Beethoven och andra tyska kompositörer. Musikkulturen i Tyskland under andra hälften av 1800-talet Motsättningar i utvecklingen av tysk musik

Max Bruchs symfonier är inte lika populära som hans violinkonserter eller Scottish Fantasy och framförs sällan. Harmony regerar dock i dem, och väcker i lyssnarens själ strävan efter visdom och styrka, stärker andan och hjälper till att hantera alla svårigheter. Anmärkningsvärda inspelningar av Bruchs verk, förutom de viktigaste konsertstyckena, inkluderar en uppsättning av tre av hans sällan framförda symfonier; projekt utfört av kapellmästaren Kurt Masur. En av dessa inspelningar kommer att låta nu - Ett mycket vackert Adagio från den tredje symfonin i E-dur

Gewandhausorchester Leipzig

Kurt Masur, dirigent

Musik är ljudens konst och varje ljud i den har sin egen beteckning. Note (lat. nōta - "tecken", "märke") i musik är en grafisk beteckning på ljudet av ett musikaliskt verk, en av huvudsymbolerna för modern musikalisk notation. Variationer i…

Namnet på Max Bruch (1838-1920) är inte lika högt i musikvärlden som namnen på Mendelssohn och Brahms. Men hans violinkonsert nr 1 i g-moll, op. 26, intar en värdig plats i den stores stamtavla romantiska mästerverk. Max Bruch föddes samma år som Mendelssohn gjorde de första utkasten till sin violinkonsert i e-moll. Bruchkonserten hade uruppförande tio år efter Schumanns död. Ett decennium senare fanns det berömd konsert för violin och orkester av Brahms. Det finns dock en till stor musiker, vars konst förenade de namngivna violinkonserterna till en tradition som varit oavbruten i ett sekel. Hans namn var Joseph Joachim. På titelsida partituret till Bruchs violinkonsert är tillägnat: Josef Joachim som ett tecken på vänskap.

Skisserna till konserten i g-moll kan gå tillbaka till 1857, då 19-årige Bruch tog examen från konservatoriet i Köln, där Ferdinand Hiller och Carl Reinecke var hans lärare. Redan som 20-åring undervisade Bruch i musikteoretiska ämnen på konservatoriet. En efter en uruppförs hans operor, oratorier, symfonier, instrumentala konserter, kammarensembler, sångcykler... Bruchs körer är särskilt populära i Tyskland. Han dirigerar operaföreställningar och symfonikonserter i olika städer i Tyskland och utomlands. Bland eleverna i Max Bruch finns representanter för nationella tonsättarskolor, sådana framstående mästare under 1900-talet som italienaren Ottorino Respighi, engelsmannen Ralph Vaughan Williams.

Max Bruch

Johann Philipp Kirnberger (tyska Johann Philipp Kirnberger; döpt 24 april 1721, Saalfeld - 27 juli 1783, Berlin) - tysk musikteoretiker, kompositör, violinist, lärare.

Enligt F. W. Marpurg studerade Kirnberger 1739-41 i Leipzig hos J. S. Bach, som han ansåg vara den största tyska kompositören. 1741 - 50 tjänstgjorde han som musiklärare och kapellmästare i polska aristokratiska familjer, var kapellmästare kloster i Lviv. Sedan 1754 har Kirnberger, en violinist och kapellmästare vid hovkapellet i Berlin, undervisat i komposition åt Anna Amalia av Preussen, den yngre systern till kung Fredrik den Store av Preussen.
Kirnberger sökte publicering av Bachs körarrangemang, om vilka han skrev i ett brev till Leipzig-förlaget Breitkopf:

När det gäller de mer än 400 Bach-koraler som C. F. E. Bach samlade och många av dem transkriberades av hans egen hand, är det oerhört viktigt för mig att dessa koraler, som nu står till mitt förfogande, bevaras för framtida musiker, kompositörer och musik. kännare .

Kirnberger köpte koralmanuskripten av C. F. E. Bach. För att främja publiceringen gav Kirnberger dessa manuskript gratis till Breitkopfs förlag (som förblev deras ägare efter Kirnbergers död).

Den mest framstående representanten för fiolspel i Tyskland under första hälften av 1800-talet var den berömda Ludwig Spohr.

Son till en läkare som bodde i Braunschweig, Spohr placerades från en mycket tidig ålder under extremt gynnsamma förhållanden för utvecklingen av hans musikalisk talang. Spohrs pappa spelade flöjt (!), och hans mamma var sångerska och en ganska bra pianist. Pojken lyssnade med särskilt nöje på hemmamusik och blev mycket glad när de köpte en liten fiol till honom: han kunde spela sånger och romanser som sjöngs av sin mamma på gehör. Pojkens talanger uppmärksammades av en fransk emigrant, Dufour, som bodde i staden dit även Spohrs föräldrar flyttade från Braunschweig. Dufour, som själv spelade ganska bra på violin och cello, ledde Spohrs studier och han började skriva egna kompositioner (de säger att Spohrs violinduetter går tillbaka till denna tid).

Detta följdes av år av studier, arbete som solist i kapellet till hertigen av Brunswick, rundturer i europeiska städer. Till exempel råkade Spohr i Danmark prata med en dam som var en stor beundrare av hans talang. Hon bad mig berätta några detaljer från hans tidigare liv och frågade slentrianmässigt om inte Spohr skulle ha gjort det bättre genom att ta upp sin fars yrke. Spur svarade så här:

Christian Cannabich (tyska: Christian Cannabich; 28 december 1731 - 20 januari 1798, Frankfurt am Main) - tysk kapellmästare, violinist och kompositör, representant för Mannheimskolan.

Elev av J. Stamitz, N. Jommelli (komposition). Han arbetade i Mannheims och Münchens orkestrar. Violinist vid Hofkapellet i Mannheim (sedan 1774 dess chef). Från 1778 bodde han i München. Efter J. Stamitz död erkändes han som chef för Mannheimskolan. Vännen V.A. Mozart. Cannabih tillämpade nya principer för orkestrering baserade på jämn fördelning av tematiskt material bland alla orkestergrupper, en av de första att introducera symfoni orkester klarinetter. Den ledande genren för kreativitet är symfonin. Författare till ett 90-tal symfonier, 40 operor och baletter, konserter för violin och orkester, kammar- och instrumentalensembler. Mozart talar i sina brev med beröm om Cannabihs talang. Hur det än må vara, Mozart beskriver honom som den bästa musikdirektör han någonsin sett.

Carl Orff (Carl Orff; Carl Heinrich Maria Orff, 10 juli 1895, München – 29 mars 1982, München) är en tysk kompositör och lärare, mest känd för kantaten Carmina Burana (1937). Som en stor kompositör på 1900-talet gjorde han också en stor insats i utvecklingen musikutbildning.

Karl Orffs far, en officer, spelade piano och flera stränginstrument. Hans mamma var också en bra pianist. Det var hon som upptäckte sin sons talang för musik och började träna.

Orff lärde sig spela piano vid 5 års ålder. Redan som nioåring skrev han långa och korta musikstycken till sin egen dockteater.

1912-1914 studerade Orff vid Musikhögskolan i München. 1914 fortsatte han sina studier hos Herman Zilcher. 1916 arbetade han som kapellmästare vid Münchens kammarteater. 1917, under första världskriget, gick Orff till frivillig tjänst i armén i det första bayerska fältartilleriregementet. 1918 inbjöds han till posten som kapellmästare i Nationalteatern Mannheim under ledning av Wilhelm Furtwängler, och sedan började han arbeta på Palace Theatre i Storhertigdömet Darmstadt.

1923 träffade han Dorothea Günther och skapade 1924 tillsammans med henne Günther-Schule-skolan för gymnastik, musik och dans (tyska: Günther-Schule) i München. Från 1925 till slutet av sitt liv var Orff avdelningschef vid denna skola, där han arbetade med unga musiker. Med ständig kontakt med barn utvecklade han sin teori om musikundervisning.

Carl (Heinrich Carsten) Reinecke(Tysk Carl (Heinrich Carsten) Reinecke ; 23 juni1824, Altona, nu en del av Hamburg - 10 mars 1910, Leipzig) - tysk kompositör, dirigent och pianist.

Från sex års ålder studerade han musik med sin far, Johann Rudolf Reinecke. I 1835 gjorde sin debut i sin hemstad som pianist, turnerade sedan i Europa, där han blev berömd som en "graciös artist av verk Mozart ". De unga männens musikaliska idoler var Clara Wieck och Franz Lista; på grund av Reineckes skygga natur var han illa lämpad för rollen som turnerande virtuos pianist.

MED 1843 till 1846 tack vare ett stipendium från kung Christian VIII av Danmark studerade han vid Leipzigs konservatorium i piano och komposition. Felix Mendelssohn, som vid den tiden var kapellmästare för Gewandhaus, organiserade offentliga uppträdanden för honom. Under samma period träffade Reinecke Robert Schumann. Reinecke var starkt influerad av Mendelssohns och Schumanns verk, som hade stort inflytande på hans egna kompositioner.

Hur skulle vårt liv se ut utan musik? I åratal har människor ställt sig denna fråga och kommit till slutsatsen att utan musikens vackra ljud skulle världen vara en helt annan plats. Musik hjälper oss att uppleva glädje mer fullständigt, att hitta vårt inre och att hantera svårigheter. Kompositörer, som arbetade med sina verk, inspirerades av en mängd olika saker: kärlek, natur, krig, lycka, sorg och många andra. Några av de som de skapade musikaliska kompositioner kommer för alltid att finnas kvar i människors hjärtan och minne. Här är en lista över de tio största och mest begåvade kompositörerna genom tiderna. Under var och en av kompositörerna hittar du en länk till ett av hans mest kända verk.

10 BILDER (VIDEO)

Franz Peter Schubert - österrikisk kompositör, som bara levde i 32 år, men hans musik kommer att leva vidare under mycket lång tid. Schubert skrev nio symfonier, cirka 600 sångkompositioner, samt ett stort antal kammar- och solopianomusik.

"Aftonserenad"

Tysk kompositör och pianist, författare till två serenader, fyra symfonier och konserter för violin, piano och cello. Han uppträdde på konserter från tio års ålder, först med solokonsert vid 14 år. Under sin livstid blev han populär främst tack vare de valser och ungerska danser han skrev.

"Ungersk dans nr 5".

Georg Friedrich Handel - tyska och engelsk kompositör Barocktiden skrev han ett 40-tal operor, många orgelkonserter, samt kammarmusik. Händels musik har spelats vid kröningen av engelska kungar sedan 973, den hörs även vid kungliga bröllopsceremonier och används till och med som hymn för UEFA Champions League (med lite arrangemang).

"Musik på vattnet"

Joseph Haydn- en berömd och produktiv österrikisk kompositör från den klassiska eran, han kallas fadern till symfonin, eftersom han gjorde ett betydande bidrag till utvecklingen av denna musikalisk genre. Joseph Haydn är författare till 104 symfonier, 50 pianosonater, 24 operor och 36 konserter

"Symfoni nr 45".

Pjotr ​​Iljitsj Tjajkovskij är den mest kända ryska kompositören, författare till mer än 80 verk, inklusive 10 operor, 3 baletter och 7 symfonier. Han var mycket populär och känd som tonsättare under sin livstid, uppträdde i Ryssland och utomlands som dirigent.

"Blommornas vals" från baletten "Nötknäpparen".

Frederic Francois Chopin är en polsk kompositör som också anses vara en av de bästa pianister av alla tider. Han skrev mycket musikaliska verk för piano, inklusive 3 sonater och 17 valser.

"Regnvals".

Den venetianske kompositören och virtuosen violinisten Antonio Lucio Vivaldi är författare till mer än 500 konserter och 90 operor. Han hade ett stort inflytande på utvecklingen av italiensk och världsfiolkonst.

"Elven Song"

Wolfgang Amadeus Mozart är en österrikisk kompositör som förvånade världen med sin talang med tidig barndom. Redan vid fem års ålder höll Mozart på att komponera små stycken. Totalt skrev han 626 verk, inklusive 50 symfonier och 55 konserter. 9.Beethoven 10.Bach

Johann Sebastian Bach - tysk kompositör och organist från barocktiden, känd som en mästare på polyfoni. Han är författare till mer än 1000 verk, som omfattar nästan alla betydelsefulla genrer från den tiden.

"Musikaliskt skämt"

Hans Leo Hassler(döpt 1564-10-26 - 1612-08-06) - Tysk kompositör och organist från sen renässans och tidig barock. En av de mest betydelsefulla kompositörerna som utvecklade den italienska stilen i Tyskland i början av 1600-talet.

Johann Heinrich Scheidemann(cirka 1595 - 26 september 1663) - tysk organist och kompositör från barocktiden. En av ledarna för den nordtyska orgelskolan. En viktig föregångare till Dietrich Buxtehude och J.S. Bach.

Heinrich Schutz(1585-10-08 - 1672-11-06) - barockens store tyske kompositör och organist. Anses i paritet med Claudio Monteverdi och Johann Sebastian Bach. Han kombinerade den venetianska antifonala och monodiska tekniken med protestantisk musik och skapade också den första tyska operan.

Hieronymus Praetorius(1560-08-10 - 1629-01-27) - Nordtysk kompositör och organist sen renässans och tidig barock. Namnebror till den mer kända kompositören Michael Pretorius, även om det fanns många i Jerome Pretorius familj framstående musiker 1500-1600-talen

Johann Adam Reincken(döpt 10 december 1643 - 24 november 1722) - holländsk-tysk kompositör och organist från barocken. En av de framstående företrädarna för den nordtyska skolan, en vän till Dietrich Buxtehude, hade stort inflytande på den unge Johann Sebastian Bach.

Johann Hermann Schein (Schein) (Johann Hermann Schein)(1586-01-20 - 1630-11-19) - Tysk kompositör och poet från tidig barock. Han var bland de första att utveckla den innovativa italienska stilen i tysk musik. Han ansågs vara en raffinerad och elegant kompositör av sin tid.

Johannes Nucius (Nux, Nucis))(ca 1556 - 1620-03-25) - Tysk kompositör och musikteoretiker från sen renässans och tidig barock. Att vara långt ifrån stora centra musikalisk verksamhet var han en utsökt kompositör i stil med den fransk-flamländska kompositören Orlando di Lasso. Sammanställd en mycket inflytelserik avhandling om den retoriska tillämpningen av kompositionstekniker.

Johann Ulrich Steigleder(22 mars 1593 - 10 oktober 1635) - Sydtysk kompositör och organist från barocktiden. Den mest kända medlemmen av musikfamiljen Steigleder från Stuttgart, som inkluderar hans far Adam (1561-1633) och farfar Utz (d. 1581), som var hovmusiker och diplomat.

Johann Jakob Froberger(döpt 19 maj 1616 - 7 maj 1667.) - Tysk barockkompositör, virtuos cembalist och organist. En av tidens mest kända kompositörer, han gjorde ett stort bidrag till utvecklingen av klaverrepertoaren och skapade de första exemplen på programmusik. Tack vare många resor gjorde han ett stort bidrag till utbytet musikaliska traditioner Tyskland, Italien och Frankrike. Hans verk studerades av musiker på 1700-talet, inklusive kompositörer som Händel och Bach, och till och med Mozart och Beethoven.

Richard Wagner hade en betydande inverkan på utvecklingen av inte bara den europeiska traditionens musik utan även världen konstnärlig kultur allmänt. Wagner fick ingen systematisk musikalisk utbildning, och i sin utveckling som musikmästare är han avgörande skyldig sig själv. Jämförelsevis tidigt blev kompositörens intressen, helt inriktad på operagenren, uppenbara.

I mycket större utsträckning än alla europeiska tonsättare 1800-talet betraktade Wagner sin konst som en syntes och som ett sätt att uttrycka ett visst filosofiskt koncept. Dess väsen sätts i form av en aforism i följande avsnitt från Wagners artikel " Konstverk av framtiden": "Precis som en person inte kommer att vara fri förrän han med glädje accepterar de band som förbinder honom med naturen, så kommer konsten inte att bli fri förrän han inte har någon anledning att skämmas för sin koppling till livet." Från detta koncept härrör två grundläggande idéer: konst måste skapas av en gemenskap av människor och tillhöra denna gemenskap; den högsta konstformen är musikdramatik, uppfattad som en organisk enhet av ord och ljud. Bayreuth blev förkroppsligandet av den första idén, där Opera teater för första gången började tolkas som ett konsttempel, och inte som en underhållningsinstitution; förkroppsligandet av den andra idén är den nya operaformen "musikdrama" skapad av Wagner. Det var hennes skapande som blev målet kreativt liv Wagner. Några av dess element förkroppsligades i tidiga operor kompositör från 1840-talet - "Den flygande holländaren", "Tannhäuser" och "Lohengrin".

Teorin om musikdramatik förkroppsligades mest i Wagners schweiziska artiklar ("Opera och drama", "Konst och revolution", "Musik och drama", "Framtidens konstverk"), och i praktiken - i hans senare operor: " Tristan och Isolde ", tetralogin "Nibelungens ring" och mysteriet "Parsifal". Enligt Wagner är ett musikdrama ett verk där den romantiska idén om konstens syntes (musik och drama) förverkligas, ett uttryck för programmaticitet i opera. För att genomföra denna plan övergav Wagner de traditioner av operaformer som fanns på den tiden - främst italienska och franska. Han kritiserade den första för överdrifter, den andra för pompa och ståt. Med rasande kritik attackerade han verken av de ledande företrädarna för klassisk opera (Rossini, Meyerbeer, Verdi, Aubert), och kallade deras musik "kanderad tristess". I ett försök att föra operan närmare livet, kom han på idén om en genomgående dramatisk utveckling - från början till slut, inte bara av en akt, utan av hela verket och till och med en cykel av verk (alla fyra operor av cykeln Der Ring des Nibelungen).

I klassisk opera Verdi och Rossini separata nummer (arior, duetter, ensembler med körer) delar upp en enda musiksats i fragment. Wagner övergav dem helt till förmån för stora vokala och symfoniska scener som flödade över i varandra, och ersatte arior och duetter med dramatiska monologer och dialoger. Wagner ersatte uvertyrer med preludier - korta musikaliska introduktioner till varje akt, på en semantisk nivå, oupplösligt förbunden med handlingen. Dessutom, från och med operan Lohengrin, framfördes dessa preludier inte innan ridåns öppnande, utan redan med scenen öppen. Yttre handling i de sena Wagner-operorna (särskilt i Tristan och Isolde) reduceras till ett minimum, den förs över till den psykologiska sidan, till karaktärernas känslor. Wagner ansåg att ordet inte är kapabelt att uttrycka det fulla djupet och innebörden av inre upplevelser, därför är det orkestern, och inte vokaldelen, som spelar huvudrollen i musikdramat. Den senare är helt underordnad orkestrering och betraktas av Wagner som ett av instrumenten i en symfoniorkester. Samtidigt är vokaldelen i ett musikdrama motsvarigheten till ett teaterdramatiskt tal. Det finns nästan ingen låt, arioznost i den. I samband med sångens särdrag i Wagners operamusik (exceptionell längd, obligatoriskt krav på dramatisk skicklighet, skoningslöst utnyttjande av de extrema registren av röstens tessitura) har nya stereotyper etablerats i soloframförandepraktiken. sångröster- Wagner-tenor, Wagner-sopran.

Wagner fäste exceptionell vikt vid orkestrering och, mer allmänt, vid symfoni. Wagners orkester jämförs med en uråldrig kör som kommenterade det som hände och förmedlade en "dold" mening. Genom att reformera orkestern skapade kompositören en tubakvartett, introducerade en bastuba, en kontrabastrombon, utökade stränggrupp, använde sex harpor. I hela operans historia före Wagner använde ingen kompositör en orkester av denna storleksordning (t.ex. Der Ring des Nibelungen framförs av en fyrdubblad orkester med åtta horn). Wagners innovation inom området harmoni är också allmänt erkänd. Tonaliteten som ärvts av honom från wienklassikerna och tidiga romantikerna, utökade han kraftigt genom att intensifiera kromatismen och modala förändringar. Efter att ha försvagat (enkelt för klassikerna) det unika i sambanden mellan centrum (tonika) och periferin, medvetet undvikit den direkta upplösningen av dissonans till konsonans, gav han spänning, dynamik och kontinuitet till moduleringsutvecklingen. telefonkort Wagnersk harmoni anses vara "Tristan-ackord" (från förspelet till operan "Tristan och Isolde") och ödets ledmotiv från "Nibelungernas ring". Wagner introducerade ett utvecklat system med ledmotiv. Varje sådant ledmotiv (kort musikalisk karaktäristik) är en beteckning på något: en specifik karaktär eller levande varelse (till exempel ledmotivet för Rhen i Rhenguldet), föremål som ofta fungerar som karaktärsfigurer (ringen, svärdet och guldet i ringen, en kärleksdryck i Tristan och Isolde), handlingsscener (gralens ledmotiv i Lohengrin och Valhalla i Rhenguldet) och till och med en abstrakt idé (många ledmotiv om ödet och ödet i Nibelungs ringcykel, tröghet, en kärleksfull blick hos Tristan och Isolde).

Det Wagnerska ledmotivssystemet utvecklades mest fullt ut i Ringen - ackumuleras från opera till opera, flätas samman med varandra, varje gång de får nya utvecklingsmöjligheter, alla ledmotiven i denna cykel som ett resultat kombineras och samverkar i den komplexa musikaliska strukturen i sista operan The Death of the Gods. Genom att förstå musiken som personifieringen av kontinuerlig rörelse ledde utvecklingen av känslor Wagner till idén att slå samman dessa ledmotiv till en enda ström av symfonisk utveckling, till en "ändlös melodi" (unendliche Melodie). Frånvaron av ett toniskt stöd (genom hela operan Tristan und Isolde), ofullständigheten i varje tema (genom hela Der Ring des Nibelungen-cykeln, med undantag för den klimatiska begravningsmarschen i operan The Death of the Gods) bidrar till att en kontinuerlig uppbyggnad av känslor som inte får upplösning, vilket gör det möjligt att hålla lyssnaren i ständig spänning (som i förspelen till operorna Tristan och Isolde och Lohengrin). A. F. Losev definierar den filosofiska och estetiska grunden för Wagners verk som "mystisk symbolism".

Nyckeln till att förstå Wagners ontologiska begrepp är tetralogin "Nibelungens ring" och operan "Tristan och Isolde". För det första förkroppsligades Wagners dröm om musikalisk universalism fullt ut i Ringen. "I Ringen förkroppsligades denna teori genom användningen av ledmotiv, när varje idé och varje poetisk bild omedelbart organiseras specifikt med hjälp av ett musikaliskt motiv", skriver Losev. Dessutom återspeglade "ringen" till fullo passionen för Schopenhauers idéer. Man måste dock komma ihåg att bekantskapen med dem skedde när texten till tetralogin var klar och arbetet började med musiken. Liksom Schopenhauer känner Wagner universums ogynnsamma och till och med meningslösa grund. Den enda meningen med tillvaron tros vara att avsäga sig denna universella vilja och, att kasta sig ner i avgrunden av rent intellekt och passivitet, att finna sann estetisk njutning i musik. Wagner anser dock, till skillnad från Schopenhauer, att det är möjligt och till och med förutbestämt en värld där människor inte längre kommer att leva i namnet av den ständiga jakten på guld, som i Wagnersk mytologi symboliserar världens vilja. Ingenting är säkert känt om denna värld, men det råder ingen tvekan om dess kommande efter den globala katastrofen. Temat för den globala katastrofen är mycket viktigt för "ringens" ontologi och är uppenbarligen en ny omtanke av revolutionen, som inte längre förstås som en förändring i det sociala systemet, utan som en kosmologisk handling som förändrar universums själva väsen.

När det gäller Tristan och Isolde påverkades idéerna i den avsevärt av en kort fascination för buddhismen och samtidigt dramatisk berättelse kärlek till Mathilde Wesendonck. Det är här Wagners länge eftersträvade sammansmältning av den splittrade mänskliga naturen äger rum. Detta samband inträffar med Tristan och Isoldes avgång i glömska. Tänkt som en fullständigt buddhistisk sammansmältning med den eviga och oförgängliga världen, löser den, enligt Losev, motsättningen mellan subjektet och objektet på vilket europeisk kultur. Det viktigaste är temat kärlek och död, som för Wagner är oupplösligt sammanlänkade. Kärlek är inneboende i en person, som helt underordnar honom sig själv, precis som döden är det oundvikliga slutet på hans liv. Det är i denna mening som Wagners kärleksdryck ska förstås. "Frihet, lycka, nöje, död och fatalistisk förutbestämning - det här är vad en kärleksdryck är, så briljant avbildad av Wagner", skriver Losev. Wagners operareform hade en betydande inverkan på europeisk och rysk musik, och markerade det högsta stadiet av musikromantik och lade samtidigt grunden för framtida modernistiska rörelser. Direkt eller indirekt assimilering av Wagners operaestetik (särskilt nyskapande "genom" musikalisk dramaturgi) markerade en betydande del av efterföljande operaverk. Användningen av ledmotivsystemet i operor efter Wagner blev trivialt och allmängiltigt. Inte mindre betydande var effekten av innovativa musikaliskt språk Wagner, särskilt hans harmoni, där kompositören reviderade tonalitetens "gamla" (tidigare ansett orubbliga) kanoner.

Bland ryska musiker var Wagners vän A. N. Serov en expert och propagandist. N. A. Rimsky-Korsakov, som offentligt kritiserade Wagner, upplevde ändå (särskilt i senare arbete) Wagners inflytande inom harmoni, orkesterskrivning och musikdramaturgi. Värdefulla artiklar om Wagner lämnades av en stor ryss musikkritiker G.A. Larosh. I allmänhet känns "Wagnerian" mer direkt i verk av "pro-västerländska" kompositörer. Ryssland XIXårhundradet (till exempel A. G. Rubinshtein) än representanter för den nationella skolan. Wagners inflytande (musikaliskt och estetiskt) noteras i Ryssland under de första decennierna av 1900-talet, i verk av A. N. Skrjabin. I väster, den så kallade Weimarskolan (självnamn - Ny tysk skola), som utvecklades kring F. Liszt i Weimar. Dess företrädare (P. Cornelius, G. von Bülow, I. Raff m.fl.) stödde Wagner, främst i hans önskan att utöka omfattningen musikalisk uttrycksfullhet(harmoni, orkesterskrift, operadramaturgi).

Bland västerländska kompositörer influerade av Wagner finns Anton Bruckner, Hugo Wolf, Claude Debussy, Gustav Mahler, Richard Strauss, Bela Bartok, Karol Szymanowski, Arnold Schoenberg (i tidigt arbete). Reaktionen på kulten av Wagner var den "anti-wagneriska" tendensen som motsatte sig honom, stora företrädare som var kompositören Johannes Brahms och musikalisk estetik E. Hanslik, som försvarade musikens immanens och självförsörjning, dess obundenhet med yttre, icke-musikaliska "irriterande ämnen"

I Ryssland är anti-Wagnerianska känslor karakteristiska för den nationella flygeln av kompositörer, främst M. P. Mussorgsky och A. P. Borodin. Attityden till Wagner bland icke-musiker (som inte utvärderade så mycket Wagners musik som hans motsägelsefulla uttalanden och hans "estetiserande" publikationer) är tvetydig. Till exempel skrev Friedrich Nietzsche i sin artikel "Casus Wagner":

Var Wagner en musiker överhuvudtaget? Han var i alla fall mer än något annat ... Hans plats är i något annat område, och inte i musikhistorien: han ska inte förväxlas med dess stora sanna representanter. Wagner och Beethoven är hädelse..." Enligt Thomas Mann såg Wagner i konsten en helig ockult handling, ett universalmedel mot samhällets alla sår...".

Wagners musikaliska skapelser under XX-XXI-talen fortsätter att leva på de mest prestigefyllda operascener, inte bara Tyskland, utan hela världen (med undantag av Israel).Wagner skrev Der Ring des Nibelungen med lite hopp om att en teater skulle hittas som kunde iscensätta hela eposet och förmedla dess idéer till lyssnaren. Men samtida kunde inse dess andliga nödvändighet, och eposet hittade sin väg till betraktaren. "Ringens" roll i bildandet av den tyska nationalandan kan inte överskattas. I mitten av nittondeårhundradet då "Nibelungens ring" skrevs, förblev nationen splittrad; tyskarna mindes förödmjukelsen av Napoleonfälttågen och Wienfördragen; nyligen dundrade en revolution som skakade apanagekungarnas troner – när Wagner lämnade världen var Tyskland redan enat, blev ett imperium, bärare och centrum för all tysk kultur. "Nibelungens ring" och Wagners verk i sin helhet, även om det inte var det enda, var för det tyska folket och för den tyska idén att mobiliseringsimpulser som tvingade politiker, intelligentian, militären och hela samhället att enas .

1864, efter att ha uppnått den bayerske kungen Ludwig II:s gunst, som betalade hans skulder och stödde honom ytterligare, flyttade han till München, där han skrev komisk opera"Nürnbergmästarsångarna" och de två sista delarna av Nibelungarnas ring: "Siegfried" och "Gudarnas död". 1872 ägde grundstenen för Festernas hus rum i Bayreuth, som öppnade 1876. Där uruppförandet av tetralogin Nibelungens ring ägde rum den 13-17 augusti 1876. 1882 sattes mysterieoperan Parsifal upp i Bayreuth. Samma år reste Wagner av hälsoskäl till Venedig, där han dog 1883 av en hjärtattack. Wagner ligger begravd i Bayreuth.

Världens största kompositörer genom tiderna: Kronologiska och alfabetiska listor, referenser och verk

100 stora kompositörer i världen

Lista över tonsättare i kronologisk ordning

1. Josquin Despres (1450-1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 -1643)
4. Heinrich Schütz (1585-1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632-1687)
6. Henry Purcell (1658-1695)
7. Arcangelo Corelli (1653-1713)
8. Antonio Vivaldi (1678-1741)
9. Jean Philippe Rameau (1683-1764)
10. Georg Handel (1685-1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 -1757)
12. Johann Sebastian Bach (1685-1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713-1787)
14. Joseph Haydn (1732 -1809)
15. Antonio Salieri (1750-1825)
16. Dmitrij Stepanovich Bortnyansky (1751-1825)
17. Wolfgang Amadeus Mozart (1756 –1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 -1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 -1837)
20. Nicollo Paganini (1782-1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 -1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 -1826)
23. Gioacchino Rossini (1792 -1868)
24. Franz Schubert (1797 -1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 -1848)
26. Vincenzo Bellini (1801 –1835)
27. Hector Berlioz (1803 -1869)
28. Mikhail Ivanovich Glinka (1804 -1857)
29. Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809 -1847)
30. Fryderyk Chopin (1810 -1849)
31. Robert Schumann (1810 -1856)
32. Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813 -1869)
33. Franz Liszt (1811 -1886)
34. Richard Wagner (1813 -1883)
35. Giuseppe Verdi (1813 -1901)
36. Charles Gounod (1818 -1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 -1872)
38. Jacques Offenbach (1819 -1880)
39. Alexander Nikolaevich Serov (1820 -1871)
40. Cesar Franck (1822 -1890)
41. Bedrich Smetana (1824 -1884)
42. Anton Bruckner (1824 -1896)
43. Johann Strauss (1825 -1899)
44. Anton Grigorievich Rubinstein (1829 -1894)
45. Johannes Brahms (1833 -1897)
46. ​​Alexander Porfiryevich Borodin (1833 -1887)
47. Camille Saint-Saens (1835 -1921)
48. Leo Delibes (1836 -1891)
49. Mily Alekseevich Balakirev (1837 -1910)
50. Georges Bizet (1838 -1875)
51. Modest Petrovich Mussorgsky (1839 -1881)
52. Pjotr ​​Iljitj Tjajkovskij (1840 -1893)
53. Antonin Dvorak (1841 -1904)
54. Jules Massenet (1842 -1912)
55. Edvard Grieg (1843 -1907)
56. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844 -1908)
57. Gabriel Fauré (1845 -1924)
58. Leos Janacek (1854 -1928)
59. Anatolij Konstantinovich Lyadov (1855 -1914)
60. Sergei Ivanovich Taneev (1856 -1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 -1919)
62. Giacomo Puccini (1858 -1924)
63. Hugo Wolf (1860 -1903)
64. Gustav Mahler (1860 -1911)
65. Claude Debussy (1862 -1918)
66. Richard Strauss (1864 -1949)
67. Alexander Tikhonovich Grechaninov (1864 -1956)
68. Alexander Konstantinovich Glazunov (1865 -1936)
69. Jean Sibelius (1865 -1957)
70. Franz Lehár (1870–1945)
71. Alexander Nikolaevich Skryabin (1872 -1915)
72. Sergei Vasilyevich Rachmaninov (1873 -1943)
73. Arnold Schoenberg (1874 -1951)
74. Maurice Ravel (1875 -1937)
75. Nikolai Karlovich Medtner (1880 -1951)
76. Bela Bartok (1881 -1945)
77. Nikolai Yakovlevich Myaskovsky (1881 -1950)
78. Igor Fedorovich Stravinsky (1882 -1971)
79. Anton Webern (1883 -1945)
80. Imre Kalman (1882 -1953)
81. Alban Berg (1885 -1935)
82. Sergei Sergeevich Prokofiev (1891 -1953)
83. Arthur Honegger (1892 -1955)
84. Darius Millau (1892 -1974)
85. Carl Orff (1895 -1982)
86. Paul Hindemith (1895 -1963)
87. George Gershwin (1898–1937)
88. Isaak Osipovich Dunayevsky (1900 -1955)
89. Aram Ilyich Khachaturian (1903 -1978)
90. Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906 -1975)
91. Tikhon Nikolaevich Khrennikov (född 1913)
92. Benjamin Britten (1913 -1976)
93. Georgy Vasilievich Sviridov (1915 -1998)
94. Leonard Bernstein (1918 -1990)
95. Rodion Konstantinovich Shchedrin (född 1932)
96. Krzysztof Penderecki (f. 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 -1998)
98. Bob Dylan (f. 1941)
99. John Lennon (1940-1980) och Paul McCartney (f. 1942)
100. Sting (f. 1951)

MÄSTERVERK AV KLASSISK MUSIK

De mest kända kompositörerna i världen

Lista över tonsättare i alfabetisk ordning