르네상스의 예술 문화. 부흥 이전

창조 이상적인 도시다양한 국가와 시대의 과학자와 건축가를 괴롭혔지만 이와 같은 것을 설계하려는 최초의 시도는 르네상스 시대에 일어났습니다. 과학자들은 파라오와 로마 황제의 궁정에서 일했지만 모든 것이 분명히 계층 구조에 따를뿐만 아니라 두 통치자 모두를 위해 사는 것이 편안한 일종의 이상적인 정착지를 만드는 것을 목표로했습니다. 그리고 단순한 장인. 적어도 Akhetaten, Mohenjodaro 또는 Stasicrates가 Alexander the Great에게 제안한 환상적인 프로젝트를 기억하십시오. 유일한 문제는 이러한 정착지가 문서에 남아 있거나 파괴되었다는 것입니다. 이상적인 도시를 설계한다는 아이디어는 건축가뿐만 아니라 많은 예술가들에게도 나왔습니다. Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana 및 기타 많은 사람들이 여기에 참여했다는 언급이 있습니다.

Piero della Francesco는 동시대 사람들에게 주로 예술에 관한 논문의 저자로 알려졌습니다. 그들 중 "주판에 대한 논문", "회화의 관점", "다섯 개의 규칙적인 몸"의 세 가지만이 우리에게 내려 왔습니다. 모든 것이 수학적 계산의 대상이 되고 명확한 대칭 구조를 약속하는 이상적인 도시를 만드는 문제를 처음 제기한 사람은 바로 그 사람이었습니다. 이러한 이유로 많은 학자들은 피에로에게 르네상스의 원칙에 완벽하게 부합하는 "이상적인 도시의 전망"이라는 이미지를 부여했습니다.

Leon Battista Alberti는 이러한 대규모 프로젝트의 구현에 가장 근접했습니다. 사실, 그는 자신의 아이디어를 완전히 실현하지 못했지만 Leon이 달성하지 못한 것을 다른 예술가들이 미래에 달성 할 수 있었던 많은 그림과 메모를 남겼습니다. 특히 Bernardo Rosselino는 그의 많은 프로젝트의 실행자로 활동했습니다. 그러나 Leon은 서면으로 뿐만 아니라 그가 지은 많은 건물의 예에서도 자신의 원칙을 구현했습니다. 기본적으로 이들은 귀족 가족을 위해 설계된 수많은 궁전입니다. 건축가는 자신의 논문 On Architecture에서 이상적인 도시에 대한 자신의 예를 밝힙니다. 과학자는 그의 생애가 끝날 때까지 이 작품을 썼다. 그것은 사후에 출판되었고 건축의 문제를 밝힌 최초의 인쇄된 책이 되었습니다. Leon에 따르면 이상적인 도시는 사람의 모든 요구를 반영하고 그의 모든 인본주의 적 요구에 응답해야했습니다. 그리고 이것은 우연의 일치가 아닙니다. 왜냐하면 르네상스 시대의 지도적인 철학적 사고는 인간 중심적 인본주의였기 때문입니다. 도시는 계층적 원칙이나 고용 유형에 따라 분할될 분기로 분할되어야 합니다. 중앙 광장에는 도시 권력이 집중 될 건물과 주요 대성당과 귀족 가문과 도시 관리자의 집이 있습니다. 변두리 가까이에는 상인과 장인의 집이 있었고 가난한 사람들은 바로 국경에 살았습니다. 건축가에 따르면 이러한 건물 배치는 부자의 집이 가난한 시민의 집과 분리되기 때문에 다양한 사회 불안의 출현에 장애가되었습니다. 또 다른 중요한 계획 원칙은 통치자와 성직자가 이 도시에서 편안하게 살 수 있도록 모든 범주의 시민의 요구를 충족시켜야 한다는 것입니다. 그것은 학교와 도서관에서 시장과 온천에 이르기까지 모든 건물을 포함하기로 되어 있었습니다. 그러한 건물의 공공 접근성도 중요합니다. 이상적인 도시의 모든 윤리적, 사회적 원칙을 무시하더라도 외부의 예술적 가치는 남아 있습니다. 레이아웃은 규칙적이어야 했고, 이에 따라 도시는 직선 거리에 의해 깨끗한 구역으로 나뉘었습니다. 일반적으로 모든 건축 구조는 기하학적 모양을 따르고 눈금자를 따라 그려야 합니다. 사각형은 둥글거나 직사각형이었습니다. 이러한 원칙에 따라 로마, 제노아, 나폴리와 같은 오래된 도시는 오래된 중세 거리를 부분적으로 철거하고 새로운 넓은 구역을 건설했습니다.

일부 논문에서 사람들의 여가에 대한 유사한 언급이 발견되었습니다. 그것은 주로 소년들과 관련이 있습니다. 젊은이들이 노는 것을 방해받지 않고 관찰할 수 있는 성인의 지속적인 감독하에 있을 수 있는 유형의 놀이터와 교차로를 도시에 건설하는 것이 제안되었습니다. 이러한 예방 조치는 젊은이들의 신중함을 교육하는 데 목적이 있습니다.

르네상스 문화는 여러 면에서 이상적인 도시의 구조에 대해 더 깊이 생각할 수 있는 양식을 제공했습니다. 이것은 특히 인본주의 자에게 해당됩니다. 그들의 세계관에 따르면 편안한 존재를 위해 모든 것이 사람을 위해 만들어 져야합니다. 이 모든 조건이 충족될 때 사람은 사회적 평화와 영적 행복을 얻게 됩니다. 그러므로 그러한
사회는 단순히 선험적으로 전쟁이나 폭동을 가질 수 없습니다. 인류는 존재하는 내내 그러한 결과를 향해 나아가고 있습니다. Thomas More의 유명한 "Utopia"나 George Orwell의 "1984"를 기억하십시오. 이런 종류의 작품은 기능적 특징뿐만 아니라 반드시 도시가 아닌, 어쩌면 세계가 아닌 이 지역에 살고 있는 공동체의 관계, 질서, 구조에 대한 생각에도 영향을 미쳤다. 그러나 이러한 기반은 15세기에 다시 마련되었으므로 르네상스 시대의 과학자들은 당대의 포괄적인 교육을 받은 사람들이었다고 안전하게 말할 수 있습니다.

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서유럽 건축의 고전주의

이탈리아인들에게 맡기자

가짜 광택이 있는 빈 반짝이.

총 의미가 더 중요하다그러나 그에게 오려면

우리는 장애물과 길을 극복해야 할 것입니다.

표시된 경로를 엄격히 따르십시오.

때때로 마음은 오직 하나의 길만 가지고 있다...

의미에 대해 생각한 다음 작성해야합니다!

N. Boileau. "시적 예술".

V. Lipetskaya의 번역

그래서 고전주의의 주요 이데올로기 중 한 명인 시인 Nicolas Boileau (1636-1711)는 그의 동시대 사람들에게 가르쳤습니다. 고전주의의 엄격한 규칙은 코르네이유와 라신의 비극, 몰리에르의 희극, 라 퐁텐의 풍자, 륄리의 음악과 푸생의 그림, 파리의 궁전과 앙상블의 건축과 장식에 구현되었습니다.

고전주의는 질서 체계, 엄격한 대칭, 구성 부분의 명확한 비례 및 일반적인 아이디어에 대한 종속과 같은 고대 문화의 최고의 업적에 초점을 맞춘 건축 작품에서 가장 분명하게 나타났습니다. 고전주의 건축의 "엄격한 스타일"은 "고귀한 단순함과 차분한 웅장함"이라는 이상적인 공식을 시각적으로 구현하려는 것처럼 보였습니다. 고전주의의 건축 구조는 단순하고 명확한 형태, 차분한 비율의 조화가 지배했습니다. 물체의 윤곽을 반복하는 직선, 눈에 잘 띄지 않는 장식이 선호되었습니다. 솜씨의 단순함과 고귀함, 실용성 및 편의성이 모든 것에 영향을 미쳤습니다.

"이상적인 도시"에 대한 르네상스 건축가의 아이디어를 바탕으로 고전주의 건축가는 단일 기하학적 계획에 엄격하게 종속되는 새로운 유형의 웅장한 궁전과 공원 앙상블을 만들었습니다. 이 시대의 뛰어난 건축 구조 중 하나는 파리 외곽에 있는 프랑스 왕의 거주지인 베르사유 궁전이었습니다.

베르사유의 "요정의 꿈"

19세기 중반 베르사유를 방문한 마크 트웨인.

“빵이 모자랐을 때 베르사유에 2억 달러를 쓴 루이 14세를 꾸짖었지만 이제 그를 용서했습니다. 매우 아름답습니다! 당신은 눈을 뜨고 당신이 에덴 동산이 아니라 지구에 있다는 것을 이해하려고 노력합니다. 그리고 당신은 이것이 사기, 단지 멋진 꿈이라고 믿을 준비가 거의 되어 있습니다.

실제로 베르사유의 "동화 꿈"은 일반 레이아웃의 규모, 정면의 웅장한 화려 함 및 인테리어 장식 장식의 광채에 여전히 놀라움을 금치 못합니다. 베르사유는 합리적으로 배열된 세계 모델의 아이디어를 표현하는 고전주의의 웅장한 공식 건축의 가시적 구체화가 되었습니다.

100헥타르의 대지 짧은 시간(1666-1680)은 프랑스 귀족을 위한 낙원으로 바뀌었습니다. 건축가 Louis Leveaux(1612-1670), Jules Hardouin-Mansart(1646-1708) 및 앙드레 르 노트르(1613-1700). 수년 동안 그들은 건축에서 많이 재건되고 변경되었으므로 현재는 여러 건축 층의 복잡한 융합으로 흡수됩니다. 캐릭터 특성고전주의.

베르사유의 중심은 3개의 길이 모이는 왕궁입니다. 특정 고도에 위치한 궁전은 지역에서 지배적 인 위치를 차지합니다. 제작자는 거의 반 킬로미터 길이의 정면을 중앙 부분과 두 개의 측면 날개 인 risalit로 나누어 특별한 엄숙함을 부여했습니다. 파사드는 3층으로 표현된다. 거대한 기지 역할을하는 첫 번째는 이탈리아 르네상스 궁전-팔라초 모델에 소박하게 장식되어 있습니다. 두 번째 전면에는 높은 아치형 창문이 있으며 그 사이에는 이오니아 기둥과 벽기둥이 있습니다. 건물을 덮는 층은 궁전의 외관에 기념비적 인 느낌을줍니다. 건물에 특별한 우아함과 가벼움을 부여하는 조각 그룹으로 짧아지고 끝납니다. 파사드의 창문, 벽기둥 및 기둥의 리듬은 고전적인 엄격함과 웅장함을 강조합니다. Molière가 베르사유 왕궁에 대해 다음과 같이 말한 것은 우연이 아닙니다.

"궁전의 예술적인 장식은 자연이 주는 완벽함과 너무도 조화를 이루어 마법의 성이라고 부를 수 있습니다."

인테리어 그랜드 팰리스바로크 양식으로 장식되어 있습니다. 조각 장식, 금박 치장 벽토 및 조각 형태의 풍부한 장식, 많은 거울 및 정교한 가구로 가득합니다. 벽과 천장은 정사각형, 직사각형 및 원과 같은 명확한 기하학적 패턴이 있는 유색 대리석 슬래브로 덮여 있습니다. 그림 같은 패널과 태피스트리 신화적 주제루이 14세를 찬양합니다. 금박을 입힌 거대한 청동 샹들리에는 부와 사치의 인상을 완성합니다.

궁전 홀 (약 700 개가 있음)은 끝없는 엔필라드를 형성하며 의식 행렬, 웅장한 축제 및 가장 무도회를 위해 설계되었습니다. 궁전의 가장 큰 의식 홀인 미러 갤러리(길이 73m)에서 새로운 공간 및 조명 효과에 대한 탐색이 명확하게 시연됩니다. 홀 한쪽의 창문은 다른 쪽의 거울과 일치했습니다. 햇빛이나 인공조명 아래에서 400개의 거울이 놀라운 공간 효과를 만들어 반사의 마법 같은 유희를 전달했습니다.

Versailles와 Louvre에서 Charles Lebrun (1619-1690)의 장식 구성은 의식의 화려 함으로 눈에 띄었습니다. 고위층에 대한 아찔한 칭찬을 포함하는 그가 선포 한 "열정을 묘사하는 방법"은 예술가를 현기증 나는 성공으로 이끌었습니다. 1662년에 그는 왕의 첫 번째 화가가 되었고, 그 다음에는 왕실 태피스트리(손으로 짠 카펫 그림 또는 태피스트리)의 책임자이자 베르사유 궁전의 모든 장식 작업 책임자가 되었습니다. 궁전의 거울 갤러리에서 Lebrun은 그림을 그렸습니다.

"태양왕" 루이 14세의 통치를 미화한 신화적 주제에 대한 많은 우화적 구성이 있는 금박 천장. 그림 같은 알레고리와 속성, 바로크 양식의 밝은 색상 및 장식 효과는 고전주의 건축과 분명히 대조됩니다.

왕의 침실은 궁전의 중앙 부분에 위치하며 정면을 향하고 있습니다. 떠오르는 태양. 여기에서 한 지점에서 방사되는 세 개의 고속도로가 열리며 국가 권력의 중심을 상징적으로 상기시킵니다. 발코니에서 왕의 전망은 베르사유 공원의 모든 아름다움을 열었습니다. 주요 창작자 Andre Le Nôtre는 건축과 원예 예술의 요소를 함께 연결했습니다. 자연과의 합일의 사상을 표현한 조경(영어) 공원과 달리 일반(프랑스) 공원은 자연을 작가의 의지와 의도에 종속시켰다. 베르사유 공원은 명확하고 합리적인 공간 구성에 깊은 인상을 받았으며 건축가는 나침반과 눈금자를 사용하여 그림을 정확하게 확인했습니다.

공원의 골목은 궁전 홀의 연속으로 인식되며 각각은 저수지로 끝납니다. 많은 수영장은 올바른 기하학적 모양을 가지고 있습니다. 해가 지기 전의 매끄러운 물거울은 태양 광선과 정육면체, 원뿔, 원통 또는 공 모양으로 다듬어진 덤불과 나무가 드리운 기발한 그림자를 반사합니다. 녹지는 때때로 단단하고 뚫을 수없는 벽, 때로는 넓은 갤러리를 형성하며 조각 구성, herms (머리 또는 흉상으로 장식 된 사면체 기둥) 및 얇은 물줄기 폭포가있는 수많은 꽃병이 배치되는 인공 틈새에 있습니다. 유명 거장들이 만든 분수의 우화적 가소성은 절대 군주의 통치를 미화하기 위해 고안되었습니다. "태양 왕"은 전차를 타고 물에서 나오거나 시원한 동굴에서 님프들 사이에서 쉬는 아폴로 신 또는 해왕성의 모습으로 그들에게 나타났습니다.

잔디밭의 부드러운 카펫은 기괴한 꽃 장식으로 밝고 화려한 색상으로 놀랍습니다. 꽃병 (약 150,000 개가 있음)에는 베르사유가 일년 중 언제든지 계속 꽃이 피도록 변경된 신선한 꽃이있었습니다. 공원의 길에는 색색의 모래가 흩어져 있습니다. 그들 중 일부는 햇볕에 반짝이는 도자기 조각으로 늘어서 있었습니다. 이 모든 화려 함과 자연의 화려 함은 온실에서 퍼지는 아몬드, 자스민, 석류, 레몬 냄새로 보완되었습니다.

이 공원에는 자연이 있었다

마치 무생물처럼;

고상한 소네트처럼,

그들은 풀을 가지고 장난을 치고 있었습니다.

춤도, 달콤한 라즈베리도,

르 노트르와 장 륄리

정원과 무질서의 춤에서

참을 수 없었습니다.

주목은 황홀한 것처럼 얼어 붙었습니다.

덤불이 줄지어 서 있고,

그리고 절했다

배운 꽃.

V. Hugo E. L. Lipetskaya의 번역

1790년에 베르사유를 방문한 N. M. Karamzin(1766-1826)은 러시아 여행자의 편지에서 자신의 인상에 대해 다음과 같이 말했습니다.

“광대함, 부분들의 완벽한 조화, 전체의 움직임: 이것은 화가가 붓으로 묘사할 수 없는 것입니다!

대담한 천재가 어디에서나 자랑스러운 예술의 왕좌에 앉은 Le Nôtre의 창조물 인 정원으로 가자. 가난한 노예처럼 겸손한 Natura가 그를 발에 던졌습니다 ...

그러므로 베르사유 정원에서 자연을 찾지 마십시오. 하지만 여기에서는 모든 단계에서 Art가 눈을 사로 잡습니다 ... "

파리의 건축 앙상블. 제국

17-18세기 초 베르사유의 주요 공사가 완료된 후 앙드레 르 노트르(André Le Nôtre)가 출범했습니다. 왕성한 활동파리 재개발을 위해 그는 튈르리 공원의 붕괴를 수행하여 루브르 앙상블의 세로축의 연속에 중심축을 명확하게 고정했습니다. Le Nôtre 이후 루브르 박물관이 마침내 재건되었고 Place de la Concorde가 만들어졌습니다. 파리의 위대한 축은 웅장함, 웅장함, 화려함의 요구 사항을 충족하는 도시에 대해 완전히 다른 해석을 제공했습니다. 열린 도시 공간의 구성, 건축적으로 설계된 거리와 광장의 시스템은 파리 계획의 결정적인 요소가 되었습니다. 하나의 전체로 연결된 거리와 광장의 기하학적 패턴의 선명도 오랜 세월도시계획의 완성도와 도시계획자의 역량을 평가하는 기준이 될 것이다. 이후 전 세계 많은 도시에서 고전적인 파리지앵 모델의 영향을 받게 될 것입니다.

사람에 대한 건축 적 영향의 대상으로서 도시에 대한 새로운 이해는 도시 앙상블 작업에서 분명한 표현을 찾습니다. 건설 과정에서 고전주의 도시 계획의 기본 및 기본 원칙, 즉 공간의 자유로운 개발과 환경과의 유기적 연결이 설명되었습니다. 도시 개발의 혼란을 극복하기 위해 건축가들은 자유롭고 탁 트인 시야를 위해 설계된 앙상블을 만들려고 했습니다.

"이상적인 도시"를 만들고자 하는 르네상스의 꿈은 더 이상 특정 건물의 정면이 아닌 새로운 유형의 광장 형성으로 구체화되었습니다. 강 제방. 건축은 바로 인접한 건물뿐만 아니라 도시의 매우 먼 지점도 특정 앙상블 통일성으로 연결하려고 합니다.

18세기 후반 그리고 19세기의 1/3. 프랑스에서 기념 새로운 무대고전주의의 발전과 유럽 국가에서의 분포 - 신고전주의. 그레이트 이후 프랑스 혁명그리고 1812년의 애국 전쟁으로 인해 도시 계획에 새로운 우선 순위가 나타나 그 시대의 정신과 조화를 이루었습니다. 그들은 엠파이어 스타일에서 가장 인상적인 표현을 발견했습니다. 그것은 다음과 같은 특징이 특징입니다 : 제국의 웅장 함의 의식 파토스, 기념비, 제국 로마 예술에 대한 호소 및 고대 이집트, 로마의 속성 사용 전사주요 장식 모티브로.

새로움의 본질 예술적 스타일나폴레옹 보나파르트의 중요한 말로 매우 정확하게 전달되었습니다.

"나는 힘을 사랑하지만 예술가로서 ... 나는 그것으로부터 소리, 화음, 하모니를 추출하는 것을 좋아합니다."

엠파이어 스타일나폴레옹의 정치 권력과 군사적 영광의 의인화가되어 그의 숭배의 일종의 표현 역할을했습니다. 새로운 이데올로기는 새 시대의 정치적 이익과 예술적 취향에 완전히 부합했습니다. 열린 광장, 넓은 거리 및 도로의 대규모 건축 앙상블이 도처에 만들어졌으며 다리, 기념물 및 공공 건물이 세워져 제국의 웅장 함과 권력의 힘을 보여주었습니다.

예를 들어 Austerlitz 다리는 나폴레옹의 대전투를 연상시키며 바스티유의 돌로 지어졌습니다. 앳 더 플레이스 카루젤지어졌다 개선문 Austerlitz에서의 승리를 기리기 위해. 상당한 거리를 두고 서로 떨어져 있는 두 개의 사각형(Consent 및 Stars)은 건축적 관점으로 연결되었습니다.

성 제네비에브 교회, J. J. Soufflot이 세운 것은 프랑스 위대한 사람들의 안식처 인 판테온이되었습니다. 그 당시 가장 화려한 기념물 중 하나는 방돔 광장에 있는 대군(Grand Army) 기둥입니다. Trajan의 고대 로마 기둥과 유사하게 건축가 J. Gonduin과 J. B. Leper의 계획에 따르면 New Empire의 정신과 위대함에 대한 나폴레옹의 갈증을 표현하기로했습니다.

궁전과 공공 건물의 내부 밝은 장식에서 엄숙함과 장엄한 화려 함은 특히 높이 평가되었으며 장식은 종종 군사 도구로 가득 차있었습니다. 지배적 인 모티프는 독수리, 그리핀, 항아리, 화환, 횃불, 그로테스크와 같은 로마와 이집트 장식품의 요소 인 색상의 대조되는 조합이었습니다. Empire 스타일은 Louvre와 Malmaison의 황실 거주지 내부에서 가장 분명하게 나타났습니다.

나폴레옹 보나파르트의 시대는 1815년에 끝났고 곧 그들은 이데올로기와 취향을 적극적으로 근절하기 시작했습니다. "꿈처럼 사라진"제국에는 이전의 위대함을 분명히 증언하는 제국 스타일의 예술 작품이 있습니다.

질문 및 작업

1. 베르사유가 뛰어난 작품으로 꼽힐 수 있는 이유는 무엇입니까?

XVIII 세기의 고전주의의 도시 계획 아이디어로. 에서 실제 적용을 찾았습니다. 건축 앙상블파리, 예를 들어 Place de la Concorde? 포폴로 광장(P. 74 참조)과 같은 17세기 로마의 이탈리아 바로크 광장과 무엇이 다른가?

2. 바로크와 고전주의 사이의 연결은 어떻게 표현되었습니까? 고전주의는 바로크에서 어떤 아이디어를 물려받았습니까?

3. 엠파이어 스타일이 등장하게 된 역사적 배경은 무엇인가? 그가 예술 작품에서 표현하고자 했던 당시의 새로운 아이디어는 무엇이었습니까? 어떤 예술적 원칙에 의존합니까?

창작 워크숍

1. 급우들에게 베르사유 가이드 투어를 제공하세요. 준비를 위해 인터넷의 비디오 자료를 사용할 수 있습니다. Versailles와 Peterhof의 공원은 종종 비교됩니다. 그러한 비교의 근거는 무엇이라고 생각하십니까?

2. 르네상스 시대의 "이상적인 도시"의 이미지를 파리의 고전주의 앙상블(상트페테르부르크 또는 그 교외)과 비교해 보십시오.

3. 디자인 비교 인테리어 장식 Fontainebleau의 Francis I 갤러리와 Versailles의 Mirror Gallery의 (인테리어).

4. “Versailles. 왕의 행보”(p. 74 참조). 그들은 프랑스 왕 루이 14세의 궁정 생활의 일반적인 분위기를 어떻게 전달합니까? 왜 그들은 독특한 그림-기호로 간주될 수 있습니까?

프로젝트 주제, 초록 또는 메시지

"17~18세기 프랑스 건축의 고전주의 형성"; "세계의 조화와 아름다움의 모델로서의 베르사유"; "베르사유 산책: 궁전 구성과 공원 배치 사이의 연관성"; "서유럽 고전주의 건축의 걸작"; "프랑스 건축의 나폴레옹 제국"; "베르사유와 피터호프: 경험 비교 특성»; « 예술적 발견파리의 건축 앙상블에서”; "파리의 광장과 도시의 규칙적인 계획 원칙의 발전"; "파리 앵발리드 대성당의 구성의 명확성과 볼륨의 균형"; "Concord Square는 고전주의 도시 계획 아이디어 개발의 새로운 단계입니다."; "J. Soufflot의 St. Genevieve (Pantheon) 교회 장식의 심한 표현력과 인색함"; "서유럽 국가 건축의 고전주의 특징"; "서유럽 고전주의의 뛰어난 건축가".

추가로 읽을 수 있는 책

Arkin D. E. 건축 이미지와 조각 이미지. M., 1990. Kantor A.M. 및 기타 XVIII 세기의 예술. M., 1977. (작은 예술사).

고전주의와 낭만주의: 건축. 조각품. 그림. 그림 / 에드. R. 토만. M., 2000.

Kozhina E.F. 18세기 프랑스 미술. 엘., 1971.

LenotrJ. 왕 아래 베르사유의 일상. M., 2003.

Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. 깨달음의 문화. M., 1996.

Watkin D. 서유럽 건축의 역사. M., 1999. Fedotova E.D. 나폴레옹 제국. M., 2008.

자료를 준비하면서 교과서 "세계 예술 문화. 18세기부터 현재까지”(저자 Danilova G. I.).

르네상스 예술

르네상스-지금은 연극, 문학, 음악 등 모든 예술의 전성기이지만 의심 할 여지없이 그 시대의 정신을 가장 잘 표현한 것은 순수 예술이었다.

르네상스가 예술가들이 더 이상 지배적인 "비잔틴" 스타일의 틀에 만족하지 않고 그들의 작품에 대한 모델을 찾기 위해 처음으로 의지했다는 사실로 르네상스가 시작되었다는 이론이 있다는 것은 우연이 아닙니다 고대로. "Renissance"(르네상스)라는 용어는 그 시대의 사상가이자 예술가인 Giorgio Vasari("유명한 화가, 조각가 및 건축가의 전기")에 의해 도입되었습니다. 그래서 그는 시간을 1250년에서 1550년으로 불렀다. 그의 관점에서 이것은 고대의 부흥의 시간이었습니다. Vasari에게 고대는 이상적인 방식으로 나타납니다.

앞으로는 용어의 내용이 발전했습니다. 부흥은 신학에서 과학과 예술의 해방, 기독교 윤리에 대한 냉각, 국가 문학의 탄생, 가톨릭 교회의 제한으로부터 자유를 원하는 인간의 열망을 의미하기 시작했습니다. 즉, 르네상스는 본질적으로 인문주의.

부흥, 르네상스(French renais sance - rebirth) - 가장 위대한 시대 중 하나, 중세와 새로운 시대 사이의 세계 예술 발전의 전환점. 르네상스는 XIV-XVI 세기를 다룹니다. 이탈리아에서는 XV-XVI 세기. 다른 유럽 국가에서. 그 이름 - 르네상스 (또는 르네상스) - 관심의 부활과 관련하여받은 문화 발전의이 기간 고대 예술. 그러나 당시의 예술가들은 오래된 패턴을 복사했을 뿐만 아니라 질적으로 새로운 내용을 넣었습니다. 르네상스는 예술적 스타일이나 방향으로 간주되어서는 안됩니다. 이 시대에는 다양한 예술적 스타일, 트렌드, 흐름이 있었기 때문입니다. 르네상스의 미적 이상은 새로운 진보적 세계관 인 인본주의를 기반으로 형성되었습니다. 현실 세계와 사람은 최고의 가치로 선포되었습니다. 사람은 만물의 척도입니다. 특히 창의적인 사람의 역할이 커졌습니다.

그 시대의 인본주의적 파토스는 이전 세기와 마찬가지로 우주의 그림을 그리는 것을 목표로 한 예술에서 가장 잘 구현되었습니다. 새로운 것은 그들이 물질과 정신을 하나의 전체로 통합하려고 노력했다는 것입니다. 예술에 무관심한 사람을 찾기 어려웠지만 우선적으로 미술그리고 건축.

15세기 이탈리아 회화 대부분 기념비적입니다 (프레스코). 회화는 순수 예술의 유형 중 선두 자리를 차지합니다. 그것은 "자연을 모방한다"는 르네상스 원칙과 가장 완벽하게 일치합니다. 자연에 대한 연구를 바탕으로 새로운 시각 체계가 형성됩니다. 아티스트 Masaccio는 키아로스쿠로의 도움을 받아 볼륨에 대한 이해를 발전시키고 볼륨을 전달하는 데 가치 있는 기여를 했습니다. 선형 및 법칙의 발견 및 과학적 입증 공중 관점유럽 ​​회화의 운명에 큰 영향을 미쳤습니다. 조각의 새로운 플라스틱 언어가 형성되고 있으며 창립자는 Donatello였습니다. 그는 독립형 원형 조각상을 부활시켰다. 그의 최고의 작품은 다비드(피렌체)의 조각품이다.

건축에서는 고대 질서 체계의 원리가 부활하고 비율의 중요성이 높아지며 새로운 유형의 건물이 형성되고 있으며(도성 궁전, 시골 별장 등) 건축 이론과 이상 도시의 개념은 개발 중. 건축가 브루넬레스키는 건축에 대한 고대의 이해와 후기 고딕 양식의 전통을 결합하여 고대인에게 알려지지 않은 새로운 건축 영성을 달성한 건물을 지었습니다. 르네상스 시대에 새로운 세계관은 당연히 천재라고 불리는 예술가들의 작품에서 가장 잘 구현되었습니다. Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione 및 Titian. 16세기의 마지막 2/3 후기 르네상스라고 합니다. 이때 위기는 예술을 덮는다. 그것은 정중하게 규제되고 따뜻함과 자연스러움을 잃습니다. 그러나 개별 위대한 예술가-Titian, Tintoretto는이 기간 동안 계속해서 걸작을 만듭니다.

이탈리아 르네상스는 프랑스, ​​스페인, 독일, 영국 및 러시아의 예술에 큰 영향을 미쳤습니다.

네덜란드, 프랑스, ​​독일(XV-XVI 세기) 예술 발전의 부상을 북부 르네상스라고 합니다. 화가 Jan van Eyck, P. Brueghel the Elder의 작품은 예술 발전에서 이 시기의 정점입니다. 독일에서 A. Dürer는 독일 르네상스의 가장 위대한 예술가였습니다.

영적 문화와 예술 분야에서 르네상스 시대에 이루어진 발견은 이후 세기에 유럽 예술의 발전에 큰 역사적 중요성을 가졌습니다. 그들에 대한 관심은 오늘날까지 계속되고 있습니다.

이탈리아의 르네상스는 초기 르네상스, 전성기 르네상스, 후기 르네상스 등 여러 단계를 거쳤습니다. 피렌체는 르네상스의 발상지가 되었습니다. 새로운 예술의 기초는 화가 Masaccio, 조각가 Donatello 및 건축가 F. Brunelleschi에 의해 개발되었습니다.

아이콘 대신 그림을 처음으로 만든 사람은 프로토 르네상스의 가장 큰 거장이었습니다. 지오토.그는 상징주의를 실제 공간과 특정 대상의 묘사로 대체하여 실제 인간의 감정과 경험의 묘사를 통해 기독교 윤리 사상을 전달하기 위해 노력한 최초의 사람이었습니다. 조토의 유명한 프레스코화에 파도바의 아레나 채플성도 옆에서 양치기 또는 스피너와 같은 아주 특이한 캐릭터를 볼 수 있습니다. Giotto의 각 개인은 매우 명확한 경험, 명확한 성격을 표현합니다.

예술의 초기 르네상스 시대에 고대 예술 유산의 발전이 일어나고 새로운 윤리적 이상이 형성되며 예술가는 과학의 업적 (수학, 기하학, 광학, 해부학)으로 향합니다. 초기 르네상스 예술의 이데올로기 및 문체 원칙 형성에 주도적 인 역할은 다음과 같습니다. 피렌체. Donatello, Verrocchio와 같은 마스터가 만든 이미지에서 Donatello의 condottiere Gattamelata David의 승마 동상은 영웅적이고 애국적인 원칙을 지배합니다 (Donatello의 "St. George"및 "David"및 Verrocchio의 "David").

Masaccio는 르네상스 회화의 창시자였습니다.(Brancacci Chapel의 벽화, "Trinity") Masaccio는 공간의 깊이를 전달할 수 있었고 그림과 풍경을 단일 구성 아이디어로 연결했으며 개인에게 초상화 표현력을 부여했습니다.

그러나 인간에 대한 르네상스 문화의 관심을 반영한 그림 초상화의 형성과 진화는 Umrbi 학교의 예술가 이름과 관련이 있습니다. 피에로 델라 프란체스카, 핀투리키오

예술가의 작품은 초기 르네상스에서 두드러집니다. 산드로 보티첼리.그가 만든 이미지는 영적이고 시적입니다. 연구자들은 예술가의 작품에서 추상화와 세련된 지적주의, 복잡하고 암호화된 콘텐츠("봄", "비너스의 탄생")로 신화적인 구성을 만들고자 하는 그의 열망에 주목합니다. 보티첼리의 전기 작가 중 한 명은 그의 마돈나와 비너스가 다음과 같은 인상을 준다고 말했습니다. 손실, 지울 수없는 슬픔... 그들 중 일부는 하늘을 잃었고 다른 일부는 지구를 잃었습니다.

"봄" "비너스의 탄생"

이탈리아 르네상스의 이데올로기적, 예술적 원리 발전의 절정은 하이 르네상스. 전성기 르네상스 예술의 창시자는 레오나르도 다빈치입니다. 화성그리고 과학자.

그는 많은 걸작을 만들었습니다. Leonardo 학교는 거의 눈에 띄지 않습니다. 그러나 얼굴과 체형을 감싸는 부드럽게 녹는 안개 속에서 Leonardo는 인간 얼굴 표정의 무한한 가변성을 느낄 수 있었습니다. Gioconda의 눈은 보는 사람을 세심하고 침착하게 바라보고 있지만 눈구멍의 음영으로 인해 약간 눈살을 찌푸리고 있다고 생각할 수 있습니다. 그녀의 입술은 압축되어 있지만 거의 눈에 띄지 않는 그림자가 모서리 근처에 윤곽이 잡혀있어 매분 열리고 웃고 말할 것이라고 믿게 만듭니다. 그녀의 시선과 입술의 반쯤 웃는 것 사이의 대조는 그녀의 경험의 모순적인 본질에 대한 아이디어를 제공합니다. Leonardo가 긴 세션으로 모델을 고문한 것은 헛되지 않았습니다. 누구와도 달리 그는이 그림에서 그림자, 음영 및 하프 톤을 전달했으며 떨리는 삶의 느낌을줍니다. Vasari가 Mona Lisa의 목에서 정맥이 어떻게 뛰고 있는지 볼 수 있다고 생각한 것은 당연합니다.

Gioconda의 초상화에서 Leonardo는 몸과 그것을 감싸는 공기 환경을 완벽하게 전달했을뿐만 아니라. 그는 또한 그림이 조화로운 인상을 주기 위해 눈이 필요로 하는 것이 무엇인지에 대한 이해를 담았습니다. 그래서 긴장된 불협화음이 해소될 때 음악에서 일어나는 것처럼 모든 것이 자연스럽게 하나에서 다른 형태로 태어나는 것처럼 보입니다. 조화로운 화음으로. Gioconda는 엄격하게 비례하는 직사각형에 완벽하게 새겨 져 있으며 그녀의 반쪽 모양은 전체를 형성하고 접힌 손은 그녀의 이미지 완성도를 제공합니다. 물론 초기 수태 고지의 기괴한 컬에 대해서는 의문의 여지가 없습니다. 그러나 모든 윤곽이 아무리 부드러워도 Gioconda의 머리카락의 물결 모양의 자물쇠는 투명한 베일과 조화를 이루고 어깨 너머로 던져진 매달린 천은 먼 길의 부드러운 구불 구불 한 메아리를 찾습니다. 이 모든 것에서 Leonardo는 리듬과 조화의 법칙에 따라 창조하는 능력을 보여줍니다. “기술적인 측면에서 모나리자는 항상 설명할 수 없는 것으로 여겨져 왔습니다. 이제 이 수수께끼에 답할 수 있을 것 같아요.” 프랭크가 말했습니다. 그에 따르면 Leonardo는 "sfumato"(이탈리아어 "sfumato", 문자 그대로 "연기처럼 사라졌다")를 개발 한 기술을 사용했습니다. 비결은 그림의 물체에 명확한 경계가 없어야하고 모든 것이 서로 부드럽게 전환되어야하며 물체를 둘러싼 가벼운 공기 연무의 도움으로 물체의 윤곽이 부드러워 져야한다는 것입니다. 이 기술의 가장 큰 어려움은 현미경이나 X선을 사용하여 인식할 수 없는 가장 작은 스트로크(약 1/4밀리미터)에 있습니다. 따라서 다빈치의 그림을 그리는 데는 수백 번의 세션이 필요했습니다. 모나리자의 이미지는 약 30층의 거의 투명한 액체 유성 페인트로 구성되어 있습니다. 이러한 장신구 작업을 위해 작가는 돋보기를 사용해야 했던 것 같다. 아마도 그러한 힘든 기술의 사용은 초상화 작업에 거의 4 년이 걸리는 오랜 시간을 설명합니다.

, "마지막 식사"지속적인 인상을 남깁니다. 벽면에는 이를 극복하고 보는 이를 조화와 장엄한 환상의 세계로 안내하듯 속이는 신뢰의 고대 복음 드라마가 펼쳐진다. 그리고 이 드라마는 슬픈 얼굴을 한 남편이 불가피한 일이라고 받아들이는 주인공을 향한 일반적인 충동에서 해결책을 찾는다. 그리스도께서는 방금 제자들에게 "너희 중 하나가 나를 팔리라"고 말씀하셨습니다. 배신자는 다른 사람들과 함께 앉습니다. 옛 거장들은 따로 앉아있는 유다를 묘사했지만 레오나르도는 그림자로 그의 모습을 가리고 훨씬 더 설득력있게 그의 우울한 고립을 가져 왔습니다. 그리스도는 그의 위업의 희생에 대한 의식으로 가득 찬 그의 운명에 복종합니다. 눈을 낮추고 기울인 머리, 손짓은 한없이 아름답고 장엄합니다. 그의 모습 뒤 창문을 통해 매력적인 풍경이 펼쳐진다. 그리스도는 전체 구성, 주위를 맴도는 모든 격정의 소용돌이의 중심이십니다. 그의 슬픔과 평온함은 그대로 영원하고 자연스럽고 이것이 보여지는 드라마의 깊은 의미입니다 그는 자연에서 완벽한 형태의 예술의 원천을 찾고 있었지만 N. Berdyaev는 그가 다가오는 과정에 대한 책임이 있다고 생각합니다 사람을 자연에서 찢어 놓은 인간 삶의 기계화와 기계화.

회화는 창의성에서 고전적 조화를 이룬다 라파엘.그의 예술은 성모(Madonna Conestabile)의 초기 쌀쌀한 움브리아 이미지에서 피렌체와 로마 작품의 "행복한 기독교" 세계로 진화했습니다. "황금 방울새를 가진 마돈나"와 "안락 의자에 앉은 마돈나"는 부드럽고 인간적이며 심지어 인간성에서 평범합니다.

그러나 "Sistine Madonna"의 이미지는 웅장하며 하늘과 땅의 세계를 상징적으로 연결합니다. 무엇보다 라파엘은 마돈나의 부드러운 이미지를 창조한 것으로 알려져 있다. 그러나 그림에서 그는 르네상스 시대의 보편적 인간(카스틸리오네의 초상화)의 이상과 역사적 사건의 드라마를 모두 구현했습니다. The Sistine Madonna (c. 1513, Dresden, Art Gallery)는 예술가의 가장 영감을 받은 작품 중 하나입니다. 성 베드로 수도원 교회의 제단화로 쓰여졌다. Piacenza의 Sixtus, 이 그림은 이미지의 디자인, 구성 및 해석 측면에서 피렌체 시대의 마돈나와 크게 다릅니다. 두 아기의 놀이를 겸손하게 따르는 아름다운 젊은 처녀의 친밀하고 세속적 인 이미지 대신 누군가가 뒤로 젖힌 커튼 때문에 갑자기 하늘에 나타난 멋진 비전이 있습니다. 엄숙하고 장엄한 황금빛 광채에 둘러싸인 마리아는 아기 예수를 앞에 안고 구름 속을 걸어갑니다. 그녀의 St 앞에 왼쪽과 오른쪽이 무릎을 꿇습니다. 식스토와 성. 바바라. 대칭적이고 엄격하게 균형 잡힌 구성, 실루엣의 선명도 및 형태의 기념비적 일반화는 Sistine Madonna에 특별한 웅장함을 부여합니다.

이 그림에서 Raphael은 아마도 다른 어느 곳보다 훨씬 더 생생한 이미지의 진실성과 이상적인 완벽의 특징을 결합했습니다. 마돈나의 이미지는 복잡합니다. 아주 젊은 여성의 감동적인 순결과 순진함이 그에게 확고한 결단력과 희생에 대한 영웅적인 준비와 결합됩니다. 이 영웅주의는 이탈리아 휴머니즘의 최고의 전통과 관련된 마돈나의 이미지를 만듭니다. 이 그림에서 이상과 현실의 조합은 Rafael이 그의 친구 B. Castiglione에게 보낸 편지에서 잘 알려진 말을 떠올리게 합니다. "그리고 나는 당신에게 말할 것입니다. "라고 Raphael은 썼습니다. . 완벽함이 있는지는 모르겠지만 그것을 이루기 위해 열심히 노력합니다. 이 말은 작가의 창작 방식을 조명한다. 현실에서 출발하고 그것에 의지하면서 동시에 그는 우발적이고 일시적인 모든 것보다 이미지를 높이려고 노력합니다.

미켈란젤로(1475-1564) - 의심할 여지 없이 미술사에서 가장 영감을 받은 예술가 중 한 명이며 이탈리아 르네상스의 가장 강력한 인물인 레오나르도 다빈치와 함께 합니다. 조각가, 건축가, 화가, 시인으로서 미켈란젤로는 동시대인들과 그 이후의 서양 예술 전반에 막대한 영향을 미쳤습니다.

그는 1475년 3월 6일 아레초(Arezzo) 시 근처의 작은 마을 카프레제(Caprese)에서 태어났지만 자신을 피렌체인이라고 생각했습니다. 미켈란젤로는 자신의 도시, 예술, 문화를 깊이 사랑했으며 이 사랑을 그의 생애가 끝날 때까지 이어갔습니다. 그는 성년의 대부분을 로마에서 교황을 위해 일하면서 보냈다. 그러나 그는 자신의 시신이 산타 크로체 교회의 아름다운 무덤에 피렌체에 묻혔다는 유언장을 남겼습니다.

미켈란젤로 공연 대리석 조각 피에타(그리스도의 애가) (1498-1500), 여전히 원래 위치 인 성 베드로 대성당에 있습니다. 이것은 가장 유명한 작품세계 미술사에서. 피에타는 아마도 미켈란젤로가 25세 이전에 완성했을 것입니다. 이것이 그가 서명한 유일한 작품입니다. 어린 마리아는 무릎을 꿇은 죽은 그리스도와 함께 묘사되어 있는데, 이는 북유럽 예술에서 차용한 이미지입니다. 메리의 표정은 엄숙할 정도로 슬프지 않다. 이것은 젊은 미켈란젤로의 창의력의 최고점입니다.

젊은 미켈란젤로의 덜 중요한 작업은 거대한 (4.34m) 대리석 이미지였습니다. 다윗(Academy, Florence), Florence로 돌아온 후 1501에서 1504 사이에 처형되었습니다. 구약의 영웅은 미켈란젤로에 의해 잘 생기고 근육질이며 벌거 벗은 청년의 형태로 묘사되며, 마치 자신과 싸워야하는 적 골리앗을 평가하는 것처럼 걱정스럽게 먼 곳을 바라 봅니다. David의 얼굴의 생생하고 긴장된 표정은 미켈란젤로의 많은 작품의 특징입니다. 이것은 그의 개별 조각 방식의 표시입니다. 미켈란젤로의 가장 유명한 조각인 다비드상은 피렌체의 상징이 되었으며 원래는 피렌체 시청인 베키오 궁전 앞 시뇨리아 광장에 놓였습니다. 이 조각상으로 미켈란젤로는 동시대인들에게 자신이 모든 현대 예술가들뿐만 아니라 고대의 거장들을 능가한다는 것을 증명했습니다.

시스티나 예배당 금고에 그림 그리기 1505년 미켈란젤로는 교황 율리우스 2세에 의해 두 가지 명령을 수행하기 위해 로마로 소환되었습니다. 가장 중요한 것은 시스 티나 예배당 금고의 프레스코 화였습니다. 미켈란젤로는 1508년에서 1512년 사이에 천장 바로 아래 높은 발판에 누워 작업하면서 일부 성서 이야기에 대한 가장 아름다운 삽화를 그렸습니다. 교황 예배당의 금고에는 빛과 어둠의 분리로 시작하여 아담의 창조, 이브의 창조, 아담과 이브의 유혹과 타락, 홍수를 포함하여 창세기의 9개 장면을 묘사했습니다. . 주요 그림 주위에는 대리석 왕좌에 있는 선지자와 시빌, 다른 구약성서의 인물, 그리스도의 조상의 이미지가 번갈아 나타납니다.

이 위대한 작품을 준비하기 위해 미켈란젤로는 엄청난 수의 스케치와 카드보드를 만들어 다양한 포즈로 시터의 모습을 묘사했습니다. 이 장엄하고 강력한 이미지는 서유럽 예술의 새로운 방향에 자극을 준 인체 해부학과 움직임에 대한 예술가의 뛰어난 이해를 증명합니다.

다른 두 개의 훌륭한 조각상, 묶인 죄수와 노예의 죽음(둘 다 c. 1510-13) 파리의 루브르 박물관에 있습니다. 조각에 대한 미켈란젤로의 접근 방식을 보여줍니다. 그의 견해에 따르면, 조각상은 단순히 대리석 블록 안에 둘러싸여 있으며, 여분의 돌을 제거하여 조각상을 자유롭게 하는 것이 예술가의 일입니다. 종종 미켈란젤로는 더 이상 필요하지 않거나 단순히 예술가에 대한 관심을 잃었기 때문에 조각품을 미완성 상태로 두었습니다.

San Lorenzo의 도서관 Julius II의 무덤 프로젝트에는 건축 연구가 필요했지만 건축 분야에서 Michelangelo의 진지한 작업은 예술가가 다시 돌아온 Florence의 St. Lawrence 도서관 외관을 명령받은 1519 년에 시작되었습니다 ( 이 프로젝트는 구현되지 않았습니다). 1520년대에 그는 산 로렌초 교회에 인접한 우아한 도서관 입구 홀도 설계했습니다. 이러한 구조는 저자가 사망한 지 불과 수십 년 후에 완성되었습니다.

공화파의 지지자인 미켈란젤로는 1527-29년에 메디치와의 전쟁에 참여했습니다. 그의 책임에는 피렌체 요새의 건설 및 재건이 포함되었습니다.

메디치 예배당.꽤 오랜 기간 동안 피렌체에 거주한 미켈란젤로는 1519년에서 1534년 사이에 산 로렌초 교회의 새로운 성구실에 두 개의 무덤을 세우라는 메디치 가문의 위임을 완료했습니다. 높은 돔형 금고가있는 홀에서 예술가는 우르비노 공작 로렌조 데 메디치와 느 무르 공작 줄리아노 데 메디치를 위해 벽에 두 개의 웅장한 무덤을 세웠습니다. 두 개의 복잡한 무덤은 반대 유형의 표현으로 생각되었습니다. Lorenzo - 자신에 둘러싸인 사람, 사려 깊고 철회 된 사람; 반대로 Giuliano는 활동적이고 개방적입니다. Lorenzo의 무덤 위에 조각가는 아침과 저녁의 우화 조각을, Giuliano의 무덤 위에는 낮과 밤의 우화를 배치했습니다. 메디치 무덤에 대한 작업은 미켈란젤로가 1534년에 로마로 돌아온 후에도 계속되었습니다. 그는 사랑하는 도시를 다시는 방문하지 않았습니다.

최후의 심판

1536년부터 1541년까지 미켈란젤로는 로마에서 바티칸에 있는 시스티나 예배당의 제단 벽을 그리는 일을 했습니다. 르네상스의 가장 큰 프레스코는 최후의 심판의 날을 묘사하며, 불 같은 번개를 손에 든 그리스도는 지구의 모든 주민들을 구도의 왼쪽에 묘사 된 구원받은 의인과 단테의 지옥(프레스코 왼쪽). 자신의 전통을 엄격히 따르는 미켈란젤로는 원래 모든 인물을 누드로 그렸지만 10년 후 문화적 분위기가 더욱 보수적이 되면서 일부 청교도 예술가가 인물을 "옷을 입혔습니다". Michelangelo는 프레스코 화에 자신의 자화상을 남겼습니다. 그의 얼굴은 거룩한 순교자 사도 Bartholomew에서 찢어진 피부에서 쉽게 추측됩니다.

이 기간 동안 미켈란젤로는 사도 성 바오로의 예배당(1940)을 그리는 것과 같은 다른 그림 의뢰를 받았지만, 우선 그는 건축에 모든 힘을 쏟으려고 노력했습니다.

성 베드로 대성당의 돔입니다. 1546년에 미켈란젤로는 건설 중인 바티칸의 성 베드로 대성당의 수석 건축가로 임명되었습니다. 이 건물은 도나토 브라만테의 계획에 따라 지어졌지만 궁극적으로 미켈란젤로가 제단 후진의 건설과 대성당의 돔을 위한 공학 및 예술적 솔루션 개발을 책임지게 되었습니다. 성 베드로 대성당 건설의 완성은 건축 분야에서 피렌체 거장의 최고 업적이었습니다. 긴 생애 동안 미켈란젤로는 로렌초 데 메디치에서 레오 10세, 클레멘스 8세, 비오 3세에 이르기까지 많은 추기경, 화가, 시인과 같은 왕자와 교황의 절친한 친구였습니다. 작가의 성격, 삶의 위치는 그의 작품을 통해 모호하지 않게 이해하기 어렵습니다. 너무 다양합니다. 아마도 시를 제외하고, 자신의 시에서 미켈란젤로는 창의성과 예술에서의 그의 위치에 대한 질문에 더 자주 그리고 더 깊이 관심을 가졌습니다. 그의 시에서 많은 부분은 그가 작품에서 직면해야 했던 문제와 어려움, 그리고 그 시대의 가장 저명한 대표자들과의 개인적인 관계에 주어집니다. 유명한 시인르네상스 Lodovico Ariosto는 이에 대한 비문을 썼습니다. 유명한 예술가: "Michele은 필사자 그 이상입니다. 그는 신성한 천사입니다."

"르네상스"(르네상스, 르네상스)라는 용어의 출현은 XVI 세기에 해당합니다. 에 대해 썼다 르네상스» Art of Italy - 최초의 역사가 이탈리아 미술, 위대한 화가, 유명한 "가장 유명한 화가, 조각가 및 건축가의 삶"(1550)-Giorgio Vasari의 저자.

이 개념은 당시 널리 퍼진 역사적 개념, 중세 시대는 타락에 뒤 이은 끊임없는 야만, 무지로 특징 지어졌습니다. 위대한 문명고전적인 고풍.

중세 시대를 문화 발전의 단순한 것으로 이야기한다면 당시 역사가들의 예술에 대한 가정을 고려해야합니다. 예술은 옛날고대 세계에서 번성했으며, 정확히 그들의 시대에 새로운 존재로의 첫 부흥을 찾습니다.

봄/ 산드로 보티첼리

초기 인식에서 "부흥"이라는 용어는 전체 시대의 이름이 아니라 오히려 정확한 시간(일반적으로 XIV 세기의 시작) 새로운 예술의 출현. 일정 기간이 지난 후에야 이 개념은 더 넓은 해석을 얻었고 이탈리아와 다른 국가에서 봉건제에 반대하는 문화가 형성되고 번성하는 시대를 지정하기 시작했습니다.

이제 중세는 유럽 예술 문화의 역사에서 단절로 간주되지 않습니다. 지난 세기에 중세 예술에 대한 철저한 연구가 시작되었으며 지난 반세기 동안 크게 강화되었습니다. 그것은 그의 재평가로 이어졌고 심지어 르네상스 예술중세에 많은 빚을 지고 있다.

그러나 르네상스를 중세의 사소한 연속으로 이야기해서는 안됩니다. 일부 현대 서유럽 역사가들은 중세와 르네상스 사이의 경계를 모호하게 하려고 시도했지만 역사적 사실. 사실, 르네상스 문화 기념물에 대한 분석은 봉건적 세계관의 기본 신념 대부분을 거부했음을 나타냅니다.

사랑과 시간의 알레고리/ 아뇰라 브론치노

세상의 모든 것에 대한 중세의 금욕주의와 통찰력은 자연의 웅장함과 아름다움, 그리고 물론 인간에 대한 현실 세계에 대한 만족할 줄 모르는 관심으로 대체되고 있습니다. 초능력에 대한 믿음 인간의 마음진리의 가장 높은 기준으로서 중세의 특징인 과학에 대한 신학의 건드릴 수 없는 우위라는 불안정한 위치로 이어졌습니다. 종속 인간의 성격교회 및 봉건 당국은 개성의 자유로운 발전 원칙으로 대체됩니다.

새로 설립된 세속 지식인의 구성원은 신성과 반대되는 인간적 측면에 모든 관심을 기울였으며 스스로를 인본주의자라고 불렀습니다(Cicero "studia hmnanitatis" 시대의 개념에서 유래, 인간 본성과 그의 영적 세계와 연결된 모든 것에 대한 연구를 의미함) ). 이 용어는 르네상스 문화의 인간 중심주의 인 현실에 대한 새로운 태도를 반영합니다.

봉건 세계에 대한 최초의 영웅적 맹공격 기간 동안 다양한 창의적 충동이 열렸습니다. 이 시대의 사람들은 이미 과거의 네트워크를 포기했지만 아직 새로운 네트워크를 찾지는 못했습니다. 그들은 그들의 가능성이 무한하다고 믿었습니다. 낙천주의의 탄생은 바로 이로부터 시작되었습니다. 르네상스 문화.

잠자는 비너스/ 조르조네

쾌활한 성격과 삶에 대한 끝없는 믿음은 마음의 무한한 가능성과 성격을 장벽없이 조화롭게 발전시킬 가능성에 대한 믿음을 불러 일으켰습니다.
르네상스 예술여러면에서 중세와 대조됩니다. 유럽의 예술문화는 리얼리즘의 형성 속에서 발전한다. 이것은 세속적 성격의 이미지 확산, 풍경과 초상화의 발전, 때로는 종교적 주제에 대한 장르 해석에 가깝고 전체 예술 조직의 급진적 갱신에 그 흔적을 남깁니다.

중세 예술은 우주의 계층 구조에 대한 아이디어를 기반으로했으며 그 절정은 지상 존재의 원 밖에 있었으며 마지막 장소. 예술의 주된 임무는 신학이 만든 가치의 규모를 시각적으로 구현하는 것이었기 때문에 공간과 시간의 지상 실제 연결과 현상이 감가 상각되었습니다.

르네상스 시대에는 사변적 예술 시스템이 사라지고 그 자리에 인간에게 제시되는 세계의 지식과 객관적 이미지에 기반한 시스템이 등장합니다. 그렇기 때문에 르네상스 예술가들의 주요 과제 중 하나는 공간을 반영하는 문제였습니다.

15세기에 이 문제는 모든 곳에서 이해되었는데, 유일한 차이점은 유럽 북부(네덜란드)가 경험적 관찰로 인해 단계적으로 객관적인 공간 구성을 향해 나아가고 있었고, 세기는 기하학과 광학에 기반을 두었습니다.

다윗/ 도나텔로

그의 관점을 고려하여 보는 사람을 지향하는 평면에 3차원 이미지를 구성할 수 있는 가능성을 제공하는 이 가정은 중세 개념에 대한 승리로 작용했습니다. 사람의 시각적 재현은 새로운 예술 문화의 인간 중심적 지향을 보여줍니다.

르네상스 문화는 과학과 예술 사이의 특징적인 연관성을 분명히 보여줍니다. 세상과 인간을 공정하게 사실적으로 묘사하기 위해인지 원리에 특별한 역할이 할당되었습니다. 물론 과학계 예술가에 대한 지원 모색은 과학 자체의 발전을 자극하는 계기가 되었다. 르네상스 시대에는 Leonardo da Vinci가 이끄는 많은 예술가 과학자들이 등장했습니다.

예술에 대한 새로운 접근 방식은 새로운 묘사 방식을 요구했습니다. 인간의 모습그리고 행동의 양도. 제스처, 얼굴 표정 및 비율의 허용 가능한 자의성에 대한 중세의 이전 아이디어는 우리 주변 세계에 대한 객관적인 견해와 일치하지 않았습니다.

르네상스 작품의 경우 인간 행동은 내재적이며 의식이나 표준이 아니라 심리적 조건과 행동 발달에 따릅니다. 예술가들은 인물의 비율을 현실에 더 가깝게 만들려고 노력하고 있습니다. 이것으로 그들은 간다 다른 방법들, 그래서 유럽의 북부 국가에서는 경험적으로 발생하며 이탈리아에서는 고전 고대 기념물에 대한 지식과 함께 실제 형태에 대한 연구가 이루어집니다 (유럽 북부는 나중에 첨부됨).

인본주의의 이상은 스며든다 르네상스 예술, 아름답고 조화롭게 발전한 사람의 이미지를 만듭니다. 르네상스 예술은 특징적입니다 : 열정, 캐릭터 및 영웅의 타이타니즘.

르네상스 거장들은 자신의 힘, 무한에 대한 자랑스러운 인식을 구현하는 이미지를 만듭니다. 인간의 능력창의성 분야와 의지의 자유에 대한 진정한 믿음. 르네상스 예술의 많은 창작물은 유명한 이탈리아 인문주의인 피코 델라 미란돌라(Pico della Mirandola)의 표현과 일치합니다.

레다와 백조/ 레오나르도 다빈치

순수미술의 본질에 대한 결정이 현실을 진실하게 보여주고자 하는 욕구라면, 고전적 전통에 대한 호소는 새로운 건축 형태의 형성에 중요한 역할을 했다. 이것은 고대 질서 체계를 재창조하고 고딕 양식을 포기하는 것뿐만 아니라 고전적인 비례, 새로운 건축의 인간 중심적 성격, 내부 공간이 쉽게 보이는 사원 건축의 중심 건물 설계로 구성되었습니다.

토목 건축 분야에서 많은 새로운 창작물이 만들어졌습니다. 따라서 르네상스 시대에는 시청, 대학, 상인 길드 주택, 교육 주택, 창고, 시장, 창고와 같은 다층 도시 공공 건물이 더 우아한 장식을 받았습니다. 일종의 도시 궁전이 나타나거나 그렇지 않으면 부유 한 burgher의 집이자 일종의 시골 별장 인 궁전이 나타납니다. 새로운 외관 장식 시스템이 형성되고 있으며 벽돌과 나무 바닥을 결합한 벽돌 건물의 새로운 건설 시스템이 개발되고 있습니다 (20 세기까지 유럽 건축에서 보존됨). 도시 계획 문제가 새로운 방식으로 해결되고 도심이 재건되고 있습니다.

새로운 건축 양식중세 시대가 준비한 고급 공예 건축 기술의 도움으로 생명을 얻었습니다. 기본적으로 르네상스 건축가는 건물 설계에 직접 참여하여 현실 구현을 지시했습니다. 원칙적으로 그들은 조각가, 화가, 때로는 장식가와 같은 건축과 관련된 여러 가지 다른 전문 분야도 가졌습니다. 기술의 조합은 건물의 예술적 품질의 성장에 기여했습니다.

작품의 주요 고객이 대영주와 교회였던 중세에 비해 지금은 사회구성의 변화에 ​​따라 고객의 범위가 확대되고 있다. 장인, 상인 길드 및 개인 (귀족, 시민)의 길드 협회는 교회와 함께 종종 예술가에게 명령을 내립니다.

예술가의 사회적 지위도 변한다. 예술가들이 작업장을 찾고 있다는 사실에도 불구하고 그들은 종종 상과 높은 영예를 받고 시의회에서 의석을 차지하고 외교 임무를 수행합니다.
미술에 대한 사람의 태도에는 진화가 있습니다. 이전에 공예 수준 이었다면 이제는 과학과 동등하며 처음으로 예술 작품이 영적 창작 활동의 결과로 간주되기 시작했습니다.

최후의 심판/ 미켈란젤로

새로운 기술과 예술 형식의 출현은 수요의 확대와 세속 고객의 증가로 인해 촉발되었습니다. 기념비적 인 형태에는 이젤이 수반됩니다 : 캔버스 또는 나무에 그림 그리기, 나무 조각, 마졸리카, 청동, 테라코타. 지속적으로 증가하는 수요 예술 작품가장 저렴하고 가장 인기있는 예술 형식 인 나무와 금속에 조각이 등장했습니다. 이 기술은 처음으로 이미지를 대량으로 복제할 수 있게 해주었습니다.
이탈리아 르네상스의 주요 특징 중 하나는 지중해 지역에서 죽지 않는 고대 유산의 전통을 널리 사용했다는 것입니다. 여기에서 Piccolo와 Giovanni Pisano에서 Ambrogio Lorsnzetti에 이르기까지 이탈리아 프로토 르네상스 예술가의 작품에서도 고전 고대에 대한 관심이 매우 일찍 나타났습니다.

15세기 고대에 대한 연구는 인문학적 연구의 핵심 과제 중 하나가 된다. 문화에 대한 정보가 크게 확장되었습니다. 고대 세계. 오래된 수도원의 도서관에서는 이전에 알려지지 않은 고대 작가의 작품에 대한 많은 원고가 발견되었습니다. 예술 작품에 대한 검색을 통해 많은 고대 조각상, 부조, 그리고 결국에는 프레스코화를 발견할 수 있었습니다. 고대 로마. 그들은 예술가들에 의해 끊임없이 연구되었습니다. 예를 들면 Donatello와 Brunelleschi가 고대 로마 건축과 조각의 기념물을 측정하고 스케치하기 위해 로마를 여행했다는 살아남은 뉴스, Leon Battista Alberti의 작품, 새로 발견된 부조와 그림에 대한 Raphael의 연구, 젊은 미켈란젤로가 복사한 방식 등이 있습니다. 골동품 조각. 이탈리아의 예술은 (고대에 대한 끊임없는 호소로 인해) 당대에 새로운 기술, 모티프 및 형식으로 풍부해졌으며 동시에 영웅적인 이상화를 제공했습니다. 북유럽의 예술가.

이탈리아 르네상스의 또 다른 주요 특징은 합리성입니다. 많은 사람들이 예술의 과학적 기초를 형성하기 위해 노력했습니다. 이탈리아 예술가. 따라서 Brunelleschi, Masaccio 및 Donatello의 서클에서 선형 원근법 이론이 형성되었으며 Leon Battista Alberti "The Book of Painting"의 1436 년 논문에 제시되었습니다. 많은 예술가들이 관점 이론의 발전에 참여했는데, 특히 1484-1487년에 On the Picturesque Perspective 논문을 쓴 Paolo Uccello와 Piero della Francesca가 그랬습니다. 마지막으로 인간 형상의 구성에 수학적 이론을 적용하려는 시도가 눈에 띕니다.

XIV 세기-Siena, XV 세기-Umbrcia, Padua, Venice, Ferrara와 같이 예술 발전에 중요한 역할을 한 이탈리아의 다른 도시와 지역에 주목할 가치가 있습니다. 16세기에는 지역 학교의 다양성이 시들었고(유일한 예외는 오리지널 베니스), 일정 기간 동안 이 나라의 주요 예술 세력은 로마에 집중되었습니다.

이탈리아 개별 지역의 예술 형성 및 발전의 차이는 일반적인 패턴의 생성 및 종속을 방해하지 않으므로 개발의 주요 단계를 개략적으로 설명할 수 있습니다. 이탈리아 르네상스. 현대 미술사는 이탈리아 르네상스의 역사를 4단계로 나눈다: 프로토 르네상스(13세기 말 ~ 14세기 전반), 초기 르네상스(15세기), 전성기 르네상스(19세기 말) 15세기 - 16세기의 처음 30년) 및 후기 르네상스(16세기 중후반) .

이탈리아 르네상스 (25:24)

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