Shakespeare ha creato le sue opere durante il periodo. Chi ha scritto per Shakespeare? Carriera teatrale a Londra
William Shakespeare - il grande drammaturgo e poeta inglese del Rinascimento, che ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo di tutta l'arte teatrale. Le sue opere ancora oggi non lasciano i palcoscenici di tutto il mondo.
William Shakespeare nacque il 23 aprile 1564 nella piccola città di Stratford-upon-Avon. Suo padre, John Shakespeare, era un fabbricante di guanti e fu eletto sindaco della città nel 1568. Sua madre, Mary Shakespeare della famiglia Arden, era una delle più anziane Cognomi inglesi. Si ritiene che Shakespeare abbia studiato alla "scuola di grammatica" di Stratford, dove ha studiato la lingua latina, le basi del greco e ha ricevuto la conoscenza dell'antica mitologia, storia e letteratura, riflessa nel suo lavoro. All'età di 18 anni, Shakespeare sposò Anne Hathaway, dalla quale nacquero una figlia, Susanna, e due gemelli, Hamnet e Judith. Il periodo dal 1579 al 1588 è solitamente chiamato "anni perduti", poiché non ci sono informazioni esatte su ciò che Shakespeare fece. Intorno al 1587, Shakespeare lasciò la sua famiglia e si trasferì a Londra, dove intraprese attività teatrali.
Troviamo la prima menzione di Shakespeare come scrittore nel 1592 nell'opuscolo morente del drammaturgo Robert Greene "Per un penny di una mente comprata per un milione di rimorsi", dove Greene parlava di lui come di un pericoloso concorrente ("nuovo arrivato", " corvo che ostenta tra le nostre piume). Nel 1594, Shakespeare fu elencato come uno degli azionisti della troupe di Lord Chamberlain's Men di Richard Burbage, e nel 1599 Shakespeare divenne uno dei comproprietari del nuovo Globe Theatre. seconda casa più grande di Stratford, riceve il diritto allo stemma di famiglia e al titolo nobiliare di Lord gentiluomo. Per molti anni Shakespeare si dedicò all'usura e nel 1605 divenne un agricoltore della decima della chiesa. ritorna nella sua nativa Stratford Il 25 marzo 1616 un notaio redige un testamento e il 23 aprile 1616, giorno del suo compleanno, Shakespeare muore.
La scarsità di informazioni biografiche e molti fatti inspiegabili hanno dato origine a un numero piuttosto elevato di persone nominate per il ruolo dell'autore delle opere di Shakespeare. Fino ad ora, ci sono molte ipotesi (avanzate per la prima volta alla fine del XVIII secolo) che le opere di Shakespeare siano state scritte da una persona completamente diversa. Per più di due secoli dall'esistenza di queste versioni, sono stati proposti vari candidati per il "ruolo" dell'autore di queste opere teatrali: da Francis Bacon e Christopher Marlo al pirata Francis Drake e alla regina Elisabetta. C'erano versioni che un'intera squadra di autori nascondeva sotto il nome di Shakespeare. Al momento, ci sono già 77 candidati alla paternità. Tuttavia, chiunque sia - e in numerose controversie sulla personalità del grande drammaturgo e poeta, il punto non verrà messo presto, forse mai - le creazioni del genio del Rinascimento ancora oggi ispirano registi e attori di tutto il mondo.
Totale modo creativo Shakespeare: il periodo dal 1590 al 1612 è solitamente diviso in quattro periodi.
Il primo periodo cade approssimativamente negli anni 1590-1594.
Di strumenti letterari può essere definito un periodo di imitazione: Shakespeare è ancora completamente in balia dei suoi predecessori. Per umore, i sostenitori di un approccio biografico allo studio dell'opera di Shakespeare hanno definito questo periodo come un periodo di fede idealistica nei migliori aspetti della vita: "Il giovane Shakespeare punisce con entusiasmo il vizio nelle sue tragedie storiche e canta con entusiasmo sentimenti alti e poetici - amicizia, abnegazione e soprattutto amore" ( Vengerov).
Nella tragedia "Titus Andronicus" Shakespeare ha pienamente reso omaggio alla tradizione dei drammaturghi contemporanei di mantenere l'attenzione del pubblico forzando passioni, crudeltà e naturalismo. Gli orrori comici di "Titus Andronicus" sono un riflesso diretto e immediato degli orrori delle commedie di Kid e Marlowe.
Probabilmente le prime commedie di Shakespeare furono le tre parti di Enrico VI. Le cronache di Holinshed sono servite come fonte per questa e le successive cronache storiche. Il tema che accomuna tutte le cronache shakespeariane è il mutamento in una serie di governanti deboli e incapaci che portarono il Paese alla guerra civile e guerra civile e il ripristino dell'ordine con l'adesione della dinastia Tudor. Come Marlowe in Edoardo II, Shakespeare non solo descrive eventi storici, ma esplora i motivi dietro le azioni dei personaggi.
"Comedy of Errors" - prima commedia "studentesca", sitcom. Secondo l'usanza dell'epoca, una rielaborazione dell'opera di un moderno autore inglese, la cui fonte era la versione italiana della commedia di Plauto Menechma, che descrive le avventure dei fratelli gemelli. L'azione si svolge a Efeso, che ha poche somiglianze con un'antica città greca: l'autore trasferisce i segni dell'Inghilterra contemporanea in un'ambientazione antica. Shakespeare aggiunge una trama a doppio servitore, confondendo così ancora di più l'azione. È caratteristico che già in quest'opera ci sia un misto di comico e tragico, che è usuale per Shakespeare: il vecchio Egeon, che ha inconsapevolmente violato la legge di Efeso, è minacciato di esecuzione, e solo attraverso una catena di incredibili coincidenze , errori ridicoli, nel finale arriva la salvezza. Interrompere una trama tragica con una scena comica, anche nelle opere più oscure di Shakespeare, è un richiamo, radicato nella tradizione medievale, alla vicinanza della morte e, allo stesso tempo, al flusso incessante della vita e al suo costante rinnovamento.
La commedia "The Taming of the Shrew", creata nelle tradizioni della commedia farsesca, si basa su ruvide tecniche comiche. Questa è una variazione della trama, popolare nei teatri londinesi nel 1590, sulla pacificazione di una moglie da parte del marito. In un emozionante duello convergono due personalità straordinarie e la donna è sconfitta. L'autore proclama l'inviolabilità dell'ordine costituito, dove il capofamiglia è un uomo.
Nelle commedie successive, Shakespeare si allontana dai dispositivi comici esterni. Pene d'amor perdute è una commedia ispirata alle commedie di Lily, che scrisse per rappresentazioni nel teatro delle maschere alla corte reale e nelle case aristocratiche. Con una trama abbastanza semplice, l'opera è un torneo continuo, una competizione di personaggi in dialoghi spiritosi, giochi verbali complessi, composizione di poesie e sonetti (a questo punto Shakespeare padroneggiava già una forma poetica difficile). La lingua di "Love's Labour's Lost" - pretenziosa, fiorita, il cosiddetto euphuism - è la lingua dell'élite aristocratica inglese di quel tempo, che divenne popolare dopo la pubblicazione del romanzo di Lily "Euphues or the Anatomy of Wit".
Secondo periodo (1594-1601)
Intorno al 1595, Shakespeare crea una delle sue tragedie più popolari, Romeo e Giulietta, una storia evolutiva personalità umana nella lotta con le circostanze esterne per il diritto all'amore libero. La trama, nota dai racconti italiani (Masuccio, Bandello), fu posta da Arthur Brooke alla base del poema omonimo (1562). Probabilmente, il lavoro di Brooke è servito come fonte per Shakespeare. Ha esaltato il lirismo e il dramma dell'azione, ha ripensato e arricchito i personaggi dei personaggi, ha creato monologhi poetici che rivelano le esperienze interiori dei personaggi principali, trasformando così un'opera ordinaria in una poesia d'amore rinascimentale. Questa è una tragedia di tipo speciale, lirica, ottimista, nonostante la morte dei personaggi principali nel finale. I loro nomi sono diventati un nome comune per la più alta poesia della passione.
Intorno al 1596 risale un'altra delle opere più famose di Shakespeare, Il mercante di Venezia. Shylock, proprio come un altro famoso ebreo del dramma elisabettiano - Barabba ("Ebreo di Malta" di Marlo), desidera vendetta. Ma, a differenza di Barabba, Shylock, che rimane un personaggio negativo, è molto più difficile. Da un lato si tratta di un usuraio avido, astuto, persino crudele, dall'altro una persona offesa la cui offesa provoca simpatia. Il famoso monologo di Shylock sull'identità di un ebreo e di qualsiasi altra persona, "Un ebreo non ha occhi? .." (atto III, scena 1) è riconosciuto da alcuni critici come il miglior discorso in difesa dell'uguaglianza degli ebrei in tutta la letteratura. Lo spettacolo contrappone il potere del denaro su una persona e il culto dell'amicizia, parte integrante dell'armonia della vita.
Nonostante il "problema" dell'opera e il dramma della trama di Antonio e Shylock, nella sua atmosfera, "Il mercante di Venezia" è vicino a commedie fiabesche come "Sogno di una notte di mezza estate" (1596). La commedia magica fu probabilmente scritta per i festeggiamenti in occasione delle nozze di uno dei nobili elisabettiani. Per la prima volta in letteratura, Shakespeare dota creature fantastiche di debolezze e contraddizioni umane, creando personaggi. Come sempre, sovrappone scene drammatiche a scene comiche: artigiani ateniesi, molto simili agli operai inglesi, preparano diligentemente e maldestramente per le nozze di Teseo e Ippolita la commedia “Piramo e Tisbe”, che è una storia d'amore infelice, raccontata in un forma parodica. I ricercatori sono rimasti sorpresi dalla scelta della trama per la commedia "matrimoniale": la sua trama esterna - incomprensioni tra due coppie di innamorati, risolte solo grazie alla buona volontà di Oberon e alla magia, una presa in giro dei capricci femminili (l'improvvisa passione di Titania per la Fondazione ) - esprime una visione estremamente scettica dell'amore. Tuttavia, questa "una delle opere più poetiche" ha una connotazione seria: l'esaltazione di un sentimento sincero, che ha una base morale.
S. A. Vengerov ha visto il passaggio al secondo periodo “in assenza di quella poesia della giovinezza, così caratteristica del primo periodo. Gli eroi sono ancora giovani, ma hanno già vissuto una vita decente e la cosa principale per loro nella vita è il piacere. La porzione è piccante, vivace, ma già i teneri vezzi delle ragazze dei Due Veroniani, e ancor di più Giulietta, non ci sono affatto.
Allo stesso tempo, Shakespeare crea un tipo immortale e molto interessante, che fino ad ora non aveva analoghi nella letteratura mondiale: Sir John Falstaff. Il successo di entrambe le parti di "Enrico IV" non è da meno e il merito di questo è il più sorprendente attore cronaca, che divenne subito popolare. Il personaggio è indubbiamente negativo, ma con un carattere complesso. Un materialista, un egoista, un uomo senza ideali: l'onore non è niente per lui, uno scettico attento e perspicace. Nega onori, potere e ricchezza: ha bisogno del denaro solo come mezzo per procurarsi cibo, vino e donne. Ma l'essenza del fumetto, la grana dell'immagine di Falstaff non è solo la sua arguzia, ma anche un'allegra risata di se stesso e del mondo che lo circonda. La sua forza è nella conoscenza della natura umana, tutto ciò che lega una persona gli fa schifo, è la personificazione della libertà dello spirito e della spregiudicatezza. Un uomo dell'era che passa, non è necessario dove lo stato è potente. Rendendosi conto che un personaggio del genere è fuori posto in un dramma su un sovrano ideale, Shakespeare lo rimuove in Enrico V: il pubblico viene semplicemente informato della morte di Falstaff. Secondo la tradizione, si ritiene che su richiesta della regina Elisabetta, che voleva rivedere Falstaff sul palco, Shakespeare lo abbia resuscitato ne Le allegre comari di Windsor. Ma questa è solo una pallida copia dell'ex Falstaff. Ha perso la conoscenza del mondo che lo circonda, non c'è più sana ironia, risate di se stesso. Rimase solo un mascalzone soddisfatto di sé.
Molto più riuscito è il tentativo di tornare nuovamente al tipo Falstaff nell'ultima commedia del secondo periodo, La dodicesima notte. Qui, nella persona di Sir Toby e del suo entourage, abbiamo, per così dire, una seconda edizione di Sir John, anche se senza il suo spirito brillante, ma con la stessa contagiosa bonaria cavalleria. Anche la rude presa in giro delle donne in La bisbetica domata si inserisce perfettamente nel quadro del periodo "Falstaffiano", per la maggior parte.
Terzo periodo (1600-1609)
Il terzo periodo della sua attività artistica, che copre approssimativamente gli anni 1600-1609, è chiamato dai sostenitori dell'approccio biografico soggettivista all'opera di Shakespeare il periodo della "profonda oscurità spirituale", considerando l'apparizione del malinconico personaggio Jacques nella commedia " As You Like It" come segno di una visione del mondo cambiata, e chiamandolo quasi non un precursore di Amleto. Tuttavia, alcuni ricercatori ritengono che Shakespeare nell'immagine di Jacques ridicolizzasse solo la malinconia, e il periodo di presunte delusioni della vita (secondo i sostenitori del metodo biografico) non è effettivamente confermato dai fatti della biografia di Shakespeare. Il tempo della creazione da parte del drammaturgo più grandi tragedie coincide con il fiorire delle sue forze creatrici, la soluzione delle difficoltà materiali e la realizzazione posizione elevata nella società.
Intorno al 1600, Shakespeare crea Amleto, secondo molti critici, la sua opera più profonda. Shakespeare ha mantenuto la trama della famosa tragedia della vendetta, ma ha spostato tutta la sua attenzione sulla discordia spirituale, il dramma interiore del protagonista. Un nuovo tipo di eroe è stato introdotto nel tradizionale dramma della vendetta. Shakespeare era in anticipo sui tempi: Amleto non è il solito eroe tragico, che si vendica per amore della giustizia divina. Giunto alla conclusione che è impossibile ristabilire l'armonia con un colpo solo, sperimenta la tragedia dell'alienazione dal mondo e si condanna alla solitudine. Secondo la definizione di L. E. Pinsky, Amleto è il primo eroe "riflessivo" della letteratura mondiale.
Gli eroi delle "grandi tragedie" di Shakespeare sono persone eccezionali in cui si mescolano il bene e il male. Di fronte alla disarmonia del mondo che li circonda, fanno una scelta difficile: come esistere in esso, creano il proprio destino e ne assumono la piena responsabilità.
Allo stesso tempo, Shakespeare crea il dramma Misura per misura. Nonostante il fatto che nel First Folio del 1623 sia classificato come una commedia, non c'è quasi nessun fumetto in quest'opera seria su un giudice ingiusto. Il suo nome si riferisce all'insegnamento di Cristo sulla misericordia, nel corso dell'azione uno degli eroi è in pericolo mortale e il finale può essere considerato condizionatamente felice. Quest'opera problematica non rientra in un certo genere, ma esiste sull'orlo dei generi: tornando alla morale, è orientata verso la tragicommedia.
La vera misantropia emerge solo in "Timon of Athens" - la storia di un generoso e buon uomo, rovinato da coloro che ha aiutato ed è diventato un misantropo. La commedia lascia un'impressione dolorosa, nonostante il fatto che l'ingrata Atene dopo la morte di Timon subisca una punizione. Secondo i ricercatori, Shakespeare ha subito un fallimento: l'opera è scritta in un linguaggio irregolare e, insieme ai suoi vantaggi, presenta svantaggi ancora maggiori. Non è escluso che ci abbia lavorato più di uno Shakespeare. Il personaggio di Timon stesso ha fallito, a volte dà l'impressione di una caricatura, altri personaggi sono semplicemente pallidi. Antonio e Cleopatra possono essere considerati una transizione verso una nuova striscia di creatività shakespeariana. In "Antonio e Cleopatra" il talentuoso, ma privo di qualsiasi fondamento morale, predatore di "Giulio Cesare" è circondato da un alone veramente poetico, e la mezza traditrice Cleopatra espia in gran parte i suoi peccati con una morte eroica.
Quarto periodo (1609-1612)
Il quarto periodo, ad eccezione della commedia "Enrico VIII" (la maggior parte dei ricercatori concorda sul fatto che sia stata quasi interamente scritta da John Fletcher), abbraccia solo tre o quattro anni e quattro commedie - i cosiddetti "drammi romantici" o tragicommedie. Nelle commedie dell'ultimo periodo, dure prove sottolineano la gioia della liberazione dai disastri. La calunnia è catturata, l'innocenza è giustificata, la lealtà è premiata, la follia della gelosia non ha conseguenze tragiche, gli amanti sono uniti in un matrimonio felice. L'ottimismo di queste opere è percepito dalla critica come un segno di riconciliazione del loro autore. "Pericle", un'opera teatrale significativamente diversa da tutto ciò che è stato scritto in precedenza, segna l'emergere di nuove opere. L'ingenuità che rasenta la primitività, l'assenza di personaggi e problemi complessi, un ritorno alla costruzione dell'azione caratteristica del dramma del primo Rinascimento inglese - tutto indica che Shakespeare era alla ricerca di una nuova forma. "The Winter's Tale" è una bizzarra fantasia, una storia "su dove tutto è possibile. La storia di un uomo geloso che soccombe al male, soffre di angoscia mentale e merita il perdono con il suo pentimento. Alla fine, il bene vince il male, secondo alcuni ricercatori, affermando la fede negli ideali umanistici, secondo altri, il trionfo della morale cristiana. La Tempesta è la più riuscita delle ultime commedie e, in un certo senso, il finale dell'opera di Shakespeare. Invece della lotta, qui regna lo spirito di umanità e di perdono. Le ragazze poetiche create ora - Marina da "Pericle", Loss da "The Winter's Tale", Miranda da "The Tempest" - queste sono immagini di figlie belle nella loro virtù. I ricercatori tendono a vedere nella scena finale de La tempesta, dove Prospero rinuncia alla sua magia e si ritira, l'addio di Shakespeare al mondo del teatro.
La partenza di Shakespeare
Intorno al 1610 Shakespeare lasciò Londra e tornò a Stratford-upon-Avon. Fino al 1612 non perse il contatto con il teatro: nel 1611 fu scritto il Racconto d'inverno, nel 1612 l'ultima opera drammatica, La tempesta. Gli ultimi anni della sua vita si allontanò dall'attività letteraria e visse tranquillamente e impercettibilmente con la sua famiglia. Ciò era probabilmente dovuto a una grave malattia - questo è indicato dal testamento sopravvissuto di Shakespeare, redatto chiaramente in fretta il 15 marzo 1616 e firmato con una grafia modificata. Il 23 aprile 1616 a Stratford-upon-Avon morì il drammaturgo più famoso di tutti i tempi e di tutti i popoli.
Sono state conservate dozzine di documenti storici sulla vita e l'opera di William Shakespeare. Era ben noto ai suoi contemporanei come poeta e drammaturgo, i cui scritti furono ripetutamente pubblicati e citati in versi e in prosa. Circostanze della sua nascita, educazione, stile di vita La stragrande maggioranza dei drammaturghi proveniva da famiglie artigiane (Shakespeare - figlio di un guantaio, Marlowe - figlio di un calzolaio, Ben Jonson - figlio di un muratore, ecc.). Dai figli degli artigiani in Inghilterra, le compagnie di recitazione furono rifornite già nel XV secolo (forse ciò è dovuto alla tradizione medievale di mettere in scena i misteri, a cui prendevano parte le corporazioni artigiane). Generalmente professione teatrale assunse origini non aristocratiche. Allo stesso tempo, il livello di istruzione di Shakespeare era sufficiente per questa occupazione. Ha frequentato la solita scuola di grammatica (un tipo di scuola inglese dove si insegnavano lingue e letterature antiche), ma ha dato tutto per la professione di drammaturgo.- tutto corrispondeva all'epoca in cui la professione di drammaturgo era ancora considerata bassa, ma i teatri portavano già ai loro proprietari un reddito considerevole. Infine, Shakespeare è stato sia attore che drammaturgo e azionista di una compagnia teatrale, ha trascorso quasi vent'anni a provare e recitare sul palco. Nonostante tutto ciò, si discute ancora se William Shakespeare sia stato l'autore delle commedie, dei sonetti e delle poesie pubblicate sotto il suo nome. I dubbi sono sorti per la prima volta a metà del XIX secolo. Da allora sono apparse molte ipotesi che attribuiscono la paternità delle opere di Shakespeare a qualcun altro.
I nomi di Bacon, Oxford, Rutland, Derby e Marlowe, ovviamente, non si limitano all'elenco dei potenziali candidati di Shakespeare. Ce ne sono diverse dozzine in totale, comprese quelle esotiche come la regina Elisabetta, il suo successore re Giacomo I Stuart, l'autore di Robinson Crusoe Daniel Defoe o il poeta romantico inglese George Gordon Byron. Ma, in sostanza, non importa chi esattamente questi o quei "ricercatori" considerino il vero Shakespeare. È più importante capire perché a Shakespeare viene ripetutamente negato il diritto di essere chiamato l'autore delle sue opere.
Il punto non è che nulla si sa per certo della vita di Shakespeare. Al contrario, dopo 200 anni di ricerca su Shakespeare, è stata raccolta una quantità incredibile di prove e non c'è motivo di dubitare della paternità delle sue opere: non ci sono assolutamente basi storiche per questo.
Per il dubbio, tuttavia, ci sono motivi di natura emotiva. Siamo gli eredi della svolta romantica avvenuta in cultura europea all'inizio dell'Ottocento, quando sorsero nuove idee sull'opera e sulla figura del poeta, sconosciute ai secoli precedenti (non a caso i primi dubbi su Shakespeare sorsero proprio negli anni Quaranta dell'Ottocento). Nella sua forma più generale, questa nuova idea può essere ridotta a due caratteristiche correlate. Primo: il poeta è un genio in tutto, compreso vita ordinaria, e l'esistenza del poeta è inseparabile dalla sua opera; differisce nettamente dall'abitante medio, la sua vita è come una cometa luminosa che vola veloce e si spegne altrettanto velocemente; a prima vista è impossibile confonderlo con una persona di indole non poetica. E secondo: qualunque cosa scriva questo poeta, parlerà sempre di se stesso, dell'unicità della sua esistenza; ogni sua opera sarà una confessione, ogni verso rifletterà tutta la sua vita, il corpus dei suoi testi è la sua biografia poetica.
Shakespeare non rientra in tale nozione. In questo è simile ai suoi contemporanei, ma solo lui è caduto per diventare, parafrasando Erasmo, drammaturgo per sempre. Non pretendiamo che Racine, Moliere, Calderon o Lope de Vega vivano secondo le leggi dell'arte romantica: sentiamo che c'è una barriera tra noi e loro. L'opera di Shakespeare è in grado di superare questa barriera. Di conseguenza, con Shakespeare, la richiesta è speciale: agli occhi di molti, deve corrispondere alle norme (o meglio, ai miti) del nostro tempo.
Tuttavia, esiste una cura affidabile per questa delusione: la conoscenza storica scientifica, un approccio critico alle idee convenzionali del secolo. Shakespeare non è né peggiore né migliore del suo tempo, e non è né peggiore né migliore di altre epoche storiche: non hanno bisogno di essere abbellite o alterate, devono essere provate per essere comprese.
Arzamas offre sei delle versioni più longeve di chi avrebbe potuto scrivere per Shakespeare.
Versione #1
Francis Bacon (1561-1626), filosofo, scrittore, statista
Francesco Bacone. Incisione di William Marshall. Inghilterra, 1640
Delia Bacone. 1853 Wikimedia Commons
Figlia di un colono in bancarotta stato americano Connecticut Delia Bacon (1811-1859) non fu la prima a tentare di attribuire gli scritti di Shakespeare a Francis Bacon, ma fu lei a presentare la versione al grande pubblico. La sua fede in propria scoperta era così contagioso scrittori famosi, a cui si è rivolta per chiedere aiuto - gli americani Ralph Waldo Emerson, Nathaniel Hawthorne e il britannico Thomas Carlisle - non ha potuto rifiutarla. Grazie al loro sostegno, Delia Bacon venne in Inghilterra e nel 1857 pubblicò The Real Philosophy of Shakespeare's Plays di 675 pagine. Questo libro diceva che William Shakespeare era solo un attore analfabeta e un avido uomo d'affari, e opere teatrali e poesie sotto il suo nome erano composte da un gruppo di "pensatori e poeti di alto rango" guidati da Bacon - presumibilmente in questo modo l'autore del " New Organon" si aspettava di aggirare le restrizioni della censura, che gli impedivano di esprimere apertamente la sua filosofia innovativa (che le opere teatrali fossero censurate anche nell'Inghilterra elisabettiana, Delia a quanto pare non ne sapeva nulla).
Tuttavia, l'autore di Genuine Philosophy non ha fornito alcuna prova a favore della sua ipotesi: le prove, secondo Delia, giacevano nella tomba di Francis Bacon o nella tomba di Shakespeare. Da allora, molti anti-shakespeariani lo credono vero autore ordinò di seppellire con lui i manoscritti delle commedie "shakespeariane" e, se verranno trovati, la questione sarà risolta una volta per tutte Un tempo, ciò portò a un vero e proprio assedio di tombe storiche in tutta l'Inghilterra. Delia fu la prima a chiedere il permesso di aprire la tomba di Bacon a St. Albany, ma senza successo..
Le idee di Delia hanno trovato molti seguaci. Come prova, hanno presentato piccoli parallelismi letterari tra le opere di Bacon e Shakespeare, che possono essere pienamente spiegati dall'unità della cultura scritta di quel tempo, nonché dal fatto che l'autore delle opere di Shakespeare aveva un gusto per la filosofia ed era a conoscenza della vita di un certo numero di case reali europee. Ad esempio, questa è la corte della Navarra rappresentata nella commedia Pene d'amor perdute..
I tentativi di svelare il "cifrario Bacon" possono essere considerati uno sviluppo significativo dell'ipotesi originale. Il fatto è che Francis Bacon ha lavorato per migliorare i metodi della steganografia: la crittografia, che, a chi non lo sapesse, sembra un messaggio a tutti gli effetti con un proprio significato. In particolare, ha proposto un metodo per crittografare le lettere dell'alfabeto inglese, che ricorda il moderno codice binario.. I Baconiani sono sicuri che il loro eroe abbia scritto opere teatrali sotto le spoglie di Shakespeare per niente per il successo del pubblico: Romeo e Giulietta, Amleto e Re Lear, La dodicesima notte e La tempesta sono servite da copertura per alcune conoscenze segrete.
Versione #2
Edward de Vere (1550-1604), 17° conte di Oxford, cortigiano, poeta, drammaturgo, mecenate delle arti e delle scienze
Edward de Ver. Copia di un ritratto perduto del 1575. Artista sconosciuto. Inghilterra, XVII secolo National Portrait Gallery, Londra Un semplice insegnante di inglese che si definiva un discendente dei Conti di Derby, Thomas Loney (1870-1944) non credeva che il "Mercante di Venezia" Questa commedia Lowney ha letto con gli studenti della classe di anno in anno. potrebbe essere stato scritto da un uomo di origini ignobili che non era mai stato in Italia. Dubitando della paternità della commedia su Shylock, Lawney raccolse un'antologia di poesia elisabettiana e scoprì che il poema di Shakespeare "Venus and Adonis" (1593) era scritto nella stessa strofa e nello stesso metro del poema di Edward de Vere "Women's Variation" ( 1587). De Vere, il 17 ° conte di Oxford, poteva vantare l'antichità della sua famiglia e una buona conoscenza dell'Italia, era noto ai suoi contemporanei non solo come poeta, ma anche come autore di commedie (non conservate).
Lowney non nascondeva il carattere dilettantistico della sua ricerca e ne era addirittura orgoglioso: “Probabilmente, il problema non è ancora risolto proprio perché”, ha scritto nella prefazione a Shakespeare Identified, “perché gli scienziati ci hanno lavorato fino ad ora. " Più tardi oxfordiani Cioè, i seguaci della versione di Lowney. Prende il nome da Edward de Vere, conte di Oxford. decisero di ricorrere all'aiuto di avvocati: nel 1987 e nel 1988, alla presenza rispettivamente dei giudici della Corte Suprema degli Stati Uniti e del London Middle Temple, i seguaci dell'ipotesi di Lowney entrarono in aperta disputa con gli studiosi di Shakespeare (a Londra, essi furono contrastati, in particolare, dal più rispettato specialista vivente di Shakespeare, il professor Stanley Wells). Sfortunatamente per gli organizzatori, entrambe le volte i giudici hanno assegnato la vittoria agli scienziati. D'altra parte, gli oxfordiani riuscirono a respingere i baconiniani - oggi la versione oxfordiana dell'antishakespeariano è la più popolare.
Tra i seguaci più famosi di Lowey c'era lo psichiatra Sigmund Freud, che in gioventù si avvicinò al baconianismo e nel 1923, dopo aver conosciuto Shakespeare Identified, si convertì all'oxfordianesimo. Così, negli anni '30, Freud iniziò a sviluppare parallelismi tra il destino del re Lear e la biografia del conte di Oxford: entrambi avevano tre figlie, e se al conte inglese non importava affatto della sua, allora il leggendario re britannico , al contrario, ha dato tutto alle sue figlie, quello che aveva. Fuggito dai nazisti a Londra nel 1938, Freud scrisse a Loney una lettera calorosa e lo definì l'autore di un "libro meraviglioso", e poco prima della sua morte, sulla base del fatto che Oxford aveva perso il suo amato padre durante l'infanzia e presumibilmente odiava il suo madre per il suo prossimo matrimonio, lo attribuì al complesso di Edipo di Amleto.
Versione #3
Roger Manners (1576-1612), 5° conte di Rutland, cortigiano, mecenate delle arti
Roger Manners, V conte di Rutland. Ritratto di Geremia van der Eyden. Circa 1675 Belvoir Castle/Bridgeman Images/Fotodom Celestin Damblon (1859-1924), politico socialista belga, docente di letteratura francese e scrittore simbolista, si interessò alla questione shakespeariana dopo aver appreso di un documento trovato in uno degli archivi di famiglia nel 1908. Ne seguì che nel 1613 il maggiordomo di Francis Manners, 6° conte di Rutland, pagò una grossa somma a "Mr. Shakespeare" e al suo collega attore Richard Burbage, che inventò e dipinse uno spiritoso emblema sullo scudo del conte in modo che Manners apparisse adeguatamente in un torneo di giostre. . Questa scoperta allertò Dumblon: notò che il fratello maggiore di Francis, Roger Manners, 5° conte di Rutland, morì nel 1612, quasi nello stesso periodo in cui Shakespeare smise di scrivere per il teatro. Inoltre, Roger Manners era in rapporti amichevoli con il conte di Southampton (l'aristocratico a cui Shakespeare dedicò due delle sue poesie e che è considerato il principale destinatario dei sonetti di Shakespeare), nonché con il conte di Essex, la cui caduta nel 1601 indirettamente influenzato gli attori del Globe Theatre. Nel febbraio 1601, l'Essex tentò di iniziare una ribellione contro la regina. Il giorno prima, i sostenitori del conte hanno convinto gli attori a mettere in scena la vecchia cronaca di Shakespeare "Riccardo II", che trattava del rovesciamento del monarca. La rivolta fallì, Essex fu giustiziato (il suo accusatore era Francis Bacon). Southampton è andato in prigione per molto tempo. Gli attori del Globe sono stati chiamati per spiegazioni, ma questo non ha avuto conseguenze per loro.. Manners viaggiò nei paesi che fecero da scenario a molte delle opere di Shakespeare (Francia, Italia, Danimarca) e studiò persino a Padova con due danesi, Rosencrantz e Guildenstern (cognomi danesi comuni dell'epoca). Nel 1913 Demblont riassunse queste e altre considerazioni in un libro scritto in francese, Lord Rutland is Shakespeare.
Copertina del libro "Il gioco di William Shakespeare, o il mistero della grande fenice" Casa Editrice "Relazioni Internazionali" La versione di Dumblon ha seguaci anche in Russia: per esempio, Ilya Gililov Ilya Gililov(1924-2007) - critico letterario, scrittore, segretario scientifico della Commissione Shakespeare Accademia Russa scienze per quasi tre decenni., autore di The Game of William Shakespeare, or the Secret of the Great Phoenix (1997), ha affermato che Shakespeare è stato composto da un gruppo di autori guidati dalla giovane moglie del conte di Rutland, Elizabeth - la figlia del famoso cortigiano, scrittore e poeta Philip Sidney. Gililov ha basato questo su un trasferimento completamente arbitrario della collezione Chester, che include il poema di Shakespeare "La fenice e la colomba" (1601, secondo Gililov - 1613). Ha sostenuto che Rutland, Elizabeth e altri hanno composto opere teatrali e sonetti per scopi puramente cospiratori - per perpetuare la loro cerchia ristretta, in cui alcuni rituali condotti solo da loro hanno affrontato. Il mondo scientifico, ad eccezione di alcune risposte taglienti, ha ignorato il libro di Gililov.
Versione #4
William Stanley (1561-1642), 6° conte di Derby, drammaturgo, statista
William Stanley, 6° conte di Derby. Ritratto di William Derby. Inghilterra, XIX secoloIl Giusto Onore. Conte di Derby/Bridgeman Images/Fotodom
Abele Lefranc. Intorno agli anni '10 Libreria del Congresso
Lo storico letterario francese e specialista in François Rabelais Abel Lefranc (1863-1952) pensò per la prima volta alle possibilità di William Stanley di diventare un candidato per il "vero Shakespeare" dopo la pubblicazione di un libro del rispettato studioso inglese James Greenstreet intitolato "The Formerly Unknown Noble Autore di commedie elisabettiane" (1891). Greenstreet riuscì a trovare una lettera datata 1599 firmata da George Fenner, un agente segreto della Chiesa cattolica, in cui si affermava che il conte di Derby non poteva essere utile ai cattolici, poiché era "impegnato a scrivere commedie per attori ordinari".
Nel 1918, Lefranc pubblicò Under the Mask of William Shakespeare, in cui riconosce Derby come un candidato molto più adatto per Shakespeare rispetto ai precedenti candidati, se non altro perché il nome del conte era William e le sue iniziali corrispondono a quelle di Shakespeare. Inoltre, nelle lettere private, ha firmato allo stesso modo dell'eroe lirico del 135 ° sonetto: Will, e non Wm e non Willm, come ha fatto lo stesso Stratford Shakespeare sui documenti sopravvissuti. Inoltre, Derby era un viaggiatore esperto, in particolare aveva una profonda familiarità con la corte navarrese.
Non sorprende, riteneva Lefranc, che Enrico V contenga diversi ampi inserti su francese, in cui Derby era bravo. Inoltre, riteneva l'esperto di Rabelais, la famosa immagine di Falstaff fu creata sotto l'influenza di Gargantua e Pantagruel, che non era ancora stata tradotta in inglese ai tempi di Shakespeare.
Nonostante tutta l'ingegnosità di questi argomenti, la versione di Derby aveva poche possibilità di stare alla pari con l'oxfordiano: il libro di Lefranc era scritto in francese e, quando uscì, Thomas Loney (che si definiva un discendente del conte di Derby, tra l'altro), aveva già avanzato le sue argomentazioni a favore di Edward de Vere.
Versione #5
Christopher Marlo (1564-1593) drammaturgo e poeta
Presunto ritratto di Christopher Marlo. Artista sconosciuto. 1585 Corpus Christi College, Cambridge Figlio di un calzolaio, nato nello stesso anno di Shakespeare e capace di laurearsi a Cambridge solo grazie alla generosità dell'arcivescovo di Canterbury, Christopher Marlowe si è rivelato quasi l'unico candidato per Shakespeare di ignobile origine. Tuttavia, Calvin Hoffman (1906-1986), pubblicista, poeta e drammaturgo americano che pubblicò The Murder of the Man Who Was Shakespeare nel 1955, attribuì a Marlo storia d'amore con il nobile Thomas Walsingham, mecenate dei poeti e fratello minore del potente Sir Francis Walsingham, Segretario di Stato e Capo dei Servizi Segreti della Regina Elisabetta. Secondo Hoffman, è stato Thomas Walsingham che, avendo saputo che Marlo stava per essere arrestato con l'accusa di ateismo e blasfemia, ha deciso di salvare il suo amante simulando il suo omicidio. Di conseguenza, in una lite in una taverna a Deptford nel 1593, non fu Marlow ad essere ucciso, ma un vagabondo, il cui cadavere fu spacciato per il corpo sfigurato del drammaturgo (fu ucciso da un pugnale nell'occhio). Lo stesso Marlo, sotto falso nome, salpò frettolosamente per la Francia, nascondendosi in Italia, ma presto tornò in Inghilterra, stabilendosi in isolamento vicino a Skedbury, la tenuta di Thomas Walsingham nel Kent. Lì compose opere "shakespeariane", consegnando i manoscritti al suo mecenate. Li mandò prima al copista e poi, per la messa in scena, all'attore londinese William Shakespeare, un uomo completamente privo di immaginazione, ma fedele e silenzioso.
Copertina della prima edizione di The Murder of the Man Who Was Shakespeare. 1955 Grosseto e Dunlap
Hoffman ha iniziato la sua ricerca contando i parallelismi fraseologici negli scritti di Marlowe e Shakespeare, e in seguito ha conosciuto le opere del professore americano Thomas Mendenhall, che ha compilato "profili di dizionario" di vari scrittori (con l'aiuto di un'intera squadra di donne che contava faticosamente milioni di parole e lettere in parole). Sulla base di questi risultati, Hoffman ha dichiarato la completa somiglianza degli stili di Marlowe e Shakespeare. Tuttavia, la maggior parte di tutti questi "parallelismi" in realtà non erano tali, l'altra parte apparteneva a parole e costruzioni di uso comune, e un certo strato di evidenti parallelismi testimoniava un fatto ben noto: il giovane Shakespeare si ispirò alle tragedie di Marlowe, avendo imparato molto dall'autore di "Tamerlano il Grande", "Ebreo maltese" e "Doctor Faust" Oggi si può solo immaginare in cosa sarebbe risultata la rivalità creativa tra i due geni elisabettiani se non fosse stato per la morte di Marlowe nel 1593 - tra l'altro, registrata in dettaglio dal coroner reale, le cui conclusioni sono state assistite da una giuria di 16 persone ..
I tentativi di scoprire un intero gruppo di autori dietro gli scritti di Shakespeare sono stati fatti più di una volta, sebbene i sostenitori di questa versione non siano d'accordo su nessuna composizione specifica. Ecco alcuni esempi.
Nel 1923, HTS Forrest, un funzionario dell'amministrazione britannica in India, pubblicò un libro intitolato I cinque autori dei sonetti di Shakespeare, in cui parlava di un torneo di poesia ospitato dal conte di Southampton. Secondo Forrest, cinque grandi poeti elisabettiani hanno gareggiato contemporaneamente per il premio annunciato dal conte nell'arte di comporre sonetti: Samuel Daniel, Barnaby Barnes, William Warner, John Donne e William Shakespeare. Di conseguenza, tutti e cinque sono gli autori dei sonetti, che, secondo Forrest, da allora sono stati erroneamente attribuiti al solo Shakespeare. È caratteristico che uno di questa compagnia, l'autore del poema epico "Albion's England" Warner, non abbia scritto affatto sonetti, mentre l'altro, John Donne, ha fatto ricorso alla forma del sonetto solo per comporre versi religiosi.
Nel 1931 Gilbert Slater, economista e storico, pubblicò I sette Shakespeare, in cui combinava i nomi di quasi tutti i contendenti più popolari tra gli anti-shakespeariani. Secondo lui, Shakespeare è stato composto da: Francis Bacon, Conti di Oxford, Rutland e Derby, Christopher Marlowe Slater credeva che Marlowe fosse "rinato" alla vita nel 1594 sotto il nome di Shakespeare., così come Sir Walter Raleigh e Mary, contessa di Pembroke (uomo di lettere e sorella di Sir Philip Sidney). Le donne non venivano spesso offerte e offerte per il ruolo di Shakespeare, ma per la contessa di Pembroke, Slater fece un'eccezione: a suo avviso, "Giulio Cesare" e "Antonio e Cleopatra" sono contrassegnati da una chiara presenza di intuizione femminile, e anche - in particolare - "As You Like It", che Mary non solo ha scritto, ma ha anche fatto emergere lei stessa nelle sembianze di Rosalind.
A Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Inghilterra. Il registro parrocchiale registra il suo battesimo il 26 aprile. Suo padre, John Shakespeare, era una persona di spicco a Stratford (secondo alcune fonti commerciava in pelletteria) e ricoprì vari incarichi nel governo della città, fino all'ufficiale giudiziario (gestore immobiliare). La madre era la figlia di un piccolo nobile immobiliare del Warwickshire, da cui proveniva antica famiglia Cattolici delle Ardenne.
Entro la fine del 1570, la famiglia fallì e intorno al 1580 William dovette lasciare la scuola e iniziare a lavorare.
Nel novembre 1582 sposò Anne Hathaway. Nel maggio 1583 nacque il loro primo figlio - la figlia Susan, nel febbraio 1585 - i gemelli figlio Hamnet e figlia Judith.
È diventato popolare dire che Shakespeare si è unito a una delle compagnie teatrali di Londra, che si è esibita in tournée a Stratford.
Fino al 1593 Shakespeare non pubblicò nulla, nel 1593 pubblicò il poema "Venere e Adone", dedicandolo al duca di Southampton, patrono della letteratura. La poesia ebbe un grande successo e fu pubblicata otto volte durante la vita dell'autore. Nello stesso anno, Shakespeare si unì alla compagnia di Lord Chamberlain di Richard Burbage, dove lavorò come attore, regista e drammaturgo.
Le attività teatrali sotto gli auspici di Southampton gli portarono rapidamente ricchezza. Suo padre, John Shakespeare, dopo diversi anni di difficoltà finanziarie, ricevette il diritto allo stemma nella Camera araldica. Il titolo concesso ha dato a Shakespeare il diritto di firmare "William Shakespeare, gentiluomo".
Nel 1592-1594 i teatri londinesi furono chiusi a causa della peste. Durante una pausa involontaria, Shakespeare creò diverse opere teatrali: la cronaca "Riccardo III", "La commedia degli errori" e "La bisbetica domata". Nel 1594, dopo l'apertura dei teatri, Shakespeare si unì alla nuova compagnia di Lord Chamberlain.
Nel 1595-1596 scrisse la tragedia Romeo e Giulietta, le commedie romantiche Sogno di una notte di mezza estate e Il mercante di Venezia.
Il drammaturgo stava andando bene: nel 1597 acquistò una grande casa con giardino a Stratford, dove trasferì moglie e figlie (il figlio morì nel 1596) e si stabilì dopo aver lasciato il palcoscenico londinese.
Negli anni 1598-1600 furono create le vette del lavoro di Shakespeare come comico: "Molto rumore per nulla", "Come piace a te" e "La dodicesima notte". Allo stesso tempo, scrisse la tragedia "Giulio Cesare" (1599).
È diventato uno dei proprietari, drammaturgo e attore del teatro aperto "Globe". Nel 1603, King James prese la compagnia di Shakespeare sotto il patrocinio diretto: divenne nota come i Servi di Sua Maestà il Re e gli attori erano considerati cortigiani come camerieri. Nel 1608, Shakespeare divenne azionista del redditizio Blackfriars Theatre di Londra.
Con l'avvento del famoso "Amleto" (1600-1601) iniziò il periodo delle grandi tragedie del drammaturgo. Nel 1601-1606 furono creati Otello (1604), Re Lear (1605), Macbeth (1606). La tragica visione del mondo di Shakespeare ha lasciato il segno su quelle opere di questo periodo che non appartengono direttamente al genere della tragedia - le cosiddette "commedie amare" "Troilo e Cressida" (1601-1602), "Tutto è bene quel che finisce bene" (1603-1603), Misura per misura (1604).
Nel 1606-1613, Shakespeare creò tragedie basate su soggetti antichi "Antonio e Cleopatra", "Coriolano", "Timone di Atene", nonché tragicommedie romantiche, tra cui "Il racconto d'inverno" e "La tempesta", e la tarda cronaca "Enrico VIII".
Ciò che si sa della recitazione di Shakespeare è che ha interpretato i ruoli del fantasma in Amleto e Adamo nella commedia Come vi piace. Ha interpretato un ruolo nella commedia di Ben Jonson "Ognuno a modo suo". L'ultima esibizione attestata di Shakespeare sul palco è stata nella sua opera teatrale, Il Seiano. Nel 1613 lasciò il palcoscenico e si stabilì nella sua casa a Stratford.
Il drammaturgo fu sepolto nella chiesa della Santissima Trinità, dove era stato precedentemente battezzato.
Per più di due secoli dopo la morte di Shakespeare, nessuno ha dubitato della paternità di Shakespeare. Dal 1850 sono sorti dubbi sulla paternità del drammaturgo, condivisi ancora oggi da molti. La fonte per i biografi di Shakespeare era il suo testamento, che parla di case e proprietà, ma non una parola su libri e manoscritti. Ci sono molti sostenitori dell'affermazione negativa: Shakespeare di Stratford non poteva essere l'autore di tali opere, perché non era istruito, non viaggiava, non studiava all'università. Stratfordiani (sostenitori della versione tradizionale) e anti-Stratfordiani hanno fatto molte argomentazioni. Sono state proposte più di due dozzine di candidati shakespeariani, tra i contendenti più popolari c'è il filosofo Francis Bacon e il precursore di Shakespeare nella trasformazione arte drammatica Christopher Marlo, detto anche Conti di Derby, Oxford, Rutland.
William Shakespeare è considerato il più grande drammaturgo inglese, uno dei i migliori drammaturghi pace. Le sue opere sono state tradotte in tutte le principali lingue e fino ad oggi costituiscono la base del repertorio teatrale mondiale. La maggior parte di loro è stata filmata molte volte.
In Russia, l'opera di Shakespeare è nota dal XVIII secolo, è diventata un fatto della cultura russa (comprensione, traduzioni) dalla prima metà del XIX secolo.
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Il tema di quasi tutte le commedie di Shakespeare è l'amore, il suo emergere e svilupparsi, la resistenza e gli intrighi degli altri e la vittoria di un brillante giovane sentimento. L'azione delle opere si svolge sullo sfondo di splendidi paesaggi bagnati dal chiaro di luna o dal sole. È così che ci appare il magico mondo delle commedie di Shakespeare, apparentemente lontano dal divertimento. Shakespeare ha una grande capacità, talento nel coniugare il comico (gli arguti duelli di Benedetto e Beatrice in Molto rumore per nulla, Petruccio e Catharina da La bisbetica domata) con il lirico e persino tragico (i tradimenti di Proteo in I due veronesi , gli intrighi di Shylock in Mercante di Venezia). I personaggi di Shakespeare sono incredibilmente sfaccettati, le loro immagini incarnano i tratti caratteristici delle persone del Rinascimento: volontà, desiderio di indipendenza e amore per la vita. Di particolare interesse sono le immagini femminili di queste commedie: uguali agli uomini, libere, energiche, attive e infinitamente affascinanti. Le commedie di Shakespeare sono varie. Shakespeare utilizza vari generi di commedie: una commedia romantica ("Sogno di una notte di mezza estate"), una commedia di personaggi ("La bisbetica domata"), una sitcom ("Comedy of Errors").
Nello stesso periodo (1590-1600) Shakespeare scrisse una serie di cronache storiche. Ognuno dei quali copre uno dei periodi della storia inglese.
Circa il tempo della lotta delle rose scarlatte e bianche:
Sul precedente periodo di lotta tra i baroni feudali e la monarchia assoluta:
Il genere della cronaca drammatica è peculiare solo del Rinascimento inglese. Molto probabilmente, ciò è accaduto perché il genere teatrale preferito dell'alto medioevo inglese erano i misteri con motivi secolari. Sotto la loro influenza si formò la drammaturgia del Rinascimento maturo; e nelle cronache drammatiche si conservano molti tratti misteriosi: un'ampia copertura di eventi, molti personaggi, una libera alternanza di episodi. Tuttavia, a differenza dei misteri, le cronache non presentano racconto biblico e la storia dello Stato. Qui, in sostanza, si riferisce anche agli ideali dell'armonia, ma all'armonia dello Stato, che vede nella vittoria della monarchia sulla guerra civile feudale medievale. Nel finale delle commedie, buoni trionfi; il male, non importa quanto terribile e sanguinoso fosse il suo modo, rovesciato. Così, nel primo periodo dell'opera di Shakespeare a diversi livelli - personale e statale - viene interpretata l'idea principale del Rinascimento: il raggiungimento dell'armonia e degli ideali umanistici.
Nello stesso periodo, Shakespeare scrisse due tragedie:
II periodo (tragico) (1601-1607)
È considerato il periodo tragico dell'opera di Shakespeare. Dedicato principalmente alla tragedia. Fu durante questo periodo che il drammaturgo raggiunse l'apice del suo lavoro:
Non c'è più traccia di un senso armonioso del mondo in loro, qui si rivelano conflitti eterni e insolubili. Qui la tragedia non sta solo nello scontro tra individuo e società, ma anche nelle contraddizioni interne nell'anima dell'eroe. Il problema viene portato a un livello filosofico generale ei personaggi rimangono insolitamente sfaccettati e psicologicamente voluminosi. Allo stesso tempo, è molto importante che nelle grandi tragedie di Shakespeare vi sia una completa assenza di un atteggiamento fatalistico nei confronti del destino, che predetermina la tragedia. L'enfasi principale, come prima, è posta sulla personalità dell'eroe, che plasma il proprio destino e il destino di coloro che lo circondano.
Nello stesso periodo, Shakespeare scrisse due commedie:
III periodo (romantico) (1608-1612)
È considerato il periodo romantico dell'opera di Shakespeare.
Opere dell'ultimo periodo del suo lavoro:
Questi sono racconti poetici che portano dalla realtà al mondo dei sogni. Il completo rifiuto consapevole del realismo e il ritiro nella fantasia romantica è naturalmente interpretato dagli studiosi di Shakespeare come la delusione del drammaturgo per gli ideali umanistici, il riconoscimento dell'impossibilità di raggiungere l'armonia. Questo percorso - da una fede trionfalmente giubilante nell'armonia a una stanca delusione - ha attraversato in realtà l'intera visione del mondo del Rinascimento.
Globe Theatre di Shakespeare
L'incomparabile popolarità mondiale delle opere di Shakespeare è stata facilitata dall'ottima conoscenza del teatro da parte del drammaturgo "dall'interno". Quasi tutta la vita londinese di Shakespeare era in un modo o nell'altro collegata al teatro e, dal 1599, al Globe Theatre, che era uno dei centri maggiori vita culturale in Inghilterra. Fu qui che la compagnia di R. Burbage "Servants of the Lord Chamberlain" si trasferì nell'edificio di nuova costruzione, proprio nel momento in cui Shakespeare divenne uno degli azionisti della compagnia. Shakespeare ha suonato sul palco fino al 1603 circa - in ogni caso, dopo questo periodo non si fa menzione della sua partecipazione a spettacoli. Apparentemente, Shakespeare non era molto popolare come attore - ci sono prove che interpretasse ruoli minori ed episodici. Tuttavia, la scuola di teatro è stata completata: il lavoro sul palcoscenico ha indubbiamente aiutato Shakespeare a comprendere meglio i meccanismi di interazione tra l'attore e il pubblico ei segreti del successo del pubblico. Il successo del pubblico fu molto importante per Shakespeare, sia come azionista teatrale che come drammaturgo - e dopo il 1603 rimase strettamente associato al Globe, sul palcoscenico del quale furono messe in scena quasi tutte le opere da lui scritte. Il progetto della sala Globe ha predeterminato la combinazione di spettatori di vari strati sociali e patrimoniali in una rappresentazione, mentre il teatro poteva ospitare almeno 1.500 spettatori. Il drammaturgo e gli attori hanno affrontato il compito più difficile di mantenere l'attenzione di un pubblico eterogeneo. Le opere di Shakespeare hanno risposto al massimo a questo compito, riscuotendo successo presso il pubblico di tutte le categorie.
L'architettura mobile delle opere di Shakespeare era in gran parte determinata dalle peculiarità della tecnica teatrale del XVI secolo. - un palcoscenico aperto senza sipario, un minimo di oggetti di scena, una convenzione estrema di scenografia. Ciò ha costretto a concentrarsi sull'attore e sulle sue abilità sceniche. Ogni ruolo nelle opere di Shakespeare (spesso scritto per un attore specifico) è psicologicamente voluminoso e offre grandi opportunità per la sua interpretazione scenica; la struttura lessicale del discorso cambia non solo da commedia a commedia e da personaggio a personaggio, ma si trasforma anche a seconda dello sviluppo interno e delle circostanze sceniche (Amleto, Otello, Riccardo III, ecc.). Non c'è da stupirsi che molti attori di fama mondiale abbiano brillato nei ruoli del repertorio di Shakespeare.
La gloriosa storia del Globe Theatre di Shakespeare iniziò nel 1599, quando a Londra, che si distinse per il suo grande amore per arte teatrale, uno dopo l'altro, furono costruiti edifici di teatri pubblici pubblici. Durante la costruzione del Globe, sono stati utilizzati materiali da costruzione avanzati dall'edificio smantellato del primissimo teatro pubblico londinese (si chiamava Theatre). Ai proprietari dell'edificio, la troupe di famosi attori inglesi dei Burbage, era scaduto il contratto di locazione del terreno; così decisero di ricostruire il teatro in una nuova sede. Il principale drammaturgo della compagnia, William Shakespeare, che nel 1599 divenne uno degli azionisti di The Lord Chamberlain's Servants di Burbage, fu senza dubbio coinvolto in questa decisione.
I teatri per il grande pubblico sono stati costruiti a Londra principalmente fuori dalla City, cioè - al di fuori della giurisdizione della City of London. Ciò era spiegato dallo spirito puritano delle autorità cittadine, ostili al teatro in generale. Il Globe era un tipico edificio di un teatro pubblico del primo Seicento: una sala ovale a forma di anfiteatro romano, racchiusa da un alto muro, senza tetto. Il teatro prende il nome dalla statua di Atlante che ne ornava l'ingresso, sorreggendo il globo. Questo globo ("globo") era circondato da un nastro con la famosa iscrizione: "Il mondo intero recita" (lat. Totus mundus agit histrionem; traduzione più nota: "Il mondo intero è un teatro").
Il palcoscenico era adiacente al retro dell'edificio; sopra la sua parte profonda si ergeva la piattaforma del palcoscenico superiore, la cosiddetta. "galleria"; ancora più in alto c'era la "casa", un edificio con una o due finestre. Così, nel teatro c'erano quattro scene d'azione: il boccascena, profondamente sporgente nella sala e circondato dal pubblico su tre lati, su cui si svolgeva la parte principale dell'azione; la parte profonda del palcoscenico sotto il loggione, dove venivano rappresentate scene di interni; una galleria che serviva a raffigurare un muro di fortezza o un balcone (qui appariva il fantasma del padre di Amleto o si svolgeva la famosa scena del balcone di Romeo e Giulietta); e una "casa", alle cui finestre potevano apparire anche degli attori. Ciò ha permesso di costruire uno spettacolo dinamico, ponendo già nella drammaturgia una varietà di scene e cambiando i punti di attenzione del pubblico, il che ha contribuito a mantenere vivo l'interesse per quanto stava accadendo sul set. Questo è stato estremamente importante: non dobbiamo dimenticare che l'attenzione del pubblico non è stata supportata da alcun mezzo ausiliario: lo erano le esibizioni luce del giorno, senza sipario, al continuo boato del pubblico, che si scambia animatamente impressioni a squarciagola.
L'auditorium del "Globo" ospitava, secondo varie fonti, dai 1200 ai 3000 spettatori. È impossibile stabilire l'esatta capienza della sala: non c'erano posti per la maggior parte della gente comune; si affollarono nelle bancarelle, in piedi sul pavimento di terra battuta. Spettatori privilegiati erano collocati con alcune comodità: all'interno delle mura c'erano le logge per l'aristocrazia, sopra di esse c'era una galleria per i ricchi. I più ricchi e nobili sedevano ai lati del palcoscenico, su sgabelli portatili a tre gambe. Non c'erano strutture aggiuntive per gli spettatori (compresi i servizi igienici); i bisogni fisiologici, se necessari, sono stati facilmente affrontati durante lo spettacolo, proprio nell'auditorium. Pertanto, l'assenza di un tetto potrebbe essere considerata più una benedizione che uno svantaggio: l'afflusso di aria fresca non ha permesso di soffocare i devoti fan dell'arte teatrale.
Tuttavia, tale semplicità di morale soddisfaceva pienamente le regole del galateo di allora e il Globe Theatre divenne ben presto uno dei principali centri culturali Inghilterra: sul suo palcoscenico sono state messe in scena tutte le opere di William Shakespeare e di altri importanti drammaturghi del Rinascimento.
Tuttavia, nel 1613, durante la prima dell'Enrico VIII di Shakespeare, scoppiò un incendio nel teatro: una scintilla di un colpo di cannone da palcoscenico colpì il tetto di paglia sopra la parte profonda del palcoscenico. Le prove storiche affermano che non ci sono state vittime nell'incendio, ma l'edificio è andato a fuoco. La fine del "primo globo" segnò simbolicamente il cambiamento delle epoche letterarie e teatrali: in questo periodo William Shakespeare smise di scrivere opere teatrali.
Lettera sull'incendio nel "Globo"
"E ora ti intratterrò con una storia su quello che è successo questa settimana a Bankside. Gli attori di Sua Maestà hanno recitato nuovo gioco intitolato "Tutto è vero" (Enrico VIII), che rappresenta i momenti salienti del regno di Enrico VIII. La produzione è stata messa in scena con uno sfarzo straordinario e persino il pavimento del palco era incredibilmente bello. Cavalieri degli Ordini di San Giorgio e della Giarrettiera, guardie in uniformi ricamate e così via: tutto era più che sufficiente per rendere riconoscibile la grandezza, se non ridicola. Così, il re Enrico organizza una maschera nella casa del cardinale Wolsey: appare sul palco, si sentono diversi colpi di saluto. Uno dei proiettili, a quanto pare, è rimasto bloccato nello scenario e poi è successo tutto. All'inizio era visibile solo una piccola foschia, alla quale il pubblico, portato via da quanto stava accadendo sul palco, non prestava alcuna attenzione; ma dopo una frazione di secondo il fuoco si è propagato al tetto e ha cominciato a propagarsi rapidamente, distruggendo al suolo l'intero edificio in meno di un'ora. Sì, quelli furono momenti disastrosi per questo solido edificio, dove bruciarono solo legno, paglia e qualche straccio. È vero, uno dei pantaloni degli uomini ha preso fuoco e avrebbe potuto facilmente essere arrostito, ma lui (grazie al cielo!) ha indovinato in tempo per spegnere la fiamma con la birra da una bottiglia.
Sir Henry Wotton
Ben presto l'edificio fu ricostruito, già in pietra; il soffitto di paglia sopra la parte profonda del palcoscenico è stato sostituito con uno piastrellato. La troupe di Burbage continuò a suonare nel "Second Globe" fino al 1642, quando fu emesso un decreto dal Parlamento puritano e dal Lord Protettore Cromwell per chiudere tutti i teatri e vietare qualsiasi intrattenimento teatrale. Nel 1644, il "secondo globo" vuoto fu ricostruito in un edificio in affitto. La storia del teatro è stata interrotta per più di tre secoli.
L'idea della moderna ricostruzione del Globe Theatre appartiene, stranamente, non agli inglesi, ma all'attore, regista e produttore americano Sam Wanamaker. Venne a Londra per la prima volta nel 1949 e per circa vent'anni, insieme a persone che la pensavano allo stesso modo, raccolse poco a poco materiale sui teatri dell'era elisabettiana. Nel 1970, Wanamaker aveva fondato lo Shakespeare Globe Trust, dedicato a rinnovare il teatro perduto, creando centro educativo e mostra permanente. Il lavoro su questo progetto è continuato per più di 25 anni; Lo stesso Wanamaker morì nel 1993, quasi quattro anni prima dell'apertura del rinnovato Globe. Il punto di riferimento per la ricostruzione del teatro sono stati i frammenti scavati delle fondamenta del vecchio Globe, così come il vicino Rose Theatre, dove sono state messe in scena le opere di Shakespeare nei tempi "pre-Globus". Il nuovo edificio è stato costruito in legno di quercia "verde", lavorato secondo le tradizioni del XVI secolo. e si trova quasi nello stesso posto di prima - il nuovo è a 300 metri dal vecchio Globus.L'accurata ricostruzione dell'aspetto è combinata con il moderno equipaggiamento tecnico edificio.
Il nuovo Globe è stato inaugurato nel 1997 con il nome di Shakespeare's Globe Theatre. Poiché, secondo le realtà storiche, il nuovo edificio è stato costruito senza tetto, gli spettacoli si tengono solo in primavera e in estate. Tuttavia, ogni giorno si tengono tour nel più antico teatro londinese "Globe". Già dentro questo secolo accanto al restaurato Globe è stato aperto un parco-museo a tema dedicato a Shakespeare. C'è la più grande mostra al mondo dedicata al grande drammaturgo; per i visitatori vengono organizzati vari eventi di intrattenimento tematico: qui puoi provare a scrivere tu stesso un sonetto; assistere a un combattimento con la spada e persino prendere parte a una produzione di un'opera shakespeariana.
La lingua e i mezzi scenici di Shakespeare
In generale, il linguaggio delle opere drammatiche di Shakespeare è insolitamente ricco: secondo gli studi di filologi e critici letterari, il suo dizionario contiene più di 15.000 parole. Il discorso dei personaggi è pieno di ogni sorta di tropi: metafore, allegorie, parafrasi, ecc. Il drammaturgo ha utilizzato molte forme di poesia lirica del XVI secolo nelle sue opere. - sonetto, canzone, alba, epitalamo, ecc. Il verso bianco, con cui sono principalmente scritte le sue opere, si distingue per flessibilità e naturalezza. Questa è la ragione della grande attrazione che l'opera di Shakespeare esercita sui traduttori. In particolare, in Russia, molti maestri del testo letterario si sono rivolti alle traduzioni delle opere di Shakespeare - da N. Karamzin ad A. Radlova, V. Nabokov, B. Pasternak, M. Donskoy e altri.
Il minimalismo dei mezzi scenici del Rinascimento ha permesso alla drammaturgia di Shakespeare di fondersi organicamente in una nuova fase nello sviluppo del teatro mondiale risalente all'inizio del XX secolo. - teatro del regista, incentrato non sul lavoro di recitazione individuale, ma sulla soluzione concettuale complessiva della performance. È impossibile enumerare anche i principi generali di tutte le numerose produzioni di Shakespeare - da un'interpretazione quotidiana dettagliata a una simbolica estremamente convenzionale; dalla commedia-farsa alla tragedia elegiaco-filosofica o misteriosa. È curioso che le opere di Shakespeare siano ancora orientate a spettatori di quasi tutti i livelli, dagli intellettuali estetici al pubblico poco esigente. Questo, insieme al complesso problemi filosofici, contribuiscono sia intricati intrighi che un caleidoscopio di vari episodi teatrali, alternando scene patetiche a scene comiche, e l'inclusione di duelli, numeri musicali, ecc.
Le opere drammatiche di Shakespeare divennero la base per molte rappresentazioni del teatro musicale (le opere Otello, Falstaff (basato sulle allegre comari di Windsor) e Macbeth di D. Verdi; il balletto Romeo e Giulietta di S. Prokofiev e molti altri).
La partenza di Shakespeare
Intorno al 1610 Shakespeare lasciò Londra e tornò a Stratford-upon-Avon. Fino al 1612 non perse il contatto con il teatro: nel 1611 fu scritto il Racconto d'inverno, nel 1612 l'ultima opera drammatica, La tempesta. Gli ultimi anni della sua vita si allontanò dall'attività letteraria e visse tranquillamente e impercettibilmente con la sua famiglia. Ciò era probabilmente dovuto a una grave malattia - questo è indicato dal testamento sopravvissuto di Shakespeare, redatto chiaramente in fretta il 15 marzo 1616 e firmato con una grafia modificata. Il 23 aprile 1616 a Stratford-upon-Avon morì il drammaturgo più famoso di tutti i tempi e di tutti i popoli.
L'influenza del lavoro di Shakespeare su letteratura mondiale
L'influenza delle immagini create da William Shakespeare sulla letteratura e sulla cultura mondiale non può essere sopravvalutata. Amleto, Macbeth, Re Lear, Romeo e Giulietta: questi nomi sono diventati a lungo nomi comuni. Sono usati non solo in opere d'arte, ma anche nel linguaggio ordinario come designazione di un tipo umano. Per noi Otello è un uomo geloso, Lear è un genitore, privo di eredi, che lui stesso ha favorito, Macbeth è un usurpatore del potere, e Amleto è una persona dilaniata da contraddizioni interne.
Le immagini di Shakespeare hanno avuto anche un enorme impatto sulla letteratura russa del XIX secolo. Alle commedie drammaturgo inglese contattato I.S. Turgenev, FM Dostoevskij, L.N. Tolstoj, A.P. Cechov e altri scrittori. Nel 20 ° secolo, l'interesse per mondo interiore le persone, i motivi e gli eroi delle opere di Shakespeare hanno nuovamente entusiasmato i poeti. Li troviamo in M. Cvetaeva, B. Pasternak, V. Vysotsky.
Nell'era del classicismo e dell'Illuminismo, Shakespeare fu riconosciuto per la sua capacità di seguire la "natura", ma fu condannato per non conoscere le "regole": Voltaire lo definì un "brillante barbaro". La critica illuminista inglese apprezzava la veridicità realistica di Shakespeare. In Germania, Shakespeare fu elevato a un'altezza irraggiungibile da I. Herder e Goethe (lo schizzo di Goethe "Shakespeare and He Has No End", 1813-1816). Nel periodo del romanticismo, la comprensione dell'opera di Shakespeare fu approfondita da G. Hegel, S. T. Coleridge, Stendhal, V. Hugo.
In Russia, Shakespeare fu menzionato per la prima volta nel 1748 da A.P. Sumarokov, tuttavia, anche nella seconda metà del XVIII secolo, Shakespeare era ancora poco conosciuto in Russia. Shakespeare divenne un fatto della cultura russa nella prima metà del XIX secolo: gli scrittori associati al movimento Decabrista si rivolsero a lui (V. K. Kuchelbeker, K. F. Ryleev, A. S. Griboedov, A. A. Bestuzhev, ecc.) , A. S. Pushkin, che vide i principali vantaggi di Shakespeare nella sua obiettività, la verità dei personaggi e la "corretta rappresentazione del tempo" e ha sviluppato le tradizioni di Shakespeare nella tragedia "Boris Godunov". Nella lotta per il realismo della letteratura russa, V. G. Belinsky si affida anche a Shakespeare. L'importanza di Shakespeare aumentò particolarmente negli anni 30-50 del XIX secolo. Proiettando immagini shakespeariane nel presente, A. I. Herzen, I. A. Goncharov e altri hanno contribuito a comprendere più profondamente la tragedia del tempo. Un evento degno di nota fu la produzione di "Amleto" tradotto da N. A. Polevoy (1837) con P. S. Mochalov (Mosca) e V. A. Karatygin (Pietroburgo) nel ruolo del titolo. Nella tragedia di Amleto, V. G. Belinsky e altre persone progressiste dell'epoca videro la tragedia della loro generazione. L'immagine di Amleto attira l'attenzione di I. S. Turgenev, che vedeva in lui i tratti di "persone superflue" (Art. "Amleto e Don Chisciotte", 1860), F. M. Dostoevskij.
Parallelamente alla comprensione dell'opera di Shakespeare in Russia, la conoscenza delle opere di Shakespeare stesso si è approfondita e ampliata. Nel XVIII e all'inizio del XIX secolo furono tradotti principalmente adattamenti francesi di Shakespeare. Le traduzioni della prima metà del XIX secolo peccavano di letteralismo ("Amleto" nella traduzione di M. Vronchenko, 1828), o di eccessiva libertà ("Amleto" nella traduzione di Polevoy). Nel 1840-1860, le traduzioni di A. V. Druzhinin, A. A. Grigoriev, P. I. Weinberg e altri scoprirono tentativi di un approccio scientifico alla risoluzione dei problemi traduzione letteraria(il principio di adeguatezza linguistica, ecc.). Nel 1865-1868, sotto la direzione di N. V. Gerbel, il primo " raccolta completa Opere drammatiche di Shakespeare nella traduzione di scrittori russi". Nel 1902-1904, sotto la direzione di S. A. Vengerov, fu eseguita la seconda opera completa pre-rivoluzionaria di Shakespeare.
Le tradizioni del pensiero russo avanzato furono continuate e sviluppate dagli studi shakespeariani sovietici sulla base delle profonde generalizzazioni fatte da K. Marx e F. Engels. All'inizio degli anni '20, A.V. Lunacharsky teneva lezioni su Shakespeare. L'aspetto della critica d'arte nello studio dell'eredità di Shakespeare viene portato in primo piano (V. K. Muller, I. A. Aksyonov). Apparvero monografie storiche e letterarie (A. A. Smirnov) e singole opere problematiche (M. M. Morozov). Un contributo significativo alla scienza moderna di Shakespeare è il lavoro di A. A. Anikst, N. Ya. Berkovsky, la monografia di L. E. Pinsky. I registi G. M. Kozintsev, S. I. Yutkevich comprendono la natura dell'opera di Shakespeare in un modo peculiare.
Criticando allegorie e magnifiche metafore, iperboli e confronti insoliti, "orrori e buffonerie, ragionamenti ed effetti" - i tratti caratteristici dello stile delle opere di Shakespeare, Tolstoj li prese come segni di un'arte eccezionale, al servizio dei bisogni della "classe alta" di società. Tolstoj, allo stesso tempo, indica molti dei pregi delle opere del grande drammaturgo: la sua notevole "capacità di mettere in scena scene in cui si esprime il movimento dei sentimenti", la straordinaria presenza scenica delle sue opere, la loro genuina teatralità. L'articolo su Shakespeare contiene i profondi giudizi di Tolstoj sul conflitto drammatico, i personaggi, lo sviluppo dell'azione, il linguaggio dei personaggi, la tecnica di costruzione del dramma, ecc.
Ha detto: "Così mi sono permesso di incolpare Shakespeare. Ma dopotutto, ogni persona agisce con lui; ed è sempre chiaro perché lo fa in questo modo. Aveva dei pilastri con un'iscrizione: Chiaro di luna, casa. E grazie a Dio, perché tutta l'attenzione era focalizzata sull'essenza del dramma, e ora tutto il contrario ". Tolstoj, che "ha negato" Shakespeare, lo ha messo al di sopra dei drammaturghi - i suoi contemporanei, che hanno creato commedie inattive di "stati d'animo", " indovinelli", "simboli".
Riconoscendo che sotto l'influenza di Shakespeare il tutto drammaturgia mondiale, non avendo "basi religiose", Tolstoj vi attribuiva le sue "commedie teatrali", notando allo stesso tempo che erano state scritte "accidentalmente". Così, il critico V. V. Stasov, che ha accolto con entusiasmo l'apparizione del suo dramma popolare The Power of Darkness, ha scoperto che era scritto con il potere shakespeariano.
Nel 1928, sulla base delle sue impressioni sulla lettura dell '"Amleto" di Shakespeare, M. I. Cvetaeva scrisse tre poesie: "Ophelia to Hamlet", "Ophelia in Defense of the Queen" e "Hamlet's Dialogue with Conscience".
In tutte e tre le poesie di Marina Cvetaeva si può individuare un unico motivo che prevale sugli altri: il motivo della passione. Inoltre, Ofelia, che in Shakespeare appare come un modello di virtù, purezza e innocenza, si fa portatrice delle idee di un "cuore caldo". Diventa un'ardente protettrice della regina Gertrude e viene persino identificata con la passione.
Dalla metà degli anni '30 del XIX secolo, Shakespeare ha occupato un posto importante nel repertorio del teatro russo. P. S. Mochalov (Riccardo III, Otello, Lear, Amleto), V. A. Karatygin (Amleto, Lear) sono famosi interpreti dei ruoli di Shakespeare. Nella seconda metà del XIX e all'inizio del XX secolo, il Teatro Maly di Mosca creò la propria scuola della loro incarnazione teatrale - una combinazione di realismo scenico con elementi di romanticismo, che proponeva interpreti eccezionali di Shakespeare come G. Fedotova, A. Lensky, A. Yuzhin, M. Yermolova . All'inizio del XX secolo, il Moscow Art Theatre si è rivolto al repertorio shakespeariano (Giulio Cesare, 1903, messo in scena da Vl. I. Nemirovich-Danchenko con la partecipazione di K. S. Stanislavsky; Amleto, 1911, messo in scena da G. Craig; Cesare e Amleto - V. I. Kachalov
E:
Negli anni '70 del XVIII secolo sorse un'ipotesi secondo la quale l'autore delle commedie non fosse, ma un'altra persona che desiderava restare anonima. Nel corso dei due secoli di controversie e discussioni sono state avanzate dozzine di ipotesi, e ora, forse, non c'è un solo contemporaneo più o meno famoso di Shakespeare a cui non sia attribuita la paternità di opere brillanti.
Le circostanze della vita del grande drammaturgo inglese William Shakespeare sono relativamente poco conosciute, perché condivide il destino della stragrande maggioranza degli altri autori della sua epoca, la cui personalità non era particolarmente interessata ai contemporanei. Parlando dello studio della biografia del drammaturgo, vale innanzitutto la pena individuare un gruppo di studiosi "non stratfordiani", i cui membri negano la paternità dell'attore Shakespeare di Stratford e ritengono che questo sia il nome con cui un'altra persona o un gruppo di persone si nascondeva e, molto probabilmente, il vero attore Shakespeare ha dato il permesso per l'uso del suo nome. Il rifiuto della visione tradizionale è noto dal 1848, sebbene non vi sia consenso tra i non Stratfordiani su chi fosse esattamente il vero autore delle opere di Shakespeare.
Ritratto di William Shakespeare. (wikipedia.org)
I fautori di questa teoria credono che i fatti noti sull'attore Shakespeare di Stratford contraddicano il contenuto e lo stile delle opere e delle poesie di Shakespeare. Sono state avanzate numerose teorie sui presunti candidati, e finora ce ne sono diverse dozzine.
Il Globe Theatre di Londra dove sono state messe in scena le opere di Shakespeare. (wikipedia.org)
Il dizionario lessicale delle opere di William Shakespeare è di 15mila parole diverse, mentre contemporanee traduzione inglese La Bibbia di King James è solo 5.000. Tuttavia, gli scrittori contemporanei di Shakespeare (Marlo, Johnson, John Donne) non erano di origine meno modesta (a proposito, il padre di Shakespeare di Stratford era ricco ed era uno dei governatori della città), ma la loro cultura superava quella di Shakespeare.
Tra i contemporanei di Shakespeare, il drammaturgo non è mai stato considerato altamente istruito, ma piuttosto uno scrittore autodidatta dotato di intuito.
Elisabetta I in un palanchino durante una processione, c. 1601. (wikipedia.org)
Ritratto di Francesco Bacone. (wikipedia.org)
Un altro contendente per la paternità era Edward de Vere, conte di Oxford. Il 17° conte di Oxford era il poeta di corte della regina Elisabetta I e servì come ciambellano d'Inghilterra. Le sue poesie sono simili a Venere e Adone di Shakespeare. Inoltre, lo stemma del conte è un leone, sbalorditivo con una lancia spezzata, e il famoso aristocratico della sua epoca era a conoscenza degli intrighi di palazzo riflessi in molte delle opere di Shakespeare.
