Moderne ensembler av folkeinstrumenter. Arbeid med et blandet ensemble av russiske folkeinstrumenter

Metodisk utvikling«Funksjoner av arbeidet til en lærer-musiker med et ensemble i forskjellige aldre blandet type

(plukkede og siv folkeinstrumenter, vokal, bueinstrumenter) i institusjonen Ekstrautdanning»

Denne utviklingen kan være interessant og nyttig for lærere i tilleggsutdanning, ledere av ensembler i organiseringen av kunstgrupper

Nedlasting:

Forhåndsvisning:

Statsbudsjett ikke-standard utdanningsinstitusjon

"St. Petersburg City Palace of Youth Creativity"

Sentrum for utvikling av tilleggsutdanning

Oppfriskningskurs

Metodisk utvikling

«Funksjoner av arbeidet til en lærer-musiker med

Blandet ensemble i forskjellige aldre

(plukkede og siv folkeinstrumenter,

vokal, strengeinstrumenter)

i en institusjon for tilleggsutdanning "

Ekimova Elena Vladimirovna,

Vladimirova Valentina Alekseevna

tilleggsutdanningslærere

Statsbudsjettet

institusjoner for tilleggsutdanning

Palace of Children's Creativity

Petrogradsky-distriktet

Petersburg

Saint Petersburg

2015-2016

Forklarende merknad

Den flere hundre år gamle utviklingen av verden musikalsk kultur bekrefter at fremføring, enten instrumental eller vokal, er utenkelig uten ensemblemusikk.

En effektiv og populær form for å introdusere barn til musikalsk kunst er ensemblemusikkskaping, som gir hver elev mulighet til å vise sine evner i kollektiv musikalsk samskaping i samsvar med sine evner og treningsnivå. Studiet av ensemblelitteratur og mestring av ferdighetene til å spille sammen er en integrert del av utdanningssystemet unge musikere. Ensemblemusikk har fått særlig etterspørsel og relevans i den moderne perioden. Bevis på dette er det store antallet konkurranser, festivaler, spesielt dedikert til ensembleprestasjoner, musikalske publikasjoner, som inkluderer et stort antall av de mest forskjellige arrangementene av populære verk av klassisk og moderne repertoar for forskjellige ensemblekomposisjoner.

Denne utviklingen kan være interessant og nyttig for lærere i tilleggsutdanning, ledere av ensembler i organiseringen av kunstgrupper.

Denne metodologiske utviklingen presenterer opplevelsen av å organisere aktivitetene til det ujevnt gamle blandede ensemblet "April" av Palace of Children's Creativity i Petrogradsky-distriktet. Teamet dukket opp fra ideen om lærere for tilleggsutdanning -koble ulike grupper instrumenter som har en annen klanglig lyd av instrumenter fra folke- og symfoniorkestre.

Teamet vårt er ikke-standard i sin sammensetning, det inkluderer studenter ulike aldre involvert i følgende generelle utdanningsprogrammer:

1. "Ensemble folkeinstrumenter»;
2. "Ensemble av Bayan og trekkspillspillere";
3. "Lære å spille fiolin";
4. "Vokalensemble"

mål organisasjoner i blandet alder musikalsk gruppe er utvikling av sosial og kreativ aktivitet til elever gjennom deres inkludering i den felles musikalske prosessen.

Oppgaver:

• pedagogisk:

Utvikling av kommunikasjonsferdigheter i et team i forskjellige aldre;

Fremme en følelse av partnerskap;

Opplæring av toleranse for utøvere på andre typer musikkinstrumenter, sjangere og musikkstiler;

Utdanning av kultur for musikalsk ytelse;

Utdanning av en kultur for sceneadferd;

Utdanning av emosjonell oppfatning og fremføring av musikalske verk;

• utvikle:

Utvikling av elevenes analytiske evner (evnen til å lytte og analysere egen ytelse, samt ytelsen til andre grupper);

Utvikling av elevenes øre for musikk, hukommelse og rytmesans;

Utvikling av en kreativ tilnærming til fremføring av musikalske verk;

Utvikling av hånd- og kroppskoordinasjon.

• pedagogisk:

Bekjentskap med strengbuede, folkelige og sivmusikkinstrumenter;

Dannelse av elevenes ferdigheter til ensembleprestasjoner;

Dannelse av leseferdigheter fra et ark;

Dannelse av ferdigheter i sceneopptreden;

Studiet av musikalsk kompetanse og elementær musikkteori.

Til kreative team utdanningsprogrammer Alle som kommer fra 6 til 18 år er velkommen. Ved de første leksjonene avholdes auditions, hvor de musikalske dataene til barn avsløres, og avhengig av deres evner, deles de inn i grupper av instrumenter.

Betingelser for å organisere et blandet ensemble og trekk ved øvingsarbeid

Hovedbetingelsen for organisering av slike kreativt team er et fellesskap av lærere i tilleggsutdanning som tar sikte på å finne nye ideer.

Et viktig skritt for vellykket aktivitet er arbeidsplanlegging. Lærere tenker over arbeidsplanen i hver barneforening og leter etter felles punkter kontakt. Årlig konsert- og konkurranseplaner er under utarbeidelse.

Kontaktpunkter:

• generelt repertoar
• generalprøver
• felles forestillinger.

Arbeidet med verk starter innen hver forening med læring av musikalsk materiale på individuelle leksjoner eller på prøver i små grupper.

En viktig rolle på dette stadiet spilles av akkompagnatøren, som bidrar til å få et helhetsbilde av musikkstykket. Elevene lærer umiddelbart å lytte til deres del i hele lyden av stykket, så vel som å høre delene til andre stemmer. I tillegg til å studere musikkmateriale og streker, begynner arbeidet samtidig med musikkens image og karakter. Deler læres stort sett i sakte tempo for å mestre de tekniske vanskelighetene.

I leksjoner uten akkompagnatør identifiseres først og fremst de stedene i delen som har størst vanskeligheter - teknisk, melodisk, rytmisk, og arbeidet utføres separat på vanskelige steder, for å oppnå en klar og korrekt fremføring med slag, fingersetting, dynamikk.

Etter at barna mestrer det musikalske materialet fritt, begynner øvelsene i hver gruppe instrumenter. Her vises kompleksiteten ved samtidig fremføring av én stemme, eller flere, hvis det er en inndeling innenfor én type instrument. På dette stadiet jobbes det med generell berøring, dynamikk, søk uttrykksmiddel, samt arbeid med det figurative og følelsesmessige innholdet i verkene.

Og neste trinn i forberedelsene til forestillingen er de konsoliderte prøvene, hvor alle grupper av ensembleinstrumenter kombineres. brukt differensiert tilnærming, variasjonen av tilkoblingen til forskjellige musikkinstrumenter:

• domra - balalaika - siv folkeinstrumenter
• fiolin - vokal
• fiolin - vokal - folkerør og plukket instrumenter og så videre.

Når du arbeider med barn, brukes en individuell tilnærming til hvert barn, hver spiller en rolle i ensemblet, avhengig av nivået på oppnådde ferdigheter. Ved øving er det spesielt fokus på arbeidet med det kunstneriske bildet og formen på verkene. Studentene står overfor en vanskelig oppgave å harmonisk introdusere sin del i den generelle lyden til et multi-klang-ensemble, å høre en melodi som foregår i forskjellige stemmer.

Utvalg av repertoar

Avhengig av kravene til konsert- og konkurranseprogrammet, velger lærere det passende repertoaret for allmennutdanningen. Et enhetlig konsertrepertoar velges i fellesskap av alle lærere basert på elevenes prestasjonsevner.

Solid repertoar av høy kvalitet er grunnlaget kreativ aktivitet av enhver kunstnerisk gruppe, stimulerer den veksten av utøvende og kunstneriske ferdigheter til ensemblemedlemmene og bidrar samtidig til utviklingen av kunstnerens kunstneriske smak, så vel som publikum. Du bør nøye velge verk av kunstnerisk verdi, og kombinere interessant innhold med perfeksjon av form, med originale og mangfoldige uttrykksmåter som virkelig kan fengsle publikum og avsløre artistenes kunstneriske talenter.

Opprette en poengsum

Vellaget instrumentering er en av de avgjørende faktorene for vellykket fremføring av et ensemble. For å komponere partituret riktig, studerte vi funksjonene til hver gruppe instrumenter: deres arbeidsområde, dynamiske evner, klangfargede lydegenskaper, slagevner. Avhengig av verkets natur, tekstur, tempo, dynamikk deler vi opp funksjonene, presenterer materialet i henhold til den spesifikke kvaliteten på instrumentene, måten å spille hver av dem på.

Kjennetegn på musikkinstrumenter

Vårt ensemble kombinerer følgende grupper av musikkinstrumenter: domra, balalaika, trekkspill, knappetrekkspill, fiolin og vokal.

Hver gruppe, så vel som individuelle instrumenter, har en rik palett av lyse, individuelle farger som brukes i fremføringen av melodier, ekko, passasjer, i ulike kombinasjoner med andre instrumenter. La oss dvele ved de korte egenskapene til de viktigste musikkinstrumentene til laget vårt.

Fiolinens standard operasjonsområde er fra "» liten oktav til «» fjerde oktav .

Fiolin klang - tykk i lavt register, myk og delikat– middels og lett, skinnende– på toppen. På grunn av lydens nærhet til den menneskelige stemmen og evnen til å produsere en sterk følelsesmessig påvirkning på lyttere er fiolin det mest egnede instrumentet for å spille melodilinjen. Også i ensemblet kan den utføre en medfølgende funksjon. Siden klangen på fiolinen er veldig lys, brukes vanligvis et pizzicato-slag for å akkompagnere solodelen av domra- og balalaikagruppen, eller den akkompagnerende delen utføres i roligere dynamikk enn sologruppen. Likheten mellom klangen til instrumentet med klangen til stemmen skaper muligheten for harmonisk klang med vokalpartiet. Gitt denne funksjonen kan fiolinen spille backing-stemmer eller en av stemmene i et polyfonisk vokalverk.

Baby sangstemmer i en alder av 10-12 begynner de å dele seg i diskant (har et område fra tonen "til" den første til "la" i den andre oktaven, mobil, stemt) og alt (en lavere og mindre mobil stemme enn diskant, området fra noten G liten til G sekundoktaver).

Domra er liten. Utvalget av små domraer er fra "mi" av den første oktaven til "la" av den tredje oktaven. Bygg - mi, la, re. Instrumentet er ikke-transponerende. Lavt register - myk, saftig. Den grunnleggende teknikken for å spille "tremolo". Slaget "staccato" utføres ved å trykke ned "P" eller opp "V". Pizzicato (pizzicato) - mottak av spillet med en klype (ringfinger eller tommel). Domra small har en jevn og lys sonoritet gjennom hele utvalget. I de lave og mellomstore registerene på den lille domraen klinger melodiøse melodier uttrykksfullt. Rekkevidden til prima balalaikaen er fra "mi" av den første oktaven til "re" av den tredje oktaven. I det lave registeret høres instrumentet mer dempet ut enn i midten. Balalaikaen har en stor evne til å fremføre melodier av melodiøs natur med doble og trippeltoner, ved å bruke følgende teknikker: rasling, pizzicato, vibrato.

I vårt ensemble utfører delen av domra og balalaika både en melodisk funksjon (hovedteknikkene er opp- og nedslag, pizzicato, harmonikk), og en akkompagnementsfunksjon. Gitt at domraen og balalaikaen er dårligere i klangen enn andre grupper av instrumenter i vårt ensemble, når du spiller en solo-rolle, må du fremheve dem dynamisk.

Alt balalaika, som alt domra, er transponert ned en oktav. Rekkevidden til balalaikaen er fra tonen "mi" i en liten oktav til "do" i den andre oktav, og domraen fra tonen "mi" i en liten oktav til "la" i den andre oktav. Balalaika bratsj utfører hovedsakelig funksjonen som akkompagnement. De lave og mellomstore registrene til alt-balalaikaen er de vanligste. Alto domra har en myk brystklang i klang. I verkene våre gir vi alt-balalaika-partiene av en understemme natur, fremføring av ulike typer harmoniske figurasjoner i en tone.

Trekkspillet og knappetrekkspillet kompenserer for mangelen på blåsemusikkinstrumenter til symfoniorkesteret. Vi bruker instrumentets høyre klaviatur, som spenner fra «sol» til duroktaven til «mi» i fjerde oktav. Dessuten brukes disse instrumentene ofte av oss som et akkompagnement og utfører funksjonen til et piano.

Konklusjon

Denne metodologiske utviklingen presenterer opplevelsen av å organisere aktivitetene til det ujevnt gamle blandede ensemblet "April" av Palace of Children's Creativity i Petrogradsky-distriktet.

Det vokal-instrumentale ensemblet "April" eksisterer i Palace of Children's Creativity nylig (mindre enn 5 år), men resultatene av arbeidet utført av lærere og studenter har allerede dukket opp: sertifikater og toppplasseringer ved konkurranser (se vedlegg 3). Og også vår erfaring interesserte andre ledere av kunstneriske grupper, som ga uttrykk for at de var klare for samarbeid med vårt ensemble. Resultatet ble felles opptredener på konserter, konkurranser og festivaler med ulike ensembler og kor.

I læringsprosessen, i henhold til tilleggsprogrammer for generell utdanning, mestret barn i praksis musikalske og utøvende ferdigheter, synlesing, lærte å spille i et lag, å høre hverandre i et ensemble.

Metoden for å lære spillet i et blandet team inkluderer en individuell tilnærming til hvert barn, tar hensyn til hans evner, karakter, fysiske helse, og presenteres i en spillversjon. Vi inviterer barn til å uttrykke sitt synspunkt, finne kunstnerisk bilde og, som et resultat, utvikle ikke-standard tenkning, fantasi, kreativitet, hukommelse, oppmerksomhet, øke leksikon musikalske termer, utvikle musikalske og utøvende ferdigheter. Medlemmene i kollektivet er oppdratt med ansvar for fremføring av stykker til andre musikere, utvikling av musikalsk øre, nær kjennskap til musikkinstrumenter er i gang. I arbeidet med ensemblet må læreren også ta hensyn til den pedagogiske prosessen: lære barna å respektere hverandre, innpode en følelse av kollektivisme, kameratskap, gjensidig hjelp, og derved bidra til utviklingen av hvert barns personlighet.

I tillegg til utviklingen av vokale og tekniske ferdigheter, bidrar ensemblets arbeid med verk som V. Kosma "Toy" og R. Rogers "Song of Beautiful Things" til å gi barna en kjærlighet til musikk, som i vår mening, er svært viktig for å utdanne studenter. Kollektivets arbeid med musikalske verk, hvis fremføring inkluderer forskjellige musikkinstrumenter, fører til en kolossal "vekst" av teamet.

Bibliografi

1. Kargin, A.S. Arbeid med et amatørorkester med russiske folkeinstrumenter // Tredje utgave, red. T. Ershova, M.: "Musikk", 1987. - 41 s.
2. Chulaki, M.I. Instruments of a symphony orchestra // Tredje utgave, Ed. K. Kondakhchan, M.: "Musikk", 1972
3. Lebedev, S. N. Russisk bok om FINALE // St. Petersburg: "Komponist", 2003.
4. Raeva, OA Spørsmål om dannelse av repertoar for ensembler av russiske folkeinstrumenter. Metodisk utvikling, Republikken Krim, 2014.

Generalorkesterprøver er en av hovedformene for trening og kreativt arbeid team. Plasseringen av utøvere er viktig for det vellykkede arbeidet til teamet. Stoler og konsoller for musikk er plassert på en slik måte at dirigenten tydelig kan se hvert av orkestermedlemmene og være synlig for dem.
Øvingen starter med en nøye stemming av instrumentene, alltid utført til samme instrument (bayan eller obo). Varigheten av øvingene er to til tre timer, etter hvert 45-50 minutters arbeid er det pause.

Tempoet i øvingen er viktig. Det anbefales å unngå unødvendige stopp som demper og sliter orkesteret og fører til tap av kreativ interesse for stykket. Et stopp under en prøve skal alltid være begrunnet. Etter å ha stoppet orkesteret og ventet på stillhet, henvender dirigenten seg til utøverne, unngår ordrike forklaringer og sier i klartekst og ganske energisk.
Analysen av vanskelige stykker, utviklingen av teknisk komplekse fragmenter utføres vanligvis i første halvdel av prøvene. Det er bedre å avslutte leksjonen med en repetisjon av det ferdige materialet, stykker spesielt elsket av orkesteret. Utarbeidelsen av et verk, fra første bekjentskap til fremføring i offentligheten, er en kompleks og enhetlig prosess. kreativ prosess, som alle stadier er nært forbundet.
Dirigenten starter arbeidet lenge før prøvestart. Først studerer han partituret til arbeidet i detalj og dypt, og spekteret av problemstillinger som blir utarbeidet er svært bredt. Dette er studiet av komponistens kreative biografi, og tiden da han skapte, og skaperverkets historie denne jobben, fremføringstradisjoner.

Det er ekstremt viktig å dekke det som en helhet allerede ved første gangs bekjentskap med verket: lesing av partituret ved pianoet eller mental innføring. Samtidig skapes en generell idé om de viktigste musikalske bildene, strukturen og dramaturgien i utviklingen av materialet. Videre en helhetlig teoretisk analyse de viktigste elementene musikalsk språk, harmoni, melodi, tempo, metrorytme, dynamikk, frasering. Basert på en omfattende studie og nøye teoretisk forståelse av partituret, utvikler dirigenten gradvis en idé om ytelsesplanen.
Etter å ha studert alle detaljene i partituret, fortsetter dirigenten igjen med å dekke verket som helhet, men på et nytt, høyere nivå, og kombinerer alle detaljene til en enkelt harmonisk presentasjon. Først etter at det er lagt en klar kunstnerisk plan, når en bestemt fremføringsplan er laget, kan man gå videre til øving med orkesteret.
Før du starter en repetisjon, må dirigenten sjekke tilgjengeligheten til alle delene, sammenligne dem med partituret, avklare riktig plassering av digitale landemerker og dynamikk. Det er nødvendig å tenke over berøringene for hver orkesterdel og tydeliggjøre dem i alle stemmer uten unntak, identifisere alle tekniske vanskeligheter og skissere måter å overvinne dem på, under hensyntagen til musikernes ytelsesnivå. Noen ganger er det i deler en kompleks presentasjon av individuelle passasjer, hopp som er ubeleilig for utøverne, for høy tessitura osv. I dette tilfellet er redaksjonell redigering nødvendig. Selvfølgelig må slik redigering gjøres veldig nøye, og ikke i noe tilfelle krenke forfatterens intensjon.

Erfaring viser at fruktbart arbeid på en prøve er umulig uten en gjennomtenkt plan. Resultatet av dirigentens egenforberedelse bør være: en etablert tolkning av verket, korrigerte deler, en klar øvingsplan. I generelt planen for øvingsarbeid på et stykke kommer ned til følgende stadier: å spille hele stykket (hvis det tekniske nivået til orkesteret tillater det), arbeid med detaljene, endelig ferdigstillelse av stykket. Rekkefølgen til disse stadiene, som i dirigentens pre-prøvearbeid på partituret, følger av prinsippet - fra det generelle til det spesielle, etterfulgt av en tilbakevending til det generelle.

Ved å spille et stykke har dirigenten mulighet til å gjøre utøverne oppmerksom på vanskelige orkestrale episoder, for å gjøre orkesteret generelt kjent med utøvende konsept. Under avspilling er det nyttig å ringe opp numrene, noe som hjelper orkesteret med å navigere i partiene deres. Hvis verket er rolig i bevegelse, så er det mulig å lese det i det tempoet forfatteren har satt. Det er nødvendig å sette seg inn i teknisk komplekse stykker i sakte film slik at orkesterspillerne bedre kan forstå de enkelte detaljene i stykket. Samtidig er det nødvendig å påpeke helt fra begynnelsen eventuelle manifestasjoner av falsk intonasjon, forvrengning av den musikalske teksten. En dirigent som kjenner partituret godt, vil ikke gå glipp av en eneste feil som kan finnes i notene eller ved et uhell oppstå på grunn av orkesterspillerens feil. Det er ikke så vanskelig å høre falskhet, det er vanskeligere å fastslå hvilket instrument det har. Jo tydeligere dirigenten forestiller seg alle stemmene til partituret, jo raskere vil han bestemme dette, og følgelig jo mindre tid vil han tape på å eliminere feil.

Hvis det er orkestrale vanskeligheter i et stykke, er det nyttig å starte øvelsen med dem, be individuelle grupper om å utføre en vanskelig del, og deretter gi de nødvendige instruksjonene. Hvis fragmentet ikke fungerer, bør det skisseres for individuell studie. På generalprøve er det nødvendig at hele laget er opptatt, og ikke jobber over lengre tid med kun én gruppe. Dirigenten må tydelig forestille seg hva som kan oppnås på dette stadiet av arbeidet og hva som vil bli utført først etter en tid.

Allerede fra de aller første prøvene bør dirigentens oppmerksomhet konsekvent rettes fra persepsjon teknisk side ytelse til kunstnerisk. Alle tekniske vanskeligheter kan overvinnes raskere hvis utøveren forstår hva kunstnerisk formål han trenger å overvinne dem. Prøvearbeidet skulle overbevise ham om at løsningen av tekniske problemer ikke er et mål i seg selv, men et middel for en levende og uttrykksfull legemliggjøring av verkets innhold.
Nøye arbeid på øvelsen bør berøre alle uttrykksmidler. Dynamiske nyanser er et av de uttrykksfulle virkemidlene som bidrar til å avsløre det musikalske bildet av et verk. Basert på en grundig analyse av verket, tatt i betraktning stilkravene, finner dirigenten de riktige nyansene som oppstår fra musikkens innhold. Samtidig er det viktig å bestemme hovedklimakset, som all tidligere utvikling streber etter, og sekundære klimaks, med vekt på øyeblikkene med dynamisk spenning i individuelle deler og episoder.

For et orkester er for eksempel en velkjent vanskelighet gjennomføringen av lange stigninger og fall i sonoritet. Orkesterspillerne er villige til å spille crescendo, som vanligvis når toppen for tidlig, og i diminuendo blir det for tidlig til pianissimo. For å unngå dette, for eksempel med crescendo, kan du følge den velkjente teknikken: start stigningen fra en roligere lyd, så oppnås dens gradvise forsterkning. Det må huskes at karakteren og graden av styrke til hver nyanse oppstår fra særegenhetene til verkets stil. Det er ønskelig at eventuelle endringer i nyanse gjenspeiles i dirigentens gest. Gestens amplitude og intensitet må være justert, tydelig og forståelig for orkestermedlemmene ved de aller første prøvene.
Dirigenten er forpliktet til å tenke gjennom hele fraseringen av verket på forhånd for å dechiffrere strukturen til den musikalske frasen til utøverne ved øvelsen. Selv erfarne musikere føler musikk på forskjellige måter, og dirigentens oppgave er å forene forskjellige personligheter, å underordne dem en enkelt idé.
Under repetisjonsarbeid med frasering kan forskjellige metoder for assimilering brukes. Bare én gest er ikke nok. Det er veldig nyttig å analysere uttrykket muntlig og definere det ankerpunkter. Ganske ofte må man solfegge. For å gjøre dette er det ikke nødvendig å ha en fast og vakker stemme, men du må synge klart, rent, uttrykksfullt. Orkesterere vil sikre den fleksible lyden til orkesteret bare hvis en felles forståelse av uttrykket blir realisert av alle.

Oppnåelse bra ensemble performance er en av de vanskeligste oppgavene i å jobbe med et orkester. Det er velkjent at felles fremføring krever for det første samme forståelse av verkets kunstneriske hensikt – både innholdsmessig og stilfunksjoner, og i alt relatert til tempo, dynamikk, slag.
Basert på teksturen til stykket, må dirigenten hjelpe orkestermedlemmene til å tydelig forestille seg rollen og betydningen av deres rolle i hver episode. Ofte prøver nybegynnere orkesterspillere å utføre sin rolle så dristig som mulig, stikker den ut unødvendig, og bryr seg ikke om hvordan dette påvirker den generelle lyden. På den annen side er det hyppige tilfeller av engstelig ytelse på grunn av falsk frykt. For å overvinne disse manglene, er det nødvendig for orkestermedlemmene å tydelig forstå rollen deres rolle har i helheten. orkesterstruktur score. En ganske vanlig feil er å overbelaste klangen til den "sekundære" planen, assosiert med tap av balanse mellom de ledende og medfølgende stemmene. Man kan imidlertid ikke forsone seg med den primitive forståelsen av lydperspektivet, som koker ned til at den første planen skal spilles høyt, og den andre - stille. Lyden til begge planene er alltid sammenkoblet, og et for stort gap i sonoritetsstyrke er uønsket. Lydbalansen bør ikke bare kontrolleres av dirigenten, men også av utøverne selv.

For å oppnå et ensemble av ytelse, er riktigheten og nøyaktigheten av slagene ekstremt viktige. Når det gjelder å velge slag, ser lederen noen ganger ut til å ha frihet: ikke alle slag er angitt i partiturene. Og å spille med forskjellige slag, spesielt på strengeinstrumenter, forvrenger naturen til musikalsk skriving. Siden lederen folkeorkester skulle være dyktig i de grunnleggende instrumentene, ville det være nyttig for ham å prøve flere varianter av slag selv eller sammen med akkompagnatørene i gruppen, finne den mest korrekte og tilby den til orkesteret. I den innledende perioden er det nyttig for lederen å jobbe i grupper og oppnå samme slag. Slagene som er notert i delene er vanligvis innenfor makten til den mest vanlige utøveren av orkesteret å utføre, og dirigentens oppgave er å hardnakket oppnå slagekspressivitet.

I praksis må dirigenten hele tiden kjempe med en svært vanlig mangel i fremføringen: endringer i dynamikk oppmuntrer uerfarne utøvere til å avvike fra tempoet. Når lyden stiger, akselererer tempoet som regel, når det faller, avtar det. De samme ulovlige bruddene på tempo kan observeres når du veksler fraser som avviker kraftig i musikkens natur og tekstur. Dirigenten må hele tiden ta opp skikkelig rytmisk disiplin i orkesteret. I øvingsarbeid bør det legges stor vekt på kvaliteten på lyden, siden ofte uerfarne orkesterspillere ikke vet hvordan de skal kontrollere seg selv. Dirigenten må nøye overvåke god lydproduksjon, som avhenger av riktig vinkel på plukket i forhold til strengen. (For eksempel kan en ubehagelig "åpen" lyd dukke opp i en domragruppe.) Ganske ofte oppstår også en dårlig lydkvalitet på grunn av en svak pressing av strengen til båndet. Noen orkesterspillere som spiller dårlig tremolo kan knapt bevege seg fra streng til streng på cantilena-plasser, og dirigentens oppgave er å lære orkesteret å skille god lyd fra dårlig.
Når du arbeider med et fremføringsensemble, må det huskes at hvis instrumentet som leder melodien er dårlig hørbart, bør du ikke tvinge det til å spille med makt. Dette vil også føre til dårlig lydkvalitet. Det er bedre å fremheve ønsket instrumental klang ved å dempe instrumentene som overlapper solostemmen.

Noen ganger hender det at orkesterspillerne ikke umiddelbart forstår dirigentens instruksjoner eller ikke kan oppfylle kravene hans på grunn av teknisk kompleksitet. Deretter må dirigenten, som husker den utførende oppgaven, gjenta den musikalske frasen så mange ganger som nødvendig. Ellers vil musikerne føle at dirigenten ikke reagerer på at kvaliteten på fremføringen har holdt seg. Men hvis vanskeligheten ikke kan overvinnes og det er nødvendig med en uavhengig studie av delen, fortsetter dirigenten, etter å ha gitt riktig instruksjon, å jobbe med neste del av stykket. Det er ikke nødvendig å stoppe forestillingen på grunn av små tilfeldige feil fra individuelle utøvere. Det er mulig med en gest eller et ord å tiltrekke seg oppmerksomheten * til utøveren og rette feilen uten å stoppe spillet til hele orkesteret,
I praksisen med øvelser er det tider når det, selv om det er mangler i forestillingen, ikke anbefales å ty til stopp. Slike situasjoner oppstår for eksempel hvis utøverne allerede er slitne. Dirigenten må føle tilstanden til orkesteret og i slike tilfeller hvordan man spiller mer musikk: gi medlemmene av teamet muligheten til å nyte musikken, eller omvendt, noen ganger er det verdt å stoppe spillet og underholde orkesteret med en spøk, en interessant historie om musikk, en komponist, etc.
Øvelsen "bør struktureres slik at alle grupper i orkesteret deltar i arbeidet uten lange pauser, slik at hver utøver er klar til å være med når som helst. Dersom lederen blir for lenge på jobb med enkeltdeler vil dette ta motet fra resten av deltakerne.

Etter å ha analysert stykket, nøye arbeid med detaljene, begynner den siste fasen. Den består i å polere og bringe sammen individuelle detaljer til en enkelt helhet, bringe komposisjonen til det endelige tempoet, utvikle den nødvendige lettheten og friheten i fremføringen. Suksessen til prøver avhenger i stor grad av dirigentens evne til å kommunisere med teamet. Å jobbe med et orkester krever overholdelse av prinsipper, utholdenhet, nøyaktighet og tålmodighet. Dirigentens oppførsel under øvingene skal være et eksempel for utøverne – du skal være smart, organisert, samlet. Han skal ikke vise sin irritasjon, være nervøs når noe ikke fungerer på lang tid i orkesteret, og dessuten fornærme deltakernes forfengelighet. Teamlederen skal alltid være korrekt, krevende på øvelser og enkel, human i kommunikasjonen utenom skoletid. Her er det på sin plass å sitere kjent dirigent Bruno Walther, som fortalte om denne viktige siden av dirigentens fremtoning på denne måten: «. Dirigenten selv skaper ikke musikk, han gjør det ved hjelp av andre, som han må kunne lede gjennom gester, ord og påvirkning av sin personlighet. Resultatet avhenger utelukkende av hans evne til å lede mennesker. Her spiller medfødt talent en avgjørende rolle - vi snakker om evnen til å hevde sin vilje, påvirkningen av ens individualitet - og denne egenskapen bør utvikles ved konstant arbeid, ved bruk av hverdagserfaring. En person uten autoritet, blottet for dynamisk frivillig aspirasjon, kan ikke ta en sterk posisjon, selv om han har musikalsk talent, evne og kunnskap. Med stor dyktighet vil han kunne uttrykke seg selv, følelsene sine på piano, på fiolin, men han vil aldri gjøre orkesteret til et instrument som adlyder ham.

Moderne trender innen fremføring på russiske folkeinstrumenter er assosiert med den intensive utviklingen av ensemblemusikkskaping, med funksjonen til ulike typer ensembler ved filharmoniene og kulturpalasser, i ulike utdanningsinstitusjoner. Derav behovet for målrettet opplæring av lederne for de respektive ensembler i avdelingene og fakultetene for folkeinstrumenter ved musikkskoler og universiteter i landet.

Men oppdragelsen av en ensemblespiller i pedagogisk praksis, som regel, er forbundet med kjente begrensninger. Lærere blir vanligvis instruert til å lede homogene ensembler: bayan-spillere - bayan-ensembler, domrister eller balalaika-spillere - ensembler av strengplukkede folkeinstrumenter. Komposisjoner av denne typen er mye brukt i profesjonell ytelse. Det er nok å minne om slike kjente ensembler som bayan-trioen A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, bayan-duetten A. Shalaev - N. Krylov, Ural bayan-trioen, Kiev Philharmonic-kvartetten, Skaz-ensemblet, etc.

Det er utvilsomt å jobbe med homogene ensembler - duetter, trioer, bayan-kvartetter, trioer, domra-kvartetter og -kvintetter, balalaika-unisoner osv. - veldig viktig. Ikke desto mindre hindrer de beskrevne begrensningene i aktivitetene til lærere ved skoler og universiteter full opplæring av unge spesialister, fordi faktisk nyutdannede musikkskoler veldig ofte møtt med behovet for å lede blandede ensembler. Oftest er det sistnevnte strengeinstrumenter og knappetrekkspill. Klasser med slike team bør bli en integrert del av utdanningsprosessen.

En moderne lærer står overfor uunngåelige vanskeligheter med å komme på jobb: for det første med en akutt mangel på metodisk litteratur dedikert til blandede ensembler av russiske folkeinstrumenter; for det andre, med et begrenset antall repertoarsamlinger, inkludert interessante originale komposisjoner, transkripsjoner, transkripsjoner, bevist ved konsertpraksis, og med hensyn til ulike nivåer forberedelse og kreative instruksjoner for de angitte komposisjonene. Mesteparten av den publiserte metodologiske litteraturen henvender seg til kammerensembler med akademisk profil – med deltagelse av buede pianoinstrumenter. Innholdet i slike publikasjoner krever betydelig justering, tatt i betraktning spesifikasjonene ved folkeensemblemusikk (se for eksempel).

Denne artikkelen karakteriserer de grunnleggende prinsippene for å arbeide med en blandet kvintett av russiske folkeinstrumenter. Hvori hele linjen praktiske råd og anbefalingene nedenfor gjelder andre typer blandede ensembler.

Hovedproblemet som er løst i prosessen med å jobbe med disse gruppene er å bestemme den optimale klangen, lydstyrke-dynamikken og slagforhold for strengeinstrumenter og knappetrekkspill (basert på misforhold mellom lydkilder, lydproduksjonsmetoder og forskjellige akustiske miljøer).

Timbres instrumenter er blant de mest slående uttrykksmidlene i arsenalet til et blandet ensemble. Fra de mangfoldige klangforholdene som oppstår i fremføringsprosessen, kan man skille ut de autonome egenskapene til instrumenter (rene klangfarger) og kombinasjoner som oppstår når man klinger sammen (blandet klangfarge). Rene klangfarger brukes vanligvis når et av instrumentene er tildelt en melodisk solo.

Det bør understrekes at lyden til ethvert instrument inneholder mange "interne" klangfarger. For strenger bør man ta hensyn til klangfargen "palett" til hver streng, som endres avhengig av tessituraen (det betyr lydtrekkene til en viss del av strengen), avviket mellom klangen ved forskjellige kontaktpunkter med strengen. streng (plukk eller finger), spesifikasjonene til materialet som plukket er laget av (kapron , lær, plast, etc.), samt det tilsvarende potensialet til ulike utførende teknikker. Bayan har tessitura heterogenitet av klangfarger, deres korrelasjon på høyre og venstre tastatur, klangvariasjon ved hjelp av et visst nivå av trykk i pelskammeret og ulike måter ventilåpning, samt høye endringer.

For å fremheve klangen til et av strengeinstrumentene - medlemmer av ensemblet - anbefales det å bruke registerkombinasjoner, som er tilgjengelige i et moderne valgfritt multi-timbre knappetrekkspill. Klangsammensmeltingen av knappetrekkspillet med akkompagnementsinstrumentene leveres av enstemmes og tostemmes registre. Å "fremheve" den samme bayan-klangen, avhengig av teksturens egenskaper, er lettet av alle polyfoniske kombinasjoner av registre, som i kombinasjon med strenger gir den nødvendige klangrelieff.

Ensemblet er dannet av studenter 10-14 år, i mengden 15-20 personer. Også tillatt er barn i grunnskoleklasser som gjør fremskritt i å mestre et spesielt instrument og viser et ønske om å delta i ensemblet. Instrumenter inkludert i dette ensemblet: knappetrekkspill, prima balalaika, bassdomra; ocarina, blokkfløyte, nagler; skjeer, skralle, rubel, trekant, kokoshnik, etc.
Lederen for denne gruppen må mestre de grunnleggende ferdighetene til å spille alle instrumentene som utgjør ensemblet, samt ferdighetene til å skrive og lese orkesterpartiturer.
Når du fordeler elever etter instrument, er det nødvendig å ta hensyn til deres evner, lyst og temperament. Instrumenter som knappetrekkspill, prima balalaika, bassbalalaika, bassdomra, samt horn og zhaleyka er bedre for gutter å mestre, og jenter er mer egnet for fløyte, ocarina, blokkfløyte og kugikly. Slaginstrumenter mestres av studenter ved den estetiske avdelingen, siden denne gruppen instrumenter er veldig enkle å lære og ikke krever ekstra klasser. Mangfold perkusjonsinstrumenter, en rekke fargerike teknikker for å spille dem, vekker interesse i klasser i ensemblet, selv blant elever med forskjellige musikalsk evne. Disse klassene i et team med profesjonell orientering for studenter ved den estetiske avdelingen skaper ytterligere forhold for klasser, konsertopptredener, dette stimulerer lysten til å lage musikk, øker interessen for folk musikalsk kreativitet.
I den innledende fasen av å lære et verk, kan smågrupper (fra 2 til 6 personer) holdes, mens elevene forenes som spiller homogene instrumenter (grupper av balalaikaer, knappetrekkspill, zhaleika, fløyter), det er også tillatt for en grundig og detaljert analyse av deler individuelt arbeid med en student. I prosessen med en slik leksjon bør læreren introdusere elevene til instrumentet, det grunnleggende om landing, formasjon og de grunnleggende teknikkene i spillet. Det er veldig viktig å være spesielt oppmerksom på gruppen perkusjonsinstrumenter, da de er det rytmiske grunnlaget for ensemblet. For en gruppe perkusjonsinstrumenter er det nyttig å jobbe med øvelser for å mestre ulike rytmiske mønstre.
Etter å ha holdt øvinger i små grupper, organiserer lederen konsoliderte øvinger av hele ensemblet, der alle deltakerne fremfører sine deler. Ved de første konsoliderte prøvene med ensemblet anbefales det å starte arbeidet med enkle øvelser for å mestre instrumentene, for eksempel: øvelser satt opp i store varigheter for å jobbe med jevn lydføring og balanse i ensemblet, øvelser som ikke er rytmisk komplekse ved hjelp av ulike slag. Fra de aller første øvelsene bør oppmerksomhet rettes mot riktig utførelse av slag, utarbeidet i grupper, for å oppnå enhet i ytelsen. Øvelser bør også velges separat for hvert instrument, rettet mot å studere en spesifikk spilleteknikk. For enkelhets skyld anbefales det å dele opp verkene i små deler, oftest er dette perioder, og betegne dem med tall slik at det ikke oppstår forvirring når man arbeider med en egen del av stykket som studeres.
I prosessen med hver øving må lederen sette seg visse mål og bruke ulike arbeidsmetoder, basert på stadiet hvor arbeidet med musikkstykke.
Arbeidet med et musikkstykke må deles inn i flere stadier: lyslesing, analyse, arbeid på vanskelige steder, læring og konsertopptreden. Det er også nødvendig å huske særegenhetene ved ensemblespill: den nøyaktige utførelsen av teknikker og slag, rytmisk jevnhet, samtidig lydopptak, balanse mellom instrumenter, eller mellom en solist og et ensemble.
For å bygge utdanningsprosessen riktig, er det nødvendig å nærme seg valg av utdanningsmateriell med ansvar.
Når du velger stykker, er det nødvendig å ta hensyn til deres tilgjengelighet for studenter, interessant innhold og nye spilleteknikker, det anbefales også å inkludere et stykke med en solist i programmet, takket være at ferdighetene til vokal- og instrumentalt ensemblespill er utviklet. Det er ønskelig å bruke verk av forskjellige sjangre.
Repertoarlisten er ikke uttømmende. Lederen kan legge til folkebehandlinger, verk av forskjellige sjangre i sitt eget arrangement.
På i fjor Det ble introdusert et kort teoretisk kurs om fremføringshistorie på russiske folkeinstrumenter, som det er tildelt 0,25 timer (denne tiden kan endres etter lærerens skjønn).
En integrert del i oppdragelsen til en fullverdig musiker er en konsertforestilling. Slike hendelser forener teamet enda mer, gir barn en følelse av ansvar.
Denne typen musikk er interessant for barn, den lar dem føle ånden i russisk kultur, elske og respektere landet sitt.