När målades det första stillebenet? Stilleben i måleriet: typer och beskrivning

Stilleben (fr. nature morte - "död natur") är en genre visuella konsterna, som skildrar de föremål omkring oss som har ett semantiskt samband med varandra. Denna typ av konst lockar med sina stora visuella möjligheter, som bidrar till utvecklingen av kompositionsförmåga och färgkonstruktion.

Stilleben förmedlar till oss vissa bilder och symboler av världen omkring oss. Involverar oss i en värld av kommunikation av objekt, vilket ger en möjlighet att vara i rollen som en samtalspartner. sann konstnär låter betraktaren se hemlig betydelse föremål omkring oss. Genom att förvälja och bygga in vissa attribut till en viss komposition, som bär en specifik semantisk uppgift.

Stilleben uppstod i Europa under 1500- och 1600-talen, men dess förhistoria uppstod mycket tidigare. I nivå med vardagsgenre stilleben under en lång tid kunde inte ta en ledande position inom måleri. Eftersom det ansågs omöjligt att förmedla de viktigaste sociala idéerna genom denna typ av målning. Tack vare de stora mästarna erkändes denna genre som ganska kapabel att förmedla olika sociala förhållanden och därigenom påverka olika sociala dygder. Med hjälp av olika attribut skapades en eller annan bild, vilket återspeglar innebörden av huvudidén. Hushållsartiklar klassificerade ägarens sociala status, livsstil, vilket var viktigt för att förmedla bilder av sociala skikt.

Om man vänder sig till konsthistoriens kronologi kan man spåra följden av uppgång och fall för en så säregen genre som stilleben.

”Formatandet av stilleben som en självständig genre av målning berodde på arbetet av holländarna och flamländska konstnärer XVII-talet. 1600-talet i Europa markeras som stillebens storhetstid. Under denna period skapades alla huvudvarianter av stilleben.

Stillebens progressiva utveckling i Västeuropa målning XVII talet kan till stor del förklaras av särdragen i den allmänna kulturella och världsbildssituationen, i synnerhet den ultimata utspädningen och samtidigt den ömsesidiga personifieringen av sådana kategorier som materiella och andliga, individuella och universella. I stilleben bekräftades den mest konkreta av alla särdrag i denna värld konstnärligt - en sak, en produkt av en mycket specifik mänsklig aktivitet, samtidigt var dessa jordiska konstgjorda saker utrustade med en allegorisk, emblematisk mening , uppfattas som tecken på immateriella, andliga värden, som personifierad meditation över mening mänskligt liv. En sak, som har förlorat sin allegoriska betydelse, upphör att vara ett objekt Bra konst. Genren stilleben börjar gradvis bli föråldrad.

Dess återupplivande äger rum i slutet av 1800-talet - början av 1900-talet. På grund av sin handling och, i viss mån, semantisk sterilitet, visar sig stilleben under dessa stormiga decennier för utvecklingen av konst vara särskilt bekvämt för kreativa experiment. En av de mest konservativa, ur ikonografins synvinkel, en av de mest väletablerade när det gäller komposition, tillät stilleben konstnärer att utföra de mest vågade, ibland paradoxala kränkningarna av genrens lagar, samtidigt som de stannade inom Det. De flesta av experimenten på detta område hade som uppgift den mest kompletta intrig och bildlig frikoppling av saker.

Saker går liksom över sina gränser, förlorar sin självbetydelse, upphör att vara lika med dem själva. De löses antingen upp i ljus och färg, sprids i strålningen av energier eller kondenserar till materieklumpar, bildar kombinationer av de enklaste volymerna, eller smulas sönder till många fragment - och av allt detta nya extra-substantiella eller, omvänt, supersubstantiella saker skapas på duken. Liksom i målningarna från 1600-talet har de en allegorisk innebörd, men till skillnad från klassiska stilleben utförs rollen som primära element i dessa bildkryptogram inte så mycket av objekten själva som av deras individuella särdrag, deras kvaliteter är mättade med ökad semantisk spänning.

Under de första åren av 1900-talet skedde inte bara en suddighet av gränserna för saker inom stilleben, utan också en betydande suddighet av gränserna för själva genren. I Matisses öppna dukar smälter objekten som utgör stillebenet, genomsyrade av naturens organiska rytmer, samman med landskapet eller förvandlas själva till ett landskap, och övervinner barriären mellan de levandes värld och de livlösas värld. . I Picassos konstruerade kubistiska landskap objektifieras naturen själv, får drag av att vara gjord, materialitet, landskapet liknas vid ett stilleben. .

"Stilleben intog också en framträdande plats i arbetet av franska impressionistiska konstnärer (Manet, Cezanne, Monet, etc.). De försökte förkroppsliga de första färska intrycken av vad de såg i sina verk. För sina stilleben, såväl som för målningen av impressionisterna i allmänhet, kännetecknas de av: harmonin av rena färger som uppfattas direkt i naturen, kompositionens naturlighet och vitalitet.

En av de bästa hantverkarna stilleben var känt fransk konstnär Chardin, som lyckades tränga in i intimt liv de vanligaste sakerna, för dem närmare betraktaren, och detta underlättas till stor del av den mjuka färgen på hans målningar, djupt genomtänkta och kommer från observation av liv, enkelhet och naturlighet i arrangemanget av föremål.

I stilleben av Chardin finns det inga strikta scheman utvecklade av den holländska skolan, monotoni i kompositionstekniker, valet av objekt, paletten av färger. .

I Ryssland, stilleben oberoende genre målning, dök upp i tidiga XVII I århundradet. Idén om honom var ursprungligen förknippad med bilden av jordens och havets gåvor, den mångfaldiga världen av saker som omger en person. Upp till sent XIXårhundradets stilleben, i motsats till porträttet och historisk bild, sågs som en "sämre" genre. Den existerade huvudsakligen som en pedagogisk produktion och var endast tillåten i begränsad mening som en målning av blommor och frukter.

Början av 1900-talet präglades av uppblomstringen av det ryska stillebenmåleriet, som för första gången fick jämställdhet bland andra genrer. Konstnärernas önskan att utöka bildspråkets möjligheter åtföljdes av aktiv sökning inom området färg, form, komposition. Allt detta är särskilt tydligt i stilleben. Berikad med nya teman, bilder och konstnärliga tekniker, ryska stilleben utvecklades ovanligt snabbt: på ett och ett halvt decennium går det från impressionism till abstrakt formskapande.

På 30-40-talet av 1900-talet avstannade denna utveckling, men sedan mitten av 50-talet har stillebenet upplevts sovjetisk målning ett nytt uppsving och från den tiden slutligen och bestämt stiger i nivå med andra genrer.

Inom bildkonsten kallas ett stilleben (från franskans natur morte - "död natur") vanligtvis bilden av livlösa föremål kombinerade till en enda sammansättningsgrupp. För många tyska eller engelsk version beteckningar stilleben och stilla leben ( lugnt liv). På nederländska låter beteckningen för denna genre som stilleven, det vill säga "tyst liv", enligt många konstnärer och konsthistorikers åsikt är detta det mest exakta uttrycket för genrens väsen, men sådan är styrkan i traditionen att ”stilleben” är ett välkänt och rotat namn. Ett stilleben kan både ha en självständig mening och vara integrerad del kompositioner genremåleri. Stilleben uttrycker människans förhållande till omvärlden. Det avslöjar förståelsen för det vackra, som är inneboende i konstnären som en man av sin tid.

Stilleben, som en självständig genre, uppstod i Flandern och Holland vid 1500- och 1600-talens skiftning och nådde snabbt enastående perfektion i överföringen av en mängd olika föremål. materiell värld. Processen att bli ett stilleben gick ungefär på samma sätt i många länder. Västeuropa. Men om vi tar konsthistorien tillsammans, så avser det första steget i utvecklingen av stilleben den paleolitiska perioden. Det finns två huvudtekniker som används av antika konstnärer: naturalism och ornamentalitet. Sedan börjar dessa två strömmar att konvergera mer och mer, och ett "halvmedvetet" stilleben dyker upp, en bild av enskilda delar av ett objekt. Ett äkta helt föremål kan bara hittas under bronsåldern. Detta andra steg i utvecklingen av stilleben får sin storhetstid i Egyptens konst. Objekt avbildas alltid isolerade från varandra. För första gången introduceras motivet av en blomma, temat snittväxter. Korrelation av proportioner visas i verk av egeisk konst. Föremål avbildas i tre fjärdedelar ordnade i grupper. Traditionerna för det egeiska måleriet fann sin fortsättning i grekisk kultur. Vi kan bedöma denna genre av konst efter vaserna. Föremål hänger inte längre i luften, utan har sina egna " verklig plats"i rymden: en sköld lutad mot ett träd, en mantel kastad över en gren - det så kallade "hängande" stillebenet. Också i skolscener ett "musikaliskt" stilleben skildras ofta. Ytterligare en typ av grekiskt stilleben kan urskiljas - "antik". Konstnärer skapar bilder av verkstäder: bitar av statyer, en såg, en hammare, skissplattor. Det är nästan omöjligt att hitta bilder av blommor och djur på grekiska vaser.

Inom medeltida konst, som ett resultat av fragmenteringen av kompositionen, uppdelningen av bildduken i säregna register, blir subjektet ett attribut och inte ett objekt i bilden. Ornament fortsätter också att spela en viktig roll, särskilt aktivt används i målade glasfönster i katolska katedraler. Den stränga, intensivt asketiska konsten i Bysans, som skapade odödliga, monumentalt-generaliserade, sublimt heroiska bilder, använde bilder av enskilda föremål med extraordinär uttrycksfullhet.

I forntida rysk ikonmålning spelade de få föremål som konstnären introducerade i sina strikt kanoniska verk också en viktig roll. De gav spontanitet, vitalitet, verkade ibland vara ett öppet uttryck för känslor i ett verk dedikerat till en abstrakt mytologisk handling.

Stilleben spelade en ännu större roll i målningarna av konstnärer från 1400- och 1500-talen under renässansen. Målaren som först ritade extra uppmärksamhet på världen omkring honom, försökte ange platsen, för att bestämma värdet av varje sak som tjänar en person. Husgeråd fick sin ägares ädla och stolta betydelse, den de tjänade. På stora dukar upptog stilleben vanligtvis en mycket blygsam plats: ett glaskärl med vatten, en elegant silvervas eller ömtåliga vita liljor på tunna stjälkar ofta hopkrupen i hörnet av bilden. Men i skildringen av dessa saker fanns det så mycket poetisk kärlek till naturen, deras betydelse är så starkt spiritualiserad att här kan du redan se alla de drag som senare bestämde självständig utveckling hela genren.

Föremål, ett materiellt element, fick en ny betydelse i målningarna på 1600-talet - i den utvecklade stillebensgenrens tid. I komplexa kompositioner med en litterär handling tog de sin plats tillsammans med andra hjältar i arbetet. Genom att analysera den här tidens verk kan man se vilken viktig roll stillebenet började spela i bilden. Saker och ting började dyka upp i dessa verk som det huvudsakliga tecken, som visar vad en konstnär kan åstadkomma genom att ägna sin skicklighet åt denna typ av konst.

Föremål gjorda av skickliga, flitiga, kloka händer bär avtryck av en persons tankar, önskningar och böjelser. De tjänar honom, gläder honom, inspirerar till en legitim känsla av stolthet. Inte konstigt att vi lär oss om epoker som länge har försvunnit från jordens yta från de skärvor av disk, husgeråd och rituella föremål som för arkeologer blir spridda sidor av mänsklighetens historia.

kikar in i världen, som med ett nyfiket sinne tränger in i dess lagar, avslöjar livets fascinerande mysterier, konstnären återspeglar det mer och mer fullständigt och multilateralt i sin konst. Han skildrar inte bara världen omkring sig, utan förmedlar också sin förståelse, sin inställning till verkligheten.

Historien om bildandet och utvecklingen av olika genrer av målning är ett levande bevis på outtröttligt arbete mänskligt medvetande strävar efter att omfatta den oändliga mångfalden av aktiviteter, att förstå det estetiskt. Genren stilleben var särskilt uttalad i holländsk målning proto-renässans. Det är fortfarande en del av interiören, men samtidigt skapar konstnärernas kärlek till detaljer fantastiska små stilleben: fat, ett arbetsbord, skor som står på golvet. Allt detta skildras med samma kärlek som människors och helgonfigurer. I Italien dyker stilleben upp ur landskapet. I framtiden får föremålet en slags självständig aktivitet, blir en deltagare i handlingen. Sedan proto-renässansen har den objektiva världen blivit mer och mer realistisk, ibland till och med nästan påtaglig. Det upphör att vara en bluff, men blir vardag. På 1500-talet började konstnärerna från den norra renässansen att exponera föremål, riva av deras omslag (till exempel huden från djur).

Stilleben är en relativt ung genre. Den fick självständig betydelse i Europa först på 1600-talet. Historien om stillebens utveckling är intressant och lärorik. Stillebenet blomstrade särskilt fullt och levande i Flandern och Nederländerna. Stilleben tar äntligen form som en självständig genre av måleri. Dess uppkomst är förknippad med dessa revolutionära historiska händelser, som ett resultat av vilka dessa länder, efter att ha fått självständighet, i början XVII-talet slagit in på den borgerliga utvecklingens väg. För Europa på den tiden var detta ett viktigt och progressivt fenomen. Nya horisonter öppnade sig inför konsten. Historiska förhållanden, ny public relations riktade och bestämda kreativa önskemål, förändringar i att lösa de problem som målaren står inför. utan att direkt avbilda historiska händelser, konstnärer tog en ny titt på världen, hittade nya värderingar hos människan. Livet dök rutinmässigt upp framför dem med hittills okänd betydelse och fyllighet. De lockades av det nationella livets egenheter, inhemsk natur, saker som behåller prägeln av arbete och dagar vanligt folk. Det var härifrån, ur ett medvetet, djupgående, väckt intresse för folklivet, som separata och självständiga genrer av vardagsmåleri, landskap föddes och stilleben uppstod.

Konsten att stilleben, som utvecklades på 1600-talet, bestämde huvudkvaliteterna för denna genre. Målning, tillägnad världen saker, talade om de grundläggande egenskaperna som är inneboende i föremål som omger en person, avslöjade konstnärens och samtidens inställning till det som avbildas, uttryckte karaktären och fullständigheten av kunskapen om verkligheten. Målaren förmedlade sakers materiella existens, deras volym, vikt, textur, färg, funktionella värde på hushållsartiklar, deras levande koppling till mänsklig aktivitet. Skönheten och perfektionen hos husgeråd bestämdes inte bara av deras nödvändighet, utan också av deras skapares skicklighet. Stilleben från den segerrika bourgeoisins revolutionära era återspeglade konstnärens respekt för nya former det nationella livet landsmän, respekt för arbete.

Formulerades på 1600-talet, genrens uppgifter i generellt funnits i Europaskolan fram till mitten av nittondeårhundrade. Detta betyder dock inte att konstnärerna inte satte sig nya uppgifter och mekaniskt upprepade färdiga lösningar.

Under epokerna förändrades inte bara metoderna och sätten att måla ett stilleben, utan konstnärlig erfarenhet ackumulerades, i bildningsprocessen utvecklades en mer komplex och ständigt berikande syn på världen.

död natur - en genre av konst, främst målning av staffli, tillägnad bilden av livlösa föremål: blommor, frukter, dött vilt, fisk, attribut för någon aktivitet.

Bra definition

Ofullständig definition ↓

FORTFARANDE LIV

franska nature morte - död natur), en av målargenrerna. Stilleben skildrar naturens gåvor (frukter, blommor, fiskar, vilt), såväl som saker gjorda av människohänder (servis, vaser, klockor, etc.). Ibland samsas livlösa föremål med levande varelser - insekter, fåglar, djur och människor.

Stilleben ingår i plotkompositioner, som redan finns i målning antika världen(väggmålningar i Pompeji). Det finns en legend att den antika grekiska konstnären Apelles avbildade druvor så skickligt att fåglarna trodde att han var en riktig och började picka. Som en självständig genre utvecklades stilleben på 1600-talet. och upplevde sedan sin ljusa storhetstid i de holländska, flamländska och spanska mästarnas verk.

I Holland fanns det flera varianter av stilleben. Konstnärerna målade "frukostar" och "efterrätter" på ett sådant sätt att det verkade som om en person var någonstans i närheten och snart skulle återvända. En pipa ryker på bordet, en servett är skrynklig, vin i ett glas är inte färdigt, en citron skärs, bröd är brutet (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Också populära var bilder av köksredskap, vaser med blommor och slutligen "Vanitas" ("fåfängas fåfänga"), stilleben på temat livets svaghet och dess kortsiktiga glädjeämnen, som uppmanar till att minnas sanna värden och ta hand om själens frälsning. Favoritattribut för "Vanitas" är en skalle och en klocka (J. van Strek. "Vanity of vanities"). Holländska stilleben, såväl som stilleben från 1600-talet i allmänhet, kännetecknas av närvaron av dolda filosofiska övertoner, komplex kristen eller kärlekssymbolik (citronen var en symbol för måttlighet, hunden var trohet, etc.) Samtidigt tiden återskapade konstnärer i stilleben med kärlek och entusiasm världens mångfald (spel av siden och sammet, tunga mattor, skimrande silver, saftiga bär och ädelt vin). Sammansättningen av stilleben är enkel och stabil, beroende av diagonalen eller formen av en pyramid. Den huvudsakliga "hjälten" är alltid markerad i den, till exempel ett glas, en kanna. Mästare bygger subtilt relationer mellan objekt, motstående eller omvänt matchande deras färg, form, ytstruktur. försiktigt urladdat de minsta detaljerna. Dessa målningar är små i storlek och är designade för närmare granskning, lång kontemplation och förståelse av deras dolda betydelse.

Flemingerna, tvärtom, målade stora, ibland enorma dukar avsedda att dekorera palatshallarna. De kännetecknas av en festlig flerfärg, ett överflöd av föremål och komplexiteten i kompositionen. Sådana stilleben kallades "butiker" (J. Feit, F. Snyders). De avbildade bord fyllda med vilt, skaldjur, bröd, och bredvid dem stod ägarna och bjöd på sina varor. Riklig mat, som om den inte passade på borden, hängde ner, föll ut direkt på publiken.

Spanska konstnärer föredrog att begränsa sig till en liten uppsättning föremål och arbetade på ett återhållsamt sätt. färgschema. Rätter, frukter eller skal i målningarna av F. Zurbaran och A. Pereda ställs lugnt på bordet. Deras former är enkla och ädla; de är noggrant gjutna med chiaroscuro, nästan påtagliga, kompositionen är strikt balanserad (F. Zurbaran. "Stilleben med apelsiner och citroner", 1633; A. Pereda. "Stilleben med en klocka").

På 1700-talet den franske mästaren J.-B. S. Chardin. Hans målningar, föreställande enkla, solida bruksföremål (skålar, en kopparkruka), grönsaker, enkel mat, är fyllda av livsfed, värms upp av härdens poesi och bekräftar skönheten i vardagen. Chardin målade också allegoriska stilleben (Still Life with Attributes of the Arts, 1766).

I Ryssland dök de första stillebenen upp på 1700-talet. i dekorativa målningar på väggarna i palats och "dummy" målningar, där föremål återgavs så noggrant att de verkade verkliga (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). På 1800-talet tricktraditioner har tänkts om. Stillebenet upplever ett uppsving under första halvlek. 1800-talet i verk av F. P. Tolstoy, som omarbetade traditionerna för "trick" ("Bär av röda och vita vinbär", 1818), konstnärer från den venetianska skolan och I. T. Khrutsky. I vardagliga föremål sökte konstnärer se skönhet och perfektion.

En ny storhetstid för genren kommer i slutet. 19 - tigg. 1900-talet, när stilleben blir ett laboratorium för kreativa experiment, ett sätt att uttrycka konstnärens individualitet. stilleben tar betydelsefull plats i postimpressionisternas arbete - W. Van Gogh, P. Gauguin och framför allt P. Cezanne. Kompositionens monumentalitet, snåla linjer, elementära, stela former i Cezannes målningar är utformade för att avslöja strukturen, grunden för saken och påminna om världsordningens orubbliga lagar. Konstnären skulpterar formen med färg och framhäver dess materialitet. Samtidigt ger svårfångade färgspel, särskilt kallt blått, hans stilleben en känsla av luft och rymd. Linjen av Cezanne stilleben fortsatte i Ryssland av mästarna av "Jack of Diamonds" (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky och andra), och kombinerade den med de ryska traditionerna folkkonst. Konstnärerna i "Blue Rose" (N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) skapade nostalgiska kompositioner i antik stil. Stilleben av K. S. Petrov-Vodkin är genomsyrade av filosofiska generaliseringar. På 1900-talet P. Picasso, A. Matisse, D. Morandi löste sina kreativa uppgifter inom stillebengenren. I Ryssland var de största mästarna i denna genre M. S. Saryan, P. V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov och andra.

Bra definition

Ofullständig definition ↓

Instruktion

Stilleben som genre stack inte ut direkt, under en lång tid målningar som föreställer blommor och husgeråd användes som ett inramningstillägg till andra dukar, samt dekoration på möbeldörrar. De första självständiga målningarna dök upp runt 1600-talet. Sedan började bilderna av föremål användas som allegorier, och varje föremål hade ytterligare en symbolisk betydelse. Senare blev stilleben populär bland artister, men ansågs vara en underlägsen genre.

Det finns flera typer av stilleben, en av de tidigaste och vanligaste är blomsterstilleben, den näst populäraste är stilleben på det serverade bordet. Det symboliska stillebenet fortsätter att existera. en annan syn som har dykt upp relativt nyligen är ett abstrakt stilleben, i denna stil skildras inte objekt realistiskt, formerna är skissartade och färgerna saknar mjuka övergångar.

Om du är förtjust i att teckna har du säkert gjort en hel del teckningar och målningar i denna genre. För att rita ett stilleben behöver du inte lägga tid och ansträngning på att leta efter intressanta objekt att rita, du kan alltid rita bra komposition saker som alltid finns till hands. Använd draperi som bakgrund, en liten bit tyg är bra. Ordna föremålen så att du får flera planer, kom ihåg att föremålen stor storlek ska vara i bakgrunden och vara de som är mindre. Lägg till en extra sidofärgkälla, detta kommer att lägga till volym till objekten. Regelbundna övningar med sådana produktioner gör att du kan finslipa dina ritfärdigheter.

Relaterade videoklipp

Källor:

• Komposition i stilleben
• Vad är stilleben

Bra fortfarande liv föds långt innan man plockar upp färg och pensel. Framgång beror på hur du väljer objekten du ska rita och hur du arrangerar dem i rymden.

Instruktion

Tänk på ett stilleben-tema. Naturligtvis kan du lägga alla föremål på bordet på en gång, men komponenterna förenade av en berättelse, gissade av ägarens personlighet, eller åtminstone stilistiskt, kommer att se mycket mer logiska ut.

Sortera alla komponenter efter form. Det är önskvärt att det är varierat - hitta föremål högt och lågt, brett och smalt. Annars kommer monotonin av former i bilden att leda till att allt kommer att blandas till en massa och föremålen kommer helt enkelt att "falla ut" ur synfältet.

Se till att den inte består av produkter och saker som inte stämmer överens i färg. Om du tycker att det är svårt att avgöra detta med ögat, använd färghjulet. Skriv in en liksidig triangel i den. Dess vinklar kommer att indikera tre primära färger som går bra med varandra. Som ytterligare färger kan du ta nyanser som finns på sidorna av de viktigaste.

Välj rätt bakgrund. Du kan lägga ut ett stilleben på ett draperi eller en oövertäckt yta. Det är viktigt att det är neutralt i färgen (om nyanserna av föremål är mättade) eller kombineras med hela kompositionen. Bakgrunden ska i alla fall inte ta lejonparten av tittarens uppmärksamhet.

I en varm sommar på landet eller i en utdragen snöstorm. Från bekvämligheten av ditt hem kan du hitta inspiration i vanliga frukter eller ovanliga blommor. Motivet försöker inte vända på huvudet, som i ett porträtt, och ändrar inte skuggor till ljus varje sekund, som i ett landskap. Det är det som gör stillebengenren så bra. Och "död natur" på franska, eller "quiet life of things" i den holländska versionen, livar verkligen upp interiören. Natalia Letnikova presenterar de 7 bästa stillebenen av ryska artister.

"Skogsvioler och förgätmigej"

Skogsvioler och förgätmigej

Målningen av Isaac Levitan är som en blå himmel och ett vitt moln - från den ryska naturens sångare. Endast på duken finns inte inhemska öppna ytor, utan en bukett vilda blommor. Maskrosor, syrener, blåklint, immortelle, ormbunkar och azalea... Efter skogen förvandlades konstnärens verkstad till "antingen ett växthus eller en blomsteraffär". Levitan älskade blomsterstilleben och lärde sina elever att se både färg och blomställningar: "Det är nödvändigt att de luktar inte av färg, utan av blommor."

"Äpplen och löv"

äpplen och löv

Verken av Ilya Repin startade organiskt den lysande miljön på det ryska museet. Den ambulerande konstnären komponerade en komposition för sin elev - Valentin Serov. Det blev så pittoreskt att läraren själv tog upp penseln. Sex äpplen från en vanlig trädgård - rynkiga och med "fat", och en hög med löv, täckta höstens färger, som en inspirationskälla.

"Blombukett. Phloxes»

Blombukett. Phloxes

Målning av Ivan Kramskoy. "En begåvad person kommer inte att slösa tid på att avbilda till exempel bassänger, fiskar etc. Det är bra för människor som redan har allt, och vi har mycket arbete att göra", skrev Kramskoy till Vasnetsov. Och ändå genren stilleben vid livets slut berömd porträttmålare gick inte förbi uppmärksamheten. En bukett floxer i en glasvas presenterades på XII:s vandringsutställning. Tavlan köptes innan vernissageöppningen.

"Fortfarande liv"

Fortfarande liv

Kazimir Malevich på väg till "Svarta torget" genom impressionism och kubism, förbi realism. En vas med frukt är frukten av kreativ forskning, även inom ramen för en bild: tjocka svarta linjer av den franska cloisonné-tekniken, platta fat och voluminösa frukter. Alla komponenter i bilden förenas endast av färg. Utmärkande för konstnären - ljus och mättad. Som en utmaning till pastellfärger verkliga livet.

"Sill och citron"

Sill och citron

Fyra barn och målning. Denna kombination i artistens liv dikterar omisskännligt genren. Så hände det med Zinaida Serebryakova. Talrik familjeporträtt och stilleben, enligt vilken du kan göra en meny: "Fruktkorg", "Sparris och jordgubbar", "Druvor", "Fisk på gröna" ... I händerna på en riktig mästare kommer "sill och citron" bli ett konstverk. Poesi och enkelhet: ett spiralformigt citronskal och en fisk utan krusiduller.

"Stilleben med en samovar"

Stilleben med en samovar

En elev av Serov, Korovin och Vasnetsov, "Jack of Diamonds" - Ilya Mashkov gillade att skildra världen omkring honom, men ljusare. Porslinsfigurer och begonior, pumpor... Kött, vilt - i de gamla mästarnas anda, och Moskvabröd - skisser från huvudstadens Smolensk-marknad. Och enligt rysk tradition - där utan en samovar. Ett stilleben från festlivets rike med frukter och ljusa rätter kompletteras med en dödskalle - en påminnelse om livets svaghet.

"Etud med medaljer"

Studera med medaljer

Stilleben i sovjetisk stil. Konstnären från 1900-talet Anatoly Nikich-Krilichevsky på en bild visade hela livet för den första sovjetiska världsmästaren i skridskoåkning - Maria Isakova. Med koppar, var och en - år av träning; medaljer som delades ut i en bitter kamp; bokstäver och enorma buketter. Vacker bild för artisten och en konstnärlig krönika om idrottsframgångar. Stillebenshistoria.