Musikalsk romantikk er et vanlig kjennetegn. Musikalsk kunst fra romantikkens æra - presentasjon ved Moskva kunstteater

Musikk har tatt en spesiell plass i romantikkens estetikk. Det ble erklært som en modell og norm for alle kunstområder, siden den på grunn av sin spesifisitet er i stand til å uttrykke sjelens bevegelser fullt ut.«Musikk begynner når ord slutter» (G. Heine).

Musikalsk romantikk som retning utviklet seg i begynnelsenXIXårhundre og utviklet seg i nær sammenheng med ulike trender innen litteratur, maleri og teater. Første etappe musikalsk romantikk er representert ved verkene til F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; neste trinn (1830-50-tallet) - arbeidet til F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi. Det sene stadiet av romantikken strekker seg til sluttenXIXårhundre. Så hvis i litteratur og maleri fullfører den romantiske retningen i utgangspunktet sin utvikling i midtenXIXårhundrer er livet til musikalsk romantikk i Europa mye lengre.

I musikalsk romantikk, akkurat som i andre former for kunst og litteratur, ga motsetningen til verden av vakre, uoppnåelige idealer og hverdagslivet gjennomsyret av filistinismens og filistinismens ånd, på den ene siden opphav til dramatiske konflikter, dominansen av tragiske motiver av ensomhet, håpløshet, vandring osv. med den andre - idealisering og poetisering av fjern fortid, folkeliv, natur. Til felles med sinnstilstanden til en person, er naturen i romantikernes verk vanligvis farget med en følelse av disharmoni.

Som andre romantikere var musikerne overbevist om at følelser er et dypere lag av sjelen enn sinnet:"sinnet tar feil, følelser - aldri" (R. Schumann).

Den spesielle interessen for den menneskelige personligheten som ligger i romantisk musikk kom til uttrykk i overvekt avpersonlig tone . Avsløringen av personlig drama fikk ofte en konnotasjon blant romantikere.selvbiografi, som brakte en spesiell oppriktighet til musikken. Så for eksempel mange pianoverk Schumann er knyttet til historien om hans kjærlighet til Clara Wieck. Berlioz skrev den selvbiografiske "Fantastiske" symfonien. Den selvbiografiske karakteren til operaene hans ble sterkt understreket av Wagner.

Svært ofte sammenvevd med temaet "lyrisk bekjennelse"naturtema .

Den virkelige oppdagelsen av romantiske komponister varfantasy tema. Musikk lærte for første gang å legemliggjøre fabelaktig-fantastiske bilder med rent musikalske midler. I operaerXVII - XVIIIårhundrers "ujordiske" karakterer (som Nattens Dronning fra Mozarts " tryllefløyte”) snakket på det "allment aksepterte" musikalske språket, og skilte seg lite ut fra bakgrunnen til ekte mennesker. Romantiske komponister har lært å formidle fantasiverdenen som noe helt spesifikt (ved hjelp av uvanlige orkestrale og harmoniske farger). Et slående eksempel er "Wolf Gulch Scene" i Webers Magic Shooter.

Hvis XVIIIårhundre var epoken med virtuose improvisatorer av en universell type, like dyktige i å synge, komponere, spille forskjellige instrumenter, den gangXIXårhundret var en tid med enestående entusiasme for virtuose pianisters kunst (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms).

Romantikkens epoke endret «verdens musikalske geografi» fullstendig. Under påvirkning av den aktive oppvåkningen av den nasjonale selvbevisstheten til Europas folk, avanserte unge komponistskoler i Russland, Polen, Ungarn, Tsjekkia og Norge til den internasjonale musikkarenaen. Komponistene fra disse landene, legemliggjør bildene av nasjonal litteratur, historie, innfødt natur, stolte på intonasjoner og rytmer fra innfødt folklore.

Svært karakteristisk for musikalsk romantikk er interessen forfolkekunst . Som de romantiske dikterne som på bekostning av folkloren beriket og oppdaterte litterært språk, musikere vendte seg mye mot nasjonal folklore - folkesanger, ballader, epos (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg, etc.). De legemliggjorde bildene av nasjonal litteratur, historie, innfødt natur, og stolte på intonasjonene og rytmene til nasjonal folklore, og gjenopplivet de gamle diatoniske modusene.Under påvirkning av folklore har innholdet i europeisk musikk endret seg dramatisk.

Nye temaer og bilder krevde utvikling av romantikerenye virkemidler for musikalsk språk og prinsippene for forming, individualisering av melodi og introduksjon av taleintonasjoner, utvidelse av klang og harmonisk palett av musikk (naturlige bånd, fargerike sammenstillinger av dur og moll, etc.).

Siden romantikernes fokus ikke lenger er menneskeheten som helhet, men en spesifikk person med sin unike følelse, henholdsvisog i uttrykksmidlene viker det generelle i økende grad for individet, individuelt unikt. Andelen av generaliserte intonasjoner i melodi, vanlig brukte akkordprogresjoner i harmoni, og typiske mønstre i tekstur minker - alle disse virkemidlene blir individualisert. I orkestrering ga prinsippet om ensemblegrupper plass til solo av nesten alle orkesterstemmer.

Det viktigste punktetestetikk musikalsk romantikk varideen om kunstsyntese , som fant sitt mest levende uttrykk i operaverket til Wagner og iprogram musikk Berlioz, Schumann, Liszt.

Musikalske sjangere i verk av romantiske komponister

I romantisk musikk kommer tre sjangergrupper tydelig frem:

• sjangere som inntok en underordnet plass i klassisismens kunst (først og fremst sang og pianominiatyr);
• sjangere oppfattet av romantikerne fra forrige epoke (opera, oratorium, sonate-symfoni-syklus, ouverture);
• frie, poetiske sjangere (ballader, fantasier, rapsodier, symfoniske dikt). Interessen for dem forklares av romantiske komponisters ønske om fri selvuttrykk, gradvis transformasjon av bilder.

Forgrunnen inn musikalsk kultur talsmenn for romantikksang som en sjanger som er best egnet for å uttrykke de innerste tankene til en kunstner (mens i det profesjonelle arbeidet til komponisterXVIIIårhundre, ble den lyriske sangen tildelt en beskjeden rolle - den tjente hovedsakelig til å fylle fritiden). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg og andre arbeidet innen sangfeltet.

Den typiske romantiske komponisten skaper veldig direkte, spontant, på befaling av sitt hjerte. Romantisk forståelse av verden er ikke et konsekvent filosofisk grep om virkeligheten, men en øyeblikkelig fiksering av alt som rørte kunstnerens sjel. I denne forbindelse, i romantikkens tid, blomstret sjangerenminiatyrer (uavhengig eller kombinert med andre miniatyrer i en syklus). Dette er ikke bare en sang og en romantikk, men også instrumentale komposisjoner -musikalske øyeblikk, improviserte, preludier, etuder, nocturnes, valser, mazurkaer (i forbindelse med avhengigheten av folkekunst).

Mange romantiske sjangre skylder sin opprinnelse til poesi, dens poetiske former. Slik er sonetter, sanger uten ord, noveller, ballader.

En av de ledende ideene til romantisk estetikk - ideen om en syntese av kunst - plasserte naturligvis operaproblemet i sentrum av oppmerksomheten. Nesten alle romantiske komponister vendte seg til operasjangeren med sjeldne unntak (Brahms).

Den personlige, konfidensielle uttrykkstonen som ligger i romantikken, forvandler de klassiske sjangrene til symfonien, sonaten og kvartetten fullstendig. De mottarpsykologisk og lyrisk-dramatisk tolkning. Innholdet i mange romantiske verk er assosiert medprogrammering (piano sykluser Schumann, Liszts vandringsår, Berlioz' symfonier, Mendelssohns ouverture).

fransk romantikk

En kunstnerisk bevegelse som dukket opp på slutten av 1700- og begynnelsen av 1800-tallet. først innen litteratur (Tyskland, Storbritannia, andre land i Europa og Amerika), deretter innen musikk og annen kunst. Begrepet "romantikk" kommer fra epitetet "romantikk"; før 1700-tallet han påpekte noen trekk ved litterære verk skrevet på romanske språk (det vil si ikke på språkene i den klassiske antikken). Dette var romanser (spansk romantikk), samt dikt og romaner om riddere. I kon. 18. århundre "romantisk" forstås bredere: ikke bare som eventyrlig, underholdende, men også som eldgammel, original folkemusikk, fjern, naiv, fantastisk, åndelig sublim, spøkelsesaktig, så vel som fantastisk, skremmende. "Romantikerne romantiserte alt de likte fra den nære og fjerne fortiden," skrev F. Blume. De oppfatter arbeidet til Dante og W. Shakespeare, P. Calderon og M. Cervantes, J. S. Bach og J. W. Goethe som «sine egne», mye i antikken; de er også tiltrukket av poesien til Dr. Øst- og middelalderminnesangere. Basert på trekkene nevnt ovenfor kalte F. Schiller sin "Maid of Orleans" en "romantisk tragedie", og i bildene av Mignon og Harper ser han romantikken i Goethes "Years of Wilhelm Meisters Teachings".

Romantikk som litterær term vises først i Novalis as musikalsk begrep- E. T. A. Hoffmann. Imidlertid er det i innholdet ikke veldig forskjellig fra det tilsvarende epitetet. Romantikken var aldri et klart definert program eller stil; Dette bred sirkel ideologiske og estetiske trender, der den historiske situasjonen, landet, kunstnerens interesser skapte visse aksenter, bestemte ulike mål og midler. Den romantiske kunsten av ulike formasjoner har imidlertid også viktige fellestrekk både når det gjelder ideologisk posisjon og stil.

Etter å ha arvet mange av sine progressive trekk fra opplysningstiden, er romantikken samtidig forbundet med dyp skuffelse både i selve opplysningen og i suksessene til hele den nye sivilisasjonen som helhet. For tidlige romantikere som ennå ikke visste resultatene av den store den franske revolusjon, skuffende var den generelle prosessen med å rasjonalisere livet, dets underordning under en gjennomsnittlig nøktern "fornuft" og sjelløs praktisk. I fremtiden, særlig under imperiets og restaureringsårene, ble den sosiale betydningen av romantikernes posisjon - deres antiborgerlighet - mer og tydeligere skissert. I følge F. Engels viste «de offentlige og politiske institusjonene som ble etablert ved fornuftens seier, seg å være en ond, bittert skuffende karikatur av de strålende løftene til opplysningsmennene» (Marx K. og Engels F., On Art, vol. 1, M., 1967, s. 387).

I romantikkens arbeid kombineres fornyelsen av personligheten, bekreftelsen av dens åndelige styrke og skjønnhet med avsløringen av filisternes rike; fullverdig menneskelig, kreativ er i motsetning til middelmådig, ubetydelig, fast i forfengelighet, forfengelighet, smålig kalkulasjon. Innen Hoffmanns og J. Byrons, V. Hugo og George Sands, H. Heine og R. Schumanns tid var samfunnskritikk av den borgerlige verden blitt et av hovedelementene i romantikken. På jakt etter kilder til åndelig fornyelse idealiserte romantikere ofte fortiden, prøvde å inspirere nytt liv inn i religiøse myter. Dermed ble det født en motsetning mellom romantikkens generelle progressive orientering og de konservative tendensene som oppsto i dens egen kanal. I arbeidet til romantiske musikere spilte ikke disse trendene en merkbar rolle; de manifesterte seg hovedsakelig i de litterære og poetiske motivene til noen verk, men i den musikalske tolkningen av slike motiver veiet det levende, virkelig-menneskelige prinsipp vanligvis tyngre.

Musikalsk romantikk, som manifesterte seg konkret i det andre tiåret av 1800-tallet, var et historisk nytt fenomen og avslørte samtidig dype suksessive bånd med musikalske klassikere. Arbeidet til fremragende komponister fra forrige tid (inkludert ikke bare wienerklassikerne, men også musikken fra 1500- og 1600-tallet) tjente som støtte for å dyrke en høy kunstnerisk rangering. Det var denne typen kunst som ble modell for romantikerne; ifølge Schumann «kan bare denne rene kilden nære kreftene til den nye kunsten» («On Music and Musicians», vol. 1, M., 1975, s. 140). Og dette er forståelig: bare det høye og perfekte kan med hell motsettes det musikalske tomgangspratet om den sekulære salongen, den spektakulære virtuositeten til scenen og opera scene, likegyldig tradisjonalisme av håndverksmusikere.

De musikalske klassikerne fra post-Bach-tiden fungerte som grunnlag for musikalsk romantikk i forbindelse med innholdet. Fra og med C.F.E. Bach, manifesterte følelseselementet seg mer og mer fritt i det, musikk mestret nye virkemidler som gjorde det mulig å uttrykke både styrken og subtiliteten til følelseslivet, lyrikken i sin individuelle versjon. Disse ambisjonene gjorde at mange musikere i andre halvdel av 1700-tallet ble beslektet. med den litterære bevegelsen Sturm und Drang. Hoffmanns holdning til K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart, og spesielt til L. Beethoven, som kunstnere av et romantisk lager, var ganske naturlig. Slike vurderinger reflekterte ikke bare forkjærligheten for romantisk persepsjon, men også oppmerksomheten til trekkene ved «førromantikken» som faktisk var iboende hos de store komponistene fra andre halvdel av 1700- og tidlig 1800-tallet.

Musikalsk romantikk ble også historisk forberedt av bevegelsen som gikk foran den for litterær romantikk i Tyskland blant "Jenian" og "Heidelberg" romantikerne (W. G. Wackenroder, Novalis, brødrene F. og A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. Arnim, C. Brentano, og andre), fra forfatteren Jean Paul, som var nær dem, senere fra Hoffmann, i Storbritannia, fra poetene i den såkalte. «Sjøskolen» (W. Wordsworth, S. T. Coleridge og andre) hadde allerede fullt utviklet de generelle prinsippene for romantikk, som deretter ble tolket og utviklet i musikken på sin egen måte. I fremtiden ble musikalsk romantikk betydelig påvirket av forfattere som Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz og andre.

De viktigste områdene for kreativitet til romantiske musikere inkluderer tekster, fantasy, folkemusikk og nasjonal original, naturlig, karakteristisk.

Den overordnede betydningen av tekster i det romantiske. kunst, spesielt innen musikk, ble fundamentalt underbygget av ham. R. teoretikere For dem er "romantisk" først og fremst "musikalsk" (den mest ærefulle plassen ble gitt i kunsthierarkiet i musikk), fordi følelsen regjerer i musikken, og derfor finner arbeidet til en romantisk artist sitt høyeste mål i det. Derfor er musikken teksten. I det abstrakte filosofiske aspektet, i henhold til teorien om lit. R., lar en person smelte sammen med "verdens sjel", med "universet"; i aspektet av det konkrete livet er musikk i sin natur motpoden til prosa. virkeligheten, det er hjertets stemme, i stand til å fortelle med den høyeste fullstendighet om en person, hans åndelige rikdom, om hans liv og ambisjoner. Det er derfor i feltet av tekster av muser. R. hører til det lyseste ordet. Lyrikk, umiddelbarhet og uttrykk, individualisering av lyrikk oppnådd av romantiske musikere var nytt. uttalelser, overføring av psykologiske. utviklingen av en følelse full av nye dyrebare detaljer på alle stadier.

Skjønnlitteratur som kontrast til prosa. virkeligheten er beslektet med tekster og er ofte, spesielt i musikk, sammenvevd med sistnevnte. I seg selv avslører fantasy ulike fasetter som er like essensielle for R. Den fungerer som fantasiens frihet, et fritt spill av tanke og følelse, og samtidig. som kunnskapsfrihet, frimodig rushing inn i en verden av "rart", vidunderlig, ukjent, som i strid med filister praktisk, elendig "sunn fornuft". Fantasy er også en slags romantisk skjønnhet. Samtidig gjør science fiction det mulig i indirekte form (og derfor med maksimal kunstnerisk generalisering) å kollidere det vakre og det stygge, det gode og det onde. I kunst. R. ga et stort bidrag til utviklingen av denne konflikten.

Romantikernes interesse for livet "utenfor" er uløselig knyttet til det generelle konseptet om slike begreper som folk og nasjonal identitet, naturlig, karakteristisk. Det var et ønske om å gjenskape autentisiteten, forrangen, integriteten tapt i den omgivende virkeligheten; derav interessen for historie, for folklore, naturkulten, tolket som primordial, som den mest komplette og uforvrengte legemliggjørelsen av «verdens sjel». For en romantiker er naturen et tilfluktssted fra sivilisasjonens problemer; den trøster og helbreder en rastløs person. Romantikere ga et enormt bidrag til kunnskap, til kunst. gjenoppliving av mennesker poesi og musikk fra tidligere tidsepoker, så vel som "fjerne" land. I følge T. Mann er R. «en lengsel etter fortiden og samtidig en realistisk anerkjennelse av retten til originalitet for alt som noen gang virkelig har eksistert med sin egen lokale farge og atmosfære» (Coll. soch., v. 10, M., 1961, s. 322), startet i Storbritannia på 1700-tallet. samling av nasjonale folklore ble videreført på 1800-tallet. W. Scott; i Tyskland var det romantikerne som først samlet inn og offentliggjorde skattene til køyesengene. kreativiteten i landet deres (samling av L. Arnim og K. Brentano "The Magic Horn of a Boy", "Children's and Family Tales" av broren Grimm), som hadde veldig viktig og for musikk. Ønsket om en trofast overføring av det nasjonale-nat. kunst. stil ("lokal farge") - et fellestrekk for romantiske musikere fra forskjellige land og skoler. Det samme kan sies om musikk. landskap. Laget i dette området av komponister 18 - tidlig. 1800-tallet langt overgått av romantikerne. I musikken legemliggjørelsen av naturen nådde R. en tidligere ukjent figurativ konkrethet; dette ble servert av de nyoppdagede ekspressene. musikkmidler, primært harmoniske og orkestrale (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).

"Karakteristisk" tiltrakk seg romantikere i noen tilfeller som originale, integrerte, originale, i andre - som rare, eksentriske, karikerte. Å legge merke til karakteristikken, å avsløre det betyr å bryte gjennom det utjevnende grå sløret til vanlig persepsjon og berøre det virkelige, bisarre fargerike og sydende livet. I streben for dette målet, en typisk for romantikere art-in tent. og musikk. portrett. En slik påstand ble ofte forbundet med kunstnerens kritikk og førte til at det ble laget parodiske og groteske portretter. Fra Jean Paul og Hoffmann overføres tendensen til en karakteristisk portrettskisse til Schumann og Wagner. I Russland, ikke uten innflytelse fra den romantiske. musikktradisjoner. portretter utviklet blant komponister nat. realistisk. skoler - fra A. S. Dargomyzhsky til M. P. Mussorgsky og N. A. Rimsky-Korsakov.

R. utviklet elementer av dialektikk i tolkningen og fremvisningen av verden, og var i så henseende nær ham i samtiden. klassisk filosofi. I drakten forsterkes forståelsen av forholdet mellom individet og det generelle. Ifølge F. Schlegel, romantisk. poesi er "universell", den "inneholder alt poetisk, fra det største kunstsystemet, som igjen inkluderer hele systemer, til et sukk, til et kyss, når de uttrykker seg i den kunstløse sangen til et barn" ("Fr. Schlegels Jugendschriften”, hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Ubegrenset variasjon med skjult ext. samhold – det er det romantikere verdsetter for eksempel. i Don Quijote av Cervantes; F. Schlegel kaller det brokete stoffet i denne romanen «livets musikk» (ibid., s. 316). Dette er en roman med «åpne horisonter» – bemerker A. Schlegel; ifølge hans observasjon tyr Cervantes til "endeløse variasjoner", "som om han var en sofistikert musiker" (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Slik kunst. posisjon genererer spesiell oppmerksomhet med hensyn til otd. inntrykk, og deres forbindelser, til å skape et felles konsept. I musikk direkte. følelsesutgytelsen blir filosofisk, landskapet, dansen, sjangerscenen, portrettene er gjennomsyret av lyrikk og fører til generaliseringer. R. viser en spesiell interesse for livsprosessen, for det N. Ya. Berkovsky kaller «direkte flyt av liv» («Romanticism in Germany», Leningrad, 1973, s. 31); dette gjelder også musikk. Det er typisk for romantiske musikere å strebe etter endeløse transformasjoner av den opprinnelige tanken, for "endeløs" utvikling.

Siden R. så i alle påstander en enkelt betydning og et enkelt kapittel. Målet er å smelte sammen med livets mystiske essens, ideen om syntese av kunst fikk en ny mening. «Estetikken til en kunst er estetikken til en annen; bare materialet er annerledes,» bemerker Schumann («On Music and Musicians», vol. 1, M., 1975, s. 87). Men kombinasjonen av «forskjellige materialer» øker den imponerende kraften i den kunstneriske helheten. I den dype og organiske sammensmeltingen av musikk med poesi, med teater, med maleri, åpnet det seg nye muligheter for kunsten. Innenfor instr. musikk, får prinsippet om programmerbarhet en viktig rolle, dvs. inkludering både i komponistens idé og i prosessen med å oppfatte musikk, tent. og andre foreninger.

R. er spesielt bredt representert i musikken i Tyskland og Østerrike. På et tidlig stadium - arbeidet til F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner; videre av Leipzig-skolen, først og fremst av F. Mendelssohn-Bartholdy og R. Schumann; i 2. etasje. 1800-tallet - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. I Frankrike dukket R. opp allerede i operaene av A. Boildieu og F. Aubert, da i en mye mer utviklet og original form av Berlioz. Romantisk i Italia tendenser ble merkbart reflektert i G. Rossini og G. Verdi. Felles europeisk verdi mottatt arbeidet til den polske datamaskinen. F. Chopin, Hung. - F. Liszt, italiensk. - N. Paganini (verket til Liszt og Paganini var også toppen av romantisk fremførelse), tysk. - J. Meyerbeer.

Under forholdene til nasjonal R. skoler beholdt mye til felles og viste samtidig en merkbar originalitet i ideer, plott, favorittsjangre, og også i stil.

På 30-tallet. vesener ble funnet. uenighet mellom ham. og fransk skoler. Det er forskjellige ideer om det tillatte målet for stilistisk. innovasjon; kontroversielt var også spørsmålet om estetikkens tillatelighet. kunstnerens kompromisser for å tilfredsstille "publikummets" smak. Motstanderen til Berlioz' innovasjon var Mendelssohn, som fast forsvarte normene for en moderat "klassisk-romantisk" stil. Schumann, som ivrig forsvarte Berlioz og Liszt, aksepterte likevel ikke det som for ham virket som franskmennenes ytterpunkter. skoler; han foretrakk den mye mer balanserte Chopin fremfor forfatteren av den fantastiske symfonien, ekstremt høyt plasserte Mendelssohn og A. Henselt, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett og andre nær denne komponisten. Schumann kritiserer Meyerbeer med ekstraordinær skarphet, ettersom bl.a. hans spektakulære teatralitet, bare demagogi og jakten på suksess. Heine og Berlioz, tvert imot, setter pris på forfatterens «Huguenots»-dynamikk. musikk dramaturgi. Wagner utvikler seg kritisk Schumanns motiver går han imidlertid langt fra normene til en moderat romantiker i sitt arbeid. stil; overholder (i motsetning til Meyerbeer) strenge estetiske kriterier. seleksjon, følger han veien til dristige reformer. Alle R. 1800-tallet som en opposisjon til Leipzig-skolen, den såkalte. Ny tysk eller Weimar skole; Liszt ble dens sentrum i hans Weimar-år (1849-61), R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff og andre var tilhengere.Weimarianerne var tilhengere av programmusikk, musikk. dramaer av Wagner-typen, og andre radikalt reformerte typer ny musikk. rettssak. Siden 1859 har ideene til den nye tyske skolen vært representert av "General German Ferein" og tidsskriftet opprettet så tidlig som i 1834 av Schumann. "Neue Zeitschrift für Musik", Krym siden 1844 ble regissert av K. F. Brendel. I den motsatte leiren var sammen med kritikeren E. Hanslik, fiolinisten og komponisten J. Joachim med flere J. Brahms; sistnevnte strebet ikke etter kontrovers og forsvarte prinsippene sine kun i kreativitet (i 1860 satte Brahms egen signatur under en polemisk artikkel - en kollektiv tale mot visse ideer fra "Weimarites", publisert i Berlin-magasinet "Echo" ). Det kritikere var tilbøyelige til å betrakte konservatisme i Brahms verk, var faktisk en levende og original kunst, hvor det romantiske. tradisjonen ble oppdatert, og opplevde en ny kraftig innflytelse fra klassikeren. musikk fra fortiden. Utsiktene for denne veien ble vist av utviklingen av Europa. musikk neste. tiår (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev og andre). På samme måte viste "weimarittenes" innsikt å være lovende. I fremtiden blir tvistene mellom de to skolene historisk foreldet.

Siden i mainstream av R. var det vellykkede søk etter nat. autentisitet, sosial og psykologisk. sannferdighet var idealene til denne bevegelsen tett sammenvevd med realismens ideologi. Slike sammenhenger er tydelige for eksempel i operaene til Verdi og Bizet. Det samme komplekset er typisk for en rekke nat. musikk skoler på 1800-tallet På russisk romantisk musikk. elementer er tydelig representert allerede av M. I. Glinka og A. S. Dargomyzhsky, i andre halvdel. 1800-tallet - fra komponistene av The Mighty Handful og fra P. I. Tchaikovsky, senere fra S. V. Rachmaninov, A. N. Skrjabin, N. K. Medtner. Under sterk påvirkning av R. utviklet unge muser. kulturer i Polen, Tsjekkia, Ungarn, Norge, Danmark, Finland (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius og andre), samt spansk. musikk 2. etasje. 19 - beg. Det 20. århundre (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla).

Muser. R. bidro aktivt til utviklingen av kammervokaltekster og opera. I samsvar med R.s idealer i wokreformen. musikk kap. rolle spilles av utdypingen av syntesen av art-in. Wok. melodien reagerer følsomt på det poetiskes uttrykksfullhet. ord, blir mer detaljert og individuell. Verktøy partiet mister karakteren av nøytralt «akkompagnement» og blir stadig mer mettet av figurativt innhold. I arbeidet til Schubert, Schumann, Franz, Wolf kan en spores en vei fra en plotutviklet sang til "musikk. dikt." Blant wok. sjangere, rollen til balladen, monolog, scene, dikt øker; sanger i pl. saker kombineres i sykluser. I det romantiske opera, som utviklet seg i des. retninger, sammenhengen mellom musikk, ord, teater øker stadig. handlinger. Dette formålet er tjent med: systemet av muser. egenskaper og ledemotiver, utvikling av taleintonasjoner, sammenslåing av musikkens logikk. og scene utvikling, bruk av rike muligheter symfonisk. orkester (partiturene til Wagner tilhører de høyeste prestasjoner innen operasymfoni).

I instr. musikk, romantiske komponister er spesielt utsatt for FP. miniatyr. Et kort skuespill blir en fiksering av øyeblikket, ønskelig for en romantisk kunstner: en overfladisk skisse av en stemning, et landskap, et karakteristisk bilde. Det setter pris på og relaterer. enkelhet, nærhet til de vitale kildene til musikk - til sang, dans, evnen til å fange en frisk, original smak. Populære varianter av romantisk. kort stykke: «sang uten ord», nocturne, preludium, vals, mazurka, samt stykker med programnavn. I instr. miniatyr oppnår høyt innhold, lettelse bilder; med en kompakt form utmerker den seg med et lyst uttrykk. Som i wok. tekster, her er det en tendens til å forene otd. skuespill i sykluser (Chopin - Preludier, Schumann - "Barnescener", Liszt - "Vandringsår", etc.); i noen tilfeller er dette sykluser med en "gjennom" struktur, hvor de mellom de enkelte er relativt uavhengige. spill oppstår diff. en slags intonasjon. kommunikasjon (Schumann - "Sommerfugler", "Carnival", "Kreisleriana"). Slike "gjennom" sykluser gir allerede en ide om romantikkens hovedtendenser. tolkning av en stor instr. skjemaer. På den ene siden understreker det kontrasten, individets mangfold. episoder, derimot, styrkes helheten i helheten. Under tegnet av disse tendensene gis en ny kreativitet. tolkning av klassikeren sonate og sonatesyklus; de samme ambisjonene bestemmer logikken til endelte "frie" former, som vanligvis kombinerer funksjonene til en sonata allegro, en sonatesyklus og variasjon. "Gratis" former var spesielt praktiske for programmusikk. I deres utvikling, i stabiliseringen av sjangeren til en-delt "symfoni. dikt" Liszts fortjeneste er stor. Det konstruktive prinsippet som ligger til grunn for Liszts dikt – den frie forvandlingen av ett tema (monotematisme) – skaper et uttrykk. kontraster og sikrer samtidig maksimal enhet i hele komposisjonen (Preludes, Tasso, etc.).

I musikkstilen R. den viktigste rollen spilles av modale og harmoniske midler. Jakten på ny uttrykksevne er assosiert med to parallelle og ofte sammenhengende prosesser: med styrking av funksjonell og dynamisk. sider av harmonier og med forsterkning av det harmoniske. fargerikhet. Den første av disse prosessene var den økende metningen av akkorder med endringer og dissonanser, noe som forverret deres ustabilitet, økte spenningen som krevde oppløsning i fremtidige harmoniske. bevegelse. Slike egenskaper ved harmoni uttrykte best "languor" som er typisk for R., strømmen av "uendelig" utviklende følelser, som ble nedfelt med spesiell fullstendighet i Wagners "Tristan". Fargerike effekter dukket opp allerede i bruken av mulighetene til det dur-moll modale systemet (Schubert). Nye, veldig forskjellige farger. nyanser ble hentet fra den såkalte. naturlige moduser, ved hjelp av hvilken Nar ble fremhevet. eller arkaisk. musikkens natur; en viktig rolle - spesielt i science fiction - ble tildelt bånd med hel-tone og "tone-halvtone" skalaer. Fargerike egenskaper ble også funnet i en kromatisk komplisert, dissonant akkord, og det var på dette punktet at prosessene nevnt ovenfor tydelig berørte. Fersk lydeffekter ble også oppnådd gjennom sammenligninger av akkorder eller moduser innen diatonisk. skala.

I det romantiske melodisk opptrådte følgende kap. tendenser: i strukturen - ønsket om bredde og kontinuitet i utviklingen, og dels for "åpenhet" i formen; i rytme - overvinne tradisjoner. regularitetsmåling. aksenter og eventuell automatikk gjentakelse; inn i intonasjon. komposisjon - detaljering, fylling med uttrykksfullhet, ikke bare de første motivene, men også hele det melodiske. tegning. Wagners ideal om "endeløs melodi" inkluderte alle disse trendene. Kunsten til 1800-tallets største melodiister henger også sammen med dem. Chopin og Tsjaikovskij. Muser. R. sterkt beriket, individualiserte presentasjonsmidler (tekstur), noe som gjør dem til en av de viktigste elementene i musene. bilder. Det samme gjelder bruk av instr. komposisjoner, spesielt symfoniske. orkester. R. utviklet farge. orkesterets virkemidler og orkens dramaturgi. utvikling til en høyde som musikken fra tidligere tider ikke kjente.

Sen musikk. R. (slutten av 1800-tallet - begynnelsen av 1900-tallet) ga fortsatt "rike frøplanter", og blant dens største etterfølgere den romantiske. tradisjonen uttrykte fortsatt ideene til det progressive, humanistiske. påstander (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin).

Ny kreativitet er forbundet med styrking og kvalitativ transformasjon av R.s tendenser. prestasjoner innen musikk. Nye detaljerte bilder blir dyrket - både i sfæren av ytre inntrykk (impresjonistisk fargerikhet) og i utsøkt subtil overføring av følelser (Debussy, Ravel, Scriabin). Musikkens muligheter utvides. figurativitet (R. Strauss). Forfining, på den ene siden, og økt uttrykksevne, på den annen side, skaper en bredere skala av emosjonell uttrykksevne til musikk (Scriabin, Mahler). Samtidig, i slutten av R., som var tett sammenvevd med de nye trendene ved overgangen til 1800- og 1900-tallet. (impresjonisme, ekspresjonisme), symptomene på krisen vokste. I begynnelsen. Det 20. århundre R.s evolusjon avslører en hypertrofi av det subjektive prinsippet, en gradvis degenerasjon av forfining til amorfitet og immobilitet. En polemisk skarp reaksjon på disse krisetrekkene var musen. antiromantikk fra 10-20-tallet (I. F. Stravinsky, unge S. S. Prokofiev, komponister av de franske "Seks", etc.); avdøde R. var motstander av ønsket om objektivitet i innholdet, for klarhet i form; oppsto ny bølge"klassisisme", kulten av de gamle mestrene, kap. arr. før Beethoven-tiden. Midten av det 20. århundre viste imidlertid levedyktigheten til de mest verdifulle tradisjonene til R. Til tross for de destruktive tendensene intensivert i vestlig musikk, beholdt R. sitt åndelige grunnlag og beriket med nye stilistiske. elementer, ble utviklet av mange. fremragende komponister fra det 20. århundre. (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok og andre).

Litteratur: Asmus V., Musical Aesthetics of Philosophical Romanticism, "SM", 1934, nr. 1; Nef K., History of Western European Music, oversatt fra fransk. Redigert av B.V. Asafiev. Moscow, 1938. Sollertinsky I., Romantikken, dens generelle og musikalske estetikk, i sin bok: Historical etudes, L., 1956, bind 1, 1963; Zhitomirsky D., Notes on Musical Romanticism (Chopin og Schumann), "SM", 1960, nr. 2; sin egen, Schumann og romantikken, i sin bok: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., Romantisk sang fra 1800-tallet, M., 1966; Konen, V., Historie om utenlandsk musikk, bd. 3, M., 1972; Mazel L., Problemer med klassisk harmoni, M., 1972 (kap. 9 - Om den historiske utviklingen av klassisk harmoni på 1800-tallet og begynnelsen av 1900-tallet); Skrebkov S., Kunstneriske prinsipper musikalske stiler, M., 1973; Musikalsk estetikk i Frankrike på 1800-tallet. Comp. tekster, intro. artikkel og introduksjon. essays av E. F. Bronfin, M., 1974 (Monuments of musical and esthetic thought); Musikk fra Østerrike og Tyskland på 1800-tallet, bok. 1, M., 1975; Druskin M., Historie om utenlandsk musikk, vol. 4, M., 1976.

D.V. Zhitomirsky

Ideologisk kunstnerisk retning, som utviklet seg i alle land i Europa og Nord. Amerika i kon. 18 - 1. etasje. 1800-tallet R. uttrykte det borgerlige samfunnets misnøye. endringer, i motsetning til klassisisme og opplysning. F. Engels bemerket at "... de sosiale og politiske institusjonene etablert av "fornuftens seier" viste seg å være en ond, bittert skuffende karikatur av de strålende løftene til opplysningsmennene." Kritikken av den nye livsstilen, skissert i hovedstrømmen av opplysning blant sentimentalistene, var enda tydeligere blant romantikerne. Verden virket for dem bevisst urimelig, full av mystiske, uforståelige og fiendtlige mennesker. personlighet. For romantikere var høye ambisjoner uforenlige med omverdenen, og uenigheten med virkeligheten viste seg å være nesten den viktigste. funksjon R. Lowlands og vulgaritet i den virkelige verden R. motarbeidet religion, natur, historie, fantastisk. og eksotisk. kuler, adv. kreativitet, men mest av alt - menneskets indre liv. Fremstillinger om hennes R. ekstremt beriket. Hvis antikken var klassisismens ideal, så ble R. ledet av middelalderens og moderne tids kunst, med tanke på A. Dante, W. Shakespeare og J. W. Goethe som sine forgjengere. R. hevdet kunst, ikke gitt av modeller, men skapt av kunstnerens frie vilje, legemliggjøring av hans indre verden. Ikke aksepterte den omgivende virkeligheten, R. kjente den faktisk dypere og mer fullstendig enn klassisismen. den høyeste kunsten for R. var musikk, som legemliggjørelsen av livets frie element. Hun oppnådde stor suksess i løpet av den tiden. R. var også en periode med uvanlig rask og betydelig utvikling av ballett. De første skrittene til en romantisk balletter ble laget i England, Italia, Russland (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky og andre). Imidlertid tok R. mest fullstendig og konsekvent form på fransk. ballettteater, hvis innflytelse ble reflektert i andre land. En av forutsetningene for dette var den høye utviklingen av klassisk teknologi i Frankrike på den tiden. dans, spesielt kvinner. Tydeligst romantisk. tendenser manifesterte seg i ballettene til F. Taglioni ("La Sylphide", 1832, etc.), hvor handlingen vanligvis utspilte seg parallelt i den virkelige og fantastiske verden. Fantasy frigjorde dansen fra behovet for private hverdagsbegrunnelser, åpnet rom for bruk av den akkumulerte teknikken og dens videre utvikling for å avsløre de vesentlige egenskapene til karakterene som er avbildet i dansen. I kvinnedansen, som kom i forgrunnen i R.s ballett, ble hopp introdusert mer og mer utbredt, dans på spisse sko osv., som perfekt samsvarte med utseendet ujordiske skapninger- Willis, sylf. I balletten dominerte R. dansen. Nye komposisjonsformer av det klassiske dans, rollen som unison corps de ballet kvinnelig dans har økt kraftig. Ensemble, duett og solo dans. Rollen som den ledende ballerinaen økte, og startet med M. Taglioni. En tunika dukket opp som et permanent kostyme for en danser. Musikkens rolle har økt, ofte før landslagets. Dansens symfoni begynte. handlinger. Romantikkens høydepunkt. ballett - "Giselle" (1841), iscenesatt av J. Coralli og J. Perrot. Arbeidet til Perrault markerte en ny scene i ballett R. Forestillingen var nå avhengig av lys. den opprinnelige kilden ("Esmeralda" ifølge Hugo, "Corsair" ifølge Byron, etc.), og følgelig ble dansen mer dramatisert, rollen til effektive komposisjoner (pas d "action" økte), dansefolklore ble brukt mer Lignende ambisjoner manifesterte seg i arbeidet til de mest fremtredende datoene Ballettdanser i august Bournonville Dansere F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya kom frem.

Romantisk type. forestilling, etablert i ballettene til Taglioni, Perrot, Bournonville, fortsatte å eksistere til slutten. 1800-tallet Men den interne strukturen til disse forestillingene, først og fremst i arbeidet med balletter. M. I. Petipa, forvandlet.

Ønsket om en romantisk vekkelse. ballett i sin opprinnelige form manifesterte seg i arbeidet til noen ballettmestere på 1900-tallet. M. M. Fokin ga R. i balletten nye trekk ved impresjonismen.

Ballett. Encyclopedia, SE, 1981

I Music (fra gresk musike, bokstavelig talt musenes kunst) er en type kunst som reflekterer virkeligheten og påvirker en person gjennom meningsfulle og spesielt organiserte lydsekvenser, hovedsakelig bestående av toner ... ... Stor sovjetisk leksikon

- (gresk moysikn, fra mousa muse) en type dress som reflekterer virkeligheten og påvirker en person gjennom lydsekvenser som er meningsfulle og spesielt organisert i høyde og tid, hovedsakelig bestående av toner ... ... Musikkleksikon

Innhold 1 Historiske aspekter 2 Litteratur 2.1 Opprinnelse 2.2 Realisme ... Wikipedia

Dette begrepet er basert på det greske ή μουσική (antyder τέχνη kunst), det vil si musenes kunst (først og fremst gudinnene for sang og dans). Senere fikk det en bredere betydning fra grekerne, i betydningen den harmoniske utviklingen av ånden generelt, og med oss ​​igjen ... ... Encyclopedic Dictionary F.A. Brockhaus og I.A. Efron

ÅNDELIG MUSIKK- musikk. Kristi gjerninger. innhold som ikke er ment å fremføres under gudstjenesten. D. m. er ofte motstandere av sekulær musikk, og i denne forstand blir et ekstremt bredt spekter av fenomener fra liturgisk musikk noen ganger referert til dette området ... ... Ortodokse leksikon

Røttene til N. m går tilbake til oldtiden. Arkeologiske data. studier indikerer eksistensen av andre bakterier. stammer av ulike typer ånder. verktøy (lurs), produksjonen av krykh dateres tilbake til bronsealderen. Tent. og historisk ... ... Musikkleksikon

Funksjoner ved dannelsen av muser. USAs kultur, som begynte i kon. 1600-tallet, ble i stor grad bestemt av den koloniale typen utvikling av landet. Overført til Amer. musikkens grunn tradisjonene i Europa, Afrika, senere Asia ble assimilert og, i samspill, ... ... Musikkleksikon

Opprinnelsen til R. m. går tilbake til Østens arbeid. herlighet. stammer som bebodde territoriet til Dr. Rus' før fremveksten på 900-tallet. den første russeren gos va. OM eldgamle arterøst herlighet. musikk kan hypotetisk bedømmes etter otd. historisk bevis ... ... Musikkleksikon

Opprinnelsen til F. m. går tilbake til folkloren til de keltiske, galliske og frankiske stammene som levde i antikken på territoriet til dagens Frankrike. Nar. sangkunst, samt gallo-romersk kultur, ble grunnlaget for utviklingen av F. m. Ancient lit. Og … … Musikkleksikon

På slutten av XVIII - tidlig XIXårhundre dukket en slik kunstnerisk retning som romantikken opp. I denne epoken drømte folk om en ideell verden og "flykter" i fantasien. Denne stilen fant sin mest levende og figurative legemliggjøring i musikk. Blant representantene for romantikken, komponister fra 1800-tallet som Carl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt og Richard Wagner.

Franz Liszt

Fremtiden ble født i familien til en cellist. Faren lærte ham musikk fra en tidlig alder. Som barn sang han i kor og lærte å spille orgel. Da Franz var 12 år gammel, flyttet familien til Paris slik at gutten kunne studere musikk. Han ble imidlertid ikke tatt opp på konservatoriet, siden han var 14 år gammel har han laget skisser. Et slikt 1800-tall som Berlioz, Paganini, hadde stor innflytelse på ham.

Paganini ble Liszts virkelige idol, og han bestemte seg for å finpusse sine egne pianoferdigheter. Konsertvirksomheten i 1839-1847 ble ledsaget av en strålende triumf. I løpet av disse årene skapte Ferenc den berømte samlingen av skuespill "Years of Wanderings". En virtuos innen pianospilling og en favoritt blant publikum har blitt en sann legemliggjøring av epoken.

Franz Liszt komponerte musikk, skrev flere bøker, underviste og ledet åpne leksjoner. Det kom komponister fra 1800-tallet fra hele Europa til ham. Vi kan si at nesten hele livet var han engasjert i musikk, fordi han jobbet i 60 år. Den dag i dag er hans musikalske talent og dyktighet et forbilde for moderne pianister.

Richard Wagner

Geniet skapte musikk som ikke kunne la noen være likegyldige. Hun hadde både beundrere og harde motstandere. Wagner var fascinert av teatret siden barndommen, og i en alder av 15 bestemte han seg for å skape en tragedie med musikk. I en alder av 16 tok han med seg komposisjonene sine til Paris.

I 3 år prøvde han forgjeves å sette opp en opera, men ingen ønsket å forholde seg til en ukjent musiker. Slik populære komponister 1800-tallet, som Franz Liszt og Berlioz, som han møtte i Paris, gir ham ikke hell. Han er i fattigdom, og ingen ønsker å støtte hans musikalske ideer.

Etter å ha mislyktes i Frankrike, returnerer komponisten til Dresden, hvor han begynner å jobbe som dirigent i hoffteateret. I 1848 emigrerte han til Sveits, fordi han etter å ha deltatt i opprøret ble erklært kriminell. Wagner var klar over det borgerlige samfunnets ufullkommenhet og kunstnerens avhengige stilling.

I 1859 sang han kjærlighet i operaen Tristan und Isolde. I Parsifal presenteres universelt brorskap på en utopisk måte. Ondskapen er beseiret, og rettferdighet og visdom vinner. Alle de store komponistene på 1800-tallet ble påvirket av Wagners musikk og lærte av hans arbeid.

På 1800-tallet ble det dannet en nasjonal komponist- og utøvende skole i Russland. Det er to perioder i russisk musikk: tidlig romantikk og klassisk. Den første inkluderer slike russiske komponister fra 1800-tallet som A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Mikhail Glinka

Mikhail Glinka grunnla en komponistskole i vårt land. Den russiske ånden er til stede i alle hans kjente operaer som "Ruslan og Lyudmila", "Livet for tsaren" er gjennomsyret av patriotisme. Glinka oppsummerte de karakteristiske trekkene i folkemusikken ved å bruke gamle låter og rytmer fra folkemusikken. Komponisten var også en innovatør innen musikalsk dramaturgi. Hans arbeid er fremveksten av nasjonal kultur.

Russiske komponister ga verden mange geniale verk som fortsatt vinner folks hjerter i dag. Blant de strålende russiske komponistene på 1800-tallet er navn som M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky udødeliggjort.

Klassisk musikk gjenspeiler levende og sensuelt en persons indre verden. Strenge rasjonalisme ble erstattet av romantikken på 1800-tallet.

Romantisk periode

Den romantiske perioden i musikk varte omtrent fra 1830-tallet til 1910-tallet. Til en viss grad er ordet "romantisk" bare en merkelapp, et konsept som ikke kan defineres strengt, som faktisk mange andre. Mange av verkene nevnt i alle kapitlene i boken vår kan uten unntak med rette kalles "romantiske".

Hovedforskjellen i denne perioden fra andre er at komponistene fra den epoken ga mer oppmerksomhet til følelsene og oppfatningen av musikk, og prøvde å uttrykke emosjonelle opplevelser med dens hjelp. I dette skiller de seg fra komponistene fra den klassiske perioden, for hvem det viktigste i musikken var formen og som prøvde å følge visse regler for å konstruere komposisjon.

Samtidig kan man se elementer av romantikk hos noen komponister fra den klassiske perioden, og elementer av klassisisme kan sees hos komponistene fra den romantiske perioden. Så alt vi snakket om ovenfor er ikke en hard og rask regel i det hele tatt, men bare generelle egenskaper.

Historien sto ikke stille, og alle mennesker ble plutselig ikke romantikere, som bare er interessert i deres følelsesmessige opplevelser. Dette er tiden for fødselen av sosialismen, postreformen og grunnleggelsen av Frelsesarmeen. Samtidig ble vitaminer og radium oppdaget, Suez-kanalen ble bygget; Daimler designet den første bilen, og brødrene Wright foretok den første flyturen. Marconi oppfant radioen ved å sende en trådløs melding halvannen kilometer unna. Dronning Victoria satt på tronen i Storbritannia lenger enn noen annen engelsk monark. Gullrushet fikk tusenvis av mennesker til å reise til Amerika.

Blar du gjennom boken vår, vil du legge merke til at dette er det største av alle kapitlene, der ikke mindre enn trettisju komponister er nevnt. Mange av dem bodde og jobbet samtidig i forskjellige land. Derfor har vi delt dette kapittelet inn i tre seksjoner: «Tidlige romantikere», «Nasjonalkomponister» og «Senromantikere».

Som du sikkert allerede har gjettet, hevder heller ikke denne inndelingen å være helt nøyaktig. Vi håper likevel at det vil bidra til å holde fortellingen konsistent, om enn ikke alltid i kronologisk rekkefølge.

Dette er komponister som har blitt en slags bro mellom den klassiske perioden og senromantikkens periode. Mange av dem arbeidet samtidig med «klassikerne», og Mozart og Beethoven hadde stor innflytelse på arbeidet deres. Samtidig ga mange av dem sitt personlige bidrag til utviklingen av klassisk musikk.

Vår første komponist fra romantikken var en ekte stjerne i sin tid. Under opptredenene demonstrerte han fiolinvirtuositetens vidundere og opptrådte utrolige stunts. Som den virtuose rockegitaristen Jimi Hendrix, som ble født hundre og seksti år senere, Niccolo Paganini imponerte alltid publikum med sin lidenskapelige opptreden.

Paganini kunne spille hele stykket på to fiolinstrenger i stedet for fire. Noen ganger

han fikk til og med bevisst strengene til å knekke midt i forestillingen, hvoretter han likevel strålende fullførte verket til støyende applaus fra publikum.

Som barn var Paganini utelukkende engasjert i musikk. Men faren straffet ham for ikke å trene nok ved ikke å gi ham mat eller vann.

Som voksen spilte Paganini fiolin så virtuost at det ryktes at han hadde inngått en pakt med djevelen selv, siden ingen dødelig kunne spille så storslått. Etter musikerens død, nektet kirken først til og med å begrave ham på deres eget land.

Paganini forsto uten tvil selv alle fordelene med sine offentlige taler, og sa:

"Jeg er stygg, men når kvinner hører meg spille, kryper de på beina."

Stilen og strukturen til musikalske komposisjoner fortsatte å utvikle seg både i instrumentale komposisjoner og i opera. I Tyskland ledet operaens avantgarde Carl Maria von Weber, selv om han levde i år som mange ikke tilskriver den romantiske perioden.

Det kan sies at for Webers var opera en familiesak, og Carl reiste mye med farens operakompani som barn. Operaen hans Free Shooter (Magic Shooter) kom inn i musikkhistorien på grunn av at det ble brukt folkemotiv i den.

Litt senere vil du lære at en slik teknikk vurderes karakteristisk trekk romantisk periode.

Weber skrev også flere klarinettkonserter, som han i stor grad er kjent for i dag.

Italia er fødestedet til opera, og i ansiktet Gioacchino Antonio Rossini Italienerne var heldige som fant en ny helt av denne sjangeren. Han skrev operaer med både komisk og tragisk innhold med like stor suksess.

Rossini var en av de komponistene som komponerte raskt, og det tok ham vanligvis bare noen få uker å skrive en opera. På høyden av sin berømmelse sa han en gang:

"Gi meg vaskeregningen, så setter jeg den til musikk."

De sier det Barber av Sevilla Rossini komponerte på bare tretten dager. Et så høyt arbeidstempo førte til at hans nye operaer stadig ble satt opp på alle teatre i Italia. Men han behandlet ikke alltid utøverne av komposisjonene hans gunstig og snakket en gang nedsettende om dem:

"For en fantastisk opera ville vært hvis det ikke var noen sangere i den!"

Men i en alder av trettisyv sluttet Rossini plutselig å skrive operaer, og i løpet av det siste nesten fire tiår av sitt liv fra store verk han bare skapte Stabat mater.

Til nå er det ikke helt klart hva han ble ledet av da han tok en slik beslutning, men på den tiden hadde det samlet seg et betydelig beløp på bankkontoen hans - royalties fra produksjoner.

I tillegg til musikk hadde Rossini en lidenskap for kokekunsten, og mange flere retter er oppkalt etter ham enn andre komponister. Du kan til og med arrangere en hel middag, som inkluderer Rossini Salat, Rossini Omelett og Rossini Tournedo. (Turnedos er kjøttstrimler stekt i brødsmuler, servert med paté og trøfler.)

Franz Schubert, som levde bare trettien år, allerede i en alder av sytten hadde etablert seg som en talentfull komponist. For min egen langt liv til sammen skrev han mer enn seks hundre sanger, ni symfonier, elleve operaer og rundt fire hundre andre verk. Bare i 1815 komponerte han hundre og førti-fire sanger, to messer, en symfoni og en rekke andre verk.

I 1823 fikk han syfilis, og fem år senere, i 1828, døde han av tyfoidfeber. Et år tidligere deltok han i begravelsen til sitt idol Ludwig van Beethoven.

Det er bemerkelsesverdig at Schubert var en av de første store komponistene som ble berømt takket være fremføringen av andres verk. Selv ga han bare én stor konsert i dødsåret, og allerede da ble han overskygget av opptredenen til Paganini, som kom til Wien omtrent samtidig. Så stakkars Schubert fikk aldri den respekten han fortjente i løpet av livet.

Et av Schuberts største mysterier er Symfoni nr. 8, kjent under navnet Uferdig. Han skrev bare to deler av den, og sluttet så å virke. Ingen vet hvorfor han gjorde dette, men denne symfonien er fortsatt et av hans mest populære verk.

Hector Berlioz ble født i familien til en lege, slik at han, i motsetning til mange andre komponister nevnt i vår bok, ikke fikk en fullverdig musikalsk utdanning.

Først bestemte han seg for å følge i farens fotspor og bli lege, som han dro til Paris for, men der begynte han å tilbringe mer og mer tid på operaen. Han bestemte seg til slutt for å satse på musikk, til stor sorg for foreldrene.

Bildet av Berlioz kan virke karikert for folk så langt fra å skrive

noen komponister presenteres: veldig nervøse og irritable, impulsive, med skarpe humørsvingninger og selvfølgelig uvanlig romantiske i forhold til det motsatte kjønn. En gang angrep han sin tidligere kjæreste med en pistol i hånden og truet med å forgifte henne; en annen forfulgte han, kledd i kvinneklær.

Men hovedtemaet for Berlioz' romantiske ambisjoner var skuespillerinnen Harriet Smithson, som senere led av et alvorlig nervøst sammenbrudd - tilsynelatende skylder hun dem i stor grad til Berlioz selv. Han så henne første gang i 1827, men han klarte å møte henne personlig først i 1832. Først avviste Smithson Berlioz, og han, som ønsket å oppnå gjensidighet, skrev fantastisk symfoni. I 1833 giftet de seg likevel, men som ventet ble Berlioz noen år senere forelsket i en annen kvinne.

Når det gjelder musikk, elsket Berlioz omfang. Ta for eksempel hans Requiem, skrevet for et enormt orkester og kor, samt fire brassband plassert i hvert hjørne av scenen. En slik forkjærlighet for store former bidro ikke mye til hans postume berømmelse. Å fremføre verkene hans i den formen han unnfanget dem kan være svært kostbart, og noen ganger til og med umulig. Men slike hindringer plaget ham ikke i det hele tatt, og han fortsatte å komponere musikk med all den lidenskapen han var i stand til. En gang sa han:

"Enhver komponist er kjent med smerten og fortvilelsen som kommer av å ikke ha nok tid til å skrive ned det han har funnet på."

Enhver skolegutt som leser denne boken burde være misunnelig på slike Felix Mendelsohn, til folk som ble kjent i barndommen.

Som vi ser av en rekke eksempler, er dette langt fra uvanlig i den klassiske musikkens verden.

Mendelssohn lyktes imidlertid ikke bare innen musikk; han var en av de få som klarte å oppnå et godt resultat i alt de tar på seg – innen maleri, poesi, sport, språk.

Det var ikke vanskelig for Mendelssohn å mestre alt dette.

Mendelssohn var heldig - han ble født inn i en velstående familie og vokste opp i den kreative atmosfæren i Berlins kunstnerkretser. Som barn møtte han mange dyktige artister og musikere som kom på besøk til foreldrene hans.

Mendelssohn gjorde sin første offentlige opptreden i en alder av ni, og da han var seksten, hadde han allerede komponert Strykeoktett. Et år senere skrev han en ouverture til Shakespeares skuespill En drøm i en sommernatt. Men han skapte resten av musikken til denne komedien først etter sytten år (inkludert den berømte Bryllupsmars, som fortsatt ofte utføres i bryllup).

Mendelssohns personlige liv utviklet seg også vellykket: I løpet av årene med et langt og varig ekteskap fikk han og kona fem barn.

Han jobbet og reiste mye, inkludert i Skottland, om innbyggerne som han ikke snakket så godkjennende om:

"... [de] produserer ikke annet enn whisky, tåke og dårlig vær."

Men dette stoppet ham ikke fra å skrive to fantastiske verk dedikert til Skottland. Tretten år etter at den første turen var over Skotsk symfoni; grunnlaget Ouverturer av Hebridene Skotske melodier la seg. Mendelssohn ble også forbundet med Storbritannia av hans oratorium Elijah, som først ble satt opp i Birmingham i 1846. Han møtte til og med dronning Victoria og ga musikktimer til prins Albert.

Mendelssohn døde av hjerneslag i en relativt ung alder på trettiåtte. Selvfølgelig kan det sies at han ikke sparte seg selv og overarbeidet seg fra overdreven arbeid, men i stor grad ble hans død fremskyndet av døden til hans elskede søster Fanny, som også var en talentfull musiker.

Foran oss er en annen romantiker til margen av bein. Hvori Frederic Chopin han var også preget av en lidenskapelig hengivenhet til ett instrument, og dette er en stor sjeldenhet for komponistene som er nevnt i vår bok.

Å si at Chopin elsket pianoet er en underdrivelse. Han beundret det, han viet hele livet til å komponere pianokomposisjoner og forbedre teknikkene for å spille det. Det var som om det ikke fantes andre instrumenter for ham, bortsett fra kanskje som akkompagnement i orkesterkomposisjoner.

Chopin ble født i 1810 i Warszawa; faren hans var fransk av fødsel, og moren hans var polsk. Frederick begynte å opptre i en alder av syv år, og hans første komposisjoner dateres tilbake til samme tid. Det skal sies at hans kjennetegn alltid hatt fokus på fremtiden.

Deretter ble Chopin berømt i Paris, hvor han begynte å gi musikktimer til rike mennesker, takket være at han selv ble rik. Han holdt alltid et godt øye med sine utseende og for å holde garderoben hans oppdatert med de siste motene.

Som komponist var Chopin metodisk og omhyggelig. Han lot seg aldri være uforsiktig, hvert arbeid ble perfeksjonert av ham til fullkommenhet. Ikke overraskende var det å komponere musikk en smertefull prosess for ham.

Totalt komponerte han hundre og seksti-ni soloverk for piano.

I Paris ble Chopin forelsket i Amandine Aurora Lucile Dupin, en kjent fransk forfatter med et fancy navn, bedre kjent under pseudonymet George Sand. Hun var en ganske bemerkelsesverdig person: hun kunne ofte bli funnet på gatene i Paris og gikk rundt i herreklær og røykte sigarer, noe hun sjokkerte den veloppdragne offentligheten. Romansen mellom Chopin og George Sand forløp stormfullt og endte i en smertefull pause.

Som noen andre komponister fra den romantiske perioden levde ikke Chopin lenge - han døde av tuberkulose i en alder av trettini, kort tid etter bruddet med George Sand.

Robert Schumann– nok en komponist som levde et kort og spennende liv, selv om alt i hans tilfelle var krydret med en god del galskap. I dag er verker for piano, sanger og kammermusikk av Schumann kjent.

Schumann var en strålende komponist, men i løpet av livet var han i skyggen av sin kone Clara Schumann, tidens strålende pianist. Som komponist er hun mindre kjent, selv om hun også skrev ganske interessant musikk.

Robert Schumann selv kunne ikke opptre som pianist på grunn av en håndskade, og det var vanskelig for ham å bo ved siden av en kvinne som ble kjent på dette feltet.

Komponisten led av syfilis og et nervøst sammenbrudd; en gang prøvde han til og med å begå selvmord ved å kaste seg i Rhinen. Han ble reddet og plassert på et psykiatrisk sykehus, hvor han døde to år senere.

Schumann behandlet kunst pragmatisk. Følgende utsagn er kjent:

"For å komponere trenger du bare å komme opp med en melodi som ingen andre har tenkt på."

Hvis Paganini kan kalles kongen av fiolinister-utøvere, så hører denne tittelen rettmessig til blant romantiske pianister Franz Liszt. Han var også engasjert i undervisningsaktiviteter og fremførte utrettelig verkene til andre komponister, spesielt Wagner, som vil bli diskutert senere.

Liszts pianokomposisjoner er ekstremt vanskelige å fremføre, men han skrev etter sin spilleteknikk, vel vitende om at ingen ville spille dem bedre enn ham.

I tillegg transkriberte Liszt verkene til andre komponister til pianoet: Beethoven, Berlioz, Rossini og Schubert. Under fingrene hans fikk de en bisarr originalitet og begynte å høres ut på en ny måte. Med tanke på at de opprinnelig ble skrevet for orkesteret, gjenstår det å undre seg over dyktigheten til musikeren, som gjengir dem overraskende nøyaktig på et enkelt instrument.

Liszt var en ekte stjerne i sin tid; hundre år før oppfinnelsen av rock and roll, levde han et liv verdig enhver rockemusiker, inkludert diverse kjærlighetsforhold. Selv beslutningen om å ta hellige ordre stoppet ham ikke fra å starte en affære.

Liszt populariserte også forestillinger med piano og orkester, en sjanger som fortsetter til i dag. Han likte å fange fansens beundrende blikk og lytte til de entusiastiske ropene fra publikum som så fingrene hans fly over tastene. Så han snudde pianoet slik at publikum kunne følge pianistens spill. Før det satt de med ryggen til publikum.

Allmennheten vet Georges Bizet som skaperen av operaen Carmen men listen publisert på slutten av vår bok inkluderte et annet av hans verk, Au Fond du Temple Saint(også kjent som Duett av Nadir og Zurgi) fra operaen Perlesøkere. Den har konsekvent vært på toppen av listene siden vi begynte å sette sammen listen over de mest populære sangene blant Classic FM-lyttere i 1996.

Bizet er et annet vidunderbarn som har vist sin eksepsjonelle musikalsk evne selv i barndommen. Han skrev sin første symfoni i en alder av sytten. Riktignok døde han også tidlig, i en alder av trettiseks år, og la til listen over utidige avdøde genier.

Til tross for talentet hans, oppnådde Bizet aldri reell anerkjennelse i løpet av livet. Opera perlesøkende ble satt opp med blandet suksess, og premieren Carmen og endte fullstendig i fiasko - datidens fasjonable publikum godtok det ikke. Foretrukket av kritikere og sanne musikkkjennere Carmen erobret først etter komponistens død. Siden da har det blitt satt i alle de ledende operahus fred.

Her er en annen ekstremt vag definisjon. Ikke bare alle romantiske komponister, men også, til en viss grad, mange representanter for barokken og den klassiske perioden kan med rette kalles "nasjonalister".

Ikke desto mindre vil vi i denne delen liste opp fjorten ledende komponister fra den romantiske perioden, hvis verk er skrevet i en slik stil at selv lyttere som ikke er veldig kjent med klassisk musikk kan fortelle hvor denne eller den mesteren kommer fra.

Noen ganger blir disse komponistene klassifisert som tilhørende en eller annen nasjonal musikkskole, selv om denne tilnærmingen ikke er helt korrekt.

Vanligvis, når ordet "skole" brukes, presenteres et klasserom der barn, under veiledning av en lærer, utfører den samme oppgaven.

Hvis vi snakker om komponister, ble de forent av én felles retning, og de fulgte hver sin vei og prøvde å finne sine egne, unike virkemidler for musikalsk uttrykk.

Hvis russisk klassisk musikk har en grunnlegger, så er det uten tvil, Mikhail Ivanovich Glinka. Nasjonalistiske musikere utmerker seg nettopp ved at de bruker folkemelodier i verkene sine. Glinka ble introdusert for russiske sanger av bestemoren.

I motsetning til mange andre dyktige komponister som så ofte er nevnt på sidene i boken vår, begynte Glinka for alvor å studere musikk i en relativt sen alder - i begynnelsen av tjueårene. Først tjente han som tjenestemann i jernbanedepartementet.

Da Glinka bestemte seg for å endre karrieren, dro han til Italia, hvor han opptrådte som pianist. Det var der han utviklet en dyp kjærlighet for opera. Da han kom hjem, komponerte han sin første opera Livet for kongen. Publikum anerkjente ham umiddelbart som den beste russiske samtidskomponisten. Hans andre opera Ruslan og Ludmila, var ikke like vellykket, selv om den sto tidens tann bedre.

Alexander Porfiryevich Borodin tilhører komponistene som i tillegg til musikk var aktivt engasjert i andre aktiviteter. Når det gjelder Borodin, begynte han sin karriere som vitenskapsmann - kjemiker. Hans første komposisjon ble kalt "Om virkningen av etyljodid på hydrobenzamid og amarin", og du vil selvfølgelig aldri høre den på Classic FM, siden den er vitenskapelig arbeid som ikke har noe med musikk å gjøre.

Borodin var den uekte sønnen til en georgisk prins; Han overtok kjærligheten til musikk og interessen for kunst generelt fra sin mor, og beholdt dem for livet.

På grunn av konstant ansettelse klarte han å publisere bare rundt tjue verk, som inkluderer symfonier, sanger og kammermusikk.

Sammen med Mily Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Caesar Cui Og Beskjeden Mussorgsky Borodin var medlem av Mighty Handful musikalske fellesskap. Suksessen til alle disse komponistene er enda mer bemerkelsesverdig ved at de alle hadde andre sysler enn musikk.

I dette er de tydelig forskjellige fra de fleste av de andre komponistene som er nevnt i denne boken.

Det mest populære verket til Borodin - Polovtsiske danser fra operaen hans Prins Igor. Det skal nevnes at han selv aldri fullførte den (selv om han jobbet med den i sytten år). Operaen ble fullført av hans venn Rimsky - Korsakov, som vi vil snakke mer om senere.

Etter vår oppfatning, Beskjeden Petrovich Mussorgsky var den mest oppfinnsomme og innflytelsesrike av komponistene av "Mighty Handful", selv om han, som en uvanlig person, ikke slapp unna en eller to laster som ligger i mange representanter for kreative yrker.

Mussorgsky forlot hæren og fikk jobb i embetsverket. I ungdommen elsket han, som de sier, å gå en tur, han var preget av påvirkelighet, og mot slutten av livet led han av alkoholisme. Av denne grunn er han ofte avbildet med rufsete hår og en unaturlig rød nese.

Mussorgsky fullførte ofte ikke verkene sine, og vennene hans gjorde det for ham - noen ganger ikke på den måten han hadde tenkt, så nå er vi ikke sikre på hva forfatterens opprinnelige intensjon var. Orkestrering av operaen Boris Godunov gjenskapt Rimsky-Korsakov, så vel som den berømte " musikalsk bilde» Natt på Bald Mountain(brukt i Disney-filmen Fantasi). Orkestrering til Bilder fra utstillingen skrev Maurice Ravel, og i denne versjonen er de kjent i vår tid.

Til tross for at Mussorgsky kom fra en velstående familie og hadde stort talent som pianist og komponist, døde han i en alder av bare førtito år av alkoholisme.

Foreldre Nikolai Rimsky-Korsakov drømte om at sønnen deres skulle tjene i marinen, og han levde opp til forventningene deres. Men etter å ha tjenestegjort i flere år i marinen og etter å ha laget en rekke sjøreiser, ble han komponist og musikklærer, noe som utvilsomt kom som en overraskelse for familien hans. For å fortelle sannheten, var Rimsky-Korsakov alltid interessert i musikk, og begynte til og med å komponere Symfoni nr. 1, da skipet hans lå fortøyd i industriområdet Gravesend ved utløpet av Themsen. Dette er sannsynligvis et av de minst romantiske stedene å komponere musikken nevnt i denne boken.

I tillegg til at Rimskij-Korsakov fullførte og reviderte noen av Mussorgskijs komposisjoner, skapte han selv femten operaer med temaer fra det russiske livet, selv om innflytelsen fra eksotiske land også merkes i verkene hans. For eksempel, Scheherazade basert på historien fra Tusen og en natt.

Rimsky-Korsakov var spesielt flink til å vise skjønnheten i lyden til hele orkesteret. Han la stor vekt på dette i sin undervisningsvirksomhet og påvirket dermed mange russiske komponister som arbeidet etter ham, spesielt Stravinsky.

Peter Iljitsj Tsjaikovskij brukte også russiske folkemelodier i komposisjonene sine, men i motsetning til andre russiske nasjonalkomponister bearbeidet han dem på sin egen måte, som faktisk hele Europas musikalske arv.

Tchaikovskys personlige liv, innhyllet i forskjellige hemmeligheter (det var utbredte rykter om hans homoseksuelle tilbøyeligheter), var ikke lett. Han sa selv en gang:

"Det ville virkelig vært noe å bli gal hvis det ikke var for musikken!"

Som barn var han påvirkelig, og som voksen var han utsatt for anfall av melankoli og til og med depresjon. Mer enn en gang hadde han selvmordstanker. I ungdommen studerte han juss og jobbet kort i Justisdepartementet, men forlot snart tjenesten for å vie seg helt til musikk. I en alder av trettisju giftet han seg uventet, men ekteskapet hans ble en ekte plage for både seg selv og kona. Til slutt havnet kona hans på et psykiatrisk sykehus, hvor hun døde. Tsjaikovskij selv led også i lang tid av et brudd som skjedde bare to måneder etter bryllupet.

De tidlige verkene til Tchaikovsky ble ikke anerkjent av allmennheten, og dette forårsaket ham mye lidelse. Merkelig nok mange av disse verkene, inkludert Konsert for fiolin og orkester Og Pianokonsert nr. 1, in er for tiden veldig populære. Innspilling Pianokonsert nr. 1 ble generelt den første innspillingen av klassisk musikk som ble tildelt statusen "Golden Disc" for å ha solgt en million eksemplarer.

Tsjaikovskij skrev ti operaer, inkludert Eugene Onegin, og musikk til balletter som f.eks Nøtteknekker, Tornerose Og Svanesjøen. Når du lytter til denne musikken, innser du umiddelbart all storheten til Tchaikovskys talent, som var i stand til å skape en ekstremt harmonisk og spennende melodi. Balettene hans blir fortsatt ofte satt opp på verdensscener og vekker den ufravikelige beundring hos publikum. Av samme grunn er musikalske fraser fra hans symfonier og konserter kjent selv for de som ikke er kjent med klassisk musikk.

I årevis nøt Tsjaikovskij fordelen av en velstående enke ved navn Nadezhda von Meck, som sendte ham store pengesummer på betingelse av at de aldri møtes personlig. Det er mulig at de i et personlig møte ikke ville gjenkjenne hverandre.

Omstendighetene rundt komponistens død er fortsatt ikke helt klare. I følge den offisielle konklusjonen døde Tsjaikovskij av kolera: han drakk virusinfisert vann. Men det er en versjon som viser at han selv begikk selvmord, i frykt for at hans homoseksuelle forhold skulle bli offentliggjort.

Hvis Glinka regnes som faren til russisk klassisk musikk, spilles den samme rollen i tsjekkisk klassisk musikk av Bedrich Smetana.

Smetana har alltid vært inspirert av tsjekkisk folkekultur og naturen hjemland. Dette merkes spesielt i syklusen hans med symfoniske dikt. Mitt moderland, som tok Smetana åtte år å skrive.

For øyeblikket er det mest populære arbeidet i denne syklusen Vltava, dedikert til en av de største tsjekkiske elvene som renner gjennom Praha.

Mot slutten av livet ble Bedřich Smetana alvorlig syk (antagelig med syfilis), ble døv og mistet forstanden. Han døde i en alder av seksti.

Musikken hans påvirket den neste komponisten på listen vår, Antonín Dvořák, hvis komposisjoner er anerkjent langt utenfor Tsjekkia.

Antonin Dvorak var en ekte tsjekkisk nasjonalhelt som lidenskapelig elsket sitt hjemland. Landsmennene hans gjengjeldte og forgudet ham.

Verkene til Dvorak ble mye promotert av Brahms (som vil bli diskutert litt senere). Gradvis ble navnet Dvorak anerkjent over hele verden. Så, for eksempel, fikk han fans i England, hvor han opptrådte på invitasjon fra Royal Philharmonic Society, samt på festivaler i Birmingham og Leeds.

Etter det bestemte Dvorak seg for å reise til USA, hvor han på 1890-tallet ble tilbudt stillingen som dirigent for National Conservatory i New York, som han hadde i tre år. Dvorak savnet hjemlandet sterkt, men sluttet ikke å være interessert i lokal musikk. Hennes inntrykk gjenspeiles i hans Symfonier nr. 9, navngitt Fra den nye verden.

Til slutt bestemte Dvorak seg for å reise hjem og tilbrakte de siste årene av sitt liv i Praha og underviste.

I tillegg til musikk var Dvorak interessert i tog og skip, og det var denne lidenskapen hans som tilsynelatende bidro til at han gikk med på å besøke USA, selv om den store avgiften som ble tilbudt ham også kunne spille en avgjørende rolle.

d Representanter for den nasjonale tsjekkiske musikkskolen inkluderer også Josef Suk, Leos Janacek Og Boguslav Martin.

norsk Edvard Grieg tilhører kretsen av komponister som lidenskapelig elsket hjemlandet sitt. Og moderlandet svarte ham til gjengjeld. I Norge er komposisjonene hans fortsatt ekstremt populære. Men alt kunne ha blitt annerledes, siden Grieg-familien egentlig var av skotsk opprinnelse – hans tippoldefar emigrerte til Skandinavia etter nederlaget i slaget med britene ved Culloden.

Det beste av alt var at Grieg viste verk av små sjangere, som f.eks Lyrikkspill for piano. Men hans mest kjente konsert er Piano konsert, med en imponerende introduksjon, der pianolydene ser ut til å regne ned under pauketremoloen.

d Representanter for den skandinaviske nasjonale musikkskolen inkluderer også Carl Nielsen Og Johan Svendsen.

Til tross for at i XIX århundre i Spania også skrev klassisk musikk, det bodde ikke så mange komponister som oppnådde verdensberømmelse. Et av unntakene er Isaac Albeniz, i sin ungdom var han ikke preget av en klagende sinnelag.

De sier at Albeniz lærte å spille piano i en alder av ett år. Tre år senere opptrådte han offentlig, og i en alder av åtte begynte han å turnere. I en alder av femten rakk han å besøke Argentina, Cuba, USA og England.

Albeniz var spesielt vellykket i improvisasjon: han kunne komme opp med en slags melodi i farten og umiddelbart slå den i flere versjoner. Han demonstrerte også underverkene ved å mestre instrumentet - han spilte, stående med ryggen til seg. For å toppe det, kledde han seg ut som en musketer hver gang, noe som bidro til forestillingen hans.

I voksen alder slo han seg litt til ro og forbløffet publikum ikke lenger med sin opprørende oppførsel, men med komposisjonene sine. Han er spesielt kjent for sin syklus med pianostykker. Iberia. Takket være sin suksess, brakte denne komponisten Spania ut av skyggene og tiltrakk seg oppmerksomheten til det verdensmusikalske samfunnet.

d Albéniz hadde stor innflytelse på mange andre komponister av den nasjonale skolen i Spania, inkludert Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de Falla Og Heitora Villa - Lobosa(som var brasiliansk).

Arthur Sullivan godt kjent i dag. Men historien behandlet ham ikke rettferdig, for i dag huskes langt fra det beste av verkene hans. På 1870-tallet begynte han å samarbeide med poeten og librettisten W.S. Gilbert. Sammen skrev de flere komiske operetter: Rettssak av jury, Pirates of Penzance, Hennes Majestets fregatt Pinafore, prinsesse Ida, Mikado, Yeoman the Guard og andre.

Til tross for den enorme suksessen med deres felles arbeid, kom de to forfatterne ikke så godt overens med hverandre, og til slutt, etter voldsomme krangler, sluttet de helt å kommunisere. Disse krangelene var imidlertid tomme.

Så, for eksempel, gjaldt en av dem et nytt teppe i Londons Savoy Theatre, hvor operettene deres vanligvis ble satt opp.

Sullivan drømte om å bli berømt som en seriøs komponist, men nå er verkene hans, som ikke tilhører operettsjangeren, glemt.

Imidlertid skrev han en opera Ivanhoe ganske interessant Symfoni i e-moll og hymne "Fremover, Kristi hær!"- kanskje hans mest fremførte verk.

d Representanter for English National School of Music inkluderer også Arnold Bucks, Hubert Parry, Samuel Coleridge-Taylor, Charles Villiers Stanford Og George Butterworth.

Den franske analogen til Gilbert- og Sullivan-operettene kan kalles verkene Jacques Offenbach, en mann som definitivt hadde en sans for humor. Han ble født i Köln og signerte derfor noen ganger som "O. fra Köln» («O. de Cologne» høres ut som «köln»).

I 1858 overrasket Offenbach pariserne kan kan fra en operette Orfeus i helvete; for et raffinert publikum virket slike danser av vanlige folk ville og uanstendige, men selve operetten ble ansett som skandaløs.

Forresten, hvis dette navnet virker kjent for deg, er det verdt å huske at Peri, Monteverdi og Gluck skrev musikk til myten om Orpheus i tidligere århundrer. Offenbachs versjon var satirisk, ment for underholdning, og inkluderte derfor veldig useriøse scener. Likevel ble publikum til tross for førsteinntrykket forelsket i operetten, slik at Offenbach selv knapt hadde noen grunn til å angre på det han hadde skrevet.

Seriøs opera er kjent blant hans andre verk. Fortellinger om Hoffmann der det høres ut Barcarolle.

Leo Delibes var ikke mindre innflytelsesrik komponist enn Offenbach, selv om nå bare én av operaene hans huskes mest - Lakme, der den berømte blomsterduo, brukes i en rekke TV-skjermsparere og reklamefilmer.

Blant Delibes' bekjente var så store musikere som Berlioz og Bizet, som han jobbet med som leder av koret til Lyric Theatre i Paris.

d Representanter for den franske nasjonale musikkskolen inkluderer også Alexis - Emmanuel Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Kante - Lub Og Jules Massenet, opera thaier som, inkludert intermezzo Refleksjoner (Meditasjon), populær blant mange samtidige fiolinister.

Våre to siste nasjonalkomponister – romantikk – er far og sønn, selv om aldersforskjellen mellom dem (tjueen år) ikke er så stor for historien. Johann Strauss senior betraktet som "valsens far". Han var en utmerket fiolinist og ledet et orkester som opptrådte i hele Europa og fikk solide penger for dette.

Likevel tilhører tittelen "valsens konge" med rette sønnen hans, som også ble kalt Johann Strauss. Faren ønsket ikke at han skulle bli fiolinist, men den yngre Johann viet livet sitt til musikk uansett og organiserte sitt eget orkester, som konkurrerte med farens. På yngre Strauss hadde et godt forretningssans, og takket være dette klarte han å styrke sin økonomiske stilling.

Total Johann Strauss - sønn skrev hundre og sekstiåtte valser, inkludert de mest populære av dem - På den vakre blå Donau. Til slutt ble så mange som seks orkestre oppkalt etter Strauss, hvorav det ene ble ledet av Johanns bror, den yngre Joseph, og det andre av hans andre bror, Eduard (hver av dem komponerte rundt tre hundre komposisjoner).

Johanns valser og polkaer var virkelige hits i wienske kaffehus, og hans lette og muntre stil ble standarden for dansemusikk i hele Europa.

Noen elskere av klassisk musikk anser fortsatt Strauss' komposisjoner for å være for vulgære og useriøse. Ikke tro dem og ikke gi etter for deres provokasjoner! Denne familien var i stand til å skrive virkelig flotte verk, oppløftende og minneverdig i lang tid umiddelbart etter første lytting.

Mange av komponistene fra denne perioden fortsatte å skrive musikk langt inn på 1900-tallet. Vi snakker imidlertid om dem her, og ikke i neste kapittel, av den grunn at det var nettopp romantikkens ånd som var sterk i musikken deres.

Det skal bemerkes at noen av dem opprettholdt nære bånd og til og med vennskap med komponistene nevnt i underavsnittene "Tidlige romantikere" og "nasjonalister".

I tillegg bør det huskes at i løpet av denne perioden arbeidet så mange utmerkede komponister i forskjellige europeiske land at enhver inndeling av dem etter ethvert prinsipp ville være helt vilkårlig. Hvis det i forskjellig litteratur viet den klassiske perioden og barokkperioden nevnes omtrent samme tidsramme, er den romantiske perioden definert forskjellig overalt. Det ser ut til at grensen mellom slutten av den romantiske perioden og begynnelsen av 1900-tallet i musikken er veldig uklar.

Den ledende komponisten i Italia på 1800-tallet var utvilsomt Giuseppe Verdi. Denne mannen med tykk bart og øyenbryn, som så på oss med skinnende øyne, sto hode og skuldre over alle andre operakomponister.

Alle Verdis komposisjoner er bokstavelig talt overfylte av lyse, minneverdige melodier. Totalt skrev han tjueseks operaer, hvorav de fleste er jevnlig satt opp til i dag. Blant dem er de mest kjente og mest fremragende verkene av operakunst gjennom tidene.

Verdis musikk ble høyt verdsatt selv under komponistens levetid. på premieren Hades Publikum ga en så langvarig applaus at artistene måtte bøye seg så mange som trettito ganger.

Verdi var en rik mann, men penger kunne ikke redde både koner og to barn til komponisten fra den tidlige døden, så det var tragiske øyeblikk i livet hans. Han testamenterte formuen sin til et krisesenter for gamle musikere bygget under hans ledelse i Milano. Verdi selv anså opprettelsen av et krisesenter, og ikke musikk, for å være hans største prestasjon.

Til tross for at navnet til Verdi først og fremst er assosiert med operaer, når vi snakker om ham, er det umulig å ikke nevne Requiem, som regnes som et av de fineste eksemplene på kormusikk. Den er full av dramatikk, og noen trekk ved operaen slipper gjennom den.

Vår neste komponist er på ingen måte den mest sjarmerende personen. Generelt er dette den mest skandaløse og kontroversielle figuren av alle de som er nevnt i vår bok. Hvis vi skulle lage en liste basert kun på personlighetstrekk, da Richard Wagner ville aldri truffet den. Vi styres imidlertid utelukkende av musikalske kriterier, og historien til klassisk musikk er utenkelig uten denne mannen.

Wagners talent er ubestridelig. Fra - under pennen hans kom noe av det mest betydningsfulle og imponerende musikalske komposisjoner for hele romantikkens periode - spesielt for opera. Samtidig blir han omtalt som en antisemitt, rasist, byråkrati, den siste bedrageren og til og med en tyv som ikke nøler med å ta alt han trenger, og uhøflige mennesker uten anger. Wagner hadde en overdreven selvfølelse, og han mente at genialiteten hans hevet ham over alle andre mennesker.

Wagner huskes for sine operaer. Denne komponisten tok tysk opera til et helt nytt nivå, og selv om han ble født samtidig med Verdi, var musikken hans veldig forskjellig fra de italienske komposisjonene fra den perioden.

En av Wagners nyvinninger var at hver hovedperson fikk sin egen musikalsk tema, som ble gjentatt hver gang han begynte å spille en betydelig rolle på scenen.

I dag virker det selvsagt, men på den tiden gjorde denne ideen en reell revolusjon.

Wagners største prestasjon var syklusen Ring of the Nibelung, bestående av fire operaer: Rhine Gold, Valkyrie, Siegfried Og gudenes død. De legges vanligvis på fire netter på rad, og til sammen varer de rundt femten timer. Disse operaene alene ville være nok til å glorifisere deres komponist. Til tross for all tvetydigheten til Wagner som person, bør det anerkjennes at han var en fremragende komponist.

Et særtrekk ved Wagners operaer er varigheten. Hans siste opera parsifal varer over fire timer.

Dirigent David Randolph sa en gang om henne:

"Dette er en type opera som starter klokken seks, og når du ser på armbåndsuret ditt etter tre timer, viser det seg at det viser 06:20."

Liv Anton Bruckner som komponist er dette en leksjon i hvordan du ikke gir opp og insisterer på egen hånd. Han øvde tolv timer om dagen, viet all sin tid til å jobbe (han var organist) og lærte mye i musikk på egen hånd, og fullførte å mestre skriveferdigheter ved korrespondanse i en ganske moden alder – i trettisju.

I dag huskes Bruckners symfonier oftest, hvorav han skrev i alt ni stykker. Noen ganger ble han grepet av tvil om hans levedyktighet som musiker, men han oppnådde likevel anerkjennelse, om enn mot slutten av livet. Etter å ha utført den Symfonier nr. 1 kritikere roste til slutt komponisten, som på den tiden allerede hadde fylt førtifire år.

Johannes Brahms ikke en av de komponistene som ble født så å si med en sølvstav i hånden. Da han ble født, hadde familien mistet sin tidligere rikdom og knapt fått endene til å møtes. Som tenåring levde han av å spille på bordellene i hjembyen Hamburg. Da Brahms ble voksen, ble han uten tvil kjent med langt fra de mest attraktive sidene ved livet.

Brahms musikk ble promotert av vennen hans, Robert Schumann. Etter Schumanns død ble Brahms nær Clara Schumann og ble etter hvert til og med forelsket i henne. Det er ikke kjent nøyaktig hva slags forhold de hadde, selv om følelsen for henne sannsynligvis spilte en viss rolle i forholdet hans til andre kvinner - han ga ikke sitt hjerte til noen av dem.

Som person var Brahms ganske hemningsløs og irritabel, men vennene hans hevdet at det var mykhet i ham, selv om han ikke alltid viste det til de rundt ham. En dag, da han kom hjem fra en fest, sa han:

"Hvis jeg ikke har fornærmet noen, ber jeg om tilgivelse."

Brahms ville ikke ha vunnet konkurransen om den mest fasjonable og elegant kledde komponisten. Han likte fryktelig dårlig å kjøpe nye klær og hadde ofte på seg de samme posete, lappede buksene, nesten alltid for korte for ham. Under en forestilling falt buksene hans nesten av. Ved en annen anledning måtte han ta av seg slipset og bruke det i stedet for et belte.

Brahms' musikalske stil var sterkt påvirket av Haydn, Mozart og Beethoven, og noen musikkhistorikere hevder til og med at han skrev i klassisismens ånd, på den tiden allerede gått av moten. Samtidig eier han også flere nye ideer. Han var spesielt vellykket med å utvikle små musikkstykker og gjenta dem gjennom hele verket – det komponister kaller et «repeterende motiv».

Opera Brahms skrev ikke, men han prøvde seg i nesten alle andre sjangre av klassisk musikk. Derfor kan han kalles en av de største komponistene som er nevnt i vår bok, en sann gigant av klassisk musikk. Han sa selv dette om arbeidet sitt:

"Det er ikke vanskelig å komponere, men det er overraskende vanskelig å kaste ekstra toner under bordet."

Max Bruch ble født bare fem år etter Brahms, og sistnevnte ville sikkert ha overskygget ham, hvis ikke for ett verk, Fiolinkonsert nr. 1.

Bruch selv erkjente dette faktum, og uttalte med beskjedenhet uvanlig for mange komponister:

"Om femti år vil Brahms bli kalt en av de største komponistene gjennom tidene, og jeg vil bli husket for å ha skrevet fiolinkonserten i g-moll."

Og han viste seg å ha rett. Riktignok har Brujah selv noe å huske! Han komponerte mange andre verk - rundt to hundre i alt - han har spesielt mange verk for kor og operaer, som sjelden settes opp i disse dager. Musikken hans er melodisk, men han bidro ikke med noe spesielt nytt til utviklingen. På hans bakgrunn ser mange andre komponister på den tiden ut til å være virkelige innovatører.

I 1880 ble Bruch utnevnt til dirigent for Liverpool Royal Philharmonic Society, men returnerte til Berlin tre år senere. Musikerne i orkesteret var ikke fornøyd med ham.

På sidene i boken vår har vi allerede møtt mange musikalske vidunderbarn, og Camille Saint-Sans opptar ikke de fleste blant dem siste plass. Allerede i en alder av to plukket Saint-Saens opp melodier på pianoet, og han lærte å lese og skrive musikk på samme tid. I en alder av tre spilte han skuespill egen komposisjon. I en alder av ti fremførte han perfekt Mozart og Beethoven. Imidlertid ble han seriøst interessert i entomologi (sommerfugler og insekter), og senere i andre vitenskaper, inkludert geologi, astronomi og filosofi. Det virket som om et så talentfullt barn rett og slett ikke kunne begrense seg til én ting.

Etter at han ble uteksaminert fra konservatoriet i Paris, jobbet Saint-Saens som organist i mange år. Med alderen begynte han å påvirke musikkliv Frankrike, og det var takket være ham at musikken til komponister som J.S. Bach, Mozart, Handel og Gluck begynte å bli fremført oftere.

Mest kjent essay Saint - Sansa - dyrekarneval, som komponisten forbød å fremføre i løpet av sin levetid. Han var bekymret for hvordan musikkritikere, etter å ha hørt dette verket, anså det ikke for useriøst. Det er tross alt morsomt når orkesteret på scenen portretterer en løve, høner med hane, skilpadder, en elefant, en kenguru, et akvarium med fisk, fugler, et esel og en svane.

Saint-Saens skrev noen av hans andre komposisjoner for ikke så hyppige kombinasjoner av instrumenter, inkludert de berømte "Orgel" symfoni nr. 3, hørtes ut i filmen "Babe".

Musikken til Saint-Saens påvirket andres arbeid franske komponister, gjelder også Gabriel Faure. Denne unge mannen arvet stillingen som organist i den parisiske kirken St. Magdalena, som tidligere ble holdt av Saint-Saens.

Og selv om Faures talent ikke kan sammenlignes med talentet til læreren hans, var han en stor pianist.

Fauré var en fattig mann og jobbet derfor hardt, spilte orgel, dirigerte koret og holdt undervisning. Han skrev inn fritid, som forble svært få, men til tross for dette klarte han å publisere mer enn to hundre og femti av verkene sine. Noen av dem ble komponert i svært lang tid: for eksempel arbeid med Requiem varte over tjue år.

I 1905 ble Fauré direktør for Paris-konservatoriet, det vil si mannen som utviklingen av datidens fransk musikk i stor grad var avhengig av. Femten år senere trakk Faure seg. På slutten av livet led han av hørselstap.

I dag er Faure respektert utenfor Frankrike, selv om han er mest verdsatt der.

For fans av engelsk musikk, utseendet til en slik figur som Edward Elgar, det må ha virket som et virkelig mirakel. Mange musikkhistorikere kaller ham den første betydningsfulle engelske komponisten etter Henry Purcell, som arbeidet under barokken, selv om vi litt tidligere nevnte Arthur Sullivan.

Elgar var veldig glad i England, spesielt hjemlandet Worcestershire, hvor han tilbrakte mesteparten av livet sitt og fant inspirasjon i feltene i Malvern Hills.

Som barn var han omgitt av musikk overalt: faren hans eide en lokal musikkbutikk og lærte lille Elgar å spille forskjellige musikkinstrumenter. I en alder av tolv var gutten allerede i ferd med å erstatte organisten ved gudstjenester.

Etter å ha jobbet på et advokatkontor, bestemte Elgar seg for å vie seg til et mye mindre økonomisk sikkert yrke. I noen tid jobbet han deltid, ga fiolin- og pianotimer, spilte i lokale orkestre og dirigerte til og med litt.

Etter hvert vokste Elgars berømmelse som komponist, selv om han måtte slite for å komme seg utenfor hjemfylket. Berømmelse brakte ham Variasjoner over et originalt tema, som nå er bedre kjent som Enigma-variasjoner.

Nå oppleves Elgars musikk som veldig engelsk og høres ut under de største begivenhetene i nasjonal skala. Ved de første lydene av det Cellokonsert den engelske landsbygda dukker opp umiddelbart. Nimrod fra Variasjoner ofte spilt ved offisielle seremonier, og Høytidelig og seremoniell marsj nr. 1, kjent som Land med håp og ære fremført på skoleball over hele Storbritannia.

Elgar var en familiefar og elsket et rolig og ryddig liv. Likevel satte han sitt preg på historien. Denne komponisten med en tykk frodig bart kan umiddelbart legges merke til på 20-pundseddelen. Åpenbart fant seddeldesignere ut at slike ansiktshår ville være svært vanskelig å forfalske.

I Italia var Giuseppe Verdis etterfølger innen operakunst Giacomo Puccini, betraktet som en av de anerkjente verdensmesterne i denne kunstformen.

Familien Puccini har lenge vært assosiert med kirkemusikk men da Giacomo først hørte opera Aida Verdi, han innså at dette var hans kall.

Etter å ha studert i Milano komponerer Puccini en opera Manon Lesko, som ga ham hans første store suksess i 1893. Etter det fulgte en vellykket produksjon etter den andre: Böhmen i 1896, Lengter i 1900 og Madama Butterfly i 1904.

Totalt komponerte Puccini tolv operaer, hvorav den siste var Turandot. Han døde uten å fullføre denne komposisjonen, og en annen komponist fullførte verket. Ved operaens premiere stoppet dirigent Arturo Toscanini orkesteret akkurat der Puccini slapp. Han snudde seg mot publikum og sa:

«Her har døden seiret over kunsten».

Med Puccinis død endte storhetstiden til operakunsten i Italia. Boken vår vil ikke lenger nevne italiensk operakomponister. Men hvem vet hva fremtiden bringer for oss?

I livet Gustav Mahler Han var bedre kjent som dirigent enn som komponist. Han dirigerte om vinteren, og om sommeren foretrakk han som regel å skrive.

Som barn skal Mahler ha funnet et piano på loftet til bestemorens hus. Fire år senere, i en alder av ti år, ga han allerede sin første forestilling.

Mahler studerte ved konservatoriet i Wien, hvor han begynte å komponere musikk. I 1897 ble han direktør for Wiens statsopera og i løpet av de neste ti årene fikk han betydelig berømmelse på dette feltet.

Selv begynte han å skrive tre operaer, men ble aldri ferdig med dem. I vår tid er han mest kjent som komponist av symfonier. I denne sjangeren eier han en av de virkelige "hitene" - Symfoni nr. 8, i forestillingen som mer enn tusen musikere og sangere er involvert.

Etter Mahlers død gikk musikken hans av moten i femti år, men i andre halvdel av 1900-tallet gjenvant den popularitet, spesielt i Storbritannia og USA.

Richard Strauss ble født i Tyskland og tilhørte ikke Wiener Strauss-dynastiet. Til tross for at denne komponisten levde nesten hele første halvdel av 1900-tallet, regnes han fortsatt som en representant for tysk musikalsk romantikk.

Den verdensomspennende populariteten til Richard Strauss led noe av det faktum at han bestemte seg for å bli i Tyskland etter 1939, og etter andre verdenskrig ble han fullstendig anklaget for å samarbeide med nazistene.

Strauss var en utmerket dirigent, takket være at han perfekt forsto hvordan dette eller det instrumentet i orkesteret skulle høres ut. Han brukte ofte denne kunnskapen i praksis. Han ga også forskjellige råd til andre komponister, for eksempel:

"Aldri se på tromboner, du bare oppmuntrer dem."

«Ikke svett mens du opptrer; bare lytterne skal bli varme.»

I dag huskes Strauss først og fremst i forbindelse med komposisjonen hans Slik sa Zarathustra, introen som Stanley Kubrick brukte i sin film 2001: A Space Odyssey. Men han skrev også noen av de beste tyske operaene, blant dem - Rosenkavalier, Salome Og Ariadne på Naxos. Et år før sin død komponerte han også veldig vakkert Fire siste sanger for stemme og orkester. Egentlig var dette ikke de siste sangene til Strauss, men de ble en slags finale av hans kreative aktivitet.

Til nå, blant komponistene som er nevnt i denne boken, var det bare én representant for Skandinavia - Edvard Grieg. Men nå er vi igjen fraktet til dette harde og kalde landet – denne gangen til Finland, hvor Jean Sibelius, stort musikalsk geni.

Musikken til Sibelius absorberte mytene og legendene fra hans hjemland. Hans største verk Finland, regnes som legemliggjørelsen av finnenes nasjonale ånd, akkurat som i Storbritannia er verkene til Elgar anerkjent som en nasjonal skatt. I tillegg var Sibelius, i likhet med Mahler, en sann symfonimester.

Når det gjelder komponistens andre lidenskaper, var han i sitt daglige liv overdrevent glad i å drikke og røyke, slik at han i en alder av førti år ble syk av strupekreft. Han manglet også ofte penger, og staten ga ham pensjon slik at han kunne fortsette å skrive musikk uten å bekymre seg for sin økonomiske ve og vel. Men mer enn tjue år før hans død sluttet Sibelius å komponere noe som helst. Han levde resten av livet i relativ ensomhet. Han var spesielt hard mot de som fikk penger for anmeldelser av musikken hans:

«Ikke ta hensyn til hva kritikerne sier. Så langt har ikke en eneste kritiker fått en statue.»

Den siste på vår liste over romantiske komponister levde også til nesten midten av 1900-tallet, selv om han skrev de fleste av sine mest kjente verk på 1900-tallet. Og likevel er han rangert blant romantikerne, og det ser ut til at dette er mest romantisk komponist fra hele gruppen.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov ble født inn i en adelig familie, som på den tiden hadde brukt mye penger. Han utviklet interesse for musikk så tidlig som tidlig barndom, og foreldrene hans sendte ham for å studere, først i St. Petersburg, og deretter i Moskva.

Rachmaninov var en overraskende talentfull pianist, og han viste seg også å være en fantastisk komponist.

Min Pianokonsert nr. 1 skrev han som nitten. Han fant også tid til sin første opera, Aleko.

Men denne store musikeren var som regel ikke spesielt fornøyd med livet. På mange av bildene ser vi en sint, rynket mann. En annen russisk komponist, Igor Stravinsky, sa en gang:

«Den udødelige essensen til Rachmaninoff var rynken hans. Han var seks og en halv fot med rynker... han var en fryktinngytende mann."

Da den unge Rachmaninoff spilte for Tsjaikovskij, var han så henrykt at han satte en femmer med fire plusser på arket med partituret sitt - den høyeste karakteren i Moskva-konservatoriets historie. Snart begynte hele byen å snakke om det unge talentet.

Likevel forble skjebnen ugunstig for musikeren i lang tid.

Kritikerne var veldig harde mot ham. Symfonier nr. 1, hvis premiere endte i fiasko. Dette ga Rachmaninov alvorlige følelsesmessige opplevelser, han mistet troen på sin egen styrke og kunne ikke komponere noe i det hele tatt.

Til slutt var det bare hjelpen fra en erfaren psykiater Nikolai Dahl som gjorde at han kunne komme seg ut av krisen. I 1901 hadde Rachmaninoff fullført pianokonserten, som han hadde jobbet hardt i mange år og dedikert til Dr. Dahl. Denne gangen hilste publikum komponistens verk med glede. Siden da Pianokonsert nr. 2 ble en favoritt en klassiker utført av ulike musikalske grupper Verdensomspennende.

Rachmaninoff begynte å turnere i Europa og USA. Da han kom tilbake til Russland, dirigerte og komponerte han.

Etter revolusjonen i 1917 dro Rachmaninov og familien på konserter i Skandinavia. Han kom aldri hjem. I stedet flyttet han til Sveits, hvor han kjøpte et hus ved bredden av Vierwaldstättersee. Han har alltid elsket vannmasser, og nå, da han ble en ganske rik mann, hadde han råd til å slappe av ved kysten og beundre åpningslandskapet.

Rachmaninoff var en utmerket dirigent og ga alltid følgende råd til de som ønsket å utmerke seg på dette feltet:

«En god dirigent må være en god sjåfør. Begge trenger de samme egenskapene: konsentrasjon, kontinuerlig intens oppmerksomhet og sinnets nærvær. Dirigenten trenger bare å kjenne musikken litt..."

I 1935 bestemte Rachmaninoff seg for å bosette seg i USA. Han bodde først i New York, og flyttet deretter til Los Angeles. Der begynte han å bygge for seg selv nytt hus, helt identisk med det han etterlot seg i Moskva.

Med alderen dirigerte Rachmaninoff mindre og mindre og sluttet nesten helt å komponere musikk. Han nådde toppen av sin berømmelse som en utmerket pianist.

Til tross for hjemlengselen likte Rachmaninov USA. Han var stolt av sin enorme Cadillac og inviterte ofte gjester på en biltur bare for å vise frem bilen sin.

Rett før hans død fikk Rachmaninoff amerikansk statsborgerskap. I dette landet ble han gravlagt.

Vi har viet mye mer oppmerksomhet til den romantiske perioden i vår bok enn til alle andre perioder av klassisk musikk.

I denne epoken skjedde det så mange interessante ting i forskjellige land at det rett og slett er umulig å fortelle om alt i en liten artikkel. Klassisk musikk har endret seg mye, det samme har lyden, som har blitt takket være stor symfoniorkestre rikere og mer intens. På mange måter er verkene til Rachmaninoff det perfekte eksempelet på denne lyden. Sammenligner vi det med Beethoven, blir det tydelig hvor storslåtte endringene var.

Men uansett hvor betydelige de samme endringene som fant sted i musikkens verden i løpet av rundt åtti år av romantikken, kan de ikke sammenlignes med det som skjedde senere. Og i fremtiden ble musikken enda mer mangfoldig og uvanlig – noe som etter vår mening ikke alltid gikk i dens favør.