Japansk samtidskunst. CraftsGirl

Den moderne japanske kunstscenen ser ut til å være fullstendig globalisert. Kunstnere reiser mellom Tokyo og New York, nesten alle fikk europeisk eller amerikansk utdanning, de snakker om arbeidet sitt på internasjonal kunstengelsk. Dette bildet er imidlertid langt fra komplett.

Nasjonale former og trender viser seg å være en av de mest ettertraktede varene Japan har å tilby til verdensmarkedet. kunstneriske ideer og fungerer.

flyoperasjon. Hvordan superflat kombinerer amerikansk geekkultur og tradisjonell japansk maleri

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Hvis i den vestlige verden for nesten alle (unntatt kanskje de mest ivrige postmoderne teoretikere) grensen mellom høy og populær kultur er fortsatt relevant, om enn problematisk, i Japan er disse verdenene totalt blandet.

Et eksempel på dette er Takashi Murakami, som med suksess kombinerer utstillinger i verdens beste gallerier og streamingproduksjon.

Opptak av omvisningen til Murakami-utstillingen "Det blir mildt regn"

Murakamis forhold til populærkulturen – og for Japan er dette først og fremst kulturen til manga- og anime-fans (otaku) – er imidlertid mer komplisert. Filosof Hiroki Azuma kritiserer forståelsen av otaku som et autentisk japansk fenomen. Otaku anser seg selv som direkte forbundet med tradisjonene fra Edo-perioden på 1600- og 1800-tallet - epoken med isolasjonisme og avvisningen av modernisering. Azuma hevder at otaku-bevegelsen er basert på manga, animasjon, grafiske romaner, dataspill- kunne bare ha oppstått i sammenheng med den amerikanske okkupasjonen etter krigen som følge av importen av amerikansk kultur. Kunsten til Murakami og hans tilhengere gjenoppfinner otaku med popkunstteknikker og avkrefter den nasjonalistiske myten om tradisjonens autentisitet. Det representerer en "re-amerikanisering av japanskisert amerikansk kultur."

Kunsthistorisk sett er superflat nærmest det tidlige Japansk maleri ukiyo-e. Mest kjent verk i denne tradisjonen - gravering" En stor bølge i Kanagawa" av Katsushiki Hokusai (1823-1831).

For vestlig modernisme var oppdagelsen av japansk maleri et gjennombrudd. Det gjorde det mulig å se bildet som et fly og søker ikke å overvinne denne særegenheten ved det, men å jobbe med det.

Katsushiki Hokusai. "Den store bølgen utenfor Kanagawa"

Pionerer innen ytelse. Hva betyr japansk kunst fra 1950-tallet i dag

Dokumentasjon kreativ prosess Akira Kanayama og Kazuo Shiragi

Superflat tok form først på 2000-tallet. Men de kunstneriske handlingene som er viktige for verdenskunsten begynte i Japan mye tidligere – og enda tidligere enn i Vesten.

Den performative vendingen i kunsten fant sted på begynnelsen av 60- og 70-tallet i forrige århundre. I Japan dukket forestillingen opp på femtitallet.

For første gang har Gutai-gruppen skiftet fokus fra å lage selvforsynte objekter til produksjonsprosessen. Herfra - ett skritt til å forlate kunstobjektet til fordel for en flyktig begivenhet.

Selv om individuelle kunstnere fra Gutai (og det var 59 av dem på tjue år) eksisterte aktivt i internasjonal kontekst, og forsto japansk som deres kollektive aktivitet etterkrigskunst begynte generelt i Vesten ganske nylig. Bommen kom i 2013 med flere utstillinger i små gallerier i New York og Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde at MoMA, og den massive historiske retrospektive Gutai: Splendid Playground på Guggenheim Museum. Moskva-importen av japansk kunst ser ut til å være en nesten forsinket fortsettelse av denne trenden.

Sadamasa Motonaga. Arbeid (vann) på Guggenheim-museet

Det er slående hvor moderne disse retrospektive utstillingene ser ut. For eksempel er det sentrale objektet for utstillingen ved Guggenheim-museet rekonstruksjonen av Work (Water) av Sadamasa Motonaga, der nivåene til museumsrotunden er forbundet med polyetylenrør med farget vann. De minner om penselstrøk som har blitt revet av lerretet og eksemplifiserer Gutais sentrale fokus på «konkrethet» (oversatt fra Japansk navn grupper), materialiteten til gjenstandene som kunstneren arbeider med.

Mange medlemmer av Gutai fikk en utdanning relatert til klassisk nihonga-maleri, mange er biografisk knyttet til den religiøse konteksten til Zen-buddhismen, til dens karakteristiske japanske kalligrafi. Alle fant en ny, prosessuell eller deltakende tilnærming til eldgamle tradisjoner. Kazuo Shiraga har filmet hvordan han tegner sine anti-Rauschenberg monokromer med føttene, og til og med laget malerier offentlig.

Minoru Yoshida forvandlet blomster fra japanske trykk til psykedeliske objekter - et eksempel på dette er Bisexual Flower, en av de første kinetiske (bevegelige) skulpturene i verden.

Kuratorene for utstillingen på Guggenheim-museet forteller om den politiske betydningen av disse verkene:

"Gutai demonstrerte viktigheten av fri individuell handling, riving av publikumsforventninger og til og med dumhet som måter å motvirke den sosiale passiviteten og konformiteten som over flere tiår tillot en militaristisk regjering å få en kritisk masse av innflytelse, invadere Kina, og deretter bli med i andre verdenskrig."

God og klok. Hvorfor artister forlot Japan for Amerika på 1960-tallet

Gutai var unntaket fra regelen i Japan etter krigen. Avantgardegrupper forble marginale, kunstverdenen var strengt hierarkisk. Hovedveien til anerkjennelse var deltakelse i konkurranser holdt av anerkjente sammenslutninger av klassiske kunstnere. Derfor foretrakk mange å reise til Vesten og integrere seg i det engelskspråklige kunstsystemet.

Det var spesielt vanskelig for kvinner. Selv i den progressive Gutai nådde ikke andelen av deres tilstedeværelse en femtedel. Hva kan vi si om tradisjonelle institusjoner, for tilgang som det var nødvendig spesialopplæring. På sekstitallet hadde jenter allerede skaffet seg retten til det, men å lære kunst (hvis det ikke handlet om dekorativt, som var en del av ferdighetssettet ryosai kenbo- en god kone og en klok mor) var et sosialt imøtekommende yrke.

Yoko Ono. kuttet stykke

Historien om emigrasjonen av fem mektige japanske kvinnelige artister fra Tokyo til USA var tema for Midori Yoshimotos studie «Into Performance: Japanese Women Artists in New York». Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi og Shigeko Kubota bestemte seg i starten av karrieren for å reise til New York og jobbet der, inkludert modernisering av tradisjonene innen japansk kunst. Bare Yoko Ono vokste opp i USA - men hun nektet også bevisst å returnere til Japan, etter å ha blitt desillusjonert over Tokyos kunstneriske hierarki under sitt korte opphold i 1962-1964.

Ono ble den mest kjente av de fem - ikke bare som kona til John Lennon, men også som forfatter av proto-feministiske forestillinger dedikert til objektivering. kvinnekropp. Det er åpenbare paralleller mellom Cut Piece It, der publikum kunne klippe av deler av artistens klær, og "Rhythm 0" av "bestemoren til ytelsen" Marina Abramović.

På korte ben. Hvordan bestå forfatterens skuespilleropplæring Tadashi Suzuki

Når det gjelder Ono og Gutai, ble metodene og temaene for arbeidet deres, atskilt fra forfatterne, internasjonalt betydningsfulle. Det finnes andre former for eksport - når kunstnerens verk oppfattes med interesse på den internasjonale arenaen, men lån av selve metoden skjer ikke på grunn av dens spesifisitet. Det mest slående tilfellet er Tadashi Suzukis skuespillertreningssystem.

Suzuki-teatret er elsket selv i Russland - og dette er ikke overraskende. Sist han var med oss ​​i 2016 med fremføringen av De trojanske kvinnene basert på tekstene til Euripides, og på 2000-tallet kom han flere ganger med oppsetninger av Shakespeare og Tsjekhov. Suzuki overførte handlingen til skuespillene til den nåværende japanske konteksten og tilbød ikke-opplagte tolkninger av tekstene: han oppdaget antisemittisme i Ivanov og sammenlignet den med japanernes foraktelige holdning til kineserne, overførte handlingen til kong Lear til et japansk galeasyl.

Suzuki bygde systemet sitt i opposisjon til russeren teaterskole. I sent XIXårhundre, i løpet av den såkalte Meiji-perioden, opplevde det moderniserende keiserlige Japan fremveksten av opposisjonsbevegelser. Resultatet ble en storstilt vestliggjøring av en tidligere ekstremt lukket kultur. Blant de importerte formene var Stanislavsky-systemet, som fortsatt er en av de viktigste regimetodene i Japan (og i Russland).

Suzuki øvelser

På sekstitallet, da Suzuki begynte sin karriere, spredte tesen seg mer og mer om at japanske skuespillere på grunn av deres kroppslige egenskaper ikke kunne venne seg til roller fra vestlige tekster som fylte det daværende repertoaret. Den unge regissøren klarte å tilby det mest overbevisende alternativet.

Suzukis øvelsessystem, kalt bengrammatikk, inkluderer dusinvis av måter å sitte på, og enda flere måter å stå og gå på.

Skuespillerne hans spiller vanligvis barbeint og virker, ved å senke tyngdepunktet, så tett bundet til bakken som mulig, tunge. Suzuki lærer dem og utenlandske utøvere sin teknikk i landsbyen Toga, i eldgamle japanske hus fylt med moderne utstyr. Troppen hans gir bare rundt 70 forestillinger i året, og resten av tiden lever han, nesten uten å forlate landsbyen og ikke ha tid til personlige anliggender – kun jobb.

Toga-senteret dukket opp på 1970-tallet og ble designet på forespørsel fra direktøren av den verdensberømte arkitekten Arata Isozaka. Suzukis system kan virke patriarkalsk og konservativt, men han snakker selv om Toga i moderne termer av desentralisering. Selv på midten av 2000-tallet forsto Suzuki viktigheten av å eksportere kunst fra hovedstaden til regionene og organisere lokale produksjonssteder. Ifølge regissøren ligner det teatralske kartet over Japan på mange måter det russiske - kunsten er konsentrert i Tokyo og noen få mindre. store sentre. Russisk teater et selskap som jevnlig drar på tur i små byer og holder til langt fra hovedstaden ville heller ikke skade.

SCOT Company Center i Toga

Blomsterstier. Hvilken ressurs oppdaget moderne teater i noh og kabuki-systemer

Suzuki-metoden vokser ut av to eldgamle japanske tradisjoner – men også kabuki. Det er ikke bare at disse typer teater ofte karakteriseres som kunsten å gå, men også i mer åpenbare detaljer. Suzuki følger ofte regelen om utførelse av alle roller av menn, bruker karakteristiske romlige løsninger, for eksempel hanamichi ("blomstens vei") av kabuki-mønsteret - en plattform som strekker seg fra scenen til dypet auditorium. Han utnytter også ganske gjenkjennelige symboler som blomster og ruller.

Selvfølgelig, i globale verden Ikke det er snakk om japanernes privilegium til å bruke sine nasjonale former.

Teateret til en av vår tids mest betydningsfulle regissører, amerikaneren Robert Wilson, ble bygget på lån fra men.

Han bruker ikke bare masker og sminke som minner massepublikummet om Japan, men låner også måtene å handle på basert på maksimal nedbremsing av bevegelse og selvforsynt uttrykksevne til gesten. Kombinerer tradisjonelle og rituelle former med banebrytende lysscore og minimalistisk musikk (en av de mest kjente verk Wilson – en produksjon av Philip Glass sin opera «Einstein on the Beach»), produserer Wilson i hovedsak syntesen av opprinnelse og relevans som mye av moderne kunst streber etter.

Robert Wilson. "Einstein på stranden"

Fra no og kabuki vokste en av søylene moderne dans- buto, bokstavelig oversatt - mørkets dans. Butoh ble oppfunnet i 1959 av koreografene Kazuo Ono og Tatsumi Hijikata, som også trakk på et lavt tyngdepunkt og konsentrasjon på føttene, og handlet om å bringe refleksjoner fra traumatiske krigsopplevelser inn i den kroppslige dimensjonen.

«De viste kroppen syk, kollapset, til og med monstrøs, monstrøs.<…>Bevegelsene er enten sakte, eller bevisst skarpe, eksplosive. For dette brukes en spesiell teknikk, når bevegelsen utføres som uten å involvere hovedmusklene, på grunn av skjelettets beinspaker,» skriver dansehistoriker Irina Sirotkina inn butoh i historien om frigjøring av kroppen, kobler det med avgangen fra ballettnormativiteten. Hun sammenligner butoh med praksisen til dansere og koreografer fra det tidlige 20. århundre - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman snakker om innflytelsen på senere "postmoderne" dans.

Et fragment av dansen til Katsura Kana, den moderne etterfølgeren til butoh-tradisjonen

I dag er butoh i sin opprinnelige form ikke lenger en avantgarde-praksis, men en historisk rekonstruksjon.

Imidlertid er bevegelsesordboken utviklet av Ohno, Hijikata og deres tilhengere fortsatt en verdifull ressurs for moderne koreografer. I Vesten brukes den av Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky og til og med i videoen til «Belong To The World» av The Weekend. I Japan er etterfølgeren til butoh-tradisjonen for eksempel Saburo Teshigawara, som kommer til Russland i oktober. Selv om han selv benekter paralleller med mørkets dans, finner kritikere ganske gjenkjennelige tegn: en tilsynelatende benløs kropp, skjørhet, lydløst steg. Riktignok er de allerede plassert i sammenheng med postmodernistisk koreografi – med sitt høye tempo, løp, arbeid med postindustriell støymusikk.

Saburo Teshigawara. metamorfose

Lokalt globalt. Hvordan ligner japansk samtidskunst på vestlig kunst?

Verkene til Teshigawara og mange av hans kolleger passer organisk inn i programmene til de beste vestlige samtidsdansfestivalene. Hvis du skumles gjennom beskrivelsene av forestillinger og forestillinger som ble vist på festivalen / Tokyo - det største årlige showet av japansk teater, vil det være vanskelig å legge merke til grunnleggende forskjeller fra europeiske trender.

Et av de sentrale temaene er stedsspesifisitet – japanske kunstnere utforsker Tokyos rom, alt fra klumper av kapitalisme i form av skyskrapere til marginale områder med otaku-konsentrasjon.

Et annet tema er studiet av intergenerasjonell misforståelse, teater som et sted for levende møte og organisert kommunikasjon av mennesker. ulike aldre. Prosjekter dedikert til henne av Toshika Okada og Akira Tanayama ble brakt til Wien flere år på rad til en av de viktigste europeiske scenekunstfestivalene. Det var ikke noe nytt i overføringen av dokumentarmateriale og personlige historier til scenen på slutten av 2000-tallet, men kuratoren for Wienfestivalen presenterte disse prosjektene for publikum som en mulighet for live, punkt-til-punkt-kontakt med en annen. kultur.

En annen hovedlinje er å jobbe gjennom den traumatiske opplevelsen. For japanerne er det ikke assosiert med Gulag eller Holocaust, men med bombingen av Hiroshima og Nagasaki. Teateret refererer til ham konstant, men det kraftigste utsagnet om atomeksplosjoner som øyeblikket for opprinnelsen til alle moderne japansk kultur tilhører fortsatt Takashi Murakami.

til utstillingen "Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture"

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" er navnet kuratorprosjekt vist i New York i 2005. "Little Boy" - "baby" på russisk - navnet på en av bombene som ble sluppet over Japan i 1945. Ved å samle hundrevis av manga-tegneserier fra ledende illustratører, karakteristiske vintageleker, varer inspirert av kjent anime fra Godzilla til Hello Kitty, har Murakami presset konsentrasjonen av søthet - kawaii - til det ytterste i museumsrommet. Parallelt lanserte han et utvalg animasjoner der sentrale bilder det var bilder av eksplosjoner, bar jord, ødelagte byer.

Denne motstanden var den første store uttalelsen om infantiliseringen av japansk kultur som en måte å takle posttraumatisk stresslidelse på.

Nå virker denne konklusjonen allerede åpenbar. En akademisk studie av kawaii av Inuhiko Yomota er bygget på den.

Det er også senere traumatiske triggere. Av de viktigste - hendelsene 11. mars 2011, jordskjelvet og tsunamien som førte til en storulykke ved atomkraftverket i Fukushima. På Festival/Tokyo-2018 ble et helt program på seks forestillinger viet til å forstå konsekvensene av en natur- og teknologikatastrofe; de ble også tema for et av verkene som ble presentert på Solyanka. Dette eksemplet viser tydelig at arsenalet kritiske metoder Vestlig og japansk kunst er ikke fundamentalt forskjellig. Haruyuki Ishii lager en installasjon av tre TV-apparater som går gjennom høyhastighetsredigerte og loopede opptak fra TV-programmer om jordskjelvet.

"Verket består av 111 videoer som kunstneren så hver dag i nyhetene til det øyeblikket da alt han så ikke lenger ble oppfattet som fiksjon," forklarer kuratorene. «New Japan» er et uttrykksfullt eksempel på hvordan kunst ikke motsetter seg tolkning basert på nasjonale myter, men samtidig kritisk øye finner at den samme tolkningen kan være relevant for kunst av enhver opprinnelse. Kuratorene snakker om kontemplasjon som grunnlaget for den japanske tradisjonen, med utgangspunkt i sitater fra Lao Tzu. Samtidig, som om å forlate ut av parentes som nesten alle moderne kunst fokusert på «observatøreffekten» (som utstillingen kalles) - enten det er i form av å skape nye kontekster for oppfatningen av kjente fenomener eller ved å reise spørsmålet om muligheten for adekvat persepsjon som sådan.

Imagined Communities - nok et verk av videokunstneren Haruyuki Ishii

Spill

Man skal imidlertid ikke tro at Japan på 2010-tallet er en konsentrasjon av progressivitet.

Vanene til den gode gamle tradisjonalismen og kjærligheten til orientalistisk eksotisme har ennå ikke blitt overlevd. "The Theatre of Virgins" er tittelen på en ganske beundrende artikkel om det japanske teatret "Takarazuka" i det russiske konservative magasinet "PTJ". Takarazuka dukket opp på slutten av 1800-tallet som et forretningsprosjekt for å tiltrekke turister til en avsidesliggende by med samme navn, som ved et uhell ble endestasjonen til en privat jernbane. Spiller kun på teater ugifte jenter, som ifølge eieren av jernbanen skulle lokke mannlige tilskuere til byen. I dag fungerer Takarazuka som en industri – med egen TV-kanal, tett konsertprogram, til og med den lokale fornøyelsesparken. Men det er fortsatt kun ugifte jenter som har rett til å være med i troppen – la oss håpe de ikke sjekker jomfrudommen i det minste.

Takarazuka blekner imidlertid i forhold til Toji Deluxe-klubben i Kyoto, som japanerne også kaller teater. De viser helt vilt, skal man dømme etter beskrivelse New Yorker-spaltist Ian Buruma, stripteaseshow: flere nakne jenter på scenen gjør demonstrasjonen av kjønnsorganer til et offentlig ritual.

Som mange kunstneriske praksiser, denne forestillingen er basert på eldgamle legender (ved hjelp av et stearinlys og et forstørrelsesglass kunne mennene fra publikum byttet på å utforske "hemmelighetene til morgudinnen Amaterasu"), og forfatteren selv ble minnet om noh-tradisjonen .

Søk Vestlige kolleger for "Takarazuki" og Toji vil vi overlate det til leseren - det er ikke vanskelig å finne dem. Vi bemerker bare at en betydelig del av moderne kunst er rettet nettopp mot å bekjempe slike undertrykkelsesmetoder – både vestlig og japansk, alt fra superflat til butoh-dans.

Innlegget er reklame, men inntrykkene, teksten og bildene er deres egne.

Samtidskunst er vanskelig å bedømme eller vurdere, da den i utgangspunktet tar seg selv utenfor denne muligheten. Det er bra at det er det Alexey Lifanov , som, selv om han ikke er en japansk ekspert, forstår kunst bedre enn meg. Hvem, hvis ikke Alexei, ville hjelpe meg å forstå hva jeg så?
Ja, japanerne er rare mennesker. Inntrykk fra utstillingen på Gogol Boulevard.

Utstillingene på utstillingen «Dobbeltperspektiv» kan betinget deles inn i tre deler (i henhold til temaene forfatterne tar opp). Den første er viet til individet og staten, ideologiens rolle i personvern, samfunnets diktat over individet. Det andre temaet er relatert: mennesket og dets innflytelse på naturen (og til og med innenfor rammen av én utstilling forskjellige artister uttrykte diametralt motsatte synspunkter. Det tredje emnet er rent japansk og er dedikert til ideologien "loli" og andre efebofile ting som blomstrer i det japanske samfunnet.

1. Verkene til Kenji Yanobe er implisert i post-apokalyptisk estetikk, mens, det bør bemerkes, uten noen "stalkerisme". Arbeidet hans er veldig naivt på metodenivå. «Child of the Sun» er en storstilt og rørende skulptur. Hva slags person bør være for å motstå den teknogene verden - dristig, resolut eller direkte og naiv?

3. Fortsettelse av temaet i en enda mer overdrevet naiv stil.

4. Motohiko Odani snakker om puberteten, seksualitet og dens psykologi. Overfor denne skulpturen er en mye mer uttrykksfull videoinstallasjon, men du må se den med egne øyne.

5. Makoto Aida utvikler temaet. Et bonsai-tre med jentete hoder er et hyperbolsk symbol på pervers kjærlighet. Symbolikken er gjennomsiktig og trenger knapt noen forklaring.

6. Et annet av hans verk "Elever på hara-kiri-skolen". Grafisk er det rett og slett fantastisk.

7. Fortsettelse av "barnas" tema fra Yoshimoto Naro. Barneansikter og ikke-barnslige følelser.

8. Takahiro Iwasaki skapte et veldig betinget diorama av en bestemt by fra all slags søppel. Byens estetikk, som faktisk er en søppelplass, er ikke en ny idé, men interessant implementert.

10. Malerier av Tadanori Yokoo - en collage av hentydninger, sitater og arketyper. Samtidig er fargen rett og slett fantastisk.

11. Yayoi Kusama vendte seg mot den eksistensielle estetikken til å være og ikke-være, og skapte et rom der rommet brytes og faller fra hverandre.

12. Yasumasa Morimura laget en parodi på en parodi. Han skildrer ikke Adolf Hitler i det hele tatt, som det kan virke, men Ginkels Adenoid - en karakter fra Chaplins film "Den store diktatoren". Resten av verkene hans er allerede dedikert til de umiddelbare herskerne og diktatorene, men essensen er klar - trusselen om en total ideologi.

13. Det er få tilskuere, men de som er, diskuterer veldig entusiastisk det de har sett. Generelt ser det ut til at besøkende virkelig liker det som skjer.

14. Dette er hodet til George Bush. George Bush synger USAs hymne. Ideen er enkel å forstå - om invasjonen av ideologi og staten, selv i det personlige rommet til en person.

15. Rotter-Pokemon. Min favoritt del.

16. Del av utstillingen - fotografier. Noen ganger interessant, noen ganger for intimt til å forstå.

18. Fotografier av Toshio Shibata. Her er ideen om den harmoniske sameksistensen mellom menneske og natur løst i form av fotografier, estetisk mye nærmere abstraksjon enn realisme - en slik veljustert geometri og komposisjon.

19. En av hilsningene til Lenin.

Utstillingene ble i alle fall laget for å delta på dem live, og ikke for å se fotoreportasjer på blogger. Mange verk er helt umulige å vurdere i statisk og på størrelse med et skjermbilde. Derfor er det bedre å gå til utstillingen "Dobbeltperspektiv" selv.

Prosjektpartneren, Sony, holder en konkurranse og lodder ut en bærbar PC og andre premier! Hvis du går til utstillingen, sørg for å ta bilder av utstillingene og skrive din korte inntrykk. Del for å delta i konkurransen

Det blir en utstilling av japansk samtidskunst «Double Perspective».

1. Det er mye uvanlig i japansk samtidskunst. For eksempel er disse maleriene av Izumi Kato laget for hånd, uten å bruke en børste.

2. Ved første øyekast kan det virke som at dette er vanlige lyspærer. Men dette er arbeid med dyp betydning dedikert til den 38. breddegraden, som skiller Nord- og Sør-Korea.

3. Selvfølgelig er det i hvert verk en dyp mening som ikke ligger på overflaten, men selv om du ikke finner den, kan du ganske enkelt beundre for eksempel skjønnheten til denne dyktig laget rosen.

4. dette er arbeidet til Kenji Yanobe om hvordan en person kan overleve verdens ende

6. Dette er hans mest kjente verk "Child of the Sun" laget etter ulykken på Fukushima kjernekraftverk.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. dette er også moderne japansk kunst

10. intersny prosjekt "Lenin er ønsket i Moskva leiligheter". Yoshinori Niva søkte husene til muskovittene etter bevarte gjenstander relatert til Lenins personlighet. Det merkeligste er at dette ikke ble gjort av en russer, men av en japaner.

14. Det ble forresten brukt utstoppede ekte rotter til dette arbeidet.

15. Disse bildene viser folks frykt

En interessant utstilling pågår i Hermitage - Modern Art of Japan "MONO-NO AWARE. The Charm of Things".

Å si at jeg er en fan av samtidskunst – det kan jeg ikke. Jeg liker det bedre når det er noe å se på (travel grafikk, eller kunst og håndverk, etno er mitt alt). Å beundre skjønnheten i et rent konsept er ikke alltid gøy for meg. (Malevich, beklager! Jeg liker ikke Black Square!)

Men i dag kom jeg til denne utstillingen!

Precious, hvis du er i St. Petersburg, interessert i kunst og ikke har vært der ennå, så vil utstillingen stå til 9. februar! Gå, for det er interessant!

Begreper overbeviser meg litt, som jeg skrev ovenfor. Jeg tenkte på en eller annen måte at i løpet av et år med å besøke moderne utstillinger, virker en eller to gjenstander mest morsomme for meg. Og mange ting berører meg ikke så mye at jeg synes synd på tiden jeg brukte. Men det er i enhver sjanger, i enhver kunst, prosentandelen av forholdet mellom talent og middelmådighet, det er bra om det er én av ti! Men jeg likte denne forestillingen.

Japanske kreasjoner ble plassert i utstillingshallene til generalstaben. Den første installasjonen som møter besøkende er en utrolig labyrint fylt med salt på gulvet. Grått gulv, hvitt salt, utrolig pent merket plass, vevd inn i ett felt. Stor utstillingslokale, og et hvitt ornament spredt over gulvet som en fantastisk loach. Og du forstår hvor midlertidig denne kunsten er. Utstillingen vil stenge, labyrinten vil bli feid bort med en kost. Jeg så en gang filmen "Little Buddha". Og der, i begynnelsen, la en buddhistisk munk ut et komplekst ornament fra farget sand. Og på slutten av filmen gjorde munken en skarp bevegelse med børsten og det titaniske arbeidet forsvant i vinden. Det var, så hopp, og nei. Og det står, sett pris på skjønnheten her og nå, alt er flyktig. Så denne labyrinten av salt, den går i dialog med deg, du begynner å svare på spørsmålene han stiller deg foran. Artisten er Motoi Yamamoto.

Ja Ja! Dette er en så stor labyrint, kjente du skalaen?

Det andre objektet som fascinerer er den enorme kuppelen laget av polyetylen og svart harpiks av Yasuaki Onishi. Uvanlig bestemt plass. På de svarte tynneste ujevne trådene av harpiks henger, litt bevegelige, en kuppel .... eller et fjell med et komplekst relieff. Når du går inn, ser du et broket mønster av prikker - steder hvor harpiksen fester seg. Det er morsomt, som om det svarte regnet stille faller, og du er under kalesjen.

Hvordan oppsto denne teknikken? Morsomt, ikke sant? Men live ser det mer "levende" ut, kuppelen svaier litt av brisen som skapes av forbipasserende besøkende. Og det er en følelse av din interaksjon med objektet. Du kan gå inn i "hulen", se fra innsiden hvordan det er!

Men for ikke å få inntrykk av at alt bare var svart-hvitt, vil jeg legge ut et par bilder til av komposisjonen her, laget av bøyler koblet sammen. Slike fargede morsomme plastkrøller! Og også, du kan gå gjennom dette rommet, inne i bøylene, eller du kan se på alt fra utsiden.

Disse elementene er min favoritt. Selvfølgelig vil snart konseptuell samtidskunst bli annerledes, i samsvar med den nye tiden. Det vil ikke gå tilbake til det gamle, og vil ikke forbli slik det er nå. Det vil endre seg. Men for å forstå hva som var, hvor bekken fosset og hva og hvor den kommer fra, må du vite hva som skjer nå. Og ikke viker det nei, konseptet er ikke noe for meg, men prøv å se det og vurder det. Det er få talenter, som alltid, men de er der. Og hvis utstillingene gir gjenklang, er ikke alt tapt!!!