hjem › Kropp › Japansk kunst - Historie - Introduksjon - Underholdende Japan - LiveJournal. Hemmeligheten bak storheten til de viktigste verkene til japansk kunst japansk kunst

Japansk kunst - Historie - Introduksjon - Underholdende Japan - LiveJournal. Hemmeligheten bak storheten til de viktigste verkene til japansk kunst japansk kunst

Dannelsen av teseremonien (chanoyu) som et av de største fenomenene i japansk kultur fant sted i en svært vanskelig, urolig tid for landet, da innbyrdes blodige kriger og feider mellom føydale klaner gjorde folks liv uutholdelige. Te-seremonien oppsto under påvirkning av zen-buddhismens estetikk og filosofi og forsøkte å motvirke stemningen av håpløshet med tilbedelsen av skjønnheten.

På den tiden benyttet herskerne av militærklassen og velstående kjøpmenn seg for politiske og kommersielle diskusjoner ofte anledningen til å servere te. Det ble ansett som en raffinert nytelse å sitte i ro og mak i et stille terom, løsrevet fra livets bekymringer og bekymringer, og lytte til lyden av vann som koker på en brenner. Den store læreren Sen-no-Rikyu gjorde tedrikking til en kunst. Han var i stand til å utvikle teseremoniens kunst slik han gjorde, blant annet på grunn av den nevnte sosiale bakgrunnen som fantes.

Terommet bygget av Sen no Rikyu virket ved første øyekast veldig enkelt og til og med for lite. Men det var planlagt på den mest forsiktige måten, med fin lesbarhet, ned til minste detalj. Den var dekorert med skyvedører dekket med snøhvitt gjennomskinnelig japansk papir. Taket var ferdig med bambus eller tekke, og den åpne teksturen på veggene ble høyt verdsatt. Støttene var for det meste av tre, og beholdt sin naturlige bark. For å skape effekten av en eremitage i utformingen av terommet, ble all ubrukelig dekorasjon og overdreven dekorasjon forkastet.

I dag er teseremonien den mest karakteristiske, unik kunst. Det har spilt en viktig rolle i japanernes åndelige og sosiale liv i flere århundrer. Over tid ble ritualet til teseremonien kanonisert, rekkefølgen av handlinger og oppførsel ble gitt. Etter å ha gått inn i de enkle treportene, kastet gjestene seg inn i en spesiell verden, etterlot alt hverdagslig bak seg og i stille konsentrasjon adlød de bare handlingens lover.

Klassisk chanoyu er et strengt planlagt ritual der temesteren (personen som brygger og skjenker te) og de andre deltakerne i seremonien deltar. I hovedsak er en temester en prest som utfører en te-handling, resten er de som blir med ham. Alle har sin egen spesifikke atferdsstil, inkludert både holdningen når du sitter, og hver bevegelse, opp til ansiktsuttrykk og talemåte.

Under tedrikking holdes kloke taler, leses dikt, vurderes kunstverk. Buketter med blomster og spesielle redskaper for å brygge drikken velges med spesiell omhu for hver anledning.

Atmosfæren i seg selv skaper den passende stemningen, som er overraskende enkel og beskjeden: en kobbertekanne, kopper, en bambusrører, en teoppbevaringsboks osv. Japanerne liker ikke lyse, skinnende gjenstander, de er imponert over sløvhet. D. Tanizaki skriver om dette: «Europeere bruker servise laget av sølv, stål eller nikkel, poler det til en blendende glans, men vi tåler ikke en slik glans. Vi bruker også sølvgjenstander... men vi polerer dem aldri til en glans. Tvert imot gleder vi oss når denne glansen kommer fra overflaten til gjenstander, når de får et snev av resept, når de blir mørkere med tiden ... Vi elsker ting som bærer spor av menneskekjøtt, oljesot, forvitring og regn som svulmer opp. Alle gjenstander til teseremonien bærer preg av tid, men alle er ulastelig rene. Skumring, stillhet, den enkleste tekanne, en treskje for å skjenke te, en grov keramikkkopp - alt dette fascinerer de tilstedeværende.

Det viktigste elementet i interiøret i et tehus er en nisje - tokonoma. Den inneholder vanligvis en rulle med et maleri eller en kalligrafisk inskripsjon og en blomsterbukett, et røkelseskar med røkelse. Tokonoma ligger rett overfor inngangen og tiltrekker seg umiddelbart gjestenes oppmerksomhet. Tokonama-rullen er valgt med stor omhu og er et uunnværlig tema for diskusjon under seremonien. Den er skrevet i en zenbuddhistisk stil og med en så arkaisk kalligrafi at få kan skjønne og forstå betydningen av det som står, for eksempel: "Bambus er grønn, og blomster er røde", "Ting er ting, og dette er vakkert". !" eller "Vann er vann." De tilstedeværende blir forklart betydningen av disse ordtakene, utad enkle, men samtidig veldig dypt filosofisk. Noen ganger uttrykkes disse tankene i den poetiske formen av haiku, noen ganger gjenspeiles de i maleriet til den gamle mesteren, som regel i samsvar med prinsippet om "wabi".

I Japan er det mange former for teseremonien, men bare noen få er strengt etablert: nattte, soloppgangste, morgente, ettermiddagste, kveldste, spesiell te.

Natt-te begynner med månen. Gjestene kommer rundt halv tolv og drar rundt fire om morgenen. Vanligvis brygges pulverisert te, som tilberedes foran gjestene: bladene frigjøres fra årer og males til pulver i en morter. Denne teen er veldig sterk, den serveres ikke på tom mage. Derfor blir gjestene i starten behandlet med litt annerledes mat. Te drikkes ved soloppgang rundt tre eller fire om morgenen. Gjestene blir på samme tid til klokken seks. Morgente praktiseres i varmt vær, gjestene samles klokken seks om morgenen. Ettermiddagste serveres vanligvis kun med kaker rundt kl. Kveldste starter rundt 18.00. Et spesielt teselskap (rinjitya-noyu) arrangeres ved alle spesielle anledninger: møte med venner, ferier, skiftende sesonger, etc.

I følge japanerne bringer teseremonien frem enkelhet, naturlighet, ryddighet. Dette er selvfølgelig sant, men det er mer ved teseremonien. Ved å introdusere folk til et veletablert ritual, blir de vant til streng orden og ubetinget oppfyllelse av sosiale regler. Te-seremonien er et av de viktigste grunnlagene for å dyrke nasjonale følelser.

Japan er et fantastisk østland som ligger på øyene. Et annet navn for Japan er Land of the Rising Sun. Det milde varme fuktige klimaet, fjellkjedene av vulkaner og sjøvann skaper storslåtte landskap som unge japanere vokser opp blant, noe som utvilsomt setter et avtrykk på kunsten til denne lille staten. Her blir folk fra en tidlig alder vant til skjønnhet, og friske blomster, prydplanter og små hager med innsjø er en egenskap ved hjemmene deres. Alle prøver å organisere et stykke dyreliv for seg selv. Som alle østlige nasjonaliteter, har japanerne beholdt en forbindelse med naturen, som er æret og respektert gjennom århundrene av eksistensen av deres sivilisasjon.

Luftfukting: WINIX WSC-500 luftvasker genererer fine vannpartikler. Driftsmoduser for en vask av Winix WSC-500: En vask med luft "WINIX WSC-500" har en praktisk automatisk driftsmodus. Samtidig opprettholdes den mest optimale og komfortable luftfuktigheten i rommet - 50-60%, og plasmaluftrensing og ioniseringsmodus ("Plasma Wave™") er aktivert som standard.

japansk arkitektur

I lang tid Japan ble ansett som et lukket land, kontaktene var kun med Kina og Korea. Derfor skjedde deres utvikling langs sin egen spesielle vei. Senere, da forskjellige innovasjoner begynte å trenge inn i øyenes territorium, tilpasset japanerne dem raskt for seg selv og gjenskapte dem på sin egen måte. Den japanske arkitektoniske stilen er hus med massive buede tak som lar deg beskytte deg mot konstant kraftig regn. Det virkelige kunstverket er keiserlige palasser med hager og paviljonger.

Av tilbedelsesstedene som finnes i Japan, kan man skille shintotempler i tre, buddhistiske pagoder og buddhistiske tempelkomplekser som har overlevd til i dag, som dukket opp i en senere periode av historien, da buddhismen kom inn i landet fra fastlandet og ble erklært som den statsreligion. Trebygninger, som du vet, er ikke holdbare og sårbare, men i Japan er det vanlig å gjenskape bygninger i sin opprinnelige form, så selv etter branner blir de gjenoppbygd i den formen de ble bygget i en gang.

Skulptur av Japan

Buddhismen hadde en sterk innflytelse på utviklingen av japansk kunst. Mange verk representerer bildet av Buddha, så mange statuer og skulpturer av Buddha ble laget i templene. De var laget av metall, tre og stein. Først en tid senere dukket det opp håndverkere som begynte å lage sekulære portrettskulpturer, men over tid forsvant behovet for dem, så oftere og oftere begynte skulpturelle relieffer med dype utskjæringer å bli brukt til å dekorere bygninger.

Miniatyr netsuke-skulptur regnes som den nasjonale kunstformen i Japan. Opprinnelig spilte slike figurer rollen som en nøkkelring, som var festet til beltet. Hver figur hadde et hull for en streng, som de nødvendige gjenstandene ble hengt på, siden klær på den tiden ikke hadde lommer. Netsuke-figurer avbildet sekulære karakterer, guder, demoner eller ulike gjenstander iført en spesiell hemmelig betydning for eksempel et ønske om familielykke. Netsuke er laget av tre, elfenben, keramikk eller metall.

Japansk kunst og håndverk

Produksjonen av kantede våpen ble hevet til rangering av kunst i Japan, noe som brakte produksjonen av samurai-sverdet til perfeksjon. Sverd, dolker, sverdrammer, elementer av kampammunisjon fungerte som en slags mannlige smykker, som angir tilhørighet til en klasse, så de ble laget dyktige håndverkere, dekorert med edelstener og utskjæringer. Også blant folks håndverk i Japan er produksjon av keramikk, lakk, veving og tresnitt håndverk. Japanske keramikere maler tradisjonell keramikk med ulike mønstre og glasurer.

Japansk maleri

Til å begynne med var japansk maleri dominert av en monokrom type malerier, tett sammenvevd med kalligrafikunsten. Begge ble skapt etter de samme prinsippene. Kunsten å lage maling, blekk og papir kom til Japan fra fastlandet. Som et resultat begynte det ny runde utvikling av malerkunsten. På den tiden var en av typene japansk maleri de lange horisontale rullene til emakinomo, som skildret scener fra Buddhas liv. Landskapsmaleriet i Japan begynte å utvikle seg mye senere, hvoretter det dukket opp kunstnere som spesialiserte seg på scener fra sekulært liv, skrive portretter og militærscener.

I Japan tegnet de vanligvis på sammenleggbare skjermer, shoji, vegger av hus og klær. Skjermen for japanerne er ikke bare et funksjonelt element i hjemmet, men også et kunstverk for kontemplasjon, som bestemmer den generelle stemningen i rommet. De nasjonale kimono-klærne tilhører også gjenstandene til japansk kunst, og har en spesiell orientalsk smak. Dekorative paneler på gullfolie ved bruk av lyse farger kan også tilskrives verkene til japansk maleri. Japanerne oppnådde stor dyktighet i å lage ukiyo-e, det såkalte tresnittet. Handlingen til slike malerier var episoder fra livet til vanlige borgere, kunstnere og geishaer, samt praktfulle landskap som ble resultatet av utviklingen av malerkunsten i Japan.

Den enorme regionen, konvensjonelt referert til som Fjernøsten, inkluderer Kina, Japan, Korea, Mongolia og Tibet – land som har en rekke likheter, men samtidig betydelige forskjeller i kultur.

Alle landene i Fjernøsten ble påvirket av de gamle sivilisasjonene i Kina og India, hvor det allerede i det 1. årtusen f.Kr. oppsto filosofiske og religiøse læresetninger som la grunnlaget for begrepet naturen som et omfattende kosmos – et levende og åndeliggjort. organisme som lever i henhold til sine egne lover. Naturen var i sentrum for de filosofiske og kunstneriske søkene i hele middelalderen, og dens lover ble ansett som universelle, og bestemte livet og forholdet til mennesker. Med de ulike manifestasjoner av naturen ble sammenlignet indre verden person. Dette påvirket utviklingen av den symbolske metoden i billedkunsten, og definerte dens allegoriske poetiske språk. I Kina, Japan og Korea, under påvirkning av en slik holdning til naturen, ble det dannet typer og sjangere av kunst, arkitektoniske ensembler ble bygget, nært knyttet til det omkringliggende landskapet, hagekunst og til slutt var det begynnelsen av landskapsmaleriet. Under påvirkning av gammel indisk sivilisasjon begynte buddhismen å spre seg, og hinduismen begynte også å spre seg i Mongolia og Tibet. Disse religiøse systemene brakte ikke bare nye ideer til landene i Fjernøsten, men hadde også en direkte innvirkning på utviklingen av kunst. Takket være buddhismen dukket det opp et tidligere ukjent nytt kunstnerisk språk for skulptur og maleri i alle land i regionen, og det ble opprettet ensembler, hvis karakteristiske trekk var samspillet mellom arkitektur og kunst.

Funksjoner ved bildet av buddhistiske guddommer i skulptur og maleri utviklet seg over mange århundrer som et spesielt symbolspråk som uttrykte ideer om universet, moralske lover og menneskets skjebne. Dermed ble den kulturelle opplevelsen og åndelige tradisjonene til mange folkeslag konsolidert og bevart. Bildene av buddhistisk kunst legemliggjorde ideene om konfrontasjonen mellom godt og ondt, barmhjertighet, kjærlighet og håp. Alle disse egenskapene bestemte originaliteten og den universelle betydningen av de enestående kreasjonene til den kunstneriske kulturen i Fjernøsten.

Japan ligger på øyene Stillehavet strekker seg langs østkysten av det asiatiske kontinentet fra nord til sør. De japanske øyene ligger i et område utsatt for hyppige jordskjelv og tyfoner. Innbyggerne på øyene er vant til hele tiden å være på vakt, være fornøyd med et beskjedent liv, raskt gjenopprette hjemmene og husholdningene sine etter naturkatastrofer. Til tross for de naturlige elementene som stadig truer menneskers velvære, gjenspeiler japansk kultur ønsket om harmoni med omverdenen, evnen til å se naturens skjønnhet i stort og smått.

I japansk mytologi ble de guddommelige ektefellene, Izanagi og Izanami, ansett som forfedrene til alt i verden. Fra dem kom en triade av store guder: Amaterasu - solens gudinne, Tsukiyomi - månens gudinne og Susanoo - stormens og vindens gud. I følge ideene til de gamle japanerne hadde ikke gudene et synlig utseende, men ble legemliggjort i naturen selv - ikke bare i solen og månen, men også i fjell og steiner, elver og fosser, trær og gress, som ble æret som ånder-kami (slovaker i oversettelse fra japansk betyr guddommelig vind). Denne guddommeliggjøringen av naturen vedvarte gjennom hele middelalderen og ble kalt Shinto - gudenes vei, og ble den japanske nasjonale religionen; Europeerne kaller det shinto. Opprinnelsen til japansk kultur er forankret i antikken. De tidligste kunstverkene dateres tilbake til det 4. ... 2. årtusen f.Kr. Den lengste og mest fruktbare for japansk kunst var perioden i middelalderen (6...1800-tallet).

Designet til et tradisjonelt japansk hus utviklet på 1600- og 1700-tallet. Det er en treramme med tre flyttbare vegger og en fast. Veggene har ikke funksjonene til en støtte, så de kan flyttes fra hverandre eller til og med fjernes, og fungerer som et vindu samtidig. I den varme årstiden var veggene en gitterstruktur, klistret over med gjennomskinnelig papir som slapp gjennom lyset, og i den kalde og regntunge årstiden ble de dekket eller erstattet med trepaneler. Med høy luftfuktighet i det japanske klimaet må huset ventileres nedenfra. Derfor er den hevet over bakkenivå med 60 cm For å beskytte støttesøylene mot forfall ble de installert på steinfundamenter.

Den lette trerammen hadde den nødvendige fleksibiliteten, noe som reduserte den destruktive kraften til skyvet under hyppige jordskjelv i landet. Taket, tegl eller siv, hadde store baldakiner som beskyttet husets papirvegger mot regn og stekende sommersol, men som ikke holdt tilbake lavt sollys om vinteren, tidlig på våren og sen høst. Under kalesjen på taket var det en veranda.

Gulvet i stuene var dekket med matter - tatami-matter, som de stort sett satt på, sto ikke. Derfor var alle proporsjonene i huset fokusert på en sittende person. Siden det ikke var faste møbler i huset, sov de på gulvet, på spesielle tykke madrasser, som ble satt bort i skapene på dagtid. De spiste, sittende på matter, ved lave bord, de serverte også til ulike aktiviteter. Glidende innvendige skillevegger, dekket med papir eller silke, kan dele seg innvendige rom avhengig av behovene, noe som gjorde det mulig å bruke det mer mangfoldig, men det var umulig for hver av innbyggerne å trekke seg helt tilbake inne i huset, noe som påvirket familieforholdet i den japanske familien, og i en mer generell forstand, på trekkene til japanernes nasjonale karakter. En viktig detalj i huset er en nisje som ligger nær den ubevegelige veggen - tokonama, hvor et bilde kan henge eller en komposisjon av blomster - ikebana kan stå. Det var husets åndelige sentrum. I dekorasjonen av nisjen ble de individuelle kvalitetene til innbyggerne i huset, deres smak og kunstneriske tilbøyeligheter manifestert.

En fortsettelse av det tradisjonelle japanske huset var en hage. Han spilte rollen som et gjerde og koblet samtidig huset med miljøet. Da husets yttervegger ble flyttet fra hverandre, forsvant grensen mellom husets indre rom og hagen og en følelse av nærhet til naturen ble det skapt direkte kommunikasjon med den. Dette var et viktig trekk ved den nasjonale holdningen. Imidlertid vokste de japanske byene, størrelsen på hagen ble redusert, ofte ble den erstattet av en liten symbolsk sammensetning av blomster og planter, som tjente den samme rollen som kontakt mellom boligen og den naturlige verden. japansk mytologi hus ikebana netsuke

Kunsten å arrangere blomster i vaser – ikebbna (blomsters liv) – går tilbake til den eldgamle skikken med å plassere blomster på alteret til en guddom, som spredte seg til Japan med buddhismen på 600-tallet. Oftest besto komposisjonen i den tidens stil - rikka (plantede blomster) - av en furu- eller sypressgren og lotus, roser, påskeliljer, installert i eldgamle bronsekar.

Med utvikling sekulær kultur i det 10. ... 12. århundre ble blomsterarrangementer installert i palasser og boligkvarter for representanter for den aristokratiske klassen. Ved det keiserlige hoff ble spesielle konkurranser i å arrangere buketter populære. I andre halvdel av 1400-tallet dukket det opp en ny retning i kunsten å ikebana, hvis grunnlegger var mesteren Ikenobo Sen'ei. Verkene til Ikenobo-skolen ble preget av sin spesielle skjønnhet og raffinement, de ble installert på hjemmealtere og presentert som gaver. På 1500-tallet, med spredningen av teseremonier, ble det dannet en spesiell type ikebana for å dekorere tokonoma-nisjen i tepaviljongen. Kravet om enkelhet, harmoni, beherskede farger, presentert for alle objekter av te-kulten, utvidet til utformingen av blomster - tyabana (ikebana for te-seremonien). Den berømte temesteren Senno Rikyu skapte en ny, friere stil - nageire (uforsiktig plasserte blomster), selv om det var i den tilsynelatende uorden den spesielle kompleksiteten og skjønnheten til bildene av denne stilen besto. En av typene nageire var den såkalte tsuribana, da plantene ble plassert i et opphengt kar i form av en båt. Slike komposisjoner ble tilbudt til en person som tiltrådte eller ble uteksaminert fra skolen, da de symboliserte "å gå ut i livets åpne hav". På 1600-...1800-tallet ble kunsten å ikebana utbredt, og det oppsto en skikk for obligatorisk opplæring av jenter i kunsten å lage buketter. På grunn av populariteten til ikebana ble imidlertid komposisjonene forenklet, og de strenge reglene for stilistikka måtte forlates til fordel for nageire, som en annen skilte seg ut fra. en ny stil seika eller shoka (levende blomster). På slutten av 1800-tallet skapte mester Ohara Usin moribana-stilen, hvor hovedinnovasjonen var at blomstene ble plassert i brede kar.

I sammensetningen av ikebana er det som regel tre obligatoriske elementer, som betegner de tre prinsippene: himmel, jord og menneske. De kan legemliggjøres som en blomst, gren og gress. Deres korrelasjon med hverandre og tilleggselementer skaper verk med forskjellig stil og innhold. Kunstnerens oppgave er ikke bare å lage en vakker komposisjon, men også å formidle sine egne tanker om en persons liv og hans plass i verden mest mulig i den. Verkene til fremragende ikebana-mestere kan uttrykke håp og tristhet, åndelig harmoni og tristhet.

I følge tradisjonen i ikebana er sesongen nødvendigvis gjengitt, og kombinasjonen av planter danner symbolske gode ønsker velkjent i Japan: furu og rose - lang levetid; peon og bambus - velstand og fred; krysantemum og orkide - glede; magnolia - åndelig renhet, etc.

Miniatyrskulptur - netsuke ble utbredt på 18-19 århundrer som en av typene kunst og håndverk. Utseendet skyldes det faktum at den nasjonale japanske kostymen - kimono - ikke har noen lommer og alt nødvendig små gjenstander(rør, pose, medisinboks) festes til beltet ved hjelp av en motvektsnøkkelring. Netsuke har derfor nødvendigvis et hull for blonder, ved hjelp av hvilken den ønskede gjenstanden festes til den. Nøkkelringer i form av pinner og knapper ble brukt før, men siden slutten av 1700-tallet har kjente mestere allerede jobbet med å lage netsuke, og satt sin signatur på verkene.

Netsuke er byklassens kunst, masse og demokratisk. I henhold til netsukes plot kan man bedømme byfolks åndelige behov, hverdagsinteresser, skikker og skikker. De trodde på ånder og demoner, som ofte ble avbildet i miniatyrskulpturer. De elsket figurene til de "syv lykkegudene", blant hvilke de mest populære var rikdomsguden Daikoku og lykkeguden Fukuroku. De konstante plottene med netsuke var følgende: en sprukket aubergine med mange frø inni - et ønske om et stort mannlig avkom, to ender - et symbol på familielykke. Et stort antall netsuke er viet til hverdagslige emner og Hverdagen byer. Dette er vandrende skuespillere og tryllekunstnere, gateselgere, kvinner som driver med ulike aktiviteter, vandrende munker, brytere, til og med nederlendere i sitt eksotiske, sett fra japanernes synspunkt, klær - bredbremmede hatter, camisoles og bukser. Utmerket av tematisk mangfold, beholdt netsuke sin opprinnelige funksjon som en nøkkelring, og dette formålet dikterte håndverkerne en kompakt form uten skjøre utstikkende detaljer, avrundet, behagelig å ta på. Materialvalget henger også sammen med dette: ikke veldig tung, slitesterk, bestående av ett stykke. De vanligste materialene var ulike typer tre, elfenben, keramikk, lakk og metall.

Japansk maleri er svært mangfoldig, ikke bare i innhold, men også i form: dette er veggmalerier, skjermmalerier, vertikale og horisontale ruller, utført på silke og papir, albumark og vifter.

OM gammelt maleri kan kun bedømmes etter referanser i skriftlige dokumenter. De tidligste bevarte fremragende verkene dateres tilbake til Heian-perioden (794-1185). Dette er illustrasjoner av den berømte "The Tale of Prince Genji" av forfatteren Murasaki Shikibu. Illustrasjonene er laget på flere horisontale ruller og supplert med tekst. De tilskrives børsten til kunstneren Fujiwara Takayoshi (første halvdel av 1100-tallet).

Et karakteristisk trekk ved kulturen i den tiden, skapt av en ganske smal krets av den aristokratiske klassen, var skjønnhetskulten, ønsket om å finne i alle manifestasjoner av materiell og åndelig liv deres iboende sjarm, noen ganger unnvikende og unnvikende. Maleriet fra den tiden, senere kalt yamato-e (bokstavelig talt japansk maleri), formidlet ikke en handling, men en sinnstilstand. Da de harde og modige representantene for militærklassen kom til makten, begynte kulturen i Heian-tiden å avta. I maleriet på rullene ble det narrative prinsippet etablert: dette er legender om mirakler fulle av dramatiske episoder, biografier om forkynnere av den buddhistiske troen, scener med krigerslag. I løpet av 14-15 århundrer, under påvirkning av læren til Zen-sekten, med sin spesielle oppmerksomhet på naturen, begynte landskapsmaleriet å utvikle seg (opprinnelig under påvirkning av kinesiske modeller).

I halvannet århundre mestret japanske kunstnere det kinesiske kunstsystemet, og gjorde monokromatisk landskapsmaling til en arv. nasjonal kunst. Dens høyeste blomstring er assosiert med navnet på en enestående Toyo-mestere Oda (1420...1506), bedre kjent under pseudonymet Sesshu. I landskapene sine, ved å bruke bare de fineste nyansene av svart blekk, klarte han å reflektere hele den flerfargede naturen til den naturlige verden og dens utallige tilstander: en atmosfære mettet med fuktighet tidlig vår, den usynlige, men følte vinden og kalde høstregnet, vinterens ubevegelige stillhet.

1500-tallet åpner æraen for den såkalte senmiddelalderen, som varte i tre og et halvt århundre. På denne tiden ble veggmalerier utbredt og dekorerte palassene til herskerne i landet og store føydale herrer. En av grunnleggerne av den nye retningen innen maleri var den berømte mesteren Kano Eitoku, som levde i andre halvdel av 1500-tallet. Tregravering (xylografi), som blomstret på 18-19 århundrer, ble en annen type kunst i middelalderen. Gravering, som sjangermaleri, ble kalt ukiyo-e (bilder av hverdagens verden). I å lage en gravering, i tillegg til kunstneren som laget tegningen og skrev navnet sitt på ferdig ark, involvert en skjærer og en skriver. Først var graveringen monofonisk, den ble malt for hånd av kunstneren selv eller av kjøperen. Så ble trykk i to farger oppfunnet, og i 1765 brukte kunstneren Suzuki Harunobu (1725-1770) først flerfargetrykk. For å gjøre dette plasserte skjæreren et kalkerpapir med et mønster på et spesiallaget langsgående sagbrett (fra pære, kirsebær eller japansk buksbom) og kuttet ut det nødvendige antallet trykte brett, avhengig av fargeskjemaet til graveringen. Noen ganger var det mer enn 30 av dem. Etter det laget skriveren, ved å velge de riktige nyanser, utskrifter på spesialpapir. Hans ferdighet var å oppnå en nøyaktig match av konturene til hver farge, hentet fra forskjellige treplater. Alle graveringene ble delt inn i to grupper: teatralsk, som skildret skuespillerne i det japanske klassiske Kabuki-teatret i forskjellige roller, og hverdagsskriving, dedikert til skildringen av skjønnheter og scener fra deres liv. Den mest kjente mesteren av teatergravering var Toshyushay Syaraku, som avbildet ansiktene til skuespillerne i nærbilde, og understreket funksjonene i rollen de spilte, de karakteristiske trekkene til personen reinkarnert som stykkets karakter: sinne, frykt, grusomhet, bedrag.

Slike fremragende kunstnere som Suzuki Harunobu og Kitagawa Utamaro ble kjent i hverdagsgravering. Utamaro var skaperen kvinnelige bilder legemliggjør det nasjonale skjønnhetsidealet. Heltinnene hans ser ut til å ha frosset et øyeblikk og vil nå fortsette sin jevne, grasiøse bevegelse. Men denne pausen er det mest uttrykksfulle øyeblikket når hodets vipping, håndens gest, silhuetten av figuren formidler følelsene de lever i.

av de fleste kjent mester graveringer var strålende kunstner Katsushika Hokusai (1776-1849). Hokusais arbeid er basert på den hundre år gamle billedkulturen i Japan. Hokusai laget over 30 000 tegninger og illustrerte rundt 500 bøker. Allerede sytti år gammel skapte Hokusai et av de mest betydningsfulle verkene - en serie med "36 Views of Fuji", som lar ham settes på linje med verdens mest fremragende kunstnere. Ved å vise Mount Fuji - det nasjonale symbolet til Japan - fra forskjellige steder, avslører Hokusai for første gang bildet av moderlandet og bildet av folket i deres enhet. Kunstneren så livet som en enkelt prosess i alle mangfoldet av dets manifestasjoner, alt fra de enkle følelsene til en person, hans daglige aktiviteter og slutter med den omkringliggende naturen med dens elementer og skjønnhet. Arbeidet til Hokusai, som absorberte den flere hundre år gamle erfaringen med kunsten til hans folk, er den siste toppen i kunstnerisk kultur middelalderens Japan, dets bemerkelsesverdige resultat.

Hallo, kjære lesere søkere etter kunnskap og sannhet!

Japanske kunstnere utmerker seg ved sin unike stil, finpusset av generasjoner av mestere. I dag skal vi snakke om de lyseste representantene for japansk maleri og deres malerier, fra antikken til moderne tid.

Vel, la oss stupe inn i kunsten til Land of the Rising Sun.

Kunstens fødsel

Den eldgamle malekunsten i Japan er først og fremst assosiert med skrivingens særegenheter og er derfor basert på det grunnleggende om kalligrafi. De første eksemplene inkluderer fragmenter av bronseklokker, fat og husholdningsartikler funnet under utgravninger. Mange av dem ble malt naturlige malinger, og studier gir grunn til å tro at produktene ble laget tidligere enn 300 f.Kr.

Et nytt stadium i utviklingen av kunst begynte med ankomsten til Japan. På emakimono - spesielle papirruller - bilder av gudene til det buddhistiske panteonet, ble scener fra livet til læreren og hans tilhengere brukt.

Overvekten av religiøse temaer i maleri kan spores i middelalderens Japan, nemlig fra 900- til 1400-tallet. Navnene på kunstnerne fra den tiden til i dag, dessverre, er ikke bevart.

I perioden 15-18 århundrer begynner en ny tid, preget av utseendet til kunstnere med en utviklet individuell stil. De markerte vektoren for videre utvikling av kunst.

Lyse representanter for fortiden

Tense Shubun (tidlig på 1400-tallet)

For å bli en fremragende mester studerte Xubong kinesiske Sung-kunstneres skriveteknikker og deres arbeid. Deretter ble han en av grunnleggerne av maleriet i Japan og skaperen av sumi-e.

Sumi-e er en kunststil som er basert på blekktegning, som betyr én farge.

Shubun gjorde mye for å få den nye stilen til å slå rot i kunstneriske kretser. Han lærte kunst til andre talenter, inkludert fremtidige kjente malere som Sesshu.

Shubuns mest populære maleri heter "Reading in the Bamboo Grove".

"Reading in the Bamboo Grove" av Tense Shubun

Hasegawa Tohaku (1539–1610)

Han ble skaperen av skolen, oppkalt etter seg selv - Hasegawa. Først prøvde han å følge kanonene til Kano-skolen, men etter hvert begynte hans individuelle "håndskrift" å spores i verkene hans. Tohaku ble guidet av Sesshus grafikk.

Grunnlaget for arbeidet var enkle, konsise, men realistiske landskap med ukompliserte navn:

"furu";
"Lønnetre";
Furu og blomstrende planter.

Pines, Hasegawa Tohaku

Brødrene Ogata Korin (1658-1716) og Ogata Kenzan (1663-1743)

Brødrene var utmerkede håndverkere på 1700-tallet. Den eldste, Ogata Korin, viet seg helt til maleriet og grunnla rimpa-sjangeren. Han unngikk stereotype bilder, og foretrakk den impresjonistiske sjangeren.

Ogata Korin malte naturen generelt og blomster i form av lyse abstraksjoner spesielt. Penstene hans tilhører maleriet:

"Plum blomst rød og hvit";
"Bølger av Matsushima";
"Krysantemum".

Waves of Matsushima av Korin Ogata

Den yngre broren - Ogata Kenzan - hadde mange aliaser. Han var i hvert fall engasjert i maleri, men han var mer kjent som en fantastisk keramiker.

Ogata Kenzan mestret mange keramikkteknikker. Han ble preget av en ikke-standard tilnærming, for eksempel laget han plater i form av en firkant.

Eget maleri ble ikke preget av prakt - dette var også dets egenart. Han likte å sette kalligrafi på produkter som en rulle eller utdrag fra poesi. Noen ganger jobbet de sammen med broren.

Katsushika Hokusai (1760–1849)

Han arbeidet i stil med ukiyo-e – et slags tresnitt, med andre ord graveringsmaleri. For hele kreativitetens tid endret han rundt 30 navn. Det mest kjente verket er Den store bølgen utenfor Kanagawa, takket være at han ble berømt utenfor hjemlandet.

"Den store bølgen utenfor Kanagawa" av Hokusai Katsushika

Spesielt hardt begynte Hokusai å jobbe etter 60 år, noe som ga gode resultater. Van Gogh, Monet, Renoir var kjent med arbeidet hans, og til en viss grad påvirket det arbeidet til europeiske mestere.

Ando Hiroshige (1791-1858)

En av de største artistene 1800-tallet. Født, bodde, jobbet i Edo, fortsatte arbeidet til Hokusai, ble inspirert av arbeidet hans. Måten han fremstilte naturen på er nesten like slående som selve antallet verk.

Edo er det tidligere navnet på Tokyo.

Her er noen figurer om arbeidet hans, som er representert av en syklus av malerier:

5,5 tusen - antall alle graveringer;
“100 visninger av Edo;
"36 utsikt over Fuji";
"69 Kisokaido-stasjoner";
"53 Tokaido-stasjoner".

Maleri av Ando Hiroshige

Interessant nok skrev den fremragende Van Gogh et par kopier av graveringene hans.

Modernitet

Takashi Murakami

Maler, skulptør, motedesigner, han fikk et navn allerede på slutten av 1900-tallet. I sitt arbeid følger han motetrender med elementer av klassikerne, og henter inspirasjon fra anime- og manga-tegneserier.

Maleri av Takashi Murakami

Verkene til Takashi Murakami er klassifisert som en subkultur, men samtidig er de utrolig populære. For eksempel, i 2008 ble et av verkene hans kjøpt på auksjon for mer enn 15 millioner dollar. På en gang jobbet den moderne skaperen sammen med motehusene «Marc Jacobs» og «Louis Vuitton».

Tycho Asima

Hun er en kollega til en tidligere kunstner, og lager moderne surrealistiske malerier. De skildrer utsikt over byer, gater i megabyer og skapninger som fra et annet univers - spøkelser, onde ånder, fremmede jenter. I bakgrunnen av maleriene kan du ofte se den uberørte, noen ganger til og med skremmende naturen.

Maleriene hennes når store størrelser og er sjelden begrenset til papirmedier. De overføres til lær, plastmaterialer.

I 2006, som en del av en utstilling i den britiske hovedstaden, skapte en kvinne rundt 20 buede strukturer som reflekterte skjønnheten i landsbyens og byens natur, dag og natt. En av dem dekorerte T-banestasjonen.

Hei Arakawa

Den unge mannen kan ikke bare kalles en kunstner i ordets klassiske forstand – han lager installasjoner som er så populære i det 21. århundres kunst. Temaene for utstillingene hans er virkelig japanske og berører vennlige forhold, så vel som arbeidet til hele teamet.

Ei Arakawa deltar ofte på ulike biennaler, for eksempel i Venezia, er utstilt i Museum of Modern Art i sitt hjemland, og mottar fortjent ulike priser.

Ikenaga Yasunari

Den moderne maleren Ikenaga Yasunari klarte å kombinere to tilsynelatende uforenlige ting: livet til dagens jenter i portrettform og de tradisjonelle teknikkene i Japan kommer fra antikken. I sitt arbeid bruker maleren spesielle børster, naturlig pigmentert maling, blekk og kull. I stedet for det vanlige lin - linstoff.

Ikenaga Yasunari-maleri

Denne teknikken for å kontrastere den avbildede epoken og utseendet til heltinnene skaper inntrykk av at de har kommet tilbake til oss fra fortiden.

En serie malerier om kompleksiteten i en krokodilles liv, som nylig har blitt populær i internettsamfunnet, ble også laget av den japanske tegneserieskaperen Keigo.

Konklusjon

Så japansk maleri oppsto rundt det 3. århundre f.Kr., og har endret seg mye siden den gang. De første bildene ble brukt på keramikk, deretter begynte buddhistiske motiver å råde i kunsten, men navnene på forfatterne har ikke overlevd til i dag.

I New Age-tiden fikk børstens mestere mer og mer individualitet, skapte forskjellige retninger, skoler. Dagens visuelle kunst er ikke begrenset til tradisjonelt maleri – installasjoner, karikaturer, kunstskulpturer, spesielle strukturer brukes.

Tusen takk for oppmerksomheten, kjære lesere! Vi håper du fant artikkelen vår nyttig, og historier om livet og arbeidet de flinkeste representantene kunst gjorde det mulig å bli bedre kjent med dem.

Selvfølgelig er det vanskelig å fortelle i én artikkel om alle kunstnerne fra antikken til i dag. La derfor dette være det første skrittet mot kunnskapen om japansk maleri.

Og bli med – abonner på bloggen – vi skal studere buddhismen og østens kultur sammen!

Siden antikken har japansk kunst vært preget av aktiv kreativitet. Til tross for avhengigheten av Kina, hvor nye kunstneriske og estetiske trender stadig dukket opp, introduserte japanske kunstnere alltid nye funksjoner og endret kunsten til lærerne sine, og ga den et japansk utseende.

Japans historie som sådan begynner å ta bestemte former først på slutten av 500-tallet. Relativt få gjenstander som dateres tilbake til tidligere århundrer (den arkaiske perioden) er funnet, selv om noen funn gjort under utgravninger eller under byggearbeid taler om bemerkelsesverdig kunstnerisk talent.

arkaisk periode.

De eldste verkene av japansk kunst er leirpotter av typen Jomon (snoravtrykk). Navnet kommer fra dekorasjonen av overflaten med spiralavtrykk av en snor viklet rundt stokkene som skipsføreren brukte til å lage fartøyet. Kanskje til å begynne med oppdaget mesterne ved et uhell utskrifter av fletteverk, men så begynte de å bruke dem bevisst. Noen ganger satt snorlignende leirkrøller fast på overflaten, noe som skapte en mer kompleks dekorativ effekt, nesten en lettelse. Den første japanske skulpturen oppsto i Jomon-kulturen. Dogu (lett. "leirebilde") av en person eller et dyr hadde sannsynligvis en slags religiøs betydning. Bilder av mennesker, for det meste kvinner, ligner veldig på leirgudinnene til andre primitive kulturer.

Radiokarbonanalyse viser at noen funn fra Jomon-kulturen kan dateres tilbake til 6-5 tusen f.Kr., men en slik tidlig datering er ikke generelt akseptert. Selvfølgelig ble slike retter laget i lang tid, og selv om nøyaktige datoer ennå ikke kan fastslås, skilles tre perioder. De eldste prøvene har en spiss base og er nesten usmykkede, bortsett fra sporene etter et keramikerredskap. Fartøyer fra middelperioden er rikere ornamentert, noen ganger med støpte elementer som skaper inntrykk av volum. Formene til karene i den tredje perioden er svært forskjellige, men dekoren flater ut igjen og blir mer tilbakeholden.

Omtrent på 200-tallet. f.Kr. Jōmon-keramikk ga plass for Yayoi-keramikk, preget av eleganse i form, enkel design og høy teknisk kvalitet. Skåret av karet ble tynnere, ornamentet mindre snodig. Denne typen hersket frem til det 3. århundre. AD

Fra et kunstnerisk synspunkt er kanskje de beste verkene fra den tidlige perioden khaniwa, leirsylindere som dateres fra det 3.-5. århundre. AD Karakteristiske monumenter fra denne epoken er enorme åser, eller gravhauger, gravstrukturer av keisere og mektig adel. Ofte svært store, de er bevis på makten og rikdommen til den keiserlige familien og hoffmenn. Byggingen av en slik struktur for keiser Nintoku-tenno (ca. 395-427 e.Kr.) krevde 40 år. Det mest bemerkelsesverdige ved disse gravene var leiresylindere som omringet dem som et gjerde, khaniva. Vanligvis var disse sylindrene ganske enkle, men noen ganger var de dekorert med menneskelige figurer, sjeldnere med figurer av hester, hus eller haner. Deres formål var todelt: å forhindre erosjon av enorme jordmasser og å forsyne den avdøde med alt nødvendig som han brukte i jordelivet. Naturligvis ble sylindrene laget umiddelbart i store mengder. Variasjonen av temaer, ansiktsuttrykk og gester til figurene som dekorerer dem, er i stor grad et resultat av mesterens improvisasjon. Til tross for at dette er mer verk av håndverkere, snarere enn kunstnere og skulptører, er de av stor betydning som en skikkelig japaner kunstform. Bygninger, hester pakket inn i tepper, prime damer og krigere representerer interessant bilde militærlivet i det tidlige føydale Japan. Det er mulig at prototypene til disse sylindrene dukket opp i Kina, hvor forskjellige gjenstander ble plassert direkte i begravelser, men utførelsen og bruken av haniwa tilhører den lokale tradisjonen.

Den arkaiske perioden blir ofte sett på som en tid blottet for verk av høyt kunstnerisk nivå, en tid med dominans av ting som hovedsakelig har arkeologisk og etnologisk verdi. Imidlertid bør det huskes at verkene til denne tidlige kulturen som helhet hadde en stor vitalitet, siden deres former overlevde og fortsatte å eksistere som spesifikke nasjonale kjennetegn Japansk kunst i senere perioder.

Asuka-perioden

(552-710 e.Kr.). Introduksjon av buddhismen i midten av det 6. århundre. gjorde betydelige endringer i japanernes livsstil og tenkning og ble drivkraften for utviklingen av kunsten i denne og påfølgende perioder. Buddhismens ankomst fra Kina gjennom Korea er tradisjonelt datert til 552 e.Kr., men det var sannsynligvis kjent tidligere. I de første årene møtte buddhismen politisk motstand, motstand mot den nasjonale religionen Shinto, men etter bare noen tiår fikk den nye troen offisiell godkjenning og ble endelig etablert. I de første årene av sin penetrasjon i Japan var buddhismen en relativt enkel religion med et lite antall guddommer som trengte bilder, men etter omtrent hundre år fikk den styrke og pantheonet vokste enormt.
I løpet av denne perioden ble templer grunnlagt, som ikke bare tjente formålet med å fremme troen, men var sentre for kunst og utdanning. Klostertempelet ved Horyu-ji er et av de viktigste for studiet av tidlig buddhistisk kunst. Blant andre skatter er det en statue av den store triaden Syaka-Nerai (623 e.Kr.). Dette verket av Tori Busshi, den første store japanske billedhuggeren vi kjenner til, er et stilisert bronsebilde, som ligner på lignende grupper i de store huletempelene i Kina. Strenge frontalitet er observert i posituren til den sittende Shaki (japansk transkripsjon av ordet "shakyamuni", den historiske Buddha) og to figurer som står på siden av ham. Skjemaer menneskelig skikkelse skjult av tunge symmetriske folder av skjematisk gjengitte klær, og i glatte langstrakte ansikter kan man føle en drømmende selvopptatthet og kontemplasjon. Skulpturen fra denne første buddhistiske perioden er basert på stilen og prototypene fra fastlandet for femti år siden; den følger trofast den kinesiske tradisjonen som kom til Japan gjennom Korea.

Noen av de viktigste skulpturene på denne tiden var laget av bronse, men det ble også brukt tre. De to mest kjente treskulpturene er statuer av gudinnen Kannon: Yumedono Kannon og Kudara Kannon, begge i Horyuji. De er et mer attraktivt objekt for tilbedelse enn Shaki-triaden, med sine arkaiske smil og drømmende uttrykk. Selv om arrangementet av brettene til kappene i Kannon-figurene også er skjematisk og symmetrisk, er de lettere og fulle av bevegelse. Høy slanke figurer understreke åndeligheten til ansikter, deres abstrakte vennlighet, fjernt fra alle verdslige bekymringer, men følsomme for lidelsens bønner. Skulptøren ga litt oppmerksomhet til konturene av figuren til Kudara Kannon, skjult av brettene på klærne, og i motsetning til den taggete silhuetten til Yumedono, er bevegelsen til både figuren og stoffet rettet i dybden. I Kudars profil har Kannon en grasiøs S-form.

Det eneste overlevende eksemplet på maleri som gir en ide om stilen på begynnelsen av 700-tallet er Tamamushi Zushi, den "bevingede helligdommen". Denne miniatyrhelligdommen har fått navnet sitt fra de iriserende billevingene satt inn i en perforert metallramme; senere ble den dekorert med religiøse komposisjoner og figurer av individuelle karakterer, laget med farget lakk. I likhet med denne periodens skulptur viser noen av bildene stor designfrihet.

Nara-perioden

(710-784). I 710 ble hovedstaden flyttet til Nara, en ny by etter modell av den kinesiske hovedstaden Chang'an. Det var brede gater, store palasser, mange buddhistiske templer. Ikke bare buddhismen i alle dens aspekter, men hele det kinesiske kulturelle og politiske livet ble sett på som et forbilde. Ingen andre land har kanskje følt sin egen kulturs utilstrekkelighet i så stor grad og har ikke vært så utsatt for påvirkning utenfra. Forskere og pilegrimer beveget seg fritt mellom Japan og fastlandet, og administrasjon og palassliv ble modellert etter Kina under Tang-dynastiet. Imidlertid må det huskes at, til tross for å imitere modellene til Tang Kina, spesielt innen kunst, og oppfattet dens innflytelse og stil, tilpasset japanerne nesten alltid utenlandske former til sine egne.

I skulpturen ga den strenge frontaliteten og symmetrien fra forrige Asuka-periode plass til friere former. Utviklingen av ideer om gudene, økt teknisk dyktighet og frihet til å eie materialet tillot kunstnere å skape tettere og mer tilgjengelige ikoniske bilder. Grunnleggelsen av nye buddhistiske sekter utvidet pantheonet til å omfatte til og med helgenene og grunnleggerne av buddhismen. I tillegg til bronseskulptur er det kjent et stort antall verk laget av tre, leire og lakk. Steinen var sjelden og nesten aldri brukt til skulptur. Tørr lakk var spesielt populær, kanskje fordi, til tross for kompleksiteten i prosessen med å forberede komposisjonen, verk laget av den så mer spektakulært ut enn tre og var sterkere enn leireprodukter som var lettere å produsere. Lakkfigurer ble dannet på en tre- eller leirbunn, som så ble fjernet, eller på tre- eller trådbeslag; de var lette og sterke. Selv om denne teknikken dikterte en viss stivhet i positurene, ble det tillatt en stor del av friheten i avbildningen av ansikter, noe som delvis bidro til utviklingen av det som kan kalles en egentlig portrettskulptur. Bildet av guddommens ansikt ble utført i samsvar med de strenge forskriftene fra de buddhistiske kanonene, men populariteten og til og med guddommeliggjøringen av noen av troens grunnleggere og forkynnere ga utmerkede muligheter for å formidle portrettlikhet. En slik likhet kan spores i den tørre lakkskulpturen til den kinesiske patriarken Genjin, æret i Japan, som ligger i Toshodaiji-tempelet. Genjin var blind da han ankom Japan i 753, og hans synløse øyne og opplyste tilstand av indre kontemplasjon er vakkert gjengitt av en ukjent billedhugger. Denne realistiske trenden kom tydeligst til uttrykk i treskulpturen til predikanten Kui, skapt av billedhuggeren Kosho på 1200-1300-tallet. Predikanten er kledd som en vandrende tigger med en stav, en gong og en klubbe, og små figurer av Buddha kommer ut av den halvåpne munnen hans. Ikke fornøyd med bildet av den syngende munken, forsøkte billedhuggeren å uttrykke den innerste betydningen av ordene hans.
Bildene av Buddha fra Nara-perioden er også preget av stor realisme. De er skapt for et stadig økende antall templer, de er ikke like uforstyrret kalde og reserverte som sine forgjengere, har en mer grasiøs skjønnhet og adel, og henvender seg til menneskene som tilber dem med større gunst.

Svært få malerier fra denne perioden har overlevd. Flerfargetegningen på papir skildrer Buddhas tidligere og nåværende liv. Dette er et av de få eldgamle eksemplene på emakimono, eller rullemaleri. Rullene ble sakte rullet ut fra høyre til venstre, og seeren kunne bare nyte den delen av bildet som var mellom hendene som rullet ut rullen. Illustrasjonene var rett over teksten, i motsetning til senere ruller, der en tekstdel vekslet med et forklarende bilde. I disse eldste bevarte eksemplene på rullemaleri er skisserte figurer satt mot bakgrunnen av et knapt skissert landskap, og den sentrale karakteren, i denne saken Syaka dukker opp i forskjellige episoder.

Tidlig Heian

(784-897). I 784 ble hovedstaden midlertidig flyttet til Nagaoka, delvis for å unngå dominansen til Naras buddhistiske presteskap. I 794 flyttet hun til Heian (nå Kyoto) for en lengre periode. Sent på 800- og 900-tallet var en periode da Japan vellykket assimilert, tilpasset sine egne egenskaper, mange utenlandske innovasjoner. Den buddhistiske religionen opplevde også en tid med forandring, fremveksten av nye sekter av esoterisk buddhisme, med dets utviklete ritualer og etikette. Av disse var de mest innflytelsesrike sektene Tendai og Shingon, som oppsto i India, nådde Kina, og derfra ble brakt til Japan av to lærde som vendte tilbake til hjemlandet etter en lang læretid. Shingon ("True Words")-sekten var spesielt likt ved hoffet og inntok raskt en dominerende posisjon. Dens viktigste klostre lå på Koya-fjellet nær Kyoto; som andre viktige buddhistiske sentre, ble de et depot enorme samlinger monumenter av kunst.

Skulptur fra 900-tallet. var for det meste tre. Bildene av guddommer ble preget av alvorlighetsgrad og utilgjengelig storhet, noe som ble understreket av høytideligheten i deres utseende og massivitet. Draperier ble dyktig kuttet i henhold til standardmønstre, skjerf lå i bølger. Den stående Shaki-figuren fra templet ved Muroji er et eksempel på denne stilen. For dette og lignende bilder fra 900-tallet. preget av stiv utskjæring med dypere, tydelige folder og andre detaljer.

Økningen i antall guder skapte store vanskeligheter for kunstnere. I komplekse kartlignende mandalaer (geometriske utforminger med magiske betydninger) var gudene hierarkisk ordnet rundt en sentralt plassert Buddha, som selv bare var en manifestasjon av det absolutte. På dette tidspunktet dukket det opp en ny måte å skildre figurene til vergeguder omgitt av flammer, forferdelige i utseende, men velgjørende i naturen. Disse gudene ble arrangert asymmetrisk og avbildet i mobile positurer, med formidable ansiktstrekk, og beskyttet troen hardt mot mulige farer.

Midt og sen Heian, eller Fujiwara-periode

(898-1185). Overføringen av hovedstaden til Heian, som var ment å unndra presteskapets vanskelige krav, forårsaket endringer i politisk system. Adelen var den dominerende kraften, og Fujiwara-familien ble dens mest karakteristiske representanter. Periode 10-12 århundrer. ofte assosiert med dette navnet. En periode med spesiell makt begynte, da ekte keisere ble "på det sterkeste rådet" til å legge statens anliggender til side av hensyn til mer behagelige sysler med poesi og maleri. Inntil han ble voksen ble keiseren ledet av en streng regent - vanligvis fra Fujiwara-familien. Det var en tid med luksus og bemerkelsesverdige prestasjoner innen litteratur, kalligrafi og kunst; alt føltes sløvt og emosjonelt, som sjelden nådde dybden, men i det hele tatt var sjarmerende. Elegant raffinement og eskapisme ble reflektert i denne tidens kunst. Selv buddhismens tilhengere lette etter enklere måter, og tilbedelsen av den himmelske Buddha, Amida, ble spesielt populær. Forestillingene om medfølelse og frelsende nåde til Buddha Amida ble dypt reflektert i maleriet og skulpturen fra denne perioden. Massiviteten og tilbakeholdenheten til statuene fra 900-tallet. i 10-11 århundrer. ga vei for lykke og sjarm. Guddommene er avbildet som drømmende, gjennomtenkt rolige, utskjæringen blir mindre dyp, overflaten blir mer fargerik, med en rikt utviklet tekstur. De viktigste monumentene i denne perioden tilhører billedhuggeren Jocho.
Kunstnernes verk fikk også mykere trekk, som minner om tegninger på stoff, og til og med de forferdelige gudene - troens forsvarere ble mindre skremmende. Sutraer (buddhistiske tekster) ble skrevet i gull og sølv på dypt blåtonet papir, den fine kalligrafien til teksten ble ofte innledet av en liten illustrasjon. Mest populære reisemål Buddhismen og deres tilhørende guddommer gjenspeiler aristokratiets preferanser og den gradvise avgangen fra tidlig buddhismes harde idealer.

Atmosfæren på denne tiden og verkene hans er delvis knyttet til avslutningen av det formelle forholdet til Kina i 894. Buddhismen i Kina på den tiden ble forfulgt, og den korrupte Tang-domstolen var i tilbakegang. Den bortgjemte øytilværelsen som fulgte etter denne frakoblingen, fikk japanerne til å vende seg til sin egen kultur og utvikle en ny, renere japansk stil. Faktisk sekulært maleri fra det 10.-12. århundre. var nesten utelukkende japansk - både i teknikk og i komposisjon og plott. Et særtrekk ved disse japanske rullene, kalt yamato-e, var overvekten av engi-plott (opprinnelse, historie). Mens de kinesiske rullene oftest avbildet enorm fantastisk natur, panoramaer av fjell, bekker, steiner og trær, og folk virket relativt ubetydelige, var det personen som var hovedsaken på japanskens narrative ruller i tegningen og teksten. Landskapet spilte kun rollen som bakgrunn for historien som ble fortalt, underordnet hovedpersonen eller personene. Mange av rullene var malte kronikker av livene til kjente buddhistiske predikanter eller historiske skikkelser, deres reiser og militære kampanjer. Andre fortalte om romantiske episoder fra adelens og hoffmennes liv.

Den tilsynelatende idiosynkratiske stilen til de tidlige rullene kom fra enkle blekkskisser på sidene til buddhistiske notatbøker. Dette er dyktige tegninger som karikerer menneskelig atferd gjennom bilder av dyr: en ape i klosterklær som tilber en oppblåst frosk, konkurranser mellom harer, aper og frosker. Disse og andre sene Heian-ruller ga grunnlaget for de mer komplekse narrative rullene i den utviklede stilen på 1200- og 1300-tallet.

Kamakura-perioden

(1185-1392). Sent på 1100-tallet brakte alvorlige endringer i det politiske og religiøse livet i Japan og, selvfølgelig, i dets kunst. Elegansen og estetikken til Kyoto-domstolen ble erstattet eller, i tradisjonen med "spesiell" regel, "fikk et tillegg" i form av en ny, hard og modig regel - Kamakura-shogunatet. Selv om Kyoto nominelt forble hovedstaden, etablerte shogunen Minamoto no Yoritomo (1147-1199) sitt hovedkvarter i byen Kamakura og etablerte på bare 25 år et rigid system av militærdiktatur og føydalisme. Buddhismen, som var blitt så kompleks og ritualisert at den var uforståelig for vanlige lekfolk, gjennomgikk også alvorlige endringer som ikke lovet beskyttelse av kunsten. Yodo ("Rent Land")-sekten, en form for tilbedelse av Buddha Amida, under ledelse av Honen Shonin (1133-1212) reformerte hierarkiet av buddhaer og guddommer og ga håp om frelse til alle som bare trodde på Amida. Denne doktrinen om et lett tilgjengelig paradis ble senere forenklet av en annen munk, Shinran (1173-1262), grunnleggeren av Shin-sekten, som erkjente at Amidas overbærenhet er så stor at det ikke er behov for å utføre religiøse handlinger, det er nok bare å gjenta trollformelen "Namu Amida Butsu" (det første ordet betyr "submit"; de to andre er "Buddha Amida"). En så enkel måte å redde en sjel på var ekstremt attraktiv, og nå bruker millioner den. En generasjon senere forlot den militante predikanten Nichiren (1222-1282), som sekten er oppkalt etter, denne forenklede formen for religion. Hans tilhengere æret Lotus Sutraen, som ikke lovet øyeblikkelig og ubetinget frelse. Hans prekener berørte ofte politiske temaer, og hans tro og foreslåtte reformer av kirke og stat appellerte til den nye krigerklassen i Kamakura. Endelig begynte Zen-filosofien, som oppsto allerede på 800-tallet, å spille en stadig større rolle i den buddhistiske tanken fra den perioden. Zen understreket viktigheten av meditasjon og forakt for bilder som kan hindre mennesket i hans søken etter å få kontakt med Gud.

Så det var en tid da religiøs tanke begrenset antall malerier og skulpturer som tidligere var nødvendig for tilbedelse. Ikke desto mindre, i løpet av Kamakura-perioden, ble noen av de de fineste verkene Japansk kunst. Stimulansen var den iboende japanske kjærligheten til kunst, men nøkkelen til puslespillet er folkets holdning til nye trosbekjennelser, og ikke dogmer som sådan. Faktisk antyder verkene selv årsaken til opprettelsen, fordi mange av disse skulpturene og maleriene fulle av liv og energi er portretter. Selv om zen-filosofien kan ha betraktet vanlige gjenstander for religiøs tilbedelse som en barriere for opplysning, var tradisjonen med å ære lærere ganske akseptabel. Selve portrettet kunne ikke være et objekt for tilbedelse. Denne holdningen til portrettet var ikke unik for zen-buddhismen: mange ministre fra Pure Land-sekten ble æret nesten som buddhistiske guder. Takket være portrettet dukket til og med en ny arkitektonisk form opp - mieido, eller portrettkapellet. Den raske utviklingen av realismen var helt i tidsånden.
Selv om de pittoreske portrettene av prestene åpenbart var bilder av bestemte mennesker, var de ofte omarbeidinger av malerier som skildrer de kinesiske grunnleggerne av buddhismen. De ble malt mens de forkynte, åpne munner, gestikulerende hender; noen ganger ble tjuvmunker avbildet på en vanskelig reise til troens ære.

En av de mest populære plottene var raigo (ønsket ankomst), som avbildet Buddha Amida med hans følgesvenner, som stiger ned på en sky for å redde sjelen til en troende på dødsleiet og overføre den til paradis. Fargene på slike bilder ble ofte forsterket av påført gull, og bølgete linjer, flagrende kapper, virvlende skyer ga en følelse av bevegelse til Buddhas nedstigning.

Unkei, som arbeidet i andre halvdel av 1100- og begynnelsen av 1200-tallet, var forfatteren av en innovasjon som gjorde det lettere å skjære tre, som forble favorittmaterialet til skulptører under Kamakura-perioden. Tidligere var mesteren begrenset av størrelsen og formen på dekket eller stokken som figuren ble kuttet fra. Armene og kleselementene ble lagt over hverandre, men det ferdige stykket lignet ofte den opprinnelige sylindriske formen. I den nye teknikken ble dusinvis av små biter forsiktig tilpasset hverandre, og dannet en hul pyramide, som lærlingene deretter kunne grovskjære ut figuren fra. Billedhuggeren hadde til rådighet et mer formbart materiale og evnen til å skape mer komplekse former. Muskuløse tempelvakter og guder i flagrende kapper og kapper virket mer levende også fordi krystall eller glass begynte å bli satt inn i øyehulene deres; statuer begynte å bli dekorert med forgylt bronse. De ble lettere og mindre tilbøyelige til å sprekke etter hvert som treverket tørket. Den nevnte trestatuen av Kuya Shonin, verket til Unkeis sønn Kosho, demonstrerer Kamakura-tidens høyeste realisme innen portrettskulptur. Faktisk nådde skulptur på den tiden sitt høydepunkt i sin utvikling, og deretter inntok den ikke lenger en så fremtredende plass i kunsten.

Sekulært maleri reflekterte også tidsånden. De narrative rullene fra den sene Heian-perioden, i beherskede farger og grasiøse linjer, fortalte om de romantiske eskapadene til prins Genji eller underholdningen til de tilbaketrukne hoffdamene. Nå, med lyse farger og energiske strøk, skildret kunstnerne fra Kamakura-tiden kampene til stridende klaner, palasser oppslukt av flammer og skremte mennesker som flyktet fra angripende tropper. Selv når en religiøs historie utspilte seg på rullen, var ikke bildet så mye et ikon som et historisk bevis på hellige menneskers reiser og miraklene de utførte. I utformingen av disse tomtene kan man finne en økende kjærlighet til naturen og beundring for innfødte landskap.

Muromachi, eller Ashikaga-perioden

(1392-1568). I 1392, etter mer enn 50 år med stridigheter, gjenforenet den tredje shogunen til Ashikaga-familien, Yoshimitsu (1358-1408), landet. Regjeringssetet ble igjen den nominelle hovedstaden i Kyoto, der Ashikaga-shogunene bygde sine palasser i Muromachi-kvarteret. (Denne perioden kalles noen ganger Muromachi, noen ganger Ashikaga.) Krigstid sparte ikke på mange templer - depoter av japansk kunst, som ble brent sammen med skattene som var der. Landet ble alvorlig ødelagt, og til og med fred brakte liten lettelse, da de stridende klanene, i sin suksess, delte ut tjenester etter deres innfall. Det ser ut til at situasjonen var ekstremt ugunstig for utviklingen av kunst, men i virkeligheten beskyttet Ashikaga-shogunene den, spesielt på 1400- og 1500-tallet, da maleriet blomstret.

Den viktigste kunsten på denne tiden var de monokrome poetiske blekktegningene oppmuntret av Zen-buddhismen og påvirket av de kinesiske designene til Song- og Yuan-dynastiene. Under Ming-dynastiet (1368-1644) ble kontaktene med Kina fornyet, og Yoshimitsu, en samler og beskytter av kunst, oppmuntret til å samle og studere kinesisk maleri. Hun ble modell og utgangspunkt for begavede kunstnere som malte landskap, fugler, blomster, bilder av prester og vismenn med lette og flytende penselstrøk. Japansk maleri av denne tiden er preget av linjeøkonomi; kunstneren ser ut til å trekke ut kvintessensen av det avbildede plottet, og lar betrakterens blikk fylle det med detaljer. Overgangene av grått og skinnende svart blekk i disse maleriene er veldig nær filosofien til Zen, som selvfølgelig inspirerte forfatterne deres. Selv om denne trosbekjennelsen nådde betydelig innflytelse selv under den militære makten til Kamakura, fortsatte den å spre seg raskt på 1400- og 1500-tallet, da mange Zen-klostre oppsto. Den forkynte hovedsakelig ideen om "selvfrelse", og assosierte ikke frelse med Buddha, men stolte heller på menneskets alvorlige selvdisiplin for å oppnå en plutselig intuitiv "opplysning" som forener ham med det absolutte. Den sparsomme, men dristige bruken av blekk og den asymmetriske komposisjonen, der de umalte delene av papiret spilte en betydelig rolle i å skildre idealiserte landskap, vismenn og vitenskapsmenn, var i tråd med denne filosofien.

En av de mest kjente eksponentene for sumi-e, en stil med monokromt blekkmaleri, var Sesshu (1420-1506), en Zen-prest hvis lange og produktive liv sikret ham fortsatt ære. På slutten av livet begynte han å bruke haboku-stilen (quick ink), som, i motsetning til den modne stilen, som krevde klare, økonomiske strøk, brakte tradisjonen med monokrom maleri nesten til abstraksjon.
Aktiviteten til Kano-kunstnerfamilien og utviklingen av stilen deres faller på samme periode. Når det gjelder valg av emner og bruk av blekk, var den nær kinesisk, men forble japansk i form av uttrykksmidler. Kano, med støtte fra shogunatet, ble den "offisielle" skolen eller kunstnerisk stil maling og blomstret selv på 1800-tallet.

Den naive tradisjonen til yamato-e fortsatte å leve i verkene til Tosa-skolen, den andre viktige retningen for japansk maleri. Faktisk, på den tiden var begge skolene, Kano og Tosa, nært forbundet, de var forent av interesse for moderne liv. Motonobu Kano (1476-1559), en av fremragende artister av denne perioden giftet han seg ikke bare med datteren sin med den berømte kunstneren Tosa, men malte også på sin måte.

På 15-16 århundrer. det var bare noen få bemerkelsesverdige skulpturverk. Det bør imidlertid bemerkes at utviklingen av noo-dramaet, med dets variasjon av stemninger og følelser, åpnet for et nytt aktivitetsfelt for billedhuggere – de skar ut masker for skuespillere. I klassisk japansk drama fremført av og for aristokratiet, bar skuespillerne (en eller flere) masker. De formidlet en rekke følelser fra frykt, angst og forvirring til behersket glede. Noen av maskene var så flott utskåret at den minste vending på skuespillerens hode forårsaket subtile endringer i uttrykket. Bemerkelsesverdige eksempler på disse maskene har blitt holdt i årevis av familiene hvis medlemmer de ble laget for.

Momoyama-perioden

(1568-1615). I 1593 bygde den store militærdiktatoren Hideyoshi sitt slott på Momoyama, "Peach Hill", og med dette navnet er det vanlig å betegne perioden på 47 år fra Ashikaga-shogunatets fall til etableringen av Tokugawa- eller Edo-perioden , i 1615. Dette var tiden for dominansen til en helt ny militærklasse, hvis store rikdom bidro til kunstens oppblomstring. Imponerende slott med store publikumssaler og lange korridorer kom på mote på slutten av 1500-tallet. og krevde utsmykninger tilpasset deres storhet. Det var en tid med strenge og modige mennesker, og de nye lånetakerne, i motsetning til det tidligere aristokratiet, var ikke spesielt interessert i intellektuelle sysler eller håndverkets finesser. Heldigvis levde den nye generasjonen kunstnere opp til sine lånetakere. I løpet av denne perioden, fantastiske skjermer og bevegelige paneler av lys rød, smaragd, grønn, lilla og blå blomster. Slike sprudlende farger og dekorative former, ofte på bakgrunn av gull eller sølv, var veldig populære i hundre år, og deres skapere ble med rette kalt "store dekoratører". Takket være den subtile japanske smaken, utartet ikke den pompøse stilen til vulgaritet, og selv når tilbakeholdenhet og underdrivelse ga plass til luksus og dekorative utskeielser, klarte japanerne å opprettholde eleganse.

Eitoku Kano (1543-1590), en av de første store kunstnerne i denne perioden, arbeidet i stil med Kano og Tosa, utvidet konseptet med tegning av den første og kombinerte dem med rikdommen av farger i den andre. Selv om bare noen få verk som Eitoku trygt kan identifiseres som forfatteren har overlevd, regnes han som en av grunnleggerne av Momoyama-stilen, og de fleste av kunstnerne i denne perioden var hans studenter eller ble påvirket av ham.

Edo- eller Tokugawa-perioden

(1615-1867). Den lange fredsperioden som kom til det nylig forente Japan kalles enten Tokugawa-tiden, etter herskerens navn, eller Edo (moderne Tokyo), siden denne byen i 1603 ble det nye maktsenteret. To kjente generaler fra den korte Momoyama-perioden, Oda Nobunaga (1534-1582) og Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), klarte til slutt å forene mektige klaner og militante presteskap gjennom militæraksjon og diplomati. Med Hideyoshis død i 1598, gikk makten over til Ieyasu Tokugawa (1542-1616), som fullførte tiltakene som ble startet i fellesskap. Det avgjørende slaget ved Sekigahara i 1600 styrket Ieyasus posisjon, Oska-slottets fall i 1615 ble ledsaget av den endelige kollapsen av Hideyoshi-huset og etableringen av Tokugawa-shogunatets udelte styre.

Tokugawas fredelige styre varte i 15 generasjoner og tok slutt først på 1800-tallet. Det var i utgangspunktet en periode med "lukkede dører"-politikk. Ved et dekret av 1640 ble utlendinger forbudt adgang til Japan, og japanerne kunne ikke reise utenlands. Den eneste kommersielle og kulturelle forbindelsen var med nederlendere og kinesere gjennom havnen i Nagasaki. Som i andre perioder med isolasjon var det et oppsving av nasjonale følelser og fremveksten på slutten av 1600-tallet. den såkalte skolen for sjangermaling og gravering.
Den raskt voksende hovedstaden Edo ble sentrum for ikke bare det politiske og forretningslivet i øyimperiet, men også sentrum for kunst og håndverk. Kravet om at daimyo, provinsføydalherrene, skulle være i hovedstaden en viss del av hvert år skapte et behov for nye bygninger, inkludert palassbygninger, og derav for kunstnere til å dekorere dem. En samtidig fremvoksende klasse av velstående, men ikke-aristokratiske kjøpmenn ga ny og ofte uprofesjonell beskyttelse til kunstnere.

Kunsten fra den tidlige Edo-perioden fortsetter delvis og utvikler Momoyama-stilen, og forsterker dens tendenser til luksus og prakt. Rikdommen av bisarre bilder og polykromi som er arvet fra forrige periode, fortsetter å utvikle seg. Denne dekorative stilen nådde sitt høydepunkt i siste fjerdedel av 1600-tallet. i den såkalte. Genroku-tiden i Tokugawa-perioden (1688-1703). I japansk dekorativ kunst har den ingen paralleller i ekstravaganse og rikdom av farger og dekorative motiver i maleri, stoffer, lakk, i kunstneriske bagateller - attributter til en luksuriøs livsstil.

Siden vi snakker om relativt sen periode historie, er det ikke overraskende at navnene til mange kunstnere og deres verk er bevart; her er det mulig å nevne bare noen av de mest fremtredende. Blant representantene for den dekorative skolen som levde og arbeidet under Momoyama- og Edo-perioden er Honnami Koetsu (1558-1637) og Nonomura Sotatsu (d. 1643). Arbeidene deres viser en bemerkelsesverdig følelse av mønster, komposisjon og farger. Koetsu, en talentfull keramiker og lakkkunstner, var kjent for skjønnheten i kalligrafien sin. Sammen med Sotatsu skapte de rulledikt som var mote på den tiden. I denne kombinasjonen av litteratur, kalligrafi og maleri var bildene ikke bare illustrasjoner: de skapte eller antydet en stemning som passer til oppfatningen av teksten. Ogata Korin (1658-1716) var en av arvingene til den dekorative stilen, og sammen med sin yngre bror Ogata Kenzan (1663-1743) perfeksjonerte dens teknikk. Kenzan, bedre kjent som keramiker enn som kunstner, avfyrte kar påskrevet med design av sin berømte eldre bror. Gjenopplivingen av denne skolen på begynnelsen av 1800-tallet. av poeten og maleren Sakai Hoitsu (1761-1828) var den siste bølgen i den dekorative stilen. Horitsus vakre ruller og skjermer kombinerte Korins sans for tegning med Maruyama-naturalismens interesse for naturen, noe som resulterte i rikdommen av farger og dekorative motiver fra den tidligere perioden, dempet av penselstrøkets prakt og finesse.

Sammen med den polykrome dekorative stilen fortsatte tradisjonell Kano skoleblekktegning å være populær. I 1622 ble Kanō Tanyu (1602-1674) utnevnt til hoffmaler for shogunen og kalt til Edo. Med hans utnevnelse til denne stillingen og etableringen av Edo-skolen for Kano-maleri i Kobikito, begynte en periode med kunstnerisk ledelse av denne tradisjonen i et halvt århundre, som gjenopprettet Kano-familiens fremtredende plass og gjorde verkene fra Edo-perioden mest betydningsfull i Kano-maleriet. Til tross for populariteten til skjermer malt med gull og lyse farger, skapt av "store dekoratører" og rivaler, var Tangyu, takket være styrken til hans talent og offisielle posisjon, i stand til å popularisere maleriet til den gjenopplivede Kano-skolen blant adelen. Tanyu la kraft og enkelhet til de tradisjonelle egenskapene til Kano-skolen, basert på en stiv brutt linje og et gjennomtenkt arrangement av komposisjonselementer på en stor fri overflate.

En ny retning som hovedfunksjon det var en interesse for naturen, den begynte å råde på slutten av 1700-tallet. Maruyama Okyo (1733-1795), leder ny skole, var bonde, ble deretter prest og til slutt kunstner. De to første klassene ga ham ikke lykke eller suksess, men som kunstner nådde han store høyder og regnes som grunnleggeren av den realistiske skolen Maruyama. Han studerte med mester ved Kano-skolen, Ishida Yutei (d. ca. 1785); på grunnlag av importerte nederlandske graveringer, forsto han den vestlige teknikken for perspektivrepresentasjon, og noen ganger kopierte han ganske enkelt disse graveringene. Han studerte også kinesiske stiler fra Song- og Yuan-dynastiene, inkludert den subtile og realistiske stilen til Chen Xuan (1235-1290) og Shen Nanping; sistnevnte bodde i Nagasaki på begynnelsen av 1700-tallet. Okyo laget mange verk fra naturen, og hans vitenskapelige observasjoner dannet grunnlaget for oppfatningen av naturen, som Maruyama-skolen var basert på.

I tillegg til interesse for naturalisme på 1700-tallet. fornyet innflytelse fra den kinesiske kunstneriske tradisjonen. Representanter for denne trenden graviterte mot malerskolen til Ming (1368–1644) og Qing (1644–1912) maler-vitenskapsmenn, selv om deres forståelse av dagens kunsttilstand i Kina sannsynligvis var begrenset. Kunsten til denne japanske skolen ble kalt bujinga (kunsten til utdannede mennesker). En av de mest innflytelsesrike mesterne i bujinga-stilen var Ikeno Taiga (1723-1776), en berømt maler og kalligraf. Hans modne stil er preget av tykke konturlinjer fylt med lette fjæraktige strøk i lyse toner og blekk; han malte også med brede, frie strøk av svart blekk, som skildrer bambusstammer bøyd i vind og regn. Med korte, buede linjer oppnådde han en effekt som minner om graveringer i bildet av tåkete fjell over en innsjø omgitt av skog.
17. århundre skapte en annen bemerkelsesverdig kunstretning fra Edo-perioden. Dette er den såkalte ukiyo-e (bilder av den skiftende verden) – sjangerscener skapt av og for vanlige folk. Tidlig ukiyo-e oppsto i den gamle hovedstaden i Kyoto og var for det meste pittoreske. Men sentrum av produksjonen deres flyttet snart til Edo, og mesternes oppmerksomhet fokuserte på tresnitt. Den nære assosiasjonen mellom tresnitttrykk og ukiyo-e har ført til misoppfatningen at tresnitttrykk var oppdagelsen av denne perioden; faktisk oppsto det på 1000-tallet. Slike tidlige bilder var votive i naturen, og skildret grunnleggerne av buddhismen og guddommer, og i løpet av Kamakura-perioden ble noen narrative ruller gjengitt fra utskårne blokker. Graveringskunsten ble imidlertid spesielt populær i perioden fra midten av 1600- til 1800-tallet.

Motivene til ukiyo-e-graveringene var de vakre kurtisanene fra de homofile kvartalene, favorittskuespillere og scener fra dramaer. Tidlig, såkalt. primitive graveringer ble utført i svart, med sterke rytmiske bølgete linjer, og ble utmerket enkelt mønster. De ble noen ganger malt for hånd i en oransje-rød farge kalt tan-e (lyse røde malerier), med sennepsgule og grønne markeringer. Noen av de "primitive" kunstnerne brukte håndmaling kalt urushu-e (lakkmaleri), der mørke områder ble forbedret og gjort lysere ved tilsetning av lim. Et tidlig polykromt trykk, som dukket opp i 1741 eller 1742, ble kalt benizuri-e (karmosinrødt trykk) og brukte vanligvis tre farger - rosa rød, grønn og noen ganger gul. Virkelig flerfargede graveringer, som brukte hele paletten og kalt nishiki-e (brokadebilder), dukket opp i 1765.

I tillegg til å lage individuelle trykk, illustrerte mange av gravørene bøker og tjente penger på å lage erotiske illustrasjoner i bøker og på ruller. Det bør huskes at ukiyo-e-gravering besto av tre typer aktivitet: det var arbeidet til en tegner, hvis navn trykket bar, en utskjærer og en skriver.

Hishikawa Moronobu (ca. 1625-1694) regnes som grunnleggeren av tradisjonen med å lage ukiyo-e-trykk. Andre "primitive" kunstnere av denne trenden er Kiyomasu (1694-1716) og Kaigetsudo-gruppen (et merkelig fellesskap av kunstnere hvis eksistens forblir uklar), samt Okumura Masanobu (1686-1764).

Overgangskunstnerne som skapte benizuri-e-trykk var Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (aktiv ca. 1751-1760) og Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Verkene til Suzuki Harunobu (1725-1770) åpner epoken med polykrom gravering. Fylt med myke, nesten nøytrale farger, befolket av grasiøse damer og galante elskere, var Harunobu-trykk en stor suksess. Omtrent på samme tid jobbet Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) og Kitagawa Utamaro (1753-1806) med ham. Hver av dem bidro til utviklingen av denne sjangeren; mestere brakte graveringer som skildrer grasiøse skjønnheter og kjente skuespillere til perfeksjon. I løpet av noen få måneder i 1794-1795 skapte den mystiske Tosusai Saraku forbløffende sterke og ærlig talt grusomme portretter av skuespillerne på den tiden.

I de første tiårene av 1800-tallet denne sjangeren har nådd modenhet og begynte å avta. Katsushika Hokusai (1760-1849) og Ando Hiroshige (1797-1858) er tidens største mestere, hvis arbeid forbinder nedgangen i graveringskunsten på 1800-tallet. og dens nye vekkelse på begynnelsen av det 20. århundre. Begge var først og fremst landskapsmalere, og fikset hendelsene i det moderne livet i graveringene sine. Den strålende mestringen av teknikken til skjærere og trykkere gjorde det mulig å formidle lunefulle linjer og de minste nyanser av solnedgangen eller tåken som stiger opp ved daggry i graveringen.

Meiji-restaureringen og den moderne perioden.

Det hender ofte at den eldgamle kunsten til et eller annet folk er fattig på navn, datoer og gjenlevende verk, så eventuelle vurderinger kan bare gjøres med stor forsiktighet og konvensjon. Det er imidlertid ikke mindre vanskelig å bedømme samtidskunst, siden vi er fratatt et historisk perspektiv for å korrekt vurdere omfanget av enhver bevegelse eller kunstner og hans verk. Studiet av japansk kunst er intet unntak, og det meste som kan gjøres er å presentere et panorama av samtidskunst og trekke noen foreløpige foreløpige konklusjoner.

I andre halvdel av 1800-tallet Japanske havner ble gjenåpnet for handel, store endringer skjedde på den politiske scenen. I 1868 ble shogunatet avskaffet og keiser Meijis regjeringstid ble gjenopprettet. Den offisielle hovedstaden og residensen til keiseren ble flyttet til Edo, og selve byen ble kjent som Tokyo (østlig hovedstad).

Som har skjedd tidligere, skapte slutten på nasjonal isolasjon stor interesse for andre nasjoners prestasjoner. På denne tiden gjorde japanerne et stort sprang innen vitenskap og teknologi. Kunstnerisk viser begynnelsen av Meiji-æraen (1868-1912) aksept av alt vestlig, inkludert teknologi. Denne iveren varte imidlertid ikke lenge, og den ble fulgt av en periode med assimilering, fremveksten av nye former, som kombinerte en retur til sine egne tradisjoner og nye vestlige trender.

Blant artistene fikk Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) og Tomioka Tessai (1836-1942) berømmelse. De tre første holdt seg til den tradisjonelle japanske stilen og fagene, selv om de forsøkte å vise originalitet i humør og teknikk. Seihō, for eksempel, jobbet i den rolige og konservative atmosfæren i Kyoto. Hans tidlige arbeider ble utført på den naturalistiske måten til Maruyama, men senere reiste han mye i Kina og ble dypt påvirket av kinesisk blekkmaleri. Hans turer til museer og ledende kunstsentre i Europa har også satt spor i arbeidet hans. Av alle de fremtredende artistene på denne tiden var det bare Tomioka Tessai som var i nærheten av å utvikle en ny stil. I hans energiske og kraftfulle verk kombineres grove, vridde, taggete linjer og svarte blekkflekker med fintskrevne fargeflekker. I senere år lyktes noen unge oljemalere der deres bestefedre hadde mislyktes. De første forsøkene på å jobbe med dette uvanlige materialet minnet om parisiske lerreter og ble ikke preget av verken spesiell verdi eller spesifisitet. Japanske funksjoner. Imidlertid skapes det nå verk med eksepsjonell appell, der en særegen japansk følelse av farger og balanse skinner gjennom abstrakte temaer. Andre kunstnere, som arbeider med mer naturlig og tradisjonelt blekk og noen ganger bruker kalligrafi som utgangspunkt, skaper energiske abstrakte stykker i strålende sort med gråtoner.

Som i Edo-perioden, på 1800- og 1900-tallet. skulptur var ikke populært. Men selv på dette området eksperimenterte representanter for den moderne generasjonen, som studerte i Amerika og Europa, veldig vellykket. liten bronseskulpturer, abstrakt i form og merkelig navn, viser frem den japanske følelsen av linje og farge, som manifesterer seg i bruken av myk grønn eller varm brun patina; treskjæring vitner om japanernes kjærlighet til materialets tekstur.

Sosaku hanga, det japanske "kreative trykket", dukket opp bare i det første tiåret av 1900-tallet, men som en spesiell kunstretning formørket det alle andre områder av moderne kunst. Dette moderne trykket er strengt tatt ikke en etterfølger til det eldre ukiyo-e tresnittet; de er forskjellige i stil, plott og fremgangsmåter. Kunstnere, hvorav mange var sterkt påvirket av vestlig maleri, innså viktigheten av sin egen kunstneriske arv og fant det rette materialet i tre for å uttrykke sine kreative idealer. Hanga-mestere maler ikke bare, men skjærer også ut bilder på treklosser og trykker dem selv. Selv om trebearbeiding er på sitt høyeste i denne kunstformen, brukes alle moderne vestlige trykkteknikker. Eksperimentering med blader, hyssing og "funne gjenstander" lar deg i noen tilfeller lage unike overflatetekstureffekter. Til å begynne med ble mesterne av denne trenden tvunget til å søke anerkjennelse: Tross alt ble selv de beste prestasjonene til ukiyo-e-skolen assosiert av intellektuelle kunstnere med en analfabet folkemengde og betraktet som plebeisk kunst. Artister som Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi og Maekawa Senpan har gjort mye for å gjenopprette respekten for trykking og etablere denne retningen som en verdig gren. kunst. De tiltrakk seg mange unge kunstnere til gruppen deres, og gravørene teller nå hundrevis. Blant mesterne i denne generasjonen som oppnådde anerkjennelse i Japan og i Vesten er Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen og Saito Kiyoshi. Dette er mestere hvis innovasjon og ubestridelige talent har tillatt dem å innta en verdig posisjon blant de ledende kunstnerne i Japan. Mange av deres jevnaldrende og andre, yngre hanga-kunstnere produserte også bemerkelsesverdige graveringer; det faktum at vi ikke nevner navnene deres her betyr ikke en lav vurdering av deres arbeid.

KUNST OG BRUKSKUNST, ARKITEKTUR OG HAGE

I de forrige avsnittene dreide det seg hovedsakelig om maleri og skulptur, som i de fleste land regnes som hovedtypene for billedkunst. Kanskje er det urettferdig å ta med på slutten av artikkelen dekorativ kunst og folkehåndverk, hagekunst og arkitektur - former som var en viktig og integrert del av japansk kunst. Men kanskje, med unntak av arkitektur, krever de spesielle hensyn bortsett fra generell periodisering Japansk kunst og med stilendringer.

Keramikk og porselen.

De viktigste kunst og håndverk i Japan er keramikk og porselen. Keramisk kunst faller naturlig i to kategorier. Det fine polykrome porselen Imari, Nabeshima og Kakiemon tok navnet sitt fra produksjonsstedene, og dets rike maleri på en kremfarget eller blåhvit overflate var beregnet på adelen og hoffkretsene. Prosessen med å lage ekte porselen ble kjent i Japan på slutten av 1500- eller begynnelsen av 1600-tallet; tallerkener og skåler med glatt glasur, med et asymmetrisk eller brokadelignende mønster, verdsettes både hjemme og i vesten.

I motsetning til porselen i grov keramikk laget av leire eller lavkvalitets steinmasse, som er typisk for Shino, Oribe og Bizen, er oppmerksomheten rettet mot materialet, tilsynelatende uforsiktig, men gjennomtenkt arrangement av dekorative elementer. Påvirket av konseptene fra Zen-buddhismen var slike kar veldig populære i intellektuelle kretser og ble mye brukt, spesielt i teseremonier. I mange kopper, tekanner og caddies, attributter for teseremoniens kunst, ble selve essensen av Zen-buddhismen nedfelt: tøff selvdisiplin og streng enkelhet. Under storhetstiden til japansk dekorativ kunst dyktige artister Korin og Kenzan var engasjert i dekorasjon av keramiske produkter. Det bør huskes at berømmelsen til Kenzan er mer assosiert med hans talent som keramiker, og ikke som maler. Noen av de enklere typene og teknikkene for å lage kar kommer fra folkehåndverkstradisjoner. Moderne verksteder, som fortsetter de gamle tradisjonene, produserer vakre produkter som gleder seg over sin elegante enkelhet.

Lakk produkter.

Allerede på 7-8 århundrer. lakk var kjent i Japan. Fra denne tiden er lokkene på kistene, dekorert med bilder av mennesker og geometriske motiver, påført med tynne gylne linjer, bevart. Vi har allerede snakket om betydningen av tørrlakkteknikken for skulptur på 800- og 900-tallet; samtidig og senere ble det laget pyntegjenstander som brevkasser eller røkelsesesker. Under Edo-perioden ble disse produktene laget i store mengder og med den mest praktfulle dekorasjonen. Luksuriøst dekorerte bokser til frokost, til kaker, til røkelse og medisiner, kalt inro, reflekterte rikdommen og kjærligheten til luksus som ligger i denne tiden. Overflaten på gjenstandene var dekorert med mønstre av gull og sølvpulver, biter av gullfolie, alene eller i kombinasjon med skallinnlegg, perlemor, en legering av tinn og bly, etc.; disse mønstrene sto i kontrast til den lakkerte røde, svarte eller brune overflaten. Noen ganger laget kunstnere som Korin og Koetsu lakkdesign, men det er usannsynlig at de personlig deltok i disse verkene.

Sverd.

Japanerne har, som allerede sagt, vært et folk av krigere i en betydelig periode av sin historie; våpen og rustninger ble ansett som essensielle gjenstander for en stor del av befolkningen. Sverdet var en manns stolthet; både selve bladet og alle andre deler av sverdet, spesielt håndtaket (tsuba), ble dekorert i ulike teknikker. Tsuba laget av jern eller bronse ble dekorert med gull- og sølvinnlegg, skåret ut eller trimmet med begge. De avbildet landskap eller figurer av mennesker, blomster eller familievåpen (mon). Alt dette kompletterte arbeidet til sverdmakere.

Stoffer.

Rikt mønstret silke og andre stoffer, foretrukket av hoffet og presteskapet i tider med overflod og overflod, samt ensfargede stoffer med en nesten primitiv design karakteristisk for folkekunst, er også uttrykk for nasjonalt japansk talent. Etter å ha nådd sitt høydepunkt under den rike æraen til Genroku, har tekstilkunsten blomstret igjen i det moderne Japan. Den kombinerer ideer og kunstige fibre fra vesten med tradisjonelle farger og dekorative motiver.

Hager.

De siste tiårene har interessen for japanske hager og arkitektur økt på grunn av den vestlige offentlighetens større eksponering for disse kunstformene. Hager i Japan har en spesiell plass; de er uttrykk og symbol på høye religiøse og filosofiske sannheter, og disse obskure, symbolske overtonene, kombinert med hagernes tilsynelatende skjønnhet, vekker den vestlige verdens interesse. Det kan ikke sies at religiøse eller filosofiske ideer var det hovedårsaken skape hager, men når planleggeren planla og opprettet en hage, vurderte planleggeren slike elementer, hvis kontemplasjon ville føre til at betrakteren reflekterte over ulike filosofiske sannheter. Her er det kontemplative aspektet ved Zen-buddhismen legemliggjort i en gruppe uvanlige steiner, bølger av raket sand og grus, kombinert med torv, eller planter arrangert slik at strømmen bak dem forsvinner og dukker opp igjen, som alle oppmuntrer betrakteren til å fullføre uavhengig den lagt ned under byggingen hage ideer. Preferansen for vage hint fremfor forståelige forklaringer er karakteristisk for Zen-filosofien. Bonsai-dvergtrær og bittesmå pottehager, nå populære i Vesten, har blitt en fortsettelse av disse ideene.

Arkitektur.

Hoved arkitektoniske monumenter Japan er templer, klosterkomplekser, føydale slott og palasser. Fra antikken til i dag har tre vært hovedbyggematerialet og bestemmer i stor grad designtrekkene. De eldste religiøse bygningene er helligdommer av den nasjonale japanske religionen Shinto; etter tekstene og tegningene å dømme var det relativt enkle bygninger med stråtak, som de gamle boligene. Tempelbygninger reist etter spredningen av buddhismen og knyttet til den var basert på kinesiske prototyper i stil og layout. Buddhistisk tempelarkitektur har endret seg over tid, og innredningen og arrangementet av bygninger har variert i ulike sekter. Japanske bygninger er preget av store haller med høye tak og et komplekst system av konsoller, og innredningen deres gjenspeiler smaken av deres tid. Den enkle og majestetiske arkitekturen til Horyu-ji-komplekset, bygget nær Nara på begynnelsen av 700-tallet, er like karakteristisk for Asuka-perioden som skjønnheten og elegansen til proporsjonene til Hoodo, Ujis "Phoenix Hall" reflektert i Lotus Lake , er fra Heian-perioden. De mer forseggjorte strukturene fra Edo-perioden fikk ytterligere utsmykning i form av rikt malte skyvedører og skjermer laget av de samme "store dekoratørene" som dekorerte interiøret i vollgravede slott og føydale palasser.

Japans arkitektur og hager er så nært beslektet at de kan betraktes som deler av hverandre. Dette gjelder spesielt for bygninger og hagehus til teseremonien. Deres åpenhet, enkelhet og nøye utformede tilknytning til landskap og perspektiv har stor innflytelse på moderne arkitektur Vest.

PÅVIRKNING AV JAPANSK KUNST I VESTEN

I løpet av bare ett århundre ble Japans kunst kjent i Vesten og hadde en betydelig innvirkning på den. Det var også tidligere kontakter (for eksempel handlet nederlenderne med Japan gjennom havnen i Nagasaki), men gjenstandene som nådde Europa på 1600-tallet var hovedsakelig brukskunst - porselen og lakk. De ble ivrig samlet som kuriositeter og kopiert på forskjellige måter, men denne dekorative eksporten reflekterte ikke essensen og kvaliteten til japansk kunst og ga til og med japanerne en lite flatterende idé om vestlig smak.

For første gang opplevde vestlig maleri den direkte innflytelsen fra japansk kunst i Europa i 1862 under en enorm Internasjonal utstilling i London. Japanske treblokktrykk ble introdusert på Paris-utstillingen fem år senere, og vakte fornyet interesse. Flere private samlinger av graveringer dukket umiddelbart opp. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh og andre tok japanske fargetrykk som en åpenbaring; en liten, men alltid gjenkjennelig innflytelse fra japansk grafikk på impresjonistene er ofte notert. Amerikanerne Whistler og Mary Cassatt ble tiltrukket av linjens tilbakeholdenhet og de lyse fargene på ukiyo-e-trykk og malerier.

Åpningen av Japan for utlendinger i 1868 skapte en fascinasjon for alt vestlig og fikk japanerne til å vende seg bort fra sin egen rike kultur og kunstneriske arv. På denne tiden ble mange vakre malerier og skulpturer solgt og havnet i vestlige museer og private samlinger. Utstillinger av disse gjenstandene introduserte Vesten til Japan og stimulerte interessen for å reise til Fjernøsten. Utvilsomt åpnet okkupasjonen av Japan av amerikanske tropper på slutten av andre verdenskrig flere muligheter enn før for å bli kjent med og dypere studier av japanske templer og deres skatter. Denne interessen ble reflektert i oppmøtet til amerikanske museer. Interessen for Orienten generelt ble forårsaket av organiseringen av utstillinger av japansk kunst valgt fra japanske offentlige og private samlinger og brakt til Amerika og Europa.

Vitenskapelig forskning de siste tiårene har gjort mye for å tilbakevise synet om at japansk kunst bare er en refleksjon av kinesisk kunst, og en rekke japanske publikasjoner på engelsk har introdusert Vesten for østens idealer.

Populær i kategorien: