Ti dyreste kvinner (kunstnere). Goncharova N.S.

Natalia Goncharova- Russisk kunstner, maler, grafiker, teaterkunstner, bokillustratør. En representant for den russiske avantgarden på begynnelsen av 1910-tallet, en av de lyseste scenedesignerne på 1900-tallet.

Natalya Sergeevna Goncharova ble født 3. juli 1881 i landsbyen Ladyzhino Tula-regionen. Hun tilhørte den gamle adelsfamilien til Goncharovs, hun var en grandtantes kone Alexander Sergeevich Pushkin.

Sergei Mikhailovich, Natalias far var en arkitekt, en representant for Moskva jugendstil. Mor Ekaterina Ilyinichna- datteren til en Moskva-professor i teologisk akademi. Kunstneren tilbrakte barndommen i Tula-provinsen, hvor faren eide flere landsbyer og eiendommer, noe som innpodet henne en kjærlighet til livet på landet. Det er med dette kunsthistorikere forbinder dekorativiteten til hennes modne arbeid.

I 1891, da jenta var 10 år gammel, flyttet familien til Moskva.

utdanning

I Moskva gikk Natalya Goncharova inn i kvinnegymnaset, som hun ble uteksaminert i 1898 med en sølvmedalje.

Til tross for hennes forkjærlighet for å tegne, vurderte ikke Goncharova i ungdommen seriøst muligheten for å bli kunstner.

I 1900 begynte hun på medisinske kurs, men droppet ut etter tre dager. Samme år studerte hun ved Det historiske fakultet for de høyere kvinnekursene i seks måneder.

Så ble hun veldig interessert i kunst og et år senere gikk hun inn i Moskva skole maleri, skulptur og arkitektur, i skulpturklassen til S. Volnukhin og P. Trubetskoy.

I 1904 fikk hun en liten sølv medalje for sitt arbeid, men forlot snart studiene.

Natalya Sergeevna Goncharova Foto: Commons.wikimedia.org

Møte med mannen

Mens hun studerte ved Moskva School of Painting, Sculpture and Architecture, møtte Goncharova sin fremtidige ektemann: en maler Mikhail Larionov. Møtet med ham endret livet og intensjonene til jenta: hun begynner å skrive mye og lete etter sin egen stil. Det var Larionov som rådet henne til ikke å kaste bort tid på skulptur og ta opp maleri. «Åpne øynene for øynene. Du har et talent for farger, og du er i form," sa han.

I 1904 vendte Goncharova tilbake til studiene, men flyttet til malerstudioet for å Konstantin Korovin. tidlig arbeid Goncharova begynte å male i impresjonismens ånd. Jenta forlot ikke skulpturen, og i 1907 mottok hun en annen medalje.

I 1909 bestemmer Natalia seg endelig for å forlate studiene. Hun slutter å lage skolepenger og blir bortvist fra skolen.

Etter å ha koblet livet sitt med Mikhail Larionov, delte hun hans ambisjoner og kunstneriske synspunkter. Goncharova prøver seg på mange områder av maleriet: kubisme (“Portrait of M. Larionov”, 1913) og primitivisme (“Washing the canvas”, 1910).

På dette tidspunktet ble kunstneren tiltrukket av temaet bondekunst. Hun søker å kjenne essensen av folkets kreativitet. Goncharova vender tilbake til kunst og håndverk: hun skriver tegninger for bakgrunnsbilder, tegner friser av hus.

Reproduksjon av "Washing the Canvas"-maleri av Natalia Goncharova. 1910 Foto: « RIA Nyheter »

Fra 1908 til 1911 ga hun privattimer i malerens kunstatelier. Ilya Mashkov.

illustrasjon

Kunstneren deltok i aktivitetene til Futurist Society, og samarbeidet med Velimir Khlebnikov Og Alexey Kruchenykh. Vennskap med futuristene førte henne til bokgrafikk. I 1912 designet Goncharova bøkene av Kruchenykh og Khlebnikov "Mirskonets", "Game in Hell". Hun er en av de første bokdiagrammer i Europa brukte teknikken med collage.

Utstillinger

Den 24. mars 1910, i lokalene til den litterære og kunstneriske kretsen til Society for Free Aesthetics, arrangerte Goncharova sin første separatutstilling, som inneholdt 22 malerier. Utstillingen varte bare en dag: på grunn av det presenterte maleriet "Modellen (på blå bakgrunn)" ble Goncharova anklaget for pornografi, flere verk ble konfiskert. Retten frikjente henne snart.

I 1911, sammen med Larionov, organiserte hun utstillingen Jack of Diamonds, og i 1912, The Donkey's Tail. Neste - "Mål", "Nr. 4". Kunstneren var medlem av Munich Blue Rider Society. Goncharova støttet aktivt en rekke handlinger og foretak på den tiden.

I 1912, på den berømte utstillingen "Donkey's Tail" stilte Natalya Goncharova ut en syklus med 4 malerier "Evangelister". Dette verket gjorde sensuren rasende med sin ikke-trivielle skildring av helgenene.

I 1914 ble det holdt en stor personlig utstilling av Goncharovas verk, 762 lerreter ble stilt ut. Men det var også en skandale: 22 verk ble fjernet, hvoretter sensurene gikk til retten og anklaget Goncharova for blasfemi.

I 1915 fant den siste utstillingen av Goncharovas verk i Russland sted. I juni Diaghilev inviterer Goncharova og Larionov til fast jobb i hans russiske årstider forlater de Russland.

Emigrasjon

Goncharova og Larionov ankom Frankrike, hvor paret ble værende til slutten av livet. Revolusjonen hindret dem i å returnere til Russland.

De slo seg ned i Latinerkvarteret i Paris, hvor hele fargen til den russiske utvandringen likte å besøke. Goncharova og Larionov organiserte veldedighetsballer for begynnende malere. De besøkte ofte huset deres. Nikolai Gumilyov og Marina Tsvetaeva.

Goncharova jobbet mye i Paris, syklusene hennes "Peacocks", "Magnolias", "Prickly Flowers" snakker om henne som en moden maler. Marina Tsvetaeva skrev: "Hvordan fungerer Natalya Goncharova? For det første, alltid, for det andre, overalt, for det tredje, alt. Alle temaer, alle størrelser, alle metoder for gjennomføring (olje, akvarell, tempera, pastell, blyant, fargeblyanter, kull - hva annet?), Alle områder av maleriet, han tar alt og gir hver gang. Det samme fenomenet maleri som et naturfenomen.

Natalya Goncharova. Påfugl under den lyse solen, 1911 Foto: Commons.wikimedia.org

Imidlertid viet Goncharova mesteparten av energien sin til å jobbe i teatret. Fram til Diaghilevs død i 1929 var hun en av de ledende kunstnerne i hans bedrift. Hun designet ballettene "Spanish Rhapsody" (til musikk M. Ravel), "The Firebird" (til musikk I. Stravinsky), "Bogatyrs" (til musikk A. Borodina), operaen Koschey the Immortal (til musikk N. Rimsky-Korsakov).

På femtitallet malte Natalya Sergeevna en rekke stilleben og lerreter av "romsyklusen".

På sekstitallet var det en gjenoppliving av bred interesse for kunsten til Larionov og Goncharova, deres utstillinger ble holdt i mange land og byer i Europa og Amerika. I 1961 ble et stort retrospektiv av verkene til Larionov og Goncharova organisert i London av Arts Council of Great Britain.

Natalya Goncharova døde i Paris 17. oktober 1962. Hun ble gravlagt på kirkegården i Ivry-sur-Seine.

Etter hennes død, museet Moderne kunst i Paris viet han et stort tilbakeblikk til henne og Larionov.

Goncharova N.S. "Kvinner med rake" 1907 Olje på lerret

"Påfugl under den lyse sol" 1911 Olje på lerret. 129 x 144 cm.
Statens Tretyakov-galleri

Beskrivelse av bildet

Kunstneren avbildet den samme påfuglen i 10 stiler (i "egyptisk" stil, i form av "russisk broderi", futuristisk, kubistisk, etc.). En hel serie kalt "Kunstneriske muligheter om påfuglen" ble laget. Han var hennes symbol, symbolet på hennes kunst.

Påfuglen var nær Goncharova, fordi den er et dypt helhetlig symbol. For eksempel, i romersk kunst, kan det bety triumfen til keiserens døtre. I øst var påfuglen uttrykket for sjelen, som hentet sin styrke fra enhetsprinsippene. I kristendommen ble påfuglen ansett som et bilde på tro på udødelighet og oppstandelse, og dens fjærdrakt fra de "tusen øyne" indikerte allvitenhet. Den flerfargede fjærdrakten antydet skjønnheten i verden (i Kina), og selve skaperverket i islam er et symbol på universet).

Påfuglen kan oppfattes som et tegn på vesens enhet. Symbolikken er assosiert med de gamle synkretiske kulturene som kunstneren elsket så mye. I den egyptiske versjonen er hodet og nakken på påfuglen avbildet i profil, og halen, ifølge kanonene til egyptisk kunst, er vendt frontalt. Samtidig ser den ut til å være spredt på planet med en mørk bakgrunn, og skiller seg ut med sin unike fjærdrakt. Det ser ut til å være dekket ikke med fjær, men med lyse farger, noe som påvirker betrakteren mer fysiologisk.

En virkelig urenergi er nedfelt i lyse farger, som minner om lignende inkarnasjoner av menneskelige følelser på russisk folkekunst. Antagelig reflekterte dette maleriet den unge kunstnerens lidenskap for Gauguins malerier med deres fargerike eksotisme og det naturlige livets frihet.

Goncharova N.S. "Saueklipping" 1907 Olje på lerret

"Syklist" 1913 Olje på lerret. 78x105 cm.
Statens russiske museum, St. Petersburg, Russland

Beskrivelse av bildet

Bildet formidler nøyaktig den raske bevegelseshastigheten. Gateskilt flimrer forbi en syklist i fart og går over i ett. Den raske bevegelsen til hjulene overføres gjennom deres gjentatte repetisjon ved siden av hverandre.

Og mannen selv, som bøyer seg ned til rattet, stratifiserer, blir en underordnet felles idé- hastighet. Dette er hovedtegnene på futurisme - forskyvning av konturer, repetisjon av detaljer og inkludering av uferdige fragmenter. Ved å bryte ned formene til den synlige verden, klarte Goncharova imidlertid å skape helhetlig bilde dynamikk i et individs liv.

Dette bildet legemliggjør estetikken til det tjuende århundre - et århundre med teknologisk fremgang og et akselerert livstempo.

Den første russiske revolusjonen i 1905 har allerede funnet sted. På tampen av første verdenskrig, som begynte i 1914, ble den turbulente situasjonen i samfunnet subtilt fanget av kunstneren og uttrykt i et uskyldig plot - en betinget figur av en mann på sykkel.

Dette er en av de beste bildene kunstnere i stil med kubo-futurisme. Det påfølgende arbeidet til Goncharova gikk i ånden til den nye stilen oppfunnet av M. Larionov "Rayonism".

Khorovod 1910 Olje på lerret Museum of History and Art, Serpukhov, Russland

Erkeengel Michael 1910 Olje på lerret 129,5 x 101,6 cm

Goncharova N.S. "Liturgi, St. Andrey" 1914

Goncharova N.S. "Jomfruen og barnet." Beskrivelse av maleriet

Bildet er laget i russisk ikonografis ånd. Kunstneren brukte tradisjonelle opplegg og teknikker, og samtidig var hun ikke begrenset av noen grenser.

Guds mor er avbildet i gule kapper med brune folder. På venstre hånd sitter en baby, som hun holder med høyre. I motsetning til ortodokse tradisjoner, ser ikke barnet på henne eller på betrakteren. En enkel blå bakgrunn er fylt med primitivt tolkede grønne planter og englefigurer. Betinget tolkning av ansiktet Guds mor supplert med dens ukonvensjonelle fargelegging, som er typisk for rayonisme.

Den frie plastiske transformasjonen av figurene til engler og barnet Kristus kompletteres av sonoriteten til lyse farger, som flytter bildet bort fra ikonmalende kanoner og setter det på et verdig sted blant prestasjonene til likesinnede.

Goncharova N.S. "Klipping" 1910

Goncharova N.S. "Harvest" 1911

Goncharova N.S. "Lille stasjon" 1911

"Fly over toget" 1913 Olje på lerret. 55 x 83 cm
Statens museum kunst Republikken Tatarstan, Kazan, Russland

Goncharova N.S. "Katter" 1913

Goncharova N.S. "Bondedanser" 1911

Goncharova N.S. "Blomster" 1912

Goncharova N.S. "Washerwomen" 1911

Goncharova N.S. "Dynamo" 1913

"Portrett av Larionov" 1913 Olje på lerret. Museum Ludwig, Köln, Tyskland

Goncharova N.S. Nutbumort med en tiger, 1915

Goncharova N.S. "Plate poteter" 1908-1909

Goncharova N.S. "Len" 1908

Goncharova N.S. Saltpilarer, 1908 Beskrivelse av maleriet

Maleriet er preget av stor arkitektur, komplikasjon og flerfigurskomposisjon, en rekke vinkler, frihet i konstruksjonen av former.

Ved å bruke teknikken til "pittoresk historie", tar Goncharova som grunnlag for komposisjonen bibelsk legende om Lot, men gjenforteller det med en digresjon.

Tiltrekningspunktet for den kubistiske tolkningen er transformasjonsøyeblikket menneskelig skikkelse inn i en saltkrystall på bakgrunn av at byen blir styrtet.

I Goncharovs tolkning ble alle deltakerne i scenen til søyler - Lot, og hans kone, og døtre, til og med deres fremtidige barn.

Mange billed- og plastteknikker kommer fra det forrige maleriet "Fruktbarhetsguden", nemlig tolkningen av ansiktet, spesielt den doble kanten av øynene, øyenbrynslinjen som går inn i nesen, hodet plantet på skuldrene, tynne armer og ben, alvorlige deformasjoner av proporsjoner, dominans av 4-kullformer.

I den billedlige utviklingen av overflaten er også et nytt element skissert - med formen av en "svalehale" i bildet av Lot. Her er han ennå ikke tilstrekkelig avslørt verken funksjonelt eller billedmessig, men i etterfølgende arbeider vil han finne sin plass.

Goncharova N.S. "Stone Maiden" 1908

Goncharova N.S. "Bondekvinner" 1910

Goncharova N.S. "Naken neger". Beskrivelse av bildet

Dette maleriet er et godt eksempel på Goncharovas primitivisme. Hun puster inn superenergien fra naturens bevegelse og dynamikken i selve maleriet. Samtidig er hun nær både Picasso og Matisse.

I tolkningen av føttene, hendene, og spesielt i hodets form og innstilling, kan man føle den plastiske nærheten til Picassos Dryade og vennskap. Skyggestreken i ansiktet vekker assosiasjoner til "Dance with Veils".

Matisses innflytelse er håndgripelig i grupperingen av figuren avbildet i en fartsfylt dans, som gjør det mulig å vise den samtidig fra forskjellige vinkler, fargekontraster (en svart figur på en karmoisinrosa bakgrunn), i uttrykket av bevegelse, konsistensen av figuren i minimal plass og superrelieffet av konturene, i bildenes optimisme.

Goncharova myker opp det kubistiske kuttet og oppnår større plastisitet i bildet, sammenlignet med de følelsesmessige bruddene til figurene på lerretene til hennes idoler. Populariteten til bildet ble tilrettelagt av den kulturelle utvidelsen av befolkningen fra de erobrede landene, som feide over landene i Europa. Lidenskap for nye former ble plukket opp av russiske kunstnere etter sine europeiske kolleger.

Goncharova N.S. "Tomhet" . Beskrivelse av bildet

Dette bildet er et unntak og innovasjon på samme tid. I arbeidet til Goncharova, for første gang i nesten alt russisk avantgardemaleri, vises en abstrakt struktur i form av flerfargede konsentriske ringer med uregelmessig form.

Denne strukturen, som har en biologisk proteinform, er ustabil i omriss, krymper og utvider seg i bredden og dybden, lik et ukjent stoff, et energiutbrudd. Den er fylt, som alltid hos Goncharova, med livspust, men livet på et annet nivå - livet med å tenke materie.

Rytme og veksling av blå og hvite ringer av avtagende størrelser med den skiftende bredden på båndet med tett glatt tekstur skaper sitt eget rom, flyter inne i disse formene, flyter rundt et annet rom, dannet av en pittoresk masse av svart-grønn-syrin farge med en matt tekstur. Rommet rundt blir permeabelt, til tross for egenskapen til den mørke matte strukturen til å absorbere alt lyset.

Goncharova bryter med fargens fysikk og materiens fysikk, og ødelegger enheten og materialtettheten skapt ved å farge pigmenter ved å introdusere hvite malingselementer som ligner speilhøydepunkter. Planet til hele bildets billedfelt ser ut til å miste sine materielle grenser. Og komposisjonen er klar til å overvinne dem, og blir som det var en illustrasjon av posisjonen på 4 dimensjoner: "Bildet glir, gir en følelse av det som kan kalles den fjerde dimensjonen - tidløs og ekstraromlig ... ".

Materialvolum - maling, deres tekstur, dvs. "full" - skildrer "tom": "full" gir opphav til "tom", volum blir en kategori av rom. Bildet kan virke rent abstrakt. Hvis du tenker på teosofisk kunnskap, kan du tenke deg at den sentrale hvite flekken er som en betegnelse på en tunnel som fører til en annen verden, til en tenkt «tomhet». Dette er en overjordisk farge. blå ringer- en slags overgangssteg gjennom denne tunnelen til en annen verden.

Temaet overgang til en annen verden er ikke første gang tatt opp i kunstneres verk. Lignende tunneler var til stede i verkene til andre spøkelseskunstnere. Et slående eksempel– «The Birth of the Human Soul» i 1808 av den tyske romantikeren F.O. Runge.

Goncharova N.S. "Engler kaster stein mot byen." Beskrivelse av bildet

Ett av 9 uttrykksfulle malerier generell syklus kalt "Høsten".

I dette bildet bygger Goncharova sitt eget religiøse bilde av verden. Toppen av denne verden er den guddommelige himmelske verden. Alt på jorden gjøres i hans regi, og krigerengler griper direkte inn i jordelivet, motarbeider teknikk og urbanisme og vokter samtidig dyrkbar jord og hager. Dermed bygges motsetningene «by-landsby» og «natur-teknisk».

I tillegg er ideen om gjengjeldelse, himmelsk straff, skjebne, skjebne, generelt, apokalyptiske stemninger, korrelert med kristne symboler, sterk. Bildet ble skapt av kunstneren i perioden med kreative søk: Rayonisme, Futurisme - alt dette var foran. Bare primitivisme og deltakelse i «Jack of Diamonds» har så langt utgjort Goncharovas kreative erfaring. Så dette lerretet i nyprimitivistisk stil regnes som et av de beste.

Som mange andre har dette maleriet enestående dekorative egenskaper. Spesielt er de rytmiske bevegelsene til linjer og flekker merkbare, den aksentuerte tiltrekningen til flyet - jorden - er tydelig manifestert. Alt dette understreket Goncharovas ønske om monumentale former.

Goncharova N.S. "Gul og grønn skog". Beskrivelse av bildet

En av en serie med "strålende landskap". Alt i dette bildet er uskarpt av glimt av kryssende stråler, bak dem er trærnes konturer knapt gjettet. I midten av komposisjonen er det 2 stammer som går opp, kjedelige blå og brune toner. En intens gul flekk i kronen på treet, hvorfra stråler bryter ut, tette grønne og mørkeblå toner når den absolutte fargedybden.

Høye kroner av trær - alt i kryssende bjelker. Selv i jordens tette brune tone blinker glimt av lysstråler. Dette tilfører landskapet en opphisset og optimistisk, men uvirkelig, nesten mystisk lyd.

Det antas at dette landskapet er en enkel illustrasjon av de filosofiske konstruksjonene til P.D. Uspensky "Tertium Organum. Nøkkelen til verdens mysterier. Mystikk og esoterisme flettet sammen i hans livsvei med det okkulte og healing. Den innovative modellen av universet foreslått av filosofen, der det ikke er 3, men 4 dimensjoner, inkludert tid. Han ba også om å skape en verden basert på ideen om en syntese av psykologi og esoterisme, noe som førte til toppnivå forståelse og forståelse av menneskelivet.

Hun ble født 16. august 1881 i landsbyen Ladyzhino, Tula-regionen. Natalia ble oppvokst i familien til en arkitekt. Denne familien tilhørte den eldgamle familien til Goncharovs.

Fascinert av kunst begynte Goncharova studiene ved Moskva-skolen for maleri, skulptur og arkitektur, som varte fra 1901 til 1909. Først var Natalia hovedsakelig engasjert i skulptur, og senere ble hun interessert i maleri. Den første mentoren til den begynnende kunstneren var K.A. Korovin. Samtidig ble de skulpturelle verkene til kunstneren også høyt verdsatt.

Goncharovas tidlige arbeider var malerier i impresjonismens ånd. Disse lerretene ble med suksess stilt ut på utstillingene til World of Art og Moscow Art Theatre. Senere fikk hun en invitasjon fra S.P. Diaghilev. Han inviterte nybegynnerkunstneren til å delta i høstsalongen i Paris.

I løpet av denne perioden malte Goncharova hovedsakelig gater med gamle bygninger, byparker i pasteller. Funksjonene i verdensbildet, sporet i disse lerretene, snakker tydelig om innflytelsen på kunstneren av arbeidet til mesterne i Nabis-gruppen. Imidlertid den milde lyrikken som preget verkene tidlig periode, ga snart plass til konsekvent nyprimitivisme.

Mens hun fortsatt studerte ved Goncharova-skolen, møtte hun M.F. Larionov. Snart vil dette bekjentskapet føre til et varmt forhold, og Larionov vil bli kunstnerens ektemann. Sammen med ham deltok Goncharova i forskjellige russiske og europeiske utstillinger. Det kreative oppsvinget til den unge kunstneren ble assosiert med 1906, da Goncharova tok tak i malerier i primitivismens ånd. Kunstneren er tiltrukket av temaet bondekunst. Den søker å kjenne essensen av folkets kreativitet i all sin dybde.

Senere vil Goncharova jobbe i andre stiler, aktivt bruke tradisjonene forskjellige tidsepoker. På dette tidspunktet vises maleriene "Mor", "Runddans", "Høsting av brød", "Evangelister".

I 1913 jobbet Goncharova hardt med illustrasjoner for bokstavelig talt virker, inkludert publikasjoner av S.P. Bobrova, A.E. Kruchenykh, V.V. Khlebnikov. Siden 1914 har kunstneren utsmykket teaterforestillinger, for eksempel "Golden Cockerel". I sen periode kreativitet Goncharov skaper mange verk som støtter ideen om ikke-objektiv kunst. På dette tidspunktet vises maleriene "Radiant Lilies", "Orkideer".

I 1915 dro Goncharova og mannen hennes til Frankrike. Her avsluttes kunstnerens liv 17. oktober 1962.

«Selvfølgelig kunne jeg klart meg uten blomster, men de hjelper meg å opprettholde respekten for meg selv, fordi de beviser at jeg ikke er lenket på hender og føtter av hverdagslige bekymringer. De er beviset på min frihet.» (Rabindranath Tagore)

For en interessant og dyp tanke: blomster - og individets frihet! Enda mer utrolig er hva mannen sier om det. Forfatter, poet, komponist, kunstner, offentlig person, prisvinner Nobel pris i litteratur... Han fant tid til å nyte skjønnheten til blomster og føle seg fri!

Seks måneder med kaldt vær i Russland er mye! Snødekte hager, jorder og skoger, grå himmel ... Behovet for å føle fylden av å være har alltid fått folk til å lage analoger av vakre naturskapninger som kan glede hjertet og sjelen året rundt.

Derfor russisk folkekunst så lyst og festlig. Og det er ingen tilfeldighet at på 1800-tallet, i sentrum av Russland, ble et annet fantastisk håndverk født, som ble navngitt, som ofte er tilfellet i slike tilfeller, av sin "bolig" - Zhostovo! Det er usannsynlig at det i vårt land vil være en person i hvis minne lyse, nesten fabelaktige, blomsterbuketter ikke umiddelbart vil oppstå hvis han hører dette ordet! Blomsteroppsatser - på et metallbrett. Og jeg må si at friheten som Tagores geni bemerket når han hadde med blomster å gjøre, manifesteres tydeligst i opprettelsen av de berømte Zhostovo-bukettene.

En representant for et av de kjente dynastiene til Zhostov-kunstnere - Larisa Goncharova (eksempler på mesterens arbeid). Et dynasti i ethvert aktivitetsfelt er historien til en gitt sak. Når du henvender deg til en familie, lærer du den hundre år gamle historien om utviklingen av et helt håndverk. Så når vi snakket om håndverkets hemmeligheter, sa Larisa at maleri er en improvisasjon: forfatteren selv vet ikke hva som vil skje, hånden går "automatisk"!

For en mester du trenger å være, slik at disse fortryllende blomstene, som lyser fra dypet av knoppene med magisk lys, ærbødig "lyder" på den lakkerte overflaten, som toner av virtuos musikalsk improvisasjon! Den utsøkte skjønnheten til blomstene skapt av Goncharovs er fylt med en spesiell betydning som formidler stemningen til enten en jublende ferie eller upartisk kontemplasjon.

Når du beundrer perfeksjonen av legemliggjørelsen av det som ble unnfanget, nyter friheten og den luftige lettheten i bildet av buketter, begynner du å forstå at når et utilitaristisk objekt lenge har blitt et symbol på kunst, og at Zhostovo-maleriet er dens uavhengige form.

Landsbyen Zhostovo, som ligger svært nær hovedstaden, har vært et symbol på det unike russiske håndverket i flere århundrer. I siste tiår På 1900-tallet valgte de nye russerne, lei av byens mas og forverret økologi, landsbyen. Forresten, kjent for oss siden barndommen Gerda fra " snø dronning”, eller rettere sagt, hvem som spilte henne populær skuespillerinne teater og kino Elena Proklova, bor også i denne landsbyen nær skogen i mange år, og nyter landskapsdesign, dyrker økologisk frukt og grønnsaker. Hun slapp ikke unna fristelsen til å lære seg å male brett!

På bakgrunn av den stadig ekspanderende «herskapsbyen» ble oldtidshusene lavere og lavere, «vokste» inn i hjemlandet, klamret seg dypere og sterkere, som om de var redde for å bli rykket opp. Og det var grunner til dette.

Først gikk det rykter, men jeg ville ikke tro det. Kunne det gamle folkehåndverk, som staten var så stolt av, blitt privat eiendom? Det gikk litt tid og ryktene ble et fait accompli. Banken ble eier av det legendariske Zhostovo-fisket (vi kommer ikke til å gjøre ytterligere reklame for det, spesielt ettersom eieren av banken kan selge det!). Og alt gikk etter det vanlige opplegget. Banken lovet å bevare folkehåndverket og kjent museum Zhostovo-brett, men territoriet og plassen til fabrikken begynte å bli leid ut. Det er nå et trettitalls foretak som ikke er relatert til brettindustrien. De tretti unge mesterne som ble igjen på fabrikken, klemmer seg sammen i fire små rom avsatt til malerverksteder. Nå jobber de «for eieren». Alle store artister, gamle mestere, ekte skapere forlot håndverket og arbeidet hjemme. I det siste de sluttet praktisk talt samarbeidet med fabrikken.

Brettet som en husholdningsartikkel har vært kjent siden antikken, men det var fra begynnelsen av 1800-tallet på grunn av veksten av byer, fremveksten av en rekke hoteller, tavernaer, restauranter, brett begynte å være nødvendig i store mengder og ble brukes ikke bare til tiltenkt formål men også til interiørdekorasjon. Lyse buketter, stilleben, scener med tedrikking eller å ri på en troika er de tradisjonelle emnene for brettmalerier som prydet veggene til slike etablissementer.

Zhostovo-brett tilhører retningen, som har det vanlige navnet "russiske lakker". Først, på slutten av 1700-tallet, dukket det opp et lakk-miniatyrmaleri på papir-maché. Landsbyen Danilkovo nær Fedoskino, landsbyene Zhostovo og Ostashkovo var kjent for produksjon av skrin, snusbokser, bokser, blyantglass, sigarettbokser, album, kjeks, lommebøker - gjenstander dekorert med miniatyrmaleri. Kunstnere på den tiden henvendte seg til kjente verk staffeli maleri, graveringer, fritt tolke som de laget sine verk. Opprinnelse i tråd med lakkminiatyrer, oppsto produksjonen av brett gradvis som en selvstendig handel. Utgangspunktet er 1807, da verkstedet til Philip Nikitich Vishnyakov begynte å jobbe i Zhostovo. Selv om grunnlaget for håndverket er assosiert med navnet til en annen Vishnyakov - Osip Filippovich. Ved midten av 1800-tallet var det allerede tolv verksteder i distriktet: Belyaev, Mitrofanov, Zaitsev, Leontiev og andre. Håndverket utviklet seg, og brett begynte å bli laget ikke bare av pappmaché, men også av jern. Utvilsomt, i denne forbindelse, innflytelsen fra det velkjente brettproduksjonssenteret i Nizhny Tagil siden 1700-tallet.

Hvis eierne først jobbet på lik linje med arbeiderne, ble de i 1870- og 1880-årene i økende grad blitt gründere. I løpet av disse årene var det mer enn 240 innleide arbeidere i brettindustrien nær Moskva. Tre personer jobbet vanligvis på ett brett: en smed som laget en form, en sparkel som grunnet overflaten og en maler som malte brettet. Etter tørking dekket primeren den med lakk.

Ved begynnelsen av 1900-tallet, etter å ha mestret alle de mest interessante tingene som var i brettproduksjonen til St. Petersburg, Nizhny Tagil, i lakkminiatyr nær Moskva, staffelimaling, porselensmaleri og andre typer kunst, dannet Zhostovs kunstnere deres egen stil, basert, likevel, i første omgang, på utviklingen av deres lokale tradisjoner. Et system ble utviklet, en profesjonell billedkanon, som er iboende i Zhostovs kunst frem til i dag. I sekvensen av teknikker for flerlags Zhostovo-skriving, er et særegent alfabet fikset, som absorberes av mesterne, som kalles "med melk". Maling, skyggelegging, legging, fremheving, tegning, innbinding - dette er "trinnene" som ledet fra de generaliserte silhuettene av blomster og blader til maleriet til å lage de mest komplekse komposisjonene med de fineste detaljene i bindingen, som kombinerer blomster til buketter og forbinder det med bakgrunnen. Og bare etter å ha mestret dette alfabetet "perfekt", etter å ha lært å "rent å snakke de mest komplekse ordene", mottar kunstneren den etterlengtede friheten. Nå har Mesterens hånd rett til å lede ham langs hans egne veier av magiske hager, der paradisfugler lever, og mesterlig improviserer, skaper nye buketter av fabelaktig skjønnhet.

Kommuniserer med kjente mestere forskjellige russiske håndverk, la jeg merke til at de alle er talentfulle, ikke bare i hovedyrket sitt, men ofte i mange andre aktivitetsområder. For noen år siden var en deltaker på Buyan Island-festivalen i Sotsji Nikolai Gushchin, People's Artist of Russia, hovedkunstner Nizhny Novgorod industri "Khokhloma artist". Han imponerte deltakerne ikke bare med verkene som ble brakt til utstillingen, med talentfull maleri, som han demonstrerte på mesterklassen, men også med ... en fantastisk gave fra en danser! Hvordan han danset på banketten! Ikke mange menn kan skryte av slike evner. Og en ting til: øynene til kunstneren river konstant fra den omgivende virkeligheten elementene som er nødvendige for kreativitet, og hver skaper har sin egen. Jeg husker hvordan Gushchin, etter å ha besøkt meg, umiddelbart fant nye ideer til maleriene sine: i det første minuttet av å gå i hagen plukket han en iøynefallende blomst. Han så beundrende på krøllene til "ugresset", og sa at han ikke hadde sett slike i midtbanen og definitivt ville bruke dem i maleriene sine. Han pakket forsiktig inn gresstrået og la det i lomma. Blomster er det mest populære motivet til malerier i russisk kunsthåndverk.

Slik utvikler tradisjoner seg. Hver kunstner tar med sitt eget inn i de etablerte kanonene, det han har sett og opplevd. Hver forfatter har sin egen individuelle stil. Av slagenes natur skiller fagfolk lett "hendene" til mestrene, og, med tanke på individualiteten som er næret av arbeid og talent, gir de ofte definisjoner som på ingen måte er kunsthistoriske begreper. "Dansing" kaller de entusiastisk et slag av den ærede kunstneren i Russland Larisa Goncharova - mester i Zhostovo-maleriet. Larisa synger slik hun maler de berømte blomstene sine (eller skriver hvordan hun synger!).

Diplomarbeid av Larisa Goncharova i kunstskole dem. Kalinina ble høyt verdsatt av kommisjonen og sendt til VDNKh, og Larisa mottok prisen fra Komsomol sentralkomité.

Som barn var Larisa engasjert i koreografi, men etter å ha mottatt yrket som kunstner, lange år sang i folklore-ensemblet "Rus", turnerte. Og hun er også en født motedesigner, hun kan sy et vakkert antrekk til seg selv over natten. Prøv å gjenta: en kjole laget av taft med "kanin" trim og malt med Zhostovo-blomster er en eksklusiv!

En positiv karakter, lyse kunstneriske tilbøyeligheter fant en naturlig refleksjon i maleriet. Derav "dansende" smøre!

En kunstner i fjerde generasjon, siden barndommen, kunne Larisa observere alle stadier av å lage de berømte Zhostovo-brettene, løpe til moren hennes på jobb (heldigvis lå Zhostovo dekorative malerfabrikk ved siden av huset!), Selv om hun ikke var det. i det hele tatt kommer til å følge i hennes fotspor. Men min mor var en klok kvinne og var i stand til gradvis å lede henne på rett vei. Det var her genene åpenbart spilte en rolle. Tross alt var den samme Timofei Maksimovich Belyaev, som på 1830-tallet hadde sitt brettlagingsverksted i Zhostovo, oldefar til Larisa Goncharovas mor, Nina Nikolaevna, Russlands folkets kunstner, prisvinner Statens pris dem. I. E. Repina.

Fiskehistorien før krigen har bare etterlatt oss mannsnavn. Men 1941 snudde opp ned på livet i landet og begynte å skrive sin egen historie på alle områder og områder av livet. Mennene ble ført til fronten. Og for første gang, for at Zhostovo-fartøyet, som allerede var mer enn 100 år gammelt, ikke skulle gå til grunne, ble seks jenter på 13-14 år ført til fabrikken. Blant dem var Nina Belyaeva (senere Goncharovs mann). Militær barndom på jobb er en egen artikkel. Du kan skrive romaner og lage spillefilmer! Nina Nikolaevna fortalte hvordan de, små jenter, dro tømmerstokker fra skogen på seg selv til varmeproduksjon, og malte hermetikkbokser, siden det ikke var jern (alt metall gikk til forsvar). Det er usannsynlig at Nina i disse årene kunne presentere arbeidet sitt i museumssamlinger og de beste utstillingslokalene i verden! Åpenbart: det spiller ingen rolle hvilke vegger, gulv, krukker og krukker barnets håndmaler. Det er viktig - hvem som "setter" denne hånden. lærte jenter eldste mester Andrei Pavlovich Gogin, som spilte en enestående rolle i Zhostovos historie. Det var Gogin som på 1920-tallet ble en aktiv arrangør av artel, på grunnlag av hvilken han skapte mange fremragende verk og lærte mange studenter den tradisjonelle ferdigheten. Han var en av dem hvis aktiviteter bidro til å overleve krisen som forstyrret arbeidet med bokstavelig talt alt folkehåndverk på begynnelsen av 1900-tallet. I 1928 fusjonerte artellene til en - "Metalpodnos", som i 1960 ble omdøpt til Zhostovo Decorative Painting Factory. Alle disse stadiene var livet til Andrei Pavlovich, og etter krigen, fra 1948 til 1961, ledet han fiskeriet som kunstnerisk leder og sjefskunstner. På den tiden måtte Zhostovs team av kunstnere fortsatt overvinne forsøkene fra sovjetiske myndighetsorganer som begynte på 1920- og 1930-tallet for å endre den nåværende utviklingsretningen for håndverket ved å introdusere en rettfram uttalelse om realisme. Slike innovasjoner kan ødelegge en hel trend i Russlands kunst. Men de ledende håndverkerne var i stand til å motstå dette, og ledet implementeringen av nye ideer for å utdype tradisjonelt håndverk.

I sitt arbeid eksperimenterte Gogin med både formen til brett og komposisjonsskjemaer, ved å bruke perlemor-innlegg, farget og gullbakgrunn. Hans lyriske gave forble uendret, som han ga videre til sin elev, Nina Goncharova. I mer enn et halvt århundre har hun skapt verk som gleder oss med sin perfeksjon.

Det er lenge bevist at en person som ikke bor i området der håndverket oppsto og utviklet seg aldri vil bli dets representant, ikke vil være i stand til å utvikle tradisjoner. Kunsten til russisk folkehåndverk er virkelig bare levende hjemland og er inspirert av det. Til tross for dette, i forskjellige hjørner I vårt land og i mange land i verden er det folk som er lidenskapelig tiltrukket av skjønnheten i russisk kunst og drømmer om å mestre i det minste det grunnleggende om håndverk. Derfor inviteres våre artister til forskjellige land organisere skoler, gjennomføre mesterklasser. Larisa reiser ofte til utlandet og underviser utlendinger. Alle kan lære det grunnleggende om Zhostovo-maleri, men ikke alle kan være kunstnere av dette maleriet. Utlendinger studerer fordi det er nytt for dem. For mange var kjennskap til russisk kunst begrenset til hekkende dukker i mange år. For noen er det nå underholdning, for andre er det business. L. Goncharova underviste i Australia, Taiwan. Hun hadde en sjanse til å besøke Amerika mer enn én gang: kunststudioer i 8 stater organiserte mesterklassene hennes. Og en gang ble en slik mesterklasse på malebrett til et ekte og unikt show: det fant sted på bakgrunn av en forestilling folklore ensemble, hvis deltakere var kledd i elegante fargerike russiske kostymer. Larisa sang også, og vekslet opptredenene sine med trening. I en luksuriøs dress satt hun ved et brett på bakgrunn av ensemblet! Amerikanske kvinner løp for å se hvordan sangeren-artisten skifter klær på ett minutt, skifter antrekk: opptoget var fantastisk!

"Utlandet vil hjelpe oss" er en så kjent setning for alle. Klassisk. Deltatt i i fjor langtidsreiser av våre artister til utlandet bekrefter det uten humor. Arbeids- og levekår, lønn - det er umåtelig høyere! Selv om nei, det er bare mulig å "måle" det, men du vil ikke! Penger er bra: en håndverker får tilfredsstillelse ikke bare av det brød og smør kan kjøpe. Penger er et «mål», en vurdering av skaperen: «Jeg er godt betalt, noe som betyr at de setter pris på talentet mitt, verkene jeg har laget. Så jeg har fått til noe! Ikke forgjeves studert og jobbet hardt! Det viser seg at penger er et insentiv til å jobbe videre! Og her er setningen: "En kunstner må være sulten" ... Sult deg selv, mine herrer!

Tiden forandrer seg, Zhostovo-maler, reagerer på motetrender, dekorerer i vår tid ikke bare tradisjonelle skuffer, men også andre interiørartikler: skap, bord, kister, kister ... og til og med bøtter! Det ville være bestillinger: du kan male både sko og en kjole. Og det er virkelig vakkert. For noen år siden var det i Moskva en utstilling "Alt om verdensordenen". Arrangørene beordret Larisa Goncharova til å male en datamaskin. Det viste seg å være en fantastisk og uvanlig artefakt!

Men fortsatt dyktige artister håndverk gjør alt for å bevare Zhostovo-brettet som et fenomen av russisk kultur. Og Goncharov-blomstene, med sin subtile lyrikk og utsøkte skjønnhet i maleri, river av hverdagslenker fra hendene og føttene våre og gir oss en følelse av frihet og glede!

Natalia Tsyghikalo