เคล็ดลับความยิ่งใหญ่ของผลงานหลักของศิลปะญี่ปุ่น ภาพยนตร์สารคดีของญี่ปุ่น เครื่องเขิน Aizu

การก่อตัวของพิธีชงชา (ชาโนยุ) ซึ่งเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของวัฒนธรรมญี่ปุ่นเกิดขึ้นในช่วงเวลาที่ยากลำบากและมีปัญหาของประเทศ เมื่อสงครามนองเลือดระหว่างประเทศและความบาดหมางระหว่างกลุ่มศักดินาทำให้ชีวิตของผู้คนทนไม่ได้ พิธีชงชาเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของสุนทรียภาพและปรัชญาของพุทธศาสนานิกายเซ็น และพยายามที่จะต่อต้านอารมณ์แห่งความสิ้นหวังด้วยการบูชาความงาม

ในสมัยนั้นผู้ปกครองของชนชั้นทหารและพ่อค้าผู้มั่งคั่งมักถือโอกาสนี้ดื่มชาเพื่อหารือทางการเมืองและการค้า ถือว่าเป็นความสุขอย่างยิ่งที่ได้นั่งพักผ่อนในห้องชงชาที่เงียบสงบ ปลีกตัวจากความกังวลและความกังวลในชีวิต และฟังเสียงน้ำเดือดบนเตาอั้งโล่ อาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ Sen-no-Rikyu ทำให้การดื่มชาเป็นศิลปะ เขาสามารถพัฒนาศิลปะของพิธีชงชาได้เช่นเดียวกับที่เขาทำได้ ส่วนหนึ่งเป็นเพราะภูมิหลังทางสังคมที่มีอยู่ข้างต้น

ห้องชงชาที่สร้างโดย Sen no Rikyu ดูเรียบง่ายและเล็กเกินไป แต่มันถูกวางแผนอย่างระมัดระวังที่สุดด้วยความเข้าใจที่ลึกซึ้งจนถึงที่สุด รายละเอียดที่เล็กที่สุด. มันถูกตกแต่งด้วยประตูบานเลื่อนที่ปูด้วยกระดาษญี่ปุ่นโปร่งแสงสีขาวราวหิมะ เพดานทำด้วยไม้ไผ่หรือไม้มุงจาก และพื้นผิวเปิดของผนังมีมูลค่าสูง ฐานรองรับส่วนใหญ่เป็นไม้โดยคงเปลือกไม้ตามธรรมชาติไว้ เพื่อสร้างเอฟเฟกต์ของอาศรมในการออกแบบห้องน้ำชา การตกแต่งที่ไร้ประโยชน์และการตกแต่งที่มากเกินไปทั้งหมดจึงถูกยกเลิก

ปัจจุบัน พิธีชงชาเป็นศิลปะดั้งเดิมที่ไม่เหมือนใคร มันมีบทบาทสำคัญในจิตวิญญาณและ ชีวิตสาธารณะญี่ปุ่นมาหลายศตวรรษ เมื่อเวลาผ่านไปพิธีชงชาได้รับการยอมรับลำดับของการกระทำและพฤติกรรมก็ได้รับ เมื่อเข้าไปในประตูไม้ที่เรียบง่ายแล้ว แขกก็กระโจนเข้าสู่โลกที่พิเศษ ทิ้งทุกสิ่งที่ธรรมดาไว้เบื้องหลังและอยู่ในสมาธิเงียบ ๆ โดยปฏิบัติตามกฎแห่งกรรมเท่านั้น

ชาโนยุแบบคลาสสิกเป็นพิธีกรรมที่มีกำหนดการเคร่งครัด ซึ่งปรมาจารย์ชา (ผู้ที่ชงและรินชา) และผู้เข้าร่วมคนอื่นๆ ในพิธีจะเข้าร่วม โดยพื้นฐานแล้ว อาจารย์ชงชาคือนักบวชที่ทำพิธีชงชา ส่วนที่เหลือคือผู้ที่เข้าร่วมกับเขา ทุกคนล้วนมีอิริยาบถเฉพาะของตนเอง ทั้งอิริยาบถ การนั่ง ทุกอิริยาบถ ไปจนถึงการแสดงสีหน้าและกิริยาวาจา

ในระหว่างการดื่มชาจะมีการกล่าวสุนทรพจน์ที่ชาญฉลาด อ่านบทกวี และพิจารณางานศิลปะ ช่อดอกไม้และอุปกรณ์พิเศษสำหรับชงเครื่องดื่มได้รับการคัดเลือกด้วยความใส่ใจเป็นพิเศษสำหรับแต่ละโอกาส

บรรยากาศสร้างอารมณ์ที่เหมาะสมซึ่งเรียบง่ายและเจียมเนื้อเจียมตัวอย่างน่าประหลาดใจ: กาน้ำชาทองแดง ถ้วย เครื่องกวนไม้ไผ่ กล่องเก็บชา ฯลฯ ชาวญี่ปุ่นไม่ชอบวัตถุแวววาวสดใส พวกเขาประทับใจในความหมองคล้ำ ดี. ทานิซากิเขียนเกี่ยวกับสิ่งนี้: “ชาวยุโรปใช้เครื่องใช้บนโต๊ะอาหารที่ทำจากเงิน เหล็ก หรือนิเกิล ขัดมันให้แวววาว แต่เราไม่สามารถทนต่อความแวววาวได้ เราใช้เครื่องเงินด้วย...แต่เราไม่เคยขัดให้เงาเลย ในทางตรงกันข้าม เราชื่นชมยินดีเมื่อความแวววาวนี้หลุดออกจากพื้นผิวของวัตถุ เมื่อพวกเขาได้รับสัมผัสของใบสั่งยา เมื่อพวกเขามืดลงตามกาลเวลา ... เราชอบสิ่งที่มีร่องรอยของเนื้อมนุษย์ เขม่าน้ำมัน ดินฟ้าอากาศ และฝนที่บวม สิ่งของทั้งหมดสำหรับพิธีชงชามีร่องรอยของกาลเวลา แต่ทั้งหมดสะอาดหมดจด พลบค่ำ, ความเงียบ, กาน้ำชาที่ง่ายที่สุด, ช้อนไม้สำหรับรินชา, ถ้วยเซรามิกหยาบ - ทั้งหมดนี้ทำให้ผู้คนหลงใหล

องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดในการตกแต่งภายในโรงน้ำชาคือช่อง - โทโคโนมะ มักจะประกอบด้วยม้วนกระดาษที่มีภาพวาดหรือจารึกอักษรวิจิตร และช่อดอกไม้ กระถางไฟพร้อมเครื่องหอม Tokonoma ตั้งอยู่ตรงข้ามทางเข้าและดึงดูดความสนใจของแขกได้ทันที ม้วนโทโคนามะได้รับการคัดเลือกด้วยความเอาใจใส่อย่างดี และเป็นหัวข้อสนทนาที่ขาดไม่ได้ในระหว่างพิธี มันถูกเขียนขึ้นในรูปแบบพุทธนิกายเซ็นและด้วยอักษรโบราณที่มีน้อยคนนักที่จะเข้าใจและเข้าใจความหมายของสิ่งที่เขียน ตัวอย่างเช่น "ไม้ไผ่เป็นสีเขียวและดอกไม้เป็นสีแดง" "สิ่งของเป็นสิ่งของและสิ่งนี้ก็สวยงาม !" หรือ "น้ำก็คือน้ำ" ปัจจุบันมีการอธิบายความหมายของคำพูดเหล่านี้ ภายนอกเรียบง่าย แต่ในขณะเดียวกันก็ลึกซึ้งมากในเชิงปรัชญา บางครั้งความคิดเหล่านี้แสดงออกในรูปแบบบทกวีของไฮกุ บางครั้งก็สะท้อนให้เห็นในภาพวาดของปรมาจารย์เก่า ตามกฎแล้วเป็นไปตามหลักการของ "วาบิ"

ในญี่ปุ่นมีพิธีชงชาหลายรูปแบบ แต่มีเพียงไม่กี่รูปแบบเท่านั้นที่เคร่งครัด: ชายามค่ำ ​​ชาพระอาทิตย์ขึ้น ชายามเช้า น้ำชายามบ่าย น้ำชายามค่ำ ​​และชาพิเศษ

ชากลางคืนเริ่มต้นด้วยดวงจันทร์ แขกมาถึงประมาณสิบเอ็ดโมงครึ่งและกลับประมาณตีสี่ โดยปกติแล้วจะมีการชงชาแบบผงซึ่งเตรียมไว้ต่อหน้าแขก: ใบจะถูกปลดปล่อยออกจากเส้นเลือดและบดเป็นผงในครก ชานี้แรงมาก ไม่เสิร์ฟขณะท้องว่าง ดังนั้นในตอนแรกแขกจะได้รับอาหารที่แตกต่างกันเล็กน้อย ชาจะดื่มตอนพระอาทิตย์ขึ้นประมาณตีสามหรือตีสี่ แขกเข้าพักพร้อมกันถึงหกโมงเย็น ดื่มชายามเช้าในสภาพอากาศร้อนแขกมารวมตัวกันตอนหกโมงเช้า โดยปกติแล้ว Afternoon Tea จะเสิร์ฟพร้อมเค้กประมาณ 13.00 น. เท่านั้น ชาเย็นเริ่มประมาณ 18.00 น. งานเลี้ยงน้ำชาพิเศษ (รินจิตยะ-โนะยุ) จัดขึ้นในโอกาสพิเศษต่างๆ เช่น พบปะเพื่อนฝูง วันหยุด ฤดูกาลเปลี่ยน ฯลฯ

ตามความเชื่อของญี่ปุ่น พิธีชงชานำมาซึ่งความเรียบง่าย ความเป็นธรรมชาติ ความประณีต แน่นอนว่านี่เป็นความจริง แต่พิธีชงชายังมีอะไรอีกมาก การแนะนำผู้คนให้รู้จักกับพิธีกรรมที่เป็นที่ยอมรับทำให้คุ้นเคยกับระเบียบที่เข้มงวดและการปฏิบัติตามกฎเกณฑ์ทางสังคมอย่างไม่มีเงื่อนไข พิธีชงชาเป็นหนึ่งในรากฐานที่สำคัญที่สุดในการบ่มเพาะความรู้สึกชาติ

ฉากศิลปะญี่ปุ่นสมัยใหม่ดูเหมือนจะเป็นโลกาภิวัตน์อย่างสมบูรณ์ ศิลปินเดินทางไปมาระหว่างโตเกียวและนิวยอร์ก เกือบทั้งหมดได้รับการศึกษาในยุโรปหรืออเมริกา พวกเขาพูดคุยเกี่ยวกับผลงานของพวกเขาเป็นภาษาอังกฤษเกี่ยวกับศิลปะนานาชาติ อย่างไรก็ตามภาพนี้ยังไม่สมบูรณ์

รูปทรงและกระแสนิยมของประเทศกำลังพิสูจน์ให้เห็นแล้วว่าเป็นหนึ่งในสินค้าที่เป็นที่ต้องการมากที่สุดที่ญี่ปุ่นนำเสนอสู่ตลาดโลก ความคิดทางศิลปะและใช้งานได้

การทำงานของเครื่องบิน แฟลตผสมผสานวัฒนธรรมอเมริกันเกินบรรยายกับภาพวาดญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมได้อย่างไร

ทาคาชิ มูราคามิ. "ถังตันโบ"

หากในโลกตะวันตกสำหรับเกือบทุกคน (ยกเว้นนักทฤษฎีหลังสมัยใหม่ที่กระตือรือร้นที่สุด) ขอบเขตระหว่างวัฒนธรรมสูงและวัฒนธรรมมวลชนยังคงมีความเกี่ยวข้องแม้ว่าจะเป็นปัญหาก็ตาม ในญี่ปุ่นโลกเหล่านี้ผสมกันโดยสิ้นเชิง

ตัวอย่างนี้คือ Takashi Murakami ผู้ซึ่งประสบความสำเร็จในการผสมผสานการจัดนิทรรศการในแกลเลอรีและการผลิตแบบสตรีมมิ่งที่ดีที่สุดในโลก

บันทึกการเดินทางชมนิทรรศการ Murakami "ฝนจะโปรยปราย"

อย่างไรก็ตาม ความสัมพันธ์ของมูราคามิกับวัฒนธรรมสมัยนิยม - และสำหรับญี่ปุ่นแล้ว นี่คือวัฒนธรรมหลักของแฟนมังงะและอะนิเมะ (โอตาคุ) - มีความซับซ้อนมากกว่า นักปรัชญา Hiroki Azuma วิจารณ์ความเข้าใจของโอตาคุว่าเป็นปรากฏการณ์ของญี่ปุ่นแท้ๆ โอตาคุคิดว่าตัวเองเชื่อมโยงโดยตรงกับประเพณีของยุคเอโดะในศตวรรษที่ 17-19 ซึ่งเป็นยุคแห่งความโดดเดี่ยวและการปฏิเสธความทันสมัย Azuma อ้างว่าขบวนการโอตาคุมีพื้นฐานมาจากมังงะ อนิเมชั่น นิยายภาพ เกมส์คอมพิวเตอร์- อาจเกิดขึ้นได้เฉพาะในบริบทของการยึดครองของชาวอเมริกันหลังสงครามอันเป็นผลมาจากการนำเข้าวัฒนธรรมอเมริกัน ศิลปะของมูราคามิและผู้ติดตามของเขาสร้างโอตาคุขึ้นใหม่ด้วยเทคนิคป๊อปอาร์ตและหักล้างตำนานชาตินิยมเกี่ยวกับความถูกต้องของประเพณี มันแสดงถึง "การทำให้เป็นแบบอเมริกันอีกครั้งของวัฒนธรรมอเมริกันแบบญี่ปุ่น"

จากมุมมองของประวัติศาสตร์ศิลปะ แฟลตแบบซูเปอร์แฟลตนั้นใกล้เคียงกับยุคแรกๆ มากที่สุด ภาพวาดญี่ปุ่น ukiyo-e. งานที่มีชื่อเสียงที่สุดในประเพณีนี้คืองานแกะสลัก " คลื่นขนาดใหญ่ในคานางาวะ" โดย Katsushiki Hokusai (1823-1831)

สำหรับแนวคิดสมัยใหม่แบบตะวันตก การค้นพบภาพวาดของญี่ปุ่นถือเป็นความก้าวหน้า มันทำให้เห็นภาพเป็นระนาบและพยายามที่จะไม่เอาชนะลักษณะเฉพาะของมัน แต่เพื่อทำงานกับมัน

คัตสึชิกิ โฮคุไซ. "คลื่นยักษ์นอกชายฝั่งคานางาวะ"

ผู้บุกเบิกประสิทธิภาพ ศิลปะญี่ปุ่นในทศวรรษ 1950 มีความหมายอย่างไรในปัจจุบัน

เอกสารประกอบกระบวนการสร้างสรรค์ของ Akira Kanayama และ Kazuo Shiragi

Superflat เป็นรูปเป็นร่างในช่วงปี 2000 เท่านั้น แต่การกระทำทางศิลปะที่สำคัญสำหรับศิลปะโลกเริ่มขึ้นในญี่ปุ่นเร็วกว่านั้นมากและเร็วกว่าในตะวันตกด้วยซ้ำ

การแสดงศิลปะเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 60 และ 70 ของศตวรรษที่ผ่านมา ในญี่ปุ่นการแสดงปรากฏในวัย 50 ปี

นับเป็นครั้งแรกที่ Gutai Group ได้เปลี่ยนจุดสนใจจากการสร้างสิ่งของแบบพอเพียงไปสู่กระบวนการผลิต จากที่นี่ - ขั้นตอนเดียวในการละทิ้งวัตถุศิลปะเพื่อสนับสนุนเหตุการณ์ชั่วคราว

แม้ว่าศิลปินแต่ละคนจาก Gutai (และในจำนวนนี้มี 59 คนในรอบ 20 ปี) จะดำรงอยู่อย่างแข็งขันในบริบทระหว่างประเทศ แต่การเข้าใจภาษาญี่ปุ่นในฐานะกิจกรรมส่วนรวมของพวกเขา ศิลปะหลังสงครามโดยทั่วไปเริ่มขึ้นในตะวันตกไม่นานมานี้ ความเฟื่องฟูเกิดขึ้นในปี 2556 โดยมีนิทรรศการหลายงานในแกลเลอรีเล็กๆ ในนิวยอร์กและลอสแองเจลิส โตเกียวระหว่างปี 2498-2513: The New Avant-Garde ที่ MoMA และ Gutai ย้อนประวัติศาสตร์อันยิ่งใหญ่: Splendid Playground ที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ การนำเข้าศิลปะญี่ปุ่นจากมอสโกดูเหมือนจะเป็นความต่อเนื่องที่เกือบจะล่าช้าของแนวโน้มนี้

ซาดามาสะ โมโตนากะ. งาน (น้ำ) ที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์

นิทรรศการย้อนยุคเหล่านี้ดูทันสมัยจนน่าทึ่ง ตัวอย่างเช่น วัตถุหลักของนิทรรศการที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์คือการสร้างงาน (น้ำ) ขึ้นใหม่โดย Sadamasa Motonaga ซึ่งระดับของหอหมุนพิพิธภัณฑ์เชื่อมต่อกันด้วยท่อโพลีเอทิลีนที่มีน้ำสี สิ่งเหล่านี้ชวนให้นึกถึงฝีแปรงที่ถูกฉีกออกจากผืนผ้าใบ และเป็นตัวอย่างของการเน้นหลักที่ Gutai เกี่ยวกับ "ความเป็นรูปธรรม" (แปลจาก ชื่อภาษาญี่ปุ่นกลุ่ม) สาระสำคัญของวัตถุที่ศิลปินทำงานด้วย

สมาชิกหลายคนของกูไตได้รับการศึกษาเกี่ยวกับการวาดภาพนิฮงกะแบบคลาสสิก หลายคนมีความผูกพันทางชีวประวัติกับบริบททางศาสนาของพุทธศาสนานิกายเซน และลักษณะเฉพาะของการเขียนพู่กันแบบญี่ปุ่น พวกเขาทั้งหมดพบวิธีการใหม่ที่เป็นขั้นตอนหรือแบบมีส่วนร่วมกับประเพณีโบราณ Kazuo Shiraga ได้บันทึกวีดิโอว่าเขาใช้เท้าวาดภาพขาวดำต่อต้านเราเชนเบิร์กอย่างไร และยังสร้างภาพวาดในที่สาธารณะอีกด้วย

Minoru Yoshida เปลี่ยนดอกไม้จากภาพพิมพ์ของญี่ปุ่นให้เป็นวัตถุที่ทำให้เคลิบเคลิ้ม ตัวอย่างนี้คือ Bisexual Flower ซึ่งเป็นหนึ่งในประติมากรรมการเคลื่อนไหว (เคลื่อนไหว) ชิ้นแรกของโลก

ภัณฑารักษ์ของนิทรรศการที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์พูดถึงความสำคัญทางการเมืองของงานเหล่านี้:

"กลุ่ม Gutai แสดงให้เห็นถึงความสำคัญของการกระทำโดยเสรีของปัจเจกบุคคล การทำลายความคาดหวังของผู้ชม และแม้แต่ความโง่เขลา เพื่อเป็นหนทางในการตอบโต้ความเฉื่อยชาทางสังคมและความสอดคล้องที่ตลอดหลายทศวรรษที่ผ่านมา ปล่อยให้รัฐบาลทหารได้รับอิทธิพลที่สำคัญ รุกรานจีน และหลังจากนั้น เข้าร่วมสงครามโลกครั้งที่สอง”

ดีและฉลาด ทำไมศิลปินออกจากญี่ปุ่นไปอเมริกาในทศวรรษที่ 1960

Gutai เป็นข้อยกเว้นของกฎในญี่ปุ่นหลังสงคราม กลุ่มแนวหน้ายังคงมีส่วนน้อย โลกศิลปะมีลำดับชั้นอย่างเคร่งครัด วิธีหลักในการได้รับการยอมรับคือการเข้าร่วมการแข่งขันที่จัดขึ้นโดยสมาคมศิลปินคลาสสิกที่ได้รับการยอมรับ ดังนั้นหลายคนจึงเลือกที่จะไปทางตะวันตกและรวมเข้ากับระบบศิลปะภาษาอังกฤษ

มันยากเป็นพิเศษสำหรับผู้หญิง แม้แต่ใน Gutai ที่ก้าวหน้า ส่วนแบ่งของพวกเขายังไม่ถึงหนึ่งในห้าด้วยซ้ำ เราสามารถพูดอะไรเกี่ยวกับสถาบันแบบดั้งเดิมซึ่งจำเป็นต้องได้รับการศึกษาพิเศษ ในช่วงอายุหกสิบเศษเด็กผู้หญิงได้รับสิทธิ์ในการเรียนศิลปะ (หากไม่เกี่ยวกับการตกแต่งซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของชุดทักษะ เรียวไซ เคนโบ- ภรรยาที่ดีและแม่ที่ฉลาด) ถูกสังคมดูถูกเรื่องอาชีพ

โยโกะ โอโนะ. ตัดชิ้น

เรื่องราวของการย้ายถิ่นฐานของศิลปินหญิงชาวญี่ปุ่นผู้ทรงอิทธิพล 5 คนจากโตเกียวไปยังสหรัฐอเมริกาเป็นเรื่องของการศึกษาของมิโดริ โยชิโมโตะ เรื่อง "Into Performance: Japanese Women Artists in New York" Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi และ Shigeko Kubota ในช่วงเริ่มต้นอาชีพของพวกเขาตัดสินใจออกเดินทางไปนิวยอร์กและทำงานที่นั่น รวมถึงการปรับปรุงประเพณีศิลปะญี่ปุ่นให้ทันสมัย มีเพียงโยโกะ โอโนะเท่านั้นที่เติบโตในสหรัฐอเมริกา แต่เธอก็จงใจปฏิเสธที่จะกลับญี่ปุ่น เนื่องจากไม่แยแสกับลำดับชั้นทางศิลปะของโตเกียวในช่วงที่เธอพำนักระยะสั้นในปี พ.ศ. 2505-2507

โอโนะกลายเป็นบุคคลที่มีชื่อเสียงที่สุดในห้าคนนี้ ไม่เพียงแต่ในฐานะภรรยาของจอห์น เลนนอนเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้ประพันธ์การแสดงของโปรโต-เฟมินิสต์ที่อุทิศให้กับการทำให้ร่างกายของผู้หญิงกลายเป็นวัตถุ มีความคล้ายคลึงกันอย่างเห็นได้ชัดระหว่าง Cut Piece It ซึ่งผู้ชมสามารถตัดเสื้อผ้าของศิลปินออกได้ และ "Rhythm 0" โดย "คุณย่าของการแสดง" Marina Abramović

บนขาสั้น วิธีผ่านการฝึกอบรมการแสดงของผู้เขียน Tadashi Suzuki

ในกรณีของโอโนะและกูไต วิธีการและรูปแบบงานของพวกเขาซึ่งแยกออกจากผู้แต่ง มีความสำคัญในระดับนานาชาติ มีการส่งออกในรูปแบบอื่น - เมื่อผลงานของศิลปินได้รับความสนใจในเวทีระหว่างประเทศ แต่การยืมวิธีการจริงไม่ได้เกิดขึ้นเนื่องจากความเฉพาะเจาะจง กรณีที่โดดเด่นที่สุดคือระบบการฝึกการแสดงของทาดาชิ ซูซูกิ

โรงละครซูซูกิเป็นที่รักแม้กระทั่งในรัสเซีย - และไม่น่าแปลกใจเลย ครั้งสุดท้ายเขาอยู่กับเราในปี 2559 กับการแสดงเรื่อง The Trojan Women ที่สร้างจากบทประพันธ์ของ Euripides และในช่วงปี 2000 เขามีผลงานการแสดงของเชคสเปียร์และเชคอฟหลายครั้ง ซูซูกิถ่ายโอนการแสดงละครไปยังบริบทของญี่ปุ่นในปัจจุบันและเสนอการตีความข้อความที่ไม่ชัดเจน: เขาค้นพบการต่อต้านชาวยิวในอีวานอฟและเปรียบเทียบกับทัศนคติที่ดูถูกเหยียดหยามของชาวญี่ปุ่นที่มีต่อชาวจีน การกระทำของคิงเลียร์ไปยัง โรงพยาบาลบ้าของญี่ปุ่น

ซูซูกิสร้างระบบของเขาเพื่อต่อต้านโรงเรียนการละครของรัสเซีย ใน XIX ปลายในช่วงศตวรรษที่เรียกว่าสมัยเมจิ จักรวรรดิญี่ปุ่นที่ปรับปรุงให้ทันสมัยได้ประสบกับการเคลื่อนไหวต่อต้านที่เพิ่มขึ้น ผลที่ตามมาคือการทำให้เป็นตะวันตกในวงกว้างของวัฒนธรรมที่ปิดสนิทก่อนหน้านี้ ในรูปแบบที่นำเข้าคือระบบ Stanislavsky ซึ่งยังคงอยู่ในญี่ปุ่น (และในรัสเซีย) หนึ่งในวิธีการกำกับหลัก

การออกกำลังกายซูซูกิ

ในช่วงทศวรรษที่ 60 เมื่อซูซูกิเริ่มต้นอาชีพของเขา วิทยานิพนธ์ได้แพร่กระจายมากขึ้นเรื่อย ๆ เนื่องจากลักษณะทางร่างกายของพวกเขา นักแสดงชาวญี่ปุ่นจึงไม่สามารถคุ้นเคยกับบทบาทจากข้อความตะวันตกที่เติมเต็มละครในตอนนั้นได้ ผู้กำกับหนุ่มพยายามเสนอทางเลือกที่น่าเชื่อถือที่สุด

ระบบการออกกำลังกายของซูซูกิที่เรียกว่า เลก แกรมมาร์ มีวิธีนั่งนับสิบ วิธี และวิธียืนและเดินอีกมากมาย

นักแสดงของเขามักจะเล่นเท้าเปล่าและดูเหมือนว่าหนักโดยลดจุดศูนย์ถ่วงลงให้แน่นที่สุดเท่าที่จะทำได้ ซูซูกิสอนเทคนิคของเขาให้กับพวกเขาและนักแสดงต่างชาติในหมู่บ้านโทกะ ในบ้านญี่ปุ่นโบราณที่เต็มไปด้วยอุปกรณ์ทันสมัย คณะของเขาแสดงเพียง 70 ครั้งต่อปีและเวลาที่เหลือของเขาแทบจะไม่ได้ออกจากหมู่บ้านและไม่มีเวลาสำหรับเรื่องส่วนตัว - ทำงานเท่านั้น

Toga Center ปรากฏขึ้นในปี 1970 และได้รับการออกแบบตามคำร้องขอของผู้อำนวยการโดย Arata Isozaka สถาปนิกชื่อดังระดับโลก ระบบของ Suzuki อาจดูเป็นปิตาธิปไตยและอนุรักษ์นิยม แต่ตัวเขาเองพูดถึง Toga ในแง่ของการกระจายอำนาจสมัยใหม่ แม้กระทั่งในช่วงกลางทศวรรษที่ 2000 Suzuki ก็เข้าใจถึงความสำคัญของการส่งออกงานศิลปะจากเมืองหลวงไปยังภูมิภาคต่างๆ และจัดระเบียบจุดผลิตในท้องถิ่น ตามที่ผู้กำกับกล่าวว่าแผนที่โรงละครของญี่ปุ่นในหลาย ๆ ด้านคล้ายกับศิลปะของรัสเซียซึ่งมีความเข้มข้นในโตเกียวและศูนย์เล็ก ๆ อีกหลายแห่ง โรงละครรัสเซียจะได้ประโยชน์จากบริษัทที่ออกทัวร์ในเมืองเล็กๆ เป็นประจำและตั้งอยู่ห่างไกลจากเมืองหลวง

ศูนย์บริษัท SCOT ในโตกา

เส้นทางดอกไม้. โรงละครสมัยใหม่ค้นพบทรัพยากรใดในระบบละครโนและคาบุกิ

วิธีการของซูซูกิเติบโตมาจากสองประเพณีของญี่ปุ่นโบราณ - แต่ยังรวมถึงคาบูกิด้วย ไม่เพียงแต่โรงละครประเภทนี้มักจะมีลักษณะเป็นศิลปะการเดินเท่านั้น แต่ยังมีรายละเอียดที่ชัดเจนกว่าด้วย ซูซูกิมักจะปฏิบัติตามกฎเกี่ยวกับการแสดงทุกบทบาทโดยผู้ชาย ใช้วิธีแก้ปัญหาเชิงพื้นที่ที่มีลักษณะเฉพาะ เช่น ฮานามิจิ ("เส้นทางแห่งดอกไม้") ของตัวอย่างละครคาบุกิ - แพลตฟอร์มที่ยื่นออกมาจากเวทีไปยังส่วนลึกของหอประชุม นอกจากนี้เขายังใช้ประโยชน์จากสัญลักษณ์ที่เป็นที่รู้จัก เช่น ดอกไม้และม้วนกระดาษ

แน่นอนในโลกสากล มีการพูดคุยกันเกี่ยวกับสิทธิพิเศษของชาวญี่ปุ่นในการใช้รูปแบบประจำชาติของตน

โรงละครของหนึ่งในผู้กำกับที่สำคัญที่สุดในยุคของเราคือ Robert Wilson ชาวอเมริกัน สร้างขึ้นจากการกู้ยืมเงินจากแต่

เขาไม่เพียงแต่ใช้หน้ากากและการแต่งหน้าที่ทำให้ผู้ชมจำนวนมากนึกถึงประเทศญี่ปุ่นเท่านั้น แต่ยังยืมวิธีการแสดงโดยอิงจากการเคลื่อนไหวที่ช้าลงสูงสุดและการแสดงท่าทางที่แสดงออกมาอย่างพอเพียง ผสมผสานรูปแบบประเพณีและพิธีการเข้ากับแสงสีที่ทันสมัยเป็นพิเศษและดนตรีแบบมินิมอล (หนึ่งในผลงานที่โด่งดังที่สุดของวิลสันคือการผลิตโอเปร่าเรื่อง Einstein on the Beach ของฟิลิป กลาส) วิลสันสร้างการสังเคราะห์ต้นกำเนิดและความเกี่ยวข้องที่ศิลปะสมัยใหม่ส่วนใหญ่พยายามทำ .

โรเบิร์ต วิลสัน. "ไอน์สไตน์บนชายหาด"

จากไม่มีและคาบุกิก็เติบโตเสาต้นหนึ่ง การเต้นรำสมัยใหม่- buto แปลตามตัวอักษร - การเต้นรำแห่งความมืด คิดค้นขึ้นในปี 1959 โดยนักออกแบบท่าเต้น Kazuo Ono และ Tatsumi Hijikata ซึ่งใช้จุดศูนย์ถ่วงต่ำและสมาธิที่เท้าเช่นกัน บูโตเป็นการนำภาพสะท้อนจากประสบการณ์สงครามที่กระทบกระเทือนจิตใจมาสู่มิติทางร่างกาย

“พวกเขาแสดงให้เห็นร่างกายที่ป่วย ทรุดโทรม น่ากลัว น่ากลัว<…>การเคลื่อนไหวนั้นช้าหรือจงใจให้คมและระเบิด สำหรับสิ่งนี้จะใช้เทคนิคพิเศษเมื่อเคลื่อนไหวราวกับว่าไม่เกี่ยวข้องกับกล้ามเนื้อหลักเนื่องจากคันโยกกระดูกของโครงกระดูก” นักประวัติศาสตร์การเต้นรำ Irina Sirotkina จารึก butoh ในประวัติศาสตร์ของการปลดปล่อยร่างกาย ด้วยการออกจากบรรทัดฐานของบัลเล่ต์ เธอเปรียบเทียบบูโตกับการปฏิบัติของนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 - อิซาโดรา ดันแคน, มาร์ธา เกรแฮม, แมรี่ วิกแมน กล่าวถึงอิทธิพลของการเต้นรำแบบ "หลังสมัยใหม่" ในภายหลัง

ส่วนหนึ่งของการเต้นรำของ Katsura Kana ผู้สืบทอดสมัยใหม่ของประเพณีบูโต

ทุกวันนี้ บูโทในรูปแบบดั้งเดิมไม่ใช่แนวปฏิบัติที่ล้ำสมัยอีกต่อไป แต่เป็นการฟื้นฟูทางประวัติศาสตร์

อย่างไรก็ตาม คำศัพท์เกี่ยวกับการเคลื่อนไหวที่โอโนะ ฮิจิคาตะและผู้ติดตามของพวกเขาพัฒนาขึ้นยังคงเป็นแหล่งข้อมูลที่สำคัญสำหรับนักออกแบบท่าเต้นสมัยใหม่ ในตะวันตกมีการใช้โดย Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky และแม้แต่ในวิดีโอสำหรับ "Belong To The World" โดย The Weekend ในญี่ปุ่น ผู้สืบทอดประเพณีบูโตคือ ซาบุโระ เทชิงาวาระ ซึ่งจะเดินทางมารัสเซียในเดือนตุลาคม แม้ว่าตัวเขาเองจะปฏิเสธความคล้ายคลึงกับการเต้นรำแห่งความมืด แต่นักวิจารณ์ก็พบสัญญาณที่ค่อนข้างเป็นที่จดจำ: ร่างกายที่ดูเหมือนไม่มีกระดูก ความเปราะบาง ย่างก้าวที่ไร้เสียง จริงอยู่ที่พวกเขาอยู่ในบริบทของการออกแบบท่าเต้นหลังสมัยใหม่ - ด้วยจังหวะที่สูง การวิ่ง การทำงานกับดนตรีที่มีเสียงรบกวนในยุคหลังอุตสาหกรรม

ซาบุโร่ เทชิงาวาระ. การเปลี่ยนแปลง

ทั่วโลกในท้องถิ่น ศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่นมีความคล้ายคลึงกับศิลปะตะวันตกอย่างไร?

ผลงานของเทชิงาวาระและเพื่อนร่วมงานของเขาหลายคนเข้ากันได้ดีกับโปรแกรมของเทศกาลเต้นรำร่วมสมัยที่ดีที่สุดของตะวันตก หากคุณอ่านคำอธิบายของการแสดงและการแสดงที่แสดงในเทศกาล / โตเกียว - การแสดงประจำปีที่ใหญ่ที่สุดของโรงละครญี่ปุ่น จะเป็นการยากที่จะสังเกตเห็นความแตกต่างพื้นฐานจากแนวโน้มของยุโรป

หนึ่งในธีมหลักคือความเฉพาะเจาะจงของสถานที่ ศิลปินชาวญี่ปุ่นสำรวจพื้นที่ต่างๆ ของโตเกียว ตั้งแต่กลุ่มทุนนิยมในรูปแบบของตึกระฟ้าไปจนถึงพื้นที่ชายขอบของความเข้มข้นของโอตาคุ

อีกประเด็นหนึ่งคือการศึกษาความเข้าใจผิดระหว่างรุ่น โรงละครเป็นสถานที่สำหรับการประชุมสดและการจัดการการสื่อสารของผู้คนในวัยต่างๆ โปรเจ็กต์ที่อุทิศให้กับเธอโดย Toshika Okada และ Akira Tanayama ถูกนำไปที่เวียนนาเป็นเวลาหลายปีติดต่อกันเพื่อเข้าร่วมเทศกาลศิลปะการแสดงที่สำคัญงานหนึ่งของยุโรป ไม่มีอะไรใหม่ในการถ่ายโอนเอกสารสารคดีและเรื่องราวส่วนตัวสู่เวทีในช่วงปลายทศวรรษ 2000 แต่ภัณฑารักษ์ของเทศกาลเวียนนานำเสนอโครงการเหล่านี้ต่อสาธารณชนเพื่อเป็นโอกาสในการติดต่อแบบสด ๆ แบบจุดต่อจุดกับผู้อื่น วัฒนธรรม.

อีกเส้นทางหลักคือการทำงานผ่านประสบการณ์ที่เจ็บปวด สำหรับชาวญี่ปุ่นนั้นไม่เกี่ยวข้องกับ Gulag หรือ Holocaust แต่เกี่ยวข้องกับการทิ้งระเบิดที่ฮิโรชิมาและนางาซากิ โรงละครอ้างถึงเขาตลอดเวลา แต่คำพูดที่ทรงพลังที่สุดเกี่ยวกับการระเบิดของปรมาณูในขณะที่จุดกำเนิดของวัฒนธรรมญี่ปุ่นสมัยใหม่ทั้งหมดยังคงเป็นของ Takashi Murakami

สู่นิทรรศการ “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”

“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” เป็นชื่อโปรเจ็กต์ที่ดูแลจัดการของเขาซึ่งจัดแสดงในนิวยอร์กในปี 2548 "Little Boy" - "baby" ในภาษารัสเซีย - ชื่อของหนึ่งในระเบิดที่ทิ้งในญี่ปุ่นในปี 2488 รวบรวมการ์ตูนมังงะหลายร้อยเรื่องจากนักวาดภาพประกอบชั้นนำ ของเล่นวินเทจที่โดดเด่น สินค้าที่ได้รับแรงบันดาลใจจากอะนิเมะชื่อดังตั้งแต่ Godzilla ถึง Hello Kitty มูราคามิได้ผลักดันความเข้มข้นของความน่ารัก - คาวาอี้ - ในพื้นที่พิพิธภัณฑ์ให้ถึงขีดจำกัด ในเวลาเดียวกัน เขาเปิดตัวแอนิเมชันที่ได้รับการคัดสรร ซึ่งภาพการระเบิด โลกเปล่า และเมืองที่ถูกทำลายกลายเป็นภาพหลัก

การต่อต้านนี้เป็นแถลงการณ์สำคัญครั้งแรกเกี่ยวกับการทำให้วัฒนธรรมญี่ปุ่นกลายเป็นเด็กเป็นวิธีการรับมือกับโรคเครียดหลังเหตุการณ์สะเทือนขวัญ

ตอนนี้ข้อสรุปนี้ดูเหมือนจะชัดเจนแล้ว การศึกษาเชิงวิชาการเกี่ยวกับคาวาอี้โดย Inuhiko Yomota สร้างขึ้น

นอกจากนี้ยังมีทริกเกอร์ที่กระทบกระเทือนจิตใจในภายหลัง สิ่งที่สำคัญที่สุด - เหตุการณ์เมื่อวันที่ 11 มีนาคม 2554 แผ่นดินไหวและสึนามิที่นำไปสู่อุบัติเหตุครั้งใหญ่ที่โรงไฟฟ้านิวเคลียร์ฟุกุชิมะ ที่งาน Festival/Tokyo-2018 โปรแกรมการแสดงทั้งหมด 6 ชุดจัดขึ้นเพื่อทำความเข้าใจผลที่ตามมาของภัยพิบัติทางธรรมชาติและเทคโนโลยี พวกเขายังกลายเป็นธีมของหนึ่งในผลงานที่นำเสนอที่ Solyanka ตัวอย่างนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่าคลังแสง วิธีการที่สำคัญศิลปะตะวันตกและศิลปะญี่ปุ่นไม่ได้มีความแตกต่างกันโดยพื้นฐาน Haruyuki Ishii สร้างการติดตั้งเครื่องรับโทรทัศน์ 3 เครื่องที่วนรอบฟุตเทจความเร็วสูงที่ตัดต่อและวนซ้ำจากรายการโทรทัศน์เกี่ยวกับแผ่นดินไหว

“งานนี้ประกอบด้วยวิดีโอ 111 รายการที่ศิลปินดูทุกวันในข่าวจนกระทั่งทุกสิ่งที่เขาเห็นไม่ได้ถูกมองว่าเป็นเรื่องแต่งอีกต่อไป” ภัณฑารักษ์อธิบาย "ญี่ปุ่นยุคใหม่" เป็นตัวอย่างที่ชัดเจนของการที่ศิลปะไม่ต่อต้านการตีความตามตำนานประจำชาติ แต่ในขณะเดียวกัน ตาที่สำคัญพบว่าการตีความแบบเดียวกันอาจเกี่ยวข้องกับศิลปะจากแหล่งกำเนิดใด ๆ ภัณฑารักษ์พูดคุยเกี่ยวกับการไตร่ตรองเป็นพื้นฐานของประเพณีญี่ปุ่น โดยอ้างอิงจากคำพูดของ Lao Tzu ในขณะเดียวกันก็เหมือนกับหลุดจากวงเล็บว่าศิลปะร่วมสมัยเกือบทั้งหมดเน้นไปที่ “observer effect” (ตามชื่อนิทรรศการ) ไม่ว่าจะเป็นการสร้างบริบทใหม่เพื่อการรับรู้ปรากฏการณ์ที่คุ้นเคยหรือในการหยิบยก คำถามเกี่ยวกับความเป็นไปได้ของการรับรู้อย่างเพียงพอเช่นนี้

Imagined Communities อีกหนึ่งผลงานของศิลปินวิดีโอ Haruyuki Ishii

เกม

อย่างไรก็ตาม เราไม่ควรคิดว่าญี่ปุ่นในยุค 2010 เป็นประเทศที่เน้นความก้าวหน้า

นิสัยของอนุรักษนิยมแบบเก่าที่ดีและความรักต่อสิ่งแปลกใหม่แบบตะวันออกยังไม่คงอยู่ "The Theatre of Virgins" เป็นชื่อของบทความที่ค่อนข้างชื่นชมเกี่ยวกับโรงละครญี่ปุ่น "Takarazuka" ในนิตยสารอนุรักษ์นิยมของรัสเซีย "PTJ" Takarazuka ปรากฏตัวเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ในฐานะโครงการธุรกิจเพื่อดึงดูดนักท่องเที่ยวไปยังเมืองห่างไกลที่มีชื่อเดียวกันซึ่งบังเอิญกลายเป็นปลายทางของรถไฟเอกชน เฉพาะเด็กผู้หญิงที่ยังไม่ได้แต่งงานเท่านั้นที่เล่นในโรงละครซึ่งตามเจ้าของการรถไฟควรจะล่อลวงผู้ชมชายให้เข้ามาในเมือง วันนี้ Takarazuka ทำหน้าที่เป็นอุตสาหกรรม - มีช่องทีวีของตัวเองหนาแน่น โปรแกรมคอนเสิร์ตแม้กระทั่งสวนสนุกในท้องถิ่น แต่มีเพียงสาวโสดเท่านั้นที่มีสิทธิ์อยู่ในคณะ - หวังว่าพวกเธอจะไม่ตรวจความบริสุทธิ์เป็นอย่างน้อย

อย่างไรก็ตาม ทาคาระซึกะดูซีดเซียวเมื่อเทียบกับโทจิ ดีลักซ์ คลับในเกียวโต ซึ่งชาวญี่ปุ่นเรียกว่าโรงละคร พวกเขาแสดงความดุร้ายอย่างแน่นอนตัดสินโดย คำอธิบายเอียน บูรูมา คอลัมนิสต์ชาวนิวยอร์ก โชว์เปลื้องผ้า: สาวเปลือยหลายคนบนเวทีเปลี่ยนการแสดงอวัยวะเพศให้กลายเป็นพิธีกรรมสาธารณะ

เช่นเดียวกับศิลปะแขนงอื่นๆ การแสดงนี้มีพื้นฐานมาจากตำนานโบราณ (ด้วยความช่วยเหลือจากเทียนไขและแว่นขยาย ผู้ชายจากผู้ชมสามารถผลัดกันสำรวจ "ความลับของแม่เทพธิดา Amaterasu") และผู้เขียนเองก็ได้รับการเตือน ของประเพณีโนห์

ค้นหา คู่หูตะวันตกสำหรับ "Takarazuki" และ Toji เราจะปล่อยให้ผู้อ่าน - ไม่ใช่เรื่องยากที่จะหาพวกเขา เราทราบแต่เพียงว่าส่วนสำคัญของศิลปะสมัยใหม่มุ่งเป้าไปที่การต่อสู้กับการกดขี่เช่นนี้ ทั้งแบบตะวันตกและแบบญี่ปุ่น ตั้งแต่การเต้นแบบเรียบๆ ไปจนถึงการเต้นบูโต

ในบทความนี้ ฉันจะเริ่มต้นชุดบทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์วิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่น โพสต์เหล่านี้จะเน้นไปที่การวาดภาพตั้งแต่สมัยเฮอันเป็นหลัก และบทความนี้จะเป็นการแนะนำและอธิบายพัฒนาการของศิลปะจนถึงศตวรรษที่ 8

สมัยโจมง
วัฒนธรรมญี่ปุ่นมีรากเหง้าที่เก่าแก่มาก - การค้นพบที่เก่าแก่ที่สุดมีอายุย้อนไปถึง 10 พันปีก่อนคริสต์ศักราช อี แต่อย่างเป็นทางการจุดเริ่มต้นของยุค Jomon คือ 4,500 ปีก่อนคริสตกาล อี เกี่ยวกับช่วงเวลานี้ เนโกกิต เขียนโพสต์ที่ดีมาก
เอกลักษณ์ของเครื่องปั้นดินเผาโจมงคือโดยปกติจะมีรูปลักษณ์ของเครื่องปั้นดินเผาควบคู่ไปกับการพัฒนา เกษตรกรรมบ่งบอกถึงจุดเริ่มต้นของยุคหินใหม่ อย่างไรก็ตาม แม้ในยุคหิน หลายพันปีก่อนการกำเนิดของเกษตรกรรม นักล่า Jomon ได้สร้างเครื่องปั้นดินเผาที่มีรูปร่างค่อนข้างซับซ้อน

แม้ว่าเครื่องปั้นดินเผาจะปรากฏตัวในยุคแรกๆ แต่ผู้คนในยุค Jomon ก็พัฒนาเทคโนโลยีได้ช้ามากและยังคงอยู่ในระดับเดียวกับยุคหิน

ในช่วงสมัยโจมงกลาง (2,500-1,500 ปีก่อนคริสตกาล) มีรูปปั้นเซรามิกปรากฏขึ้น แต่ในช่วงกลางและปลาย (1,000-300 ปีก่อนคริสตกาล) ยังคงเป็นนามธรรมและมีสไตล์สูง

จาก Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
สมัยโจมง 1,000-400ปีก่อนคริสตกาล
พิพิธภัณฑ์แห่งชาติโตเกียว

โดยวิธีการที่ ufologists เชื่อว่าเป็นภาพของมนุษย์ต่างดาว ในฟิกเกอร์เหล่านี้ พวกเขาเห็นชุดอวกาศ แว่นตา และหน้ากากออกซิเจนบนใบหน้า และภาพเกลียวบน "ชุดอวกาศ" ถือเป็นแผนที่ของกาแล็กซี

ช่วงยาโยอิ
ยาโยอิเป็นช่วงสั้นๆใน ประวัติศาสตร์ญี่ปุ่นมีอายุตั้งแต่ 300 ปีก่อนคริสต์ศักราชถึง 300 ปีก่อนคริสต์ศักราช ซึ่งเกิดการเปลี่ยนแปลงทางวัฒนธรรมที่น่าทึ่งที่สุดในสังคมญี่ปุ่น ในช่วงเวลานี้ชนเผ่าที่มาจากแผ่นดินใหญ่และพลัดถิ่น คนพื้นเมืองหมู่เกาะญี่ปุ่นได้นำวัฒนธรรมและเทคโนโลยีใหม่ๆ มาใช้ เช่น การปลูกข้าวและการแปรรูปทองสัมฤทธิ์ ศิลปะและเทคโนโลยีส่วนใหญ่ในยุคยาโยอินำเข้ามาจากเกาหลีและจีน

สมัยโคะฟุง
ระหว่าง 300 ถึง 500 ปี หัวหน้าเผ่าถูกฝังอยู่ในเนินดินที่เรียกว่า "โคฟุง" ช่วงเวลานี้ถูกเรียกด้วยชื่อนี้

สิ่งของที่คนตายต้องการจะถูกวางไว้ในหลุมฝังศพ เหล่านี้ได้แก่ อาหาร เครื่องมือและอาวุธ เครื่องประดับ เครื่องปั้นดินเผา กระจก และที่น่าสนใจที่สุด - รูปปั้นดินเผาที่เรียกว่า "ฮานิวะ"

จากโคไก โออิซึมิมาจิ กุมมะ H.68.5
สมัยโคฟุง ศตวรรษที่ 6
พิพิธภัณฑ์แห่งชาติโตเกียว

วัตถุประสงค์ที่แท้จริงของรูปแกะสลักยังไม่ทราบ แต่พบได้ในที่ฝังศพทั้งหมดในยุคโคฟุง จากรูปแกะสลักขนาดเล็กเหล่านี้ เราสามารถจินตนาการได้ว่าผู้คนใช้ชีวิตอย่างไรในเวลานั้น เนื่องจากผู้คนถูกวาดด้วยเครื่องมือและอาวุธ และบางครั้งก็อยู่ติดกับบ้าน

ประติมากรรมเหล่านี้ได้รับอิทธิพลจากประเพณีจีน มีองค์ประกอบที่เป็นอิสระซึ่งมีอยู่ในศิลปะท้องถิ่นเท่านั้น

นักเต้นรำหญิง ราชวงศ์ฮั่นตะวันตก (206 ปีก่อนคริสตกาล – ค.ศ. 9) ศตวรรษที่ 2 ก่อนคริสต์ศักราช
จีน
พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน นิวยอร์ก

ในช่วงสมัยโคฟุง รูปแกะสลักจะมีความประณีตมากขึ้นและแตกต่างออกไปมากขึ้นเรื่อยๆ เหล่านี้เป็นภาพของทหาร พราน นักร้อง นักเต้น และอื่นๆ

จาก Nohara, Konan-machi, Saitama ปัจจุบัน H. 64.2, 57.3
สมัยโคฟุง ศตวรรษที่ 6
พิพิธภัณฑ์แห่งชาติโตเกียว

มีคุณลักษณะอื่นของประติมากรรมเหล่านี้ Haniwa ไม่เพียงเป็นตัวแทน ฟังก์ชั่นทางสังคมแต่ยังรวมถึงอารมณ์ของรูปด้วย ตัวอย่างเช่นนักรบมีสีหน้าเคร่งขรึม และบนใบหน้าของชาวนาก็ยิ้มกว้าง

จาก Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130.5
สมัยโคฟุง ศตวรรษที่ 6
พิพิธภัณฑ์แห่งชาติโตเกียว

สมัยอาสึกะ
ตั้งแต่สมัยยาโยอิ ศิลปะญี่ปุ่นแยกไม่ออกจากศิลปะเกาหลีหรือจีน สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนที่สุดในศตวรรษที่เจ็ดและแปด เมื่อศิลปะญี่ปุ่นเริ่มพัฒนาอย่างรวดเร็วไปสู่ประเภทภาพที่หลากหลาย

ในศตวรรษที่ 6 การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเกิดขึ้นในสังคมญี่ปุ่น: ในที่สุดรัฐยะมะโตะแห่งแรกของญี่ปุ่นก็เป็นรูปเป็นร่างขึ้น และในปี 552 ศาสนาพุทธก็มาถึงญี่ปุ่น โดยนำประติมากรรมทางพุทธศาสนาและแนวคิดของวัดมาด้วย ซึ่งทำให้เกิดลักษณะที่ปรากฏ ของวัดในญี่ปุ่น - ทั้งชินโตและพุทธ
ศาลเจ้าชินโตตามสถาปัตยกรรมของยุ้งฉาง (ศาลเจ้าชินโตในยุคแรกสุดคือยุ้งฉางที่ใช้จัดงานฉลองการเก็บเกี่ยว ในระหว่างงานเลี้ยงพิธีกรรม ผู้คนเชื่อว่าเทพเจ้ากำลังร่วมงานเลี้ยงกับยุ้งฉาง)
เทพเจ้าชินโตเป็นพลังธรรมชาติเป็นหลัก ดังนั้นสถาปัตยกรรมของศาลเจ้าเหล่านี้จึงผสมผสานเข้ากับธรรมชาติ เช่น แม่น้ำและป่าไม้ นี่เป็นสิ่งสำคัญที่ต้องเข้าใจ ในสถาปัตยกรรมชินโต โครงสร้างที่มนุษย์สร้างขึ้นนั้นหมายถึงส่วนขยายของโลกธรรมชาติ

Shitennoji วัดพุทธแห่งแรกสร้างขึ้นในปี 593 ในโอซาก้าเท่านั้น วัดในยุคแรกนี้เลียนแบบวัดในศาสนาพุทธของเกาหลี ประกอบด้วยเจดีย์กลางล้อมรอบด้วยอาคารสามหลังและทางเดินในร่ม

การเผยแผ่พระพุทธศาสนาช่วยอำนวยความสะดวกในการติดต่อระหว่างญี่ปุ่นและเกาหลีกับจีน และการผสมผสานวัฒนธรรมจีนเข้ากับวัฒนธรรมญี่ปุ่น

สวัสดีตอนบ่ายผู้อ่านที่รัก! ฉันยังคงเลือกภาพยนตร์สารคดีเกี่ยวกับญี่ปุ่นที่ฉันแนะนำให้ดู ภาพยนตร์เช่นเดียวกับหนังสือช่วยให้คุณได้รู้จักวิถีชีวิต ความคิด และวัฒนธรรมของชาวแดนอาทิตย์อุทัย

ญี่ปุ่น ภาพยนตร์ศิลปะ:

1. จักรพรรดิซึ่งเป็นภาพยนตร์ร่วมระหว่างญี่ปุ่นและสหรัฐอเมริกา ออกฉายในปี 2555 ประเภท - ประวัติศาสตร์การทหาร กำกับโดย Pitter Webber ภาพยนตร์เรื่องนี้แสดงให้เห็นเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในญี่ปุ่นหลังสงครามโลกครั้งที่สอง เมื่อกองทหารอเมริกันมาถึงญี่ปุ่นเพื่อฟื้นฟูความสงบเรียบร้อย จับกุมอาชญากรสงคราม และกำหนดแนวทางการพัฒนาของญี่ปุ่นในอนาคต มุมมองของสถานการณ์นี้แสดงผ่านสายตาของนายพลชาวอเมริกันผู้หนึ่งที่รักหญิงสาวชาวญี่ปุ่นก่อนเกิดสงคราม เขาจำเป็นต้องกำหนดระดับความผิดของจักรพรรดิฮิโรฮิโตะแห่งญี่ปุ่นในการปลดปล่อยสงคราม

ภาพยนตร์เรื่องนี้มีความน่าสนใจจากมุมมองทางประวัติศาสตร์ เนื่องจากเป็นการแสดงให้เห็นถึงเหตุการณ์จริงในช่วงเวลานั้น และญี่ปุ่นไม่เพียงถูกนำเสนอในฐานะประเทศผู้รุกรานเท่านั้น แต่ยังเป็นประเทศที่ได้รับผลกระทบอีกด้วย เมืองต่างๆ ถูกทำลายและถูกเผาไหม้อย่างสมบูรณ์ ผู้คนหลายแสนคนถูกเผาในการระเบิดของระเบิดปรมาณู

2. ชินเซ็นกุมิปีที่ถ่ายทำคือ 1969 ผลิตในญี่ปุ่น กำกับโดย Tadashi Sawashima

ภาพยนตร์เรื่องนี้แสดงให้เห็น ปีที่แล้วในรัชสมัยของโชกุนโทะกุงะวะ เมื่อกองกำลังเล็กๆ ก่อตัวขึ้นจากกลุ่มซามูไรอิสระ (โรนิน) เพื่อปกป้องโชกุนคนสุดท้ายของตระกูลโทกุกาวะ ซึ่งเรียกว่าการปลดประจำการของตำรวจที่ประกาศตนเอง กองทหารของซามูไรผู้สิ้นหวังและกล้าหาญนี้นำโดย Kondo Isami ชาวนาโดยกำเนิด การปลดประจำการมีชื่อเสียงในด้านความคล่องแคล่วทางทหารที่ไม่มีใครเทียบได้ในการต่อสู้แบบประชิดตัว และแนวคิดเรื่องชัยชนะของผู้สำเร็จราชการเหนืออำนาจของจักรวรรดิ

ในหัวข้อเดียวกัน คุณจะพบสารคดีที่เล่าถึงเหตุการณ์ในช่วงเวลานั้นและให้การประเมินตามวัตถุประสงค์ของปฏิบัติการของกองกำลังชินเซ็นกุมิและผู้บัญชาการคอนโดะ อิซามิ ภาพยนตร์เรื่องนี้สร้างจาก เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์และภาพยนตร์สารคดีไม่ได้เปลี่ยนสาระสำคัญของภาพยนตร์สารคดี

3.ใบมีดที่ซ่อนอยู่ผลิตในประเทศญี่ปุ่น ออกฉายในปี 2547 กำกับโดย Yoji Yamada ประเภทของภาพยนตร์คือ ดราม่า, เมโลดราม่า ภาพยนตร์เรื่องนี้เกิดขึ้นใน กลางเดือนสิบเก้าในอาณาเขตเล็ก ๆ ของ Unasaku บนชายฝั่งตะวันตกเฉียงเหนือของญี่ปุ่น ในช่วงเวลานี้ การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่เกิดขึ้นในประเทศ ซามูไรถูกสร้างขึ้นใหม่ในแบบตะวันตก และเชี่ยวชาญการใช้อาวุธปืนและวิธีการทำสงครามแบบใหม่ ความขัดแย้งเริ่มขึ้นระหว่างวิถีชีวิตแบบเก่ากับสิ่งใหม่ๆ ที่เข้ามาครอบงำชีวิตชาวญี่ปุ่นอย่างรวดเร็ว

เบื้องหลังของความสัมพันธ์ระหว่างชายและหญิงภาพของซามูไรนั้นแสดงให้เห็นอย่างสงบเสงี่ยมซึ่งประกอบด้วยการปฏิบัติตามกฎแห่งเกียรติยศอย่างเคร่งครัดในศักดิ์ศรีและความซื่อสัตย์ หลังจากดูภาพยนตร์เรื่องนี้แล้ว คุณจะสรุปได้อีกครั้งว่าการเหมารวมว่าซามูไรคือกลุ่มผู้ทำสงครามนั้นผิด ในคำพูดของฮีโร่ของภาพยนตร์เรื่องนี้ "สำหรับซามูไร การฆ่าคนคนหนึ่งนั้นยากพอๆ กับคนอื่นๆ"

4. ของฉัน วันฝนตก, ผลิตในญี่ปุ่น 2552 ประเภทละคร ภาพยนตร์เรื่องนี้แสดงให้เห็นชีวิตของเด็กนักเรียนที่ทำเอ็นโจ-คาไซ ทุกอย่างเปลี่ยนไปเมื่อตัวละครหลักได้พบกับชายหนุ่มซึ่งเป็นครูสอนประวัติศาสตร์ ภาพยนตร์โรแมนติกเรื่องนี้บอกเล่าเกี่ยวกับการพัฒนาความสัมพันธ์ระหว่างพวกเขา หนังหวานซึ้งกินใจมาก

5. ความรักในระดับพิเศษ- ผลิตในญี่ปุ่น ผู้กำกับภาพยนตร์ Naoto Kumazawa ปีที่ออกฉาย 2014 แนวเมโลดราม่า

ทุกอย่างเริ่มขึ้นในโรงเรียนมัธยม คุรุรูกิ ยูนิ เป็นนักเรียนมัธยมปลาย ฉลาด เธอมีคะแนนสูงในทุกสาขาวิชายกเว้นภาษาอังกฤษ เธอเป็นคนเด็ดเดี่ยวและฉลาด ซ่อนอารมณ์ทั้งหมดไว้ลึก ๆ ในตัวเธอ และด้วยเหตุนี้เธอจึงรู้สึกเหงามาก

ซากุราอิ ครูสอนภาษาอังกฤษสาวมอบหมายชั้นเรียนประจำวันให้ยูนิ อะไรทำให้เขาทำ? ความปรารถนาที่จะสอนภาษา Kukuruki หรือความปรารถนาที่จะพาหญิงสาวออกจากเปลือกของเธอ แต่ไม่ว่าจะเป็นการเรียนพิเศษ ภาษาอังกฤษนำไปสู่ผลลัพธ์ที่ไม่มีใครคาดคิด ภาพยนตร์เรื่องนี้น่ารัก การกระทำทั้งหมดเป็นไปอย่างสบายๆ ด้วยชุดคำขั้นต่ำและการเล่นความรู้สึก นักแสดงที่สวยงาม, เงียบสงบ ดนตรีประกอบ. ออกแบบมาสำหรับผู้ชมหญิงวัยรุ่น อาจจะดูแน่นไปหน่อย.

6. ฉันอยากกอดคุณ- ผลิตในญี่ปุ่น กำกับภาพยนตร์ อากิฮิโกะ ชิโอโตะ ปีที่ออกฉาย 2557

เรื่องราวที่น่าเศร้าและน่าประทับใจของความสัมพันธ์ระหว่างชายหนุ่ม Masami และหญิงสาว Tsukasa มีพื้นฐานมาจาก เหตุการณ์จริง. ภาพยนตร์เรื่องนี้เกิดขึ้นที่เกาะฮอกไกโด อยู่มาวันหนึ่งกลุ่มนักเล่นบาสเก็ตบอลรุ่นเยาว์มาถึงโรงยิมซึ่งถูกจองไว้พร้อมกันโดยกลุ่มคนพิการ เหตุการณ์นี้ทำให้มาซามิคนขับแท็กซี่ซึ่งเล่นบาสเก็ตบอลมาตั้งแต่สมัยเรียนได้พบกับสึคาสะที่กลายเป็นผู้พิการเนื่องจากอุบัติเหตุทางรถยนต์

สึคาสะไม่ชอบการถูกปฏิบัติราวกับคนไร้ค่า หลังจากรอดชีวิตจากผลกระทบที่รุนแรงของอุบัติเหตุและค่อย ๆ ฟื้นคืนชีพ เธอก็แข็งแรงขึ้น มาซามิเป็นคนใจดีและอ่อนโยน ผู้ปกครองทั้งสองฝ่ายไม่เข้าใจความสัมพันธ์ของพวกเขา แต่ถึงกระนั้นคนหนุ่มสาวก็ยังพบกันต่อไป เมื่อตระหนักว่าความสัมพันธ์ของคนหนุ่มสาวพ่อแม่ที่จริงใจก็ตกหลุมรัก Tsukasa มีงานแต่งงานที่ยอดเยี่ยมของชายหนุ่มรูปหล่อและหญิงสาวในรถเข็น แต่ชีวิตก็มีทางของมันเอง ...

อาร์เตลิโน่

The Great Wave off Kanagawa โดย Katsushika Hokusai (1760-1849) เป็นหนึ่งในภาพพิมพ์ที่มีชื่อเสียงที่สุดและเป็นแผ่นแรกของชุดภาพทิวทัศน์ฟูจิสามสิบหกภาพ ในช่วงต้นทศวรรษ 1830 Katsushika Hokusai ซึ่งได้รับมอบหมายจากสำนักพิมพ์ Eijudo ได้เริ่มสร้างชุดจำนวน 46 แผ่น (หลัก 36 แผ่นและเพิ่มเติม 10 แผ่น) และ The Great Wave off Kanagawa เป็นงานแกะสลักที่เปิดทั้งชุด

คอลเลกชันของงานแกะสลักดังกล่าวให้บริการแก่ชาวเมืองในยุคนั้นเป็น " การเดินทางเสมือนจริง” วิธีตอบสนองความอยากรู้ - สะดวกและราคาไม่แพง ภาพพิมพ์ที่เหมือนฟูจิมีราคาประมาณ 20 จันทร์ ซึ่งเท่ากับบะหมี่สองส่วนในร้านอาหารญี่ปุ่นสมัยนั้น อย่างไรก็ตาม ความสำเร็จนั้นยิ่งใหญ่มาก จนในปี 1838 ราคาผ้าปูที่นอนของ Hokusai เพิ่มขึ้นเป็นเกือบ 50 จันทร์ และหลังจากการมรณกรรมของอาจารย์ Wave เพียงอย่างเดียวก็ได้รับการพิมพ์ซ้ำจากกระดานใหม่มากกว่า 1,000 ครั้ง

เป็นเรื่องน่าแปลกใจที่แม้เนื้อหาของซีรีส์ทั้งหมดจะกล่าวถึง แต่ Fuji in The Wave ก็เล่นได้เหมือนกัน บทบาทรอง. หัวหน้า " นักแสดงชาย” บนภาพสลักนี้เป็นคลื่น และในเบื้องหน้าฉากอันน่าทึ่งของการต่อสู้ของมนุษย์กับองค์ประกอบต่าง ๆ ก็เผยออกมา ขอบของยอดโฟมดูเหมือนนิ้วที่บิดเบี้ยวของปีศาจที่โกรธเกรี้ยวที่ยอดเยี่ยม และการไร้ใบหน้าและไร้การใช้งานของร่างมนุษย์ในเรือทำให้ไม่ต้องสงสัยเลยว่าใครจะเป็นผู้ชนะในการต่อสู้ครั้งนี้ อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่การเผชิญหน้าที่เป็นความขัดแย้งที่สร้างโครงเรื่องของการแกะสลัก
ด้วยการหยุดช่วงเวลาที่เรือล่ม โฮะคุไซทำให้ผู้ชมมองเห็นฟูจิชั่วครู่กับท้องฟ้าสีเทาที่มืดลงตรงขอบฟ้า แม้ว่าช่างแกะสลักชาวญี่ปุ่นจะคุ้นเคยกับหลักการของเส้นตรงแบบยุโรปและ มุมมองทางอากาศพวกเขาไม่รู้สึกว่าจำเป็นต้องมีการต้อนรับนี้ พื้นหลังสีเข้มตลอดจนการเดินทางที่ยาวไกลจากการจ้องมอง เบื้องหน้าด้วยเรือที่เคลื่อนผ่านคลื่นไปยังฟูจิ โน้มน้าวสายตาว่าภูเขาศักดิ์สิทธิ์ถูกแยกออกจากเราโดยทะเลที่กว้างใหญ่

ภูเขาไฟฟูจิตั้งตระหง่านอยู่ห่างไกลจากฝั่งเพื่อเป็นสัญลักษณ์ของความมั่นคงและความมั่นคง ซึ่งตรงกันข้ามกับองค์ประกอบที่มีพายุ ความเป็นเอกภาพและการพึ่งพาซึ่งกันและกันของสิ่งที่ตรงกันข้ามทำให้เกิดแนวคิดเรื่องระเบียบจักรวาลและความกลมกลืนอย่างแท้จริงในโลกทัศน์ ตะวันออกอันไกลโพ้นและพวกเขาเองที่กลายเป็นธีมหลักของการแกะสลัก "The Great Wave off Kanagawa" ซึ่งเปิดซีรีส์โดย Katsushika Hokusai

"ความงาม Nanivaya Okita" โดย Kitagawa Utamaro, 1795-1796

สถาบันศิลปะแห่งชิคาโก

Kitagawa Utamaro (1753-1806) สามารถเรียกได้อย่างถูกต้องว่าเป็นนักร้อง ความงามของผู้หญิงในการพิมพ์ภาษาญี่ปุ่น ukiyo-e: เขาสร้างภาพความงามแบบญี่ปุ่นจำนวนหนึ่ง ( บิจิงะ) - ผู้อาศัยในโรงน้ำชาและย่านบันเทิงโยชิวาระที่มีชื่อเสียงในเอโดะ เมืองหลวงของญี่ปุ่น เอโดะ — ชื่อของโตเกียวก่อนปี 1868.

ในการแกะสลักบิจินกะ ทุกสิ่งไม่ใช่สิ่งที่ผู้ดูสมัยใหม่ดูเหมือน ตามกฎแล้วสตรีผู้สูงศักดิ์ที่แต่งตัวหรูหรามีส่วนร่วมในงานฝีมือที่น่าละอายและเป็นของชนชั้นล่างและการแกะสลักด้วยภาพเหมือนของความงามมีหน้าที่โฆษณาอย่างเปิดเผย ในเวลาเดียวกันการแกะสลักไม่ได้ให้ความคิดเกี่ยวกับรูปลักษณ์ของหญิงสาวและแม้ว่า Okita จากโรงน้ำชา Nanivaya ใกล้วัด Asakusa ถือเป็นความงามครั้งแรกของเอโดะ แต่ใบหน้าของเธอในการแกะสลักก็คือ ไร้ซึ่งความเป็นปัจเจกบุคคลโดยสิ้นเชิง

ภาพผู้หญิงในภาษาญี่ปุ่น ศิลปกรรมตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 พวกเขาอยู่ภายใต้หลักการของความเรียบง่าย "เส้นตา จมูกงุ้ม" - เทคนิค ฮิเมะ-คากิฮานะอนุญาตให้ศิลปินระบุว่าเป็นภาพผู้หญิงบางคนเท่านั้น: เป็นภาษาญี่ปุ่น วัฒนธรรมดั้งเดิมคำถามเกี่ยวกับความงามทางกายภาพมักถูกมองข้ามไป ในผู้หญิง การเกิดอันสูงส่ง"ความงามของหัวใจ" และการศึกษามีค่ามากกว่ามากและผู้อยู่อาศัยในย่านที่ร่าเริงพยายามที่จะเลียนแบบมาตรฐานสูงสุดในทุกสิ่ง อุทามาโระกล่าวว่าโอคิตะมีความสวยงามอย่างแท้จริง

แผ่นงาน "Beauty Nanivaya Okita" พิมพ์ในปี พ.ศ. 2338-2339 ในซีรีส์เรื่อง "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets" ซึ่งนักเขียนคนหนึ่งในศตวรรษที่ 9 ได้กล่าวถึงความงามแต่ละอย่าง บนกระดาษที่มีรูปเหมือนของโอคิตะที่มุมซ้ายบนมีรูปของอาริวาระ โนะ นาริฮิระ (825-880) หนึ่งในกวีที่ได้รับความนับถือมากที่สุดในญี่ปุ่น ผู้ซึ่งนวนิยายเรื่องอิเสะ โมโนกาตาริมีที่มาจากนิยายดั้งเดิม ขุนนางผู้สูงศักดิ์และกวีที่เก่งคนนี้ก็มีชื่อเสียงในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ของเขาซึ่งบางส่วนเป็นพื้นฐานของนวนิยายเรื่องนี้

แผ่นนี้เป็นการใช้เทคนิคเฉพาะ เลียนแบบ(การเปรียบเทียบ) ในการแกะสลักของญี่ปุ่น คุณสมบัติของ "ต้นแบบ" ที่มีอำนาจนั้นถูกถ่ายโอนไปยังความงามที่ปรากฎ และโสเภณีที่สง่างามซึ่งมีใบหน้าที่สงบเสงี่ยมพร้อมเสิร์ฟชาแก่แขก ผู้ชมอ่านอยู่แล้วว่าเป็นสตรีผู้มีทักษะในบทกวีและการกระทำเกี่ยวกับความรัก การเปรียบเทียบกับอาริวาระ โนะ นาริฮิระถือเป็นการยอมรับอย่างแท้จริงถึงความเหนือกว่าของเธอในหมู่สาวงามเอโดะ

ในขณะเดียวกัน อุทามาโระก็สร้างภาพลักษณ์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ ได้อย่างน่าประหลาดใจ สร้างสมดุลของจุดมืดและสว่างบนใบไม้และร่างโครงร่างด้วยเส้นสายที่ไพเราะและสง่างาม เขาสร้างภาพแห่งความสง่างามและความกลมกลืนที่สมบูรณ์แบบอย่างแท้จริง "การโฆษณา" ลดลง และความงามที่อุทามาโระจับได้นั้นยังคงไร้กาลเวลา

ภาพยนตร์เรื่อง "Irises" โดย Ogata Korin ในปี 1710

Wikimedia Commons / พิพิธภัณฑ์ Nezu โตเกียว

ม่านตาไก่ 6 แผงคู่หนึ่ง ซึ่งปัจจุบันเป็นสมบัติของชาติญี่ปุ่น สร้างขึ้นโดย Ogata Korin (1658-1716) ประมาณปี 1710 สำหรับวัด Nishi Hongan-ji ในเกียวโต

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 การวาดภาพบนแผ่นผนังและหน้าจอกระดาษได้กลายเป็นหนึ่งในประเภทชั้นนำ มัณฑนศิลป์ประเทศญี่ปุ่น และ Ogata Korin ผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนศิลปะ Rimpa เป็นหนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด

หน้าจอในการตกแต่งภายในของญี่ปุ่นมีบทบาทสำคัญ พระราชวังที่กว้างขวางมีโครงสร้างไม่แตกต่างจากที่อยู่อาศัยของชาวญี่ปุ่นทั่วไป พวกเขาแทบไม่มีผนังภายใน และพื้นที่ถูกแบ่งโซนด้วยฉากกั้นแบบพับได้ สูงเพียง 1 เมตรครึ่งเล็กน้อย มุ้งลวดได้รับการออกแบบมาสำหรับประเพณีทั่วไปของญี่ปุ่นที่ทุกชนชั้นอาศัยอยู่บนพื้น ในญี่ปุ่น เก้าอี้สูงและโต๊ะไม่ได้ใช้จนถึงศตวรรษที่ 19 และความสูงของหน้าจอรวมถึงองค์ประกอบของภาพวาดนั้นได้รับการออกแบบมาสำหรับมุมมองของคนที่นั่งคุกเข่า ด้วยมุมมองนี้ทำให้เกิดเอฟเฟกต์ที่น่าอัศจรรย์: ไอริสดูเหมือนจะล้อมรอบคนที่นั่ง - และคน ๆ หนึ่งสามารถรู้สึกว่าตัวเองอยู่บนฝั่งแม่น้ำล้อมรอบด้วยดอกไม้

ไอริสถูกทาสีในลักษณะที่ไม่ใช่รูปร่าง - เกือบจะเป็นแนวอิมเพรสชันนิสต์ ลายเส้นกว้างของสีน้ำเงินเข้ม ไลแลค และอุบาทว์สีม่วงสื่อถึงความงดงามอันเขียวชอุ่มของดอกไม้ชนิดนี้ เอฟเฟ็กต์ที่งดงามได้รับการเสริมแต่งด้วยชิมเมอร์สีทองหม่นๆ ซึ่งตัดกับไอริส หน้าจอไม่ได้แสดงอะไรนอกจากดอกไม้ แต่เส้นเชิงมุมของการเจริญเติบโตแสดงให้เห็นว่าดอกไม้โค้งงอไปตามเส้นทางที่คดเคี้ยวของแม่น้ำหรือสะพานไม้ที่คดเคี้ยวไปมา เป็นเรื่องปกติที่ชาวญี่ปุ่นจะเห็นสะพานขาดหายไปจากหน้าจอ ซึ่งเป็น "สะพานแปดแผ่น" แบบพิเศษ ( ยาสึฮาชิ) ที่เกี่ยวข้องกับไอริสในคลาสสิก วรรณกรรมญี่ปุ่น. นวนิยายเรื่อง Ise Monogatari (ศตวรรษที่ 9) กล่าวถึงการเดินทางอันน่าเศร้าของวีรบุรุษที่ถูกขับไล่ออกจากเมืองหลวง หลังจากนั่งลงกับผู้ติดตามของเขาเพื่อพักผ่อนบนฝั่งแม่น้ำใกล้กับสะพาน Yatsuhashi ฮีโร่เห็นดอกไอริสจำที่รักของเขาและแต่งบทกวี:

ที่รักของฉันในเสื้อผ้า
สง่างามในเมืองหลวง
รักเหลือ...
และฉันคิดด้วยความปรารถนาว่าเท่าไหร่
ฉันอยู่ไกลจากเธอ... แปลโดย N.I. Konrad

“เขาจึงพับผ้า และทุกคนก็หลั่งน้ำตาบนข้าวแห้งของตน เพื่อให้มันพองตัวด้วยความชื้น” ผู้เขียนกล่าวเสริมและ พระเอกโคลงสั้น ๆการเล่าเรื่อง Arivara no Narihira

สำหรับชาวญี่ปุ่นที่มีการศึกษา ความเชื่อมโยงระหว่างดอกไอริสข้างสะพานกับอิเสะ โมโนกาตาริ ดอกไอริสกับธีมของความรักที่แยกจากกันนั้นชัดเจน และโอกาตะ โครินจะหลีกเลี่ยงการใช้คำฟุ่มเฟื่อยและภาพประกอบ ด้วยความช่วยเหลือของภาพวาดตกแต่ง เขาสร้างพื้นที่ในอุดมคติที่เต็มไปด้วยแสง สี และความหมายทางวรรณกรรมเท่านั้น

ศาลาทองคินคะคุจิ เกียวโต 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2549

วัดทองเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ของญี่ปุ่น ซึ่งแดกดันได้รับการยกย่องจากการทำลายล้างมากกว่าการก่อสร้าง ในปี 1950 พระที่มีอาการคุ้มดีคุ้มร้ายแห่งวัด Rokuonji ซึ่งเป็นที่ตั้งของอาคารแห่งนี้ ได้จุดไฟเผาสระน้ำที่อยู่บนพื้นผิวของวัด
ศาลา ในช่วงที่เกิดไฟไหม้ในปี พ.ศ. 2493 วัดเกือบถูกทำลาย งานบูรณะใน Kinkaku-ji เริ่มขึ้นในปี 1955 ในปี 1987 การก่อสร้างใหม่โดยรวมเสร็จสมบูรณ์ แต่การบูรณะการตกแต่งภายในที่หายไปทั้งหมดยังคงดำเนินต่อไปจนถึงปี 2003. แรงจูงใจที่แท้จริงของการกระทำของเขายังไม่ชัดเจน แต่ในการตีความของนักเขียน Yukio Mishima ความงามที่เกือบจะลึกลับของวัดนี้ไม่สามารถบรรลุได้ แท้จริงแล้ว วัดคินคะคุจิถือเป็นตัวอย่างความงามแบบญี่ปุ่นมาเป็นเวลาหลายศตวรรษ

ในปี 1394 โชกุนอาชิคางะ โยชิมิสึ (1358-1408) ผู้ซึ่งพิชิตญี่ปุ่นเกือบทั้งหมดตามความประสงค์ของเขา ได้เกษียณอย่างเป็นทางการและตั้งรกรากอยู่ในวิลลาที่สร้างขึ้นโดยเฉพาะทางตอนเหนือของเกียวโต อาคารสามชั้นบนทะเลสาบเทียม Kyokoti ("กระจกทะเลสาบ") มีบทบาทเหมือนอาศรม ศาลาเงียบสงบสำหรับการพักผ่อน อ่านหนังสือ และสวดมนต์ เป็นที่เก็บภาพวาดของโชกุน ห้องสมุด และวัตถุโบราณทางพุทธศาสนา Kinkakuji ตั้งอยู่บนผืนน้ำใกล้ชายฝั่ง มีเรือติดต่อกับชายฝั่งเท่านั้น และเป็นเกาะเดียวกับเกาะเทียมที่มีหินและต้นสนกระจายอยู่รอบๆ Kyokoti แนวคิดของ "เกาะแห่งสวรรค์" นั้นยืมมาจากตำนานจีนซึ่งในนั้น ที่พำนักแห่งสวรรค์ทำหน้าที่เป็นเกาะเผิงไหล เกาะแห่งอมตะ ภาพสะท้อนของศาลากลางน้ำได้กระตุ้นให้ชาวพุทธเกิดความคิดเกี่ยวกับธรรมชาติลวงตาของโลกมนุษย์ ซึ่งเป็นเพียงภาพสะท้อนที่ซีดเซียวของความงดงามของโลกความจริงทางพุทธศาสนา

แม้ว่าเสียงหวือหวาตามตำนานเหล่านี้จะเป็นการคาดเดา แต่ตำแหน่งของศาลาก็ให้ความกลมกลืนและกลมกลืนอย่างน่าทึ่ง การสะท้อนจะซ่อนความเตี้ยของอาคาร ทำให้สูงและบางลง ในเวลาเดียวกันมันเป็นความสูงของศาลาที่ทำให้สามารถมองเห็นได้จากริมฝั่งสระใด ๆ เสมอกับพื้นหลังสีเขียวเข้ม

อย่างไรก็ตาม ยังไม่เป็นที่แน่ชัดว่าศาลาหลังนี้ในรูปแบบเดิมเป็นสีทองเพียงใด อาจเป็นไปได้ว่าภายใต้ Ashikaga Yoshimitsu มันถูกปิดด้วยทองคำเปลวและชั้นเคลือบเงา แต่ถ้าคุณเชื่อในภาพถ่ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 และ Yukio Mishima จากนั้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 การปิดทองก็เกือบจะลอกออกและยังคงมองเห็นได้เฉพาะที่ชั้นบนของอาคารเท่านั้น เวลานี้เขาสัมผัสวิญญาณด้วยมนต์เสน่ห์แห่งความอ้างว้าง ร่องรอยแห่งกาลเวลา ไม่ย่อท้อต่อสิ่งสวยงามที่สุด เสน่ห์เศร้าโศกนี้สอดคล้องกับหลักสุนทรียศาสตร์ ซาบีเคารพอย่างสูงในวัฒนธรรมญี่ปุ่น

ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ความสง่างามของอาคารหลังนี้ไม่ได้ทำด้วยทองคำเลย ความงดงามของรูปทรงของวัดคินคะคุจิและความกลมกลืนอย่างไร้ที่ติกับภูมิทัศน์ทำให้ที่นี่เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของสถาปัตยกรรมญี่ปุ่น

ชาม "ไอริส" ในรูปแบบของ karatsu ศตวรรษที่ 16-17

ไดแอน มาร์ติโน /pinterest.com/พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก

คำ เมบุตสึ- สิ่งที่มีชื่อ มีเพียงชื่อของถ้วยใบนี้เท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้ เนื่องจากทั้งเวลาและสถานที่ในการสร้างที่แน่นอน และชื่อของปรมาจารย์ไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ อย่างไรก็ตาม มันถูกจัดให้เป็นสมบัติประจำชาติของญี่ปุ่นและเป็นหนึ่งใน ตัวอย่างชัดเจนเซรามิกในแบบประจำชาติ

ปลายศตวรรษที่ 16 พิธีชงชา ชา-โนะ-ยุเครื่องลายครามและเซรามิกจีนชั้นดีที่ถูกทิ้งร้างด้วยการเคลือบที่ชวนให้นึกถึงวัสดุล้ำค่า ความงามอันน่าตื่นตาของพวกเขาดูประดิษฐ์เกินไปและตรงไปตรงมาสำหรับปรมาจารย์ด้านชา สิ่งของที่สมบูรณ์แบบและมีราคาแพง - ชาม ภาชนะใส่น้ำ และถังใส่ชา - ไม่สอดคล้องกับหลักปฏิบัติทางจิตวิญญาณของพุทธศาสนานิกายเซ็น ซึ่งเกือบจะเป็นจิตวิญญาณของพิธีชงชา การปฏิวัติวงการชาอย่างแท้จริงคือการหันมาสนใจเครื่องปั้นดินเผาของญี่ปุ่น ซึ่งเรียบง่ายกว่าและไร้ศิลปะมากในช่วงเวลาที่โรงงานในญี่ปุ่นเพิ่งเริ่มเชี่ยวชาญในเทคโนโลยีเครื่องปั้นดินเผาแบบยุโรป

รูปร่างของชามไอริสนั้นเรียบง่ายและไม่สม่ำเสมอ ความโค้งเล็กน้อยของผนัง รอยบุบของช่างปั้นที่มองเห็นได้ทั่วร่างกายทำให้ชามดูไร้เดียงสา เศษดินถูกเคลือบด้วยแสงเคลือบด้วยเครือข่ายรอยแตก - craquelure ที่ด้านหน้าซึ่งกล่าวถึงแขกในระหว่างพิธีชงชา มีการใช้ภาพม่านตาภายใต้การเคลือบ: ภาพวาดนั้นดูไร้เดียงสา แต่ใช้พู่กันที่มีพลัง ราวกับอยู่ในการเคลื่อนไหวเดียวในจิตวิญญาณของเซน การประดิษฐ์ตัวอักษร ดูเหมือนว่าทั้งรูปแบบและการตกแต่งสามารถทำได้โดยธรรมชาติและไม่ต้องใช้กองกำลังพิเศษ

ความเป็นธรรมชาตินี้สะท้อนให้เห็นถึงอุดมคติ วาบิ- ความเรียบง่ายและความไร้ศิลปะทำให้เกิดความรู้สึกอิสระทางจิตวิญญาณและความสามัคคี บุคคลใดก็ตามหรือแม้แต่วัตถุที่ไม่มีชีวิตในมุมมองของสาวกชาวญี่ปุ่นที่นับถือศาสนาพุทธนิกายเซนล้วนมีธรรมชาติที่ตรัสรู้ของพระพุทธเจ้า และความพยายามของผู้เชี่ยวชาญก็มุ่งเป้าไปที่การค้นพบธรรมชาตินี้ในตัวเขาเองและโลกรอบตัวเขา สิ่งของที่ใช้ในพิธีชงชาสำหรับความซุ่มซ่ามทั้งหมดของพวกเขาควรทำให้เกิดประสบการณ์ที่ลึกซึ้งของความจริง ความเกี่ยวข้องของทุกช่วงเวลา ถูกบังคับให้มองดูรูปแบบธรรมดาที่สุดและเห็นความงามที่แท้จริงในตัวพวกเขา

สิ่งที่ตรงกันข้ามกับพื้นผิวหยาบของชามและความเรียบง่ายคือการบูรณะด้วยเครื่องเคลือบสีทองที่บิ่นเล็กน้อย (เทคนิคนี้เรียกว่า คินสึกิ). การบูรณะดำเนินการในศตวรรษที่ 18 และแสดงให้เห็นถึงความเคารพซึ่งปรมาจารย์ชาชาวญี่ปุ่นปฏิบัติต่อเครื่องใช้ในพิธีชงชา ดังนั้น พิธีชงชาจึงเป็น "หนทาง" ให้ผู้ร่วมงานได้ค้นพบความงามที่แท้จริงของสิ่งต่างๆ เช่น ชามดอกไอริส ความไม่ชัดเจน ความลับ ได้กลายเป็นพื้นฐานของแนวคิดสุนทรียะของวาบิและเป็นส่วนสำคัญของโลกทัศน์ของญี่ปุ่น

ภาพพระกันต์ซิน, นารา, 763

โทโชไดจิ, 2015

ในศตวรรษที่ 8 ประติมากรรมได้กลายเป็นรูปแบบหลักในการแสดงออกทางศิลปะในยุคนั้น ยุคนารา (ค.ศ. 710-794) ซึ่งเกี่ยวข้องกับการก่อตัวของรัฐญี่ปุ่นและการเสริมสร้างความเข้มแข็งของพุทธศาสนา ปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นได้ผ่านขั้นตอนการฝึกงานและการเลียนแบบเทคนิคและภาพแบบคอนติเนนตัลแบบตาบอดแล้วและเริ่มแสดงจิตวิญญาณแห่งเวลาของพวกเขาอย่างอิสระและชัดเจนในงานประติมากรรม การแผ่ขยายและเติบโตของอำนาจของพระพุทธศาสนาทำให้เกิดภาพประติมากรรมทางพุทธศาสนาขึ้น

หนึ่งในผลงานชิ้นเอกของประเภทนี้คือภาพเหมือนของ Gandzin ซึ่งสร้างขึ้นในปี 763 ทำขึ้นด้วยเทคนิคการลงรักแบบแห้ง (โดยการเคลือบแลคเกอร์เป็นชั้นๆ บนโครงไม้ที่หุ้มด้วยผ้า) ประติมากรรมขนาดเกือบเท่าตัวจริงถูกลงสีเหมือนจริง และในเวลาพลบค่ำของวัด กันจินนั่งในท่าทำสมาธิ "เหมือน ถ้ายังมีชีวิตอยู่” ความเหมือนจริงนี้เป็นหน้าที่หลักของลัทธิดังกล่าว: ครูต้องอยู่ภายในกำแพงของวัดโทไดจิในเมืองนาราเสมอและเข้าร่วมพิธีศักดิ์สิทธิ์ที่สำคัญที่สุด

ต่อมาในศตวรรษที่ 11-13 ประติมากรรมภาพเหมือนกลายเป็นภาพลวงตาที่แทบจะไร้ความปรานี แสดงให้เห็นความชราภาพที่ไม่แข็งแรงของครูบาอาจารย์ ปากที่ยุบ แก้มหย่อนคล้อย และรอยเหี่ยวย่นลึก ภาพบุคคลเหล่านี้มองดูผู้นับถือศาสนาพุทธด้วยดวงตาที่มีชีวิต ฝังด้วยหินคริสตัลและไม้ แต่ใบหน้าของ Gandzin ดูพร่ามัว ไม่มีโครงร่างที่ชัดเจนและรูปร่างที่ชัดเจนอยู่ในนั้น เปลือกตาของตาที่ปิดครึ่งหนึ่งและไม่มีเปลือกตาจะบวม ปากที่ตึงและร่องแก้มลึกแสดงถึงความระมัดระวังเป็นนิสัยมากกว่าการทำสมาธิ

คุณลักษณะทั้งหมดเหล่านี้เผยให้เห็นชีวประวัติอันน่าทึ่งของนักบวชผู้นี้ เรื่องราวของการบำเพ็ญตบะที่น่าอัศจรรย์และโศกนาฏกรรม กันจิน พระสงฆ์ชาวจีนได้รับเชิญไปญี่ปุ่นเพื่อร่วมพิธีถวายวัดโทไดจิ วัดใหญ่ที่สุดของนารา เรือลำนี้ถูกโจรสลัดจับ คัมภีร์ล้ำค่าและประติมากรรมทางพุทธศาสนาที่มีไว้สำหรับวัดญี่ปุ่นที่อยู่ห่างไกลถูกไฟไหม้ กันจินเผาใบหน้าของเขาและสูญเสียการมองเห็น แต่เขาไม่ได้ละทิ้งความปรารถนาที่จะเทศนาในเขตชานเมืองอันไกลโพ้นของอารยธรรมนั่นคือวิธีที่ญี่ปุ่นรับรู้โดยทวีปในเวลานั้น

ความพยายามอีกหลายครั้งที่จะข้ามทะเลก็จบลงด้วยวิธีที่ไม่ประสบความสำเร็จเช่นเดียวกัน และในความพยายามครั้งที่ห้า Ganjin วัยกลางคนตาบอดและป่วยก็มาถึงเมืองหลวงของญี่ปุ่นที่นารา

ในญี่ปุ่น Ganjin ไม่ได้สอนพุทธบัญญัติเป็นเวลานาน: เหตุการณ์ที่น่าทึ่งในชีวิตของเขาบั่นทอนสุขภาพของเขา แต่อำนาจของเขานั้นสูงมากจนบางทีก่อนที่เขาจะเสียชีวิตก็มีการตัดสินใจสร้างประติมากรรมของเขา ไม่ต้องสงสัยเลยว่าศิลปิน - พระพยายามที่จะให้ประติมากรรมมีความคล้ายคลึงกับแบบจำลองมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ แต่สิ่งนี้ไม่ได้ทำเพื่อช่วย รูปร่างของบุคคล แต่เพื่อบันทึกประสบการณ์ทางจิตวิญญาณของแต่ละคน เส้นทางที่ยากลำบากที่ Ganjin เดินผ่านและคำสอนทางพุทธศาสนาเรียกว่า

Daibutsu - พระใหญ่แห่งวัด Todaiji, Nara, กลางศตวรรษที่ 8

ทอดด์/flickr.com

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 8 ญี่ปุ่นประสบกับภัยพิบัติทางธรรมชาติและโรคระบาด แผนอุบายของตระกูลฟูจิวาระที่มีอิทธิพลและการก่อจลาจลที่พวกเขาหยิบยกขึ้นมาบีบให้จักรพรรดิโชมุต้องหนีออกจากเมืองหลวงซึ่งก็คือเมืองนารา เมื่อถูกเนรเทศเขาสาบานว่าจะปฏิบัติตามแนวทางของคำสอนทางพุทธศาสนาและในปี 743 สั่งให้เริ่มสร้างวัดหลักของประเทศและเริ่มหล่อมหึมา รูปปั้นทองสัมฤทธิ์พระพุทธไวโรจนะ (พระพุทธมหาอาทิตย์ หรือ แสงสว่างทั้งปวง) เทพองค์นี้ถือเป็นอวตารสากลของพระพุทธเจ้าศากยมุนี ผู้ก่อตั้งคำสอนทางพุทธศาสนา และควรจะเป็นผู้คุ้มครองจักรพรรดิและทั้งประเทศในช่วงที่เกิดความไม่สงบและการจลาจล

งานเริ่มขึ้นในปี 745 และจำลองมาจากพระพุทธรูปองค์ใหญ่ในวัดถ้ำหลงเหมินใกล้เมืองหลวงของจีน ลั่วหยาง รูปปั้นในนาราก็เหมือนกับพระพุทธรูปอื่นๆ ที่ควรจะแสดง "สัญญาณขนาดใหญ่และขนาดเล็กของพระพุทธเจ้า" ศีลสัญลักษณ์นี้ประกอบด้วยติ่งหูยาว ซึ่งชวนให้นึกถึงข้อเท็จจริงที่ว่าพระศากยมุนีพุทธเจ้ามาจากตระกูลขุนนางและตั้งแต่เด็กยังสวมตุ้มหูหนักๆ สูงบนพระเศียร (อัชนิชา) มีจุดบนหน้าผาก (โกศ)

ความสูงของรูปปั้นคือ 16 เมตร ความกว้างของใบหน้าคือ 5 เมตร ความยาวฝ่ามือที่ยื่นออกมาคือ 3.7 เมตร และโกศก็ใหญ่ขึ้น หัวมนุษย์. การก่อสร้างใช้ทองแดง 444 ตัน ดีบุก 82 ตัน และทองคำจำนวนมาก การค้นหาดำเนินการเป็นพิเศษในภาคเหนือของประเทศ มีการสร้างห้องโถง Daibutsuden รอบรูปปั้นเพื่อปกป้องศาลเจ้า ในพื้นที่เล็กๆ นั้น พระพุทธรูปนั่งค้อมศีรษะเล็กน้อยอยู่เต็มพื้นที่ แสดงให้เห็นหนึ่งในหลักสัจธรรมของพุทธศาสนา นั่นคือแนวคิดที่ว่าเทพมีอยู่ทุกหนทุกแห่งและแผ่ซ่านไปทั่ว โอบกอดและเติมเต็มทุกสิ่ง ความสงบอันยอดเยี่ยมของใบหน้าและท่าทางของหัตถ์ของเทพ (mudra ท่าทางของการให้ความคุ้มครอง) เติมเต็มความรู้สึกของความยิ่งใหญ่ที่เงียบสงบและพลังของพระพุทธเจ้า

อย่างไรก็ตาม มีเพียงไม่กี่ชิ้นที่หลงเหลือจากรูปปั้นดั้งเดิมในปัจจุบัน: ไฟและสงครามสร้างความเสียหายอย่างใหญ่หลวงต่อรูปปั้นใน XII และ ศตวรรษที่สิบหกและรูปปั้นสมัยใหม่ส่วนใหญ่แสดงถึงการหล่อในศตวรรษที่ 18 ระหว่างการบูรณะในศตวรรษที่ 18 รูปปั้นสำริดไม่ได้ปิดทองอีกต่อไป ความกระตือรือร้นทางพุทธศาสนาของจักรพรรดิโชมุในศตวรรษที่ 8 ทำให้คลังสมบัติหมดไปและทำให้ประเทศที่ตื่นตระหนกตกใจแทบหมดสิ้น และผู้ปกครองคนต่อมาก็ไม่สามารถจ่ายเกินควรได้อีกต่อไป

อย่างไรก็ตาม ความสำคัญของ Daibutsu นั้นไม่ได้อยู่ที่ทองคำหรือแม้แต่ในความถูกต้องที่เชื่อถือได้ - แนวคิดของการเป็นศูนย์รวมที่ยิ่งใหญ่ของคำสอนทางพุทธศาสนานั้นเป็นอนุสรณ์สถานในยุคที่ชาวญี่ปุ่น ศิลปะที่ยิ่งใหญ่ประสบกับความเฟื่องฟูอย่างแท้จริง ปลดปล่อยตัวเองจากการลอกเลียนแบบจำลองทวีปแบบตาบอด และประสบความสำเร็จในความสมบูรณ์และการแสดงออกซึ่งสูญหายไปในภายหลัง