에드워드 호퍼가 작동합니다. 원 스토리 아메리카: 에드워드 호퍼

보는 사람을 즉시 사로잡는 눈에 띄는 그림이 있습니다. 당혹감, 경계심이 없으며 첫눈에 반하는 것처럼 모든 것이 즉시 분명한 것 같습니다. 주의 깊은 조사, 성찰, 공감이 그러한 사랑을 손상시킬 수 있다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 겉으로 드러나는 찬란함 뒤에 깊고 단단한 무언가를 찾을 수 있을까? 사실이 아닙니다.

예를 들어 인상주의의 200년 동안 가장 유행했던 것을 보자. 아마도 오늘날의 대중들에게 회화의 역사에서 더 이상 인기 있는 경향은 없을 것입니다. 그러나 예술적 방향으로서 인상주의는 짧은 20년 동안 순수한 형태로 존재하면서 놀라울 정도로 일시적인 것으로 판명되었습니다. 창립자들은 결국 아이디어와 방법의 고갈을 느끼며 아이디어를 버렸습니다. 르누아르는 앵그르의 고전적 형태로 돌아갔고 모네는 추상주의로 나아갔다.

그 반대도 발생합니다. 그림은 겸손하고 소박하며 동기는 평범하고 기법은 전통적입니다. 여기 길가에 집이 있고 창가에 소녀가 있지만 일반적으로 진부한 주유소입니다. 분위기도, 조명 효과도, 낭만적인 열정도 없습니다. 어깨를 으쓱하고 계속 나아가면 모든 것이 그대로 유지됩니다. 그리고 멈춰서 보면 심연을 찾을 수 있습니다.

20세기 미국의 가장 유명한 예술가 중 한 명인 에드워드 호퍼의 그림도 마찬가지입니다.

유럽을 주목하지 않음

Hopper의 전기에는 밝은 사건과 예상치 못한 왜곡이 거의 없습니다. 그는 공부하고, 파리에 갔고, 일하고, 결혼하고, 계속 일하고, 인정을 받았습니다. 던지기, 스캔들, 이혼, 알코올 중독, 터무니없는 장난이 없습니다. 여기에서 Hopper의 인생 이야기는 그의 그림과 비슷합니다. 겉으로는 모든 것이 단순하고 차분하지만 깊이에는 극적인 긴장이 있습니다.

이미 어린 시절에 그는 부모가 가능한 모든 방법으로 그를 지원하는 그림 능력을 발견했습니다. 방과 후 1년 동안 통신으로 일러스트레이션을 공부한 후 명문 New York Art School에 입학했습니다. 미국 소식통은 그의 유명한 동료 학생들의 전체 목록을 인용하지만 그들의 이름은 러시아 청중에게 거의 아무것도 말하지 않습니다. Rockwell Kent를 제외하고 그들은 모두 국가적으로 중요한 예술가로 남았습니다.

1906년에 Hopper는 학업을 마치고 광고 대행사에서 삽화가로 일하기 시작했지만 가을에 유럽으로 떠났습니다.

유럽여행은 거의 필수였다고 해야하나 직업 교육미국 예술가들에게. 당시 파리의 별은 환하게 빛나고 있었고, 세계 회화의 최신 성과와 경향에 동참하기 위해 전 세계에서 젊고 야심 찬 사람들이 그곳으로 모여들었습니다.

국제 가마솥에서 양조의 결과가 얼마나 다른지 놀랍습니다. 스페인 피카소와 같은 일부는 학생에서 리더로 빠르게 전환했으며 스스로 예술적 패션의 트렌드세터가 되었습니다. Mary Cassatt 및 James Abbot McNeil Whistler와 같은 다른 사람들은 항상 모방자로 남아 있지만 재능이 있습니다. 러시아 예술가들과 같은 다른 사람들은 고국으로 돌아와 영에 감염되고 충전되었습니다. 새로운 예술, 그리고 이미 집에서 그들은 세계 예술의 뒷마당에서 아방가르드로 가는 길을 닦았습니다.

Hopper는 가장 독창적이었습니다. 그는 유럽을 여행하고 파리, 런던, 암스테르담에 있었고 뉴욕으로 돌아와 다시 파리와 스페인을 여행하고 유럽 박물관에서 시간을 보내고 유럽 예술가를 만났습니다 ... 그러나 단기적인 영향을 제외하고 그의 그림은 그렇지 않습니다. 현대 트렌드에 대한 친숙함을 드러냅니다. 전혀, 심지어 팔레트도 간신히 밝아졌습니다!

그는 그 당시 이미 고전이 된 Edouard Manet과 Edgar Degas와 같은 거장들로부터 Rembrandt와 Hals, 나중에 El Greco를 높이 평가했습니다. Picasso에 관해서는 Hopper는 파리에있는 동안 그의 이름을 듣지 못했다고 매우 진지하게 주장했습니다.

믿기 ​​어렵겠지만 사실은 남아 있습니다. 후기 인상파는 이미 세상을 떠났고, 야수파와 입체파는 이미 창을 부수고 있었고, 미래주의가 지평선에 어렴풋이 나타나며, 회화는 가시적인 이미지에서 탈피하여 화면의 문제와 한계에 주목했고, 피카소와 마티스가 빛났다. . 그러나 사물의 깊숙한 곳에 있는 Hopper는 그것을 보지 못하는 것 같았습니다.

그리고 1910년 이후에는 권위 있는 베니스 비엔날레의 미국관에 그의 그림이 전시되었을 때도 대서양을 건너지 않았습니다.

직장에서 아티스트

1913년 호퍼는 뉴욕 워싱턴 스퀘어에 정착하여 50년 이상 살면서 일했습니다. 같은 해에 그는 뉴욕의 유명한 Armory Show에 전시된 그의 첫 번째 그림을 판매했습니다. 경력이 유망하게 시작되고 성공이 멀지 않은 것 같습니다.

그렇게 장밋빛으로 밝혀지지 않았습니다. "Armory Show"는 미국 최초의 전시회로 구상되었습니다. 현대 미술그 결과 대성공을 거두었습니다. 그녀는 아마추어, 비평가, 예술가들의 시선을 리얼리즘에서 벗어나 아방가르드로 향하게 했지만 조롱과 추문이 뒤따랐다. Duchamp, Picasso, Picabia, Brancusi, Braque의 배경에 비해 Hopper의 사실주의는 지방적이고 구식으로 보였습니다. 미국은 유럽을 따라잡을 필요가 있다고 판단했고, 부유한 수집가들은 해외 미술품에 관심을 갖게 되었으며, 국내 작품의 단일 판매는 차이가 없었습니다.

Hopper는 수년 동안 상업 일러스트레이터로 일했습니다. 그는 회화까지 포기하고 판화 복제에 더 적합한 당시의 기법인 에칭에 몰두했다. 그는 봉사하지 않았고 잡지 주문으로 아르바이트를했으며이 직책의 모든 어려움을 경험했으며 때로는 우울증에 빠지기도했습니다.

그러나 당시 뉴욕에는 특히 미국 예술가의 작품을 수집하기로 결정한 예술 후원자가있었습니다. 백만장 자 Vanderbilt의 딸인 Gertrude Whitney; 그건 그렇고, 식인종 Ellochka가 성공적으로 경쟁하지 못한 사람은 Ostap Bender의 차 여과기를 12 개의 의자 중 하나와 교환했습니다.

밤 그림자.

그 후 Whitney는 그녀의 현대 미국 예술가 컬렉션을 메트로폴리탄 미술관에 기증하려고 시도했지만 그의 경영진은 선물이 가치가 있다고 생각하지 않았습니다. 거절당한 수집가는 보복으로 근처에 자신의 박물관을 세웠는데, 최고의 박물관미국 예술.

저녁 바람. 1921 뉴욕 미국 미술관

그러나 그것은 미래의 일입니다. Hopper가 Whitney Studio를 방문하는 동안 1920 년에 그는 첫 개인전 인 16 점의 그림을 가졌습니다. 그의 에칭 중 일부, 특히 "Night Shadows"와 "Evening Wind"는 대중의 관심을 끌었습니다. 그러나 그는 아직 프리랜서 예술가가 되지 못하고 일러스트레이션으로 계속 돈을 벌었습니다.

가족과 인정

1923년 호퍼는 그의 미래의 아내조세핀. 그들의 가족은 강했지만 가족 생활어려운. 조씨는 남편이 누드를 그리는 것을 금했고, 필요하다면 스스로 포즈를 취하기도 했다. 에드워드는 고양이 때문에도 그녀를 질투했다. 그의 과묵함과 우울한 성격으로 인해 모든 것이 악화되었습니다. “때때로 Eddie와 대화하는 것은 우물에 돌을 던지는 것과 같았습니다. 한 가지 예외를 제외하고는 물에 빠지는 소리가 들리지 않았습니다.”라고 그녀는 인정했습니다.

에드워드와 조 호퍼. 1933

그럼에도 불구하고 호퍼에게 수채화의 가능성을 일깨워준 사람은 조였고, 그는 다시 이 기법으로 돌아갔다. 그는 곧 브루클린 박물관에서 6개의 작품을 전시했고 그 중 하나는 박물관에서 100달러에 구입했습니다. 비평가들은 전시회에 친절하게 반응했으며 가장 겸손한 주제에서도 Hopper 수채화의 활력과 표현력에 주목했습니다. 이러한 외부적 구속과 표현의 깊이의 조합은 남은 기간 동안 Hopper의 트레이드마크가 될 것입니다.

1927년에 Hopper는 그림 "Two in 강당” $ 1,500에이 돈으로 부부는 첫 차를 얻었습니다. 작가는 스케치를 할 기회를 얻었고 오랫동안 미국의 시골 지방이 그의 그림의 주요 동기 중 하나가되었습니다.

강당에 2개. 1927. 톨레도 미술관

1930년에 예술가의 삶에서 또 다른 중요한 사건이 일어났습니다. 자선가 스티븐 클라크는 자신의 그림 "철도 집"을 뉴욕 현대 미술관에 기증했으며 그 이후로 이곳에 눈에 띄게 걸려 있습니다.

그래서 쉰 살이 되기 직전에 호퍼는 인정의 시간을 맞이했습니다. 1931년에 그는 13점의 수채화를 포함하여 30점의 작품을 판매했습니다. 1932년 그는 휘트니 미술관의 첫 번째 정기 전시회에 참가했고 죽을 때까지 다음 전시회를 놓치지 않았습니다. 1933년, 예술가의 기념일을 기념하여 현대 미술관은 그의 작품에 대한 회고전을 선보였습니다.

이후 30년 동안 Hopper는 노년에 건강 문제가 발생했음에도 불구하고 열심히 일했습니다. 조는 그를 10개월이나 살아남았고 가족 컬렉션 전체를 휘트니 박물관에 물려주었다.

자정. 1942. 예술 연구소, 시카고

성숙기에 작가는 "Early Sunday Morning", "Night Owls", "Office in New York", "People in the Sun"과 같은 많은 인정받는 걸작을 만들었습니다. 이 기간 동안 그는 많은 상을 받았으며 캐나다와 멕시코를 여행했으며 여러 회고전 및 개인전에서 발표되었습니다.

감시 보호

이 세월 동안 그의 그림이 발전하지 않았다고 말할 수는 없습니다. 그럼에도 불구하고 Hopper는 자신이 좋아하는 테마와 이미지를 일찍 찾았고, 달라진 것이 있다면 그것은 그들의 구체화의 신뢰성입니다.

Hopper의 작업에 대한 짧은 공식을 찾으려면 "소외와 고립"이 될 것입니다. 그의 캐릭터는 어디로 가고 있습니까? 그들은 왜 한낮에 얼어 있을까? 그들이 대화를 시작하고, 서로에게 손을 내밀고, 소리를 지르고 응답하는 것을 막는 것은 무엇입니까? 답도 없고 솔직히 말해서 질문도 거의 없습니다. 적어도 그들에게는요. 이것이 그들의 모습이고, 이것이 삶이고, 이것이 보이지 않는 장벽으로 사람을 가르는 세상입니다.

장벽이 보이지 않는다는 점은 Hopper를 심각하게 걱정시켰고, 이것이 그의 그림에 창문이 많은 이유입니다. 유리는 시각적인 연결 고리이지만 물리적 장벽입니다. 거리에서 본 그의 영웅과여 주인공은 세상에 열려있는 것처럼 보이지만 실제로는 닫혀 있고 몰입되어 있습니다. Night Owls 또는 The Office in New York을 살펴보십시오. 이러한 이중성은 깨지기 쉬운 취약성과 완고한 접근 불가능성, 심지어 난공불락의 가슴 아픈 조합을 야기합니다.

반대로 우리가 캐릭터와 함께 유리를 통해 내다 보면 창은 다시 속이고 무언가를 볼 가능성으로 놀립니다. 최상의 시나리오 외부 세계나무나 건물의 배열로만 표시되며 예를 들어 "저녁 바람"이나 그림 "자동 판매기"와 같이 창에는 아무것도 보이지 않는 경우가 많습니다.

자동 판매기 1927. 아트 센터, 디모인. 미국

일반적으로 Hopper의 창과 문은 애니메이션 캐릭터와 동일한 개방성과 폐쇄성의 조합이 특징입니다. 약간 열린 새시, 흔들리는 커튼, 닫힌 블라인드, 반쯤 닫힌 문이 그림에서 그림으로 돌아 다닙니다.

투명함은 뚫을 수 없으며 결합해야 할 것이 분리됩니다. 따라서 끊임없는 신비감, 절제, 접촉 실패.

사람들 사이의, 대도시에서, 모든 사람 앞에서의 외로움은 20세기 예술의 교차 주제가 되었습니다. 오직 여기에서 Hopper와 함께, 그들이 도망치는 곳은 외로움이 아니라 구원받는 곳입니다. 그의 캐릭터들의 친밀감은 성격의 변덕이나 특성이 아닌 자연스러운 형태의 자기 방어로 느껴진다. 그들에게 쏟아지는 빛은 고통스러울 정도로 무자비하고 너무 공개적으로 전시되어 있으며 주변 세계에는 일종의 무관심한 위협이 도사리고 있습니다. 따라서 외부 장벽 대신 내부 장벽을 구축해야 합니다.

물론 사무실의 벽이 무너지면 업무 효율성이 높아질 것입니다. 서로 앞에서, 특히 상사 앞에서 사람들이 덜 산만하고 수다를 떨기 때문입니다. 그러나 모든 사람이 감시를 받으면 의사소통이 중단되고 침묵만이 유일한 방어 수단이 됩니다. 영웅들은 억제되고, 본능은 억압되고, 정욕은 깊숙이 박혀 있습니다. 문명화되고 교양 있는 사람들은 외부 예의라는 보호 갑옷을 입고 있습니다.

그 이상의 관심

종종 Hopper의 그림은 정지된 순간의 인상을 줍니다. 그리고 이것은 그림 자체에서 움직임이 전혀 표시되지 않는다는 사실에도 불구하고. 그러나 그것은 이전 프레임을 막 교체하고 다음 프레임으로 넘어갈 준비가 된 필름 프레임으로 인식됩니다. Hopper가 미국 영화 제작자, 특히 Hitchcock에서 그토록 높이 평가 된 것은 우연이 아니며 그의 영향을 고려하여 프레임을 구성하는 할리우드 표준이 크게 형성되었습니다.

작가가 묘사된 순간이 아니라 그 전후의 가상의 사건으로 관객의 관심을 유도하는 것은 자연스러운 일이었다. 회화사에서 보기 드문 이 기술은 순간에 대한 관심이 고조된 인상주의의 성과와 시간의 흐름을 순간적인 예술적 이미지로 압축하려는 후기 인상주의의 성과를 역설적으로 결합했습니다.

Hopper는 캔버스에 포착하기 어려운 순간을 확실히 고정하는 데 성공했으며 동시에 그를 표면으로 데려온 후 즉시 과거의 어두운 깊이로 데려가는 끊임없는 시간의 흐름을 암시했습니다. 미래주의가 그림 같은 평면에서 움직임을 직접 묘사하려고 시도했다면 Hopper는 그림의 경계를 벗어나지 만 우리 인식의 한계 내에 둡니다. 우리는 그것을 보지 못하지만 느낍니다.

같은 방식으로 작가는 시간뿐만 아니라 공간에서도 우리의 관심을 그림 너머로 리디렉션합니다. 캐릭터들은 바깥 어딘가를 바라보고 있고, 보는 이의 시선은 주유소를 지나는 고속도로로 이끌리고, 철도눈은 기차의 마지막 차만 잡을 수 있습니다. 그리고 더 자주 그는 더 이상 거기에없고 기차가 돌진하고 우리는 레일을 따라 그를 따라 무의식적으로 성공적으로 눈을 떼지 않습니다.

이것은 있는 그대로의 미국입니다. 상실에 대한 갈망도, 진보에 대한 미화도 없습니다. 그러나 그것이 미국뿐이라면 Hopper는 더 나쁘지 않은 기술을 가진 많은 동시대 사람들이 그것을 얻지 못한 것처럼 많은 세계적 명성에 떨어지지 않았을 것입니다. 실제로 Hopper는 국가적 소재를 사용하여 보편적 인 감정을 만졌습니다. 그는 길을 닦았다 국제적 인정미국 회화는 세계 미술의 주역이 되었지만 전후 예술가, Hopper 자신이 인식하지 못했습니다.

그의 길은 독특합니다. 활기찬 예술 운동의 격동의 세계에서 그는 누구의 영향에도 굴복하지 않고 낭만주의와 사회 비판 사이, 아방가르드 개념에 대한 집착과 정밀주의와 초현실주의의 고의적 자연주의 사이의 좁은 길을 따라 걸었습니다. 끝까지 자신.

미국 예술가 에드워드 호퍼는 일부 사람들에게 도시주의자로 간주되고 다른 사람들은 마술적 사실주의, 일부는 팝 아트의 선구자입니다. Hopper의 작품 팬들은 그를 "환상 없는 몽상가", "빈 공간의 시인"이라고 열광적으로 부릅니다. 모든 의견은 "Night Owls"라는 Hopper의 극적인 캔버스로 통합됩니다. Leonardo Da Vinci의 Mona Lisa, Edvard Munch의 The Scream 또는 Coolidge의 Dogs Playing Poker로 인식할 수 있습니다. 이 작품의 놀라운 인기는 그를 대중 문화의 아이콘으로 만들었습니다.

(에드워드 호퍼 , 1882-1967)는 미국의 저명한 대표자였습니다. 풍속화 XX 세기. 그리고 이 시기에 예술의 새로운 경향이 탄생했지만, 그는 동료들의 전위적 변화와 실험에 무관심했다. 유행과 보조를 맞추는 동시대인들은 입체파, 초현실주의, 추상미술을 좋아했고, 호퍼의 그림은 지루하고 보수적인 것으로 여겨졌다. Edward는 고통을 겪었지만 그의 이상을 바꾸지 않았습니다. 그들은 어떻게 이해할 수 없습니까? 예술가의 독창성은 독창성이 아니라 방법, 특히 세련된 방법이 아니라 성격의 정수입니다. ».

그리고 Edward Hopper의 성격은 매우 복잡했습니다. 그리고 매우 폐쇄적입니다. 그리고 그의 죽음 이후 그의 삶과 성격에 대한 정보의 유일한 출처는 아마도 그의 아내의 일기였습니다. 한 인터뷰에서 그녀는 이렇게 말했습니다.

어느 날 New Yorker 잡지 직원이 Edward의 삶에 대한 에세이를 쓰려고 했습니다. 그리고 나는 할 수 없었다. 자료가 없었습니다. 쓸 내용이 없습니다. 그의 실제 전기나는 쓸 수 밖에 없었다. 그리고 그것은 순수한 Dostoevsky 일 것입니다« .

그래서 그는 어린 시절부터 였지만 소년은 Nyack (뉴욕) 마을에있는 잡화점 주인의 좋은 가정에서 자랐습니다. 가족은 예술에 익숙했습니다. 주말에는 아버지, 어머니, 아이들이 때때로 뉴욕을 방문했습니다. 미술 전시회또는 극장에 가십시오. 소년은 두꺼운 공책에 자신의 인상을 몰래 적었습니다. 어른들에게는 많은 것들이 숨겨져있었습니다. 특히 12살 때 여름에 갑자기 30cm가 컸고 몹시 어색하고 나른해 보이기 시작했던 그의 경험과 억울함. 급우들은 매번 그를 조롱하고 놀 렸습니다. 아마도이 불행한 사건으로 인해 Edward Hopper는 고통스러운 수줍음, 고립 및 침묵을 영원히 유지했습니다. 그의 아내는 일기에 이렇게 썼다. 에드에게 무엇이든 말하는 것은 바닥 없는 우물에 돌을 던지는 것과 같습니다. 스플래쉬가 들리지 않는다 «.

당연히 이것은 그의 그림 스타일에 반영되었습니다. Hopper는 생명이 없는 인테리어와 사막 풍경을 그리는 것을 좋아했습니다. 아무데도 가지 않는 철도 막다른 골목, 외로움이 스쳐지나가는 황량한 카페. 창 개구부는 그의 작업의 지속적인 주요 모티브였습니다. 작가는 닫힌 세계에서 벗어날 길을 찾고 있었다. 또는 아마도 그는 비밀리에 자신의 입구를 열었을 것입니다. 창문을 통해 방으로 떨어지는 햇빛이 Hopper의 금욕 그림의 추위를 약간 따뜻하게했습니다. 그의 우울한 풍경과 인테리어를 배경으로 그의 캔버스에 비치는 태양 광선은 " 어두운 영역에 빛의 광선 «.

그러나 대부분 Hopper는 그의 그림에서 외로움을 묘사했습니다. 호퍼의 노을도, 거리도, 집도 외롭다. 그의 화폭에 묘사된 커플들, 특히 커플들은 그다지 외로워 보이지 않는다. 남자와 여자 사이의 상호 불만과 소외는 Edward Hopper의 끊임없는 주제입니다.

주제가 꽤 있었다 중요한 기초: 40세에 Hopper는 뉴욕 미술 학교 때부터 알고 지내던 동료 Josephine Nivison과 결혼했습니다. 그들은 같은 원 안에 있었고, 같은 관심사로 연결되어 있었고, 많은 것들에 대해 비슷한 견해를 가졌습니다. 그러나 그들의 가정 생활은 온갖 다툼과 추문으로 가득 차 있었고 때로는 싸움에 이르렀습니다. 아내의 일기에 따르면 무례한 남편이 모든 책임을 져야했습니다. 동시에 지인들의 회상에 따르면 조 자신이 가족 난로를 지키는 이상과는 거리가 멀다는 것이 분명하다. 예를 들어, 아티스트 친구들이 그녀에게 " 어느 가장 좋아하는 요리에드워드?" 그녀는 오만하게 말했다. 우리 서클에는 맛있는 음식이 너무 많고 좋은 그림이 너무 적다고 생각하지 않습니까? 우리가 가장 좋아하는 요리는 친숙한 콩 조림 통조림입니다.«.

Hopper의 커플 그림은 아내와의 관계의 비극을 명확하게 묘사합니다. 그들은 서로 고통을 주고받으며 살았고, 동시에 뗄래야 뗄 수 없는 존재였다. 그들은 프랑스시, 그림, 연극 및 영화에 대한 사랑으로 연합했습니다. 이것은 그들이 함께 머물기에 충분했습니다. 조세핀은 1923년 이후 에드워드 그림의 뮤즈이자 주요 모델이기도 했다. 그의 그림 "Night Owls"에 묘사 된 식당을 늦게 방문한 두 사람에서 작가는 다시 한 번 자신과 아내를 명확하게 묘사했으며, 나란히 앉아있는 남자와 여자의 소외가 너무나 분명합니다.

"자정" (나이트호크), 1942, 에드워드 호퍼

우연찮게 사진이다. "자정"미국에서 컬트 예술 작품이되었습니다. (원래는 " 나이트호크"라고도 번역할 수 있습니다. 올빼미"). Edward Hopper는 진주만 공격 직후인 1942년 Night Owls를 그렸습니다. 이 사건은 미국 전역에 억압과 불안감을 불러일으켰습니다. 식당을 찾은 방문객들은 외롭고 생각에 잠기고, 황량한 거리에는 상점 창문의 희미한 빛이 비추고, 생명이 없는 집은 모든 것의 배경이 됩니다. 그러나 저자는 일종의 우울증을 표현하고 싶었다는 사실을 부인했습니다. 그의 말로 그는 아마도 무의식적으로 외로움을 묘사했을 것입니다. 대도시 ».

어쨌든 호퍼의 한밤중 카페는 그의 상대방이 묘사한 도시 카페에서 중요한 출발점입니다. 일반적으로 이러한 시설은 언제 어디서나 로맨스와 사랑의 감각을 지니고 있습니다. 아를의 나이트 카페를 그린 빈센트 반 고흐는 검은색 페인트를 전혀 사용하지 않았고, 그의 사람들은 탁 트인 테라스에 앉아 있고, 하늘에는 꽃밭처럼 별이 흩뿌려져 있다.

« 나이트 테라스카페”, 아를, 1888, 빈센트 반 고흐

그의 가지각색의 팔레트와 Hopper의 색상의 시원함과 인색함을 비교할 수 있습니까? 그럼에도 불구하고 그림 "Night Owls"를 보면 강조된 Hopper의 글의 간결함 뒤에 표현력의 심연이 있음이 분명해집니다. 자신의 생각에 잠긴 그의 말없는 인물들은 치명적인 형광등이 쏟아지는 무대 위의 드라마 참가자처럼 보인다. 보는 사람은 평행선의 기하학, 바 카운터를 따라 있는 좌석에 의해 반향되는 이웃 건물의 생명 없는 창문의 균일한 리듬, 거대한 돌벽과 투명하고 깨지기 쉬운 유리의 대비에 의해 최면에 걸린 듯한 영향을 받습니다. 4 명 중 빛의 섬에 피난처를 찾았습니다 ... 작가가 거리의 무관심한 어둠을 피해 의도적으로 여기에 잠근 것 같습니다. 자세히 보면 방에서 보이는 출구가 하나도 없다는 것을 알 수 있습니다.

그림 "밤 올빼미"미국 문화에 큰 영향을 미쳤습니다. 포스트모더니스트들은 이 그림을 문학, 영화, 그림을 기반으로 한 무수한 패러디 리메이크에 사용했습니다.

에드워드 호퍼의 이 작품에 대한 암시와 패러디는 많은 그림, 영화, 책, 노래에서 찾아볼 수 있습니다. Tom Waits는 그의 앨범 중 하나를 " 식당의 나이트호크» — « 식당에서 자정". 이 캔버스는 데이비드 린치 감독이 가장 좋아하는 작품 중 하나입니다. 그것은 또한 Ridley Scott "Blade Runner"의 영화에서 도시의 모습에 영향을 미쳤습니다.

Night Owls에서 영감을 받아 오스트리아 예술가 Gottfried Helnwein은 ""라는 유명한 리메이크를 만들었습니다. 부서진 꿈의 거리 ". 얼굴없는 캐릭터 대신 그는 Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, Elvis Presley 및 James Dean과 같은 우주적 외로움의 공허에 4 명의 유명인을 배치했습니다. 따라서 그들의 삶과 재능이 얼마나 무의미하게 조기에 공허에 가라 앉았는지 암시합니다. Presley는 장기간의 알코올 및 약물 남용과 남용의 결과로 사망했습니다. Marilyn은 항우울제 과다 복용으로 사망했습니다. 보가트의 죽음 역시 알코올 남용의 결과였고, 제임스 딘은 비극적인 교통사고로 사망했습니다.

다른 스푸핑 리메이크 작가들은 다양한 예술 분야의 미국 상징적인 작품을 사용했습니다. 우선, 가장 인기있는 미국 영화 유명한 캐릭터, 만화책 슈퍼 히어로 및 세계적으로 유명한 이야기. 흑백 필름 느와르의 우울한 스타일은 호퍼의 그림 분위기와 완벽하게 일치했습니다. 필름 누아르 ).

확실히 40년대 느와르 영화의 프레임 "컷"을 보십시오. 이 프레임은 " 부서진 꿈의 거리 ". (2005년에 펑크 그린 데이 그룹의 멤버들은 그들의 두 번째 싱글이 호퍼의 그림의 직접적인 영향을 받아 이 제목과 관련 포스터를 받았다고 말했습니다.)

또한 아이러니하게도 리메이크는 다른 많은 할리우드 페티쉬에서 재생되었습니다.

스타 워즈
스타 워즈
심슨
패밀리 가이
컬트 만화 땡땡의 모험을 기반으로

슈퍼맨과 배트맨
좀비
Tim Burton 감독의 m / f "Dead Bride"를 주제로 한 리메이크

패러디가 될 운명을 피하지 못한 호퍼의 그림 리메이크는 다르다 인기 프로그램그리고 연재물.

코미디 TV 시리즈 "사인펠드"(1989-1998)를 주제로 한 패러디 포스터
범죄 시리즈 "C.S.I.: Crime Scene Investigation"을 주제로 한 패러디 포스터

물론 패러디에서는 작가가 그의 그림에서 강조한 카페의 닫힌 공간이 재생됩니다.

그리고 그림의 차가운 색조와 팔레트의 금욕주의로 인해 많은 조커들이 우주와 연관되었습니다.

도시 풍경에 대한 모든 종류의 미국식 진부한 표현도 사용되었습니다.

글쎄, 밤 거리가 있고 근처에 경찰이없는 곳에 거리 낙서 괴롭힘 Banksy가 나타날 수 있다는 것은 매우 논리적이지만 여기에서 그는 플라스틱 의자를 카페 창에 던지고 있습니다.

모든 종류의 주제로 만들어진 Edward Hopper의 그림에 대한 아이러니한 리메이크의 수백 가지 예를 여전히 제공할 수 있습니다. 이것은 가장 일반적인 인터넷 밈 중 하나입니다. 그리고 그러한 다산은 진정한 걸작이 시간의 지배를 받지 않는다는 것을 확인시켜 줄 뿐입니다.

시청자를 포로 상태로 즉시 그리고 오랫동안 포착하는 이미지가 있습니다. 눈에 쥐덫과 같습니다. 학자 Pavlov의 조건부 반사 이론에 따라 발명 된 이러한 그림의 간단한 역학은 광고 또는 기자 사진에서 명확하게 볼 수 있습니다. 모든 방향에서 호기심, 정욕, 고통 또는 연민의 갈고리가 이미지의 목적에 따라 세제 판매 또는 자선 기금 모금에서 튀어 나옵니다. 강한 마약과 같은 그림의 흐름에 익숙해지면 어리 석고 공허한 다른 종류의 그림을 간과하고 놓칠 수 있습니다. 실제적이고 살아있는 것입니다 (삶을 모방 한 첫 번째 그림과 달리). 그들은 그렇게 아름답지도 않고 전형적인 무조건적인 감정을 불러일으키지도 않으며, 예상치 못한 것이며 그들의 메시지가 의심스럽습니다. 그러나 Mandelstam의 불법 "훔친 공기"인 예술이라고 부를 수 있는 것은 그들뿐입니다.

어떤 예술 분야에도 자신만의 작품을 만들어낸 예술가들이 있습니다. 독특한 세계, 그러나 또한 주변 현실의 비전 시스템, 일상 생활의 현상을 예술 작품의 현실로, 그림, 영화 또는 책의 작은 영원으로 옮기는 방법입니다. 자신만의 독특한 분석적 비전 시스템을 개발하고 추종자들에게 눈을 심어준 예술가 중 한 명은 에드워드 호퍼(Edward Hopper)였습니다. Alfred Hitchcock과 Wim Wenders를 포함한 세계의 많은 영화 제작자들이 그에게 빚을 졌다고 생각하는 것으로 충분합니다. 사진 세계에서 그의 영향력은 Stephen Shore, Joel Meyerowitz, Philip-Lorca diCorcia의 예에서 볼 수 있습니다. 목록은 계속됩니다. Andreas Gursky에서도 Hopper의 "분리된 모습"의 메아리를 볼 수 있는 것 같습니다.

우리 앞에는 세상을 보는 고유한 방식을 가진 현대 시각 문화의 전체 계층이 있습니다. 위에서 본 모습, 옆에서 본 모습, 전기 열차 창에서 (지루한) 승객의 모습-반쯤 비어있는 변전소, 기다리는 사람들의 미완성 제스처, 무관심한 벽면, 철로의 암호. 그림과 사진을 비교하는 것은 합법적이지 않지만 허용된다면 고려할 것입니다. 신화적 개념 Cartier-Bresson이 호퍼의 그림을 예로 들어 소개한 "결정적인 순간"(Decisive Moment). Hopper의 사진적 안목은 틀림없이 그의 "결정적인 순간"을 강조합니다. 모든 상상의 기회와 함께 그림 속 인물들의 움직임, 주변 건물과 구름의 색은 서로 정확하게 조화를 이루며 이 "결정적 순간"을 식별해야 합니다. 사실 이것은 유명한 Zen 사진 작가 Henri Cartier-Bresson의 사진과는 완전히 다른 순간입니다. 거기가 사람이나 사물의 움직임이 절정에 이르는 순간이다. 촬영되고 있는 상황이 최대 표현력에 도달한 순간, 명확하고 모호하지 않은 플롯, 어떤 대가를 치르더라도 멈춰야 하는 "아름다운" 순간의 일종의 압착 또는 정수로 특정 순간의 특징적인 그림을 만들 수 있습니다. . 파우스트 박사의 계율에 따르면.

필립-로르카 디 코르키아 "에디 앤더슨"

아름답거나 끔찍한 순간을 멈추는 것을 전제로 현대 저널리즘 내러티브 사진이 탄생했고 그 결과 광고 사진이 탄생했습니다. 둘 다 이미지를 아이디어(제품)와 소비자 사이의 중개자로만 사용합니다. 이 개념 체계에서 이미지는 누락이나 모호성을 허용하지 않는 명확한 텍스트가 됩니다. 그러나 잡지 사진의 보조 인물은 나에게 더 가깝습니다. 그들은 여전히 ​​\u200b\u200b"결정적인 순간"에 대해 아무것도 모릅니다.

Hopper의 그림에서 "결정적인 순간"은 Bresson의 그림보다 몇 분 뒤쳐져 있습니다. 그곳에서의 움직임은 이제 막 시작되었고 제스처는 아직 확실한 단계를 거치지 않았습니다. 우리는 그것의 소심한 탄생을 봅니다. 따라서 Hopper의 그림은 항상 미스터리, 항상 우울한 불확실성, 기적입니다. 우리는 순간 사이의 시간을 초월한 간격을 관찰하지만, 이 순간의 에너지 강도는 시스티나 예배당에서 아담의 손과 창조주 사이의 창조적 공백만큼 큽니다. 그리고 몸짓에 대해 이야기한다면, 신의 결정적인 몸짓은 오히려 브레송적이며, 드러나지 않은 아담의 몸짓은 호퍼적입니다. 첫 번째는 약간 "이후"이고 두 번째는 오히려 "이전"입니다.

호퍼 그림의 미스터리는 인물들의 실제 행동, 즉 그들의 "결정적 순간"이 이미 프레임 밖에, 프레임 밖에, 다른 많은 중간 "결정적인 순간"의 가상 수렴 지점 "순간" 그림.

언뜻보기에 Edward Hopper의 그림에는 구성 솔루션의 복잡성이나 놀라운 색 구성표와 같이 시청자를 끌어들일 수있는 모든 외부 속성이 없습니다. 느린 스트로크로 덮인 단조로운 다채로운 표면은 지루하다고 할 수 있습니다. 그러나 "정상적인"그림과 달리 Hopper의 작업은 알 수없는 방식으로 시각 신경에 영향을 미치고 보는 사람을 오랫동안 생각하게 만듭니다. 여기서 미스터리는 무엇입니까?

무게 중심이 옮겨진 총알이 더 세게 그리고 더 고통스럽게 치는 것처럼 Hopper의 그림에서 의미론적이고 구성적인 무게 중심은 그림 자체 외부의 일종의 가상 공간으로 완전히 이동됩니다. 그리고 이 거짓말에 주요 수수께끼, 그리고 이러한 이유로 그림은 회화 예술의 모든 규칙에 따라 구축된 일반 그림의 의미론적 네거티브가 어떤 식으로든 됩니다.

이것으로부터이다 예술 공간그림의 주민들이 마법에 걸린 것처럼 보이는 신비한 빛의 흐름. 그것은 무엇입니까-석양의 마지막 광선, 가로등의 빛 또는 도달 할 수없는 이상의 빛?

그림의 의도적으로 사실적인 음모와 금욕적인 예술적 기법에도 불구하고 시청자는 애매한 현실감을 느끼지 않습니다. 그리고 Hopper는 관중이 잘못된 동작 뒤에 있는 가장 중요하고 필수적인 것을 식별할 수 없도록 의도적으로 관중에게 가시성을 속이는 것 같습니다. 우리 주변의 현실이 그렇지 않습니까?

Hopper의 가장 유명한 그림 중 하나는 NightHawks입니다. 우리 앞에는 파노라마 밤의 거리. 닫힌 빈 상점, 맞은 편 건물의 어두운 창문, 길 건너편-야간 카페 쇼케이스 또는 뉴욕에서 부르는대로-4 명이있는 다이빙- 부부, 긴 술을 홀짝이는 고독한 남자, 그리고 바텐더("얼음이 있는 것을 원하십니까, 없는 것을 원하십니까?"). 아뇨, 물론 제가 틀렸습니다. Humphrey Bogart처럼 보이는 모자를 쓴 남자와 빨간 블라우스를 입은 여자는 남편과 아내가 아닙니다. 오히려 그들은 비밀 연인이거나 ... 왼쪽 남자는 첫 번째의 두 배인 거울입니까? 옵션이 배가되고, 도시를 둘러볼 때 도시를 산책하는 동안 발생하는 것처럼 절제된 표현에서 플롯이 커집니다. 열린 창문대화를 엿듣는 것. 미완성 동작, 불명확한 의미, 불명확한 색상. 우리가 처음부터 보지 않고 피날레를 볼 것 같지 않은 공연. 기껏해야 작업 중 하나입니다. 나쁜 배우와 나쁜 감독.

다른 사람의 평범하지 않은 삶을 틈새로 엿보는 것 같지만 지금까지 아무 일도 일어나지 않습니다. 평범한 인생너무 자주 어떤 일이 발생합니다. 나는 종종 멀리서 누군가가 내 삶을 지켜보고 있다고 상상합니다. 여기서 나는 안락 의자에 앉아 있고, 여기서 일어나서 차를 부었습니다. 더 이상은 없습니다. 그러나 줄거리를 만들려면 외부의 분리 된 관찰자가 필요하며 불필요한 것을 차단하고 추가 의미를 도입합니다. 이것이 사진과 영화가 탄생하는 방식입니다. 오히려 이미지 자체의 내부 논리가 플롯을 생성합니다.

에드워드 호퍼. "호텔 윈도우"

아마도 우리가 Hopper의 그림에서 보는 것은 단지 현실의 모방에 불과할 것입니다. 아마도 이것은 마네킹의 세계입니다. 생명이 제거된 세계는 동물학 박물관의 병 속에 들어 있는 동물이나 겉껍질만 남아 있는 박제된 사슴과 같다. 때때로 Hopper의 그림은 이 괴물 같은 공허함, 모든 스트로크를 통해 빛나는 절대적인 진공으로 나를 놀라게 합니다. 블랙스퀘어로 시작된 절대 비움의 길은 호텔 윈도우로 끝났다. 우리가 호퍼를 완전한 허무주의자라고 부르지 못하게 하는 유일한 것은 바로 외부로부터의 이 환상적인 빛, 등장인물들의 미완성 몸짓, 중요한 사건, 일어나지 않습니다. Dino Buzzati와 그의 "Tatar Desert"는 Hopper 작품의 문학적 유사어로 간주될 수 있는 것 같습니다. 소설 전체에서 아무 일도 일어나지 않지만 지연된 행동의 분위기가 소설 전체에 스며 들고 위대한 사건을 기대하면서 소설을 끝까지 읽었지만 아무 일도 일어나지 않습니다. 그림은 문학보다 훨씬 간결하며 전체 소설은 Hopper의 그림 "People in the Sun"만으로도 설명 할 수 있습니다.

에드워드 호퍼. "태양의 사람들"

Hopper의 그림은 그 반대의 증거가되었습니다. 이것이 중세 철학자들이 신의 특성을 결정하려고 시도한 방법입니다. 어둠의 존재 자체가 빛의 존재를 증명합니다. 아마도 이것은 Hopper가 하고 있는 일입니다. 회색이고 지루한 세상을 보여주는 것입니다. 그는 이 빼기 동작만 가지고 있습니다. 부정적인 특성회화에 사용할 수 있는 수단으로 반영할 수 없는 다른 현실의 존재를 암시합니다. 또는 Emil Cioran의 말을 빌리자면 "우리는 일어나는 모든 일, 우리에게 측정 가능한 모든 일을 제거하는 것 외에 다른 방법으로는 영원을 상상할 수 없습니다."

그러나 Hopper의 그림은 작가의 전기의 틀 안에서뿐만 아니라 하나의 줄거리로 통합됩니다. 일련의 이미지는 첩보 천사가 전 세계를 날아다니며 사무실 고층 빌딩의 창문을 들여다보고 보이지 않는 집에 들어가 우리의 평범한 삶을 염탐하는 일련의 이미지를 나타냅니다. 이것이 천사의 눈으로 본 미국의 모습입니다. 끝없는 길, 끝없는 사막, 바다, 거리를 통해 고전적 관점을 연구할 수 있습니다. 그리고 배우는 가장 가까운 슈퍼마켓의 마네킹 같고 크고 밝은 세상 한가운데 작은 외로움에 빠져 모든 바람에 날리는 사람들과 조금 비슷합니다.

에드워드 호퍼(Edward Hopper) 미술사가들은 다른 이름을 붙인다. “빈 공간의 예술가”, “시대의 시인”, “암울한 사회주의 리얼리스트”. 그러나 어떤 이름을 선택하든 본질은 바뀌지 않습니다. Hopper는 다음 중 하나입니다. 가장 밝은 대표아무도 무관심하게 만들 수 없는 미국 회화.

주유소, 1940년

미국의 창의적인 방법은 미국의 대공황 동안 구체화되었습니다. Hopper의 작업에 대한 다양한 연구자들은 그의 작품에서 예술가 DeKirko 및 Delvaux와 함께 작가 Tennessee Williams, Theodore Dreiser, Robert Frost, Jerome Salinger와의 메아리를 발견하는 경향이 있습니다. 린치 ...

이러한 비교가 실제 근거가 있는지는 확실하지 않지만 한 가지는 분명합니다. Edward Hopper는 당시의 정신을 매우 미묘하게 묘사하여 영웅의 포즈, 캔버스의 빈 공간에 전달했습니다. , 독특한 색 구성표로.

이것은 마법적 사실주의의 대표라고 합니다. 사실, 그의 캐릭터, 그가 그들을 배치하는 환경은 완전히 단순합니다. 국내 계획. 그럼에도 불구하고 그의 캔버스는 항상 어떤 종류의 절제를 반영하고, 항상 숨겨진 갈등을 반영하며, 다양한 해석. 때때로 터무니없는 지점에 도달합니다. 예를 들어, 그의 그림 "Night Conference"는 숨겨진 공산주의 음모를 보았 기 때문에 수집가가 판매자에게 반환했습니다.

저녁 모임, 1949년

최대 유명한 그림호퍼 - "밤 올빼미". 한때 거의 모든 미국 십대의 방에 복제품이 걸려있었습니다. 그림의 줄거리는 매우 간단합니다. 밤 카페 창에서 세 명의 방문자가 바 카운터에 앉아 바텐더가 서비스를 제공합니다. 별거 아닌 것 같지만, 미국 예술가의 그림을 본 사람이라면 누구나 대도시에 사는 사람의 초월적이고 괴로운 외로움을 육체적으로 느낄 것입니다.

자정, 1942

당시 호퍼의 마술적 사실주의는 그의 동시대 사람들에게 받아들여지지 않았습니다. 큐비즘, 초현실주의, 추상주의와 같은 보다 "흥미로운" 방법을 향한 일반적인 추세로 인해 그의 그림은 지루하고 무표정해 보였습니다.
“그들은 결코 이해하지호퍼가 말했다. 작가의 독창성은 유행하는 방식이 아니라는 것. 이것이 그의 성격의 정수입니다.”

오늘날 그의 작품은 미국 순수 예술의 이정표가 아니라 그의 시대 정신인 집단적 이미지로 간주됩니다. 그의 전기 작가 중 한 사람은 이렇게 썼습니다. “후손들은 그 어떤 교과서보다 에드워드 호퍼의 그림에서 더 많은 것을 배울 것입니다.”그리고 아마도 어떤 의미에서 그는 옳습니다.

각 국립학교그림은 최고의 대표자 중 몇 명을 표시할 수 있습니다. 20세기 러시아 회화가 말레비치 없이는 불가능하듯이 미국 회화도 없다.에드워드 호퍼 . 그의 작품에는 혁명적 사상이나 예리한 주제가없고 갈등과 복잡한 음모도 없지만 우리가 항상 느낄 수없는 특별한 분위기가 모두 스며든다 일상 생활. Hopper는 미국 회화를 세계 수준으로 끌어 올렸습니다. 그의 추종자들은 David Lynch와 다른 후기 예술가들이었습니다.

예술가의 어린 시절과 젊음

에드워드 호퍼 1882년 누아스쿠에서 태어났다. 그의 가족은 평균 수입이 있었기 때문에 어린 Edward에게 적절한 교육을 제공할 수 있었습니다. 1899년 뉴욕으로 이주한 후 School of Advertising Artists에서 공부한 후 명문 Robert Henry School에 입학했습니다. 부모님이 많이 응원해주셨어요 젊은 예술가그의 재능을 개발하려고 노력했습니다.

유럽 ​​여행

졸업 후에에드워드 호퍼 뉴욕 광고 대행사에서 1년만 일했고 이미 1906년에 유럽으로 갔다. 이 여행은 그를 Picasso, Manet, Rembrandt, El Greco, Degas 및 Hals에게 소개하기 위해 이미 다른 학교의 유명한 예술가를 그에게 공개하기로되어있었습니다.

일반적으로 유럽을 방문했거나 유럽에서 공부한 모든 예술가는 세 가지 범주로 나눌 수 있습니다. 첫 번째는 즉시 응답했습니다. 기존 경험위대한 거장이며 혁신적인 스타일이나 작품의 천재성으로 전 세계를 빠르게 정복했습니다. 물론 피카소는 이 범주에 더 많이 속한다. 사실상 기타 자신의 캐릭터또는 다른 이유는 알려지지 않았지만 매우 재능있는 예술가. 또 다른 사람들(러시아 화가들에게 더 적합함)은 습득한 경험을 고국으로 가져가 그곳에서 최고의 작품을 만들었습니다.

그러나 이미 이 시기에 스타일의 고립성과 독창성은에드워드 호퍼의 작품. 모든 젊은 예술가와 달리 그는 새로운 학교와 기술에 열정적이지 않으며 모든 것을 매우 침착하게 받아들입니다. 주기적으로 그는 뉴욕으로 돌아갔다가 다시 파리로 갔다. 유럽은 그것을 완전히 포착하지 못했습니다. 그러나 그러한 태도가 호퍼를 유아적이거나 이미 존재하는 다른 거장들의 뛰어난 예술적 유산을 충분히 감상할 수 없는 사람으로 특징짓는다고 가정하는 것은 잘못된 것입니다. 이것이 바로 작가의 스타일이다.에드워드 호퍼 - 인외부의 고요함과 고요함 뒤에는 항상 깊은 의미가 있습니다.

유럽 ​​이후

이미 언급했듯이 마스터의 모든 작품은에드워드 호퍼 생생하지만 단명하는 인상. 그는 특정 작가의 기술과 스타일에 빠르게 관심을 갖게되었지만 항상 자신의 것으로 돌아 왔습니다. Degas는 또한 그를 가장 존경했습니다. 그들의 스타일도 반향을 일으켰다고 할 수 있습니다. 그러나 Hopper 자신이 말했듯이 Picasso의 작품은 눈치 채지 못했습니다. Pablo Picasso는 아마도 예술가들 사이에서 가장 유명했기 때문에 그러한 사실을 믿기가 다소 어렵습니다. 그러나 사실은 남아 있습니다.

뉴욕으로 돌아온 후 Hopper는 미국을 떠나지 않았습니다.

직접 시작하기

Edward Hopper의 길은 드라마와 급격하게 불협화음으로 가득 차 있지는 않았지만 여전히 쉽지 않았습니다.

1913년 작가는 영원히 뉴욕으로 돌아와 워싱턴 광장에 있는 집에 정착했다. 경력의 시작은 순조롭게 진행되는 것 같습니다-첫 번째에드워드 호퍼의 그림같은 1913년에 판매되었습니다. 그러나이 성공은 일시적으로 종료됩니다. Hopper는 현대 미술 전시회로 구상된 뉴욕의 Armory Show에서 처음으로 자신의 작품을 선보였습니다. 여기에 Edward Hopper의 스타일이 적용되었습니다. 나쁜 농담-Picasso, Picabia 및 기타 화가의 아방가르드 그림을 배경으로 Hopper의 그림은 상당히 겸손하고 지방적으로 보였습니다. 그의 동시대 사람들은 그의 생각을 이해하지 못했습니다.에드워드 호퍼의 그림들예술적 가치를 지니지 않는 평범한 사실주의로 비평가와 시청자 모두에게 인식되었습니다. 이것이 조용한 기간이 시작되는 방식입니다. Hopper는 재정적 어려움을 겪고 있으므로 일러스트 레이터의 자리를 차지할 수밖에 없습니다.

인식 전

상황의 어려움을 겪은 Edward Hopper는 상업 출판물에 대한 개인 주문을받습니다. 한동안 작가는 그림을 남기고 주로 금속 표면에서 수행되는 에칭-조각 기술로 작업합니다. 1910년대에 인쇄 활동에 가장 적합한 것은 에칭이었다. Hopper는 근무한 적이 없었기 때문에 부지런히 일해야 했습니다. 또한이 상황은 그의 건강에도 영향을 미쳤습니다. 종종 예술가는 심한 우울증에 빠졌습니다.

이를 바탕으로 화가인 에드워드 호퍼가 그림을 그리지 않은 세월 동안 기량을 잃을 수도 있었다고 추측할 수 있다. 그러나 다행스럽게도 이런 일은 일어나지 않았습니다.

"침묵" 후 복귀

다른 재능과 마찬가지로 Edward Hopper도 도움이 필요했습니다. 그리고 1920년에 예술가는 예술에 관심이 많은 매우 부유한 여성인 Gertrude Whitney를 만날 만큼 운이 좋았습니다. 그녀는 당시 유명한 백만장자 Vanderbilt의 딸이었기 때문에 예술의 후원자가 될 여유가 있었습니다. 그래서 Gertrude Whitney는 미국 예술가들의 작품을 수집하고 물론 그들을 돕고 작업 조건을 제공하기를 원했습니다.

그래서 1920년에 그녀는 Edward Hopper를 위해 그의 첫 번째 전시회를 조직했습니다. 이제 대중은 그의 작품에 큰 관심을 가지고 반응했습니다. 그런에드워드 호퍼의 그림,"Evening Wind"와 "Night Shadows", 그리고 그의 에칭 중 일부와 같이.

그러나 아직 대성공은 아니었다. 그리고 Hopper의 재정 상황은 거의 개선되지 않았기 때문에 그는 일러스트레이터로 계속 일할 수밖에 없었습니다.

오랫동안 기다려온 인식

몇 년 동안의 "침묵" 후에도 Edward Hopper는 여전히 그림으로 돌아갑니다. 그는 자신의 재능이 높이 평가될 것이라는 희망을 가지고 있습니다.

1923년 호퍼는 젊은 예술가 조세핀 베르스티엘과 결혼한다. 그들의 가족 생활은 상당히 어려웠습니다. 조는 남편을 질투했고 심지어 누드 여성의 본성을 그리는 것을 금지했습니다. 그러나 그러한 개인 생활의 세부 사항은 우리에게 중요하지 않습니다. 흥미롭게도 Hopper에게 수채화에 손을 대라고 조언한 사람은 Jo였습니다. 그리고 우리는 경의를 표해야 합니다. 이 스타일이 그를 성공으로 이끌었습니다.

두 번째 전시회는 브루클린 박물관에서 조직되었습니다. Edward Hopper의 여섯 작품이 이곳에서 발표되었습니다. 박물관은 박람회를 위해 그림 중 하나를 구입했습니다. 이것 출발점예술가의 삶에서 창조적 고조.

스타일의 형성

Edward Hopper가 그의 그림이 마침내 결정화 된 것은 수채화를 주요 기법으로 선택한 기간이었습니다. 자기 스타일. Hopper의 그림은 항상 완전히 단순한 상황을 보여줍니다. 평범한 도시에서 자연스러운 형태의 사람들입니다. 그러나 그러한 각 음모 뒤에는 깊은 감정과 정신 상태를 반영하는 미묘한 심리적 그림이 있습니다.

예를 들어, 밤 올빼미 by 에드워드 호퍼언뜻보기에는 너무 단순 해 보일 수 있습니다. 야간 카페, 웨이터 및 세 명의 방문자 만 있습니다. 그러나 이 그림에는 두 가지 이야기가 있다. 한 버전에 따르면 "밤 올빼미"는 Van Gogh의 "Night Café in Arles"에서 얻은 인상의 결과로 나타났습니다. 그리고 다른 버전에 따르면 줄거리는 E. Hemingway의 이야기 "The Killers"를 반영한 ​​것입니다. 1946년에 촬영된 영화 "The Killers"는 문학적 출처, 뿐만 아니라 Hopper의 그림 스타일도 있습니다. 다음 사항에 유의하는 것이 중요합니다.에드워드 호퍼의 "야행성"( "Midnighters"라고 함)는 다른 아티스트 인 David Lynch의 스타일에 큰 영향을 미쳤습니다.

동시에 Hopper는 에칭 기술을 포기하지 않습니다. 그는 더 이상 재정적 어려움을 겪지 않았지만 계속해서 판화를 만들었습니다. 물론 이 장르는 거장의 그림에도 영향을 미쳤다. 기이한 기술 조합은 그의 많은 작품에서 찾아볼 수 있습니다.

고백

1930년 이후 호퍼의 성공은 되돌릴 수 없게 되었습니다. 그의 작품은 점점 더 많은 인기를 얻고 있으며 미국의 거의 모든 박물관 박람회에 출품됩니다. 1931년에만 그의 그림이 약 30점 팔렸습니다. 2년 후, 뉴욕 박물관에서 개인전을 개최합니다. 소재 상태가 좋아지면서 호퍼의 스타일도 달라졌다. 그는 도시 밖을 여행하고 풍경을 그릴 기회가 있습니다. 그래서 도시 외에도 작가는 작은 집과 자연을 그리기 시작합니다.

스타일

Hopper의 작품에서 이미지는 정지된 것처럼 보입니다. 일상 생활에서 파악하고 그 중요성을 평가할 수 없는 모든 세부 사항이 표시됩니다. 이것은 Hopper의 그림에 대한 감독의 관심을 부분적으로 정당화합니다. 그의 그림은 영화의 변화하는 프레임처럼 볼 수 있다.

Hopper의 사실주의는 상징주의와 매우 밀접하게 얽혀 있습니다. 트릭 중 하나는 울리는 외로움을 표시하기 위해 열린 창문과 문입니다. 어느 정도 이 상징주의는 작가의 마음 상태를 반영했다. 방문객이 한 명 뿐인 방의 약간 열린 창문, 카페 문은 그 중 한 사람을 보여줍니다. 광활한 세계. 창작의 기회를 찾기 위해 홀로 보낸 오랜 세월은 작가의 태도에 흔적을 남겼습니다. 그리고 사진에서 사람의 영혼은 그대로 공개되어 있지만 아무도 눈치 채지 못합니다.

예를 들어 Edward Hopper의 그림 "Reclining nude"를 볼 수 있습니다. 벌거 벗은 소녀의 이미지는 무관심과 침묵으로 가득 찬 것 같습니다. 그리고 차분한 색 구성표와 수채화의 불안정함은 이러한 행복과 공허함을 강조합니다. 전체 음모가 정신적으로 그려지고 있습니다. 빈 방에있는 젊은 여성이 생각에 잠겨 있습니다. 이것은 또 다른 특성호퍼의 작품은 영웅들을 바로 그런 환경으로 데려온 상황, 상황을 상상할 수 있는 기회이다.

유리는 거장의 그림에서 또 다른 중요한 상징이 되었습니다. 같은 "Midnighters"는 카페 창을 통해 캐릭터를 보여줍니다. 이 움직임은 Hopper의 작업에서 매우 자주 볼 수 있습니다. 캐릭터의 외로움도 이런 식으로 표현된다. 대화를 시작할 수 없거나 할 수 없음 - 이것은 유리입니다. 투명하고 때로는 눈에 띄지 않지만 여전히 차갑고 강합니다. 전 세계에서 영웅을 격리하는 일종의 장벽으로. 이것은 "Automatic", "Morning Sun", "Office in New York"의 그림에서 볼 수 있습니다.

현대성

그의 생애가 끝날 때까지 Edward Hopper는 일을 멈추지 않았습니다. 나의 마지막 사진그가 죽기 2년 전에 만든 "코미디언". 작가는 그의 후원자인 거트루드 휘트니가 만든 박물관인 휘트니 홀의 모든 전시회에 참가했습니다. 2012년에는 작가를 위한 단편 영화 8편이 개봉되었습니다. 그의 작업에 조금이라도 익숙한 사람이라면 누구나 이렇게 말할 것입니다.에드워드 호퍼의 나이트호크이것은 그의 가장 유명한 그림 중 하나입니다. 그의 작품의 복제품은 현재 전 세계적으로 수요가 높으며 원본은 높은 평가를 받고 있습니다. 그의 재능의 독창성은 여전히 ​​당시 유행하던 아방가르드를 돌파할 수 있었다. 비판적 견해대중, 실업자의 고난. Edward Hopper의 그림은 매우 얇은 것으로 회화의 역사에 들어갔다. 심리적 작업깊이와 눈에 거슬리지 않는 정복.