva muzeja u svijetu: postoji i Muzej nacionalne harmonike u Njemačkoj u Klingenthalu, Muzej harmonike u Italiji u Castelfidardu i Muzej harmonike u SAD-u u .Super Ior-Delucy).

Opća povijest razvoja instrumenata s jezgom

Prvi poznati instrument s principom izvlačenja zvuka s trskom je drevni istočni Sheng (porijeklom iz Burme, Tibeta, Laosa i Kine). Točan datum nastanka ovog instrumenta nije poznat, ali se vjeruje da je star više od 2000 godina. Smatralo se "čistim" instrumentom, odnosno pogodnim za izvođenje sakralne glazbe. Oko 700. godine Sheng je bio poboljšani popularni instrument koji se mogao svirati u 12 tipki, a za te je instrumente napravljen udžbenik harmonije.



Pojava harmonika, harmonika i harmonika u Rusiji

Pojava harmonike u Rusiji datira s početka 40-ih godina XIX stoljeća. privilegiranih slojeva stanovništva, kao što je navedeno u literarni izvori, kupovao ručne harmonike u inozemstvu, a posredstvom kmetskih slugu harmonika se pojavila i postala popularna u selima. Postoji pretpostavka da bi harmonike mogli uvesti strani majstori, naručiti tvornicama oružja u Tuli.
Među obrtnicima iz Tule postojalo je mišljenje da su oružari Sizov i Shkunaev izumili harmoniku. Prema nekim izvješćima, proizvedeni su 30-ih godina XIX stoljeća. u Tulskoj guberniji, međutim, ne zna se o kakvim harmonicima je riječ - o usnicima ili ručnim.



Opće informacije o uređaju harmonika

Harmonikom se mogu nazvati svi glazbeni instrumenti, čiji se zvuk reproducira metalnim jezikom (glasom) koji slobodno klizi, vibrirajući pod djelovanjem struje zraka. Zrak se u harmonike dovodi uz pomoć ručnog ili nožnog mijeha (ručne harmonike, harmoniji), lepeze (organole, orgulje) ili se izdiše i udiše plućima izvođača (usne harmonike). U svim modernim harmonikama, jezičak je pričvršćen zakovicama na jednom kraju na metalnu podlogu, koja se naziva okvir (šasija). Okvir zajedno sa zakovanim perom naziva se šipka.



Sheng (gonofui, ken, lusheng)

Sheng je jedan od najstarijih instrumenata iz obitelji harmonika, a potječe iz Burme, Tibeta, Laosa i Kine. Prema drevnim kineskim rukopisima (2-3 tisuće godina prije Krista), znanstvenici su ustanovili najraniji naziv instrumenta - Yu. Tada se počeo zvati chao, ho, sheng - ovisno o obliku i materijalu koji se koristi za njegovu izradu. Poznate su i druge sorte shenga - chonofui ili gonofui (Japan), ken (Laos), lusheng i hulusheng (jugozapadna Kina). U Rusiji i drugim europskim zemljama shengove su ponekad nazivali kineskim ustima.



Bibelharmonika, orkestrion, elodikon

Kada su se u Europi pojavila prva glazbala izgrađena na novom principu proizvodnje zvuka (klizeći metalni jezičak), izrađivači orgulja koristili su stare oblike glazbala: prijenosne orgulje, regalije, pozitiv (prijenosne) orgulje itd. To se jasno vidi. u primjeru prvih instrumenata takve vrste.

Sintesajzer

Elektronički glazbeni instrument koji sintetizira zvuk pomoću jednog ili više generatora zvučnih valova. Željeni zvuk se postiže promjenom svojstava električnog signala (kod analognih sintesajzera) ili podešavanjem parametara središnjeg procesora (kod digitalnih sintesajzera).

Sintesajzer izrađen u obliku kućišta s klavijaturom naziva se klavijaturni sintesajzer.
Sintesajzer izrađen u obliku kućišta bez tipkovnice naziva se modul sintesajzera i njime se upravlja s MIDI tipkovnice.
Ako je sintesajzer tipkovnice opremljen ugrađenim sekvencerom, naziva se radna stanica.
Vrste sintisajzera:

Ovisno o korištenoj tehnologiji, sintesajzeri se dijele na nekoliko vrsta:

Analogni sintesajzeri provode aditivne i subtraktivne vrste sinteze. Glavna značajka analognih sintesajzera je da se zvuk generira i obrađuje pomoću stvarnih električnih krugova. Često se povezivanje različitih modula sinteze vrši pomoću posebnih kabela - patch-wires, stoga je "patch" uobičajeni naziv za određeni ton sintesajzera među glazbenicima.

Glavna prednost analognih sintesajzera je u tome što se sve promjene u prirodi zvuka tijekom vremena, kao što je kretanje granične frekvencije filtra, događaju izuzetno glatko (kontinuirano). Nedostaci uključuju visoka razina buke, problem nestabilnosti ugađanja sada je prevladan. Najpoznatiji analogni sintesajzeri koji se danas koriste su: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6.

Virtualni analogni sintesajzeri su hibrid između analognog sintesajzera i digitalnog sintesajzera koji u svom tijelu nosi softversku komponentu. Najpoznatiji među njima su: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

Digitalni sintesajzeri uključuju same digitalne sintesajzere, kao i njihove varijacije: virtualne sintesajzere-dodatke / samostalne i interaktivne sintesajzere. Oni provode razne vrste sinteze. Za stvaranje i reprodukciju izvornih valnih oblika, modificiranje zvuka filtrima, omotnicama itd. koriste se digitalni uređaji temeljeni na jednom središnjem procesoru i više koprocesora.

Zapravo, digitalni sintesajzer je visoko specijalizirano računalo. Najnapredniji modeli modernih digitalnih sintisajzera (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros), poput osobnih računala, omogućuju ažuriranje operativnog sustava, sadrže izbornike stranica, ugrađene datoteke pomoći, čuvare zaslona itd.

Virtualni sintesajzeri su podskup digitalnih sintesajzera, ali su posebna vrsta softvera. Za stvaranje zvuka koriste se središnji procesor i RAM osobnog računala, a za izlaz zvuka na uređaj za reprodukciju koristi se zvučna kartica osobnog računala.

Virtualni sintisajzeri mogu biti i samostalni softverski proizvodi i dodaci određenog formata (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA, itd.) dizajnirani za rad unutar glavnog programa, obično višekanalnog snimača (Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour itd.). Visoka dostupnost dovodi do rastuće popularnosti virtualnih sintisajzera, uključujući modele instrumenata iz stvarnog života (na primjer, Native Pro53 - Prophet emulator sintesajzera, Novation V-Station - Novation K-Station emulator sintesajzera, Korg Legacy - Korg M1 emulator sintesajzera, Wavestation , PolySix, MS20 itd.).

>Interaktivni ili kućni sintesajzeri također su različiti digitalni sintisajzeri dizajnirani posebno za kućno i salonsko amatersko muziciranje, kao i za interaktivno glazbeno obrazovanje. Tipično, ovi sintisajzeri nemaju sredstva za napredno uređivanje zvuka, uključujući kontrole u stvarnom vremenu. Naglasak je na realističnoj imitaciji raznih orkestralnih instrumenata i korištenju funkcije automatske pratnje. U ovom slučaju, kako bi svirao bilo koju glazbu, izvođač ne treba programirati glasove ili snimati dijelove u sekvencer - samo odaberite gotov glas za melodiju i stil za automatsku pratnju.

Naravno, upravljanje takvim sintisajzerima mnogo je jednostavnije od upravljanja profesionalnim izvedbenim modelima i često je dostupno čak i djetetu. Mnogi sintesajzeri ove vrste uključuju obrazovne igre kao što su "pogodi notu" ili "pogodi akord", zbirke gotove glazbe za slušanje i učenje, karaoke funkciju s prikazom riječi na ekranu itd. Ova kategorija sintisajzera uključuje obitelji Yamaha PSR, Casio CTK / WK, Roland E / VA / EXR itd.

Vrste sinteze zvuka:

Ovisno o načinu generiranja zvučnih valova i njihovoj transformaciji, sinteza zvuka može se klasificirati na sljedeći način:

Sumirajuća (aditivna) sinteza, koja koristi princip superpozicije (superpozicije) više valova jednostavnog (obično sinusoidnog) oblika s različitim frekvencijama i amplitudama. Po analogiji s električnim orguljama, ti se valovi nazivaju registri i označavaju kao 16' (ton za jednu oktavu niži od snimljenog), 8' (početni ton), 4' (ton za jednu oktavu viši od snimljenog) itd. (slika je duljina cijevi odgovarajućeg registra orgulja u stopama). U čistom obliku nalazi se u električnim orguljama (Hammond, Farfisa) i njihovim digitalnim emulatorima (Korg CX-3, Roland VK-8 i dr.). Zvuk instrumenta je bogatiji što se više registara koristi u dizajnu.

Subtraktivna (suptraktivna) sinteza, u kojoj izvorni proizvoljni valni oblik mijenja boju dok prolazi kroz razne filtre, generatore omotnice, procesore efekata itd. Kao podskup, ova vrsta sinteze naširoko se koristi u gotovo svim modernim modelima sintesajzera.

Operator (FM, od engleskog Frequency Modulation) sinteza, u kojoj se odvija interakcija (frekvencijska modulacija i zbrajanje) više valova jednostavnog oblika. Svaki val, zajedno sa svojim karakteristikama, naziva se operator, a određena konfiguracija operatora čini algoritam. Što se više operatora koristi u dizajnu sintesajzera, to je zvuk instrumenta bogatiji. Na primjer, Yamaha DX-7 sintesajzer (1984.), koji je i danas popularan, ima 6 operatora, koji su konfigurirani pomoću 36 različitih algoritama.

Fizička sinteza, u kojoj se korištenjem snažnih procesora simuliraju stvarni fizički procesi u glazbenim instrumentima ove ili one vrste. Na primjer, za puhačke instrumente kao što je flauta, parametri će biti duljina, profil i promjer cijevi, brzina protoka zraka, materijal tijela; za gudačke instrumente - veličina tijela, materijal, duljina i napetost žice itd. Fizičku sintezu koriste instrumenti kao što su Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion itd.

Wavetable (PCM) sinteza, u kojoj se zvuk stvara sviranjem fragmenata zvuka pravih glazbenih instrumenata (uzorci i multisamplovi) prethodno snimljenih u memoriji instrumenta. Najpoznatiji sintisajzer iz ove skupine je Waldorf Wave, poznat i kao najskuplji sintisajzer na svijetu.

Hibridna sinteza, koja koristi jednu ili drugu kombinaciju različitih metoda sinteze zvuka, na primjer, "zbrajanje + oduzimanje", "val + oduzimanje", "operator + oduzimanje" itd. Većina modernih instrumenata stvorena je na temelju hibridne sinteze, budući da ima vrlo moćne alate za variranje boje u najširem rasponu.

Kontrola modernog sintesajzera:

Upravljanje modernim profesionalnim sintesajzerom složen je proces povezan s kontrolom nekoliko stotina, pa čak i tisuća različitih parametara koji su odgovorni za određene aspekte zvuka. Neki parametri se mogu kontrolirati u stvarnom vremenu pomoću rotirajućih gumba, kotača, pedala, gumba; drugi parametri se koriste za unaprijed programirane promjene u vremenu određenih karakteristika. U tom smislu, timbre (zakrpe) digitalnih sintesajzera također se često nazivaju programima.

Tipkovnica i dinamičko praćenje koriste se za praćenje položaja i brzine pritiska tipke. Na primjer, pri prelasku s donjih tipki na gornje, zvuk se može glatko promijeniti od violončela do flaute, a snažnijim pritiskom na tipku timpani se dodaju ukupnom zvuku.

Omotnica se koristi za neperiodičku promjenu određenog parametra zvuka. Tipično, graf ovojnice je isprekidana linija koja se sastoji od napada (Attack), opadanja (Decay), podrške (Sustain) i opadanja (Release) (vidi također ADSR omotnicu), međutim, u različitim modelima sintisajzera nalaze se kao jednostavniji ( ADR ) kao i složenije višestupanjske ovojnice. Ukupan broj omotnica važna je karakteristika sintesajzera.

Filtar se koristi za izdvajanje određenog frekvencijskog pojasa iz ukupnog spektra signala. Često je filtar također opremljen rezonancijom, što omogućuje naglo povećanje frekvencijskog pojasa na granici prekida. Promjena karakteristika filtra s kontrolama u stvarnom vremenu, praćenjem tipkovnice i/ili omotnicama omogućuje vam da dobijete iznimno raznolike mogućnosti zvuka. Ukupan broj filtera važna je karakteristika sintesajzera.

Prstenasti modulator omogućuje vam modulaciju izvornog signala s drugim signalom s određenom (fiksnom ili plutajućom) frekvencijom, zbog čega dolazi do značajnog obogaćivanja harmonicima. Naziv “Ring” (eng. “call”) je zbog činjenice da ovaj čvor često služi za dobivanje “zvonastog” zvuka instrumenta.

Niskofrekventni oscilator se koristi za povremenu promjenu određenih parametara zvuka, kao što su visina, glasnoća, granična frekvencija filtra itd. U slučaju cikličke promjene glasnoće, stvara se tremolo efekt, promjena visine tona stvara vibrato efekt, periodična promjena granične frekvencije filtra naziva se "wah-wah" efekt.

Obrada efekata koristi se za finalizaciju zvuka. Moderni sintisajzeri obično su opremljeni prilično velikim brojem procesora efekata (na primjer, Korg Karma - 8 procesora, Roland Fantom - 6 procesora, itd.). Procesori rade neovisno jedan o drugome, iako se po želji mogu kombinirati u serijske sklopove. Moderni efekt procesori implementiraju veliki broj prostornih (reverb, delay, echo), modulacijskih (flange, chorus, phaser) i drugih (overamp, frekvencijski pomak, harmonijsko obogaćivanje) algoritama efekata.

Najnapredniji modeli imaju sredstva za kontrolu parametara efekta iz kontrola u stvarnom vremenu, omotnica, LFO-ova i više.

Mehaniku modernog klavira izumio je talijanski majstor Cristofori krajem 17. stoljeća (službeni datum je oko 1709.), u njegovom dizajnu čekići su bili ispod žica. Instrument se zvao gravicembalo col piano e forte, - pianoforte - a kasnije se ustalio i naziv klavira.

Cristoforijev izum označio je početak razvoja mehanike engleskog sustava. Ostale vrste mehanike razvili su Marius u Francuskoj (1716.) i Schroeter u Njemačkoj (1717.-21.). Sebastian Erard izumio je mehaniku dvostruke probe, koja je omogućila izvlačenje zvuka ponovnim brzim pritiskom tipke od pola. U mehanici engleskog sustava takvo je ponavljanje bilo moguće samo kad je ključ bio potpuno podignut.

U Rusiji se klavirski posao prvenstveno povezivao sa Sankt Peterburgom. Samo u 18. stoljeću tu je radilo više od 50 majstora klavira. Na razvoj tvorničke proizvodnje klavira u prvoj polovici 19. stoljeća utjecala je djelatnost prvog ruskog proizvođača klavira, dobavljača Carskog dvora, engleskog majstora G. Faveriera, njemačkog majstora I.-A.Tischnera, K.-I.Wirth, A.-H.Schroeder, I.-F.Schroeder i od 1840. Belgijanac G.-G.Lichtental. Do danas su poznata imena više od 600 majstora klavira koji su radili u Rusiji prije revolucije 1917. Majstor klavira Konzervatorija u Sankt Peterburgu, kandidat filoloških znanosti Sergejev M. V. bavi se tim studijama.
Sredinom 19. stoljeća u Njemačkoj su otvorene tvornice J. Blutnera, K. Bechsteina, u SAD-u - Steinway i sinovi, kojima godinama nije bilo premca.
U 20. stoljeću pojavili su se temeljno novi instrumenti - elektronički klaviri i sintisajzeri, kao i poseban oblik proizvodnje zvuka - preparirani klavir.

Prvo glazbeno djelo napisano posebno za klavir pojavilo se 1732. (sonata Lodovica Giustinija). Međutim, masovno su se skladatelji počeli fokusirati na klavir, a ne na čembalo četrdeset ili pedeset godina kasnije, u doba Haydna i Mozarta.

Klaviri se dijele na velike klavire - instrumente s horizontalnim žicama - i uspravne klavire. Prvi poznati okomiti klavir pripisuje se K.-E.Friedericiju (Gera, Njemačka), koji ga je izradio 1745. Međutim, već 1742. sličan je instrument izašao iz radionice Johanna Söchera u Zanthofenu (Bavarska), a 1748. takve iste instrumente izradio je i G. Silbermann. Varijante vertikalnih klavira - piramidalni, klavir-lira, klavir-biro, klavir-harfa itd. Od sredine 19. stoljeća proizvode se samo klaviri i klaviri.

Zvuk u klaviru nastaje udaranjem čekića po žicama. Žice su zategnute na okviru od lijevanog željeza uz pomoć klinova (klinova), prolazeći kroz klinove visokih i basova zalijepljenih na rezonantnu palubu (kod klavira je paluba u okomitom položaju, kod velikih klavira - u horizontalni položaj). Za svaki zvuk postoji zbor žica: tri za srednje i visoke tonove, dvije ili jedna za niske. Raspon većine klavira je 88 polutonova od A subkontroktave do 5. oktave (stariji instrumenti mogu biti ograničeni na A notu 4. oktave odozgo; možete pronaći instrumente sa širim rasponom). U neutralnom položaju žice su, osim zadnje jedne i pol do dvije oktave, u kontaktu s prigušivačima (prigušivačima). Kada se pritisnu tipke, aktivira se naprava od poluga, remena i čekića, koja se naziva mehanika klavira. Nakon pritiska prigušnica izlazi iz odgovarajućeg zbora žica kako bi žica mogla slobodno zvučati, a čekić, presvučen filcem (filcom), udara po njoj.
Pedale za klavir
Moderni klaviri imaju dvije ili tri (najnoviji modeli imaju četiri) pedale. Kod ranijih instrumenata za istu su svrhu korištene poluge na uvlačenje koje je pijanist morao pritiskati koljenima.
Desna pedala (ponekad se jednostavno naziva "pedala" jer se najčešće koristi) podiže sve prigušnice odjednom, tako da kad se tipka otpusti, odgovarajuće žice nastavljaju zvučati. Osim toga, sve druge žice instrumenta također počinju vibrirati, postajući sekundarni izvor zvuka. Desna pedala služi u dvije svrhe: da slijed izvučenih zvukova učini neodvojivim (sviranje legata) tamo gdje je to zbog tehničkih poteškoća nemoguće učiniti prstima, te da obogati zvuk novim prizvukom. Postoje dva načina korištenja pedale: izravna pedala - pritiskom na papučicu prije pritiskanja tipki koje treba zadržati i odgođena pedala, kada se pedala pritisne neposredno nakon pritiska na tipku i prije nego što se otpusti. U notnoj glazbi taj se pedal označava slovom P (ili kraticom Ped.), a njegovo uklanjanje označeno je zvjezdicom. U glazbi skladatelja iz razdoblja romantizma i impresionizma često se nalaze ove oznake, obično kako bi zvuku dali poseban okus.
Lijeva pedala služi za prigušivanje zvuka. Kod velikih klavira to se postiže pomicanjem čekića udesno, tako da umjesto u tri žice zbora udaraju samo po dvije (nekada samo po jednoj). U klaviru se čekići približavaju žicama. Ova pedala se koristi mnogo rjeđe. U notnom zapisu označava se una corda, njegovo uklanjanje označava se tre corde ili tutte le corde. Osim prigušivanja zvuka, korištenje lijeve pedale pri sviranju klavira omogućuje vam da ublažite zvuk, učinite ga toplijim i ljepšim zbog vibracije opuštenih žica zbora.
Srednja (ili treća, budući da je povijesno dodana posljednja) pedala, ili sostenuto pedala, služi za selektivno podizanje prigušivača. Kada je srednja papučica pritisnuta, amortizeri podignuti kada se pritisnu tipke ostaju podignuti dok se pedala ne ukloni. Ona, kao i desna pedala, može poslužiti za sviranje legata, ali neće obogatiti zvuk vibracijom ostalih žica. Ova pedala je odsutna na većini današnjih klavira, a prisutna je na većini velikih klavira. Postoje klaviri kod kojih srednja pedala “klizi” ulijevo i tako se fiksira, dok se između čekića i žica stavlja posebna tkanina zbog koje zvuk postaje vrlo tih, što glazbeniku omogućuje sviranje npr. noću.
Klavir se može koristiti i kao solistički instrument i zajedno s orkestrom (na primjer, u klavirskim koncertima s orkestrom). Sviranje klavira je aktivnost koja zahtijeva dobru tehniku, pažnju i predanost. Preporuča se započeti trening u djetinjstvo. U dječjim glazbenim školama (DMSH) u Rusiji obuka traje 5 ili 7 godina, ovisno o programu, neki učenici ostaju još jednu ili dvije godine nakon mature prije ulaska u glazbenu školu. Nakon glazbene škole ili ekvivalentnog obrazovanja, možete nastaviti studij u glazbenoj školi ili fakultetu, a zatim na konzervatoriju, sveučilištu, te postati profesionalni pijanist. U glazbenoj školi opći klavir također je obavezan predmet za gotovo sve smjerove. Izvanredni pijanisti 20. stoljeća - Sergej Rahmanjinov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould i drugi.
Klavir zahtijeva odgovarajuće uvjete održavanja, kao i redovito ugađanje, jer s vremenom napetost žica instrumenta slabi. Učestalost ugađanja ovisi o klasi instrumenta, kvaliteti izrade, starosti, uvjetima održavanja i rada. Ugađanje, u pravilu, ne obavlja sam izvođač, već stručnjak - majstor klavirskog ugađanja, iako, teoretski, imajući elektronski tuner pri ruci i poznavajući točne frekvencijske karakteristike svake od žica, svatko to može učiniti. ugađanje, čak i ako nema glazbeno uho.
To je jedna od nominacija Delfijskih igara.