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Londres é famosa por seus museus, prédios históricos e restaurantes modernos. Mas apenas a vida teatral que domina a cidade a distingue de outras cidades. Se uma peça foi bem-sucedida em Londres, ela repetirá seu sucesso em outros lugares.

Nova York com a Broadway pode se tornar o único concorrente de Londres, mas nem ele pode se gabar de prédios teatrais que têm uma longa e rica história. A parte central da cidade, os distritos de West End, South Bank e Victoria surpreendem com uma concentração especial de teatros - de pequenos estúdios para 100 espectadores a grandes templos de Melpomene. Oferecemos uma visão geral dos dez mais grandes teatros Londres.

O Shaftesbury Theatre, localizado não muito longe da Holborn Street, está listado como um edifício britânico de valor arquitetônico e histórico. Graças a um pequeno acidente ocorrido com o telhado do prédio em 1973, eles prestaram atenção. Desde 1968, o famoso musical "Hair" foi exibido em seu palco 1998 vezes. Mais tarde, o show que promovia o movimento hippie foi encerrado. Quando o musical foi exibido pela primeira vez no palco do teatro West End, o censor teatral Lord Cameron Fromantil "Kim", Baron Cobbold o proibiu. Os produtores pediram ajuda ao Parlamento e deram permissão com a emissão de um projeto de lei que anulava completamente a proibição do barão. Este evento sem precedentes na história do teatro pôs fim à censura teatral na Grã-Bretanha - nada mal para um teatro com capacidade para 1.400 espectadores.

A apenas alguns quarteirões de Shaftesbury fica o Palace Theatre, que também pode acomodar 1.400 espectadores. Sua especialidade são musicais, como Singing in the Rain ou Spamalot. O teatro foi inaugurado em 1891 e ficou conhecido como Royal English Opera sob o patrocínio de Richard d "Oyley Kart. Recentemente, além de óperas, musicais, filmes e outros shows foram exibidos no palco. Durante a década de 1960, o musical The Sound of Music foi encenado no teatro 2.385 vezes O teatro foi listado como um edifício de valor arquitetônico e histórico na Grã-Bretanha, junto com outros edifícios na área.

O Teatro Adelphi comemorou recentemente seu 200º aniversário. Apesar do tamanho modesto do edifício, o teatro pode acomodar 1.500 espectadores. Ele é conhecido por produções como "Chicago" e "Joseph and His Amazing, Multicolored Dreamcoat". Um edifício Art Déco de 1930 fica ao lado do Strand Palace Hotel. Este é o quarto edifício na história do teatro desde 1809. Uma placa comemorativa na parede de um bar próximo culpa o teatro pela morte de um ator que já foi apoiado pelo grande Terriss. Mas, na verdade, o príncipe Richard Archer, um ator fracassado que perdeu popularidade e decência devido ao vício do alcoolismo, se declarou culpado do assassinato do mentor de Terriss em estado de insanidade e foi enviado para tratamento compulsório em um hospital psiquiátrico, onde liderou o orquestra da prisão até sua morte. Diz-se que o fantasma do não vingado Terriss, que está chateado com a sentença branda proferida contra seu protegido e assassino, ainda vaga pelo prédio do teatro à noite.

Alguns shows estão em cartaz no West End de Londres há décadas, e o Victoria Palace constantemente oferece repertório novo, como o musical Billy Elliott. Embora ele esteja no palco desde 2005, o que é muito, de acordo com o público regular. O teatro tem uma longa história que começou em 1832 quando era apenas uma pequena Teatro. Hoje, o prédio, construído em 1911, tem capacidade para 1.517 espectadores. É equipado com teto retrátil, que é aberto durante os intervalos para ventilar o salão. Houve muitos shows memoráveis ​​no palco do teatro, mas o mais memorável deles foi a peça patriótica de 1934 Young England, que recebeu muitas críticas negativas. Ela resistiu a apenas 278 apresentações.

O Prince Edward Theatre está localizado no coração da área do Soho e pode acomodar 1.618 pessoas. É nomeado após o herdeiro do trono da coroa britânica, Edward VIII, um rei que estava no trono por apenas alguns meses e o abandonou em nome do amor. Tradicionalmente, o palco é shows românticos e performances como “Show Boat”, “Mamma Mia”, “West Side Story”, “Miss Saigon”. O teatro tem uma longa história que começou em 1930 quando era apenas um cinema e um salão de dança. Só em 1978 foi inaugurado o teatro, programado para coincidir com a estreia do musical "Evita" sobre o mundo mulher famosa esposa do presidente da Argentina. A peça teve 3.000 apresentações, e a atriz Elaine Paige, que interpretou Evita, teve um brilhante início de carreira nos palcos do teatro e se tornou uma estrela.

Apesar da reforma da Tottenham Court Road, em Londres, para fornecer um cruzamento melhor, uma coisa permanece a mesma - uma estátua gigante de Freddie Mercury com a mão levantada enquanto cantava "We Will Rock You" em frente ao Dominion Theatre. O espetáculo está nos palcos do teatro desde 2002 e, apesar das críticas negativas da crítica, foi um sucesso de público. O teatro, construído em 1929 no local de uma antiga cervejaria de Londres, tem capacidade para 2.000 espectadores. O prédio também abriga a Australian Sunday Church, que utiliza o palco e a iluminação do teatro durante as missas.

Este é um dos maiores teatros de Londres. As colunas que decoram a entrada principal datam de 1834, e o próprio edifício foi reconstruído em 1904 em estilo rococó. Em toda a história da sua existência, e começa em 1765, teve de tudo menos o teatro, por exemplo, durante 50 anos aqui se realizavam jantares sociedade secreta bife. Em 1939, eles queriam fechar o prédio, mas em conexão com o início da construção da estrada, ele foi salvo. Por 14 anos, O Rei Leão foi encenado no palco do teatro, e a dramatização da Disney parece ter se instalado aqui há muito tempo e traz bons retornos de bilheteria.

Com capacidade para 2.196 espectadores, o Royal Theatre, que é considerado o principal teatro de Londres, não é por isso. Desde 1663, existem vários teatros neste local, e a própria Drury Lane é considerada teatral. Como muitos outros teatros, o Royal trabalhou sob a direção de Andrew Lloyd Webber, autor dos musicais "Evita" e "Cats". Outras produções que foram apresentadas no palco incluem Oliver, um filme musical de mesmo nome, The Producers, Shrek e Charlie and the Chocolate Factory, que ainda está em exibição hoje. Além de musicais e atores, o teatro é conhecido por seus fantasmas, como o fantasma de um homem vestido com um terno cinza e chapéu armado. Segundo a lenda, ele foi morto no prédio do teatro nos séculos XVIII e XIX. Outro fantasma se chama Joseph Grimaldi, um palhaço que dizem ajudar atores nervosos no palco.

O teatro London Paladium é conhecido não apenas em Londres, mas em todo o mundo. Está localizado a poucos passos da Oxford Street. Ele se tornou popular graças ao show noturno “Sunday Night at the London Palladium”, que decorreu de 1955 a 1967. Milhões de espectadores se familiarizaram com o palco giratório e ações de palco plano diferente. Em 1966, os proprietários do prédio tentaram vendê-lo para posterior reconstrução, mas foi salvo graças aos investidores do teatro e ao fato de que além do teatro, em 1973 foi inaugurada uma sala de concertos para apresentações da banda de rock “Slade ”. As constantes casas cheias e ações ativas dos fãs da banda quase causaram o desabamento do balcão do hall. Em 2014, o show de talentos "The X Factor: The Musical" foi inaugurado na sala do teatro.

Se o teatro Apollo Victoria não é o mais popular de Londres, pode ser reconhecido com segurança como o mais alto. Está localizado a poucos metros do Victoria Palace e pode acomodar 2.500 espectadores. Vários teatros da crítica apresentada estão localizados nas proximidades e criam uma espécie de "país teatral". "Appollo Victoria" foi inaugurado em 1930. O edifício foi projetado em estilo art déco com tema náutico, com fontes e conchas como decoração. Demorou 18 anos para projetar a ferrovia para o musical "Starlight Express", de forma que o trem, de acordo com o roteiro, se movesse ao longo do perímetro do auditório. Outro musical popular encenado no teatro é “Wicked”. A bilheteria da estreia foi de 761.000 libras e, por 7 anos, a receita da performance é estimada em 150 milhões. Os cinéfilos afirmam que o teatro desaparecerá em um futuro próximo, mas as estatísticas relacionadas ao número de espectadores em cada musical, a quantidade de bilheteria, sugerem o contrário. O cheiro de rouge e branco, o barulho do auditório nunca vai desaparecer.
No entanto, Arquitetura moderna em nada inferior à beleza e elegância edifícios históricos teatros.

teatro inglês

No século XIX, o teatro, como todas as outras esferas da cultura inglesa, recebeu um novo desenvolvimento. O mais talentoso ator trágico Edmund Kean (1787-1833) personificou a tendência romântica na arte teatral.

Edmundo Keane ( arroz. 58) nasceu em uma família de atores. Seus pais morreram quando ele ainda era criança. Forçado a ganhar a vida, o jovem viajou com uma trupe errante pelas cidades e vilas inglesas. Essas andanças se tornaram uma boa escola para o jovem artista, que aos vinte anos já havia visitado muitas partes da Inglaterra. Questionado sobre o que é preciso para se tornar um grande ator, Keane, já famoso, respondeu: "Saber passar fome".

Arroz. 58. Keane como Shylock

Viajando com um teatro itinerante, Edmund experimentou uma variedade de papéis e peças de vários gêneros.

Criado na pobreza, o ator desprezava aristocratas e governantes ociosos que pouco se importavam com seu próprio povo. O credo de vida do jovem Keane foi expresso nas palavras: "Eu odeio todos os senhores, exceto Lord Byron." A alta sociedade não perdoava tal atitude em relação a si mesma e constantemente perseguia Keane, chamando-o de ator da multidão.

Tendo se tornado famoso no palco provincial, em 1914 o ator recebeu um convite para se apresentar em Londres no Drury Lane Theatre, que passava por momentos difíceis naqueles anos. Sua estreia no teatro da capital foi o papel de Shylock em O Mercador de Veneza, de Shakespeare. A liderança de Drury Lane, contando com um ator provinciano, não falhou: com sua magnífica atuação, Keane simplesmente conquistou o mimado público londrino.

Shakespeare se tornou o dramaturgo favorito de Keene. O ator foi atraído por aquelas qualidades que ele próprio possuía: uma atitude trágica, um elevado senso de injustiça, rejeição de um mundo onde alguns vivem uma existência miserável, enquanto outros se banham no luxo.

Foi Shakespeare quem trouxe fama a Edmund. O ator incorporou as imagens de Shylock, Ricardo III, Romeu, Macbeth, Hamlet, Otelo, Iago, Lear. Os críticos o chamavam Ótimo jogo o melhor comentário sobre a obra do famoso dramaturgo, e o poeta Coleridge argumentou: "Assistir à peça de Keane é como ler Shakespeare à luz de um raio."

A imagem de Shylock, criada por Keane em O Mercador de Veneza, de Shakespeare, causou grande impressão no público inglês. Seu herói surpreendentemente combina uma atitude irônica para com as pessoas ao seu redor e um sentimento amargo de solidão, saudade profunda e ódio de partir a alma, escondidos atrás da humildade externa. O Mercador de Veneza, encenado em Drury Lane, trouxe ontem a fama provinciana de melhor ator da Inglaterra.

Keane considerou os papéis de Hamlet e Otelo suas obras mais significativas. Seu príncipe da Dinamarca, triste e melancólico, entende que é impossível lutar contra o mal que reina no mundo. Invulgarmente confiante, sincero e íntegro por natureza, Otelo coloca o amor acima de tudo e, portanto, a morte dela significa para ele o colapso total de todas as suas aspirações.

O grande sucesso de Keane trouxe o papel do agiota Overrich na peça "Uma nova maneira de pagar dívidas antigas" de F. Messinger. O público, cativado pela atuação do ator, não conseguiu conter as lágrimas. Dizem que Byron, que assistiu à apresentação, ficou tão chocado que desmaiou.

Para alcançar a compreensão do espectador, Keane trabalhou cuidadosamente e por muito tempo em cada papel. Ele elaborou todos os movimentos e expressões faciais na frente do espelho, repetidamente voltou aos episódios mais difíceis, aprimorou os mínimos detalhes de seu papel. A prática de esportes o ajudou a alcançar uma plasticidade extraordinária (Kane era considerado um dos melhores esgrimistas da Inglaterra na época).

O último trabalho do grande ator foi o papel de Otelo. Tendo proferido a frase: "A obra de Otelo está terminada", o ator de 46 anos perdeu a consciência e caiu. Três semanas depois ele se foi. A morte de Keane terminou direção romântica no teatro inglês.

O filho de Edmund Keane, Charles Keane (1811-1868), que atuou principalmente em melodramas, também foi ator.

A era vitoriana trouxe suas próprias mudanças para a vida cultural da Inglaterra. Para a literatura, esses anos foram a época da formação do realismo crítico (George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

O nome do escritor Charles Dickens (1812-1870) está associado à transição do teatro inglês do classicismo para o drama moderno. Peças melodramáticas foram escritas para o teatro (Country Coquettes, 1836; The Lampmaker, publicado pela primeira vez em 1879, etc.).

Grande sucesso para o dramaturgo Dickens foi trazido pela excêntrica comédia The Strange Gentleman, escrita com base em um dos enredos do ensaio Essays by Boz. Todas as peças de Dickens, exceto The Lampmaker, foram encenadas no St. James Theatre durante a temporada de 1836-1837. Além deles, o escritor criou uma dramatização de seu romance Grandes Esperanças, mas a peça não foi encenada.

As peças de Dickens eram populares não apenas na Inglaterra, mas também no exterior. Os enredos de vários de seus romances formam a base de várias óperas.

Em 1951, o escritor abriu um teatro amador cujo repertório consistia em clássicos e obras contemporâneas. Muitos jovens dramaturgos ingleses começaram sua carreira criativa neste teatro. Dickens, que tinha excelentes habilidades de atuação, desempenhou o papel de Shallow em The Merry Wives of Windsor em seu teatro. O escritor também ganhou grande popularidade como um excelente leitor que executava suas próprias obras no palco.

Com a mesma idade de Dickens, o poeta e dramaturgo inglês Robert Browning (1812-1889) começou a trabalhar para o teatro aos 22 anos. Sua primeira peça, Paracelsius, foi publicada em 1835. Depois vieram os dramas históricos Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor and King Charles (1842), escritos para o Covent Garden Theatre. Os principais papéis nessas produções foram interpretados pelo ator W. Macready.

Em 1843, Covent Garden encenou The Stain on the Arms, de Browning. E em 1853, outra peça deste autor, O Aniversário de Colombo, foi encenada em seu palco.

As obras românticas de Browning, como suas peças históricas, seguem a tradição do drama poético de J. G. Byron e P. B. Shelley. Numa época em que o melodrama dominava os palcos ingleses, Browning procurava chamar a atenção do público para uma atuação séria e significativa. Incompreendido pelos contemporâneos, o escritor passou gradativamente do drama teatral para o gênero da chamada peça de leitura.

A obra de Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), escritor e dramaturgo inglês, também famoso político. Seus gêneros favoritos eram romances e dramas de temas históricos. Ao mesmo tempo, motivos melodramáticos e métodos de ostentação externa privaram as obras de Bulwer-Lytton de genuíno historicismo.

Os dramas A Beleza de Lyon (1838) e Richelieu (1839) trouxeram fama ao dramaturgo. Politicamente solicitadas e ao mesmo tempo divertidas, cênicas e cheias de dinâmica, essas peças atraíram de imediato a atenção dos principais diretores ingleses da época. "Richelieu" dirigido por Henry Irving por muito tempo não saiu do palco do teatro da capital "Lyceum". E nas décadas de 1840 a 1860, o público russo pôde ver o drama de Bulwer-Litton (os personagens principais foram interpretados pelos atores V.V. Samoilov e N.K. Miloslavsky).

Edward Bulwer-Lytton foi atraído não apenas por peças históricas, mas também por comédias que ridicularizavam os costumes da sociedade vitoriana - "Não somos tão ruins quanto parecemos" e "Dinheiro" (1840). Embora o dramaturgo não tenha se aprofundado na crítica social, o realismo de suas obras atraiu a atenção do público. As comédias de Bulwer-Lytton estiveram no repertório dos teatros ingleses por muitos anos.

O romance histórico Rienzi de Bulwer-Lytton interessou ao famoso compositor alemão Richard Wagner, que baseou seu enredo na ópera de mesmo nome, apresentada ao público em 1840.

No final do século XIX, o famoso escritor, prosador e dramaturgo inglês George Bernard Shaw (1856-1950) iniciou sua atividade criativa ( arroz. 59). Ele nasceu em Dublin, na família de um empregado pobre. Aos vinte anos, Shaw mudou-se para Londres, onde se tornou um dos fundadores da Fabian Society. Trabalhando com música e crítico de teatro, Bernard escreveu vários romances obscuros. Sua primeira peça, The Widower's House, apareceu em 1892. A peça tocou em importantes questões sociais e éticas, criticando duramente os proprietários que alugam casas nas favelas. O dramaturgo exortou seus leitores a se aprimorarem e mudarem o mundo ao seu redor. O público saudou com frieza a peça "Casa do Viúvo", encenada no Teatro Independente, e após duas apresentações foi retirada do palco.

Arroz. 59. George Bernard Shaw

Nos seis anos seguintes, o dramaturgo escreveu nove peças (incluindo uma de um ato). O triste drama "Heartbreaker" (1893), que fala sobre um casamento lucrativo que acabou em colapso total, não foi aceito para produção em nenhum dos teatros da capital. Em 1894, apareceu o drama "Homem e Arma", expondo a desumanidade e a crueldade da guerra. Em 1897, foi criada a peça "The Devil's Disciple", e em 1898 foi publicada a coleção de dois volumes "Pleasant and Unpleasant", que incluía peças de diferentes anos ("Mrs. Warren's Profession", 1894; "Man and Weapon" , "Candida", 1897; "O escolhido do destino", 1897; "Espere para ver", 1899, etc.). A peça "A Profissão da Sra. Warren", que levanta o tema da prostituição, foi proibida pelos censores, mas depois, quando foi autorizada a ser encenada, não saiu dos palcos até 1902. Candida foi um grande sucesso em Nova York em 1903. E em sua terra natal, Shaw ainda não gozava de popularidade. O verdadeiro reconhecimento do público inglês veio a ele em 1904, quando ele, junto com sua esposa, assim como com o ator e diretor Harley Grenville-Barker, alugou o prédio do Royal Court Theatre. As peças de Shaw foram dirigidas por Grenville-Barker e John Vedrenn. Das 988 apresentações realizadas no palco do Royal Court em 1904-1907, mais de setecentas foram encenadas com base nas obras de Shaw.

Entre as melhores obras do dramaturgo está a peça "Man and Superman" (1905) - uma comédia filosófica que apresenta ao espectador atitude do autor religião, casamento, família. Evolução sociedade humana mostrado através das disputas de Don Juan, que acabou no submundo, com o diabo.

A peça mais famosa de Shaw foi Pygmalion (1913), uma comédia anti-romântica escrita especificamente para a atriz Patrick Campbell. Após a morte do dramaturgo, Frederick Lowe e Alan Jay Lerner criaram o musical My Fair Lady com base em seus motivos.

As peças posteriores de Shaw incluem The Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), o drama histórico Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) e outros.

O show, que se tornou o epítome da sagacidade inglesa, criou mais de 50 obras para o teatro. Quando o grande dramaturgo faleceu, teatros em muitas partes do mundo apagaram suas luzes em luto.

Uma contribuição significativa para o desenvolvimento do teatro inglês foi feita pelo escritor Oscar Wilde (1854-1900). Assim como Shaw, ele nasceu em Dublin, filho de um renomado cirurgião. Educado na Universidade de Oxford. As primeiras obras de Wilde foram o poema "Ravenna" (1878) e a coleção "Poems" (1881).

A fama trouxe ao escritor suas histórias líricas e contos de fadas ("Star Boy", etc.), romance filosófico"O Retrato de Dorian Gray". Para o teatro, Wilde criou uma série de peças com foco socialmente crítico (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). A peça "Salomé" foi escrita em francês, publicada na Inglaterra em 1894, traduzida por Alfred Douglas com ilustrações do artista Aubrey Beardsley. Esta peça formou a base da famosa ópera de mesmo nome de Richard Strauss (1904).

No final do século XIX, o dramaturgo inglês Henry Arthur Jones (1851-1929) começou a escrever para o teatro. Vindo de uma família pobre de camponeses, ganhava a vida atuando.

Sem ganhar fama como ator, Jones voltou-se para a dramaturgia, mas suas primeiras peças também não trouxeram o sucesso desejado. Os teatros se recusaram a aceitar suas obras e somente em 1878, em um dos teatros provinciais, a peça de Jones "Está ao virar da esquina" foi aceita para produção.

O tão esperado sucesso chegou ao dramaturgo depois que seu Silver King foi encenado no Princess Theatre. Entre os mais obras significativas John pode ser chamado de peças "Santos e Pecadores", "O Dançarino", "Rebelde Susannah", "O Triunfo dos Hipnotistas", "Michael e Seu Anjo Perdido", "Proteção da Sra. Dane". Muitos dos dramas de Jones denunciam a moralidade hipócrita da sociedade vitoriana (The Liars, 1897; The Lies, 1914), embora um fascínio pelas técnicas melodramáticas reduza um pouco seu significado. Mas, apesar disso, é seguro dizer que a obra de Jones teve impacto na formação de uma tendência realista na arte teatral da Inglaterra no final do século XIX. Jones colaborou com Bernard Shaw, e este último apreciou muito suas obras.

A arte cênica inglesa do final do século XIX está associada ao nome do ator e empresário Arthur Voucher (1863-1927). Em 1884, o jovem ator, formado em Eton e depois em Oxford, tornou-se um dos fundadores da Oxford University Dramatic Society. Em seu palco, ele tocou nas peças de Shakespeare ("Henrique IV", "Noite de Reis", "As Alegres Comadres de Windsor", "Júlio César").

A estreia de Voucher foi o papel de Jacques na comédia de Shakespeare As You Like It, apresentada em 1889 no palco profissional em Wolverhampton. A performance trouxe fama ao ator, e em 1889-1894 ele tocou em vários teatros ingleses e americanos.

Em 1895-1896, Voucher chefiou o Royal Theatre, e sua esposa, E. Vanbrugh, foi uma atriz principal que desempenhou os papéis principais em comédias e farsas. Entre 1900 e 1906, Voucher ocupou o cargo diretor artistico"Garrick tietra". Nessa época, ele desempenhou muitos papéis nas peças de Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. Em 1910, o ator se juntou à trupe de Beerbom Tree (Hiz majestis tietr), onde incorporou as imagens de Henrique VIII e a Fundação nas peças de Shakespeare, Henrique VIII e Sonho de uma noite de verão. Um artista muito temperamental e emocional, Voucher desempenhou papéis brilhantes e característicos com sucesso (John Silver em "Treasure Island", baseado no romance de R. L. Stevenson).

No final do século XIX, o ator e empresário Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) iniciou sua carreira no teatro. Estreou-se como Fritz na peça "O Velho Judeu" de Grnadi, encenada em 1895 no Garrick Theatre. No mesmo ano, ele se juntou à trupe Beerbom Three e fez uma turnê pelos Estados Unidos com ela. Em 1899-1901, ele visitou novamente a América, desta vez junto com a famosa atriz inglesa Patrick Campbell.

O trabalho de palco mais significativo do ator nessa época foi o papel de Sandford Cleave em The Famous Mrs. Ebbsmith e Captain Ardale em Pinero's The Second Mrs. Tanqueray. Em 1902, Du Maurier tornou-se empresário da trupe de Ch. Froman (Duke of York Theatre), onde criou com grande sucesso as imagens de Ernest Wooller (Delightful Crichton de J. Barry), Hook and Darling (Peter Pan do the mesmo autor). ).

Acima de tudo, Du Maurier teve sucesso em papéis cômicos. A capacidade de se comportar com naturalidade, sinceridade e simplicidade ajudou o ator a conquistar o amor do público. Seus melhores trabalhos foram as imagens de Montgomery Brewster em McCachon's Brewster's Millions e Hugh Drummond em Bulldog Drummond, uma dramatização do romance de McNeil.

No período de 1910 a 1925, Du Maurier, junto com F. Curzon, dirigiu o Wyndhams Theatre, e de 1925 a 1929, junto com G. Miller, dirigiu o St. James Theatre. A produção teatral da peça de Lonsdale, The Last Days of Mrs. Cheney (1925), trouxe grande sucesso ao teatro. No futuro, Du Maurier encenou várias outras apresentações em vários teatros (Wallace's Bell Ringer, 1926, Wyndham's Theatre; Maugham's Letter, 1927, Playhouse Theatre; Morton's Alibi baseado no romance de Christie, 1928, Prince of Wells tietr "; "Doctor Pygmalion" Owen, 1932, "Playhouse tietr", etc.).

Uma figura proeminente no teatro inglês do final do século 19 - início do século 20 foi o ator, diretor e famoso professor Frank Robert Benson (1858-1939). Desde tenra idade, ele participou ativamente de todos os tipos de apresentações amadoras. Seu primeiro palco profissional foi o teatro londrino "Lyceum", dirigido por G. Irving. Um ano depois, o jovem ator abriu seu próprio teatro móvel, que fazia apresentações não só em Londres, mas também em Stratford, bem como em outras cidades do interior.

O dramaturgo favorito de Benson era Shakespeare. Em poucos anos, o diretor encenou quase todas as peças do grande dramaturgo, com exceção de Titus Andronicus e Troilus and Cressida. De 1886 a 1919, a companhia, liderada por Benson, tocou no Shakespeare Memorial Theatre em Stratford-on-Avon. Na terra natal de Shakespeare, com sua participação, eram realizados festivais anuais das peças de Shakespeare.

Um ator e diretor maravilhoso, Benson também foi um professor talentoso que treinou muitos artistas maravilhosos. Sua pena pertence ao trabalho de atuação. Escreveu Benson e um livro de memórias. Nos últimos anos de sua vida, ele se dedicou ao cinema.

Como ator, o famoso ator, diretor e dramaturgo inglês Harley Grenville-Barker (1877-1946) iniciou sua carreira teatral. Em 1891 ele se juntou à trupe de S. Thorne em Marget. No ano seguinte, Grenville-Barker já se apresentava no London Comedy Theatre.

De 1904 a 1907, junto com o dramaturgo Bernard Shaw, Grenville-Barker dirigiu o Royal Court Theatre, parte do movimento de teatro livre, que se concentrava no drama realista sério.

Grenville-Barker, que promoveu o realismo do palco, sonhava em abrir um teatro nacional com repertório permanente, mas, infelizmente, sua tentativa de criá-lo não teve sucesso.

Entre as obras de Grenville-Barker, as performances baseadas nas peças de Shakespeare ocupam um lugar importante. O diretor publicou uma obra de 5 volumes "Prefácio de Shakespeare", na qual analisou em detalhes as peças de Shakespeare mais difíceis para implementação no palco e deu Conselho prático em sua produção no teatro moderno. As peças de Grenville-Barker, The Marriage of Anna Leith (1902), Voisey's Inheritance (1905), Madras House (1910), Weather in Khen e outras eram amplamente conhecidas.

Após a Primeira Guerra Mundial, a Inglaterra recebeu várias colônias alemãs e parte das terras do Oriente Médio que pertenciam à Turquia. A economia britânica, prejudicada pela guerra, começou a se recuperar, mas isso não durou muito. Já em 1921, iniciou-se o crescimento inflacionário e a queda no padrão de vida da população.

Em 1924, o governo trabalhista chegou ao poder, mas, apesar de todos os seus esforços, a situação econômica e política do país não mudou, e os conservadores que substituíram os trabalhistas pioraram ainda mais a situação. Em maio de 1924, uma greve geral começou na Inglaterra. Plantas e fábricas pararam completamente, ferrovias e minas pararam de funcionar. O governo conseguiu aliviar a tensão no país por algum tempo, mas já em 1929 estourou uma grave crise econômica.

A década de 1930 também foi problemática. Hitler chegou ao poder na Alemanha e, na Inglaterra, com a conivência de Baldwin e Chamberlain, que o substituíram, a União Britânica de Fascistas iniciou suas atividades.

Quando a Segunda Guerra Mundial começou, descobriu-se que a Inglaterra estava completamente despreparada para ela. Após a derrota em Dunquerque, a força expedicionária britânica deixou o continente. Tendo ocupado a França, os nazistas já se preparavam para lançar uma invasão às Ilhas Britânicas, mas foram impedidos pela batalha pela Grã-Bretanha, vencida por aeronaves britânicas, e então começaram as hostilidades contra a URSS.

Em 26 de maio de 1942, a Inglaterra e a URSS assinaram um acordo de aliança militar e cooperação em tempos de paz, mas por algum tempo Churchill atrasou a abertura de uma segunda frente. No final da Segunda Guerra Mundial, a política dos conservadores finalmente decepcionou o povo, e nas eleições de 1945 o Partido Trabalhista obteve uma vitória esmagadora.

A situação social do país não poderia deixar de se refletir no drama inglês da primeira metade do século XX. Durante esses anos, escritores famosos como Somerset Maugham e John Boynton Priestley trabalharam no país.

Arroz. 60. Somerset Maugham

Escritor inglês William Somerset Maugham (1874-1965) ( arroz. 60) nasceu em Paris, na família do assessor jurídico da embaixada inglesa. Aos dez anos, ele ficou sem pais e foi criado na Inglaterra por parentes. Tendo adoecido com tuberculose, Maugham se estabeleceu no sul da França e depois se mudou para a Alemanha, onde se tornou voluntário na Universidade de Heidelberg. Na Alemanha futuro escritor tornou-se próximo de Ibsen

e Vagner. Foram as peças de Ibsen que despertaram em Maugham o desejo de se tornar dramaturgo.

Voltando para a Inglaterra, Maugham começou a estudar em uma escola de medicina. Durante três anos trabalhou como paramédico em uma ambulância, o que lhe deu conhecimento da vida das pessoas comuns (como parte de sua profissão, Somerset visitava os bairros mais pobres de Londres). Seu romance Lisa of Lambeth, escrito em 1897, fala sobre as favelas de Londres. Ele trouxe o jovem escritor a primeira fama. Posteriormente, Maugham criou uma série de romances que dão um amplo panorama da vida da sociedade inglesa (The Burden of Human Passions, 1915; Theatre, 1937).

O teatro sempre atraiu Maugham, mas não foi fácil obter sucesso nessa área. O desejo de um reflexo realista da realidade às vezes afastava os empresários do escritor. Não contribuiu para a popularidade do escritor na arte comercial e na produção de sua peça "Man of Honor" (1903).

Finalmente, em 1907, Maugham conseguiu encenar a comédia Lady Frederick, que foi recebida com entusiasmo pelo público. Depois disso, os teatros de Londres abriram suas portas para o dramaturgo e, no mesmo ano de 1907, surgiram mais três apresentações baseadas em suas peças.

O dramaturgo criou um tipo de peça que chamou de "inteligente". A realidade moderna de sua obra é mostrada por meio de um embate de personagens, sendo a ação frequentemente interrompida para que os personagens discutam a situação. Ao criar suas peças, Maugham costuma usar as técnicas características das obras de Shaw e Ibsen, mas na maioria das vezes ele se volta para a comédia inglesa da era da Restauração. É da dramaturgia do segundo metade do XVI- o início do século XVIII é a arte do personagem e da intriga, presente nas obras de Maugham. Em muitas de suas peças, há também um interesse pelas tradições do teatro francês.

As primeiras peças de Maugham, "Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw", encenadas nos cinemas de Londres em 1907, foram escritas no estilo de comédia de salão. No futuro, o dramaturgo afastou-se da sátira leve e voltou-se para dramas sérios e realistas sobre "pessoas que sabem tudo". Em 1913, apareceu The Promised Land, contando sobre o destino da pobre Nora. Criada em um ambiente burguês inglês, ela acaba no Canadá, para seu irmão fazendeiro. Imprópria para o trabalho e tentando agir como uma dama, ela irrita a esposa de seu irmão. Mas, tendo se tornado esposa de um fazendeiro vizinho, Nora muda aos poucos e, quando tem a oportunidade de voltar à sua antiga vida em Londres, ela recusa, percebendo que não poderá mais viver entre preguiçosos e pessoas sem valor.

Assunto pós-guerra vida inglesa a peça The Hearth and the Beautiful Wife (1919) é dedicada. A Primeira Guerra Mundial terminou e o major voltou para casa, que todos consideram morto. Sua esposa Victoria se casou com seu amigo, também major. Amigos competem na nobreza, dando um ao outro o direito de ficar com a bela Victoria, mas ela se divorcia de ambos e se torna esposa de um especulador que fez fortuna com suprimentos militares. Este saco de dinheiro que escapou da frente dirige um Cadillac e tem a oportunidade de conseguir qualquer comida. Ambos ex-marido Victoria incomparável afirma que eles sempre adivinharam sobre sua mesquinhez e ganância. Este é o lar pelo qual os britânicos lutaram na guerra.

O tema do casamento na sociedade burguesa continua na famosa peça de Maugham, The Circle (1919). Elizabeth, esposa de um jovem político, está decepcionada com o marido e admira a mãe dele, a quem nunca viu: na juventude, ela fugiu do marido com o amigo dele, Lord Proteus, que era candidato a primeiro-ministro. Mas depois de tal ato, a entrada na sociedade foi fechada para os amantes, e apenas Elizabeth os convidou secretamente para sua casa. Qual foi sua decepção quando, em vez de um casal romântico, ela viu uma velha rejuvenescida e um velho mal-educado e mal-educado. Muito ficou claro para a jovem, mas ela não desistiu de seu amor e deixou a casa de um marido próspero para ir com um jovem oficial colonial para a distante Malásia.

Entre 1928 e 1933, mais quatro peças de Maugham apareceram: The Sacred Flame (1928), The Breadwinner (1930), Military Merit (1932) e Sheppey (1933). O advogado provincial do drama "Pelo Mérito Militar" acredita que a justiça e a prosperidade reinam na sociedade, embora sua própria família esteja morrendo sob a pressão das circunstâncias.

O filho Sydney voltou para casa do cego de guerra, e uma das irmãs cuida dele, embora a pese e a atormente. Ela sonha em unir seu destino a um homem que também voltou recentemente do front, mas seu noivo, incapaz de se encontrar nesta sociedade, comete suicídio e a infeliz garota perde a cabeça. Sua irmã se torna esposa de um oficial desmobilizado - uma pessoa arrogante e mal-educada. O destino da terceira filha também é trágico. Tentando escapar de uma situação sombria, ela foge de casa com um rico especulador que fez fortuna em transações sujas. A guerra quebrou o destino de todos os membros da família. As palavras de Sidney estão cheias de amargura: “Sei que todos fomos marionetes nas mãos de tolos medíocres que governaram nossos países. Eu sei que todos nós fomos sacrificados por sua vaidade, ganância e estupidez. E o pior é que, pelo que entendi, eles não aprenderam nada.”

A história do protagonista do drama "Sheppy" é triste. Sheppey, um cabeleireiro de meia-idade, tornou-se o orgulhoso proprietário de uma grande vitória.

Ele sonha em ajudar os necessitados, mas sua filha e seu noivo acreditam que esse dinheiro os ajudará a entrar na grande política e buscar o reconhecimento de Sheppey como louco.

A produção de arte não comercial de Sheppey falhou e Maugham decidiu deixar a dramaturgia e nunca mais voltar a trabalhar para o teatro.

Arroz. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( arroz. 61) nasceu na cidade de Bradford (Yorkshire), na família de um professor. Em 1914, ele se tornou um estudante na Universidade de Cambridge, mas com a eclosão da Primeira Guerra Mundial, ele se ofereceu para o front. Priestley completou seus estudos na Universidade após o fim da guerra. Ele logo ganhou fama como escritor de ensaios, bem como estudioso e crítico literário. Escrito em 1929, o romance The Good Companions, apresentando ao leitor a vida dos atores itinerantes, trouxe grande sucesso a Priestley. A primeira experiência extraordinariamente bem-sucedida do escritor no drama foi a peça "Dangerous Turn", encenada em 1932.

Assim como Maugham, Priestley foi capaz de transmitir com precisão os tipos humanos e criar intrigas. Ao mesmo tempo, suas peças são mais problemáticas do que as obras de Maugham e Shaw.

Em "A Dangerous Turn", Priestley, como Maugham, revela o que está escondido por trás do bem-estar externo da vida. O que aparece por trás das camadas de mentiras e enganos é verdadeiramente terrível. O dramaturgo constrói peças com base no princípio do "detetive de sala fechada". Um assassinato foi cometido em um círculo estreito de conhecidos próximos, todos estão sob suspeita e, ao mesmo tempo, todos se tornam detetives amadores.

Aos poucos, uma cadeia de revelações se desenrola, iniciada por palavras acidentalmente soltas em uma festa na editora Robert Kaplan, que descobre que seu amado irmão Martin era um maníaco sexual e não cometeu suicídio, como se acreditava oficialmente, mas foi morto por uma mulher. . Quase todos os seus parentes estiveram envolvidos em sua morte. Ao saber da terrível verdade, Robert tirou a própria vida. Mas esta é apenas uma versão hipotética dos eventos. A escuridão que se seguiu se dissipa e a atmosfera do primeiro ato aparece novamente diante dos olhos do espectador. As personagens mantêm a mesma conversa, e a frase que serviu de início à exposição não é desenvolvida. "Virada perigosa" passou com segurança, a festa continua. Mas o que realmente está escondido por trás do curso calmo da vida já é conhecido do espectador.

Em 1937, apareceu a peça Time and the Conway Family, de Priestley, na qual o autor usa a técnica da virada dos acontecimentos. A ação começa em 1919 com férias em família. Uma família rica e amigável comemora o aniversário de Kate. A menina tem 21 anos, tem esperança de um futuro feliz e sonha em ser escritora.

O segundo ato refere-se a 1937. Os personagens são os mesmos, mas todos infelizes. Uma festa ocorrida há muitos anos foi um acontecimento que virou a vida da família em rumos que levaram todos os seus membros a um triste resultado.

O terceiro ato remete novamente a 1919, mas agora para o espectador, que soube do que aconteceu muitos anos depois, a festa da família não parece alegre e feliz.

Priestley também abordou o motivo do tempo em suas peças posteriores: “Eu estive aqui antes” (1937), “Música à noite” (1938), “Johnson além do Jordão” (1939). A fim de aprofundar as características de seus personagens, o escritor os coloca em um ambiente inusitado, que revela o que antes estava oculto não só dos outros, mas também de si mesmos.

Em várias peças, Priestley usa experimentos ousados. Assim, no drama "From Paradise Times" (1939), que se passou nos palcos dos teatros de muitos países europeus, os atores entram no personagem diante dos olhos do público e até trocam de papéis.

O dramaturgo inglês valorizava muito a obra de Chekhov. Sua influência é mais evidente na peça "Eden End" (1934). Eden End, uma reminiscência de The Cherry Orchard, de Chekhov, conta a história de uma mulher que fugiu da casa de seus pais há muitos anos para se tornar atriz. Agora ela voltou para a casa tranquila e confortável de seu pai, sonhando em se sentir feliz novamente. Mas o passado não pode ser devolvido, e os personagens da peça, por mais que gostem, não podem começar uma nova vida.

A comédia ocupa um lugar importante na dramaturgia de Priestley. Nesse gênero, o escritor criou uma série de obras extraordinariamente espirituosas que criticam a vida da sociedade. Suas comédias eram extremamente populares nos países europeus, mas não trouxeram muito sucesso ao dramaturgo em sua terra natal.

A comédia The Rocket Grove (1933) era amplamente conhecida. Um proprietário comum e modesto de uma pequena papelaria de repente confessa à família que na verdade lidera uma gangue de falsificadores. Os parentes, ao saberem disso, mostram-lhe todo o respeito, embora antes o tratassem com desdém. Todos acreditam que ele não é pior do que os grandes magnatas financeiros que o levaram à falência durante a crise econômica e o transformaram em um criminoso.

Algumas comédias atestam o interesse de Priestley pela vida de representantes de certas profissões (Love by the Light of Jupiter, 1936; Good Night, Kids, 1941).

A peça "Abelhas a bordo de um navio" (1936) se destaca um tanto, que o próprio autor chamou de "uma tragédia farsesca em dois atos" e "uma sátira política em forma de farsa". A tripulação, abandonada em um transatlântico abandonado por seus proprietários à própria sorte durante a crise econômica, está tentando salvar seu navio de todos os tipos de tentativas de assassinato. Na final, o navio morre em uma explosão organizada pela empresa - dona do transatlântico.

A utopia dramática de Priestley, "They Came to the City" (1943), inspirada no romance utópico, também é incomum. artista inglês e News from Nowhere, or the Age of Happiness (1891), do escritor William Morris. Os heróis da peça de Priestley vivem em uma cidade onde não há propriedade privada, eles são felizes e alegres. Usando a técnica de "mudança no tempo", o autor introduz na peça personagens de diferentes estratos da sociedade inglesa moderna, que perceberam de maneira diferente a cidade incomum e seus habitantes.

Mais duas peças de Priestley foram recebidas com grande interesse: The Inspector Came (1945) e The Linden Family (1947).

Na primeira peça, o dramaturgo volta a usar sua técnica preferida de "mudança no tempo". A família do industrial Berling está prestes a celebrar o noivado da filha. De repente, um inspetor de polícia aparece na casa, investigando o suicídio de uma garota chamada Eva Smith. Acontece que todos os membros da família são culpados de sua morte. Beurling a despediu de seu empreendimento, sua filha garantiu que Eva fosse expulsa da loja e seu noivo seduziu e deixou o infeliz. Para piorar, a esposa de Burling, que tinha influência na instituição de caridade, certificou-se de que a menina não recebesse ajuda.

Tendo descoberto tudo, o inspetor sai, e a família Berling, surpresa que suas ações se referem à mesma garota, começam a ligar para o hospital e a polícia. Eles descobrem que não houve casos de suicídio e que o inspetor com esse nome não trabalha para a polícia. Os berlinenses se acalmaram, mas, como se viu, muito cedo. De repente, o telefone tocou e o chefe da família foi informado de que uma menina que trabalhava anteriormente em sua fábrica havia morrido no hospital, e um inspetor da polícia estava chegando para esclarecer as circunstâncias da morte.

Na década de 1950, Priestley continuou a trabalhar como dramaturgo, mas não conseguia mais escrever nada significativo.

Uma grande contribuição para o desenvolvimento do drama inglês foi feita pelo poeta Thomas Stearns Eliot (1888-1965) (Fig. 62), que sonhava em criar um novo drama poético baseado nas tradições da arte antiga e medieval.

Arroz. 62. Thomas Stearns Eliot

Eliot nasceu nos EUA. Em 1910 ele veio para a Europa para estudar na Sorbonne. Sua formação como escritor se deu sob a influência das tendências modernistas surgidas no início do século. Insatisfeito com a cultura burguesa moderna, em sua busca Eliot voltou-se para o neoclassicismo, baseado nas tradições da antiguidade e da Idade Média.

A transição de Eliot das letras para o drama está ligada ao seu desejo ardente de transmitir a "verdadeira espiritualidade", os ideais do humanismo a mais pessoas. Este objetivo é perseguido por todas as suas peças que apareceram na década de 1930, e depois nas décadas de 1940 e 1950 (Assassinato na Catedral, 1935; Reunião de Família, 1938; Cocktail Party, 1949; Secretário Privado) , 1953; "O estadista idoso" , 1958).

A questão da responsabilidade pessoal de uma pessoa por tudo o que acontece no mundo é levantada pela peça "Murder in the Cathedral", que foi um exemplo vívido da tragédia poética de Eliot. Criando sua obra em tempos de paz, o dramaturgo parecia prever a vinda da guerra mundial, antes da qual ainda faltavam cinco anos.

"Murder in the Cathedral" pretendia ser exibido no Festival de Canterbury, onde foram apresentadas outras obras que contavam o destino de Thomas Becket, o arcebispo de Canterbury, que viveu no século XII. Becket ajudou Henrique II a lutar por uma monarquia centralizada, mas depois se tornou um oponente do rei, pelo qual pagou com a vida. Após sua morte, o arcebispo foi canonizado pela igreja como santo. A personalidade de Becket ainda causa polêmica entre historiadores e escritores. Eliot apresentou seu herói como um homem cujas ações eram movidas pelo desejo de alta espiritualidade, razão pela qual ele lutou contra os interesses básicos do monarca e seus asseclas. Ao aceitar o martírio, Becket tomou sobre si os pecados da humanidade e abriu o caminho para o humanismo e a verdade.

A peça, que combina linguagem poética com prosa, é baseada não apenas em material histórico, mas também nas realidades da década de 1930. Assim, os discursos dos cavaleiros que mataram o arcebispo são muito parecidos com os discursos da extrema direita com ameaças de uma “noite de facas longas” a todos que não concordarem com suas ideias.

Os maiores representantes da dramaturgia de esquerda inglesa foram o poeta Whiston Hugh Auden (1907-1973) e o romancista Christopher Isherwood (nascido em 1904), que tentaram criar um drama poético moderno baseado nas tradições do music hall inglês .

Em 1933, Auden escreveu a peça Dance of Death, que previa o fim da sociedade burguesa moderna. Em 1936, foi encenado pelo diretor Rupert Doone no palco do Group Theatre de Londres. No futuro, o dramaturgo trabalhou em colaboração com Isherwood.

A peça de Auden e Isherwood, The Dog Under the Skin (1935), encenada em 1936, foi recebida com interesse. Esta obra, que incluía elementos de paródia, alta poesia, agitprop, contos de fadas, expressionismo, ao mesmo tempo tinha uma unidade de estilo.

Todos os anos, os aldeões de Pressen Embo enviam um dos jovens em busca de Sir Francis, o herdeiro da propriedade que desapareceu repentinamente. A vez chegou Alan Norman, um homem honesto e simples. Junto com ele, o cachorro Francis, que mora em uma ou outra família, se recupera no caminho. Os viajantes visitaram muitos países e conheceram pessoas diferentes, mas o herdeiro nunca foi encontrado. Alan já havia decidido abandonar as buscas quando descobriu que seu cachorro era o procurado Sir Francis. A pele de cachorro o ajudou a aprender muito, a entender como as bases sociais estavam podres. Voltando à sua aldeia, Francisco viu que as ideias do fascismo nela prevaleciam sobre todas as outras. Juntamente com um grupo de jovens, o herdeiro parte para lutar contra a injustiça e o mal.

De grande interesse é a peça On the Border (1938), de Auden e Isherwood, cheia de simbolismo, que conta a história de duas famílias vivendo no mesmo cômodo. Entre eles existe uma linha invisível que os transformou em duas partes em guerra. Entre os personagens da peça estão os jovens amantes pertencentes a essas famílias, unidos apenas após a morte, o Cínico, que explica a natureza do fascismo (o chefe da confiança do aço), e o Líder, o demagogo, que é alimentado pelo Cínico.

Posteriormente, Auden e Isherwood abandonaram suas ideias anteriores. Em 1966, o romance Farewell to Berlin (1939) de Isherwood, que fala sobre a Alemanha antes dos nazistas chegarem ao poder, foi encenado no musical Cabaret, e em 1972 - o famoso filme de mesmo nome.

A Primeira Guerra Mundial e o tempo que a precedeu destruíram o sistema de empreendimentos teatrais formados no século 19, liderados pelos atores G. B. Tree, G. Irving, J. Alexander. O teatro comercial do West End ganhou destaque na vida teatral da Inglaterra, oferecendo às pessoas cansadas da guerra espetáculos alegres e espetaculares. Farsas, melodramas, comédias leves, assim como shows musicais eram muito populares.

A situação em mundo do teatro não mudou em anos pós-guerra. Gêneros leves ainda reinavam no palco, e peças sérias de Strindberg, Ibsen, Chekhov só podiam ser vistas nos palcos de pequenos teatros de Londres (Evryman, Barnes) e clubes de teatro. O crítico americano T. Dickinson escreveu sobre o teatro inglês da época: “As Ilhas Britânicas estão politicamente isoladas. O teatro inglês está em isolamento semelhante. Na década de 1920, o teatro da Grã-Bretanha mostrou-se em grande parte incapaz de responder aos impulsos profundos que guiavam o teatro no continente.

A juventude inglesa, que rejeitava as tradições da era vitoriana e aspirava a um modo de vida americanizado, estava entediada com Shakespeare, cujos dramas haviam desaparecido dos palcos do West End.

As apresentações do Cambridge Festival Theatre, chefiadas por Terence Gray em 1926-1933, tornaram-se verdadeiras paródias do grande Shakespeare. Assim, em O Mercador de Veneza, Portia entregou seu famoso monólogo sobre a misericórdia com um olhar entediado, uma voz completamente inexpressiva, e os juízes sentados à sua frente bocejaram. Os nobres de Henrique VIII, encenado por Gray, estão vestidos com trajes de valetes e rainhas e, em vez de alguns personagens, o público viu maquetes de cartas de baralho.

É interessante que, negando os clássicos, os diretores ingleses da época frequentemente se voltavam para a comédia da era da Restauração. Entre eles estava ator famoso, diretor e proprietário do Lyric Theatre de Londres, Nigel Playfair, que encenou várias comédias antigas. No palco Lyrica, também foram encenadas performances baseadas em peças de comediantes do século XVIII, interpretadas no espírito da época. Por exemplo, a Beggar's Opera de John Gay, que não saía do palco Lyric há três anos, perdeu seu foco satírico e se transformou em um espetáculo leve e alegre. Na interpretação de Playfair, a peça de Gay representou uma época despreocupada e alegre, cuja atmosfera ajudou a transmitir as velas acesas nos candelabros do auditório, as perucas dos músicos da orquestra do teatro, bem como a música de Handel e Purcell . N. Marshall descreveu com muita precisão a habilidade estilística de Playfair como diretor: "No teatro inglês sem estilo da época, ele deu um exemplo de estilo de palco elegante e holístico."

A estrela do Teatro Lírico foi a atriz Edith Evans (1888-1976), que começou com papéis de jovens heroínas de comédia durante a Restauração. O enorme sucesso em 1924 trouxe-lhe a imagem de Milliment na peça "Assim fazem no mundo", baseada na peça de Congreve. Milliment, assim como Sallen no "Plano Astuto dos Dandies" de Farker, é uma criatura extraordinariamente alegre e graciosa, esforçando-se para conhecer todas as alegrias da vida.

As peças de Bernard Shaw, representadas nos palcos do West End e em pequenos teatros experimentais, tiveram grande sucesso com o público inglês na década de 1920. St. Joan, encenada no New Theatre, trouxe aos criadores um enorme sucesso comercial. A performance não saiu do palco por muito tempo, suportando mais de duzentas e quarenta apresentações. O papel de Jeanne foi interpretado pela famosa atriz trágica Sybil Thorndike (1886-1976).

O papel de Jeanne foi destinado a Sybil Thorndike pelo próprio Bernard Shaw. Ele ensaiou com ela e outros atores, tentando incutir neles a ideia de que estavam representando uma peça moderna, e não um drama de fantasia dedicado ao passado. Sybil Thorndike interpretou uma heroína cujas principais características não eram o romance, mas uma mente sóbria e força moral. Olhando para Zhanna, o público entendeu que essa simples camponesa, que se provou em batalhas antigas, poderia se tornar a heroína da moderna Primeira Guerra Mundial.

No final da década de 1920 em rodas de teatro nasceu a ideia de realizar festivais anuais das peças de Bernard Shaw na pequena cidade de Malvern. O primeiro Malvern Festival ocorreu no início de 1929 e abriu com a peça de Shaw, The Apple Cart. Papel personagem principal a atriz Edith Evans interpretou nesta performance. O festival durou até a eclosão da Segunda Guerra Mundial.

Barry Jackson (1879-1961), que dirigiu o Birmingham Repertory Theatre, desempenhou um papel importante na organização do Malvern Festival. Este teatro foi inaugurado em 1913, quase ao mesmo tempo que os teatros de repertório de Bristol, Manchester, Liverpool. Ao contrário dos comerciais, eles tinham uma trupe permanente e encenavam peças sérias e problemáticas. No palco em Birmingham teatro de repertório houve apresentações baseadas nas obras de D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser e, claro, B. Shaw. Em 1923, Barry Jackson encenou sua pentalogia Back to Methuselah, na qual atores famosos de Londres, incluindo Edith Evans, tocaram junto com representantes da trupe de teatro de Birmingham. Shaw também participou dos ensaios.

Em 1925, em Londres, a trupe de Barry Jackson exibiu "Hamlet" (diretor - G. Eilif). O público de Londres nunca ficou tão surpreso: Hamlet estava vestido com um agasalho, Laertes com calças Oxford subiu ao palco com uma mala com um adesivo brilhante: "Passageiro para Paris". Polônio usava um fraque e Cláudio usava um roupão de seda escarlate. Os cortesãos do rei jogavam bridge e bebiam uísque. O reino dinamarquês se transformou na Inglaterra moderna com suas tradições bem estabelecidas. Foi nesse velho mundo hipócrita que Hamlet entrou com sua verdade, trazida das trincheiras da Primeira Guerra Mundial.

Na década de 1920, as peças de Chekhov apareceram no repertório dos teatros da Inglaterra. Um papel significativo na familiarização do público inglês com as obras de Chekhov foi desempenhado pelo diretor Fyodor Komissarzhevsky (1882-1954), convidado em 1925 pelo empresário Philip Ridgway para o Barnes Theatre. A primeira apresentação encenada por um diretor russo no palco da Barnes foi Ivanov ( papel de liderança foi interpretada por R. Farkerson). Em seguida, Three Sisters (1926) foi encenada, interpretada por Komissarzhevsky como um espetáculo poético romanticamente elevado e extraordinário. O diretor usou iluminação brilhante e efeitos de cor, incomuns para o estilo de Chekhov. No mesmo ano, 1926, o público de "Barnes" viu mais dois dramas de Chekhov - "Tio Vanya" e "The Cherry Orchard".

naqueles anos peças de Chekhov foram encenadas apenas em pequenos teatros, e somente na década de 1930 puderam ver quase todo o público inglês. Ao mesmo tempo, uma galáxia inteira apareceu no país atores talentosos. Juntamente com as estrelas da década de 1920 (Sybil Thorndike, Edith Evans, etc.), Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness brilharam no palco inglês. Você podia vê-los tocando principalmente no Old Vic e na empresa de Gielgud nos teatros New e Queens.

Localizado na Waterloo Road, o Old Vic foi inaugurado no século 19, mas tornou-se amplamente conhecido antes da Primeira Guerra Mundial. Em 1918-1923, as peças de Shakespeare foram encenadas em seu palco, nas quais atuaram os melhores atores ingleses, que recusaram os altos honorários do West End em prol da arte real. Edith Evans foi convidada para todos os teatros do West End, mas preferiu um pequeno salário no Old Vic. Nas peças de Shakespeare, ela desempenhou muitos papéis, incluindo Katarina, Viola, Rosalinda.

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O primeiro teatro de Londres, chamado Theatre, foi inaugurado em 1577 pelo ator James Burbage em Shoreditch. Alguns meses depois, um segundo teatro foi inaugurado nas proximidades, chamado Curtain. Logo Burbage e seu filho Thomas, que se tornou mais famoso que seu pai, organizaram o Teatro Black Brothers - em homenagem à ordem monástica dominicana, já que o palco foi montado no refeitório do antigo mosteiro. No entanto, todos os teatros eram constantemente atacados pelas autoridades de Londres, que amaldiçoavam esses estabelecimentos como um demônio do inferno e uma fonte de infortúnio, um lugar de ociosidade e libertinagem, uma reunião de pessoas perversas excitadas pela visão de meninos em roupas femininas. - ou seja, um lugar para quem prefere ao som da trombeta correr para assistir a uma peça do que ouvir um sermão ao som de um sino.

Em Southwark, os atores tinham mais força de vontade do que na cidade, onde a vida dos teatros era severamente limitada pelas regras estabelecidas pelas autoridades. Além disso, Tula pode ser facilmente acessada por barco ou ponte. Na época do fechamento dos mosteiros, parte de Southwark, que antes pertencia ao mosteiro de Bermondsey e ao mosteiro da Bem-Aventurada Virgem Maria, tornou-se propriedade do rei. Em 1550 foi vendido à cidade por cerca de mil libras. Restaram apenas dois lotes não vendidos, que ficaram fora da jurisdição da cidade. Em um ficava uma prisão, o outro se chamava ("Jardim de Paris"); foi nesses dois locais que surgiram os teatros na época da rainha Elizabeth, livres das proibições e censuras de Londres. No Rose Theatre, construído em 1587, as peças de Marlowe foram encenadas pela primeira vez, e o talento de Edward Alleyn floresceu no palco aqui. Depois vieram os teatros "Swan" (em 1596), "Globe" (em 1599; um décimo dele pertencia a Shakespeare) e em 1613 - "Hope".

Os londrinos foram atraídos para esses e outros teatros por trombetas altas e bandeiras agitadas. O dinheiro dos visitantes era recolhido diretamente no teatro e colocado em uma caixa especial, que era então trancada em uma pequena sala - a bilheteria (no "armário da caixa"). Os espectadores sentavam-se em poltronas dispostas em fileiras ao redor do palco, ou em bancos bem no palco, e a apresentação começava com suas altas exclamações. Os atores representavam seus papéis e o público os interrompia com gritos de indignação ou aprovação, insultos ou elogios. Isso continuou até o final do ato, após o qual o palco se encheu de dançarinos, malabaristas e acrobatas; mascates com bandejas e cestos espremidos pelos corredores entre as poltronas dos espectadores, vendendo tortas, frutas, fitoterápicos, livrinhos; os homens eram legais com as mulheres. Os trabalhadores do teatro costumavam fumar, o ar estava cheio de fumaça de tabaco, as cadeiras de madeira muitas vezes pegavam fogo e o público corria para as portas. queimou no mesmo ano em que Nadezhda abriu; apenas uma pessoa ficou ferida no processo - suas calças pegaram fogo, mas ele rapidamente as extinguiu derramando cerveja de uma garrafa.

Perto dos teatros havia jardins com ursos, arenas para atrair um touro amarrado com cães, terrenos para brigas de galos, que atraíam um público diversificado - ricos e pobres, nobres e pessoas comuns. Depois de curtir a atuação de Otelo ou Eduardo II, no dia seguinte o público foi assistir ao urso sendo iscado por cães no Jardim de Paris, os galos de briga, que, soltando as esporas, cobriram a areia da arena com sangue e penas, os cães voando longe dos golpes de touros loucos (os cães foram pegos em armadilhas de vime para que não ficassem aleijados quando caíssem e pudessem continuar a lutar), nas pessoas cortando com espadas, cortando as orelhas e os dedos uns dos outros sob a alta aprovação da multidão.

teatros do West End

A face das ruas do West End mudou drasticamente. Muitos edifícios do século XVIII. foram reconstruídas por fora e por dentro de acordo com o gosto da época. Assim, na Grafton Street (atual Salon of Helena Rubinstein), a Sra. Arthur James exibiu sua riqueza com uma impressionante reforma de uma casa projetada na década de 1750. Senhor RobertTaylor.

Muitos edifícios construídos em georgiano, regência e estilos vitorianos, deu origem a novos teatros como o Duke of York's Theatre, Novo teatro, The Rock, Palladium, Gaiety, Her Highness Theatre, London Pavilion, Palace, Apollo, Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwych, Globe ”, “Queens” e “Coliseum”. Todos eles foram construídos durante os últimos dez anos do reinado da Rainha Vitória e nove anos do reinado do próprio Eduardo.

Centenas de prédios antigos foram demolidos para dar lugar a lojas, grandes galerias comerciais com suntuosas janelas de vidro e portas de mogno incrustadas de latão. Em 1901, as paredes de terracota da Harrods General Store na Brompton Road começaram a subir. Seguiu-se rapidamente a construção de novas lojas de rua em exagerado estilo barroco, como Wearing and Gillows (1906), colossal em tamanho, em particular, o imponente edifício que o comerciante começou a construir em 1909 Harry Selfridge de Wisconsin.

Quando a loja de Selfridge foi concluída, a Regent Street havia mudado completamente; o Aldwych Loop cruzou o labirinto de ruas ao norte de Strand em frente a Somerset House, tornou-se ladeado por edifícios monumentais e a Kingsway Street se estendia para o norte até Holborn.

A arte dramática no Reino Unido apareceu há muito tempo. Origina-se de apresentações de rua que aconteciam nos feriados da igreja e serviam como uma espécie de moralização. No Renascimento, todas as áreas da arte adquirem um caráter mais secular e se afastam dos temas religiosos. Foi nessa época que surgiu o teatro, revolucionário na época, onde W. Shakespeare, agora conhecido em todo o mundo, encenou peças.

O desenvolvimento moderno do teatro busca o máximo realismo em todas as suas esferas, repensando até os enredos clássicos. Agora, os teatros da Inglaterra surpreendem não apenas com apresentações interessantes, mas também com arquitetura original, além de decisões incomuns do diretor.

Se você está planejando uma viagem para Londres, não deixe de visitar o Piccadilly Theatre. Existe há mais de oito décadas e agrada aos conhecedores da arte teatral não só com produções modernas, mas também clássicas tradicionais.

Um dos teatros mais antigos de Londres é o Aldwych Theatre, que reúne a cidade inteira em torno de si há mais de um século. Atores eminentes como Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone e outros já se apresentaram em seu palco.

fãs de brilhante apresentações musicais Vale a pena visitar o New London Theatre. Foram os musicais que trouxeram ao jovem teatro dos anos 70-80 do século passado uma verdadeira fama entre os jovens. Até agora, ele agrada o público com apresentações em nível mundial, com atuações vivas no palco e boa música.

Outro teatro em Londres, conhecido por apresentações no estilo de musicais e peças de comédia, é o Shaftesbury Theatre. Não faz muito tempo, ele comemorou seu centenário - a obra do teatro não parou nem durante a Segunda Guerra Mundial. A edificação deste teatro merece atenção especial devido ao seu inusitado traçado antigo.

Entre teatros modernos Em Londres destaca-se o Pinkock Theatre. Resiste adequadamente à competição com teatros antigos devido à sua abordagem inovadora da dramaturgia clássica. A cena geralmente usa elementos de dança de rua e até números acrobáticos para aumentar o efeito da peça.

O edifício da Grand Opera em Belfast impressiona pela sua beleza. Construído no século XIX, além de ser um marco arquitetônico em estilo oriental, também encanta os fãs de teatro com seu repertório clássico e excelente acústica.

O principal centro de arte dramática na Grã-Bretanha é chamado teatro real Drury Lane. Está localizado em Londres e desempenhou um papel importante no desenvolvimento do teatro no país. Durante sua existência, muitos atores eminentes conseguiram visitar seu palco.

Outro monumento arquitetônico da Grã-Bretanha é o Teatro de Sua Majestade. O teatro foi criado no início do século XVIII e, no final do século XIX, mudou-se para um grande prédio novo, onde ainda está localizado. É de grande valor histórico e cultural, e o repertório clássico irá agradar a todos os amantes desta forma de arte. Este teatro está localizado em Londres, no oeste de Westminster.

Secretaria Municipal de Educação da Prefeitura de Polysaevo

Centro de informação e metodológico

Municipal instituição educacional

"Escola secundária nº 35"

História do teatro no Reino Unido

projeto de pesquisa

Polysaevo 2007

Secretaria Municipal de Educação da Prefeitura de Polysaevo

Centro de informação e metodológico

Instituição municipal de ensino

"Escola secundária nº 35"

História do teatro no Reino Unido

Daria Putintseva,

Proposta pesquisar contém uma descrição da história do teatro na Grã-Bretanha. O projeto de pesquisa caracteriza o teatro inglês desde a Idade Média até o presente, seus rumos e tendências. A obra traça a formação e desenvolvimento das principais tendências teatrais, a originalidade da luta teatral em diferentes fases do desenvolvimento histórico. Atenção especial é dada à questão das especificidades nacionais do teatro inglês.

História do teatro no Reino Unido: pesquisar / . - Polysaevo: Centro de Informação e Metodologia, 2007.

Nota explicativa

Objetivo do trabalho: familiarização com uma cultura estrangeira.

Tarefas de trabalho: expandindo o conhecimento cultural sobre o Reino Unido.

O teatro inglês é parte integrante da cultura mundial. As melhores tradições da arte nacional inglesa enriqueceram o processo teatral mundial. O trabalho de atores, diretores e dramaturgos ingleses ganhou amor e reconhecimento muito além das fronteiras da Inglaterra.

O trabalho de atores, diretores e dramaturgos da Grã-Bretanha há muito goza de reconhecimento e amor na Rússia.

A história do teatro há muito está associada à história da humanidade. A partir dessa página inicial da história, ao mesmo tempo que a humanidade se lembra de si mesma, também se lembra do teatro, que se tornou seu eterno companheiro.

Você ama o teatro tanto quanto eu amo isso? - perguntou nosso grande compatriota Vissarion Belinsky a seus contemporâneos, profundamente convencido de que uma pessoa não pode deixar de amar o teatro.

Você ama teatro? Com a mesma pergunta há mais de 20 séculos, os grandes pais do antigo teatro Esquilo e Sófocles, Eurípides e Aristófanes poderiam ter se voltado para seus espectadores, que enchiam os bancos de pedra dos enormes anfiteatros ao ar livre da Hélade.

Seguindo-os, já em outros séculos, outras épocas históricas, com um apelo semelhante aos seus contemporâneos, Shakespeare e Ben Jonson na Inglaterra poderiam se transformar. E todos eles, perguntando às pessoas de seu tempo: "Você gosta de teatro?" - teria o direito de contar com uma resposta afirmativa.

O teatro inglês, a literatura e a música são parte integrante da cultura mundial. As melhores tradições da cultura inglesa enriqueceram o processo cultural mundial, conquistaram amor e reconhecimento muito além das fronteiras da Inglaterra.

A obra dos dramaturgos ingleses há muito desfruta de reconhecimento e amor na Rússia. Os maiores atores do teatro russo atuaram nas tragédias de Shakespeare.

Na história da cultura inglesa, destacam-se os seguintes períodos principais: a Idade Média, o Renascimento, o século XVII, o século XVIII (Iluminismo), o século XIX (romantismo, realismo crítico), o período do final do século XIX - início do século XX (1871 - 1917) e o século XX, em que se distinguem dois períodos: 1917 - 1945. e 1945-presente.

Alta Idade Média ( V – XI séculos)

No século 6 aC, as Ilhas Britânicas foram invadidas pelos celtas. No século I dC, a Grã-Bretanha foi conquistada pelos romanos. O domínio do Império Romano continuou até o século V, quando os anglo-saxões e jutos invadiram o território da Grã-Bretanha. As tribos anglo-saxônicas trouxeram sua língua, cultura e modo de vida para as Ilhas Britânicas.

A história do teatro medieval é a história da luta de visões religiosas e idealistas sobre a vida com a visão de mundo realista das pessoas.

Por muitos séculos na vida dos povos da Europa feudal, as tradições das festividades rituais pagãs foram preservadas, contendo elementos de teatralização: o confronto de inverno e verão, os jogos de maio, nos quais esquetes eram realizados com a participação do rei e Rainha de Maio, etc. etc. Troupes percorriam a Europa diversões folclóricas - histriões. Eles sabiam fazer de tudo: cantar, dançar, fazer malabarismos, representar. Representando cenas cômicas, muitas vezes eles não apenas divertiam o público, mas também ridicularizavam aqueles que oprimiam e oprimiam as pessoas comuns. Portanto, a igreja proibiu os jogos rituais, perseguiu os histriões, mas foi impotente para destruir o amor do povo pelas apresentações teatrais.

Em um esforço para tornar o serviço religioso - a liturgia - mais eficaz, o próprio clero começa a usar formas teatrais. Surge o primeiro gênero de teatro medieval - drama litúrgico (séculos IX-XIII). Durante a liturgia, os sacerdotes encenaram histórias das Sagradas Escrituras. Com o tempo, as apresentações de dramas litúrgicos são levadas da igreja para o alpendre e o adro.

XI – XV século

No século 11, as Ilhas Britânicas foram conquistadas pelos normandos. Isso contribuiu para a influência francesa na vida cultural do país.

Nos séculos XIII-XIV. aparece e novo gênero performance teatral medieval – mirakl ("milagre"). As tramas dos milagres são emprestadas das lendas sobre os santos e a virgem Maria.

Pináculo do teatro medieval – mistério . Desenvolve-se nos séculos XIV-XV, durante o apogeu das cidades medievais. Mistérios são jogados nas praças da cidade. A representação do mistério era massiva - e de acordo com o número de participantes, a Alegoria" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> alegórica. Personagens morais geralmente personificavam várias propriedades humanas, seus vícios e virtudes .

O herói da moralidade é uma pessoa em geral. "Todo homem" - esse era o nome da moralidade inglesa do final do século XV. Nessa peça, a Morte aparecia para cada pessoa e a chamava para uma “longa jornada”, permitindo-lhe levar consigo qualquer companheiro. Uma pessoa se voltou para Amizade, Parentesco, Riqueza, mas foi recusada em todos os lugares. Força, Beleza, Razão, Cinco Sentidos concordaram em acompanhar uma pessoa, mas à beira do túmulo todos o deixaram. Apenas Boas Ações pularam na sepultura com ele. A moralidade abandonou os assuntos bíblicos, mas manteve a edificação religiosa.

Farsa - o primeiro gênero de teatro medieval que rompeu com a moral religiosa. A farsa, um gênero alegre e satírico, ridicularizava os conceitos sociais, políticos e morais da sociedade feudal. Cavaleiros tolos, comerciantes gananciosos, monges voluptuosos agem na farsa. Mas o verdadeiro herói desse gênero, de todos os enredos não muito decentes, mas sempre engraçados e ridículos, é um malandro alegre do povo. Em uma farsa, aquele que enganou todo mundo está certo.

A experiência das apresentações farsescas foi amplamente utilizada pelo teatro das épocas posteriores. As comédias de Shakespeare adotaram não apenas os métodos bufões da farsa, mas também o espírito de livre-pensamento popular que as preenchia.

Renascimento

Em XV - séculos XVI V países europeus há uma "maior convulsão progressiva de todas as vividas pela humanidade até aquele momento", - a transição da Idade Média feudal para o novo tempo, marcada por Período inicial desenvolvimento do capitalismo. Essa era de transição foi chamada de Renascimento ou Renascimento.

Foi a época do surgimento de uma nova cultura, rompendo com os dogmas religiosos, a era do rápido desenvolvimento da arte e da literatura, que reviveu os ideais da antiguidade. Grandes oportunidades para ativos atividade criativa. Nesta época, ocorre a formação da cultura nacional.

O século 16 na Inglaterra foi o auge do drama. O teatro inglês respondeu aos interesses populares e foi extraordinariamente popular em uma atmosfera de ascensão nacional. No final do século 16, havia cerca de vinte teatros em Londres; entre eles, o James Burbage Theatre e o Philip Hensloe Theatre eram especialmente famosos. O desenvolvimento da cultura teatral não ocorreu sem dificuldades, o principal obstáculo foram as ações dos puritanos, que consideravam o teatro um assunto "demoníaco".

Os dramaturgos da época incluíam Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe e outros.

As peças de Beaumont (1584-1616) e Fletcher (1579-1625) marcam outra época na história do teatro inglês. Eles buscavam aristocratizar o teatro, introduzir certa sofisticação e decência nas apresentações teatrais. Idéias nobres e monárquicas tornam-se objeto de atenção especial no teatro de Beaumont e Fletcher. Pedidos de serviço altruísta ao rei são constantemente ouvidos no palco.

William Shakespeare

O teatro do Renascimento inglês deve seu apogeu, antes de tudo, a William Shakespeare. A dramaturgia de Shakespeare é o resultado de todo o desenvolvimento anterior do drama, o ápice do teatro.

"A tragédia nasceu na praça" - escreveu, referindo-se às origens longínquas da obra de Shakespeare - o teatro popular de mistérios medievais. As tradições do teatro das praças - uma ampla cobertura dos acontecimentos, a alternância de episódios cômicos e trágicos, a dinâmica da ação - foram preservadas pelos predecessores de Shakespeare - os dramaturgos R. Green, K. Marlo e outros. Eles trouxeram ideias de amor à liberdade para o palco, mostraram novos heróis com força de vontade e caráter completo.

No primeiro período "otimista" de sua obra, Shakespeare escreveu comédias repletas de humor alegre e alegre. Mas quando o "mar de desastres" se abriu diante do olhar penetrante do poeta, quando o curso inexorável da história expôs cada vez mais nitidamente as contradições do feudalismo e do capitalismo emergente, o herói ideal em suas obras foi substituído por um faminto de poder, pessoa egoísta e interessada, e às vezes até um criminoso.

Pela primeira vez, essa virada foi revelada na tragédia "Hamlet". Mas os heróis de Shakespeare não se curvaram diante do mundo do mal. Entrando na luta e sendo vítimas de seus oponentes onipotentes, os heróis das tragédias de Shakespeare, mesmo com a própria morte, afirmaram a fé no homem e em seu brilhante destino. É nisso que reside a imortalidade das tragédias de Shakespeare e seu som moderno.

O Shakespeare's Globe Theatre estava localizado entre outros teatros - na margem sul do Tâmisa, fora de Londres, pois as autoridades proibiram os espetáculos em

William Shakespeare

Teatro Globo”. Aparência.

a própria cidade. O edifício foi coroado por uma pequena torre, onde uma bandeira tremulou durante a apresentação.

A ação aconteceu ao ar livre - uma massa de pessoas ficou em frente ao palco, cidadãos ricos se instalaram nas galerias, que circundavam as paredes redondas do teatro em três níveis. O palco foi dividido em 3 partes: a frente - o proscênio, a parte de trás, separada por duas colunas laterais e coberta por um dossel de palha, e a parte superior - em forma de varanda. O palco foi decorado com tapetes e esteiras, e um painel foi pendurado no alto: preto - nas tragédias e azul - nas comédias. A cena da ação foi indicada por um detalhe (a árvore indicava que a ação estava ocorrendo na floresta e o trono - aquele no palácio).

A composição da trupe era pequena - apenas 8 a 12 pessoas. Às vezes, cada ator tinha que desempenhar até três ou mais papéis em uma peça. As heroínas eram interpretadas por jovens bonitos e frágeis. Os principais atores trágicos foram Edward Alleyn, que atuou com particular sucesso nas peças de K. Marlowe, e Richard Burbage - o melhor intérprete dos papéis de Hamlet, Lear, Otelo e Macbeth. Richard Tarlton e William Kemp estrelaram papéis cômicos.

XVII século

Se durante o Renascimento na Inglaterra, a dramaturgia e o teatro estavam em seu apogeu, os costumes teatrais em Londres naquela época eram bastante livres, reinava total facilidade tanto no palco quanto no auditório, e atores e espectadores não tinham vergonha de expressões, então no No século 17, eles foram perseguidos pelos puritanos.

No Renascimento, podia-se ver um mágico com um cachorro no palco, que representava "e o rei da Inglaterra, o príncipe de Gales, e quando ele se senta de costas, então o papa e o rei da Espanha". Alguma senhora em uma comédia poderia dizer do palco que você pode adivinhar pela urina, ou um cavalheiro - escreva onde ele fez xixi. “Nosso palco às vezes tem a mesma sujeira e fedor de Smithfield (um subúrbio de Londres onde aconteciam feiras e às vezes hereges eram queimados), diz Ben Jonson. “Tudo lá é chamado pelo nome próprio”, escreveu Voltaire sobre o palco inglês já no século XVIII.

A moral teatral pode ser inferida do anônimo "Protesto ou Reclamação de Atores Contra a Supressão de Sua Profissão e Sua Expulsão de Vários Teatros" (1643). “Fazemos uma promessa para o futuro de nunca admitir em nossas lojas de seis centavos mulheres promíscuas que vão lá apenas para serem levadas com elas por aprendizes e escriturários de advogados, e nenhum outro tipo de mulher, exceto aquelas que vêm com seus maridos ou parentes próximos. A atitude em relação ao tabaco também mudará: não será vendido ... quanto à linguagem obscena e baixeza semelhante que pode escandalizar as pessoas decentes e empurrar as pessoas más para a libertinagem, vamos expulsá-las completamente junto com autores imorais e rudes - poetas .

Fazer peças e representá-las foi declarado uma atividade pecaminosa; visitar o teatro foi resolutamente condenado e considerado um ato nocivo e pernicioso. Com a chegada dos puritanos ao poder, as apresentações teatrais na Inglaterra foram proibidas. Em 2 de setembro de 1642, o Parlamento inglês fechou os teatros e proibiu todas as apresentações, argumentando que os espetáculos "muitas vezes expressam alegria e frivolidade desenfreadas", enquanto se deve direcionar os pensamentos para "arrependimento, reconciliação e retorno a Deus". Cinco anos depois, o Parlamento confirmou esta resolução, agora em termos mais duros e ordenando que os desobedientes (atores) fossem presos como criminosos. A cultura vivia uma crise aguda. A Igreja lutou longa e fortemente contra os espetáculos teatrais. "Os teatros estão cheios, mas as igrejas estão vazias", reclamam os padres puritanos. No teatro, “reinam os gestos livres, as falas soltas, o riso e o ridículo, os beijos, os abraços e os olhares indecentes”, indignam-se os clérigos. “A palavra de Deus é violada lá e a religião divina estabelecida em nosso estado é profanada”, diz o prefeito.

O teatro do século XVII foi apresentado à burguesia puritana da Inglaterra como um teatro de licenciosidade e libertinagem, um teatro que atende aos gostos dos aristocratas e corrompe as pessoas comuns.

Também havia defensores. O dramaturgo Thomas Nash escreveu em 1592 que os enredos das peças são emprestados das crônicas inglesas, os grandes feitos dos ancestrais são recuperados do "túmulo do esquecimento" e, portanto, a condenação da "modernidade degenerada e mimada" é emitida, que nas peças "a mentira dourada com santidade exterior é dissecada".

As características da cultura foram determinadas pelos eventos da revolução burguesa. As contradições de classe entre a burguesia e os grandes proprietários de terras agravaram-se, o governo da república burguesa foi chefiado por Oliver Cromwell, depois a monarquia Stuart foi restaurada.

Os Stuarts, que voltaram ao poder, reabriram os teatros em 1660, e a brilhante mas imoral comédia da era da Restauração, por assim dizer, confirmou a avaliação negativa dada ao teatro pelos associados de Cromwell.

Após o golpe de estado, Guilherme III de Orange chegou ao poder. O movimento popular cresceu.

Wilhelm III não fechou os teatros, mas por decreto de 01.01.01 advertiu estritamente os atores de que “se continuarem a representar peças que contenham expressões contrárias à religião e à decência, e permitam a blasfêmia e a imoralidade no palco, então por isso eles devem responder com suas cabeças.

No mesmo ano, 1698, um tratado foi publicado por um certo teólogo puritano chamado Jeremy Collier sob o título muito pitoresco " Breve revisão imoralidade e impiedade do palco inglês. O teólogo condenou severamente a prática teatral existente. Ele escreveu que havia raiva e raiva no palco. “O sangue e a barbárie são quase divinizados”, que “perverte-se o conceito de honra, humilham-se os princípios cristãos”, que “demônios e heróis são feitos do mesmo metal”, e exigiu uma reestruturação radical dos teatros, transformando-os em espécie de escola de virtude, boas maneiras e decência: “O objetivo das peças é estimular a virtude e expor o vício, mostrar a fragilidade da grandeza humana, as súbitas vicissitudes do destino e as consequências nefastas da violência e da injustiça.

A burguesia inglesa não queria mais o fechamento dos teatros, como antes, mas sua adaptação às necessidades da classe. Embora a "revolução gloriosa" de 1688 tenha trazido uma aliança entre a burguesia e a nova nobreza, a hostilidade ainda persistia. As posições dos latifundiários ainda eram fortes, embora os aristocratas se submetessem ao estado de coisas, eles não estavam de forma alguma totalmente reconciliados. Ataques à aristocracia também foram ouvidos em apresentações teatrais.

Em 1713, Joseph Addison (1672-1719) tentou estabelecer a tragédia clássica no palco inglês.

Nessa época, surgiu um novo gênero - o drama, mas a comédia não quis abrir mão de suas posições. Os espectadores, que derramaram lágrimas abundantes nas apresentações de The London Merchant e ficaram horrorizados com o final sombrio da peça, tiveram vontade de rir de vez em quando. Esta oportunidade foi dada a eles por Fielding, e mais tarde por Oliver Goldsmith e Richard Brinsley Sheridan.

Goldsmith queria reviver a "comédia gay" dos dias de Shakespeare e Ben Jonson. Em seu tratado An Essay on the Theatre, or a Comparison of Jolly and comédia sentimental”(1733), ele falou diretamente sobre isso e escreveu várias peças de comédia sem moralizar, sem muita tendenciosidade, zombando alegremente da inexperiência dos jovens que se enganam facilmente. As peças estão cheias de erros engraçados, os personagens são retratados com bastante naturalidade.

No entanto, Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) deixou a maior marca na história do drama inglês desse período. Ele escreveu por um curto período de tempo. Todas as suas melhores peças foram criadas em cinco anos. O incêndio de seu teatro em Drury Lane deu o último golpe ao escritor.

O classicismo em sua forma clássica não encontrou terreno firme na Inglaterra. Havia duas razões para isso: o estado político do país e a autoridade do teatro de Shakespeare.

Quanto a Shakespeare, ele eclipsou tanto as realizações do drama antigo que depois dele era simplesmente impensável confiar inteiramente no exemplo dos antigos autores gregos. Os dramaturgos ingleses que trabalhavam para o teatro não podiam seguir Ésquilo, Sófocles e Eurípides tão incondicionalmente quanto seus colegas franceses. Diante deles estava o exemplo de Shakespeare, que trabalhou de acordo com um sistema completamente diferente e alcançou resultados sem precedentes.

Em 1644, o Globe Theatre de Shakespeare foi demolido, reconstruído após um incêndio em 1613, em 1649 - os teatros Fortune e Phoenix, em 1655 - Blackfriars. Atores espalhados pelo país, entraram nos soldados, desapareceram sem deixar vestígios, segundo um autor anônimo do século XVII (Historia histrionica).

Em 1643, os atores redigiram um comovente documento anônimo: uma denúncia sobre a supressão de sua profissão. “Recorremos a você, grande Phoebus, e a você, nove irmãs - musas, patronas da mente e protetoras de nós, pobres atores humilhados”, escreveram eles. “Se, com a ajuda de sua intervenção onipotente, pudéssemos nos instalar novamente em nossos antigos teatros e voltar à nossa profissão ... ”Os atores escreveram que as comédias e tragédias que representavam eram“ uma reprodução viva das ações das pessoas , ”que o vício neles foi punido e a virtude foi recompensada, que "a fala em inglês foi expressa de maneira mais correta e natural". Phoebus e nove irmãs - musas, patronas das artes, não responderam. O teatro sofreu danos irreparáveis.

John Milton, o maior poeta inglês do século XVII, não compartilhava da atitude negativa dos puritanos em relação às apresentações teatrais. Milton foi especialmente resoluto contra os dramaturgos e o teatro da era da Restauração, que tinham um caráter enfaticamente divertido. Milton considerava a tragédia como o principal na arte dramática, padrões clássicos arte grega antiga. Imitando-os, introduziu um coro comentando o que estava acontecendo, e estabeleceu a unidade do tempo: a duração dos acontecimentos da tragédia não ultrapassa 24 horas. A unidade de lugar e ação é rigorosamente mantida.

período de restauração

O período da Restauração começou na Inglaterra logo após a morte de Cromwell.

As proibições impostas pelos puritanos a apresentações teatrais e vários tipos de entretenimento foram suspensas. Os teatros foram reabertos, mas eram muito diferentes do teatro inglês do século XVI - início do século XVII e em sua projeto externo, e a natureza das jogadas. No palco, cenários ricos e figurinos magníficos foram usados.

As comédias de William Wycherley (1640-1716) e William Congreve (1670-1729) tiveram um sucesso particular.

Teatros ingleses "Drury Lane" e "Covent Garden"

Vamos visitar os teatros de Londres agora. Em 1663, foi construído em Londres o Drury Lane Theatre, que recebeu o direito de monopólio na escolha do repertório. Em 1732, outro grande teatro apareceu - Covent Garden. Havia pouca ordem nos teatros de Londres. O público, invadindo o auditório, correu direto ao longo dos bancos das arquibancadas para se sentar mais perto do palco. De vez em quando aconteciam peculiares "motins teatrais" - o público, insatisfeito com a atuação, o aumento dos preços, qualquer intérprete, abafava as vozes dos atores, jogava frutas neles e às vezes irrompia no palco.

Nesta turbulenta Londres do século 18, os atores tentaram agir com decoro e falar com voz medida. No entanto, o classicismo inglês não era completo, integral - era constantemente "corrigido" pela tradição realista vinda de Shakespeare.

O ator Thomas Betterton (1635 - 1710) desempenhou o papel de Hamlet como Burbage já o interpretou, tendo recebido instruções do próprio Shakespeare. O ator James Quinn (1693 - 1766), que parecia aos britânicos muito classicista, desempenhou o papel de Falstaff de forma bastante realista. Em 1741, Charles Maclean (1697-1797) interpretou Shylock de forma realista em O Mercador de Veneza, de Shakespeare. No mesmo ano, David Garrick (1717 - 1779), que se tornou o ator realista mais importante do século XVIII, interpretou o papel de Ricardo III. Garrick desempenhou papéis cômicos e trágicos igualmente bem. Como mímico, Garrick não conhecia igual. Seu rosto poderia retratar consistentemente todas as tonalidades e transições de sentimentos. Ele sabia ser engraçado, patético, majestoso, assustador. Garrick era um ator muito inteligente, com uma técnica ricamente desenvolvida e precisa, e ao mesmo tempo um ator sensível. Certa vez, enquanto interpretava o Rei Lear na tragédia de Shakespeare, Garrick se empolgou tanto que arrancou a peruca e a jogou de lado.

Garrick dirigiu o Drury Lane Theatre por muitos anos, onde montou uma companhia notável e encenou 25 peças de Shakespeare. Antes dele, ninguém trabalhou com tanta consciência e teimosia nas produções das peças de Shakespeare. Depois de Garrick, eles aprenderam a apreciar Shakespeare muito mais do que antes. A fama desse ator trovejou por toda a Europa.

Criatividade Garrick resumiu o desenvolvimento do teatro do século XVIII - do classicismo ao realismo.

século 18

Idade da iluminação

No século 18, uma era de transição começou, culminando na revolução burguesa francesa. O movimento de libertação se desenvolveu, tornou-se necessário destruir o feudalismo e substituí-lo pelo capitalismo.

Literatura inglesa

A era turbulenta trouxe à vida o florescimento da cultura democrática, incluindo criatividade teatral.

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século 20

1945–presente

Após a Segunda Guerra Mundial, em conexão com a formação do sistema socialista mundial e o crescimento da guerra de libertação nacional dos povos, o colapso do Império Britânico tornou-se inevitável e natural. Os teatros representam eventos turbulentos e divisores de águas e convulsões sociais.

Nos primeiros anos após a Segunda Guerra Mundial, o escritor mais popular na Inglaterra foi John Boynton Priestley. Ele escreveu mais de quarenta peças. Os mais significativos deles são "Dangerous Corner" (Dangerous Corner, 1932), "Time and the Conway Family" ("Time e a Conway, 1937).

Nas peças de Priestley, a influência da dramaturgia de Chekhov é palpável. Priestley se esforça para transmitir o drama da vida cotidiana, para mostrar a vida com todos os seus meios-tons, para revelar os personagens não apenas dos personagens principais, mas também dos secundários.

As peças de John Osborne (1929) desempenharam um papel importante na cultura inglesa. As peças de John Osborne estimularam o desenvolvimento do drama inglês nos anos 60.

Em 1956, a peça Look Back in Anger de John Osborne foi encenada no Royal Court Theatre, que foi um sucesso retumbante. O dramaturgo transmitiu com muita precisão o humor da juventude inglesa da época. Jimmy Porter entrou em cena - o jovem herói "irritado", como os críticos o chamavam. Este jovem do fundo, que abriu caminho para um ambiente hostil ambiente social, mal imaginado o que é uma existência digna. Ele pegou em armas, sem poupar forças, contra os existentes valores morais, o modo tradicional de vida pública, em parte contra leis sociais. Esses mesmos traços distinguem alguns dos personagens, tanto modernos quanto históricos, nas peças de John Arden, Sheila Delaney e outros.

As habilidades de atores e diretores progressistas em alguns países são aperfeiçoadas em material dramático clássico, nos melhores exemplos de literatura realista. Eles usam os clássicos para colocar problemas contemporâneos agudos. O ator inglês Laurence Olivier na forma de Otelo transmitiu um protesto irado contra a civilização burguesa emergente. Hamlet serviu a Paul Scofield para expressar os pensamentos tristes e difíceis da jovem geração de intelectuais europeus do pós-guerra que se sentiam responsáveis ​​pelos crimes cometidos no mundo.

As encenações das peças de Shakespeare do diretor inglês Peter Brook gozam de um merecido sucesso de público.

A arte teatral dos últimos tempos é caracterizada por muitas pequenas trupes profissionais, semiprofissionais e não profissionais, vagando de uma localidade para outra; revitalização de teatros estudantis; o crescente protesto de atores e diretores contra o comércio de arte. Os jovens costumam usar o palco para discussões políticas acirradas. O teatro sai à rua, onde são apresentadas peças de semi-improvisação.

Quase todos os fenômenos da criatividade teatral na Inglaterra são permeados por cruéis contradições internas, repletas de um choque de tendências ideológicas e estéticas opostas.

John Osborne é um defensor do teatro que critica a ordem social no mundo capitalista, que é a arma mais convincente da época.

As peças de John Osborne determinaram o desenvolvimento do drama inglês na década de 1960.

A originalidade da dramaturgia de Sean O'Casey, destacado dramaturgo anglo-irlandês, é determinada pela ligação com a tradição folclórica irlandesa. Suas peças são caracterizadas por uma bizarra combinação de trágico e

Laurence Olivier como Ricardo III

"Ricardo III" W. Shakespeare

cômico, real e fantástico, cotidiano e patético. Os dramas de O'Casey usam as convenções do teatro expressionista.

O movimento dos teatros folclóricos, perseguindo principalmente objetivos educacionais, varreu toda a Europa. Na Inglaterra, o Workshop Theatre surgiu e ganhou grande fama sob a direção de Joan Littlewood.