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슈베르트의 성악 작업을 간략하게 소개합니다. 주제에 대한 체계적인 메시지: "프란츠 슈베르트

피아노 반주 "Winter Way"가있는 보컬 미니어처의주기는 비극적 인 창의력의 정점입니다. 프란츠 슈베르트 . 절망, 우울, 추위는 음악의 분위기와 일치합니다. 시간은 얼음 속에 얼어붙은 것 같고, 길밖에는 아무것도 없다.

창조의 역사 "겨울길" Schubert, 작업 내용 및 많은 흥미로운 사실은 우리 페이지에서 읽습니다.

창조의 역사

1827년 유명한 독일 작가 빌헬름 뮐러(Wilhelm Müller)의 동명 시집을 읽은 후 사이클을 작곡한다는 아이디어가 떠올랐습니다. 이 기간 동안 운명은 낭만적인 작곡가에게 잔인한 농담을 했습니다. 그는 궁핍한 삶을 살기 직전에 적극적으로 구했습니다. 영구적인 장소작품, 에세이는 독일이나 스위스에서 출판되지 않았습니다. 프란츠는 비엔나 오페라의 궁정 악대장 자리에서 거절당했습니다. 그는 또한 다른 직업도 거부당했습니다. 마침내 자신에 대한 믿음을 잃고 우울한 상태에 빠졌습니다.

그는 가장 좋아하는 작가인 뮐러가 최근 출판한 시집을 읽기 전까지는 작곡을 할 수 없었습니다. 시의 내용을 영혼 깊숙이 꿰뚫은 슈베르트는시 선택에 적극적으로 참여하기 시작했습니다. 오랫동안 그는 저자의 가장 중요한 작품을 선택하려고 노력했지만 할 수 없었기 때문에 24 구절이 모두 사이클에 포함되었습니다. 그러나 Franz는 순서를 변경했습니다. 처음에는 12곡만 포함된 1부가 작곡되었습니다.

글을 쓸 당시 슈베르트는 뚜렷한 우울 상태에 있었습니다. 그와 가까운 사람들은 그가 도덕적으로 우울한 무언가에 크게 화를 냈다고 회상했습니다. 그의 외모 전체가 피로를 말해줍니다. 그는 곧 새로운 작품을들을 수있을 것이라는 모든 질문에 답했습니다. 당신이 그 말을 들으면 내 상태가 당신에게 분명해질 것입니다.

그 후 그는 친한 친구를 Schober에 초대하여 "끔찍한"노래를 들었습니다. 그곳에서 그는 사이클의 첫 번째 부분을 수행했습니다. 청취자들은 음악의 절망에 부담을 느꼈습니다. 모두 "Lipa"라는 노래 만 좋아한다고 만장일치로 인정했습니다. Schubert는 기분이 상했고이 모든 노래가 이전에 작곡 한 것보다 천 배 더 낫다고 말했습니다. 그럼에도 불구하고 작곡가의 생애 동안 많은 귀족 집에서 노래가 들렸습니다.

Schubert는 이미 아팠을 때주기의 두 번째 부분을 편집했습니다. 작곡가는 사이클 초연을 보지 않고 사망했습니다. 프란츠가 세상을 떠난 지 한 달 후, 출판사 중 한 사람이 컬렉션 출판을 수락하는 데 동의했습니다. 노래가 인기를 얻었습니다. 1828년 1월, 비엔나 음악 애호가 협회(Vienna Society of Music Lovers)에서 미니어처의 전체 주기가 중단 없이 공연되었습니다. 연주자는 뛰어난 가창력을 지닌 대학교수였다.

흥미로운 사실

2001년 12월, The Winter Road의 음악과 줄거리에 맞춰 같은 이름의 발레가 상연되었습니다. 발레 버전의 제작은 John Neumeier의 것입니다. 다소 표현적인 오케스트레이션은 Hans Zehnder의 발레 해석을 위해 특별히 만들어졌습니다. 초연은 비평가들로부터 엇갈린 리뷰를 남겼습니다.
주기는 테너를 위해 작성되었지만 남성과 여성 모두 다른 목소리에 대한 수많은 해석이 있습니다.
유럽에서는 작품집이 가장 많이 공연되고 인기있는 사이클이며 러시아에서는 The Winter Road가 큰 무대에서 거의 공연되지 않습니다.
Franz는 보컬 작업에 진지하게 관심이 있었고 젊고 재능있는 작곡가가 발을 딛도록 돕고 싶었습니다. 불행히도 베토벤은 곧 사망했습니다.

최고의 연기자는 Dietrich Fischer-Dieskau와 Gerald Moore입니다. 지금까지 그들의
평생 동안 그는 2주기를 포함하여 600곡 이상의 노래를 작곡했습니다.
Wilhelm Müller는 겨우 19세에 The Winter Journey를 썼습니다.
슈베르트의 유일한 협주곡은 1828년에 발표되었으며, 주기의 1부 발표에 전념했으며 많은 피아노 미니어처도 포함되어 있다는 점은 주목할 만합니다. 공연은 성공적이었지만 금방 잊혀졌다.

콘텐츠

"는 24개의 보컬 미니어처로 구성된 뮤지컬 컬렉션입니다. 집 구별되는 특징모든 숫자를 연결하는 뚜렷한 스토리 라인입니다.

서정적 영웅의 빈곤은 미래에 대한 확신을 줄 수 없기 때문에 사랑하는 사람과 결혼한다는 생각을 포기하게 만듭니다. 그는 더 이상 잃을 것이 없으며 상황에 의해 망가졌습니다. 영웅은 모든 사람이 자신의 미래에만 관심이 있고 아무도 자신에게 관심이 없다는 것을 알고 있기 때문에 연민을 추구하지 않습니다. 그는 홀로 여행을 떠납니다. 그 과정에서 그는 다른 캐릭터들을 만나게 되지만 그들은 지나친다. 이 세상의 외로움은 낭만주의에게 견딜 수 없는 짐이 되었습니다. 그러나 그는 추운 곳에서 무엇을 찾고 있습니까? 겨울밤? 고통과 역경에 시달려 영혼의 영원한 안식을 찾아 헤매는 방랑자. 해결책이 아닌 문제에서 벗어나 그를 망쳐 놓고 쾌활하고 쾌활한 사람에서 운명의 여행자로 만들었습니다. 그는 자신이 찾던 것을 찾았습니다. 그의 비극은 끝났습니다.

주목할 점은 슈베르트가 <겨울길>에서 혁신을 보여 보컬이 아닌 피아노에 큰 역할을 했다는 점이다. 반주를 통해 서정적 영웅의 엄청난 감정 진폭을 표현할 수 있습니다.

여러면에서 그주기가 비극적 인 비난이되었다고 생각할 수 있습니다. " 아름다운 밀러 ". 그러나 극적인 차이는 육안으로 볼 수 있습니다. Schubert는 구성을 극화하려고 시도했기 때문에 많은 대조 이미지를 기반으로 구축되었습니다. 동시에 숫자 사이와 그 안에 대조가 만들어집니다. 하나의 주제별 캔버스는 서정적 영웅의 외로움이라는 주제로 간주될 수 있으며, 이는 많은 수에서 추적될 수 있습니다.

작곡가는 두 세계를 비교하려고합니다. 이것은 사랑하는 사람의 추억과 구름없는 행복으로 가득 찬 꿈과 밝은 과거의 세계와 귀머거리 공허함이 자리 잡은 또 다른 세계입니다. 이 두 세계는 주기를 12개의 숫자로 나눕니다.

첫 번째 부분에서드라마 투르 기의 관점에서 가장 생생하게 배열 된 숫자는 "잘 자", "풍향계", "Stupor", "Linden"및 "Spring dream"입니다.

1위 '잘 자요'가 오프닝을 맡는다. 여기에서 청취자는 과거의 사랑, 성취되지 않은 꿈과 희망에 대해 청취자에게 소개됩니다. 멜로디 패턴은 음악의 고요함과 고요함을 말하는 소스의 상단에서 시작됩니다. 서정적 영웅이 사랑하는 사람을 기억할 때 음조는 밝은 전공으로 대체됩니다.
2위 "풍향계". 바람의 방향의 가변성은 삶의 가변성을 상징합니다. 오늘은 따뜻한 남풍이 불고 인생이 동화 같지만 곧 추운 겨울로 바뀔 것입니다. 각 문구는 대조를 기반으로 합니다. 음향-시각적 반주가 특별한 역할을 합니다.
4번 "Stupor"는 "The Beautiful Miller's Girl" 사이클의 스트림 테마를 반환하며, 이는 균일한 삼박자 리듬으로 입증됩니다. C 마이너 키는 스트림이 정지하기 시작했음을 상기시킵니다. 우울한 멜로디는 테마의 추가 구현에서 대위법이 될 것입니다.
5 번 "Linden" 반주에서 모든 사람은 불안과 관련된 잎사귀 소리를들을 수 있습니다. 곧 모든 꿈은 산산이 부서지고 고통과 실망 외에는 아무것도 남지 않을 것입니다. 형태: 2행 변주를 통해 모든 것이 정말 좋을 수 있다는 서정적 영웅의 성실함과 믿음을 표현할 수 있습니다. Linden은 과거의 삶을 상기시킵니다.
11번 '봄의 꿈'은 작품 각색의 생생한 예다. 짧은 서사시, 꿈, 꿈은 작은 현실 조각으로 무너집니다. 달콤한 꿈 대신 서정적 영웅은 모든 것이 단조로 채워진 세상에서 자신을 발견했습니다.

첫 번째 부분에서 긍정적 인 결과에 대한 희망이 있다면 마지막 고장이 있었고 두 번째 부분의 개발은 비극적 인 개념을 완전히 확인합니다.

두 번째 부분어둠의 화신이 된다. 음악의 외로움이라는 주제는 임박하고 피할 수 없는 죽음의 이미지로 대체된다. 가장 밝은 숫자는 다음과 같이 호출할 수 있습니다.

15호 "까마귀". 방의 이름은 더 이상 좋은 징조가 아닙니다. 까마귀는 부서짐의 상징입니다. 그는 지친 여행자와 동행합니다. C 단조 키에서는 처진 인토네이션을 들을 수 있습니다. 길이 거의 끝났고 더 이상 사랑과 빛의 여지가 없습니다. 그는 상황을 바꾸고 싶지 않았기 때문에 스스로 이 길을 선택했습니다.
24번 "The Organ Grinder"는 단조로운 인토네이션을 기반으로 한 주기의 마지막 번호입니다. 이런 맥락에서 거리의 음악가는 천재들에게 무자비한 예술의 반영이다. 음악의 표현 수단은 후렴구의 단조로운 멜로디뿐만 아니라 저음의 순수한 5도를 포함하는 배럴 오르간의 억양을 듣게 합니다.

"Winter Journey"는 인간 삶의 진정한 비극, Happy Enda가 일어나지 않은 작은 뮤지컬 소설입니다. 허구의 서정적 영웅이 아니라 슈베르트. 어렵고 험난한 길을 가야 했다. 그러나 그는 인류를 위해 막대한 부를 남겼습니다. 바로 그의 음악입니다.

영화에서 음악의 사용

"Winter Way" 사이클의 음악은 영화에서 충분히 인기가 없습니다. 그럼에도 불구하고 일부 영화 제작자는 영화주기의 숫자에서 볼 수 있는 외로움이라는 주제에서 영감을 받았습니다. 아래 영화에서 슈베르트의 음악은 단순한 배경이 아니라 감독의 의도를 드러내는데 도움을 준다.

The Pianist는 비엔나 음악원의 교수인 Eric Kohut의 개인 드라마에 관한 프랑스 영화입니다. 그녀가 가장 좋아하는 작곡가는 프란츠 슈베르트입니다. The Winter Road의 음악은 영화에서 조형적인 역할을 하며 플롯의 내용을 더 잘 이해하는 데 도움이 됩니다. 이 영화는 2001년 프랑스에서 촬영되었으며 칸 영화제에서 여러 상을 받았습니다.
윈터 저니는 보컬리스트 에릭의 이야기를 그린 국내 드라마다. 영웅의 이름은 주제의 근접성을 강조하는 "피아니스트"테이프를 보는 사람을 나타냅니다. 보컬리스트는 슈베르트의 노래를 적극적으로 리허설하고 있으며 고전 예술 세계의 허위에 지쳤습니다. 절박한 도둑 레카와 운명이 그에게 맞서게 된다. 두 개의 다른 세계 - 같은 문제.

영화는 비극적 결말을 맺으며 예술가의 삶의 이면을 보여준다. 아름다움의 세계는 기만적이며 명성과 인정을 보장하지 않습니다. 천재의 길은 외로움과 오해입니다. 슈베르트의 전기는 삶의 결과에 대한 대표적인 예입니다. 창의적인 성격. 그는 음악과 사이클의 서정적 영웅을 통해 자신의 실망을 표현했습니다.

보컬 사이클 ""은 최종 화음창의성에. 미니어처는 음악적 언어가 이해하는 데 도움이 되는 깊은 의미로 가득 차 있습니다. 음악의 차갑고 어두움은 행복한 미래에 대한 희망과 믿음을 잃은 음악가의 내면 세계를 반영합니다.

동영상: 슈베르트의 "겨울 여행" 듣기

슈베르트는 최초의 낭만주의(낭만주의의 새벽)에 속합니다. 그의 음악에는 후기 낭만주의와 같은 응축된 심리학이 아직 없다. 이 작곡가는 작사가입니다. 그의 음악의 기초는 내면의 경험입니다. 그것은 음악에 사랑과 다른 많은 감정을 전달합니다. 마지막 작품의 메인 테마는 외로움이다. 그것은 당시의 모든 장르를 다루었습니다. 그는 많은 새로운 것들을 가져왔습니다. 그의 음악의 서정적 특성은 그의 주요 창의성 장르 인 노래를 미리 결정했습니다. 그는 600곡이 넘는 노래를 가지고 있습니다. 작곡은 두 가지 방식으로 기악 장르에 영향을 미쳤습니다.

기악에서 노래 테마 사용(노래 "Wanderer"는 피아노 판타지의 기초가 되었고 "The Girl and Death"라는 노래는 4중주의 기초가 되었습니다).

다른 장르로의 작곡의 침투.

슈베르트는 서정적이고 극적인 교향곡(미완성)의 창작자입니다. 노래 주제, 노래 설명(미완성 교향곡: 나는 헤어진다– g.p., pp. II 부분 – p.p.), 개발의 원칙은 완전한 형태입니다. 이것은 교향곡과 소나타에서 특히 두드러집니다. 서정적인 노래 교향곡 외에도 서사시 교향곡(C-dur)도 창작했습니다. 보컬 발라드라는 새로운 장르의 창시자다. 창조자 로맨틱 미니어처(즉흥적이고 음악적인 순간). 생성된 발성 주기(베토벤은 이에 접근했습니다).

창의력은 엄청나다: 오페라 16편, 22편 피아노 소나타 s, 22개의 사중주, 기타 앙상블, 9개의 교향곡, 9개의 서곡, 8개의 즉흥곡, 6개의 음악적 순간; 일상 음악 제작과 관련된 음악 - 왈츠, 랭글러, 행진곡, 600곡 이상.

인생의 길.

Lichtental시 비엔나 외곽에서 1797 년에 태어났습니다. 아버지는 학교 선생님입니다. 대가족은 모두 음악가였으며 음악을 연주했습니다. Franz의 아버지는 그에게 바이올린 연주를 가르쳤고 그의 형은 그에게 피아노를 가르쳤습니다. 친숙한 섭정 - 노래와 이론.

1808-1813년

Konvikt에서 수년간 공부했습니다. 이곳은 궁정 합창단을 양성한 기숙 학교입니다. 그곳에서 슈베르트는 바이올린을 연주하고, 오케스트라에서 연주하고, 합창단에서 노래하고, 실내악 앙상블에 참여했습니다. 그곳에서 그는 Haydn, Mozart, Beethoven의 1st 및 2nd 교향곡의 교향곡과 같은 많은 음악을 배웠습니다. 좋아하는 작품 - 모차르트 교향곡 40번. Konvikt에서 그는 창의성에 관심을 갖게 되었기 때문에 나머지 과목을 포기했습니다. Convict에서 그는 1812년부터 Salieri로부터 교훈을 얻었지만 그들의 견해는 달랐습니다. 1816년, 그들의 길은 갈라졌습니다. 1813년에 그는 공부가 그의 창의성을 방해했기 때문에 Konvikt를 떠났습니다. 이 기간 동안 그는 노래, 4 손의 환상, 교향곡 1 번, 관악기, 4 중주, 오페라, 피아노 작품을 썼습니다.

1813-1817

그는 첫 번째 노래 걸작 ( "물레의 마가리타", "숲의 왕", "송어", "방랑자"), 4 개의 교향곡, 5 개의 오페라, 많은 기악 및 실내악을 썼습니다. 유죄 판결을 받은 후 슈베르트는 아버지의 권유로 교사 과정을 마치고 아버지의 학교에서 산수와 알파벳을 가르친다.

1816년에 그는 학교를 그만두고 음악 교사 자리를 얻으려고 노력했지만 실패했습니다. 아버지와의 연결이 끊어졌습니다. 재난 기간이 시작되었습니다. 그는 축축한 방에서 살았습니다.

1815년에 그는 144곡의 노래, 2개의 교향곡, 2개의 미사곡, 4개의 오페라, 2개의 피아노 소나타, 현악 사중주그리고 다른 작품들.

Teresa Coffin과 사랑에 빠졌습니다. 그녀는 합창단의 Lichtental 교회에서 노래를 불렀습니다. 그녀의 아버지는 그녀를 빵 굽는 사람과 결혼시켰습니다. Schubert는 시인, 작가, 예술가 등 많은 친구가있었습니다. 그의 친구 Shpaut는 Schubert Goethe에 대해 썼습니다. 괴테는 대답하지 않았다. 그는 성질이 매우 나빴고 베토벤을 좋아하지 않았습니다. 1817년 슈베르트는 슈베르트의 추종자가 된 유명한 가수 요한 포글을 만났습니다. 1819년에 그는 오버외스터라이히(Upper Austria)에서 콘서트 투어를 했다. 1818년 슈베르트는 친구들과 함께 살았습니다. 몇 달 동안 그는 Esterhazy 왕자의 가정 복음 교사로 봉사했습니다. 그곳에서 그는 피아노 4손을 위한 헝가리어 Divertimento를 썼습니다. 그의 친구 중에는 Spaun (그는 Schubert에 대한 회고록을 썼습니다), 시인 Mayrhofer, 시인 Schober (Schubert는 그의 텍스트를 기반으로 오페라 Alphonse와 Estrella를 썼습니다).

종종 Schubert의 친구 인 Schubertiades의 회의가있었습니다. Vogl은 종종 이 Schubertiades에 참석했습니다. Schubertiads 덕분에 그의 노래가 퍼지기 시작했습니다. 때때로 그의 개인 노래는 콘서트에서 공연되었지만 오페라는 상연되지 않았고 교향곡은 연주되지 않았습니다. 슈베르트는 거의 출판되지 않았습니다. 노래의 초판은 1821년에 추종자와 친구들의 희생으로 출판되었습니다.

20대 초반.

창의성의 새벽 - 22-23 이때 그는 피아노 미니어처, 음악적 순간, 판타지 "방랑자"의주기 인 "The Beautiful Miller"주기를 썼습니다. 슈베르트의 일상은 계속해서 어려웠지만 희망을 잃지 않았다. 20대 중반에 그의 서클은 무너졌다.

1826-1828

지난 몇 년. 힘든 삶이 그의 음악에 고스란히 담겨 있다. 이 음악에는 어둡고 무거운 성격이 있으며 스타일이 바뀝니다. 안에

노래가 더 선언적으로 나타납니다. 진원도가 적습니다. 하모닉 베이스(불협화음)는 더욱 복잡해집니다. 하이네의 시에 나오는 노래. 사중주 D단조. 이때 C-dur 교향곡이 작성되었습니다. 이 기간 동안 슈베르트는 다시 한 번 궁정 밴드마스터 자리에 지원했습니다. 1828년 드디어 슈베르트의 재능을 인정받기 시작했다. 그의 작가 콘서트가 열렸습니다. 11월에 그는 죽었다. 그는 베토벤과 같은 묘지에 묻혔다.

슈베르트의 작곡

600곡, 후기곡 모음, 최신곡 모음. 시인의 선택이 중요합니다. 괴테의 작품으로 시작되었습니다. 하이네의 비극적인 노래로 마무리. Schiller를 위해 "Relshtab"을 썼습니다.

장르 - 보컬 발라드: "Forest King", "Grave Fantasy", "살인자의 아버지에게", "Agaria의 불평". 독백의 장르는 "물레의 마가리타"입니다. 괴테의 민요 '장미'의 장르. 노래 아리아 - "Ave Maria". 세레나데의 장르는 "세레나데"(Serenade Relshtab)입니다.

그의 멜로디에서 그는 오스트리아 민요의 억양에 의존했습니다. 음악은 명확하고 성실합니다.

음악과 텍스트의 관계. 슈베르트는 구절의 일반적인 내용을 전달합니다. 멜로디는 넓고 일반화되었으며 플라스틱입니다. 음악의 일부는 텍스트의 세부 사항을 표시하고 연주에는 더 많은 암송성이 있으며 나중에 Schubert의 멜로디 스타일의 기초가 됩니다.

음악에서 처음으로 피아노 부분은 반주가 아니라 음악 이미지의 전달자라는 의미를 얻었습니다. 감정 상태를 표현합니다. 음악적 순간이 있습니다. "물레의 마가리타", "숲의 왕", "아름다운 밀러".

괴테의 발라드 "The Forest King"은 극적인 후렴구로 구성되어 있습니다. 극적 행동, 감정 표현, 내레이션, 작가의 목소리 (내레이션) 등 여러 목표를 추구합니다.

보컬 사이클 "The Beautiful Miller's Woman"

1823. W. Müller의 20곡의 시. 소나타 개발과 함께 순환하십시오. 메인 테마는 사랑입니다. 주기에는 영웅 (밀러), 에피소드 영웅 (사냥꾼), 주요 역할 (스트림)이 있습니다. 주인공의 상태에 따라 시냇물은 유쾌하게, 활기차게, 격렬하게 중얼거리며 방앗간의 고통을 표현한다. 스트림을 대신하여 첫 번째와 20 번째 노래가 들립니다. 이것은 루프에 합류합니다. 마지막 노래는 평화, 죽음의 깨달음을 반영합니다. 사이클의 전반적인 분위기는 여전히 밝습니다. 인토네이션 시스템은 일상적인 오스트리아 노래에 가깝습니다. 성가의 억양과 화음의 소리가 넓습니다. 보컬 주기에는 많은 노래, 성가 및 적은 암송이 있습니다. 멜로디는 넓고 일반화되어 있습니다. 기본적으로 노래의 형식은 2절이나 단순 2절과 3절 부분이다.

첫 번째 노래 - "길을 가자". B-dur, 쾌활한. 이 노래는 스트림을 대신합니다. 그는 항상 피아노 부분에서 묘사됩니다. 정확한 커플릿 형식. 음악은 민속 일상 오스트리아 노래에 가깝습니다.

두 번째 노래 - "어디". 밀러가 G-dur를 노래합니다. 피아노에는 시냇물의 부드러운 중얼거림이 있습니다. 인토네이션은 넓고 노래하며 오스트리아 멜로디에 가깝습니다.

6번째 노래 - 호기심. 이 노래는 더 조용하고 더 미묘한 가사를 가지고 있습니다. 좀 더 상세한. H-dur. 양식은 더 복잡합니다. 반복되지 않는 두 부분으로 구성된 양식입니다.

1부 - "별도 꽃도 아니다."

파트 2는 파트 1보다 큽니다. 간단한 3파트 형식입니다. 스트림에 호소 - 두 번째 부분의 첫 번째 섹션. 시냇물 소리가 다시 나타납니다. 여기에 메이저-마이너가 있습니다. 이것이 슈베르트의 특징이다. 2부 중반부에는 멜로디가 레치타티브가 된다. G-dur의 예기치 않은 전환. 두 번째 섹션의 반복에서 장조-단조가 다시 나타납니다.

노래 형식 개요

A-C

CBC

11곡 - "나의". 서정적인 즐거운 느낌이 점차 증가합니다. 오스트리아 민요에 가깝다.

12-14곡 충만한 행복을 표현합니다. 곡 14번(Hunter) - c-moll에서 개발의 전환점이 발생합니다. 폴딩은 헌팅 뮤직(6/8, 병렬 6화음)을 연상시킵니다. 또한 (다음 노래에서) 슬픔이 증가합니다. 이것은 피아노 부분에 반영됩니다.

15곡 “질투와 오만.” 절망, 혼란을 반영합니다(g-moll). 3부 형식. 보컬 부분이 더 선언적이 됩니다.

16곡 - "좋아하는 색". h-moll. 이것은 전체주기의 슬픈 절정입니다. 음악에 뻣뻣함(지속적인 리듬), fa#의 지속적인 반복, 날카로운 지연이 있습니다. h-moll과 H-dur의 병치가 특징적입니다. 단어: "녹색의 시원함 속에서 ...". 사이클에서 처음으로 텍스트에서 죽음의 기억. 또한 전체주기에 스며들 것입니다. 컵렛 형태.

점차 주기가 끝날 무렵 슬픈 깨달음이 일어납니다.

19곡 - "밀러와 개울." g-moll. 3부 형식. 밀러와 시냇물 사이의 대화와 같습니다. G-dur의 중간. 피아노에서 다시 시냇물 소리가 들린다. Reprise-다시 밀러가 노래하고 다시 g-moll이지만 스트림의 중얼 거림이 남아 있습니다. 결국 깨달음은 G-dur입니다.

20곡 - "시냇물의 자장가." 개울은 개울 바닥에 있는 밀러를 진정시킵니다. E-두르. 이것은 슈베르트가 가장 좋아하는 키 중 하나입니다(미완성 교향곡 2악장 "겨울 여행"의 "린든의 노래"). 컵렛 형태. 말: 시냇가에서 “자자, 자자”.

보컬 사이클 "Winter Way"

1827년에 작곡. 24곡. "The Beautiful Miller 's Woman"처럼 V. Muller의 말입니다. 4년의 차이에도 불구하고 두 사람은 확연히 다르다. 첫 번째 주기는 음악적으로 가볍지만 이 주기는 슈베르트를 사로잡은 절망을 반영하는 비극적입니다.

주제는 1주기(또한 사랑의 주제)와 유사합니다. 첫 번째 노래의 액션은 훨씬 적습니다. 영웅은 여자 친구가 사는 도시를 떠납니다. 그의 부모는 그를 떠나고 그는 (겨울에) 도시를 떠납니다. 나머지 곡들은 서정적인 고백이다. 미성년자 우세 비극적 인 노래. 스타일이 완전히 다릅니다. 보컬 부분을 비교하면 첫 번째 사이클의 멜로디가 더 일반화되고 구절의 일반적인 내용이 드러나며 광범위하고 오스트리아 민요에 가깝고 "Winter Way"에서는 보컬 부분이 더 외설적입니다. 노래가 아니라 민요에 가깝지 않고 더욱 개별화됩니다.

피아노 부분은 날카로운 불협화음, 먼 건반으로의 전환, 조화로운 변조로 인해 복잡합니다.

양식도 점점 더 복잡해지고 있습니다. 양식은 교차 개발로 포화 상태입니다. 예를 들어, 대련 형식이면 대련이 다양하고 3 부분이면 보복이 크게 변경되고 역동적입니다 ( "By the brook").

주요 곡은 거의 없으며 마이너 곡도 침투합니다. 이 밝은 섬 : "Linden", "Spring Dream"(주기의 정점, No. 11) - 낭만적 인 내용과 가혹한 현실이 여기에 집중되어 있습니다. 섹션 3 - 자신과 자신의 감정을 비웃습니다.

1곡 – d-moll의 "잘 자요". 7월의 측정된 리듬. "나는 이상한 방식으로 왔고 낯선 사람을 떠날 것입니다." 노래는 높은 절정으로 시작됩니다. 커플릿 변형. 이러한 커플릿은 다양합니다. 2절 - d-moll - "나는 주저하지 않고 나누어야 합니다." 3-1절 - "더 이상 여기서 기다리면 안 됩니다." 4절 - D-dur - "왜 평화를 어지럽히는가." 주요, 사랑하는 사람의 기억으로. 이미 벌스 안에 마이너가 돌아옵니다. 마이너로 끝납니다.

세 번째 노래 – "얼어붙은 눈물"(f-moll). 억압적이고 무거운 분위기- "눈에서 눈물이 흐르고 뺨에 얼어 붙습니다." 멜로디에서 암송의 증가가 매우 눈에 띕니다. "오,이 눈물." 톤 편차, 복잡한 하모닉 웨어하우스. 엔드투엔드 개발의 2파트 형식. 그런 재현은 없습니다.

네 번째 노래 – "Stupor", c-moll. 아주 잘 발달된 곡. 극적이고 필사적인 캐릭터. "그녀의 흔적을 찾고 있어요." 복잡한 3 부분 형식. 마지막 파트는 2개의 주제로 구성됩니다. g-moll의 2번째 테마. "땅에 떨어지고 싶다." 중단된 케이던스는 개발을 지연시킵니다. 중간 부분. 깨달은 As-dur. "아, 꽃은 어디 있었어?" Reprise - 1번과 2번 테마.

다섯 번째 노래 - "린든". E-두르. E-moll은 노래를 관통합니다. 커플릿 변형 형태. 피아노 파트는 나뭇잎이 바스락거리는 모습을 표현했습니다. 1절 - "보리수 성 어귀에서." 조용하고 평화로운 멜로디. 이 노래에는 매우 중요한 피아노 부분이 있습니다. 회화적이고 표현력이 풍부합니다. 2절은 이미 이몰에 있습니다. "그리고 먼 길을 서둘러." 세쌍둥이와 함께하는 방황을 테마로 피아노 파트에 새로운 테마가 등장한다. 메이저는 2절 후반부에 등장한다. "여기 나뭇가지가 바스락거렸다." 피아노 조각이 돌풍을 일으킨다. 이를 배경으로 2절과 3절 사이에 극적인 낭송이 들린다. "벽, 찬 바람." 3번째 커플릿. "이제 나는 이미 외국에서 멀리 방황하고 있습니다." 1절과 2절의 특징이 합쳐져 있다. 피아노 파트에서는 2절부터 방황을 주제로 한다.

7번째 노래 - "개울에서." 형태의 극적인 발전을 통한 예. 3부 형식을 기본으로 하여 역동적인 힘이 강하다. 이몰. 음악은 정체되고 슬프다. "오 나의 격동하는 시냇물이여." 작곡가는 텍스트를 엄격하게 따르며 "지금"이라는 단어에 cis-moll의 변조가 있습니다. 중간 부분. "나는 얼음 위의 날카로운 돌입니다." E-dur (사랑하는 사람에 대해 이야기). 리드미컬한 부흥이 있습니다. 맥박 가속. 세쌍둥이는 16분의 1에 나타납니다. “첫 만남의 행복을 이곳 얼음 위에 두고 가겠습니다.” 재현이 많이 수정되었습니다. 강력하게 확장 - 두 손으로. 테마는 피아노 부분으로 들어갑니다. 그리고 성악 부분에서 레치타티브 “나는 스스로 얼어붙은 개울에서 나를 알아본다.” 리듬 변화가 더 나타납니다. 32개의 기간이 나타납니다. 연극이 끝날 무렵 극적인 절정. 많은 편차 - e-moll, G-dur, dis-moll, gis-moll - fis-moll – g-moll.

11곡 - "봄의 꿈". 의미 있는 클라이맥스. 아두르. 빛. 3가지 영역이 있습니다.

추억, 꿈

갑작스런 각성

당신의 꿈을 조롱.

첫 번째 섹션. 왈츠. 단어: "즐거운 초원을 꿈꿨습니다."

두 번째 섹션. 선명한 대비(e-moll). 말: "갑자기 닭이 울었다." 수탉과 까마귀는 죽음의 상징입니다. 이 노래에는 수탉이 있고 노래 #15에는 까마귀가 있습니다. 키의 병치는 특징적입니다. e-moll - d-moll - g-moll - a-moll입니다. 두 번째 낮은 레벨의 하모니는 토닉 오르간 지점에서 날카롭게 들립니다. 날카로운 인토네이션(없음).

세 번째 섹션. 단어: "하지만 누가 내 모든 창문을 꽃으로 장식했지." 마이너 도미넌트가 나타납니다.

컵렛 형태. 각각이 대조되는 3개의 섹션으로 구성된 2개의 구절.

14곡 - "흰머리". 비극적 인 성격. 씨몰. 숨겨진 드라마의 물결. 불협화음. 1번 곡("잘 자요")과 비슷한 부분이 있지만 왜곡되고 악화된 버전입니다. 단어: "서리가 내 이마를 장식했습니다 ...".

15곡 - "까마귀". 씨몰. 비극적 깨달음 from-

세쌍둥이 형상의 경우. 가사: "검은 까마귀는 나를 위해 긴 여행을 떠났습니다." 3부 형식. 중간 부분. 단어: "까마귀, 이상한 흑인 친구." 선언 멜로디. 재현부. 낮은 음역에서 피아노 결론이 이어집니다.

20곡 - "웨이포스트". 스텝 리듬이 나타납니다. 가사: "왜 내가 힘들어졌지 큰 길가다?". 먼 변조 - g-moll - b-moll - f-moll. 커플릿 변형 형태. 메이저와 마이너의 비교. 2절 - 지두르. 3절 - g-moll. 중요한 코드. 노래는 뻣뻣함, 무감각, 죽음의 숨결을 전달합니다. 이것은 보컬 부분(한 소리의 지속적인 반복)에서 나타납니다. 단어 : "나는 기둥을 본다 – 많은 것 중 하나 ...". 원거리 변조 - g-moll - b-moll - cis-moll - g-moll.

24곡 - "오르간 그라인더." 매우 간단하고 매우 비극적입니다. 아몰. 영웅은 불행한 오르간 그라인더를 만나 함께 슬픔을 견디도록 초대합니다. 전체 노래는 다섯 번째 토닉 오르간 포인트에 있습니다. Quints는 hurdy-gurdy를 묘사합니다. 단어: “여기 마을 밖에 슬픈 오르간 그라인더가 서 있습니다.” 구의 끊임없는 반복. 컵렛 형태. 2쌍. 마지막에 극적인 클라이맥스가 있습니다. 극적인 암송. 그것은 "우리가 함께 슬픔을 견디기를 원하십니까, 허디거디에서 함께 노래하기를 원하십니까? "라는 질문으로 끝납니다. 토닉 오르간 포인트에는 감소된 7화음이 있습니다.

교향곡의 창의성

슈베르트는 9개의 교향곡을 작곡했습니다. 그의 생애 동안 그들 중 누구도 수행되지 않았습니다. 그는 가사-로맨틱 교향곡(미완성 교향곡)과 서정-서사 교향곡(No. 9 - C-dur)의 창시자입니다.

미완성 교향곡

1822년에 h-moll로 작성되었습니다. 창작의 새벽에 쓴 글. 가사 극적. 처음으로 개인적인 서정적 주제가 교향곡의 기초가 되었습니다. 노래가 퍼집니다. 그것은 교향곡 전체에 퍼져 있습니다. 그것은 주제의 성격과 표현에서 나타납니다-멜로디와 반주 (노래에서와 같이), 형식-완전한 형식 (커플릿), 개발 중-변형, 멜로디 소리의 근접성 목소리. 교향곡에는 h-moll과 E-dur의 두 부분이 있습니다. 슈베르트는 3악장을 쓰기 시작했지만 포기했다. 그 전에 이미 Fis-dur와 e-moll이라는 2개의 피아노 2부작 소나타를 작곡한 것이 특징입니다. 낭만주의 시대에는 자유로운 서정적 표현의 결과로 교향곡의 구조가 바뀝니다 (부분 수가 다름). 리스트는 교향곡의 순환을 압축하는 경향이 있다(파우스트 교향곡 3부, 돈트 교향곡 2부). Liszt는 한 악장의 교향시를 만들었습니다. Berlioz는 교향곡주기를 확장했습니다 (환상적인 교향곡-5 부분, 교향곡 "로미오와 줄리엣"-7 부분). 이것은 소프트웨어의 영향으로 발생합니다.

낭만적인 특성은 노래와 2성뿐만 아니라 음조 관계에서도 나타난다. 이것은 고전적인 비율이 아닙니다. Schubert는 다채로운 톤 비율을 관리합니다(G.P. - h-moll, P.P. - G-dur, P.P.의 재현 - D-dur). 음조의 세 번째 비율은 낭만주의의 특징입니다. G.P. – E-dur, P.P. - cis-moll 및 재현 P.P. -몰. 여기에도 음조의 삼차 상관관계가 있습니다. 테마의 변형은 또한 낭만적인 특징입니다. 테마를 동기로 세분화하는 것이 아니라 전체 테마의 변형입니다. 교향곡은 E-dur로 끝나고 h-moll로 끝납니다(이것은 낭만주의에서도 일반적입니다).

나는 헤어진다 – h-moll. 오프닝 테마는 로맨틱한 질문 같다. 그녀는 소문자입니다.

G.P. – h-moll. 멜로디와 반주가 있는 전형적인 곡. 클라리넷과 오보에 솔리스트, 현악기가 반주합니다. 2행시와 마찬가지로 형태가 완성됩니다.

P.P. - 대비가 없습니다. 그녀는 작곡가이기도 하지만 댄서이기도 하다. 테마는 첼로에서 이루어집니다. 점선 리듬, 실신. 리듬은 말하자면 파트 간의 연결 고리입니다(두 번째 파트의 P.P.에도 있기 때문입니다). 그 중간에 드라마틱한 변화가 일어나, 가을에는 날카롭다(c-moll로의 전환). 이 전환점에서 G.P. 테마가 침입하는데 이는 고전적인 기능입니다.

Z.P. – P.P. G-dur를 테마로 제작되었습니다. 다른 악기에서 주제의 표준 보유.

박람회는 고전처럼 반복됩니다.

개발. 박람회 및 개발 직전에 소개 주제가 발생합니다. 여기 e-mall에 있습니다. 도입부의 주제(그러나 극화됨)와 P.P.의 반주에서 나오는 당김음 리듬이 전개에 참여하는데 여기서 다성기법의 역할이 크다. 2개의 섹션이 개발 중입니다.

첫 번째 섹션. e-moll 소개 테마입니다. 엔딩이 변경되었습니다. 주제는 절정에 이릅니다. h-moll에서 cis-moll로의 고조파 변조. 다음은 P.P. Tonal plan: cis-moll - d-moll - e-moll의 실신 리듬입니다.

두 번째 섹션. 수정된 인트로 테마입니다. 불길한 명령으로 들립니다. E-moll, 그 다음 h-moll. 주제는 먼저 구리로 만든 다음 모든 목소리에서 정경으로 전달됩니다. 캐논의 서론과 P.P.의 실신 리듬을 주제로 한 극적인 정점. 그 옆에는 주요 정점 인 D-dur가 있습니다. 재현 전에 목관 악기의 점호가 있습니다.

재현부. G.P. – h-moll. P.P. - 디두르. P.P. 다시 개발에 변화가 있습니다. Z.P. – H-dur. 서로 다른 악기 사이를 호출합니다. P.P.의 정식 공연 재현과 코다 직전에 소개 주제는 처음과 같은 키인 h-moll에서 들립니다. 모든 코드는 이를 기반으로 합니다. 주제는 정식적이고 매우 슬프게 들립니다.

II 부분. E-두르. 전개가 없는 소나타 형식. 여기에 풍경 시가 있습니다. 일반적으로 가볍지 만 그 안에 드라마가 번쩍입니다.

G.P.. 노래. 테마는 바이올린과 베이스용입니다. 피치카토(더블 베이스용)입니다. 다채로운 고조파 조합 - E-dur - e-moll - C-dur - G-dur. 테마에는 자장가 억양이 있습니다. 3부 형식. 그녀(양식)가 완성되었습니다. 중간은 드라마틱하다. Reprise G.P. 축약.

P.P.. 여기의 가사는 더 개인적입니다. 주제도 노래다. 그 안에 P.P. 파트 II, 실신 반주. 그는 이러한 주제를 연결합니다. 솔로는 또한 낭만적인 특성입니다. 여기서 솔로는 처음에는 클라리넷에서, 그 다음에는 오보에에서 나옵니다. 음조는 cis-moll - fis-moll - D-dur - F-dur - d-moll - Cis-dur와 같이 매우 다채롭게 선택됩니다. 3부 형식. 변형 중간. 재현이 있습니다.

재현부. E-두르. G.P. - 개인 3명. P.P. -몰.

암호. 여기에서 모든 주제는 하나씩 해체되는 것처럼 보입니다.Elements of G.P.

슬픈 사건으로 가득 찬 인생의 두 번째 해에 만들어졌습니다. 작곡가는 독일과 스위스에서 자신의 작품을 출판할 모든 희망을 잃었습니다. 1월에 그는 확고한 수입을 얻고 자유롭게 창작하기 위해 영구적인 자리를 얻으려는 또 다른 시도가 성공하지 못했다는 것을 알게 되었습니다. 그는 비엔나 오페라의 궁정 부악장 자리에서 다른 사람보다 선호되었습니다. 비엔나 교외 "At the Carinthian Gate"극장의 훨씬 덜 권위있는 부 아카펠라 마스터의 경쟁에 참여하기로 결정한 그는 자신이 작곡 한 아리아가 너무 컸기 때문에 그것을 얻을 수 없었습니다. 경쟁에 참여하는 가수에게는 어려웠고 Schubert는 그것을 거부했습니다. 변경 또는 연극 음모 때문입니다.

위로는 1827년 2월에 50곡이 넘는 슈베르트 노래를 알게 된 베토벤의 회상이었습니다. 다음은 베토벤의 첫 전기 작가 안톤 쉰들러가 그것에 대해 말한 방법입니다. 시간 ... 즐거운 열정으로 그는 "실제로 신의 불꽃이 슈베르트에 살고 있습니다! "라고 반복해서 반복했습니다. 그러나 두 위대한 동시대 사람들의 관계는 발전하지 않았습니다. 한 달 후 슈베르트는 베토벤의 무덤에 섰습니다.

작곡가 친구 중 한 사람의 회고록에 따르면 이번에는 슈베르트가“우울하고 피곤해 보였다. 내가 그에게 무슨 문제가 있는지 물었을 때 그는 "곧 듣고 이해할 것입니다. "라고 대답했습니다. 어느 날 그는 나에게 이렇게 말했습니다. “오늘 Schober (Schubert의 가장 친한 친구에게 오십시오. - A.K.). 무서운 노래를 불러줄게. 그 어떤 곡보다 지루했다"고 말했다. 그리고 그는 감동적인 목소리로 "Winter Way"전체를 우리에게 불렀습니다. 끝까지 우리는이 노래의 어두운 분위기에 완전히 당황했고 Schober는 "Linden"이라는 노래 하나만 좋아한다고 말했습니다. Schubert는 "나는이 노래를 가장 좋아합니다. "라고 반대했습니다.

The Beautiful Miller's Woman과 마찬가지로 The Winter Road는 독일의 유명한 낭만주의 시인 빌헬름 뮐러(1794-1827)의 시로 쓰여졌습니다. 재단사의 아들로 태어난 그는 너무 일찍 시적 재능을 발견하여 14세에 첫 번째 시집을 편찬했습니다. 그의 자유를 사랑하는 견해도 일찍 나타났습니다. 19 세에 베를린 대학에서 공부를 중단하고 나폴레옹에 대한 해방 전쟁에 자원했습니다. Glory to Muller는 "Greek Songs"에서 가져와 터키의 억압에 맞서 그리스인의 투쟁을 불렀습니다. 종종 노래라고 불리는 Muller의 시는 뛰어난 선율로 구별됩니다. 시인은 종종 음악으로 그들을 표현했으며 그의 "음주 노래"는 독일 전역에서 불려졌습니다. Müller는 일반적으로시를여 주인공 (아름다운 웨이터, 아름다운 밀러의 여성), 특정 지역 또는 낭만주의 방황이라는 가장 좋아하는 주제로 연결된 순환으로 결합했습니다. 그는 여행을 좋아했습니다. 그는 이탈리아, 그리스의 비엔나를 방문했으며 매년 여름 독일의 여러 지역으로 하이킹 여행을 떠나 중세 방랑 견습생을 모방했습니다.

"Winter Way"에 대한 원래 계획은 아마도 1815-1816년에 시인에게서 나왔습니다. 1822년 말 빌헬름 뮐러의 Wandering Songs가 라이프치히에서 출판되었습니다. 겨울 경로. 12곡. 이듬해 3월 13일과 14일에 브레슬라우 신문에 또 다른 10편의 시가 실렸습니다. 그리고 마지막으로 1824년 Dessau에서 출판된 "방황하는 뿔피리 연주자가 남긴 종이에서 온 시집"의 두 번째 책(첫 번째, 1821년, "The Beautiful Miller's Girl" 포함)에서 "The Winter Road"는 24곡으로 편곡되어 있다. 이전과 다른 시퀀스 ; 마지막으로 작성된 두 개는 #15와 #6이 되었습니다.

Schubert는주기의 모든 노래를 사용했지만 순서가 다릅니다. 작곡가가 훨씬 나중에 썼지 만 처음 12 개는시의 첫 번째 출판물을 정확히 따릅니다. 마지막 출판- 1827년 2월 슈베르트 원고에 표시되어 있습니다. 시집 전집을 알게 된 슈베르트는 10월에도 계속해서 주기 작업을 했습니다. 그는 여전히 이듬해 1월에 비엔나 출판사에서 출판된 출판된 1부를 볼 수 있었습니다. 노래의 출시를 알리는 발표는 다음과 같이 말했습니다. 지난 날들형의 회고록에 따르면 치명적인 병에 걸린 동안 "의식의 짧은 틈"을 사용하는 삶. The Winter Road의 파트 2는 작곡가가 사망한 지 한 달 후에 출판되었습니다.

슈베르트의 생애 동안에도 The Winter Road의 노래는 그의 다른 노래와 마찬가지로 음악 애호가의 집에서 들렸습니다. 공개 공연은 출판되기 며칠 전인 1828년 1월 10일(비엔나, 음악 애호가 협회, 노래 1번 "평화롭게 잠들다")에 단 한 번 열렸습니다. 연주자가 전문 가수가 아니라 대학교수라는 점에서 의미가 있다.

음악

"Winter Way"는 가장 큰 사이클 중 하나이며 24곡으로 구성되어 있습니다. 구성과 감성 창고 모두 '미녀 밀러의 여인'과는 확연히 다르다. 줄거리 전개가 없으며 영웅의 방황에는 시작도 끝도 없습니다. 우울한 기분은 이미 1번에 자리잡고 마지막까지 지배한다. 때때로 그들은 밝은 기억, 거짓된 희망에 의해 조명되며 대조적으로 삶은 더욱 우울해집니다. 영웅을 둘러싼 자연도 우울합니다. 온 땅을 뒤덮은 눈, 얼어 붙은 개울, 귀머거리 바위로 유인하는 방황하는 빛, 방랑자의 죽음을 기다리는 까마귀. 잠자는 마을에서 영웅은 감시견의 짖는 소리로만 만나고 길은 돌아올 수없는 곳을 가리 킵니다. 길은 묘지로 이어집니다. 멜로디와 형식의 단순함은 주기의 노래를 민요에 더 가깝게 만듭니다.

1번 "Sleep well"은 절제된 슬픔으로 가득 차 있으며, 걸음걸이의 측정된 리듬, 행렬이 밑줄을 긋습니다. 마지막 구절만이 눈물을 머금은 미소처럼 장조로 칠해져 있다. 불안한 느낌표가 눈에 띄는 2 번 "Weather Vane"이 불안하게 들립니다. 가볍고 소박한 멜로디가 있는 5번 "Linden"이 첫 번째 대조를 이룹니다. 그러나 빛은 기만적입니다. 그것은 단지 꿈일뿐입니다. 분위기는 10번 "Spring Dream"과 비슷하며 내부 대조를 기반으로 합니다. 장조의 가볍고 선율적인 멜로디는 거칠고 갑작스러운 단조 프레이즈와 대조됩니다. 가장 경쾌한 노래 중 하나는 13 번 "Mail"로 활기찬 리듬과 경쾌한 팡파르 회전으로 우편 경적 연주를 모방합니다. 그러나 이것은 각 구절의 시작일뿐입니다. 잠시 후 슬픈 느낌표가 나타납니다. 선언적인 시작은 슬프게도 집중된 14번 "Greys"를 지배하며 피아노와 목소리가 메아리처럼 서로 메아리칩니다. 피할 수 없는 슬픔이 15번 The Raven에서 발산됩니다. 마지막 24번 "The Organ Grinder"는 슈베르트의 가장 절망적인 노래 중 하나로 극도로 인색한 방법으로 해결되었습니다. 슬픈 질문으로.

A. 쾨닉스버그

노래 "Winter Way"(1827)의 주기는 "The Beautiful Miller's Woman"에서 불과 4년 차이가 나지만, 그 사이에 전 생애가 놓여 있는 것 같습니다. 한때 즐겁고 쾌활했던 청년의 얼굴을 알아볼 수없는 슬픔, 역경, 실망으로 바꿨습니다. 이제 그는 모두에게 버림받은 외로운 방랑자이며 사람들의 동정과 이해를 간절히 원합니다. 그는 가난하기 때문에 사랑하는 사람을 떠나야 합니다. 사랑과 우정에 대한 희망없이 그는 소중한 곳을 떠나 긴 여행을 떠납니다. 모든 것이 그의 과거에 있고 무덤까지의 먼 길이 앞에 놓여 있습니다. 외로움, 고통의 주제는 여러 가지 음영으로 표현됩니다. 일부 노래의 서정적 쏟아지는 것은 삶의 본질, 사람에 대한 철학적 성찰의 성격을 얻습니다.

어느 정도 "Winter Way"는 "The Beautiful Miller 's Girl"과 연결되어 있으며 그 연장선 역할을합니다. 그러나 주기의 드라마투르기의 차이는 매우 중요합니다. "Winter Journey"에서는 줄거리 전개가 없으며 노래는 비극적 주제주기, 그것에 의해 결정되는 기분.

더 복잡한 성질시적 이미지는 삶의 내적 심리적 측면을 강조하면서 음악의 고조된 드라마에 영향을 미쳤습니다. 이것은 음악 언어의 중요한 복잡성, 형식을 극화하려는 욕구를 설명합니다. 단순한 노래 형식이 활성화되고 있습니다. 다양한 유형의 3 부분 구조의 우세가 눈에 띕니다. 중간 부분이 확장되고 역동적 인 재현이 있으며 각 부분의 변형이 변경됩니다. 선율적인 멜로디는 더 복잡한 코드 조합을 포함하는 대담한 병치, 갑작스러운 변조와 함께 선언 및 암송 회전, 하모니로 풍부합니다. 대부분의 노래는 단조로 작성되어 주기의 일반적인 분위기와 상당히 일치합니다. 에게 시각 기술 Schubert는 노래 "Spring Dream"과 "Linden"에서 꿈과 현실, 기억과 현실과 같은 대조의 드라마를 강조하기 위해서만 의지합니다. 또는 특정 이미지를 제공하기 위해 상징적 의미( "Raven"), 노래 "Mail"의 설명은 예외입니다.

"Winter Way"는 24곡으로 구성되어 있으며 각각 12곡씩 두 부분으로 나뉩니다. 맨 처음 노래 잘 자다"-고국을 떠나야 만하는 여행자를 기다리는 과거의 희망과 사랑에 대한 일종의 소개, 슬픈 이야기. 노래의 멜로디가 광범위하게 퍼집니다. 구금의 초기 억양에서 하향 이동이 시작됩니다. 이 인토네이션은 온음계 마이너 모드의 충만함과 함께 멜로디에 깊이, 폭, 특별한 다차원성을 부여합니다.

리드미컬하게 정렬된 반주의 움직임은 급격하게 강조된 하드 화음에 의해 가끔(서두, 막간에서) 중단됩니다. 소절의 마지막 박자의 밑줄은 일종의 실신을 형성합니다. 이 시점에서 구금의 "leitingtonation"은 매우 극적인 성격을 얻습니다.

유쾌하지 않은 느낌의 주입은 또한 형태 자체, 반복되는 2행시에서 기인한다. 네 번째, 마지막 절에서만 같은 이름의 장조로의 예기치 않은 이동이 있습니다. 그러나 일시적인 깨달음은 노래 전체를 더욱 슬프게 만듭니다.

« 린든". 도시 입구에 서 있는 린든의 달콤한 추억. 그 시원한 그림자 속에서 여행자는 한때 꿈을 꾸었지만 이제 이 꿈은 낯선 땅 대초원의 차가운 밤바람에 흩어집니다. 린든은 가장 유명한 노래주기. 꿈과 현실, 과거와 현재의 낭만적 대비를 구현한 슈베르트는 이 곡에서 많은 새로운 기법과 수단을 발견한다. 음악적 표현력.

(여기서 유절 형태의 해석이 독특합니다. 중간 부분이 극단과 관련하여 대조될 뿐만 아니라 극단 내부에도 지속적인 변이 갱신으로 인한 대조가 있는 3부분 구조가 나타납니다. 첫 번째 부분은 두 개의 연으로 구성되어 있고 두 번째는 첫 번째 연의 변형입니다. 그런 다음 중간 부분이 구성되는 피아노 도입부의 재료가 끼어들고 다양한 재현이 이어집니다.)

대부분의 노래와 마찬가지로 Lipa는 피아노 도입부와 결론으로 구성됩니다. 소개의 일반적인 목적인 작업의 정서적 분위기에 대한 소개는 여기에서 다른 기능으로 보완됩니다. 독립적인 주제 자료를 기반으로 제작된 서론은 크게 발전했으며, 그 동안 표현력과 구상성이라는 이중성이 드러났습니다. 16분 음표의 가벼운 소용돌이와 유사한 메아리는 많은 연상적 표현을 불러일으킬 수 있습니다. 나뭇잎의 조용한 바스락거림과 불어오는 산들바람의 숨결, 또는 아마도 꿈의 불안정함, 꿈꾸는 환상 등:

이야기를 차분하게 이끄는 목소리의 도입으로 반주의 질감이 바뀌고 소리가 더 물질적으로 변합니다. 서두르지 않는 반주의 속도, 평행 3분의 1 움직임, 간신히 도달하는 가벼운 메아리에서 풍경의 요소, 목가적이 느껴집니다.

노래의 두 번째 연은 피아노 도입부를 소재로 시작됩니다. 분위기의 변화는 마이너 스케일로 시작되고 다시 같은 이름의 메이저로 넘어갑니다. 이러한 모달 변동은 일련의 가볍고 슬픈 이미지로 인해 발생합니다. 동시에 피아노 파트의 다양한 표현은 반복을 가리고 형태를 유동적으로 만들고 메인 프렛 음조로의 복귀는 노래의 첫 부분을 닫고 중간 부분과 명확하게 구분합니다. 피아노 반주가 더욱 실감 나게 됩니다. 크로마타제이션, 고조파 불안정성, 텍스처 기능 제공 시각적 수단설명 된 그림의 현실을 강화합니다. 동시에 암송 요소로 가득 찬 보컬 부분에서 변화가 발생합니다.

역동적인 쇠퇴, 점진적인 퇴색으로 준비된 재현에서 첫 번째 악장의 따뜻한 색채가 복원됩니다. 그러나 시적 이미지의 움직임에 따라 피아노 부분을 변화시키는 과정은 계속된다.

« 봄의 꿈" - 중 하나 흥미로운 예노래의 극화. 시적 텍스트를 자유롭게 따르는 음악은 모든 세부 사항을 시작합니다.

전체 구성은 세 가지 대조되는 에피소드로 구성되며 문자 그대로 반복되지만 텍스트는 다릅니다. 봄 초원, 쾌활한 새 합창단-첫 번째 음악 구성의 시적 내용. 짧은 트릴, 우아한 음표, 반주의 부드러운 형상, 움직임의 용이함, 숨겨진 춤의 우아함, "펄럭이는" 멜로디는 이 목가적인 그림의 매혹적인 매력을 전달합니다.

다음 에피소드는 날카로운 불협화음으로 들립니다. “수탉이 갑자기 울었습니다. 그는 달콤한 꿈을 몰아냈고, 사방은 어둠과 추위가 있었고, 지붕 위의 까마귀는 비명을 질렀다. 잔인한 삶의 세계가 아름다운 꿈으로 터집니다. 이러한 대조의 드라마는 다양한 음악적 표현기법으로 강조된다. 주요 모드 색상의 선명도, 고조파 구조의 단순성, 첫 번째 에피소드 멜로디의 둥근 프레이즈는 마이너 모드, 고조파 불안정성, 불협화음 지연 및 변경된 코드의 날카로운 던지기로 대체됩니다. 선율의 부드러움이 사라지고, 때로는 밀접하게 결합되고 때로는 옥타브 간격으로 분리되는 선언에 가까운 억양으로 대체됩니다.

세 번째 에피소드는 비교 결과(출력)입니다. 이 섹션의 서정적 반영은 최근 슈베르트의 사고 방식의 특징 인 작품의 중심 아이디어를 표현합니다. "겨울에 여름날을 모든 영광으로 보는 것은 우스꽝 스럽습니다."

시적 은유 뒤에 숨겨진 슬픈 철학적 개념입니다. 아름다운 것은 꿈으로만 존재하며, 차갑고 우울한 현실과 조금만 닿아도 무너지는 꿈이다. 그래서 확실히 이 견해는 처음으로 표현되지만, 이후의 노래에서 슈베르트는 같은 생각으로 돌아가 다른 방식으로 변화시킵니다.

주기의 두 번째 부분에서 비극은 꾸준히 성장하고 있습니다. 외로움의 주제는 점점 더 끈질기게 주장되는 죽음의 주제로 대체됩니다. 이것은 우울하고 우울한 노래 "The Raven"(까마귀는 죽음의 선구자, 상징), 비극적으로 벌거 벗은 노래 "The Waypost"에서 발생합니다. "Raven"과 "Waypost"는 사이클의 슬픈 결과 인 "Organ Grinder"라는 노래로가는 가장 중요한 이정표입니다.

« 오르간 그라인더". 노숙자 거지 부랑자 인 오르간 분쇄기의 이미지는 매우 상징적입니다. 그는 예술가, 예술가 슈베르트 자신의 운명을 의인화합니다. 노래가 끝날 때 직접 작가의 연설에서 거지 음악가에게 질문이 제기되는 것은 우연이 아닙니다. 거디."

드물게 선택된 기술의 단순함과 간결함-그들의 표현력의 강도와 그들이 만드는 인상, 베이스의 지속적인 토닉 5도-백파이프, 거문고, 배럴 오르간과 같은 원시 민속 악기의 조화는 전체 움직임을 족쇄합니다. 노래. 지배적인 하모니의 부과에 의해 형성되는 하모닉 떫음은 특히 허디-거디 사운드 형성의 특징입니다. 베이스 비트의 점성 있는 단조로움은 짧은 기악 성가를 분류하기 위한 배경 역할을 합니다.

이 멜로디에서 단조 음계의 토닉 사운드를 노래하여 만든 보컬 멜로디가 시작됩니다. 멜로디 패턴의 거의 눈에 띄지 않는 변화는 그 본질에 영향을 미치지 않습니다. 애절한 목소리의 선율과 기악의 선율이 번갈아 가며 나오는 생명 없는 기계성에서 가슴 아픈 우울이 발산됩니다. 궁핍 한 뮤지션의 운명에 대한 설명이 "당신이 원한다면 함께 슬픔을 견디겠습니다"라는 직접적인 작가의 연설로 바뀔 때만 노래의 진정한 극적인 의미가 드러납니다. 비극적인 낭송의 표현과 함께 오르간 그라인더의 마지막 소절이 들립니다.

슈베르트 예술의 이데올로기적 내용. 성악 가사: 그 기원과 국가 시와의 연결. 슈베르트의 작품에서 노래의 주요 가치. 새로운 표현 기법. 초기 노래. 노래주기. 하이네의 가사를 기반으로 한 노래

거대한 창조적 유산슈베르트는 다양한 음악 분야에서 약 1,500개의 작품을 다루고 있습니다. 1920년대 이전에 그가 쓴 것 중 이미지와 예술적 기법 모두에서 비엔나 고전주의 학교에 많이 끌립니다. 그러나 이미 초기에 Schubert는 처음에는 성악 가사에서 그리고 다른 장르에서 창의적인 독립성을 얻었고 새롭고 낭만적 인 스타일을 만들었습니다.

이데올로기 적 지향, 좋아하는 이미지 및 색상의 낭만적 인 Schubert의 작업은 사람의 마음 상태를 진실하게 전달합니다. 그의 음악은 광범위하게 일반화되고 사회적으로 중요한 캐릭터. B. V. Asafiev는 Schubert에서 "작사가가되는 드문 능력이지만 개인 세계로 물러나지 않고 대부분의 사람들이 느끼고 전달하고 싶어하는 삶의 기쁨과 슬픔을 느끼고 전달하는 능력"이라고 말합니다.

슈베르트의 예술은 그 세대 최고의 사람들의 태도를 반영합니다. 모든 미묘함에도 불구하고 Schubert의 가사에는 세련미가 없습니다. 긴장, 정신 쇠약 또는 과민 반응이 없습니다. 드라마, 흥분, 정서적 깊이가 놀라운 마음의 평화와 다양한 감정의 색조와 결합되어 놀랍도록 단순합니다.

노래는 Schubert의 창의성에서 가장 중요하고 가장 좋아하는 영역이었습니다. 작곡가는 "작은 남자"의 삶, 삶, 내면 세계와 가장 밀접하게 관련된 장르로 전환했습니다. 노래는 포크뮤지컬과 시적 창작의 살덩이였다. 그의 보컬 미니어처에서 슈베르트는 그 시대의 많은 사람들의 생생한 예술적 요구에 부응하는 새로운 서정-로맨틱 스타일을 발견했습니다. "베토벤이 교향곡 분야에서 한 일을 그의 "아홉"에서 인간 "상판"의 아이디어-감정과 당시의 영웅적 미학을 풍부하게 한 것과 같이 슈베르트는 노래-로맨스 분야에서 다음과 같이 성취했습니다.

"단순한 자연스러운 생각과 깊은 인간성"(Asafiev)의 가사. 슈베르트는 일상적인 오스트리아-독일 노래를 위대한 예술 수준으로 끌어올려 이 장르에 특별한 예술적 의미를 부여했습니다. 다른 중요한 음악 예술 장르 중에서 노래-로맨스를 동등한 권리로 만든 것은 슈베르트였습니다.

하이든, 모차르트, 베토벤의 예술에서 노래와 기악의 미니어처는 무조건 연주된다. 부역. 작가의 특징적인 개성이나 예술적 스타일의 특성도이 영역에서 어떤 식 으로든 나타나지 않았습니다. 객관적인 세계의 이미지를 묘사하는 일반화되고 유형화된 그들의 예술은 강한 연극적, 극적인 경향을 가지고 기념비적인 것, 엄격하고 제한적인 형태, 대규모 개발의 내적 논리를 향해 끌렸습니다. 교향곡, 오페라 및 오라토리오는 고전주의 작곡가의 주요 장르였으며 그들의 아이디어의 이상적인 "지휘자"였습니다. 초기 비엔나 고전 중 clavier 음악 (고전주의 스타일 형성을위한 clavier 소나타의 모든 중요성과 함께)조차도 측면이있었습니다. 기념비적 인 교향곡 및 성악 드라마 작품과 비교할 때 가치가 있습니다. 소나타가 창조적인 실험실 역할을 했고 다른 더 큰 기악 형식의 발전보다 훨씬 앞선 베토벤만이 피아노 문학을 19세기에 차지했던 주도적인 위치에 놓았습니다. 그러나 베토벤에게 피아노 음악은 무엇보다도 소나타입니다. 바가텔, 론도, 춤, 작은 변형 및 기타 미니어처는 "베토벤 스타일"이라고 불리는 것을 거의 특징짓지 않습니다.

음악의 "Schubert"는 고전주의 장르와 관련하여 급진적 인 세력 개편을 만듭니다. 비엔나 낭만주의 작품을 이끄는 것은 노래와 피아노 미니어처, 특히 춤입니다. 그들은 양적으로만 우세한 것이 아닙니다. 그 안에서 작가의 개성이 가장 먼저 그리고 가장 완전한 형태로 드러났다. 새로운 주제그의 독창성, 독창적이고 혁신적인 표현 방법.

더욱이 노래와 피아노 춤은 슈베르트가 미니어처 스타일의 직접적인 영향을 받아 나중에 형성한 대규모 기악 작품(교향곡, 소나타 형식의 실내악)의 영역으로 침투합니다. 오페라 또는 합창 영역에서 작곡가는 일부 국가적 비인격성과 문체 다양성을 완전히 극복하지 못했습니다. 독일 무곡에서 베토벤의 창조적 이미지에 대한 대략적인 아이디어조차 얻을 수 없듯이, 슈베르트의 오페라와 칸타타에서 노래에서 훌륭하게 자신을 드러낸 저자의 규모와 역사적 의미를 추측하는 것은 불가능합니다. 세밀화.

보컬 창의성슈베르트는 오스트리아와 독일의 가곡과 순차적으로 연결되어 널리 보급되었다.

17세기 이후 민주적인 환경에서. 그러나 슈베르트는 과거의 노래 문화를 근본적으로 변화시킨 이 전통 예술 형식에 새로운 기능을 도입했습니다.

주로 가사의 낭만적인 창고와 보다 미묘한 이미지 전개를 모두 포함하는 이러한 새로운 기능은 18세기 후반부터 19세기 초까지 독일 문학의 성취와 불가분의 관계가 있습니다. 최고의 예에서 Schubert와 그의 동료의 예술적 취향이 형성되었습니다. 작곡가가 젊었을 때 Klopstock과 Hölti의 시적 전통은 여전히 살아 있었습니다. 그의 나이 많은 동시대 사람들은 Schiller와 Goethe였습니다. 그들의 창의성, 어린 시절음악가를 존경했고 그에게 큰 영향을 미쳤습니다. 그는 괴테의 가사에 맞춰 70곡 이상, 쉴러의 가사에 맞춰 50곡 이상의 노래를 작곡했습니다. 그러나 Schubert의 생애 동안 낭만적 인 문학 학교도 주장했습니다. Schlegel, Relshtab, Heine의 시 작품으로 가곡 작곡가로서의 길을 완성했다. 마지막으로 그의 세심한 주의독일과 오스트리아에서 널리 사용되는 Shakespeare, Petrarch, Walter Scott의 작품 번역을 유치했습니다.

세상은 친밀하고 서정적이며 자연과 삶의 이미지, 민화-슈베르트가 선택한 시적 텍스트의 일반적인 내용입니다. 그는 이전 세대의 작곡의 특징이었던 "합리적", 교훈적, 종교적, 목가적 주제에 전혀 매력을 느끼지 않았습니다. 그는 18세기 중반 독일과 오스트리아 시에서 유행했던 "화려한 갈리아주의"의 흔적을 지닌 시를 거부했습니다. 고의적인 Peisan의 단순함도 그에게 반향을 일으키지 않았습니다. 특징적으로 그는 과거의 시인들 중에서 클롭슈톡과 홀티에 대해 각별한 동정심을 가졌다. 첫 번째는 독일시의 민감한 시작을 선포했고 두 번째는 민속 예술에 가까운 스타일의시와 발라드를 만들었습니다.

가곡에서 민속예술의 정신을 최고로 구현한 작곡가는 민속장서에는 관심이 없었다. 그는 집회뿐만 아니라 무관심했습니다. 민요 Herder ( "Voices of the Nations in Song")뿐만 아니라 Goethe 자신의 감탄을 불러 일으킨 유명한 컬렉션 "The Magic Horn of the Boy"에도 있습니다. Schubert는 단순함으로 구별되고 깊은 감정으로 가득 차 있으며 동시에 반드시 작가의 개성으로 표시되는시에 매료되었습니다.

Schubert의 노래에서 가장 좋아하는 주제는 다양한 감정적 색조를 가진 낭만주의의 전형적인 "서정적 고백"입니다. 정신적으로 그와 가까운 대부분의 시인과 마찬가지로 슈베르트는 특히 사랑의 가사에 매료되었습니다. 내면 세계영웅. 첫사랑 그리움의 천진난만함은 여기

(괴테의 "회전하는 바퀴의 마가리타"), 행복한 연인의 꿈 (Relshtab의 "세레나데"), 가벼운 유머 (괴테의 "스위스 송"), 드라마 (하이네의 가사 노래).

낭만주의 시인들이 널리 부르는 외로움의 동기는 슈베르트와 매우 유사하며 그의 성악 가사(Müller의 Winter Road, Relshtab의 In a Foreign Land 등)에 반영되어 있습니다.

나는 낯선 사람으로 여기에 왔습니다.
외계인이 가장자리를 떠났습니다 -

이것이 Schubert가 영적 외로움의 비극을 구현하는 작품 인 "Winter Journey"를 시작하는 방법입니다.

누가 혼자가 되길 바라 니
혼자 남게 될 것입니다.
누구나 살고 싶어하고, 사랑하고 싶어하고,
그들은 왜 불행합니까? -

그는 "하퍼의 노래"(괴테의 텍스트)에서 말합니다.

민속 이미지, 장면, 그림(괴테의 "장미꽃", 쉴러의 "소녀의 불평", 셰익스피어의 "아침 세레나데"), 예술 성가("음악에", "류트에" , "To My Clavier"), 철학적 주제("The Borders of Humanity", "To the Coachman Kronos") - 이 모든 다양한 주제는 변함없이 서정적인 굴절로 Schubert에 의해 드러납니다.

객관적 세계와 자연에 대한 인식은 낭만주의 시인의 정서와 불가분의 관계에 있다. 시냇물은 사랑의 대사(Relshtab의 "사랑의 대사")가 되고, 꽃의 이슬은 사랑의 눈물(Schlegel의 "Praise to Tears"), 밤 자연의 고요함-쉼의 꿈("The Night")으로 식별됩니다. 낚시꾼의 미끼에 걸린 햇볕에 반짝이는 송어는 행복의 나약함의 상징이 됩니다(슈베르트의 "송어").

현대시의 이미지를 가장 생생하고 진실되게 전달하기 위해 슈베르트 노래의 새로운 표현 수단이 개발되었습니다. 그들은 슈베르트의 음악 스타일 전체의 특징을 결정했습니다.

베토벤이 "소나타"를 생각했다고 말할 수 있다면 슈베르트는 "노래"를 생각했습니다. 베토벤의 소나타는 계획이 아니라 살아있는 생각의 표현이었습니다. 그는 피아노 소나타에서 교향곡 스타일을 추구했습니다. 소나타의 특징은 소나타가 아닌 장르(예: 변주곡 또는 론도)에 스며들었습니다. 슈베르트는 그의 거의 모든 음악에서 성악 가사의 기초가 되는 이미지와 표현 수단의 총체성에 의존했습니다. 고유한 합리주의적이고 객관적인 특성을 지닌 지배적인 고전주의 장르 중 어느 것도 노래나 피아노 미니어처가 그에 상응하는 만큼 슈베르트 음악의 서정적 감성적 이미지에 상당 부분 상응하지 않았습니다.

성숙기에 슈베르트는 주요 일반화 장르에서 뛰어난 작품을 만들었습니다. 그러나 우리는 슈베르트의 새로운 서정적 스타일이 개발되었고 미니어처가 그의 전체 경력 동안 그를 동반했다는 것이 미니어처라는 사실을 잊지 말아야 합니다(동시에 G-dur "4중주, 9번 교향곡 및 현악 5중주와 함께 Schubert는 그의 "즉흥 연주"를 썼습니다. " 및 "Winter Way" 및 "Swan Song"에 포함된 피아노 및 노래 미니어처에 대한 "Musical Moments").

마지막으로, 슈베르트의 교향곡과 대규모 실내악 작품은 작곡가가 이전에 노래에서 발견한 이미지와 예술적 기법을 일반화했을 때에만 예술적 독창성과 혁신적인 의미에 도달했다는 점에서 매우 중요합니다.

고전주의 예술을 지배한 소나타 이후 슈베르트의 작곡은 유럽 음악에 새로운 이미지, 고유한 억양 창고, 새로운 예술적이고 건설적인 기법을 도입했습니다. Schubert는 그의 노래를 기악 작품의 주제로 반복해서 사용했습니다. 19세기 음악에 혁명을 일으킨 것은 서정적 노래 미니어처의 예술적 기법에 대한 슈베르트의 우세였으며, 그 결과 베토벤과 슈베르트의 동시 창작 작품은 서로 다른 두 시대에 속하는 것으로 인식되었습니다.

슈베르트의 초기 창작 경험은 여전히 각색된 오페라 스타일과 밀접한 관련이 있습니다. 젊은 작곡가의 첫 번째 노래 인 "Agari 's Complaint"(Schücking의 텍스트), "Funeral Fantasy"(Schiller의 텍스트), "Paricide"(Pfeffel의 텍스트)는 그가 오페라 작곡가로 발전했다고 가정하는 모든 이유를 제공했습니다. . 그리고 고상한 연극 방식, 선율의 선율적인 선율, 반주의 "오케스트라" 성격, 그리고 대규모는 이러한 초기 구성을 오페라와 칸타타 장면에 더 가깝게 만들었습니다. 그러나 슈베르트 가곡의 원래 스타일은 작곡가가 극적인 오페라 아리아의 영향에서 벗어나야 비로소 구체화되었습니다. Schiller의 텍스트에 대한 노래 "Young Man by the Stream"(1812)로 Schubert는 그를 불멸의 "물레의 Marguerite"로 이끄는 길을 굳건히 시작했습니다. 같은 스타일의 틀 내에서 그의 모든 후속 노래는 "Forest King"과 "Field Rose"에서 그의 생애 말년의 비극적 작품에 이르기까지 만들어졌습니다.

규모가 축소되고 형태가 매우 단순하며 표현 스타일이 민속 예술에 가까운 슈베르트 노래는 모든 외부 기호로 가정 음악 제작의 예술입니다. Schubert의 노래는 이제 무대 어디에서나 들리지만 실내악 연주와 소수의 청취자에서만 충분히 감상 할 수 있습니다.

무엇보다도 작곡가는 콘서트 공연을 위해 그것들을 의도했습니다. 그러나 슈베르트는 18세기의 노래에는 알려지지 않은 높은 이데올로기적 의미를 도시 민주주의 서클의 예술에 부여했습니다. 그는 일상의 로맨스를 당대 최고의 시 수준으로 끌어올렸습니다.

각 음악 이미지의 참신함과 중요성, 분위기의 풍부함, 깊이 및 미묘함, 놀라운시-이 모든 것이 Schubert의 노래를 전임자의 작곡보다 무한히 향상시킵니다.

슈베르트는 이에 적합한 음악적 표현 수단을 찾아내어 껌 장르에서 새로운 문학적 이미지를 최초로 구현하는데 성공했다. 시를 음악으로 번역하는 슈베르트의 과정은 음악 언어의 억양 구조의 갱신과 불가분의 관계가 있습니다. '로맨틱 에이지'의 보컬 가사에서 가장 높고 가장 특징적인 것을 구현하는 로맨스 장르가 탄생했습니다.

시적 작품에 대한 슈베르트의 로맨스의 깊은 의존성은 슈베르트가 시적 의도를 정확하게 구현하는 임무를 맡았다는 것을 전혀 의미하지 않습니다. Schubert의 노래는 항상 작곡가의 개성이 텍스트 작성자의 개성에 종속되는 독립적 인 작품으로 판명되었습니다. 그의 이해와 분위기에 따라 슈베르트는 음악에서 시적 이미지의 다양한 측면을 강조했으며 종종 텍스트의 예술적 장점을 향상시켰습니다. 예를 들어 Mayrhofer는 슈베르트의 가사에 대한 노래가 작가 자신에게 시의 감정적 깊이를 드러냈다고 주장했습니다. 또한 뮐러 시의 시적 장점이 슈베르트의 음악과 융합됨으로써 강화된다는 것 또한 의심의 여지가 없습니다. 마이어호퍼(Mayrhofer)나 쇼버(Schober)와 같은 마이너 시인들(Mayrhofer나 Schober와 같은)이 쉴러(Schiller)와 같은 명석한 시인들보다 슈베르트를 더 만족시키는 경우가 많았습니다. Claudius의 "Death and the Maiden", Müller의 "The Organ Grinder", Schober의 "To Music"은 Schubert의 해석에서 Goethe의 "The Forest King", Heine의 "Double", "Serenade"보다 열등하지 않습니다. 셰익스피어. 그러나 여전히 최고의 노래는 명백한 예술적 장점으로 구별되는 구절에 의해 쓰여졌습니다. 그리고 작곡가가 자신과 일치하는 음악 작품을 만들도록 영감을 준 것은 항상 감성과 구체적인 이미지가 있는 시적 텍스트였습니다.

새로운 예술적 기법을 사용하여 Schubert는 전례 없는 수준의 문학적 이미지와 음악적 이미지의 융합을 달성했습니다. 그리하여 그의 새로운 독창적인 스타일이 형성되었다. 모든 혁신

Schubert의 기술-새로운 억양 원, 대담한 조화 언어, 발달 된 색상 감각, 형식의 "자유로운"해석-그가 노래에서 처음 발견했습니다. 슈베르트 로망스의 음악적 이미지는 18세기와 19세기의 전환기에 지배적이었던 전체 표현 수단 시스템에 혁명을 일으켰습니다.

“시기 적절하게 그의 경력을 끝낸 이 작곡가에게 얼마나 무한한 멜로디 발명이 있었습니까! 환상의 사치와 날카롭게 정의된 독창성”이라고 차이코프스키는 슈베르트에 대해 썼습니다.

의심할 여지 없이 슈베르트 가곡의 가장 두드러진 특징은 훌륭한 선율적 매력이다. 아름다움과 영감의 측면에서 그의 멜로디는 세계 음악 문학에서 거의 동등하지 않습니다.

슈베르트의 가곡(총 600곡 이상)은 무엇보다 직설적인 가곡으로 듣는 이를 사로잡는다. 독창적인 단순성멜로디. 동시에 그들은 항상 인간 목소리의 음색 표현 특성에 대한 놀라운 이해력을 보여줍니다. 그들은 항상 "노래"하고 훌륭하게 들립니다.

동시에 Schubert의 멜로디 스타일의 표현력은 작곡가의 탁월한 멜로디 선물과 관련이 있습니다. 그의 모든 로맨스 선율에 포착되고 그들의 언어를 18세기의 전문적인 비엔나 음악과 구별하는 특징적으로 슈베르트적인 것은 오스트리아-독일 노래의 국제적 갱신과 관련이 있습니다. Schubert는 여러 세대 동안 외국 오페라 억양 아래에 숨겨져 있던 민속 멜로디 소스로 돌아 왔습니다. The Magic Shooter에서 사냥꾼 합창단과 여자 친구 합창단은 오페라 아리아 또는 합창단의 전통적인 억양 원을 근본적으로 변경했습니다 (Gluck 및 Spontini뿐만 아니라 Beethoven과 비교). 슈베르트 노래의 선율 구조에서도 똑같은 억양 혁명이 일어났습니다. 그의 작품 속 일상 로맨스의 선율적 창고는 비엔나 민요의 억양에 가까워졌다.

오스트리아나 독일의 민요와 슈베르트의 성악 작품의 선율 사이에 명백한 억양적 연관성이 있는 경우를 쉽게 지적할 수 있습니다.

예를 들어 포크 댄스 곡인 "grossvater"와 슈베르트의 노래 "Song from afar" 또는

민요 "Mind of Love"와 슈베르트의 노래 "Don Gaizeros", 유명한 "Trout"은 민요 "The Murdered Treacherous Lover"의 멜로디 턴과 공통점이 많습니다.

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유사한 예가 배가될 수 있습니다. 그러나 슈베르트 멜로디의 민족적 성격을 결정하는 것은 이러한 명시적인 연결과 전혀 다릅니다. 슈베르트는 민요 스타일로 생각했는데, 그것은 그의 작곡가 이미지의 유기적 요소였다. 그리고 그의 음악과 민속 예술의 예술적 및 국제적 구조의 선율 적 친화력은 분석적 비교의 도움을받는 것보다 훨씬 더 직접적이고 깊이 귀로 인식됩니다.

슈베르트의 성악 작품에는 그를 현대 일상의 노래 수준 이상으로 끌어올리고 표현력 면에서 글룩, 모차르트, 베토벤의 극적인 아리아에 더 가깝게 만드는 또 다른 속성이 등장했습니다. 로맨스를 민요 및 춤 전통과 관련된 미니어처, 서정적 장르로 유지하면서 Schubert는 그의 전임자보다 훨씬 더 큰 범위로 노래의 멜로디 표현력을 시적 연설에 더 가깝게 만들었습니다.

슈베르트는 고도로 발달된 시적 재능뿐만 아니라 어느 정도 독일 시적 연설 감각을 가지고 있었습니다. 음악적 절정과 시적 절정의 빈번한 일치에서 Schubert의 보컬 미니어처에서 단어의 미묘한 의미가 나타납니다. 일부 노래(예: Relshtab의 텍스트에 대한 "Shelter")는 음악적 표현과 시적 표현의 완전한 통합에 놀라움을 금치 못합니다.

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텍스트의 세부 사항을 강화하기 위해 Schubert는 개별 회전을 날카롭게하고 선언 요소를 확장합니다. A. N. Serov는 슈베르트를 "노래에서 별도의 멜로디를 마지막으로 극화한" "멋진 작사가"라고 불렀습니다. 슈베르트는 멜로디 패턴이 없습니다. 각 이미지에서 그는 새로운 고유한 특성을 찾습니다. 그의 보컬 테크닉은 놀라울 정도로 다양하다. 슈베르트의 노래에는 민요 칸틸레나("Lullaby by the Stream", "Linden")와 댄스 멜로디("Field Rose")부터 자유롭거나 엄격한 암송("Double", "Death and the Girl")에 이르기까지 모든 것이 있습니다. 그러나 텍스트의 특정 음영을 강조하려는 욕구는 멜로디 패턴의 무결성을 위반하지 않았습니다. Schubert는 그의 "멜로디 본능"이 요구하는 경우 구절의 유절 구조 위반, 자유로운 반복, 문구 절단을 반복적으로 허용했습니다. 그의 노래에는 연설의 모든 표현력과 함께 텍스트의 세부 사항과 나중에 로맨스를 특징 짓는 음악과시의 절대적인 동등성에 대한 관심이 없습니다.

슈만 또는 늑대. 슈베르트의 노래가 텍스트보다 우세했습니다. 분명히 이러한 선율의 완성도 때문에 그의 노래의 피아노 편곡은 거의 그들의 성악 연주만큼 인기가 있습니다.

Schubert의 노래-로맨틱 스타일이 그의 기악에 침투한 것은 주로 억양 구조에서 눈에 띕니다. 때때로 슈베르트는 그의 노래의 선율을 기악 작품에 사용했는데, 가장 자주 변주곡의 재료로 사용했습니다.

그러나 이 외에도 슈베르트의 소나타 교향곡 주제는 억양뿐만 아니라 표현 기법에서도 그의 성악 선율에 가깝습니다. 예를 들어 "Unfinished Symphony"(ex. 121)의 첫 번째 악장의 주요 주제와 측면 부분의 주제(ex. 122) 또는 첫 번째 악장의 주요 부분의 주제를 지정하겠습니다. a-moll 사중주(ex. 129), 피아노 소나타 A-dur:

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교향곡의 악기 편성도 종종 목소리와 비슷합니다. 예를 들어, "미완성 교향곡"에서 선율이 길게 늘어납니다. 메인 파티, 클래식 대신 문자열 그룹, "노래", 인간의 목소리, 오보에 및 클라리넷을 모방합니다. 슈베르트의 악기 편성에서 또 다른 선호하는 "보컬" 장치는 두 오케스트라 그룹 또는 악기 사이의 "대화"입니다(예: G-dur 4중주 트리오). "..그는 종종 인간의 목소리와 합창단처럼 들리는 악기와 오케스트라 미사를 다루는 독특한 방식을 달성했습니다." 슈만은 이렇게 가깝고 놀라운 유사성에 감탄하며 썼습니다.

슈베르트는 곡의 비유적이고 표현적인 경계를 끝없이 확장하여 심리적, 시각적 배경을 부여했습니다. 그의 해석에서 노래는 다각적 인 장르 인 노래 악기로 바뀌 었습니다. 장르 자체의 역사에서 이것은 도약이었습니다.

예술적 의미에서 평면 드로잉에서 원근법으로의 전환에 필적합니다. 슈베르트와 함께 피아노 부분은 멜로디에 대한 정서적, 심리적 "배경"의 의미를 얻었습니다. 이러한 반주의 해석에서 작곡가는 피아노뿐만 아니라 교향곡과 오페라 예술비엔나의 고전. 슈베르트는 곡의 반주에 글루크, 모차르트, 하이든, 베토벤의 성악과 극적인 음악에서 관현악 부분에 해당하는 가치를 부여했다.

슈베르트 반주의 풍부한 표현력을 준비했습니다. 높은 레벨컨템포러리 피아니즘. 18세기와 19세기로 접어들면서 피아노 음악은 큰 발전을 이루었습니다. 그리고 거장 다양한 예술 분야와 친밀한 실내 음악 제작 분야에서 그녀는 특히 음악적 낭만주의의 가장 진보되고 대담한 업적을 반영하는 주요 장소 중 하나를 차지했습니다. 차례로 Schubert의 성악 반주는 피아노 문학의 발전을 크게 발전 시켰습니다. Schubert 자신에게 로맨스의 도구 부분은 일종의 "창조적 실험실"의 역할을했습니다. 여기에서 그는 그의 화성적 기술, 그의 피아노 스타일을 발견했습니다.

슈베르트의 노래는 심리적인 그림이자 극적인 장면이다. 그들은 정신 상태를 기반으로 합니다. 그러나이 모든 감정적 분위기는 일반적으로 특정 음모-화상 배경에 대해 표시됩니다. Schubert는 성악과 기악의 미묘한 조합을 통해 가사와 외부 이미지-그림을 병합합니다.

반주의 첫 시작 부분은 청자를 노래의 감정 영역으로 안내합니다. 피아노 결론은 일반적으로 이미지 스케치의 마지막 손질입니다. 리투르넬로, 즉 단순한 연기의 기능은 슈베르트의 피아노 파트에서 사라졌지만, 특정 이미지를 생성하기 위해 "리토넬로" 효과가 필요한 경우(예를 들어 "야장미"에서)는 예외입니다.

일반적으로 발라드 형식의 곡이 아닌 이상(자세한 내용은 아래 참조) 피아노 부분은 항상 반복되는 주제를 중심으로 구성됩니다. 조건부로 "ostinato repeat"이라고 부르는 이러한 건축 기술은 많은 유럽 국가에서 민속 음악과 일상 음악의 특징 인 댄스 리듬 기반으로 거슬러 올라갑니다. 그것은 슈베르트의 노래에 큰 감정적 즉각성을 부여합니다. 그러나 Schubert는 이 균일한 맥동 기반을 날카롭게 표현하는 억양으로 포화시킵니다. 각 곡마다 시적 분위기와 그림의 캔버스를 간결하고 특징적인 획으로 표현하는 그만의 독특한 모티브를 찾는다.

그래서 "회전하는 바퀴의 마가리타"에서 두 개의 오프닝 소절 후에 청취자는 우울함과 슬픔의 분위기뿐만 아니라-

그는 윙윙거리는 물레를 보고 듣는 것 같다. 노래는 거의 무대가 된다. "Forest King"-오프닝 피아노 악절에서-동요, 두려움 및 긴장이 화보 배경-성급한 발굽 소리와 연결됩니다. "Serenade"에서 -기타 또는 류트 현의 갈망과 덜거덕 거리는 것을 좋아합니다. The Organ Grinder에서는 거리의 허디거디 선율을 배경으로 비극적인 파멸의 분위기가 나타납니다. "Trout"에서-기쁨, 가볍고 거의 눈에 띄는 물 튀김. Lipa에서 떨리는 소리는 나뭇잎이 바스락거리는 소리와 평온한 상태를 모두 전달합니다. 장난기 넘치는 자기 만족을 호흡하는 "출발"은 말을 타고 요염하게 뛰는 라이더와의 연관성을 불러 일으키는 움직임으로 스며든다.

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그러나 줄거리 덕분에 비 유적 자체가 암시되는 노래 (예 : 시냇물 소리, 사냥꾼의 팡파르, 물레의 윙윙 거리는 소리)뿐만 아니라 추상적 인 분위기가 우세한 노래에서도 선명한 외부 이미지를 불러일으키는 숨겨진 기술.

그래서 "Death and the Maiden"이라는 노래에서 합창 하모니의 단조로운 연속은 장례식 교회 종을 연상시킵니다. 환희에 찬 "아침 세레나데"에서는 왈츠를 추는 움직임이 눈에 띕니다. Schubert의 가장 간결한 노래 중 하나 인 "Gray Hair"에서 "음악의 실루엣"이라고 부르고 싶은 애도 배경은 사라방드의 리듬에 의해 만들어집니다. (Sarabande는 애도 의식에서 자란 고대 춤입니다.) 비극적 인 노래 "Atlas"에서 "불평의 아리아"의 리듬이 지배적입니다 (소위 lemento, 17 세기부터 오페라에 널리 퍼짐). 노래 "Dried Flowers"는 겉보기에 단순해 보이지만 장례 행진곡의 요소를 포함하고 있습니다.

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진정한 마술사처럼 슈베르트는 단순한 화음, 음계와 같은 구절, 아르페지오 사운드를 만져 전례없는 밝기와 아름다움의 눈에 보이는 이미지로 변환합니다.

슈베르트 로망스의 감성적 분위기는 그 하모니의 특성과 상당 부분 연결되어 있다.

슈만은 낭만파 작곡가들에 대해 "조화의 비밀에 더 깊이 파고들면서 더 미묘한 표현을 배웠다"고 썼다.

느낌의 음영. 19세기 화성어의 엄청난 풍부함을 설명할 수 있는 것은 바로 심리적 이미지를 음악에 진실되게 반영하려는 열망이다. 슈베르트는 이 분야에 혁명을 일으킨 작곡가 중 한 명이었습니다. 그의 노래에 대한 피아노 반주에서 그는 지금까지 알려지지 않은 화음 소리와 변조의 표현 가능성을 발견했습니다. 낭만적인 하모니는 슈베르트의 노래에서 시작됩니다. 이 영역의 각각의 새로운 표현 장치는 심리적 이미지를 구체화하는 수단으로 슈베르트에 의해 발견되었습니다. 여기에서 멜로디 변주보다 훨씬 더 시적 텍스트의 분위기 변화가 반영됩니다. 슈베르트 반주의 섬세하고 다채롭고 움직이는 하모니는 변화하는 감정적 분위기와 미묘한 뉘앙스를 표현합니다. Schubert의 다채로운 전환은 항상 특정 시적 세부 사항을 특징 짓습니다. 따라서 그의 가장 특징적인 기술 중 하나 인 단조와 장조 사이의 진동의 "프로그램 적"의미는 "Dried Flowers"또는 "You Don't Love Me"와 같은 노래에서 드러납니다. 희망과 어둠 사이의 영적 진동. 노래 "Blanca"에서 모달 불안정성은 나른함에서 평온한 재미로 넘어가는 변덕스러운 분위기를 특징 짓습니다. 긴장된 심리적 순간에는 종종 불협화음이 동반됩니다. 예를 들어, "City"라는 노래의 이상하고 불길한 풍미는 불협화음 배경의 도움으로 발생합니다. 극적인 절정은 종종 불안정한 소리로 강조됩니다("아틀라스", "회전하는 바퀴의 마가리타" 참조).

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Schubert의 "음조 연결 및 색조 표현에 대한 탁월한 감각"(Asafiev)도 시적 이미지의 진실한 구현을 찾기 위해 개발되었습니다. 예를 들어 "The Wanderer"는 메인 키에서 시작하고이 음조 조화 장치의 도움으로 방황하는 느낌이 전달됩니다. 시인이 격렬하고 충동적인 삶, 비정상적인 변조 등으로 가득 찬 노래 "Coachman Kronos". 낭만적인 시 Heine은 Schubert에게이 분야에서 특별한 발견을 찾도록 촉구했습니다.

Schubert 하모니의 다채로운 표현력은 전임자의 예술과 유사하지 않았습니다. 차이코프스키는 슈베르트 화성의 아름다움에 대해 썼습니다. Cui는 그의 작품에서 원래의 조화의 전환에 감탄했습니다.

Schubert는 그의 노래에서 새로운 피아니스트 표현력을 개발했습니다. 반주에서는 슈베르트의 피아노 음악보다 훨씬 일찍 새로운 피아니즘과 새로운 음악 스타일 전체의 표현 수단이 형성되었습니다. 슈베르트는 피아노를 가장 다채롭고 표현력이 풍부한 악기로 취급합니다. 엠보싱 된 보컬 멜로디는 다양한 음색 효과, 페달 소리와 같은 피아노 "계획"과 반대됩니다. 보컬 칸틸레나와 선언적 기법, 특징적인 "피아노"를 통해 굴절된 사운드 표현 - 이 모든 것이 슈베르트의 반주에 진정한 참신함을 부여합니다. 마지막으로,

Schubert 하모니의 새로운 다채로운 속성도 연관되는 것은 피아니스트 사운드입니다.

슈베르트의 반주는 처음부터 마지막 음까지 피아니스트적입니다. 다른 음색에서는 상상할 수 없습니다. (슈베르트의 초기 "칸타타" 곡에서만 반주가 관현악 편곡을 간청합니다.) 슈베르트 반주의 피아노 특성은 멘델스존이 피아노를 위한 유명한 "말 없는 노래"를 만들 때 솔직하게 반주에 의존했다는 사실에서 가장 분명하게 입증됩니다. 그들의 스타일. 그럼에도 불구하고 슈베르트의 교향곡과 실내악 주제의 많은 특징은 반주 부분으로 되돌아간다. 그래서 본주제와 제2주제(예제 121번과 122번)의 "미완성 교향곡"에서, 제2악장 제2주제에서, a단조 사중주에서 주주제에서, d단조 사중주에서 최종주제에서, 그리고 다른 많은 경우, 노래에 대한 피아노 소개와 같은 색상 배경은 실제 테마의 모습을 예상하면서 특정 분위기를 만듭니다.

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배경의 음색-다채로운 속성, 그림 협회, "ostinato-주기적"구조는 로맨스의 챔버 반주에 매우 가깝습니다. 더욱이 슈베르트의 기악 주제에 대한 일부 "서론"은 작곡가의 특정 노래에 의해 예상되었습니다.

Schubert 노래 형식의 특징은 또한 시적 이미지의 진실하고 정확한 구현과 관련이 있습니다. 칸타타 형식의 노래, 긴 발라드(I. Zumsteig의 발라드를 연상케 함)와 함께 일상적인 2행 구조로 시작하여 Schubert는 그의 말까지 창의적인 방법새로운 형태의 무료 "통과" 미니어처를 만들었습니다.

그러나 그의 노래의 낭만적인 자유와 "말" 표현력은 엄격하고 논리적인 음악 편곡과 결합되었습니다. 대부분의 노래에서 그는 오스트리아와 독일의 일상 노래의 특징인 전통적인 2행시를 고수했습니다. 발라드에 대한 매력은 거의 전적으로 슈베르트의 초기 창작 기간에 속합니다. 시적 이미지의 발전과 관련하여 노래의 다양한 개별 표현 요소를 통해 Schubert는 전통적인 2행 형식의 해석에서 특별한 유연성, 역동성 및 예술적 정확성을 달성했습니다.

그는 계획에 따르면 노래가 민속 일상 패턴에 가깝고 노련한 분위기를 유지해야하는 경우에만 변함없는 커플에 의지했습니다 ( "Rose", "On the Road", "Barcarolle"). 일반적으로 Schubert의 노래는 무한한 다양한 형식으로 구별됩니다. 작곡가는 보컬 부분의 미묘한 선율 수정과 화성적 변주를 통해 이를 달성했으며, 이는 구절의 멜로디를 새로운 방식으로 채색했습니다. 질감의 음색-색상 변화도 의미가 컸습니다. 거의 모든 로맨스에서 형식의 문제는 텍스트의 내용에 따라 독특한 방식으로 해결됩니다.

시적 이미지의 드라마를 구체화하고 강화하는 수단 중 하나로 Schubert는 3 부분으로 구성된 노래 형식을 승인했습니다. 그래서 "The Miller and the Stream"이라는 노래에서 세 부분은 청년과 개울 사이의 대화를 전달하는 기법으로 사용됩니다. 노래 "Stupor", "Linden", "By the River"에서 삼자 캐릭터는 현실과 크게 대조되는 기억이나 꿈의 동기 텍스트의 출현을 반영합니다. 이 이미지는 대비되는 중간 에피소드로 표현되며, 재현은 원래 분위기로 돌아갑니다.

Schubert가 보컬 미니어처로 개발한 새로운 성형 방법을 기악으로 옮겼습니다. 이것은 주로 기악 테마의 변주적 발전에 대한 열정에 반영되었습니다. "변주가 있는 주제"에서 슈베르트는 일반적으로 고전적 전통에 머물렀다. 하지만 다른 장르에서는

특히 소나타에서 슈베르트가 주제를 두 번 또는 여러 번 반복하여 노래의 구절 변주를 연상시키는 것이 일반적이 되었습니다. 이 변주적 변형 기법은 특히 소나타 발전 원리와 얽혀 있어 슈베르트 소나타에 낭만적인 특징을 부여했습니다.

세 부분으로 구성된 형식은 그의 피아노 "Impromptu", "Musical Moments"에서도 발견되며 심지어 당시에는 특히 이례적으로 보였던 소나타-심포니 사이클의 주제에서도 발견됩니다.

슈베르트가 17~18세에 만든 가곡 중에는 이미 성악가사의 걸작이 있다. 이 초기 창작 기간 동안 괴테의 시는 그에게 특히 유익한 영향을 미쳤습니다.

물레의 마가렛(1814)은 새로운 음악적이고 낭만적인 이미지 갤러리를 엽니다. '서정적 고백'이라는 주제가 드러나는 이 로맨스는 엄청난 예술적 힘을 자랑한다. 그것은 Schubert의 로맨스 창의성의 가장 특징적인 두 가지 측면, 즉 민속 장르 전통에 대한 근접성과 미묘한 심리학에 대한 열망의 완전한 균형을 달성했습니다. 일반적으로 낭만적 인 장치 (갱신 된 억양 구조, 다채로움의 역할 증가, 유연하고 역동적 인 커플 형식)가 여기에 최대한 완전하게 제공됩니다. 자발성과 시적인 분위기로 인해 "물레의 마가리타"는 자유로운 감정의 분출로 인식됩니다.

발라드 "The Forest King"(1815)은 낭만적 인 흥분, 상황의 선명도, 이미지의 생생한 특성이 뛰어납니다. Schubert는 여기에서 우울한 환상의 이미지를 전달하기 위해 공포감을 표현하는 새로운 "불협화음"억양을 발견했습니다.

같은 해에 "Rose"가 만들어졌으며 단순함과 민요에 대한 친밀감이 특징입니다.

초기의 로맨스 중에서 G. F. Schmidt의 텍스트에 대한 Wanderer (1816)는 특히 극적입니다. "발라드"를 통한 형식으로 작성되었지만 로맨틱 발라드 고유의 판타지 요소가 없습니다. 영적 외로움의 비극과 실현 불가능한 행복에 대한 갈망을 표현한 시의 주제는 방황이라는 주제와 얽혀 슈베르트의 생애 말년을 향한 작품에서 지배적인 주제 중 하나가 되었습니다.

"The Wanderer"에서는 기분의 변화가 큰 안도감으로 반영됩니다. 다양한 주제별 에피소드와 발성 기법이 어우러져 전체의 통일성을 이룬다. 감정을 전하는 음악

외로움은 가장 표현력이 풍부하고 비극적인 슈베르트 테마 중 하나입니다.

6년 후 작곡가는 피아노 환상에서 이 주제를 사용했습니다.

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M. Claudius의 텍스트에 대한 "Death and the Maiden"(1817)은 철학적 가사의 예입니다. 대화 형식으로 구축된 이 노래에는 전통적인 가극적 이미지인 록과 불평에 대한 일종의 낭만적 굴절이 주어진다. 떨리는기도 소리는 가혹하고 합창적이며 시편적인 죽음의 억양과 극적으로 대조됩니다.

F. Schober "To Music"(1817)의 텍스트를 기반으로 한 로맨스는 장엄한 "Handelian"기쁨이 두드러집니다.

슈베르트의 가곡 예술은 1920년대에 동시대 시인 빌헬름 뮐러의 말에 두 주기로 가장 완벽하게 표현되었습니다. 거절당한 사랑이라는 영원한 낭만적인 주제에 전념한 뮐러의 시는 슈베르트의 서정적 재능과 유사한 예술적 특징으로 구별됩니다. 20 곡으로 구성된 첫 번째주기 인 "The Beautiful Miller"(1823)는 뮤지컬 "편지 소설"이라고합니다. 각 노래는 별도의 서정적 순간을 표현하지만 함께 특정 개발 및 절정 단계가 있는 단일 스토리를 형성합니다.

사랑의 주제는 슈베르트 세대의 많은 시인들(아이헨도르프의 시에서 가장 생생하게)이 부른 방황의 로맨스와 얽혀 있습니다. 주기의 큰 부분은 내레이터의 감정적 경험으로 채색 된 낭만적 인 자연 사진으로 가득 차 있습니다.

의심할 여지 없이 슈베르트 음악의 지배적인 분위기는 서정적이다. 그럼에도 불구하고 작곡가는 Müller 시의 원래 연극적 의도를 그의 작품에 반영했습니다. 극적인 계획을 명확하게 설명합니다. 다양한 분위기가 이 주기를 구별하고 드라마틱한 스토리 라인에서 표현을 찾습니다. 처음에는 쾌활한 순진함, 깨어나는 사랑, 희망, 환희, 불안과 의심, 고통과 조용한 슬픔으로 질투합니다. 많은 노래는 개울을 따라 걷는 방랑자, 꿈에서 깨어난 아름다움(“아침

안녕하세요"), 질주하는 사냥꾼 인 공장에서의 휴가 ( "Festive Evening"). 그러나 다음 상황은 특히 주목할 만합니다. 시적 주기의 25개 구절 중 슈베르트는 20개만 사용했습니다. 동시에 가장 눈에 띄는 연극 장치-사건 전개에 급격한 전환점을 초래하는 새로운 "배우"의 등장-음악주기에서 황금 섹션 포인트와 일치했습니다.

작곡가는 또한 시인이 특정 모델, 즉 유명한 민속 시집 "소년의 멋진 뿔"에 따라 "아름다운 밀러의 여인"을 썼다는 사실을 모르고 뮬러시의 민속적 성격을 느꼈습니다. 1808년 시인 아르님과 브렌타노. 슈베르트 주기에서 대부분의 노래는 독일과 오스트리아 민요의 전형적인 단순한 2행 형식으로 작성되었습니다. 어린 시절에도 슈베르트는 그런 단순한 연절을 거의 다루지 않았습니다. 1920년대에 그는 자신이 만든 자유로운 미니어처의 형태를 선호하면서 전체적으로 대련에서 멀어졌다. 민속 캐릭터시는 노래의 선율 구조에 명확하게 반영되었습니다. 일반적으로 The Beautiful Miller 's Woman은 Schubert가 음악에서 민속시 이미지를 가장 눈에 띄게 구현 한 것 중 하나입니다.

한창 젊은 청년 방앗간 견습생이 여행을 떠납니다. 자연과 삶의 아름다움이 거침없이 그를 유혹한다. 개울의 이미지는 전체 사이클을 통과합니다. 그는 내레이터의 두 배인 그의 친구, 고문, 교사입니다. 움직임과 방황을 요구하는 끓는 물의 이미지는 순환을 열고 ( "On the way"), 개울을 따라가는 청년은 아무도 모르는 곳 ( "Where")으로 방황합니다. 이 노래들의 끊임없는 음향-시각적 배경을 형성하는 시냇물의 고른 속삭임은 즐거운 봄 분위기를 동반합니다. 공장의 전망은 여행자의 관심을 끌고 있습니다 ( "Stop"). 밀러의 아름다운 딸에 대한 사랑의 발발은 그를 오래도록 만듭니다. 영웅을 그녀에게 데려온 시냇물에 감사를 표하면서 ( "시냇물에 대한 감사") 무심코 행복한 기분이 더 절제되고 집중된 분위기로 바뀝니다. 노래 "Festive Evening"에서 서정적인 분출은 장르를 설명하는 순간과 결합됩니다. 후속 곡 그룹("알고 싶다", "조급함", "아침 인사", "밀러의 꽃", "눈물의 비")은 순진한 쾌활함과 깨어나는 사랑의 다양한 색조를 표현합니다. 그들 모두는 매우 간단합니다.

주기의이 부분의 극적인 정점 인 로맨스 "My"는 상호 사랑의 환희와 행복으로 가득 차 있습니다. 반짝이는 D-dur "음조, 멜로디의 영웅적인 윤곽, 리듬의 행진 요소가 이전 노래의 부드러운 사운드를 배경으로 돋보입니다.

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행복이 넘치는 연인을 묘사하는 후속 에피소드("일시 중지" 및 "녹색 류트 리본 포함")는 주기의 두 "막" 사이의 막간 역할을 합니다. 전환점은 상대가 갑자기 나타날 때 발생합니다("헌터"). 질주하는 라이더의 음악적 특성에는 이미 위협이 있습니다. 피아노 반주 - 발굽 소리, 사냥 팡파르 -의 그림 같은 순간은 불안감을 불러 일으 킵니다.

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"Jealousy and Pride"라는 노래는 혼란과 고통으로 가득 차 있습니다. 이러한 감정은 폭풍우가 치는 멜로디와 피아노 파트의 빠른 움직임, 그리고 g-moll의 애절한 키에서도 전달됩니다. 'Favorite Color', 'Evil Color', 'Dried Flowers' 등의 곡에서는 정신적 고뇌가 점점 더 심해지고 있다. 내레이터의 음악적 이미지는 이전의 순진함을 잃고 드라마틱해진다. 주기의 마지막 숫자에서 감정의 예리한 강도는 조용한 슬픔과 파멸로 바뀝니다. 거절당한 애인은 시냇가에서 위로를 구하고 찾습니다("방앗간과 시냇물"). 마지막 곡(“Lullaby of the Stream”)에서는 슬픈 평화와 망각의 이미지를 간결한 기법으로 만들어낸다.

Schubert는 여기에서 오페라 장르의 틀에 맞지 않는 특별한 유형의 서정적 뮤지컬 드라마를 만들었습니다. 그는 일찍이 1816년에 노래를 작곡한 베토벤을 따르지 않았습니다.

"먼 연인에게" 사이클 모음곡 원칙(즉, 별도의 번호를 내부 연결 없이 비교함)에 따라 구성된 베토벤의 사이클과 달리 "아름다운 밀러의 여인"의 노래는 서로 결합됩니다. Schubert는 새로운 기법으로 내면의 음악적-극적 통일성을 달성합니다. 항상 분명한 것은 아니지만 그럼에도 불구하고 이러한 기술은 음악적으로 민감한 청취자에게 느껴집니다. 따라서 개울의 그림 배경 인주기의 이미지를 통해 큰 통합 역할을합니다. 개별 노래 사이에는 교차 음조 링크가 있습니다. 그리고 마지막으로 일련의 이미지-그림은 통합된 음악적이고 극적인 라인을 만듭니다.

'아름다운 방앗간 여인'이 젊음의 시로 가득 차 있다면, 4년 후 작곡된 24곡의 두 번째 곡인 'Winter Way'는 비극적인 분위기로 물든다. 봄의 젊음의 세계는 우울함, 절망, 어둠으로 바뀌어 생애 말년에 작곡가의 영혼을 자주 채 웁니다.

부유한 신부에게 버림받은 한 청년이 도시를 떠납니다. 캄캄한 가을 밤, 그는 쓸쓸하고 정처 없는 여정을 시작한다. 주기의 프롤로그인 "잘 자요"라는 노래는 슈베르트의 가장 비극적인 작품에 속한다. 음악을 관통하는 고른 걸음의 리듬은 떠나는 사람의 이미지와의 연관성을 불러일으킨다.

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"Winter Way"의 다른 여러 곡에도 히든 행진이 등장하여 외로운 여행자의 발걸음이라는 동일한 배경을 느낄 수 있습니다.

작곡가는 독창적으로 단순하고 깊은 감정으로 가득 찬 로맨스 "Sleep in Peace"의 구절에 미묘한 변주를 도입합니다. 마지막 구절에서 영적 깨달음의 순간, 고통받는 청년이 사랑하는 행복을 빌 때 마이너 모드가 메이저 모드로 대체됩니다. 죽은 겨울 자연의 사진이 영웅의 무거운 마음 상태와 합쳐집니다. 사랑하는 사람의 집 위의 풍향계조차도 그에게는 영혼없는 세상의 상징으로 보입니다 ( "Weather Vane"). 겨울 마비는 그의 우울함을 심화시킵니다 ( "Frozen Tears", "Stupor").

고통의 표현은 비범한 날카로움에 이른다. 노래 "Stupor"에서 베토벤의 비극이 느껴집니다. 거센 가을바람에 시달려 도시의 입구에 서 있는 한 그루의 나무,

돌이킬 수 없게 사라진 행복을 상기시킵니다 ( "Linden"). 자연의 이미지는 점점 더 우울하고 불길한 색으로 가득 차 있습니다. 여기서 스트림의 이미지는 "아름다운 밀러의 소녀"에서와 다른 의미를 갖습니다. 녹은 눈은 눈물의 흐름 ( "워터 스트림")과 관련이 있고 얼어 붙은 스트림은 영웅의 영적 석화를 반영합니다 ( "By the Stream") ”) 겨울의 추위는 과거의 기쁨을 되살려줍니다 (“추억").

노래 "Wandering Light"에서 Schubert는 환상적이고 섬뜩한 이미지의 영역으로 뛰어 들었습니다.

사이클의 전환점은 "Spring Dream"이라는 노래입니다. 대조되는 에피소드는 꿈과 현실의 충돌을 의인화합니다. 인생의 끔찍한 진실은 아름다운 꿈을 쫓아냅니다.

이제부터 전체 여정의 인상은 절망으로 가득 차 있습니다. 그들은 일반화 된 비극적 성격을 얻습니다. 외로운 소나무, 외로운 구름의 광경은 자신의 소외감 ( "외로움")을 향상시킵니다. 우편 경적 소리에서 무의식적으로 발생한 즐거운 느낌은 즉시 사라집니다. "나에게 편지가 없을 것입니다"( "메일"). 여행자의 머리카락을 은빛으로 물들이는 아침 서리는 흰머리와 비슷하며 임박한 죽음에 대한 희망을 불러 일으 킵니다 ( "Greys"). 검은 까마귀는 그에게이 세상에서 유일한 충성심의 표현 인 것 같습니다 ( "까마귀"). 마지막 노래 ( "에필로그"이전)- "Cheerfulness"및 "False Suns"-쓴 아이러니 소리. 마지막 환상은 사라졌습니다.

"Winter Way"의 가사는 사랑 테마보다 훨씬 넓습니다. 속물과 상인의 세계에서 예술가의 영적 외로움의 비극으로 더 일반적인 철학적 용어로 해석됩니다. 사이클의 에필로그를 구성하는 마지막 노래 "The Organ Grinder"에서 불쌍한 노인의 모습이 배럴 오르간의 손잡이를 절망적으로 돌리며 슈베르트에 대한 자신의 운명을 의인화했습니다. 이 주기에는 The Beautiful Miller's Woman보다 외적으로 플롯이 적고 사운드 표현이 적습니다. 그의 음악에는 깊은 내면의 드라마가 있습니다. 주기가 진행됨에 따라 외로움과 그리움의 감정이 점점 더 짙어집니다. Schubert는 서정적 슬픔에서 완전한 절망감에 이르기까지 이러한 분위기의 다양한 음영 각각에 대한 독특한 음악적 표현을 찾았습니다.

사이클은 심리적 이미지의 전개와 충돌을 바탕으로 뮤지컬 드라마의 새로운 원리를 드러낸다. 꿈, 희망, 행복의 기억을 모티브로 한 반복되는 '침략'(예를 들어 "린든", "봄의 꿈", "우편물", "마지막 희망")은 겨울길의 어둠과 극적으로 대비된다. 색조 대비에 의해 변함없이 강조되는 이러한 거짓 깨달음의 순간은 단계적 개발의 인상을 만듭니다.

멜로디 창고의 공통점은 시적 이미지 측면에서 특히 서로 가까운 노래에서 나타납니다. 비슷한

국제적인 "롤 콜"은 서로 멀리 떨어진 에피소드, 특히 프롤로그와 에필로그를 통합합니다.

반복되는 행진 리듬, 위에서 언급한 노래 "Spring Dream"의 중요한 역할 및 기타 여러 기술도 극적인 구성의 무결성에 대한 인상에 기여합니다.

슈베르트는 〈겨울길〉의 비극적 이미지를 표현하기 위해 여러 가지 새로운 표현 장치를 발견했다. 이것은 주로 양식의 해석에 영향을 미칩니다. Schubert는 여기에서 시적 텍스트의 의미 론적 세부 사항 ( "Frozen Tears", "Wandering Light", "Loneliness", " 마지막 희망"). 3자 형식과 2행 형식 모두 동일한 자유로 해석되어 유기적 통일성을 부여합니다. 내부 섹션의 가장자리는 거의 눈에 띄지 않습니다 ( "Raven", "Gray hair", "Organ grinder"). 노래 "Water Stream"의 각 구절은 개발 중입니다.

슈베르트의 조화로운 언어는 The Winter Journey에서 눈에 띄게 풍부해졌습니다. 3분의 1초와 초 단위의 예상치 못한 변조, 불협화음 지연, 반음계 하모니를 통해 작곡가는 표현력을 높입니다.

선율-내국적 영역도 더욱 다양해졌습니다. The Winter Way의 각 로맨스에는 고유한 억양 범위가 있으며 동시에 하나의 지배적인 억양 그룹("The Organ Grinder", "Water Stream ”, "폭풍우 치는 아침").

슈베르트의 가곡 주기는 19세기 중후반 성악뿐만 아니라 피아노 음악의 형성에도 지대한 영향을 미쳤다. 그들의 특징적인 이미지, 구성 원리, 받은 구조적 특징 추가 개발노래와 피아노 사이클슈만("시인의 사랑", "여인의 사랑과 삶", "카니발", "크라이슬러리아나", " 판타지 연극”), 쇼팽(전주곡), 브람스(“마젤론”) 등.

The Winter Road의 비극적 이미지와 새로운 음악적 기법은 슈베르트가 사망한 해에 작곡한 하이네의 가사를 바탕으로 한 다섯 곡인 "Atlas", "Her Portrait", "City", "By the 바다"와 "더블". 그들은 사후 컬렉션 The Swan Song에 포함되었습니다. 겨울 여행에서와 같이 하이네의 로맨스에서 고통의 주제는 보편적인 의미를 획득합니다.

비극. 철학적 일반화는 "아틀라스"에서 제공되며, 지구를 옮길 운명에 처한 신화 적 영웅의 이미지가 인류의 슬픈 운명의 의인화가됩니다. 이 노래에서 슈베르트는 무한한 상상력의 힘을 발견합니다. 특히 드라마틱한 선명도는 예상치 못한 먼 변조를 통해 달성됩니다. 시적 억양의 미묘한 구현과 관련된 선언이 나타납니다.

동기 변주는 멜로디의 무결성과 간결함을 강조합니다.

Schubert의 Heine 가사 굴절의 훌륭한 예는 노래 "Double"입니다. 매우 풍부한 선언 멜로디는 각 시적 라인마다 다르며 비극적 분위기의 모든 뉘앙스를 전달합니다. The Double의 형태를 이루는 2행은 부분적으로는 선언적 장치로 인해 가려지지만 주로 반주의 독창성으로 인해 가려집니다. "ostinato bass"의 원칙에 따라 피아노 부분의 짧고 제한적이며 우울한 동기가 로맨스의 전체 음악 구조를 통해 실행됩니다.

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본문에서 영적 혼란이 커지면서 반주로 극복되고 저음의 변함없는 반복과 완성도가 침해됩니다. 그리고 끝없는 고통을 표현하는 가장 극적인 순간은 예상치 못한 대담한 변조 화음의 사슬로 전달됩니다. 멜로디의 느낌표 억양과 일치하여 거의 망상적인 공포의 인상을 남깁니다. 이 음악적 절정은 황금 비율 지점에 해당합니다.

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그러나 최근 몇 년 동안의 모든 노래에서 Schubert는 비극적 인 이미지를 구현했습니다. 작곡가를 사람들과 매우 가깝게 만든 자연, 낙천주의 및 활력의 균형은 가장 어두운시기에도 그를 떠나지 않았습니다. 하이네의 시에 대한 비극적인 로맨스와 함께 슈베르트는 그의 인생의 마지막 해에 그의 가장 밝고 쾌활한 노래를 많이 만들었습니다. 컬렉션 "Swan Song"은 "미녀 밀러의 여인"의 무지개 빛깔 봄 이미지가 살아 움직이는 "사랑의 대사"라는 노래로 시작됩니다.

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이 컬렉션에는 또한 L. Relshtab의 유명한 "Serenade"와 젊음의 신선함과 자유로운 재미가 가득한 Heine의 "The Fisherwoman"과 J. G. Seidl의 "Pigeon Post"가 포함되어 있습니다.

슈베르트 로망스의 의미는 노래 장르를 훨씬 뛰어넘는다. 독일 낭만주의 성악가사(슈만, 브람스, 프란츠, 볼프)의 역사는 그들로부터 시작된다. 그들의 영향은 또한 실내 피아노 음악(슈베르트 자신의 연주, 슈만의 연주, 멘델스존의 "말 없는 노래") 및 새로운 낭만주의 피아니즘의 발전에도 영향을 미쳤습니다. Schubertian 노래의 이미지, 새로운 억양 창고, 그 안에서 수행되는시와 음악의 합성은 독일 국립 오페라 (Wagner의 Flying Dutchman, Schumann의 Genoveva)에서 계속되었습니다. 형식의 자유, 조화와 음색의 탁월함에 대한 성향은 전체적으로 낭만적인 음악에서 크게 발전했습니다. 그리고 마지막으로 특징 서정적 이미지 Schubert의 보컬 미니어처는 다음 세대의 음악적 낭만주의를 대표하는 많은 대표자들의 전형이되었습니다.

그가 죽기 1년 전에 슈베르트는 Herder의 컬렉션에서 발라드 "Edward"라는 한 텍스트를 사용했습니다.

10 칸타타 형식의 독주곡은 낭만주의 작곡가들의 미적 추구에 맞지 않았기 때문에 미니어처가 특히 강조된다.

슈베르트는 괴테(70 이상), 쉴러(50 이상), 마이어호퍼(45 이상), 뮐러(45), 셰익스피어(6), 하이네(6), 렐슈타브, 발터 등의 시인들의 구절에 맞춰 노래를 썼다. Scott, Ossian, Klopstock, Schlegel, Mattison, Kozegarten, Kerner, Claudius, Schober, Salis, Pfeffel, Schücking, Collin, Rückert, Uhland, Jacobi, Kreiger, Seidl, Pirker, Hölti, Platen 및 기타.

특히 18세기 중반 일상생활에서 가장 널리 보급된 스페론테스(Sperontes)의 독일 최초의 가요집인 플레이세 강가의 뮤즈(The Muse Resting on the River Pleisse)는 프랑스와 이탈리아 오페라에서 차용한 곡들로 구성되어 있다는 점을 상기하자. 저자는 독일어 텍스트를 그들에게만 적용했습니다.

"Trout" - 피아노 5중주 제4부 "Death and the Maiden" - d-moll 4중주 제2부 "The Wanderer" - C-dur 피아노 환상곡 "Dried Flowers" - in 플루트와 피아노를 위한 변주 op. 160.

즉, 시적 내러티브 텍스트를 기반으로 한 노래로 종종 환상적 요소가 포함되어 있으며 음악은 텍스트에서 변화하는 그림을 묘사합니다.

첫 번째 부분에서 청년은 시냇물에 대해 불평합니다. 중반부에는 시냇물이 남자를 위로한다. 마음의 평화를 표현하는 재현은 더 이상 단조가 아니라 장조로 끝납니다. 피아노 배경도 바뀝니다. 스트림의 "독백"에서 차용하고 물의 흐름을 묘사합니다.

이것은 "Unfinished"의 두 번째 부분 또는 피아노 소나타 B-dur, A-dur 인 9 번째 교향곡의 첫 번째 부분의 주요 부분입니다.

황금 부분의 포인트는 건축의 고전적인 비율 중 하나이며, 전체가 큰 것과 관련되어 있고 큰 것이 작은 것과 관련되어 있습니다.

에게슈베르트의 주기에는 월터 스콧의 <호수의 여인>(1825)의 7곡, 괴테의 빌헬름 마이스터(1826)의 4곡, 백조의 노래 컬렉션에 포함된 하이네의 텍스트에 대한 5곡이 포함될 수 있습니다. , 분위기와 시적 스타일은 순환 장르의 무결성 특성을 만듭니다.

컬렉션 "Swan Song"에는 Relshtab의 텍스트에 7 곡, Seidl의 텍스트에 1 곡, Heine의 텍스트에 6 곡이 포함되어 있습니다.

숨겨진 행진은 "Winter Way"의 다른 여러 노래에 존재하여 변하지 않는 배경 인 외로운 여행자의 발걸음 *을 느끼게합니다.

* 예: "외로움", "트랙포스트", "쾌활함".

작곡가는 독창적으로 단순하고 깊은 감정으로 가득 찬 로맨스 "Sleep in Peace"의 구절에 미묘한 변주를 도입합니다. 마지막 구절에서 영적 깨달음의 순간, 고통받는 청년이 사랑하는 행복을 빌 때 마이너 모드가 메이저 모드로 대체됩니다.

죽은 겨울 자연의 사진이 영웅의 무거운 마음 상태와 합쳐집니다. 사랑하는 사람의 집 위의 풍향계조차도 그에게는 영혼없는 세상의 상징으로 보입니다 ( "Weather Vane"). 겨울 마비는 그의 우울함을 심화시킵니다 ( "Frozen Tears", "Stupor"). 고통의 표현은 비범한 날카로움에 이른다. 노래 "Stupor"에서 베토벤의 비극이 느껴집니다. 가을 바람의 돌풍에 격렬하게 괴로워하는 도시 입구에 서있는 나무는 돌이킬 수 없게 사라진 행복 ( "Linden")을 연상시킵니다. 자연의 이미지는 점점 더 우울하고 불길한 색으로 가득 차 있습니다. 여기서 스트림의 이미지는 "아름다운 밀러의 소녀"에서와 다른 의미를 갖습니다. 녹은 눈은 눈물의 흐름 ( "워터 스트림")과 관련이 있고 얼어 붙은 스트림은 영웅의 영적 석화를 반영합니다 ( "By the Stream") ”) 겨울의 추위는 과거의 기쁨을 되살려줍니다 (“추억").

노래 "Wandering Light"에서 Schubert는 환상적이고 섬뜩한 이미지의 영역으로 뛰어 들었습니다.

사이클은 심리적 이미지의 전개와 충돌을 바탕으로 뮤지컬 드라마의 새로운 원리를 드러낸다. 꿈, 희망, 행복의 기억을 모티프(예: "린든", "봄의 꿈", "메일", "마지막 희망")의 반복되는 "침략"은 겨울 길의 어둠과 극적으로 대조됩니다. 색조 대비에 의해 변함없이 강조되는 이러한 거짓 깨달음의 순간은 단계적 개발의 인상을 만듭니다.

멜로디 창고의 공통점은 시적 이미지 측면에서 특히 서로 가까운 노래에서 나타납니다. 이러한 억양의 "롤 콜"은 서로 멀리 떨어진 에피소드, 특히 프롤로그와 에필로그를 통합합니다.

반복되는 행진 리듬, 위에서 언급한 노래 "Spring Dream"의 중요한 역할 및 기타 여러 기술도 극적인 구성의 무결성에 대한 인상에 기여합니다.

슈베르트 가곡 *

* 일정한 유보로 Walter Scott의 The Lady of the Lake(1825)의 7곡, Goethe의 Wilhelm Meister(1826)의 4곡, Swan Song 컬렉션에 포함된 Heine의 텍스트 5곡은 특정 유보와 함께 Schubert 주기에 기인할 수 있습니다. : 그들의 통합 플롯, 분위기 및 시적 스타일은 순환 장르의 무결성 특성을 만듭니다.

성악뿐만 아니라 19세기 중후반 피아노 음악의 형성에 지대한 영향을 미쳤다. 그들의 특징적인 이미지, 구성 원리, 구조적 특징은 슈만의 노래와 피아노 주기("시인의 사랑", "여자의 사랑과 삶", "사육제", "Kreisleriana", "환상적인 작품")에서 더욱 발전되었습니다. Chopin(전주곡), Brahms("Magelon") 등.