hjem › Dekk og hjul › Portrett av en mann med hånden på brystet. El Greco - "Portrett av en gentleman med hånden på brystet"

Portrett av en mann med hånden på brystet. El Greco - "Portrett av en gentleman med hånden på brystet"

Det er nesten ingen bevis igjen om livet til kreteneren Domenico Theotokopouli, kunstneren som erobret spanske Toledo under navnet El Greco, det vil si grekeren. "Dårskapene" til karakteren hans og den merkelige billedmessige måten forbløffet mange og tvang dem til å ta opp pennen - men bare noen få bokstaver har overlevd. En av dem inneholder følgende linjer: «... været var vakkert, vårsolen skinte mildt. Det ga glede for alle, og byen så festlig ut. Se for deg min overraskelse da jeg gikk inn i El Grecos studio og så at skoddene på vinduene var lukket, og derfor var det vanskelig å se hva som var rundt. El Greco satt selv på en krakk og gjorde ingenting, men våken. Han ville ikke gå ut med meg fordi, ifølge ham, forstyrret sollyset hans indre lys ..."

Det er nesten ingen bevis igjen om mannen Domenico, bare ekko: at han levde i storslått stil, holdt et rikt bibliotek, leste mange filosofer og også saksøkte klienter (de elsket ham, men oftere forsto han ham ikke), døde nesten i fattigdom - som tynne stråler dagslys ta seg gjennom sprekkene i de "lukkede skodder" i livet hans. Men de distraherer ikke fra det viktigste - fra det indre lyset som fyller maleriene til kunstneren El Greco. Spesielt portretter.

Det er ingen landskap som åpner seg bak personen som blir portrettert, det er ingen overflod av detaljer som tiltrekker et nysgjerrig blikk. Selv heltens navn er ofte utelatt fra bildet. Fordi alt dette ville hindre deg i å se ansiktet. Og øyne, dype, mørke, ser rett på deg. Det er vanskelig å rive deg løs fra dem, og hvis du tvinger deg selv til å se gesten, stopper du opp igjen i tankene.

Dette er "Portrettet av en kavaler med hånden på brystet" (1577-1579), malt av mesteren kort tid etter at han flyttet til Toledo. Dette portrettet er anerkjent som et av de beste i spansk maleri på 1500-tallet. Outlander El Greco skapte "levende bilder spansk liv og historie", som fanger opp "ekte levende vesener, som i seg selv kombinerer alt som bør beundres i vårt folk, alt heroisk og ukuelig, med de motsatte egenskapene som ikke kan annet enn å reflekteres uten å ødelegge selve essensen" (A. Segovia). Aristokrater fra de gamle familiene til Toledo ble de sanne heltene til El Greco, han så dem Indre lys- deres edelhet og verdighet, plikttroskap, intelligens, forfining av oppførsel, mot, ytre tilbakeholdenhet og indre impuls, hjertets styrke, som vet hva det lever og dør for...

Dag etter dag stopper besøkende til Prado-galleriet foran den ukjente hidalgoen, overrasket med ordene: «Som levende...» Hvem er han, denne ridderen? Hvorfor åpner han hjertet sitt med en slik oppriktighet? Hvorfor er øynene hans så attraktive? Og denne edsgesten? Og sverdets feste?.. Ut fra disse spørsmålene ble det kanskje født en legende om at personen som er avbildet i portrettet er en annen stor spanjol: Miguel de Cervantes. En kriger og forfatter som fortalte verden historien om en ridder med trist bilde, som ble gitt den samme guddommelige gaven som El Greco - å se mennesker som de burde være, å se deres indre lys...

til magasinet "Man Without Borders"

Svetlana Obukhova

Det er nesten ingen bevis igjen om mannen Domenico, bare ekko: at han levde i storslått stil, holdt et rikt bibliotek, leste mange filosofer og også saksøkte klienter (de elsket ham, men oftere forsto han ham ikke), døde nesten i fattigdom - som de tynne strålene av dagslys bryter lyset gjennom sprekkene i de "lukkede skodder" i livet hans. Men de distraherer ikke fra det viktigste - fra det indre lyset som fyller maleriene til kunstneren El Greco. Spesielt portretter.

Dette er "Portrettet av en kavaler med hånden på brystet" (1577-1579), malt av mesteren kort tid etter at han flyttet til Toledo. Dette portrettet er anerkjent som et av de beste i spansk maleri på 1500-tallet. Den fremmede El Greco skapte "levende bilder av spansk liv og historie", som fanger "ekte levende vesener, og kombinerer i seg selv alt som er å beundre i vårt folk, alt heroisk og ukuelig, med de motsatte egenskapene som ikke kan annet enn å reflekteres, uten å ødelegge selve essensen» (A. Segovia). Aristokrater fra de eldgamle familiene i Toledo ble de sanne heltene i El Greco, han så deres indre lys - deres adel og verdighet, plikttroskap, intelligens, forfining av oppførsel, mot, ytre tilbakeholdenhet og indre impuls, hjertets styrke, som vet hva den lever og dør for...

Og andre malerier fra Prado-museet i Eremitasjen...

El Greco "Kristus omfavner korset" 1600 - 1605

Avbildet på bakgrunn av en stormfull himmel som er typisk for El Greco, omfavner Kristus korset med sine grasiøse hender, og ser oppover med rolig undergang. Maleriet ble en stor suksess, og mange versjoner av det ble laget i El Grecos verksted.

El Greco "Hellig familie med St. Anne og lille døperen Johannes" ca. 1600 - 1605

Den sene perioden av El Grecos arbeid er preget av bruk av gjennomtrengende farger og blinker; rommet er fullstendig fylt med figurer som skjuler horisonten. Former malt med et vibrerende penselstrøk mister sin materialitet. Lille døperen Johannes kaller betrakteren til stillhet for ikke å forstyrre freden til spedbarnet Kristus...

Velasquez - Portrett av Filip IV Portrett av kong Filip IV. 1653-1657

Grunnleggende om psykologisk portrett i Europeisk kunst pantsatt spansk maler Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Han ble født inn i en fattig adelsfamilie i Sevilla og studerte med Herrera den eldste og Pacheco. I 1622 kom han først til Madrid. I praktisk forstand var denne turen ikke veldig vellykket - Velazquez fant ikke et verdig sted for seg selv. Han håpet å møte den unge kong Filip IV, men møtet fant ikke sted. Likevel nådde ryktene om den unge kunstneren hoffet, og allerede neste år, 1623, inviterte den første ministeren, hertug de Olivares (også en innfødt av Sevilla), Velazquez til Madrid for å male et portrett av kongen. Dette verket, som ikke har nådd oss, gjorde et så hyggelig inntrykk på monarken at han umiddelbart tilbød Velazquez stillingen som hoffkunstner. Snart utviklet det seg ganske bra mellom kongen og Velazquez. vennlige forhold, noe som ikke var veldig typisk for ordenen som hersket ved det spanske hoffet. Kongen som styrte det største imperiet i verden ble ikke ansett som en mann, men en guddom, og kunstneren kunne ikke engang regne med edle privilegier fordi han tjente til livets opphold ved å jobbe. I mellomtiden beordret Philip at fremover bare Velazquez male portrettene hans. Den store monarken var overraskende sjenerøs og støttet Velazquez. Kunstnerens atelier lå i de kongelige leilighetene, og der ble det installert en stol for Hans Majestet. Kongen, som hadde nøkkelen til verkstedet, kom hit nesten hver dag for å observere kunstnerens arbeid. Mens han var i kongelig tjeneste fra 1623 til 1660, malte Velazquez rundt et dusin portretter av sin overherre. Av disse har litt mer enn 10 malerier nådd oss. Dermed malte Velazquez i gjennomsnitt sin overherre omtrent en gang hvert tredje år. Å male portretter av kongen var Velazquez sin jobb, og han gjorde jobben perfekt. Takket være dette har vi et kompleks av verk som er unikt på sin egen måte: i portrettene av Velazquez kan man se livsvei Kong Philip så tydelig som det senere ble vanlig bare i fotografiets tidsalder. Evolusjon er tydelig synlig i kunstnerens malerier. For det første endrer kongen seg selv, 18 år gammel i det første portrettet og 50 år gammel i det siste; ansiktet hans bærer preg av alder og åndelige forandringer. For det andre blir kunstnerens oppfatning av modellen hans dypere, og går fra overfladisk til innsiktsfull. Over tid endres måten modellen presenteres på og kunstneriske teknikker. Velazquez sin måte blir forvandlet under påvirkning av hans egen kreativ vekst, så vel som under påvirkning av moderne innenlandske og utenlandske tradisjoner. Dette portrettet under brystet viser Filip IV mot en mørk bakgrunn, iført svarte klær med en hvit krage som tydelig fremhever monarkens ansikt. Velazquez unngår prangende luksus i portrettet av kongen og viser " menneskelig ansikt» monark uten smiger eller høvisk list. Vi føler tydelig at personen som ser på oss fra lerretet er ulykkelig, i fjor Regjeringen var ikke lett for kongen. Dette er en mann som har kjent skuffelse, men samtidig en mann hvis kjøtt er fylt med medfødt storhet, som ingenting kan rokke ved. En annen stor kunstner, spanjolen til kjernen - Pablo Ruiz Picasso sier dette om bildet av den spanske kongen: "vi kan ikke forestille oss en annen Filip IV enn den som ble skapt av Velazquez ..."

"Portrett av kong Filip IV" (ca. 1653 - 1657)

En av siste portretter monark. Det er interessant å merke seg at det ikke er et eneste element her som snakker om den kongelige statusen til personen som blir portrettert. Velazquez tjente Filip IV i nesten førti år - fra 1623 til hans død, og malte portretter av kongen og hans familie, store emnelerreter for den kongelige samlingen.

Diego Velazquez "Portrett av narren Don Diego de Acedo" (El Primo) ca. 1644

Diego Velazquez "Portrett av dronning Marianna av Østerrike" 1652-1653

Titian (Tiziano Vecellio) "Venus med Amor og organisten" 1555

Musikeren spiller, sitter ved føttene til Venus og beundrer gudinnens nakne kropp, og spiller distrahert med Amor. Noen så på dette maleriet som et rent erotisk verk, mens andre oppfattet det symbolsk – som en allegori over følelser, der syn og hørsel fungerer som verktøy for kunnskap om skjønnhet og harmoni. Titian skrev fem versjoner av dette temaet.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Angrende Maria Magdalena" 1583

Etter sin omvendelse viet Maria Magdalena livet sitt til omvendelse og bønn, og trakk seg tilbake fra verden. I dette maleriet er hun avbildet og ser inn i himmelen og badet i guddommelig lys. Maleriet er malt i tykke mørke farger, karakteristisk for Veroneses stil i den sene perioden av arbeidet hans. Før de gikk inn i de spanske kongelige samlinger, tilhørte verket til den engelske kongen Charles I (henrettet 1649)

Anthony Van Dyck "Portrett av en mann med en lut" 1622-1632

Anthony Van Dyck skylder sin berømmelse nettopp til sjangeren portrett, som i hierarkiet Europeisk maleri inntok en ganske lav posisjon. På dette tidspunktet hadde imidlertid en tradisjon for portrettkunst allerede utviklet seg i Flandern. Van Dyck malte hundrevis av portretter, flere selvportretter, og ble en av skaperne av 1600-tallets stil med seremonielle portretter. I portretter av sine samtidige viste han deres intellektuelle, følelsesmessig verden, åndelig liv, levende karakter av en person.
Den tradisjonelle modellen for dette portrettet er Jacob Gautier, en lutenist ved det engelske hoffet fra 1617 til 1647, men tilstedeværelsen av sverdet, og i større grad de stilistiske kjennetegnene til verket indikerer at det må dateres mye tidligere enn Van. Dycks tur til London, noe som sår tvil om denne teorien. Tilstedeværelsen av et musikkinstrument betyr ikke nødvendigvis at modellen var en musiker. Som et symbol ble musikkinstrumenter ofte avbildet i portretter som en indikasjon på den intellektuelle sofistikasjonen og følsomheten til motivet.

Juan Bautista Maino "Tilbedelse av hyrdene" 1612-1614

Et av Mainos mesterverk. I samlingen State Eremitage Det er en annen versjon av denne historien skrevet av Maino. Kunstneren ble født i Pastrana (Guadalajara) og bodde i Roma fra 1604 til 1610. Dette verket, skrevet da han kom tilbake til Spania, viser innflytelsen fra Caravaggio og Orazio Gentileschi. I 1613 ble Maino medlem av Dominikanerordenen, og maleriet ble inkludert i altersyklusen til klosteret St. Peter Martyren i Toledo.

Georges de Latour "The Blind Musician with a Hurdy-Hurdy" ca. 1625-1630

Latour skildrer en gammel blind musiker som spiller en sløyfe, som gjentok denne handlingen flere ganger. Kunstneren, som jobbet under påvirkning av Caravaggios stil, gjengir entusiastisk detaljer - mønsteret som dekorerer musikk Instrument, rynker i ansiktet til en blind mann, håret hans.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Freeing Andromeda" Ca. 1639-1640

Francisco de Goya "Portrett av Ferdinand VII" 1814-1815

Etter Napoleons nederlag i 1814 vendte Ferdinand VII tilbake til den spanske tronen. Portrettet viser ham i en kongelig kappe foret med hermelin, med et septer og ordrene til Carlos III og det gylne skinn.
Ferdinand VII, som styrte landet til 1833, grunnla Prado-museet i 1819.

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Maria von Santa Cruz, kona til den første direktøren for Prado, var en av de mest ærede kvinnene i Spania i sin tid.
I 1805-portrettet avbildet Goya markisen som musen for lyrisk poesi, Euterpe, tilbakelent på en sofa og holdt en lyre i venstre hånd. Valget av dette spesielle bildet skyldes markisens lidenskap for poesi.

Francisco Goya - "Høst (druehøst)" 1786 - 1787

Francisco GOYA - "Druehøsting" fragment

I 1775 - 1792 skapte Goya syv serier med papptepper for Escorial- og Prado-palassene i utkanten av Madrid. Spesielt dette maleriet tilhører serien av årstider og var ment for spisestuen til prinsen av Asturias i Prado. Goya skildret det klassiske plottet som en hverdagsscene, som gjenspeiler arten av forholdet mellom forskjellige klasser - maleriet skildrer eierne av en vingård med sønnen og hushjelpen.

Francisco Goya "Portrett av general José de Urrutia" (ca. 1798)

José de Urrutia (1739 - 1809) - en av de mest fremtredende spanske militærlederne og den eneste hæroffiseren av ikke-aristokratisk opprinnelse på 1700-tallet som nådde rang som generalkaptein - er avbildet med St. Georgs orden, som ble tildelt ham av den russiske keiserinnen Katarina den store for hans deltakelse i fangsten av Ochakov under Krim-kampanjen i 1789.

Peter Paul Rubens "Portrett av Marie de' Medici." OK. 1622-1625.

Maria Medici (1573 - 1642) var datter av storhertugen av Toscana Francesco I. I 1600 ble hun kone til den franske kongen Henrik IV. Fra 1610 var hun regent for sin unge sønn, den fremtidige kong Ludvig XIII. Hun bestilte en serie verk fra Rubens som glorifiserer seg selv og sin avdøde ektemann. Portrettet viser dronningen iført en enkes hodeplagg og en uferdig bakgrunn.

Domenico Tintoretto "Woman Baring Her Breasts" Ca. 1580-1590

Vicente Lopez Portanha "Portrett av Felix Maximo Lopez, første organist av Royal Chapel" 1820

Spansk nyklassisistisk maler, som beholdt spor av rokokkostilen. Lopez ble ansett som en av de beste portrettmalerne i sin tid, nest etter Francisco de Goya. Han begynte å studere maleri i Valencia i en alder av 13 år, og i løpet av fire år hadde han vunnet flere førstepriser ved Academy of San Carlos, og skaffet ham et stipend for å studere ved hovedstadens prestisjetunge Royal Academy. kunst San Fernando. Etter å ha fullført studiene jobbet Lopez i flere år i verkstedet til Mariano Salvador Maella, læreren hans. I 1814, etter den franske okkupasjonen, var Lopez allerede ganske frisk kjent kunstner Derfor tilkalte den spanske kongen Ferdinand VII ham til Madrid og utnevnte ham til offisiell hoffkunstner, til tross for at den "første kongelige kunstneren" på den tiden var Francisco Goya selv. Vicente Lopez var en produktiv kunstner, han malte malerier om religiøse, allegoriske, historiske og mytologiske emner, men fremfor alt var han selvfølgelig en portrettmaler. I løpet av sin lange karriere malte han portretter av nesten alle kjent person i Spania i første halvdel av 1800-tallet.
Dette portrettet av den første organisten i det kongelige kapell og kjent musiker og komponisten ble skrevet kort før kunstnerens død, og ble fullført av hans eldste sønn Ambrosio Lopez.

Anton Raphael Mengs "Portrett av Maria Luisa av Parma, prinsesse av Asturias" 1766

Juan Sanchez Cotan "Stilleben med vilt, grønnsaker og frukt" 1602

Don Diego de Acedo hadde vært ved retten siden 1635. I tillegg til «buffoon-tjenesten» tjente han som kongelig budbringer og hadde ansvaret for kongens segl. Tilsynelatende snakker bøkene, papirene og skriveredskapene som er avbildet på bildet om disse aktivitetene. Det antas at portrettet ble malt i Fraga, provinsen Huesca, under Filip IVs omvisning i Aragon, hvor han ble ledsaget av Diego de Acedo. I bakgrunnen stiger Malicios-toppen i Guadarrama-fjellkjeden.

Hieronymus Bosch "Utvinning av dårskapens stein" ca. 1490

Den satiriske scenen med figurer mot landskapsbakgrunn skildrer en operasjon for å fjerne «dumhetens stein». Inskripsjon gotisk skrift lyder: "Mester, fjern steinen raskt. Jeg heter Lubbert Das." Lubbert er et vanlig substantiv som betegner uvitenhet og enkelhet. En kirurg som har på seg en hodeplagg i form av en omvendt trakt, som symboliserer uvitenhet, "fjerner" en stein (vannlilje) fra hodet til en godtroende pasient og krever en sjenerøs betaling fra ham. På den tiden trodde de enfoldige at en stein i hodet var skyld i deres dumhet. Dette er hva sjarlataner utnyttet.

Raphael (Raffaello Santi) "Den hellige familie med et lam" 1507

Maria hjelper lille Kristus med å sitte på lammet - kristent symbol Kristi kommende lidenskap, og St. Joseph ser på dem. Maleriet ble malt i Firenze, hvor kunstneren studerte arbeidet til Leonardo da Vinci, påvirket av komposisjonene hans med Den hellige familie. I Prado-museet er dette det eneste verket av Raphael malt i den tidlige perioden.

Albrecht Durer "Portrett av en ukjent mann" Ca. 1521

Portrettet tilhører sen periode Dürers kreativitet. Skrevet på en måte som ligner på stilen nederlandske kunstnere. En hatt med bred rand trekker oppmerksomheten mot ansiktet til personen som blir portrettert; lyset som faller fra venstre konsentrerer betrakterens oppmerksomhet om det. Det andre oppmerksomhetsfokuset i portrettet er hendene, og først og fremst den venstre, der den ukjente personen holder en rulle - tilsynelatende forklarer hans sosiale status.

Rogier van der Weyden "Lamentation" Ca. 1450

Modellen var altertriptyken for Miraflores-klosteret (bevart inne kunstgalleri Berlin), opprettet av Van der Weyden tidligere enn 1444 og gjentatt med noen forskjeller. I denne versjonen, med den øvre delen lagt til i en ukjent periode, Mary, Christ, St. John og giveren (kunden av maleriet) - et medlem av Broers-familien - er avbildet i samme rom. Kunstneren formidler uttrykksfullt sorgen til Guds mor, og klemmer kroppen til hennes døde sønn til brystet hennes. Den tragiske gruppen til venstre står i kontrast med donorskikkelsen, atskilt med en stein. Han er i en tilstand av bønnfull konsentrasjon. På den tiden ba kundene ofte om å avbilde seg selv i malerier. Men bildene deres var alltid sekundære - et sted i bakgrunnen, i mengden osv. Her er giveren avbildet i forgrunnen, men er skilt fra hovedgruppen med stein og farge.

Alonso Cano "Død Kristus støttet av en engel" ca. 1646 - 1652

På bakgrunn av et skumringslandskap støtter en engel Kristi livløse kropp. Den uvanlige ikonografien til dette maleriet forklares av det faktum at det ikke er assosiert med evangeliske tekster, men med den såkalte Kristus fra St. Gregory. Ifølge legenden så pave Gregor den store en visjon av den døde Kristus støttet av to engler. Kano tolket dette plottet annerledes - bare én engel støtter Kristi ubevegelige kropp.

Bartolome Esteban Murillo "Vår Frue av rosenkransen" Ca. 1650 -1655

Arbeidet til Bartolome Esteban Murillo avslutter gullalderen til spansk maleri. Murillos verk er upåklagelig presise i komposisjon, rike og harmoniske i farger, og vakre i ordets høyeste forstand. Følelsene hans er alltid oppriktige og delikate, men i Murillos malerier er det ikke lenger den åndelige kraften og dybden som er så sjokkerende i verkene til hans eldre samtidige. Kunstnerens liv er knyttet til hjemlandet Sevilla, selv om han måtte besøke Madrid og andre byer. Etter å ha studert under den lokale maleren Juan del Castillo (1584-1640), arbeidet Murillo mye på ordre fra klostre og templer. I 1660 ble han president for Academy of Fine Arts i Sevilla.
Med sine malerier av religiøse emner forsøkte Murillo å bringe trøst og trygghet. Det er ingen tilfeldighet at han veldig ofte malte bildet av Guds mor. Bildet av Mary gikk fra maleri til maleri i form av en nydelig ung jente med vanlige ansiktstrekk og et rolig blikk. Hennes uskyldige utseende skulle fremkalle en følelse av søt ømhet hos betrakteren. I dette maleriet avbildet Bartolome Murillo Madonnaen og Jesus med en rosenkrans, tradisjonell katolsk rosenkrans, bønnen som ble gitt for veldig viktig under kunstnerens tid. I dette verket er egenskapene til naturalismen som rådet i verkene til representanter for Sevilla-skolen i første halvdel av 1600-tallet fortsatt merkbare, men Murillos malestil er allerede friere enn i hans tidlig arbeid. Denne frie måten er spesielt tydelig i skildringen av jomfru Marias slør. Kunstneren bruker sterkt lys for å fremheve figurene mot en mørk bakgrunn og skape en kontrast mellom de sarte tonene i ansiktet til Jomfru Maria og kroppen til Kristi barn og de dype skyggene i stoffets folder.
I Andalusia på 1600-tallet var bildet av jomfruen og barnet spesielt etterspurt. Murillo, hvis kreativt liv fant sted i Sevilla, malte mange slike malerier, gjennomsyret av ømhet. I dette tilfellet er Guds mor avbildet med en rosenkrans. Og her, som i tidlige år av sitt arbeid forblir kunstneren tro mot sin lidenskap for lys- og skyggekontraster.

Bartolome Esteban Murillo "Den gode hyrden" 1655-1660

Bildet er gjennomsyret av dyp lyrikk og vennlighet. Tittelen er hentet fra Johannesevangeliet: «Jeg er den gode hyrde». Dette sier at maleriet skildrer Kristus, om enn i det meste tidlig alder. Alt i Murillos film er vakkert og enkelt. Kunstneren elsket å male barn, og han la all denne kjærligheten inn i skjønnheten i bildet av denne gutt-guden. På 1660-1670-tallet, under storhetstiden til hans malerferdigheter, forsøkte Murillo å poetisere karakterene sine, og han ble ofte anklaget for en viss sentimentalitet i bildene og deres bevisste skjønnhet. Disse bebreidelsene er imidlertid ikke helt rettferdige. Barnet som er avbildet på maleriet kan fortsatt sees i dag både i Sevilla og i landsbyene rundt. Og det var nettopp i dette at den demokratiske orienteringen til kunstnerens arbeid ble manifestert - ved å likestille skjønnheten til Madonna med skjønnheten til vanlige spanske kvinner, og skjønnheten til sønnen hennes, lille Kristus, med skjønnheten til gatekråkeboller.

Alonso Sanchez Coelho "Portrett av spedbarnet Isabella Clara Eugenia og Catalina Micaela" 1575

Portrettet viser prinsessen på åtte og ni år som holder en blomsterkrans. Sánchez Coelho malte portretter av infantas - de elskede døtrene til kong Filip II og hans tredje kone Isabella Valois - fra en veldig tidlig alder. Alle portretter er laget i samsvar med kanonene til et hoffportrett - jenter i praktfulle klær og med ufølsom ansiktsuttrykk.

Anton Rafael Mengs. Portrett av kong Carlos III. 1767

Charles III ble kalt kanskje den eneste virkelig opplyste monarken i Spanias historie. Det var han som grunnla Prado-museet i 1785, først som et naturhistorisk museum. Charles III drømte at Prado-museet, sammen med dets nabo botaniske hager vil bli et senter for vitenskapelig utdanning.
Etter å ha besteget tronen, begynte han å gjennomføre alvorlige politiske og økonomiske reformer, som landet så sterkt trengte på den tiden. Imidlertid var hans innsats forgjeves - sønnen Charles IV delte ikke farens progressive synspunkter, og etter Charles IIIs død var reformene over.
Dette portrettet er helt typisk for sin tid. Med hver eneste detalj trekker kunstneren oppmerksomheten til posisjonen som modellen har: en mantel trimmet med hermelin, et maltesisk kors belagt med juveler, skinnende rustning - uunnværlige attributter for kongelig storhet. Frodig draperi og pilaster (element klassisk arkitektur) er en tradisjonell bakgrunn for slike portretter.
Men allerede i dette portrettet er det overraskende hvordan modellens ansikt presenteres. Mengs gjør ikke noe forsøk på å slanke kongens svulstige nese eller jevne ut foldene i de rynkete kinnene. Takket være maksimal individualitet, skaper dette maleriet en følelse av liv som Mengs' forgjengere ikke kunne oppnå. Portrettet får deg til å føle sympati for Carlos III, som er klar til å "vise" sitt ufullkomne utseende.

Antoine Watteau "Feast in the Park" ca. 1713 - 1716

Denne sjarmerende scenen er et typisk eksempel på Watteaus "galante ferier". Lett tåke, som gjør konturene uskarpe, statuen av Neptun nesten skjult i løvet over fontenen og den falmede gylne fargen - alt dette formidler en atmosfære av akutt, men flyktig nytelse.
Maleriet tilhørte Isabella Farnese, den andre kona til kong Philip V.

Antonio Carnicero "Rising the Hot Air Balloon in Aranjuez" ca. 1784

Maleriet ble bestilt av hertugen og hertuginnen av Haussouin og fanger ånden fra opplysningstiden, som vekket interesse for prestasjoner vitenskapelige fremskritt. Avbildet virkelig hendelse: i 1784, i Royal Gardens of Aranjuez, i nærvær av monarken, medlemmer av hans familie og hoffmenn, ble det foretatt en luftballongflukt. Antonio Carnicero var kjent for sine vakre sjangerscener, og dette maleriet er et av hans mest ambisiøse verk.

Jose de Madrazo y Agudo "Himmelsk kjærlighet og jordisk kjærlighet" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Guds lam" 1635-1640

Et lam ligger på et grått bord og skiller seg skarpt ut mot den mørke bakgrunnen i det skarpt fokuserte skarpe lyset. Enhver person på 1600-tallet ville umiddelbart ha anerkjent ham som "Guds lam" og ville ha forstått at dette var en hentydning til Kristi selvoppofrelse. Lammeullen er fantastisk utformet og virker så myk at det er vanskelig å ta øynene fra dyret og du vil ta på det.

Juan Pantoja de la Cruz "Portrett av dronning Isabella av Valois" ca. 1604 – 1608

Pantoja de la Cruz malte dette portrettet, og gjentok arbeidet til Sofonisba Angishola - originalen brant i palasset i 1604. Kunstneren la bare til en kappe laget av murmeldyrpels til dronningens antrekk.
Sofonisba Angishola var en kunstner fra Cremona som jobbet ved det spanske hoffet. Dette var det første portrettet av den unge dronningen i en serie av kunstneren. Maleriet ble malt på en måte nær spansk, men i varmere og lysere farger.

Jean Rann "Portrett av Carlos III som et barn" 1723

Luis Melendez "Still Life with a Box of Sweets, Pretzel and Other Items" 1770

Den største mester i spansk stilleben XVIII c., Luis Melendez ble født i Italia, i familien til en miniatyrkunstner fra Asturias. I 1717 flyttet familien til Madrid, hvor den unge mannen gikk inn i den forberedende avdelingen ved Academy of San Fernando, og tok førsteplassen blant de mest begavede studentene. Imidlertid ble han i 1747 tvunget til å forlate akademiet, etter sin far, som ble utvist fra det som et resultat av konflikten. I løpet av denne perioden besøker Melendez Italia igjen. Til å begynne med hjalp han faren, ble han miniatyrist, og etter at han kom tilbake fra Italia, ble han invitert av Ferdinand VI til å illustrere bøker i det kongelige kapellet i Madrid. I sjangeren stilleben, som kunstneren henvendte seg til på begynnelsen av 1760-tallet, ny fasett hans kreativitet.
Dette stillebenet ble malt inn moden periode kunstnerens kreativitet. På denne tiden dukket det opp luksusgjenstander og sølvtøy i komposisjonene hans. Men likevel holder kunstneren seg til sine idealer og arbeider på linje sjangertradisjon. Den materielle håndgripbarheten til hver av gjenstandene malt på lerret får oss til å huske de beste eksemplene på stilleben i verdenskunsten. Det håndgripelige gjennomsiktige glasset i glasset reflekteres i den matte blanke overflaten på sølvvasen. En myk kringle på en hvit serviett som ser ut til å lukte som nybakt brød. Halsen på en forseglet flaske skinner sløvt. En sølvgaffel stikker litt utover kanten av det opplyste bordet. I komposisjonen til dette stillebenet er det ingen asketisk oppstilling av gjenstander på én rad, karakteristisk for for eksempel Zurbarans stilleben. Kanskje det har noe til felles med nederlandske prøver. Men tonen er mørkere, det er færre objekter og komposisjonen er enklere.

Juan de Arellano "Blomsterkurv" 1670

Spansk barokkkunstner, som spesialiserer seg på skildring av blomsteroppsatser, født i Santorcas i 1614. Først studerte han i studioet til en nå ukjent kunstner, men som 16-åring flyttet han til Madrid, hvor han studerte med Juan de Solis, en kunstner som utførte oppdrag for dronning Isabella. Juan de Arellano i lang tid Han levde av små bestillinger, inkludert veggmalerier, inntil han bestemte seg for å fokusere utelukkende på å male blomster og ble en uovertruffen mester på dette feltet. Det antas at mesteren begynte med å kopiere verkene til andre, spesielt italienske, kunstnere; flamske stilleben ga stilen hans eleganse og strenghet. Senere la han til sine egne komposisjonsideer og en karakteristisk fargepalett til denne kombinasjonen.
Den ganske enkle komposisjonen av dette stilleben er karakteristisk for Arellano. Rene, intense plantefarger skiller seg sterkt ut mot en nøytral brunaktig bakgrunn på grunn av intens belysning.

El Greco - "Portrett av en gentleman med hånden på brystet"

Svetlana Obukhova

Det er nesten ingen bevis igjen om mannen Domenico, bare ekko: at han levde i storslått stil, holdt et rikt bibliotek, leste mange filosofer og også saksøkte klienter (de elsket ham, men oftere forsto han ham ikke), døde nesten i fattigdom - som de tynne strålene av dagslys bryter lyset gjennom sprekkene i de "lukkede skodder" i livet hans. Men de distraherer ikke fra det viktigste - fra det indre lyset som fyller maleriene til kunstneren El Greco. Spesielt portretter.

Dette er "Portrettet av en kavaler med hånden på brystet" (1577-1579), malt av mesteren kort tid etter at han flyttet til Toledo. Dette portrettet er anerkjent som et av de beste i spansk maleri på 1500-tallet. Den fremmede El Greco skapte "levende bilder av spansk liv og historie", som fanger "ekte levende vesener, og kombinerer i seg selv alt som er å beundre i vårt folk, alt heroisk og ukuelig, med de motsatte egenskapene som ikke kan annet enn å reflekteres, uten å ødelegge selve essensen» (A. Segovia). Aristokrater fra de eldgamle familiene i Toledo ble de sanne heltene i El Greco, han så deres indre lys - deres adel og verdighet, plikttroskap, intelligens, forfining av oppførsel, mot, ytre tilbakeholdenhet og indre impuls, hjertets styrke, som vet hva den lever og dør for...

Og andre malerier fra Prado-museet i Eremitasjen...

El Greco "Kristus omfavner korset" 1600 - 1605

El Greco "Hellig familie med St. Anne og lille døperen Johannes" ca. 1600 - 1605

Velasquez - Portrett av Filip IV Portrett av kong Filip IV. 1653-1657

Grunnlaget for det psykologiske portrettet i europeisk kunst ble lagt av den spanske maleren Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Han ble født inn i en fattig adelsfamilie i Sevilla og studerte med Herrera den eldste og Pacheco. I 1622 kom han først til Madrid. I praktisk forstand var denne turen ikke veldig vellykket - Velazquez fant ikke et verdig sted for seg selv. Han håpet å møte den unge kong Filip IV, men møtet fant ikke sted. Likevel nådde ryktene om den unge kunstneren hoffet, og allerede neste år, 1623, inviterte den første ministeren, hertug de Olivares (også en innfødt av Sevilla), Velazquez til Madrid for å male et portrett av kongen. Dette verket, som ikke har nådd oss, gjorde et så hyggelig inntrykk på monarken at han umiddelbart tilbød Velazquez stillingen som hoffkunstner. Snart utviklet det seg ganske vennlige forhold mellom kongen og Velazquez, noe som ikke var veldig typisk for ordenen som regjerte ved det spanske hoffet. Kongen, som styrte verdens største imperium, ble ikke ansett som en mann, men en guddom, og kunstneren kunne ikke en gang regne med edle privilegier, siden han tjente til livets opphold ved arbeid. I mellomtiden beordret Philip at fremover bare Velazquez male portrettene hans. Den store monarken var overraskende sjenerøs og støttet Velazquez. Kunstnerens atelier lå i de kongelige leilighetene, og der ble det installert en stol for Hans Majestet. Kongen, som hadde nøkkelen til verkstedet, kom hit nesten hver dag for å observere kunstnerens arbeid. Mens han var i kongelig tjeneste fra 1623 til 1660, malte Velazquez rundt et dusin portretter av sin overherre. Av disse har litt mer enn 10 malerier nådd oss. Dermed malte Velazquez i gjennomsnitt sin overherre omtrent en gang hvert tredje år. Å male portretter av kongen var Velazquez sin jobb, og han gjorde jobben perfekt. Takket være dette har vi et kompleks av verk som er unikt på sin egen måte: Velazquez sine portretter sporer livet til kong Philip så tydelig, som senere ble en skikk først i fotografiets tidsalder. Evolusjon er tydelig synlig i kunstnerens malerier. For det første endrer kongen seg selv, 18 år gammel i det første portrettet og 50 år gammel i det siste; ansiktet hans bærer preg av alder og åndelige forandringer. For det andre blir kunstnerens oppfatning av modellen hans dypere, og går fra overfladisk til innsiktsfull. Over tid endres måten modellen presenteres og kunstneriske teknikker på. Velazquez sin måte blir transformert under påvirkning av hans egen kreative vekst, så vel som under påvirkning av moderne innenlandske og utenlandske tradisjoner. Dette portrettet under brystet viser Filip IV mot en mørk bakgrunn, iført svarte klær med en hvit krage som tydelig fremhever monarkens ansikt. Velázquez unngår skryt i portrettet av kongen og viser monarkens "menneskelige ansikt" uten smiger eller høvisk list. Vi føler tydelig at personen som ser på oss fra lerretet er ulykkelig, de siste årene av hans regjeringstid var ikke lette for kongen. Dette er en mann som har kjent skuffelse, men samtidig en mann hvis kjøtt er fylt med medfødt storhet, som ingenting kan rokke ved. En annen stor kunstner, en spanjol i kjernen, Pablo Ruiz Picasso, sier dette om bildet av den spanske kongen: «vi kan ikke forestille oss en annen Filip IV enn den som ble skapt av Velazquez...»

"Portrett av kong Filip IV" (ca. 1653 - 1657)

Et av de siste portrettene av monarken. Det er interessant å merke seg at det ikke er et eneste element her som snakker om den kongelige statusen til personen som blir portrettert. Velazquez tjente Filip IV i nesten førti år - fra 1623 til hans død, og malte portretter av kongen og hans familie, store emnelerreter for den kongelige samlingen.

Diego Velazquez "Portrett av narren Don Diego de Acedo" (El Primo) ca. 1644

Diego Velazquez "Portrett av dronning Marianna av Østerrike" 1652-1653

Titian (Tiziano Vecellio) "Venus med Amor og organisten" 1555

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Angrende Maria Magdalena" 1583

Etter sin omvendelse viet Maria Magdalena livet sitt til omvendelse og bønn, og trakk seg tilbake fra verden. I dette maleriet er hun avbildet ser inn i himmelen og badet i guddommelig lys. Maleriet er malt i tykke mørke farger, karakteristisk for Veroneses stil i den sene perioden av arbeidet hans. Før de kom inn i de spanske kongelige samlingene, tilhørte verket den engelske kong Charles I (henrettet i 1649)

Anthony Van Dyck "Portrett av en mann med en lut" 1622-1632

Anthony Van Dyck skylder sin berømmelse nettopp til sjangeren portrett, som inntok en ganske lav posisjon i hierarkiet til europeisk maleri. På dette tidspunktet hadde imidlertid en tradisjon for portrettkunst allerede utviklet seg i Flandern. Van Dyck malte hundrevis av portretter, flere selvportretter, og ble en av skaperne av 1600-tallets stil med seremonielle portretter. I portretter av sine samtidige viste han deres intellektuelle, emosjonelle verden, åndelige liv og levende menneskelige karakter.
Den tradisjonelle modellen for dette portrettet er Jacob Gautier, en lutenist ved det engelske hoffet fra 1617 til 1647, men tilstedeværelsen av sverdet, og i større grad de stilistiske kjennetegnene til verket indikerer at det må dateres mye tidligere enn Van. Dycks tur til London, noe som sår tvil om denne teorien. Tilstedeværelsen av et musikkinstrument betyr ikke nødvendigvis at modellen var en musiker. Som et symbol ble musikkinstrumenter ofte avbildet i portretter som en indikasjon på den intellektuelle sofistikasjonen og følsomheten til motivet.

Juan Bautista Maino "Tilbedelse av hyrdene" 1612-1614

Et av Mainos mesterverk. Samlingen av State Hermitage inneholder en annen versjon av denne historien, skrevet av Maino. Kunstneren ble født i Pastrana (Guadalajara) og bodde i Roma fra 1604 til 1610. Dette verket, skrevet da han kom tilbake til Spania, viser innflytelsen fra Caravaggio og Orazio Gentileschi. I 1613 ble Maino medlem av Dominikanerordenen, og maleriet ble inkludert i altersyklusen til klosteret St. Peter Martyren i Toledo.

Georges de Latour "The Blind Musician with a Hurdy-Hurdy" ca. 1625-1630

Latour skildrer en gammel blind musiker som spiller en sløyfe, som gjentok denne handlingen flere ganger. Kunstneren, som jobbet under påvirkning av Caravaggios stil, gjengir entusiastisk detaljer - mønsteret som dekorerer et musikkinstrument, rynkene i ansiktet til en blind mann, håret hans.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Freeing Andromeda" Ca. 1639-1640

Francisco de Goya "Portrett av Ferdinand VII" 1814-1815

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Francisco Goya - "Høst (druehøst)" 1786 - 1787

Francisco GOYA - "Druehøsting" fragment

Francisco Goya "Portrett av general José de Urrutia" (ca. 1798)

Peter Paul Rubens "Portrett av Marie de' Medici." OK. 1622-1625.

Domenico Tintoretto "Woman Baring Her Breasts" Ca. 1580-1590

Vicente Lopez Portanha "Portrett av Felix Maximo Lopez, første organist av Royal Chapel" 1820

Spansk nyklassisistisk maler, som beholdt spor av rokokkostilen. Lopez ble ansett som en av de beste portrettmalerne i sin tid, nest etter Francisco de Goya. Han begynte å studere maleri i Valencia i en alder av 13 år, og i løpet av fire år hadde han vunnet flere førstepriser ved Academy of San Carlos, og skaffet ham et stipend for å studere ved hovedstadens prestisjetunge Royal Academy of Fine Arts i San Fernando. Etter å ha fullført studiene jobbet Lopez i flere år i verkstedet til Mariano Salvador Maella, læreren hans. I 1814, etter den franske okkupasjonen, var Lopez allerede en kjent kunstner, så den spanske kong Ferdinand VII tilkalte ham til Madrid og utnevnte ham til offisiell hoffkunstner, til tross for at den "første kongelige kunstneren" på den tiden var Francisco Goya selv. Vicente Lopez var en produktiv kunstner, han malte malerier om religiøse, allegoriske, historiske og mytologiske emner, men fremfor alt var han selvfølgelig en portrettmaler. I løpet av sin lange karriere malte han portretter av nesten alle kjente personer i Spania i første halvdel av 1800-tallet.
Dette portrettet av den første organisten i det kongelige kapell og den berømte musikeren og komponisten ble malt kort før kunstnerens død, og ble fullført av hans eldste sønn Ambrosio Lopez.

Anton Raphael Mengs "Portrett av Maria Luisa av Parma, prinsesse av Asturias" 1766

Juan Sanchez Cotan "Stilleben med vilt, grønnsaker og frukt" 1602

Hieronymus Bosch "Utvinning av dårskapens stein" ca. 1490

Den satiriske scenen med figurer mot landskapsbakgrunn skildrer en operasjon for å fjerne «dumhetens stein». Inskripsjonen med gotisk skrift lyder: "Mester, fjern steinen raskt. Jeg heter Lubbert Das." Lubbert er et vanlig substantiv som betegner uvitenhet og enkelhet. En kirurg som har på seg en hodeplagg i form av en omvendt trakt, som symboliserer uvitenhet, "fjerner" en stein (vannlilje) fra hodet til en godtroende pasient og krever en sjenerøs betaling fra ham. På den tiden trodde de enfoldige at en stein i hodet var skyld i deres dumhet. Dette er hva sjarlataner utnyttet.

Raphael (Raffaello Santi) "Den hellige familie med et lam" 1507

Maria hjelper den lille Kristus med å sitte på lammet - et kristent symbol på Kristi kommende lidenskap, og St. Joseph ser på dem. Maleriet ble malt i Firenze, hvor kunstneren studerte arbeidet til Leonardo da Vinci, påvirket av komposisjonene hans med Den hellige familie. I Prado-museet er dette det eneste verket av Raphael malt i den tidlige perioden.

Albrecht Durer "Portrett av en ukjent mann" Ca. 1521

Portrettet tilhører den sene perioden av Dürers arbeid. Malt på en måte som ligner stilen til nederlandske kunstnere. En hatt med bred rand trekker oppmerksomheten mot ansiktet til personen som blir portrettert; lyset som faller fra venstre konsentrerer betrakterens oppmerksomhet om det. Det andre oppmerksomhetsfokuset i portrettet er hendene, og først og fremst den venstre, der den ukjente personen holder en rulle - tilsynelatende forklarer hans sosiale status.

Rogier van der Weyden "Lamentation" Ca. 1450

Modellen var altertriptyken for Miraflores-klosteret (oppbevart i Berlins kunstgalleri), skapt av Van der Weyden tidligere enn 1444 og gjentatt med noen forskjeller. I denne versjonen, med den øvre delen lagt til i en ukjent periode, Mary, Christ, St. John og giveren (kunden av maleriet) - et medlem av Broers-familien - er avbildet i samme rom. Kunstneren formidler uttrykksfullt sorgen til Guds mor, og klemmer kroppen til hennes døde sønn til brystet hennes. Den tragiske gruppen til venstre står i kontrast med donorskikkelsen, atskilt med en stein. Han er i en tilstand av bønnfull konsentrasjon. På den tiden ba kundene ofte om å avbilde seg selv i malerier. Men bildene deres var alltid sekundære - et sted i bakgrunnen, i mengden osv. Her er giveren avbildet i forgrunnen, men er skilt fra hovedgruppen med stein og farge.

Alonso Cano "Død Kristus støttet av en engel" ca. 1646 - 1652

Bartolome Esteban Murillo "Vår Frue av rosenkransen" Ca. 1650 -1655

Arbeidet til Bartolome Esteban Murillo avslutter gullalderen til spansk maleri. Murillos verk er upåklagelig presise i komposisjon, rike og harmoniske i farger, og vakre i ordets høyeste forstand. Følelsene hans er alltid oppriktige og delikate, men i Murillos malerier er det ikke lenger den åndelige kraften og dybden som er så sjokkerende i verkene til hans eldre samtidige. Kunstnerens liv er knyttet til hjemlandet Sevilla, selv om han måtte besøke Madrid og andre byer. Etter å ha studert under den lokale maleren Juan del Castillo (1584-1640), arbeidet Murillo mye på ordre fra klostre og templer. I 1660 ble han president for Academy of Fine Arts i Sevilla.
Med sine malerier av religiøse emner forsøkte Murillo å bringe trøst og trygghet. Det er ingen tilfeldighet at han veldig ofte malte bildet av Guds mor. Bildet av Mary gikk fra maleri til maleri i form av en nydelig ung jente med vanlige ansiktstrekk og et rolig blikk. Hennes uskyldige utseende skulle fremkalle en følelse av søt ømhet hos betrakteren. I dette maleriet avbildet Bartolome Murillo Madonnaen og Jesus med rosenkransen, den tradisjonelle katolske rosenkransen, hvis bønn ble tillagt stor betydning på kunstnerens tid. I dette arbeidet er egenskapene til naturalisme som rådet i verkene til representanter for Sevilla-skolen i første halvdel av 1600-tallet fortsatt merkbare, men Murillos malestil er allerede friere enn i hans tidlige arbeid. Denne frie måten er spesielt tydelig i skildringen av jomfru Marias slør. Kunstneren bruker sterkt lys for å fremheve figurene mot en mørk bakgrunn og skape en kontrast mellom de sarte tonene i ansiktet til Jomfru Maria og kroppen til Kristi barn og de dype skyggene i stoffets folder.
I Andalusia på 1600-tallet var bildet av jomfruen og barnet spesielt etterspurt. Murillo, hvis kreative liv ble tilbrakt i Sevilla, malte mange slike malerier, gjennomsyret av ømhet. I dette tilfellet er Guds mor avbildet med en rosenkrans. Og her, som i de første årene av sitt arbeid, forblir kunstneren tro mot sin lidenskap for lys- og skyggekontraster.

Bartolome Esteban Murillo "Den gode hyrden" 1655-1660

Bildet er gjennomsyret av dyp lyrikk og vennlighet. Tittelen er hentet fra Johannesevangeliet: «Jeg er den gode hyrde». Dette tyder på at maleriet skildrer Kristus, om enn i en veldig tidlig alder. Alt i Murillos film er vakkert og enkelt. Kunstneren elsket å male barn, og han la all denne kjærligheten inn i skjønnheten i bildet av denne gutt-guden. På 1660-1670-tallet, under storhetstiden til hans malerferdigheter, forsøkte Murillo å poetisere karakterene sine, og han ble ofte anklaget for en viss sentimentalitet i bildene og deres bevisste skjønnhet. Disse bebreidelsene er imidlertid ikke helt rettferdige. Barnet som er avbildet på maleriet kan fortsatt sees i dag både i Sevilla og i landsbyene rundt. Og det var nettopp i dette at den demokratiske orienteringen til kunstnerens arbeid ble manifestert - ved å likestille skjønnheten til Madonna med skjønnheten til vanlige spanske kvinner, og skjønnheten til sønnen hennes, lille Kristus, med skjønnheten til gatekråkeboller.

Alonso Sanchez Coelho "Portrett av spedbarnet Isabella Clara Eugenia og Catalina Micaela" 1575

Anton Rafael Mengs. Portrett av kong Carlos III. 1767

Charles III ble kalt kanskje den eneste virkelig opplyste monarken i Spanias historie. Det var han som grunnla Prado-museet i 1785, først som et naturhistorisk museum. Charles III drømte om at Prado-museet, sammen med den nærliggende botaniske hagen, skulle bli et senter for vitenskapelig utdanning.
Etter å ha besteget tronen, begynte han å gjennomføre alvorlige politiske og økonomiske reformer, som landet så sterkt trengte på den tiden. Imidlertid var hans innsats forgjeves - sønnen Charles IV delte ikke farens progressive synspunkter, og etter Charles IIIs død var reformene over.
Dette portrettet er helt typisk for sin tid. Med hver eneste detalj trekker kunstneren oppmerksomheten til posisjonen som modellen har: en mantel trimmet med hermelin, et maltesisk kors belagt med juveler, skinnende rustning - uunnværlige attributter for kongelig storhet. Frodig draperi og pilaster (et element i klassisk arkitektur) er et tradisjonelt bakteppe for slike portretter.
Men allerede i dette portrettet er det overraskende hvordan modellens ansikt presenteres. Mengs gjør ikke noe forsøk på å slanke kongens svulstige nese eller jevne ut foldene i de rynkete kinnene. Takket være maksimal individualitet, skaper dette maleriet en følelse av liv som Mengs' forgjengere ikke kunne oppnå. Portrettet får deg til å føle sympati for Carlos III, som er klar til å "vise" sitt ufullkomne utseende.

Antoine Watteau "Feast in the Park" ca. 1713 - 1716

Denne sjarmerende scenen er et typisk eksempel på Watteaus "galante ferier". En lett tåke som visker ut konturene, en statue av Neptun nesten gjemt i løvet over fontenen og en falmet gylden farge - alt dette formidler en atmosfære av akutt, men flyktig nytelse.
Maleriet tilhørte Isabella Farnese, den andre kona til kong Philip V.

Antonio Carnicero "Rising the Hot Air Balloon in Aranjuez" ca. 1784

Maleriet ble bestilt av hertugen og hertuginnen av Haussouin og fanger ånden fra opplysningstiden, som vekket interesse for prestasjonene til vitenskapelig fremgang. En virkelig hendelse er avbildet: i 1784, i Royal Gardens of Aranjuez, i nærvær av monarken, medlemmer av hans familie og hoffmenn, ble det foretatt en luftballongflukt. Antonio Carnicero var kjent for sine vakre sjangerscener, og dette maleriet er et av hans mest ambisiøse verk.

Jose de Madrazo y Agudo "Himmelsk kjærlighet og jordisk kjærlighet" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Guds lam" 1635-1640

Juan Pantoja de la Cruz "Portrett av dronning Isabella av Valois" ca. 1604 – 1608

Jean Rann "Portrett av Carlos III som et barn" 1723

Luis Melendez "Still Life with a Box of Sweets, Pretzel and Other Items" 1770

Den største mesteren av spansk stilleben på 1700-tallet, Luis Melendez ble født i Italia, i familien til en miniatyrkunstner fra Asturias. I 1717 flyttet familien til Madrid, hvor den unge mannen gikk inn i den forberedende avdelingen ved Academy of San Fernando, og tok førsteplassen blant de mest begavede studentene. Imidlertid ble han i 1747 tvunget til å forlate akademiet, etter sin far, som ble utvist fra det som et resultat av konflikten. I løpet av denne perioden besøker Melendez Italia igjen. Til å begynne med hjalp han faren, ble han miniatyrist, og etter at han kom tilbake fra Italia, ble han invitert av Ferdinand VI til å illustrere bøker i det kongelige kapellet i Madrid. I sjangeren stilleben, som kunstneren vendte seg til på begynnelsen av 1760-tallet, dukket det opp en ny fasett av hans arbeid.
Dette stillebenet ble malt i kunstnerens modne periode. På denne tiden dukket det opp luksusgjenstander og sølvtøy i komposisjonene hans. Men likevel holder kunstneren seg til sine idealer og arbeider i tråd med sjangertradisjonen. Den materielle håndgripbarheten til hver av gjenstandene malt på lerret får oss til å huske de beste eksemplene på stilleben i verdenskunsten. Det håndgripelige gjennomsiktige glasset i glasset reflekteres i den matte blanke overflaten på sølvvasen. En myk kringle på en hvit serviett som ser ut til å lukte som nybakt brød. Halsen på en forseglet flaske skinner sløvt. En sølvgaffel stikker litt utover kanten av det opplyste bordet. I komposisjonen til dette stillebenet er det ingen asketisk oppstilling av gjenstander på én rad, karakteristisk for for eksempel Zurbarans stilleben. Kanskje det har noe til felles med nederlandske prøver. Men tonen er mørkere, det er færre objekter og komposisjonen er enklere.

Juan de Arellano "Blomsterkurv" 1670

Spansk barokkmaler, som spesialiserer seg på skildring av blomsteroppsatser, født i Santorcas i 1614. Først studerte han i studioet til en nå ukjent kunstner, men som 16-åring flyttet han til Madrid, hvor han studerte med Juan de Solis, en kunstner som utførte oppdrag for dronning Isabella. Juan de Arellano levde lenge på små oppdrag, inkludert veggmalerier, inntil han bestemte seg for å fokusere utelukkende på å male blomster og ble en uovertruffen mester på dette feltet. Det antas at mesteren begynte med å kopiere verkene til andre, spesielt italienske, kunstnere; flamske stilleben ga stilen hans eleganse og strenghet. Senere la han til sine egne komposisjonsideer og en karakteristisk fargepalett til denne kombinasjonen.
Den ganske enkle komposisjonen av dette stilleben er karakteristisk for Arellano. Rene, intense plantefarger skiller seg sterkt ut mot en nøytral brunaktig bakgrunn på grunn av intens belysning.

Kanskje et av de tidligste portrettene av El Greco laget i Spania er det såkalte "Portrettet av en kavaler med hånden på brystet" (ca. 1577-1579). Dette bevises først og fremst av en mer tradisjonell, mørk malerstil bygget på nyanser av brunlige toner med et tett, glatt penselstrøk. En psykologisk nøytralitet i tolkningen er typisk, som senere vil vike for en mye mer aktiv karakterisering.

Dette kjent portrett El Greco representerer så å si bildet av en adelsmann i sin tid hevet inn i kanonens ramme. Elegant, veldig rolig, med høyre hånd på brystet i en gest av ed eller overbevisning, legemliggjør den ukjente caballero karakteristikken til det spanske aristokratiet samfunngo, altså uttrykket i utseende likevekt, tilbakeholdenhet, verdighet.

Håndtaket til Toledo-sverdet er en veltalende detalj av hans strenge utseende, en svart dress dekorert med høy krage og mansjetter laget av snøhvit blonder. Antonina Vallantin bemerker med rette at denne typen spanjoler penetrerte scenen og allerede levde på sidene av romaner, men for å bli avbildet, måtte han vente på El Grecos ankomst til Toledo.

Portrettet har imidlertid intern inkonsekvens, siden det ideelle aspektet av bildet ikke helt samsvarer med personligheten til personen som blir portrettert - er en lite meningsfull natur avbildet. Inntrykket oppnås av lerretets billedstruktur, der ansiktet og hånden med et symbolsk arrangement av fingre kommer frem fra den mørke bakgrunnen som lyse flekker; Den dyrebare skjønnheten til tynne, glitrende blonder og sverdets feste, som om de henger i luften, får spesiell skjørhet. Frigjøringen av caballeroens blikk, utstyrt med den typiske Elgrekens merkelige øyne, forsterker bildets uttrykksfullhet.

Populært i kategorien: