Spirito in plastica: interpretazione dell'arte giapponese contemporanea. Arte contemporanea giapponese

I giapponesi scoprirono la bellezza nascosta nelle cose nel IX-XII secolo, nell'era Heian (794-1185) e la designarono addirittura con lo speciale concetto di “mono no aware” (物の哀れ (もののあわれ)), che significa “ fascino triste delle cose. Il fascino delle cose è uno dei primi Letteratura giapponese definizioni di bellezza, è associato alla credenza shintoista che ogni cosa ha la sua divinità - kami - e il suo fascino unico. Avare è l'essenza interiore delle cose, ciò che provoca gioia, eccitazione.

- Washi (wasi) o wagami (wagami).
Fabbricazione manuale della carta. I giapponesi medievali apprezzavano il washi non solo per le sue qualità pratiche, ma anche per la sua bellezza. Era famosa per la sua sottigliezza, quasi trasparenza, che però non la privava di forza. Washi è fatto dalla corteccia dell'albero kozo (gelso) e di alcuni altri alberi.
La carta Washi si è conservata per secoli, ne sono testimonianza gli album e i volumi di antica calligrafia giapponese, dipinti, paraventi, incisioni giunti nei secoli fino ai giorni nostri.
La carta di Vasya è fibrosa, se guardi al microscopio vedrai delle crepe attraverso le quali penetrano aria e luce solare. Questa qualità viene utilizzata nella produzione di schermi e lanterne tradizionali giapponesi.
I souvenir Washi sono molto popolari tra gli europei. Con questa carta si ricavano tanti piccoli e utili oggetti: portafogli, buste, ventagli. Sono abbastanza resistenti ma leggeri.

-Gohei.
Mascotte di strisce di carta. Gohei - un bastone rituale di un prete shintoista, a cui sono attaccate strisce di carta a zigzag. Le stesse strisce di carta sono appese all'ingresso di un santuario shintoista. Il ruolo della carta nello shintoismo è stato tradizionalmente molto importante e il significato esoterico è sempre stato attribuito ai prodotti che ne derivano. E la convinzione che ogni cosa, ogni fenomeno, persino le parole, contengano un kami - una divinità - spiega l'emergere di un tale tipo di arte applicata come il gohei. Lo shintoismo è in qualche modo simile al nostro paganesimo. Per gli shintoisti, il kami è particolarmente disposto a stabilirsi in tutto ciò che è fuori dall'ordinario. Ad esempio, su carta. E ancora di più in un gohei attorcigliato in un intricato zigzag, che pende oggi davanti all'ingresso dei santuari shintoisti e indica la presenza di una divinità nel tempio. Ci sono 20 modi per piegare il gohei, e quelli che sono piegati in modo particolarmente insolito attirano il kami. Gohei è prevalentemente di colore bianco, ma si trovano anche oro, argento e molte altre sfumature. Dal IX secolo, in Giappone esiste l'usanza di rafforzare il gohei sulle cinture dei lottatori di sumo prima dell'inizio del combattimento.

- Anesama.
Questa è la produzione di bambole di carta. Nel diciannovesimo secolo, le mogli dei samurai realizzavano bambole di carta con cui i bambini giocavano, vestendole con abiti diversi. In tempi in cui non esistevano i giocattoli, l'anesama era l'unico interlocutore dei bambini, "svolgendo" il ruolo di madre, sorella maggiore, bambina e amica.
La bambola è piegata con carta giapponese washi, i capelli sono fatti di carta increspata, tinti con inchiostro e ricoperti di colla, che gli conferisce lucentezza. Una caratteristica distintiva è un bel nasino su una faccia allungata. Oggi questo semplice giocattolo, che non richiede altro che mani abili, dalla forma tradizionale, continua a essere realizzato come prima.

- Origami.
L'antica arte di piegare la carta (折り紙, letteralmente: "carta piegata"). L'arte dell'origami ha le sue radici in Antica Cina dove è stata inventata la carta. Inizialmente, l'origami veniva utilizzato nelle cerimonie religiose. Per molto tempo questo tipo di arte era disponibile solo per i rappresentanti delle classi superiori, dove un segno di buon gusto era il possesso di tecniche di piegatura della carta. Solo dopo la seconda guerra mondiale l'origami oltrepassò l'Oriente e arrivò in America e in Europa, dove trovò subito i suoi estimatori. L'origami classico è piegato da un foglio di carta quadrato.
C'è un certo insieme di simboli convenzionali necessari per abbozzare lo schema di piegatura anche del prodotto più complesso. La maggior parte dei segni convenzionali sono stati messi in pratica a metà del XX secolo dal famoso maestro giapponese Akira Yoshizawa.
L'origami classico prescrive l'uso di un foglio di carta quadrato uniformemente colorato senza colla e forbici. Le forme d'arte contemporanea a volte si discostano da questo canone.

-Kirigami.
Kirigami è l'arte di ritagliare varie forme da un foglio di carta piegato più volte con l'aiuto delle forbici. Un tipo di origami che consente l'uso di forbici e taglio della carta nel processo di realizzazione del modello. Questa è la principale differenza tra kirigami e altre tecniche di piegatura della carta, sottolineata nel nome: 切る (kiru) - taglio, 紙 (gami) - carta. Tutti amavamo tagliare i fiocchi di neve durante l'infanzia: una variante del kirigami, puoi tagliare non solo i fiocchi di neve, ma anche varie figure, fiori, ghirlande e altri simpatici oggetti di carta usando questa tecnica. Questi prodotti possono essere utilizzati come stencil per stampe, decorazioni per album, cartoline, cornici per foto, fashion design, interior design e altre decorazioni varie.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 o いけばな) tradotto dal giapponese - "ike" - vita, "bana" - fiori o "fiori che vivono". L'arte giapponese della disposizione dei fiori è una delle tradizioni più belle del popolo giapponese. Quando si compila l'ikebana, insieme ai fiori, vengono utilizzati rami tagliati, foglie e germogli.Il principio fondamentale è la squisita semplicità, per ottenere il quale cercano di enfatizzare la bellezza naturale delle piante. Ikebana è la creazione di una nuova forma naturale, in cui la bellezza di un fiore e la bellezza dell'anima del maestro che crea la composizione si combinano armoniosamente.
Oggi in Giappone ci sono 4 grandi scuole di ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Oltre a loro, ci sono circa mille direzioni e tendenze diverse che aderiscono a una di queste scuole.

- Oribana.
A metà del XVII secolo, due scuole di ohara (la forma principale di ikebana - oribana) e koryu (la forma principale - sek) partirono da ikenobo. A proposito, la scuola ohara studia ancora solo oribanu. Come dicono i giapponesi, è molto importante che l'origami non si trasformi in origami. Gomi significa spazzatura in giapponese. Dopotutto, guarda caso, hai piegato un pezzo di carta e poi cosa farne? Oribana offre molte idee per bouquet per decorare gli interni. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Errore.
Visualizzazione arti visive, nata floristica. La floristica è apparsa nel nostro paese otto anni fa, sebbene esista in Giappone da più di seicento anni. Qualche volta nel Medioevo, i samurai comprendevano la via di un guerriero. E oshibana faceva parte di quel percorso, proprio come scrivere geroglifici e maneggiare una spada. Il significato dell'errore era che nello stato di totale presenza nel momento (satori), il maestro creava un'immagine di fiori secchi (fiori pressati). Allora questa immagine potrebbe servire da chiave, da guida per coloro che erano pronti ad entrare nel silenzio e sperimentare quello stesso satori.
L'essenza dell'arte di "oshibana" è che, raccogliendo ed essiccando fiori, erbe, foglie, corteccia sotto pressione e incollandoli sulla base, l'autore crea con l'aiuto delle piante una vera opera di "pittura". In altre parole, sbagliare è dipingere con le piante.
Creatività artistica fioristi si basa sulla conservazione della forma, del colore e della consistenza del materiale vegetale essiccato. I giapponesi hanno sviluppato una tecnica per proteggere i dipinti "oshibana" dallo sbiadimento e dall'oscuramento. La sua essenza è che l'aria viene pompata tra il vetro e l'immagine e viene creato un vuoto che impedisce alle piante di deteriorarsi.
Attrae non solo l'anticonformismo di quest'arte, ma anche l'opportunità di mostrare immaginazione, gusto, conoscenza delle proprietà delle piante. I fioristi creano ornamenti, paesaggi, nature morte, ritratti e dipinti di storie.

- Bonsai.
Il bonsai, come fenomeno, è apparso più di mille anni fa in Cina, ma questa cultura ha raggiunto il suo apice di sviluppo solo in Giappone. (bonsai - giapponese 盆栽 lett. "pianta in vaso") - l'arte di crescere copia esatta vero albero in miniatura. Queste piante furono coltivate dai monaci buddisti diversi secoli prima della nostra era e successivamente divennero una delle attività della nobiltà locale.
I bonsai adornavano case e giardini giapponesi. Nell'era Tokugawa, la progettazione del parco ricevette un nuovo impulso: la coltivazione di azalee e aceri divenne un passatempo per i ricchi. Si sviluppò anche la produzione di colture nane (hachi-no-ki - "albero in vaso"), ma i bonsai di quel tempo erano molto grandi.
Ora gli alberi ordinari vengono utilizzati per i bonsai, diventano piccoli a causa della potatura costante e di vari altri metodi. Allo stesso tempo, il rapporto tra le dimensioni dell'apparato radicale, limitato dal volume della ciotola, e la parte a terra del bonsai corrisponde alle proporzioni di un albero adulto in natura.

-Mizuhiki.
Analogo macramè. Questa è un'antica arte applicata giapponese di legare vari nodi da corde speciali e creare modelli da essi. Tali opere d'arte avevano una portata estremamente ampia: dalle carte regalo e lettere alle acconciature e alle borse. Attualmente, il mizuhiki è estremamente utilizzato nell'industria dei regali: per ogni evento della vita, un regalo dovrebbe essere incartato e legato in un modo molto specifico. Ci sono moltissimi nodi e composizioni nell'arte del mizuhiki, e non tutti i giapponesi li conoscono tutti a memoria. Certo, ci sono i nodi più comuni e semplici che vengono usati più spesso: per gli auguri per la nascita di un bambino, per un matrimonio o una commemorazione, un compleanno o l'ammissione all'università.

-Kumihimo.
Kumihimo è un cavo intrecciato giapponese. Quando si intrecciano fili, si ottengono nastri e pizzi. Questi lacci sono tessuti su macchine speciali: Marudai e Takadai. La macchina Marudai è utilizzata per tessere pizzi rotondi e Takadai per quelli piatti. Kumihimo in giapponese significa "intreccio di corde" (kumi - tessitura, piegatura insieme, himo - corda, pizzo). Nonostante il fatto che gli storici insistano ostinatamente sul fatto che tale tessitura possa essere trovata tra gli scandinavi e gli abitanti delle Ande, arte giapponese Kumihimo è infatti uno dei più antichi tipi di tessitura. La prima menzione di esso risale al 550, quando il buddismo si diffuse in tutto il Giappone e cerimonie speciali richiedevano decorazioni speciali. Successivamente, i lacci kumihimo iniziarono ad essere usati come fissanti per la cintura obi su un kimono femminile, come corde per "imballare" l'intero arsenale di armi dei samurai (i samurai usavano il kumihimo per scopi decorativi e funzionali per legare la loro armatura e l'armatura del cavallo) e anche per legare oggetti pesanti.
Una varietà di motivi del moderno kumihimo viene tessuta molto facilmente su telai di cartone fatti in casa.

- Comono.
Cosa resta di un kimono dopo che ha scontato la sua pena? Pensi che venga buttato via? Niente del genere! I giapponesi non lo faranno mai. I kimono sono costosi. È impensabile e impossibile buttarlo via così... Insieme ad altri tipi di riciclaggio di kimono, le artigiane hanno realizzato piccoli souvenir da piccoli brandelli. Si tratta di piccoli giocattoli per bambini, bambole, spille, ghirlande, gioielli da donna e altri prodotti, il vecchio kimono viene utilizzato nella fabbricazione di piccole cose carine, che vengono chiamate collettivamente "komono". Piccole cose che prenderanno vita propria, continuando il cammino del kimono. Questo è ciò che significa la parola "komono".

-Kanzashi.
L'arte di decorare fermagli per capelli (il più delle volte decorati con fiori (farfalle, ecc.) In tessuto (principalmente seta). Il kanzashi giapponese (kanzashi) è una lunga forcina per un'acconciatura femminile tradizionale giapponese. Erano fatti di legno, lacca, argento, guscio di tartaruga utilizzato nelle acconciature tradizionali cinesi e giapponesi. Circa 400 anni fa, in Giappone, lo stile delle acconciature femminili è cambiato: le donne hanno smesso di pettinarsi nella forma tradizionale - taregami (lunghi capelli lisci) e hanno iniziato a modellarli in modo intricato e forme bizzarre - nihongami vari oggetti- forcine, bastoncini, pettini. Fu allora che anche un semplice pettine kushi si trasforma in un elegante accessorio di straordinaria bellezza, che diventa una vera opera d'arte. Il costume tradizionale delle donne giapponesi non consentiva gioielli da polso e collane, così lo erano gli ornamenti per capelli bellezza principale e un campo per l'autoespressione, oltre a dimostrare il gusto e lo spessore del portafoglio del proprietario. Sulle incisioni puoi vedere - se guardi da vicino - come le donne giapponesi appendono facilmente fino a venti costosi kanzashi nelle loro acconciature.
Ora c'è una rinascita nella tradizione dell'uso del kanzashi tra le giovani donne giapponesi che desiderano aggiungere raffinatezza ed eleganza alle loro acconciature, i moderni fermagli possono essere adornati solo con uno o due delicati fiori fatti a mano.

- Kinusaiga.
Un fantastico tipo di ricamo dal Giappone. Kinusaiga (絹彩画) è un incrocio tra batik e patchwork. L'idea principale è che i nuovi dipinti vengano raccolti da vecchi kimono di seta pezzo per pezzo - vere opere arte.
Innanzitutto, l'artista fa uno schizzo su carta. Quindi questo disegno viene trasferito su una tavola di legno. Il contorno del motivo è tagliato con scanalature o scanalature, quindi piccoli brandelli, abbinati per colore e tono, vengono tagliati dal vecchio kimono di seta, ei bordi di questi brandelli riempiono le scanalature. Quando guardi un'immagine del genere, hai la sensazione di guardare una fotografia, o anche solo di guardare il paesaggio fuori dalla finestra, sono così realistici.

- Temari.
Si tratta di palline ricamate geometriche tradizionali giapponesi realizzate con punti semplici che un tempo erano un giocattolo per bambini e ora sono diventate una forma d'arte con molti fan non solo in Giappone ma in tutto il mondo. Si ritiene che molto tempo fa questi prodotti fossero realizzati dalle mogli dei samurai per l'intrattenimento. All'inizio erano davvero usati come palla per un gioco con la palla, ma gradualmente hanno iniziato ad acquisire elementi artistici, trasformandosi in seguito in ornamenti decorativi. La delicata bellezza di queste palle è conosciuta in tutto il Giappone. E oggi, i prodotti colorati e realizzati con cura sono uno dei tipi di artigianato popolare in Giappone.

- Yubinuki.
Ditali giapponesi, quando si cuce o si ricama a mano, vengono messi sulla falange media del dito medio della mano che lavora, con l'aiuto della punta delle dita viene data all'ago la direzione desiderata e l'ago viene spinto attraverso l'anello al centro dito nel lavoro. Inizialmente, i ditali yubinuki giapponesi erano realizzati in modo abbastanza semplice: una striscia di tessuto denso o pelle larga circa 1 cm in più strati era strettamente avvolta attorno al dito e fissata insieme con alcuni semplici punti decorativi. Dal momento che gli yubinuk lo erano soggetto necessario in ogni casa iniziarono ad essere decorati con ricami geometrici con fili di seta. Dall'intreccio di punti, colorato e modelli intricati. Yubinuki da semplice oggetto per la casa si è trasformato anche in oggetto da "ammirare", decorazione Vita di ogni giorno.
Gli yubinuki sono ancora usati nel cucito e nel ricamo, ma si possono trovare anche semplicemente indossati sulle mani su qualsiasi dito, come anelli decorativi. Il ricamo in stile Yubinuki viene utilizzato per decorare vari oggetti a forma di anello: portatovaglioli, braccialetti, supporti temari, decorati con ricami yubinuki, e ci sono anche letti ad aghi ricamati nello stesso stile. I motivi Yubinuki possono essere una grande ispirazione per il ricamo temari obi.

- Suibokuga o sumie.
Pittura a inchiostro giapponese. Questo stile cinese la pittura fu presa in prestito da artisti giapponesi nel XIV secolo e alla fine del XV secolo. divenne la corrente principale della pittura in Giappone. Suibokuga è monocromatico. È caratterizzato dall'uso dell'inchiostro nero (sumi), una forma dura di carbone o inchiostro cinese prodotto dalla fuliggine, che viene macinato in un calamaio, diluito con acqua e spennellato su carta o seta. Monochrome offre al maestro una scelta infinita di opzioni tonali, che i cinesi hanno riconosciuto molto tempo fa come i "colori" dell'inchiostro. Suibokuga a volte consente l'uso di colori reali, ma lo limita a tratti sottili e trasparenti che rimangono sempre subordinati alla linea dell'inchiostro. La pittura a inchiostro condivide con l'arte della calligrafia caratteristiche essenziali come l'espressione strettamente controllata e la padronanza tecnica della forma. La qualità della pittura a inchiostro si riduce, come nella calligrafia, all'integrità e alla resistenza allo strappo della linea tracciata con l'inchiostro, che, per così dire, trattiene l'opera d'arte su se stessa, così come le ossa trattengono su se stesse i tessuti.

- Etegami.
Cartoline disegnate (e - immagine, etichettate - lettera). La creazione di cartoline fai-da-te è generalmente un'attività molto popolare in Giappone e prima delle vacanze la sua popolarità aumenta ancora di più. I giapponesi adorano inviare cartoline ai loro amici e adorano anche riceverle. Questo è un tipo di lettera veloce su spazi vuoti speciali, può essere inviato per posta senza busta. Non ci sono regole o tecniche speciali in etegami, chiunque può farlo senza un addestramento speciale. Etagami aiuta a esprimere con precisione lo stato d'animo, le impressioni, questa è una cartolina fatta a mano composta da un'immagine e una breve lettera, che trasmette le emozioni del mittente, come calore, passione, cura, amore, ecc. Mandano queste cartoline per le vacanze e proprio così, raffiguranti le stagioni, le attività, la verdura e la frutta, le persone e gli animali. Più semplice è disegnata questa immagine, più interessante sembra.

- Furoshiki.
Tecnica giapponese di avvolgimento o arte della piegatura del tessuto. Furoshiki è entrato a lungo nella vita dei giapponesi. Antichi rotoli del periodo Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) sono stati conservati con immagini di donne che portano sulla testa fagotti di vestiti avvolti in stoffa. Questa interessante tecnica ebbe origine già nel 710 - 794 d.C. in Giappone. La parola "furoshiki" si traduce letteralmente in "tappeto da bagno" ed è un pezzo di stoffa quadrato che veniva utilizzato per avvolgere e trasportare oggetti di ogni forma e dimensione.
Ai vecchi tempi, era consuetudine camminare nei bagni giapponesi (furo) in kimono di cotone leggero, che i visitatori portavano con sé da casa. Il bagnante portava anche un tappeto speciale (shiki) su cui stava in piedi mentre si spogliava. Dopo essersi trasformato in un kimono "da bagno", il visitatore ha avvolto i suoi vestiti in un tappeto e, dopo il bagno, ha avvolto un kimono bagnato in un tappeto per portarlo a casa. Così, il tappetino da bagno è diventato una borsa multifunzionale.
Furoshiki è molto facile da usare: il tessuto prende la forma dell'oggetto che avvolgi e le maniglie facilitano il trasporto del carico. Inoltre, un regalo avvolto non in carta dura, ma in un tessuto morbido e multistrato, acquisisce un'espressività speciale. Esistono molti schemi per piegare il furoshiki per ogni occasione, quotidiana o festiva.

- Amigurumi.
L'arte giapponese di lavorare a maglia o all'uncinetto piccoli animali imbalsamati e creature umanoidi. Gli amigurumi (編み包み, lett.: “avvolti a maglia”) sono spesso simpatici animali (come orsi, coniglietti, gatti, cani, ecc.), omini, ma possono anche essere oggetti inanimati dotati di proprietà umane. Ad esempio, cupcakes, cappelli, borse e altri. Amigurumi è lavorato a maglia o lavorato a maglia o all'uncinetto. Recentemente, gli amigurumi all'uncinetto sono diventati più popolari e più comuni.
lavorato a maglia da filato in modo semplice lavoro a maglia - a spirale e, a differenza del metodo di lavoro a maglia europeo, i cerchi di solito non sono collegati. Sono anche lavorati all'uncinetto su una dimensione più piccola rispetto allo spessore del filato per creare un tessuto molto denso senza spazi vuoti per la fuoriuscita dell'imbottitura. Gli amigurumi sono spesso composti da parti e poi assemblati, ad eccezione di alcuni amigurumi, che non hanno arti, ma hanno solo una testa e un busto, che sono un tutt'uno. Gli arti a volte sono riempiti con pezzi di plastica per dare loro peso vivo, mentre il resto del corpo è riempito con fibra.
La diffusione dell'estetica degli amigurumi è facilitata dalla loro dolcezza ("kawaii").

Che copre molte tecniche e stili. Nel corso della sua storia, ha subito un gran numero di modifiche. Furono aggiunte nuove tradizioni e generi e rimasero i principi originali giapponesi. Insieme a storia incredibile Anche la pittura giapponese è pronta a presentare molti fatti unici e interessanti.

giappone antico

I primi stili compaiono nel periodo storico più antico del paese, addirittura prima di Cristo. e. Allora, l'arte era piuttosto primitiva. Innanzitutto, nel 300 a.C. e., apparvero varie figure geometriche, che furono realizzate su ceramica con l'aiuto di bastoncini. Una tale scoperta da parte degli archeologi come ornamento su campane di bronzo appartiene a un'epoca successiva.

Poco dopo, già nel 300 d.C. e., compaiono pitture rupestri, che sono molto più diverse ornamento geometrico. Queste sono già immagini a tutti gli effetti con immagini. Sono stati trovati all'interno delle cripte, e probabilmente le persone che vi sono dipinte sono state sepolte in questi cimiteri.

Nel VII secolo d.C. e. Il Giappone adotta la sceneggiatura che viene dalla Cina. Nello stesso periodo, i primi dipinti provengono da lì. Quindi la pittura appare come una sfera separata dell'arte.

edo

Edo è tutt'altro che il primo e non l'ultimo dipinto, ma è stata lei a portare molte novità nella cultura. In primo luogo, è la luminosità e la brillantezza che si sono aggiunte alla solita tecnica, eseguita nei toni del nero e del grigio. Maggior parte artista eccezionale Questo stile è considerato Sotasu. Ha creato dipinti classici, ma i suoi personaggi erano molto colorati. Successivamente, è passato alla natura e la maggior parte dei paesaggi è stata realizzata su uno sfondo di doratura.

In secondo luogo, durante il periodo Edo, apparve l'esotico, il genere namban. Utilizzava moderne tecniche europee e cinesi, che si intrecciavano con gli stili tradizionali giapponesi.

E in terzo luogo, appare la scuola Nang. In esso, gli artisti prima imitano completamente o addirittura copiano le opere dei maestri cinesi. Quindi appare un nuovo ramo, che si chiama bunjing.

Periodo di modernizzazione

Il periodo Edo sostituisce il Meiji, e ora la pittura giapponese è costretta a entrare nel nuovo stadio sviluppo. A quel tempo, generi come il western e simili stavano diventando popolari in tutto il mondo, quindi la modernizzazione dell'arte divenne uno stato di cose comune. Tuttavia, in Giappone, un paese in cui tutte le persone venerano le tradizioni, in tempo a disposizione le cose erano molto diverse da quanto accadeva in altri paesi. Qui la competizione tra tecnici europei e locali divampa bruscamente.

Il governo in questa fase dà la sua preferenza ai giovani artisti che mostrano grandi promesse di migliorare le loro abilità negli stili occidentali. Pertanto, li inviano alle scuole in Europa e in America.

Ma questo era solo all'inizio del periodo. Il fatto è che critici di rilievo praticamente criticato l'arte occidentale. Per evitare un grande scalpore intorno a questo problema, gli stili e le tecniche europee iniziarono a essere banditi dalle mostre, la loro esposizione si interruppe, così come la loro popolarità.

L'emergere di stili europei

Poi arriva il periodo Taisho. In questo momento, i giovani artisti che sono partiti per studiare in scuole straniere tornano in patria. Naturalmente, portano con sé nuovi stili. Pittura giapponese che sono molto simili a quelle europee. Compaiono impressionismo e postimpressionismo.

In questa fase si formano molte scuole in cui vengono fatti rivivere antichi stili giapponesi. Ma non è possibile eliminare completamente le tendenze occidentali. Pertanto, è necessario combinare diverse tecniche per accontentare sia gli amanti dei classici che i fan della moderna pittura europea.

Alcune scuole sono finanziate dallo Stato, grazie al quale si conservano molte delle tradizioni nazionali. I commercianti privati, invece, sono costretti a seguire l'esempio dei consumatori che vogliono qualcosa di nuovo, sono stanchi dei classici.

Dipinto della seconda guerra mondiale

Dopo l'inizio del tempo di guerra, la pittura giapponese rimase per qualche tempo in disparte dagli eventi. Si è sviluppato separatamente e indipendentemente. Ma non poteva andare avanti così per sempre.

Nel tempo, quando la situazione politica nel paese sta peggiorando, figure alte e rispettate attirano molti artisti. Alcuni di loro, anche all'inizio della guerra, iniziano a creare stili patriottici. Il resto avvia questo processo solo per ordine delle autorità.

Di conseguenza, le belle arti giapponesi durante la seconda guerra mondiale non furono in grado di svilupparsi particolarmente. Pertanto, per dipingere può essere definito stagnante.

Eterno Suibokuga

La pittura giapponese sumi-e, o suibokuga, significa "disegno a inchiostro". Questo definisce lo stile e la tecnica quest'arte. Veniva dalla Cina, ma i giapponesi decisero di dargli il proprio nome. E inizialmente la tecnica non aveva alcun lato estetico. Era usato dai monaci per l'auto-miglioramento mentre studiavano lo Zen. Inoltre, all'inizio disegnavano immagini e in seguito allenavano la loro concentrazione mentre le guardavano. I monaci credevano che le linee rigorose, i toni vaghi e le ombre aiutassero il miglioramento - tutto ciò che si chiama monocromatico.

La pittura a inchiostro giapponese, nonostante l'ampia varietà di dipinti e tecniche, non è così complicata come potrebbe sembrare a prima vista. Si basa su solo 4 trame:

1. Crisantemo.
2. Orchidea.
3. Ramo di prugna.
4. Bambù.

Un piccolo numero di trame non rende veloce lo sviluppo della tecnologia. Alcuni maestri credono che l'apprendimento duri tutta la vita.

Nonostante sumi-e sia apparso molto tempo fa, è sempre richiesto. Inoltre, oggi puoi incontrare i maestri di questa scuola non solo in Giappone, ma è diffusa anche ben oltre i suoi confini.

Periodo moderno

Alla fine della seconda guerra mondiale l'arte in Giappone fiorì solo nelle grandi città, i paesani e i paesani avevano abbastanza preoccupazioni. Per la maggior parte, gli artisti hanno cercato di voltare le spalle alle perdite della guerra e rappresentare su tela la vita urbana moderna con tutti i suoi abbellimenti e le sue caratteristiche. Le idee europee e americane furono adottate con successo, ma questo stato di cose non durò a lungo. Molti maestri iniziarono ad allontanarsi gradualmente da loro verso le scuole giapponesi.

È sempre rimasto di moda. Pertanto, la pittura giapponese moderna può differire solo nella tecnica di esecuzione o nei materiali utilizzati nel processo. Ma la maggior parte degli artisti non percepisce bene le varie innovazioni.

Per non parlare della moda sottoculture moderne come anime e stili simili. Molti artisti stanno cercando di offuscare il confine tra i classici e ciò che è richiesto oggi. Per la maggior parte, questo stato di cose è dovuto al commercio. I classici ei generi tradizionali non vengono effettivamente acquistati, quindi non è redditizio lavorare come artista nel tuo genere preferito, devi adattarti alla moda.

Conclusione

Indubbiamente, la pittura giapponese è uno scrigno di belle arti. Forse il paese in questione è rimasto l'unico che non ha seguito le tendenze occidentali, non si è adattato alla moda. Nonostante i molti colpi subiti durante l'avvento delle nuove tecniche, gli artisti giapponesi sono comunque riusciti a difendere le tradizioni nazionali in molti generi. Questo è probabilmente il motivo per cui, nei tempi moderni, i dipinti realizzati in stili classici sono molto apprezzati nelle mostre.

Il mondo di oggi è spesso accusato di una crisi spirituale, della distruzione dei legami con le tradizioni, della globalizzazione, che inevitabilmente assorbe i fondamenti nazionali. Tutto è personalizzato e spersonalizzato allo stesso tempo. Se potessimo dividere la cosiddetta arte classica scuole nazionali e immagina che lì arte italiana cos'è l'arte tedesca e cos'è il francese; allora possiamo dividere l'arte contemporanea nelle stesse “scuole”?

In risposta a questa domanda, vorrei sottoporre alla vostra attenzione l'arte contemporanea giapponese. In una conferenza a Museo d'Arte Mori sul tema dell'internazionalismo nell'arte contemporanea lo scorso anno, il professore dell'Università di Tokyo Michio Hayashi ha suggerito che la percezione popolare di "giapponesità" in Occidente è stata cementata negli anni '80 dalla trinità di "kitsch", "naturalezza" e "complessità tecnologica" ”. Oggi, l'arte contemporanea giapponese popolare, e soprattutto commerciale, può ancora essere collocata in questo triangolo. Per lo spettatore occidentale, rimane misterioso e originale per le caratteristiche specifiche inerenti solo all'arte del Paese del Sol Levante. Ad agosto, Occidente ed Oriente si sono incontrati in tre luoghi d'arte contemporaneamente: fino all'8 agosto a Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan) si è tenuta la mostra “Duality of Existence – Post-Fukushima”, la mostra “teamLab: Ultra Subjective Space” durato fino al 15 agosto è praticamente nelle vicinanze (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); e il “Ciclo di Arhat” di Takashi Murakami a Palazzo Reale, a Milano, continua ancora oggi a conquistare e stupire i visitatori.

Tutte le opere esposte sono state create dopo l'11 marzo 2011, quando lo tsunami colpì il Giappone. Il disastro nucleare della centrale nucleare di Fukushima ha radunato la nazione, ha reso necessario riconsiderare priorità e valori e tornare a tradizioni a lungo dimenticate. L'arte non poteva farsi da parte e ha presentato al mondo un nuovo tipo di artista, focalizzato sui bisogni del pubblico moderno e allo stesso tempo onorando i fondamenti e i valori storici.

Takashi Murakami - spot pubblicitario artista di successo, che ha reso popolare il techno kitsch e ha creato un nuovo linguaggio visivo superpiatto, basato sulle tradizioni della pittura nihonga giapponese e sulle specificità di anime e manga. L'ideologia delle sue sculture replicate e delle sue installazioni oltraggiose doveva dimostrare il cambiamento in Giappone dopo la guerra, quando il consumismo divenne prevalente. Ma l'11 marzo 2011 ha diviso la vita del Giappone in "prima" e "dopo", come due terribili giorni dell'agosto 1945, quando le bombe nucleari furono sganciate su Hiroshima e Nagasaki. Dopo quel forte terremoto, che ha portato a terribili conseguenze, Murakami ha intrapreso la strada del ripensamento del buddismo e dell'estetica giapponese, ha fatto un passo verso il ritorno alle origini e alla spiritualità. La prima opera che ha dato inizio al ciclo degli Arhats è 500 Arhats, esposta alla mostra personale di Takashi Murakami a Doha, in Qatar, nel 2012. Il ritorno ai temi buddisti è spiegato dall'autore come un tentativo di rendersi conto che in questo mondo non ci siamo solo noi, che ci sono forze che sono indipendenti da noi, e che dobbiamo migliorare ogni volta per smettere di essere dipendenti dal nostro propri desideri e affetti. Un fitto muro di arhat, come se proteggesse il pubblico dagli elementi furiosi per tutti i 100 metri della tela, ha instillato pace e tranquillità nell'anima di tutti. Ma Murakami non si è limitato a un'unica opera e ha continuato il ciclo di dipinti, integrando ed espandendo la narrazione, come se usasse una tecnica manga e raccontasse una storia in visual design. La seconda parte del ciclo è stata presentata alla Blum & Poe Gallery (Los Angeles) nel 2013. Oggi, a Milano, gli arhat girano il mondo per la terza volta, diffondendo l'idea di un ritorno alla spiritualità e alla rinuncia alle passioni. Nonostante l'edificazione e la profondità del significato, i dipinti sono facilmente percepibili a causa della decisione cromatica audace e brillante, il linguaggio artistico stesso. Gli elementi manga hanno portato loro quella quota necessaria di divulgazione in modo che le idee trasmesse del buddismo fossero facilmente lette e accettate anche dal pubblico non iniziato.

Il prossimo rappresentante della pittura giapponese moderna può essere chiamato Kazuki Umezawa, allievo di Murakami, che ci riporta alla questione della scuola e della continuità. Crea rendering digitali di personaggi degli anime disegnandoli sopra adesivi per creare maggiore profondità e caos visivo. Partendo da immagini casuali e sparse su Internet, costruisce collage, scompone sfondi, crea mandala che riflettono la struttura e il contenuto dell'immaginazione degli otaku (appassionati di anime e manga). Il richiamo al simbolo buddista esalta il valore semantico delle opere del giovane artista, collegando, da un lato, il sacro e il consolidato nella cultura, dall'altro, questioni contemporanee, ma ancora una volta con l'inclusione di uno specifico fenomeno giapponese: l'anime.

Takashi Murakami e Kazuki Umezawa bilanciano abilmente tra attualità e tradizione, kitsch e stile.

Sorprendentemente, dopo il terremoto dell'11 marzo 2011 in Giappone, un ragazzo di 16 anni che è rimasto intrappolato sotto le macerie della sua casa per nove giorni ed è stato salvato, alla domanda di un giornalista sui suoi sogni futuri, ha risposto: “Io vuoi diventare un artista”.

La scena artistica giapponese moderna sembra essere completamente globalizzata. Gli artisti viaggiano tra Tokyo e New York, quasi tutti hanno ricevuto un'istruzione europea o americana, parlano del loro lavoro nell'arte internazionale inglese. Tuttavia, questo quadro è lungi dall'essere completo.

Le forme e le tendenze nazionali si stanno dimostrando uno degli articoli più ricercati che il Giappone ha da offrire al mercato mondiale. idee artistiche e funziona.

funzionamento aereo. Come superflat combina la cultura geek americana e la pittura tradizionale giapponese

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Se nel mondo occidentale per quasi tutti (tranne forse i più accaniti teorici postmoderni) il confine tra alto e cultura popolareè ancora rilevante, anche se problematico, in Giappone questi mondi sono totalmente mescolati.

Ne è un esempio Takashi Murakami, che combina con successo mostre nelle migliori gallerie del mondo e produzione in streaming.

Registrazione del tour della mostra di Murakami "Ci sarà una pioggia gentile"

Tuttavia, il rapporto di Murakami con la cultura popolare - e per il Giappone questa è principalmente la cultura dei fan di manga e anime (otaku) - è più complicato. Il filosofo Hiroki Azuma critica la comprensione dell'otaku come un autentico fenomeno giapponese. Gli Otaku si considerano direttamente collegati alle tradizioni del periodo Edo dei secoli XVII-XIX - l'era dell'isolazionismo e il rifiuto della modernizzazione. Azuma sostiene che il movimento otaku - basato su manga, animazione, graphic novel, giochi per computer - potrebbe essere sorto solo nel contesto dell'occupazione americana del dopoguerra come risultato dell'importazione della cultura americana. L'arte di Murakami e dei suoi seguaci reinventa l'otaku con tecniche pop art e sfata il mito nazionalista dell'autenticità della tradizione. Rappresenta una "riamericanizzazione della cultura americana giapponese".

Da un punto di vista artistico, il superflat è il più vicino alla prima pittura giapponese ukiyo-e. L'opera più famosa di questa tradizione è l'incisione " Una grande onda a Kanagawa" di Katsushiki Hokusai (1823-1831).

Per il modernismo occidentale, la scoperta della pittura giapponese è stata una svolta. Ha permesso di vedere l'immagine come un piano e cerca di non superare questa sua particolarità, ma di lavorarci.

Katsushiki Hokusai. "La grande onda al largo di Kanagawa"

Pionieri della performance. Cosa significa oggi l'arte giapponese degli anni '50

Documentazione del processo creativo di Akira Kanayama e Kazuo Shiraga

Superflat ha preso forma solo negli anni 2000. Ma le azioni artistiche significative per l'arte mondiale sono iniziate in Giappone molto prima, e anche prima che in Occidente.

La svolta performativa nell'arte è avvenuta a cavallo tra gli anni '60 e '70 del secolo scorso. In Giappone, la performance è apparsa negli anni Cinquanta.

Per la prima volta il Gruppo Gutai ha spostato il proprio focus dalla creazione di oggetti autosufficienti al processo della loro produzione. Da qui - un passo all'abbandono dell'oggetto d'arte in favore di un evento effimero.

Sebbene i singoli artisti di Gutai (e ce ne fossero stati 59 in vent'anni) esistessero attivamente nel contesto internazionale, capire come la loro attività collettiva dell'arte giapponese del dopoguerra in generale sia iniziata in Occidente abbastanza di recente. Il boom è arrivato nel 2013 con diverse mostre in piccole gallerie a New York e Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde al MoMA e la massiccia retrospettiva storica Gutai: Splendid Playground al Guggenheim Museum. L'importazione di arte giapponese da Mosca sembra essere una continuazione quasi tardiva di questa tendenza.

Sadamasa Motonaga. Opera (Acqua) al Museo Guggenheim

È sorprendente quanto siano moderne queste mostre retrospettive. Ad esempio, l'oggetto centrale dell'esposizione al Guggenheim Museum è la ricostruzione di Work (Water) di Sadamasa Motonaga, in cui i livelli della rotonda del museo sono collegati da tubi in polietilene con acqua colorata. Ricordano pennellate che sono state strappate dalla tela ed esemplificano l'attenzione centrale di Gutai sulla "concretezza" (tradotto da nome giapponese gruppi), la materialità degli oggetti con cui l'artista lavora.

Molti membri di Gutai hanno ricevuto un'educazione legata alla pittura classica nihonga, molti sono legati biograficamente al contesto religioso del buddismo zen, alla sua caratteristica calligrafia giapponese. Tutti loro hanno trovato un approccio nuovo, procedurale o partecipativo, alle antiche tradizioni. Kazuo Shiraga ha filmato come disegna i suoi monocromi anti-Rauschenberg con i suoi piedi e ha persino creato dipinti in pubblico.

Minoru Yoshida ha trasformato i fiori delle stampe giapponesi in oggetti psichedelici: un esempio di questo è il fiore bisessuale, una delle prime sculture cinetiche (in movimento) al mondo.

I curatori della mostra al Guggenheim Museum parlano del significato politico di queste opere:

"Il Gutai ha dimostrato l'importanza della libera azione individuale, della demolizione delle aspettative del pubblico e persino della stupidità come modi per contrastare la passività sociale e il conformismo che, nel corso di decenni, hanno permesso a un governo militarista di ottenere una massa critica di influenza, invadere la Cina e poi partecipare alla seconda guerra mondiale".

Buono e saggio. Perché gli artisti hanno lasciato il Giappone per l'America negli anni '60

Gutai era l'eccezione alla regola nel Giappone del dopoguerra. I gruppi d'avanguardia rimasero marginali, il mondo dell'arte era strettamente gerarchico. La via principale per il riconoscimento era la partecipazione a concorsi indetti da associazioni riconosciute di artisti classici. Pertanto, molti hanno preferito andare in Occidente e integrarsi nel sistema artistico in lingua inglese.

Era particolarmente difficile per le donne. Anche nel progressivo Gutai, la quota della loro presenza non ha raggiunto nemmeno un quinto. Cosa possiamo dire delle istituzioni tradizionali, per l'accesso alle quali era necessario educazione speciale. Negli anni Sessanta le ragazze ne avevano già acquisito il diritto, tuttavia, imparando l'arte (se non si trattava di decorazione, che faceva parte del set di abilità ryosai kenbo- una brava moglie e una madre saggia) era un'occupazione socialmente disapprovata.

Yoko Ono. pezzo tagliato

La storia dell'emigrazione di cinque potenti artiste giapponesi da Tokyo negli Stati Uniti è stata oggetto dello studio di Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi e Shigeko Kubota all'inizio della loro carriera hanno deciso di partire per New York e hanno lavorato lì, anche sulla modernizzazione delle tradizioni dell'arte giapponese. Solo Yoko Ono è cresciuta negli Stati Uniti, ma ha anche deliberatamente rifiutato di tornare in Giappone, essendo rimasta delusa dalla gerarchia artistica di Tokyo durante il suo breve soggiorno nel 1962-1964.

Ono divenne la più famosa delle cinque, non solo come moglie di John Lennon, ma anche come autrice di spettacoli proto-femministi dedicati all'oggettivazione. corpo femminile. Ci sono evidenti parallelismi tra Cut Piece It, in cui il pubblico potrebbe tagliare pezzi dei vestiti dell'artista, e "Rhythm 0" della "nonna della performance" Marina Abramović.

Su gambe corte. Come superare la formazione di recitazione dell'autore Tadashi Suzuki

Nel caso di Ono e Gutai, i metodi ei temi del loro lavoro, separati dagli autori, sono diventati significativi a livello internazionale. Esistono altre forme di esportazione - quando le opere dell'artista sono percepite con interesse nell'arena internazionale, ma il prestito del metodo effettivo non avviene a causa della sua specificità. Il caso più eclatante è il sistema di addestramento alla recitazione di Tadashi Suzuki.

Il Teatro Suzuki è amato anche in Russia, e questo non sorprende. L'ultima volta che è stato con noi è stato nel 2016 con lo spettacolo Le Troiane basato sui testi di Euripide, e negli anni 2000 è venuto più volte con produzioni di Shakespeare e Cechov. Suzuki ha trasferito l'azione delle commedie all'attuale contesto giapponese e ha offerto interpretazioni non ovvie dei testi: ha scoperto l'antisemitismo in Ivanov e lo ha confrontato con l'atteggiamento sdegnoso dei giapponesi nei confronti dei cinesi, ha trasferito l'azione di Re Lear a un manicomio giapponese.

Suzuki ha costruito il suo sistema in opposizione alla scuola di teatro russa. Alla fine del XIX secolo, durante il cosiddetto periodo Meiji, il Giappone imperiale in via di modernizzazione conobbe l'ascesa di movimenti di opposizione. Il risultato fu un'occidentalizzazione su larga scala di una cultura precedentemente estremamente chiusa. Tra le forme importate c'era il sistema Stanislavsky, che rimane ancora in Giappone (e in Russia) uno dei principali metodi di regia.

Esercizi Suzuki

Negli anni Sessanta, quando Suzuki iniziò la sua carriera, si stava diffondendo sempre di più la tesi che a causa delle loro caratteristiche corporee, gli attori giapponesi non potessero abituarsi ai ruoli dei testi occidentali che riempivano il repertorio di allora. Il giovane regista ha saputo offrire l'alternativa più convincente.

Il sistema di esercizi di Suzuki, chiamato leg grammar, include dozzine di modi per sedersi e ancora di più per stare in piedi e camminare.

I suoi attori di solito recitano a piedi nudi e sembrano, abbassando il baricentro, il più possibile legati al suolo, pesanti. Suzuki insegna loro e agli artisti stranieri la sua tecnica nel villaggio di Toga, in antiche case giapponesi piene di attrezzature moderne. La sua compagnia dà solo circa 70 spettacoli all'anno, e il resto del tempo vive, quasi senza lasciare il villaggio e non avendo tempo per gli affari personali - solo lavoro.

Il Toga Center è apparso negli anni '70 ed è stato progettato su richiesta del direttore dall'architetto di fama mondiale Arata Isozaka. Il sistema di Suzuki potrebbe sembrare patriarcale e conservatore, ma lui stesso parla di Toga in termini moderni di decentramento. Anche a metà degli anni 2000, Suzuki ha compreso l'importanza di esportare l'arte dalla capitale alle regioni e organizzare punti di produzione locali. Secondo il regista, la mappa teatrale del Giappone assomiglia per molti versi a quella russa: l'arte è concentrata a Tokyo e un po' meno centri maggiori. teatro russo anche una compagnia che va regolarmente in tournée nelle piccole città e ha sede lontano dalla capitale non guasterebbe.

Centro aziendale SCOT a Toga

Sentieri fioriti. Quale risorsa ha scoperto il teatro moderno nei sistemi noh e kabuki?

Il metodo Suzuki nasce da due antiche tradizioni giapponesi, ma anche dal kabuki. Non è solo che questi tipi di teatro sono spesso caratterizzati come l'arte di camminare, ma anche in dettagli più evidenti. Suzuki segue spesso la regola sull'esecuzione di tutti i ruoli da parte degli uomini, utilizza soluzioni spaziali caratteristiche, ad esempio hanamichi ("il percorso dei fiori") del campione kabuki - una piattaforma che si estende dal palco alle profondità dell'auditorium. Sfrutta anche simboli abbastanza riconoscibili come fiori e pergamene.

Certo, dentro mondo globale non si tratta del privilegio dei giapponesi di usare le loro forme nazionali.

Il teatro di uno dei registi più significativi del nostro tempo, l'americano Robert Wilson, è stato costruito su prestiti di ma.

Non solo utilizza maschere e trucchi che ricordano al pubblico di massa il Giappone, ma prende in prestito anche modi di agire basati sul massimo rallentamento del movimento e sull'espressività autosufficiente del gesto. Combinando forme tradizionali e rituali con partiture luminose all'avanguardia e musica minimalista (una delle più opere famose Wilson - una produzione dell'opera di Philip Glass "Einstein on the Beach"), Wilson produce essenzialmente la sintesi di origini e rilevanza a cui tende gran parte dell'arte moderna.

Roberto Wilson. "Einstein sulla spiaggia"

Dal noh e dal kabuki è cresciuto uno dei pilastri della danza moderna - butoh, tradotto letteralmente - la danza dell'oscurità. Inventato nel 1959 dai coreografi Kazuo Ono e Tatsumi Hijikata, che si ispiravano anche a un baricentro basso e alla concentrazione sui piedi, il butoh intendeva portare nella dimensione corporea i riflessi delle traumatiche esperienze di guerra.

“Hanno mostrato il corpo malato, che crolla, persino mostruoso, mostruoso.<…>I movimenti sono lenti o volutamente acuti, esplosivi. Per questo viene utilizzata una tecnica speciale, quando il movimento viene eseguito come se non coinvolgesse i muscoli principali, a causa delle leve ossee dello scheletro", la storica della danza Irina Sirotkina iscrive il butoh nella storia della liberazione del corpo, collega esso con l'allontanamento dalla normatività del balletto. Confronta il butoh con le pratiche di ballerini e coreografi dell'inizio del XX secolo: Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, parla dell'influenza sulla successiva danza "postmoderna".

Un frammento della danza di Katsura Kana, il moderno successore della tradizione butoh

Oggi il butoh nella sua forma originaria non è più una pratica d'avanguardia, ma una ricostruzione storica.

Tuttavia, il vocabolario del movimento sviluppato da Ono, Hijikata e dai loro seguaci rimane una risorsa significativa per i coreografi moderni. In Occidente è utilizzato da Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky e persino nel video di “Belong To The World” di The Weekend. In Giappone, il successore della tradizione butoh è, ad esempio, Saburo Teshigawara, che verrà in Russia ad ottobre. Sebbene lui stesso neghi i parallelismi con la danza dell'oscurità, i critici trovano segni abbastanza riconoscibili: un corpo apparentemente disossato, fragilità, passo silenzioso. È vero, sono già inseriti nel contesto della coreografia postmoderna - con il suo ritmo elevato, le corse, il lavoro con la musica noise postindustriale.

Saburo Teshigawara. metamorfosi

Localmente globale. In che modo l'arte giapponese contemporanea è simile all'arte occidentale?

Le opere di Teshigawara e di molti dei suoi colleghi si inseriscono organicamente nei programmi dei migliori festival di danza contemporanea occidentali. Se scorri le descrizioni degli spettacoli e degli spettacoli che sono stati mostrati al Festival / Tokyo, il più grande spettacolo annuale del teatro giapponese, sarà difficile notare differenze fondamentali rispetto alle tendenze europee.

Uno dei temi centrali è la site-specificity: gli artisti giapponesi esplorano gli spazi di Tokyo, spaziando da ammassi di capitalismo sotto forma di grattacieli ad aree marginali di concentrazione di otaku.

Altro tema è lo studio dell'incomprensione intergenerazionale, il teatro come luogo di incontro vivo e di comunicazione organizzata di persone di età diverse. I progetti a lei dedicati di Toshika Okada e Akira Tanayama sono stati portati a Vienna per diversi anni consecutivi in ​​uno dei principali festival europei di arti dello spettacolo. Non c'era nulla di nuovo nel trasferimento sul palco di materiali documentari e storie personali alla fine degli anni 2000, ma il curatore del Festival di Vienna ha presentato al pubblico questi progetti come un'opportunità di contatto dal vivo, punto a punto, con un altro cultura.

Un'altra linea principale sta lavorando attraverso l'esperienza traumatica. Per i giapponesi, non è associato al Gulag o all'Olocausto, ma al bombardamento di Hiroshima e Nagasaki. Il teatro fa costantemente riferimento a lui, ma l'affermazione più potente sulle esplosioni atomiche come momento della genesi di tutta la cultura giapponese moderna appartiene ancora a Takashi Murakami.

alla mostra “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" è il titolo del suo progetto curato mostrato a New York nel 2005. "Little Boy" - "baby" in russo - il nome di una delle bombe sganciate sul Giappone nel 1945. Collezionando centinaia di fumetti manga dei principali illustratori, distintivi giocattoli vintage, merchandising ispirato a famosi anime da Godzilla a Hello Kitty, Murakami ha spinto al limite la concentrazione di carineria - kawaii - nello spazio museale. Parallelamente, ha lanciato una selezione di animazioni in cui immagini centrali c'erano immagini di esplosioni, terra nuda, città distrutte.

Questa opposizione è stata la prima grande affermazione sull'infantilizzazione della cultura giapponese come un modo per far fronte al disturbo da stress post-traumatico.

Ora questa conclusione sembra già ovvia. Su di esso si basa uno studio accademico sul kawaii di Inuhiko Yomota.

Ci sono anche trigger traumatici successivi. Tra i più importanti: gli eventi dell'11 marzo 2011, il terremoto e lo tsunami che hanno provocato un grave incidente nella centrale nucleare di Fukushima. Al Festival/Tokyo-2018, un intero programma di sei spettacoli è stato dedicato alla comprensione delle conseguenze di un disastro naturale e tecnologico; sono diventati anche il tema di uno dei lavori presentati a Solyanka. Questo esempio mostra chiaramente che l'arsenale metodi critici L'arte occidentale e quella giapponese non sono fondamentalmente diverse. Haruyuki Ishii crea un'installazione di tre televisori che riproducono in loop filmati ad alta velocità di programmi televisivi sul terremoto.

“L'opera è composta da 111 video che l'artista guardava ogni giorno nei telegiornali fino al momento in cui tutto ciò che vedeva non veniva più percepito come finzione”, spiegano i curatori. "New Japan" è un esempio espressivo di come l'arte non resista all'interpretazione basata sui miti nazionali, ma allo stesso tempo occhio critico rileva che la stessa interpretazione potrebbe essere rilevante per l'arte di qualsiasi origine. I curatori parlano della contemplazione come fondamento della tradizione giapponese, attingendo a citazioni da Lao Tzu. Allo stesso tempo, come se tralasciasse la parentesi che quasi tutta l'arte contemporanea è incentrata sull'“effetto osservatore” (così si chiama la mostra) - sia nella forma di creare nuovi contesti per la percezione di fenomeni familiari sia nel sollevare la questione della possibilità di una percezione adeguata in quanto tale.

Comunità immaginate - un'altra opera del video artista Haruyuki Ishii

Gioco

Tuttavia, non si deve pensare che il Giappone degli anni 2010 sia un concentrato di progressività.

Le abitudini del buon vecchio tradizionalismo e l'amore per l'esotismo orientalista non sono ancora sopravvissute. "The Theatre of Virgins" è il titolo di un articolo piuttosto ammirato sul teatro giapponese "Takarazuka" nella rivista conservatrice russa "PTJ". Takarazuka apparve alla fine del XIX secolo come progetto imprenditoriale per attirare i turisti in una remota città con lo stesso nome, che divenne accidentalmente il capolinea di una stazione privata ferrovia. Nel teatro recitano solo ragazze non sposate che, secondo il proprietario della ferrovia, avrebbero dovuto attirare gli spettatori maschi in città. Oggi Takarazuka funziona come un'industria, con il proprio canale televisivo, denso programma del concerto, anche il parco divertimenti locale. Ma solo le ragazze non sposate hanno ancora il diritto di far parte della troupe - speriamo almeno che non controllino la verginità.

Tuttavia, Takarazuka impallidisce rispetto al club Toji Deluxe di Kyoto, che i giapponesi chiamano anche teatro. Si mostrano assolutamente selvaggi, a giudicare da descrizione L'editorialista del New Yorker Ian Buruma, spettacolo di spogliarello: diverse ragazze nude sul palco trasformano la dimostrazione dei genitali in un rito pubblico.

Come molte pratiche artistiche, anche questo spettacolo si basa su antiche leggende (con l'aiuto di una candela e di una lente d'ingrandimento, gli uomini del pubblico potevano a turno esplorare i “segreti della dea madre Amaterasu”), e lo stesso autore ha ricordato della tradizione no.

Ricerca controparti occidentali per "Takarazuki" e Toji lo lasceremo al lettore - non è difficile trovarli. Notiamo solo che una parte significativa dell'arte moderna è diretta proprio alla lotta contro tali pratiche di oppressione - sia occidentali che giapponesi, che vanno dal superflat alla danza butoh.

Nonostante il Giappone sia considerato un paese di tecnologie in ascesa in tutto il mondo, l'arte contemporanea contemporanea non ha fretta di rompere i legami con la tradizione. La mostra “Mono no Avare. Il fascino delle cose” è una triste storia sulla condizione umana nell'era della plastica.

Mono no aware - un principio estetico caratteristico della cultura giapponese, che ha dato il nome alla mostra, significa il fascino triste delle cose, un sentimento di fascino per la bellezza ovvia e implicita delle cose e dei fenomeni, con un'ombra obbligatoria di tristezza senza causa causata da un senso della natura illusoria e della fragilità di tutto ciò che è visibile. È indissolubilmente legato alla religione tradizionale giapponese dello shintoismo. Gli shintoisti credono che tutte le cose siano dotate dell'essenza spirituale "kami". Esiste in qualsiasi oggetto: sia nel legno che nella pietra. I "Kami" sono immortali e sono inclusi nel ciclo della vita e della morte, attraverso il quale tutto nel mondo viene costantemente aggiornato.

E sebbene l'arte contemporanea parli una lingua internazionale, l'arte contemporanea giapponese presentata in questa mostra è vista meglio dal punto di vista delle loro tradizioni.

L'installazione introduttiva dell'artista Hiraki Sawa ha occupato un'intera stanza, ed è un teatro delle ombre dove gli attori sono utensili domestici. È stato costruito secondo il principio di una ferrovia per bambini. Un treno con una torcia attraversa il paesaggio creato dall'artista, un raggio di luce fa nascere un macro mondo dal micro mondo delle cose. E ora è già Boschetto di betulle e non verticale matite in piedi; e queste sono linee elettriche nei campi e non mollette appese; e una bacinella di plastica capovolta con manici è un tunnel. L'opera si chiama "Inside", è stata esposta alla Biennale di Venezia in precedenza.

La pittura di Shinishiro Kano può essere definita surrealismo primitivo. Nella natura morta di Kano, un pallone da basket, il pianeta Terra e la frutta sono in un piatto.

Non c'è un dipinto in sé nel dipinto, ma solo una cornice dipinta a olio. Su una tela, la figura di una divinità in kimono rosso è abbinata a un asciugamano rosso appeso a un gancio sull'altra. Non è questa serie pittorica sulla natura illusoria del mondo? O forse che ogni cosa ha un kami.

Nel dipinto di Masaya Chiba, sullo sfondo di una bellissima giungla, ci sono due figure: creature antropomorfe decrepite dalla materia bianca, a malapena somiglianti a un uomo e una donna. Sono fissati su bastoncini come marionette teatrali orientali. La materia è mortale, è solo un guscio - come se l'autore volesse dircelo. Il suo altro lavoro pittorico "Sleeping Man" è più o meno lo stesso. Non c'è nessuna persona nella foto, solo una manciata di cose sul pouf: vecchie fotografie e cartoline, cactus cresciuti, guanti, nastri preferiti, un barattolo di spezie e un set di strumenti.

L'artista Teppei Kanueji “scolpisce” (oggetto costruito) la sua persona secondo lo stesso principio: incolla la spazzatura domestica sotto forma di una creatura antropomorfa e la ricopre di vernice bianca.

Un enorme mandala è rivestito di sale sul pavimento; questo è un rituale tradizionale del tempio per il Giappone, apparentemente proveniente dal buddismo. Un gioiello del genere cattura lo spirito di un labirinto o di una mappa di una terra misteriosa, e quanto è bello che non ci sia vento nel museo. Questa installazione è unica, l'artista l'ha realizzata per diversi giorni tra le mura del museo. C'è anche un'interessante tradizione giapponese: prima del combattimento, i lottatori di sumo cospargono di sale il terreno.

L'installazione di Hiroaki Morita "From Evian to Volvik" apre piuttosto a argomento interessante moderno per il Giappone - lavorazione della plastica. Sullo scaffale di vetro giace una bottiglia di acqua Evian, la cui ombra cade esattamente nel collo di un'altra bottiglia di Volvik in piedi sul pavimento. Crea l'illusione che l'acqua scorra da una bottiglia all'altra. Assurdo a prima vista. Per i giapponesi, quest'opera concettuale non simboleggia solo il ciclo dei "kami", cioè l'essenza spirituale, ma anche in letteralmente il principio del riciclo - riciclaggio. Come nazione insulare, il Giappone è stato uno dei primi a imparare a raccogliere, smistare e riciclare i rifiuti di plastica. Dal materiale risultante, non solo vengono ricostruite nuove bottiglie e scarpe da ginnastica, ma vengono create anche isole artificiali.

L'installazione di Teppei Kuneuji a prima vista ricorda una stazione di smistamento dei rifiuti. Gli oggetti di plastica sono disposti qui in diverse sequenze: palette, stampini, giocattoli vari, appendini, spazzolini da denti colorati, tubi, bicchieri e altro. Cosparse di polvere bianca, sembra che giacciano qui per un'eternità. Quando si cammina tra questi oggetti familiari, ma ormai non utilizzati, contemplandoli già distaccati, si ha la sensazione di una meditazione in un giardino roccioso. Nei suoi collage di foto, Teppei Kuneuji costruisce "mentalmente" torrette con i detriti di costruzione. Ma queste non sono catene cinetiche come quelle del duo artistico Fishli e Weiss, ma come un edificio sacro buddista in cui la pietra poggia sulla pietra senza legare il materiale.

L'artista Suda Yoshihiro ha collocato una rosa rosa in legno abilmente realizzata con un petalo caduto tra i vetri della finestra del museo che si affaccia sulla Moika. Guardando questo intervento molto sottile e poetico nel museo, voglio iniziare a parlare in versi giapponesi nel genere haiku, come: “Inverno. Anche una rosa in un museo fiorisce per sempre.

Un'altra opera non meno poetica, The Opposite of Volume, di Onishi Yasuaki si riferisce all'opera del pittore medievale e monaco zen Toyo Sesshu. Questo classico giapponese è famoso per essere portato nel paese Alba Disegno a inchiostro monocromatico cinese.

L'installazione di Yasuaki è una sagoma tridimensionale in polietilene grigio di una montagna, con getti (come pioggia) di plastica liquida ghiacciata che cadono su di essa dal soffitto. Dicono di fare una montagna "vuota" sotto un acquazzone, come con un monocromo Dipinti di Toyo Sessu, l'artista ha dovuto costruire una montagna di scatole, ricoprirla di sottile polietilene, e poi gocciolare plastica calda dal soffitto.

Infine l'installazione Kengo Kito: ghirlande di cerchi sportivi di plastica colorata pendenti, come “saluti giapponesi”, portate in Russia per Olimpiadi. È curioso che la mostra "Il fascino delle cose" utilizzi la plastica come materiale con cui gli artisti giapponesi toccano temi non solo ambientali ma anche spirituali.