렘브란트 흥미로운 사실. Rembrandt Harmenszoon van Rijn - 전기 및 회화

이름:렘브란트 (Rembrandt Harmenszoon van Rijn)

나이: 63세

활동:예술가, 조각가, 최대 대표자네덜란드 회화의 황금기

가족 상태:홀아비

렘브란트 : 전기

렘브란트 Harmenszoon van Rijn - 유명한 화가, "황금 시대"의 에칭 및 기안가. 보편적 인 인정과 명성, 급격한 쇠퇴와 빈곤 - 이것은 예술의 위대한 천재의 전기를 특징 짓는 방법입니다. 렘브란트는 초상화를 통해 사람의 영혼을 전달하고자 했으며, 미스터리에 싸인 그의 많은 작품에 대한 소문과 추측이 여전히 돌고 있습니다.

17세기 초는 혁명 당시 공화국으로서 독립을 얻은 네덜란드 국가에게 평온했습니다. 나라가 발전했다 산업 생산품, 농업그리고 무역.

안에 고대 도시 1607년 7월 15일에 태어난 Rembrandt는 South Holland 지방에 위치한 Leidin에서 어린 시절을 Wedeshteg의 집에서 보냈습니다.

그 소년은 그가 여섯 번째 아이였던 대가족에서 자랐습니다. 미래 예술가 Harmen van Rijn의 아버지는 방앗간과 몰트 하우스를 소유한 부유한 사람이었습니다. 무엇보다도 Van Rein은 자신의 재산에 두 채의 집을 더 가지고 있었고 아내 Cornelia Neltier로부터 상당한 지참금도 받았습니다. 대가족풍요롭게 살았습니다. 미래 예술가의 어머니는 제빵사의 딸이었고 요리에 정통했기 때문에 가족 식탁은 맛있는 요리로 가득했습니다.

그들의 부에도 불구하고 Harmen 가족은 엄격한 가톨릭 규칙을 준수하면서 검소하게 살았습니다. 예술가의 부모는 네덜란드 혁명 이후에도 신앙에 대한 태도를 바꾸지 않았습니다.

렘브란트의 23세 자화상

렘브란트는 평생 동안 어머니에게 친절했습니다. 이것은 1639년에 그려진 초상화에 표현되어 있는데, 친절하고 약간 슬픈 표정을 지닌 현명한 노파를 묘사하고 있다.

가족은 사교 행사에 외계인이었고 호화로운 생활부유 한 사람들. 저녁에 van Rijns가 테이블에 모여 책과 성경을 읽었다고 가정하는 것이 합리적입니다. 이것은 대부분의 네덜란드 시민들이 황금 시대에 한 일이었습니다.

Harmen이 소유한 풍차는 라인 강둑에 있었습니다. 소년의 눈이 뜨기 전 아름다운 풍경건물의 작은 창문을 통과하고 밀가루 먼지의 안개를 통과하는 태양 광선으로 빛나는 푸른 강. 아마도 어린 시절의 추억으로 인해 미래의 예술가는 색상, 빛 및 그림자를 능숙하게 마스터하는 법을 배웠습니다.

어렸을 때 렘브란트는 관찰력이 뛰어난 소년으로 자랐습니다. Leidin 거리의 광활함은 영감의 원천을 제공했습니다. 무역 시장에서 서로 다른 사람들을 만날 수 있었습니다. 다른 국적종이에 얼굴을 스케치하는 법을 배웁니다.

처음에 소년은 라틴어 학교에 갔지만 공부에 관심이 없었습니다. Young Rembrandt는 그림을 선호하는 정확한 과학을 좋아하지 않았습니다.

미래 예술가의 어린 시절은 부모가 아들의 취미를보고 행복했고 소년이 13 살 때 네덜란드 예술가 Jacob van Swanenburg와 함께 공부하도록 보내졌습니다. 렘브란트의 첫 번째 스승의 전기에는 알려진 바가 거의 없으며 후기 매너리즘의 대표자는 예술적 유산, 그렇기 때문에 렘브란트 스타일 개발의 형성에 대한 Jacob의 영향을 추적하는 것이 거의 불가능합니다.

1623년에 청년은 수도로 갔고 그곳에서 화가인 Peter Lastman은 6개월 동안 렘브란트의 그림과 판화를 가르친 그의 두 번째 교사가 되었습니다.

그림

멘토와의 훈련은 성공적이었고 Lastman의 그림에 감명을 받았으며 청년은 그림 기술을 빠르게 습득했습니다. 밝고 채도가 높은 색상, 그림자와 빛의 놀이, 가장 세심한 정교함 작은 부품식물상 - Peter가 저명한 학생에게 준 것입니다.

1627년 렘브란트는 암스테르담에서 고향. 자신의 능력에 자신감을 가진 예술가는 친구 Jan Lievens와 함께 자신의 회화 학교를 열었고 짧은 시간에 네덜란드 사람들 사이에서 인기를 얻었습니다. Lievens와 Rembrandt는 서로 동등했으며 때로는 젊은이들이 하나의 캔버스에서 신중하게 작업하여 자신의 스타일의 일부를 그림에 넣었습니다.

스무 살의 젊은 예술가는 상세한 묘사로 인해 명성을 얻었습니다. 초기 작업, 포함하고있는:

• "거룩한 사도 스데반의 투석"(1625),
• "아가멤논 앞의 팔라메데아"(1626),
• "골리앗의 머리를 가진 다윗"(1627),
• "유럽의 납치"(1632),

청년은 계속해서 도시의 거리에서 영감을 얻고, 광장을 거닐며 우연히 지나가는 행인을 만나고 나무판에 끌로 자신의 초상화를 찍습니다. Rembrandt는 또한 자화상과 수많은 친척의 초상화로 일련의 판화를 만듭니다.

젊은 화가의 재능 덕분에 Rembrandt는 van Rijn과 Lievens의 캔버스에 감탄하여 유망한 예술가라고 부르는 시인 Konstantin Heygens에 의해 주목되었습니다. 1629년 네덜란드인이 쓴 "유다는 은화 30개를 돌려준다. 콘스탄틴의 인맥 덕분에 렘브란트는 곧 풍부한 예술 애호가를 확보합니다. Haygens의 중재로 인해 Orange 왕자는 Before Pilate (1636)와 같은 여러 종교 작품을 예술가에게 의뢰했습니다.

아티스트의 진정한 성공은 암스테르담에서 이루어집니다. 1633년 6월 8일 Rembrandt는 부유한 시민 Saskia van Uylenbürch의 딸을 만나 사회에서 강력한 지위를 얻습니다. 화가는 네덜란드의 수도에 있는 동안 대부분의 캔버스를 그렸습니다.

렘브란트는 사랑하는 사람의 아름다움에서 영감을 받아 종종 그녀의 초상화를 그립니다. 결혼식 3일 후 van Rijn은 은색 연필로 챙이 넓은 모자를 쓴 여성을 그렸습니다. Saskia는 아늑한 가정 환경에서 네덜란드 인의 그림에 나타났습니다. 이 통통한 뺨을 가진 여성의 이미지는 많은 캔버스에 나타납니다. 예를 들어 그림의 신비한 소녀 " 나이트 워치"작가의 애인과 많이 닮았다.

1632년 렘브란트는 "툴프 박사의 해부학 수업"이라는 그림으로 영광을 받았습니다. 사실 van Rijn은 시청자를 향한 얼굴로 묘사되는 표준 그룹 초상화의 캐논에서 벗어났습니다. 극도로 사실적인 초상화의사와 그의 학생들은 예술가를 유명하게 만들었습니다.

1635년에 작성 유명한 그림세속 사회에서 인정받은 성경 이야기 "아브라함의 희생"을 바탕으로합니다.

1642년에 van Rijn은 사격 협회로부터 새 건물을 캔버스로 장식하기 위한 단체 초상화에 대한 의뢰를 받았습니다. 이 그림은 "Night Watch"라고 잘못 불렸습니다. 그을음으로 얼룩졌고 17 세기에야 연구자들은 캔버스에서 펼쳐지는 행동이 낮에 일어난다는 결론에 도달했습니다.

Rembrandt는 움직이는 총사병의 모든 세부 사항을 철저히 묘사했습니다. 마치 특정 순간에 민병대가 어두운 안뜰을 떠났을 때 시간이 멈춘 것처럼 van Rijn이 캔버스에서 그들을 포착했습니다.

고객들은 네덜란드 화가가 17세기에 발전한 대포에서 벗어난 것을 좋아하지 않았습니다. 그런 다음 그룹 초상화는 기념식이었고 참가자는 잡음없이 전체 얼굴로 묘사되었습니다.

과학자들에 따르면 이 그림은 1653년 예술가가 파산한 원인이 되었는데, 이는 잠재 고객을 겁먹게 했기 때문입니다.

기술과 회화

Rembrandt는 예술가의 진정한 목표가 자연을 연구하는 것이라고 믿었으므로 화가의 모든 그림은 너무 사진적인 것으로 판명되었습니다. 네덜란드 인은 묘사 된 사람의 모든 감정을 전달하려고했습니다.

황금 시대의 많은 재능 있는 거장들처럼 렘브란트도 종교적 모티프를 가지고 있습니다. van Rijn의 캔버스에는 캡처된 얼굴뿐만 아니라 고유한 역사가 있는 전체 플롯이 그려져 있습니다.

1645 년에 그린 그림 "The Holy Family"에서 캐릭터의 얼굴은 자연스럽고 네덜란드 인은 붓과 페인트를 사용하여 청중을 단순한 농민 가족의 아늑한 분위기로 옮기고 싶어하는 것 같습니다. van Rijn의 작품에서는 어느 정도 화려함을 찾아볼 수 없습니다. 렘브란트는 네덜란드 농부 여성의 형태로 마돈나를 그렸다고 말했습니다. 실제로 작가는 평생 동안 주변 사람들로부터 영감을 얻었습니다. 캔버스에서 하녀에게서 복사 한 여성이 아기를 재우고있을 가능성이 있습니다.

렘브란트의 성가족, 1646

많은 예술가와 마찬가지로 Rembrandt는 수수께끼로 가득 차 있습니다. 제작자가 사망 한 후 연구자들은 그의 그림의 비밀에 대해 오랫동안 숙고했습니다.

예를 들어, "Danae"(또는 "Aegina") 그림에서 van Rijn은 1636년부터 11년 동안 작업했습니다. 캔버스는 잠에서 깨어난 젊은 처녀를 묘사합니다. 줄거리는 고대 그리스 신화 Argos 왕의 딸이자 Perseus의 어머니 인 Danae에 대해.

캔버스 연구원들은 벌거벗은 처녀가 사스키아처럼 보이지 않는 이유를 이해하지 못했습니다. 그러나 엑스레이 촬영 후 Danae는 원래 Eilenbürch의 이미지로 그려졌으나 아내가 사망한 후 van Rijn이 그림으로 돌아와 Danae의 얼굴 특징을 변경한 것이 분명해졌습니다.

또한 미술 평론가들 사이에서 캔버스에 묘사된 여주인공에 대한 논쟁이 있었습니다. Rembrandt는 그림의 제목에 서명하지 않았으며 전설에 따르면 Zeus가 Danae에 나타난 형태로 황금비가 없기 때문에 음모의 해석이 방해를 받았습니다. 과학자들도 우려했다 결혼 반지일치하지 않는 소녀의 약지에 고대 그리스 신화. 렘브란트의 대표작 다나에가 있다. 러시아 박물관암자.

"유대인 신부"(1665) - 또 다른 신비한 그림반 레인. 이 이름은 19세기 초에 캔버스에 붙여졌지만 어린 소녀와 남자가 성서의 옷을 연상시키는 고대 의상을 입고 있기 때문에 캔버스에 누가 묘사되어 있는지는 아직 알려지지 않았습니다. 또한 인기있는 그림은 "Return 탕자"(1669), 6 년 동안 만들어졌습니다.

렘브란트의 "돌아온 탕자"의 단편

Rembrandt의 그림 그리기 스타일에 대해 이야기하면 작가는 최소한의 색상을 사용하면서 빛과 그림자의 놀이 덕분에 그림을 "살아있게"만들었습니다.

Van Rijn은 또한 얼굴 표정을 성공적으로 묘사합니다. 위대한 화가의 캔버스에 있는 모든 사람들이 살아있는 것 같습니다. 예를 들어, 노인의 초상화-Rembrandt의 아버지 (1639)에서 모든 주름과 현명하고 슬픈 표정이 보입니다.

개인 생활

1642년에 사스키아는 결핵으로 사망했고 사랑하는 사람에게는 렘브란트가 지원한 아들 티투스(다른 세 자녀는 유아기에 사망)가 있었습니다. 우호 관계. 1642년 말에 예술가는 젊은 특별한 Gertier Dirks를 만납니다. Saskia의 부모는 홀아비가 사치스럽게 살면서 지참금을 처리하는 방식에 화가 났습니다. Dirks는 나중에 그녀와 결혼하겠다는 약속을 어긴 것에 대해 연인을 고소합니다. 두 번째 여성에게서 작가는 딸 Cornelia를 낳았습니다.

렘브란트의 그림 "플로라 여신의 이미지에 사스키아"

1656년 재정적 어려움으로 인해 렘브란트는 파산을 선언하고 수도 외곽의 한적한 집으로 떠났습니다.

Van Rijn의 삶은 계속 성장하지 않았지만 오히려 쇠퇴했습니다. 행복한 어린 시절, 부와 인정은 떠난 고객과 거지 같은 노년으로 대체되었습니다. 작가의 분위기는 그의 캔버스에서 추적할 수 있습니다. 그래서 Saskia와 함께 살면서 그는 "무릎을 꿇은 Saskia의 자화상"(1635)과 같이 즐겁고 맑은 그림을 그립니다. 캔버스에서 van Rijn은 진심 어린 웃음으로 웃고 있고 찬란한 빛이 방을 비춥니다.

이전에 작가의 그림이 상세했다면 무대에서 늦은 창의성 Rembrandt는 넓은 스트로크를 사용하고 태양 광선은 어둠으로 대체됩니다.

1661년에 쓰여진 그림 "율리우스 시빌리스의 음모"는 반 레인의 이전 작품과 달리 음모에 참여한 사람들의 얼굴이 세심하게 그려지지 않았기 때문에 고객이 지불하지 않았습니다.

렘브란트의 그림 "티투스의 아들의 초상"

1665년 렘브란트는 죽기 직전 가난하게 살면서 제욱시스의 이미지로 자화상을 그렸습니다. Zeukis는 아이러니한 죽음을 맞이한 고대 그리스 화가입니다. 예술가는 노파의 모습으로 그린 ​​아프로디테의 초상화를 보고 웃다가 죽었습니다. 초상화에서 렘브란트는 웃으며 예술가는 주저하지 않고 블랙 유머를 캔버스에 넣었습니다.

죽음

렘브란트는 1668년 전염병으로 사망한 그의 아들 티투스를 매장했습니다. 이 슬픈 사건은 작가의 마음 상태를 급격히 악화시켰다. Van Rijn은 1669년 10월 4일에 사망하여 암스테르담의 네덜란드 Westerkerk 교회에 묻혔습니다.

암스테르담의 렘브란트 광장에 있는 렘브란트 동상

그는 평생 동안 약 350점의 캔버스와 100점의 그림을 그렸습니다. 인류가 이 위대한 예술가를 감상하는 데 200년이 걸렸습니다.

Harmensz van Rijn Rembrandt는 많은 걸작 그림을 그렸고 그중 하나가 The Night Watch입니다. 이제 이 유명한 사진암스테르담에 보관. 소수의 사람들 만이이 사진이 "Frans Banning Cock 대위와 Willem van Ruytenbürg 중위의 소총 회사 연설"이라는 완전히 다른 이름을 가지고 있다는 것을 알고 있습니다. 1642년에 그린 그림이다. Shooting Society의 메인 홀에 그림을 걸고 싶어하는 네덜란드 민간 민병대가 Rembrandt에게 의뢰했습니다. 18명이 고객 역할을 했습니다. 수수료 금액은 그들 사이에 나누어졌습니다. 원칙적으로 의식 초상화를 작성할 때 고객 만 묘사했습니다. 그림을 쓸 때 Rembrandt는 인정된 대포에서 여러 번 벗어났습니다. 예를 들어, 규정된 18명 대신에 그는 34명을 묘사했습니다. 결과 사진은 고객에게 적합하지 않았습니다. 결국 많은 사람들이 배경에 있었고 일부는 일반적으로 인식할 수 없었습니다. 이런 이유로 그들은 오랫동안 아티스트로 인해 돈을주고 싶지 않았지만 결국 1600 플로린을 지불했습니다. 사실, 그 그림은 새 건물의 앞 홀에 걸린 적이 없지만 다른 장소에 배정되었습니다. 그림은 다른 방에 맞게 잘라야 했습니다. 그림의 일부는 위쪽과 왼쪽에서 잘려서 두 개의 화살표가 더 그려져 있습니다.

렘브란트의 그림 스타일은 빛과 그림자의 유희가 특징입니다. 이 구성은 또한 대조를 기반으로 합니다. 어두운 안뜰에서 Frans Banning Cock 대위의 소총 중대 병사들은 깃발을 들고 햇빛이 가득한 광장으로 나가야했습니다. 그러나 19세기에 이 그림이 발견되었을 때 상태는 매우 열악했습니다. 그것은 Shooting Society의 여러 방에 그림이 걸려있는 후에 나타난 오래된 바니시와 그을음의 두꺼운 층으로 덮여있었습니다. 그 결과 연구원들은 이 사진의 동작이 밤에 일어난다고 결정하고 캔버스에 "Night Watch"라는 이름을 부여했습니다. 그림의 복원은 1947년에 이루어졌으나 오류가 발견되었다. 하지만 이 일렘브란트는 이미 새로운 이름으로 예술에 입문했기 때문에 이제 캔버스는 두 가지 이름으로 알려져 있습니다.

렘브란트는 정적인 정면 초상화에서 움직임으로 가득 찬 캔버스를 만들 때 다시 한 번 회화의 표준을 위반합니다. 그림에서 모든 것이 움직이고 있습니다. Frans Banning Cock 대위는 중위에게 명령을 내리고 손을 흔들며 그를 동반합니다. 소위가 행진하는 깃발을 펼치기 시작합니다. 드러머는 개가 그에게 덤벼 들기 시작하는 분수를 녹아웃시킵니다. 작은 소년도망 치다. 배경에 있는 사람들도 움직이고 있습니다.

이 그림에는 연구자들이 여전히 의아해하는 많은 수수께끼가 포함되어 있습니다. 렘브란트는 16명을 추가로 묘사했지만, 그들 중 일부는 수수께끼로 남아 있습니다. 캔버스에는 두 개의 밝은 점이 있습니다. Willem van Ruytenbürg 중위의 모습과 황금 드레스를 입은 소녀입니다. 많은 연구자들은 그녀의 모습이 머스킷티어의 수많은 징후로 둘러싸여 있기 때문에 그녀가 분리의 마스코트라고 제안합니다. 그녀 옆에 있는 머스킷티어는 헬멧에 참나무 잎사귀를 달았습니다. 소녀 자신은 벨트에 권총과 닭이 부착되어 있습니다 (이전에는 매나 매와 같은 맹금류의 발이 저격수의 상징이었습니다-또 다른 미스터리!). 왼손에는 포도주 뿔을 들고 있다. 또 다른 수수께끼: 프란스 배닝 콕 대위는 장갑을 끼지 않은 채 왼손으로 손을 흔들고 오른손에는 제거한 장갑을 들고 있습니다. 문제는 자세히 살펴보면 손에 든 장갑이 옳다는 것이 밝혀진 경우에만 발생합니다 ...

연구원들이 엑스레이를 찍었을 때 Willem van Reutenburg 중위의 모습이 무엇보다도 캔버스에서 다시 만들어 졌다는 것이 밝혀졌습니다. Rembrandt는 중위의 미늘창이 가리키는 방향을 선택할 수 없었습니다.

대위와 중위의 인물 위에는 Jan Okkersen이 모자를 쓰고 있습니다. 많은 연구자들은 렘브란트가 오른쪽 어깨 뒤에 자신을 그렸다는 데 동의합니다.

캔버스는 사람마다 다른 인상을 줍니다. 그럼에도 불구하고 이 렘브란트의 작품은 이미 세 번이나 파괴를 시도했다. 그것에서 hosta 조각을 잘라 내고 10 번 이상 찔렀으며 심지어 황산을 뿌렸습니다. 이제 캔버스 "Night Watch"는 암스테르담 주립 박물관의 모든 사람들이 볼 수 있습니다. 그림을 원래 형태로 보고 싶은 미술 감정가들은 17세기 게릿 룬덴스(Gerrit Lundens)가 만든 캔버스 사본을 소장하고 있는 런던 국립 미술관(London National Gallery)을 방문할 수 있습니다.

렘브란트 비극의 전기. Khu-dozh-nik은 가난하게 죽어 가고 있었지만 그 전에는 모든 친척을 잃었습니다. 그의 생전의 그림은 가치가 없었고 그의 제자들은 가장 어려운시기에 그를 배신했습니다. 그러나 시련은 위대한 화가를 깨뜨리지 않았고 그의 정신의 힘은 너무 커서 자신의 슬픔과 심지어 내 죽음도 극복할 수 있었습니다.

렘브란트의 시대

17세기 네덜란드는 유럽에서 가장 부유한 나라 중 하나였습니다. 전 세계에서 암스테르담으로 상품이 몰려들었습니다. 은행가와 상인들은 자신의 삶을 가능한 한 진실하게 반영하는 작품을 보고 싶어했습니다. 이러한 상황에서 회화는 가장 대중적이고 발전된 예술 형식이었다. 자존심이 강한 모든 네덜란드인은 그림이 반드시 자신의 집에 있어야 한다고 믿었습니다. 그리고 Rembrandt의 창조적 전기가 구체화 된 것은 그러한 조건이었습니다.

네덜란드 예술가

일부 마스터는 그림을 그렸고 다른 마스터는 정물화를 그렸고 세 번째 마스터는 장르 장면을 훌륭하게 제공했습니다. 네 번째는 자연을 묘사하는 것을 선호했습니다. 그러나 그들은 모두 현실을 꾸밈없이 사실적으로 묘사하려고 노력했습니다. 그러나 네덜란드 화가들의 솜씨가 아무리 뛰어나도 렘브란트는 모든 사람을 능가했습니다.

그러한 사람들은 한 세기에 한 번 또는 그보다 덜 자주 태어납니다. 단순함과 인류는 그의 기술에 살았지만 그 자체로는 전체 우주였습니다. 누구와도 달리 렘브란트는 사람의 내면 세계와 그의 복잡한 감정 경험을 알 수 있었습니다. 이 거장의 간략한 전기는 오늘날 다양한 출처에 나와 있으며, 그것을 읽은 후에는 이 사람이 필요에 따라 무료로 캔버스를 제공해야 할 때 어떻게 자신의 캔버스를 만들 수 있었는지 궁금합니다. 그의 동료 작가들은 그를 "회화의 이단자" ." 참으로 진정한 예술가는 돌을 던져도 창조합니다.

외로운 화가

그는 결코 추종자들에게 둘러싸여 있지 않았습니다. 그의 생애 동안 단 한 명의 시인도 이 노래를 부르지 않았습니다. 이 화가는 공식 축하 행사에 초대받지 못했고 성대한 축제가 열리는 날에도 잊혀졌습니다. 그러나 그는 화를 내지 않았습니다. 렘브란트가 가장 좋아하는 회사는 상점 주인, 속물, 농민 및 장인으로 구성되었습니다. 평범한 사람들은 그와 매우 가까웠습니다. 작가가 가장 좋아하는 장소는 선원, 순회 배우, 좀도둑이 돌아 다니는 항구 선술집 중 하나였습니다. 그곳에서 그는 몇 시간 동안 앉아서 관찰하고 스케치했습니다. 당선자만이 볼 수 있는 현실의 특별한 반영에 지나지 않는 예술의 세계에서 렘브란트는 평생을 보냈다. 전기, 요약인생에서 가장 중요한 사실만을 나타내는 것은 아래에 설명되어 있습니다. 하지만 이 놀라운 실력을 느끼기 위해서는 뛰어난 성격, 당신은 작품을 볼 필요가 있습니다. 결국 그의 그림에는 작가의 삶이 고스란히 담겨 있다.

천재의 탄생

1606년 네덜란드의 부유한 방앗간 주인 하르멘스의 집안에서 아들이 태어났고, 그가 여섯째 아이가 되었습니다. 그들은 그를 렘브란트라고 불렀습니다. 공장은 라인강 근처에 있었기 때문에 모든 가족 구성원의 이름에 Van Rhine이 추가되었습니다. 성명세계 회화에서 가장 위대한 인물 중 한 명 - Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.

이 사람의 간략한 전기는 몇 마디로 설명할 수 있습니다. 지속적인 작업과 끊임없는 창의적 검색입니다. 아마도 그를 구한 것은 재능이었을 것입니다. 예술가의 삶에는 상실과 실망이 너무 많아서 아마도 예술만이 절망을 없앨 수 있었을 것입니다. 하지만 다음으로 넘어가기 전에 비극적 사건그의 인생에서 구름이없고 구별되는 그 시간에 대해 몇 마디 말해야합니다. 전례 없는 성공창의성에. 위대한 스승의 운명에 경의를 표할 가치가 있습니다. Rembrandt van Rijn이 항상 외롭고 불행했던 것은 아닙니다.

짧은 전기

어렸을 때 렘브란트는 라틴어와 다른 중요한 과학을 공부했습니다. 부모는 그가 공무원이나 유명한 과학자가되기를 꿈꿨 기 때문에 사랑하는 아들의 교육에 인색하지 않았습니다. 그러나 그림에 대한 갈망은 초기귀여운 그림에 등장했고 나중에 이미 청소년기에 그녀는 지역 화가 중 한 사람의 작업장에 렘브란트를 데려 왔습니다. 그곳에서 그는 6개월 동안만 공부한 후 자신의 것을 열었습니다.

렘브란트의 스승은 동시대인이자 과거의 예술가였습니다. 그는 회화와 조각 기술을 습득하고 사본에서 이탈리아 예술을 공부했습니다. 첫 번째 그림 중 하나는 "Tulpa Anatomy Lesson"입니다. 예술가 렘브란트가 독립적인 창작 경로를 시작한 것은 바로 이 캔버스에서였다고 말할 수 있습니다. 그의 자서전은 회화를 졸업한 후 처음 몇 년은 즐거운 일들만 있었다고 말합니다.

삭시아

25세에 작가는 수도로 이사했고 3년 후 시장의 딸과 결혼했다. 소녀의 이름은 삭시아였다. 그리고 그녀는 주인의 주요 뮤즈가되었습니다. 그의 아내의 이미지는 특별한 부드러움으로 유명한 초상화 화가에 의해 불멸합니다.

가족의 행복은 창의적인 이륙과 일치했습니다. Rembrandt는 부유 한 사람들로부터 고액 주문을 받기 시작했습니다. 동시에 그는 많은 학생들이있었습니다. 작가는 마침내 자신의 집을 살 수 있었다. 짧은 전기기사에 설명되어있는 것은 많이 썼을뿐만 아니라 다른 거장들의 재능도 존경했습니다. 그는 진정한 조개껍데기, 꽃병, 골동품 흉상을 수집하는 수집가였습니다. 그의 새 집에는 작업장, 거실, 그리고 라파엘로, 뒤러, 만테냐의 작품을 보관하는 특별한 방을 위한 충분한 공간이 있었습니다.

이렇게 그의 짧은 전기가 인식과 성공의 짧은 기간, 즉 30년대만을 포함하는 그의 렘브란트가 시작되었습니다. 이 기간 동안 작가는 60점 이상의 초상화를 그렸습니다. 그 중 가장 유명한 것이 "다나에"입니다. 이 그림 작업 기간 동안 화가는 명성의 절정에 달했습니다.

그러나 갑자기 모든 것이 바뀌 었습니다. 세 자녀가 죽고 사랑하는 아내가 죽었습니다. 곧 그는 어머니와 누이들을 잃었습니다. 렘브란트는 어린 아들과 함께 홀로 남겨졌습니다. 인생은 그의 날이 끝날 때까지 지속되지 않는 균열을 주었습니다.

빈곤

50년대에는 주문이 점점 줄어들었습니다. 부유한 사람들은 더 이상 그의 초상화가 필요하지 않았습니다. 교회에서도 그림이 필요하지 않았습니다. 이것은 그럼에도 불구하고 개신교가 시각 예술에서 종교적 모티프의 사용을 매우 부정적으로 본 네덜란드에서 이겼다는 사실에 의해 설명되었습니다.

또한 뛰어난 부채가 느껴졌습니다. 렘브란트는 공식적으로 고소당했습니다. 그는 파산 선고를 받았으며 모든 재산이 매각되었습니다. 하지만 그 이후에도 모든 채권자들이 만족한 것은 아니었고, 법원은 앞으로 창작될 그림들도 남은 빚을 갚으러 가야 한다고 판결했다. 이 모든 것은 절대적으로 거지 같은 존재를 의미했습니다.

과거에 명성과 부를 알던 화가는 50세에 외롭고 잊혀진 가난한 사람이 되었다. 그는 여전히 많은 글을 썼지 만 그의 모든 캔버스는 채권자들에 의해 즉시 제거되었습니다. 위로는 Rembrandt가 사회에서 매우 비 승인적으로 인식 한 시민 결혼에만 있었던 두 번째 아내였습니다. 그러나 그를 위해 이 여자와 결혼하는 것은 아들의 양육권을 잃는 것을 의미했습니다.

따라서 Rembrandt Harmens van Rijn은 그럼에도 불구하고 남다른 용기로 견뎌낸 새로운 어려운시기가 시작되었습니다. 그 순간부터 작가의 전기는 더 많은 슬픔으로 구성되어 있으며 깨달음의 순간이 있더라도 오래 가지 않았고 다시 비극이 일어났습니다.

헨드리케

두 번째 부인의 이미지도 유명한 화가의 캔버스에 담겨 있습니다. 1등에 비해 젊음과 미모는 뒤떨어졌지만 작가는 사랑의 눈으로 그녀를 바라보며 따뜻한 시선으로 그려냈다. 그러나 교회는 그의 생활 방식을 비난했고 그의 두 번째 아내가 렘브란트에게 준 딸은 사생아로 선언되었습니다. 그 곤경은 화가의 가족이 암스테르담의 가장 가난한 지역 중 한 곳으로 강제로 이사해야 한다는 사실로 이어졌습니다.

전기에 슬픈 사실이 많이 포함되어 있는 렘브란트는 진정한 사랑을 알고 있었습니다. 그리고 Hendrickje는 보살피고 사랑하는 아내, 그러나 또한 특별한 친절로 구별됩니다. 이 여성은 렘브란트의 첫 결혼에서 아들의 어머니를 대신할 수 있었습니다.

동시에 재정 상황을 개선했습니다. 여기에서 작가는 계모와 함께 골동품 가게를 연 아들의 도움을 받았습니다. 그러나 운명은 계속해서 예술가를 시험했습니다. 1663년에 그는 사랑하는 Hendrickje Rembrandt를 잃었습니다.

위대한 주인의 전기에 관한 전기와 책은 그의 삶에 또 다른 뮤즈가 있음을 알려줍니다. 이 여자는 렘브란트보다 훨씬 어렸지만 불행한 예술가는 그녀를 살아 남았습니다.

아들은 Hendrickje가 죽은 지 5년 후에 사망했습니다. 당시 열네 살이었던 렘브란트에게는 그의 딸만 남았습니다. 그러나 모든 것에도 불구하고 화가는 거기서 멈추지 않았고 포기하지도 않았다. 그는 또한 계속해서 그림을 그리고 판화를 자르고...

1669년 위대한 화가딸의 품에 안겨 죽었습니다. 그는 조용하고 눈에 띄지 않게 떠났습니다. 그리고 그의 재능은 그가 죽은 후에야 높이 평가되었습니다.

창조

Rembrandt의 전기 - 순교자의 전기. 그의 작품은 정점이지만, 이 거장은 동료 화가들 사이에서 극도로 외로웠다. 그의 동시대 사람들은 그를 알아보지 못했습니다. 그러나 바로크 미술, 특히 미켈란젤로의 작품은 네덜란드 화가의 작품에 큰 영향을 미쳤습니다.

작가는 자신의 눈으로 본 것을 그림으로 그렸다. 실생활. 렘브란트의 전기는 그의 인생이 그가 볼 기회를 가진 방식으로 발전했다고 말합니다. 세계꾸밈없이. 그는 사색의 슬픈 경험을 캔버스에 옮겼다. 그러나 그가 한 방식은 유난히 시적이었습니다. Van Rijn의 캔버스에는 항상 황혼이 지배합니다. 부드러운 황금빛 빛이 인물을 강조합니다.

성경적 동기

창의성의 중요한 장소 네덜란드 예술가종교에 점령당했습니다. 그가 자신의 기술의 독창성을 보여준 곳이 바로 여기에 있습니다. 전반적인 영감의 주요 원천 창의적인 방법렘브란트에게는 성경적 주제가 있었습니다. 종교적 주제에 대한 그림이 더 이상 요구되지 않을 때에도 그는 이것에 대한 저항할 수 없는 필요성을 느꼈기 때문에 스스로 그렸습니다. 이 주제에 전념하는 캔버스에서 그는 자신의 영혼과기도, 복음에 대한 깊은 독서를 담았습니다.

작가의 최신 작품은 놀랍습니다. 그리고 가장 먼저 눈에 띄는 것은 스타일의 세련미, 예술적 이미지의 내면 세계로의 침투 깊이입니다. 렘브란트의 전기와 그의 그림은 아무런 관련이 없는 것 같습니다. 캔버스의 이미지는 너무 평화로워 작가의 어려운 비극적 운명에 맞지 않습니다.

새로운 장르

안에 지난 몇 년작가는 종종 자화상을 그렸습니다. 그것들을 보면 렘브란트가 풀려고 한 것 같은 인상을 받습니다. 자신의 삶. 거울을 들여다보듯 그것들을 들여다보며 그는 자신의 운명과 인생을 통해 그를 기이하게 이끈 신의 계획을 알고자 했습니다. 그의 자화상은 창의성의 정점만은 아니었다. 세계 예술에는 이와 같은 것이 없습니다. 이 캔버스는 초상화의 역사에서 유사점이 없습니다.

마지막 자화상은 힘든 시련을 영웅적으로 견디고 상실의 괴로움을 극복하는 영적인 얼굴을 가진 남자를 보여줍니다. 렘브란트는 독특한 종류의 창시자이며 이러한 그림은 외모뿐만 아니라 사람의 운명, 내면 세계도 전달합니다.

50년대 렘브란트의 전기와 작품은 주로 초상화를 쓰는 데 있어 뛰어난 업적으로 특징지어집니다. 이 기간 동안 그의 작품은 일반적으로 인상적인 크기, 기념비적 형태 및 차분하고 평화로운 포즈로 구별되었습니다. 시터는 종종 손을 무릎에 접고 얼굴을 보는 사람을 향한 화려한 깊은 안락 의자에 앉았습니다. 위대한 초상화가의 특징 중 하나는 얼굴과 손을 빛으로 강조하는 것입니다.

일반적으로 시터는 힘든 삶의 경험으로 현명한 중년의 사람들이었습니다. 얼굴에 슬픈 생각을하고 손에 과로를하는 노인 남녀였습니다. 이러한 모델은 예술가에게 노년의 외부 징후뿐만 아니라 사람의 내면 세계를 훌륭하게 보여줄 기회를 제공했습니다. 위대한 렘브란트의 비정상적으로 충만한 초상화에서 오랜 연구 끝에 사람이 살았던 삶을 느낄 수 있습니다. 주인이 친척, 친구, 낯선 노인, 도시 거지를 묘사했을 때 그는 약간 지각 할 수있는 영적 움직임, 얼굴의 생생한 떨림, 심지어 기분 변화까지 놀라운 경계로 전달할 수있었습니다.

이 주인의 유산은 엄청납니다. Rembrandt는 그의 놀라운 작업 능력으로 구별되었습니다. 그는 250 개 이상의 그림, 300 개의 판화 및 수천 개의 그림을 만들었습니다. 위대한 주인은 가난하게 죽었습니다. 그리고 죽은 후에야 Rembrandt가 만든 캔버스가 매우 가치있게 평가되기 시작했습니다.

이 기사에는 네덜란드 화가의 간략한 전기와 작품이 나와 있습니다. 그러나 이것은 세계 미술의 발전에 지대한 역할을 한 천재의 험난한 길을 매우 피상적으로 이해하게 한다. 오늘날 마스터의 캔버스는 전 세계 많은 박물관에 있으며 개인 소장품에 포함되어 있습니다.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, 네덜란드의 위대한 화가이자 에칭가.

라이덴에서 밀러의 가족 사이에서 태어났습니다. 이 기간 동안 아버지의 사업은 순조롭게 진행되었고 아들에게 다른 아이들보다 더 나은 교육을 제공할 수 있었습니다. 렘브란트는 라틴어 학교에 입학했습니다. 그는 제대로 공부하지 못했고 그림을 그리고 싶었습니다. 그럼에도 불구하고 그는 학교를 마치고 라이덴 대학교에 입학했습니다. 1년 후, 그는 그림 수업을 받기 시작했습니다. 그의 첫 번째 교사는 J. van Swanenburg였습니다. 렘브란트는 3년 이상 자신의 스튜디오에 머문 후 암스테르담으로 가서 역사적인 화가인 P. 라스트만에게 갔다. 그는 렘브란트에게 강한 영향을 미쳤으며 그에게 판화 기술을 가르쳤습니다. 6개월 후(1623) 렘브란트는 라이덴으로 돌아와 자신의 작업실을 열었습니다.

네덜란드 초기 XVII스페인 통치에서 해방된 세기는 사회적 격동을 경험했습니다. 여기에서 공화주의 정부 형태 하에서는 상대적인 견해의 자유가 있었습니다. 그 당시의 네덜란드 예술은 민주주의적 경향으로 가득 차 있었고, 국내 장르. 이런 분위기 속에서 작가의 작품은 유난히 관련성이 높아졌다. 1628년까지 렘브란트는 이미 확고한 예술가였으며 제자도 있었습니다. 그는 많은 그림을 그렸습니다. 이들은 가족의 초상화, 의뢰 작품, 성경 이야기의 장면 인 "David and Saul"(c. 1630), "Caesar 's Denarius"(1629)입니다.

1631년 말에 렘브란트는 암스테르담으로 이사했습니다. 놀랍게도 빠르게 인기를 얻었고 수많은 초상화 주문을 받았습니다. 그는 삶에서 그림을 그리고 조각함으로써 계속해서 발전했습니다. 흥미로운 유형. 이 시기에 그는 The Anatomy Lesson(1632. 헤이그)을 썼습니다.

비즈니스 문제에서 Rembrandt는 1634년 조카딸과 결혼한 미술상 Hendrick van Uylenburgh의 도움을 받았습니다. 이 시기의 그림 중에서 유명한 Danae(1636)가 눈에 띕니다. 1630년대 말까지 작가의 풍경 작품이 속한다.

1632년부터 1642년까지의 10년은 말 그대로 렘브란트의 삶에서 행복한 시기였습니다. 젊은 주인은 명성과 부를 동반합니다. 그는 명령에 압도되어 학생들이 작업장으로 몰려든다. Rembrandt의 개인적인 삶은 최근에 사망 한 Leuwarden의 Burgomaster 인 Saskia van Uylenburgh의 딸인 부유 한 고아와의 결혼 덕분에 매우 행복하게 발전합니다. 번영과 기쁨이 젊은 아내와 함께 집에 들어옵니다. 작가를 지배하는 즐거운 분위기는 그의 그림, 특히 "Self-portrait with Saskia"(Dresden, Art Gallery)에서 표현됩니다. 그의 젊은 아내를 무릎에 안고 예술가는 청중에게 자신의 기쁨에 참여하도록 초대합니다. 훌륭하게 실행된 초상화, 우아한 의상 및 원형 교차로는 장면의 축제 특성을 강조합니다. 예술가가 젊은 아내의 얼굴 특징을 반복하고 그녀에게 풍부한 환상적인 옷을 입히거나 그녀를 꽃의 여신으로 제시하는 데 지치지 않는 Saskia의 다른 초상화 ( "Flora"참조)는 끝없는 갈증을 증언합니다. 그 시절 그를 사로잡았던 아름다움과 행복. 이미지의 외부 특성에 대한 특별한 관심은 실행 방식에도 반영됩니다. 큰 관심과 관심으로 작가는 젊은 여성을 장식하는 풍부한 천, 멋진 옷, 보석을 씁니다. 사치 환경예쁜 얼굴의 풍부한 프레임 역할을하는 는 초기 사물의 특징 인 팔레트 색상의 풍부함을 모두 사용하여 전달됩니다.

화려함과 광채에 대한 동일한 열망이 예술가의 많은 자화상에서 나타납니다. 렘브란트는 이제 종종 멋진 옷을 입은 자신을 묘사하고 다소 고상한 얼굴 특징을 제공합니다. 모습알려진 대표성.

존경할만한 사회의 대표자를 모방하여 Rembrandt는 예술 작품 수집을 시작했습니다. 이로 인해 그의 아내의 친척(Saskia의 두 형제는 변호사)이 그에 대한 소송을 시작하여 그가 Saskia의 유산을 횡령했다고 비난했습니다. 그러나 그 당시 Rembrandt는 매우 높은 수수료를 받았고 많은 비용을 감당할 수 있었습니다. 그래서 1639년에 그는 부유한 지역에 호화로운 집을 샀습니다. 렘브란트 작품의 특정 이정표는 대형 의뢰 그림인 The Night Watch(1642)의 실패로 표시됩니다.

Rembrandt의 창의적인 열망과 30년대의 그의 진화는 예술가가 회의장을 장식하기 위한 암스테르담 저격수의 단체 초상화에 대한 주문을 받았을 때 그에게 직면한 문제를 해결하도록 이끕니다. 이 거대한 그림(3.59 X 4.38m)은 말하자면 작가의 이전 발전의 마지막 화음이었습니다. 최고봉역사적인 구성을 만드는 데 그의 시대의 예술에 의해 달성되었습니다. 그녀는 일반적인 초상화의 한계를 훨씬 넘어섰습니다. 렘브란트는 거의 100년의 전통을 지닌 주제에 대해 근본적으로 새로운 해결책을 제시했습니다.

그룹 초상화네덜란드의 기업 정신이 분명하게 드러난 , 일찍이 16 세기에 일어 났지만 특히 독립을 얻은 후에 발전했습니다. 북부 네덜란드에서 장식용 벽화를 대체한 그러한 이미지를 만들려면 큰 어려움을 극복해야 했습니다. 일상적인 장면으로 전환되어서는 안되지만 동시에 묘사 된 사람들을 하나의 그룹으로 통합하는 것이 필요했습니다. 네덜란드 회화의 가장 국가적인 장르인 이 장르가 거의 한 세기 동안 발전하는 과정에서 이러한 이미지의 두 가지 다른 유형이 점차 발전했습니다. 하나 - 전송 된 장면의 축제 측면을 강조합니다. 예술가들은 연회 테이블 주위에 저격수를 통합했습니다. 시청자에 대한 많은 참가자들의 호소는 사진의 초상화 특성을 강조하기로되어있었습니다. 사격 동호회 회원들의 활기찬 잔치 장면은 하를렘에서 매우 흔했습니다. 그들은 Frans Hals의 그림에서 최고의 예술적 구현을 ​​발견했습니다. 또 다른 유형의 그룹 초상화는 암스테르담의 화가들이 사용했던 것입니다. 그들은 주로 회사 구성원 간의 비즈니스 연결, 전투 준비 상태를 보여주고 자하는 욕구에서 진행되었습니다. 16세기의 Cornelis Ketel, 17세기의 Thomas de Keyser는 선장, 중위, 중앙에 강조 표시된 기수, 측면에 대칭적으로 위치한 길드의 다른 구성원과 함께 저격수의 엄숙하고 다소 얼어붙은 그룹 초상화를 만들었습니다. . 그들 모두는 똑같이 시청자를 향하고 있었기 때문에 그림은 하나의 구도에 여러 개인 초상화를 병치하는 인상을주었습니다.

렘브란트는 문제에 대한 그러한 해결책에 만족할 수 없었습니다. 그는 모두를 위한 공통된 아이디어에서 영감을 받아 사람들을 하나의 행동으로 연결하려는 욕구를 바탕으로 자신의 그림을 만들었습니다. 그림에서 처음으로 인간 통합의 힘이 생생하게 표현되는 대규모 장면이 제공됩니다. 그룹 초상화의 문제에 대한 이 근본적으로 새로운 시각에는 거대한 혁명적 의미"야간 순찰". 이 그림은 역사의 결정적 순간에 네덜란드 사람들의 영웅적 정신을 구현했습니다.

이 그림이 1636년 암스테르담을 방문한 마리 드 메디치의 엄숙한 만남을 기념하기 위해 의뢰된 것인지 아니면 일부 학자들이 제안한 것처럼 시인 폰델 "가이스브레히트 반 암스텔"의 비극을 묘사한 것인지에 대한 질문은 아직 밝혀지지 않았습니다. 마침내 해결되었습니다.

그러나 이 거대한 그림을 보는 모든 사람에게 장면의 기본 성격은 분명합니다. 전투 신호가 울렸다. 대위와 중위가 이끄는 궁수들은 게이트의 어두운 아치 아래에서 줄을 섭니다. 드럼 롤이 울리고 총이 장전되고 배너가 올라갑니다. 모든 사람을 사로잡은 충동은 많은 사람들에게 다양한 방식으로 번역됩니다. 작가는 단일 주제의 개별 버전을 동시에 보여 주면서 공통된 행동으로 모든 사람을 통합했습니다. 렘브란트는 일반적인 단체 초상화를 넘어서 역동성과 긴장감이 넘치는 액션을 선사했다. 혁명적 시대의 파토스는 공통의 목표에서 영감을 얻은 저격수의 성능 이미지에서 예술적 구체화를 찾았습니다.

나중에 캔버스는 모든면에서 잘 렸고 왼쪽 부분은 주로 그림이 여러 그림을 잃은 곳과 아치의 완성이 보이지 않는 상단 부분이 주로 손상되었습니다. 구성이 깨졌습니다. 17세기에 만들어진 모사본은 화가의 원래 의도를 더 잘 보여줍니다. 이제 중앙 위치를 차지하는 대위와 중위의 모습은 처음에는 약간 오른쪽으로 이동했습니다. 앞쪽으로 가져온 측면 형상 덕분에 구성이 더 균형 잡힌 것처럼 보였고 동시에 중앙 그룹의 강하게 앞으로 나아가는 움직임으로 인해 더 역동적으로 보였습니다.

단순히 단체 초상화를 위해 포즈를 취한 저격수 길드 대표들은 단체 초상화를 장르화로 바꾸려는 작가의 시도에 이상해 보였다. 하지만, 최신 연구갈등이 없었다고 합니다. 반면 18명의 고객은 작가에게 1600길더를 지불했다. 이는 유명 대학 교수가 매년 받는 액수다.

1642년 사스키아 사망. 이 결혼 생활의 네 자녀 중 아들 Titus만이 어머니에게서 살아 남았습니다. 같은 해 말에 Rembrandt는 가정부 인 젊은 미망인 Gertje Dirks를 집으로 데려갔습니다. 1642~49년에 그는 의뢰받은 작품을 거의 쓰지 않았다. 이미지는 대부분 주제 전용입니다. 일반 사람. 그는 The Holy Family를 여러 번 썼습니다. 1646 년에 그는 Saskia가 그를 위해 포즈를 취한 그림 "Danae"로 다시 돌아 왔습니다. 그림 속 사스키아의 모습은 Gertje Dirks의 모습으로 기록되어 있다. 1649년에 그녀는 집을 떠나 Stoffels라는 별명을 가진 Hendrik Jegers로 대체되었습니다. Dirks는 예술가가 결혼 약속을 어겼다 고 비난했지만 Rembrandt의 노력 덕분에 법원은 그녀에게 감옥을 선고했습니다. Hendricke와 Rembrandt에게는 딸 Cornelia가있었습니다.

1653년 영국-네덜란드 해전에서 네덜란드가 패배한 후 경제 위기가 시작되었습니다. burghers의 주문이 드물어지고 학생 수가 감소했으며 예술가는 여전히 집을 사기 위해 미지급 빚을졌습니다. 렘브란트는 파산을 선언하고 자신의 재산을 채권자에게 양도할 것을 요청했습니다. 따라서 그는 파산과 채무자 감옥을 피했습니다. 그해 12월 Titus와 Hendricke는 미술 판매 회사를 설립했습니다. 그들은 렘브란트를 "고문"으로 고용했습니다. 이것은 파산한 예술가가 도시에서 일할 수 없고 그로부터 수입을 얻을 수 없다는 성 루크 길드의 판결을 간신히 우회한 법적 책략이었다.

50년대 작품 "밧세바"(1654), "아리스토텔레스"(1653), 조각 "아브라함의 희생"(1655) 및 "사도 베드로의 부인"(1660)은 모순에 얽힌 약한 사람을 보여줍니다. 길을 잃었지만 사랑, 위대함, 힘으로 부름 받았습니다. 어려움에도 불구하고 작가는 열심히 노력했지만 대중의 취향은 바뀌었다. 신비한 숨겨진 조명 아래에서 렘브란트의 넓고 아름다운 글은 더 이상 예술 애호가에게 적합하지 않습니다. 그럼에도 불구하고 그는 주요 기업가의 초상화를 그린 암스테르담 치안 판사의 명령을 계속 이행했습니다. 그는 미래의 투스카니 공작이 될 코시모 데 메디치의 방문을 받았습니다.

점차적으로 렘브란트의 작품은 우울한 색조를 획득하여 줄거리의 깊은 감정적 의미를 드러내고 초상화에는 점점 더 우울함이 나타납니다. 그러나 주인의 예술은 가장 높은 곳에 도달합니다. 그는 자신을 위해 글을 썼고 그의 "Assur, Haman and Esther"(1660)와 "The Return of the Prodigal Son"의 그림 중에서 세계 문화의 가장 높은 업적입니다.

1660년 렘브란트는 헨드릭과 결혼했지만 1663년 40세의 나이로 사망했습니다. 1662년에 작가는 그의 마지막 의뢰 작품인 "옷가게 신딕스의 집단 초상화"를 만들었는데, 이는 집단 초상화 장르에서 그의 최고 업적이었습니다.

1668년에 그의 외아들이 결혼한 지 6개월 만에 죽었습니다. 작가에게 닥친 어려움에도 불구하고 1660년대의 작품은 인간의 능력과 인간의 완성이라는 주제를 이어간다. 이 영적 힘은 특히 눈먼 호머(1663), 불치병 예술가 G. de Leresse(1665) 등의 모습에서 예리하게 느껴집니다. -초상화, 약 300개의 에칭 및 1000개 이상의 드로잉.

60년대의 많은 자화상은 조숙한 노인의 병약하고 부푼 얼굴을 보여줍니다. 렘브란트는 자신을 아첨하지 않고 수년 동안 가져온 파괴를 고치는 데 무자비합니다. 그러나 두꺼운 코와 오목한 입으로 주름지고 추한 얼굴은 사려 깊고 진지한 표정으로 모두 밝혀졌습니다. 1669 년 작가가 그린 마지막 자화상 (The Hague, Mauritshuis)에서도 노년의 징후가 무자비하게 드러납니다. 깊은 주름, 희박한 회색 머리카락, 머리를 둘러싼 후광, 시청자를 향한 슬픈 표정 , 그리고 영혼에 깊이 침투합니다. 이 모습, 그 이해, 인간에 대한 그 지혜와 사랑은 네덜란드 사람들의 위대한 아들이 평생 동안 품고 장엄한 작품을 만들도록 영감을 주었습니다. 말년, 예를 들어 그의 생애 말년에 그린 그림 "탕자의 귀환"과 같은 것입니다.

사스키아의 초상

렘브란트 Harmenszoon van Rijn(1606-1669) - 네덜란드인, 기안자 및 조각사, 위대한 주인 키아로스쿠로, 네덜란드 회화의 황금기의 가장 큰 대표자. 그는 순수 예술이 그 전에는 알지 못했던 그러한 정서적 풍요로 인간 경험의 모든 범위를 그의 작품에 구현했습니다. 렘브란트의 작품은 매우 다양합니다. 장르 소속, 인간의 경험과 감정의 시대를 초월한 영적 세계를 시청자에게 열어줍니다.

Rembrandt Harmenszoon ( "Harmen의 아들") van Rijn은 1606 년 7 월 15 일 (일부 출처에 따르면 1607 년) Leiden의 부유 한 공장 소유주 Harmen Gerritszoon van Rijn의 대가족에서 태어났습니다. 외가는 네덜란드 혁명 이후에도 천주교 신앙을 지켰고 레이덴에서 렘브란트는 대학의 라틴어 학교에 다녔지만 회화에 가장 큰 관심을 보였다. 13세 때 공부하러 보내졌다. 미술믿음으로 가톨릭 신자 인 Leiden 역사 화가 Jacob van Swanenbürch에게. 이 시기 렘브란트의 작품은 연구자들에 의해 확인되지 않았으며 Swanenbürch가 그의 창작 스타일 형성에 미친 영향에 대한 의문은 여전히 ​​열려 있습니다: 오늘날 이 라이덴 예술가에 대해 알려진 것이 너무 적습니다. 성경 이야기. 1627년 라이덴으로 돌아온 렘브란트는 친구인 얀 리벤스와 함께 자신의 워크샵을 열고 학생들을 모집하기 시작했습니다. 몇 년 안에 그는 상당한 명성을 얻었습니다.

"갈릴리 바다의 폭풍우 동안의 그리스도"(1633). 유일한 사람 바다 경치 Rembrandt는 1990년 Isabella Gardner 박물관에서 도난당했으며 여전히 수배 목록에 있습니다.

자신의 스타일 개발 1631 년에 Rembrandt는 바로크 미학과 캔버스의 외부 파토스에 내재 된 역 동성이 그를 새로운 루벤스로 본 많은 부유 한 찬사를 발견 한 암스테르담으로 이사했습니다. 1년 후 Lievens는 Leiden 작업장을 닫고 영국으로 떠났고 그곳에서 Van Dyck의 영향을 받은 후 앤트워프에서 일하다가 1644년 고국으로 돌아왔습니다. 각 모델의 독창성을 탐구하는 남성과 여성의 머리에 대한 많은 연구를 만들고 움직이는 얼굴 표정을 실험합니다. 나중에 예술가의 아버지와 어머니의 이미지로 오인된 이 작은 작품들은 초상화 화가로서 렘브란트에게 진정한 학교가 되었습니다. 당시 예술가가 암스테르담의 부유한 시민들로부터 주문을 받아 상업적인 성공을 거둘 수 있었던 것은 초상화였으며, 초기 암스테르담 시대에 자화상 장르는 렘브란트의 작품에서 두드러진 위치를 차지했습니다. 환상적인 의상과 복잡한 포즈로 자신을 묘사하면서 그는 자신의 예술 발전을 위한 새로운 방법을 설명합니다. 때때로 스케치에 나오는 노인 캐릭터는 예술가가 호화로운 동양 의상을 입고 그의 상상력에 의해 성경적 캐릭터로 변형됩니다. 예루살렘의 파괴를 애도하는 사려 깊은 예레미야(1630)입니다. Stadtholder Frederick Heinrich of Orange를 위해 그는 루벤스의 여러 그림 판화에서 영감을 얻은 "십자가의 찬양"(1633)과 "십자가에서 내리는 강림"(1632/1633)을 한 쌍의 캔버스로 만듭니다.

그 해의 가장 중요한 초상화 중에는 Saskia의 이미지가 있습니다. 때로는 집에 있고, 침대에 누워 있고, 때로는 고급스러운 가운을 입고 (Kassel 초상화, 1634) 연극 적 모습 ( "Flora 형태의 Saskia", 1634)입니다. 1641년에 그들의 아들 티투스가 태어났다. 유아기에 세 명의 어린이가 더 사망했습니다. 과잉 활력 Saskia와의 결혼 기간 동안 예술가는 "The Prodigal Son in a Tavern"(1635) 그림에서 가장 큰 브라 부라로 표현했습니다. 이 걸출한 작품의 도상학은 성경의 비유에 나오는 방탕한 탕자의 도덕주의적 묘사로 거슬러 올라갑니다. Saskia는 아들을 낳은 지 1년 후에 세상을 떠났고 Rembrandt의 삶은 계속되는 개인적인 상실의 기간을 시작했습니다.

렘브란트는 또한 에칭("Christ before Pilate", 1636)에서 빛과 그림자의 효과를 발전시켰는데, 준비 도면. 그 이후의 생애 동안 에칭은 렘브란트에게 그림 그 자체만큼의 수입을 가져왔습니다. 식각가로서 그는 특히 드라이포인트(drypoint), 다이내믹 스트로크(dynamic strokes) 및 퍼핑(puffing) 기술을 사용한 것으로 유명합니다.

암스테르담 대중이 렘브란트에 대해 식은 이유가 무엇이든 취향의 변화의 결과는 그의 명성의 퇴색과 점진적인 빈곤이었습니다. The Night Watch 이후 몇 명의 학생 만이 Rembrandt의 스튜디오에 남아 있습니다. 하나의 특성을 빌려 개발한 그의 이전 견습생 초기 렘브란트, 선생님보다 더 성공하고 인기있는 예술가가 되십시오. 이와 관련하여 특히 전형적인 것은 1630년대의 역동적인 렘브란트 그림의 외적 브라뷰라를 완벽하게 마스터한 고베르 플린크입니다. 렘브란트의 첫 번째 학생 중 한 명인 Leiden Gerard Dou는 1626년 평생 동안 Lastman의 Allegory of Music과 같은 그림 미학의 영향을 받았습니다. 1640년경 작업장에서 일했던 Fabricius는 기꺼이 원근법을 실험하고 밝은 배경을 개발하여 Delft에서 뛰어난 성공을 거두었습니다.

전환 기간. 1640년대 렘브란트의 사생활에 관한 정보. 문서에 거의 보존되지 않았습니다. 이 시기의 제자들 중에서 Dordrecht의 Nicholas Mas만이 알려져 있습니다. 분명히 작가는 이전과 같이 웅장한 스타일로 계속 살았습니다. 사망한 Saskia의 가족은 그가 그녀의 지참금을 어떻게 처리했는지에 대해 우려를 표명했습니다. Titus의 유모인 Gertje Dirks는 결혼 약속을 어겼다는 이유로 그를 고소했습니다. 이 사건을 해결하기 위해 예술가는 분기해야 했습니다. 창"(1655). 교구 평의회는 1654년에 그녀의 딸 Cornelia가 예술가와 함께 태어났을 때 "죄 많은 동거"에 대해 Hendrickje를 비난했습니다. 이 기간 동안 Rembrandt는 거창한 국가적 또는 보편적 소리를 가진 주제에서 벗어납니다. 이 시기의 그림 같은 작품은 거의 없으며, 작가는 시장 Jan Six(1647)와 다른 영향력 있는 시민의 초상화를 조각하는 작업을 오랫동안 했습니다. 그에게 알려진 조각의 모든 기술과 기술은 "백 길더의 잎사귀"로 더 잘 알려진 신중하게 제작된 에칭 "병자를 치유하는 그리스도"의 제조에 사용되었습니다. 한 번 팔린 세기. 명암의 미묘함이 돋보이는 이 에칭 작업을 위해 그는 1643년부터 1649년까지 7년 동안 작업했습니다. 1661년에 작업은 1653년에 만들어진 에칭 "Three Crosses"(미완성) 작업을 계속했습니다. 삶의 역경의 세월 동안 예술가의 관심은 찌푸린 구름, 강한 바람 및 낭만적으로 동요하는 자연의 다른 속성이 있는 풍경에 매료되었습니다. 루벤스와 세거스의 전통. 1646년의 "겨울 풍경"은 렘브란트의 사실주의의 진주에 속합니다. 그러나 풍경화가로서 렘브란트 기술의 정점은 The Mill (1641)과 Three Trees (1643)와 같은 드로잉과 에칭만큼 그림이 아닙니다. 그는 또한 그에게 새로운 다른 장르, 즉 정물 (게임 및 껍질을 벗긴 시체 포함)과 승마 초상화 (일반적인 의견에 따르면 Rembrandt는 말에서 성공하지 못했지만)를 마스터했습니다. 일상적인 가정 생활의 장면, 두 가지 " Holy Families"는 1645년과 1646년에 시적인 해석을 받습니다. The Adoration of the Shepherds(1646) 및 Rest on the Flight into Egypt(1647)와 함께 가부장적 삶의 방식을 이상화하려는 렘브란트의 경향에 대해 이야기할 수 있습니다. 가족 생활. 이 작품들은 가족의 친밀감, 사랑, 연민의 따뜻한 감정으로 따뜻해집니다. Chiaroscuro는 전례없는 풍부한 음영에 도달합니다. 색상은 특히 따뜻하며 반짝이는 빨간색과 황금빛 갈색이 우세합니다.

1653년 재정적 어려움을 겪은 예술가는 거의 모든 재산을 아들 티투스에게 양도한 후 1656년 파산을 선언했습니다. 1657-58년 매각 후. 집과 재산 (렘브란트 미술 컬렉션의 흥미로운 카탈로그가 보존됨), 예술가는 암스테르담 외곽의 유대인 지구로 이사하여 남은 여생을 보냈습니다. 그해에 그와 가장 가까운 사람은 분명히 Titus였습니다. 가장 많은 것은 그의 이미지입니다. 일부에서 그는 왕자로 나타납니다. 동화, 기타-태양 광선으로 짠 천사. 1668년 티투스의 죽음은 그 예술가의 마지막 운명 중 하나였습니다. 1650년대 렘브란트 작품의 독특한 특징은 대형 인물 구성의 명확성과 기념비적입니다. 이와 관련하여 1653년 시칠리아 귀족 안토니오 루포(Antonio Ruffo)를 위해 공연되고 1961년 그의 상속인이 메트로폴리탄 미술관 경매에서 200만 달러 이상의 기록적인 금액으로 판매한 "호머의 흉상이 있는 아리스토텔레스" 작품이 특징입니다. 당시 달러. 아리스토텔레스는 깊은 생각에 잠겨 있습니다. 내면의 빛은 그의 얼굴과 그가 손을 얹은 호메로스의 흉상에서 나오는 것 같습니다. 지난 십 년그의 삶, Rembrandt는 다중 인물 구성의 창조로 돌아갑니다. 두 가지 경우에 이들은 크고 권위있는 주문이었습니다. 기념비적 인 영웅 그림 "율리우스 시빌리스의 음모"(1661)는 새로운 암스테르담 시청을 위해 만들어졌지만 어떤 이유로 고객을 만족시키지 못하고 지불되지 않았습니다. 스톡홀름에 보존된 그림의 일부는 주위의 어둠을 배경으로 강렬한 사실감과 예기치 않은 밝은 색상의 섬광으로 공격합니다. Sindiki (1662)의 그룹 초상화는 포즈의 자연 스러움, 표정의 생동감 및 구성 솔루션의 일관성에도 불구하고 The Night Watch의 타협하지 않는 자연주의에 비해 한 걸음 뒤로 물러났습니다. 그러나 고객의 모든 요구 사항이 충족되었습니다.

렘브란트 생애의 마지막 20년은 초상화가로서의 그의 기량의 정점이었습니다. 모델은 예술가의 동지들(Nicholas Breining, 1652; Gerard de Leresse, 1665; Jeremias de Dekker, 1666)일 뿐만 아니라 알려지지 않은 군인, 노인, 노파 - 작가처럼 수년간 고통스러운 시련. 그들의 얼굴과 손은 내면의 영적 빛으로 비춰집니다. 의식 초상화장갑을 끼고 있는 Jan Six(1654)는 보기 드문 색상의 조화, 반죽 같은 획의 폭으로 구별됩니다. 작가의 내적 진화는 일련의 자화상으로 전달되어 시청자에게 그의 가장 깊은 경험의 세계를 드러냅니다. 일련의 자화상은 현명한 사도들의 일련의 이미지로 연결됩니다. 종종 사도의 얼굴에서 예술가 자신의 특징을 짐작할 수 있습니다.

그림: 1) "야경".

2) "다나에".

1636. Hermitage, St. Petersburg.
네덜란드 예술가 Rembrandt van Rijn "Danae"의 그림. 그림의 크기는 185 x 203 cm, 캔버스에 유채입니다. 이것 역사적 사진 1646-1647년에 화가가 재작업했습니다. 신화에 따르면 Argos 왕 Acrisius의 딸 Danae는 신탁의 비참한 예언 이후 아버지에 의해 접근할 수 없는 지하 감옥에 갇혔지만 그녀에 대한 사랑으로 불타오르는 Olympus Zeus의 군주는 Danae를 통해 Danae에 침투했습니다. 황금비 형태의 빛 구멍. 이 주제는 르네상스 예술가와 네덜란드 매너리스트에 의해 두 가지 다른 도상학 버전으로 구현되었습니다. Rembrandt는이 작업에서 소위 "창녀 유형"의 라인을 계속합니다.
다나에의 환영하고 매혹적인 몸짓과 함께 이 깊이 내적이고 관능적인 그림에는 고유한 비밀이 있을 수 있습니다. 실제로 Saskia는 1642년에 병으로 사망합니다. 그녀는 유일하게 살아남은 아이인 Rembrandt의 아들 Titus를 남깁니다. 같은 해 말에 Rembrandt는 곧 주부의 의무를 쉽게 인수 한 트럼펫 연주자 Geertje Dirks의 젊은 미망인을 집으로 데려갔습니다 (이 역할에서 Dirks는 전기 작가 Rembrandt Houbraken이 언급했습니다). 민사 부인아티스트. 7년 후, Geertje Dirks는 집을 떠나 그녀보다 10살 어린 예술가 Hendrikje Stoffels 옆에 자리를 마련합니다.
그 후, 그녀와 결혼하겠다는 Rembrandt의 약속 위반에 대한 Geertje의 불만과 Rembrandt가 처음 Geertje에게 선물하고 나중에 빼앗긴 Saskia의 상속 보석에 ​​대한 분쟁이 발생했습니다. Rembrandt는이 분쟁을 매우 신속하게 끝냅니다. 1650 년에 그의 형제 Geertje의 동의와 암스테르담 시장의 승인으로 Geertje Dirks는 자신의 비용으로 Gouda시에서 12 년 동안 수감되었습니다. 그러나 이미 1655 년 5 월에 그녀는 Edamian 친구의 노력과 Rembrandt의 격렬한 저항에도 불구하고 무료입니다. 1년 후, 렘브란트는 자금을 갚지 않는다는 이유로 그녀의 오빠를 채무자 감옥에 가두었습니다.

3) "탕자의 귀환".

렘브란트의 돌아온 탕자, c. 1666-6 캔버스에 유채. 260×203cm 에르미타주, 상트페테르부르크.
이 그림은 탕자가 집으로 돌아오는 비유의 마지막 에피소드를 묘사하고 있습니다. 달려가 목에 엎드려 입을 맞추었고”아버지와 함께 있던 의로운 형은 화를 내며 들어가기를 원하지 않았습니다.
이 음모는 Rembrandt의 유명한 전임자 인 Dürer, Bosch, Leiden의 Luke, Rubens의 관심을 끌었습니다.
이것은 종교적 주제에 대한 렘브란트의 가장 큰 그림입니다.