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학교 백과사전. 베네치아 르네상스 회화 베네치아 르네상스 회화

베네치아 회화 학교의 유산은 이탈리아 르네상스 역사상 가장 밝은 페이지 중 하나입니다. 운하와 대리석 궁전이 있는 기이하고 그림 같은 도시인 "아드리아해의 진주"는 베니스만의 바다에 있는 119개의 섬에 퍼져 있으며 유럽과 동양 국가 간의 모든 무역을 통제하는 강력한 무역 공화국의 수도였습니다. . 이것은 북부 이탈리아의 일부, 발칸 반도의 아드리아 해안, 해외 영토를 포함하는 베니스의 번영과 정치적 영향력의 기초가되었습니다. 그것은 이탈리아 문화, 인쇄 및 인본주의 교육의 주요 중심지 중 하나였습니다.

그녀는 또한 Giovanni Bellini와 Carpaccio, Giorgione과 Titian, Veronese 및 Tintoretto와 같은 훌륭한 거장을 세상에주었습니다. 그들의 작품은 루벤스와 벨라스케스에서 수리코프에 이르기까지 이후의 예술가들이 끊임없이 베네치아 르네상스 회화로 전환한 중요한 예술적 발견으로 유럽 예술을 풍요롭게 했습니다.

베네치아 인들은 존재의 기쁨을 완전히 경험하고 삶의 충만 함과 무한한 다채로운 부로 주변 세계를 발견했습니다. 그들은 구체적으로 독특하고 감정적 인 풍부한 지각, 세계의 물리적, 물질적 다양성에 대한 감탄에 대한 특별한 취향을 특징으로했습니다.

예술가들은 베니스의 기괴한 그림 같은 전망, 삶의 축제와 다채로움, 마을 사람들의 특징적인 모습에 매료되었습니다. 종교적 주제에 대한 그림조차도 역사적 구성이나 기념비적 인 장르 장면으로 해석되는 경우가 많았습니다. 다른 이탈리아 학교보다 더 자주 베니스의 회화는 세속적 성격을 가졌습니다. 베네치아 통치자의 웅장한 거주지인 총독의 궁전의 광대한 홀은 초상화와 대규모 역사적 작품으로 장식되었습니다. 평신도를 하나로 묶는 종교 및 박애주의 형제애 인 Venetian Scuols를 위해 기념비적 인 이야기주기도 작성되었습니다. 마지막으로, 베니스에서는 개인 수집이 특히 널리 퍼져 있었고, 수집품의 소유자는 부유하고 교육받은 귀족들이 종종 고대에서 가져온 주제나 이탈리아 시인의 작품을 바탕으로 그림을 의뢰했습니다. 초상화, 역사 및 신화 그림, 풍경, 농촌 풍경과 같은 순전히 세속적 인 장르의 가장 높은 개화가 베니스와 관련되어 있다는 것은 놀라운 일이 아닙니다.

Venetians의 가장 중요한 발견은 그들이 개발 한 색채 및 그림 원리였습니다. 그 외 이탈리아 예술가색의 미감, 색의 조화로운 조화를 타고난 뛰어난 컬러리스트들이 많았다. 그러나 회화적 언어의 근간은 드로잉과 명암법으로 형태를 명확하고 완벽하게 모델링한 것이었다. 색상은 오히려 형태의 외피로 이해되었으며 이유 없이는 다채로운 획을 적용하여 아티스트가 완벽하게 매끄러운 에나멜 표면에 융합했습니다. 이 스타일은 유화 기법을 처음으로 마스터 한 네덜란드 예술가들에게도 사랑 받았습니다.

Venetians는 다른 이탈리아 학교의 마스터보다 훨씬 더 이 기술의 가능성을 높이 평가하고 완전히 변형했습니다. 예를 들어, 관계 네덜란드 예술가경건하게 관조하는 시작, 종교적 경건의 그늘이 세상에 내재되어 있었고, 가장 평범한 물건 각각에서 그들은 가장 높은 아름다움을 엿볼 수 있는 것을 찾고 있었습니다. 그들에게 빛은 이 내면의 조명을 전달하는 수단이 되었습니다. 거의 이교적 삶의 기쁨과 함께 세상을 공개적으로 그리고 주요 방식으로 인식한 베네치아인들은 유화 기법에서 묘사된 모든 것에 살아 있는 신체성을 전달할 수 있는 기회를 보았습니다. 그들은 유화 기법과 그림의 질감 자체의 표현력에서 달성할 수 있는 색상의 풍부함, 색조 전환을 발견했습니다.

페인트는 베네치아인들 사이에서 회화적 언어의 기초가 됩니다. 그들은 획으로 형태를 형성하고 때로는 무중력 투명하고 때로는 조밀하고 녹으며 내부 움직임으로 인간의 모습을 관통하고 천의 접힌 부분, 어두운 저녁 구름에 대한 일몰 반사를 통해 형태를 그래픽으로 작업하지 않습니다.

베네치아 회화의 특징은 거의 1세기 반에 걸친 긴 발전 경로에 걸쳐 형성되었습니다. 베니스에서 르네상스 회화 학교의 창립자는 당시 가장 발전된 피렌체 학교의 업적, 고대 연구 및 선형 원근법의 원리로 전환 한 최초의 베네치아 인 Jacopo Bellini였습니다. 그의 유산의 주요 부분은 종교적 주제에 대한 복잡한 다중 형상 장면을 위한 구성 개발과 함께 두 개의 그림 앨범으로 구성됩니다. 작가의 작업실을 위한 이 그림들에는 베네치아 화파의 특징이 이미 드러나 있다. 그들은 가십의 정신으로 가득 차 있으며 관심은 전설적인 사건뿐만 아니라 실생활 환경에도 적용됩니다.

야코포의 작품을 계승한 사람은 15세기 베네치아 최대의 역사화 거장인 그의 장남 젠틸레 벨리니였다. 그의 기념비적 인 캔버스에서 베니스는 축제와 엄숙한 의식의 순간에 붐비는 장엄한 행렬과 운하의 좁은 제방과 혹등 고래 다리에 붐비는 잡색의 관중 군중과 함께 기이하게 그림 같은 외관의 모든 화려 함으로 우리 앞에 나타납니다.

Gentile Bellini의 역사적 구성은 Venetian 형제단 Scuol을 위해 기념비적 인 그림의 여러주기를 만든 그의 남동생 Vittore Carpaccio의 작업에 부인할 수없는 영향을 미쳤습니다. 그들 중 가장 주목할만한 것은 "성 베드로의 역사"입니다. Ursula"와 "성 제롬, 조지, 티폰의 삶의 한 장면". 야코포와 이방인 벨리니처럼 그는 종교적 전설의 행동과 동시대 생활의 분위기를 전달하는 것을 좋아했으며, 많은 삶의 세부 사항이 풍부한 상세한 내러티브를 청중 앞에서 펼쳤습니다. 그러나 그는 모든 것을 다른 눈으로 보았다. 구술에서 부지런히 글을 쓰는 서기관, 평화롭게 졸고 있는 개, 부두의 통나무 갑판, 물 위를 미끄러지는 탄성 부풀린 돛과 같은 단순한 삶의 동기의 매력을 드러내는 시인의 눈. . 일어나는 모든 일은 카르파치오의 내면의 음악, 선의 멜로디, 다채로운 점의 미끄러짐, 빛과 그림자, 진실하고 감동적인 인간의 감정에서 영감을 받은 것으로 가득 차 있습니다.

시적인 분위기는 Carpaccio를 15세기 베네치아의 가장 위대한 화가인 Jacopo의 막내아들인 Giovanni Bellini와 연관되게 만듭니다. 그러나 그의 예술적 관심은 다소 다른 영역에 있습니다. 주인은 베네치아 사람들에게 사랑받는 역사 그림 장르에서 많은 일을 할 기회가 있었지만 자세한 내레이션, 장르 모티프에 매료되지 않았습니다. 이 캔버스는 그가 그의 형제 이방인과 함께 쓴 것을 제외하고는 우리에게 내려오지 않았습니다. 그러나 그의 재능의 모든 매력과 시적 깊이는 다른 종류의 작곡에서 드러났습니다. 그들은 행동이나 전개된 사건을 가지고 있지 않습니다. 이들은 성도들에게 둘러싸인 성모 마리아를 묘사하는 기념비적 제단 (소위 "거룩한 인터뷰") 또는 조용하고 맑은 자연을 배경으로 생각이나 다른 인물에 잠긴 성모 마리아와 어린이를 보는 작은 그림입니다. 종교 전설의. 이 간결하고 단순한 구성에는 행복한 삶의 충만 함과 서정적 집중이 있습니다. 작가의 회화적 언어는 장엄한 일반화와 조화로운 질서가 특징이다. Giovanni Bellini는 베네치아 예술에서 예술적 통합의 새로운 원칙을 주장하면서 그의 세대의 거장보다 훨씬 앞서 있습니다.

노년을 무르익게 한 그는 공식 화가의 자리를 지키며 수년 동안 베니스의 예술 생활을 이끌었습니다. 위대한 베네치아 조르조네와 티치아노는 베네치아 학교 역사상 가장 빛나는 시대와 관련된 이름을 가진 벨리니의 작업장에서 나왔습니다.

조르조네 다 카스텔프랑코가 살았던 짧은 인생. 그는 그 당시 빈번한 재앙 중 하나인 33세의 나이에 죽었습니다. 그의 유산은 범위가 작습니다. 미완성 상태로 남아있는 Giorgione의 일부 그림은 워크샵의 젊은 동지이자 조수인 Titian이 완성했습니다. 그러나 Giorgione의 몇 점의 그림은 동시대 사람들에게 계시였습니다. 이것은 세속적 주제가 종교보다 결정적으로 우세한 이탈리아 최초의 예술가로 전체 창의성 시스템을 결정했습니다.

그는 웅장한 웅장 함, 기념비적, 영웅적인 억양에 대한 성향으로 당시 이탈리아 예술에서는보기 드문 새롭고 깊은 시적 세계 이미지를 만들었습니다. Giorgione의 그림에서 우리는 사려 깊은 침묵으로 가득 찬 목가적이고 아름답고 단순한 세상을 봅니다.

조반니 벨리니. "Doge Leonardo Loredan의 초상화".
기름. 약 1501.

Giorgione의 예술은 베네치아 회화의 진정한 혁명이었으며 잡지 독자들이 이미 알 수있는 기회를 가졌던 Titian을 포함한 그의 동시대 사람들에게 큰 영향을 미쳤습니다. Titian이 Venetian 학교 역사의 중심 인물임을 상기하십시오. 조반니 벨리니(Giovanni Bellini)의 공방에서 나와 젊었을 때 조르조네(Giorgione)와 협력하면서 그는 이전 거장들의 최고의 전통을 물려받았습니다. 그러나 이것은 그의 천재성의 다재다능 함과 포괄적 인 폭을 놀라게하는 다른 규모와 창조적 기질의 예술가입니다. 세계관의 장대성 측면에서 Titian 이미지의 영웅적 활동은 Michelangelo와 만 비교할 수 있습니다.

Titian은 색상과 페인트의 무한한 가능성을 보여주었습니다. 젊었을 때 그는 풍부하고 에나멜처럼 맑은 색상을 사랑하여 비교에서 강력한 화음을 추출했으며 노년기에 그는 유명한 "후기 매너"를 개발하여 대부분의 동시대 사람들이 이해하지 못했습니다. 그의 후기 화폭을 클로즈업한 표면은 무작위로 적용된 획의 환상적인 혼돈이다. 그러나 멀리서 표면에 흩어져있는 색 반점이 합쳐지고 우리 눈앞에는 드라마 세계로 가득 찬 영원한 발전처럼 삶의 인물, 건물, 풍경이 가득합니다.

마지막, 마지막 기간 베네치아 르네상스 Veronese와 Tintoretto의 작업이 연결됩니다.

Paolo Veronese는 인생이 가장 즐겁고 축제적인 측면에서 자신을 드러내는 행복하고 맑은 성격 중 하나였습니다. 조르조네와 티치아노의 깊이가 부족하면서도 동시에 그는 고조된 미적 감각, 최고의 장식적 재능, 삶에 대한 진정한 사랑을 부여받았습니다. 웅장한 건축물을 배경으로 절묘한 은빛 색조로 해결 된 귀중한 색상으로 빛나는 거대한 캔버스에서 웅장한 예복을 입은 귀족과 귀족 여성, 군인과 평민, 음악가, 하인, 난쟁이.

이 군중 속에서 종교적 전설의 영웅들은 때때로 거의 길을 잃습니다. Veronese는 종교적 주제와 관련이없는 많은 인물을 작곡 중 하나에서 감히 묘사했다고 비난 한 종교 재판소에 출두해야했습니다.

작가는 특히 잔치 주제 ( "가나에서의 결혼", "레위 집에서의 잔치")를 좋아하여 겸손한 복음 식사를 웅장한 축제 광경으로 바꿉니다. Veronese 이미지의 활력은 Surikov가 그의 그림 중 하나를 "프레임 뒤로 밀려나는 자연"이라고 불렀을 정도입니다. 그러나 이것은 일상 생활의 모든 손길을 깨끗이하고 르네상스의 중요성을 부여하고 예술가 팔레트의 화려 함, 리듬의 장식적인 아름다움으로 고상한 자연입니다. Titian과 달리 Veronese는 기념비적이고 장식적인 그림 분야에서 많은 일을했으며 르네상스의 뛰어난 베네치아 장식가였습니다.

16세기 베니스의 마지막 거장인 야코포 틴토레토는 현대 현실의 극적인 갈등을 날카롭고 고통스럽게 느낀 예술의 새로운 길을 찾는 복잡하고 반항적인 본성인 것 같습니다.

틴토레토는 인간의 형상을 흩어지게 하고 에워싸는 알 수 없는 힘에 종속시키는 개인적이고 종종 주관적인 자의성을 도입하여 해석을 시작합니다. 원근 수축을 가속화함으로써 그는 비정상적인 시점을 선택하고 인물의 윤곽을 복잡하게 변경하여 빠른 공간 실행의 환영을 만듭니다. 단순하고 일상적인 장면은 초현실적인 환상적인 빛의 침입으로 변형됩니다. 동시에 세계는 위대한 인간 드라마의 메아리, 열정과 성격의 충돌로 가득 찬 웅장함을 유지합니다.

Tintoretto의 가장 큰 창조적 업적은 Scuola di San Rocco에서 20개 이상의 대형 벽 패널과 많은 플라폰 구성으로 구성된 광범위한 회화 주기를 만든 것으로, 예술가는 1564년부터 1587년까지 거의 25년 동안 작업했습니다. . 무한한 예술적 환상의 풍부함에 따라, 보편적인 비극(“골고다”)과 가난한 양치기의 오두막을 변화시키는 기적(“그리스도의 탄생”)을 모두 포함하는 세계의 폭에 따라 자연의 웅장함(“사막의 막달라 마리아”)과 인간 정신의 고상한 업적(“빌라도 앞의 그리스도”), 이 주기는 이탈리아 예술에서 비교할 수 없습니다. 장엄하고 비극적인 교향곡처럼 이 작품은 틴토레토의 다른 작품들과 함께 베네치아 르네상스 회화파의 역사를 완성한다.

베니스 회화 학교

베네치아 회화 학교의 유산은 역사상 가장 밝은 페이지 중 하나입니다.이탈리아 르네상스 . "아드리아 해의 진주" - 운하와 대리석 궁전이 있는 고풍스럽고 그림 같은 도시, 베니스만의 바다에 있는 119개의 섬에 퍼져 있는 -는 유럽과 유럽 국가 간의 모든 무역을 통제하는 강력한 무역 공화국의 수도였습니다. 동쪽. 이것은 북부 이탈리아의 일부, 발칸 반도의 아드리아 해안, 해외 영토를 포함하는 베니스의 번영과 정치적 영향력의 기초가되었습니다. 그것은 이탈리아 문화, 인쇄 및 인본주의 교육의 주요 중심지 중 하나였습니다.

그녀는 Joe와 같은 훌륭한 스승을 세상에 주었습니다.Bellini와 Carpaccio, Giorgione과 Titian, Veronese와 Tintoretto. 그들의 작품은 루벤스와 벨라스케스에서 수리코프에 이르기까지 이후의 예술가들이 끊임없이 베네치아 르네상스 회화로 전환한 중요한 예술적 발견으로 유럽 예술을 풍요롭게 했습니다.

예술가들은 베니스의 기괴한 그림 같은 전망, 삶의 축제와 다채로움, 마을 사람들의 특징적인 모습에 매료되었습니다. 종교적 주제에 관한 그림조차도 종종 역사적인 것으로 해석되었습니다.작곡또는 기념비적 인 장르장면. 그림 베니스에서는 다른 이탈리아 학교보다 더 자주 세속적 성격을 가졌습니다. 베네치아 통치자의 웅장한 거주지인 광대한 홀인 총독의 궁전이 장식되었습니다.초상화 그리고 큰 역사적 구성. 평신도를 하나로 묶는 종교적이고 박애적인 형제애 인 Venetian Scuols를 위해 기념비적 인 내러티브주기도 작성되었습니다. 마지막으로 베니스에서는 개인 수집이 특히 널리 퍼져 있었고 컬렉션의 소유자-부유하고 교육받은 귀족-은 종종 다음을 위해 그림을 의뢰했습니다.이야기 에서 가져온유물 또는 이탈리아 시인의 작품. 베니스가 초상화, 역사 및 신화 그림과 같은 순전히 세속적 인 장르의 이탈리아에서 가장 높은 개화와 관련이 있다는 것은 놀라운 일이 아닙니다.경치 , 농촌 현장입니다. Venetians의 가장 중요한 발견은 그들이 개발 한 색채 및 그림 원리였습니다. 다른 이탈리아 예술가들 중에는 미의식을 타고난 뛰어난 색채가들이 많이 있었다.그림 물감 , 고조파 색상 동의. 그러나 그림 언어의 기초는 그대로 유지되었습니다.그림그리고 키아로스쿠로 , 명확하고 완벽하게 모델링형태 . 색상은 오히려 형태의 외피로 이해되었습니다. 이유 없이 다채로운 선을 적용하여 예술가들은 완벽하게 매끄러운 에나멜 표면에 융합했습니다. 이것방법 최초로 마스터한 네덜란드 예술가들이 사랑한유화 기법 .

베네치아인들은 그 이상이다.석사 다른 이탈리아 학교에서는 이 기술의 가능성을 높이 평가하고 완전히 변형시켰습니다. 예를 들어, 세계에 대한 네덜란드 예술가들의 태도는 경건한 관조적 시작, 종교적 신심의 그늘이 특징이었습니다. 모든 가장 평범한 물건에서 그들은 가장 높은 아름다움의 반영을 찾고 있었습니다. 그들에게 빛은 이 내면의 조명을 전달하는 수단이 되었습니다. 거의 이교적 삶의 기쁨과 함께 세상을 공개적으로 그리고 주요 방식으로 인식한 베네치아인들은 유화 기법에서 묘사된 모든 것에 살아 있는 신체성을 전달할 수 있는 기회를 보았습니다. 그들은 유화 기법과 그림의 표현력에서 얻을 수 있는 색상의 풍부함, 색조 전환을 발견했습니다.송장편지.

페인트는 베네치아인들 사이에서 회화적 언어의 기초가 됩니다. 그들은 획으로 형태를 형성하기 때문에 그래픽으로 형태를 많이 작업하지 않습니다. 때로는 무중력 투명하고 때로는 조밀하고 녹고 내부 움직임으로 관통하는 인간의 모습, 직물 주름의 구부러진 부분, 어두운 저녁 구름에 대한 일몰 반사입니다.

베네치아 회화의 특징은 거의 1세기 반에 걸친 긴 발전 경로에 걸쳐 형성되었습니다. 베니스에서 르네상스 회화 학교의 창립자는 당시 가장 발전된 피렌체 학교의 업적, 고대 연구 및 선형 원근법의 원리로 전환 한 최초의 베네치아 인 Jacopo Bellini였습니다. 그의 유산의 주요 부분은 종교적 주제에 대한 복잡한 다중 형상 장면을 위한 구성 개발과 함께 두 개의 그림 앨범으로 구성됩니다. 작가의 작업실을 위한 이 그림들에는 이미 베네치아 화파의 특징이 나타나 있다. 그들은 가십 정신, 전설적인 사건뿐만 아니라 실제 환경에 대한 관심으로 가득 차 있습니다.

Jacopo의 작업의 후계자는 베니스에서 가장 큰 그의 장남 Gentile Bellini였습니다.15세기 역사화의 거장. 그의 기념비적 인 캔버스에서 베니스는 축제와 엄숙한 의식의 순간에 기이하게 그림 같은 외관의 모든 화려 함으로 우리 앞에 나타납니다.붐비는 장엄한 행렬과 좁은 운하 제방과 혹등 고래 다리를 따라 붐비는 가지각색의 관중 군중.

역사적 구성Gentile Bellini는 베네치아 형제단 인 Scuol을 위해 여러주기의 기념비적 인 그림을 만든 그의 남동생 Vittore Carpaccio의 작업에 부인할 수없는 영향을 미쳤습니다. 그중 가장 주목할만한 것은 "성 우르술라의 이야기"와 "성 히에로의 삶의 한 장면"입니다.니마, 조지, 티폰. 야코포와 이방인 벨리니처럼 그는 종교적 전설의 행동을 현대 생활의 환경으로 옮기는 것을 좋아했고, 많은 삶의 세부 사항이 풍부한 상세한 내러티브를 청중 앞에서 펼치는 것을 좋아했습니다. 그러나 그에게는 모든 것이 다른 눈으로 보인다. 그런 단순한 삶의 매력을 드러내는 시인의 눈이다.동기 , 받아쓰기에서 부지런히 쓰는 서기관처럼 평화롭게 졸고있는 개, 부두의 통나무 바닥, 물 위로 미끄러지는 탄력적으로 부풀린 돛. 일어나는 모든 일은 말하자면 Carpaccio의 내면의 음악, 멜로디로 가득 차 있습니다.윤곽 , 슬립 다채로운반점 , 진실하고 감동적인 인간의 감정에서 영감을 얻은 빛과 그림자.

시적인 분위기는 Carpaccio를 15세기의 가장 위대한 베네치아 화가인 Jacopo의 막내 아들인 Giovanni Bellini와 관련되게 만듭니다. 그러나 그의 예술적 관심은 다소 다른 영역에 있습니다. 주인은 베네치아 사람들에게 사랑받는 역사 그림 장르에서 많은 일을 할 기회가 있었지만 자세한 내레이션, 장르 모티프에 매료되지 않았습니다. 이 캔버스는 그가 그의 형제 이방인과 함께 쓴 것을 제외하고는 우리에게 내려오지 않았습니다. 그러나 그의 재능의 모든 매력과 시적 깊이는 다른 종류의 작곡에서 드러났습니다. 그들은 행동이나 전개된 사건을 가지고 있지 않습니다. 이들은 성도들에게 둘러싸인 성모 마리아를 묘사하는 기념비적 제단 (소위 "거룩한 인터뷰") 또는 조용하고 맑은 자연을 배경으로 생각이나 다른 인물에 잠긴 성모 마리아와 어린이를 보는 작은 그림입니다. 종교 전설의. 이 간결하고 단순한 구성에는 행복한 삶의 충만 함과 서정적 집중이 있습니다. 작가의 회화적 언어는 장엄한 일반화와 조화로운 질서가 특징이다. Giovanni Bellini는 베네치아 예술에서 주장하면서 그의 세대의 거장보다 훨씬 앞서 있습니다.5개의 새로운 예술적 합성 원칙.

노년기에 살았던 그는 수년 동안 예술계를 이끌었습니다.공식 화가의 위치를 차지하는 베니스의 삶. 위대한 베네치아 조르조네와 티치아노는 벨리니의 작업장에서 나왔으며 그 이름은 가장 뛰어난베네치아 학교 역사의 시대.

Giorgione da Castelfranco는 짧은 인생을 살았습니다. 그는 그 당시 빈번한 재앙 중 하나인 33세의 나이에 죽었습니다. 그의 유산은 범위가 작습니다. 미완성 상태로 남아 있는 조르조네의 일부 그림은 젊은 동료에 의해 완성되었으며중 작업장 보조 Titian. 그러나 Giorgione의 몇 점의 그림은 동시대 사람들에게 계시였습니다. 이것은 세속적 주제가 종교보다 결정적으로 우세한 이탈리아 최초의 예술가로 전체 창의성 시스템을 결정했습니다.

Giorgione의 예술은 베네치아 회화의 진정한 혁명이었으며 Titian을 포함한 동시대 사람들에게 큰 영향을 미쳤습니다.. 티치아노는 중앙비엔나 역사의 인물청록색 학교. 출발Giovanni Bellini의 워크샵과와 협력조르조네, 그는 빔을 물려받았다창의성의 오래된 전통우리 주인. 하지만 아티스트다.다양한 스케일과 크리에이티브기질, 눈에 띄는 그의 천재성의 다재다능함과 포괄적인 폭. 세계관의 장대성 측면에서 Titian 이미지의 영웅적 활동은 Michelangelo와 만 비교할 수 있습니다.
Titian은 색상과 페인트의 무한한 가능성을 보여주었습니다. 젊었을 때 그는 풍부하고 에나멜처럼 투명한 페인트를 좋아했습니다.강력한 화음, 그리고 노년기에 그는 유명한 "후기 매너"를 개발하여 대부분의 동시대 사람들 사이에서 이해를 찾지 못했습니다. 그의 후기 화폭을 클로즈업한 표면은 무작위로 적용된 획의 환상적인 혼돈이다. 그러나 멀리서 표면에 흩어져있는 색 반점이 합쳐지고 삶으로 가득 찬 인간의 모습, 건물, 풍경이 마치 영원한 발전, 드라마로 가득 찬 것처럼 우리 눈앞에 나타납니다.

베네치아 르네상스의 마지막, 마지막 기간은 Veronese와 Tintoretto의 작업과 관련이 있습니다.

이 군중 속에서 종교적 전설의 영웅들은 때때로 거의 길을 잃습니다. Veronese는 그의 작곡 중 하나에서 감히 많은 것을 묘사했다고 비난하는 종교 재판소에 출두해야했습니다.문자 종교와 상관없는 것.

작가는 특히 잔치 주제 ( "가나에서의 결혼", "레빈 가문의 잔치")를 좋아하여 겸손한 복음 식사를 웅장한 축제 광경으로 바꿉니다. Veronese 이미지의 활력은 Surikov가 그의 그림 중 하나를 "프레임 뒤로 밀려나는 자연"이라고 불렀을 정도입니다. 리듬의 장식적인 아름다움으로 예술가의 팔레트를 조각함으로써. Titian과 달리 Veronese는 기념비적이고 장식적인 그림 분야에서 많은 일을했으며 르네상스의 뛰어난 베네치아 장식가였습니다.

Tintoretto의 가장 큰 창조적 업적은 Scuola di San Rocco에서 20개 이상의 대형 벽 패널과 많은 플라폰 구성으로 구성된 광범위한 페인팅 주기를 만든 것으로, 아티스트는 1564년부터 1587년까지 거의 25년 동안 작업했습니다. . 무한한 예술적 환상의 풍부함에 따라, 보편적인 비극(“골고다”)과 가난한 양치기의 오두막을 변화시키는 기적(“그리스도의 탄생”)을 모두 포함하는 세계의 폭에 따라 자연의 웅장함(“사막의 막달라 마리아”)과 인간 정신의 고상한 업적(“빌라도 앞의 그리스도”), 이 주기는 이탈리아 예술에서 비교할 수 없습니다. 장엄하고 비극적인 교향곡처럼 이 작품은 틴토레토의 다른 작품들과 함께 베네치아 르네상스 회화파의 역사를 완성한다.

I. 스미르노프

VENETIAN SCHOOL은 14-18세기에 베니스에 설립된 이탈리아의 주요 미술 학교 중 하나입니다. 전성기의 베네치아 학교는 유화의 표현 가능성에 대한 완벽한 숙달과 색상 문제에 대한 특별한 관심이 특징입니다. 14 세기 베네치아 회화는 장식 장식, 축제 색상의 울림, 고딕 및 비잔틴 전통 (Lorenzo 및 Paolo Veneziano)의 혼합으로 구별됩니다. 15세기 중반에 베네치아 화파의 그림에 르네상스 경향이 나타났는데, 이는 피렌체와 네덜란드 화파(안토넬로 다 메시나의 중재를 통해)의 영향으로 강화되었습니다. 초기 베네치아 르네상스(15세기 중반과 말기; Antonio, Bartolomeo, Alvise Vivarini, Jacopo와 Gentile Bellini, Vittore Carpaccio, Carlo Crivelli 등)의 거장들의 작품에서 세속적 시작이 성장하고 있습니다. 공간과 부피의 현실적인 이동에 대한 욕구가 강해지고 있습니다. 종교적 이야기와 기적의 이야기는 베니스의 일상 생활에 대한 다채로운 이미지로 해석됩니다. Giovanni Bellini의 작품은 전성기 르네상스 예술로의 전환을 준비했습니다. 16세기 전반 베네치아 학교의 전성기는 그의 제자인 조르조네와 티치아노의 이름과 관련이 있습니다. 순진한 내러티브는 인간이 시적으로 영감을 받은 자연의 삶과 자연스럽게 조화를 이루며 존재하는 세계에 대한 일반화된 그림을 만들려는 시도에 자리를 내주었습니다. Titian의 후기 작품에서는 깊은 극적인 갈등이 드러나고 그림 스타일은 뛰어난 감정 표현력을 얻습니다. 16세기 후반의 거장들(P. Veronese와 J. Tintoretto)의 작품에서 세계의 다채로운 풍요로움을 전승하는 기교, 극적 극적 감각과 나란히 자연과 대규모 인간 집단의 역학.

17세기에 베네치아 학교는 쇠퇴의 시기를 겪었습니다. D. Fetti, B. Strozzi 및 I. Liss의 작품에서 바로크 회화의 기법, 사실적인 관찰 및 caravaggism의 영향은 베네치아 예술가의 색채 탐색에 대한 전통적인 관심과 공존합니다. 18 세기 베네치아 학교의 새로운 개화는 명랑한 축제와 공간 역학 및 절묘한 색상의 밝기를 결합한 기념비적이고 장식적인 그림의 발전과 관련이 있습니다 (G. B. Tiepolo). 장르 그림이 발전하여 베니스 (G. B. Piazzetta 및 P. Longi), 건축 풍경 (veduta), 베니스 이미지를 재현 한 다큐멘터리 (A. Canaletto, B. Bellotto)의 시적 분위기를 미묘하게 전달합니다. F. Guardi의 실내 풍경은 서정적 친밀감으로 구별됩니다. 베네치아 예술가들의 특징인 가벼운 공기 환경 묘사에 대한 예리한 관심은 외광 분야에서 19세기 화가들의 탐구를 예고합니다. 여러 번 베네치아 학교는 H. Burgkmair, A. Dürer, El Greco 및 기타 유럽 마스터의 예술에 영향을 미쳤습니다.

문학: Pallucchini R. La pittura veneziana del cinquecento. 노바라, 1944. Vol. 1-2; 같은 저자. La pittura veneta del quattrocento. 볼로냐, 1956; 같은 저자. La pittura veneziana del settecento. 베니스; 로마, 1960; Smirnova I. A. Titian과 16 세기 베네치아 초상화. M., 1964; Kolpinsky Yu.D. 베니스의 예술. 16 세기 M., 1970; Levey M. 18세기 베니스의 그림. 2판. Oxf., 1980; Pignatti T. Venetian School: 앨범. M., 1983; 베니스의 예술과 예술 속의 베니스. M., 1988; Fedotova E. D. 계몽주의의 베네치아 그림. M., 1998.

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연방 주 예산 교육 기관

고등 전문 교육

"SA YESENIN의 이름을 따서 명명된 랴잔 주립 대학"

러시아 철학 및 민족 문화 학부

준비 방향 "신학"

제어직업

"세계 예술 문화" 분야에서

주제: "베네치아 르네상스"

2학년 학생이 완성한

시간제 교육:

Kostyukovich V.G.

확인자: Shakhova I.V.

랴잔 2015

계획

소개
결론
서지

소개

"르네상스"(프랑스어 "르네상스", 이탈리아어 "Rinascimento")라는 용어는 16세기의 화가, 건축가 및 미술사가에 의해 처음 소개되었습니다. George Vasari는 서유럽에서 부르주아 관계 발전의 초기 단계로 인한 역사적 시대를 결정할 필요성에 대해 설명했습니다.

르네상스 문화는 이탈리아에서 시작되었으며, 이것은 무엇보다도 봉건 사회에서 부르주아 관계의 출현과 그 결과 새로운 세계관의 출현과 관련이 있습니다. 도시의 성장과 공예의 발달, 세계 무역의 증가, 15세기 말과 16세기 초의 위대한 지리적 발견은 중세 유럽의 삶을 변화시켰습니다. 도시 문화는 새로운 사람들을 만들고 삶에 대한 새로운 태도를 형성했습니다. 고대 문화의 잊혀진 업적으로의 복귀가 시작되었습니다. 모든 변화는 예술에서 가장 많이 나타납니다. 이때 이탈리아 사회는 고대 그리스와 로마의 문화에 적극적인 관심을 갖기 시작했고 고대 작가들의 필사본을 찾기 시작했다. 예술, 철학, 문학, 교육, 과학 등 사회 생활의 다양한 영역이 점점 더 독립적이되고 있습니다.

이탈리아 르네상스의 연대기적 틀은 13세기 후반부터 16세기 전반까지의 시간을 포함한다. 이 기간 동안 르네상스는 XIII-XIV 세기 후반의 여러 단계로 나뉩니다. - Proto-Renaissance(부흥 이전) 및 Trecento; 15세기 - 초기 르네상스(콰트로센토); 15세기 후반 ~ 16세기 1/3 - 전성기 르네상스(Cinquecento라는 용어는 과학에서 덜 자주 사용됨). 일리나 S. 98 본 논문은 베니스 르네상스의 특징을 검토할 것이다.

이탈리아 르네상스 문화의 발전은 매우 다양합니다. 이는 이탈리아의 여러 도시의 경제 및 정치 발전 수준이 다르고, 이들 도시의 부르주아지의 힘과 힘의 정도가 다르며, 봉건과의 다양한 연결 정도 때문입니다. 전통. 14세기 이탈리아 르네상스 예술의 선두 예술 학교. 15세기에는 시에나와 피렌체가 있었다. - 16세기 피렌체, 움브리아, 파도바, 베네치아. - 로마와 베네치아.

르네상스와 이전 문화 시대의 주요 차이점은 인간과 그 주변 세계에 대한 인본주의 적 관점, 인도주의 지식의 과학적 토대 형성, 실험적 자연 과학의 출현, 새로운 예술의 예술적 언어의 특성이었습니다. , 그리고 마지막으로, 세속 문화의 권리 주장 자주 개발. 이 모든 것이 17-18세기 유럽 문화의 후속 발전의 기초였습니다. 현대 문화에 지대한 영향을 미쳤던 이교와 기독교라는 두 문화 세계의 광범위하고 다양한 합성을 수행한 것은 르네상스였습니다.

르네상스 시대의 인물들은 봉건적 세계관과 달리 학문적이고 새롭고 세속적이며 합리주의적인 세계관을 창조했습니다. 르네상스 시대의 관심의 중심은 사람 이었기 때문에이 문화 보유자의 세계관은 "인본주의 적"(라틴어 인문학-인류에서 유래)이라는 용어로 표시됩니다. 이탈리아의 인본주의자들에게는 자신에 대한 인간의 초점이 가장 중요했습니다. 그의 운명은 대체로 자신의 손에 달려 있으며, 그는 신으로부터 자유 의지를 부여 받았습니다.

르네상스는 아름다움, 특히 인간의 아름다움에 대한 숭배가 특징입니다. 이탈리아 그림은 아름답고 완벽한 사람들을 묘사합니다. 예술가와 조각가들은 세상과 인간의 사실적인 재현을 위해 자연 스러움을 위해 노력했습니다. 르네상스 시대의 인간은 다시 예술의 주요 주제가 되고 인간의 몸은 자연에서 가장 완벽한 형태로 간주됩니다.

르네상스의 주제, 특히 베니스의 르네상스는 이전 세기의 중세 예술과 고대 세계의 예술에서 만들어진 모든 최고를 종합하여 르네상스 예술이 발전했기 때문에 관련이 있습니다. . 르네상스 예술은 유럽 예술사에서 전환점이었으며 인간의 기쁨과 슬픔, 마음과 의지를 최우선으로 삼았습니다. 그것은 오늘날까지 그 중요성을 유지하는 새로운 예술 및 건축 언어를 개발했습니다. 따라서 르네상스 연구는 유럽 예술 문화의 전체 발전을 이해하는 데 중요한 연결 고리입니다.

베네치아 르네상스의 특징

풍부한 재능있는 장인과 범위에 의해 예술적 창의성 15세기에는 이탈리아가 앞서 있었다. 다른 모든 유럽 국가. 베니스 예술은 이탈리아 르네상스 예술의 다른 모든 센터와 관련하여 르네상스 예술 문화 발전의 특별한 변형을 나타냅니다.

13세기 이후 베니스는 이탈리아, 그리스, 에게 해의 섬들에 영토를 소유한 식민 세력이었습니다. 그녀는 비잔티움, 시리아, 이집트, 인도와 거래했습니다. 집중적 인 무역 덕분에 엄청난 부가 흘러갔습니다. 베니스는 상업 및 과두 정치 공화국이었습니다. 수세기 동안 베니스는 엄청나게 부유한 도시로 살았고 주민들은 금, 은, 보석, 직물 및 기타 보물의 풍부함에 놀라지 않았지만 궁전의 정원은 궁극의 한계로 인식되었습니다. 도시에는 녹지가 거의 없었기 때문에 부. 사람들은 생활 공간을 늘리고 이미 모든 곳에서 물에 휩싸인 도시를 확장하기 위해 그것을 버려야했습니다. 이것이 아마도 베네치아 사람들이 아름다움을 매우 수용하게 된 이유일 것입니다. 각 예술적 스타일은 장식 가능성에서 상당히 높은 수준에 도달했습니다. 투르크의 맹공격으로 콘스탄티노플이 함락되자 베네치아의 무역 지위는 크게 흔들렸지만 베네치아 상인들이 축적한 막대한 금전적 부 덕분에 베네치아는 16세기 상당 기간 동안 독립과 르네상스 생활 방식을 유지할 수 있었습니다.

연대순으로 르네상스 예술은 이 시대의 대부분의 이탈리아 주요 중심지보다 다소 늦게 베니스에서 형성되었지만 이탈리아의 다른 중심지보다 오래 지속되었습니다. 특히 피렌체와 일반적으로 토스카나보다 늦게 형성되었습니다. 말했듯이 베니스의 부흥에는 고유 한 특성이 있었으며 그녀는 고대 유물의 과학적 연구 및 발굴에 거의 관심이 없었습니다. 베네치아 르네상스는 다른 기원을 가졌습니다. 베니스 미술에서 르네상스 예술 문화의 원칙 형성은 15 세기에야 시작되었습니다. 이것은 결코 베니스의 경제적 후진성에 의해 결정되지 않았습니다. 반대로 베니스는 피렌체, 피사, 제노아, 밀라노와 함께 당시 이탈리아에서 가장 경제적으로 발전된 중심지 중 하나였습니다. 동방 국가들과의 대규모 무역과 이에 상응하는 더 큰 의사 소통이 베니스 문화에 영향을 미쳤기 때문에 이러한 지연에 책임이 있는 것은 베니스가 위대한 무역 강국으로 초기에 변모했기 때문입니다. 베니스의 문화는 제국 비잔틴 문화의 장엄한 웅장함과 엄숙한 사치, 그리고 부분적으로는 세련된 장식 문화 아랍 세계. 14세기까지 거슬러 올라가면 베니스의 예술 문화는 기념비적인 비잔틴 예술의 웅장하고 축제적인 형태를 엮어내는 것이었습니다. 고딕 예술. 물론 이것은 르네상스의 베네치아 예술 문화에도 반영될 것입니다. 베니스의 예술가들에게 색상의 문제가 대두되고 이미지의 물질성은 색상의 그라데이션으로 달성됩니다.

베네치아 르네상스는 위대한 화가와 조각가가 풍부했습니다. 전성기와 후기 르네상스의 가장 큰 베네치아 거장은 Giorgione(1477-1510), Titian(1477-1576), Veronese(1528-1588), Tintoretto(1518-1594) “Culturology p. 193 .

베네치아 르네상스의 주요 대표자

George Barbarelli da Castelfranco, 별명 Giorgione(1477-1510). 전성기 르네상스의 전형적인 예술가. 조르조네는 베니스에서 르네상스 시대 최초의 가장 유명한 화가가 되었습니다. 그의 작품에서 마침내 승리하는 세속적 원칙은 신화 및 문학 주제에 대한 음모의 지배로 나타납니다. 풍경과 자연 그리고 아름다운 인체는 그에게 예술의 소재가 되었다.

Giorgione은 Leonardo da Vinci가 중앙 이탈리아의 그림에서 수행한 것과 동일한 역할을 Venetian 그림에서 수행했습니다. 레오나르도는 조르조네의 조화감, 비율의 완벽함, 절묘한 선형 리듬, 부드러운 빛의 그림, 그의 이미지의 영성과 심리적 표현력, 그리고 동시에 조르조네의 합리주의와 가깝습니다. 1500년에 밀라노에서 지나가고 있었습니다. 베니스에서. 일리나 S. 138 그러나 여전히 레오나르도 예술의 명확한 합리성에 비해 조르조네의 그림에는 깊은 서정성과 사색이 스며들어 있다. Giorgione은 밀라노의 위대한 거장보다 더 감정적이며, 그는 공중 원근법만큼 선형에 관심이 없습니다. 색상은 그의 구성에서 큰 역할을 합니다. 투명 레이어에 놓인 사운드 페인트는 윤곽선을 부드럽게 만듭니다. 작가는 유화의 속성을 능숙하게 사용합니다. 다양한 음영과 과도기적 톤은 그가 볼륨, 빛, 색상 및 공간의 통일성을 달성하는 데 도움이 됩니다. 그의 작품에서 눈에 띄는 위치를 차지하는 풍경은 그의 완벽한 이미지의 조화와 시의 폭로에 기여한다.

그의 초기 작품 중 Judith (약 1502)가 주목을 받고 있습니다. 구약의 외경 문헌인 유딧서에서 가져온 여주인공은 조용한 자연을 배경으로 아름다운 젊은 여성으로 묘사됩니다. 작가는 그녀의 아름다움과 절제된 품위의 모든 힘으로 승리의 순간에 Judith를 묘사했습니다. 얼굴과 손의 부드러운 흑백 모델링은 Leonard의 "sfumato"를 연상시킵니다. 일리나 S. 139 그러나 아름다운 자연을 배경으로 한 아름다운 여성은 여주인공의 손에 들려 있는 검과 그녀에게 짓밟힌 적의 잘린 머리의 조화로워 보이는 구성에 기이하고 불안한 어조를 도입합니다. Giorgione의 또 다른 작품은 "Thunderstorm"(1506)과 "Country Concert"(1508-1510)로, 아름다운 자연과 그림 "Sleeping Venus"(약 1508-1510)를 볼 수 있습니다. . 불행히도 Giorgione은 "Sleeping Venus"작업을 완료 할 시간이 없었고 동시대 사람들에 따르면 그림의 풍경 배경은 Titian이 그렸습니다.

Titian Vecellio(1477? - 1576) - 베네치아 르네상스의 가장 위대한 예술가. 그의 생년월일은 확실하게 밝혀지지 않았지만, 연구자들에 따르면 그는 조르조네와 그의 제자보다 더 젊은 동시대인이었을 가능성이 높다. 수년 동안 그는 베네치아 회화 학교의 발전을 결정했습니다. 인본주의 원칙에 대한 Titian의 충실도, 인간의 마음과 능력에 대한 믿음, 강력한 색채주의는 그의 작품에 큰 영향을 미칩니다. 인력. 그의 작품에서 마침내 베네치아 화파의 리얼리즘의 독창성이 드러난다. 일찍 세상을 떠난 조르조네와 달리 티치아노는 영감을 받은 창작 활동으로 가득 찬 행복한 삶을 오래 살았습니다. Titian은 Giorgione의 작업장에서 가져온 여성 알몸에 대한 시적 인식을 유지했으며 종종 "Venus of Urbino"(1538 년경)에서와 같이 거의 "Sleeping Venus"의 인식 가능한 실루엣을 캔버스에 문자 그대로 재현했습니다. 자연의 품, 그러나 현대 화가 하우스의 내부.

평생 동안 Titian은이 분야의 혁신가로 활동하면서 초상화에 종사했습니다. 그의 브러시는 왕, 교황, 귀족의 초상화 이미지의 광범위한 갤러리에 속합니다. 그는 자세, 움직임, 표정, 몸짓, 정장 입는 방식의 독창성에 주목하면서 자신이 묘사 한 성격의 특성을 심화시킵니다. 그의 초상화는 때때로 사람들 사이의 심리적 갈등과 관계를 드러내는 그림으로 발전한다. 그의 초기 초상화 "장갑을 든 청년"(1515-1520)에서 청년의 이미지는 개별적인 특정 기능을 획득하는 동시에 그의 결단력, 에너지 및 독립심.

초기 초상화에서 그가 관례대로 모델의 아름다움, 힘, 존엄성, 무결성을 찬양했다면 이후 작품은 이미지의 복잡성과 불일치로 구별됩니다. 티치아노가 그린 그림에서 지난 몇 년창의성, 진정한 비극이 들리고 Titian의 작업에서 인간과 외부 세계의 갈등이라는 주제가 탄생했습니다. Titian의 생애가 끝날 무렵 그의 작품은 상당한 변화를 겪습니다. 그는 여전히 고대 주제에 대해 많은 글을 쓰고 있지만 점점 더 자주 기독교 주제로 전환합니다. 그의 후기 작품은 순교와 고통, 삶과 화해할 수 없는 불화, 금욕적인 용기라는 주제가 지배적입니다. 그 안에 있는 사람의 이미지는 여전히 강력한 힘을 가지고 있지만 내부 조화 균형의 특징을 잃습니다. 황혼에 잠긴 건축 또는 풍경 배경을 가진 하나 이상의 인물 조합을 기반으로 구성이 단순화되었습니다. 쓰기 기술도 변경되어 밝고 기뻐하는 색상을 거부하고 흐리고 강철, 올리브색 복잡한 음영으로 바뀌어 모든 것을 일반적인 황금색 톤으로 종속시킵니다.

그의 후기 작품에서 가장 비극적으로 들리는 작품에서도 티치아노는 인본주의적 이상에 대한 믿음을 잃지 않았습니다. 그를위한 인간은 평생 동안 인본주의의 밝은 이상을 지닌 예술가의 "자화상"(1560 년경)에서 볼 수있는 가장 높은 가치를 유지했습니다.

16세기 말 베니스에서는 임박한 예술의 새로운 시대의 특징이 이미 분명합니다. 이것은 두 명의 주요 예술가 Paolo Veronese와 Jacopo Tintoretto의 작품에서 볼 수 있습니다.

Veronese라는 별명을 가진 Paolo Cagliari(베로나 출생, 1528-1588)는 마지막 가수 16세기의 축제 베니스. 그는 베로나 궁전을 위한 그림과 베로나 교회를 위한 이미지를 실행하는 것으로 시작했지만 그럼에도 불구하고 1553년 베네치아 총독 궁전의 벽화 작업을 시작하면서 명성을 얻었습니다. 그 순간부터 영원히 그의 삶은 베니스와 연결되어 있습니다. 그는 그림을 그리지만 더 자주 그는 베네치아 귀족을 위해 캔버스에 큰 유화, 베네치아 교회를 위한 제단화를 자체 주문 또는 베네치아 공화국의 공식 명령에 따라 그립니다. 그가 그린 모든 것은 베네치아 건축 풍경을 배경으로 멋지게 차려 입은 베네치아 군중이 묘사 된 축제 베니스의 거대한 장식 그림이었습니다. 이것은 "바리새인 시몬의 만찬"(1570) 또는 "레위 가문의 만찬"(1573)과 같은 복음주의 주제의 그림에서도 볼 수 있습니다.

예술에서 Tintoretto (1518-1594)로 알려진 Jacopo Robusti ( "tintoretto"-염색공 : 예술가의 아버지는 실크 염색공이었습니다)는 Veronese와 달리 비극적 인 태도를 보였으며 그의 작품에서 나타났습니다. Titian의 제자였던 그는 선생님의 색채 기술을 높이 평가했지만 그것을 Michelangelo의 그림 개발과 결합하려고 했습니다. Tintoretto는 아주 짧은 시간 동안 Titian의 작업장에 머물 렀지 만 동시대 사람들에 따르면 그의 작업장 문에는 "Michelangelo의 그림, Titian의 채색"이라는 모토가 걸려있었습니다. 일 에스. 146 Tintoretto의 대부분의 작품은 주로 신비한 기적의 음모에 대해 쓰여졌으며 그의 작품에서 그는 종종 극적인 강렬한 액션, 깊은 공간, 복잡한 각도의 인물로 대량 장면을 묘사했습니다. 그의 작곡은 뛰어난 역동성과 후기에도 빛과 그림자의 강한 대비로 구별됩니다. 그에게 명성을 안겨준 첫 번째 그림인 The Miracle of St. Mark (1548)에서 그는 성인의 모습을 복잡한 시각으로 표현하고 있으며, 고전 예술에서는 불가능했을 폭력적인 움직임의 상태에 있는 사람들을 보여줍니다. 하이 르네상스. 틴토레토는 또한 1565년부터 1587년까지 스쿠올로 디 산 로코(Scuolo di San Rocco) 부지의 두 층을 차지하는 거대한 그림 시리즈인 대형 장식 작품의 저자이기도 합니다. 그의 작업의 마지막 기간에 Tintoretto는 Doge 's Palace (1588 년 이후 "Paradise"구성)에서 일하며 이전에는 잘 알려진 Paolo Veronese가 일했습니다.

베네치아 르네상스에 대해 말하면 베니스 근처의 비첸차에서 태어나 작업한 가장 위대한 건축가인 안드레아 팔라디오(1508-1580)를 기억하지 않을 수 없습니다. 하이 르네상스는 창의적으로 가공하여 사용할 수 있습니다. 그는 건축의 고전적 언어를 접근 가능하고 보편적으로 만드는 데 성공했습니다.

그의 활동에서 가장 중요한 두 가지 영역은 도시 주택(팔라초)과 전원 주택(빌라) 건설이었습니다. 1545년, 팔라디오는 비첸차의 대성당을 재건할 권리를 놓고 경쟁에서 승리했습니다. 건물의 조화를 강조하고 그림 같은 베네치아 풍경을 배경으로 능숙하게 배치하는 능력은 그의 향후 작업에 유용했습니다. 이것은 그가 Malcontenta(1558), Barbaro-Volpi in Maser(1560-1570), Cornaro(1566)를 지은 빌라의 예에서 볼 수 있습니다. Vicenza (1551-1567)의 Villa "Rotonda"(또는 Capra)는 건축가의 가장 완벽한 건물로 간주됩니다. 각 파사드에 이오니아식 6개 기둥 현관이 있는 정사각형 건물입니다. 네 개의 현관은 모두 기와 지붕 아래 낮은 돔으로 덮인 둥근 중앙 홀로 이어집니다. 빌라와 궁전의 정면 디자인에서 Palladio는 일반적으로 Vicenza의 Palazzo Chiericati (1550)의 예에서 볼 수 있듯이 대량 주문을 사용했습니다. Palazzo Valmarana(1566년 착공)와 미완성 Loggia del Capitanio(1571)에서와 같이 일반 기단에 거대한 기둥이 솟아 있거나 Palazzo Thiene(1556)에서와 같이 1층을 완전히 흡수하는 매우 높습니다. 그의 경력이 끝날 무렵 Palladio는 교회 건축으로 전환했습니다. 그는 Castello (1558)의 San Pietro 교회와 베니스의 San Giorgio Maggiore (1565-1580) 및 Il Redentore (1577-1592)를 소유하고 있습니다.

Palladio는 건축가로서뿐만 아니라 여러 언어로 번역된 논문 "건축에 관한 네 권의 책"의 저자로서 큰 명성을 얻었습니다. 그의 작품은 17~18세기 유럽 건축과 18세기 러시아 건축가의 고전주의 방향 발전에 큰 영향을 미쳤다. 마스터의 추종자들은 "Palladianism"이라고 불리는 유럽 건축의 전체 경향을 형성했습니다.

결론

르네상스는 인류의 삶에서 예술과 과학의 엄청난 발전으로 특징지어졌습니다. 인간을 삶의 최고 가치로 선포한 인본주의를 기반으로 발생한 르네상스는 예술에 주로 반영되었습니다. 르네상스 예술은 뉴 에이지 유럽 문화의 토대를 마련했으며 모든 주요 예술 유형을 근본적으로 바 꾸었습니다. 고대 질서 체계의 창의적으로 수정된 원칙이 건축에 확립되었고 새로운 유형의 공공 건물이 형성되었습니다. 그림은 선형 및 공중 원근법, 인체의 해부학 및 비율에 대한 지식으로 풍부해졌습니다. 세속적 내용은 예술 작품의 전통적인 종교적 주제에 침투했습니다. 고대 신화, 역사, 일상 장면, 풍경, 초상화에 대한 관심 증가. 건축 구조물을 장식하는 기념비적 인 벽화와 함께 그림이 나타나고 유화가 등장했습니다. 예술의 첫 번째 장소는 일반적으로 보편적으로 재능있는 사람인 예술가의 창조적 개성이었습니다. 그리고 이러한 모든 경향은 베네치아 르네상스 예술에서 매우 명확하고 명확하게 볼 수 있습니다. 동시에 창의적인 삶에서 베니스는 이탈리아의 나머지 지역과 크게 달랐습니다.

르네상스 시대 중부 이탈리아에서 고대 그리스와 로마의 예술이 큰 영향을 미쳤다면 베니스에서는 비잔틴 예술과 아랍 세계 예술의 영향이 혼합되었습니다. 그들의 작품에 경쾌한 밝은 색상을 가져온 것은 베네치아 예술가들이었으며, 그 중 가장 유명한 것은 Titian입니다. 그들은 인간을 둘러싼 자연, 풍경에 많은 관심을 기울였습니다. 이 분야의 혁신가는 그의 유명한 그림인 "뇌우"를 그린 조르조네였습니다. 그는 인간을 자연의 일부로 묘사하며 풍경에 많은 관심을 기울입니다. 건축의 고전적 언어를 공공적이고 보편적으로 만든 Andrea Palladio는 건축에 큰 공헌을 했습니다. 그의 작품은 17-18세기 유럽 건축에 나타난 "팔라디아주의"라는 이름으로 광범위한 영향을 미쳤습니다.

그 후 베네치아 공화국의 쇠퇴는 예술가들의 작품에 반영되었으며 그들의 이미지는 덜 숭고하고 영웅적이었으며 더 세속적이고 비극적이었으며 위대한 Titian의 작품에서 분명히 볼 수 있습니다. 그럼에도 불구하고 베니스는 다른 곳보다 더 오래 르네상스 전통에 충실했습니다.

서지

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르네상스의 연대기 구조, 그 독특한 특징. 문화의 세속적 성격과 인간과 그의 활동에 대한 관심. 르네상스 발전 단계, 러시아에서의 특징. 회화, 과학 및 세계관의 부활.

프레젠테이션, 2015년 10월 24일 추가됨

르네상스의 일반적인 특징, 그 독특한 특징. 르네상스의 주요 기간과 사람. 지식 체계의 발전, 르네상스 철학. 르네상스 예술의 최고 개화기 예술 문화 걸작의 특징.

창의적인 작업, 2010년 5월 17일 추가됨

세계 문화의 발전. 13-16세기 유럽의 사회문화적 혁명으로서의 르네상스. 르네상스 문화의 휴머니즘과 합리주의. 르네상스의 시대 구분과 민족적 성격. 문화, 예술, 르네상스의 가장 위대한 거장.

테스트, 2010년 8월 7일 추가됨

르네상스 시대의 사람들은 이전 시대를 버리고 영원한 어둠 속에서 자신을 밝은 섬광으로 내세웠습니다. 르네상스 문학, 그 대표 및 작품. 베네치아 회화 학교. 초기 르네상스 회화의 창시자.

초록, 2010년 1월 22일 추가됨

"북부 르네상스"라는 용어의 기본 개념과 이탈리아 르네상스와의 본질적인 차이점. 북부 르네상스 예술의 가장 저명한 대표자와 예. 다뉴브 학교와 그 주요 방향. 네덜란드 회화에 대한 설명.

기말 보고서, 2008년 11월 23일 추가됨

르네상스 문화의 사회 경제적 배경, 영적 기원 및 특징. 프로토 르네상스, 초기, 전성기 및 후기 르네상스 시대의 이탈리아 문화 발전. 슬라브 국가의 르네상스 시대의 특징.

초록, 2011년 5월 9일 추가됨

현대 문화 연구에서 르네상스의 문제. 르네상스의 주요 특징. 르네상스 문화의 본질. 르네상스의 휴머니즘. 자유사상과 세속적 개인주의. 르네상스의 과학. 사회와 국가의 교리.

Y. 콜핀스키

베네치아 르네상스 예술은 일반적으로 이탈리아 예술의 통합적이고 분리할 수 없는 부분입니다. 이탈리아 르네상스 예술 문화의 나머지 중심지와의 긴밀한 관계, 역사적, 문화적 운명의 공통성-이 모든 것이 베네치아 예술을 이탈리아 르네상스 예술의 표현 중 하나로 만듭니다. 조르조네와 티치아노의 작품 없이 다양한 창의적 표현으로 이탈리아의 전성기 르네상스를 상상하는 것. 이탈리아 후기 르네상스의 예술은 후기 Titian의 예술, Veronese와 Tintoretto의 작품을 연구하지 않고는 전혀 이해할 수 없습니다.

그러나 이탈리아 르네상스 예술에 대한 베네치아 학교의 공헌의 독창성은 이탈리아의 다른 학교의 그것과 약간 다를 뿐만 아니라. 베니스의 예술은 이탈리아의 모든 예술 학교와 관련하여 르네상스 원칙 개발의 특별한 버전을 나타냅니다.

르네상스 예술은 대부분의 다른 센터, 특히 피렌체보다 베니스에서 늦게 형성되었습니다. 베니스 미술에서 르네상스 예술 문화의 원칙 형성은 15 세기에야 시작되었습니다. 이것은 결코 베니스의 경제적 후진성에 의해 결정된 것이 아닙니다. 반대로 베니스는 피렌체, 피사, 제노아, 밀라노와 함께 이탈리아에서 가장 경제적으로 발전한 중심지 중 하나였습니다. 역설적으로 보일지 모르지만, 12세기에 시작된 것은 베니스가 거대한 상업 지역으로, 게다가 제조 강국이 아니라 주로 상업 지역으로 변모한 초기 단계였습니다. 특히 십자군 전쟁 중에 가속화된 것은 이러한 지연에 대한 책임입니다.

이탈리아와 중부 유럽의 창인 베니스의 문화는 동부 국가로 "통과"되어 제국 비잔틴 문화의 장엄하고 엄숙한 사치와 부분적으로는 아랍 세계의 미묘한 장식 문화와 밀접하게 연결되었습니다. 이미 12 세기, 즉 유럽에서 로마네스크 양식이 지배적 인 시대에 부유 한 무역 공화국은 부와 권력을 확인하는 예술을 창조했으며 가장 부유하고 가장 발전된 기독교인 인 비잔티움의 경험으로 널리 바뀌 었습니다. 당시 중세 권력. 본질적으로 14세기 베니스의 예술 문화입니다. 그것은 기념비적인 비잔틴 예술의 웅장하고 축제적인 형태가 서로 엮인 것으로, 동양의 화려한 장식과 유난히 우아하고 장식적으로 재해석된 성숙한 고딕 예술의 요소의 영향으로 활기를 띠었습니다. 사실, 초기 르네상스 경향은 이러한 조건에서 매우 약하고 산발적으로 느껴졌습니다.

15세기에만 베네치아 예술이 르네상스 예술 문화의 세속적 위치로 전환되는 불가피하고 자연스러운 과정이 있습니다. 그의 독창성은 주로 사람을 둘러싼 풍경 환경에서 풍경 배경에 대한 더 큰 관심에서 색상과 구성의 축제 증가에 대한 열망에서 나타났습니다.

15세기 후반 이탈리아 Quattrocento 예술에서 중요한 위치를 차지한 중요하고 독창적 인 현상으로 베니스에 르네상스 학교가 형성되었습니다.

15세기 중반의 베네치아 그의 권력과 부의 최고 수준에 도달합니다. "아드리아 해의 여왕"의 식민지 소유물과 교역소는 아드리아 해의 동부 해안 전체를 덮었을 뿐만 아니라 동부 지중해 전역에 널리 퍼졌습니다. Cyprus, Rhodes, Crete에서는 St. Mark의 사자 깃발이 펄럭입니다. 베네치아 과두정치의 지배 엘리트를 구성하는 많은 고귀한 귀족 가문이 바다 건너의 통치자 역할을 합니다. 큰 도시또는 전체 지역. 베네치아 함대는 동유럽과 서유럽 간의 거의 모든 운송 무역을 확고하게 통제합니다.

그러나 콘스탄티노플 함락으로 끝난 투르크에 의한 비잔틴 제국의 패배는 베니스의 무역 지위를 흔들었다. 그러나 15세기 후반에 베네치아가 쇠퇴했다고 말할 수 있는 사람은 아무도 없습니다. 베네치아 동부 무역의 전반적인 붕괴는 훨씬 나중에 일어났습니다. 당시 무역에서 부분적으로 해방된 베네치아 상인들은 베네치아의 공예품과 제조소 개발에 막대한 돈을 투자했으며, 석호 (소위 테라 농장). 더욱이 1509-1516년에 부유하고 여전히 활력이 넘치는 공화국은 무력과 유연한 외교를 결합하여 여러 유럽 강대국의 적대적인 연합에 맞서 독립을 방어했습니다. 일시적으로 베네치아 사회의 모든 부문을 결집시킨 어려운 투쟁의 성공적인 결과로 인한 일반적인 급증은 티치아노. 베네치아가 독립성과 상당한 부를 유지했다는 사실이 베네치아 공화국에서 전성기 르네상스 예술의 전성기를 결정했습니다. 후기 르네상스로의 전환은 1540년경에만 베니스에서 윤곽이 잡혔습니다.

전성기 르네상스의 형성 시기는 이탈리아의 나머지 지역과 마찬가지로 15세기 말에 해당합니다. 이 시기 동안 이방인 벨리니와 카르파치오의 내러티브 예술은 이탈리아 르네상스의 가장 뛰어난 거장 중 한 명인 조반니 벨리니의 예술에 저항하기 시작했습니다.

Giovanni Bellini(c. 1430-1516)는 그의 직계 전임자들이 축적한 업적을 발전시키고 향상시켰을 뿐만 아니라 베네치아 예술을 더 높은 수준으로 끌어올렸습니다. 그의 그림에는 분위기의 연결이 생겨나고, 풍경이 만든, 일반적으로 현대 회화의 놀라운 업적 중 하나 인 구성의 영웅의 마음 상태와 함께. 동시에 Giovanni Bellini의 예술에서 가장 중요한 것은 인간의 도덕적 세계의 중요성이 놀라운 힘으로 드러납니다. 사실, 그의 초기 작품의 그림은 때때로 다소 거칠고 색상 조합은 거의 선명합니다. 그러나 사람의 영적 상태의 내적 중요성에 대한 느낌, 이 위대한 인상적인 힘의 시대에 이미 이 주인의 작품에서 그의 내적 경험의 아름다움에 대한 계시.

Giovanni Bellini는 그의 직계 전임자와 동시대 사람들의 장황한 이야기에서 일찍부터 자신을 해방시킵니다. 그의 작곡의 줄거리는 세부적인 극적 전개를 거의 얻지 못하지만 감정적 인 색채 소리, 그림의 리드미컬 한 표현력, 그리고 마지막으로 절제되었지만 내면의 힘으로 가득 찬 흉내, 위대함을 통해 인간의 영적 세계가 드러납니다.

Giovanni Bellini의 초기 작품은 Mantegna의 예술에 더 가까워질 수 있습니다(예: The Crucifixion, Venice, Correr Museum). 그러나 이미 Pesaro의 제단화에서는 명확한 선형 "Mantenevian" 원근법이 Padua 마스터의 원근법보다 더 미묘하게 전달된 공중 원근법으로 풍부해졌습니다. 젊은 베네치아와 그의 오랜 친구이자 친척(만테냐는 벨리니의 누이와 결혼했다)의 주요 차이점은 편지의 개별적인 특징이 아니라 전체적으로 그의 작품의 더 서정적이고 시적인 정신으로 표현됩니다.

이와 관련하여 특히 유익한 것은 그의 소위 "그리스 비문이 있는 마돈나"(1470년대; 밀라노, 브레라)입니다. 슬픈 아기를 부드럽게 껴안는 아이콘을 모호하게 연상시키는 슬프게 잠겨있는 Mary의 이미지는 주인이 격퇴하는 또 다른 전통 인 중세 회화의 전통을 말합니다. 그러나 아이콘의 선형 리듬과 색상 화음의 추상적 영성은 여기서 결정적으로 극복됩니다. 표현력이 엄격하고 색상 비율이 구체적입니다. 색상은 사실이며 모델링된 형태의 볼륨에 대한 견고한 모델링은 매우 사실적입니다. 실루엣 리듬의 미묘하고 분명한 슬픔은 인물 자체의 움직임의 절제된 생생한 표현력과 Mary의 얼굴의 생생한 인간 표현과 불가분의 관계가 있습니다. 추상적인 정신주의가 아니라 시적으로 영감을 받은 깊은 인간의 감정이 이 단순하고 겸손한 구성으로 표현됩니다.

앞으로 Bellini는 그의 예술적 언어의 영적 표현력을 심화시키고 풍부하게하면서 동시에 초기 방식의 경직성과 가혹함의 특징을 극복합니다. 1470년대 말부터. 그는 안토넬로 다 메시나(1470년대 중반부터 베니스에서 일함)의 경험에 의존하여 자신의 구성에 색이 있는 그림자를 도입하여 빛과 공기로 채웁니다(“Madonna with Saints”, 1476). 넓은 리듬 호흡.

1580년대 Bellini는 창조적 성숙기에 들어갑니다. 그의 "그리스도의 애가"(밀라노, 브레라)는 거의 무자비한 삶의 진실성(그리스도의 몸의 치명적인 차가운 파란색, 그의 반쯤 늘어진 턱, 고문의 흔적)과 애도의 이미지의 진정한 비극적 장엄함의 조합으로 공격합니다. 영웅. Mary와 John의 예복 색상의 우울한 광채의 일반적인 차가운 색조는 저녁 회청색 빛에 의해 부채질됩니다. 아들에게 매달린 마리아의 비극적인 절망과 스승의 죽음과 화해하지 못한 요한의 애절한 분노, 직설적인 표현 속에 강렬하게 분명한 리듬, 사막의 노을이 주는 슬픔, 너무나 조화롭게 어우러진다. 그림의 일반적인 감정 구조와 함께 일종의 슬픔에 잠긴 레퀴엠으로 구성됩니다. 그림이 쓰여진 칠판의 맨 아래에 알려지지 않은 동시대 사람이 라틴어로 다음과 같은 말을 새긴 것은 우연이 아닙니다. 울음소리."

1580년대 Giovanni Bellini는 결정적인 발걸음을 내디뎠으며 마스터는 전성기 르네상스 예술의 창시자 중 한 사람이되었습니다. 성숙한 조반니 벨리니 예술의 독창성은 그의 "변형"(1580년대; 나폴리)과 그의 초기 "변형"(Museum Correr)을 비교할 때 명확하게 드러납니다. Correr 박물관의 "변형"에서 엄격하게 추적 된 그리스도와 선지자의 인물은 큰 받침대와 상징적 인 "도미"를 연상시키는 작은 바위에 있습니다. 움직임이 다소 각이 져 있으며(생동적 특성과 몸짓의 시적 고양이 아직 달성되지 않은 상태에서) 형상은 입체적입니다. 가볍고 차갑게 맑고 거의 현란한 색상의 입체적으로 모델링된 형상은 차갑고 투명한 분위기로 둘러싸여 있습니다. 컬러 그림자를 대담하게 사용했음에도 불구하고 인물 자체는 여전히 정적이고 균일한 조명 균일성으로 구별됩니다.

나폴리 "변형"의 인물은 이탈리아 북부 산기슭의 특징 인 완만하게 기복이있는 고원에 위치하고 있으며, 그 표면은 초원과 작은 숲으로 덮여 있으며 전경에 위치한 절벽의 수직 바위 벽 위에 펼쳐져 있습니다. 시청자는 급히 묶이고 벗겨지지 않은 쓰러진 나무의 가벼운 난간으로 울타리가 쳐진 절벽 가장자리를 따라 달리는 길에있는 것처럼 전체 장면을 인식합니다. 풍경에 대한 인식의 즉각적인 현실은 특히 전체 전경, 거리, 중간 계획이 16세기 베네치아 회화의 특징인 약간 축축한 빛 공기 환경에 잠겨 있기 때문에 특별합니다. 동시에 그리스도, 예언자, 엎드린 사도들의 장엄한 움직임의 절제된 엄숙함, 그들의 리드미컬한 병치의 자유분방한 명료성, 자연에 대한 인간의 자연스러운 지배, 풍경 거리의 차분한 확장은 그 강력한 이 작품에서 르네상스 발전의 새로운 단계의 첫 번째 특징을 예견하게 만드는 이미지의 분명한 웅장함.

성숙한 Bellini 스타일의 차분한 엄숙함은 "Madonna of St. Job"(1580s; 베니스 아카데미) 구성의 기념비적 인 균형으로 구현됩니다. Bellini는 인간 이미지의 차분한 웅장 함과 일치하는 엄숙한 건축 배경을 만드는 apse의 소라를 배경으로 높은 왕좌에 앉아있는 Mary를 배치합니다. 다가오는 것들은 상대적으로 풍부함에도 불구하고 (마리아를 찬양하는 여섯 명의 성도와 세 천사) 구성을 어지럽히 지 않습니다. 그림은 읽기 쉬운 그룹으로 조화롭게 분포되어 있으며 아기와 함께하는 마리아의 더 엄숙하고 영적으로 풍부한 이미지가 분명히 지배합니다.

유색 그림자, 부드럽고 빛나는 빛, 차분한 색채는 일반적인 분위기를 조성하고 전체의 일반적인 리듬, 색채 및 구성 비유 적 통일성에 수많은 세부 사항을 종속시킵니다.

Giorgione의 "Castelfranco의 Madonna"와 거의 동시에 쓰여진 베니스의 San Zaccaria 교회의 "Madonna with Saints"(1505)에서 옛 거장은 구성의 고전적 균형, 뛰어난 편곡으로 놀라운 작품을 만들었습니다. 깊은 생각에 잠긴 몇 안 되는 장엄한 영웅들. 아마도 마돈나 자신의 이미지는 성 욥의 마돈나에서와 같은 의미에 도달하지 못할 것입니다. 그러나 마리아의 발 앞에서 비올라를 연주하는 청년의 부드러운 시, 엄격한 중력과 동시에 독서에 몰두한 백발 노인의 부드러운 표정은 정말 아름답고 높은 윤리적 의미로 가득 차 있습니다. 감정 전달의 절제된 깊이, 일반화된 숭고함과 이미지의 구체적인 생명력 사이의 완벽한 균형, 색채의 고상한 조화는 그의 베를린 애가에서 그 표현을 찾았습니다.

그림. pp. 248-249

평온함, 맑은 영성은 Bellini의 성숙기 최고의 모든 작품의 특징입니다. 예를 들어 〈나무가 있는 성모 Madonna with Trees〉(1490년대, 베니스 아카데미)나 〈초원의 성모 Madonna in the Meadows〉(c. 1590, 런던, 내셔널 갤러리)는 회화의 외벽 광채로 눈에 띈다. 풍경은 넓은 평야, 부드러운 언덕, 멀리 푸른 산과 같은 테라 농장의 본질을 충실히 전달할 뿐만 아니라 노동의 시와 시골 생활의 나날을 부드러운 애가로 드러냅니다. 늪 근처로 내려가는 여자, 우물 기중기에 멈춰 선다. 이 시원한 봄 풍경에서 마리아의 조용한 다정함과 조화를 이루며 경건하게 무릎을 꿇고 잠든 아기 위로 몸을 구부리고 자연의 생명과 인간의 영적 삶의 숨결의 특별한 일치, 내적 조화가 있습니다. 전성기 르네상스의 베네치아 회화의 특징은 이미 달성되었습니다. 다소 장르적 성격을 지닌 마돈나 자신의 이미지 해석에서 북부 르네상스 거장의 화보 경험에 대한 벨리니의 관심이 눈에 띈다는 사실을 지나치지 않는 것은 불가능합니다.

후기 Bellini의 작품에서 선두는 아니지만 중요한 위치는 일반적으로 Venetians가 좋아했던 일부 시적 작품이나 종교적 전설과 관련된 작곡이 차지합니다.

이것은 14세기 프랑스 시에서 영감을 받은 것입니다. 소위 "마돈나 호수"(Uffizi). 조용하고 웅장하고 다소 가혹한 산을 배경으로 호수의 움직이지 않는 짙은 회청색 물 위에 솟아있는 대리석 오픈 테라스에 위치한 성도들의 모습은 은빛 부드러운 조명 속에서 행동합니다. 테라스 중앙에는 욕조 안에 오렌지 나무가 있고, 몇 명의 벌거벗은 아기들이 그 주위에서 놀고 있습니다. 그들의 왼쪽에는 난간의 대리석에 기대어 깊은 생각에 잠긴 유서 깊은 노인 사도 베드로가 서 있습니다. 그 옆에는 칼을 들고 진홍색 망토를 입은 검은 수염의 남자, 분명히 사도 바울이 서 있습니다. 그들은 무엇을 생각하고 있습니까? 장로 Jerome, 햇볕에 탄 짙은 청동, 사려 깊은 벌거 벗은 Sebastian이 천천히 걷는 이유는 무엇입니까? 잿빛 머리에 검은색 스카프를 두른 이 날씬한 베네치아인은 누구일까요? 엄숙하게 왕좌에 앉은 이 여인, 아마도 마리아가 손을 모으고 기도한 이유는 무엇입니까? 구성의 우화 적 플롯 의미가 동시대 거장, 세련된시의 감정가 및 상징 언어의 감정가에게 충분히 분명했을 가능성이 높지만 모든 것이 신비롭게 모호해 보입니다. 그러나 그림의 주된 미적 매력은 독창적인 상징적 이야기나 수수께끼 해독의 우아함이 아니라 감정의 시적 변형, 전체의 미묘한 영성, 다양한 동기의 우아하게 표현된 병치에 있습니다. 같은 주제 - 인간 이미지의 고귀한 아름다움. 벨리니의 <호수의 성모>가 조르조네 시의 지적인 세련미를 어느 정도 예상했다면, 세계에 대한 경이롭고 명랑한 이교적 개념으로 구별되는 그의 신들의 만찬(1514; 워싱턴, 내셔널 갤러리)은 오히려 영웅적인 낙관주의를 예상한다. "시"와 신화적 구성 젊은 티치아노.

Giovanni Bellini도 초상화에 대해 언급했습니다. 그의 비교적 적은 수의 초상화는 16세기 베네치아 회화에서 이 장르의 개화를 준비하고 있습니다. 우아하고 몽환적인 청년 소년의 초상화입니다. 이 초상화에서 영적 고귀함과 자연스러운 시로 가득 찬 아름다운 사람의 이미지가 이미 태어나고 있으며 조르조네와 젊은 티치아노의 작품에서 완전히 드러날 것입니다. "Boy" Bellini - 이것은 젊은 "Brocardo" Giorgione의 어린 시절입니다.

Bellini의 후기 작품은 Doge의 멋진 초상화 (1507 이전)가 특징입니다. 이 초상화는 경쾌하게 빛나는 색상, 뛰어난 볼륨 모델링,이 노인 캐릭터의 모든 개별 독창성을 정확하고 표현력있게 전달하는 것으로 구별됩니다. 에너지와 강렬한 지적 생활.

일반적으로 이탈리아 르네상스의 가장 위대한 거장 중 한 명인 Giovanni Bellini의 예술은 베네치아 학교의 주로 장식적이고 순전히 "회화적인"성격에 대한 한때 널리 퍼진 의견을 반박합니다. 실제로 베네치아 학교의 추가 발전에서 줄거리의 내러티브와 외적으로 극적인 측면은 한동안 선두 자리를 차지하지 않을 것입니다. 그러나 사람의 내면 세계의 풍요로움의 문제, 육체적으로 아름답고 영적으로 풍요로운 인간 성격의 윤리적 중요성은 토스카나의 예술에서보다 감정적으로, 감각적으로 구체적으로 전달되며 항상 창작 활동에서 중요한 위치를 차지할 것입니다. 베네치아 학교의 주인.

조반니 벨리니(Giovanni Bellini)의 결정적인 영향 아래 작품이 형성된 15세기와 16세기 전환기의 거장 중 한 사람은 지암바티스타 치마 다 코넬리아노(c. 1459-1517/18)였습니다. 베니스에서 그는 1492년에서 1516년 사이에 일했습니다. Cima는 Bellini에 이어 건축 프레임과 인물을 능숙하게 결합하여 종종 아치형 개구부에 배치하는 대형 제단 구성을 소유하고 있습니다 (1490 년대 베니스의 Santa Maria del Orto 교회에있는 "4 명의 성도가있는 세례 요한", " 토마스의 불신앙"; 베니스, 아카데미, "순교자 성 베드로", 1504; 밀라노, 브레라). 이 구성은 자유롭고 넓은 인물 배치로 구별되어 아티스트가 그 뒤에 펼쳐지는 풍경 배경을 광범위하게 보여줄 수 있습니다. 풍경 모티프의 경우 Cima는 일반적으로 가파른 구불 구불 한 도로가 이어지는 높은 언덕에 성이 있고 고립 된 나무와 밝은 구름이있는 하늘색 하늘이있는 그의 고향 인 Conegliano의 풍경을 사용했습니다. 그러나 Giovanni Bellini의 예술적 높이에 도달하지 못한 Cima는 그와 마찬가지로 그의 최고의 작품에서 명확한 그림, 풍부한 색상의 인물 해석에서 플라스틱 완성도를 결합했으며 단일 황금색 톤에 약간 감동했습니다. Cima는 또한 베네치아 특유의 마돈나 서정적 이미지의 저자였으며 그의 놀라운 소개(Dresden, Picture Gallery)에서 그는 개인의 일상에 대한 미묘한 윤곽과 함께 주제에 대한 서정적 내러티브 해석의 예를 제시했습니다. 모티브.

Giovanni Bellini의 예술 다음 단계는 전성기 르네상스가 전적으로 소유한 베네치아 학교의 첫 번째 거장인 Giorgione의 작품이었습니다. Giorgione이라는 별명을 가진 Castelfranco의 George Barbarelli(1477/78-1510)는 주니어 동시대인이자 Giovanni Bellini의 제자였습니다. 조르조네는 레오나르도 다빈치처럼 정신적으로 풍요롭고 육체적으로 완벽한 사람의 세련된 조화를 드러낸다. Leonardo와 마찬가지로 Giorgione의 작업은 깊은 지적주의와 결정적인 합리성으로 구별됩니다. 그러나 예술의 깊은 서정성이 매우 숨겨져 있고 합리적 지식주의의 파토스에 종속되는 레오나르도와 달리 서정적 시작은 합리적 시작과 명확하게 일치하여 Giorgione에서 그 자체로 놀라운 힘을 느낍니다. 동시에 Giorgione의 예술에서 자연, 자연 환경은 점점 더 중요한 역할을 하기 시작합니다.

여전히 조르조네가 풍경의 인물과 대상을 하나의 외부 전체로 연결하는 단일한 공기 환경을 묘사한다고 말할 수 없다면, 어쨌든 우리는 두 요소가 모두 포함된 비유적인 정서적 분위기를 주장할 권리가 있습니다. Giorgione에 살고 있는 캐릭터와 자연은 이미 배경과 그림 속 캐릭터 모두에 대해 광학적으로 공통된 분위기입니다.

Giorgione 자신과 그의 서클 모두 우리 시대까지 살아남은 작품은 거의 없습니다. 많은 속성이 논란의 여지가 있습니다. 그러나 1958년 베니스에서 열린 Giorgione과 Giorgionescos의 작품에 대한 첫 번째 전람회는 거장의 작품 범위에서 여러 가지 설명을 할 수 있을 뿐만 아니라 Giorgione에게 이전에 논란이 되었던 많은 작품들은 그의 작품 전체를 보다 완전하고 명확하게 캐릭터를 표현하는 데 도움이 되었습니다.

1505년 이전에 완성된 조르조네의 비교적 초기 작품에는 워싱턴 박물관의 목자들의 경배와 런던 국립 미술관의 동방박사의 경배가 포함됩니다. The Adoration of the Magi (London)에서는 잘 알려진 그림의 파편화와 극복 할 수없는 색상의 강성으로 캐릭터의 내면의 영적 세계를 전달하려는 주인의 관심이 이미 느껴집니다.

창의력의 초기 기간 Giorgione은 그의 멋진 작곡 "Madonna da Castelfranco"(c. 1505; Castelfranco, Cathedral)를 완성합니다. 그의 초기 작품과 성숙기의 첫 번째 작품에서 Giorgione은 장르 내러티브 라인과 함께 Quattrocento의 모든 예술과 마스터가 성취 한 업적에 대한 기념비적 인 영웅화 라인과 직접 연결됩니다. 전성기 르네상스의 일반화 기념비적 스타일이 우선적으로 의존했습니다. 따라서 "카스텔프랑코의 마돈나"에서 인물들은 북부 이탈리아 르네상스의 여러 거장들이 이 주제를 위해 채택한 전통적인 구성 체계에 따라 배열됩니다. Mary는 높은 받침대에 앉아 있습니다. 그녀의 오른쪽과 왼쪽에는 St. Francis와 Castelfranco Liberale시의 지역 성인이 시청자 앞에 서 있습니다. 그럼에도 불구하고 엄격하게 지어지고 기념비적이며 명확하게 읽을 수있는 구성으로 특정 위치를 차지하는 각 그림은 그 자체로 닫혀 있습니다. 전체 구성은 다소 엄숙하게 움직이지 않습니다. II, 동시에 넓은 구성의 편안한 인물 배치, 조용한 움직임의 부드러운 영성, Mary 자신의 시적 이미지는 날카로운 극적인 충돌의 구체화를 피하는 성숙한 Giorgione의 예술.

1505년부터 예술가의 창조적 성숙기가 시작되었고 곧 그의 치명적인 질병으로 중단되었습니다. 이 짧은 5년 동안 그의 주요 걸작인 "Judith", "Thunderstorm", "Sleeping Venus", "Concert" 및 몇 안되는 초상화가 만들어졌습니다. 이 작품에서 베네치아 학교의 거장들의 특징 인 유화의 구체적인 회화 적, 비 유적으로 표현 가능성이 드러납니다. 실제로 베네치아 화파의 특징은 유화의 발달이 우세하고 프레스코화의 발달이 미약하다는 점이다.

중세 시스템에서 르네상스 사실적인 그림으로의 전환에서 베네치아 사람들은 물론 모자이크를 거의 완전히 포기했으며 그 화려하고 장식적인 색상이 더 이상 새로운 예술적 작업을 완전히 충족시킬 수 없었습니다. 사실, 무지개 빛깔의 반짝이는 모자이크 그림의 증가 된 빛의 광채는 간접적으로 변형되었지만 항상 생생한 선명도와 빛나는 풍부한 색상에 끌린 베니스의 르네상스 그림에 영향을 미쳤습니다. 그러나 드문 예외를 제외하고 모자이크 기술 자체는 과거의 일이 되었어야했습니다. 기념비적 회화의 발전은 프레스코화, 벽화의 형태로 진행되거나 템페라와 유화의 발전을 기반으로 해야 했습니다.

습한 베네치아 기후의 프레스코는 아주 일찍 그 불안정성을 드러냈습니다. 따라서 젊은 Titian의 참여로 Giorgione이 실행 한 German Compound (1508)의 프레스코 화는 거의 완전히 파괴되었습니다. 습기로 망가진 반쯤 바랜 조각 몇 개만이 살아 남았습니다. 그중에는 Giorgione이 만든 거의 Praxitele 매력으로 가득 찬 벌거 벗은 여자의 모습이 있습니다. 따라서 적절한 의미에서 벽화의 위치는 특정 방을 위해 설계되고 유화 기법을 사용하여 수행되는 캔버스의 벽 패널이 차지했습니다.

유화는 프레스코화를 대체하는 가장 편리한 회화 기법이었을 뿐만 아니라 자연 환경과 밀접하게 연결된 사람의 이미지를 전달하려는 욕구, 사실적인 것에 대한 관심 때문에 베니스에서 특히 광범위하고 풍부한 발전을 이루었습니다. 눈에 보이는 세계의 색조와 색채의 풍부함은 유화 기법에서 특히 충만하고 유연하게 드러날 수 있습니다. 이와 관련하여 이젤 구성을위한 보드의 온도 페인팅은 큰 색상 강도, 분명히 빛나는 음향으로 귀중하지만 본질적으로 더 장식적이므로 필연적으로 밝은 색상과 공간 음영을보다 유연하게 전달하는 오일에 양보해야했습니다. 환경, 인체의 형태를 보다 부드럽고 낭랑하게 조각합니다. . 대규모 기념비적 구성 분야에서 상대적으로 거의 일하지 않은 Giorgione에게는 유화 고유의 이러한 가능성이 특히 중요했습니다.

이 기간의 Giorgione 작품의 줄거리 감각에서 가장 신비한 것 중 하나는 The Thunderstorm (Venice Academy)입니다.

"Thunderstorm"이 쓰여진 특정 음모에 대해 말하기는 어렵습니다.

그러나 우리에 대한 외부 음모 의미가 아무리 모호하더라도, 분명히 그 당시 그의 예술에 대한 세련된 감정가와 감정가도 결정적인 중요성을 부여하지 않은 것은 우리는 일종의 일종의 통해 예술가의 욕망을 분명히 느낍니다. 특정 마음의 특별한 상태를 재현하기 위한 이미지의 대비되는 병치 , 일반적인 분위기의 무결성을 특징으로 하는 감각의 모든 다재다능함과 복잡성과 함께. 아마도 이 원숙한 거장의 첫 번째 작품은 그의 후기 작품에 비해 여전히 지나치게 복잡하고 외적으로 혼란스러울 것이다. 그럼에도 불구하고 Giorgione의 성숙한 스타일의 모든 특징은 매우 명확하게 주장됩니다.

그림은 여전히 전경에 있지만 이미 풍경 환경 자체에 있습니다. 자연 생명의 다양성은 놀랍도록 미묘하게 보여집니다. 무거운 구름에서 번쩍이는 번개; 먼 도시에 있는 건물의 잿빛 벽; 강을 가로지르는 다리; 때로는 깊고 움직이지 않는 물, 때로는 흐르는 물; 구불구불한 길; 때로는 가늘고 연약하고 때로는 무성한 나무와 덤불, 전경- 열 조각. 이 이상한 풍경, 조합이 환상적이며 세부 사항과 일반적인 분위기가 매우 진실하며 어깨에 스카프를 두르고 아이에게 먹이를주고 어린 목동을하는 벌거 벗은 여자의 신비한 모습이 새겨 져 있습니다. 이 모든 이질적인 요소는 독특하고 다소 신비한 전체를 형성합니다. 화음의 부드러움, 폭풍 전 조명의 반 황혼 공기 특성에 싸인 것처럼 색상의 음소거 된 음향은 풍부한 관계와 톤의 그라데이션이 발전하는 특정 그림 적 통일성을 만듭니다. 청년의 주황빛이 도는 붉은 옷, 그의 반짝이는 초록빛이 도는 흰색 셔츠, 여자의 하얀 망토의 부드러운 푸르스름한 색조, 나무의 녹지의 청동색 올리브색, 이제는 깊은 웅덩이의 짙은 녹색, 이제는 강물이 반짝이고 있습니다. 급류, 구름의 무거운 납-청색 톤-모든 것이 가려져 있으며 동시에 매우 중요하고 엄청나게 신비한 빛으로 통합됩니다.

왜 그렇게 반대되는이 인물들이 멀리 떨어진 천둥의 갑작스런 메아리와 번쩍이는 번개 뱀으로 어쩐지 이해할 수 없을 정도로 결합되어 유령 같은 빛의 자연으로 비추고 조심스럽게 기대에 잠긴 이유를 말로 설명하기는 어렵습니다. "Thunderstorm"은 먼 천둥의 메아리에 의해 꿈에서 깨어난 인간 영혼의 절제된 흥분을 시적으로 깊이 전달합니다.

그림. pp. 256-257

고귀한 외모의 명백하고 투명한 아름다움 뒤에 숨겨진 사람의 내면의 영적 세계의 신비한 복잡성에 대한 이러한 느낌은 유명한 "Judith"(1504 년 이전, Hermitage, Leningrad)에서 표현됩니다. "Judith"는 공식적으로 성경적 주제에 대한 구성입니다. 더욱이 많은 Quattrocentists의 그림과 달리 주제에 대한 구성이지 일러스트레이션이 아닙니다. Quattrocento 마스터가 일반적으로했던 것처럼 마스터가 이벤트 개발의 관점에서 절정의 순간을 묘사하지 않는 것이 특징입니다 (Judith는 술취한 Holofernes를 칼로 때리거나 잘린 머리를 하녀와 함께 운반합니다).

떡갈 나무 캐노피 아래 고요한 일몰 전 맑은 풍경을 배경으로 날씬한 Judith는 난간에 기대어 신중하게 서 있습니다. 그녀의 모습의 부드러운 부드러움은 거대한 나무의 거대한 줄기와 대조를 이룹니다. 부드러운 진홍색 옷은 마치 지나가는 회오리 바람의 먼 메아리처럼 안절부절하게 부서지는 주름의 리듬으로 스며든다. 그녀의 손에는 끝이 뾰족한 커다란 양날의 검을 땅에 대고 있는데, 그 검의 차가운 빛과 직진성은 대조적으로 홀로페르네스의 머리를 짓밟는 반쯤 벗은 다리의 유연성을 강조합니다. 눈에 띄지 않는 반쯤 미소가 Judith의 얼굴에 스며듭니다. 이 구성은 평화로운 자연의 부드러운 선명함으로 일종의 음악 반주처럼 울려 퍼지는 차갑고 아름답고 맑은 젊은 여성 이미지의 모든 매력을 전달하는 것 같습니다. 동시에 칼의 차가운 칼날, 모티프의 예상치 못한 잔인 함-죽은 머리를 짓밟는 부드러운 맨발-이 겉보기에 조화 롭고 거의 목가적 인 분위기에 일종의 모호한 불안과 불안을 가져다줍니다. 그림.

물론 전체적으로는 몽환적인 분위기의 맑고 차분한 순수함이 지배적인 동기로 남아 있다. 그러나 이미지의 행복과 검의 동기와 짓밟힌 머리의 신비한 잔인 함,이 이중 분위기의 거의 수수께끼 같은 복잡성은 현대 시청자를 혼란스럽게 만듭니다. 그러나 조르조네의 동시대인들은 명암의 잔혹함(르네상스 인본주의는 결코 지나치게 예민하지 않았다)에 덜 충격을 받았고, 멀리 떨어진 폭풍과 극적인 갈등의 메아리를 미묘하게 전달하는 데 매력을 느꼈습니다. 꿈꾸듯 꿈꾸는 아름다운 인간 영혼의 행복한 상태.

사람의 이미지에서 그는 개별적으로 표현된 성격의 고유한 힘과 밝기에 그다지 관심이 있는 것이 아니라 미묘하게 복잡하고 동시에 완벽한 사람의 조화롭게 통합된 이상에 관심이 있다는 것이 Giorgione의 특징입니다. , 더 정확하게는 사람이 거주하는 영적 상태의 이상입니다. 따라서 그의 구성에는 캐릭터의 초상화 특이성이 거의 없으며 일부 예외 (예 : 미켈란젤로)는 이탈리아 르네상스 대부분의 거장들의 기념비적 구성에 존재합니다. 더욱이 Giorgione의 작곡 자체는 어느 정도 기념비적이라고 할 수 있습니다. 일반적으로 크기가 작습니다. 그들은 많은 사람들에게 전달되지 않습니다. 조르조네의 세련된 뮤즈 -베네치아 사회의 인본주의 엘리트들의 미적, 도덕적 세계를 가장 직접적으로 표현한 예술이다. 미묘하고 복잡하게 발달된 내면의 영적 세계를 가진 예술 감정가가 장기간의 차분한 사색을 위해 디자인한 그림들입니다. 이것은 주인의 특별한 매력인 동시에 그의 특정한 한계이기도 하다.

문학에서 조르조네의 예술의 의미를 그 당시 베니스의 인본주의적으로 깨달은 이 작은 귀족 엘리트만의 이상 표현으로 축소하려는 시도가 종종 있습니다. 그러나 이것은 전적으로 사실이 아니며 오히려 그 뿐만이 아닙니다. 조르조네 예술의 객관적인 내용은 그의 작품이 직접적으로 연결되어 있는 좁은 사회 계층보다 훨씬 더 광범위하고 보편적입니다. 인간 영혼의 세련된 고귀함의 느낌, 환경, 주변 세계와 조화롭게 사는 사람의 아름다운 이미지의 이상적인 완성을 향한 노력도 문화 발전에 큰 진보적 의미를 가졌습니다.

언급했듯이 초상화 선명도에 대한 관심은 Giorgione의 작업의 특징이 아닙니다. 이것은 고전의 이미지와 같은 그의 캐릭터를 전혀 의미하지 않습니다. 고대 예술, 특정 독창성이 없습니다. 이것은 잘못된 것입니다. 초기 Adoration of the Magi의 동방 박사와 The Three Philosophers(c. 1508)의 철학자들은 나이뿐만 아니라 외모도 서로 다릅니다. 그럼에도 불구하고 이미지의 모든 개인차를 가진 철학자는 주로 독특하고 밝으며 초상 성격의 개인이 아니라 세 시대의 이미지 (젊은이, 성숙한 남편 및 노인)로 인식됩니다. ), 그러나 다양한 측면의 구체화로서 인간 정신의 다양한 측면.

일종의 이상과 생활의 종합 특정한 사람 Giorgione의 초상화입니다. 가장 특징적인 것 중 하나는 Antonio Brocardo(c. 1508-1510, Budapest, Museum)가 그린 놀라운 초상화입니다. 물론 고귀한 청년의 개별 초상화 특징이 정확하고 명확하게 전달되지만 분명히 부드러워지고 완벽한 사람의 이미지에 종속됩니다.

청년의 자유분방한 손놀림, 헐렁한 옷 아래 반쯤 가려진 몸에서 느껴지는 에너지, 창백하고 거무스름한 얼굴의 고상한 아름다움, 강인하고 가느다란 목에 숙인 머리, 그 윤곽의 아름다움 탄력적으로 윤곽이 잡힌 입, 보는 사람에게서 멀어지는 시선의 사려 깊은 꿈결-이 모든 것이 사람의 깊고 맑고 차분한 생각으로 포착 된 고귀한 힘으로 가득 찬 이미지를 만듭니다. 고요한 바다가있는 만의 부드러운 곡선, 엄숙하고 차분한 건물이있는 조용한 산간 해안은 풍경 배경을 형성하며 항상 Giorgione과 마찬가지로 주요 인물의 리듬과 분위기를 일관되게 반복하지 않지만 간접적으로 이 분위기와 일치합니다.

얼굴과 손의 잘려진 조각의 부드러움은 어쩐지 레오나르도의 스푸마토를 연상시킨다. Leonardo와 Giorgione은 인체 형태의 소성적으로 명확한 건축학을 부드러운 모델링과 결합하여 플라스틱 및 chiaroscuro 음영의 풍부함을 전달할 수 있는 문제를 동시에 해결했습니다. 인체. Leonardo에서 그것이 오히려 빛과 어둠의 그라데이션, 형태의 가장 미세한 음영이라면 Giorgione sfumato에서 특별한 성격을 가지고 있습니다. 그림의 전체 공간을 채우는 부드러운 빛의 흐름. 따라서 조르조네의 스푸마토 역시 16세기 베네치아 회화의 특징인 색과 빛의 상호 작용을 전달합니다. 그의 소위 Laura의 초상화 (c. 1505-1506; Vienna)가 다소 평범하다면 그의 다른 여성 이미지는 본질적으로 이상적인 아름다움의 구체화입니다.

Giorgione의 초상화는 Venetian, 특히 전성기 르네상스의 초상화 인 Titian의 놀라운 발전을 시작합니다. Giorgione 초상화의 특징은 Titian에 의해 더욱 발전될 것입니다. 그러나 Titian은 Giorgione과 달리 묘사된 인간 캐릭터의 개별적 고유성에 대한 훨씬 더 날카롭고 강한 감각, 세계에 대한 보다 역동적인 인식을 가지고 있습니다.

Giorgione의 작업은 그의 "Sleeping Venus"(c. 1508-1510; Dresden)와 Louvre "Concert"의 두 작품으로 끝납니다. 이 그림들은 미완성 상태로 남아 있었고, 풍경 배경은 조르조네의 어린 친구이자 학생인 위대한 티치아노가 완성했습니다. 또한 '잠자는 비너스'는 다수의 손상과 복원 실패로 인해 회화적 특성을 일부 잃었다. 그러나 그럴지라도 인간의 육체적, 영적 아름다움의 통일성에 대한 이상이 인본주의 적 충만 함과 거의 고대의 명확함으로 드러났습니다.

고요한 잠에 빠진 벌거 벗은 비너스가 시골 풍경을 배경으로 그려져 있으며, 언덕의 차분하고 부드러운 리듬이 그녀의 이미지와 조화를 이룹니다. 흐린 분위기는 모든 윤곽을 부드럽게 하고 동시에 형태의 플라스틱 표현력을 보존합니다.

전성기 르네상스의 다른 창조물과 마찬가지로 George 's Venus는 완벽한 아름다움으로 닫혀 있으며 그 아름다움과 조화를 이루는 시청자와 주변 자연의 음악 모두에서 소외되었습니다. 그녀가 조용한 수면의 맑은 꿈에 빠져있는 것은 우연이 아닙니다. 머리 뒤에 던져진 오른손은 몸을 감싸고 모든 형태를 하나의 부드러운 윤곽으로 닫는 단일 리드미컬한 곡선을 만듭니다.

고요하게 가벼운 이마, 차분하게 아치형 눈썹, 부드럽게 내려간 눈꺼풀, 아름답고 엄격한 입가는 말로 표현할 수없는 투명한 순수함의 이미지를 연출합니다. 모든 것이 그 수정같은 투명함으로 가득 차 있는데, 그것은 맑고 흐려지지 않은 영혼이 완전한 육체 속에 살아 있을 때에만 성취될 수 있는 것입니다.

"Country Concert"(c. 1508 -1510; Louvre)는 차분하고 엄숙한 풍경을 배경으로 웅장한 옷을 입은 두 명의 청년과 두 명의 나체 여성 그룹을 묘사합니다. 둥근 나무 면류관, 습한 구름의 차분하고 느린 움직임은 옷의 자유로운 넓은 리듬과 젊은 남성의 움직임, 벌거 벗은 여성의 호화로운 아름다움과 놀랍도록 조화를 이룹니다. 시간이 지남에 따라 어두워지는 옻칠은 그림을 따뜻하고 거의 뜨거운 황금색으로 만들었습니다. 사실 그의 그림은 원래 균형잡힌 전체적인 톤이 특징이었다. 그것은 절제된 차갑고 적당히 따뜻한 톤의 정확하고 미묘한 조화로운 병치에 의해 달성되었습니다. 정확하게 포착된 대조를 통해 획득한 바로 이 미묘하고 복잡한, 일반적인 톤의 부드러운 중립성은 음영의 복잡한 차이와 색채 전체의 명료성 사이의 조르조네의 통일성 특성을 만들었을 뿐만 아니라 다소 부드러워졌습니다. 장엄한 아름다움과 삶의 향유에 대한 관능적인 찬가, 그것이 이 그림에 구현되어 있습니다. .

조르조네의 다른 작품들보다 '컨트리 콘서트'는 티치아노의 모습을 더 많이 준비하는 것 같다. 동시에 조르조네의 이번 후기 작품의 의의는 말하자면 그 준비적 역할에 있을 뿐만 아니라, 19세기에 그 누구도 반복하지 않았던 이 작가 작품의 본연의 매력을 다시 한 번 드러낸다는 점에 있다. 미래. 티치아노에 있는 관능적인 기쁨은 인간의 행복, 즐거움에 대한 자연스러운 권리에 대한 밝고 경쾌한 찬송가처럼 들립니다. Giorgione에서 동기의 관능적 인 기쁨은 삶에 대한 전체 론적 관점의 명확하고 깨달은 균형 잡힌 조화에 종속되는 꿈꾸는 묵상으로 부드러워집니다.

따라서이 전체 구성의 채색은 전체적으로 중립적이므로 아름다운 생각에 잠긴 여성의 움직임이 너무 차분하게 억제되어 두 청년의 호화로운 가운의 색상이 흐릿하게 들리므로 둘 다 그다지 변하지 않습니다. 조용한 음악 세계에 빠져있는 여자 친구의 아름다움을 생각하는 것 : 그들은 아름다움이 그녀의 입술에서 빼앗아 간 플루트의 부드러운 소리에 침묵했습니다. 젊은 남자의 손에서 류트 현의 화음이 부드럽게 들립니다. 멀리서 나무 덩어리 아래에서 목자가 양을 방목하는 백파이프의 둔한 소리가 거의 들리지 않습니다. 두 번째 여성은 대리석 우물에 기대어 투명한 유리 용기에서 흘러나오는 제트기의 조용한 중얼거림을 듣습니다. 이 치솟는 음악의 분위기, 멜로디의 세계에 대한 몰입은 명확하고 시적인 관능적으로 아름다운 존재의 기쁨에 대한 비전에 특별한 고귀한 매력을 부여합니다.

Leonardo, Raphael, Michelangelo와 같은 Titian의 작품은 전성기 르네상스 예술의 정점을 표시합니다. Titian의 작품은 인류 예술 유산의 황금 기금에 영원히 들어갔습니다. 이미지의 사실적 설득력, 인간의 행복과 아름다움에 대한 인본주의적 믿음, 넓고 유연하며 거장의 회화계획에 순응하는 것이 그의 작품의 특징이다.

전통적인 데이터에 따르면 Cadore의 Tiziano Vecellio는 1477년에 태어나 1576년 전염병으로 사망했습니다. 최근 연구에 따르면 생년월일은 여러 연구자들에 의해 1485-1490년으로 추정됩니다.

미켈란젤로처럼 Titian은 장수했습니다. 최근 몇십 년그의 작품은 역사적 발전의 다음 단계를 위해 유럽 사회의 깊은 곳에서 준비되는 조건에서 후기 르네상스 분위기에서 발생합니다.

후기 르네상스 시대에 자본주의 관계의 추가 발전의 주요 경로에서 벗어난 이탈리아는 역사적으로 단일 국가를 만들 수 없었고 외세의 지배를 받았으며 봉건 가톨릭 반동의 주요 거점이되었습니다. . 이탈리아의 진보 세력은 계속해서 존재했고 문화 분야(캄파넬라, 지오다노 브루노)에서 느껴졌지만 그들의 사회적 기반은 너무 약했습니다. 따라서 예술의 새로운 진보적 아이디어에 대한 일관된 승인, 사실주의의 새로운 예술적 시스템의 창조는 자유와 부분적으로 웰빙을 유지한 베니스를 제외하고 이탈리아 대부분의 지역에서 특별한 어려움을 겪었습니다. 동시에 현실적인 장인 정신의 높은 전통, 르네상스의 150년 발전의 인본주의적 이상의 폭이 이 예술의 미학적 완성도를 결정했습니다. 이러한 조건 하에서 티치아노 후기의 작품은 전성기 르네상스의 주요 성과를 가공·발전시키는 동시에 진보적 사실주의 예술의 한 예를 제시한다는 점에서 주목할 만하다. 역사적 발전의 다음 단계.

교황의 권력과 외국 개입주의자들의 지배로부터 베네치아가 자유로워진 덕분에 티치아노가 직면한 과제를 쉽게 해결할 수 있었습니다. 베니스의 사회적 위기는 이탈리아의 다른 지역보다 늦게 발생했으며 다른 형태를 취했습니다. II 베네치아 과두제 공화국의 "자유"를 과장하지 않는다면, 그럼에도 불구하고 문화의 세속적 성격의 보존, 당분간 경제적 복지의 일정 부분의 보존은 국가의 발전에 긍정적인 영향을 미쳤습니다. 예술, 전반적으로 전반적인 성장과 반응의 강화는 베니스에서 느껴졌습니다.

1540년대까지 티치아노의 작품 전성기 르네상스의 예술적 이상과 완전히 연결되어 있습니다. 1540-1570년대 베니스가 위기의 시기에 접어들자 티치아노는 르네상스의 진보된 사상의 관점에서 볼 때 인간의 새로운 사회적 지위, 이탈리아 발전을 위한 새로운 사회적 조건을 대담하고 성실하게 보여줍니다. Titian은 추악하고 인간의 존엄성에 적대적인 모든 것에 대해 단호하게 항의합니다. 이탈리아에 다가온 반응의 시간이 가져 오는 모든 것에 대해 이탈리아 국민의 더 이상의 사회적 진보를 방해하고 지연시킵니다. 사실, Titian은 그 시대의 삶의 사회적 조건에 대한 상세하고 직접적인 성찰과 비판적 평가의 직접적인 임무를 설정하지 않았습니다. 사실주의 역사의 질적으로 새로운 단계는 훨씬 나중에 왔으며 예술에서만 진정한 발전을 이루었습니다. 19세기.

Titian의 작업에서 두 가지 주요 단계를 구분할 수 있습니다. Titian-높은 르네상스의 거장 (그리고 첫 번째 단계에서는 초기 "Georgionev 기간"-최대 1515/16을 구별해야 함) Titian-약에서 시작 1540년대 - 후기 르네상스의 거장. 인간의 조화로운 아름다움과 완벽함에 대한 그의 생각에서 첫 번째 기간의 Titian은 그의 위대한 전임자이자 더 오래된 동시대 인 Giorgione의 전통을 크게 이어갑니다.

그의 작품에서 예술가는 Giorgione과 전체 Venetian 학교의 특징적인 독특한 회화 문제를 개발하고 심화시킵니다. 형태의 부드러운 모델링과 Giorgione 색상의 부드럽고 절제된 차가운 광채에서 창의적 성숙기, 즉 1515-1516년의 강력하고 빛으로 가득 찬 색채 교향곡으로 점진적으로 전환되는 것이 특징입니다. 이 기간 동안 동시에 Titian은 인간의 아름다움에 대한 이해와 베네치아 회화 언어의 정서적 및 비 유적 구조에 새롭고 매우 중요한 음영을 도입했습니다.

Titian의 영웅은 Giorgione의 영웅보다 덜 세련되었을 수 있지만 덜 신비스럽고 더 온전하고 활동적이며 더 통합적이며 명확하고 관능적 인 "이교도"시작으로 더 가득 차 있습니다. 사실, 오랫동안 Giorgione의 것으로 알려진 그의 "Concert"(Florence, Pitti Gallery)는 여전히이 거장과 정신이 매우 가깝습니다. 그러나 여기서도 구성은 그 리듬에서 보다 자연스럽게 단순하며, 맑고 행복한 존재의 관능적 충만감은 이미 티치아노의 그늘을 지니고 있습니다.

"Love on Earth and Heaven"(1510s; Rome, Galleria Borghese)은 Titian의 첫 번째 작품 중 하나로 예술가의 독창성이 분명하게 드러납니다. 그림의 줄거리는 여전히 신비합니다. 옷을 입고 벌거 벗은 여성이 Medea와 Venus의 만남 (1467 년에 쓰여진 문학적 우화 "The Dream of Polyphemus"의 에피소드)을 묘사하는지 여부에 관계없이 지상과 하늘의 사랑을 상징하는 것은 콘텐츠를 이해하는 열쇠입니다. 이 작품의 핵심은 스토리텔링이 아니다. Titian의 목표는 특정 마음 상태를 전달하는 것입니다. 풍경의 부드럽고 차분한 색조, 벌거 벗은 몸의 신선함, 아름답고 다소 차가운 옷 색깔의 맑은 울림 (색상의 황금색 황색은 시간의 결과)이 차분한 기쁨의 인상을줍니다. 두 인물의 움직임은 장엄하게 아름답고 동시에 생기 넘치는 매력으로 가득 차 있습니다. 우리 뒤로 펼쳐지는 풍경의 잔잔한 리듬은 그대로 아름다운 인체 움직임의 자연스러움과 고귀함을 발산한다.

이 평온함과 세련된 묵상은 그의 "Assunta"- "Ascension of Mary"(1518; Church of Santa Maria Gloriosa dei Frari in Venice)에 없습니다. 그녀의 여성적 아름다움의 전성기에 아름다웠던 기뻐 흥분한 마리아와 그녀를 바라보는 감탄의 눈길을 돌린 강하고 용감하고 아름다운 사도들의 병치에는 비범한 낙관적 에너지와 활력이 스며든다. 더욱이 "Assunta"는 전체 비 유적 구조의 영웅적으로 기념비적 인 특성으로 구별됩니다. 1516-1518년 이후 티치아노의 작품에 내재된 영웅적 낙관주의는 캉브레 동맹과 그 이후의 투쟁 중에 나타난 도시의 활력에 의해 야기된 베니스의 영적 사회적 삶의 전반적인 고조와 관련이 있는 것으로 보입니다. 소위 홀리 리그의 전쟁. 그의 "Bacchanalia", 특히 "Bacchus and Ariadne"(1532)에는 "조지오적인 침묵"이 없습니다. 이 그림은 자신을 주장하는 인간 감정의 아름다움과 힘에 대한 흥분된 찬송가로 인식됩니다.

그림의 구성은 전체론적이며 주의를 산만하게 하는 보조 장면과 세부 사항이 없습니다. 기뻐서 기뻐하는 Bacchus는 넓고 자유로운 몸짓으로 Ariadne에게 연설합니다. 뜨거운 색상, 빠른 움직임의 아름다움, 불안한 풍경, 분위기와 일치하는 것이이 그림의 특징입니다.

존재의 기쁨에 대한 확언은 Titian의 Venus(c. 1538; Uffizi)에서 생생하게 표현됩니다. 그것은 조르조네의 비너스보다 덜 숭고할 수 있지만 이 가격으로 이미지의 더 직접적인 활력을 얻을 수 있습니다. 줄거리 모티프에 대한 구체적이고 거의 장르 기반의 해석은 인상의 즉각적인 활력을 높이는 동시에 아름다운 여성 이미지의 시적 매력을 감소시키지 않습니다.

Titian의 베니스는 당시의 고급 문화와 과학의 중심지 중 하나였습니다. 무역 관계의 폭, 축적된 부의 풍부함, 조선 및 항해 경험, 공예의 발전은 기술 과학, 자연 과학, 의학 및 수학의 번영을 결정했습니다. 독립의 보존과 정부의 세속적 성격, 인본주의 전통의 활력은 철학과 예술 문화, 건축, 회화, 음악 및 서적 인쇄의 높은 개화에 기여했습니다. 베니스는 가장 큰 센터유럽 출판 활동. 베니스의 선진 문화는 가장 저명한 문화 인물의 상대적으로 독립적인 위치, 높은 지적 명성을 특징으로 합니다.

특별한 사회 계층을 형성하는 지식인의 최고의 대표자들은 밀접하게 짜여진 원을 형성했으며 가장 두드러진 대표자 중 하나는 Titian이었습니다. 그와 가까운 사람은 저널리즘의 창시자, 작가, 홍보인, "폭군의 뇌우"인 Aretino와 Jacopo Sansovino였습니다. 동시대 사람들에 따르면 그들은 도시의 문화 생활의 입법자였던 일종의 승리자를 형성했습니다. 목격자가 Titian이 친구들과 보낸 저녁 중 하나를 설명하는 방법은 다음과 같습니다. 일몰 전에 Titian과 그의 손님들은 "정원의 진정한 아름다움과 매력에 대해 토론하면서 집을 가득 채운 생생한 이미지와 가장 아름다운 그림을 생각하며 모든 사람에게 큰 기쁨과 놀라움을 안겨주었습니다. 바다 위의 베니스 외곽에. 그곳에서 무라노 제도와 다른 아름다운 곳을 볼 수 있습니다. 바다의 이 부분은 해가 지자마자 수천 대의 곤돌라로 가득 찼습니다. 가장 아름다운 여성으로 장식되어 있고 음악과 노래의 황홀한 하모니가 울려 퍼지며 자정까지 우리의 즐거운 저녁 식사를 함께했습니다.

그러나 이 시기에 티치아노의 작품을 삶의 감각적 향유를 미화하는 것으로 축소하는 것은 잘못된 것입니다. Titian의 이미지는 일반적으로 르네상스 예술과는 다른 어떤 종류의 생리학도 없습니다. 베스트 룩 Titian은 육체적으로뿐만 아니라 정신적으로도 아름답습니다. 그들은 감정과 생각의 통일성, 인간 이미지의 고귀한 영성이 특징입니다.

따라서 그리스도와 바리새인을 묘사한 그의 그림("카이사르의 데나리우스", 1515-1520; 드레스덴 갤러리)에서 그리스도는 조화롭게 완벽하지만 실재하며 전혀 신성한 사람이 아닌 것으로 이해됩니다. 그의 손짓은 자연스럽고 고상하다. 그의 표정이 풍부하고 아름다운 얼굴은 가벼운 영성을 가지고 있습니다.

이 명확하고 깊은 영성은 Pesaro Madonna (1519-1526; Santa Maria Gloriosa dei Frari 교회)의 인물과 제단 구성에서 느껴집니다. 그 안에서 주인은 겉보기에 유일한 의식 장면의 참가자들에게 영적 힘의 명확한 균형과 풍부한 영적 삶을 부여했습니다. Mary의 빛나는 흰색 베일, 파란색, 체리, 카민, 옷의 황금색 톤, 녹색 카펫과 같은 구성 색상 코드의 주요 음파가 그림을 외부 장식적인 광경으로 바꾸지 않는 것이 특징입니다. 사람들의 이미지. 반대로 그림의 영역은 묘사된 캐릭터의 밝고 다채롭고 표현력이 풍부한 캐릭터와 완벽한 조화를 이룹니다. 소년의 머리가 특히 매력적입니다. 절제된 발랄함으로 시청자를 향해 고개를 돌린 그의 눈빛은 젊은 관심그리고 삶에 대한 관심.

극적인 성격의 주제는 이 기간의 티치아노에게 낯설지 않았으며, 이는 최근 베니스가 경험한 어려운 투쟁에서 힘의 긴장을 배경으로 자연스러웠습니다. 분명히, 이 영웅적 투쟁의 경험과 그와 관련된 시련은 Titian이 그의 Louvre Entombment(1520년대)에서 구현한 완전한 용감한 힘과 슬픔에 잠긴 파토스의 장엄함을 성취하는 데 크게 기여했습니다.

죽은 그리스도의 아름답고 강한 몸은 시청자의 상상 속에서 인간의 죄를 속죄하기 위해 목숨을 바친 자발적인 고통자가 아니라 전투에 빠진 용감한 전사 영웅의 아이디어를 불러 일으 킵니다. 그림의 절제된 뜨거운 채색, 타락한 몸을 짊어진 강한 용감한 사람들의 움직임의 힘과 느낌의 힘, 캔버스의 전체 평면을 채우는 인물이 전면에 등장하는 구성의 매우 조밀함 , 그림에 영웅적인 소리를 부여하여 전성기 르네상스 예술의 특징입니다. 이 작품에는 모든 드라마에 대해 절망감이나 내부 붕괴가 없습니다. 이것이 비극이라면 현대적 관점에서 보면 고통 속에서도 인간 정신의 강인함과 아름다움, 고귀함을 찬양하는 낙관적 비극이다. 이것은 나중에 마드리드 "관에 누워"(1559)의 완전한 절망적 슬픔과 구별됩니다.

루브르 박물관의 "매장", 특히 "성 베드로 암살"에서 순교자 표트르'(1528-1530)는 티치아노가 자연의 분위기와 묘사된 영웅들의 경험 사이의 연관성을 전달하면서 이룬 새로운 단계가 주목할 만하다. The Entombment의 일몰의 우울하고 위협적인 음색, The Assassination of St. John의 나무를 뒤흔드는 폭풍우 같은 회오리 바람이 바로 그런 것입니다. 베드로”, 이 무자비한 열정의 폭발, 살인자의 분노, 베드로의 절망과 매우 일치합니다. 이 작품에서 자연의 상태는 사람들의 행동과 열정에 의해 발생합니다. 이런 점에서 자연의 생명은 여전히 "세계의 주인"으로 남아 있는 인간에게 종속되어 있습니다. 나중에 Titian 후기, 특히 Tintoretto에서 우주의 기본 세력의 혼돈의 구체화로서의 자연의 삶은 인간과 독립적이고 종종 인간에게 적대적인 존재의 힘을 얻습니다.

"사원 소개"(1534-1538: 베니스 아카데미)라는 구성은 티치아노의 작업에서 두 기간의 경계에 있으며 내부 연결을 강조합니다. 마돈나 페사로와 비교할 때 이것은 그룹 장면의 숙달에서 다음 단계입니다. 밝고 강한 캐릭터는 모든 명확성으로 나타나며 진행중인 이벤트에 대한 공통 관심사로 통합된 통합 그룹을 형성합니다.

언뜻 보기에 명확한 일관된 구성이 사건에 대한 자세한 내러티브와 완벽하게 결합됩니다. Titian은 장엄한 풍경을 배경으로 마리아 가족의 친척과 친구에서 호기심 많은 사람들로 청중의 관심을 일관되게 전환 한 다음 계단을 오르는 소녀 Mary의 작은 모습으로 잠시 멈 춥니 다. 성전 계단에서. 동시에 그녀가 서있는 계단의 플랫폼은 마리아 자신의 움직임이 멈춤에 따라 올라가는 계단에서 멈춤을 만듭니다. 그리고 마지막으로 대제사장과 그의 동료들의 장엄한 인물로 구성이 끝납니다. 전체 그림은 축제의 정신과 행사의 의미로 가득 차 있습니다. 계란을 파는 노파의 이미지는 1530 년대 예술가의 여러 작품과 "우르비노의 비너스"그림에서 가슴을 뒤지는 하인의 이미지에 전형적인 중요한 민속 육즙으로 가득 차 있습니다. (우피치). 따라서 Titian은 즉각적인 활력을 도입하여 작곡의 장엄한 기쁨을 부드럽게합니다.

Titian은 초상화에서 그의 존재의 모든 활력으로 주어진 육체적으로나 영적으로 아름다운 사람의 이상을 가장 완벽하게 구현합니다. 장갑이 찢어진 청년의 초상(1515-1520; 루브르 박물관)입니다. 이 초상화에서는 개인의 유사성이 완벽하게 전달되지만 작가의 주된 관심은 사람의 외모에 대한 사적인 세부 사항이 아니라 일반적으로 그의 이미지의 가장 특징적인 부분에 끌립니다. Titian은 개성의 개별 독창성을 통해 르네상스 남성의 일반적인 특징을 드러냅니다.

넓은 어깨, 강하고 표현력이 풍부한 팔, 자유로운 자세의 우아함, 칼라에서 무심코 풀린 흰 셔츠, 생동감 넘치는 눈이 돋보이는 거무스름한 동안 얼굴은 청춘의 상큼함과 매력이 가득한 이미지를 연출한다. 캐릭터는 삶의 모든 자발성과 함께 전달되지만 이러한 특징에서 행복한 사람의 주된 자질과 독특한 조화, 고통스러운 의심과 내부 불화를 모르는 사람이 드러납니다.

이 기간에는 다소 차가운 우아함 "Violanta"(비엔나)와 그림 같은 특성화의 자유와 이미지의 고귀함에 놀란 Tommaso Mosti (Pitti)의 초상화도 포함됩니다.

그러나 초상화에서 뛰어난 완성도를 가진 Titian이 강한 의지의 에너지와 의식적인 지능으로 가득 찬 영웅적인 활동이 가능한 르네상스 남자의 이미지를 전달했다면 Titian의 초상화에서 특징적인 인간 삶의 새로운 조건이있었습니다. 후기 르네상스는 그들의 깊은 성찰을 발견했습니다.

이폴리토 리미날디(Ippolito Riminaldi)의 초상화(피렌체, 피티 갤러리)는 1540년대에 나타난 심오한 변화를 포착할 수 있는 기회를 제공합니다. 티치아노의 작품에서 리미날디의 갸름한 얼굴에 부드러운 턱수염으로 둘러싸인 얼굴에는 복잡한 현실 모순과의 투쟁이 흔적을 남겼습니다. 이 이미지는 셰익스피어의 햄릿 이미지와 어느 정도 공명합니다.

1540년대부터 르네상스 후기에 제작된 티치아노의 초상화는 캐릭터의 복잡성, 열정의 강도에 정확히 놀랐습니다. 그가 대표하는 사람들은 닫힌 균형 상태 또는 고전 르네상스 이미지의 특징인 단순하고 완전한 열정의 충동에서 나왔습니다. 이 새로운 시대의 전형적인 복잡하고 모순적인 이미지, 캐릭터, 종종 강하지만 종종 추악한 묘사는 초상화에 대한 Titian의 공헌입니다.

이제 Titian은 전성기 르네상스의 전형이 아닌 이미지를 만듭니다. Julius II Raphael의 초상화 구성을 외적으로 연상시키는 그의 Paul III (1543; Naples)입니다. 그러나이 유사성은 단지 강조합니다 심오한 차이이미지. Julius의 머리는 객관적인 평온함으로 묘사됩니다. 특징적이고 표현력이 풍부하지만 초상화 자체에는 우선이 사람의 특징 인 캐릭터의 주요 특징이 전달됩니다.

집중하고 사려 깊은 의지가 강한 얼굴은 의자 손의 팔에 권위있게 누워 침착하게 대응합니다. Pavel의 손은 열렬히 긴장하고 망토의 주름은 움직임으로 가득 차 있습니다. 노인의 처진 육식 턱으로 머리를 어깨에 약간 가라 앉히고 조심스러운 교활한 눈으로 초상화에서 우리를 바라 봅니다.

이 시대의 Titian 이미지는 본질적으로 모순되고 극적입니다. 캐릭터는 셰익스피어의 힘으로 전달됩니다. 셰익스피어에 대한 이러한 친밀감은 Paul이 그의 조카인 Ottavio 및 Alessandro Farnese(1545-1546; Naples, Capodimonte Museum)와 함께 묘사하는 그룹 초상화에서 특히 두드러집니다. 오타비오를 화나고 의심스럽게 바라보는 노인의 안절부절 못하는 경계, 알레산드로의 외모의 대표적인 진부함, 나름대로 대담하지만 차갑고 잔인한 위선자인 젊은 오타비오의 비굴한 아첨이 인상적인 장면을 연출한다. 드라마에서. 르네상스 리얼리즘에 의해 자란 사람 만이이 사람들의 독특한 힘과 에너지를 무자비하게 진실되게 보여주고 동시에 그들의 성격의 본질을 드러내는 것을 두려워 할 수 없었습니다. 그들의 잔인한 이기주의, 부도덕한 개인주의는 그들의 비교와 충돌을 통해 주인에 의해 극도로 정밀하게 드러난다. Titian이 실제로 처음으로 예술에서 널리 발전된 그룹 초상화 장르로 전환하게 만든 사람들 간의 복잡한 관계 불일치를 반영하여 비교를 통해 캐릭터를 드러내는 데 관심이있었습니다. 17세기.

후기 티치아노의 사실적인 초상화 유산의 가치, 사실주의 원칙의 보존 및 발전에 대한 그의 역할은 티치아노의 초상화를 그의 현대 매너리스트 초상화와 비교할 때 특히 분명합니다. 실제로 Titian의 초상화는 Parmigianino 또는 Bronzino와 같은 예술가의 초상화 원칙에 강력하게 반대합니다.

매너리즘의 대가에서 초상화는 주관주의적인 분위기, 매너있는 양식화로 가득 차 있습니다. 사람의 이미지는 얼어 붙은 부동성과 다른 사람들과의 일종의 냉담한 소외 또는 신경질적으로 뾰족하고 표면적으로 예술적 특성의 관점에서 그들에 의해 제공됩니다. 두 경우 모두 본질적으로 사람의 성격, 영적 세계에 대한 진실한 공개는 배경으로 밀려납니다. Titian의 초상화는 르네상스 초상화의 사실적인 라인을 계속하고 심화한다는 점에서 놀랍습니다.

이것은 특히 안락 의자에 앉아있는 Charles V의 초상화 (1548, 뮌헨)에서 분명하게 볼 수 있습니다. 이 초상화는 결코 기념 공식 바로크 초상화의 전신이 아닙니다. 그것은 예술가가 분석하는 무자비한 사실주의와 충돌합니다. 내면 세계사람, 사람 및 정치가로서의 속성. 이것에서 그는 Velasquez의 최고의 초상화와 비슷합니다. 이 복잡하고 잔인하며 위선적으로 교활하고 동시에 의지가 강하고 지적인 사람의 특성화의 다채로운 힘은 플라스틱 무결성과 그림 같은 밝기로 구별됩니다.

Mühlberg 전투(1548, Prado)에서 묘사된 Charles V의 기마 초상화에서 황제의 심리적 특성의 강점은 기념비적이며 장식적이고 생생하게 사실적인 그림 솔루션의 탁월함과 결합됩니다. 이 초상화는 뮌헨 초상화와 달리 실제로 바로크 시대의 대규모 의식 초상화의 선구자입니다. 동시에 17 세기 사실주의의 거장 Velasquez의 대형 초상화 구성과의 연속적인 연결이 그다지 분명하게 느껴지지 않습니다.

이러한 초상화와 달리 Titian은 구성의 단순성(일반적으로 중립 배경의 절반 길이 또는 세대 이미지)으로 표시되는 여러 다른 작업에서 캐릭터의 밝고 전체론적인 공개에 주의를 집중합니다. , 예를 들어 Aretino (1545; Pitti)의 초상화에서와 같이 때때로 거친 에너지는 성급한 에너지, 건강 및 냉소적 인 마음,이 놀랍고 그 시대의 베니스의 특징 인 쾌락과 돈에 대한 탐욕을 완벽하게 전달합니다. 사람. 여러 코미디의 창작자 인 Pietro Aretino는 재치 있고 항상 완벽하게 괜찮은 단편 소설과 시는 아니지만 주로 그의 "판단", 반 농담 예측, 대화, 편지, 널리 출판되고 본질적으로 작품을 대표하는 것으로 유명했습니다. 자유 사상과 인본주의에 대한 밝고 열정적 인 방어, 위선을 조롱하고 모든 유럽의 "강력한 사람들"에 대한 노골적인 협박과의 반응이 결합 된 기괴한 저널리즘 성격의. 저널리즘 및 출판 활동과 잘 알려지지 않은 갈취로 인해 Aretino는 진정한 왕자 생활 방식을 이끌 수있었습니다. 관능적 인 쾌락에 대한 욕심이 많은 Aretino는 동시에 미묘하고 지적인 예술 감정가이자 예술가의 성실한 친구였습니다.

르네상스의 인본주의 적 이상을 지닌 사람과 이탈리아의 삶을 지배 한 적대적인 반동 세력과의 관계 문제는 티치아노 후기의 모든 작업에 생생하게 반영됩니다. 이 반영은 간접적이며 항상 그런 것은 아니며 아마도 작가 자신이 완전히 실현한 것일 수도 있습니다. 그래서 이미 "Behold the Man"(1543; Vienna) 그림에서 Titian은 처음으로 영웅의 비극적 인 갈등을 보여줍니다. 그리스도는 주변 세계와 적대적인 세력이이 세상을 지배하고 있습니다. 노골적으로 냉소적이고 역겹도록 사악하고 추악한 빌라도. 헌정 된 이미지에서 삶의 관능적 인 기쁨을 확인하기 위해 새로운 비극적 인 메모가 분명히 들립니다.

이미 그의 "Danaë"(c. 1554; Madrid, Prado)는 이전 기간과 비교하여 새로운 특징을 가지고 있습니다. 실제로 "Danae"는 "Venus of Urbino"와 달리 전체 그림에 스며드는 일종의 드라마로 우리를 놀라게합니다. 물론 작가는 지상 생활의 진정한 아름다움을 사랑하고 있으며 Danae는 아름답고 솔직히 관능적 인 아름다움입니다. 그러나 Titian이 이제 극적인 경험의 동기, 열정의 발전 동기를 도입하는 것이 특징입니다. 주인의 예술적 언어가 변하고 있습니다. Titian은 대담하게 색상과 색조 비율을 취하여 빛나는 그림자와 결합합니다. 덕분에 그는 형태와 색상의 유동적인 통일성, 명확한 윤곽과 볼륨의 부드러운 모델링을 전달하여 움직임이 가득한 자연과 복잡하게 변화하는 관계를 재현하는 데 도움을 줍니다.

Danae에서 주인은 여전히 사람의 행복의 아름다움을 확인하지만 이미지는 이미 이전의 안정과 평온이 없습니다. 행복은 더 이상 사람의 영구적인 상태가 아니며 밝은 감정이 폭발하는 순간에만 획득됩니다. "지상과 천국에 대한 사랑"의 분명한 위엄과 "우르비노의 비너스"의 차분한 행복이 흥분된 강한 감정의 폭발로 여기에서 반대되는 것은 아무것도 아닙니다.

예외적으로 표현력이 뛰어난 것은 Danae를 무례한 노처녀와 비교하는 것입니다. 그녀는 탐욕스럽게 흐름을 따라 뻗은 앞치마에서 황금비 동전을 탐욕스럽게 잡습니다. 냉소적 이기심이 무례하게 그림을 침범합니다. 아름답고 추한 것, 숭고함과 기본이 작품에서 극적으로 얽혀 있습니다. Danae의 감정의 인간적으로 밝고 자유로운 충동의 아름다움은 냉소주의와 무례한 이기심에 반대됩니다. 이 캐릭터의 충돌은 노파의 거칠고 매듭이 있는 손과 거의 서로 닿을 듯한 다나에의 부드러운 무릎의 대비로 강조됩니다.

어느 정도 이미지의 모든 차이점으로 인해 Titian은 그의 그림 "Denarius of Caesar"의 구성을 연상시키는 해결책을 여기에서 찾습니다. 그러나 그곳에서 그리스도의 형상의 완전한 도덕적 아름다움과 총체적인 교활함과 인간의 열정을 구현하는 바리새인의 어둡고 추악한 얼굴을 비교하면 기본에 대한 인도적 원칙의 절대적인 우월성과 승리를 주장하게됩니다. 그리고 잔인하다.

Danae에서 Titian은 행복의 승리를 긍정하지만 추함과 악의의 세력은 이미 어느 정도 독립성을 획득했습니다. 노파는 다나에의 아름다움을 대조적으로 부각시킬 뿐만 아니라 반대하기도 한다. 동시에 Titian은 여성의 아름다움의 관능적 매력을 찬양하는 데 전념하는 진정으로 아름다운 그림의 새로운 시리즈를 만들었습니다. 그러나 〈Love on Earth and Heaven〉이나 〈Bacchanalia〉(1520년대)의 명료하고 생명을 긍정하는 소리와는 근본적으로 다르다. 그의 "Diana and Actaeon"(1559; Edinburgh), "The Shepherd and the Nymph (Vienna)"는 빨간색, 황금색, 차가운 파란색의 억제 된 뜨거운 섬광과 함께 반짝이는 따뜻한 색조로 가려져 오히려 시적인 꿈, 매력적이고 흥미 진진한 요정입니다. 실생활의 비극적 갈등에서 벗어나 아름다움과 행복에 대한 이야기 노래-작가 자신이 이런 종류의 그림을 "시"라고 불렀던 것은 아무것도 아닙니다. 그의 멋진 "Venus with Adonis"(Prado)에도 똑같이 적용되지만, 그의 다른 대부분의 "시"보다 더 직접적인 열정의 드라마로 구별됩니다. 그러나 1559-1570 년대의이주기의 모든 최고의 Titian 작품에는 숨겨진 불안, 정신의 나른함이 들립니다. 이것은 빛과 그림자의 불안한 깜박임, 흥분된 신속함, 님프의 가장 흥분된 꿈, 어린 양치기의 절제된 열정에서 느껴집니다(“The Shepherd and the Nymph”, 비엔나).

고인이 된 티치아노의 삶에 대한 미학적 생각은 일관되고 뛰어난 회화적 힘으로 Hermitage 컬렉션의 걸작 중 하나인 The Penitent Magdalene(1560년대)에서 표현됩니다.

이 그림은 반개혁 시대의 매우 특징적인 음모에 쓰여 있습니다. 사실, 이 그림에서 Titian은 다시 한 번 그의 작업의 인본주의적이고 "이교적" 기반을 확인합니다. 종교적-신비적 음모를 단호하게 재고하는 위대한 현실주의자는 그 내용에서 이탈리아 후기 르네상스 문화의 발전에서 반동적-신비적 노선에 공개적으로 적대적인 작품을 만듭니다.

Titian에게 그림의 의미는 기독교 회개의 파토스가 아니라 종교적 황홀경의 달콤한 나른함이 아니라 "던전"에서 나오는 육체의 부패 가능성에 대한 긍정이 아닙니다. 인간의 무형의 영혼”은 하나님께 찢어졌습니다. "Magdalene"에서 두개골-지구상의 모든 것의 부패 가능성에 대한 신비로운 상징-Titian은 음모의 대포에 의해 부과 된 액세서리 일 뿐이므로 그는 그것을 다소 무례하게 취급하여 확장 된 책의 스탠드로 바꿉니다.

신나고 거의 탐욕스럽게 작가는 아름다움과 건강이 가득한 막달레나의 모습, 그녀의 아름다운 두꺼운 머리카락, 격렬하게 숨쉬는 부드러운 가슴을 우리에게 전달합니다. 열정적 인 표정은 "세속적 인 인간의 슬픔으로 가득 차 있습니다. Titian은 흥분과 동시에 정확한 실제 색상과 빛의 관계를 정확하게 전달하는 붓놀림에 의지합니다. 불안하고 강렬한 색상 화음, 빛과 그림자의 극적인 깜박임, 역동적 인 질감, 부재 플라스틱으로 볼륨을 분리하는 단단한 윤곽의 전체 형태의 명확성은 내부 움직임으로 가득 찬 이미지를 만듭니다. 머리카락은 거짓말하지 않고 떨어지고 가슴이 숨을 쉬고 팔이 움직이며 드레스의 주름이 신나게 흔들립니다. 무성한 머리카락에 부드럽게 빛이 깜박이고, 습기로 덮인 눈에 반사되고, 약병의 유리에 굴절되고, 두꺼운 그림자와 투쟁하고, 자신 있고 육즙이 몸의 모양, 그림의 전체 공간 환경을 조각합니다. 따라서 정확한 묘사 현실의 생생한 형상과 감성적 특성으로 영원한 움직임의 전달과 결합됩니다.

그러나 결국 그러한 회화적 힘으로 만들어진 이미지의 의미는 무엇인가? 예술가는 막달레나를 존경합니다. 그 사람은 아름답고 그의 감정은 밝고 중요합니다. 그러나 그는 고통받습니다. 이전의 맑고 고요한 행복은 돌이킬 수 없게 깨졌습니다. 인간 환경, 전체로서의 세계는 더 이상 이전에 본 것처럼 인간에게 복종하는 차분한 배경이 아닙니다. 어두운 그림자가 막달레나 너머의 풍경을 압도하고 뇌운이 하늘을 뒤덮고 희미한 날의 마지막 광선의 희미한 빛 속에서 슬픔에 잠긴 남자의 이미지가 나타납니다.

Magdalene에서 아름다운 사람의 비극적 고통이라는 주제가 완전히 표현되지 않으면 The Crowning with Thorns (c. 1570; Munich, Alte Pinakothek)와 Saint Sebastian에서 극도로 적나라하게 나타납니다.

The Crowning with Thorns에서 고문자들은 잔인하고 사나운 사형 집행자로 나타납니다. 손에 결박된 그리스도는 결코 천적 존재가 아니라 지상에 속한 사람으로서 자신을 괴롭히는 자들보다 신체적, 도덕적으로 우월한 모든 특징을 부여받았으나 그들에게 모욕을 당하게 내버려 두셨습니다. 우울한 불안과 긴장감으로 가득 찬 그림의 우울한 채색은 장면의 비극성을 높입니다.

후기 그림에서 Titian은 인간과 환경의 잔인한 갈등, 인본주의에 적대적인 반동 세력, 자유로운 이성을 보여줍니다. 특히 중요한 것은 "Saint Sebastian"(c. 1570; Leningrad, Hermitage)입니다. Sebastian은 진정한 르네상스 거인의 힘과 위대함을 묘사하지만 그는 족쇄에 묶여 있고 외롭습니다. 마지막 빛이 꺼지고 밤이 땅으로 내려옵니다. 우울한 무거운 구름이 혼란스러운 하늘을 가로질러 흐릅니다. 모든 자연, 온 광대한 세계는 자발적으로 가공할 만한 움직임으로 가득 차 있습니다. 초기 티치아노의 풍경은 그의 영웅들의 정신 구조와 순응적으로 조화를 이루며 이제 독립적인 삶을 얻고 있으며 더욱이 인간에게 적대적입니다.

Titian의 Man은 가장 높은 가치입니다. 따라서 영웅의 비극적 인 파멸을 보았지만 그는이 파멸을 받아 들일 수 없으며 비극적 인 파토스와 용감한 슬픔으로 가득 찬 세바스찬의 이미지는 자신에게 적대적인 세력에 대한 분노한 항의를 불러 일으 킵니다. 후기 Titian의 도덕적 세계, 그의 슬프고 용감한 지혜, 그의 이상에 대한 금욕적인 충성심은 Prado (1560s)의 관통하는 자화상에 아름답게 구현됩니다.

그림. pp. 264-265

고 티치아노의 작품에 대한 생각과 감정이 가장 깊은 것 중 하나는 "피에타"로, 티치아노가 사망한 후 학생 팔마 2세(베네치아 아카데미)가 완성했습니다. 거칠게 다듬은 돌로 지어진 무겁게 부서진 틈새를 배경으로 두 개의 조각상으로 둘러싸인 한 무리의 사람들이 슬픔에 휩싸인 황혼의 떨리는 빛에 나타납니다. 마리아는 죽은 영웅의 알몸을 무릎에 안고 있습니다. 그녀는 조각상처럼 헤아릴 수 없는 슬픔에 얼어붙었다. 그리스도는 쇠약한 금욕주의자나 “선한 목자”가 아니라 오히려 불평등한 투쟁에서 패배한 사람입니다.

노쇠한 노인은 슬픔으로 그리스도를 바라 봅니다. 막달레나의 재빠른 손짓은 사막의 일몰 세계의 정적 속에 울리는 절망의 외침과도 같다. 그녀의 흐르는 황금빛 붉은 머리카락의 번쩍임, 그녀의 옷차림의 불안한 색상 대비는 사진의 우울하고 반짝이는 톤의 어둠에서 뚜렷하게 돋보입니다. 저무는 날의 청회색 깜박임에 비춰진 모세의 석상 전체 모습의 얼굴 표정과 움직임은 분노하고 애절합니다.

놀라운 힘으로 Titian은 헤아릴 수없는 인간 슬픔의 모든 깊이와 슬픔에 잠긴 아름다움을이 캔버스에 전달했습니다. Titian이 말년에 그린 그림은 사랑하는 사람에게 바치는 레퀴엠입니다. heroic 이미지르네상스의 과거 밝은 시대로 물러났습니다.

Titian의 그림 기술의 진화는 유익합니다.

1510-1520년대. 그리고 나중에도 그는 일반적으로 물체의 실제 색상을 전달하는 큰 색상 반점을 명확하게 비교하는 인물의 실루엣 윤곽을 그리는 원칙을 여전히 고수합니다. 대담하고 경쾌한 색상 비율, 다채로운 강도, 차갑고 따뜻한 톤의 상호 작용에 대한 깊은 이해, 흠잡을 데 없이 정확한 톤 비율과 미세한 명암 모델링의 도움으로 형태를 조각하는 조형력은 Titian의 화보의 특징입니다. 기술.

후기 Titian이 새로운 이데올로기 및 구상 작업의 솔루션으로 전환되면서 그의 회화 기술이 더욱 발전했습니다. 마스터는 톤의 비율, 명암법의 법칙을 점점 더 깊이 이해하고 형태의 질감과 색상 개발을 점점 더 완벽하게 마스터하여이 작업 과정에서 그의 예술적 언어의 전체 시스템을 점차적으로 변경합니다. 형태와 색상의 주요 관계를 그림으로 드러내면서 그는 영원한 발전 속에서 모든 스릴과 자연의 복잡하고 풍요로운 삶을 보여줄 수 있습니다. 이것은 그에게 주제 전달에서 즉각적인 활력을 높이고 동시에 현상 개발에서 중요한 것을 강조 할 수있는 기회를 제공합니다. Titian이 현재 정복하고있는 가장 중요한 것은 모순의 밝은 풍부함 속에서 발전하는 삶의 전달입니다.

고인이 된 티치아노는 회화에서의 색채 조화의 문제와 더불어 자유롭고 정확한 회화적 붓놀림의 표현기법을 창조하는 문제를 광범위하게 제기한다. "지구와 하늘에 대한 사랑"에서 획이 이미지의 사실적인 완성도를 생성하는 기본 색상 및 조명 비율을 구성하는 작업에 엄격하게 종속된다면 1540 년대, 특히 1555 년대부터입니다. 번짐은 특별한 의미를 갖습니다. 획은 재료의 질감을 전달할 뿐만 아니라 그 움직임이 형태 자체, 즉 물체의 가소성을 조각합니다. 후기 Titian의 예술적 언어의 큰 장점은 붓질의 질감이 회화 적 순간과 표현 적 순간의 사실적인 통일성을 보여주는 예를 제공한다는 것입니다.

그렇기 때문에 후기 Titian은 어두운 밑칠 위에 흰색과 파란색 페인트를 두세 번 칠하여 보는 사람의 눈에 유리 그릇("막달레나") 모양의 극도로 조형적인 느낌을 불러일으킬 뿐만 아니라 보는 사람 앞에서 물체의 모양과 질감을 드러내는 것처럼 유리에서 미끄러지고 굴절되는 광선의 움직임. 티치아노는 그의 후기 기술을 특징짓는다. 유명한 말 Palma the Younger의 말에서 나온 Boschini :

“Titian은 마치 미래에 표현하고 싶은 것을 위한 침대나 기초 역할을 하는 것처럼 다채로운 덩어리로 캔버스를 덮었습니다. 나는 나 자신이 순수한 붉은 색조의 조밀하게 포화 된 브러시로 채워져 하프 톤 또는 흰색의 윤곽을 그리도록 의도 된 그렇게 활기차게 만들어진 밑칠을 본 적이 있습니다. 같은 브러시로 처음에는 빨간색으로, 그 다음에는 검은색으로, 그 다음에는 노란색 페인트로 조명 부분의 부조를 그렸습니다. 똑같은 훌륭한 기술로 단 네 번의 스트로크의 도움으로 그는 존재하지 않는 아름다운 인물의 약속을 불러 일으켰습니다. 이 귀중한 토대를 마련한 후 그는 그림을 벽을 향하도록 돌렸고 때로는 몇 달 동안 그 그림을 쳐다보지도 않고 이 위치에 두었습니다. 그는 그것들을 다시 집어들었을 때, 그것들이 그의 최악의 원수인 것처럼 엄격한 주의를 기울여 그것들의 결점을 보기 위해 그것들을 살폈다. 그리고 그의 미묘한 계획과 일치하지 않는 기능을 발견하면서 그는 자비없이 종양 제거, 고기 절단, 팔과 다리 조정 등 훌륭한 외과 의사처럼 행동하기 시작했습니다. 가장 본질적인 모든 살아있는 몸에서 추출하여 일련의 반복적 인 스트로크를 통해 숨이 부족한 것처럼 보이는 상태로 정제했습니다.

세계에 대한 매우 진실된 예술적 지식을 위한 유연한 도구인 티치아노 기법의 사실적인 힘에는 그것이 17세기 사실적인 회화의 발전에 미친 막대한 영향이 있습니다. 따라서 루벤스와 벨라스케스의 그림은 사실주의 발전의 새로운 역사적 단계에서 이미 그의 그림 기법을 발전시키고 수정한 티치아노의 유산에 확고히 기반을 두고 있다. 현대 베네치아 회화에 대한 티치아노의 직접적인 영향은 컸지만, 그의 직접적인 제자 중 누구도 그의 놀라운 예술을 계속 발전시킬 힘을 찾지 못했습니다.

Titian의 가장 재능있는 학생과 동시대에는 Palma Vecchio (장로)라는 별명을 가진 Jacopo Nigreti, Veronese라는 별명을 가진 Bonifacio de Pitati, 즉 Veronian, Paris Bordone, Jacopo Palma the Younger, Palma the Elder의 조카가 있습니다. Palma the Younger를 제외한 그들 모두는 테라 농장에서 태어 났지만 거의 모든 창작 생활을 베니스에서 보냈습니다.

Jacopo Palma the Elder(c. 1480-1528)는 동료 Giorgione 및 Titian과 마찬가지로 Giovanni Bellini와 함께 공부했습니다. 나름대로 창의적인 방식그는 모든면에서 그보다 훨씬 열등하지만 Titian에 가장 가깝습니다. 종교적, 신화 적 구성과 예술가의 초상화는 단조 로움 (이러한 속성은 그의 구성 기술에도 내재되어 있음)과 이미지의 낙관적 인 쾌활함으로 구별됩니다. Palma의 작업의 본질적인 특징은 웅장한 금발의 아름다움 인 Venetian의 예술적 유형을 만드는 것입니다. 이러한 유형의 여성의 아름다움은 젊은 Titian의 예술에 어느 정도 영향을 미쳤습니다. 그의 최고의 작품은 "Two Nymphs"(1510-1515; Frankfurt am Main), "Three Sisters"(c. 1520) 및 "Jacob and Rachel"(c. 1520)이며 후자는 드레스덴에 있습니다. Hermitage는 그의 "남자의 초상화"를 유지합니다.

주인이 만든 최고의 남성 초상화 중 하나는 뮌헨 박물관의 알려지지 않은 청년입니다. 그는 조르조네와 태도가 비슷하지만 능동적 의지 원칙을 전수한다는 점에서 조르조네와 다릅니다. 억제 된 힘으로 가득 찬 머리의 회전, 아름다운 얼굴의 오만하고 활기찬 특징, 거의 성급한 손 제스처가 어깨까지 들어 올려 장갑을 쥐고 윤곽의 탄성 장력이 크게 위반됩니다. Giorgione의 이미지에 내재된 닫힌 자기 몰입의 정신.

Titian의 직접적인 영향으로 발전한 Bonifazio Veronese (1487-1553)는 말년에 매너리즘의 영향에서 자유롭지 않았습니다. 그의 작품은 장식과 장르 내러티브를 결합한 신성한 역사의 에피소드에 전념하는 대형 캔버스가 특징입니다 ( "The Feast of Lazarus", "The Massacre of the Innocents", 1537-1545; 베니스 아카데미 및 기타 모두).

Paris Bordone (1500-1571) 인 Titian의 학생은 뛰어난 색상 숙달, 그림의 밝은 장식성으로 구별됩니다. 그의 "거룩한 가족"(밀라노, 브레라), "산 마르코 반지의 총독 발표"(1530 년대, 베니스, 아카데미)가 있습니다. Paris Bordone의 후기 작품에서는 매너리즘의 강한 영향과 어느 정도의 기술 저하가 느껴집니다. 그의 초상화는 삶의 특성의 진실성으로 구별됩니다. 아마도 다소 차갑고 관능적인 매력으로 가득 찬 "The Venetian Lovers"(Brera)에 대해 특별히 언급해야 합니다.

나이든 티치아노의 제자인 팔마 2세(1544-1628)는 동시에 틴토레토의 작품에 강한 영향을 받았습니다. 영재 (그는 Titian의 마지막 작품 인 "Pieta"의 완성에 매우 성공적으로 대처했습니다), 약간의 독립적 인 주인은 로마에 머무는 동안 후기 매너리즘의 영향을 받아 계속 작업했습니다. 이미 바로크 예술의 탄생기에 그의 생애가 끝날 때까지. . 베니스의 후기 르네상스 스타일과 관련된 그의 작품 중 "자화상"(Brera)과 이전에 Bassano에 기인 한 매우 표현적인 "노인의 머리"(Brera)를 언급해야합니다. 후기 매너리즘에 가까운 그의 대규모 구성에 대한 아이디어는 베니스의 Oratorio dei Crociferi (1581-1591)의 벽화에 의해 제공됩니다.

베네치아 학교의 예술에서 소위 terraferma, 즉 "단단한 땅"의 예술가 그룹의 작품은 일반적으로 석호에 인접한 이탈리아 일부에 위치한 베네치아 소유물입니다.

일반적으로 말하자면, 베네치아 학교의 거장 대부분은 테라 농장(Giorgione, Titian, Paolo Veronese)의 도시나 마을에서 태어났습니다. 그러나 그들은 수도, 즉 베니스 자체에서 삶의 전부 또는 거의 전부를 보냈으며 때때로 테라 농장의 도시나 성을 위해 일했습니다. 테라 농장에서 지속적으로 작업하는 일부 예술가는 베네치아 대도시 학교 자체의 지방 변종만을 작품으로 표현합니다.

동시에 테라 농장 마을의 삶의 방식, "사회적 분위기"는 테라 농장 학교의 독창성을 결정한 베네치아와는 현저하게 달랐습니다. 베니스(당시 거대한 무역항이자 금융 중심지)는 특히 15세기 말까지 이탈리아 내륙보다 부유한 동부 소유지 및 해외 무역과 더 밀접하게 연결되어 있었습니다. 베네치아 귀족이 위치했습니다.

그러나 합리적으로 설정된 경제에서 수입을 얻는 부유한 지주 계층이 강한 작고 조용한 마을에서의 생활은 여러 면에서 베니스와는 다르게 진행되었습니다. 어느 정도 테라 농장의 이러한 지역의 문화는 그 당시 Emilia, Lombardy 및 기타 북부 이탈리아 지역의 도시의 삶과 예술에 가깝고 이해할 수 있습니다. 15세기 말부터라는 점을 기억해야 한다. 그리고 특히 캉브레 동맹과의 전쟁이 끝난 후, 동양 무역이 쇠퇴함에 따라 베네치아인들은 그들의 자유로운 자본을 농업과 테라 농장의 기술에 투자했습니다. 이탈리아의 이 지역에는 상대적인 번영의 시기가 오고 있지만, 다소 지방적인 생활 방식을 위반하지는 않습니다.

따라서 전체 예술가 그룹 (Pordenone, Lotto 및 기타)의 등장은 놀라운 일이 아닙니다. 그의 예술은 강렬한 검색, 베네치아 학교 고유의 광범위한 창의적 범위에서 벗어났습니다. Titian의 기념비적 비전의 그림 같은 폭은 더 차갑고 형식적인 장식으로 대체됩니다. 제단 작곡. 다른 한편으로, 성숙하고 후기 Titian의 영웅적인 예술이나 Veronese의 축제로 고상한 작품, 특히 Tintoretto의 열정적이고 불안한 창조물에서 눈에 띄는 직접 관찰 된 삶의 특징은 특히 널리 개발되었습니다. 16세기 1/3 이후 일부 테라페르마 예술가들.

사실, 관찰되는 일상 생활에 대한 이러한 관심은 다소 감소합니다. 삶 자체에 대한 분석에서 시대의 거대한 윤리적 문제에 대한 해결책을 찾고자 하는 욕망보다 오히려 조용한 마을에서 평화롭게 살아가는 사람의 삶의 재미있는 세부 사항에 대한 차분한 관심입니다. 다음 시대의 위대한 현실주의자들의 작품.

세기의 첫 3분의 1 동안 이 예술가들 중 최고는 Lorenzo Lotto(1480-1556)였습니다. 그의 초기 작품은 여전히 Quattrocento 전통과 관련이 있습니다. 전성기 르네상스의 위대한 인본주의적 이상에 가장 가까운 것은 그의 초기 청년 초상화(1505)로, 모델 인식의 즉각적인 활력으로도 구별됩니다.

성숙한 로또의 잘 알려진 제단과 신화적 구성은 일반적으로 구성의 다소 외적인 아름다움과 내면의 둔한 느낌을 결합합니다. 그들의 쌀쌀한 색상과 일반적으로 "즐거운"질감도 일반적으로 매우 진부하고 스타일 상 매너리즘에 가깝습니다. 깊은 생각과 감정의 부족은 때때로 예술가가 기꺼이 집중하는 묘사에 매우 독창적으로 도입된 일상적인 세부 사항으로 보완됩니다. 따라서 그의 "Annunciation"(1520 년대 후반; Recanati, Santa Maria sopra Mercanti 교회의 Recanati)에서 시청자는 불안하게 해석되는 주요 인물에서 재미있게 묘사 된 겁에 질린 고양이에 이르기까지 갑자기 날아가는 대천사 옆으로 돌진합니다. 안에.

앞으로, 특히 초상화에서 작가의 작품에서 구체적인 삶의 사실주의의 특징이 커지고 있습니다 (“ 여성 초상화»; 암자, "남자의 삼중 초상화"). 개인의 윤리적 중요성과 성격의 강점을 드러내는 데 대한 관심이 감소함에 따라 이러한 Lotto의 초상화는 여전히 공개적으로 반 사실주의적인 매너리즘 라인에 반대합니다. Lotto의 작품에서 가장 중요한 현실적이고 민주적인 경향은 St. Lucia (1529/30), 명백한 동정심으로 그는 마치 그의 시대의 삶에서 빼앗긴 것처럼 전체 장면을 묘사합니다 (예 : Miracle of St. Lucia의 황소 운전사 등). 그 안에서 주인은 이탈리아에서 증가하는 전반적인 정치 및 경제 위기의 맥락에서 그에게 발생하고 주관적인 어조로 그의 후기 작곡을 채색하는 모순으로 가득 찬 감정에서 안식과 평화를 찾습니다. 긴장과 불확실성으로 인해 르네상스 휴머니즘의 전통에서 멀어졌습니다.

훨씬 더 의미 있는 것은 브레시아 출신인 지롤라모 사볼도(c. 1480-1548)인 동시대 로또의 작품입니다. 캉브레 동맹과의 전쟁으로 조국이 일시적으로 멸망한 것과 1516년 이후 베네치아의 단기적 부흥, 그리고 이탈리아를 집어삼킨 총체적 위기를 깊이 경험한 고(故) 사볼도의 작품에는 르네상스 예술은 매우 독특하고 강력한 힘으로 드러났습니다.

Quattrocentist 전통의 지속 기간, 테라 농장의 다소 지방 생활의 특징 (16 세기 초까지), 북부 르네상스 그림의 눈에 띄는 영향, 겉으로는 산문적 인 내러티브, 장르에 대한 갈망 및 관심 심리적인 삶 보통 사람들 Savoldo의 작업에서 그들은 르네상스 인본주의의 원칙과 유기적으로 융합되었고 많은 측면에서 17 세기 1/3의 거장을 찾을 것으로 예상되는 현실적인 르네상스 예술의 가장 민주적 인 변형 중 하나를 만드는 데 도움을주었습니다.

Savoldo의 초기, 여전히 다소 건조한 Quattrocentist 작품 (예 : The Prophet Elijah; Florence, Leather collection)에서 이미 평범하고 평범한 사람들에 대한 관심이 느껴집니다. 그의 아름다운 Adoration of the Shepherds (1520s; Turin, Pinacoteca)에서는 깊은 명상으로 신생아를 생각하는 세 목자의 감정이 깨달은 집중의 분위기가 충만하게 전달됩니다. 이벤트 참가자의 조용한 움직임의 리듬과 구성의 전체 색상 시스템의 명확한 영성, 가볍고 약간 슬픈 조화는 성숙한 Savoldo의 예술과 Giorgione의 전통 사이의 연결을 명확하게 나타냅니다. 그러나 이미지의 이상화 된 고귀함의 부재, 자연스러운 성실함 및 삶의 단순함은이 그림에 매우 특별한 독창성을 부여합니다. 미래에는 평범한 사람들의 이미지에 대한 진실한 시화에 대한 관심이 여전히 커지고 있습니다 (예를 들어 시골 풍경을 배경으로 한 양치기의 elegiac 이미지- "The Shepherd", Florence, Contini-Bonacossi 컬렉션). 브레시아에서 발전한 학교에 속한 다른 예술가들의 기여는 확실히 덜 중요합니다. 그러나 그들 중에는 Moretto (c. 1498-1554)라는 별명을 가진 Alessandro Bonvicino를 언급해야합니다. 그의 작품은 고전적인 전통에 따라 부드러운 은색, 다소 지방적이고 무겁고 심각한 엄숙함으로 구별됩니다. 서정 (“성도와 마돈나 ", 프랑크푸르트). 이 특징은 그의 작품의 부차적 등장인물들에서 더욱 눈에 띈다. 큰 그림(예를 들어, 그림 "엠마오의 그리스도"에 나오는 하인의 모습). 그의 가장 유명한 작품은 St. 기증자와 함께한 저스티나. 르네상스 초상화의 발전에 대한 Moretto의 공헌은 중요합니다. 그의 "남자의 초상"(런던)은 최초의 전체 길이 초상화 중 하나입니다.

그의 재능 있는 학생은 주로 Bergamo에서 일한 Giovanni Moroni(c. 1523-1578)였습니다. 그는 그의 스승처럼 사실적인 방법에 대한 헌신을 유지했을 뿐만 아니라 그의 초상화는 후기 르네상스 예술의 사실적인 발전에 중요하고 독특한 기여를 나타냅니다. 1560년대부터 시작된 성숙기의 모로나이 초상화는 당시 테라팜 도시의 거의 모든 사회 계층 대표자들의 외모와 성격을 진실하고 정확하게 전달한 것이 특징입니다("과학자 초상화"). , "폰테로의 초상", "재단사의 초상" 등). 마지막 초상화는 이미지에 대한 어떤 종류의 미화도없고 묘사되는 사람의 외모와 성격을 신중하게 정확하게 전달하는 것으로 구별됩니다. 동시에 이것은 이미지에 특별한 실제와 같은 구체성과 진정성을 부여하는 일종의 초상화 장르 화의 예입니다. 재단사는 손에 가위와 천을 들고 작업대에 서있는 것으로 묘사됩니다. 그는 잠시 작업을 멈추고 방에 들어온 듯한 관객을 유심히 바라보았다. 매우 명확하고 조형적인 형태의 전달, 구성에서 인간 형상의 지배적 위치가 르네상스 예술의 특징이라면 구성 모티프의 장르적 해석은 르네상스 리얼리즘의 경계를 넘어 마스터 찾기를 기대합니다. 17세기.

테라 농장의 학교와 관련하여 특별한 위치에 페라라 학교가 있었습니다. Dukes of d' Este의 통치는 페라라에서 보존되었습니다. 여기에서 잘 알려진 지방 전통의 고립과 결합하여 페라라 예술의 다소 무겁고 차가운 스타일을 결정한 궁정의 화려 함 줄기의 특징이 있습니다. Quattrocentist 전임자들의 흥미로운 사업을 개발하지 못한 장식적인 세부 사항으로 가득 찬 16 세기의 가장 중요한 예술가는 Dosso Dossi (c. 1479 - 1542)로 베니스와 Mantua에서 젊은 시절을 보내고 정착했습니다. 1516년부터 페라라에서.

그의 작품에서 Dosso Dossi는 결합하기 어려운 전통인 Giorgione과 Francesco Cossa의 전통에 의존했습니다. Titian 무대의 경험은 그에게 낯설었습니다. 성숙한 Dossi의 대부분의 구성은 화려한 차가운 그림, 여러 무거운 인물의 힘, 장식 세부 사항의 과부하 ( "Justice", Dresden, "St. Sebastian", Milan, Brera)로 구별됩니다. Dossi의 작업에서 가장 흥미로운 측면은 때때로 그림을 지배하는 개발된 풍경 배경에 대한 그의 관심입니다(Circe, ca. 1515; Borghese Gallery). Dosso Dossi는 또한 "성인의 인물이있는 풍경"(모스크바, 푸쉬킨 미술관)과 같은 그 당시에는 매우 드문 완성 된 풍경 구성을 소유하고 있습니다.

테라 농장의 예술에서 매우 특별한 장소는 Tintoretto의 동시대 작가인 Bassano의 Jacopo del Ponte(1510 / 19-1592)의 가장 중요한 주인의 작품이 차지하고 있습니다. 그의 작품은 고려되어야 한다. Bassano는 알프스 산기슭에 위치한 Bassano의 고향 마을에서 대부분의 삶을 살았지만 르네상스 후기의 베네치아 회화와 밀접한 관련이 있으며 독특하고 중요한 위치를 차지합니다.

아마도 16세기 후반 이탈리아의 모든 거장들 중에서. Bassano는 그 시대의 평범한 사람의 그림의 주인공이 되는 데 가장 근접했습니다. 사실, 아티스트의 초기 작품 ( "엠마오의 그리스도") 장르와 일상적인 순간에는 이런 종류의 플롯을 해결하기위한 전통적인 계획이 산재 해 있습니다. 미래에, 더 정확하게는 1540년대에. 그의 예술은 일종의 전환점을 맞이하고 있다. 이미지는 더 안절부절하고 내부적으로 극적입니다. 그건 그렇고 Bassano가 잘 마스터하지 못한 High Renaissance의 캐논에 따라 안정적이고 균형 잡힌 그룹으로 배열 된 개별 캐릭터의 이미지에서 마스터는 일반적인 불안으로 뒤덮인 인간 그룹과 군중의 이미지로 이동합니다.

목동, 농부 등 평범한 사람들이 그의 그림 속 주인공이 된다. 이집트로 피신하는 동안의 휴식, Adoration of the Shepherds(1568; Bassano, Museum) 등이 있습니다.

그의 "제이콥의 귀환"은 본질적으로 작은 알파인 마을의 평범한 주민들의 "일과 날"의 이미지와 성경적 주제에 대한 이야기를 엮은 것입니다. 이 경우 후자는 그림의 전체 비 유적 구조에서 분명히 우세합니다. 후기의 그의 많은 작품에서 Bassano는 종교적 및 신화 적 주제와의 형식적인 플롯 연결에서 완전히 해방되었습니다.

그의 "가을"은 성숙한 가을 모공의 잔잔한 기쁨을 찬양하는 일종의 비가입니다. 습한 은빛 가을 분위기에 휩싸인 먼 곳으로 향하는 사냥꾼 무리의 시적 모티브인 장엄한 풍경이 이 그림의 주된 매력이다.

Bassano의 작업에서 베니스의 후기 르네상스 예술은 일상적인 발전 형태에서 실제 삶을 직접 다루는 새로운 장르 시스템을 만드는 데 가장 근접했습니다. 그러나 이 중요한 발걸음은 베니스의 위대함, 즉 말년을 살아온 르네상스 도시국가의 위대함을 바탕으로 할 수 있는 것이 아니라, 인류 사회의 역사에서 새로운 진보적 단계의 기초.

티치아노는 미켈란젤로와 함께 이탈리아 후기 르네상스의 시작과 함께 비극적 위기에 처한 전성기 르네상스 거물 세대를 대표했습니다. 그러나 그들은 전성기 르네상스의 영웅 시대에 세계에 대한 태도가 형성된 인본주의 자의 입장에서 당시의 새로운 문제를 해결했습니다. 베네치아를 비롯한 다음 세대의 예술가들은 르네상스 역사에서 이미 확립된 단계의 영향을 받아 창의적인 개인으로 발전했습니다. 그들의 작업은 그의 자연스러운 예술적 표현이었습니다. 같은 시대의 다른 측면, 다른 측면을 매우 다르게 구현한 Jacopo Tintoretto와 Paolo Veronese가 있습니다.

Veronese의 출생지 이름을 딴 Paolo Cagliari (1528-1588)의 작품에서 베네치아 장식 및 기념비적 유화의 모든 힘과 광채가 특별한 충만 함과 표현력으로 드러납니다. 무의미한 베로나의 거장 Antonio Badile의 학생인 Veronese는 처음에 테라 농장에서 일하면서 수많은 프레스코화와 유화 작품(1550년대 초 Villa Emo의 프레스코화 등)을 만들었습니다. 그러나 이미 1553년에 그는 그의 재능이 성숙해진 베니스로 이사했습니다.

Esther의 역사(1556)는 산 세바스티아노 교회의 천장을 장식한 젊은 베로나의 가장 훌륭한 작품 중 하나입니다. 세 개의 천정의 구성은 상대적으로 적은 수의 대규모의 조형적으로 명확하게 정의된 형상으로 채워져 있습니다. 강인하고 아름다운 인물의 움직임, 말을 기르는 웅장한 각도의 예술성이 인상적이다. 예를 들어 "모르드개의 승리"라는 구성에서 흑백 말의 병치와 같은 경쾌한 색상 조합의 강도와 가벼움에 만족합니다.

일반적으로 개별 인물에 대한 소성 적으로 명확한 연구는 일반적으로 Veronese의 모든 초기 작품과 마찬가지로이주기를 전성기 르네상스 예술에 더 가깝게 만듭니다. 그러나 등장인물의 움직임이 겉으로 보기에는 다소 연극적이며 의기양양해지면서 초기 및 전성기 르네상스의 기념비적인 구성의 영웅들을 마사치오와 카스타뇨에서 라파엘로의 "아테네 학파"와 미켈란젤로의 시스티나 예배당 천장. 젊은 베로네세 예술의 이러한 특징은 "베니스의 선물을 나눠주는 주노"(c. 1553; 베니스, 총독의 궁전)와 같은 그의 공식 의식 작품에서 가장 눈에 띕니다. 아이디어의.

Veronese의 이미지는 영웅적이라기보다는 축제에 가깝습니다. 그러나 그들의 쾌활함, 밝은 장식력 및 동시에 그림 같은 형태의 미묘한 풍부함은 정말 대단합니다. 색상 관계의 풍부한 차별화와 일반적인 장식 기념비적 그림 효과의 이러한 조합은 San Sebastiano의 sacristy의 plafonds 및 기타 여러 구성에서도 나타납니다.

성숙한 Veronese의 작업에서 중요한 장소는 Treviso에서 멀지 않은 테라 농장에서 Palladio가 지은 Villa Barbaro (Maser)의 프레스코 화로 가득 차 있습니다. 우아한 작은 별장 궁전은 주변 시골 풍경에 아름답게 새겨져 있으며 꽃이 만발한 정원으로 둘러싸여 있습니다. 가벼운 움직임과 경쾌한 광채로 가득 찬 Veronese의 프레스코 화는 건축 적 이미지와 일치합니다. 이 주기에서 거품이 이는 "춤추는 재미"로 가득 찬 구성은 신화적인 주제(천장 "올림푸스" 및 기타)에서 자연스럽게 번갈아 가며 삶에서 가져온 재치 있는 예상치 못한 모티프(예: 잘생긴 청년이 들어가는 문 이미지)가 있습니다. 집주인에게 보낸 것처럼 활로 모자를 벗는 홀. 그러나 이런 종류의 "일상적인"동기에서 주인은 평범한 평범한 사람들의 자연스러운 삶의 과정을 통해 그들의 관계의 모든 전형적인 특성을 예술적 공개의 임무로 설정하지 않습니다.

그는 축제적이고 재미있게 표현되는 삶의 측면에만 관심이 있습니다. 주기 또는 별도의 구성으로 짜여진 일상적인 모티프는 전체를 활기차게 만들고 엄숙한 화려 함을 제거하고 말하자면 구성의 발명은 삶의 환희에 찬 축하에 대한 반짝이는시의 설득력을 향상시켜야합니다. Veronese는 그의 그림에서 창조합니다. "장르"에 대한 이러한 이해는 장식적인 (완전히 자연스러운) 것뿐만 아니라 모든면에서 Veronese의 특징입니다. 플롯 구성마스터. 물론 Veronese의 다채로운 구성은 시적 이야기 만이 아닙니다. 그들은 사실이고 그렇지 않습니다. 개인 장르 세부 사항에서만, 특히 성숙한 창의성 기간에 마스터가 아낌없이 사용합니다. 실제로 여전히 부유하고 너덜 너덜 한 베니스 귀족 엘리트의 삶의 특징 인 잔치 축제는 당시 삶의 진정한 측면입니다. 더욱이 공화국과 국민을 위해 안경, 행렬, 광상회가 마련되었습니다. 그리고 도시 자체는 건축학적 외관의 훌륭함에 놀랐습니다.

Veronese의 성숙기는 그림 체계의 점진적인 변화로도 구별됩니다. 그의 작곡은 일반적으로 점점 더 붐비고 있습니다. 복잡하고 풍부한 플라스틱과 그림 같은 효과, 많은 사람들, 즉 군중의 움직임은 일종의 단일 살아있는 전체로 인식됩니다. 복잡한 색상의 교향곡, 맥동하는 움직임으로 가득 찬 상호 직조는 그림의 다채로운 표면의 소리 인 전성기 르네상스와는 다른 소리를 만듭니다. 가장 명확하게, Veronese의 성숙한 예술의 이러한 특징은 거대한 (10x6m) "Marriage at Cana"(1563; Louvre)에서 드러납니다. 빛이 스며드는 테라스와 포르티코의 가늘고 웅장한 건축물을 배경으로 프리수브라지오는 약 130명의 인물이 한데 어우러지는 잔치의 장면을 펼친다. 지금은 베네치아에 있고, 지금은 환상적인 동양풍 옷을 입고 있는 하인, 음악가, 어릿광대, 연회를 즐기는 젊은이들, 호화롭게 차려입은 아름다운 숙녀들, 수염 난 남자들, 유서 깊은 장로들이 움직임으로 가득 찬 다채로운 구도를 이루고 있습니다. 일부 머리는 초상화입니다. 이들은 Sultan Suleiman I에서 Charles V에 이르는 유럽 주권자의 이미지입니다. 음악가 그룹에서 Veronese는 Titian, Bassano, Tintoretto 및 자신을 묘사했습니다.

그림 pp. 272-273

모든 다양한 동기로 그림은 하나의 그림 구성 전체를 형성합니다. 수많은 캐릭터가 3개의 프리즈와 같은 리본 또는 층으로 배열되어 있습니다. 군중의 불안한 시끄러운 움직임은 그림의 가장자리에서 기둥으로 닫히고 중앙은 앉은 그리스도 주위에 대칭 적으로 위치한 그룹으로 강조됩니다. 이와 관련하여 Veronese는 전성기 르네상스의 균형 잡힌 기념비적 구성의 전통을 이어갑니다.

그리고 색상 측면에서 Veronese는 가장 조밀하고 안정적인 색상 구성으로 그리스도의 중앙 노드 형상을 구성 적으로 강조하여 가운의 매우 물질적 인 빨간색과 파란색 색상을 후광의 황금빛 광채와 결합합니다. 그러나 그리스도는 좁은 색상과 구성 기하학적 의미에서만 그림의 중심 노드입니다. 그는 침착하고 내부적으로 상대적으로 중요하지 않습니다. 어쨌든 그는 어떤 식으로든 다른 인물들과 윤리적으로 구별되지 않는다.

일반적으로이 그림의 매력은 캐릭터의 도덕적 힘이나 극적인 열정이 아니라 인생의 명절을 행복하게 축하하는 사람들의 즉각적인 활력과 조화로운 세련미의 조합입니다. 그림의 즐거운 비등과 채색으로 가득 차 있습니다. 신선하고 경쾌하며 밝은 빨간색으로 깜박이며 분홍색 라일락에서 와인, 불타고 육즙이 많은 어두운 틀에 박 힙니다. 빨간색 모음은 파란색, 녹청색의 차가운 광채, 따뜻한 올리브색 및 갈색-황금색 톤과 둔탁한 벨벳 사운드와 함께 나타납니다. 이 모든 것은 전체 그림을 감싸는 일반적인 은빛 푸른 분위기로 통합됩니다. 이 의미에서 특별한 역할은 흰색, 때로는 푸르스름한 색, 때로는 라일락 색, 때로는 분홍빛이 도는 회색 음영에 속합니다. 은색 암포라와 부서지기 쉬운 탄성 실크의 색상 밀도에서 린넨 식탁보를 통해 흰색 기둥의 푸른 재, 석호의 촉촉한 녹색 파란색 하늘을 가로 질러 떠 다니는 가벼운 구름의 보풀에 이르기까지이 색상은 점차적으로 용해됩니다. 그림 조명의 일반적인 은빛 진주.

구성의 하위 계층에서 잔치를 벌이는 손님 군중의 시끄러운 끓는 소리는 하늘을 향해 어렴풋이 나타나는 상위 계층의 희귀 인물 인 로지아의 상단 발코니의 우아한 움직임의 우아함으로 대체됩니다. 이 모든 것은 먼 기괴하고 흐릿한 건물과 부드럽게 빛나는 하늘의 비전으로 끝납니다.

초상화 분야에서 Veronese의 업적은 덜 중요했습니다. 훌륭하게 통과 유사, 동시에 이미지의 이상화를 달성하고 장식에 접한 Veronese는 묘사 된 사람의 성격에 대한 깊은 공개에 관심을 집중하지 않았으며 실제로 초상화의 위대한 예술은 없습니다. . 그러나 그림의 광채, 훌륭하게 칠해진 액세서리, 고귀한 귀족의 자세는 그의 초상화를 눈에 매우 즐겁게 만들고 후기 베네치아 르네상스의 호화로운 궁전 내부에 완벽하게 "적합"합니다. 그의 비교적 초기 초상화 중 일부는 "남자의 초상화"(부다페스트, 박물관)라는 무기한 낭만적 인 백일몽의 그늘로 구별됩니다. 그의 아들과 함께하는 Count da Porto와 같은 그의 초기 초상화 중 일부에서만 젊은 예술가는 그들의 진심과 동기의 자연스러운 소박함으로 예기치 않게 마음을 사로잡는 이미지를 만듭니다. 앞으로는 이러한 추세가 발전하지 않고 그의 후속 작품의 웅장한 우아함은 이미 언급 한 부다페스트 초상화 (예 : 루브르 박물관의 Bella Nani 초상화)에 설명 된 라인을 계속 이어갑니다.

Veronese의 캔버스는 역사적 현실의 대조에서 예술가를 투쟁에서 멀어지게하는 것처럼 보였습니다. 부분적으로는 그렇습니다. 그럼에도 불구하고 반개혁의 맥락에서 가톨릭교의 이데올로기 적 침략이 증가하는 상황에서 그의 쾌활한 그림은 주인이 원하든 원하지 않든 현대 이데올로기 투쟁에서 특정 위치를 차지했습니다. 이들은 "알렉산더 대왕 이전의 다리우스 가족"(런던, 국립 미술관), "가나에서의 결혼"(드레스덴), "레위 가문의 잔치"(베니스)입니다. 교회는 예술의 교회 노선, 즉 신비주의의 부흥, 육체의 부패 가능성에 대한 믿음, 영의 영원성에 대해 너무나 날카롭게 모순되는 그의 성경 구성의 세속적이고 이교도적인 쾌활함을 Veronese를 용서할 수 없었습니다. 따라서 Veronese가 그의 "Levi의 집에서의 만찬"(1573)의 너무 "이교도적인" 성격에 대해 가져야 만했던 종교 재판에 대한 불쾌한 설명. 상업 공화국 정부의 계속되는 세속적 성격만이 Veronese를 더 심각한 결과로부터 구했습니다.

또한 베네치아 공화국의 전반적인 위기는 주로 그의 작업 후반기에 마스터의 작업에 더 직접적으로 영향을 미쳤습니다. 이미 1570 년경에 만들어진 Kuchchin (Dresden) 가문의 마돈나에서 장인 정신이 뛰어나지 만 모든 것이 완전히 고요하고 즐겁지는 않습니다. 물론 구성은 엄숙하고 웅장하며 운동의 개별 동기와 사람들의 유형은 삶에서 훌륭하게 빼앗 깁니다. 특히 매력적인 소년은 유색 대리석 기둥에 부드럽고 약간 피곤하게 달라 붙습니다. 그러나 Kuccin 자신의 표정에서 주인은 아마도 어떤 종류의 괴로움과 숨겨진 불안감을 무의식적으로 전달합니다.

드라마는 Veronese의 강점이 아니었고 일반적으로 그의 캐릭터의 창의적인 창고에 이질적이었습니다. 따라서 종종 극적인 음모를 취하더라도 Veronese는 캐릭터의 내면 경험에서 밝고 다채로운 삶의 순간, 그림 자체의 아름다움에 이르기까지 캐릭터 충돌의 이전에서 쉽게 산만 해집니다. 그러나 비통함과 슬픔의 기록은 그의 후기 십자가에서 내려오심에서 울려 퍼지기 시작합니다. 이것은 특히 부다페스트, 특히 루브르 박물관 그림에서 느껴지며 진정한 고상한 슬픔과 슬픔이 가득합니다.

후기에 Veronese의 일부 작품에서는 비관적 분위기가 예상치 못한 힘으로 돌파합니다. 그의 Hermitage Lamentation of Christ(1576년에서 1582년 사이)는 어둡고 안절부절 못하며 색상이 차분합니다. 사실, 그리스도 위로 구부러진 천사의 몸짓은 거의 정중한 우아함에서 다소 부적절하지만, 그림 전체와 관련하여 대략 우리가 실수로 빠져나간 우아한 서러브레드 동작을 인식하는 것처럼 인식됩니다. 진심 어린 슬픔에 사로잡혀 운명의 운명에 패배한 최근 부하의 몸짓. 이 기간 동안 Veronese는 기본적으로 의식 및 축제 작업에 대한 주문을 계속 수행했습니다. 1574년에 몇 차례의 대형 화재로 인해 총독의 궁전 내부의 상당 부분이 불에 탔고, 그 동안 특히 두 벨리니의 놀라운 그림 작품이 소실되었습니다. Tintoretto와 Veronese가 관련된 새로운 사이클이 주문되었습니다. 후자는 "성 캐서린의 약혼자", 우화적인 "베니스의 승리"(c. 1585; 베니스, 총독의 궁전), 사실 더 이상 승리하지도 않고 승리하지도 않는 여러 그림을 완성했습니다. 친절한. 당연히 삶과 날카로운 모순에 빠지기 때문에 이러한 작곡은 점점 더 냉정하고 점점 더 무관심한 손으로 나이가 많고 현명한 마스터에 의해 수행되었습니다. 이와는 대조적으로 이미 언급한 "그리스도의 애도", 루브르 박물관과 부다페스트의 애절한 "십자가 처형", 그리고 슬픈 서정과 슬픔으로 가득 찬 "자신을 위해" 만든 작은 이젤 작품은 가장 위대한 것입니다. 가치 나중에 일한때 삶의 기쁨과 아름다움을 사랑했던 스승님.

여러 측면에서 재능있는 슬라브 화가, 원래 달마시안 인 Andrea Meldolla (Medulich), 슬라브를 의미하는 Schiavone (1503/22-1563)이라는 별명을 가진 예술은 Tintoretto의 창의적 관심 분야와 접촉합니다. 일찍 세상을 떠난 스키아본느는 자신의 재능을 충분히 발휘할 시간적 여유가 없었음에도 불구하고 베네치아 회화의 발전에 기여한 점은 상당히 눈에 띈다.

Schiavone은 잘 알려진 Parmigianino의 영향을 경험했지만 그의 활동의 주요 초점은 Titian 후기의 예술과 Tintoretto가 그에 대한 직접적인 영향을 따르는 것으로 결정되었습니다. 안에 초기 Schiavone의 예술은 장르적으로 해석된 신화적 장면("Diana and Actaeon"; Oxford)의 전달에서 잘 알려진 목가적인 분위기로 구별됩니다. 나중에 그의 신화 구성과 복음 구성 (이 주제 범위를 거의 다루지 않음)에서 그들은 더 불안하고 극적인 성격을 얻습니다. Schiavone은 작품의 주인공을 배치하는 조경 환경의 개발에 많은 관심을 기울입니다. 강력한 자연의 정령적 생명의 완전한 흥분의 느낌은 성숙한 Schiavone의 작품(주피터와 이오, 에르미타주, 마이다스 심판, 베니스 아카데미 등)의 놀라운 품질입니다. 인간 캐릭터의 공개, 그들 사이의 갈등의 비극적 심각성, Schiavone은 후기 Titian 또는 Tintoretto보다 일반화의 깊이와 힘이 적었습니다. 이러한 문제에 대한 그의 모든 관심으로 Schiavone은 이미지를 극화하는 여러 외부 방법과 경우에 따라 과도한 내러티브 우화 (예 : 우화 삼부작 "Nature, Time and Death", 베니스 아카데미)에서 벗어날 수 없었습니다.

그 시대의 가장 깊고 광범위한 비극적 모순은 Tintoretto(1518-1594)라는 별명을 가진 Jacopo Robusti의 작품에서 표현되었습니다. Tintoretto는 베네치아 사회의 민주주의 계에서 왔으며 실크 염색공의 아들이므로 별명 Tintoretto-염색공입니다.

Titian 및 Aretino와 달리 실크 염색공의 아들의 삶은 겸손으로 구별되었습니다. 틴토레토는 평생 동안 폰다멘타 데이 모리(Fondamenta dei Mori)에 있는 베니스의 수수한 지역에 있는 수수한 집에서 가족과 함께 살았습니다. 이타심, 삶의 기쁨과 사치의 유혹에 대한 무시 - 특성마스터. 종종 자신의 창의적인 아이디어를 실현하기 위해 먼저 노력한 그는 수수료 요구 사항이 너무 온건해서 페인트와 캔버스 가격으로만 큰 구성을 완성했습니다.

동시에 Tintoretto는 순전히 르네상스 시대의 폭 넓은 인본주의 적 관심으로 구별되었습니다. 그는 과학자, 음악가, 고급 대중 사상가 인 Daniele Barbaro, Venier 형제, Tsarlino 등 르네상스 후기 베네치아 지식인의 최고 대표자들과 가까운 서클의 일부였습니다. 특히 작곡가이자 지휘자 인 Tsarlino는 이중 대위법의 생성과 함께 음악이 다 성음으로 전환되는 것과 밀접하게 관련되어 있으며, 복잡한 다 성음을 반영하는 조화 교리의 발전과 함께 불안한 역 동성과 뛰어난 음악적 재능을 가진 틴토레토의 그림 표현.

Tintoretto는 Bonifazio Veronese와 함께 그림을 공부했지만 Michelangelo와 Titian의 창의적인 경험의 깊은 발전에 훨씬 더 많은 빚을졌습니다.

Tintoretto의 복잡하고 모순적인 발전 예술은 매우 대략적으로 세 단계로 나눌 수 있습니다. 초기, 그의 작품은 여전히 성기 르네상스의 전통과 직접 연결되어 있으며 1530 년대 말과 거의 1540 년대를 다룹니다. 1550-1570년대. 르네상스 후기의 거장 틴토레토의 독창적인 예술 언어가 마침내 구체화되고 있다. 이것은 그의 두 번째 기간입니다. 그의 삶에 대한 인식과 예술적 언어가 특별한 힘과 비극적 힘에 도달하는 마지막 15년은 그의 작업에서 마지막 세 번째 기간을 형성합니다.

Tintoretto의 예술은 Titian의 예술과 마찬가지로 유난히 다면적이고 풍부합니다. 이것들은 종교적 주제에 대한 큰 구성이며 회화에서 역사적 장르의 형성을위한 기본이라고 할 수있는 작품, 멋진 "시", 신화 주제에 대한 구성 및 수많은 초상화입니다.

틴토레토는 특히 1550년대 말부터 자신이 구현한 이미지에 대한 내면의 경험과 윤리적 평가를 먼저 표현한 것이 특징이다. 따라서 그의 예술적 언어의 열정적 인 감정 표현력.

이미지의 내용에서 가장 중요한 것을 전달하려는 욕구는 순전히 기술적이고 그림 적으로 형식적인 성격의 이익보다 그의 작업에서 지배적입니다. 따라서 Tintoretto의 브러시는 Veronese의 예술적 언어의 거장 유연성과 우아한 미묘함을 거의 달성하지 못합니다. 격렬하게 일하고 항상 자신을 표현하기 위해 서두르는 주인은 거의 부주의하고 실행에 "근사한"그림을 만들었습니다. 그의 최고의 작품에서 그의 회화 형식의 유별나게 영적인 내용, 그의 세계관에 대한 열정적 인 애니메이션은 작가의 느낌에 적합한 강력한 회화 기법과 충만한 느낌과 생각이 조화를 이루는 걸작의 창조로 이어집니다. 그리고 의도. Tintoretto의 이러한 작품은 Veronese의 작품뿐만 아니라 회화 언어의 완벽한 숙달의 걸작입니다. 동시에 아이디어의 깊이와 힘은 그의 최고의 작품을 Titian의 가장 위대한 업적에 더 가깝게 만듭니다. Tintoretto의 예술적 유산의 불균일성은 부분적으로 마스터가 (그의 젊은 동시대 스페인 El Greco와는 완전히 다른 정도이지만) 그의 작품에서 후기 르네상스 예술 문화의 가장 특징적인 측면 중 하나를 구현했기 때문입니다. , 그의 약점이자 강점 인-이것은 예술가와 세계의 주관적인 개인적 관계, 그의 경험을 예술에서 직접 공개하는 것입니다.

주관적인 경험의 직접적인 전달의 순간, 필기 자체의 감정적 분위기, 아마도 실행 방식은 후기 티치아노와 미켈란젤로의 예술, 즉 그들이 된 시대에 처음으로 명확하게 반영됩니다. 후기 르네상스의 거장. 후기 르네상스 시대에 예술가의 혼란스럽고 정화 된 영혼의 충동, 그의 감정의 생생한 맥동은 더 이상 전체를 조화롭게 명확하게 반영하는 작업의 대상이 아닙니다. 반대로 그들은 공연 방식 자체에 직접 반영되며 묘사되거나 상상의 삶의 현상의 시야각을 결정합니다.

어떤 경우에는 이것은 El Greco에서 일어난 것처럼 세계에 대한 지식에서 벗어나 영혼의 주관적인 "통찰력"에 몰입하게 할 수 있으며, 다른 경우에는 매너있는 양식화 된 형태로 차갑게 예술적이고 이기적인 플레이로 이어졌습니다. , 개인의 자의성 또는 임의의 환상의 변덕에 따라 ,-파르마 매너리즘 학교에서. 그러나 예술가가 그 시대의 위대한 비극적 갈등에 사로잡힌 곳, 예술가가 열정적으로 시대의 정신을 알고 경험하고 표현하고자 했던 곳에서 후기 르네상스 문화의 이런 측면은 예술의 직접적인 정서적 표현력을 강화했습니다. 이미지, 진실한 인간의 열정의 스릴을주었습니다. 후기 르네상스 예술의 이 측면은 틴토레토의 작품에서 특히 완전한 표현을 발견했습니다.

Tintoretto가 이탈리아와 세계 예술에 가져온 새로운 것은 세상을 인식하려는 즉각적이고 진지한 열정을 표현하는 데 국한되지 않았지만 물론 다른 더 중요한 순간에 구현되었습니다.

Tintoretto는 단일 또는 복잡하게 모순되는 영적 충동에 의해 포용되는 군중의 이미지를 만든 당시의 예술 분야에서 처음이었습니다. 물론 르네상스 예술가들은 이전에 개별 영웅뿐만 아니라 사람들의 전체 그룹을 묘사했지만 라파엘의 아테네 학당이나 레오나르도의 최후의 만찬에서는 하나의 인간 집단이 살아있는 통합 집단이라는 느낌이 없었습니다. 특정 상호 작용에 들어가는 개별적으로 독립적으로 존재하는 성격의 모음이었습니다. Tintoretto에서는 처음으로 군중이 나타나며 공통적이고 통일되고 복잡한 심리적 상태, 움직이고 흔들리고 다 성음이 부여됩니다.

이탈리아 사회 발전의 비극적 인 모순은 그의 행복하고 즐거운 영웅적 존재에 대해 주변 세계에 대한 완벽하고 아름다운 사람의 지배에 대한 르네상스 인본주의의 개념을 파괴했습니다. 이러한 비극적인 갈등은 틴토레토의 작품에 반영되어 있다.

Tintoretto의 초기 작품은 아직이 비극적 정신으로 가득 차 있지 않으며 여전히 전성기 르네상스의 즐거운 낙관주의 속에 살고 있습니다. 그럼에도 불구하고 베니스의 산타 마르쿠올라 교회의 최후의 만찬(1547)과 같은 초기 작품에서 움직임의 역학, 예리하게 대조되는 조명 효과에 대한 관심이 높아진 것을 이미 느낄 수 있습니다. 그의 예술 발전의 추가 과정. Tintoretto 작업의 첫 번째 기간은 그의 대규모 구성 "The Miracle of St. Mark"(1548; 베니스 아카데미)로 끝납니다. 이것은 크고 화려한 기념비적이고 장식적인 구성입니다. 기독교 신앙을 고백하는 청년이 이교도들에 의해 벗겨져 포장 석판에 던져집니다. 판사의 명령에 따라 그는 고통을 받지만 하늘에서 빠르게 날아가는 세인트 마크는 마법의 무적 상태를 얻은 순교자의 몸에 망치, 막대기, 칼이 부러지고 사형 집행자 그룹과 관중들은 겁에 질린 놀라움으로 그의 엎드린 몸 위로 몸을 기울입니다. 르네상스와 같은 구성은 명확한 폐쇄 원칙에 따라 만들어졌습니다. 중앙의 폭력적인 움직임은 그림 중앙을 향한 오른쪽 및 왼쪽 부분에 위치한 인물의 움직임으로 인해 닫힙니다. 그들의 볼륨은 매우 조형적으로 모델링되었으며, 그들의 움직임은 르네상스 예술의 특징인 제스처의 완전한 표현력으로 가득 차 있습니다. 대담한 관점에서 볼 때, 그림의 왼쪽 구석에 아이를 안고 있는 젊은 여성의 모습은 1520년대와 1530년대 티치아노의 작품에서 표현된 독특한 영웅화 장르의 전통을 이어가고 있습니다. ( "성전으로 마리아를 데리고"). 그러나 빠른 비행-위에서 그림의 구성으로 터지는 St. Mark는 특별한 역학의 순간을 소개하고 그림의 프레임 외부에 거대한 공간의 느낌을 만들어 지각을 예상합니다. 그 자체로 폐쇄된 전체 사건이 아니라 시간과 공간의 끊임없는 움직임의 폭발 중 하나로서 후기 르네상스 예술의 특징이었습니다.

Tintoretto의 다소 초기 그림인 The Procession of St. Ursula에서 같은 모티브가 느껴지는데, 그림 외부에서 빠르게 날아오는 천사가 깊은 곳에서 이동하는 차분하고 부드러운 행렬을 침범합니다. 그리고 전통적인 신화적 주제에 대한 틴토레토의 해석에는 새로운 음표도 등장한다. 벌거벗은 비너스의 젊음의 아름다움, 요람에서 평화롭게 졸고 있는 아기 큐피드, 관능적인 노인 벌칸("Venus and Vulcan", 1545-1547, 뮌헨)의 각진 움직임이 극적인 대조로 가득 차 있습니다. .

1550년대 Tintoretto의 작업에서 새로운 기능은 마침내 이미 쓸모없는 오래된 계획을 이겼습니다. 이 시대의 가장 특징적인 작품 중 하나는 그의 "성전으로의 마리아의 입구"(c. 1555; 베니스, 산타 마리아 델 오르토 교회)로, Titian의 프리즈와 같은 엄숙한 "성전으로의 입구"와는 매우 다릅니다. . 보는 사람에게서 그림의 깊이로 이어지는 가파른 계단은 사원의 문지방으로 이어집니다. 그 위에 날카로운 사선 시점에서 불안한 흥분으로 뒤덮인 별도의 인물이 흩어져 있습니다. 잔잔한 하늘을 배경으로 계단 꼭대기에는 수행자들에게 둘러싸인 엄숙하고 엄격한 장로 대제사장이 어렴풋이 나타납니다. 그에게 계단의 마지막 계단을 오르는 마리아의 연약한 모습이 빠르게 움직입니다. 광대 한 세계의 느낌, 공간의 빠른 역학, 어떤 종류의 빠르게 맥동하고 진동하는 움직임으로 행동에 참여하는 사람들의 침투는 전체 구성에 특별한 흥분과 특별한 의미를 부여합니다.

The Abduction of the Body of St. Mark Mark (1562-1566; Venice Academy)에서 Tintoretto의 성숙기 작업의 또 다른 특징이 특히 명확하게 나타납니다. 경건한 베네치아인들이 "이교도"에 속한 알렉산드리아에서 성자의 시신을 훔치는 순간 폭풍이 몰아 치고 당황한 알렉산드리아 인들은 도망칩니다. 막강한 세력요소, 번개가 번쩍이는 그림의 불안한 조명, 폭풍우가 치는 흐린 하늘의 빛과 어둠의 투쟁은 자연을 이벤트의 강력한 공범으로 바꾸고 이미지의 전반적인 불안한 드라마를 향상시킵니다.

San Trovaso 교회의 The Last Supper에서 Tintoretto는 Raphael의 The School of Athens 또는 Leonardo의 The Last Supper의 특징 인 명확하고 단순한 캐릭터 계층을 결정적으로 위반합니다. 인물은 보는 사람 앞에 있지 않고 자연 환경의 공간에서 빼앗긴 그대로입니다. 오래된 선술집의 반지하에서 그리스도와 사도들이 앉아 있는 네모난 탁자는 날카로운 대각선 단축법으로 표현되어 있습니다. 사도들을 둘러싼 환경은 일반적인 선술집의 가장 일반적인 환경입니다. 짚으로 짠 의자, 나무 의자, 선술집의 다음 층으로 이어지는 계단, 가난한 방의 희미한 조명-이 모든 것이 삶에서 빼앗긴 것입니다. Tintoretto는 Quattrocentist 예술의 순진한 내러티브로 돌아가 거리 또는 현대적인 인테리어를 배경으로 그의 캐릭터를 사랑스럽게 묘사하는 것 같습니다.

그러나 여기에도 상당한 차이가 있습니다. 첫째, Giorgione 시대부터 Venetians는 방의 배경이 아니라 방에 환경 자체에 인물을 직접 배치했습니다. Tintoretto는 또한 Quattrocentist에게 너무 달콤하고 소중한 일상적인 물건을 쓰는 사소한 사랑에 관심이 없습니다. 그는 실제 환경의 분위기를 캐릭터의 특징적인 행동 영역으로 전달하고자 합니다. 더욱이 그의 평민적 민주주의 정서의 전형인 목수의 아들과 그의 제자들이 일하는 환경의 공통성을 강조한다.

Tintoretto는 완성 된 예술 작품에 자연스러운 구성의 무결성을 위해 노력하지만 이전 단계의 마스터와 비교할 때 그는 삶의 복잡한 폴리포니를 예리하게 느낍니다. 위대하고 중요한 것은 순수한 형태로 나타나지 않습니다. .

따라서 Tintoretto는 삶의 흐름에서 내적 의미로 가득 찬 특정 순간을 다양하고 외적으로 모순되는 모티프로 포화시킵니다. 다양한 행동. 그들 중 한 사람은 왼손에 컵을 들고 오른손으로 바닥에 서있는 큰 포도주 병을 뻗었습니다. 다른 하나는 음식 접시 위로 몸을 굽혔습니다. 어떤 종류의 접시를 들고있는 하인은 이미 그림 틀 뒤로 반쯤 갔다. 무슨 일이 일어나고 있는지 무관심한 채 계단에 앉아있는 여자가 바쁘게 빙글 빙글 돌고 있습니다. 사람들이 다양한 활동에 정신이 팔려 있던 바로 그때, 모두를 놀라게 한 스승의 말이 들렸다. 그들은 이 끔찍한 말에 즉각적인 폭력적인 반응으로 모두 단결했습니다. 바쁘지 않은 사람들은 다른 방식으로 대응했습니다. 한 사람은 놀라서 등을 기댔고, 두 번째 사람은 분개하여 손을 움켜쥐고, 세 번째 사람은 슬프게도 손을 가슴에 대고 사랑하는 선생님에게 신이 나서 절합니다. 일상에 정신이 팔려 있던 제자들은 순식간에 얼어붙은 듯했다. 병에 뻗은 손이 늘어져 더 이상 포도주를 따르지 않을 것입니다. 접시 위로 구부리는 사람은 더 이상 뚜껑을 열지 않습니다. 그들은 또한 분노한 놀라움의 일반적인 폭발에 사로 잡혔습니다. 이런 식으로 Tintoretto는 일상 생활의 복잡한 다양성과 이질적으로 보이는 이 그룹을 갑자기 하나의 전체로 통합하는 순간적인 감정과 열정을 동시에 전달하려고 합니다.

1550-1560년대. 틴토레토는 시대의 비극적 혼란이 이미 짐작되는 작품뿐만 아니라 현실의 갈등에서 시적 동화의 세계로, 꿈의 세계로 도피하고자 하는 욕망이 깃든 회화 연작을 만들어낸다. 그러나 그들에게도 멋진 시적 형태의 변형에도 불구하고 예리한 대조감과 변화하는 존재의 불안정한 불안정성이 여전히 느껴집니다.

그래서 13세기 프랑스의 한 이야기를 모티브로 쓰여졌다. 그림 "The Saving of Arsinoe"에서 작가는 르네상스 그림 "시"의 전통처럼 보이는 기사와 청년이 곤돌라를 타고 우울한 천수각 아래로 항해하는 방법에 대한 매력적인 이야기를 만듭니다. 바다에서 사슬에 묶인 두 명의 벌거 벗은 미녀를 구하십시오. 실생활의 불안하고 불안정한 불안정에서 시적 소설의 세계로 사람을 데려가는 아름다운시입니다. 그러나 주인은 여성 신체의 부드러운 부드러움과 접촉하는 기사의 차가운 금속 흉갑을 어떤 날카로움으로 비교하고 불안정하고 불안정한 지지대가 불안정한 바다의 파도에 흔들리는 가벼운 보트인지 비교합니다.

"시" 시리즈 중 최고의 그림 중 하나는 비엔나 갤러리(c. 1560)의 성서 신화에 공식적으로 헌정된 수잔나(Susanna)입니다. 이 구성의 매혹적인 마법은 저항할 수 없습니다. 첫째, 종종 Tintoretto의 특징 인 서두르는 흔적이 느껴지지 않는 그림 중 하나입니다. 얇고 정밀한 거장의 붓으로 쓰여 있습니다. 그림의 전체 분위기는 특유의 부드러운 은청색의 차가움으로 부채질되어 신선함과 약간의 서늘함을 줍니다. Susanna는 방금 목욕에서 나왔습니다. 그녀의 왼쪽 다리는 여전히 찬물에 잠겨 있습니다. 빛나는 몸은 연한 푸르스름한 그림자에 가려져 있으며 모두 내부에서 빛나는 것 같습니다. 그녀의 부드럽고 무성하고 유연한 몸의 광채는 그림자 속에서 쉬지 않고 구겨진 청록색 수건의 더 점성있는 질감과 대조됩니다.

그녀 앞에서 격자의 짙은 올리브색에서 장미는 분홍빛이 도는 보라색으로 타 오릅니다. 배경에는 시냇물이 은빛으로 빛나고 그 뒤에는 약간 칙칙한 피스타치오 톤으로 쓰여진 작은 포플러의 얇은 줄기가 솟아 있습니다. 은빛 포플러, 장미의 차가운 광채, 수영장의 잔잔한 물과 개울의 반짝임은 수잔나의 벌거벗은 몸의 광채를 모티브로 한 것 같습니다. , 전체 그림을 감싸는 은빛 시원하고 부드럽게 빛나는 분위기를 만듭니다.

Susanna는 바닥에 놓인 그녀 앞에 놓인 거울을 들여다보며 자신의 모습을 감상합니다. 우리는 그를 볼 수 없습니다. 보는 사람과 비스듬히 놓인 거울의 흔들리는 진주 표면에는 금색 핀과 그녀가 발을 닦는 수건 레이스 끝만 비친다. 그러나 이것으로 충분합니다. 시청자는 자신의 아름다움에 약간 놀란 황금 머리 수잔나의 시선 방향을 따라 자신이 보지 못하는 것을 추측합니다.

1570년에 만들어진 "은하수의 기원"(런던)의 구도는 웅장하고 활기차고 신나게 밝습니다. 여신의 우유를 마시면 자신이 불멸이 될 수 있도록 Juno의 가슴에 그를 누르십시오. 놀라고 겁에 질려 반동하는 우유의 튀는 곳에서 하늘을 둘러싼 은하수 Juno가 일어났습니다. 안절부절 못하는 경외감으로 가득 찬 구성은 우주 깊은 곳에서 빠르게 침입하는 주피터의 하녀와 놀라 뒤로 기대는 벌거 벗은 여신의 부드럽게 무성한 진주 몸의 대비 위에 구축됩니다. 메이드의 날카로운 비행과 아름다운 여신의 부드러운 움직임의 대비는 남다른 날카로움과 매력으로 가득 차 있다.

그러나 "시"에 대한 꿈처럼 부드러운 꿈은 주인의 작품에서 한 측면에 불과합니다. 그것의 주요 파토스는 다릅니다. 광활한 세계를 채우는 인간 무리의 폭풍 같은 움직임은 점점 더 작가의 관심을 끌고 있습니다.

그림. pp. 280-281

시간의 비극적 인 갈등, 사람들의 슬픔과 고통은 그 시대의 전형처럼 간접적 인 형태로 scuola di San Rocco를 위해 만들어진 The Crucifixion (1565)과 Tintoretto 작품의 두 번째 기간. 그림은 거대한 상부 홀에 인접한 큰 정사각형 방 (소위 Alberto)의 전체 벽을 채 웁니다. 그리스도와 두 도둑이 십자가에 못 박히는 장면뿐만 아니라 십자가에 매달린 제자들과 그들을 둘러싼 군중을 포함하는이 구성. 양쪽 벽의 창을 통해 쏟아지는 빛은 그대로 방 전체를 확장시켜 보는 관점에서 거의 파노라마 같은 느낌을 준다. 태양의 움직임에 따라 변하는 두 개의 상반된 빛의 흐름이 서로 엮여 연기가 나거나 번쩍이거나 희미해지는 등의 색상으로 그림에 활기를 불어넣습니다. 컴포지션 자체는 모든 무결성으로 시청자 앞에 즉시 나타나지 않습니다. 시청자가 큰 홀에있을 때 문 틈에는 십자가의 발과 십자가에 못 박힌 사람의 제자들이 슬픔에 껴안은 모습 만 보입니다. 걱정과 슬픔을 안고 상처받은 어머니 위로 몸을 구부리는 사람들도 있습니다. 열정적 인 절망에 빠진 다른 사람들은 처형 된 교사에게 눈을 돌립니다. 사람들보다 높은 십자가에 의해 제기 된 그는 아직 보이지 않습니다. 그룹은 완벽하고 독립적인 구성을 형성하며 도어 프레임에 의해 명확하게 제한됩니다.

그러나 위로 올라가는 요한의 모습과 십자가의 자루는 이것이 더 넓고 포괄적인 구성의 일부일 뿐임을 나타냅니다. 시청자가 문을 열고 그는 가족과 친구들에게 부드러운 슬픔으로 얼굴을 숙이는 아름답고 강한 사람인 고통으로 지친 그리스도를 이미 볼 수 있습니다. 또 다른 단계-그리고 방에 들어온 시청자 앞에서 혼란스럽고 호기심이 많고 승리하며 동정심 많은 사람들로 가득 찬 거대한 그림이 전체 폭으로 펼쳐집니다. 이 밀려드는 사람들의 바다 한가운데 한 무리의 사람들이 십자가의 발치에 매달렸습니다.

그리스도는 우울한 하늘을 배경으로 인광을 발산하는 형언할 수 없는 색채의 광채로 둘러싸여 있습니다. 크로스바에 못 박힌 그의 뻗은 손은 이 불안하고 시끄러운 세상을 넓게 품고 축복하고 용서하는 것 같습니다.

"십자가"는 정말 전 세계입니다. 그것은 한 가지 설명으로 소진될 수 없습니다. 인생에서와 마찬가지로 그 안에 있는 모든 것은 예상치 못한 것이며 동시에 필요하고 중요합니다. 캐릭터의 르네상스 조형과 인간 영혼의 깊은 투시력도 인상적입니다. 잔인한 진실성으로 작가는 또한 말을 탄 수염 난 족장의 이미지를 조각하고, 거만한 안일함으로 처형을 바라보고, 노인은 슬픈 부드러움으로 지친 마리아에게 몸을 굽히고, 어린 존은 슬픔에 잠긴 엑스터시로 돌아섰습니다. 죽어가는 선생님을 바라보는 그의 시선.

"Crucifixion"의 구성은 "그리스도의 열정"의 주요 단계를 구현하는 "Pilate before Pilate"와 "Carrying the Cross"라는 문 측면의 반대쪽 벽에 배치 된 두 개의 패널로 보완됩니다. 이 세 작품은 구성과 비유적 측면 모두에서 완전한 앙상블을 형성합니다.

큰 기념비적 인주기에 대한 관심은 요소의 힘에 대한 자신의 아이디어를 전달하기 위해 서로 반향하고 대조되는 이미지의 "많은 목소리"변화에 정확하게 노력하는 성숙하고 후기 Tintoretto의 특징입니다. 존재의 복잡한 역학. 그들은 Scuola di San Rocco의 거대한 앙상블에서 가장 정확하게 드러났으며, 유화로는 전례가 없었으며 수십 개의 캔버스와 플라 폰드-상단 (1576-1581) 및 하단 (1583-1587) 큰 등으로 구성되었습니다. 그중에는 빠른 드라마로 스며든 최후의 만찬이 있습니다. elegiac 몽상과 인간의 영혼이 자연 세계와 합쳐지는 미묘한 감각, "사막에서 이집트의 마리아"(하단 홀); 숨겨진 긴장과 불안으로 가득 찬 "그리스도의 유혹"; 적대적인 자연의 정령과 거인의 긴장된 투쟁을 보여주는 엄청나게 장엄한 "돌에서 물을 자르는 모세".

산 로코 사이클의 일부 작품에서는 틴토레토 작품의 토대를 이루는 민속이 특히 뚜렷하게 드러난다. 이것은 그의 "목자들의 숭배"입니다. 삶에서 포착 된 테라 농장의 농민 농장에 전형적인 2 층 헛간의 평민 상황은 특징적입니다 (가축을 위해 건초가 저장되었던 위층 바닥에 마리아와 아기가 피난처를 차지했습니다). 동시에 특이한 조명, 겸손한 선물을 가져 오는 목자들의 동요는이 장면을 변화시켜 사건의 내적 의미를 드러냅니다.

작품의 주인공으로서 많은 사람들의 이미지에 대한 호소는 후기 틴토레토의 다른 여러 작품의 전형입니다.

그래서 그의 작업의 마지막 기간에 그는 Doge의 궁전과 베니스를 위해 최초의 것 중 하나를 만듭니다. 역사적인 그림"새벽 전투"(c. 1585)라는 단어의 적절한 의미에서. 벽 전체를 가득 채운 거대한 캔버스에 틴토레토는 전투의 분노에 휩싸인 군중을 묘사합니다. 그러나 The Battle of Dawn에서 Tintoretto는 17세기의 거장들이 때때로 나중에 했던 것처럼 일종의 육지 전투 지도를 제공하려고 하지 않습니다. 그는 전투의 다양한 리듬을 전달하는 데 더 관심이 있습니다. 그림에서 화살을 던지는 궁수 그룹, 전투에서 내려온 기병, 천천히 공격하는 보병 무리, 그리고 긴장감으로 무거운 대포를 끌고있는 포병 그룹이 번갈아 나타납니다. 빨간색과 금색 배너의 섬광, 화약 연기의 짙은 퍼프, 화살의 빠른 해, 빛과 그림자의 둔한 깜박임은 펼쳐지는 전투의 포효의 극적인 밝기와 복잡한 동시 발음을 전달합니다. 복잡하고 다방면에 걸친 인간 집단인 민속 생활을 묘사한 거장 틴토레토 수리코프가 그를 그토록 사랑하게 된 것은 우연이 아닙니다.

그의 "낙원"(1588 이후)도 후기에 속합니다. 총독 궁전의 웅장한 본당 끝벽 전체를 차지하는 거대한 구성입니다. 그림은 다소 캐주얼하고 때때로 매우 어둡게 자세히 작성됩니다. 이 구성의 원래 그림 특성에 대한 아이디어는 루브르 박물관에 보관된 큰 스케치로 알 수 있습니다.

물론 Tintoretto의 "Paradise"와 특히 "Battle of Dawn"은 공식적으로 Doge 's Palace의 인상적인 축제 앙상블과 충돌하지 않으며 이미 일몰을 앞두고있는 귀족 베니스의 웅장한 힘을 찬양합니다. 그럼에도 불구하고 그들이 불러일으키는 그들의 이미지, 감정 및 아이디어는 베네치아 권력의 퇴색하는 위대함에 대한 사과보다 훨씬 더 광범위하며, 본질적으로 삶과 경험의 복잡한 의미에 대한 감각으로 가득 차 있습니다. 우리가 이해하는 사람들, 인민 군중, 인민 대중.

죽어가는 램프의 마지막 밝은 섬광처럼 긴 여정 끝에 서 있는 주인의 선물은 The Gathering of Manna와 The Last Supper in the Church of San Giorgio Maggiore(1594)에서 드러납니다.

그의 마지막 작품은 불안한 감정, 깨달은 슬픔, 깊은 명상의 복잡한 분위기로 구별됩니다. 충돌의 극적인 선명도, 대중의 폭풍우 같은 움직임, 성급한 열정의 날카로운 폭발-모든 것이 여기에 부드럽고 명확한 구체화로 나타납니다.

동시에 그리스도에 참여하는 사도들의 외적으로 상대적으로 절제된 움직임은 엄청나게 집중된 내적 영적 힘으로 가득 차 있습니다. 그리고 그들은 길고 낮은 방의 깊숙한 곳으로 대각선으로 들어가는 테이블에 앉아 있고 전경에는 활기차게 움직이는 하인과 하녀의 모습이 보이지만 시청자의 관심은 사도들에게 고정되어 있습니다. 점차 커져 어둠을 흩어뜨리고 마법의 인광 광채로 그리스도와 그의 제자들에게 넘쳐흐르는 빛, 그들을 구별하는 빛은 우리의 관심을 그들에게 집중시킵니다.

깜박이는 빛의 심포니는 겉보기에 평범해 보이는 사건을 서로에게, 교사에게, 그리고 어떤 위대한 생각에 충실한 소수의 사람들의 흥분된 영적 소통을 드러내는 기적으로 바꾸는 마법의 느낌을 만들어냅니다. 눈부신 빛의 흐름은 천장에 매달린 겸손한 구리 램프를 발산합니다. 소용돌이 치는 수증기 빛 구름은 천사의 무형의 유령 이미지로 응축되고 엄청나게 기괴한 빛이 반짝이는 표면 위로 미끄러지 듯 방의 겸손한 장식의 평범한 물체의 조용한 색상의 빛으로 비춰집니다.

The Gathering of Manna에서 은은하게 빛나는 은빛 녹색 빛이 밝은 거리를 감싸고 전경과 중경에 있는 인물의 몸과 옷 위로 부드럽게 미끄러지며 마치 단순한 일상 노동에 종사하는 사람들의 아름다움과 시를 드러냅니다. 공작 기계의 스피너, 대장장이, 린넨 헹굼 세탁소 , 노새를 운전하는 농부. 그리고 그 옆 어딘가에서 몇 명의 여자들이 만나를 줍고 있습니다. 아니요, 그러나 사람들을 먹일 만나가 하늘에서 떨어집니다. 기적은 도덕적 아름다움으로 봉헌된 노동의 시 속에 있습니다.

깨달은 천재의 작별 작품에서 Tintoretto는 아마도 16 세기의 모든 거장들과 가장 가깝습니다. 렘브란트에게 다가가다, 그의 심오한 시의식과 도덕 세계의 의미 평범한 사람. 그러나 틴토레토의 예술과 17세기의 위대한 사실주의 사이의 결정적인 차이가 가장 분명하게 드러나는 곳이 바로 여기입니다. Tintoretto는 넓고 붐비는 캔버스에 대한 열망과 르네상스 전통에서 나오는 이미지에 대한 높은 영웅적 해석이 특징이며 Rembrandt의 이미지는 겸손한 집중과 자기 몰입으로 가득 차 있으며 내면의 도덕의 아름다움을 무의식적으로 드러내는 것 같습니다. 세계. 큰 세계에서 쏟아지는 빛의 흐름은 Tintorett 작곡의 영웅을 파도로 가득 채 웁니다. Rembrandt에서는 마치 슬프고 차분하게 기뻐하며 서로의 말을 듣고 주변 공간의 귀머거리 어둠을 분산시키는 것처럼 부드러운 빛이납니다.

Tintoretto는 Titian처럼 타고난 초상화가는 아니었지만 품질은 고르지 않지만 큰 초상화 갤러리를 남겼습니다. 물론 이러한 초상화 중 최고는 예술적으로 매우 중요하며 현대 초상화의 발전에서 중요한 위치를 차지합니다.

그의 초상화에서 Tintoretto는 우선 사람의 독특한 개성을 드러내는 것이 아니라 당시의 보편적 인 인간 감정, 감정, 도덕적 문제가 인간 개인의 독창성을 통해 어떻게 굴절되는지 보여주기 위해 노력합니다. 따라서 개인의 유사성과 성격의 특성을 전달하는 데 있어 어느 정도 부드러워지고 동시에 그의 이미지의 특별한 정서적, 심리적 내용이 전달됩니다.

Tintorett의 초상화 스타일의 독창성은 1550년대 중반 이전에 결정되지 않았습니다. 따라서 초기 초상화의 이미지, 예를 들어 남성 초상화(1553; 비엔나)는 심리적 상태의 긴장보다는 오히려 뛰어난 물질적 유형성, 제스처의 절제된 역동성 및 일반적으로 불명확한 생각에 잠긴 분위기로 구별됩니다.

이러한 초기 초상화 중에서 아마도 가장 흥미로운 것은 베네치아인의 세대별 초상화(1540년대 후반 ~ 1550년대 초반, 드레스덴 갤러리)일 것입니다. 고귀한 꿈의 일반적인 상태는 특히 미묘하고 시적으로 전달됩니다. 애정 어린 여성 스러움이 절제되어 짜여져 있습니다.

예를 들어, 후기 초상화에서 Sebastiano Venier(비엔나)의 초상화, 특히 베를린의 노인 초상화에서 이미지는 위대한 영적, 심리적 깊이 및 극적인 표현력을 달성합니다. Tintoretta의 초상화에 나오는 캐릭터는 종종 깊은 불안과 슬픔에 잠긴 반성에 사로 잡 힙니다.

이것이 바로 그의 자화상(1588, 루브르 박물관)이다. 무한히 불안정한 배경의 모호한 어둠 속에서 희미한 빛처럼 안절부절하고 불확실한 조명을받은 늙은 주인의 슬프고 초췌한 얼굴이 나타납니다. 어떤 대표성이나 육체적인 아름다움도 없고, 무거운 생각과 도덕적 고통으로 지치고 지친 노인의 얼굴이다. 그러나 내면의 영적 아름다움, 사람의 도덕적 세계의 아름다움은 그의 얼굴을 변형시키고 놀라운 힘과 의미를 부여합니다. 동시에이 초상화에는 친밀한 유대감, 시청자와 묘사되는 사람 사이의 조용하고 친밀한 대화 또는 영웅의 영적 삶에 대한 시청자의 참여가 없습니다. 우리는 후기 렘브란트의 초상화에서 느낍니다. 틴토레토의 활짝 열린 애절한 눈의 시선은 시청자를 향하고 있지만 그는 그를 지나쳐 무한한 거리로, 또는 똑같은 자신의 내면으로 변합니다. 동시에 외부 제스처가없는 상태에서 (이것은 손이 묘사되지 않은 흉상 초상화입니다) 빛과 그림자의 불안한 리듬, 예외적 인 힘으로 뇌졸중의 거의 열광적 인 긴장감이 내면의 느낌을 전달합니다. 혼란, 불안한 생각과 감정의 폭발. 이것은 그의 슬픈 질문에 대한 답을 찾지 못하고 삶과 운명으로 바뀌는 현명한 노인의 비극적 이미지입니다.

건축과 매우 밀접한 관련이 있는 조각은 베니스에서도 발전했습니다. 베니스의 조각가들은 독립적인 조각 기념물이나 이젤 조각에 대한 작업보다 웅장한 베네치아 건물의 기념비적 장식과 직접 관련된 작업을 더 자주 수행했습니다. 베네치아 조각의 가장 위대한 거장이 건축가 야코포 안소비노(1486-1570)라는 것은 우연이 아닙니다.

당연히 그의 기념비적이고 장식적인 작품에서 조각가 산소비노는 건축가 산소비노의 의도를 미묘하게 느꼈다. 예를 들어 St. Mark 's Square (1537)의 아름다운 로제타와 같이 주인이 조각가이자 건축가로 활동하는 이러한 합성 작품은 고귀한 축제 건축 양식과 부조 및 둥근 동상의 놀라운 조화로운 통합으로 구별됩니다. 장식.

일반적으로 Sansovino의 예술, 특히 그의 작품 초기에는 전성기 르네상스 예술과 밀접한 관련이 있습니다. 그의 초기 작품의 특징은 베니스로 이주하기 전부터 Sansovino의 가소성을 전체적으로 베네치아 예술의 일반적인 경향과 연결하는 리듬의 자유로운 유동성 인 chiaroscuro의 부드러운 연주의 미묘한 느낌입니다. 말하자면 Sansovino의 가소성의 그림 같은 특징은 피렌체 국립 박물관에 위치한 젊은 Bacchus 동상 (1518)에 처음으로 명확하게 반영됩니다.

산소비노는 1527년 이후 베네치아에 정착했다. 창조적 인 삶아티스트. 이 기간 동안 한편으로는 Sansovino의 다중 그림 부조 구성, 예를 들어 그의 청동 부조에서 그림 경향이 증가했습니다. Mark (베니스의 산 마르코 대성당). 이 부조는 원근 구호의 원칙에 따라 만들어 졌음에도 불구하고 chiaroscuro의 날카로운 플레이, 대담한 각도로 구호의 전면 평면을 위반하고 구호 후면의 흐린 하늘 이미지는 뚜렷한 이 작품들에 대한 그림 같은 느낌과 정서적 역동성. 산마르코 대성당 성구실의 청동문에 대한 후기 부조에서 산소비노는 일관되게 원근감 부조의 기법을 언급하고 있으며, 공간의 깊이감을 보다 강하게 전달하기 위해 문의 표면을 오목한. 본질적으로 말하자면, 그들의 감정적인 "그림"의 마지막 부조는 티치아노 후기와 초기 틴토레토의 작품을 어느 정도 반영합니다.

조각상 플라스틱에서 성숙한 Sansovino는 영웅적인 아름다움과 웅장함으로 가득 찬 이미지를 계속해서 만들어 주변 공간 환경과 최대한 적극적으로 연결하려고 합니다. 따라서 각도의 "회화 적"자유, 따라서 그가 여러 조각상으로 건물의 정면을 장식 할 때 이러한 조각상을 공통 리듬, 병치 된 움직임의 동기에 대한 일종의 구성 적 롤 콜로 연결하려는 욕구가 있습니다. 그들 각각은 별도의 틈새에 배치되고 서로 격리되어있는 것처럼 보이지만 일반적인 리드미컬 한 스릴, 일종의 감정적 메아리가 그들을 일종의 단일 정서적-상상적 전체로 묶습니다.

산소비노의 작품 후기에는 일반적으로 이탈리아 후기 르네상스의 특징인 골절의 느낌, 리드미컬한 불안이 그의 작품에서 표현됩니다. 특히 내적 모순에 지친 젊은이 세례 요한의 이미지가 그렇다.

Alessandro Vittoria(1525-1608)는 20세부터 베니스에서 일했습니다. 그는 Sansovino의 학생이었고 대규모 기념비 및 장식 작업의 구현에 그와 함께 참여했습니다 (그는 Sansovino 도서관 문의 caryatids, 1555, Doge 's Palace의 Mercury 동상, 1559를 소유하고 있습니다). 언급할 가치가 있는 것은 Doge Venier(1555; 베니스)의 묘비입니다. 매너리즘의 영향이 깃든 후기 작품 중에서 세례자 요한(1583, 트레비소)이 눈에 띈다. 그의 초상화는 특징의 생동감과 효과적인 구성으로 구별되어 주목할 만합니다. Marcantonio Grimani, Tommaso Rangone 등의 흉상입니다. Vittoria는 또한 예를 들어 Chapel del Rosario의 우아하고 기발한 촛대와 같은 교회뿐만 아니라 당시의 풍부한 세속적 인테리어를 장식한 놀라운 일련의 작은 청동 조각품을 만든 사람이기도 합니다. 이런 종류의 그의 작품은 이탈리아 응용 예술의 일반적인 발전과 밀접하게 연결되어 있습니다.