Arus utama dan arah era baru estetika. Tren utama perkembangan estetika abad XIX - XX

Pada paruh pertama abad ke-20, salah satu aliran budaya dan estetika paling populer di abad kita, Freudianisme, dibentuk. Pendirinya, filsuf dan psikiater Austria Sigmund Freud (1856-1939), memperkenalkan penjelasan tentang alam bawah sadar dari sudut pandang teori intuisi rekan-rekannya. kehidupan seksual orang. Dan meskipun tidak ada penyajian teori estetika yang sistematis dalam karya filsuf, penilaian terpisah tentang masalah estetika dan budaya artistik terkandung dalam Lectures on Introduction to Psychoanalysis (1918), dalam buku Dissatisfaction with Culture (1930), sebagai serta dalam artikel Leonardo da Vinci. Studi tentang Psikoseksualitas" (1910), "Dostoevsky and Parricide" (1928), "Penyair dan Fantasi" (1911). Doktrin Freud tentang insting struktur bawah sadar bawaan berdampak besar pada praktik yang disebut "budaya massa" yang terbentuk pada awal abad ke-20. Memang, dalam teori ketidaksadarannya, filsuf melanjutkan dari fakta bahwa esensi manusia diekspresikan dalam kebebasan dari naluri. Pengaruh utama Freudianisme pada " Budaya masyarakat terletak pada penggunaan naluri ketakutan, seks, dan agresivitasnya. Psikoanalisis Freud menciptakan sekolah yang sangat representatif yang masih ada sampai sekarang. Peran khusus dalam pengembangan doktrin Freudian adalah milik O. Rank, G. Sachs dan terutama K.G. Jung. Pada abad ke-20, gagasan para pemikir abad terakhir A. Schopenhauer dan F. Nietzsche terangkum dalam konsep estetika elit filsuf Spanyol José Ortega y Gasset (1883-1955). Pada tahun 1925, karyanya yang paling terkenal berjudul "The Dehumanization of Art", yang didedikasikan untuk masalah perbedaan antara seni lama dan baru, diterbitkan di Eropa. Perbedaan utama antara seni baru dan lama, menurut Ortega y Gasset, adalah bahwa seni itu ditujukan kepada elit masyarakat, dan bukan massanya.

Buku Ortega y Gasset "The Dehumanization of Art" berhak menjadi manifesto avant-garde yang nyata. Filsuf berpihak pada bagian dari inteligensia kreatif Eropa di awal abad ini, yang mencoba menciptakan seni baru. Dalam hal ini, perlu untuk menganalisis tren, tren, dan gaya artistik paling mencolok yang telah menyatakan dirinya dalam periode sejarah ini.

Avant-garde (dari detasemen maju avant-garde Prancis) adalah sebuah konsep yang menyatukan berbagai aliran dan tren seni Eropa tahun 10-20-an abad ke-20 pada prinsip-prinsip pembaruan radikal praktik artistik. Istilah "avant-garde" telah memantapkan dirinya dalam estetika kritik seni di usia 20-an. Kelompok utama sekolah avant-garde (Futurisme, Dadaisme, Kubisme, Ekspresionisme, Suprematisme) menyatakan dirinya dengan nihilisme ekstrim, tingkat penyangkalan tertinggi terhadap tradisi budaya pengalaman artistik klasik sebelumnya. Implementasi praktis avant-garde adalah karakteristik dari berbagai jenis seni: sastra (L. Aragon, V. Khlebnikov, V. Mayakovsky), teater (V. Meyerhold, B. Brecht, G. Kaiser), musik (M. Čiurlionis, A. Schoenberg, A. Scriabin). Namun, avant-garde paling jelas diwujudkan seni rupa. Lukisan dari berbagai tren avant-garde dicirikan oleh penolakan terhadap artistik yang hidup. Seni avant-garde, dengan pengecualian langka (kubisme, yang secara kondisional membuat geometri alam, abstraksionisme, dengan geometri yang murni fantastis), adalah non-figuratif. Penolakan objektivitas dan transformasi sarana artistik seperti warna, komposisi, tekstur menjadi tujuan itu sendiri didikte oleh perasaan krisis peradaban modern.

Pada paruh kedua abad ke-20, pencarian kreatif dan eksperimen berani berlanjut dalam estetika dan seni Eropa, ide-ide berpengaruh, sekolah seni baru, dan penemuan menjanjikan yang signifikan muncul. Eksistensialis, strukturalis, tren estetika sosiokultural, diwakili oleh nama J.-P. Sartre, A. Camus, K. Levi-Strauss, R. Bart, T. Adorno dan lainnya. Sekolah estetika paling signifikan, yang dibentuk di Prancis pada 1940-an dan 1950-an, termasuk dalam tren eksistensialis dan memanifestasikan dirinya dengan sangat jelas dalam karya J.P. Sartre dan A. Camus. Perlu diingat bahwa pendiri filosofis eksistensialisme, Soren Kierkegaard (1813-1855), menganggap filsafat sebagai refleksi atas dasar keberadaan pribadi manusia - "keberadaan". Konsep estetika eksistensialisme juga mengakui kebenaran hanya keberadaan individu seseorang dan kemungkinan mengetahui "keberadaan" dengan bantuan imajinasi dan emosi manusia, yang pada gilirannya merupakan sisi terpenting dari kreativitas artistik.

Filsuf dan penulis Prancis Jean-Paul Sartre (1905-1980) dalam tulisannya "Imagination" (1936), "Essay on the Theory of Emotions" (1939), "Imaginary" (1940) membahas secara cukup rinci tentang berbagai sifat kesadaran manusia. Sartre menafsirkan kesadaran manusia sebagai transendental, yaitu melampaui batas pengalaman apa pun dan menjadi sumber, landasan vital, termasuk aktivitas kreatif manusia. Dalam pandangan filsuf, karya seni bukanlah cerminan langsung dari realitas, oleh karena itu yang disebut “kesadaran imajiner” setiap seniman bersifat kreatif, karena muncul dengan sendirinya dan bebas dari segala manifestasi realitas. Ekspresi pandangan estetika Albert Camus(1913-1960) adalah bab terakhirnya esai filosofis"The Myth of Sisyphus" (1942), di mana ia mengembangkan gagasan utama karyanya - absurditas keberadaan manusia di dunia. "Absurditas", perasaan kesepian dan keterasingan dari dunia luar, kemahakuasaan kematian menjadi konstan dalam dramaturgi, prosa, dan estetika Camus. Absurditas, menurut Camus, juga termasuk karya seni. Namun, tindakan kreativitas artistik memungkinkan seseorang untuk mempertahankan kesadaran di dunia kekacauan. Selanjutnya, "Estetika Absurd" berkembang bersama filsuf menjadi "estetika pemberontakan". Pada tahun 1951, esai politik "The Rebellious Man" diterbitkan, di mana Camus menentang ekstrem dalam seni, baik ideologis maupun formalistik murni. Baik dalam The Rebellious Man maupun dalam pidato Hadiah Nobelnya (1957), Camus menekankan hal itu seni sejati mencerminkan takdir manusia dan berusaha menguasai takdir.

Pada 1950-an, konsep intuitif dan eksistensialis dalam estetika Eropa Barat menghilang ke latar belakang, digantikan oleh strukturalisme. Esensi strukturalisme diungkapkan oleh ahli teori utamanya Claude Levi-Strauss (lahir 1908). Dia merumuskan tahapan utama strukturalis analisis eksplorasi: "membaca" teks, analisis mikro, interpretasi, decoding, dan pemodelan akhir. Strukturalisme menjadi dasar gerakan sastra dan estetika yang sangat populer di tahun 60-an, yang disebut Kritik Baru, dipimpin oleh profesor Paris Roland Barthes (1915-1980). Dalam buku Criticism and Truth (1966), ia mengemukakan posisi bahwa ilmu sastra tidak boleh mementingkan klarifikasi makna karya, tetapi harus menciptakan hukum universal untuk konstruksi bentuk sastra.

Pada tahun 1960-an dan 1970-an, konsep sosiologi yang diwakili oleh nama T. Adorno, G. Marcuse, E. Fromm tersebar luas di Eropa Barat dan Amerika Serikat. Nama-nama ini dijelaskan oleh keinginan untuk mengeksplorasi korespondensi struktur imanen internal karya seni dengan jenis hubungan sosial tertentu yang sudah mapan.

Waktu terbaru juga termasuk hari era artistik: avant-garde dan realisme. keaslian dari zaman ini terletak pada kenyataan bahwa mereka tidak berkembang secara berurutan, tetapi secara historis secara paralel.

kelompok seni avant-garde N kamu ( pramodernisme, modernisme, neomodernisme, postmodernisme) berkembang secara paralel dengan kelompok realistis (realisme kritis abad ke-19, realisme sosialis, prosa pedesaan, neorealisme, realisme magis, realisme psikologis, realisme intelektual). Dalam perkembangan zaman yang paralel ini muncul akselerasi umum dari pergerakan sejarah.

Salah satu ketentuan utama dari konsep artistik tren avant-garde: kekacauan, kekacauan "Hukum kehidupan modern masyarakat manusia. Seni menjadi chaosology, mempelajari hukum kekacauan dunia.

Semua tren avant-garde membatasi kesadaran dan meningkatkan awal ketidaksadaran baik dalam proses kreatif maupun dalam proses penerimaan. Bidang-bidang ini menaruh perhatian besar pada seni massa dan masalah pembentukan kesadaran individu.

Fitur yang menyatukan gerakan seni avant-garde: pandangan baru tentang posisi dan tujuan manusia di alam semesta, penolakan terhadap aturan dan norma yang telah ditetapkan sebelumnya, dari tradisi dan

ketangkasan, eksperimen di bidang bentuk dan gaya, pencarian alat dan teknik artistik baru.

Pramodernisme - periode pertama (awal) perkembangan artistik era avant-garde; sekelompok tren artistik dalam budaya paruh kedua abad ke-19, membuka seluruh panggung (tahap ilusi yang hilang) dari perkembangan artistik terkini.

Naturalisme adalah arah artistik, yang invarian dari konsepsi artistiknya adalah pernyataan manusia dari daging di dunia material-material; seseorang, bahkan dianggap hanya sebagai individu biologis yang sangat terorganisir, patut mendapat perhatian dalam setiap manifestasinya; untuk semua ketidaksempurnaannya, dunia ini stabil, dan semua detail tentangnya menjadi perhatian umum. Dalam konsep artistik naturalisme, keinginan dan kemungkinan, cita-cita dan realitas seimbang, masyarakat merasakan kepuasan tertentu, kepuasannya dengan posisinya dan keengganan untuk mengubah apapun di dunia.

Naturalisme mengklaim bahwa seluruh dunia yang terlihat adalah bagian dari alam dan dapat dijelaskan dengan hukum-hukumnya, dan bukan dengan penyebab supranatural atau paranormal. Naturalisme lahir dari absolutisasi realisme dan di bawah pengaruh teori-teori biologis Darwin, metode ilmiah studi tentang masyarakat dan ide-ide deterministik Taine dan positivis lainnya.

Impresionisme - arah artistik (paruh kedua abad ke-19 - awal abad ke-20), konsep artistik yang tidak berubah adalah penegasan kepribadian yang halus, tanggap secara liris, mudah dipengaruhi, mengagumi keindahan dunia. Impresionisme membuka jenis persepsi baru tentang realitas. Tidak seperti realisme, yang berfokus pada transmisi tipikal, impresionisme berfokus pada visi khusus, individu, dan subyektifnya oleh seniman.

Impresionisme adalah penguasaan warna, chiaroscuro, kemampuan untuk menyampaikan keragaman, kehidupan beraneka warna, kegembiraan keberadaan, untuk menangkap momen iluminasi sekilas dan keadaan umum dunia yang berubah di sekitarnya, untuk menyampaikan udara terbuka - permainan cahaya dan bayangan di sekitar seseorang dan benda, lingkungan udara, pencahayaan alami, memberikan tampilan estetika pada objek yang digambarkan.

Impresionisme memanifestasikan dirinya dalam lukisan (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) dan dalam musik (C. Debussy dan M Ravel, A. Scriabin), dan dalam literatur (sebagian G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eklektisisme- arah artistik (yang memanifestasikan dirinya terutama dalam arsitektur), yang melibatkan, saat membuat karya, kombinasi apa pun dari segala bentuk masa lalu, tradisi nasional apa pun, dekorasi yang jujur, pertukaran dan kesetaraan elemen dalam sebuah karya, pelanggaran hierarki dalam karya sistem artistik dan melemahkan sistem dan integritas.

Eklektisisme dicirikan oleh: 1) dekorasi yang melimpah; 2) sama pentingnya berbagai elemen, semua bentuk gaya; 3) hilangnya perbedaan antara bangunan masif dan unik dalam ansambel perkotaan atau karya sastra dan karya lain dari proses sastra; 4) kurangnya kesatuan: fasad memisahkan diri dari badan bangunan, detail - dari keseluruhan, gaya fasad - dari gaya interior, gaya berbagai ruang interior - dari satu sama lain ; 5) komposisi simetris-aksial opsional (berangkat dari aturan jumlah ganjil jendela pada fasad), keseragaman fasad; 6) prinsip "non-finito" (ketidaklengkapan pekerjaan, keterbukaan komposisi); 7) penguatan

pemikiran asosiatif penulis (artis, menulis la, arsitek) dan penampil; 8) pembebasan dari tradisi kuno dan ketergantungan pada budaya dari era yang berbeda dan bangsa yang berbeda; keinginan untuk yang eksotis; 9) multi-gaya; 10) kepribadian yang tidak diatur (tidak seperti klasisisme), subjektivisme, manifestasi elemen pribadi yang bebas; 11) demokrasi: kecenderungan untuk menciptakan tipe perumahan perkotaan yang universal dan non-kelas.

Secara fungsional, eklektisisme dalam sastra, arsitektur, dan seni lainnya ditujukan untuk melayani "wilayah ketiga". Bangunan utama Barok adalah gereja atau istana, bangunan utama klasisisme adalah bangunan negara, bangunan utama eklektisisme adalah gedung apartemen ("untuk semua orang"). Dekorasi eklektik adalah faktor pasar yang muncul untuk menarik banyak pelanggan ke gedung apartemen tempat apartemen disewakan. Rumah yang menguntungkan - tipe perumahan massal.

Modernisme- era artistik yang menyatukan gerakan artistik yang konsep artistiknya mencerminkan percepatan sejarah dan penguatan tekanannya pada seseorang (simbolisme, rayonisme, fauvisme, primitivisme, kubisme, akmeisme, futurisme); periode perwujudan paling lengkap dari avant-garde. Pada masa modernisme, perkembangan dan perubahan trend kesenian terjadi dengan pesat.

Tren artistik modernis dibangun dengan mendekonstruksi struktur tipologis sebuah karya klasik - beberapa elemennya menjadi objek eksperimen artistik. Dalam seni klasik, unsur-unsur ini seimbang. Modernisme mengganggu keseimbangan ini dengan memperkuat beberapa elemen dan melemahkan elemen lainnya.

Simbolisme- arah artistik era modernisme, yang menegaskan konsep artistik: impian penyair adalah ksatria dan wanita cantik. Mimpi dari

ksatria, pemujaan wanita cantik mengisi puisi simbolisme.

Simbolisme muncul di Perancis. Tuannya adalah Baudelaire, Mallarmé, Verlaine dan Rimbaud.

Akmeisme adalah arahan artistik sastra Rusia pada awal abad ke-20, yang muncul di "Zaman Perak", terutama ada dalam puisi dan diklaim: penyair- seorang penyihir dan penguasa dunia yang bangga, mengungkap misterinya dan mengatasi kekacauannya.

Acmeism adalah milik: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich dan Futurisme lainnya- arah artistik era modernisme, menegaskan kepribadian militan yang agresif dalam kekacauan dunia yang terorganisir secara perkotaan.

Mendefinisikan artistik faktor futurisme - dinamika. Futuris menerapkan prinsip eksperimen tanpa batas dan mencapai solusi inovatif dalam sastra, lukisan, musik, dan teater.

Primitivisme- arah artistik yang menyederhanakan manusia dan dunia, berjuang untuk melihat dunia melalui mata anak-anak, dengan gembira dan sederhana, di luar "orang dewasa» kesulitan. Keinginan ini memunculkan kekuatan dan kelemahan primitivisme.

Primitivisme adalah nostalgia atavistik untuk masa lalu, merindukan cara hidup pra-peradaban.

Primitivisme berusaha menangkap garis besar utama dunia yang kompleks, mencari warna dan garis yang menyenangkan dan dapat dimengerti di dalamnya. Primitivisme adalah perlawanan terhadap kenyataan: dunia menjadi lebih kompleks, dan seniman menyederhanakannya. Namun, sang seniman kemudian menyederhanakan dunia untuk mengatasi kerumitannya.

Kubisme - variasi geometri dari primitivisme yang menyederhanakan realitas, memandangnya dengan mata kekanak-kanakan atau "biadab".

karakter sebelumnya dari primitivisasi: visi dunia melalui bentuk-bentuk figur yang teratur secara geometris.

Kubisme dalam lukisan dan pahatan dikembangkan oleh seniman Italia D. Severini, U. Boccione, K. Kappa; Jerman - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerika - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, Meksiko Diego Rivera, Argentina E. Pettoruti, dll.

Dalam kubisme, konstruksi arsitektur sangat terasa; massa secara mekanis dikawinkan satu sama lain, dan masing-masing massa mempertahankan independensinya. Kubisme membuka arah baru yang fundamental dalam seni figuratif. Karya bersyarat Kubisme (Braque, Gris, Picasso, Léger) mempertahankan hubungannya dengan model. Potret tersebut sesuai dengan aslinya dan dapat dikenali (seorang kritikus Amerika di kafe Paris mengenali seorang pria yang hanya dikenalnya dari potret karya Picasso, yang terdiri dari figur geometris).

Kubis tidak menggambarkan realitas, tetapi menciptakan "realitas yang berbeda" dan tidak menyampaikan penampilan suatu objek, tetapi desain, arsitektur, struktur, esensinya. Mereka tidak mereproduksi "fakta naratif", tetapi secara visual mewujudkan pengetahuan mereka tentang subjek yang digambarkan.

Abstraksionisme- arah artistik seni abad ke-20, konsep artistik yang menegaskan perlunya individu untuk melepaskan diri dari realitas dangkal dan ilusi.

Karya seni abstrak terlepas dari bentuk kehidupan itu sendiri dan mewujudkan kesan warna subyektif dan fantasi senimannya.

Ada dua arus dalam abstraksionisme. Arus pertama liris-emosional, abstraksionisme psikologis - simfoni warna, harmonisasi kombinasi warna tak berbentuk. Tren ini lahir dari keragaman kesan impresionistik tentang dunia yang diwujudkan dalam kanvas-kanvas Henri Matisse.

Pencipta karya pertama abstraksionisme psikologis adalah V. Kandinsky, yang melukis lukisan "Gunung".

Arus kedua geometris (logis, intelektual) abstraksionisme ("neoplastisisme") adalah kubisme non-figuratif. P. Cezanne dan Cubist, yang menciptakan tipe baru ruang seni dengan menggabungkan yang berbeda bentuk geometris, bidang berwarna, garis lurus dan putus-putus.

Suprematisme(penulis istilah dan fenomena artistik yang sesuai Kazimir Malevich) - untuk abstraksionisme, mempertajam dan memperdalam fitur-fiturnya. Malevich membuka tren "Suprematisme" pada tahun 1913 dengan lukisan "Lapangan Hitam". Belakangan, Malevich merumuskan prinsip estetiknya: seni bertahan lama karena nilainya yang tak lekang oleh waktu; kepekaan plastik murni - "martabat karya seni." Estetika dan puisi Suprematisme menegaskan formula dan komposisi bergambar universal (Suprematis) - konstruksi ideal elemen teratur geometris.

Rayonisme adalah salah satu tren hampir-abstraksionis yang menegaskan kesulitan dan kegembiraan keberadaan manusia dan ketidakpastian dunia, di mana semua objek diterangi. sumber yang berbeda cahaya, berubah menjadi sinar yang dibedah dari cahaya ini dan kehilangan kiasannya yang jelas.

Luchisme berasal dari 1908 - 1910 gg. dalam karya seniman Rusia Mikhail Larionov dan istrinya Natalia Goncharova.

Selama neomodernisme, semua gerakan seni avant-garde berasal dari pemahaman tentang realitas seperti itu: seseorang tidak dapat menahan tekanan dunia dan menjadi manusia baru. Selama periode ini, perkembangannya

Ada gerakan seni avant-garde yang menegaskan konsep artistik dunia dan kepribadian yang pesimis dan tidak menyenangkan. Diantara mereka Dadaisme, konstruktivisme, surealisme, eksistensialisme, neo-abstraksionisme, dll.

Dadaisme adalah gerakan artistik yang menegaskan konsep artistik; dunia- kegilaan yang tidak masuk akal, merevisi akal dan iman.

Prinsip-prinsip Dadaisme adalah; memutuskan tradisi budaya dunia, termasuk tradisi bahasa; melarikan diri dari budaya dan kenyataan, gagasan tentang dunia sebagai kekacauan kegilaan, di mana orang yang tak berdaya dilemparkan; pesimisme, ketidakpercayaan, penyangkalan nilai, perasaan kehilangan secara umum dan ketidakberartian, penghancuran cita-cita dan tujuan hidup. Dadaisme adalah ekspresi dari krisis nilai-nilai budaya klasik, pencarian bahasa baru dan nilai-nilai baru.

Surealisme adalah gerakan seni yang berfokus pada orang yang bingung di dunia yang misterius dan tidak dapat diketahui. Konsep kepribadian dalam surealisme dapat diringkas dalam rumusan agnostisisme: “Saya seorang laki-laki, tetapi batasan kepribadian saya dan dunia telah kabur. Saya tidak tahu di mana "aku" saya dimulai dan di mana berakhir, di manakah dunia dan apa itu?

Surealisme sebagai arahan artistik dikembangkan oleh: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

Surealisme muncul dari Dadaisme, awalnya sebagai arah sastra, yang kemudian diekspresikan dalam lukisan, juga dalam sinema, teater, dan sebagian lagi dalam musik.

Bagi surealisme, manusia dan dunia, ruang dan waktu adalah cair dan relatif. Mereka kehilangan batasan. Relativisme estetika diproklamirkan: semuanya mengalir, semuanya

tampaknya campur aduk, kabur; tidak ada yang pasti. Surealisme menegaskan relativitas dunia dan miliknya nilai-nilai. Tidak ada batasan antara kebahagiaan dan ketidakbahagiaan, individu dan masyarakat. Kekacauan dunia menyebabkan kekacauan pemikiran artistik- inilah prinsip estetika surealisme.

Konsep artistik surealisme menegaskan misteri dan ketidaktahuan dunia, di mana waktu dan sejarah menghilang, dan seseorang hidup di alam bawah sadar dan tidak berdaya menghadapi kesulitan.

Ekspresionisme- arah artistik yang menegaskan: terasing, seseorang hidup di dunia yang tidak bersahabat. Sebagai pahlawan saat itu, ekspresionisme mengedepankan kepribadian yang gelisah, diliputi oleh emosi, [tidak mampu membawa keharmonisan ke dunia yang dicabik-cabik oleh nafsu. -

Ekspresionisme sebagai arah artistik muncul atas dasar hubungan dengan berbagai bidang kegiatan ilmiah: dengan psikoanalisis Freud, fenomenologi Husserl, epistemologi neo-Kantian, filosofi Lingkaran Wina, dan psikologi Gestalt.

Ekspresionisme memanifestasikan dirinya dalam berbagai jenis seni: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - dalam lukisan; A. Rimbaud, A. Yu Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - dalam sastra; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - dalam musik.

Ekspresionisme atas dasar budaya abad XX. membangkitkan romantisme. ekspresionisme ketakutan yang melekat pada dunia dan kontradiksi antara dinamisme eksternal dan gagasan tentang esensi dunia yang tidak dapat diubah (ketidakpercayaan pada kemungkinan perbaikannya). Menurut artistik konsep ekspresionisme, kekuatan esensial kepribadian diasingkan dalam penentangan pria dan institusi publik yang bermusuhan: semuanya tidak berguna. Ek ekspresionisme adalah ekspresi rasa sakit seorang seniman humanis,

disebabkan oleh ketidaksempurnaan dunia. Konsep kepribadian ekspresionis: Manusia- makhluk emosional, "alami", asing bagi dunia industri dan rasional, perkotaan tempat dia dipaksa untuk hidup.

Konstruktivisme- arah artistik (20-an abad XX), invarian konseptualnya adalah idenya- keberadaan manusia terjadi di lingkungan kekuatan industri yang terasing darinya; dan pahlawan waktu- rasionalis masyarakat industri.

Prinsip-prinsip kubisme neo-positivis, yang lahir dalam seni lukis, diperluas dalam bentuk transformasi ke sastra dan seni lainnya dan dikonsolidasikan ke arah baru, menyatu dengan gagasan teknik - konstruktivisme. Yang terakhir menganggap produk industri sebagai independen, terasing dari individu dan menentang nilai-nilainya. Konstruktivisme muncul pada awal revolusi ilmu pengetahuan dan teknologi dan mengidealkan ide-ide teknisme; dia menghargai mesin dan produknya daripada individu. Bahkan yang paling berbakat dan karya humanistik konstruktivisme mengasingkan faktor kemajuan teknologi diterima begitu saja. Konstruktivisme penuh dengan kesedihan kemajuan industri, kelayakan ekonomi; itu teknokratis.

Estetika konstruktivisme berkembang di antara ekstrem (terkadang jatuh ke salah satunya) - utilitarianisme, membutuhkan penghancuran estetika, dan estetika. Dalam seni visual dan arsitektur, prinsip-prinsip kreatif konstruktivisme sedekat mungkin dengan teknik dan meliputi: perhitungan matematis, lakonikisme sarana artistik, skema komposisi, logikaisasi.

Dalam sastra, konstruktivisme sebagai arahan artistik berkembang (1923 - 1930) dalam karya kelompok

LCC (Pusat Sastra Konstruktivis): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, K.L. Zelinsky (ahli teori grup) dan lainnya Konstruktivisme juga memengaruhi teater (karya sutradara Vsevolod Meyerhold, yang mengembangkan prinsip biomekanik, teknik teater, dan memperkenalkan aksi panggung unsur tontonan sirkus. Gagasan konstruktivisme merangkul berbagai jenis seni dengan pengaruhnya, tetapi pengaruhnya paling besar pada arsitektur. Ini terutama memengaruhi pekerjaan Le Corbusier, I. Leonidov, V.A. Shchuko dan V.G. Gelfreich.

Eksistensialisme- konsep keberadaan manusia, tempat dan perannya di dunia ini, hubungannya dengan Tuhan. Inti dari eksistensialisme- keutamaan keberadaan atas esensi (manusia itu sendiri membentuk keberadaannya dan, memilih apa yang harus dilakukan dan apa yang tidak dilakukan, membawa esensi menjadi ada). Eksistensialisme menegaskan kepribadian berharga diri yang egois dan kesepian di dunia yang absurd. Bagi eksistensialisme, individu berada di atas sejarah.

Dalam konsep artistiknya, eksistensialisme (J.P. Sartre, A. Camus) mengklaim bahwa dasar keberadaan manusia adalah absurd, jika hanya karena manusia itu fana; ceritanya berubah dari buruk menjadi lebih buruk dan kembali menjadi buruk lagi. Tidak ada gerakan ke atas, hanya ada tupai roda sejarah di mana kehidupan umat manusia berputar tanpa alasan.

Kesepian mendasar, yang ditegaskan oleh konsep artistik eksistensialisme, memiliki konsekuensi logis yang berlawanan: hidup tidak masuk akal di mana seseorang melanjutkan dirinya dalam kemanusiaan. Tetapi jika seseorang adalah penyendiri, jika dia adalah satu-satunya nilai di dunia, maka dia direndahkan secara sosial, dia tidak memiliki masa depan, dan kemudian kematian adalah mutlak. Itu mencoret seseorang, dan hidup menjadi tidak berarti.

Neo-abstraksionisme(abstraksionisme gelombang kedua) - ekspresi diri spontan-impulsif; penolakan mendasar terhadap kiasan, penggambaran realitas, atas nama ekspresi murni; aliran kesadaran ditangkap dalam warna.

Neo-abstraksionisme diciptakan oleh generasi baru abstraksionis: J. Paul Lak, De Kuhn dan Yig, A. Manisirer dan lain-lain Mereka menguasai teknik surealis dan prinsip "otomatisme mental". Paul Lak menekankan dalam tindakan kreatif bukan pada karya, tetapi pada proses penciptaannya. Proses ini menjadi tujuan dengan sendirinya dan di sinilah asal mula “aksi melukis” terbentuk.

Prinsip-prinsip neo-abstraksionisme dibuktikan oleh M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, M. Raton. Ahli teori Italia D. Severini mendesak untuk melupakan kenyataan, karena tidak mempengaruhi ekspresi plastis. Ahli teori lain, M. Zefor, menganggap lukisan abstrak tidak membawa apapun dari lingkungan normal kehidupan manusia. Fotografi menghilangkan figuratif lukisan, meninggalkan yang terakhir hanya kemungkinan ekspresif untuk mengungkap dunia subyektif seniman.

Mata rantai lemah dalam teori abstraksionisme dan neo-abstraksionisme adalah tidak adanya kriteria nilai yang jelas untuk membedakan kreativitas dari spekulasi, keseriusan dari lelucon, bakat dari biasa-biasa saja, keterampilan dari tipu daya.

Solusi artistik abstraksionisme dan neo-abstraksionisme (harmonisasi warna dan bentuk, penciptaan "keseimbangan" bidang dengan ukuran berbeda karena intensitas warnanya) digunakan dalam arsitektur, desain, seni dekoratif, teater, bioskop, dan televisi.

Postmodernisme sebagai era artistik membawa paradigma artistik yang mengklaim itu seseorang tidak dapat menahan tekanan dunia dan menjadi posthuman. Semua arahan artistik dari ini

periode diresapi dengan paradigma ini, memanifestasikan dan membiaskannya melalui konsep dunia dan kepribadian mereka yang tidak berubah: seni pop, sonopucmuka, aleatorik, pointillisme musik, hiperrealisme, kejadian, dll.

Seni pop- seni figuratif baru. Seni pop menentang penolakan abstraksionis terhadap realitas dengan dunia material yang kasar, yang dikaitkan dengan status artistik dan estetika.

Ahli teori seni pop berpendapat bahwa dalam konteks tertentu, setiap objek kehilangan makna aslinya dan menjadi sebuah karya seni. Oleh karena itu, tugas seniman dipahami bukan sebagai penciptaan objek artistik, tetapi sebagai pemberian kualitas artistik pada objek biasa dengan mengatur konteks tertentu untuk persepsinya. Estetika dunia material menjadi prinsip seni pop. Seniman berusaha keras untuk mencapai daya tarik, visibilitas, dan kejelasan kreasi mereka, menggunakan puisi label dan iklan untuk ini. Seni pop adalah komposisi benda sehari-hari, terkadang dipadukan dengan model atau pahatan.

Mobil kusut, foto pudar, sobekan koran dan poster yang ditempel di kotak, boneka ayam di bawah toples kaca, sepatu compang-camping yang dicat cat minyak putih, motor listrik, ban bekas atau kompor gas - ini adalah pameran seni pop art.

Di antara para seniman seni pop dapat diidentifikasi: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine dan lain-lain.

Seni pop sebagai arah seni memiliki sejumlah varietas (tren): seni op (artistik efek optik terorganisir, kombinasi garis dan bintik geometris), env-apm(komposisi, organisasi artistik dari lingkungan sekitar penonton), surel(benda bergerak dengan bantuan motor listrik

dan konstruksi, tren seni pop ini menonjol sebagai arah artistik independen - kinetisme).

Seni pop mengedepankan konsep identitas konsumen dari masyarakat "konsumsi massal". Kepribadian ideal seni pop adalah konsumen manusia, yang estetika komposisi komoditas yang masih hidup harus menggantikan budaya spiritual. Kata-kata diganti barang, sastra diganti benda, keindahan diganti kegunaan, keserakahan akan materi, konsumsi komoditas, menggantikan kebutuhan spiritual, adalah ciri khas pop art. Arah ini pada dasarnya berorientasi pada massa, orang yang tidak kreatif, kehilangan pemikiran mandiri dan meminjam pemikiran "nya" dari iklan dan media massa, seseorang yang dimanipulasi oleh televisi dan media lainnya. Kepribadian ini diprogram oleh seni pop untuk memenuhi peran yang diberikan sebagai pengakuisisi dan konsumen, dengan patuh menghancurkan pengaruh peradaban modern yang mengasingkan. Kepribadian Seni Pop - Budaya Massa Zombie.

Hiperrealisme ~ sebuah gerakan artistik yang konsepsi artistiknya tidak berubah: impersonal sistem hidup di dunia yang kejam dan kasar.

Hyperrealism - menciptakan karya supernaturalistik bergambar yang menyampaikan detail terkecil dari objek yang digambarkan. Plot hiperrealisme sengaja dibuat dangkal, gambarnya secara tegas "obyektif". Arah ini mengembalikan seniman ke bentuk dan sarana seni rupa yang biasa, khususnya kanvas lukisan, yang ditolak oleh seni pop. Hiperrealisme menjadikan lingkungan perkotaan yang mati, buatan manusia, "kedua" sebagai tema utama lukisannya: pompa bensin, mobil, jendela toko, bangunan tempat tinggal, bilik telepon, yang ditampilkan terasing dari manusia.

Hiperrealisme menunjukkan konsekuensi dari urbanisasi yang berlebihan, perusakan ekologi lingkungan, membuktikan bahwa metropolis menciptakan lingkungan yang tidak manusiawi. topik utama hiperrealisme - kehidupan mekanis impersonal dari kota modern.

Dasar teoretis hiperrealisme adalah gagasan filosofis aliran Frankfurt, yang menegaskan perlunya menjauh dari bentuk pemikiran figuratif yang diideologiskan.

Karya seni fotorealisme didasarkan pada foto yang diperbesar dan sering diidentikkan dengan hiperrealisme. Namun, baik dalam hal teknologi pembuatan gambar dan, yang paling penting, dalam hal konsepsi artistik dunia dan kepribadian yang tidak berubah-ubah, ini adalah arah artistik yang dekat, tetapi berbeda. Hiperrealis meniru foto dengan sarana gambar di atas kanvas, fotorealis meniru lukisan dengan mengolah (dengan cat, kolase) foto.

Fotorealisme menegaskan prioritas dokumenter dan konsepsi artistik: orang biasa yang andal di dunia biasa yang andal.

Tujuan fotorealisme adalah citra kehidupan sehari-hari modern. Jalanan, orang yang lewat, jendela toko, mobil, lampu lalu lintas, rumah, barang-barang rumah tangga direproduksi dalam karya fotorealisme secara otentik, objektif, dan sangat mirip.

Ciri-ciri utama fotorealisme: 1) kiasan, menentang tradisi abstraksionisme; 2) ketertarikan pada plot; 3) keinginan untuk menghindari "klise realistis" dan dokumenter; 4) ketergantungan pada pencapaian artistik teknologi fotografi.

Sonoristik- arah dalam musik: permainan warna nada, mengekspresikan "aku" dari pengarangnya. Untuk perwakilannya, yang penting bukanlah nada, tetapi timbre. Mereka mencari yang baru musikal warna, suara tidak konvensional: mereka bermain dengan tongkat, terus

gergaji, sumpit di senar piano, tampar di geladak, terus kendali jarak jauh, suara dihasilkan dengan menyeka corong dengan sapu tangan.

Dalam musik nyaring murni, melodi, harmoni, dan ritme tidak memainkan peran khusus, hanya suara timbre yang penting. Kebutuhan untuk memperbaikinya menghidupkan bentuk grafis khusus dari timbre rekaman dalam bentuk garis tipis, tebal, bergelombang, berbentuk kerucut. Terkadang rentang di mana pemain perlu bermain juga ditunjukkan.

Pendiri musik sonora adalah komposer Polandia K. Penderecki, dan inisiatifnya dilanjutkan oleh K. Serocki, S. Bussotti dan lain-lain.

Pointilisme musik- arah di pandangan depan * ciri-cirinya adalah pecahnya jalinan musik, penyebarannya dalam register, kompleksitas ritme dan tanda birama, banyaknya jeda.

Pointillisme musik menolak untuk menciptakan realitas artistik yang dapat dipahami (dari realitas yang dapat dipahami berdasarkan tradisi musik dan artistik dunia dan menggunakan kode semiotik musik tradisional). Pointilisme mengarahkan individu ke arah emigrasi ke dunia jiwanya dan menegaskan fragmentasi dunia sekitarnya.

Aleatorika- arah artistik sastra dan musik, berdasarkan pada gagasan filosofis bahwa kesempatan menguasai kehidupan, dan menegaskan konsep artistik: manusia- pemain di dunia situasi acak.

Perwakilan dari aleatorik: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky dan lain-lain. Peluang masuk ke dalam karya sastra atau musik secara mekanis: dengan melempar chip (dadu), bermain catur, mengocok halaman atau berbagai fragmen, dan juga melalui

improvisasi: teks musik ditulis dalam "tanda-simbol" dan kemudian ditafsirkan secara bebas.

kejadian- ini adalah salah satu jenis budaya seni modern di Barat. A. Keprou adalah penulis produksi pertama dari "Courtyard", "Creations" yang sedang berlangsung. Pertunjukan yang terjadi melibatkan tindakan misterius, terkadang tidak logis dari para pemain dan dicirikan oleh banyaknya alat peraga yang terbuat dari barang-barang bekas dan bahkan diambil dari tempat pembuangan sampah. Para peserta acara mengenakan kostum yang cerah dan sangat konyol, menekankan ketidakberdayaan para pemain, kemiripan mereka dengan kotak atau ember. Beberapa pertunjukan terdiri dari, misalnya, pelepasan yang menyakitkan dari bawah terpal. Pada saat yang sama, perilaku individu para aktor bersifat improvisasi. Terkadang aktor beralih ke penonton dengan permintaan untuk membantu mereka. Dimasukkannya penonton dalam aksi ini sesuai dengan semangat kejadian.

Konsep dunia dan kepribadian yang dikemukakan oleh kejadian dapat dirumuskan sebagai berikut: dunia- rangkaian peristiwa acak, seseorang harus secara subyektif merasakan kebebasan penuh, tetapi pada kenyataannya mematuhi satu tindakan, dimanipulasi.

Terjadi menggunakan lukisan cahaya: cahaya terus berubah warna dan kekuatan, diarahkan langsung ke aktor atau bersinar melalui layar yang terbuat dari bahan yang berbeda. Seringkali disertai dengan efek suara (suara manusia, musik, denting, derak, gerinda). Suaranya terkadang sangat kuat, tidak terduga, dirancang untuk efek kejut. Presentasi meliputi transparansi dan bingkai film. Laura juga menggunakan zat aromatik. Pelaku menerima tugas dari sutradara, tetapi durasi tindakan peserta tidak ditentukan. Setiap orang dapat meninggalkan permainan kapan pun mereka mau.

Terjadi diatur di tempat yang berbeda: di tempat parkir, di halaman yang dikelilingi gedung-gedung tinggi, di bawah tanah. benteng, loteng. Ruang kejadian, menurut prinsip aksi ini, tidak boleh membatasi imajinasi seniman dan penonton.

Ahli teori kejadian M. Kerby merujuk jenis tontonan ini ke bidang teater, meskipun ia mencatat bahwa kejadian berbeda dari teater karena tidak adanya struktur pertunjukan tradisional: plot, karakter, dan konflik. Peneliti lain mengasosiasikan hakikat kejadian dengan lukisan dan pahatan, dan bukan dengan teater.

Dengan asal-usulnya, terjadi kembali ke pencarian artistik awal abad ke-20, hingga upaya beberapa pelukis dan pematung untuk mengalihkan fokus dari lukisan atau patung ke proses penciptaan mereka sendiri. asal-usul dalam "lukisan aksi": dalam "percikan tetesan" J. Pollock, dalam sapuan "tebasan" De Kooning, dalam pertunjukan bergambar berkostum oleh J. Mathieu.

seni merusak diri sendiri- ini adalah salah satu fenomena aneh postmodernisme. Lukisan yang dilukis dengan cat memudar di depan penonton. Buku "Nothing", diterbitkan di AS pada tahun 1975 dan dicetak ulang di Inggris. Ini memiliki 192 halaman, dan tidak satupun dari mereka memiliki satu baris pun. Penulis mengklaim bahwa dia mengungkapkan pemikirannya: Saya tidak punya apa-apa untuk diberitahukan kepada Anda. Semua ini adalah contoh seni penghancuran diri. Ia juga memiliki ekspresinya dalam musik: penampilan sebuah karya di atas piano yang rusak atau pada biola yang rusak, dan seterusnya.

Konseptualisme- ini adalah tren artistik dalam seni rupa Barat, yang dalam konsep artistiknya menegaskan seseorang yang terlepas dari makna budaya langsung (langsung) dan dikelilingi oleh produk aktivitas intelektual yang estetis.

Karya-karya konseptualisme berbeda secara tak terduga dalam tekstur dan penampilannya: foto, fotokopi dari teks, telegram, reproduksi, grafik, kolom angka, skema. Konseptualisme tidak menggunakan produk intelektual dari aktivitas manusia untuk tujuan yang dimaksudkan: penerima tidak boleh membaca dan menafsirkan makna teks, tetapi menganggapnya sebagai produk estetika murni, menarik dalam penampilannya.

Perwakilan konseptualisme; Seniman Amerika T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler, dan lainnya.

Realisme kritis abad ke-19,- arahan artistik” yang mengedepankan konsep: dunia dan manusia tidak sempurna; KELUAR- non-perlawanan terhadap kejahatan dengan kekerasan dan perbaikan diri.

M realisme sosialis- arahan artistik yang menegaskan konsep artistik: seseorang aktif secara sosial dan termasuk dalam penciptaan sejarah dengan cara kekerasan"

realisme petani- arah artistik yang menegaskan bahwa petani adalah pembawa utama moralitas dan penopang kehidupan berbangsa.

Realisme petani (prosa desa) - arah sastra prosa Rusia (60-an - 80-an); tema sentralnya adalah desa modern, karakter utama- petani adalah satu-satunya wakil sejati rakyat dan pembawa cita-cita.

neorealisme- arah artistik realisme abad ke-20, yang memanifestasikan dirinya dalam sinema Italia pascaperang dan sebagian dalam sastra. Fitur: neorealisme menunjukkan minat yang dekat pada pria dari rakyat, dalam kehidupan orang biasa: perhatian yang tajam terhadap detail, observasi, dan fiksasi elemen-elemen yang memasuki kehidupan setelah Perang Dunia Kedua. Produk-

Ajaran neorealisme menegaskan gagasan humanisme, pentingnya nilai-nilai kehidupan yang sederhana, kebaikan dan keadilan dalam hubungan manusia, persamaan manusia dan martabat mereka, terlepas dari status properti mereka.

Realisme magis- arah artistik realisme, yang menegaskan konsep: seseorang hidup dalam realitas yang menggabungkan modernitas dan sejarah, supernatural dan natural, paranormal dan biasa.

Keanehan realisme magis- episode fantastis berkembang menurut hukum logika sehari-hari sebagai realitas sehari-hari.

realisme psikologis- gerakan artistik abad ke-20, mengedepankan konsep: individu bertanggung jawab; dunia spiritual harus diisi dengan budaya yang mempromosikan persaudaraan manusia dan mengatasi egosentrisme dan kesepian mereka.

realisme intelektual- Ini adalah arah artistik dari realisme, di mana drama ide terungkap dan karakter dalam wajah "memerankan" pemikiran penulis, mengungkapkan berbagai aspek dari konsepsi artistiknya. Realisme intelektual mengandaikan pola pikir konseptual dan filosofis seniman. Jika realisme psikologis berupaya menyampaikan plastisitas gerak pikiran, mengungkap dialektika jiwa manusia, interaksi dunia dan kesadaran, maka realisme intelektual berupaya memecahkan masalah aktual secara artistik dan meyakinkan, menganalisis keadaan dunia.

Informasi serupa.

Fondasi budaya rasionalis

Tidak mungkin untuk menarik batas yang tepat antara budaya abad ke-16 dan ke-17. Sudah di abad ke-16, gagasan baru tentang dunia mulai terbentuk dalam ajaran para filsuf alam Italia. Tetapi titik balik sebenarnya dalam ilmu alam semesta terjadi pada pergantian abad ke-16 dan ke-17, ketika Giordano Bruno, Galileo Galilei dan Kepler, yang mengembangkan teori heliosentris Copernicus, sampai pada kesimpulan tentang pluralitas dunia, tentang ketidakterbatasan alam semesta, di mana bumi bukanlah pusatnya, tetapi sebuah partikel kecil ketika penemuan teleskop dan mikroskop mengungkapkan kepada manusia keberadaan yang sangat jauh dan sangat kecil.

Pada abad ke-17, pemahaman tentang manusia, tempatnya di dunia, hubungan antara individu dan masyarakat berubah. Kepribadian pria Renaisans dicirikan oleh kesatuan dan integritas mutlak, tanpa kerumitan dan perkembangan. Kepribadian - Renaisans - menegaskan dirinya selaras dengan alam, yang merupakan kekuatan yang baik. Energi seseorang, serta keberuntungan, menentukan jalan hidupnya. Namun, humanisme "idilis" ini tidak lagi cocok untuknya era baru ketika seseorang berhenti mengakui dirinya sebagai pusat alam semesta, ketika dia merasakan semua kerumitan dan kontradiksi kehidupan, ketika dia harus berjuang keras melawan reaksi feodal Katolik.

Kepribadian abad ke-17 itu sendiri tidak berharga, seperti kepribadian Renaisans, ia selalu bergantung pada lingkungan, alam, dan massa orang, kepada siapa ia ingin menunjukkan dirinya, untuk mengesankan dan meyakinkannya. Kecenderungan ini, di satu sisi, untuk menyerang imajinasi massa, dan di sisi lain, untuk meyakinkan mereka, adalah salah satu ciri utama seni abad ke-17.

Seni abad ke-17, seperti seni Renaisans, dicirikan oleh kultus pahlawan. Tapi ini adalah pahlawan yang dicirikan bukan oleh tindakan, tetapi oleh perasaan, pengalaman. Ini dibuktikan tidak hanya oleh seni, tetapi juga oleh filosofi abad ke-17. Descartes menciptakan doktrin nafsu, sementara Spinoza menganggap keinginan manusia "seolah-olah itu adalah garis, bidang, dan tubuh".

Persepsi baru tentang dunia dan manusia ini dapat mengambil arah ganda pada abad ke-17, tergantung bagaimana penggunaannya. Dalam dunia alam dan jiwa manusia yang kompleks, kontradiktif, beraneka segi ini, sisi kacau, irasional, dinamis dan emosionalnya, sifat ilusinya, kualitas sensualnya dapat ditekankan. Jalan ini mengarah ke gaya Baroque.

Tetapi penekanan juga dapat ditempatkan pada ide-ide yang jelas dan berbeda yang melihat melalui kebenaran dan keteraturan dalam kekacauan ini, pada pemikiran yang berjuang dengan konfliknya, pada akal yang mengatasi nafsu. Jalan ini mengarah ke klasisisme.

Barok dan klasisisme, setelah menerima desain klasiknya masing-masing di Italia dan Prancis, menyebar ke satu derajat atau lainnya ke seluruh negara Eropa dan merupakan tren dominan dalam budaya artistik abad ke-17.

Prinsip estetika Baroque

Gaya Baroque berasal dari Italia, di negara yang terpecah-pecah menjadi negara-negara kecil, di negara yang mengalami kontra-reformasi dan reaksi feodal yang kuat, di mana warga kaya berubah menjadi aristokrasi, di negara di mana teori dan praktik Mannerisme berkembang pesat, dan di mana, pada saat yang sama, dalam segala kecemerlangannya, tradisi terkaya dari budaya artistik Renaisans telah dilestarikan. Baroque mengambil subjektivitasnya dari Mannerisme, hasratnya akan realitas dari Renaisans, tetapi keduanya dalam refraksi gaya baru. Dan meskipun sisa-sisa Mannerisme terus mempengaruhi dekade pertama dan bahkan dekade kedua abad ke-17, pada dasarnya penanggulangan Mannerisme di Italia dapat dianggap selesai pada tahun 1600.

Salah satu masalah yang menjadi ciri khas estetika barok adalah masalah persuasi yang bersumber pada retorika. Retorika tidak membedakan kebenaran dari kemungkinan; sebagai alat persuasi, mereka tampaknya setara - dan karenanya subjektivisme seni barok yang ilusif, fantastis, dikombinasikan dengan klasifikasi teknik "seni" dalam menghasilkan efek yang menciptakan kesan masuk akal yang subyektif dan menyesatkan, mengikuti.

Berdasarkan fakta bahwa konsep utama estetika Barok adalah kemampuan untuk membujuk, dipahami sebagai kemampuan untuk meyakinkan penonton dengan bantuan alat pengaruh tertentu, yaitu sebuah karya seni. Retorika menghiasi ucapan, memberikan konsep dan bentuk objek yang lebih mudah dirasakan. Retorika terkait erat dengan sastra dan puisi, yang sering diidentikkan dengan retorika. Kemampuan persuasi harus meyakinkan, menyentuh, mengejutkan orang yang dituju. Oleh karena itu, pengarang harus mengetahui hingga detail terkecil kepada siapa karyanya dimaksudkan, harus mempelajarinya dan dibimbing oleh ilmu tersebut saat membuat karyanya.

Apakah ada metode yang diakui dan wajib untuk membujuk pemirsa, pembaca, pendengar karena keefektifannya? Semua metode cocok, asalkan mencapai tujuan utamanya - untuk meyakinkan orang yang dituju. Dalam kaitan ini, masalah benar atau salahnya sebuah karya seni diturunkan ke latar belakang, menjadi tidak signifikan. Ilusi menjadi prinsip. Pembaca dan penonton pertama-tama harus terpana, terkejut, dan ini dapat dilakukan dengan bantuan pemilihan gambar yang aneh dan komposisi yang tidak biasa.

Sebagian besar ahli teori Barok adalah penulis, tetapi dalam pernyataan mereka orang dapat dengan jelas merasakan tren utama era Barok - menuju konvergensi berbagai jenis seni. Semua seni saling berhubungan dan memiliki satu esensi. Mereka berbeda hanya dalam cara berekspresi.

Rasionalisme dan normativisme estetika klasisisme

Klasisisme adalah salah satu bidang seni terpenting. Setelah memantapkan dirinya dalam karya dan kreativitas banyak generasi, mengedepankan galaksi brilian penyair dan penulis, pelukis dan musisi, arsitek, pematung dan aktor, klasisisme meninggalkan tonggak sejarah di jalur perkembangan artistik umat manusia sebagai tragedi. Corneille, Racine, Milton, Voltaire, komedi Moliere musik lagu pengantar tidur, puisi La Fontaine, taman dan ansambel arsitektur Versailles, lukisan karya Poussin.

Klasisisme memulai perhitungannya dari abad ke-16, mendominasi pada abad ke-17, dengan kuat dan gigih menegaskan dirinya pada abad ke-18 dan awal abad ke-19. Sejarah itu sendiri menegaskan kelangsungan tradisi sistem artistik klasik dan nilai konsep dunia dan pribadi manusia yang mendasarinya, terutama karakteristik imperatif moral dari klasisisme.

Kata "klasisisme" (dari bahasa Latin classicus - teladan) mewujudkan orientasi yang mantap dari seni baru ke "sampel" kuno. Namun, kesetiaan pada semangat kuno tidak berarti bagi kaum klasik baik pengulangan sederhana dari model kuno ini, atau penyalinan langsung dari teori kuno. Klasisisme adalah cerminan dari era monarki absolut dan kaum bangsawan serta birokrasi yang menjadi dasar monarki. Banding ke seni Yunani dan Roma, yang juga tanda Renaisans sendiri masih belum bisa disebut klasisisme, meski sudah mengandung banyak ciri dari tren ini.

Monarki absolut telah memainkan peran ganda dalam sejarah Prancis. Kebijakan budaya monarki absolut dan doktrin estetiknya - klasisisme - dibedakan oleh dualitas yang sama. Pengadilan monarki dicirikan oleh keinginan untuk menundukkan semua kekuatan artistik ke organisasi sentralisasi. Kardinal Richelieu mendirikan pusat resmi di bidang sastra dan bahasa - Akademi Prancis. Di bawah Louis XIV, Akademi Seni Rupa didirikan. Di pusat-pusat budaya artistik ini, banyak pekerjaan dilakukan untuk menciptakan satu bahasa sastra, membebaskannya dari ciri-ciri provinsi dan sisa-sisa zaman kuno, mengembangkan tuturan sastra yang benar, mengklasifikasikan genre, dan sebagainya. Akademi Seni, yang mempertemukan para pelukis dan ahli teori seni terkemuka, terlibat dalam kegiatan serupa. Secara umum, semua aktivitas ini memiliki signifikansi progresif.

Menurut kode seni, seniman terutama dituntut untuk memiliki "desain yang mulia". Plot gambarnya pasti memiliki nilai instruktif. Oleh karena itu, semua jenis alegori sangat dihargai, di mana gambaran kehidupan yang kurang lebih diambil secara konvensional secara langsung mengungkapkan gagasan umum. Genre tertinggi dianggap "sejarah", yang meliputi mitologi kuno, plot dari karya sastra terkenal, dari Alkitab, dan sejenisnya. Potret, lanskap, pemandangan kehidupan nyata dianggap sebagai "genre kecil". Genre yang paling tidak penting adalah kehidupan diam.

Dalam puisi, klasisisme mengedepankan perkembangan rasional tema menurut aturan tertentu. Contoh paling mencolok dari ini adalah "Seni Puisi" bualo- sebuah risalah yang dituangkan dalam syair-syair yang indah dan mengandung banyak gagasan menarik. Boileau mengedepankan tuntutan keunggulan konten dalam seni puisi, meskipun prinsip ini diekspresikan dalam dirinya dalam bentuk yang terlalu sepihak - dalam bentuk subordinasi abstrak perasaan pada akal.

Estetika Pencerahan Eropa

Teori estetika Pencerahan dibentuk selama revolusi borjuis awal abad 17-18 dan merupakan bagian dari ideologi dan budaya pada masanya. Para pencerahan percaya bahwa reorganisasi sistem sosial yang usang harus dilakukan melalui penyebaran ide-ide maju, melalui perang melawan ketidaktahuan, obat bius agama, skolastik abad pertengahan, moralitas feodal yang tidak manusiawi, seni dan estetika, yang memenuhi kebutuhan lapisan atas. negara feodal-absolutis.

Untuk semua kemajuan mereka, para pencerahan tidak dapat melampaui batas zaman mereka. Dalam intrik masyarakat yang harmonis, para pencerahan mengandalkan beberapa "warga negara" abstrak, pada kesadaran politik dan moralnya, dan sama sekali tidak pada orang nyata yang sebenarnya dibentuk di bawah kapitalisme.

Pencerahan melalui pendidikan moral, politik dan estetika berusaha mencapai transformasi masyarakat berdasarkan prinsip kesetaraan dan keadilan. Mereka sangat menyadari fakta bahwa ada kontradiksi antara kepentingan pribadi dan publik, antara aspirasi dan kewajiban pribadi, antara individu dan masyarakat. Mereka berharap untuk menyelesaikan kontradiksi ini sebagian besar melalui pendidikan estetika. Karenanya, mereka memiliki keyakinan bahwa prinsip estetika mampu meredakan egoisme bawaan manusia, mengubah seseorang menjadi "individu".

Dari sudut pandang mendidik "warga negara", orang baru, para pencerahan mempertimbangkan konsep dasar: cantik, luhur, harmoni, rahmat, rasa ( Berke, Diderot ); masalah esensi dan fungsi sosial seni, konflik seni, karakter, kebenaran dalam seni, dan sebagainya diperlakukan dalam semangat yang sama. Motif utama konsep estetika Pencerahan adalah pembelaan seni kesedihan sipil yang tinggi, prinsip realisme dan humanisme. Dia berbicara tentang hubungan antara keindahan dan moral Shaftesbury .

Dalam menafsirkan kategori-kategori estetika, para pencerahan berangkat dari prinsip-prinsip sensasionalisme, yang merupakan arah dalam teori pengetahuan, yang menurutnya sensualitas adalah bentuk utama dari pengetahuan yang dapat diandalkan. Formula klasik yang menjadi ciri sensasionalisme adalah milik kaum Stoa: "Tidak ada apa pun dalam pikiran yang sebelumnya tidak ada dalam indera."

Desain teoritis subjek estetika

Pendiri estetika Pencerahan Jerman dan "bapak baptis" dari bagian independen dari pengetahuan filosofis adalah Baumgarten . Sistem epistemologisnya dibagi menjadi dua bagian: estetika dan logika. Yang pertama adalah teori "lebih rendah", pengetahuan indrawi, yang kedua - lebih tinggi, "intelektual". Untuk menunjuk pengetahuan yang lebih rendah, ia memilih istilah "estetika", yang secara bersamaan diartikan sebagai sensasi, perasaan, dan pengetahuan. Oleh karena itu, jika logika adalah ilmu pengetahuan intelektual, yaitu hukum dan bentuk pemikiran, maka estetika adalah ilmu pengetahuan indrawi. Karenanya, ada dua jenis penilaian: "logis" dan "sensitif" (indrawi). Yang pertama bersandar pada ide-ide yang berbeda, yang terakhir pada ide-ide yang tidak jelas. Yang didasarkan pada ide-ide yang jelas dia sebut penilaian akal, dan yang didasarkan pada ide-ide yang kabur dia sebut penilaian selera. Penilaian akal memberi kita kebenaran, penilaian selera memberi kita keindahan. Dasar obyektif dari penilaian pikiran dan penilaian rasa adalah kesempurnaan, yaitu kesesuaian objek dengan konsepnya.

Esensi dan Tujuan Publik Seni di Era Pencerahan

Esensi seni terlihat dalam peniruan alam oleh pencerahan Jerman Winkelman. Peniruan keindahan alam dapat diarahkan ke satu objek, atau mengumpulkan pengamatan bersama pada sejumlah objek tunggal. Dalam kasus pertama, salinan serupa, potret, diperoleh, dalam kasus kedua - gambar yang ideal. Winkelman menganggap cara kedua lebih bermanfaat. Di sini seniman tidak berperan sebagai penyalin, melainkan sebagai pencipta sejati, karena sebelum membuat gambar, ia menyusun konsep umum keindahan kemudian mengikuti prototipenya. Kecantikan ideal melampaui bentuk materi biasa, mengatasi keterbatasannya.

ESTETIKA ilmu kognisi indrawi yang memahami dan menciptakan keindahan dan diekspresikan dalam gambar seni.

Konsep "estetika" diperkenalkan ke dalam penggunaan ilmiah pada pertengahan abad ke-18. Filsuf Pencerahan Jerman Alexander Gottlieb Baumgarten Estetika, 1750). Istilah ini berasal dari kata Yunani

aisthetikos perasaan, berkaitan dengan persepsi indrawi. Baumgarten memilih estetika sebagai disiplin filosofis independen. SUBYEK ESTETIKA Seni dan keindahan telah lama menjadi subjek studi. Selama lebih dari dua milenium, estetika telah berkembang dalam kerangka filsafat, teologi, praktik artistik, dan kritik seni.

Dalam proses pengembangan, subjek menjadi lebih kompleks dan diperkaya estetika. Pada zaman kuno, estetika menyentuh pertanyaan filosofis umum tentang hakikat keindahan dan seni; teologi berdampak signifikan pada estetika abad pertengahan, yang berfungsi sebagai salah satu alat untuk mengenal Tuhan; dalam Renaisans, pemikiran estetika berkembang terutama di bidang praktik artistik, dan kreativitas artistik serta hubungannya dengan alam menjadi subjeknya. Di awal Zaman Baru, estetika berusaha membentuk norma-norma seni. Politik berdampak besar pada estetika Pencerahan, dengan fokus pada tujuan sosial kreativitas artistik, signifikansi moral dan kognitifnya.

Filsafat klasik Jerman, Immanuel Kant, secara tradisional menganggap subjek estetika sebagai seni yang indah. Tetapi estetika, menurut Kant, tidak mempelajari objek keindahan, tetapi hanya penilaian tentang keindahan, yaitu. adalah kritik terhadap fakultas estetika penilaian. Georg Hegel mendefinisikan subjek estetika sebagai filosofi seni atau filosofi aktivitas artistik dan percaya bahwa estetika berkaitan dengan penentuan tempat seni dalam sistem roh dunia.

Di masa depan, subjek estetika dipersempit menjadi pembuktian teoretis dari arah tertentu dalam seni, analisis gaya artistik, misalnya romantisme (Novalis), realisme (V. Belinsky, N. Dobrolyubov), eksistensialisme (A. Camus, J.-P. Sartre). Kaum Marxis mendefinisikan estetika sebagai ilmu tentang alam dan hukum asimilasi estetika realitas dan budaya artistik masyarakat.

A.F. Losev menganggap subjek estetika sebagai dunia bentuk ekspresif yang diciptakan oleh manusia dan alam. Ia percaya bahwa estetika mempelajari tidak hanya keindahan, tetapi juga keburukan, tragis, komik, dll, oleh karena itu ilmu ekspresi pada umumnya. Berdasarkan hal tersebut, estetika dapat didefinisikan sebagai ilmu tentang persepsi indrawi terhadap bentuk-bentuk ekspresif dunia sekitarnya. Dalam pengertian ini, konsep bentuk seni identik dengan karya seni. Dari semua yang telah disebutkan, dapat disimpulkan bahwa subjek estetika bersifat mobile dan dapat diubah, dan dalam perspektif sejarah, masalah ini tetap terbuka.

KEGIATAN ESTETIKA Karya seni tercipta sebagai hasil dari aktivitas artistik, yang merupakan bentuk tertinggi dari aktivitas estetika manusia. Namun lingkup eksplorasi estetika dunia jauh lebih luas daripada seni itu sendiri. Ini juga menyentuh aspek-aspek yang bersifat praktis: desain, budaya taman dan taman, budaya kehidupan sehari-hari, dll. Fenomena ini terlibat dalam estetika teknis dan praktis. Estetika teknis adalah teori desain, eksplorasi dunia menurut hukum keindahan dengan cara industri. Gagasan estetika teknis berasal dari pertengahan abad ke-19. di Inggris. John Ruskin dalam karyanya Pra-Raphaelitisme(1851) dan Ekonomi politik seni(1857) memperkenalkan konsep produk bernilai estetis. William Morris pada Teoritis (Karya Seni dekoratif, hubungannya dengan kehidupan modern, 1878;Berita entah dari mana, atau era kebahagiaan, 1891 dll.) dan tingkat praktis (penciptaan perusahaan industri seni) mengembangkan masalah estetika tenaga kerja, status industri seni, desain, seni dan kerajinan, dan organisasi estetika lingkungan. Arsitek dan ahli teori seni Jerman Gottfried Semper pada tahun 1863 menerbitkan "An Experience in Practical Aesthetics", sebuah esai Gaya dalam seni teknis dan tektonik, di mana dia, berbeda dengan idealisme filosofis pada masanya, menekankan nilai dasar pembentuk gaya dari material dan teknologi.

Estetika kehidupan sehari-hari, perilaku manusia, kreativitas ilmiah, olahraga, dll. adalah di bidang estetika praktis. Bidang pengetahuan estetika ini masih sedikit berkembang, tetapi memiliki masa depan yang cerah, karena cakupan minatnya luas dan beragam.

Jadi, aktivitas estetika adalah bagian yang tidak terpisahkan asimilasi praktis-spiritual dari realitas oleh manusia.

Aktivitas estetika mengandung prinsip-prinsip kreatif dan permainan yang penting dan dikaitkan dengan unsur-unsur jiwa yang tidak disadari ( Lihat juga TIDAK SADAR). Konsep "permainan" sebagai salah satu ciri esensial aktivitas estetika diperkenalkan ke dalam estetika oleh I. Kant dan dikembangkan oleh F. Schiller. Kant merumuskan dua konsep estetika terpenting: "penampilan estetika" dan "permainan bebas". Di bawah yang pertama ia memahami bidang keberadaan keindahan, di bawah yang kedua - keberadaannya secara bersamaan dalam rencana nyata dan bersyarat. Mengembangkan ide ini, Schiller Surat tentang pendidikan estetika manusia(1794) menulis bahwa keindahan, yang ada di dunia objektif, dapat diciptakan kembali, dapat menjadi "objek dorongan untuk bermain". Seorang pria, menurut Schiller, sepenuhnya manusia hanya ketika dia bermain. Permainan tidak dibatasi oleh kebutuhan alami atau kewajiban sosial, itu adalah perwujudan dari kebebasan. Selama permainan, tercipta "penampilan estetika" yang melampaui kenyataan, lebih sempurna, elegan, dan emosional daripada dunia sekitarnya. Tapi, sambil menikmati seninya, seseorang menjadi kaki tangan dalam permainan dan tidak pernah melupakan sifat ganda dari situasi tersebut. Lihat juga PERMAINAN.

aktivitas artistik . Jenis aktivitas estetika tertinggi dan terkonsentrasi, bebas dari awal utilitarian, adalah aktivitas artistik. Tujuan penciptaan artistik adalah penciptaan karya seni tertentu. Itu dibuat oleh kepribadian khusus pencipta dengan kemampuan artistik ( Lihat juga KREATIF KEPRIBADIAN). Dalam estetika, dikenal hierarki kemampuan artistik, yang terlihat seperti ini: bakat, bakat, kejeniusan.

Jenius. Di zaman kuno, kejeniusan dipahami sebagai fenomena irasional. Misalnya, Plotinus menjelaskan kejeniusan seniman sebagai aliran energi kreatif yang berasal dari ide-ide yang mendasari dunia. Di zaman Renaisans, ada kultus kejeniusan sebagai individu yang kreatif. Rasionalisme menegaskan gagasan menggabungkan kejeniusan alami seniman dengan disiplin pikiran. Penafsiran jenius yang aneh dituangkan dalam sebuah risalah oleh Abbé Jean-Baptiste Dubos (16701742) Refleksi Kritis Puisi dan Lukisan(1719). Penulis risalah menganggap masalah tersebut pada tingkat estetika, psikologis dan biologis. Seorang jenius, dalam benaknya, tidak hanya memiliki semangat yang lincah dan imajinasi yang jernih, tetapi juga komposisi darah yang baik. Mengantisipasi ketentuan utama aliran budaya-sejarah Hippolyte Taine, Dubos menulis bahwa waktu dan tempat, serta iklim, sangat penting untuk munculnya kejeniusan. Kant memasukkan konten khusus ke dalam konsep "genius". Kejeniusan Kant adalah eksklusivitas spiritual, itu adalah bakat artistik yang melaluinya alam memengaruhi seni, menunjukkan kebijaksanaannya. Jenius tidak mengikuti aturan apa pun, tetapi menciptakan pola yang darinya aturan tertentu dapat disimpulkan. Kant mendefinisikan kejeniusan sebagai kemampuan untuk memahami ide-ide estetika, yaitu. gambar yang tidak dapat diakses oleh pikiran.

Inspirasi. Pandangan sejarah tentang hakikat kejeniusan terus berkembang sesuai dengan perkembangan pemahaman tentang proses kreatif itu sendiri dan salah satu unsur utamanya - inspirasi. Lebih banyak Plato dalam dialog Dan dia Dia berbicara tentang fakta bahwa pada saat tindakan kreatif penyair berada dalam keadaan hiruk pikuk, dia didorong oleh kekuatan ilahi. Aspek irasional kreativitas ditekankan oleh Kant. Dia mencatat ketidaktahuan tindakan kreatif. Metode karya seniman, tulisnya Kritik terhadap kemampuan penilaian, tidak dapat dipahami, adalah misteri bagi kebanyakan orang, dan terkadang bagi artis itu sendiri.

Jika teori kreativitas irasional menyadari sifat tindakan kreatif sebagai manifestasi khusus dari roh, maka yang berorientasi positivistik tradisi estetika menganggap inspirasi sebagai fenomena yang dapat dikenali, tidak mengandung sesuatu yang mistis dan supernatural. Inspirasi adalah hasil kerja intens sebelumnya, pencarian kreatif yang panjang. Dalam tindakan inspirasi, bakat dan keterampilan artis, pengalaman hidup dan pengetahuannya digabungkan.

Intuisi artistik. Intuisi artistik adalah elemen yang sangat penting untuk inspirasi. Masalah ini dikembangkan oleh ilmuwan Prancis Henri Bergson. Dia percaya bahwa intuisi artistik adalah kontemplasi mistis tanpa pamrih dan sama sekali tidak memiliki prinsip utilitarian. Itu bergantung pada ketidaksadaran dalam diri seseorang. Sedang bekerja evolusi kreatif(terjemahan Rusia, 1914) Bergson menulis bahwa seni, melalui intuisi artistik, merenungkan dunia secara keseluruhan, dalam perkembangannya yang berkelanjutan dalam fenomena singularitas yang unik. Intuisi kreatif memungkinkan seniman untuk memberikan ekspresi maksimal ke dalam karyanya. Kedekatan persepsi membantunya menyampaikan perasaannya. Kreativitas, sebagai kelahiran baru yang terus-menerus, menurut Bergson, adalah esensi kehidupan, berlawanan dengan aktivitas intelek, yang tidak mampu menciptakan yang baru, tetapi hanya menggabungkan yang lama.

Dalam estetika intuitif Benedetto Croce, paling terwakili sepenuhnya dalam karya Estetika sebagai ilmu ekspresi dan sebagai linguistik umum(1902) seni hanyalah intuisi liris. Menekankan sifat kreatif, formatif dari intuisi tidak logis, menggenggam (berlawanan dengan konsep), unik, tidak dapat diulang. Art in Croce acuh tak acuh terhadap pengetahuan intelektual, dan seni tidak bergantung pada ide karya.

Gambar artistik. Dalam proses kreativitas artistik, di mana pemikiran, imajinasi, fantasi, pengalaman, inspirasi, intuisi seniman berpartisipasi, lahirlah citra artistik. Menciptakan citra artistik, pencipta secara sadar atau tidak sadar mengambil pengaruhnya terhadap publik. Salah satu elemen dari dampak semacam itu dapat dianggap sebagai ambiguitas dan pernyataan yang meremehkan. citra artistik.

Sindiran merangsang pemikiran penerima, memberi ruang untuk imajinasi kreatif. Penilaian serupa diungkapkan oleh Schelling selama kuliah Filsafat seni(18021805), di mana konsep "tak terhingga ketidaksadaran" diperkenalkan. Menurut pendapatnya, seniman memasukkan ke dalam karyanya, selain idenya, "semacam ketidakterbatasan", tidak dapat diakses oleh "pikiran terbatas" mana pun. Karya seni apa pun memungkinkan interpretasi yang tak terbatas. Dengan demikian, keberadaan penuh citra artistik tidak hanya realisasi konsep artistik dalam karya jadi, tetapi juga persepsi estetiknya, yang merupakan proses keterlibatan dan kreasi bersama yang kompleks dari subjek yang mempersepsi.

Persepsi. Masalah penerimaan (persepsi) berada dalam pandangan para ahli teori "aliran Constanz" (H.R. Jauss, V. Iser dan lain-lain), yang muncul di Jerman pada akhir 1960-an. Berkat upaya mereka, prinsip-prinsip estetika reseptif dirumuskan, yang gagasan utamanya adalah kesadaran akan variabilitas historis makna karya, yang merupakan hasil interaksi subjek persepsi (penerima) dan pengarang.

imajinasi kreatif. Kondisi yang diperlukan untuk penciptaan dan persepsi sebuah karya seni adalah imajinasi kreatif. F. Schiller menekankan bahwa seni hanya dapat diciptakan oleh kekuatan imajinasi yang bebas, oleh karena itu seni adalah cara untuk mengatasi kepasifan.

Selain bentuk aktivitas estetika yang praktis dan artistik, ada juga bentuk spiritual batinnya: emosional-intelektual, menghasilkan kesan dan ide estetika, selera dan cita-cita estetika, serta teoretis, mengembangkan konsep dan pandangan estetika. Bentuk-bentuk aktivitas estetik ini berkaitan langsung dengan konsep “kesadaran estetik”.

kesadaran estetis. Kekhususan kesadaran estetika adalah persepsi tentang keberadaan dan semua bentuk dan jenisnya dalam hal estetika melalui prisma. ideal estetika. Kesadaran estetik setiap zaman menyerap semua refleksi keindahan dan seni yang ada di dalamnya. Ini mencakup gagasan yang berlaku tentang sifat seni dan bahasanya, selera artistik, kebutuhan, cita-cita, konsep estetika, penilaian artistik, dan kriteria yang dibentuk oleh pemikiran estetika.

Elemen utama dari kesadaran estetika adalah rasa estetika. Ini dapat dianggap sebagai kemampuan dan reaksi emosional individu yang terkait dengan pengalaman mempersepsi objek estetika. Perkembangan rasa estetika mengarah ke kebutuhan estetis, yaitu untuk kebutuhan untuk memahami dan meningkatkan keindahan dalam hidup. Perasaan dan kebutuhan estetika diekspresikan dalam rasa estetis kemampuan untuk mencatat nilai estetika sesuatu. Masalah selera merupakan inti dari estetika Pencerahan. Diderot, yang menyangkal salah satu ketentuan terpenting estetika Cartesian tentang cita rasa bawaan, percaya bahwa cita rasa diperoleh dalam praktik sehari-hari. Rasa sebagai kategori estetika juga diperhatikan secara detail oleh Voltaire. Dia mendefinisikannya sebagai kemampuan untuk mengenali yang indah dan yang jelek. Cita-cita seorang seniman adalah pria yang kejeniusannya dipadukan dengan selera. Rasa bukanlah kualitas subjektif yang eksklusif. Penilaian selera umumnya valid. Tetapi jika rasa memiliki isi yang objektif, maka akibatnya ia cocok untuk pendidikan. Voltaire melihat resolusi antinomi selera baik dan buruk dalam pencerahan masyarakat.

Ciri-ciri psikologis penilaian selera dipelajari oleh filsuf Inggris David Hume. Di sebagian besar tulisannya Tentang norma selera,Tentang tragedi itu,Tentang penyempurnaan rasa dan pengaruh dll.), dia berpendapat bahwa rasa bergantung pada bagian alami dan emosional dari organisme hidup. Dia mengontraskan akal dan rasa, percaya bahwa akal memberikan pengetahuan tentang kebenaran dan kepalsuan, rasa memberikan pemahaman tentang keindahan dan keburukan, dosa dan kebajikan. Hume mengemukakan bahwa keindahan sebuah karya tidak terletak pada dirinya sendiri, tetapi pada perasaan atau cita rasa yang melihatnya. Dan ketika seseorang kehilangan perasaan ini, dia tidak dapat memahami keindahan, meskipun dia dididik secara komprehensif. Rasa dibedakan oleh keteraturan tertentu, yang dapat dipelajari dan dimodifikasi dengan bantuan argumen dan refleksi. Kecantikan membutuhkan aktivitas kemampuan intelektual seseorang yang harus "membuka jalan" untuk perasaan yang benar.

Masalah rasa menempati tempat khusus dalam refleksi estetika Kant. Dia memperhatikan antinomi rasa, sebuah kontradiksi yang menurutnya melekat dalam penilaian estetika apa pun. Di satu sisi, tidak ada perselisihan tentang selera, karena penilaian selera sangat individual, dan tidak ada bukti yang dapat membantahnya. Di sisi lain, ia menunjuk pada kesamaan yang ada di antara selera dan memungkinkannya untuk didiskusikan. Karena itu, ia mengungkapkan kontradiksi antara selera individu dan publik, yang pada dasarnya tidak dapat dipecahkan. Menurutnya, penilaian yang terpisah dan kontradiktif tentang rasa bisa ada bersama dan sama benarnya.

Di abad ke-20 masalah rasa estetis dikembangkan oleh H.-G. Gadamer. Sedang bekerja Kebenaran dan Metode(1960) ia mengkaitkan konsep “selera” dengan konsep “fashion”. Dalam fashion, menurut Gadamer, momen generalisasi sosial yang terkandung dalam konsep selera menjadi suatu realitas tertentu. Fashion menciptakan kecanduan sosial yang hampir tidak mungkin dihindari. Di sinilah letak perbedaan antara fashion dan selera. Meskipun selera beroperasi di bidang sosial yang sama dengan mode, namun tidak tunduk padanya. Dibandingkan dengan tirani mode, selera mempertahankan pengekangan dan kebebasan.

Rasa estetika adalah generalisasi dari pengalaman estetika. Tetapi ini sebagian besar adalah kemampuan subjektif. Lebih dalam menggeneralisasi praktik estetika ideal estetika. Masalah ideal sebagai masalah teoretis estetika pertama kali dikemukakan oleh Hegel. DI DALAM Kuliah tentang estetika ia mendefinisikan seni sebagai manifestasi dari cita-cita. Cita-cita estetika adalah perwujudan mutlak dalam seni, yang dicita-citakan seni dan secara bertahap naik. Nilai estetika ideal di proses kreatif sangat besar, karena atas dasar selera artis, selera publik terbentuk.

KATEGORI ESTETIKA Kategori dasar estetika adalah kategori "estetika". Estetika bertindak sebagai konsep universal universal yang komprehensif untuk ilmu estetika, sebagai "metakategori" dalam kaitannya dengan semua kategori lainnya.

Yang paling dekat dengan kategori "estetika" adalah kategori "cantik". Yang indah adalah contoh dari bentuk yang direnungkan secara indrawi, cita-cita yang sesuai dengan pertimbangan fenomena estetika lainnya. Saat mempertimbangkan yang luhur, tragis, komikal, dll., keindahan bertindak sebagai ukuran. Sublim bahwa ukuran ini melebihi. tragis sesuatu yang menunjukkan ketidaksesuaian antara cita-cita dan kenyataan, seringkali berujung pada penderitaan, kekecewaan, kematian. komik sesuatu yang juga membuktikan perbedaan antara yang ideal dan kenyataan, hanya perbedaan ini yang diselesaikan dengan tawa. Dalam teori estetika modern, bersama dengan kategori positif, antipodenya dibedakan - jelek, rendah, mengerikan. Ini dilakukan atas dasar bahwa menyoroti nilai positif dari kualitas apa pun menyiratkan adanya kualitas yang berlawanan. Karena itu, Penelitian ilmiah harus mempertimbangkan konsep estetika dalam korelasi mereka.

TAHAP UTAMA PENGEMBANGAN PEMIKIRAN ESTETIKA. Elemen refleksi estetika ditemukan dalam budaya Mesir Kuno, Babilonia, Sumeria, dan masyarakat Timur Kuno lainnya. Pemikiran estetika menerima perkembangan sistematis hanya di antara orang Yunani kuno.

Contoh pertama doktrin estetika diciptakan oleh Pythagoras (abad ke-6 SM). Pandangan estetik mereka berkembang dalam tradisi filsafat kosmologis, berdasarkan kedekatan hubungan antara manusia dan alam semesta. Pythagoras memperkenalkan konsep kosmos sebagai kesatuan yang teratur. Properti utamanya adalah harmoni. Dari Pythagoras muncul gagasan harmoni sebagai kesatuan dari manifold, harmoni yang berlawanan.

Pythagoras dan para pengikutnya menciptakan apa yang disebut doktrin "keharmonisan alam", yaitu. musik yang diciptakan oleh bintang dan planet. Mereka juga mengembangkan doktrin jiwa, yaitu harmoni, atau lebih tepatnya konsonan, berdasarkan rasio digital.

Doktrin kaum sofis yang turut melahirkan estetika muncul pada abad ke-5. SM. Akhirnya dirumuskan oleh Socrates dan diuraikan oleh murid-muridnya, itu bersifat antropologis.

Berdasarkan keyakinan bahwa pengetahuan itu bajik, ia memahami keindahan sebagai keindahan makna, kesadaran, akal. Prasyarat terpenting untuk keindahan objek adalah kemanfaatan dan pembenaran fungsionalnya.

Dia memiliki gagasan bahwa keindahan itu sendiri berbeda dari objek indah individu. Socrates untuk pertama kalinya membedakan yang indah sebagai universal ideal dari manifestasi kehidupan nyata. Dia pertama kali menyentuh masalah epistemologi ilmiah dalam estetika dan merumuskan pertanyaan: apa arti konsep "indah" itu sendiri.

Socrates mengedepankan imitasi sebagai prinsip kreativitas artistik ( peniruan), yang dianggap sebagai tiruan dari kehidupan manusia.

Estetika antropologis mengajukan pertanyaan pada filsafat, yang jawabannya kita temukan di Plato dan Aristoteles. Ajaran estetika Plato yang terperinci disajikan dalam karya-karya seperti Pesta,Phaedrus,Dan dia, Hippias yang Lebih Besar,Negara dll. Aspek penting dari estetika Platonis adalah pemahaman tentang keindahan. Kecantikan dalam pemahamannya adalah jenis khusus dari esensi spiritual, sebuah ide. Gagasan absolut dan luar biasa tentang keindahan berada di luar waktu, ruang, di luar perubahan. Karena yang indah adalah sebuah ide (eidos), ia tidak dapat dipahami dengan perasaan. Yang indah dipahami melalui pikiran, intuisi intelektual. DI DALAM Pira Plato berbicara tentang semacam tangga keindahan. Dengan bantuan energi eros, seseorang naik dari kecantikan jasmani ke spiritual, dari kecantikan spiritual ke moral dan hukum, lalu ke keindahan pengajaran dan sains. Keindahan yang terungkap di akhir perjalanan ini merupakan keindahan mutlak yang tidak bisa diungkapkan dengan kata-kata biasa. Itu di luar keberadaan dan pengetahuan. Memperluas hierarki kecantikan dengan cara ini, Platon sampai pada kesimpulan bahwa kecantikan adalah manifestasi dari prinsip ketuhanan dalam diri manusia. Keunikan keindahan di Plato terletak pada kenyataan bahwa ia dikeluarkan dari batas seni. Seni, dari sudut pandangnya, adalah tiruan dari dunia benda-benda yang masuk akal, dan bukan dunia sejati ide ide. Karena hal-hal nyata itu sendiri adalah salinan dari ide, seni, yang meniru dunia yang masuk akal, adalah salinan dari salinan, bayangan dari bayangan. Plato membuktikan kelemahan dan ketidaksempurnaan seni dalam perjalanan menuju keindahan.

Aristoteles, terlepas dari kesinambungan pandangan estetika, menciptakan teori estetikanya sendiri, berbeda dengan Platonisme. Dalam risalahnya Tentang seni puisi (Puisi),Retorik,Kebijakan,Metafisika teks disajikan yang dengan cara tertentu terkait dengan estetika. Di dalamnya, ia mendefinisikan keindahan, ciri universal di antaranya adalah ukuran dan keteraturan. Namun keindahan Aristoteles tidak terbatas pada ciri-ciri tersebut. Mereka tidak cantik pada dirinya sendiri, tetapi hanya dalam kaitannya dengan persepsi manusia, jika proporsional dengan mata dan pendengaran manusia. Membagi aktivitas manusia menjadi studi, tindakan, dan kreasi, ia merujuk seni pada kreasi berdasarkan aturan. Dibandingkan dengan Plato, dia secara signifikan memperluas doktrin peniruan (mimesis), yang dia pahami sebagai gambaran sang jenderal.

Pembersihan(gr.

pembersihan pembersihan). Itu kembali ke Pythagoreanisme kuno, yang merekomendasikan musik untuk pemurnian jiwa. Heraclitus, menurut kesaksian kaum Stoa, berbicara tentang pemurnian dengan api. Plato mengedepankan doktrin katarsis sebagai pembebasan jiwa dari tubuh, dari nafsu, dari kesenangan. Aristoteles mengembangkan doktrin katarsis sebagai dasar pengalaman estetik. Kreativitas artistik, menurut Aristoteles, dengan bantuan imitasi mencapai tujuannya dalam bentuk indah yang diciptakannya. Bentuk yang diciptakan oleh pencipta menjadi subjek kesenangan bagi yang melihatnya. Energi yang diinvestasikan dalam sebuah karya yang memenuhi semua persyaratan keahlian sejati dan bentuk yang indah menghasilkan energi baru - aktivitas emosional dari jiwa reseptif. Masalah kesenangan merupakan bagian penting dari estetika Aristoteles. Kesenangan dalam seni sesuai dengan ide yang masuk akal dan memiliki alasan yang masuk akal. Kesenangan dan pembersihan emosional adalah tujuan akhir dari seni, katarsis.

Kalokagatiya. Aristoteles juga mengembangkan ajaran kalokagatia, ciri zaman dahulu (dari bahasa Yunani.

kalos cantik dan agathos baik, sempurna secara moral) kesatuan "baik" secara etis dan "indah" secara estetika. Kalokagatiya dipahami sebagai sesuatu yang utuh dan mandiri. Filsuf memahami "baik" sebagai manfaat kehidupan eksternal (kekuasaan, kekayaan, ketenaran, kehormatan), dan "indah" sebagai kebajikan internal (keadilan, keberanian, dll.) , maka tidak ada perbedaan di antara keduanya. Kalokagatiya, menurut Aristoteles, adalah persatuan internal antara moralitas dan keindahan yang didasarkan pada penciptaan, penggunaan, dan peningkatan kekayaan materi.

Entelechy(dari bahasa Yunani.

entelecheia selesai, selesai). Entelechy adalah proses mengubah materi tak berbentuk menjadi sesuatu yang utuh dan teratur. Segala sesuatu yang mengelilingi seseorang, menurut keyakinan filsuf, berada dalam keadaan kacau. Mekanisme entelechy memungkinkan dalam proses aktivitas kreatif untuk mengubah "substansi kehidupan" yang tidak teratur menjadi "substansi bentuk" yang teratur. Seni menjalankan proses ini melalui bentuk artistik, keteraturan dan harmoni, keseimbangan nafsu, katarsis. Banyak ide yang diungkapkan oleh Aristoteles menemukan perkembangan lebih lanjut dalam teori estetika Eropa berikutnya.

Di penghujung zaman kuno, konsep baru keindahan dan seni dikemukakan oleh Plotinus. Neoplatonismenya dalam estetika antik akhir adalah hubungan antara zaman kuno dan kekristenan. Koleksi karya filsuf disebut Ennead. Estetika Plotinus dalam karya-karyanya tidak selalu diungkapkan secara terbuka. Itu terungkap dalam konsep filosofis umum pemikir. Bagi Plotinus, keindahan terkandung dalam persepsi visual dan pendengaran, dalam kombinasi kata, melodi dan ritme, dalam tindakan, pengetahuan, dan kebajikan manusia. Tetapi beberapa objek itu sendiri indah, sementara yang lain hanya karena partisipasi mereka dalam hal lain. Keindahan tidak muncul dalam materi itu sendiri, tetapi ada semacam esensi non-materi, atau eidos (ide). Eidos ini menghubungkan bagian-bagian yang berbeda dan menyatukannya, bukan eksternal dan mekanis, tetapi internal. Eidos adalah kriteria dari semua evaluasi estetika.

Plotinus mengajarkan bahwa manusia berasal dari sumber utama segala makhluk, kebaikan mutlak, yang pertama. Dari sumber ini muncul emanasi (aliran keluar) dari energi tak terbatas dari yang pertama ke individualitas, yang secara bertahap melemah, karena dalam perjalanannya menghadapi perlawanan dari materi lembam gelap, ketiadaan bentuk. Manusia individual adalah makhluk yang terputus dari tempatnya yang semestinya di tempat asalnya. Karena itu, ia terus-menerus merasakan keinginan untuk kembali ke rumah, di mana energinya lebih kuat. Jalan metafisik pengembara ini berfungsi dalam filosofi Plotinus sebagai penjelasan tentang pengalaman moral dan estetika. Cinta akan keindahan dipahami sebagai kerinduan metafisik jiwa akan rumahnya yang dulu. Dia merindukan tempat tinggalnya yang dulu untuk kebaikan, untuk Tuhan dan untuk kebenaran. Dengan demikian, gagasan utama dari ajaran estetika Plotinus adalah untuk memahami keindahan dari kesenangan indrawi hingga menyatu dengan kesatuan primordial yang tidak dapat dipahami. Kecantikan dicapai hanya sebagai hasil perjuangan jiwa dengan materi sensual. Gagasannya tentang pengembaraan jiwa yang gelisah meninggalkan tempat tinggalnya dan kembali memiliki pengaruh besar pada karya Agustinus, Thomas Aquinas, karya Dante, dan pada seluruh pemikiran filosofis dan estetika Abad Pertengahan.

Estetika Byzantium. Pembentukan estetika Bizantium terjadi pada abad ke-4 hingga ke-6. Itu didasarkan pada ajaran perwakilan patristik Timur Gregorius dari Nazianzus, Athanasius dari Alexandria, Gregory dari Nyssa, Basil Agung, John Chrysostom, serta karya Pseudo-Dionysius the Areopagite Areopagitik, yang berdampak besar pada estetika abad pertengahan di Timur dan Barat. Keindahan transendental mutlak dalam ajaran estetik ini adalah Tuhan, yang menarik pada dirinya sendiri, membangkitkan cinta. Pengetahuan tentang Tuhan dicapai dengan cinta. Pseudo-Dionysius menulis bahwa keindahan sebagai penyebab utama adalah batas dari segalanya dan objek cinta. Itu juga model, karena sesuai dengan itu segala sesuatu mendapat kepastian. Pemikir Bizantium berbagi konsep keindahan transendental dan duniawi, menghubungkannya dengan hierarki makhluk surgawi dan duniawi. Menurut Pseudo-Dionysius, keindahan ilahi yang mutlak ada di urutan pertama, keindahan makhluk surgawi di urutan kedua, dan keindahan benda-benda dunia material di urutan ketiga. Sikap Bizantium terhadap materi, keindahan yang dirasakan secara sensual adalah ambivalen. Di satu sisi, dia dipuja sebagai hasil ciptaan ilahi, di sisi lain, dia dikutuk sebagai sumber kenikmatan indria.

Salah satu masalah utama estetika Bizantium adalah masalah citra. Ini memperoleh urgensi khusus sehubungan dengan perselisihan ikonoklastik (abad ke-8 hingga ke-9). Ikonoklas percaya bahwa gambar harus sesuai dengan prototipe, yaitu. menjadi replika yang sempurna. Tetapi karena prototipe tersebut mewakili gagasan tentang prinsip ketuhanan, ia tidak dapat digambarkan dengan bantuan gambar antropomorfik.

Yohanes dari Damaskus dalam sebuah khotbah Terhadap mereka yang menolak ikon suci dan Fedor Studit (759826) di Penyangkalan ikonoklas bersikeras pada perbedaan antara gambar dan prototipe, dengan alasan bahwa gambar arketipe ketuhanan harus identik dengannya bukan "pada intinya", tetapi hanya "dalam nama". Ikon adalah gambaran tampilan tampak yang ideal (inner eidos) dari prototipe. Interpretasi tentang hubungan antara gambar dan prototipe ini didasarkan pada pemahaman tentang sifat kondisional dari gambar tersebut. Gambar itu dipahami sebagai kompleks struktur artistik sebagai "kemiripan yang tidak serupa".

Lampu. Salah satu kategori estetika Bizantium yang paling penting adalah kategori cahaya. Tidak ada budaya lain yang begitu penting diberikan kepada cahaya. Masalah cahaya terutama dikembangkan dalam kerangka estetika pertapa yang berkembang di antara monastisisme Bizantium. Estetika interior ini (dari lat.

pedalaman internal) memiliki orientasi etis dan mistik dan mengkhotbahkan penolakan terhadap kesenangan indria, sistem latihan spiritual khusus yang bertujuan untuk merenungkan cahaya dan penglihatan lainnya. Perwakilan utamanya adalah Macarius dari Mesir, Nil dari Ancyra, John of the Ladder, Ishak dari Syria. Menurut ajaran mereka, cahaya adalah berkah. Ada dua jenis cahaya: terlihat dan spiritual. Cahaya tampak berkontribusi pada kehidupan organik, cahaya spiritual menyatukan kekuatan spiritual, mengubah jiwa menjadi makhluk sejati. Cahaya spiritual tidak terlihat dengan sendirinya, ia tersembunyi di bawah berbagai gambar. Itu dirasakan oleh mata pikiran, mata pikiran. Cahaya dalam tradisi Bizantium tampil sebagai kategori yang lebih umum dan lebih spiritual daripada keindahan.

Warna. Modifikasi kecantikan lainnya dalam estetika Bizantium adalah warna. Budaya warna adalah hasil dari kanonisitas seni Bizantium yang ketat. Dalam lukisan gereja, simbolisme warna yang kaya dikembangkan dan hierarki warna yang ketat diamati. Setiap warna memiliki makna religius yang dalam.

Estetika Bizantium merevisi sistem kategori estetika, dengan cara yang berbeda dari yang kuno, dengan penekanan pada area ini. Dia kurang memperhatikan kategori seperti harmoni, ukuran, keindahan. Pada saat yang sama, dalam sistem gagasan yang tersebar luas di Byzantium, tempat yang luas ditempati oleh kategori luhur, serta konsep "citra" dan "simbol".

Simbolisme adalah salah satu fenomena paling khas dari budaya abad pertengahan, baik Timur maupun Barat. Simbol dipikirkan dalam teologi, sastra, seni. Setiap objek dianggap sebagai gambar dari sesuatu yang sesuai dengannya di bidang yang lebih tinggi, menjadi simbol dari yang lebih tinggi ini. Pada Abad Pertengahan, simbolisme bersifat universal. Berpikir berarti menemukan makna tersembunyi selamanya. Menurut konsep patristik, Tuhan itu transenden, dan Semesta adalah sistem simbol dan tanda (tanda) yang menunjuk ke Tuhan dan lingkungan spiritual makhluk. Dalam kesadaran estetika abad pertengahan, dunia sensorik digantikan oleh dunia simbolis yang ideal. Simbolisme abad pertengahan menganggap dunia yang hidup sebagai milik reflektifitas, sifat ilusi. Dari sinilah simbolisme total seni Kristen berasal.

Estetika tradisional Timur. India. Dasar dari gagasan estetika India Kuno adalah tradisi mitopoetik, yang diekspresikan dalam sistem figuratif Brahmanisme. Doktrin Brahman tentang cita-cita universal dikembangkan dalam Upanishad, yang paling awal berasal dari abad ke-8 hingga ke-6. sebelum. IKLAN “Mengetahui” Brahman hanya mungkin melalui pengalaman keberadaan yang paling kuat (kontemplasi estetika). Perenungan supersensible ini tampaknya merupakan kebahagiaan tertinggi dan berhubungan langsung dengan kenikmatan estetis. Estetika dan simbolisme Upanishad memiliki pengaruh besar pada citra dan estetika puisi epik India. Mahabharata Dan Ramayana dan secara keseluruhan pengembangan lebih lanjut dari pemikiran estetika India.

Ciri khas refleksi estetika India abad pertengahan adalah kurangnya minat pada pertanyaan tentang estetika alam dan kehidupan. Subjek refleksi hanya seni, terutama sastra dan teater. Tujuan utama dari sebuah karya seni adalah emosi. Estetika berasal dari emosional. Konsep sentral dari semua ajaran estetika adalah konsep "ras" (secara harfiah berarti "rasa"), yang menunjukkan emosi artistik dalam sejarah seni. Terutama doktrin ras ini dikembangkan oleh ahli teori aliran Kashmir, di antaranya yang paling terkenal adalah Anandavardhana (abad ke-9), Shankuka (abad ke-10), Bhatta Nayaka (abad ke-10) dan Abhinavagupta (abad ke-10-11). Mereka tertarik pada kekhususan emosi estetika, yang tidak boleh disamakan dengan perasaan biasa. Rasa, bukan perasaan tertentu, adalah pengalaman yang muncul dalam subjek yang memahami dan hanya dapat diakses oleh pengetahuan internal. Tahap tertinggi dari pengalaman estetik adalah mencicipi ras, atau dengan kata lain menenangkan kesadarannya, yaitu kenikmatan estetik.

Cina.Perkembangan pemikiran estetika tradisional di Cina secara langsung dipengaruhi oleh dua arus utama filsafat Cina: Konfusianisme dan Taoisme. Ajaran estetika Konfusius (552/551479 SM) dan para pengikutnya berkembang dalam kerangka teori sosio-politik mereka. Tempat sentral di dalamnya ditempati oleh konsep "kemanusiaan" dan "ritual", yang diwujudkan dalam perilaku "orang yang mulia". Tujuan dari kategori moral ini adalah untuk menjaga landasan etika dalam masyarakat dan mengatur tatanan dunia yang harmonis. Seni sangat penting, yang dipandang sebagai cara kesempurnaan moral dan pendidikan keharmonisan jiwa. Konfusianisme menundukkan persyaratan estetika pada persyaratan etis. Yang sangat "indah" dalam Konfusius adalah sinonim untuk "baik", dan cita-cita estetika dipandang sebagai kesatuan yang indah, baik dan bermanfaat. Dari sinilah awal didaktik yang kuat dalam estetika tradisional Tiongkok. Tradisi estetika ini membela keaslian dan warna-warni seni. Dia menganggap kreativitas sebagai puncak keterampilan profesional, dan seniman sebagai pencipta seni.

Garis lain terhubung dengan ajaran Tao. Lao Tzu (abad ke-6 SM) dan Chuang Tzu (abad ke-43 SM) dianggap sebagai pendirinya. Jika Konfusianisme memberikan perhatian utama dalam ajaran mereka pada prinsip etika, maka perhatian utama pada prinsip estetika diberikan pada penganut Tao. Tempat sentral dalam Taoisme ditempati oleh teori "Tao" - jalan, atau variabilitas abadi dunia. Salah satu atribut Tao yang memiliki makna estetis adalah konsep kealamian "tszyran", spontanitas. Tradisi Tao menegaskan spontanitas kreativitas artistik, kealamian bentuk artistik, dan korespondensinya dengan alam. Oleh karena itu muncullah estetika dan alam yang tidak terpisahkan dalam estetika tradisional Tiongkok. Kreativitas dalam Taoisme dipandang sebagai wahyu dan masuknya, dan seniman sebagai alat untuk "penciptaan diri" seni.

Jepang. Perkembangan estetika tradisional Jepang terjadi di bawah pengaruh Buddhisme Zen. Keyakinan ini sangat mementingkan meditasi dan metode pelatihan psiko lainnya yang berfungsi untuk mencapai satori keadaan pencerahan batin, ketenangan pikiran dan keseimbangan. Buddhisme Zen dicirikan oleh pandangan hidup dan dunia material sebagai sesuatu yang berumur pendek, dapat berubah dan menyedihkan. Estetika tradisional Jepang, menggabungkan pengaruh Konfusianisme dari Tiongkok dan aliran Jepang Zen Buddhisme, telah mengembangkan prinsip-prinsip khusus yang mendasar bagi seni Jepang. Diantaranya, yang terpenting adalah estetika "wabi" dan prinsip moral menikmati hidup tenang dan tidak tergesa-gesa, bebas dari urusan duniawi. Artinya sederhana dan kecantikan alami dan keadaan pikiran yang jernih dan kontemplatif. Upacara minum teh, seni merangkai bunga, dan seni berkebun didasarkan pada prinsip ini. Prinsip estetika Jepang lainnya, "sabi", yang dikaitkan dengan kesepian eksistensial seseorang di alam semesta tanpa batas, kembali ke Buddhisme Zen. Menurut tradisi Buddhis, keadaan kesepian manusia harus diterima dengan kerendahan hati yang tenang dan menemukan sumber inspirasi di dalamnya. Konsep "yugen" (keindahan kesedihan yang sepi) dalam agama Buddha dikaitkan dengan kebenaran yang sangat tersembunyi yang tidak dapat dipahami secara intelektual. Itu dipikirkan kembali sebagai prinsip estetika, yang berarti keindahan "dunia lain" misterius yang penuh dengan misteri, ambiguitas, ketenangan, dan inspirasi.

Estetika Abad Pertengahan Eropa Barat sangat teologis. Semua konsep estetika dasar menemukan penyelesaiannya di dalam Tuhan. Dalam estetika Abad Pertengahan awal, teori estetika paling holistik diwakili oleh Agustinus Aurelius. Di bawah pengaruh Neoplatonisme, Agustinus berbagi gagasan Plotinus tentang keindahan dunia. Dunia ini indah karena diciptakan oleh Tuhan, yang merupakan keindahan tertinggi, dan merupakan sumber segala keindahan. Seni tidak menciptakan gambaran nyata dari keindahan ini, tetapi hanya bentuk materialnya. Oleh karena itu, menurut Agustinus, bukan karya seni itu sendiri yang harus disukai, melainkan gagasan ketuhanan yang terkandung di dalamnya. Mengikuti zaman kuno, St. Agustinus memberikan definisi keindahan, mulai dari tanda-tanda keharmonisan formal. Dalam esai Tentang kota Tuhan dia berbicara tentang keindahan sebagai proporsionalitas bagian-bagian yang dipadukan dengan keindahan warna. Dengan konsep keindahan, ia juga mengaitkan konsep proporsionalitas, bentuk, dan keteraturan.

Interpretasi kecantikan abad pertengahan yang baru adalah bahwa harmoni, harmoni, keteraturan objek itu indah bukan pada dirinya sendiri, tetapi sebagai cerminan dari kesatuan seperti dewa yang lebih tinggi. Konsep "persatuan" adalah salah satu konsep sentral dalam estetika Agustinus. Dia menulis bahwa bentuk dari semua keindahan adalah kesatuan. Semakin sempurna suatu hal, semakin banyak kesatuan yang dimilikinya. Yang indah itu satu, karena menjadi dirinya sendiri adalah satu. Konsep kesatuan estetis tidak dapat muncul dari persepsi indrawi. Sebaliknya, itu sendiri yang menentukan persepsi keindahan. Memulai penilaian estetika, seseorang sudah memiliki konsep persatuan di kedalaman jiwanya, yang kemudian ia cari dalam berbagai hal.

Doktrin Agustinus tentang kontras dan pertentangan memiliki pengaruh besar pada estetika abad pertengahan. Dalam risalah Tentang kota Tuhan dia menulis bahwa dunia diciptakan seperti sebuah puisi yang dihiasi dengan antitesis. Perbedaan dan variasi memberikan keindahan pada setiap hal, dan kontras memberikan ekspresi khusus pada harmoni. Agar persepsi keindahan menjadi lengkap dan sempurna, hubungan yang benar harus menghubungkan penghayat keindahan dengan tontonan itu sendiri. Jiwa terbuka terhadap sensasi yang selaras dengannya dan menolak sensasi yang tidak sesuai untuknya. Untuk persepsi keindahan, perlu disepakati antara benda-benda indah dan jiwa. Seseorang harus memiliki cinta yang tidak egois terhadap kecantikan.

Thomas Aquinas dalam karya utamanya Jumlah teologi sebenarnya menyimpulkan estetika abad pertengahan Barat. Dia mensistematisasikan pandangan Aristoteles, Neoplatonis, Agustinus, Dionysius the Areopagite. Tanda kecantikan yang khas pertama, yang digaungkan Thomas Aquinas setelah para pendahulunya, adalah bentuk yang dirasakan oleh perasaan manusia yang tinggi (penglihatan, pendengaran). Kecantikan memengaruhi perasaan seseorang dengan organisasinya. Dia sepenuhnya mendukung konsep-konsep yang berkaitan dengan karakteristik objektif keindahan sebagai "kejelasan", "integritas", "proporsi", "konsistensi". Proporsi, dalam pandangannya, adalah rasio spiritual dan material, internal dan eksternal, ide dan bentuk. Dengan kejelasan, dia memahami pancaran yang terlihat, kecemerlangan suatu benda, dan pancaran batinnya, pancaran spiritual. Kesempurnaan berarti tidak adanya kekurangan. Pandangan dunia Kristen selalu memasukkan konsep kebaikan ke dalam konsep keindahan. Baru dalam estetika Thomas Aquinas adalah pengenalan perbedaan di antara mereka. Dia melihat perbedaan ini dalam kenyataan bahwa kebaikan adalah objek dan tujuan dari aspirasi manusia yang konstan, keindahan adalah tujuan yang dicapai ketika kecerdasan manusia dibebaskan dari semua aspirasi keinginan, ketika dia mulai mengalami kesenangan. Karakteristik tujuan dari kebaikan, dalam keindahan, seolah-olah, berhenti menjadi tujuan, tetapi merupakan bentuk murni, diambil dengan sendirinya, tanpa pamrih. Pemahaman tentang keindahan seperti itu oleh Thomas Aquinas memungkinkan F. Losev menyimpulkan bahwa definisi subjek estetika seperti itu adalah titik awal dari seluruh estetika Renaisans.

Estetika Renaisans estetika individualistis. Kekhususannya terletak pada penegasan diri secara spontan dari seseorang yang berpikir dan bertindak secara artistik, memahami alam sekitarnya dan lingkungan sejarah sebagai objek kenikmatan dan peniruan. Doktrin estetika Renaisans dijiwai dengan motif yang meneguhkan hidup dan kesedihan heroik. Itu didominasi oleh kecenderungan antroposentris. Dalam estetika Renaisans, pemahaman tentang keindahan, keagungan, kepahlawanan juga dikaitkan dengan antroposentrisme. Seseorang, tubuhnya menjadi model kecantikan. Manusia dipandang sebagai manifestasi dari titanic, yang ilahi. Dia memiliki kemungkinan pengetahuan yang tak terbatas dan menempati posisi luar biasa di dunia. Karya program yang memiliki pengaruh besar pada pemikiran artistik pada zaman itu adalah risalahnya Pico dela Mirandola Tentang martabat manusia(1487). Penulis merumuskan konsep kepribadian manusia yang sama sekali baru. Dia mengatakan bahwa seseorang itu sendiri adalah pencipta, penguasa citranya sendiri. Ini memperkuat sikap baru terhadap artis. Ini bukan lagi pengrajin abad pertengahan, tetapi orang yang berpendidikan komprehensif, ekspresi konkret dari cita-cita manusia universal.

Di zaman Renaisans, pandangan seni sebagai kreativitas didirikan. Estetika kuno dan abad pertengahan menganggap seni sebagai aplikasi pada materi bentuk siap pakai yang sudah ada dalam jiwa senimannya. Dalam estetika Renaisans, lahir ide yang diciptakan oleh seniman itu sendiri, menciptakan kembali bentuk ini sendiri. Salah seorang yang pertama kali merumuskan gagasan ini adalah Nicholas dari Cusa (1401-1464) dalam risalahnya Tentang pikiran. Ia menulis bahwa seni tidak hanya meniru alam, tetapi kreatif, menciptakan bentuk segala sesuatu, melengkapi dan memperbaiki alam.

Praktik artistik yang kaya dari Renaisans memunculkan banyak risalah tentang seni. Inilah tulisan-tulisannya Tentang melukis, 1435; Tentang memahat, 1464; Tentang arsitektur, 1452 Leona Battista Alberti; Pada Proporsi Ilahi Luca Pacioli (14451514); Buku tentang melukis Leonardo da Vinci. Di dalamnya, seni diakui sebagai ekspresi pikiran penyair dan seniman. Fitur penting dari risalah ini adalah pengembangan teori seni, masalah perspektif linier dan udara, chiaroscuro, proporsionalitas, simetri, dan komposisi. Semua ini membantu membuat penglihatan seniman menjadi stereoskopis, dan objek yang digambarkan olehnya menjadi timbul dan nyata. Perkembangan teori seni yang intensif dirangsang oleh gagasan untuk menciptakan ilusi kehidupan nyata dalam sebuah karya seni.

Abad 17-18, Pencerahan. Untuk abad ke-17 dominasi estetika filosofis atas estetika praktis adalah ciri khasnya. Selama periode ini, ajaran filosofis Francis Bacon, Thomas Hobbes, Rene Descartes, John Locke, Gottfried Leibniz muncul, yang memiliki pengaruh besar pada refleksi estetika Zaman Baru. Sistem estetika yang paling holistik diwakili oleh klasisisme, yang landasan ideologisnya adalah rasionalisme Descartes, yang berpendapat bahwa dasar pengetahuan adalah akal. Klasisisme, pertama-tama, adalah dominasi akal. Salah satu ciri khas estetika klasisisme adalah penetapan aturan ketat untuk kreativitas. Sebuah karya seni dipahami bukan sebagai organisme yang muncul secara alami, tetapi sebagai fenomena buatan yang diciptakan manusia menurut rencana, dengan tugas dan tujuan tertentu. Kode norma dan kanon klasisisme adalah risalah dalam sajak oleh Nicolas Boileau seni puitis(1674). Ia percaya bahwa untuk mencapai cita-cita dalam seni harus menggunakan aturan yang ketat. Aturan-aturan ini didasarkan pada prinsip-prinsip kuno keindahan, harmoni, luhur, tragis. Nilai utama sebuah karya seni adalah kejelasan gagasan, keluhuran gagasan, dan bentuk yang terkalibrasi dengan tepat. Dalam risalah Boileau, teori hierarki genre dikembangkan oleh estetika klasisisme, aturan "tiga kesatuan" (tempat, waktu dan tindakan), orientasi terhadap tugas moral ( Lihat juga KESATUAN (TIGA): WAKTU, TEMPAT, TINDAKAN).

Dalam pemikiran estetika abad ke-17. arah barok menonjol, tidak diformalkan dalam sistem yang koheren. Estetika Barok diwakili oleh nama-nama seperti Baltasar Gracian y Marales (16011658), Emmanuele Tesauro (15921675) dan Matteo Peregrini. Dalam tulisan mereka Kecerdasan, atau Seni Pikiran Cepat(1642) Graciana; teropong Aristoteles(1654) Tesauro; Risalah tentang kecerdasan(1639) Peregrini) salah satu dari konsep yang paling penting estetika barok "kecerdasan", atau "pikiran cepat". Itu dianggap sebagai kekuatan kreatif utama. Kecerdasan barok adalah kemampuan untuk menyatukan perbedaan. Basis kecerdasan adalah metafora yang menghubungkan objek atau gagasan yang tampaknya sangat jauh. Estetika barok menekankan bahwa seni bukanlah ilmu, tidak didasarkan pada hukum pemikiran logis. Kecerdasan adalah tanda kejeniusan, yang diberikan oleh Tuhan, dan tidak ada teori yang dapat membantu menemukannya.

Estetika barok menciptakan sistem kategori di mana konsep keindahan diabaikan, dan alih-alih harmoni, konsep ketidakharmonisan dan disonansi dikedepankan. Menolak gagasan tentang struktur alam semesta yang harmonis, Barok mencerminkan pandangan dunia seorang pria di awal Zaman Baru, yang memahami ketidakkonsistenan keberadaan. Sikap ini secara tajam diwakili oleh pemikir Prancis Blaise Pascal. Refleksi filosofis Pascal, karya sastranya menempati tempat penting dalam estetika abad ke-17. Dia tidak berbagi pragmatisme dan rasionalitas masyarakat modern. Visinya tentang dunia memperoleh warna yang sangat tragis. Itu terkait dengan gagasan "Tuhan yang tersembunyi" dan "keheningan dunia". Di antara dua manifestasi ini terletak manusia dalam kesepiannya, yang sifatnya ganda secara tragis. Di satu sisi dia hebat dalam rasionalitas dan persekutuannya dengan Tuhan, di sisi lain dia tidak berarti dalam kerapuhan fisik dan moralnya. Gagasan ini diungkapkan dalam definisinya yang terkenal: "manusia adalah buluh yang berpikir". Pascal dalam formula ini tidak hanya mencerminkan visinya tentang dunia, tetapi juga menyampaikan suasana umum abad ini. Filosofinya menembus seni Baroque, yang condong ke arah plot dramatis yang menciptakan kembali gambaran dunia yang kacau.

Estetika Inggris abad 17-18 membela prinsip-prinsip sensualistik, mengandalkan ajaran John Locke atas dasar pemikiran sensual. Empirisme dan sensasionalisme Locke berkontribusi pada perkembangan gagasan tentang "sensasi internal", perasaan, hasrat, intuisi. Gagasan tentang hubungan erat yang mendasar antara seni dan moralitas, yang menjadi dominan dalam estetika Pencerahan, juga dibuktikan. Dia menulis tentang hubungan antara keindahan dan kebaikan dalam karyanya Ciri-ciri orang, tata krama, pendapat dan waktu(1711) perwakilan dari apa yang disebut "estetika moralisasi" A.E.K. Shaftesbury. Dalam filosofi moralnya, Shaftesbury mengandalkan sensasionalisme Locke. Ia percaya bahwa gagasan tentang kebaikan dan keindahan memiliki landasan sensual, berasal dari perasaan moral yang melekat pada diri manusia itu sendiri.

Gagasan Pencerahan Inggris memiliki pengaruh besar pada pemikir Prancis Denis Diderot. Sama seperti pendahulunya, dia menghubungkan keindahan dengan moralitas. Diderot adalah penulis teori realisme Pencerahan, yang dibuktikan dalam risalahnya Studi filosofis tentang asal usul dan sifat keindahan(1751). Ia memahami kreativitas artistik sebagai aktivitas sadar yang memiliki tujuan yang masuk akal dan dilandasi aturan umum seni. Diderot melihat tujuan seni dalam melembutkan dan memperbaiki akhlak, dalam mendidik kebajikan. Ciri khas teori estetika Diderot adalah kesatuannya dengan kritik seni.

Perkembangan estetika Pencerahan Jerman dikaitkan dengan nama Alexander Baumgarten, Johan Winckelmann, Gothold Lessing, Johan Herder. Dalam karya-karya mereka, untuk pertama kalinya, estetika didefinisikan sebagai ilmu, prinsip pendekatan historis terhadap karya seni dibentuk, perhatian diarahkan pada studi tentang identitas nasional budaya seni dan cerita rakyat (I. Herder Di kebun kritik, 1769;Tentang pengaruh puisi pada adat istiadat masyarakat di zaman kuno dan modern, 1778;Calligone, 1800), ada kecenderungan studi banding berbagai jenis seni (G. Lessing Laocoön, atau di Batas Seni Lukis dan Puisi, 1766;Dramaturgi Hamburg, 17671769), fondasi sejarah seni teoretis sedang dibuat (I. Winkelman Sejarah seni kuno, 1764).

Estetika dalam filsafat klasik Jerman. Para pencerahan Jerman memiliki pengaruh besar pada perkembangan pemikiran estetika selanjutnya di Jerman, terutama pada periode klasiknya. Estetika klasik Jerman (akhir abad ke-18 - awal abad ke-19) diwakili oleh Immanuel Kant, Johann Gottlieb Fichte, Friedrich Schiller, Friedrich Wilhelm Schelling, Georg Hegel.

Pandangan estetika I. Kant diuraikan dalam Kritik terhadap kemampuan penilaian, di mana ia menganggap estetika sebagai bagian dari filsafat. Dia mengembangkan secara rinci masalah estetika yang paling penting: doktrin rasa, kategori estetika utama, doktrin kejeniusan, konsep seni dan hubungannya dengan alam, klasifikasi bentuk seni. Kant menjelaskan sifat penilaian estetika, yang berbeda dari penilaian logis. Penilaian estetika adalah penilaian selera, penilaian logis memiliki tujuan pencarian kebenaran. jenis khusus penilaian estetika rasa itu indah. Filsuf menyoroti beberapa poin dalam persepsi keindahan. Pertama, ini adalah ketidaktertarikan perasaan estetika, yang bermuara pada kekaguman murni terhadap objek tersebut. Ciri kedua dari keindahan adalah bahwa ia merupakan objek kekaguman universal tanpa bantuan kategori akal. Ia juga memperkenalkan gagasan "kemanfaatan tanpa tujuan" ke dalam estetikanya. Menurutnya, keindahan, sebagai bentuk kemanfaatan suatu objek, harus dipersepsikan tanpa mengetahui tujuan apapun.

Salah satu Kant pertama memberikan klasifikasi bentuk seni. Ia membagi seni menjadi verbal (seni kefasihan dan puisi), bergambar (patung, arsitektur, melukis) dan seni permainan sensasi yang anggun (musik).

Masalah estetika menempati tempat penting dalam filosofi G. Hegel. Eksposisi sistematis dari teori estetika Hegelian terkandung di dalamnya Kuliah tentang estetika(diterbitkan tahun 18351836). Estetika Hegel adalah teori seni. Ia mendefinisikan seni sebagai tahapan dalam perkembangan ruh absolut bersama dengan agama dan filsafat. Dalam seni, ruh absolut mengenali dirinya dalam bentuk kontemplasi; dalam agama, dalam bentuk representasi; dalam filsafat, konsep. Keindahan seni lebih tinggi dari keindahan alam, karena ruh lebih unggul dari alam. Hegel mencatat bahwa sikap estetik selalu antropomorfik, kecantikan selalu manusiawi. Hegel mempresentasikan teorinya tentang seni dalam bentuk sistem. Ia menulis tentang tiga bentuk seni: simbolik (Timur), klasik (kuno), romantis (Kristen). Dengan berbagai bentuk seni, ia menghubungkan sistem seni yang berbeda, berbeda materi. Hegel menganggap awal seni sebagai arsitektur, sesuai dengan tahap simbolik dalam perkembangan kreativitas artistik. Untuk seni klasik patung adalah ciri khas, dan untuk lukisan romantis, musik dan puisi.

Berdasarkan ajaran filosofis dan estetika Kant, F.W. Schelling menciptakan teori estetikanya sendiri. Itu ditampilkan dalam tulisan-tulisannya. Filsafat seni, ed. 1859 dan Tentang hubungan seni rupa dengan alam, 1807. Seni, dalam pengertian Schelling, adalah gagasan yang, sebagai "konsep abadi", bersemayam di dalam Tuhan. Oleh karena itu, permulaan langsung dari semua seni adalah Tuhan. Schelling melihat dalam seni sebuah emanasi dari yang absolut. Seniman berhutang karyanya pada gagasan abadi tentang manusia, yang diwujudkan dalam Tuhan, yang terhubung dengan jiwa dan membentuk satu kesatuan dengannya. Kehadiran prinsip ketuhanan dalam diri seseorang ini adalah "kejeniusan" yang memungkinkan individu mewujudkan dunia ideal. Ia menegaskan gagasan keunggulan seni atas alam. Dalam seni, ia melihat penyelesaian roh dunia, penyatuan roh dan alam, objektif dan subyektif, eksternal dan internal, sadar dan tidak sadar, kebutuhan dan kebebasan. Seni baginya adalah bagian dari kebenaran filosofis. Dia mengajukan pertanyaan untuk menciptakan bidang estetika baru - filosofi seni dan menempatkannya di antara yang absolut ketuhanan dan pikiran yang berfilsafat.

Schelling adalah salah satu ahli teori utama estetika Romantisisme. Asal usul romantisme dikaitkan dengan sekolah Jena, yang perwakilannya adalah saudara laki-laki August Schlegel dan Friedrich Schlegel, Friedrich von Hardenberg (Novalis), Wilhelm Heinrich Wackenroder (17731798), Ludwig Tieck.

Filosofi romantisme berasal dari idealisme subjektif Fichte, yang memproklamasikan "aku" subjektif sebagai permulaan. Berdasarkan konsep Fichte tentang bebas, tidak terbatas aktivitas kreatif, romantisme memperkuat otonomi artis dalam hubungannya dengan dunia luar. Dunia luar mereka berubah dunia batin jenius puitis. Dalam estetika romantisme dikembangkan gagasan kreativitas, yang menurutnya seniman dalam karyanya tidak mencerminkan dunia sebagaimana adanya, tetapi menciptakannya sebagaimana mestinya dalam pikirannya. Sejalan dengan itu, peran artis itu sendiri meningkat. Jadi, di Novalis, penyair berperan sebagai peramal dan pesulap, menghidupkan kembali alam mati. Romantisme ditandai dengan pengingkaran terhadap normativitas kreativitas seni, pembaharuan bentuk seni. Seni romantik bersifat metaforis, asosiatif, ambigu, condong ke arah sintesis, ke arah interaksi genre, jenis seni, ke arah hubungan dengan filsafat dan agama.

abad 1920 Dari pertengahan abad ke-19 Pemikiran estetika Eropa Barat berkembang dalam dua arah. Yang pertama terkait dengan filosofi positivis Auguste Comte, sang penulis Kursus Filsafat Positif(18301842). Positivisme memproklamasikan prioritas pengetahuan ilmiah konkret di atas filsafat, berusaha menjelaskan fenomena estetika melalui kategori dan gagasan yang dipinjam dari ilmu alam. Dalam kerangka positivisme, tren estetika seperti estetika naturalisme dan analisis sosial terbentuk.

Arah kedua estetika berorientasi positivis disajikan dalam karya-karya Hippolyte Taine, yang menjadi salah satu spesialis pertama di bidang sosiologi seni. Ia mengembangkan pertanyaan tentang hubungan antara seni dan masyarakat, pengaruh lingkungan, ras, momen terhadap kreativitas seni. Seni, dalam pemahaman Taine, adalah produk dari kondisi sejarah tertentu, dan ia mendefinisikan karya seni sebagai produk lingkungan.

Estetika Marxis juga muncul dari sudut pandang positivisme. Marxisme menganggap seni sebagai bagian integral dari proses sejarah umum, yang dasarnya mereka lihat dalam perkembangan mode produksi. Mengkorelasikan perkembangan seni dengan perkembangan ekonomi, Marx dan Engels melihatnya sebagai sesuatu yang sekunder dari basis ekonomi. Ketentuan utama teori estetika Marxisme adalah prinsip kekonkretan sejarah, peran kognitif seni, dan karakter kelasnya. Manifestasi dari karakter kelas seni, seperti yang diyakini oleh estetika Marxis, adalah kecenderungannya. Marxisme meletakkan prinsip-prinsip dasar yang menemukan perkembangan lebih lanjut dalam estetika Soviet.

Oposisi terhadap positivisme dalam pemikiran estetika Eropa pada paruh kedua abad ke-19. Muncul gerakan seniman yang mengedepankan slogan “art for art’s sake”. Estetika "seni murni" berkembang di bawah pengaruh kuat konsep filosofis Arthur Schopenhauer. Sedang bekerja Dunia sebagai Kehendak dan Representasi (1844) dia menguraikan elemen dasar dari konsep budaya elitis. Ajaran Schopenhauer didasarkan pada gagasan kontemplasi estetika. Dia membagi umat manusia menjadi "orang jenius", yang mampu melakukan kontemplasi estetika dan kreativitas artistik, dan "orang yang berguna", berorientasi pada aktivitas utilitarian. Jenius menyiratkan kemampuan luar biasa untuk merenungkan ide. Keinginan selalu melekat pada orang yang praktis, seniman jenius adalah pengamat yang tenang. Mengganti nalar dengan kontemplasi, filsuf dengan demikian mengganti konsep kehidupan spiritual dengan konsep kenikmatan estetika yang halus dan bertindak sebagai cikal bakal doktrin estetika "seni murni".

Gagasan “seni demi seni” terbentuk dalam karya Edgar Allan Poe, Gustave Flaubert, Charles Baudelaire, Oscar Wilde. Melanjutkan tradisi romantisme, perwakilan estetika berpendapat bahwa seni ada untuk dirinya sendiri dan memenuhi tujuannya dengan menjadi indah.

Di akhir abad ke-19 dalam pemikiran filosofis dan estetika Eropa, ada proses revisi radikal dari bentuk-bentuk filosofis klasik. Penolakan dan revisi nilai estetika klasik dilakukan oleh Friedrich Nietzsche. Ia mempersiapkan keruntuhan konsep estetika transendental tradisional dan sebagian besar memengaruhi pembentukan filsafat dan estetika pascaklasik. Dalam estetika Nietzsche, sebuah teori dikembangkan Seni Apollonian dan Dionysian. Dalam esai Kelahiran tragedi dari semangat musik (1872) ia menyelesaikan antinomi Apollonian dan Dionysian sebagai dua hal yang berlawanan, tetapi tidak dapat dipisahkan satu sama lain, permulaan yang mendasari setiap fenomena budaya. Seni Apollonian berusaha merampingkan dunia, membuatnya seimbang, jelas, dan seimbang secara harmonis. Tetapi prinsip Apollonian hanya menyangkut sisi luar makhluk. Ini adalah ilusi dan penipuan diri yang konstan. Penataan kekacauan Apollonian ditentang oleh keracunan ekstasi Dionysian. Prinsip seni Dionysian bukanlah penciptaan ilusi baru, tetapi seni elemen hidup, kelebihan, kegembiraan spontan. Kegilaan Dionysian dalam interpretasi Nietzsche ternyata menjadi cara untuk mengatasi keterasingan manusia di dunia. Melampaui batas isolasi individualistis adalah kreativitas sejati. Bentuk seni yang paling sejati bukanlah yang menciptakan ilusi, tetapi yang memungkinkan Anda untuk melihat ke dalam jurang alam semesta.

Konsep estetika dan filosofis Nietzsche menemukan penerapan luas dalam teori dan praktik estetika modernisme pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Perkembangan asli dari ide-ide ini diamati dalam estetika Rusia di Zaman Perak. Pertama-tama di Vladimir Soloviev, dalam filosofinya tentang "persatuan universal", berdasarkan kemenangan tenang dari kemenangan abadi dari prinsip cemerlang atas kekacauan yang kacau. dan estetika Nietzschean menarik para simbolis Rusia. Mengikuti Nietzsche, mereka menganggap dunia sebagai fenomena estetika yang diciptakan oleh seniman teurgis.

Teori estetika abad ke-20. Masalah estetika abad ke-20 Ini dikembangkan tidak begitu banyak dalam studi khusus seperti dalam konteks ilmu lain: psikologi, sosiologi, semiotika, linguistik.

Di antara konsep estetika yang paling berpengaruh adalah estetika fenomenologis, berdasarkan filsafat Edmund Husserl. Filsuf Polandia Roman Ingarden (1893-1970) dapat dianggap sebagai pendiri estetika fenomenologis. Konsep kunci dari fenomenologi adalah intensionalitas (dari bahasa Latin aspirasi niat, niat, arah), yang dipahami sebagai konstruksi objek kognisi oleh kesadaran.

Fenomenologi menganggap sebuah karya seni sebagai fenomena swasembada dari kontemplasi yang disengaja tanpa konteks apapun, berangkat dari dirinya sendiri. Segala sesuatu yang dapat diketahui tentang suatu karya terkandung di dalamnya, ia memiliki nilai independensinya sendiri, keberadaannya otonom dan dibangun menurut hukumnya sendiri.

Nikolai Hartmann (1882-1950) berbicara dari posisi fenomenologis. Kategori utama keindahan estetika dipahami dalam keadaan ekstasi dan mimpi. Nalar, sebaliknya, tidak mengizinkan seseorang untuk bergabung dengan bidang keindahan. Oleh karena itu, tindakan kognitif tidak sesuai dengan kontemplasi estetika.

Michel Dufrenne (1910-1995) mengkritik peradaban Barat modern, mengasingkan manusia dari alam, esensinya sendiri, dan nilai tertinggi keberadaan. Ia berupaya mengidentifikasi fondasi fundamental budaya, yang memungkinkan terciptanya hubungan yang harmonis antara manusia dan dunia. Setelah memahami kesedihan konsep seni Heidegger sebagai "kebenaran keberadaan", Dufrenne mencari landasan seperti itu dalam kekayaan pengalaman estetika, yang ditafsirkan dari sudut pandang ontologi fenomenologis.

Metode penelitian fenomenologis mendasari metodologi formalisme Rusia, strukturalisme Prancis, dan "kritik baru" Anglo-Amerika yang muncul sebagai oposisi terhadap positivisme. Dalam karya J.K. Tebusan ( Kritik baru, 1941), A.Tate ( karangan reaksioner, 1936), C. Brooks dan RP Warren ( Memahami puisi, 1938; Memahami prosa, 1943) meletakkan prinsip-prinsip dasar teori neo-kritis: studi didasarkan pada teks terisolasi yang ada sebagai objek yang terlepas dari seniman-pencipta. Teks ini memiliki struktur organik dan integral yang dapat eksis sebagai organisasi khusus dari gambar, simbol, mitos. Dengan bantuan bentuk organik seperti itu, kognisi realitas dilakukan (konsep neo-kritis tentang "puisi sebagai pengetahuan").

Ke bidang pemikiran estetika penting lainnya di abad ke-20. termasuk konsep psikoanalitik Z. Freud dan G. Jung, estetika eksistensialisme (J.-P. Sartre, A. Camus, M. Heideger), estetika personalisme (S. Peguy, E. Munier, P. Ricoeur ), estetika strukturalisme dan pascastrukturalisme (K. Levi Strauss, R. Barth, J. Derrida), konsep estetika sosiologis T. Adorno dan G. Marcuse.

Pemikiran estetik modern juga berkembang sejalan dengan postmodernisme (I. Hassan, J.F. Lyotard). Estetika postmodernisme dicirikan oleh pengabaian secara sadar terhadap aturan dan batasan yang dikembangkan oleh tradisi budaya sebelumnya, dan akibatnya, sikap ironis terhadap tradisi ini.

Aparat konseptual estetika sedang mengalami perubahan yang signifikan, kategori estetika utama sedang menjalani penilaian ulang yang berarti, misalnya yang luhur digantikan oleh yang menakjubkan, yang jelek telah menerima statusnya sebagai kategori estetika bersama dengan yang indah, dll. Apa yang secara tradisional dianggap non-estetika menjadi estetis atau didefinisikan secara estetis. Ini juga menentukan dua garis perkembangan budaya modern: satu garis ditujukan untuk melanjutkan estetika tradisional (estetika kehidupan sehari-hari dianggap sebagai manifestasi ekstremnya, oleh karena itu, misalnya, hiperrealisme, seni pop, dll.) , surealisme, seni konsep ).

Tempat khusus dalam estetika modern diberikan kepada tradisi pelanggaran, yang “keluar dari norma estetika dan artistik”, yaitu. kreativitas marjinal atau naif, yang seringkali memperoleh status estetika setelah sekian lama (sejarah budaya penuh dengan contoh kreativitas seniman, musisi, dan penulis semacam itu).

Variasi teori estetika dan konsep ilmu estetika modern membuktikan perkembangan pemikiran estetika yang baru secara kualitatif dibandingkan dengan periode klasik. Penggunaan pengalaman banyak humaniora dalam estetika modern membuktikan prospek besar ilmu ini.

Ludmila Tsarkova

LITERATUR Sejarah pemikiran estetika, tt. 15. M., 19851990
Losev A.F. Membentuk. Gaya. Ekspresi. M., 1995
Bransky V.P. Seni dan filsafat. Kaliningrad, 1999
Bychkov V.V. 2000 tahun budaya Kristen estetika subspesies . Tt. 12. M.SPb, 1999
Gilbert K.E., Kuhn G. Sejarah estetika. Petersburg, 2000
Gulyga A.V. Estetika dalam terang aksikologi. Petersburg, 2000
Croce B. Estetika sebagai ilmu ekspresi dan sebagai linguistik umum. M., 2000
Mankovskaya N. Estetika postmodernisme. Petersburg, 2000
Adorno T. teori estetika. M., 2001
Krivtsun O.A. Estetika. M., 2001
Yakovlev MISALNYA. Estetika. M., 2001
Borev Yu.B. Estetika. M., 2002

Perkembangan ilmu estetika di negara-negara Eropa Barat dan Amerika Serikat pada paruh pertama abad kita mengungkapkan periode kontradiktif ini dalam banyak konsep dan teorinya, terutama yang bersifat non-realistis, yang banyak di antaranya disebut "modernisme". didirikan.

Modernisme (dari bahasa Prancis modern - terbaru, modern) adalah simbol umum tren seni abad ke-20, yang ditandai dengan penolakan terhadap metode tradisional representasi artistik dunia.

Modernisme sebagai sistem artistik disiapkan oleh dua proses perkembangannya: dekadensi (yaitu pelarian, penolakan terhadap kehidupan nyata, kultus keindahan sebagai satu-satunya nilai, penolakan terhadap masalah sosial) dan avant-garde (yang manifestonya menyerukan untuk dipatahkan). dengan warisan masa lalu dan menciptakan sesuatu yang baru, bertentangan dengan latar artistik tradisional).

Semua tren dan arus utama modernisme - kubisme, ekspresionisme, futurisme, konstruktivisme, imajinisme, surealisme, abstraksionisme, seni pop, hiperrealisme, dll., ditolak atau sepenuhnya mengubah seluruh sistem sarana dan teknik artistik. Secara khusus, dalam berbagai jenis seni, hal ini diungkapkan: dalam perubahan citra spasial dan penolakan pola artistik dan figuratif dalam seni rupa; dalam revisi organisasi melodi, ritmis dan harmonik dalam musik; dalam munculnya "aliran kesadaran", monolog internal, montase asosiatif dalam sastra, dll. Gagasan kesukarelaan irasional dari A. Schopenhauer dan F. Nietzsche, doktrin intuisi oleh A. Bergson dan N. Lossky, psikoanalisis 3 memiliki pengaruh besar pada praktik modernisme Freud dan C. G. Jung, eksistensialisme M. Heidegger, J.-P. Sartre dan A. Camus, teori filsafat sosial dari Sekolah Frankfurt T. Adorno dan G. Marcuse.

Suasana emosional secara umum dari karya-karya seniman modernis dapat diungkapkan dalam ungkapan berikut: kekacauan kehidupan modern, disintegrasinya berkontribusi pada kekacauan dan kesepian seseorang, konfliknya tidak dapat diselesaikan dan tanpa harapan, dan keadaan di mana dia berada. ditempatkan tidak dapat diatasi.

Setelah Perang Dunia Kedua, sebagian besar tren modernis dalam seni kehilangan posisi avant-garde sebelumnya. Di Eropa dan Amerika pascaperang, budaya "massa" dan "elit" mulai aktif memanifestasikan dirinya, dengan berbagai tren dan arah estetika yang sesuai dengannya, dan sekolah estetika yang bersifat non-Marxis juga menyatakan diri. Secara umum, tahap pascaperang dalam perkembangan estetika asing dapat diartikan sebagai pascamodern.

Postmodernisme adalah sebuah konsep yang menunjukkan tahap super baru, yang terakhir hingga saat ini, dalam rantai tren budaya yang secara alami saling mengubah selama perjalanan sejarah. Postmodernisme sebagai paradigma budaya modern adalah arah umum pembangunan budaya Eropa terbentuk pada tahun 70-an. abad ke-20

Munculnya tren postmodern dalam budaya dikaitkan dengan kesadaran akan keterbatasan kemajuan sosial dan ketakutan masyarakat bahwa akibatnya mengancam kehancuran ruang dan waktu budaya itu sendiri. Postmodernisme, seolah-olah, harus menetapkan batas-batas campur tangan manusia dalam perkembangan alam, masyarakat, dan budaya. Oleh karena itu, postmodernisme dicirikan oleh pencarian bahasa artistik universal, konvergensi dan penggabungan berbagai gerakan artistik, terlebih lagi gaya “anarkisme”, keragamannya yang tak ada habisnya, eklektisisme, kolase, ranah montase subyektif.

ciri ciri postmodernisme adalah:

Orientasi budaya postmodern dan "massa" dan "elit" masyarakat;

Pengaruh seni yang signifikan pada bidang non-seni aktivitas manusia (pada politik, agama, ilmu komputer, dll.);

Gaya pluralisme;

Kutipan luas dalam kreasi karya seni era sebelumnya;

Ironi atas tradisi artistik budaya masa lalu;

Menggunakan teknik permainan saat membuat karya seni.

Dalam kreasi artistik postmodern, ada reorientasi sadar dari kreativitas ke kompilasi dan kutipan. Bagi postmodernisme, kreativitas tidak sama dengan kreasi. Jika sistem "seniman - karya seni" bekerja dalam budaya pra-postmodern, maka dalam postmodernisme penekanannya dialihkan ke hubungan "karya seni - penonton", yang menunjukkan perubahan mendasar dalam kesadaran diri seniman. Ia berhenti menjadi "pencipta", karena makna karya lahir langsung dari tindakan persepsinya. Karya seni postmodern harus dilihat, dipamerkan, tidak bisa eksis tanpa penonton. Dapat dikatakan bahwa dalam postmodernisme terjadi peralihan dari “karya seni” menjadi “konstruksi artistik”.

Postmodernisme sebagai teori mendapat pembenaran yang signifikan dalam karya J. Baudrillard "The System of Things" (1969), J. F. Lyotard "Postmodern Knowledge" (1979) dan "Dispute" (1984), P. Sloterdijk "Magic Tree" (1985 ) dan lainnya

Pada bagian ini, hanya tren estetika terpenting dan aliran orientasi non-Marxis, serta masalah utama ilmu estetika abad ke-20, yang akan dianalisis.