sovjetiske dirigenter. Berømte dirigenter i verden De mest kjente dirigentene

G. Lomakin(1811-1885). Berømmelsen til en talentfull sanglærer kom tidlig til Lomakin og spredte seg raskt over hele den nordlige hovedstaden. Han ble invitert til å undervise ved mange utdanningsinstitusjoner: kadetten, marine- og sidekorpset, lyceumet, teaterskolen, jusskolen (hvor P.I. Tsjaikovskij studerte på den tiden). På denne skolen møtte G.Ya. Lomakin med kunstkritiker V.V. Stasov. Den fremragende russiske kritikeren har gjentatte ganger bemerket Lomakins "utmerkede skole", "den rette veien for læring", "medfødt talent", "betydning og dyktighet i å lede koret", som spilte en betydelig rolle i karrieren til vår landsmann. I 1862, sammen med kjent komponist M.A. Balakirev Lomakin arrangerte en gratis musikkskole- å opplyse og utdanne folket. På skolen G.Ya. Lomakin skapte ikke bare et fantastisk nytt kor, men klarte også å organisere utdanningen til fremtidige musikklærere. Mange av elevene hans ble kjente musikere: sangere, kordirigenter, lærere. Gavriil Yakimovich viet de siste årene av sitt liv til å komponere arbeid: før det kunne han bare komponere musikk i anfall og start, i korte timer med pauser mellom timene med kor. I den perioden skapte han hele linjen komposisjoner for koret, skrev flere romanser. Og i 1883, da M.A. Balakirev, Lomakin fikk også en sjelden mulighet til å publisere verkene sine. Han ga dem til revisjon og redigering av korrekturark De siste dagene eget liv.

A. Arkhangelsky (1846–1924)

Rettskapell.

Uavhengig kor (1880).

Kapellet til grev Sheremetyev.

CV. Smolensky (1848–1909)

Direktør for Synodalskolen (1889-1901).

Direktør for hoffkoret (1901-1903).

Direktør for private regentkurs (St. Petersburg)

V.S. Orlov (1856-1907).

Kor for det russiske korselskap (1878-1886).

Kapell for det russiske korselskap (1882-1888).

Regent for synodalskoret (1886-1907).

Alexander Dmitrievich Kastalsky (1856-1926).

Kirkekor (regent siden 1901).

Pavel Grigorievich Chesnokov (1877-1944).

Privat åndelig kor A.P. Kayutova.

Kor fra det russiske korselskap (1916-1917).

Regent av kirker i Moskva.

Nikolai Mikhailovich Danilin (1856-1945).

Kirkekoret (1910-1918).

Privat kor Kayutov (1915-1917).

Leningrad akademiske kapell.

Statens kor USSR.

Sveshnikov Alexander Vasilievich(1890-1980), kordirigent, People's Artist of the USSR (1956), Hero of Socialist Labour (1970). I 1936-37 var han kunstnerisk leder for USSRs statskor, organisert på grunnlag av All-Union Radio Vocal Ensemble han opprettet i 1928; i 1937-1941 - Leningrad. kapeller; siden 1941 - Statens russiske sangkor (senere det statlige akademiske russiske koret i USSR). Arrangør (1944) og direktør for Moskva. korskole (siden 1991 Academy of Choral Art oppkalt etter S.). Professor (siden 1946), rektor (1948-74) Moskva. vinterhage. USSRs statspris (1946).

YURLOV Alexander Alexandrovich (1927-73), kordirigent, People's Artist of the RSFSR (1970), Aserbajdsjan. SSR (1972). Elev A.V. Svesjnikov. Siden 1958, kunstnerisk leder og sjefdirigent for Rep. russisk korkapell (siden 1973 oppkalt etter ham). Professor i musikalsk Ped. institutt. Gnesins (siden 1970). USSRs statspris (1967).

Tevlin Boris Grigorievich kordirigent, professor (1981), leder for avdelingen korledelse Moscow State Conservatory oppkalt etter P. I. Tchaikovsky (1993-2007). Nasjonal kunstner Den russiske føderasjonen (1995).

Kazachkov Semyon Abramovich (1909-2005) - lærer, professor, leder for avdelingen for korledelse ved Kazan State Conservatory.

Minin Vladimir Nikolayevich (f. 1929), kordirigent, People's Artist of the USSR (1988). Student V.G. Sokolova, A.V. Svesjnikov. Siden 1972 hender. grunnlagt av ham Moskva. kammerkor, siden 1987 (samtidig) kunstnerisk leder for Staten. russisk kor. Siden 1978 professor (i 1971-79 rektor) Musikalsk-ped. institutt. Gnesins. USSRs statspris (1982).

Dmitryak Gennady Alexandrovich - kor- og opera- og symfonidirigent, æret kunstarbeider i Russland, kunstnerisk leder og sjefdirigent Statens akademiske kor i Russland oppkalt etter A.A. Yurlov og Capella "Moscow Kremlin", førsteamanuensis ved Institutt for korledelse Det russiske akademiet musikk til dem. Gnesinikh.

Krav til kordirigent

Utmerket beherskelse av gjennomføringsteknikk;

Kunne korrekt plassere medlemmene av koret i deler i samsvar med deres sangstemme og rekkevidde;

Naviger enkelt gjennom alt mangfoldet musikalske verk forskjellige stiler, epoker, retninger, kjenne til det teoretiske grunnlaget for innspilling og lesing av korpartiturer;

Har et godt øre for musikk, sans for rytme og en utviklet kunstnerisk smak.

Sjangere kormusikk

VILLANELLA(Italiensk landsbysang) - Italiensk sang fra 1400- og 1500-tallet, hovedsakelig 3-stemmig, med par al. bevegelse av stemmer, livlig karakter, lyrisk eller humoristisk innhold.

KANON(gresk norm, regel) - polyfonisk. musikalsk. skjemabasert. på en streng kontinuerlig, imitasjon, under hvilken. stemmene gjentar melodien til den ledende stemmen, og går inn før den ender med den forrige. Kanonen utmerker seg ved antall stemmer, intervallene mellom dem (Canon i prima, femte, oktav, etc.), antall emner som imiteres samtidig (enkel kanon; dobbel, for eksempel, i nr. 4 av Mozarts Requiem, etc.), formen for imitasjon (Canon i økning, reduksjon). I den såkalte uendelige kanon går slutten av melodien over i begynnelsen, slik at stemmene kan komme inn igjen et hvilket som helst antall ganger. I kanonen med en "variabel indikator" (Vl. Protopopov), under imitasjon, er det melodiske mønsteret og rytmen bevart, men intervallet endres. Kanonisk imitasjon, i en eller annen form, brukes ofte i kor. op.; det er skuespill skrevet i form av K. ("Echo" av O. Lasso, "Song of the Lark" av F. Mendelssohn, arr. N.A. Rimsky-Korsakov "I Walk with a Loafer", etc.).

KANT(fra lat, cantus - sang, sang) - en slags gammel kor- eller ensemblesang en caps. Oppsto på 1500-tallet. i Polen, senere - i Ukraina, fra 2. kjønn. 1600-tallet - i Russland, etter å ha blitt utbredt som en tidlig type urban sang; til begynnelsen 1700-tallet - en favorittsjanger innen hjemmemusikk, hverdagsmusikk. Til å begynne med er kanten en salmesang av religiøst innhold, senere er den gjennomsyret av sekulære temaer; kanter vises. lyrisk, pastoral, drikking, komisk, marsjering, etc. I Peter den stores tid, panegyriske kanter, den såkalte. viva; fremført av sangkor under festligheter og triumftog, akkompagnert av kanonild, fanfarer og klokkeringing. Kants stiltrekk: kuplettform, underordning musikalsk rytme poetisk; rytmisk klarhet og jevnhet av melodien;, hovedsakelig et 3-stemmers lager med en parallell bevegelse av de 2 øvre stemmene, bassen er ofte melodisk utviklet; det er også imitasjon. I kanten er det en naturlig korrelasjon av melodi og harmoni, balanse mellom harmoniske funksjoner - subdominanter, dominanter, tonikk. B. Asafiev påpeker at «i utviklingen av musikk i andre halvdel av det 18. og tidlige 19. århundre. kanting blir en slags kort leksikon triumferende homofonisk stil» («Musical Form as a Process», L., 1963, s. 288). Kants ble distribuert i håndskrevne samlinger, uten å angi forfatterne av teksten og musikken, selv om poesi ofte ble brukt. samtidsdiktere Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov m.fl. Den første arr. nar. sanger. Gradvis ble kantingen mer komplisert, og fikk egenskapene til en romantikk. Senere (på 1800-tallet) ble soldat-, drikke-, student- og til dels revolusjonære sanger laget på grunnlag av kant. Påvirkningen fra Kant finnes også på russisk. klassisk musikk, med Glinka ("Glory" fra operaen "Ivan Susanin"), etc.

CANTATA(Italiensk cantare - å synge) - et verk for sanger-solister, kor og orkester, høytidelig eller lyrisk-episk karakter. Kantater kan være kor (uten solister), kammer (uten kor), med eller uten klaverakkompagnement, i én sats eller bestå av flere fullførte numre. Fra oratoriet (likt det når det gjelder uttrykksmidler), skiller kantaten seg vanligvis i sin mindre størrelse, ensartethet i innhold og mindre utviklet plot. Kantaten oppsto i Italia (1600-tallet), først som et stykke for sang (i motsetning til sonaten). Dette betyr at kantaten tar sin plass i arbeidet til J. S. Bach, som skrev kantater om åndelige, mytologiske og hverdagslige emner. I Russland manifesterte kantaten seg på 1700-tallet og nådde sin utvikling på 1800- og 1900-tallet: en solo teatralsk kantate ("Det svarte sjalet" av Verstovsky), hilsen, jubileum, lyriske, lyrisk-filosofiske kantater ("Farvel-sanger") av elevene ved Katarina- og Smolny-instituttene" av Glinka; "Moskva", "Til glede" av Tsjaikovskij; "The Svitezyanka" av Rimsky-Korsakov; "Johannes av Damaskus", "Etter å ha lest salmen" av Taneyev; "Våren" ", "Klokkene" av Rachmaninov; "Kantate for åpningen av monumentet til Glinka" av Balakirev, etc. d.).

Kantatesjangeren er utviklet i kreativitet sovjetiske komponister, spesielt i verk om historiske, patriotiske og moderne emner (Alexander Nevsky av Prokofiev, symfonikantate "On the Kulikovo Field" av Shaporin, "Kantate about the Motherland" av Arutyunyan, etc.). Moderne tysk komponist K. Orff skrev scenekantater (Carmina Burana og andre).

MADRIGAL(italiensk) -lyrisk sang på morsmål. (i motsetning til sang i lat, lang.), opprinnelig monofonisk. I tidlig renessanse (1300-tallet) ble den fremført med 2-3 stemmer. I tiden sen renessanse(1500-tallet) okkuperte sentrum, et sted i sekulær musikk, som representerer en enstemmig eller flerstemmig vokalkomposisjon av et polyfonisk lager for 4-5 stemmer; ble distribuert utenfor Italia. Madrigal-sjangeren er overveiende lyrisk, nært knyttet til poetisk tekst(opp til illustrasjonen av enkeltord). Etter å ha utviklet seg i aristokratiske kretser, er madrigalen når det gjelder melodi (i motsetning til frotolla, villanella, chanson, etc.) langt fra folkemusikk, ofte for sofistikert; samtidig hadde det også en progressiv betydning, og utvidet spekteret av bilder og uttrykksfulle virkemidler. Enklere, assosiert med folklore, emosjonell engelsk madrigal fra 1500- og 1600-tallet. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). På 1600-tallet madrigalen avviker fra den vokalt polyfoniske stilen, og understreker solo-stemmen med instrumentalt akkompagnement. Fremragende mestere av madrigalen (på forskjellige stadier av utviklingen) var Arkadelt, Villart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.

MOTET(fra det franske mot - ordet) - en vokalsjanger. polyfonisk. musikk. Opprinnelig, i Frankrike (12-14 århundrer), ble flere kombinert i en motett. (oftest 3) selvstendige melodier med forskjellige tekster: i lavere stemme (tenor) - kirke. sang i latinsk tekst, i midten (motett) og øvre (triplum) - kjærlighet eller komiske sanger på fransk. Den katolske kirke kjempet mot slike "vulgære motetter" ved å kontrastere dem (fra 1400-tallet) med polyfone salmer til en enkelt latinsk tekst. Madrigaler ble skrevet for koret en caps. (fra slutten av 1500-tallet og med akkompagnement), bestod av flere (2, 3 eller flere) seksjoner, i polyfonisk, ofte i et akkordlager. På 1600-tallet det var motetter for solosangere med instrumentelt akkompagnement.

OPERAKOR- en av hovedkomponentene i den moderne operaforestillingen. I forbindelse med epoken, sjangeren, individualiteten til komponisten, spiller koret i operaen annen rolle fra å skape en hjemlig bakgrunn, et dekorativt element, en deltaker i prologen, mellomspill til Ch. fungerende person. I opera seria ("seriøs opera", 17-18 århundrer) var koret nesten fraværende, i opera buffa ("komisk opera", 1700-tallet) dukket det opp sporadisk (for eksempel i finalen). Korets rolle som bærer av bildet av menneskene i operaene til Gluck og Cherubini er blitt styrket, selv om koret ofte er det. scener i dem har en oratorio-statisk karakter. Større dramatisk betydning ble tillagt refrenget i de vesteuropeiske operaene fra den første tredjedelen av 1800-tallet, av Rossini (William Tell), Verdi (Nabucco, Slaget ved Legnano), med deres bilder av det heroiske folket; i Meyerbeers opera understreker korets deltakelse dramatiske klimaks, lyrisk opera 1800-tallet koret bidrar til å skape en passende atmosfære, nasjonal farge, stemning (op. Bizet, Verdi, Gounod); i folkehusholdningsoperaen er korene av sjangerkarakter, tett opp til folkesangen, dans (op. Monyushko, Smetana). Rus. sekulær korkunst ble først representert av operakor (1700-tallet, op. Fomin, Pashkevich og andre); og i fremtiden inntar kor en stor plass på russisk. operaer, som er "hjørnesteinens dogme og bekreftelse av nasjonalitet og demokrati" (B. Asafiev). Opera og kor kreativitet Rus. komponister er usedvanlig mangfoldige.

I historisk-patriotiske operaer (Glinkas Ivan Susanin, Borodins prins Igor, Rimsky-Korsakovs Maid of Pskov osv.) blir koret hovedpersonen, sammen med karakterene. Spesielt ( veldig viktig skaffet seg koret i de folkemusikalske dramaene til Mussorgsky ("Boris Godunov", "Khovanshchina"), der bildet av folket presenteres på mange måter, i utvikling. I russiske hverdagsoperaer av Verstovsky ("Askolds grav"), Dargomyzhsky ("Havfrue"), Serov ("Enemy Force"), Tsjaikovskij ("Cherevitsjki", "Trylleren"), etc., er det en nær forbindelse med folkemusikk sang. Nasjonal originalitet gjenspeiles i korscenene til operaer knyttet til orientalske temaer (Glinkas Ruslan og Lyudmila, Rubinsteins Demonen, Borodins prins Igor, etc.). Kor betyr finne anvendelse i skildringen av fabelaktige, fantastiske plott (op. Glinka, Verstovsky, Rimsky-Korsakov). Koret brukes også i den oratoriske planen, vanligvis i prologen, epilogen (operaer av Glinka, Serov, Rubinstein, Borodin, etc., i fremføringen av salmer osv. (“The Maid of Orleans” av Tchaikovsky, “Khovanshchina) ” av Mussorgsky, etc.) Tradisjoner Korets aktive deltakelse i russisk klassisk opera fortsetter i sovjetisk musikalsk kreativitet: operaene til russiske sovjetiske komponister "Krig og fred", "Semyon Kotko" av Prokofjev, "Decembrists" av Shaporin, "Katerina Izmailova" av Shostakovich, "Emelyan Pugachev" av Koval, "Quiet Don" " og "Virgin Soil Upturned" av Dzerzhinsky, "October" av Muradeli, "Virineya" av Slonimsky og andre, mange nasjonale operaer inneholde egne kor og utviklede korscener. Operatisk kor har sine egne ytelsesspesifikasjoner: det er først og fremst stor lysstyrke, konveksitet av nyanser (ligner på dekorativ design), vekt på teksten, dens evne til å "fly gjennom orkesteret" i auditorium. Fordi det opera kor er ofte i bevegelse, spesiell selvtillit, uavhengighet av hver av deltakerne er nødvendig. For å utvikle disse egenskapene lærer sangere i noen grupper timing når de studerer delene deres. Tilstedeværelsen av mise-en-scener, der koret ikke ser dirigenten, nødvendiggjør den såkalte. sendinger (dirigenttempo) ledet bak kulissene av korledere; samtidig, for å oppnå synkronisering av fremføringen, føres noe til dirigentens "punkter" (mer eller mindre avhengig av korets dybde).

ORATORIO(fra lat, wow - jeg sier, jeg ber) - et stort musikkstykke for kor, solister, ork .; komp. fra vokalensembler, arier, resitativer, fullførte orkesternumre., oratoriet har sin opprinnelse i Italia, ved overgangen til 1500- og 1600-tallet, nesten samtidig med kantaten og operaen og er strukturert nær dem. Den skiller seg fra kantaten i sin større størrelse, detaljerte handling, episk-dramatiske karakter, og fra operaen i overvekt av det narrative elementet over det dramatiske, utviklingen. Oratoriet utviklet seg fra dramatiserte lauder (åndelige lovsanger) fremført i spesielle rom ved kirken - oratorier. spesiell type oratorium - lidenskap; i form av struktur og type omfatter oratoriet også messen, rekviemet, Stabat Mater m.fl.. Oratorie-sjangeren når sitt høydepunkt i verkene til Bach og spesielt Händel, som skapte typen heroisk-episk oratorium; Haydns oratorier er preget av sjangerhjemlige og lyrisk-filosofiske trekk. På 1800-tallet prod. Oratorie-sjangeren ble skapt av Mendelssohn, Schumann, Berlioz, Brahms, Dvorak, Liszt, Verdi og andre; på 1900-tallet. - Honegger, Britten m.fl.. Den første betyr det russiske oratoriet "Minin og Pozharsky" av Degtyarev; en rekke oratorier ble skapt av A. Rubinstein ("Babylonian pandemonium", "Paradise Lost", etc.). I operaene til de russiske klassikerne er teknikker i oratoriestil mye brukt i form av store korscener (Ivan Susanin, Ruslan og Lyudmila av Glinka, Serovs Judith, Borodins prins Igor, Rimsky-Korsakovs Sadko, etc.). Sjangeren oratorium er mye brukt av sovjetiske komponister når de legemliggjør historiske og samtidige temaer ("Emelyan Pugachev" av Koval, "The Legend of the Battle for the Russian Land" av Shaporin, "Song of the Forests" av Shostakovich, "On Guard" for Peace" av Prokofiev, "Requiem" av Kabalevsky, "Mahogni "Zarina og andre).

SANG- den enkleste og vanligste formen vokalmusikk, som kombinerer det poetiske bildet med det musikalske. Karakteristisk for sangen er tilstedeværelsen av en komplett, uavhengig, melodiøs melodi, enkel struktur (vanligvis en periode eller 2-, 3-delt form). Musikken til sangen tilsvarer det generelle innholdet i teksten, uten å detaljere det (for eksempel i en veldig vanlig kuplettsang). Det er folkemusikk og profesjonelle (produsert av komponister) sanger som er forskjellige i sjanger, opprinnelse, struktur osv. Sjangeren korsang er vanlig: folkevise(bonde og urban), sovjetisk massesang, avd. kor av russiske og sovjetiske komponister. I vesteuropeisk musikk ble korsangen dyrket romantiske komponister(Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). I overført betydning, begrepet sang. eller en sang (for å understreke den episke, høytidelige, poetiske opphøyetheten til et verk) brukes i tittelen på store musikalske verk, kantater (for eksempel Brahms' Skjebnesang, Triumfsang).

KOR- religiøs sang på katolsk og protestantisk kirke. Den protestantiske polyfone sangen (introdusert på 1500-tallet av lederne av reformasjonen) ble sunget av hele samfunnet på tysk (i motsetning til den unisone gregorianske sangen, som ble sunget på latin av spesielle mannlige sangere). Melodiene til koralen utmerker seg ved en stillesittende rytme. Korlager (eller rett og slett koral) kalles vanligvis. akkordpresentasjon ved jevn varighet i sakte bevegelser.

Itay Talgam

Anerkjent israelsk dirigent og konsulent som hjelper ledere fra næringsliv, utdanning, myndigheter, medisin og andre felt til å bli "dirigenter" for teamene deres og oppnå harmoni gjennom samarbeid.

Itay Talgam argumenterer for at lederegenskaper er universelle, og kommunikasjonsstilene til en dirigent med et orkester ligner på mange måter forholdet mellom en sjef og ansatte i en bedrift. Men det er ikke noe universelt prinsipp for å organisere slike relasjoner. Forfatteren deler sine observasjoner om metodene for orkesterledelse som ble observert av store dirigenter og deler dem inn i seks betingede kategorier.

1. Dominans og kontroll: Ricardo Mutti

Den italienske dirigenten Ricardo Mutti er oppmerksom på detaljer og meget omhyggelig med å styre orkesteret både i øvinger og i forestillinger. Alle nyansene i spillet er konsentrert i bevegelsene hans: han varsler musikerne om den skiftende tonen lenge før de må bygges opp igjen. Mutti kontrollerer hvert trinn av sine underordnede, ingen og ingenting blir stående uten oppmerksomheten hans.

Total kontroll skyldes at dirigenten selv føler press fra toppledelsen: styret eller den konstant tilstedeværende ånden til den store komponisten. En slik leder er alltid gjenstand for fordømmelse fra det hensynsløse super-egoet.

Den dominerende lederen er ulykkelig. Hans underordnede respekterer ham, men liker ham ikke. Dette ble spesielt tydelig demonstrert av Muttis eksempel. Mellom ham og toppledelsen til Milanese operahus"La Scala" var det en konflikt. Dirigenten skisserte sine krav til myndighetene, hvis de ikke ble oppfylt, truet han med å forlate teatret. Han håpet at orkesteret ville ta hans parti, men musikerne sa at de hadde mistet tilliten til lederen. Mutti måtte trekke seg.

Tror du denne dirigentstanden er en trone? For meg er dette en øde øy hvor ensomheten råder.

Ricardo Mutti

Til tross for dette regnes Ricardo Mutti som en av de de største dirigentene XX århundre. Itay Talgam forteller at på seminarene om personalledelse sa de fleste studentene at de ikke ville ha en slik leder. Men til spørsmålet: «Er hans lederskap effektivt? Kan han tvinge underordnede til å gjøre jobben sin?» Nesten alle svarte bekreftende.

Den dominerende lederen tror ikke på de ansattes evne til å organisere seg. Han tar fullt ansvar for resultatet, men krever utvilsom lydighet.

Når det fungerer

Denne taktikken er rettferdiggjort i nærvær av problemer med disiplin i laget. Forfatteren gir et eksempel fra Muttis biografi og forteller om hans erfaring med Israel Philharmonic Orchestra. Dette er et fantastisk team, men stilen til arbeidet hans ble dannet i krysset mellom europeiske, middelhavs- og Midtøsten-kulturer. Mangfoldet av tradisjoner har ført til mangel på formell disiplin i orkesteret.

I det øyeblikket, da Muttis pinne var frosset i luften i påvente av de første tonene, bestemte en av musikerne seg for å flytte stolen. Det kom en knirk. Konduktøren stoppet og sa: «Mine herrer, jeg ser ikke ordene «stolen knirker» i partituret mitt.» Fra det øyeblikket hørtes bare musikk i salen.

Når det ikke fungerer

I alle andre tilfeller, og spesielt når arbeidet til ansatte er knyttet til. Muttis ledelsesstil utelukker tilstedeværelsen av feil, og faktisk fører de ofte til nye oppdagelser.

2 Gudfar: Arturo Toscanini

Stjernedirigenten Arturo Toscanini viste maksimal deltakelse i orkesterets liv på prøver og på scenen. Han var ikke sjenert i uttrykket og skjelte ut musikerne for deres feil. Toscanini ble berømt ikke bare for sitt talent som dirigent, men også for sitt profesjonelle temperament.

Toscanini tok hver feil hos sine underordnede til seg, fordi feilen til én er feilen til alle, spesielt dirigenten. Han krevde av andre, men ikke mer enn seg selv: han kom til øvelser på forhånd og ba ikke om privilegier. Hver musiker forsto at dirigenten var oppriktig bekymret for resultatet, og ble ikke fornærmet av fornærmelser for unøyaktig spilling.

Toscanini krevde full dedikasjon fra musikerne og forventet upåklagelig ytelse. Han trodde på talentet deres og ble samlet på konserter. Det var tydelig hvor stolt han var av "familien" sin etter en vellykket opptreden.

En viktig motivator for de ansatte i et slikt team er ønsket om å jobbe godt "for faren". Slike ledere er elsket og respektert.

Når det fungerer

I tilfeller hvor teamet er klar til å akseptere de tre grunnleggende prinsippene for familiekultur: stabilitet, empati og gjensidig støtte. Det er også viktig at lederen har myndighet, er kompetent på sitt felt, har profesjonelle prestasjoner. En slik leder bør behandles som en far, så han bør være smartere og mer erfaren enn sine underordnede.

Dette prinsippet om ledelse er ofte tydd til når teamet opplever harde tider. I perioden med styrking av fagforeninger introduserer store selskaper slagord fra kategorien "Vi er én familie!" Ledelsen søker å forbedre arbeidsforholdene, gir ansatte mulighet til å motta Ekstrautdanning, gjennomfører bedriftsarrangementer og gir underordnede en sosial pakke. Alt dette har som mål å motivere ansatte til å jobbe for myndighetenes skyld som bryr seg om dem.

Når det ikke fungerer

I noen moderne organisasjoner, hvor relasjoner mellom mennesker noen ganger er viktigere enn formelt hierarki. I slike grupper er det ikke underforstått dypt emosjonelt engasjement.

Et slikt ledelsesprinsipp krever ikke bare lederens autoritet og kompetanse, men også underordnedes evne til å rettferdiggjøre forventningene som stilles til dem. Itay Talgam forteller om sin erfaring med å studere med dirigenten Mendy Rodan. Han krevde mye av studenten og oppfattet enhver fiasko som et personlig nederlag. Dette presset, kombinert med banning, undertrykte forfatteren. Han innså at en slik lærer ville hjelpe ham med å få et vitnemål, men ville ikke oppdra en kreativ person i ham.

3. I henhold til instruksjonene: Richard Strauss

Forfatteren sier at mange av lederne som var tilstede på seminarene hans bare ble underholdt av Strauss sin oppførsel på scenen. Besøkende valgte ham som en potensiell leder bare på grunnlag av at med en slik sjef kan du egentlig ikke bry deg med arbeid. Dirigentens øyelokk er senket, selv ser han fjern ut og kaster bare av og til blikk på en eller annen del av orkesteret.

Denne dirigenten har ikke som mål å inspirere, han begrenser kun orkesteret. Men hvis du ser nøye etter, blir det klart hva som ligger til grunn for et slikt styringsprinsipp – å følge instruksjoner. Strauss er ikke fokusert på musikerne, men på notene, selv om orkesteret spiller hans verk. Ved dette viser han hvor viktig det er å strengt følge reglene og tydelig utføre arbeidet, ikke tillate egne tolkninger.

Det skal forstås at mangelen på tolkning og oppdagelse i musikk slett ikke er dårlig. Denne tilnærmingen lar deg avsløre strukturen til verket, for å spille det slik forfatteren hadde tenkt.

En slik leder stoler på underordnede, krever at de følger instrukser og tror at de vil være i stand til å etterkomme dem. Denne holdningen smigrer og motiverer ansatte, de får selvtillit. Den største ulempen med tilnærmingen er at ingen vet hva som vil skje dersom det oppstår en situasjon som ikke er spesifisert i instruksjonene.

Når det fungerer

Dette kontrollprinsippet fungerer i forskjellige tilfeller. Noen ganger er det mest behagelig for rolige fagfolk som er vant til å jobbe etter lovens bokstav. Noen ganger er det rett og slett nødvendig å gi ansatte obligatoriske instruksjoner, for eksempel når de samhandler ulike grupper underordnede.

Forfatteren gir et eksempel på sin erfaring med orkesteret og rockebandet Natasha's Friends. Problemet oppsto på grunn av at musikerne fra gruppen kom til slutten av den andre timen av en tre timer lang øvelse. De var sikre på at ingenting ville stoppe dem fra å vie resten av dagen til musikk, uten å tenke på at orkesterprøver var underlagt strengere tidsrammer.

Når det ikke fungerer

Prinsippet om ledelse basert på å følge instrukser fungerer ikke der evnen til å skape og skape nye ideer bør oppmuntres. Som absolutt lydighet mot lederen, innebærer det å følge instruksjonene fravær av feil som fører til nye oppdagelser. Det kan også frata ansatte faglig entusiasme.

Forfatteren gir et eksempel fra biografien til dirigenten Leonard Bernstein. israelsk filharmonisk orkester under hans ledelse øvd inn finalen i Mahlers symfoni. Da konduktøren ga signal om inntreden av messingen, ble det stille som svar. Bernstein så opp: noen av musikerne hadde dratt. Faktum er at avslutningen av øvelsen var berammet til klokken 13:00. Klokken var 13:04.

4. Guru: Herbert von Karajan

Maestro Herbert von Karajan åpner knapt øynene på scenen og ser ikke på musikerne. Han forventer bare at hans underordnede ser ut til å magisk vurdere ønskene hans. Dette ble innledet av forarbeid: dirigenten forklarte nøye nyansene i spillet på prøvene.

Guruen ga ikke musikerne noen tidsramme eller satte rytmen, han lyttet bare oppmerksomt og formidlet til orkesteret mykheten og dybden i klangen. Musikerne var perfekte for hverandre. De ble selv gjensidig avhengige dirigenter og forbedret sine ferdigheter til å spille sammen om og om igjen.

En slik tilnærming snakker om lederens arroganse: han handler om å omgå de aksepterte postulatene og er alltid sikker på suksess. Samtidig er teammedlemmene mye mer avhengige av hverandre enn på instruksjoner fra ledelsen. De har makt til å påvirke resultatene av arbeidet direkte. De har et tilleggsansvar, så å være i et slikt team kan for noen være en psykologisk vanskelig test. Denne ledelsesstilen ligner på Muttis dominans ved at lederen også er utilgjengelig for dialog og påtvinger underordnede sin visjon om organisasjonen.

Når det fungerer

Når arbeidet til teamet er knyttet til kreativiteten til ansatte, for eksempel innen kunstfeltet. Amerikansk artist Saul Levitt hyret inn unge artister (flere tusen totalt), forklarte konseptene og ga noen veiledninger. Etter det gikk de underordnede for å skape uten Levitts kontroll. Han var interessert i resultatet, ikke underkastelse i prosessen. En fornuftig og klok leder, det skjønte han felles kreativitet bare beriker prosjektet. Det er dette som gjorde ham til den mest utstilte kunstneren i verden: i hele sitt liv holdt han mer enn 500 separatutstillinger.

Når det ikke fungerer

I hvert team avhenger hensiktsmessigheten av dette ledelsesprinsippet av mange individuelle faktorer. Denne tilnærmingen fører ofte til fiasko, og det er derfor for eksempel Cadbury & Schweppes opprettet Cadbury Corporate Governance Code, som beskriver prosedyrer designet for å beskytte selskapet mot lederens overdrevne ego og formidle viktig informasjon til alle deltakere i prosessen.

Forfatteren forteller også advarende historie fra min egen erfaring. Han ønsket å starte arbeidet med Tel Aviv Symphony Orchestra med en høyprofilert innovasjon. Itai Talgam delte strykeseksjonen inn i kvartetter og plasserte blåseinstrumentene mellom dem. Han foreslo at på denne måten kunne hver av musikerne føle seg som en solist. Eksperimentet mislyktes: deltakerne var ikke i stand til å kommunisere, var langt fra hverandre, så de spilte ekstremt dårlig.

5 Ledende dans: Carlos Kleiber

Carlos Klaiber danser på scenen: strekker ut armene, hopper opp og ned, bøyer seg og svaier fra side til side. Andre ganger leder han orkesteret med bare fingertuppene, og noen ganger står han bare og hører på musikerne. På scenen deler dirigenten sin glede og multipliserer den. Han har en klar visjon om formen og leder musikerne, men han gjør det ikke som leder, men som solodanser. Han krever stadig at underordnede deltar i tolkninger og laster ikke instruksjonene sine med detaljer.

En slik leder styrer ikke mennesker, men prosesser. Det gir underordnede rom for innovasjon, stimulerer dem til å skape på egenhånd. Ansatte deler makt og ansvar med lederen. I et slikt team er det lett å rette opp en feil og til og med transformere den til noe nytt. "Dansende" ledere verdsetter ambisiøse ansatte, og foretrekker dem fremfor de som er i stand til å samvittighetsfullt utføre arbeidet i henhold til instruksjoner.

Når det fungerer

Et tilsvarende prinsipp gjelder når en ordinær ansatt kan ha mer relevant informasjon enn sjefen. Som et eksempel nevner forfatteren sin erfaring med å jobbe med byråer for å bekjempe terrorisme. En agent i felten må være i stand til å ta avgjørelser på egen hånd, noen ganger i strid med direkte ordre fra kommandoen, fordi han har den mest komplette og oppdaterte kunnskapen om situasjonen.

Når det ikke fungerer

Når ansatte ikke er interessert i selskapets skjebne. Forfatteren hevder også at en slik tilnærming ikke kan påtvinges kunstig. Dette vil fungere bare hvis du er i stand til å virkelig glede deg over suksessen til de ansatte og resultatet av arbeidet.

6. Søker etter mening: Leonard Bernstein

Hemmeligheten bak Leonard Bernsteins interaksjon med orkesteret avsløres ikke på scenen, men utenfor den. Dirigenten ønsket ikke å skille følelser, livserfaring og ambisjoner fra musikk. For hver av musikerne var Bernstein ikke bare en leder, men også en venn. Han inviterte ikke en profesjonell, men en person til å jobbe: i orkestrene hans opptrer først, lytter og komponerer enkeltpersoner, og først da underordnede.

Bernstein satt foran musikerne hovedspørsmålet: "For hva?" Dette var: han tvang ham ikke til å leke, men fikk personen til å ville spille. Alle hadde sitt eget svar på Bernsteins spørsmål, men alle følte like mye sitt engasjement i fellessaken.

Når det fungerer

Dialogen mellom ledelse og ansatte og det å gi mening til deres aktiviteter vil være til nytte for enhver organisasjon der arbeidet til teammedlemmer ikke bringes til et sett med lignende handlinger. En viktig forutsetning for dette er at ansatte skal respektere lederen og vurdere ham som kompetent.

Når det ikke fungerer

Itay Talgam snakker om en situasjon da han prøvde å bruke Bernstein-metoden, men møtte bare misforståelser fra sine underordnede. Årsaken var at mange av musikerne i Tel Aviv Symphony Orchestra var mye eldre og ikke kjente ham i det hele tatt. Den første øvelsen gikk ikke bra. "Noe er galt," sa Talgam til orkesteret. - Jeg vet bare ikke hva. Tempo, intonasjon, noe annet? Hva tror du? Hva kan fikses? En av de eldre musikerne reiste seg og sa: «Der vi kom fra, spurte ikke dirigenten oss hva vi skulle gjøre. Han visste hva han skulle gjøre."

I boken "The Ignorant Maestro" snakker Itay Talgam ikke bare om ledelsesprinsippene til store dirigenter, men avslører også tre viktige egenskaper effektiv leder: uvitenhet, å gi mening til tomrom og motiverende lytting. Forfatteren snakker ikke bare om hvordan en leder skal være, men også om underordnedes rolle i arbeidskommunikasjon. universelt prinsipp ledelse eksisterer ikke, hver effektiv leder utvikler den uavhengig. Og du kan lære noe og ta i bruk noen teknikker fra de seks store dirigentene som er skrevet om i denne boken.

10. desember 2014

Musikalsk kultur kan ikke eksistere uten dirigenter, så vel som filmindustrien uten regissører, litteratur- og forlagsbransjen uten redaktører, moteprosjekter uten designere. Lederen av orkesteret sørger for organisk samspill mellom alle instrumenter under forestillingen. Dirigenten er hovedpersonen på scenen til Filharmonien, konsertsal eller hvilken som helst annen musikkplattform.

Virtuosi

Sammenhengen til et symfoniorkester, den harmoniske lyden av mange musikkinstrumenter oppnådd gjennom dirigentens dyktighet. Ikke rart de mest talentfulle av dem tildeles forskjellige høye titler og titler, og blant menneskene kalles de "virtuoser". Og faktisk, den upåklagelige besittelsen av dirigentens stafettpinnen lar deg bringe til alle musikere som sitter i orkestergrav, alle nyansene til en kreativ impuls. Et digert symfoniorkester begynner plutselig å høres ut som en helhet, og musikalsk komposisjon samtidig avsløres den i all sin prakt.

Kjente dirigenter forenes på grunnlag av dyktighet, de gikk alle gjennom skolen høy kunst, ikke umiddelbart kom til dem popularitet og anerkjennelse av allmennheten. Popularitet er oppnådd med årene. For det meste er kjente dirigenter, i tillegg til konsertaktiviteter, engasjert i undervisning, gjennomfører opplæringskurs for unge musikere, samt mesterklasser.

selvoppofrelse

Kunsten å dirigere et orkester krever mange års praksis, kontinuerlig forbedring, noe som resulterer i endeløse øvinger. Noen kjente dirigenter er kjent for sin spesielle kreative utholdenhet, på grensen til selvoppofrelse, når det personlige livet er henvist til bakgrunnen og bare musikk gjenstår. Denne situasjonen er imidlertid bra for kunsten.

De mest kjente dirigentene er bundet av kontrakter med visse musikalske grupper og dette gjør dem i stand til å oppnå høy level fremføring av musikkverk. Samtidig er det nødvendig med gjensidig forståelse, som senere vil tjene som en garanti for vellykket konsertaktivitet.

Bemerkelsesverdige operadirigenter

Det er navn i det musikalske verdenshierarkiet som alle kjenner. Navnene på kjente operadirigenter kan bli funnet på plakater, reklametavler, cruiseskip er oppkalt etter dem. Denne populariteten er velfortjent, siden få mennesker fortsatt er i stand til å vie hele livet, sporløst, til musikk. De mest kjente dirigentene reiser over hele verden, turnerer med ulike musikalske grupper eller leder orkestre i dur musikksentre. Operaforestillinger krever en spesiell sammenheng i orkesteret, akkompagnert av vokalpartier, arier og cavatina. I alle musikkbyråer kan du finne ut navnene på kjente operadirigenter som kan inviteres til en sesong eller en serie forestillinger. Erfarne impresarioer kjenner arbeidsstilen og karaktertrekkene til hver enkelt. Dette hjelper dem å ta det riktige valget.

Kjente dirigenter i Russland

Musikk, spesielt opera, har mange komponenter. Her er orkesteret, som inkluderer en rekke instrumenter: blåse, stryke, bue, perkusjon. Solister, utøvere av vokalpartier, kor og andre deltakere i forestillingen. Ulike fragmenter av en operaforestilling forenes til én helhet av forestillingens regissør og orkesterets dirigent. Dessuten deltar sistnevnte aktivt i handlingen fra begynnelse til slutt. Det er dirigenter i Russland som med musikken sin dirigerer operaen langs den eneste sanne veien som leder betrakteren til ekte kunst.

Kjente dirigenter i Russland (liste):

• Alexandrov Alexander Vasilievich.
• Bashmet Yuri Abramovich.
• Bezrodnaya Svetlana Borisovna.
• Bogoslovsky Nikita Vladimirovich.
• Bronevitsky Alexander Alexandrovich.
• Vasilenko Sergey Nikiforovich.
• Garanyan Georgy Abramovich.
• Gergiev Valery Abisalovich.
• Gorenstein Mark Borisovich.
• Diaghilev Sergei Alexandrovich.
• Evtushenko Alexei Mikhailovich
• Ermakova Ludmila Vladimirovna
• Kabalevsky Dmitry Borisovich.
• Kazhlaev Murad Magomedovich.
• Kogan Pavel Leonidovich.
• Lundstrem Oleg Leonidovich
• Mravinsky Evgeny Alexandrovich.
• Svetlanov Evgeny Fyodorovich.
• Spivakov Vladimir Teodorovich

Hver kjent russisk dirigent kan med hell lede ethvert utenlandsk symfoniorkester, noen få prøver er nok for dette. Profesjonaliteten til musikere bidrar til å overvinne både språkbarrieren og forskjellen i stiler.

Verdens kjendiser

Berømte dirigenter i verden er dyktige musikere anerkjent av allmennheten.

Pavel Kogan

Den mest kjente russiske dirigenten som har gitt verden kunsten sin i mer enn førti år. Dens popularitet er enestående. Maestroens navn er på listen over de ti største samtidsdirigentene. Musikeren ble født i familien til kjente fiolinister, Leonid Kogan og Elizaveta Gilels. Siden 1989 har han vært fast kunstnerisk leder, samt sjefsdirigent for MGASO (Moscow State Symphony Orchestra). Samtidig representerer han Russland i de store musikalske sentrene i Amerika.

Pavel Kogan opptrer over hele verden med de beste symfoniorkestrene, kunsten hans regnes som uovertruffen. Maestroen er vinner av Russlands statspris, har tittelen "People's Artist of Russia". Pavel Kogan har også mange priser, blant annet Order of Merit for the Fedreland og Order of the Arts.

Herbert von Karajan

Den verdensberømte dirigenten av østerriksk opprinnelse Herbert von Karajan (1908-1989) ble født inn i en familie med greske immigranter. Som åtteåring gikk han inn på Mozarteum-konservatoriet i Salzburg, hvor han studerte i 10 år og fikk grunnleggende dirigentferdigheter. Samtidig lærte unge Karajan å spille piano.

Debuten fant sted i 1929 på Salburg Festival Theatre. Herbert dirigerte operaen Salome av Richard Strauss. I perioden fra 1929 til 1934 var han kapellmester ved teatret i den tyske byen Ulm. Så Karayan i lang tid var på dirigentstanden til Wiener Filharmoniske Orkester. Deretter opptrådte han med Charles Gounods opera "Walpurgis Night".

Den fineste timen for dirigenten kom i 1938, da Richard Wagners opera "Tristan og Isolde" fremført av ham ble en stor suksess, hvoretter Herbert ble kalt "Miracle Karajan".

Leonard Bernstein

Den amerikanske dirigenten Leonard Bernstein (1918-1990), født av jødiske innvandrerforeldre. Musikalsk utdanning begynte for Leonard som barn, lærte han å spille piano. Gutten ble imidlertid gradvis involvert i dirigering, og i 1939 debuterte han - den unge Bernstein fremførte med et lite orkester en komposisjon av sin egen komposisjon under med tittelen The fugler.

Takk til høy profesjonalitet Leonard Bernstein ble raskt populær og ledet i ung alder New York Philharmonic Orchestra. Å være omfattende kreativ person, var dirigenten engasjert i litteratur. Han skrev rundt et dusin bøker om musikk.

Valery Gergiev

Den berømte dirigenten Valery Abisalovich Gergiev ble født 2. mai 1953 i Moskva. I en alder av nitten år gikk han inn på Leningrad-konservatoriet. Deltok som student i internasjonal konkurranse dirigenter i Berlin, hvor han tok andreplassen.

Etter at han ble uteksaminert fra konservatoriet i 1977, ble den unge dirigenten akseptert som assistent ved Kirov-teatret. Yuri Temirkanov ble hans mentor, og allerede i 1978 sto Valery Gergiev på podiet og spilte Prokofjevs opera Krig og fred. I 1988 erstattet han Yuri Temirkanov etter at han dro til Leningrad-filharmonien.

Året 1992 ble preget av returen til Kirov-teatret med dets historiske navn "Mariinsky Theatre". Teaterpublikummet i St. Petersburg, for å komme til operaforestillinger, spilles inn på forhånd, måneder i forveien. I dag er Valery Gergiev sjefdirigent for teatret og dets kunstneriske leder.

Evgeny Svetlanov

Den berømte dirigenten, russisk og verden, Evgeny Fedorovich Svetlanov (1928-2002) satte et merkbart spor i kulturarv Russland. Han har titlene "Hero of Socialist Labour" og "People's Artist of the USSR". Han er vinner av Lenin- og statsprisene i USSR.

Svetlanovs kreative karriere begynte umiddelbart etter at han ble uteksaminert fra Gnessin Institute i 1951. Han fortsatte studiene ved Moskva-konservatoriet i klassen for opera- og symfoniledelse og komposisjon.

Debuten fant sted i 1954 på scenen Bolshoi teater i en produksjon av Rimsky-Korsakovs opera The Maid of Pskov. Fra 1963 til 1965 var han sjefdirigent for Bolshoi Theatre. Under arbeidet hans økte nivået på operaforestillingene merkbart.

I 1965-2000 kombinert arbeid på kontor kunstnerisk leder og sjefdirigent for Statens symfoniorkester i USSR (senere Russland).

Vladimir Spivakov

Den russiske dirigenten Spivakov Vladimir Teodorovich ble født i 1944 i byen Ufa. I 1968 ble han uteksaminert fra Moskva-konservatoriet, i 1970 fullførte han postgraduate-studiene.

Mestring Vladimir Spivakov studerte ved Gorky-konservatoriet med professor Israel Gusman. Senere tok han et spesialkurs i USA, med Leonard Bernstein og Lorin Maazel.

For tiden er han den faste lederen og dirigenten for Moskva Virtuosi kammersymfoniorkester, som han personlig organiserte i 1979. Han har opptrådt med europeiske orkestre og amerikanske musikalske grupper. Gjennomført ved La Scala Theatre, Cecilia Academy, Filharmonien i den tyske byen Köln og den franske radioen. Han er president for Det internasjonale musikkhuset i Moskva.

Yuri Bashmet

Den russiske dirigenten Bashmet Yuri Abramovich ble født 24. januar 1953 i Rostov-on-Don. Folkets kunstner i USSR. fire Statlige priser Den russiske føderasjonen.

I 1976 ble han uteksaminert fra Moskva-konservatoriet. I 1972, mens han fortsatt var student, skaffet han seg en fiolin-bratsj italiensk mester Paolo Testore, laget i 1758. På dette unikt verktøy Bashmet spiller fortsatt i dag.

Han begynte aktiv konsertvirksomhet i 1976, og to år senere fikk han en lærerstilling ved Moskva-konservatoriet. I 1996 opprettet Yuri Bashmet "Experimental Viola Department", hvor studiet av bratsjpartier i symfoni, opera og kammermusikk. Så fikk han tittelen professor ved Moskva-konservatoriet. Er for tiden engasjert i aktive veldedige og sosiale aktiviteter.

Syklus konsertprogrammer (Russland, 2010). 10 utgaver.

Det finnes ikke flere autoritative skikkelser i moderne musikalsk kultur enn representanter for verdensdirigentens elite. Skaperne av syklusen har valgt ti betydelige navn av betydning - Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons, samt deres berømte russiske kolleger. I dag er de universelt anerkjente mestere og ledere av de største orkestrene.

Hvert program er basert på fremføringen av en av de navngitte maestroene med sitt orkester.

Solister: fiolinistene Vadim Repin og Sergei Krylov, oboisten Alexei Utkin, pianisten Denis Matsuev og andre.

Programmet er det mest mangfoldige - fra I.S. Bach til A. Schoenberg og A. Pärt. Alle verkene er blant verdensmusikkens mesterverk.

Verten for syklusen er pianisten Denis Matsuev.

1. utgivelse. .
Solist Vadim Repin.
Program: I. Stravinsky. Symfoni i tre satser; M. Bruch. Fiolinkonsert nr. 1 i g-moll; L. Beethoven. Symfoni nr. 7.

2. nummer. Vladimir Fedoseev og Bolshoi Symphony Orchestra. P.I. Tsjaikovskij.
Program: L. Beethoven. Symfoni nr. 4.
Innspilt i Golden Hall of the Musikverein i Wien.

3. utgave. "Maris Jansons og det bayerske radiosymfoniorkesteret".
Program: R. Wagner. Introduksjon og "Isoldes død" fra operaen "Tristan og Isolde"; R. Strauss. Suite med valser fra operaen "Der Rosenkavalier".

4. nummer. "Daniel Barenboim og West-Eastern Divan Orchestra".
Program: V.A. Mozart. Konsert nr. 7 i F-dur for tre pianoer og orkester. Solister - Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schoenberg. Variasjoner for orkester. G. Verdi. Overture til operaen "Force of Destiny".

5. nummer. "Vladimir Spivakov og det nasjonale filharmoniske orkesteret i Russland.
Sergei Prokofjev. Konsert nr. 3 for piano og orkester. Symfoni nr. 1 "Klassisk". Solist Denis Matsuev. Opptak i Storhall Moskva-konservatoriet i 2008.

6. utgave. "Lauryn Maazel og Arturo Toscanini symfoniorkester"
Program: Giacchino Rossini. Ouverture til operaen "Italiensk i Alger"; Johannes Brahms. Symfoni nr. 2.
Innspilt i Great Hall of the Moscow Conservatory.

7. nummer. Yuri Temirkanov og det akademiske symfoniorkesteret til St. Petersburg-filharmonien. D.D. Sjostakovitsj.

8. nummer. Yuri Bashmet og Moscow Soloists Chamber Ensemble.
I et program: Joseph Haydn- Konsert for cello og orkester. Solist Steven Isserlis (Storbritannia), Niccolo Paganini - 5 caprices (arrangert av E. Denisov for fiolin og kammerorkester). Solist Sergey Krylov (Italia); V.A. Mozart - Divertimento nr. 1.
Opptak i BZK.

9. utgave. Mikhail Pletnev og det russiske nasjonalorkesteret
Fremført av russeren nasjonalt orkester en suite fra balletten av P.I. Tsjaikovskij" Svanesjøen", satt sammen av Mikhail Pletnev. Innspilling ved Statens akademiske Bolsjojteater i Russland som en del av den store RNO-festivalen, 2009.

10. utgave. Valery Gergiev og symfoniorkester Mariinsky teater
I utførelse Symfoniorkester Mariinskijteateret dirigert av Valery Gergiev fremfører orkesterhits - ouverturer fra operaer av Rossini, Verdi, Wagner, valser fra Tsjaikovskijs balletter, fragmenter fra Prokofjevs Romeo og Julie.