ศิลปะของ Kievan Rus

อนุสาวรีย์สถาปัตยกรรมและภาพวาดรัสเซียโบราณส่วนใหญ่ที่เรารู้จักนั้นเป็นตัวแทนของศิลปะในโบสถ์ เนื่องจากคริสตจักรรัสเซียเป็นส่วนหนึ่งของอาณาจักรไบแซนไทน์ ศิลปะของคริสตจักรรัสเซีย แน่นอนว่า...

วัฒนธรรมของเบลารุสใน XIX - ต้นศตวรรษที่ XX

สถาปัตยกรรม. ด้วยการผนวกดินแดนเบลารุสเข้ากับจักรวรรดิรัสเซีย อิทธิพลของรูปแบบศิลปะรัสเซียที่มีต่อสถาปัตยกรรมในประเทศและวิจิตรศิลป์ก็เพิ่มมากขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่ง...

วัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 19

ในวิจิตรศิลป์ของรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เทียบกับศตวรรษที่ 18 พัฒนามุมมองใหม่เกี่ยวกับคุณค่าที่เป็นประชาธิปไตยมากขึ้น บุคลิกภาพของมนุษย์และโดยเฉพาะชายคนหนึ่งจากประชาชน ...

วัฒนธรรมของญี่ปุ่น

พารามิเตอร์หลักที่อธิบายถึงวัฒนธรรมใด ๆ ในประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติ ลักษณะ - พื้นที่และเวลานั้นถูกบันทึกครั้งแรกในงานศิลปะและพิธีกรรมของเขา ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของตำนานโบราณ...

การพัฒนาทางวัฒนธรรมของเบลารุสในยุคโซเวียต

กระบวนการทางเศรษฐกิจ สังคม-การเมือง และวัฒนธรรมที่ขัดแย้งกันที่เกิดขึ้นในดินแดนเบลารุสในช่วงหลังเดือนตุลาคม...

วรรณคดีและศิลปะของอียิปต์โบราณ

วิถีชีวิตแบบสังคมนิยมใหม่ในสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษที่ 20-40

ในช่วงเวลานี้มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในด้านทัศนศิลป์ แม้จะมีความจริงที่ว่าในปี ค.ศ. 1920 สมาคมนิทรรศการการเดินทางและสหภาพศิลปินรัสเซียยังคงมีอยู่...

ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของรัสเซียในศตวรรษที่ XX "Megaproject แบบจำลองของ Olympic Sochi" - โครงการวางแผนสำหรับ Sochi - เมืองหลวงของการแข่งขันกีฬาโอลิมปิกปี 2014 นอกจากนี้ยังมีนิทรรศการชั่วคราว 15-20 งานจากเมืองและพิพิธภัณฑ์ต่างๆ ของประเทศทุกปี...

วิวัฒนาการของการวาดภาพสัญลักษณ์ในศตวรรษที่ 18

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 50 ของศตวรรษที่ 18 ในชีวิตสาธารณะของยูเครนมีการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ที่เกี่ยวข้องกับความสัมพันธ์ในระบบศักดินาที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ในช่วงต้นทศวรรษที่ 80 ของศตวรรษที่ 18 การชำระบัญชีครั้งสุดท้ายของส่วนที่เหลือของยูเครนที่เป็นอิสระ ...

ยู.เค.โซโลตอฟ

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 มีการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในงานศิลปะของฝรั่งเศส จากแวร์ซายส์ ศูนย์ศิลปะค่อยๆย้ายไปปารีส ศิลปะในราชสำนัก ซึ่งมีการละทิ้งความเชื่อเรื่องสมบูรณาญาสิทธิราชย์ กำลังอยู่ในภาวะวิกฤติ ความโดดเด่นของภาพประวัติศาสตร์ไม่ได้ถูกแบ่งแยกอีกต่อไป ภาพบุคคลและองค์ประกอบประเภทมีมากขึ้นเรื่อย ๆ ในนิทรรศการศิลปะ การตีความเรื่องศาสนาทำให้เกิดลักษณะทางโลกที่นักบวชปฏิเสธที่จะยอมรับภาพวาดบนแท่นบูชาที่พวกเขาสั่ง (Susanna by Santerra)

แทนที่จะเป็นประเพณีทางวิชาการของโรมัน-โบโลญญา อิทธิพลของสัจนิยมแบบเฟลมิชและดัตช์ในศตวรรษที่ 17 เพิ่มขึ้น ศิลปินรุ่นเยาว์รีบไปที่พระราชวังลักเซมเบิร์กเพื่อคัดลอกวงจรของภาพวาดโดยรูเบนส์ ในคอลเลกชันส่วนตัวจำนวนมากที่เกิดขึ้นในเวลานี้มีผลงานของอาจารย์ชาวเฟลมิชดัตช์และเวนิสมากขึ้นเรื่อย ๆ ในทางสุนทรียศาสตร์ คำขอโทษสำหรับ "ความงามอันสูงส่ง" (เฟลิเบียน) พบกับการต่อต้านอย่างรุนแรงจากนักทฤษฎีที่เห็นอกเห็นใจกับภารกิจที่เหมือนจริง สิ่งที่เรียกว่า "การต่อสู้ของนักปูสซินิสต์และนักรูเบนส์" จบลงด้วยชัยชนะของโรเจอร์ เดอ เปียล ผู้ซึ่งเตือนให้ศิลปินนึกถึงความจำเป็นในการเลียนแบบธรรมชาติและชื่นชมอารมณ์ความรู้สึกของสีในการวาดภาพ วาทศิลป์เสียงแตกของนักวิชาการซึ่งสอดคล้องกับจิตวิญญาณแห่งเวลาของ "ราชาแห่งดวงอาทิตย์" ค่อยๆ ลดลงก่อนกระแสใหม่

ในช่วงเวลาวิกฤตนี้ ในช่วงเปลี่ยนผ่านของสองศตวรรษ เมื่ออุดมคติแบบเก่ากำลังพังทลายลง และแบบใหม่กำลังเป็นรูปเป็นร่างเท่านั้น ศิลปะของ Antoine Watteau (1684-1721) ก็ถือกำเนิดขึ้น

บุตรชายของช่างมุงหลังคาวาลองเซียนซึ่งไม่ได้รับการศึกษาอย่างเป็นระบบ วัตโตว์ไปปารีสราวปี 1702

ในช่วงสิบปีแรก - ช่วงแรกของการสร้างสรรค์ - เขาใช้ชีวิตและทำงานท่ามกลางจิตรกรและช่างแกะสลักที่แสดงฉากในชีวิตประจำวันและงานแกะสลัก "แฟชั่นและประเพณี" ซึ่งเป็นที่นิยมในหมู่ผู้ซื้อที่หลากหลาย ในการประชุมเชิงปฏิบัติการของช่างฝีมือที่คลุมเครือ เขาสร้างสำเนาจากจิตรกรประเภทชาวดัตช์ ในสภาพแวดล้อมเช่นนี้ ศิลปินหนุ่มไม่เพียงรับรู้ถึงภาษาเฟลมิชเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเพณีการวาดภาพระดับชาติที่พัฒนาขึ้นนอกกำแพงวิชาการด้วย และไม่ว่าศิลปะของ Watteau จะเปลี่ยนไปอย่างไรในภายหลัง ประเพณีเหล่านี้ได้ทิ้งร่องรอยไว้กับเขาตลอดไป สนใจใน คนธรรมดาความอบอุ่นของภาพการสังเกตและความเคารพต่อภาพร่างจากธรรมชาติ - ทั้งหมดนี้เกิดขึ้นในวัยหนุ่มของเขา

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Watteau ยังได้ศึกษาศิลปะการตกแต่ง แต่เพื่อน ๆ เน้นย้ำถึงรสนิยมของเขาที่มีต่อ "งานรื่นเริงของประเทศ การแสดงละคร และเครื่องแต่งกายสมัยใหม่" ผู้เขียนชีวประวัติคนหนึ่งกล่าวว่า Watteau "ใช้ทุกนาทีที่มีเวลาว่างเพื่อไปที่จัตุรัสเพื่อวาดฉากการ์ตูนต่างๆ ไม่น่าแปลกใจที่ครูชาวปารีสคนแรกของ Watteau คือ Claude Gillot ซึ่งได้รับการขนานนามว่าเป็น "ศิลปินแห่งวิชาสมัยใหม่" ที่ Academy ด้วยความช่วยเหลือของครูคนที่สอง - Claude Audran ซึ่งเป็นภัณฑารักษ์ของคอลเลกชันของพระราชวังลักเซมเบิร์ก Watteau ได้เรียนรู้มากมายเกี่ยวกับศิลปะโลกทำความคุ้นเคยกับ "Medici Gallery" โดย Rubens ในปี 1709 เขาพยายามที่จะชนะรางวัลโรม - มันให้สิทธิ์ในการเดินทางไปอิตาลี แต่การเรียบเรียงเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิลของเขาไม่ประสบผลสำเร็จ งานของ Watteau ในโรงงานของ Gillot และ Audran มีส่วนทำให้เขาสนใจแผงตกแต่ง ประเภทนี้เป็นลักษณะเฉพาะของทั้งหมด ภาพวาดฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ด้วยความแปลกประหลาดอันประณีตของเขา เขาได้รับอิทธิพลจากหลักการประพันธ์ของผลงานขาตั้งของศิลปิน ในทางกลับกัน องค์ประกอบสำคัญของศิลปะการตกแต่งแบบโรโกโกเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นเมื่อต้นศตวรรษภายใต้อิทธิพลของการค้นหาใหม่ๆ ของวัตโต

ในปี 1709 เดียวกัน Watteau ออกจากปารีสไปยังบ้านเกิดของเขาในวาลองเซียน ไม่นานก่อนที่เขาจะจากไป เขาได้แสดงการละเล่นประเภทหนึ่งของเขา เธอบรรยายถึงการแสดงของกองทหาร เห็นได้ชัดว่าประชาชนชอบเรื่องราวเหล่านี้ - อยู่ในวาลองเซียนซึ่งใกล้กับการต่อสู้ที่เกิดขึ้น (มีสงครามเพื่อสืบราชบัลลังก์สเปน) Watteau ยังคงทำงานต่อไป เช่นเดียวกับที่เขาทำหลังจากกลับไปปารีส

"ประเภทการทหาร" ของ Watteau ไม่ใช่ฉากของสงคราม ไม่มีความสยดสยองหรือโศกนาฏกรรมในตัวพวกเขา นี่คือจุดพักของทหาร ผู้ลี้ภัยที่เหลือ การเคลื่อนไหวของกองทหาร พวกเขาชวนให้นึกถึงประเภทที่สมจริงของศตวรรษที่ 17 และแม้ว่าจะมีความสง่างามหุ่นเชิดในร่างของเจ้าหน้าที่และผู้ลี้ภัย แต่เฉดสีของความซับซ้อนนี้ไม่ใช่สิ่งสำคัญในตัวพวกเขา ฉากเช่น "Bivouac" (มอสโก, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ตั้งชื่อตาม A. S. Pushkin) แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากภาพวาดการต่อสู้ในอุดมคติโดยความโน้มน้าวใจของเรื่องราวความร่ำรวยของการสังเกต การแสดงออกที่ลึกซึ้งของท่าทางท่าทางรวมกับบทกวีของภูมิทัศน์

ผลงานของ Watteau แทบไม่ได้รับการอัพเดท และเป็นการยากที่จะจินตนาการถึงวิวัฒนาการของผลงานของเขา แต่เห็นได้ชัดว่าในผลงานยุคแรก ๆ ของ "ประเภทสมัยใหม่" ของเขายังคงไม่มีความเศร้าโศกและความขมขื่นซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะที่เป็นผู้ใหญ่ของศิลปิน โครงเรื่องของพวกเขามีความหลากหลายมาก: "แนวทหาร" ฉากชีวิตในเมือง บทละคร (หนึ่งในนั้นถูกนำเสนอต่อ Academy ในปี 1712) ในบรรดาประเภทเพลงร่วมสมัยเหล่านี้ ได้แก่ Hermitage Savoyard ซึ่งมีความโดดเด่นในเรื่องการสอดแทรกบทเพลง

ในช่วงครึ่งแรกของปี 1710 Watteau สนิทสนมกับ Lesage นักเสียดสีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้น เขาได้รับการแนะนำให้รู้จักกับบ้านของเศรษฐีผู้โด่งดังและนักสะสม Crozat ซึ่งเขาได้เห็นผลงานชิ้นเอกของปรมาจารย์รุ่นเก่าหลายชิ้นและได้พบกับจิตรกรที่มีชื่อเสียงอย่าง Ruben (Charles de Lafosse และคนอื่นๆ)

ทั้งหมดนี้ค่อย ๆ เปลี่ยนจิตรกรประเภทช่างฝีมือ เช่นที่ Watteau อยู่ในช่วงปีต้น ๆ ของกรุงปารีส ให้กลายเป็นจิตรกรที่โด่งดังในงานเฉลิมฉลองที่กล้าหาญ เนื่องจากลูกค้าชนชั้นสูงของเขารู้จักเขา แต่การรับรู้ถึงชีวิตทำให้เกิดความรู้สึกขัดแย้งอย่างลึกซึ้ง ผสมผสานกับความฝันในบทกวีเกี่ยวกับความงามที่ไม่อาจบรรลุได้

สถานที่ที่สำคัญที่สุดในผลงานผู้ใหญ่ของ Watteau ถูกครอบครองโดยการเฉลิมฉลองที่กล้าหาญ ในนั้นเขาแสดงภาพ "การชุมนุม" แบบฆราวาสและการสวมหน้ากากในการแสดงละครซึ่งเขาสามารถเห็นได้จากผู้มีพระคุณของศิลปะ Crozat แต่ถ้างานเฉลิมฉลองที่กล้าหาญของ Watteau ไม่ใช่จินตนาการที่บริสุทธิ์และแม้แต่ภาพเหมือนของเพื่อนและลูกค้าก็พบอยู่ในนั้น โครงสร้างเชิงอุปมาอุปไมยของพวกเขาจะพาผู้ชมเข้าสู่โลกที่ห่างไกลจากชีวิตประจำวัน นั่นคือ "งานเลี้ยงแห่งความรัก" (เดรสเดน) - ภาพของสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษในสวนสาธารณะใกล้กับรูปปั้นของอโฟรไดท์กับกามเทพ จากรูปหนึ่งไปยังอีกรูปหนึ่ง จากกลุ่มหนึ่งไปยังอีกกลุ่มหนึ่ง ความแตกต่างเล็กน้อยของอารมณ์เหล่านี้จะแทนที่กันและกันอย่างกะทันหัน สะท้อนการผสมสีที่เปราะบางในเส้นสายที่นุ่มนวลของภูมิทัศน์ จังหวะเล็ก ๆ - สีเขียวและสีน้ำเงิน, สีชมพูและสีเทามุก, สีม่วงและสีแดง - รวมกันเป็นความสามัคคีที่สั่นไหวและอ่อนโยน การเปลี่ยนแปลงของโทนสีอ่อนเหล่านี้ให้ความรู้สึกถึงการสั่นสะเทือนเล็กน้อยของพื้นผิวที่มีสีสันของภาพวาด แถวของต้นไม้วางเหมือนหลังเวทีละคร แต่ความโปร่งใสของกิ่งก้านที่สั่นไหวและยืดหยุ่นในอากาศทำให้หลังเวทีมีระยะห่าง Watteau อาศัยอยู่ในนั้นด้วยตัวเลข และผ่านลำต้นของต้นไม้สามารถมองเห็นได้ในระยะไกล มีเสน่ห์ที่แปลกประหลาดเกือบจะโรแมนติก ความสอดคล้องกันระหว่างอารมณ์ของตัวละครและภูมิทัศน์ในภาพวาดของ Watteau เป็นพื้นฐานของบทบาทสำคัญของงานศิลปะของเขาในการพัฒนาการวาดภาพทิวทัศน์ในศตวรรษที่ 18 การค้นหาอารมณ์ดึง Watteau ไปสู่มรดกของ Rubens สิ่งนี้แสดงให้เห็นในองค์ประกอบที่เป็นตำนาน - ตัวอย่างเช่น "Jupiter and Antiope" แต่ความหลงใหลของรูเบนเซียนทำให้เกิดความอิดโรยเศร้าหมองความรู้สึกที่สมบูรณ์ - เงาที่สั่นไหว อุดมคติทางศิลปะของ Watteau ทำให้นึกถึงแนวคิดของ Montesquieu ที่ว่าความงามไม่ได้แสดงออกมาทางใบหน้ามากนัก เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวที่ไม่เด่น

วิธีการของจิตรกรมีลักษณะตามคำแนะนำที่เขาให้กับไลคร่าลูกศิษย์ของเขา: "อย่าเสียเวลาอยู่กับครูคนใดต่อไป เดินหน้าต่อไป มุ่งความสนใจไปที่ครูของครู - ธรรมชาติ ไปที่ชานเมืองปารีสและวาดภาพทิวทัศน์ที่นั่นจากนั้นร่างภาพบางส่วนและสร้างภาพตามจินตนาการและทางเลือกของคุณเอง” ( “นายช่างเกี่ยวกับศิลปะ” เล่มที่ ๑ ม.-ป.พ.ศ. ๒๔๙๓ หน้า ๕๙๗). การผสมผสานทิวทัศน์เข้ากับตัวเลข การเพ้อฝัน และการเลือก Watteau ให้ความสำคัญกับองค์ประกอบต่าง ๆ ที่เขาสร้างภาพวาดมาเป็นแรงจูงใจทางอารมณ์ที่โดดเด่น ในงานเฉลิมฉลองที่กล้าหาญ รู้สึกถึงการแยกตัวของศิลปินจากภาพที่ปรากฎ มันเป็นผลมาจากความแตกต่างอย่างลึกซึ้งระหว่างความฝันของจิตรกรกับความไม่สมบูรณ์ของชีวิต และถึงกระนั้น Watteau ก็ดึงดูดบทกวีที่ละเอียดอ่อนที่สุดของการเป็นอยู่อย่างสม่ำเสมอ ไม่ใช่เพื่ออะไรที่งานศิลปะของเขามีลักษณะเฉพาะของละครเพลงมากที่สุด และตัวละครมักจะฟังท่วงทำนองที่คลุมเครือและแทบจะมองไม่เห็น นั่นคือเมตเซติน (ราว ค.ศ. 1719; นิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน) นั่นคือ Louvre Finette ซึ่งเต็มไปด้วยความคิดเหม่อลอย

อารมณ์ที่ละเอียดอ่อนของผลงานของ Watteau เป็นการพิชิตที่ปูทางสำหรับศิลปะแห่งศตวรรษไปสู่ความรู้ของสิ่งที่ Delacroix เรียกว่า "พื้นที่ของความรู้สึกที่คลุมเครือและความเศร้าโศก" แน่นอน ขอบเขตแคบๆ ที่การค้นหาของจิตรกรพัฒนาขึ้นทำให้มีข้อจำกัดในการค้นหาเหล่านี้อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ศิลปินรู้สึกได้ ผู้เขียนชีวประวัติบอกว่าเขารีบเร่งจากแผนหนึ่งไปอีกแผนหนึ่ง ก่อกวนตัวเอง ผิดหวังอย่างรวดเร็วในสิ่งที่เขาทำ ความไม่ลงรอยกันภายในนี้เป็นภาพสะท้อนของความไม่ลงรอยกันในงานศิลปะของ Watteau

ในปี 1717 Watteau ได้นำเสนอภาพวาดขนาดใหญ่ "แสวงบุญสู่เกาะ Cythera" (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ให้กับ Academy ซึ่งเขาได้รับตำแหน่งนักวิชาการ นี่คือหนึ่งในองค์ประกอบที่ดีที่สุดของเขา ดำเนินการในเฉดสีทองที่งดงามชวนให้นึกถึงชาวเวนิส ซึ่งทำให้เกิดโทนสีเงินอมน้ำเงิน สุภาพสตรีและสุภาพบุรุษฆราวาสกำลังเคลื่อนตัวไปตามไหล่เขาไปยังเรือปิดทองซึ่งแสดงตนว่าเป็นผู้แสวงบุญแห่งเกาะ Cythera - เกาะแห่งความรัก (ตามตำนานกรีกเทพธิดาแห่งความรัก Aphrodite ถือกำเนิดขึ้น) คู่รักติดตามกันไปมา ราวกับกำลังเลือกธีมของภาพโดยเปลี่ยนเฉดสีทางอารมณ์ การเคลื่อนไหวที่เริ่มต้นจากรูปปั้นของอโฟรไดท์ใต้กิ่งก้านของต้นไม้สูง แผ่ออกไปตามจังหวะที่เร่งขึ้น ความโศกเศร้าและความสงสัยทำให้เกิดความกระตือรือร้น แอนิเมชัน และสุดท้ายคือการเล่นที่แปลกประหลาดของคิวปิดที่กระพือปีกอยู่เหนือเรือ การเปลี่ยนแปลงที่แทบจะมองไม่เห็นของความรู้สึกที่เปราะบางและเปลี่ยนแปลงได้การเล่นที่สั่นคลอนของลางสังหรณ์ที่คลุมเครือและความปรารถนาที่ไม่แน่ใจ - นั่นคือพื้นที่ของบทกวีของ Watteau ที่ปราศจากความแน่นอนและพลังงาน ความคมชัดของการรับรู้ความแตกต่างของความรู้สึกทำให้นึกถึงคำพูดของวอลแตร์ที่ส่งถึงนักเขียนบทละคร Marivaux เกี่ยวกับ "เส้นทางของหัวใจมนุษย์" ซึ่งตรงกันข้ามกับ "เส้นทางที่ยิ่งใหญ่" ของเขา ใน "การจาริกแสวงบุญสู่เกาะไซเธอรา" สีสันอันวิจิตรงดงามของวัตโตว์นั้นน่าทึ่งมาก การเคลื่อนไหวที่สั่นสะเทือนเบา ๆ ของแปรงสร้างความรู้สึกคล่องตัวของรูปแบบ ความตื่นเต้นที่สั่นไหว ทุกสิ่งถูกแทรกซึมไปด้วยแสงที่กระจายอย่างนุ่มนวลผ่านมงกุฎแสงของต้นไม้ โครงร่างของระยะทางภูเขาละลายในหมอกควันโปร่งสบาย การเน้นสีอ่อนของผ้าสีส้ม สีเขียวอ่อน และสีแดงอมชมพูของเสื้อผ้าจะสว่างขึ้นตัดกับพื้นหลังสีทอง ศิลปะชวนฝันของ Watteau นั้นเต็มไปด้วยเสน่ห์แห่งบทกวีที่พิเศษ ซึ่งเปลี่ยน "การเฉลิมฉลองที่กล้าหาญ" อย่างน่าอัศจรรย์ที่คนร่วมสมัยของเขาดูมีมารยาทและห่างไกล

บทประพันธ์หลายบทของ Watteau ชวนให้นึกถึงฉากการแสดงละคร ซึ่งตัวละครมีชีวิตที่แปลกประหลาด การแสดงเพื่อตัวเองในวัยชรา แต่ก็ยังเป็นที่รักในหัวใจของพวกเขา บทบาทจากบทละครที่ตลกและเศร้า แต่เนื้อหาที่แท้จริงของการแสดงสมัยใหม่ยังกำหนดความสนใจของ Watteau ในโรงละครและแผนการแสดงละคร มีหลายคนไม่เพียง แต่ในงานแรกของศิลปินเท่านั้น ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา งานที่สำคัญที่สุดของวัฏจักรนี้ได้ปรากฏขึ้น ในหมู่พวกเขาคือ The Italian Comedians (Berlin) ซึ่งเขียนขึ้นหลังปี 1716 เมื่อนักแสดงชาวอิตาลีกลับไปปารีสและถูกไล่ออกจากฝรั่งเศสในปลายศตวรรษที่ 17 เนื่องจากโจมตีเสียดสีกลุ่มที่ปกครองประเทศ ในฉากสุดท้ายของการแสดง โดยอาศัยแสงจากคบเพลิงและตะเกียง ร่างของเมตเซตินที่เย้ยหยันกิลส์ ฮาร์ลีควินที่มีชีวิตชีวา นักแสดงหญิงที่อ่อนโยนและตุ้งติ้งโผล่ออกมาจากพลบค่ำ ต่อมาเมื่อพิจารณาจากลักษณะภาพแล้วภาพของนักแสดงของ French Comedy (New York, Beit collection) - ตอนหนึ่งของการแสดงของโรงละครนี้ซึ่งอย่างน้อยก็จนถึงปี 1717 รูปแบบที่ผึ่งผาย การแสดงที่ถูกครอบงำและเยาะเย้ยโดย Lesage ในหนังสือเล่มแรกของ Gil Blas กององค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมและความวิจิตรงดงามของเครื่องแต่งกายช่วยเสริมความน่าสมเพชที่ตลกขบขันของ "ชาวโรมัน" ที่จิตรกรถ่ายทอดออกมาอย่างละเอียด (ซึ่งในตอนนั้นนักแสดงของ French Comedy Theatre ถูกเรียกอย่างแดกดัน) กิริยาท่าทางและท่าทางไร้สาระของพวกเขา การเปรียบเทียบดังกล่าวเผยให้เห็นทัศนคติของศิลปินต่อเหตุการณ์ในชีวิตต่องานศิลปะ

แต่งานที่โดดเด่นที่สุดของ Watteau ที่เกี่ยวข้องกับโรงละครคือ Gilles (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) การแก้ปัญหาเชิงองค์ประกอบของภาพขนาดใหญ่นี้ค่อนข้างลึกลับและทำให้เกิดการตีความที่ขัดแย้งกันอยู่เสมอ ท่ามกลางฉากหลังที่เป็นท้องฟ้าสดใสและต้นไม้สีเขียวเข้ม ร่างของนักแสดงในชุดขาวลอยขึ้น หมวกสีเทาล้อมกรอบใบหน้าของเขา สายตาสงบจับจ้องไปที่ผู้ชม มือของเขาถูกลดระดับลง ด้านหลังเนินที่มีลักษณะเหมือนทางลาดที่ Gilles ยืนอยู่ เพื่อนช่างฝีมือของเขาตั้งอยู่ พวกเขาดึงลาด้วยเชือก โดยมี Scapin แสยะยิ้มอยู่บนนั้น การคืนชีพของกลุ่มนี้ด้วยความเปรียบต่างที่ จำกัด เน้นย้ำถึงความเข้มข้นของ Gilles ที่ไม่เคลื่อนไหว ความไม่ลงรอยกันขององค์ประกอบของร่างของกิลส์และตัวละครของแผนการที่สองที่ไม่เกี่ยวข้องกับเขาด้วยการกระทำใด ๆ สามารถอธิบายได้ด้วยข้อสันนิษฐานที่น่าสนใจว่าภาพนี้ถูกประหารชีวิตเพื่อเป็นสัญญาณของฤดูกาลที่ยุติธรรมของโรงละครตลกอิตาลี จากนั้นก็เป็นที่ชัดเจนว่าทำไม Gilles ซึ่งเป็นที่ชื่นชอบของสาธารณชนจึงพูดกับผู้ชมและมองเห็นต้นสนอิตาลีในแนวนอน ในโรงภาพยนตร์ที่ยุติธรรมมักจะแขวนป้ายดังกล่าว ตัวเอกของภาพปรากฏในสภาวะนั่งสมาธิครุ่นคิด ในที่สุดธรรมชาติขององค์ประกอบจะถูกกำหนดอย่างแม่นยำโดยการผสมผสานที่ขัดแย้งกันระหว่างการดึงดูดใจต่อโลกและชีวิตภายในอันซับซ้อนที่ลึกซึ้งในตนเอง ซึ่งเผยให้เห็นตัวเองในเฉดสีทางอารมณ์ที่ละเอียดอ่อน คิ้วที่เลิกขึ้นเล็กน้อยเปลือกตาที่บวมหนักปิดรูม่านตาเล็กน้อยและริมฝีปากขยับเล็กน้อย - ทั้งหมดนี้ทำให้ใบหน้าของนักแสดงแสดงออกเป็นพิเศษ มีความเย้ยหยันที่น่าเศร้าอยู่ในตัวเขา มีความหยิ่งผยองซ่อนอยู่ และความตื่นเต้นที่ซ่อนอยู่ของบุคคลที่สามารถครอบครองหัวใจของผู้คนได้

ลักษณะที่งดงามของ Gilles ถูกประหารชีวิตเป็นพยานถึงความหลากหลายในการค้นหาของ Watteau ไปจนถึงนวัตกรรมทางศิลปะของเขา งานก่อนหน้านี้ทำด้วยพู่กันที่บางและแข็ง จังหวะเบาๆ เล็กๆ เป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า หนืด นูน เป็นเหลี่ยมเล็กน้อย ราวกับพันอยู่บนรูปร่างและโครงร่างของวัตถุ แสงระยิบระยับบนพื้นผิว ระยิบระยับด้วยเฉดสีมุกล้ำค่ามากมาย - สีขาวซีด เขียวอมฟ้า ม่วง ชมพู เทามุก และเหลือง หอยมุกที่ไหลล้นเหล่านี้ก่อให้เกิดคนร่วมสมัยแต่งเรื่องตลกว่า Watteau ไม่ล้างพู่กันและหยิบสีจากหม้อซึ่งผสมกันทั้งหมด เฉดสีอันน่าทึ่งผสมผสานเข้ากับการเคลือบที่ดีที่สุด Delacroix เรียกเทคนิคของ Watteau ว่าน่าทึ่งโดยอ้างว่า Flanders และ Venice ถูกรวมเข้าด้วยกัน

สำหรับ "Gilles" โทนสีที่อยู่ถัดจากสเกลสีทองของ "Pilgrimage to the Island of Cythera" นั้นดูเย็นกว่า ออกสีน้ำเงิน เช่นเดียวกับสีของผลงานชิ้นหลังๆ ของ Watteau ที่สัมพันธ์กับยุค "ทอง" ก่อนหน้า ภาพเขียนอย่างกว้างขวางมากกว่าการเฉลิมฉลองที่กล้าหาญ รู้สึกถึงการเคลื่อนไหวของสีอย่างอิสระและที่สำคัญที่สุดคือเงาสีบนเสื้อผ้าสีขาวของนักแสดง - เหลือง, น้ำเงิน, ม่วงและแดง นี่คือการค้นหาที่กล้าได้กล้าเสีย แนวโน้มที่สมจริงที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น รวมอยู่ในภาพวาดจำนวนมากของปรมาจารย์อย่างเด่นชัด

Graphics Watteau เป็นหนึ่งในหน้าที่โดดเด่นที่สุดของศิลปะฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ศิลปินมักจะวาดด้วยสามสีโดยใช้ดินสอสีดำอิตาลี ร่าเริง และชอล์ค ภาพวาดของเขาขึ้นอยู่กับการสังเกตสด พวกมันถูกสร้างขึ้นสำหรับภาพวาดในอนาคต ซึ่งตัวศิลปินเองไม่ได้เรียกมันเหมือนที่เราเรียกมันในตอนนี้ แต่ยกตัวอย่าง: "ภาพขนาดเล็กที่แสดงถึงสวนที่มีตัวเลขแปดตัว" ในกราฟิกของ Watteau เราพบกับตัวเลขต่างๆ เหล่านี้: ขุนนางและขอทาน, ทหารและสตรีผู้สูงศักดิ์, พ่อค้าและชาวนา - คอลเลกชันขนาดใหญ่ของประเภทต่างๆ ซึ่งต่อมามี "ตัวเลขของตัวละครต่างๆ" ที่แกะสลักไว้จำนวนสี่เล่ม ภาพร่างของแผงตกแต่งการวาดภาพทิวทัศน์ที่สง่างามนั้นยอดเยี่ยม แต่หัวของผู้หญิงนั้นดีเป็นพิเศษ - ในเทิร์นต่าง ๆ การเคลื่อนไหวที่ถ่ายทอดความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนซึ่งจิตรกรชื่นชมมาก เป็นการค้นหาท่าทาง ท่าทาง ที่จำเป็นสำหรับภาพวาด แต่ภาพวาดเหล่านี้มีเนื้อหาที่ลึกซึ้งซึ่งได้รับคุณค่าที่สมจริงอย่างอิสระ จังหวะแสงและเส้นหยักสร้างพื้นที่ใหม่ การสะท้อนแสงแบบเลื่อน การสะท้อนแสงของผ้าที่แวววาว ความอ่อนโยนของหมอกควันในอากาศ ภาพวาดของ Watteau มีเสน่ห์เชิงกวีที่ลึกซึ้งเช่นเดียวกับในภาพวาดของเขา

งานชิ้นสุดท้ายของ Watteau คือป้ายสำหรับร้านขายของเก่าของ Gersin (ประมาณปี 1721; เบอร์ลิน) ภาพนี้ได้รับการชื่นชมจาก Watteau ซึ่งมักจะไม่พอใจตัวเอง

แขวนอยู่เหนือร้านของ Gersin เพียงสิบห้าวัน ป้ายของ Watteau ดึงดูดความสนใจจากสาธารณชน เธอวาดภาพภายในร้านนี้โดยมีผู้มาเยี่ยมชมตามปกติ: สตรีผู้สูงศักดิ์และขุนนางที่ติดตามพวกเขา โดยมีเจ้าของและคนรับใช้ใส่ภาพวาดที่ซื้อไว้ในกล่อง ความสนใจของแขกและเจ้าบ้านถูกดูดซับโดยงานศิลปะดังนั้นใน "Sign of Gersin" จึงมีบรรยากาศพิเศษของอารมณ์ความรู้สึกที่ยอดเยี่ยมซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานของ Watteau ในนั้นมันถูกทำให้เป็นรูปธรรมมากขึ้นกว่าเดิมด้วยการเล่าเรื่องที่มีชีวิตชีวาและเป็นจริง ซึ่งการประชดประชันเล็กน้อยถูกแทนที่ด้วยความอ่อนโยนของโคลงสั้น ๆ ใกล้กับกล่องที่วางรูปเหมือนของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 มีสามัญชนที่เยาะเย้ย ขุนนางชั้นสูงกำลังมองดูนางไม้เปลือยกายในภาพอภิบาลขนาดใหญ่ และในกลุ่มแรก ท่าทางอันสง่างามของสตรีที่ได้รับการดูแลเป็นอย่างดีทำให้ดูสุภาพเรียบร้อย มารยาทที่ขี้อายเล็กน้อยของภรรยาสาวของ Gersin ร้านค้าเหมือนเวทีเปิดสู่ถนน จากร่างของหญิงสาวในชุดสีชมพูที่เดินเข้ามาภายใน การพัฒนาของโครงเรื่องเริ่มต้นขึ้น ห่วงโซ่ของการเคลื่อนไหวและการหมุนลักษณะเฉพาะขององค์ประกอบของ Watteau การสลับจังหวะของฉาก mise-en-และ caesuras เชิงพื้นที่ระหว่างพวกเขา ความมีชีวิตชีวาของท่าทางและท่าทางพลาสติกนั้นเชื่อมโยงกับการพัฒนาเรื่องเล่าแรงจูงใจที่เป็นรูปธรรมของการสื่อสารทางอารมณ์ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของวิธีการสร้างสรรค์ของจิตรกร ความกลมกลืนของสีที่เปราะบางและละเอียดอ่อนทำให้เกิดความยับยั้งชั่งใจและความมั่นใจในพลาสติก

"สัญลักษณ์แห่งเกอร์ซิน" เป็นเรื่องราวที่สื่อความหมายเกี่ยวกับผู้คนในยุคนั้น โดยคาดการณ์ถึงการพิชิตความสมจริงครั้งใหม่ในศตวรรษที่ 18 แต่การเสียชีวิตก่อนวัยอันควรของศิลปินซึ่งเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2264 ได้ขัดขวางการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ที่ขัดแย้งและรวดเร็วของเขาซึ่งกำหนดอย่างมากในการวาดภาพฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18

ผลงานของวัตโตมีอิทธิพลอย่างมากต่อจิตรกรในช่วงต้นศตวรรษที่ 18 นักเรียนของเขาพยายามที่จะพัฒนาประเพณีของศิลปะของเขา - Pater ผู้ติดตามโดยตรงของเขาที่ขี้ขลาดที่สุด มุ่งความสนใจไปที่ Antoine Quillard และ Nicola Lancre ซึ่งเป็นศิษยาภิบาลที่ยกย่องแผนการที่กล้าหาญเพียงผิวเผินและรูปแบบใหม่ของการพัฒนา ประเภทครัวเรือน. นักวิชาการ Carl Vanloo และคนอื่นๆ ชื่นชอบ "แนวความกล้าหาญ" แต่ผลกระทบของ Watteau ต่อศิลปะฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 กว้างกว่ามาก: เขาเปิดทางไปสู่วิชาสมัยใหม่, การรับรู้ที่เพิ่มขึ้นของเฉดสีโคลงสั้น ๆ ของความรู้สึก, การสื่อสารบทกวีกับธรรมชาติ, ความรู้สึกของสีที่ละเอียดอ่อน

หลังจาก Watteau ซึ่งยืนอยู่บนขอบของสองศตวรรษ ความขัดแย้งระหว่างแนวโน้มต่างๆ ที่เกี่ยวข้องกับพลังดิ้นรนของสังคมเริ่มปรากฏชัดขึ้นในงานศิลปะฝรั่งเศส ในแง่หนึ่ง ในช่วงปี 1720-1730 ศิลปะโรโคโคซึ่งเกิดขึ้นก่อนหน้านี้กำลังเป็นรูปเป็นร่าง มันเกิดขึ้นในสัดส่วนโดยตรงกับหลักการใหม่ของสถาปัตยกรรมและการตกแต่งสถาปัตยกรรม เมื่อวงดนตรีขนาดใหญ่ถูกแทนที่ด้วยคฤหาสน์ส่วนตัวของชนชั้นสูง และงานศิลปะเริ่มถูกตีความว่าเป็นเครื่องประดับเล็กๆ น้อยๆ ที่หรูหราซึ่งตกแต่งภายในขนาดเล็กของคฤหาสน์เหล่านี้ ในท้ายที่สุด ธรรมชาติของลัทธินิยมนิยมแบบโรโกโก การลดลงของความสนใจในคุณค่าทางปัญญาของศิลปะ มีความเกี่ยวข้องกับการเสื่อมถอยของวัฒนธรรมอันสูงส่งในช่วงเวลาที่อธิบายด้วยคำว่า "หลังจากเรา - แม้แต่น้ำท่วม" ในศิลปะของทศวรรษนี้ อัตราส่วนของประเภทและประเภทกำลังเปลี่ยนไป - จิตรกรรมเชิงประวัติศาสตร์และศาสนากำลังอยู่ในภาวะวิกฤต ถูกแทนที่ด้วยแผงไม้ประดับและของตกแต่ง พรมและภาพวาดขนาดเล็กที่แสดงภาพฉาก ฤดูกาล และสัญลักษณ์เปรียบเทียบของศิลปะ

ความรุ่งเรืองของสไตล์โรโคโคเริ่มขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1730-1740; ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของรูปแบบนี้ในทัศนศิลป์คือการตกแต่งภายในโรงแรม Soubise ในกรุงปารีสที่งดงามราวกับภาพวาด วงดนตรีนี้ถูกสร้างขึ้นในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1730 โดยความร่วมมือของปรมาจารย์ที่โดดเด่นหลายคน - สถาปนิก Beaufran, ประติมากร - ทั้ง Adanov และ Lemoine, จิตรกร Boucher, Tremoliere, Vanloo และ Natoire หนึ่งในการตกแต่งภายในที่ดีที่สุดของคฤหาสน์คือห้องโถงรูปไข่ของชั้นบนที่เรียกว่า Princess Salon หน้าต่างโค้งขนาดใหญ่ที่มองเห็นลานภายในสลับกับประตูและกระจกที่มีรูปร่างและความสูงเท่ากัน การใช้กระจกในองค์ประกอบของการตกแต่งภายในไม่ได้ทำให้ยิ่งใหญ่เหมือนใน Mirror Gallery of Versailles ซึ่งวางกระจกไว้ตรงกับหน้าต่าง ในห้องโถงวงรี แสงสะท้อนทำให้การตกแต่งภายในมีความซับซ้อน ทำให้เกิดรูปแบบเชิงพื้นที่ในจินตนาการ และภาพลวงตาของช่องเปิดที่ไม่สมมาตรจำนวนมากทำให้ Princess Salon ดูเหมือนศาลาในสวน การตกแต่งภายในเน้นด้วยสีขาว สีอ่อนที่สวยงาม - ชมพูและฟ้าอ่อน - เสริมความประทับใจของความสว่างและความสง่างาม เหนือส่วนโค้งของประตูและหน้าต่างมีลวดลายปูนปั้นปิดทอง รูปคิวปิด กิ่งไม้ที่พันกัน และแผงตกแต่งของ Natuara ซึ่งเชื่อมต่อกันด้วยพวงมาลัยที่แปลกตา รูปแบบแสงที่หยักเป็นคลื่นนี้ช่วยซ่อนขอบเขตระหว่างผนังและเพดาน ในขณะที่พวงมาลัยที่ยื่นไปทางดอกกุหลาบกลางเพดานช่วยเติมเต็มระบบการตกแต่ง ภาพวาดของ Natuara ที่อุทิศให้กับเรื่องราวความรักของกามเทพและไซคี กลายเป็นส่วนหนึ่งของลวดลาย ซึ่งเป็นองค์ประกอบของการตกแต่งที่สง่างาม จังหวะหยักที่ราบรื่นของเครื่องประดับสถาปัตยกรรมของการตกแต่งภายในยังผ่านเข้าไปในองค์ประกอบของภาพวาดโดยเชื่อมโยงตัวเลขกับลวดลายตกแต่ง

ความคลั่งไคล้แบบโรโคโคเป็นที่ประจักษ์ในความเย้ายวนโดยเจตนาของแผนการ, ผลกระทบของการเคลื่อนไหว, การปรับแต่งสัดส่วนและความอ่อนโยนของเฉดสี - ชมพู, เขียว, น้ำเงิน ทิศทางการวาดภาพนี้แพร่หลายในการตกแต่งภายในซึ่งสะท้อนถึงลักษณะทั่วไปของวัฒนธรรมอันสูงส่งของศตวรรษที่ 18

การตกแต่งภายในของ Soubise Hotel เช่นเดียวกับคฤหาสน์อื่น ๆ ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษ คือการผสมผสานของสถาปัตยกรรม ภาพวาด ประติมากรรม และศิลปะประยุกต์ที่ประณีตและเป็นธรรมชาติ การตกแต่งปูนปั้นชั้นดีโดยประติมากร Erpen ผสมผสานกับแผง Tremoliere และ Boucher ที่งดงามเหนือประตู วัสดุบุผิวสีบรอนซ์หรูหราประดับประตูและเตาผิงหินอ่อน ผ้าสีเขียวอ่อนและสีแดงเข้มที่ปิดผนังปักด้วยลวดลายสีทอง เฟอร์นิเจอร์ไม้แกะสลักสไตล์โรโคโค ภาพสเก็ตช์ที่นักตกแต่งชื่อดัง Meissonier และ Oppenor ทำขึ้น มีน้ำหนักเบาและหลากหลาย รูปทรงแปลกตาเหมือนเครื่องประดับตกแต่ง ส่วนรองรับโค้งดูไม่มั่นคง

เฟอร์นิเจอร์ขนาดใหญ่และโอ่อ่าของศตวรรษที่ 17 หลีกทางให้กับเก้าอี้อาบแดด เก้าอี้เท้าแขนและโซฟา ตู้ลิ้นชักขนาดเล็ก และโต๊ะคอนโซล พวกเขาถูกปกคลุมไปด้วยงานแกะสลักที่ละเอียดอ่อนในรูปแบบของม้วนหนังสือ เปลือกหอยและช่อดอกไม้ ภาพวาดที่แสดงลวดลายจีนและงานอภิบาล และงานฝัง เฉกเช่นลวดลายในเครื่องลายคราม rocaille ที่ทิ้งช่อง "สำรอง" ไว้อย่างอิสระ ในเฟอร์นิเจอร์สีบรอนซ์ซ้อนทับก็ตีกรอบพื้นผิวที่มักไม่ได้รับการตกแต่ง ซึ่งประกอบด้วยไม้ล้ำค่าในเฉดสีต่างๆ พร้อมพวงมาลัยสีอ่อน การออกแบบและการตกแต่งที่แปลกตาช่วยขจัดความชัดเจนของโครงร่าง ความเล็กและความประณีตที่สอดคล้องกับลักษณะของการตกแต่งภายใน หนึ่งในผู้ผลิตเฟอร์นิเจอร์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนี้คือ Jacques Caffieri

การตกแต่งภายในแบบโรโกโกยังโดดเด่นด้วยพรมที่ทำขึ้นที่โรงงานพรมและโรงงาน Beauvais โดยใช้กระดาษแข็งของ Jean Beren, Claude Audran, Jean Francois de Troy, Francois Boucher และจิตรกรคนอื่นๆ หัวเรื่องของพวกเขาคือฉากที่กล้าหาญและทุ่งหญ้า การล่าสัตว์และฤดูกาล ลวดลายจีน (“ชุดจีน”) หลังเชื่อมโยงกับความอุดมสมบูรณ์ของผ้าและเครื่องลายครามที่นำมาจากตะวันออก ความสอดคล้องกันของสีสันสดใสและเครื่องประดับที่สง่างามแบบเบา ๆ เป็นเรื่องปกติสำหรับพรมในยุคนี้ซึ่งออกแบบมาเพื่อตกแต่งภายในของ Rocaille ผู้เขียนพรมสำหรับพรมมักเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านแผงตกแต่ง ในบรรดามัณฑนากรในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ช่างแกะสลัก Jean Verberkt (การตกแต่งภายในของแวร์ซาย) และจิตรกร Christophe Hue (การตกแต่งภายในของปราสาทใน Shan) มีความโดดเด่น

ประดิษฐ์ขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 เครื่องลายครามเนื้ออ่อนของฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษพัฒนาอย่างช้าๆ และมักเป็นของเลียนแบบ (โรงงานของ Saint Cloud, Chantilly และ Mennessy) ในความเป็นจริง เฉพาะในช่วงกลางศตวรรษเท่านั้นที่การผลิตเครื่องลายครามดั้งเดิมเฟื่องฟู - ใน Vincennes และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในโรงงาน Sevres ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 เทคนิคของเงิน (Thomas Germain และปรมาจารย์คนอื่น ๆ ) ได้รับการพัฒนามากขึ้นเช่นเดียวกับสิ่งของที่ทำด้วยทองสัมฤทธิ์ - นาฬิกา, girandoles และ sconces, แจกันและโคมไฟตั้งพื้น สำหรับเครื่องลายคราม ผลิตภัณฑ์ของ Vincennes มีความเกี่ยวข้องกับผลงานของ Duplessis และ Boucher ตามภาพวาดที่พวกเขาทำขึ้น ความเฟื่องฟูของโรงงาน Sevres ที่ตามมาซึ่ง Falcone ทำงานอยู่ก็เป็นผลมาจากกิจกรรมของ Boucher ด้วยเช่นกัน ในบริเวณนี้ทักษะอันประณีตของมัณฑนากร rocaille แสดงออกมาอย่างเป็นธรรมชาติที่สุด แสดงในกลางศตวรรษที่ 18 ใน Sevres ตามภาพร่างของเขา ประติมากรรมชิ้นเล็กๆ ที่ทำจากบิสกิตพอร์ซเลนไม่เคลือบอาจเป็นสิ่งที่ดีที่สุดในสิ่งที่เขาได้ทำ ความละเอียดอ่อนของโคลงสั้น ๆ และความสง่างามที่สง่างามเป็นลักษณะโวหารที่เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะการตกแต่งประเภทอื่น ๆ ในยุคนั้น หลังจาก Boucher และ Falcone เวิร์กช็อปงานประติมากรรมของ Sevres นำโดย Le Rich จากนั้น Boiseau ที่ ประติมากรชาวฝรั่งเศสและในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ ความสนใจในรูปแบบศิลปะพลาสติกยังคงอยู่ แบบจำลองสำหรับ Sevres สร้างโดย Sali, Pigalle, Clodion และอื่น ๆ

François Boucher (1703-1770) ถือว่าตัวเองเป็นสาวกของ Watteau เขาเริ่มต้นด้วยการแกะสลักภาพวาดของเขา แต่มีความแตกต่างพื้นฐานระหว่างเนื้อหาที่ลึกซึ้งของงานศิลปะของ Watteau กับการตกแต่งภายนอกของผลงานของ Boucher ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ผู้นำเทรนด์รสนิยมทางศิลปะในฝรั่งเศส ในการแกะสลักของ Boucher ฉากประเภททั่วไปของ Watteau กลายเป็นภาพสะเปะสะปะที่ประดับประดา จากนั้นหลักการที่คล้ายกันได้รวมไว้ในภาพประกอบหนังสือแบบโรโคโค - บทความสั้นและตอนจบที่ประดับประดาหนังสือด้วยรูปแบบที่วิจิตรงดงาม ร่วมกับ Lancret, Pater และ Eisen Boucher เขาได้แกะสลักภาพวาดสำหรับเทพนิยายของ Lafontaine นี่คือสิ่งที่เรียกว่าชุด Larmessen ซึ่งดำเนินการโดยใช้เทคนิคผสมผสานระหว่างสิ่วและการแกะสลัก

ภาพวาดของ Boucher นั้นไม่ได้มีจิตวิญญาณเหมือนของ Watteau แต่ก็แสดงออกและสื่ออารมณ์ในแบบของพวกเขาเอง ด้วยความสง่างามของการเขียนพู่กันเกือบจะสร้างภาพวาดสีน้ำและบิสโทรที่เรียกว่า "The Mill" (A. S. Pushkin Museum of Fine Arts) องค์ประกอบของภาพวาดได้รับการตกแต่งอย่างเด่นชัด - แม่น้ำ ต้นไม้ และเมฆก่อตัวเป็นเส้นโค้ง คล้ายกับเครื่องประดับของยุคนี้ ในองค์ประกอบภูมิทัศน์ของ Boucher แต่ปราศจากความจริงและความมึนเมาอย่างจริงใจกับธรรมชาติ มีการแต่งเนื้อร้อง พวกเขามีชีวิตชีวาด้วยแรงจูงใจที่นำมาจากชีวิตประจำวัน นอกจากภาพสเก็ตช์สำหรับพรมและเครื่องเคลือบดินเผา งานแกะสลักและภาพวาดแล้ว Boucher ยังวาดภาพภาพวาดขาตั้งจำนวนมาก โดยเชื่อมโยงกันด้วยหลักการเดียวกันกับการตกแต่งภายในของ Rocaille เขาเป็นผู้สร้างที่แท้จริงของประเภทงานอภิบาลของฝรั่งเศส ซึ่งแสดงภาพคนเลี้ยงแกะผู้กล้าหาญและผู้เลี้ยงแกะที่น่ารัก หรือตอนกระตุ้นอารมณ์ของตำนานโบราณ ศิษยาภิบาลของ Boucher นั้นหวาน พวกเขาทำหน้าที่เป็นตัวอย่างของแฟชั่นชั้นสูงที่ซาบซึ้งสำหรับ "ฉากในชนบท" เช่น พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ "Sleeping Shepherdess" (1745), "The Bathing of Diana" (1742) และงานอื่นๆ ที่แสดงถึงหุ่นเชิดในภูมิทัศน์ที่สง่างาม มันเป็น "ศิลปะแห่งความสุข" มันต้องการทำให้พอใจ แต่ไม่รบกวน ในวัยหนุ่ม ระหว่างการเดินทางในอิตาลี Boucher ได้นำเทคนิคการวาดภาพของ Tiepolo มาใช้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งความอ่อนของจานสี ร่างของนางไม้ของเขาดูเหมือนจะเปล่งแสงอ่อนๆ ออกมา เงาและเส้นขอบจะกลายเป็นสีชมพู สีที่ไม่เป็นธรรมชาติของ Boucher เป็นลักษณะเฉพาะของช่วงเวลาที่พวกเขามองหาเฉดสีที่สวยงามและหายาก ซึ่งมักมีชื่อแปลก ๆ เช่น "คอนกพิราบ" "คนเลี้ยงแกะขี้เล่น" "สีของเวลาที่หายไป" "แม่หม้ายผู้ร่าเริง" และแม้แต่ "สีของ ต้นขาของนางไม้จอมกวน". ความไม่ชอบมาพากลของสไตล์การวาดภาพของ Boucher นักวิชาการระดับปรมาจารย์ยังรวมถึงข้อเท็จจริงที่ว่าเขามุ่งไปที่ องค์ประกอบเชิงวิชาการของสามเหลี่ยมและพีระมิดพร้อมกับโครงร่าง rocaille ที่ไม่สมมาตรนั้นคาดเดาได้ในภาพวาดของเขา เหตุผลที่เย็นชานี้ยังทำให้ Boucher แตกต่างจาก Watteau และโรงเรียนของเขา ไม่เอนเอียงตามโคตรที่จะมองธรรมชาติอย่างใกล้ชิด Boucher แย้งว่าเธอขาดความสามัคคีและเสน่ห์ว่าเธอไร้ความสมบูรณ์แบบและแสงน้อย เห็นได้ชัดว่าในภาพวาดของเขาเขาพยายามทำให้มีสีสันและสว่างมาก - ชมพูและน้ำเงิน ไม่น่าแปลกใจที่มารยาทของ Boucher ถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างหนัก เป็นที่ทราบกันดีว่าการประเมินงานศิลปะของเขาในทางลบโดยผู้รู้แจ้ง

รอบ Boucher ซึ่งในช่วงกลางศตวรรษที่เป็นปรมาจารย์ชั้นนำของ Rococo ศิลปินหลายคนในทิศทางนี้ถูกจัดกลุ่ม - Charles Joseph Natoire, Pierre Charles Tremolier, Karl Vanloo, จิตรกรผู้กล้าหาญรุ่นเก่า - Charles Antoine Coypel, Jean Marc Nattier .

ประติมากรรมในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 เช่นเดียวกับการวาดภาพขึ้นอยู่กับหลักการของการตกแต่งภายใน ที่ Hotel Soubise desudéportes ดำเนินการด้วยความโล่งใจ ไม่ต้องพูดถึงร่างของคิวปิดที่ถักทอเป็นเครื่องประดับปูนปั้น กลุ่มเทพปกรณัมและรูปปั้นครึ่งตัวที่ตั้งตระหง่านอยู่ภายในสะท้อนถึงประติมากรรมประดับ แต่ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 18 ในด้านประติมากรรม ประเพณีของโรงเรียนแวร์ซายนั้นแข็งแกร่งด้วยความยิ่งใหญ่และขอบเขตเชิงพื้นที่ ช่างฝีมือหลายคนที่ทำงานในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษได้ดำเนินการตามคำสั่งสำหรับสวนแวร์ซายส์ Marly ซึ่งเป็นวงดนตรีที่ยิ่งใหญ่ของชาวปารีสที่สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 17 Guillaume Coustou the Elder (1677-1746) ประหารชีวิตฝูงม้า Marley ที่เต็มไปด้วยพลังและการแสดงออก ตอนนี้ยืนอยู่ที่จุดเริ่มต้นของ Champs Elysees ในปารีส นอกจากนี้เขายังเป็นเจ้าของรูปปั้นด้านหน้าและแก้วหูหลักของพอร์ทัลของ Les Invalides - Mars, Minerva และ Louis XIV ท่ามกลางตัวเลขเชิงเปรียบเทียบ

Edme Bouchardon (1698-1762) นักเรียนของ Coust ทำงานที่แวร์ซายเช่นกัน และสำหรับการก่อตัวของทักษะของโรงเรียนพระราชวังที่ยิ่งใหญ่มีบทบาท ในบรรดาผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Bouchardon คือรูปปั้นขี่ม้าที่หายไปของ Louis XV ซึ่งครั้งหนึ่งเคยตั้งอยู่ใจกลางจัตุรัสที่มีชื่อเดียวกัน (ปัจจุบันคือ Place de la Concorde) รวมถึงน้ำพุขนาดใหญ่บนถนน Grenelle ของกรุงปารีส ( 1739-1745). ในงานของนายคนนี้มีการกำหนดเทคนิคทางศิลปะใหม่ เขาปลดปล่อยตัวเองจากความหนักเบาของรูปแบบและความเอิกเกริกของผ้าม่าน ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของลัทธิคลาสสิกของแวร์ซายส์ตอนปลาย และเชี่ยวชาญในธีมโคลงสั้น ๆ ความสง่างามของการเคลื่อนไหว ความอ่อนโยนของการเปลี่ยนแสงและเงา ความเป็นดนตรีของบทละครที่ยืดหยุ่น คุณลักษณะเหล่านี้ยังโดดเด่นด้วยตัวเลขเชิงเปรียบเทียบที่ประดับน้ำพุบนถนน Rue Grenelle เป็นองค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมและประติมากรรมขนาดใหญ่ที่คล้ายกับส่วนหน้าของบ้าน ชั้นล่างที่เป็นสนิมทำหน้าที่เป็นแท่นสำหรับชั้นบนตรงกลางมีเครื่องหมาย Ionic portico ของชั้นบนทั้งสองด้านมีซอกที่มีรูปปั้นใต้ซอกมีภาพนูนต่ำนูนสูง นี่คืออนุสาวรีย์ที่ตั้งอยู่ตรงทางแยกของยุคสมัย: ผนังเว้าที่มีส่วนตรงกลางที่ยื่นออกมาทำให้นึกถึงความแปลกตาของเลย์เอาต์ rocaille; ในภาพเชิงเปรียบเทียบของแม่น้ำและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพสีสรร มุขซึ่งทำหน้าที่เป็นศูนย์กลางขององค์ประกอบรวมเข้าด้วยกันทำให้เกิดความเข้มงวดและความยับยั้งชั่งใจซึ่งผิดปกติสำหรับ Rococo ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งของบูชาร์ดอนคือรูปปั้นกามเทพ (ค.ศ. 1739-1750; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์)

ที่สำคัญที่สุด คุณลักษณะของสไตล์โรโกโกแสดงออกมาในงานของ Jean Baptiste Lemoine (1704-1778) พื้นที่หลักของงานของเขาคือพลาสติกตกแต่งและรูปปั้นครึ่งตัวโดยเฉพาะ เขาเป็นหนึ่งในช่างแกะสลักที่ทำงานที่โรงแรม Soubise - เขาเป็นเจ้าของตัวเลขเชิงเปรียบเทียบที่นั่น ในรูปปั้นครึ่งตัวของเด็กสาวจากคอลเลกชันของ Hermitage (Leningrad) ความไม่สมมาตรที่สง่างามขององค์ประกอบความนุ่มนวลของเส้นความสง่างามของการเคลื่อนไหวที่ตุ้งติ้ง - คุณสมบัติทั้งหมดนี้ของพรสวรรค์ของ Lemoine กำหนดบทบาทของเขาตามแบบฉบับมากที่สุด จิตรกรแนวโรโคโคซึ่งมอบของขวัญที่เป็นโคลงสั้น ๆ และความละเอียดอ่อนในการรับรู้ แต่ไม่พยายามที่จะเปิดเผยความซับซ้อนของตัวละคร

พร้อมๆ กับพัฒนาการของศิลปะโรโคโกในจิตรกรรมฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 1730-1740 ทิศทางที่แตกต่างและเป็นจริงกำลังเกิดขึ้นซึ่งเกี่ยวข้องกับแนวคิดของฐานันดรที่สาม

Jean Baptiste Siméon Chardin (1699 - 1779) ศึกษากับนักวิชาการระดับปริญญาโท (Pierre Jacques Case, Noel Nicolas Coypel, Jean Baptiste Vanloo) ในเวิร์กช็อปของ Kaz เขาต้องคัดลอกภาพวาดของอาจารย์เป็นเวลานาน ในเวลาต่อมา เขาหวนนึกถึงช่วงเวลานี้: “เราใช้เวลาทั้งวันทั้งคืนข้างแสงตะเกียงต่อหน้าธรรมชาติที่ไม่มีชีวิตซึ่งเคลื่อนไหวไม่ได้ ก่อนที่พวกมันจะให้ธรรมชาติที่มีชีวิตแก่เรา จู่ๆ งานของปีก่อนๆ ก็พังทลาย เรารู้สึกงงเหมือนตอนจับดินสอครั้งแรก จำเป็นต้องฝึกสายตาเพื่อมองดูธรรมชาติซึ่งจะมีสักกี่คนที่ไม่เคยเห็นและไม่เคยได้เห็น นี่คือความทรมานในชีวิตของเรา" ( ดี. ดิเดอโรต์, Salon of 1765. - ของสะสม. soch., vol. VI, M. , 1946, หน้า 94-95.).

แม้ในวัยหนุ่มของเขา ความดึงดูดใจของ Chardin ที่มีต่อประเภทหุ่นนิ่งก็ยังปรากฏให้เห็น และในปี 1728 ที่ "นิทรรศการเยาวชน" ซึ่งจัดขึ้นเป็นครั้งคราวในจัตุรัสหลักแห่งหนึ่งของปารีส (จัตุรัส Dauphin) เขาได้แสดงสององค์ประกอบ - " บุฟเฟ่ต์" และ "ลาด" ( พิพิธภัณฑ์ลูฟร์). พวกเขาประสบความสำเร็จและแนะนำ Chardin ให้รู้จักกับนักวิชาการ ในงานเหล่านี้ อิทธิพลของจิตรกรรมเฟลมิชถูกบันทึกไว้อย่างถูกต้อง พวกเขาได้รับการตกแต่งและในขณะเดียวกันก็อุดมไปด้วยการไตร่ตรองอย่างรอบคอบของธรรมชาติ ชาร์แด็งไม่ได้สนใจองค์ประกอบที่มีรายละเอียดมากของวงเฟลมมิงส์ แต่สนใจ "อาหารเช้า" ของชาวดัตช์ที่เข้มข้นและเจาะลึกมากกว่า ในไม่ช้าเขาก็หันไปหาวัตถุที่เจียมเนื้อเจียมตัว สิ่งเหล่านี้คือ "หุ่นนิ่งในครัว" ตามจิตวิญญาณของคาล์ฟ โดยยังคงมีสีเข้ม โดยมีสีเขียว มะกอก และน้ำตาลเป็นหลัก ในช่วงต้นของหุ่นนิ่ง ความสมดุลของมวลมีการคำนวณอย่างละเอียด แต่วัตถุยังคงกระจัดกระจายอยู่ และการถ่ายโอนรูปแบบที่แน่นอนดูเหมือนเป็นเรื่องธรรมดา

ประเภทครัวเรือนที่ครอบครองในช่วงทศวรรษที่ 1730-1740 เป็นผู้นำในงานของ Chardin ซึ่งได้รับความเห็นอกเห็นใจจากผู้ชมในฐานะจิตรกรแห่งฐานันดรที่สาม

"Washerwomen", "Cooks" ของเขาซึ่งปรากฏในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1730 แตกต่างจากงานอภิบาลที่มีน้ำตาลของ Boucher ในบทกวีที่เรียบง่ายซึ่งติดอยู่ในชีวิตประจำวัน ภาพวาดของ Chardin โดดเด่นด้วยอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนและความจริงใจที่นุ่มนวล วิชาที่เขาเลือกก็แปลกประหลาดเช่นกัน พวกเขาไม่มีการดำเนินการซึ่งเป็นสถานการณ์ที่ยากลำบาก ความสัมพันธ์ของตัวละครไม่ได้ถูกเปิดเผยในช่วงเวลาที่ผิดปกติในชีวิตของพวกเขา แต่อยู่ในกิจกรรมประจำวันที่สงบและสบายๆ ในปัจจุบัน ศิลปะของเขาเป็นแบบครุ่นคิด ไม่มีปัญหาชีวิตที่ซับซ้อนและดราม่าอยู่ในนั้น ในเวลานั้น ยังไม่มีข้อกำหนดเบื้องต้นเพียงพอสำหรับการเกิดขึ้นของอุดมคติอื่นที่มีประสิทธิภาพมากกว่า

The Cook (1738; Vienna, Liechtenstein Gallery) นำเสนออย่างรอบคอบ; ดูเหมือนว่าศิลปินจะชะลอการไหลของเวลาโดยแทนที่การกระทำโดยตรงด้วยการทำสมาธิ นี่เป็นอุปกรณ์ที่เขาโปรดปรานในช่วงแรก ๆ โดยทำให้ความสำคัญของตอนที่ธรรมดาที่สุดได้รับการปรับปรุง

หนึ่งในชัยชนะที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Chardin คือการใช้ระบบการสะท้อนแสงสีอย่างกว้างขวาง ตัวอย่างเช่นที่นี่สีขาวทอจากสีชมพู, สีเหลือง, สีฟ้าอ่อน, เฉดสีเทา จังหวะเล็ก ๆ ที่วางไว้ถัดจากอีกอันทำให้เกิดความรู้สึกของการเปลี่ยนสีที่สดใสและความสัมพันธ์ของวัตถุกับสภาพแวดล้อม

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1730 ในประเภทประจำวันของ Chardin ความคิดเรื่องพล็อตจะซับซ้อนมากขึ้น บันทึกทางศีลธรรมจะชัดเจนขึ้น ภาพวาดประเภทต่างๆ เกือบทั้งหมดของปีนี้แสดงถึงฉากการศึกษา: The Governess (Vienna) ผลงานสองชิ้นที่จัดแสดงที่ Salon of 1740 - The Hardworking Mother and Prayer Before Dinner (ทั้งในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ใน "คำอธิษฐานก่อนอาหารค่ำ" สามตัวละคร - แม่และเด็กหญิงตัวเล็ก ๆ สองคน - เชื่อมโยงกันด้วยสถานการณ์ประจำวันที่ไม่ซับซ้อน ผู้ชมเดาได้อย่างง่ายดายหลายเฉดสีในความเมตตากรุณาของแม่อารมณ์โดยตรงของเด็ก ๆ

ประเภทของภาพวาดของ Chardin เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับ "ศีลธรรมอันดี" ของคนทั่วไปเกี่ยวกับศักดิ์ศรีของวิถีชีวิตของพวกเขา ความสมจริงของ Chardin เป็นหนึ่งในการปรากฏตัวครั้งแรกของความคิดประชาธิปไตยเกี่ยวกับการตรัสรู้ด้วยความเชื่อในศักดิ์ศรีของมนุษย์ด้วยความคิดของเขาเกี่ยวกับความเท่าเทียมกันของผู้คน การค้นหาอย่างสร้างสรรค์ของจิตรกรสะท้อนภาพสะท้อนของผู้รู้แจ้ง ในปี ค.ศ. 1740 เมื่อมีการจัดแสดง The Industrious Mother and The Prayer Before Dinner งานสอนในยุคแรกๆ ของ Rousseau มีอายุย้อนไป โดยได้จัดทำโครงการเพื่อการศึกษาเกี่ยวกับ "ศีลธรรมอันดี" โดยไม่ได้ใช้วิธีชี้นำเชิงโต้แย้ง

อารมณ์โคลงสั้น ๆ เป็นหนึ่งในคุณสมบัติหลักของงานศิลปะของชาร์ดิน ช่างแกะสลัก Koshen ในชีวประวัติของเขารายงานคำพูดของปรมาจารย์คนหนึ่งซึ่งฟังดูเหมือนความเชื่อที่สร้างสรรค์ ชาร์ดินโกรธกับเสียงพูดคุยของศิลปินผิวเผินที่เริ่มสนใจความลับของการวาดภาพ ชาร์ดินถามว่า “แต่ใครบอกคุณว่าพวกเขาวาดภาพด้วยสี” “แต่อะไรนะ” เขาสงสัย - "พวกเขาใช้สี" ชาร์ดินตอบ "แต่พวกเขาเขียนด้วยความรู้สึก"

ในสาขาการวาดภาพประเภท Chardin มีผู้ติดตามที่รวมกลุ่มกับเขา: Zhora, Cano, Dumesnil the Younger ในการนี้จะต้องเพิ่มชื่อของช่างแกะสลักหลายคนที่มาก่อนภายใต้อิทธิพลของงานศิลปะของเขา เหล่านี้คือ Leba, Ville, Lepisye, Kar, Syuryug, Flipar และอื่น ๆ ตามที่นักวิจารณ์ศิลปะ Lafon de Saint-Ien ภาพแกะสลักจากภาพวาดของ Chardin ขายหมดอย่างรวดเร็ว ในช่วงทศวรรษที่ 1750 และ 1760 เมื่อรูปแบบใหม่ของประเภทในชีวิตประจำวันกำลังพัฒนา การเทศนาคุณธรรมของชนชั้นกลาง ศิลปินวัยหกสิบปีแทบไม่ได้สร้างสรรค์อะไรใหม่ในการวาดภาพแนวนี้ ยืนยันถึงศักดิ์ศรีทางจริยธรรมของคนทั่วไป Chardin ยังคงเป็นคนแปลกหน้าในการศีลธรรมโดยเจตนา

ประเภทของชีวิตประจำวันและหุ่นนิ่งมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดในงานศิลปะของชาร์ดิน สำหรับจิตรกรในฐานันดรที่สาม ภาพหุ่นนิ่งเป็นประเภทศิลปะที่มีความหมายลึกซึ้ง เขาไม่เพียงพูดเกี่ยวกับศักดิ์ศรีและบทกวีในชีวิตประจำวันเท่านั้น แต่เขายังยืนยันถึงความงามและความสำคัญของการเป็นอยู่ งานของ Chardin เต็มไปด้วยความน่าสมเพชของการเข้าใจธรรมชาติ เผยให้เห็นโครงสร้างและแก่นแท้ของสิ่งต่างๆ ความเป็นตัวตน รูปแบบความสัมพันธ์ของพวกมัน สิ่งต่าง ๆ ในชีวิตยังคงถูกทำให้เป็นจิตวิญญาณโดยการรับรู้ความใกล้ชิดของบุคคล ความเป็นธรรมชาติของการจัดเรียงวัตถุผสมผสานกับตรรกะขององค์ประกอบ ความสมดุล และการคำนวณความสัมพันธ์ที่แม่นยำ ความชัดเจนแบบฮาร์มอนิกของโครงสร้างเชิงเปรียบเทียบของหุ่นนิ่งเป็นแรงบันดาลใจให้ผู้ชมเคารพในศักดิ์ศรีอันเข้มงวดของวัตถุเรียบง่ายที่มนุษย์ใช้ เช่นพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ "ถังทองแดง" และสตอกโฮล์ม "Still Life with a Hare"

กลางศตวรรษที่ 18 ปัญหาเกี่ยวกับสีใหม่ได้รับการกล่าวถึงอย่างกว้างขวางโดยศิลปินทุกคน ในปี 1749 นักวิชาการฟังสุนทรพจน์ของปรมาจารย์ด้านหุ่นนิ่งและภูมิทัศน์ Jean-Baptiste Oudry เกี่ยวกับประโยชน์ของการเปรียบเทียบวัตถุสำหรับจิตรกรที่ศึกษาความเป็นไปได้ของสี ในการทบทวน Salon of 1757 ภายใต้ชื่อที่มีความหมายว่า "Observations on Physics and the Arts" Gauthier Dagoty เขียนว่าวัตถุต่างๆ สะท้อนให้เห็นซึ่งกันและกัน

ในผลงานของชาร์แด็ง พื้นผิวที่งดงามราวกับภาพวาดถูกถักทอจากลายเส้นที่เล็กที่สุด วี ระยะเวลาครบกำหนดจังหวะที่สร้างสรรค์นั้นกว้างและอิสระกว่าแม้ว่าพวกเขาจะรู้สึกถึงความยับยั้งชั่งใจของธรรมชาติที่สงบและรอบคอบของศิลปิน ความสดของสีและความมีชีวิตชีวาของปฏิกิริยาตอบสนองของ Chardin นั้นโดดเด่นแม้ในปัจจุบัน เมื่อชีวิตของเขายังคงอยู่ถัดจากผลงานของปรมาจารย์คนอื่น ๆ ในศตวรรษที่ 18 ("Orange and a Silver Goblet", 1756; Paris, ของสะสมส่วนตัว) มันไม่เพียงบ่งบอกถึงคุณลักษณะของพื้นผิวของวัตถุเท่านั้น แต่ยังทำให้พวกเขารู้สึกถึงเนื้อของมันด้วย ตัวอย่างเช่น เนื้อนุ่มและน้ำผลไม้ที่ล้นออกมาใต้ผิวใสของผลไม้สุก (“ตะกร้าลูกพลัม”, Salon 1765; Paris, ของสะสมส่วนตัว ). Chardin ได้รับการพิจารณาว่าเป็นหนึ่งในผู้ที่ชื่นชอบการแต่งเพลงที่มีสีสันและเป็นผู้ที่ได้รับคำสั่งจาก Academy ให้ตรวจสอบคุณภาพของสีใหม่

Chardin ปั้นรูปร่างของวัตถุอย่างมั่นคงและมั่นใจ โดยใช้ "แป้ง" สีสันสดใส ราวกับช่างเคลือบเซรามิกกับหม้อในอนาคตของเขา นี่คือวิธีการสร้าง House of Cards (1735; Uffizi) ในหุ่นนิ่ง “ท่อและเหยือก” (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ภาชนะเผาไฟถูกขึ้นรูปด้วยชั้นสีที่หนาแน่นมาก

กวีนิพนธ์เกี่ยวกับชีวิตประจำวัน ข้อมูลเชิงลึกที่ลึกซึ้งในแก่นแท้ของสิ่งต่างๆ อารมณ์ความรู้สึกแบบโคลงสั้น ๆ ของสีและตรรกะของการประพันธ์เป็นความแตกต่างที่สำคัญที่สุดระหว่างงานศิลปะของชาร์แด็งกับขั้นตอนก่อนหน้าในการพัฒนาหุ่นนิ่งที่เหมือนจริง

ชาร์ดินเป็นคนแปลกที่เร่งรีบในการดำเนินการตามแผน เขาทำงานช้าๆ พิจารณาทุกรายละเอียดอย่างรอบคอบ ความรอบคอบของกระบวนการทำงานมีความสำคัญมากกว่าเพราะเห็นได้ชัดว่า Chardin ไม่ได้ร่างภาพเบื้องต้น Mariette ร่วมสมัยของเขาพูดถึงเรื่องนี้โดยตรง แท้จริงแล้วภาพวาดของ Chardin แทบจะไม่ได้มาถึงเราเลย ไม่มีร่องรอยของการแก้ไขหลักในภาพวาดของเขาอย่างชัดเจน ด้วยลักษณะของงานเช่นนี้ ความรู้เชิงลึกในการวาดภาพและความเชี่ยวชาญในการจัดองค์ประกอบที่ศิลปินมีอยู่จึงโดดเด่นเป็นพิเศษ องค์ประกอบของเขาถูกสร้างขึ้นอย่างดีและละเอียดถี่ถ้วน ตัวอย่างเช่น "Drafter" จากพิพิธภัณฑ์สตอกโฮล์ม

ในปี 1770 ชาร์ดินอายุมากแล้ว ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา มีวงจรภาพเหมือนเกิดขึ้นอีก ในภาพบุคคลของชาร์ดินก่อนหน้านี้ (เช่น ในภาพของลูกชายของพ่อค้าอัญมณีโกเดอฟรอย) ลักษณะนิสัยถูกเปิดเผยผ่านอาชีพที่มีความสำคัญในภาพจนถูกมองว่าเป็นฉากประเภทมากกว่า ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ภาพเหมือนของลูกชายของ Godefroy เป็นที่รู้จักกันดีในชื่อ "Boy with a top" (1777; Louvre) ในช่วงทศวรรษที่ 1770 เมื่อหันมาใช้เทคนิคสีพาสเทล Chardin มุ่งเน้นไปที่รูปลักษณ์ภายนอกของบุคคลที่ถูกแสดง ในงานเหล่านี้ประเภทของชายฐานันดรที่สามตกผลึก นั่นคือภาพเหมือนของภรรยาของศิลปิน (1775; Louvre) ในความลุ่มหลงและความจริงจังในการจ้องมองของเธอ - ร่องรอยของความวิตกกังวลและความไม่สงบเล็ก ๆ น้อย ๆ ในชีวิตประจำวัน - คุณลักษณะของการดูแลทำความสะอาดและความรอบคอบปรากฏขึ้นโดยธรรมชาติในวิถีชีวิตที่เป็นตัวเป็นตนในภาพนี้ "ภาพเหมือนตนเองสวมหมวกสีเขียว" (1775; Louvre) แสดงถึงตัวเองของชาร์แด็งในชุดอยู่บ้าน ในปริมาตรที่ชัดเจนซึ่งรูปแบบของภาพคับแคบให้อ่านความแข็งของท่าทาง ในความมั่นใจของท่าทางซึ่งได้รับการสนับสนุนโดยการหันศีรษะที่ จำกัด ในความเข้าใจของการมองอย่างเอาใจใส่ศักดิ์ศรีที่เข้มงวดของบุคคลที่เข้มงวดและเรียกร้องซึ่งผ่านเส้นทางชีวิตที่ยาวนานและยากลำบากปรากฏขึ้น

เกือบจะพร้อมๆ กับงานของ Chardin ภาพเหมือนของ Latour ซึ่งเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ความสมจริงที่ใหญ่ที่สุดในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ได้เป็นรูปเป็นร่างขึ้น

ในตอนต้นของศตวรรษ ประเพณีของการวาดภาพพิธีมีชัย ซึ่ง Rigaud และ Largilliere เป็นตัวแทน; อย่างไรก็ตาม งานของพวกเขาได้รับอิทธิพลจากแนวคิดใหม่ๆ เช่นเดียวกับประเภทอื่นๆ ในทศวรรษที่ 1730 และ 1740 เทรนด์ต่างๆ ในการถ่ายภาพบุคคลก็เกิดขึ้น จิตรกรโรโคโค Jean-Marc Nattier (1685-1766), Drouet และคนอื่นๆ ตกแต่งสตรีในราชสำนักด้วยคุณลักษณะของเทพธิดาโบราณในภาพวาดของพวกเขา มารยาทและอุดมคติกำหนดความสำเร็จของ Nattier ในศาล เช่นเดียวกับ Boucher แนตเทียร์ไม่ได้สร้างภาระให้กับนางแบบด้วยเซสชั่นต่างๆ มากนัก โดยจำกัดตัวเองไว้ที่ภาพสเก็ตช์สั้นๆ จากธรรมชาติ ผู้ร่วมสมัยกล่าวว่า Nattier เปรียบแนวเพลงของเขากับแนวประวัติศาสตร์ ซึ่งพวกเขาเข้าใจถึงความปรารถนาของศิลปินที่มีต่อ "การละทิ้งศาสนา" อุดมคติ และการตกแต่งธรรมชาติ ในภาพบุคคลของเขามีความงามของหุ่นเชิด สีสันเป็นแบบธรรมดา เงาสวยงาม; เขาไม่ได้เผยให้เห็นจิตวิทยาของจิตรกรภาพเหมือน แต่เป็นทักษะของมัณฑนากรที่ประจบสอพลอและมีฝีมือ ตัวอย่างเช่นเป็นภาพเหมือนของดัชเชสเดอโชแลงในรูปแบบของ Hebe (1744; Louvre) เมื่อบรรยายถึงซาลอนในปี 1747 นักวิจารณ์ St. Yen เยาะเย้ย "ผู้นับถือศาสนาตลก" เหล่านี้ของสตรีสูงอายุ

Louis Toquet (1696-1772) ผู้ติดตามของ Nattier มีพรสวรรค์ในการเล่าเรื่องที่จืดชืดกว่า เขาให้เกียรติลำดับชั้นของประเภทต่างๆ และมุ่งความสนใจไปที่ความใกล้ชิดของการวาดภาพบุคคล ยังใช้รูปแบบดั้งเดิมขององค์ประกอบพิธีการของ Rigaud (“Maria Leshchinskaya”; Louvre) ในการกล่าวสุนทรพจน์ในการประชุมวิชาการในปี 1750 เขาแนะนำให้จิตรกรภาพบุคคลจับภาพเงื่อนไขที่เอื้ออำนวยที่ทำให้ใบหน้าดูสวยงาม ถึงกระนั้น Toquet ก็ทำงานจากธรรมชาติมากกว่า Nattier และความรักในรายละเอียดของเขาช่วยให้เขาถ่ายทอดบุคลิกลักษณะเฉพาะตัวของนางแบบได้ ภาพบุคคลของเขาดูเป็นธรรมชาติและเรียบง่ายยิ่งขึ้น

ในช่วงทศวรรษที่ 1730 และ 1740 แนวโน้มที่เหมือนจริงในการถ่ายภาพบุคคลมีมากขึ้น ในตอนแรกพวกเขาแสดงในรูปแบบของ "ภาพเหมือน" ของ Chardin คุณลักษณะที่คล้ายกันนี้ปรากฏให้เห็นในงานศิลปะของจิตรกรภาพเหมือน Jacques André Joseph Aved ในปีเดียวกันนั้น Latour ได้สร้างผลงานชิ้นแรกของเขา

Maurice Quentin de Latour (1704-1788) เกิดที่เมือง Saint Quentin ในวัยหนุ่ม เขาไปปารีสและเรียนที่นั่นกับศิลปินรุ่นเยาว์ ได้รับอิทธิพลจากนักทำสีพาสเทล ได้แก่ Rosalba Carriera ชาวอิตาลี และ Vivien ชาวฝรั่งเศส เขาได้ชื่อว่ามี "ของขวัญจากธรรมชาติสำหรับการจับใบหน้าได้อย่างรวดเร็ว" แต่ของขวัญชิ้นนี้พัฒนาอย่างช้าๆ ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1730 เท่านั้น Latour ได้รับชื่อเสียงในปี 1737 เขาถูกเพิ่มเข้า Academy ในฐานะ "จิตรกรภาพสีพาสเทล" และอีกหนึ่งปีต่อมา Voltaire เองก็เรียกเขาว่ามีชื่อเสียง

งานชิ้นแรกของ Latour ที่เรารู้จักคือภาพวาดของวอลแตร์ ความสำเร็จในช่วงแรกๆ ของลาตูร์ย้อนกลับไปตั้งแต่การเริ่มจัดแสดงนิทรรศการของลูฟวร์อีกครั้งในปี ค.ศ. 1737-1739

ใน Salon of 1742 เขาจัดแสดงภาพเหมือนของ Abbé Hubert (เจนีวา พิพิธภัณฑ์) ประเภทขององค์ประกอบนี้ทำให้เข้าใกล้ภาพวาดที่คล้ายกันโดย Chardin เจ้าอาวาสที่เรียนหนังสือก้มดูหนังสือ ลักษณะที่เป็นโคลงสั้น ๆ ของแบบจำลองของ Chardin ถูกแทนที่ที่นี่ด้วยความปรารถนาที่จะจับความเคลื่อนไหวของความคิดและความรู้สึกที่ซับซ้อนในช่วงเวลาของชีวิตที่กระตือรือร้น: ด้วยนิ้วมือขวาของเขา Abbé Hubert ถือหน้าหนังสือราวกับเปรียบเทียบสองหน้า ข้อความจากงานนี้ (“การทดลอง” โดย Montaigne) ซึ่งแตกต่างจากจิตรกรภาพบุคคลเช่น Nattier Latour ไม่เพียงหลีกเลี่ยงการ "ตกแต่ง" โมเดลเท่านั้น แต่ยังเปิดเผยความคิดริเริ่มของเธอด้วย ลักษณะใบหน้าที่ผิดปกติของ Hubert เต็มไปด้วยพลังทางปัญญา เปลือกตาที่เหี่ยวย่นหนักซ่อนการจ้องมองที่ทะลุปรุโปร่งและรอยยิ้มที่เย้ยหยัน การแสดงออกทางสีหน้าของเจ้าอาวาสสื่อถึงความคล่องตัวและพลังงานที่ไม่ธรรมดาของบุคคลนี้

วิธีการแสดงลักษณะของบุคคลที่แสดงด้วยความช่วยเหลือของการแสดงออกทางสีหน้าซึ่งสื่อถึงชีวิตที่กระฉับกระเฉงของความคิดนั้นเกิดจากอุดมคติของ Latour นี่ไม่ใช่แค่ภาพสังคมประเภทใหม่ของชาร์ดินภาพแรกที่มีคุณธรรม ก่อนหน้าเราคือตัวละครที่กระฉับกระเฉงซึ่งเปี่ยมไปด้วยจิตวิญญาณแห่งความวิพากษ์แห่งยุคสมัย

ในช่วงครึ่งแรกของปี 1740 Latour ยังวาดภาพบุคคลอย่างเป็นทางการขนาดใหญ่ หลังจากส่งภาพวาดของจิตรกรRétouxไปยัง Academy ในปี 1746 Latour ได้รับตำแหน่งนักวิชาการ

ในบรรดาองค์ประกอบที่ยอดเยี่ยมของปีนี้ ภาพเหมือนของ Duval de l "Epine (1745; Rothschild collection) โดดเด่น โดยคนร่วมสมัยของเขาเรียกว่า ความถูกต้องของการกำหนดลักษณะนั้นขึ้นอยู่กับความเหี้ยมโหด รอยยิ้มใจดี และท่าทางเหม่อลอยที่ดูมีเมตตานั้นดูเหมือนหน้ากากเย็นชา

ในผลงานของ Latour นั้นความระมัดระวังของศิลปินนั้นคล้ายคลึงกับความไม่ใส่ใจของนักธรรมชาติวิทยา นี่เป็นสิ่งที่เข้าใจได้ - แบบจำลองดังกล่าวสามารถพัฒนาความสามารถในการวิเคราะห์ของจิตรกรได้มากกว่าที่จะกระตุ้นความรู้สึกของเขา ในการแสดงออกที่เย่อหยิ่งของริมฝีปากแห้งบาง ความหวาดระแวง ความสงสัย และความเย่อหยิ่งปรากฏขึ้นในความตื่นตัวของการจ้องมอง ราวกับว่า "มองทะลุ" ผ่านรูปลักษณ์ภายนอก นั่นคือเหตุผลที่ภาพเหมือนของ Duval de l "Epine ที่ดูไร้เหตุผลทั้งหมดทำให้เกิดอารมณ์ในผู้ชมซึ่งไม่เหมือนกับที่เกิดขึ้นเมื่อพิจารณาภาพเหมือนของ Hubert ซึ่งศิลปินมีความเห็นอกเห็นใจกับนางแบบอย่างไม่มีเงื่อนไข ที่นี่ Latour เหมือนเดิม นำผู้ชมจากหน้ากากที่เป็นที่ยอมรับของคู่สนทนาฆราวาสที่เป็นมิตรและแดกดันไปสู่ลักษณะที่แท้จริงของธรรมชาติ เขาบังคับให้เปรียบเทียบหน้ากากกับสาระสำคัญ

ในปี 1750 Latour แสดงผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา ที่ Salon of 1753 เขาได้จัดแสดงภาพเหมือนของนักปรัชญาแห่งยุคตรัสรู้ นักเขียน และนักวิทยาศาสตร์ชาวฝรั่งเศส สิ่งสำคัญที่สุดประการหนึ่งของงานของอาจารย์ในเวลานี้คือการยืนยันถึงศักดิ์ศรีของบุคลิกภาพที่กระตือรือร้นและมีความมุ่งมั่น ภาพพอร์ตเทรตของ Latour มีแนวโน้มทางปัญญา ศิลปินหลีกเลี่ยงด้านมืดที่คลุมเครือของธรรมชาติมนุษย์ คุณสมบัติเหล่านั้นที่ไม่ได้ส่องสว่างด้วยแสงแห่งเหตุผล จิตวิญญาณของการวิจารณ์และความละเอียดอ่อนในการวิเคราะห์ได้รับการเสริมด้วยปัญญานิยมที่เกิดขึ้นจากช่วงเวลาแห่งการต่อสู้ของความคิดขั้นสูงกับระเบียบแบบเก่าที่กำลังจะตาย คุณลักษณะเหล่านี้ยังปรากฏอยู่ในภาพถ่ายตนเองของ Latour หลายภาพด้วย

ในบรรดาผลงานในปี 1753 เป็นภาพเหมือนของ d'Alembert (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์; ภาพร่างเตรียมการในพิพิธภัณฑ์ Latour ใน Saint Quentin) ใบหน้ามีการเคลื่อนไหว แสงสะท้อนช่วยเพิ่มความรู้สึกของรอยยิ้มที่แปรปรวนและดูมีชีวิตชีวา ตัวละครของนักโต้เถียงที่เก่งกาจซึ่งเป็นจิตวิญญาณของความขัดแย้งทางปรัชญานั้นถูกเปิดเผยในการสื่อสารกับคู่สนทนา นี่คือเทคนิค Latour ทั่วไป

Rousseau พูดด้วยความชื่นชมใน "พรสวรรค์ที่หายาก" ของ Latour และภาพเหมือนที่เขาประหารชีวิต ภาพของ Rousseau เป็นที่รู้จักในหลายเวอร์ชัน ในภาพวาดจากพิพิธภัณฑ์ Saint-Quentin Rousseau เป็นคนหม่นหมองและเศร้าโศก แต่ดวงตาของเขาเต็มไปด้วยความมีชีวิตชีวาเป็นพิเศษ ชวนให้นึกถึงความสามารถของบุคคลนี้ที่จะยอมจำนนต่อเสน่ห์แห่งชีวิตอย่างหมดหัวใจ ภาพบุคคลมีความกระตือรือร้นทางอารมณ์ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของจิตวิญญาณของผู้เขียน The New Eloise

ในองค์ประกอบอื่น (1753; Paris, Pom collection) ดวงตาสีเกาลัดของเขากระวนกระวาย เศร้า คิ้วของเขาขมวดและหน้าผากระหว่างทั้งสองมีรอยย่นเป็นรอยพับ ในหน้ากากของบุคคลที่ถูกสวมบทบาท ความหักมุมและการบังคับของบุคคลที่ไม่ต้องการเอาใจเป็นสิ่งที่สังเกตได้ชัดเจน ภาพที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันเกิดขึ้น รวมความละเอียดอ่อนและความกังขา ความละเอียดอ่อนและหยาบกระด้าง ความไม่เชื่อและความกระตือรือร้นที่ซ่อนอยู่ บทบาทที่โดดเด่นในตัวละครนี้แสดงโดยความเศร้าโศกพร้อมที่จะหายไปด้วยรอยยิ้ม

เห็นได้ชัดว่าในทศวรรษที่ 1750 ควรนำมาประกอบกับความเฟื่องฟูของ "การเตรียมการ" Latour ภาพร่างเตรียมการสำหรับภาพบุคคล ภาพสเก็ตช์ภาพบุคคลของ Latour มีความโดดเด่นด้วยอิสระในการลากเส้น การร่างพื้นผิว และเทคนิคที่หลากหลาย: สีพาสเทลผสมกับดินสอ ชอล์ค และสีสดใส แต่มีความสมบูรณ์เป็นรูปเป็นร่างและเป็นทางการสูง

ภาพร่างเหล่านี้ส่วนใหญ่เก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ Saint Quentin

หนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุดคือภาพร่างของนักแสดงหญิง Marie Fell (Saint Quentin, Latour Museum; ภาพเหมือนของตัวเองซึ่งจัดแสดงที่ Salon of 1757 ยังไม่มาถึงเรา) เธอถูกนำเสนอในบทบาทจากโอเปร่าเรื่อง Zoroaster ของ Rameau ดังนั้นเธอจึงประดับด้วยผ้าโพกศีรษะสีฟ้าอ่อนพร้อมริบบิ้นสีทองและดอกไม้สีแดงและสีขาว ความนุ่มนวลทางจิตวิญญาณของธรรมชาติผสานเข้ากับเสน่ห์ของแรงบันดาลใจในการแสดง ในการหันศีรษะของนักแสดงหญิงอย่างสง่างามนั้น มีนัยยะของการประชุมบนเวที แต่มันหลีกทางให้กับความจริงใจของรูปลักษณ์ที่เล้าโลมอย่างอ่อนโยนและรอยยิ้มที่น่าประทับใจ

ภาพผู้หญิงของ Latour นั้นแตกต่างกันมาก ในแต่ละลักษณะนั้นมีความเข้าใจอย่างลึกซึ้งและความละเอียดอ่อนของตัวละคร - Camargo ที่น่าภาคภูมิใจและแดกดันเล็กน้อย Dangeville ที่เจียมเนื้อเจียมตัวตรงไปตรงมา Favard ที่กล้าหาญและดื้อรั้นซ่อนจิตใจที่เป็นธรรมชาติภายใต้หน้ากากของความไร้เดียงสาที่ไร้เดียงสา ทั้งหมดนี้เป็นนักแสดงหญิงที่โดดเด่นและใน ตัวเลขทางจิตวิทยาตราประทับของความเป็นเอกเทศทางศิลปะของพวกเขามีอยู่อย่างสม่ำเสมอ ดังนั้นในหน้ากากของ Justine Favard (Saint-Quentin) ในการเยาะเย้ยอย่างมีชีวิตชีวาของเธอในการจ้องมองที่เต็มไปด้วยความเจ้าเล่ห์ตัวหนาและความกระตือรือร้นที่ไม่สุภาพลักษณะของประเภทเวทีที่เธอสร้างขึ้นก็แสดงออกมาเช่นกัน แต่ความสามารถทางศิลปะทำหน้าที่เป็นคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดและยิ่งไปกว่านั้นคือคุณภาพที่สำคัญทางสังคมของความเป็นปัจเจกบุคคล

นี่เป็นหนึ่งในรากฐานของเสียงสะท้อนของงานศิลปะของ Latour ในที่สาธารณะในวงกว้าง เขาสะท้อนภาพบุคคลไม่เพียง แต่ตำแหน่งทางสังคมของบุคคล - ซึ่งทำโดยจิตรกรคนอื่น - แต่ยังรวมถึงกิจกรรมของธรรมชาติซึ่งสอดคล้องกับเนื้อหาและธรรมชาติของกิจกรรมของบุคคลที่ถูกแสดง

จากรายงานหลายฉบับ Latour เป็นคนที่แน่วแน่และเป็นอิสระ เฉียบคมกับขุนนาง ทำร้ายความเย่อหยิ่งของเขา เขาปฏิเสธคำสั่งที่ได้รับจากพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 ความปรารถนาที่จะยืนยันความเป็นอิสระของศิลปินนั้นรวมอยู่ในตัวเขาด้วยความสนใจอย่างกระตือรือร้นในความคิดทางสังคมขั้นสูง - "Salons" ของ Diderot เก็บหลักฐานมากมายเกี่ยวกับความใกล้ชิดทางอุดมการณ์ของจิตรกรและนักวิจารณ์ของเขาและจดหมายของ Latour มีการอภิปรายที่น่าสนใจเกี่ยวกับความแปรปรวนของธรรมชาติ เกี่ยวกับการสร้างมุมมองในภาพบุคคลเกี่ยวกับลักษณะเฉพาะของตัวละครและตามลำดับ - เทคนิคการวาดภาพ

Latour เสริมเทคนิคสีพาสเทลซึ่งโดดเด่นด้วยความอ่อนโยนของเนื้อสัมผัสที่นุ่มนวลความบริสุทธิ์ของสีทำให้มีพลังพลาสติกพิเศษ

การสร้างภาพเหมือน Latour จ่ายด้วยอุปกรณ์เสริม เมื่อศึกษาใบหน้าเขาไม่ได้สังเกตเห็นการแสดงออกของมือด้วยซ้ำ แต่ Latour แสดงใบหน้าด้วยทักษะที่น่าทึ่ง ไม่แปลกใจเลยว่าทำไมเขาจึงบังคับให้บุคคลที่ถูกสวมบทบาทโพสท่านานๆ เพื่อรักษาบทสนทนาที่มีชีวิตชีวาและมีไหวพริบกับเขา ศึกษาคู่สนทนา ดูเหมือนว่าเขากำลังเล่นเกมที่ละเอียดอ่อนกับเขา ดูเหมือนว่า Marmontel กลายเป็นเหยื่อของเกมนี้โดยไม่ได้สงสัยเมื่อเขาฟัง Latour "ผู้นำชะตากรรมของยุโรป"

ลาตูร์พูดถึงคนที่เขาแสดงเป็น: "พวกเขาคิดว่าฉันจับภาพได้เฉพาะใบหน้าของพวกเขา แต่โดยที่พวกเขาไม่รู้

บางทีศิลปินอาจพูดเกินจริง - ไม่ใช่ผลงานทั้งหมดของเขาที่ลึกซึ้ง แต่คำพูดเหล่านี้ของจิตรกรภาพบุคคลที่ชาญฉลาดที่สุด ซึ่ง "ยอมรับ" โมเดลของเขา ก็สามารถใช้เป็นคำพรรณนาในงานของเขาได้ “ใบหน้าของผู้ชายคนหนึ่ง” ดิเดอโรต์เขียน “คือผืนผ้าใบที่เปลี่ยนแปลงได้ซึ่งเคลื่อนไหว เกร็ง เกร็ง อ่อนลง สีและจางลง เป็นไปตามการเปลี่ยนแปลงนับไม่ถ้วนของแสงและลมหายใจอันรวดเร็วที่เรียกว่าจิตวิญญาณ” ความสามารถในการจับเฉดสีของการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณ ในขณะที่ยังคงรักษาลักษณะเฉพาะไว้ได้ เป็นหนึ่งในคุณสมบัติหลักของความสมจริงของ Latour เขาเลือกรัฐดังกล่าวซึ่งในตัวเองมีความโดดเด่นด้วยความมีชีวิตชีวาเป็นพิเศษ - ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลที่เขามักจะแสดงภาพฮีโร่ของเขายิ้ม รอยยิ้มในภาพบุคคลของ Latour นั้นมีความรอบรู้ ยิ่งไปกว่านั้น โลกภายในของบุคคลที่แสดงออกมานั้นได้รับการเปิดเผยด้วยความสดใสเป็นพิเศษในการแสดงออกทางจิตใจที่ละเอียดอ่อนที่สุดของรอยยิ้มที่เปล่งประกายบนใบหน้าอย่างแท้จริง

เมื่อเปรียบเทียบภาพวาดของ Latour และ Perronneau มักถูกมองข้ามว่า Jean-Baptiste Perronneau อายุน้อยกว่า Latour (1715-1783) ถึงสิบเอ็ดปี วันแรกที่รู้จักงานภาพเหมือนของ Perronneau คือปี 1744 ซึ่งขณะนั้นภาพเหมือนของฝรั่งเศสได้รับการพัฒนาอย่างมากแล้ว Perronneau เดินตามเส้นทางที่บรรพบุรุษของเขาเหยียบย่ำ และไม่น่าแปลกใจเลยที่ในไม่ช้าเขาก็ดูเหมือนอายุเท่ากับ Latour

เขาศึกษาภายใต้นักวิชาการ Natoire แต่เลือกประเภทของภาพบุคคลขนาดเล็กซึ่งส่วนใหญ่เป็นหน้าอกและมักจะมีความยาวครึ่งหนึ่งน้อยกว่า อิทธิพลของ Latour และความใกล้ชิดกับเขาได้รับการกล่าวถึงอย่างเป็นเอกฉันท์โดยผู้ร่วมสมัย มันเกี่ยวกับทิศทางทั่วไป อาจจะตั้งแต่ปี 1744 Perronneau เริ่มชีวิตเร่ร่อน เขาต้องเดินทางไปทั่วยุโรปเพื่อหาเลี้ยงชีพ เขาไม่ใช่จิตรกรในราชสำนักที่ทันสมัยเช่น Nattier และคำสั่งก็ไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับเขา ลูกค้าเขียนเกี่ยวกับความขยันหมั่นเพียรของ Perronno ว่าเขาพร้อมที่จะฆ่านางแบบของเขาโดยมุ่งมั่นเพื่อความถูกต้องและความสมบูรณ์แบบของภาพ ทั้งหมดนี้ไม่ได้ทำให้ชีวิตของเขาปลอดภัย และเขามักกล่าวถึงความยากจนและความล้มเหลวในจดหมายของเขา

ในงานของเขาสามารถแยกแยะได้สองทศวรรษซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งความมั่งคั่ง ทศวรรษแรก - ระหว่างปี พ.ศ. 2287 ถึง พ.ศ. 2396 ช่วงเวลาแห่งความสำเร็จครั้งสำคัญครั้งแรก ช่วงเวลาแห่งการยอมรับความสามารถอันโดดเด่นของเปร์รอนโน ช่วงที่สองครอบคลุมช่วงทศวรรษที่ 1760

เมื่ออธิบายถึงเทคนิคทางศิลปะของ Perronno นักวิจารณ์มักพูดถึงความสง่างามของพู่กัน ความละเอียดอ่อนของสี และจิตวิญญาณของการวาดภาพ สิ่งเหล่านี้คือความไพเราะของบทเพลง และ Perronnot นั้นมีค่าสำหรับพวกเขาอย่างแน่นอน คุณสมบัติทั่วไปของแบบจำลองสำหรับงานศิลปะของเขาคือความเมตตาตามธรรมชาติ ความนุ่มนวลทางจิตวิญญาณ ความไม่แน่นอนของอารมณ์ที่เปลี่ยนแปลงได้

ในงานของเขา ความอ่อนโยนของสี การผสมผสานระหว่างสีเทาและสีมะกอก สีเขียวและสีชมพู สีฟ้าและสีดำ รวมกันเป็นโทนสีเงินเป็นสิ่งที่น่าดึงดูดใจเป็นพิเศษ (“ภาพเหมือนของเด็กผู้ชายกับหนังสือ”, 1740s, Hermitage, ดูภาพประกอบ ; “ภาพเหมือนของ Mr. Sorkenville, Louvre) ลายเส้นเล็กๆ และการสะท้อนแสงทำให้ Perronno เข้าใกล้ Chardin มากขึ้น เขาจำลองความนุ่มนวลอันละเอียดอ่อนของผิวได้อย่างสมบูรณ์แบบ ความหนาแน่นของเนื้อผ้าคุณภาพดี ความโปร่งสบายของเส้นผมที่ทาแป้งบางๆ ประกายระยิบระยับอันอบอุ่นของเครื่องประดับ

ศิลปะของ Perronno นั้นห่างไกลจากปัญญานิยมของ Latour จากคำแถลงแบบเป็นโปรแกรมของบุคลิกภาพที่สดใส แต่ภาพลักษณ์ของเขามีความเป็นกวีในแบบของตัวเอง: ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เขามักจะพรรณนาถึงเด็กและผู้หญิง ภาษาโคลงสั้น ๆ ในงานศิลปะของ Perronno ให้บริการเขาอย่างยอดเยี่ยมเมื่อจำเป็นต้องถ่ายทอดเสน่ห์ของจิตวิญญาณวัยเยาว์ หนึ่งในตัวอย่างที่ดีที่สุดคือภาพเหมือนของ Yukyo ลูกสาวของนักเขียนแบบร่าง (สีพาสเทล, Louvre) ในกรณีส่วนใหญ่ ตัวละครของ Perronno จะมองไปที่ผู้ชม โดยบอกความลับทางวิญญาณของพวกเขากับเขา การจ้องมองไปด้านข้างทำให้สัมผัสของจิตรกรเกี่ยวกับชีวิตภายในของบุคคลที่ถูกพรรณนาอย่างระมัดระวังและละเอียดอ่อนมากขึ้น รอยยิ้มที่อ่อนโยนและเจ้าเล่ห์นั้นค่อนข้างไม่มีกำหนด การเปลี่ยนจากแสงเป็นเงานั้นเข้าใจยากเสียจนศีรษะอันสง่างามของมาดมัวแซล ยูกิเยร์ดูเหมือนถูกปกคลุมด้วยหมอกควันที่โปร่งใส

ในบรรดาจิตรกรภาพเหมือนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 Joseph Siffred Duplessis (1725-1802), Adelaide Labille-Guillard (1749-1803) โดดเด่น

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 เข้าสู่ยุครุ่งเรืองของกราฟิก - การวาดภาพ แกะสลัก ภาพประกอบหนังสือ ความสำเร็จโดยทั่วไปเป็นลักษณะเฉพาะของยุคนี้ เมื่อได้รับเอกราชสัมพัทธ์ สิ่งนี้อำนวยความสะดวกโดยการพัฒนาธีมประเภทและการเติบโตของความเคารพต่อศักดิ์ศรีของการร่างภาพจากชีวิต ปรมาจารย์แห่งการวาดภาพปรากฏตัวขึ้นโดยสร้างห้องชุดต่าง ๆ ในรูปแบบของชีวิตสมัยใหม่ กระบวนการเหล่านี้เข้าใจได้มากขึ้นเนื่องจากการขยายช่วงของวิชาเกิดขึ้นในเวลานั้นในการวาดภาพประเภท

Etienne Jora ผู้ติดตามของ Chardin สร้างฉากในจัตุรัสตลาดกลางตอนต่างๆ ชีวิตบนท้องถนน. ในศิลปะของทศวรรษที่ 1750 จุดเริ่มต้นของการเล่าเรื่องเข้มข้นขึ้น นักเขียนแนวนี้ก้าวข้ามขีดจำกัดของความประทับใจในบ้าน แนวการตกแต่งภายใน ช่างทาสี เจ.-บี. Benard และ Jean-Baptiste Leprince หันไปหา "ฉากในชนบท" ในปีเดียวกัน วัตถุที่คล้ายกันนี้พบได้ในภาพวาดของ Ville ช่างแกะสลักที่มีพรสวรรค์

หนึ่งในนักร่างแบบที่มีพรสวรรค์ที่สุดในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 กาเบรียล เดอ แซ็ง-โอบิน (ค.ศ. 1724-1780) ลูกชายของช่างฝีมือ Saint-Aubin สอนการวาดภาพที่โรงเรียนสถาปัตยกรรมในวัยเด็กของเขา ในช่วงต้นทศวรรษ 1750 เขาพยายามที่จะคว้า Prix de Rome ถึงสองครั้ง แต่ทุกครั้งมันก็เป็นเพียงรางวัลที่สอง และทุนสนับสนุนทางวิชาการก็พิสูจน์แล้วว่าไม่สามารถบรรลุได้สำหรับเขา ความคิดของศิลปินในด้านการวาดภาพประวัติศาสตร์ยังคงเป็นภาพสเก็ตช์ และเขาได้ปรับปรุงองค์ประกอบที่เขาเริ่มขึ้นใหม่หลายครั้งจนในที่สุดเขาก็ละทิ้งมันไปโดยไม่ทำให้เสร็จ แต่เขาเก่งมากในการวาดภาพจากการสังเกตชีวิตประจำวันในปารีส

มีช่างร่างที่มีพรสวรรค์สองคนในตระกูล Saint-Aubin; ที่สองคือออกัสติน (1737-1807) ความสามารถของสองพี่น้องนั้นแตกต่างกัน - ภาพวาดของออกัสตินนั้นมีความแม่นยำและการเล่าเรื่องเป็นหลัก แต่ก็มีสัมผัสที่หรูหราละเอียดอ่อนเช่นกัน เมื่อได้รับชื่อเสียง ออกัสตินจึงกลายเป็นผู้บันทึกเรื่องราวเกี่ยวกับงานเฉลิมฉลองและพิธีอย่างเป็นทางการ แต่ในช่วงทศวรรษที่ 1750 เขายังคงเป็นอันหนึ่งอันเดียวกับกาเบรียลด้วยบางสิ่งที่เป็นลักษณะเฉพาะของปีนี้ ดังนั้น ในปี ค.ศ. 1757 ออกัสตินได้สลักฉากสำหรับการเดินทางชมวิวผ่านปารีส

ในงานของกาเบรียล โครงเรื่องมีความหลากหลายโดดเด่น - เขาวาดงานแสดงสินค้าและร้านเสริมสวย สวนสาธารณะในเมืองและโรงละคร ฉากบนถนนและจัตุรัส การบรรยายโดยนักวิทยาศาสตร์และเซสชั่นที่น่าหลงใหล อนุสาวรีย์และภูมิทัศน์ วันหยุดและอาหารเย็น ทางเดินและห้องสุขา รูปปั้นและ ภาพวาด - จาก Louvre ถึง Saint Cloud และ Versailles ภายใต้ภาพวาดเหล่านี้มักจะมีลายเซ็น: "ทำระหว่างเดิน" เขาชื่นชมไม่เพียงแต่ความหลากหลายของชีวิตเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความเฉพาะเจาะจงของประเภทด้วย ด้วยเหตุนี้ เขาจึงซื่อสัตย์ต่อประเพณีการแกะสลัก "แฟชั่นและขนบธรรมเนียม" ของฝรั่งเศส ผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือภาพแกะสลัก "View of the Louvre Salon in 1753" องค์ประกอบของการแกะสลักประกอบด้วยสองชั้น - ที่ด้านบนคุณจะเห็นภาพวาดที่แขวนอยู่บนผนังและที่ด้านล่าง - ผู้เข้าชมจะรีบไปที่นิทรรศการปีนบันได โดยเฉพาะอย่างยิ่งการแสดงออกคือร่างโดดเดี่ยวของชายชราที่เต็มไปด้วยความคาดหวัง ความตื่นเต้นและความมีชีวิตชีวาของฝูงชน, ความรอบคอบที่เข้มข้นของผู้ที่ชื่นชอบ, ท่าทางที่แสดงออกของคนรักการโต้เถียง - ทั้งหมดนี้ช่างแกะสลักสังเกตเห็นได้อย่างชัดเจน ในการไล่ระดับโทนสีที่สวยงาม มีจิตวิญญาณและอารมณ์ความรู้สึกพิเศษที่ชวนให้นึกถึง Watteau

Saint-Aubin กำลังมองหาเทคนิคที่ยืดหยุ่นและฟรีที่สามารถถ่ายทอดความแปรปรวนของโลก การเปลี่ยนแปลงของรูปแบบต่างๆ เขาใช้ดินสอตะกั่วและดินสออิตาลี ชื่นชมความนุ่มนวลและความลึกของโทนสีดำในดินสอ เขาชอบทำงานกับปากกาและพู่กัน โดยใช้หมึกจีนกับสีน้ำล้าง สีบิสโทร ซีเปีย สีเหลืองและสีน้ำเงินอ่อน ดินสออิตาลีในภาพวาดของเขาผสมผสานกับบิสโทรและพาสเทล ไส้ดินสอ- ด้วยหมึกจีนและร่าเริง ส่วนผสมของวิธีการทางเทคนิคที่แตกต่างกันนี้เป็นคุณลักษณะของกราฟิกของ Gabriel de Saint-Aubin

ในปีต่อมา Saint-Aubin ได้แสดงผลงานของนักเขียนบทละคร Seden หนังสือของ Mercier เป็นที่น่าสงสัยว่าตัวเขาเองเป็นผู้ประพันธ์บทกวีเสียดสี ในหมู่พวกเขาเป็นภาพที่บุช

ในช่วงกลางศตวรรษ จำนวนช่างแกะสลักที่แสดงฉากของประเพณีสมัยใหม่มีจำนวนมากขึ้น ได้แก่ โคชิน กราเวโล ไอเซน ฌอง มิเชล โมโรผู้น้อง ศิลปะของพวกเขาเป็นขั้นตอนที่สำคัญที่สุดในการพัฒนาภาพประกอบหนังสือ ซึ่งเป็นหนึ่งในการสร้างสรรค์ที่งดงามที่สุดของวัฒนธรรมกราฟิกในศตวรรษที่ 18 ภาพแกะสลักของ Moreau the Younger ที่แสดงออกอย่างชัดเจนโดยเฉพาะคือฉากชีวิตทางสังคม เขาเป็นหนึ่งในนักเขียนที่ดีที่สุดในชีวิตประจำวันในฝรั่งเศสในยุคนั้น

สิ่งที่น่าสนใจมากมายในเวลานี้เกี่ยวกับเทคนิคการแกะสลัก ความนิยมในการแกะสลักนำมาซึ่งการปรับปรุงเทคโนโลยี และการค้นพบตามมาด้วยการค้นหา เป็นลักษณะเฉพาะที่เทคนิคที่หลากหลายที่ค้นพบถูกรวมเข้าด้วยกันโดยความปรารถนาที่จะแสดงออกอย่างมีชีวิตชีวาสำหรับเทคนิคแบบไดนามิกและฟรี Gilles Demarto เริ่มทำงานในลักษณะของดินสอ พัฒนาการค้นพบหนึ่งในบรรพบุรุษของเขา F. Charpentier ประดิษฐ์ lavis ซึ่งเป็นการเลียนแบบการเบลอในการแกะสลัก และจิตรกรประเภท Leprince หยิบนวัตกรรมนี้ขึ้นมา พัฒนาเทคนิค aquatint ในที่สุด ภายหลังมีการแกะสลักสีตามลาวิสและอะควาทินต์ (ฌอง ฟรองซัวส์ ฌองนีเน็ต, หลุยส์ ฟิลิแบร์ต เดบูกูร์)

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 กราฟิกฝรั่งเศสที่เพิ่มขึ้นใหม่มีความเกี่ยวข้องกับภาพสะท้อนของเหตุการณ์การปฏิวัติซึ่งนำเสนอกาแลคซีที่ยอดเยี่ยมของนักเขียนแบบร่าง - Prieur, Thevenin, Monnet, Elman, Duplessis-Berto, Svebach และอื่น ๆ .

การพัฒนาความสมจริงในช่วงกลางศตวรรษความขัดแย้งที่รุนแรงขึ้นและการต่อสู้ของแนวโน้มในศิลปะ - ทั้งหมดนี้ทำให้เกิดการเพิ่มขึ้นของทฤษฎีศิลปะซึ่งเป็นกิจกรรมที่ไม่เคยมีมาก่อนของการวิจารณ์ศิลปะ ในช่วงกลางศตวรรษที่ตามคำพูดของวอลแตร์ ในที่สุดประเทศก็เริ่มพูดถึงขนมปัง ค่ายผู้รู้แจ้งของชนชั้นกระฎุมพีรวมตัวกันในปี ค.ศ. 1751 นำเสนอ "หอรบ" ของพวกเขา - สารานุกรมที่ต่อต้านขุนนางและคริสตจักร การต่อสู้ทางอุดมการณ์ก็เกิดขึ้นในด้านสุนทรียศาสตร์เช่นกัน ดังที่คุณทราบ ผู้รู้แจ้งเชื่อว่าเป็นไปได้ที่จะสร้างสังคมใหม่ด้วยความช่วยเหลือของการศึกษาทางศีลธรรม ดังนั้นก่อนอื่น จำเป็นต้องลบล้างความอยุติธรรมและวิธีการที่ปลูกฝังในสังคม เมื่อ Dijon Academy นำเสนอหัวข้อ "การฟื้นฟูวิทยาศาสตร์และศิลปะช่วยปรับปรุงศีลธรรมหรือไม่" Rousseau ตอบในเชิงลบโดยตราหน้าว่าศิลปะเป็นพวงมาลัยดอกไม้บนโซ่เหล็กของการเป็นทาส โดยพื้นฐานแล้ว เขาตีตราวัฒนธรรมอันสูงส่งด้วยความวิปริตและเป็นศัตรูกับธรรมชาติ ด้วยความแตกต่างที่ชัดเจน มีความเหมือนกันอย่างไม่ต้องสงสัยระหว่างสงครามของรูสโซกับอารยธรรมจอมปลอมและการเปิดเผยศิลปะโรโกโก ซึ่งสามารถพบได้ในทุกคน Diderot's Salon

สุนทรียภาพแห่งการตรัสรู้ส่วนใหญ่มุ่งไปสู่การสร้างสัจนิยมในงานศิลปะ Diderot ซึ่งสนับสนุนศิลปินแนวสัจนิยมอย่าง Chardin, Latour และคนอื่นๆ ได้กล่าวย้ำสิ่งนี้อย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย การวิจารณ์ศิลปะของ Diderot อาจเป็นตัวอย่างแรกของการบุกรุกอย่างแข็งขันของนักคิดขั้นสูงในด้านการปฏิบัติทางศิลปะ การประเมินปรากฏการณ์ของศิลปะในแง่ของคุณค่าที่เป็นจริงและแนวประชาธิปไตย

ทฤษฎีสุนทรียศาสตร์ของ Diderot ใช้ชีวิตอย่างเป็นรูปธรรมของศิลปะ และด้วยวิธีนี้ ทฤษฎีนี้ต่อต้านการคาดเดาและการเก็งกำไรของนักทฤษฎีทางวิชาการ นอกเหนือจากความต้องการความจริงในงานศิลปะแล้ว Diderot วิเคราะห์จิตรกรรมและประติมากรรมสมัยใหม่ นำเสนอปัญหาของการดำเนินการ เขากังวลว่าประเภทในชีวิตประจำวันจะกลายเป็นศิลปะสำหรับผู้สูงอายุ เขาต้องการเห็นการกระทำในภาพเหมือนและตกหลุมรักลาตูร์อย่างสุดหัวใจ ที่ไม่ได้สร้างภาพ "กาโต้แห่งสมัยของเรา" จากภาพเหมือนของรูสโซ

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคำว่า "พลังงาน" ถูกนำมาใช้ในฝรั่งเศส ปัญหาของการกระทำในทัศนศิลป์สำหรับ Diderot คือปัญหาของกิจกรรมทางสังคมของศิลปะ ด้วยความคาดหวังว่าจะเกิดอะไรขึ้นในภายหลัง เขาพยายามที่จะจับและสนับสนุนในการวาดภาพความคิด ความกระตือรือร้น จินตนาการ - ทุกสิ่งที่สามารถนำไปสู่การตื่นขึ้นของชาติ

เมื่อพูดถึงการโอนตำแหน่งในชั้นเรียนของผู้คนในภาพวาด Diderot ไม่ได้หมายถึงคุณลักษณะภายนอกที่จะอธิบายให้ผู้ชมเห็นในภาพวาด มันแสดงถึงการประทับของตำแหน่งนี้ในจิตใจของมนุษย์ โลกภายในธรรมชาติของอารมณ์. "รูปร่างและใบหน้าของช่างฝีมือช่วยรักษาทักษะของร้านค้าและเวิร์กช็อป" การเรียกร้องให้ศึกษาว่าสภาพแวดล้อมหล่อหลอมธรรมชาติของบุคคลอย่างไร และสุดท้าย การพรรณนาบุคคลที่เรียบง่ายในงานศิลปะเป็นลักษณะเฉพาะของสุนทรียภาพแห่งการตรัสรู้

เมื่อโต้เถียงเกี่ยวกับความจริงของภาพศิลปะ Diderot ใน "ประสบการณ์เกี่ยวกับจิตรกรรม" ของเขาได้สรุปการค้นหาที่เหมือนจริงของศิลปินร่วมสมัย สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือคำพูดของเขาเกี่ยวกับมุมมองทางอากาศและการสะท้อนแสงสี เกี่ยวกับไคอาโรสกูโรและการแสดงออก

แนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของ Diderot นั้นปราศจากข้อโต้แย้ง ตำหนิ Boucher เขาพูดถึงความละเอียดอ่อนและความสง่างามในงานศิลปะอย่างกระตือรือร้น เมื่อรู้วิธีที่จะชื่นชมคุณงามความดีที่งดงามของ Chardin เขาจึงชื่นชม "หัว" ที่มีน้ำตาลของ Greuze อย่างสุดจะพรรณนา โดยประกาศว่าพวกเขาสูงส่งกว่าภาพวาดของ Rubens ความขัดแย้งของการประเมินที่เข้ากันไม่ได้เหล่านี้เกิดจากแก่นแท้ของมุมมองของผู้ตรัสรู้ชนชั้นกระฎุมพี

ให้ความสำคัญกับการศึกษาอย่างมากต่อศิลปะ ผู้ตรัสรู้ถือว่ามันเป็นวิธีการให้ความรู้แก่ศีลธรรมตามทฤษฎีของพวกเขา มนุษย์ธรรมชาติ". แต่เนื่องจากมาถึงจุดนี้แล้ว ในขอบเขตของจริยศาสตร์ พวกเขาหันไปหาอุดมคตินิยม ความดีที่คาดคะเนของชนชั้นนายทุนจึงกลายเป็นประเด็นของการทำให้เป็นอุดมคติในงานศิลปะ เมื่อเปรียบเทียบความเลวทรามของชนชั้นสูงกับคุณธรรมเชิงนามธรรม ผู้ตรัสรู้ไม่เห็นสิ่งที่ทุนนิยมนำมาด้วย ดังนั้น วีรบุรุษชนชั้นนายทุนในละครของ Diderot เองจึงไม่มีจริง ไร้ชีวิตชีวา และหยิ่งผยอง ทำหน้าที่เป็นกระบอกเสียงในการกล่าวคำเทศนา บางทีจุดอ่อนที่สุดในสุนทรียศาสตร์แห่งการตรัสรู้คือความต้องการศีลธรรมในงานศิลปะ และหน้ากระดาษที่ซีดที่สุดของบทความที่อุทิศให้กับศิลปะคือหน้าที่มีความกระตือรือร้นอย่างฟุ่มเฟือยในแนวศีลธรรม การตาบอดของ Diderot ในกรณีเช่นนี้เป็นสิ่งที่น่าทึ่ง สิ่งที่น่าสงสัยอย่างยิ่งคือเรื่องราวที่น่าประทับใจซึ่งเขาแต่งขึ้นเองสำหรับจิตรกร

ในด้านทัศนศิลป์ ศิลปินที่มีผลงานสะท้อนความขัดแย้งเหล่านี้คือ Jean-Baptiste Greuse (1725-1805) Grez ศึกษาใน Lyon กับ Grandon จิตรกรอันดับสอง ชื่อเสียงแรกมาถึงเขาโดยการวาดภาพประเภท "Father of the Family Reading the Bible" ในปี 1750 เขาเดินทางไปอิตาลีและนำฉากบ้านมาจากที่นั่น ซึ่งนอกจากโครงเรื่องแล้ว ไม่มีอะไรที่เป็นอิตาลีเลย การต่อสู้เกิดขึ้นรอบตัวเขา ผู้อำนวยการอาคารของราชวงศ์ Marquis of Marigny พยายามดึงดูดเขาด้วยคำสั่งให้แต่งเพลงเชิงเปรียบเทียบสำหรับ Marquise Pompadour และเสนอให้ส่งเขาไปอิตาลี ผู้รู้แจ้งสนับสนุนระบอบประชาธิปไตยของแผนการของ Greuze ซึ่งทำหน้าที่เป็นจิตรกรของฐานันดรที่สาม

งานโปรแกรมของ Greuze จัดแสดงที่ Salon of 1761 นี่คือ "Country Bride" (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ภาพวาดของเกรซไม่ได้เป็นเพียงภาพช่วงเวลาหนึ่งของชีวิตในบ้านเท่านั้น งานที่เขาตั้งขึ้นอย่างมีสตินั้นกว้างกว่ามาก - ในองค์ประกอบหลายร่างที่มีรายละเอียดเพื่อนำเสนอเหตุการณ์พิเศษในชีวิตครอบครัวโดยยกย่องศีลธรรมอันดีของฐานันดรที่สาม ดังนั้นรอบกิจกรรมหลักในงาน - การโอนสินสอดทองหมั้นโดยพ่อของครอบครัวไปยังลูกเขยของเขา - เรื่องราวของความกระตือรือร้นที่สมาชิกในครอบครัวที่เคารพนับถือรับรู้ถึง "การเคลื่อนไหวที่ไม่ธรรมดาของจิตวิญญาณ" นี้อย่างเคร่งขรึม แฉ องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นในรูปแบบใหม่: ตัวละครในฝันรู้สึกเหมือนอยู่บนเวที พวกเขาไม่ได้มีชีวิต ไม่ได้แสดง แต่เป็นตัวแทน การจัดเรียงของตัวละคร ท่าทางและการแสดงออกทางสีหน้าของพวกเขาถูกคิดขึ้นมาราวกับว่าผู้กำกับมาจากโรงเรียนสอน "ตลกน้ำตาแตก" ดังนั้นน้องสาวสองคนของคู่บ่าวสาวจึงถูกเปรียบเทียบเพื่อจุดประสงค์ในการเปรียบเทียบความทุ่มเทและความอ่อนโยนของคนหนึ่งและความอิจฉาที่น่ารังเกียจของอีกฝ่าย นักเขียนบทละครภาษาอังกฤษโกลด์สมิธเขียนเกี่ยวกับปรากฏการณ์ที่คล้ายคลึงกันในศิลปะการแสดงละครว่า "ในบทละครเหล่านี้ ตัวละครเกือบทั้งหมดเป็นคนดีและมีเกียรติมาก พวกเขาแจกจ่ายเงินดีบุกของพวกเขาบนเวทีด้วยมือที่เอื้อเฟื้อ"

แม้แต่ที่ Salon of 1761 Grez ก็จัดแสดงภาพวาด Paralytic ของ Hermitage หลายภาพ ในบรรดาภาพร่างสำหรับภาพวาดนี้ สีน้ำที่เรียกว่า "คุณย่า" (ปารีส คอลเลกชันส่วนตัว) เป็นที่รู้จัก สีน้ำแสดงให้เห็นที่อยู่อาศัยที่ยากจน เด็ก ๆ ล้อมรอบหญิงชราที่ป่วยอยู่ใต้บันได ความโน้มน้าวใจของท่าทาง ความมีชีวิตชีวาของสถานการณ์ ชวนให้นึกถึงงานของ Grez จากชีวิต เป็นที่รู้จักจากภาพวาดพ่อค้าชาวปารีส ขอทาน ชาวนา และช่างฝีมือ ในตอนต้นของงานจิตรกรรมของศิลปินภาพร่างจากธรรมชาติมีบทบาทสำคัญ แต่เมื่อเปรียบเทียบภาพร่างกับภาพวาดที่จัดแสดงที่ Salon of 1763 จะเห็นการเปลี่ยนแปลงอย่างชัดเจน ท่วงท่าและการเคลื่อนไหวได้รับผลกระทบและกลายเป็นไม้ ครอบครัวรีบไปหาคนเป็นอัมพาต พรากเขาจากเรี่ยวแรงสุดท้ายของเขาด้วยขบวนพาเหรดที่มีเสียงดังแสดงความขอบคุณและความกระตือรือร้นของพวกเขา เศษผ้าที่แขวนอยู่ในภาพร่างบนราวบันไดที่คดเคี้ยวในภาพกลายเป็นผ้าม่านอันงดงาม แผ่นนี้เหมือนธงประจำตระกูล สวมมงกุฎกลุ่มเสี้ยมแห่งวีรบุรุษผู้มีคุณธรรม โดยสรุป เกรซหันไปใช้เทคนิคการประพันธ์เชิงวิชาการ โดยวางตัวละครไว้ด้านหน้า "ในลักษณะนูนต่ำ" ภาพวาดของ Greuze หลายชิ้นมีลักษณะที่สมจริง พวกเขาขึ้นอยู่กับการสังเกตชีวิต แต่วิธีการสร้างสรรค์ของศิลปินมักจะเป็นแบบภายนอก กระบวนการนี้ชวนให้นึกถึงความพยายามของนักวิชาการในศตวรรษที่ 17 Lebrun เพื่อลดความหลากหลายของความรู้สึกของมนุษย์ให้เป็นสูตรเฉพาะของความหลงใหลในนามธรรม

ในช่วงทศวรรษที่ 1760 ด้วยผลงานใหม่แต่ละชิ้นวีรบุรุษของ Grez ได้รับ "ฉายาที่กลายเป็นหิน" - พ่อที่ทุกข์ทรมานของครอบครัว, ลูกชายที่ชั่วร้าย, ลูกเขยที่น่านับถือ, แม่เลี้ยงที่ชั่วร้าย ฯลฯ , และอื่น ๆ )

องค์ประกอบ "เหนือและการากัลลา" (Salon 1769; Louvre) เป็นเรื่องราวของพ่อที่มีคุณธรรมและลูกชายที่ชั่วร้ายซึ่งได้รับการยกระดับให้เป็นภาพวาดประวัติศาสตร์ ในแง่หนึ่ง คุณธรรมประจำครอบครัวของ Grez กลายเป็นนามธรรมมากขึ้นเรื่อยๆ และ "การเชิดชูทางประวัติศาสตร์" ของมันค่อนข้างสมเหตุสมผลจากมุมมองนี้ แต่ในเวลาเดียวกัน มีความหมายแฝงใหม่ที่สำคัญที่นี่ Caracalla ไม่เพียง แต่เป็นลูกชายที่ชั่วร้าย แต่ยังเป็นผู้ปกครองที่ไม่ดีอีกด้วย ในการปฏิเสธไม่ให้ Greuze ยอมรับภาพนี้ Academy (ขณะนั้นนำโดย Boucher ผู้สูงวัย) ได้ประท้วงต่อต้านแรงจูงใจของพลเมืองที่กำลังเตรียมสิ่งที่เกิดขึ้นแล้วในปี 1770 การทดแทนคุณธรรมของครอบครัวด้วยคุณธรรมพลเรือน

ในผลงานของ Greuze ในช่วงปลายยุคมีมารยาทมากขึ้น เช่น เหยือกแตก (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์), นกที่ตายแล้ว, ศีรษะและคำอธิษฐานยามเช้าที่มีความคลุมเครือ, อารมณ์ความรู้สึกแบบฟิลิสเตียและภาพวาดที่ไม่ดี ไม่น่าแปลกใจที่เกรซเป็นคนพูดว่า: "เผ็ดถ้าคุณไม่สามารถพูดความจริงได้" "ศิลปะแห่งความพอใจ" มีชัยเหนือความปรารถนาที่จะแสดงความคิดที่ก้าวหน้าของเวลาในการวาดภาพ

Greuze เป็นผู้ก่อตั้งเทรนด์การวาดภาพฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 (Lepissier, Aubrey และอื่น ๆ อีกมากมาย) มันพัฒนาขึ้นในปี 1770 เมื่อศิลปะแห่งการปฏิวัติแบบคลาสสิกเริ่มเป็นรูปเป็นร่างแล้ว ดังนั้นแนวศีลธรรมในเวลานี้จึงกลายเป็นปรากฏการณ์เล็กน้อยในการวาดภาพฝรั่งเศส Etienne Aubry หนึ่งในผู้ติดตาม Greuze ที่เป็นแบบอย่างมากที่สุด วาดโครงเรื่องภาพวาดของเขาไม่ใช่จากชีวิต แต่จากนิทานคุณธรรมของ Marmontel ในผลงานของ Nicolas Bernard Lepissier (พ.ศ. 2278-2327) มีอีกด้านหนึ่งของประเภทอารมณ์อ่อนไหวตอนปลาย - ความไร้สาระ Falcone เคยกล่าวไว้อย่างถูกต้อง: "ยิ่งมีความพยายามที่จะเคลื่อนไหวเรามากเท่าไหร่

เมื่อประเมินศิลปะของ Greuze และผู้ติดตามของเขา เราไม่ควรสับสนระหว่างการเทศนาเรื่องคุณธรรมกับกระแสความรู้สึกอ่อนไหวในศตวรรษที่ 18 ที่เกี่ยวข้องกับโลกทัศน์ของ Rousseau ความดึงดูดใจต่อธรรมชาติซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เป็นสิ่งที่จำเป็นสำหรับการพัฒนาแนวโน้มที่เหมือนจริงในภูมิทัศน์ศิลปะในยุคนี้

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 รากฐานของการรับรู้ใหม่เกี่ยวกับธรรมชาติ - การแต่งเนื้อร้อง อารมณ์ความรู้สึก ความสามารถในการปรับให้เข้ากับการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณมนุษย์ - ถูกวางไว้ในงานของ Watteau จากนั้นศิลปะนี้พัฒนาขึ้นภายใต้กรอบของประเภทอื่นๆ: พื้นหลังแนวนอนในกระดาษแข็งสำหรับพรม เช่นเดียวกับในการต่อสู้และการจัดองค์ประกอบภาพสัตว์ สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือฉากการล่าสัตว์ของ François Deporte (1661-1743) และ Oudry (1686-1755); การสังเกตการณ์แบบสดเป็นสิ่งที่เห็นได้ชัดเจนที่สุดในการศึกษาของ Deporte ("Valley of the Seine", Compiègne)

ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพทิวทัศน์ที่สำคัญปรากฏขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 คนโตของพวกเขาคือ Joseph Vernet (1714-1789) ตอนอายุยี่สิบเขาไปอิตาลีและอยู่ที่นั่นเป็นเวลาสิบเจ็ดปี ดังนั้น Vernet จึงมีชื่อเสียงในฝรั่งเศสในทศวรรษที่ 1750 หลังจากประสบความสำเร็จที่ Louvre Salon ในปี 1753 ความคิดสร้างสรรค์ Vernet ระลึกถึงประเพณีของ Claude Lorrain - ภูมิทัศน์ของเขาได้รับการตกแต่ง บางครั้ง Vernet มักจะชอบแนวโคลงสั้น ๆ บางครั้งก็เป็นแนวดราม่า ในปีต่อ ๆ มาเขามักจะใช้เอฟเฟ็กต์โรแมนติกของพายุและแสงจันทร์เป็นพิเศษ Vernet เป็นนักเล่าเรื่องที่มีทักษะ เขามีทิวทัศน์หลายสายพันธุ์ เช่นซีรีส์ชื่อดัง "Ports of France" วิวทะเลและสวนสาธารณะมากมาย ภูมิทัศน์ของศิลปินคนนี้ได้รับความนิยมอย่างมากซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของการตกแต่งภายใน

Louis Gabriel Moreau the Elder (1739-1805) - ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพทิวทัศน์ในเวลาต่อมา เขามักจะเขียนมุมมองของปารีสและบริเวณโดยรอบ - มูดอน, แซงต์คลาวด์, บากาแตล, ลูเวเซียน Moreau มีชื่อเสียงจากการวาดภาพทิวทัศน์ที่สวยงาม เช่น "Landscape with a Park Fence" (สีน้ำและ gouache; พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์พุชกิน) ผลงานของเขามีความประณีต ค่อนข้างเยือกเย็น แต่มีสีสันที่ละเอียดอ่อน บทกวีและพลังแห่งการสังเกตที่สำคัญของ Moreau ถูกหักเหในงานต่างๆ เช่น The Hills at Meudon (Louvre) ภาพวาดของเขามีขนาดเล็กลายมือของจิตรกรเป็นแบบช้อย

จิตรกรภูมิทัศน์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 คือ Hubert Robert (1733-1808) ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในอิตาลี โรเบิร์ตรู้สึกตื้นตันใจในความเก่าแก่ ต่อซากปรักหักพังของกรุงโรมโบราณ นี่คือศิลปินรุ่นใหม่ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดของความคลาสสิก แต่งานศิลปะของ Robert นั้นมีความโดดเด่นเป็นพิเศษด้วยการผสมผสานระหว่างความสนใจในสมัยโบราณกับความดึงดูดของธรรมชาติ นี่คือแนวโน้มที่สำคัญที่สุดของวัฒนธรรมฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เมื่อพวกเขาเห็นต้นแบบของเสรีภาพและธรรมชาติของมนุษย์ในสมัยโบราณและธรรมชาติ หลังจากที่ศิลปินกลับมาปารีส เขาได้รับค่าคอมมิชชั่นมากมายสำหรับภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรม พวกเขามีจุดประสงค์ในการตกแต่งตกแต่งภายในคฤหาสน์คลาสสิกใหม่ พวกเขายังได้รับคำสั่งจากขุนนางรัสเซียเช่น Yusupov สำหรับที่ดินใน Arkhangelsk

การสร้างภาพ โรเบิร์ตเพ้อฝัน แต่งภาพ แม้ว่าเขาจะใช้ภาพร่างจากธรรมชาติก็ตาม เช่นเดียวกับ Piranesi เขารวมซากปรักหักพังและอนุสาวรีย์ต่าง ๆ ไว้ในภาพเดียว ศิลปินโดดเด่นด้วยความยิ่งใหญ่ของลวดลายสถาปัตยกรรม ในแง่ของวิธีการและวิชา เขาเป็นปรมาจารย์ของลัทธิคลาสสิคทั่วไป แต่แนวโน้มที่เหมือนจริงของภูมิทัศน์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 กำหนดมากในงานศิลปะของเขา พื้นผิวของหินเก่าอิ่มตัวด้วยแสง เขาชอบที่จะถ่ายทอดการเล่นของแสง แขวนโปร่งใสส่องแสงท่ามกลางซากปรักหักพังที่มืดมิด ซักผ้าเปียก. บางครั้งลำธารไหลที่เชิงอาคารและซักผ้าของผู้หญิงในเครื่องซักผ้า ความโปร่งโล่งและความนุ่มนวลของความแตกต่างของสีเป็นลักษณะเฉพาะของภูมิทัศน์ของโรเบิร์ต ในช่วงของมันมีเฉดสีเขียวและสีเทามุกที่หลากหลายซึ่งมักจะถูกเน้นด้วยสีแดงเข้ม

สำหรับการพัฒนาการวาดภาพทิวทัศน์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 หลักการใหม่ของการวางแผนอุทยานมีความสำคัญมาก โดยเข้ามาแทนที่ระบบปกติ ไม่น่าแปลกใจที่โรเบิร์ตชอบสวน "แองโกล-ไชนีส" ที่เลียนแบบธรรมชาติตามธรรมชาติ ซึ่งมีจิตวิญญาณแห่งความรู้สึกซาบซึ้ง ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1770 เขาดูแลการเปลี่ยนแปลงของสวนสาธารณะที่คล้ายกันที่แวร์ซาย; ตามคำแนะนำของจิตรกรภูมิทัศน์ สวนของ Ermenonville, Bagatelle, Chantilly, Méreville (หลัง - ตามแผนของ Robert) ถูกทำลายในเวลานี้ สวนเหล่านี้เป็นสวนสำหรับนักปรัชญาและนักฝัน - มีทางเดินแปลกๆ ตรอกซอกซอยที่ร่มรื่น กระท่อมแบบชนบท ซากปรักหักพังทางสถาปัตยกรรม เอื้อต่อการสะท้อน ในทางกลับกัน การค้นหาความเป็นธรรมชาติในสวนภูมิทัศน์ เสรีภาพในการแต่งเพลง แรงจูงใจที่ใกล้ชิด ทั้งหมดนี้ได้รับอิทธิพลจากการวาดภาพทิวทัศน์ กระตุ้นแนวโน้มที่เหมือนจริง

จิตรกรและศิลปินกราฟิกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษคือ Honore Fragonard (1732-1806) ตอนอายุสิบเจ็ด Fragonard ไปที่โรงงานของ Boucher ซึ่งส่งเขาไปที่ Chardin; หลังจากใช้เวลาหกเดือนกับ Chardin ศิลปินหนุ่มก็กลับไปที่ Bush Fragonard ต้องช่วยอาจารย์ทำคำสั่งขนาดใหญ่ ในปี ค.ศ. 1752 Fragonard ได้รับรางวัล Prix de Rome จากการประพันธ์เรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิล ในปี 1756 เขาได้เป็นนักเรียนของ French Academy ในกรุงโรม ห้าปีของอิตาลีมีผลอย่างมากสำหรับศิลปิน เขาไม่สามารถมองโลกผ่านสายตาของบุชได้อีกต่อไป

ฟราโกนาร์ด ไซเปรสขนาดใหญ่ของ Villa d "Este ภาพวาด ล้าง bistre 2303 เวียนนา, Albertina

ผลงานของ Fragonard ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากภาพวาดของอิตาลี ซึ่งส่วนใหญ่มาจากศตวรรษที่ 17 และ 18 นอกจากนี้เขายังคัดลอกภาพนูนต่ำนูนต่ำของโลงศพโบราณ สร้างการแสดงสดในรูปแบบโบราณ - ฉาก Bacchic ของทศวรรษที่ 1760 ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ภาพวาดทิวทัศน์อันงดงามของ Fragonard เต็มไปด้วยอากาศและแสงสว่าง เทคนิคกราฟิกที่ยืดหยุ่นและอิสระสอดคล้องกับความละเอียดอ่อนของการรับรู้ ท่ามกลางหมอกควันในบรรยากาศ การละเล่นของแสงแดดในตรอกซอกซอย เขาแนะนำการเปลี่ยนแสงและเงาที่นุ่มนวลให้กับภาพวาด ซึ่งช่วยเสริมเทคนิคของบิสโทรหรือการล้างหมึก เขารักในปีนี้และร่าเริง ภูมิทัศน์ในยุคแรกๆ ของ Fragonard เป็นหนึ่งในความสำเร็จแรกๆ ของจิตรกรหนุ่ม

ในฤดูใบไม้ร่วงปี 2304 Fragonard กลับไปปารีส ทศวรรษที่ 1760 เป็นช่วงเวลาที่งานศิลปะของเขากำลังเติบโต มันยังคงเป็นที่ถกเถียงกันอย่างมาก รูปแบบดั้งเดิมของ Rococo แย้งกับภารกิจที่เหมือนจริง แต่ธีมโคลงสั้น ๆ กลายเป็นธีมหลักแม้ในประเภทตำนาน ในฤดูหนาวปี พ.ศ. 2307 เขาเสร็จสิ้นโครงการ "นักบวชโคเรซเสียสละตนเองเพื่อช่วยคัลลิรา"; ภาพวาดขนาดใหญ่นี้จัดแสดงที่ Louvre Salon ในปี 1765 มันถูกเขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของในภายหลัง ปรมาจารย์ชาวอิตาลีมีการแสดงละครที่มีเงื่อนไขมากมายในนั้น แต่อารมณ์ความรู้สึกทะลุผ่านสำนวน ภาพนี้ประสบความสำเร็จ คำสั่งของสถาบัน (พ.ศ. 2309) ให้ดำเนินการแท่นขนาดใหญ่สำหรับพิพิธภัณฑ์ลูฟร์แกลเลอรีแห่งอพอลโลสัญญาว่าจะเป็นนักวิชาการ แต่งานนี้ไม่สำเร็จโดย Fragonard เขาหันเหจากแนวประวัติศาสตร์และตั้งแต่ปี 1769 เขาหยุดจัดแสดงในห้องโถงของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ เห็นได้ชัดว่าเขารู้สึกเบื่อหน่ายกับความเชื่อในการวาดภาพประวัติศาสตร์ของนักวิชาการ ผู้ร่วมสมัยคร่ำครวญว่าเขาพอใจกับความนิยมในผลงานของเขาในห้องส่วนตัวของชนชั้นสูงโดยละทิ้งความคิดที่ยิ่งใหญ่และความรุ่งโรจน์ของจิตรกรประวัติศาสตร์

ในความเป็นจริงศิลปะของอาจารย์หนุ่มเริ่มก่อตัวขึ้นในทศวรรษที่ 1760 เป็นโคลงสั้น ๆ สนิทสนม ฉากในชีวิตประจำวัน ทิวทัศน์ ภาพบุคคลในผลงานของ Fragonard ได้รับความสนใจในความเป็นปัจเจก ธรรมชาติ และความรู้สึกที่เป็นลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมศิลปะฝรั่งเศสในยุคนี้ ลักษณะเฉพาะของงานศิลปะของ Fragonard คือบางทีอาจมากกว่างานศิลปะของจิตรกรคนอื่น ๆ ในศตวรรษที่ 18 ที่เต็มไปด้วยลัทธิ hedonism ซึ่งเป็นบทกวีแห่งความสุข ดังที่คุณทราบ ความเชื่อทางศาสนาของศตวรรษที่ 18 เป็นปรากฏการณ์ที่ขัดแย้งกัน ปรัชญาแห่งความสุขขัดแย้งกับสภาพที่แท้จริงของการดำรงอยู่ของผู้คนนับล้าน และความโกรธเกรี้ยวอันร้อนแรงของประชาธิปัตย์รูสโซก็มิได้มีไว้เพื่ออะไร แต่ในขณะเดียวกัน การยืนยันถึงราคะทางโลกที่แท้จริงก็เชื่อมโยงกับมัน: นักวัตถุนิยมชาวฝรั่งเศสเปรียบเทียบความเลวทรามของชนชั้นสูงและความเจ้าเล่ห์ของนักบุญกับสิทธิของบุคคลที่จะเพลิดเพลินไปกับความร่ำรวยของการเป็น กล่าวอีกนัยหนึ่ง การเรียกนักการศึกษาลา เมตทรีเป็น "ศัตรูของการมึนเมาและเป็นเพื่อนแห่งความสุข" ฟังดูเหมือนเป็นการประท้วงต่อต้านความหน้าซื่อใจคดและศีลธรรมในยุคกลางของศาสนจักร ความอีโรติกที่อิ่มเอมของภาพวาดโรโคโคซึ่งสะท้อนถึงกฎเกณฑ์ของชนชั้นสูงที่ถดถอย ศิลปะที่เสื่อมโทรม และในงานของ Fragonard นั้นมีตราประทับของคุณลักษณะทั่วไปของวัฒนธรรมอันสูงส่ง แต่ในสิ่งที่ดีที่สุดของเขา เขาปราศจากความซับซ้อนที่เยือกเย็นของอีปิโกนของ Boucher มีความรู้สึกที่แท้จริงมากมายในตัวพวกเขา

แม้แต่ฉากที่เป็นตำนานเช่น "การขโมยเสื้อโดยกามเทพ" (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) "การอาบน้ำของนายทุน" (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ก็ทำให้มีตัวละครที่มีชีวิตที่เป็นรูปธรรม นำผู้ชมไปสู่ขอบเขตที่ใกล้ชิดของการเป็น รูปภาพเหล่านี้เต็มไปด้วยความสุขทางความรู้สึก จังหวะการประพันธ์ที่ราบรื่น เงาที่นุ่มนวล แสงและสีสันอันอบอุ่นสร้างสภาพแวดล้อมทางอารมณ์ ความรักที่โหยหาในฉากของ Fragonard ผสมผสานกับความเจ้าเล่ห์ที่มีชีวิตชีวาและการเยาะเย้ยอย่างโอหัง

ความมีชีวิตชีวาทางอารมณ์ของงานศิลปะของ Fragonard กำหนดอารมณ์ของเทคนิคของเขา อิสระของจังหวะที่เบาและไดนามิก ความละเอียดอ่อนของเอฟเฟกต์แสงและอากาศ เขาได้รับของขวัญที่ยอดเยี่ยมในฐานะนักด้นสดและไม่เคยรวบรวมความคิดที่ส่องสว่างให้เขาอย่างเต็มที่ ในระบบภาพของ Fragonard การแสดงออกจะผสมผสานกับการตกแต่งที่วิจิตรงดงาม และสีไม่ได้สื่อถึงปริมาณ ความเป็นตัวตนของวัตถุ อย่างที่ Chardin สามารถทำได้

หนึ่งในผลงานที่โด่งดังที่สุดในยุค 1760 - "Swing" (1767; London, Wallace collection) - สร้างขึ้นตามโครงเรื่องของลูกค้า - นักการเงิน Saint-Julien ซึ่งต้องการให้ศิลปินพรรณนาคนรักของเขาบนชิงช้า มุมส่วนตัวของสวนสาธารณะดูเหมือนห้องส่วนตัวที่ตุ้งติ้ง การเคลื่อนไหวที่พลิ้วไหวของร่างที่สง่างาม โครงร่างของเสื้อผ้าของเธอ ชวนให้นึกถึงเงาของแมลงเม่า การเล่นที่น่ารักของสายตาเนือยๆ ทั้งหมดนี้สร้างภาพที่เต็มไปด้วยความซับซ้อนของ Rocaille ที่เผ็ดร้อน

แต่ในผลงานของ Fragonard มีฉากประเภทต่างๆ มากมายที่คล้ายกับ Laundresses (อาเมียงส์) ในสวนสาธารณะเก่าใกล้กับเสาสีเทาขนาดใหญ่ สีที่บริสุทธิ์และโปร่งใส สื่อถึงความเปล่งประกายของแสงอาทิตย์ที่กระจายไปกับการสะท้อนแสงที่นุ่มนวลบนหินเก่า ใบไม้สีเข้มทอดเงาบนหินเก่า สีเทาทอจากมะกอก สีเทา และสีเขียว ความสดของสี ความมีชีวิตชีวาของความแตกต่าง ความเบาของจังหวะ - ทั้งหมดนี้ตรงข้ามกับลักษณะที่เฉื่อยชาและไม่เป็นธรรมชาติของ epigones ของ Boucher และคาดการณ์ถึงการพิชิตสีสันของภูมิทัศน์ในศตวรรษที่ 19

ความดึงดูดใจต่อธรรมชาติของ Fragonard ทำให้ฉากในชีวิตประจำวันของเขามีชีวิตชีวา เพิ่มคุณค่าให้กับแนวภาพทิวทัศน์ ทำให้ต้องชื่นชมความเป็นตัวแบบของนางแบบในภาพบุคคล ภาพของ Fragonard ("Saint-Non"; Barcelona) นั้นงดงามและเจ้าอารมณ์ ความกังวลของศิลปินไม่ใช่ความคล้ายคลึงกันและความซับซ้อนของโลกภายใน - เขาชอบความตื่นเต้นของจิตวิญญาณในภาพบุคคลขอบเขตการตกแต่งความแปลกตาของเครื่องแต่งกายที่มีสีสัน ในบรรดางานภาพบุคคลของ Fragonard ภาพของ Diderot (ปารีส คอลเลกชั่นส่วนตัว) นั้นโดดเด่น งานกราฟิกประเภทนี้ได้แก่ “Madame Fragonard” (หมึกจีน; Besancon), “Marguerite Gerard” (bistre, ibid.) ข้อดีของเขาคือการปลดปล่อยการวาดภาพบุคคลจากศีลอุปาทานความหลงใหลในความรู้สึกที่จริงใจความฉับไวในการแสดงออก

ในภูมิประเทศ Fragonard กลับไปสู่ประเพณีของ Watteau แต่การฝันกลางวันอันเศร้าโศกของ Watteau นั้นถูกแทนที่ด้วยความยินดีในการเป็น

ซึ่งแตกต่างจาก Robert ตรงที่ ลวดลายทางสถาปัตยกรรมในภูมิทัศน์ของ Fragonard ไม่ได้มีอิทธิพลเหนือสิ่งใด ทำให้เกิดความสัมพันธ์เชิงพื้นที่และเอฟเฟกต์แสง-อากาศ สภาพแวดล้อมที่สร้างภาพลักษณ์ที่เป็นรูปธรรมของธรรมชาติ ซึ่งแตกต่างจาก Robert มุมมองนำสายตาไปสู่ความลึก แต่ส่วนใหญ่มักไม่เป็นเส้นตรง ผังกลางมีโบสถ กอไม้ ศาลา; ตรอกซอกซอยหรือเส้นทางที่โค้งไปรอบ ๆ พวกเขานำไปสู่ระยะทางที่ส่องสว่างด้วยแสงวิเศษ แต่ขอบฟ้ามักจะปิดด้วยสวนระเบียงบันได ภูมิประเทศของฟราโกนาร์ดนั้นใกล้ชิดอยู่เสมอ ในสวนสาธารณะสไตล์บาโรกอันโอ่อ่าของ Villa d'Este Fragonard พบมุมหายาก ปราศจากความเอิกเกริกและสมมาตรที่เคร่งครัด มุมต่างๆ เหล่านี้ถูกลบออกจากน้ำพุที่มีเสียงดังซึ่งรายล้อมไปด้วยผู้ชมจำนวนมาก

จังหวะการสั่นเล็ก ๆ ถ่ายทอดแสงสะท้อนและแสงวาบของแสงแดดบนใบไม้ แฟลชเหล่านี้สร้างรัศมีแสงกระจายรอบวัตถุมืด แสงสว่างอันอ่อนโยนไหลออกมาจากส่วนลึก ทำให้เงาของต้นไม้สว่างไสว แสงที่ตกกระทบในภาพวาดของ Fragonard และนี่คือหนึ่งในคุณสมบัติที่น่าทึ่งที่สุดของงานกราฟิกของเขา ธรรมชาติของเทคนิคกราฟิกยังเปลี่ยนการแสดงออกของสีของกระดาษด้วย - มงกุฎของต้นไม้ส่องแสงอ่อนลงในแสงแดดมากกว่าหินสีขาวของบันได

ในช่วงทศวรรษที่ 1770 ภูมิทัศน์ของ Fragonard เรียบง่ายและจริงใจมากขึ้น สถานที่แห่งการตกแต่งธรรมชาติถูกครอบครองโดยธรรมชาติธรรมดามากขึ้น (“ชายทะเลใกล้เจนัว”, ซีเปีย, 2316) เป็นที่น่าสังเกตว่าสิ่งนี้เกิดขึ้นพร้อมกับการเพิ่มคุณค่าให้กับประเภทชีวิตประจำวันด้วยฉากชีวิตพื้นบ้าน สิ่งสำคัญอย่างยิ่งในการพัฒนาประเภทและภูมิทัศน์ของ Fragonard คือการเดินทางไปอิตาลีซึ่งเขาได้ดำเนินการในปี พ.ศ. 2316-2317 บรรยากาศทางศิลปะในอิตาลีในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเป็นเรื่องใหม่อยู่แล้ว ที่ Medici Villa ในกรุงโรม นักคลาสสิกรุ่นเยาว์ศึกษา - Vincent, Suve, Menajo แต่ Fragonard นำมาจากอิตาลีไม่ใช่หลักการของความคลาสสิค แต่เป็นทิวทัศน์ที่สมจริงและฉากในชีวิตประจำวัน

ในผลงานของ Fragonard เป็นที่รู้จักกันหลายรอบของภาพประกอบ - สำหรับนิทานของ La Fontaine, Furious Roland ของ Ariosto, Don Quixote ของ Cervantes ภาพประกอบสำหรับ Ariosto ยังคงเป็นภาพร่างสีซีเปียและดินสอ สัมผัสที่แสดงออกและ Chiaroscuro ที่งดงาม บางครั้งก็ไพเราะนุ่มนวล บางครั้งก็น่าทึ่ง ทำให้สามารถถ่ายทอดจังหวะที่เป็นอิสระและมีชีวิตชีวาของเรื่องราวบทกวี การเปลี่ยนแปลงของน้ำเสียงที่ไม่คาดคิด ในภาพวาดเหล่านี้อิทธิพลขององค์ประกอบเชิงเปรียบเทียบของ Rubens และกราฟิกของชาวเวนิส - Tiepolo และ Gasparo Diziani - เป็นสิ่งที่สังเกตได้ชัดเจน ซึ่งแตกต่างจากนักวาดภาพประกอบโรโคโคที่ตกแต่งหนังสือด้วยภาพสะเปะสะปะ Fragonard สร้างชุดแผ่นงานที่บอกเล่าเหตุการณ์สำคัญและวีรบุรุษของบทกวี นี่เป็นวิธีการแสดงภาพประกอบแบบใหม่ที่แตกต่างออกไป อย่างไรก็ตาม เขาชอบการแสดงออกที่น่าประทับใจของเหตุการณ์พิเศษจากชีวิตของพวกเขามากกว่าการระบุลักษณะเชิงลึกของตัวละคร

ในช่วงเวลาต่อมา งานของ Fragonard ยังคงอยู่ในช่วงของปัญหาตามแบบฉบับของปรมาจารย์ท่านนี้ แน่นอนว่าศิลปะโคลงสั้น ๆ และใกล้ชิดของเขาซึ่งส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับประเพณีของวัฒนธรรมอันสูงส่งไม่สามารถรับรู้ถึงอุดมคติของวีรบุรุษที่มีอยู่ในการปฏิวัติแบบคลาสสิกซึ่งได้รับชัยชนะในทศวรรษที่ 1780 แต่ในช่วงปีแห่งการปฏิวัติ Fragonard ไม่ได้อยู่ห่างจาก ชีวิตทางศิลปะเป็นสมาชิกของคณะกรรมการตัดสินศิลปะและภัณฑารักษ์ของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์

ในประติมากรรมฝรั่งเศสกลางศตวรรษที่ 18 ปรมาจารย์ปรากฏตัวขึ้นและเริ่มดำเนินการในเส้นทางใหม่

Jean Baptiste Pigalle (1714-1785) อายุน้อยกว่าครูของเขา J.-B เพียงสิบปี เลมอยน์; แต่ผลงานของเขามีคุณสมบัติใหม่โดยพื้นฐานหลายประการ ผลงานที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของเขาคือ "Mercury" ซึ่งทำด้วยดินเผาในกรุงโรมซึ่ง Pigalle ศึกษาในปี 1736-1739 ยังคงเป็นแบบดั้งเดิมมาก (ในปี 1744 เขาได้รับตำแหน่งนักวิชาการสำหรับรุ่นหินอ่อน) ท่าทางที่ซับซ้อนของ Mercury, การปรับรองเท้าแตะมีปีก, สง่างาม, มีบางอย่างที่เจ้าเล่ห์และกล้าหาญในตัวเขา, การประมวลผลของวัสดุนั้นประณีตตามความใกล้ชิดของธีม ใกล้กับเขาคือ "วีนัส" (หินอ่อน 2291; เบอร์ลิน) - ตัวอย่างของประติมากรรมประดับกลางศตวรรษ เธอนั่งอยู่บนก้อนเมฆ ในท่าทางที่ไม่มั่นคง ใคร ๆ ก็รู้สึกถึงความสุขที่เนือย ๆ ดูเหมือนว่าร่างนั้นกำลังจะหลุดจากการสนับสนุน ความนุ่มนวลของท่วงทำนองที่ไพเราะ การปรับแต่งสัดส่วน การประมวลผลที่ละเอียดอ่อนของหินอ่อน ราวกับถูกปกคลุมด้วยหมอก ทั้งหมดนี้เป็นเรื่องปกติของอุดมคติที่ละเอียดอ่อนของ Pigalle ยุคแรก แต่ที่นี่โน้ตที่ใกล้ชิดของโรโคโคได้รวมเข้ากับรูปแบบธรรมชาติที่น่าทึ่ง ร่างกายของผู้หญิง. ภายหลัง Pigalle จะถูกเรียกว่า "ไร้ความปราณี" และแน่นอน - ในหลุมฝังศพของ Dancourt (1771; Notre Dame Cathedral) และ Maurice of Saxony (1753-1776) ไม่เพียงมีวาทศิลป์ของชาดกเท่านั้น แต่ยังมีความเป็นธรรมชาติสูงสุดของแรงจูงใจมากมาย ไม่มีจิตรกรภาพบุคคลจำนวนมากของ Marquise Pompadour ที่ถ่ายทอดรูปลักษณ์ที่แท้จริงของเธอได้อย่างแม่นยำเช่นนี้ (New York, คอลเลกชันส่วนตัว) แม้แต่กับ Latour เธอก็สวยเกินไป แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งความสนใจในธรรมชาตินี้ปรากฏในรูปปั้นหินอ่อนของวอลแตร์ (พ.ศ. 2319; ปารีส, หอสมุดแห่งสถาบันฝรั่งเศส) ย้อนกลับไปในปี พ.ศ. 2313 วอลแตร์เขียนจดหมายเกี่ยวกับดวงตาที่จมและแก้มที่หย่อนยานของเขา Pigalle ทำตามสูตรคลาสสิกของ "การเปลือยกายของวีรบุรุษ" ที่นี่ แต่ในขณะเดียวกันก็ถ่ายทอดสัญญาณแห่งวัยชราทั้งหมดเหล่านี้ลงในภาพ และถึงกระนั้นการถ่ายทอดธรรมชาติในงานศิลปะของเขาก็ไม่ได้มีนัยยะสูงเสมอไป และโดยปกติแล้วเธอมักจะมาพร้อมกับวาทศิลป์

อายุใกล้เคียงกับ Pigalle คือ Etienne Maurice Falcone (1716-1791) ผู้สร้าง The Bronze Horseman เป็นหนึ่งในปรมาจารย์ด้านประติมากรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 18 ฟอลคอน ลูกชายของช่างไม้ เมื่ออายุได้สิบแปดปี ได้ฝึกงานกับเลมอยน์ เช่นเดียวกับ Pigalle เขาเริ่มต้นในช่วงหลายปีที่ Boucher มีอิทธิพลจนแทบแยกไม่ออก ซึ่งเป็นผู้นำเทรนด์ของยุคปอมปาดัวร์ แต่ Falcone กล้าได้กล้าเสียมากกว่า Pigalle เกี่ยวกับ "ศิลปะแห่งความสุข" ขอบเขตอันไกลโพ้นของเขายังกว้างไกล และมรดกแห่งศิลปะอันยิ่งใหญ่ในอดีตได้เตรียมเขาให้พร้อมสำหรับผลงานในอนาคต Falcone ชื่นชมงานของ Puget โดยกล่าวว่า "เลือดที่มีชีวิตไหลเวียน" ในเส้นเลือดของรูปปั้นของเขา การศึกษาโบราณวัตถุอย่างลึกซึ้งในเวลาต่อมาทำให้เกิดบทความข้อสังเกตเกี่ยวกับรูปปั้นของ Marcus Aurelius มันกำหนดไว้มากในตอนแรก งานสำคัญ Falcone - "Milo of Croton, ทรมานโดยสิงโต" (แบบจำลองยิปซั่ม, 2288) - ลักษณะที่น่าทึ่งของโครงเรื่อง, พลวัตขององค์ประกอบ, การแสดงออกของพลาสติกของร่างกาย ใน Salon of 1755 มีการจัดแสดงหินอ่อน "Milon" แต่หลังจากประสบการณ์ครั้งแรก เส้นทางสร้างสรรค์ของ Falcone ก็กลายเป็นเรื่องธรรมดาสำหรับศิลปินในยุคนี้ เขาต้องแสดงองค์ประกอบเชิงเปรียบเทียบและประติมากรรมตกแต่งสำหรับ Marquise Pompadour และคฤหาสน์อันสูงส่งของ Bellevue, Crecy ได้แก่ Flora (1750), Threatening Cupid และ Bather (1757) พวกเขาถูกครอบงำด้วยความใกล้ชิดของ Rococo ความสง่างามที่สง่างามของสัดส่วนที่เป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์นี้ ความอ่อนโยนของรูปแบบที่ยืดหยุ่น จังหวะที่แปลกประหลาดของรูปทรงที่คดเคี้ยว และความสะดวกในการเลื่อนการเคลื่อนไหว แต่ Falcone ยังเปลี่ยนธีมของ Rococo ให้เป็นสิ่งที่กอปรด้วยบทกวีที่ละเอียดอ่อน

ตั้งแต่ปี 1757 Falcone กลายเป็นผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของโรงงานผลิตเครื่องลายคราม Sevres เขาผู้หลงใหลในองค์ประกอบที่ยิ่งใหญ่เป็นเวลาสิบปีที่ต้องสร้างแบบจำลองสำหรับบิสกิต Sevres - "Apollo and Daphne", "Hebe" ฯลฯ สำหรับการพัฒนาเครื่องลายครามฝรั่งเศสกิจกรรมของเขามีความสำคัญอย่างยิ่ง แต่สำหรับประติมากรเอง มันเป็นช่วงเวลาที่ยากลำบาก ในตอนท้ายของทศวรรษที่ 1750 - ต้นทศวรรษที่ 1760 ผลงานของ Falcone รู้สึกถึงแนวโน้มของสมัยโบราณในการหักเหที่ละเอียดอ่อนซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุค ในการทำงานในช่วงเวลานี้การค้นหาเนื้อหาความคิดความเข้มงวดและความยับยั้งชั่งใจของภาษาพลาสติกที่มากขึ้นเป็นสิ่งที่สังเกตได้ชัดเจน นั่นคือกลุ่มใหญ่ "Pygmalion and Galatea" (1763), "Tender Sadness" (1763; Hermitage) ความไม่ชัดเจนของช่วงเวลาแห่งความสุขถูกแทนที่ด้วยความรู้สึกถึงความสำคัญของเหตุการณ์ ความจริงจังของความคิด การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ เนื่องจากแนวโน้มใหม่ในวัฒนธรรมศิลปะและมุมมองที่ก้าวหน้าของ Falcone ได้เตรียมการผลิบานของศิลปะในยุครัสเซียของเขา

Augustin Pajou (1730-1809) เป็นปรมาจารย์ด้านประติมากรรมตกแต่งอนุสาวรีย์ - เขาตกแต่งโรงละครและโบสถ์แวร์ซายส์, Palais Royal, Les Invalides, Palace of Justice ในปารีสด้วยรูปปั้น รูปปั้นครึ่งตัวจำนวนมากที่เขาสร้างขึ้นนั้นชวนให้นึกถึงผลงานของ J.-B. Lemoine ด้วยความงดงามของภาพวาดที่สง่างามซึ่งมีความละเอียดอ่อนในการถ่ายทอดภายนอก แต่ไม่มีจิตวิทยาที่ลึกซึ้ง

Michel Claude ชื่อเล่น Clodion (1738-1814) อยู่ใกล้กับเพจ แต่เขายังใกล้ชิดกับ Fragonard มากยิ่งขึ้นในฉากประเภทที่ใกล้ชิดของเขา ลูกศิษย์ของ Adam และ Pigalle ในปี 1759 Clodion ได้รับรางวัลวิชาการแห่งโรม ในอิตาลีเป็นเวลานาน - ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2305 ถึง พ.ศ. 2314 แม้ที่นั่นเขาจะได้รับชื่อเสียงและกลับไปปารีสในฐานะปรมาจารย์ซึ่งเป็นที่นิยมในหมู่นักสะสม หลังจากเข้าเรียนที่ Academy for the Jupiter เขาเกือบจะหยุดทำงานใน "ประเภทประวัติศาสตร์" และไม่เคยได้รับตำแหน่งนักวิชาการ ประติมากรรมขนาดเล็ก ภาพนูนต่ำนูนต่ำสำหรับตกแต่ง และแจกัน เชิงเทียนและเชิงเทียนถูกสร้างขึ้นสำหรับคฤหาสน์ขุนนาง รูปแบบของ Clodion เริ่มเป็นรูปเป็นร่างตั้งแต่ช่วงต้นปีที่ผ่านมาของอิตาลี ภายใต้อิทธิพลของศิลปะโบราณ ซึ่งเป็นรูปแบบที่ค่อนข้างช้าซึ่งกลายเป็นที่รู้จักระหว่างการขุดค้น Herculaneum ฉากโบราณในศิลปะของ Clodion ได้รับตัวละครที่กระตุ้นความรู้สึกอย่างละเอียด - การสนุกสนานกันอย่างเป็นบ้าเป็นหลัง นางไม้และสัตว์ เทพารักษ์ และคิวปิดของเขานั้นใกล้เคียงกับฉากของ Rocaille ไม่ใช่ฉากต้นแบบโบราณ

พวกเขาแตกต่างจาก Rococo ในระยะแรกโดยธรรมชาติที่สง่างามมากขึ้นของลวดลายของพล็อตและลักษณะจังหวะการประพันธ์ที่ถูก จำกัด ของช่วงเวลาของการก่อตัวของความคลาสสิคในวัฒนธรรมศิลปะฝรั่งเศส บทกวีที่ละเอียดอ่อนและความงดงามที่นุ่มนวลเป็นสิ่งสำคัญในงานของ Clodion ซึ่งเป็นส่วนผสมพิเศษของความสง่างามและความมีชีวิตชีวา เช่น "นางไม้" ดินเผา (มอสโก, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์พุชกิน) และ "นางไม้ปั้นนูนต่ำเคลือบดินเผา" ที่สร้างตามแบบจำลองของเขาในปี พ.ศ. 2331 ที่โรงงาน Sevres (เฮอร์มิเทจ)

ปรมาจารย์ด้านประติมากรรมเหมือนจริงที่ใหญ่ที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ฌอง อ็องตวน ฮูดอง (ค.ศ. 1741-1828) นี่คือประติมากรรุ่นใหม่ที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับยุคปฏิวัติ ทิศทางที่เขาเลือกปฏิเสธรากฐานทางอุดมการณ์และรูปแบบศิลปะโรโกโกที่ประณีต ประติมากรเองมีจิตใจที่ปลอดโปร่ง มีสติ และคิดตามความเป็นจริง ซึ่งมีส่วนช่วยในการเอาชนะแบบแผนของโรงเรียนมารยาทแบบเก่า ตลอดจนวาทศิลป์สุดโต่งของลัทธิคลาสสิกใหม่ สำหรับฮูดอน ความชอบที่แน่วแน่ต่อธรรมชาติมากกว่าโมเดลใดๆ นั้นไม่ใช่เรื่องธรรมดา แต่จริงๆ แล้วเป็นหลักการชี้นำในการทำงานของเขา

ในวัยหนุ่ม เขานำโดย Pigalle และ Slodz ซึ่งเป็นผู้ถ่ายทอดความรู้เชิงปฏิบัติอันยอดเยี่ยมของพวกเขาให้ Houdon ฟัง หลังจากได้รับรางวัล Prix de Rome สำหรับการบรรเทาทุกข์ของโซโลมอนและราชินี Savekai ฮูดอนศึกษาในกรุงโรมเป็นเวลาสี่ปี (พ.ศ. 2307-2311) ในฐานะนักเรียนของ French Academy ในกรุงโรม Houdon ศึกษารูปปั้นโบราณรวมถึงผลงานของประติมากรที่โด่งดังในศตวรรษที่ 17 Puget และ Bernini แต่งานอิสระชิ้นแรกของฮูดอนดูไม่เหมือนของโบราณหรือพิสดาร เจ้าหน้าที่ไม่ได้สะกดจิตเขา แต่เป็นเวลานานและหนักที่เขาศึกษากายวิภาคศาสตร์ทำงานในโรงละครกายวิภาคของโรมันอย่างเป็นระบบ ผลลัพธ์ของสิ่งนี้คือ "Ecorche" ที่มีชื่อเสียงซึ่งสร้างโดย Houdon ในปี 1767 ซึ่งเป็นภาพของผู้ชายที่ไม่มีผิวหนังพร้อมกล้ามเนื้อเปิด จากภาพนี้ ปั้นโดยนักศึกษาอายุยี่สิบหกปี ประติมากรหลายรุ่นได้ศึกษาต่อมา ความรู้ด้านเทคนิคอย่างละเอียดถี่ถ้วนและความใส่ใจต่อกฎของธรรมชาติเป็นพื้นฐานที่สำคัญที่สุดสำหรับกิจกรรมในอนาคตของฮูดอน ซึ่งได้รับการเสริมความแข็งแกร่งในปีโรมัน

ในช่วงเวลานี้เขาได้สร้างรูปปั้นหินอ่อนสองชิ้นสำหรับโบสถ์ Site Maria degli Angeli ในกรุงโรม ขนาดที่ใหญ่ของมันเข้ากับความโอ่อ่าของการตกแต่งภายในของไมเคิลแองเจโล มีเพียงรูปปั้นเดียวเท่านั้นที่รอดมาได้ - เซนต์. บรูโน่. ข้อเท็จจริงที่ว่า Houdon หันไปหาประติมากรรมขนาดใหญ่เป็นพยานถึงความมุ่งมั่นของเขาที่จะเอาชนะรูปแบบพลาสติกฝรั่งเศสแบบดั้งเดิม การสร้างรูปปั้นเหล่านี้ Houdon ต้องการบรรลุความสำคัญภายในของภาพ การยับยั้งท่าทางและการเคลื่อนไหวอย่างเคร่งครัด เห็นได้ชัดว่าเขาหลีกเลี่ยงเอฟเฟกต์พิสดาร อย่างไรก็ตาม รูปปั้นของ Santa Maria degli Angeli ซึ่งบ่งบอกถึงแนวโน้มที่สำคัญในศิลปะของ Houdon นั้นค่อนข้างจืดชืดและแห้งแล้ง คงจะเป็นเรื่องเกินจริงหากได้เห็นผลงานที่เป็นผู้ใหญ่ของปรมาจารย์ในตัวพวกเขา ในร่างของยอห์นผู้ให้บัพติศมาซึ่งเป็นที่รู้จักจากแบบจำลองปูนปลาสเตอร์ของ Borghese Gallery เราสามารถสัมผัสได้ถึงความประดิษฐ์ขององค์ประกอบและความง่วงของรูปแบบพลาสติก

ในตอนท้ายของปี 1768 ประติมากรกลับไปปารีส เขาได้รับมอบหมายให้เข้า Academy แสดงผลงานของโรมันและภาพวาดหลายชุดที่ Salon เมื่อกลับมาจากอิตาลีพร้อมกับทักษะบางอย่างในฐานะนักจิตรกรรมฝาผนัง ฮูดอนไม่ได้เดินตามเส้นทางนี้ ในอีกด้านหนึ่งเขาเกือบจะไม่ได้รับคำสั่งอย่างเป็นทางการไม่มีผู้อุปถัมภ์ในหมู่เจ้าหน้าที่ของราชวงศ์ที่เป็นผู้นำในงานศิลปะ เขาต้องมองหาคำสั่งซื้อนอกฝรั่งเศส - โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงทศวรรษที่ 1770 เขาทำงานให้กับแคทเธอรีนที่ 2 ดยุกแห่งโคบวร์ก-โกธาของเยอรมัน และขุนนางรัสเซีย องค์ประกอบที่ยิ่งใหญ่มากมายมาไม่ถึงเราตั้งแต่ความโล่งใจของหน้าจั่วของแพนธีออนไปจนถึงรูปปั้นทองสัมฤทธิ์ขนาดใหญ่ของนโปเลียน ในแง่นี้ Houdon โชคไม่ดีเป็นพิเศษ แต่ในทางกลับกัน ธรรมชาติของงานของ Houdon โน้มน้าวใจให้เขาสนใจภาพนี้อย่างต่อเนื่อง นี่คือที่สุด ประเภทที่แข็งแกร่งจากผลงานของเขา และไม่ใช่เพื่ออะไรในงานศิลปะของฮูดอนที่ภาพบุคคลกลายเป็นประเภทที่เป็นปัญหาและยิ่งใหญ่

ในปี 1777 Houdon ได้รับตำแหน่งนักวิชาการ แบบจำลองปูนปลาสเตอร์ของ Diana (Gotha) ลงวันที่หนึ่งปีก่อนหน้านี้ รูปร่างหน้าตาของเธอมีผลอย่างมาก Houdon ได้รับแรงบันดาลใจจากสมัยโบราณ ตรงกันข้ามกับนางไม้ตุ้งติ้งที่นุ่งน้อยห่มน้อยและโรโคโค แบคชานเตส เขานำเสนอไดอาน่าเปลือยกาย ทำให้การเปลือยกายของเธอมีความรุนแรงเป็นพิเศษ แม้กระทั่งความเย็นชา กระแสของความคลาสสิกซึ่งพัฒนาขึ้นในทศวรรษที่ 1770 ปรากฏทั้งในความคมชัดของเงาและในความคมชัดของรูปทรง กับพื้นหลังของผลงานของปรมาจารย์คนอื่น ๆ ในศตวรรษที่ 18 ไดอาน่าดูเหมือนจะเป็นงานที่ชาญฉลาดมาก และในขณะเดียวกัน การปรากฏตัวของสตรีฆราวาสที่ได้รับการดูแลเป็นอย่างดี ซึ่งแปลกสำหรับไดอาน่า ความสง่างามอันสง่างามของท่าทางนั้นเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของวัฒนธรรมชนชั้นสูงในศตวรรษนี้

ยุครุ่งเรืองของภาพวาดเหมือนจริงของฮูดอนอยู่ในช่วงทศวรรษที่ 1770-1780 ซึ่งเป็นทศวรรษก่อนการปฏิวัติ ผลงานของเขาปรากฏอยู่เป็นประจำในร้านเสริมสวยของช่วงเวลานี้ ตัวอย่างเช่น ในนิทรรศการปี 1777 มีรูปปั้นครึ่งตัวที่ฮูดอนประหารประมาณยี่สิบตัว ผลงานของเขามีมากกว่าหนึ่งร้อยห้าสิบภาพ รูปแบบของเขามีหลากหลาย แต่ความสนใจของฮูดอนในการวาดภาพบุคคลหัวก้าวหน้าในยุคนั้น นักคิด นักสู้ ผู้ที่มีเจตจำนงและพลังงานนั้นเป็นสิ่งที่เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษ สิ่งนี้ทำให้งานภาพเหมือนของเขามีความสำคัญทางสังคมอย่างมาก

ศิลปะของ Houdon ในช่วงเวลานี้ไม่ได้โดดเด่นด้วยรูปแบบใด ๆ ซึ่งเป็นความแปลกใหม่ ความแปลกใหม่ถูกซ่อนอยู่เพราะมันประกอบด้วยความเรียบง่ายสูงสุดในการขจัดคุณลักษณะทุกประเภท ลวดลายเชิงเปรียบเทียบ เครื่องประดับ และผ้าม่าน แต่นี่เยอะมาก สิ่งนี้ทำให้ฮูดอนสามารถจดจ่อกับโลกภายในของบุคคลที่ถูกแสดงได้ ของเขา วิธีการสร้างสรรค์ใกล้เคียงกับวิธี Latour

ฮูดองเป็นผู้สืบทอดศิลปะแบบฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ที่เหมือนจริงที่สุด นั่นคือการวิเคราะห์และหลักจิตวิทยาที่ลึกซึ้ง ไม่ว่าฮูดอนจะวาดภาพใครก็ตาม ภาพบุคคลของเขากลายเป็นแก่นสารทางจิตวิญญาณแห่งศตวรรษ ซึ่งตั้งคำถามและวิเคราะห์ทุกสิ่ง

ความเข้มข้นของชีวิตภายในเป็นลักษณะเฉพาะของภาพเหมือนของ Marquise de Sabran (ดินเผา, ประมาณ ค.ศ. 1785; เบอร์ลิน) การพับเสื้อผ้าเบา ๆ ที่ขึ้นไปถึงไหล่ขวา การม้วนผมลอน การโค้งงอแบบไดนามิกของคอ สื่อถึงการแสดงออกของการหมุนศีรษะที่แหลมเล็กน้อย สิ่งนี้ถูกมองว่าเป็นความสามารถในการตอบสนองอย่างรวดเร็วซึ่งเป็นลักษณะของตัวละครที่มีพลังและเคลื่อนที่ได้ ความมีชีวิตชีวาของธรรมชาติถูกเปิดเผยใน "จังหวะ" ที่งดงามของทรงผมแบบอิสระที่ตัดด้วยริบบิ้น และในการเล่นแสงสะท้อนบนใบหน้าและเสื้อผ้า ใบหน้ากว้างโหนกแก้มสูงน่าเกลียด จิตใจที่เย้ยหยันที่เฉียบแหลมเปล่งประกายในรอยยิ้มที่กัดกร่อนและรูปลักษณ์ที่แน่วแน่ มีบางอย่างที่โดดเด่นมากในยุคของเธอในด้านสติปัญญาของ Marquise de Sabran

หนึ่งในผลงานที่สำคัญที่สุดของ Houdon - อาจเป็นจุดสุดยอดของการออกดอกอย่างสร้างสรรค์ของเขาในช่วงก่อนการปฏิวัติ - รูปปั้นของ Voltaire (Leningrad, the Hermitage; อีกทางเลือกหนึ่งคือห้องโถงของ French Comedy Theatre ในปารีส) ฮูดองเริ่มวาดภาพภาพนี้ในปี พ.ศ. 2321 ไม่นานก่อนที่ "พระสังฆราชแห่งเฟอร์นีย์" จะสิ้นพระชนม์ ซึ่งเสด็จกลับปารีสอย่างมีชัย เป็นที่ทราบกันว่าฮูดอนไม่พบท่าทางและการเคลื่อนไหวในทันที - ในระหว่างเซสชั่นเป็นการยากที่จะเห็นความยิ่งใหญ่แห่งชัยชนะในชายวัยแปดสิบสี่ปีที่เหนื่อยล้าอย่างรวดเร็วซึ่งผู้ร่วมสมัยคาดหวังจากประติมากร จินตนาการของฮูดอนซึ่งไม่ใช่จุดแข็งของพรสวรรค์ของเขาได้รับความช่วยเหลือโดยบังเอิญ การแลกเปลี่ยนความคิดเห็นที่มีชีวิตชีวาซึ่งฟื้นความทรงจำขึ้นมา จุดประกายความคิดของวอลแตร์อีกครั้ง ดังนั้นท่าทางของปราชญ์จึงแสดงออก เขาหันไปหาคู่สนทนาในจินตนาการ มือขวาของเขาช่วยเคลื่อนไหวอย่างเฉียบคมนี้ นิ้วยาวที่มีกระดูกเกาะอยู่ที่แขนของเก้าอี้ รู้สึกถึงความตึงเครียดของการหมุนทั้งในตำแหน่งของขาและในความพยายามของลำตัวและแม้กระทั่งในรูปทรงของเก้าอี้ - ที่ด้านล่างร่องเป็นแนวตั้งจากด้านบนดูเหมือนว่าจะบิดเป็นเกลียว ส่งการเคลื่อนไหวของแขน ในใบหน้าที่เหี่ยวย่นของวอลแตร์มีทั้งความสนใจและความคิดที่เข้มข้น - คิ้วเลื่อนไปที่ดั้งจมูก แต่สิ่งที่โดดเด่นที่สุดในตัวเขาคือรอยยิ้มเยาะเย้ยถากถางซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของวอลแตร์ การแสดงออกถึงพลังที่ซ่อนเร้นของจิตใจ พร้อมที่จะเอาชนะศัตรูทางอุดมการณ์ด้วยไฟแห่งการประชดประชันของนักโต้เถียงที่เก่งกาจ ภาพลักษณ์ของวอลแตร์ในงานของฮูดอนนั้นห่างไกลจาก "apotheoses" ที่ทันสมัยในขณะนั้นมาก จุดแข็งของมันอยู่ที่ความจริงที่ว่ามันเผยให้เห็นคุณลักษณะที่สำคัญที่สุดของการตรัสรู้ เป็นตัวเป็นตนในลักษณะของหนึ่งในตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของความคิดปฏิวัติที่กล้าหาญ การวิพากษ์วิจารณ์อคติอย่างไร้ความปราณี

รูปปั้นของวอลแตร์ที่สร้างโดย Houdon สามารถเรียกได้ว่าเป็นภาพเหมือนทางประวัติศาสตร์ - มันมีทั้งยุค สำหรับฮูดอนผู้นี้ไม่ได้ดำเนินตามแนวทางดั้งเดิมของสำนวนโวหารและการเปรียบเทียบ แม้แต่เสื้อคลุมโบราณซึ่งเป็นเทคนิคที่ชัดเจนของลัทธิคลาสสิกก็ไม่ได้ถูกมองว่าเป็นคุณลักษณะของนักปรัชญาโบราณ แต่เป็นเสื้อผ้าหลวม ๆ ธรรมดาที่ซ่อนความผอมบางของวัยชราได้สำเร็จและทำให้รูปปั้นอนุสาวรีย์มีรูปแบบทั่วไปที่จำเป็น

Houdon เขียนเกี่ยวกับโอกาสอันยิ่งใหญ่ของประติมากร "เพื่อจับภาพผู้คนที่สร้างชื่อเสียงหรือความสุขให้กับปิตุภูมิของตน"; สิ่งนี้ใช้อย่างเต็มที่กับแกลเลอรีภาพเหมือนที่เขาสร้างขึ้นจากนักตรัสรู้ วอลแตร์และรูสโซ ดิเดอโรต์และดาล็องแบร์ ​​ตลอดจนนักวิทยาศาสตร์และนักการเมืองที่มีชื่อเสียงหลายคนในศตวรรษที่ 18

รูปปั้นครึ่งตัวของนักแต่งเพลง Gluck (1775; Weimar) นักปฏิวัติดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งผลงานของเขาเต็มไปด้วยความน่าสมเพชและดราม่าซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของการปฏิวัติ ในท่าทางของนักแต่งเพลงในเสื้อผ้าที่พับกว้างและหลวม ๆ คน ๆ หนึ่งรู้สึกถึงขอบเขตพิเศษและความแข็งแกร่งทางวิญญาณที่เพิ่มขึ้น การหมุนของศีรษะนั้นเฉียบขาดความกล้าหาญและพลังงานนั้นคาดเดาได้ ผมเส้นใหญ่พันกันยุ่งเหยิง หน้าผากสูงขมวดราวกับเครียดจากความคิด จ้องมองไปที่ผู้ชม ความหลงใหลของเขาแสดงออกถึงความเข้าใจอันน่าเศร้า สภาพจิตใจที่กระตือรือร้น Gluck ได้รับการพรรณนาราวกับว่ากำลังฟังเพลงที่ไม่ธรรมดา แต่ความตั้งใจและความกล้าหาญที่เป็นแรงบันดาลใจให้เขาขยายเสียงที่เป็นรูปเป็นร่างของภาพบุคคล ทำให้คุณรู้สึกถึงลมหายใจของแนวคิดดีๆ ในยุคนั้น แม้จะมีความเป็นธรรมชาติของชีวิตที่เปลี่ยนแปลงของใบหน้า แต่ภาพลักษณ์ของนักแต่งเพลงก็ได้รับการยกระดับให้เป็นทรงกลมพิเศษอันประเสริฐ - ทรงกลมแห่งแรงบันดาลใจที่สร้างสรรค์

และภาพเหมือนของ Gluck และงานอื่น ๆ ของ Houdon ก็เป็นประชาธิปไตย มีบางอย่างที่เด่นชัดในภาพวาดที่มีชีวิตชีวาและมีเสน่ห์ของภรรยาผู้หัวเราะ (ยิปซั่ม, ราว ค.ศ. 1787; Louvre) แบบจำลองของเขาไม่ได้อ้างว่ามียศหรือตำแหน่งที่เหนือกว่า ความสูงส่งของพวกเขาอยู่ที่ความสำคัญทางสังคมของกิจกรรมของพวกเขา และนี่คือหนึ่งในคุณสมบัติหลักของแนวคิดสร้างสรรค์ของ Houdon ผู้ถ่ายทอด "การกระทำทางสังคม" ของฮีโร่ของเขาในภาพเหมือน ดังนั้น ตัวอย่างเช่น ลักษณะของนักพูดที่มีประสบการณ์ในภาพเหมือนของมิราโบ (ยุค 1790; แวร์ซายส์) จึงถูกจับได้อย่างละเอียด

การสร้างรูปร่างใบหน้าจริงอย่างแม่นยำมากด้วยความช่วยเหลือจากแบบจำลอง Houdon จับภาพสาระสำคัญของตัวละครได้อย่างแยบยล แง่มุมที่แข็งแกร่งที่สุดประการหนึ่งของความสมจริงของภาพบุคคลระดับปรมาจารย์คือความชัดเจนของรูปลักษณ์ในภาพบุคคล ในรูม่านตา เขาทิ้งหินอ่อนชิ้นหนึ่งไว้ ส่องประกายและทำให้ดูมีอารมณ์ความรู้สึกเป็นพิเศษ Rodin กล่าวถึง Houdon ว่า “การมองหาเขามีมากกว่าครึ่งหนึ่งของการแสดงออก ในสายตาของเขา เขาได้ปลดปล่อยวิญญาณออกมา

ศิลปะที่เหมือนจริงของฮูดองหลังจากการปฏิวัติได้สูญเสียความสำคัญในอดีตไปพร้อมกับการปฏิวัติที่เพิ่มขึ้นในฝรั่งเศส ภาพบุคคลคลาสสิกของสมาชิกในราชวงศ์ รูปปั้นครึ่งตัวของ Alexander I (1814) นั้นเย็นชาและเป็นนามธรรม พิธีการของจักรวรรดินั้นไม่เป็นมิตรต่อวิธีการของฮูดอน ในปี 1803 เขาเริ่มสอนที่โรงเรียนวิจิตรศิลป์ และในปี 1814 เขาละทิ้งงานประติมากรรมโดยสิ้นเชิง

คุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของผลงานของ Houdon, Robert และปรมาจารย์อื่น ๆ อีกมากมายในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เนื่องจากการพัฒนาแบบคลาสสิกในวัฒนธรรมศิลปะของฝรั่งเศส ความเป็นไปได้ในการก่อตัวของสไตล์ใหม่นี้เห็นได้ชัดเจนในช่วงกลางศตวรรษ ความสนใจในสมัยโบราณมีชีวิตชีวาขึ้นหลังจากการค้นพบทางโบราณคดีใหม่ ๆ มันถูกกระตุ้นโดยการขุดค้นของ Herculaneum ซึ่งมีศิลปินหลายคนมาเยี่ยมชม แต่สิ่งนี้ไม่สามารถอธิบายข้อเท็จจริงที่ว่าในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษ ความคลาสสิกแบบใหม่ได้กลายเป็นกระแสนำ บทบาทนำของเขาในงานศิลปะกลายเป็นสิ่งจำเป็นเมื่อในคำพูดของ G. V. Plekhanov "ฝ่ายตรงข้ามของระเบียบเก่ารู้สึกถึงความจำเป็นในความกล้าหาญ" ( G.V. Plekhanov ผู้ได้รับเลือก ผลงานทางปรัชญาฉบับ V, M. , 1958). การเทศนาเรื่องคุณธรรมของครอบครัวด้วยจิตวิญญาณแห่งความฝันถูกแทนที่ด้วยการยืนยันถึงคุณธรรมของพลเมือง ซึ่งเป็นการเรียกร้องให้มีการกระทำที่กล้าหาญ สำหรับสิ่งนี้จำเป็นต้องมีของโบราณ ซึ่งพวกเขากำลังมองหาต้นแบบของความกล้าหาญ อุดมคติของพรรครีพับลิกัน เพราะดังที่ K. Marx กล่าวว่า "ไม่ว่าสังคมชนชั้นนายทุนผู้กล้าหาญจะเป็นอย่างไร ความกล้าหาญ การเสียสละตนเอง ความหวาดกลัว พลเรือน จำเป็นต้องมีสงครามและการสู้รบของผู้คนในการกำเนิด » ( เค. มาร์กซ์ ไอเอฟ. Engels, Soch., vol. 8, p. 120.).

การแสดงออกครั้งแรกของลัทธิคลาสสิกยังไม่เหมือนกับการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่มีพลังในช่วงก่อนการปฏิวัติ ลวดลายโบราณ เทคนิค โครงเรื่องที่พัฒนาขึ้นภายในการตกแต่งทางสถาปัตยกรรมที่ใกล้ชิดในช่วงทศวรรษที่ 1760-1770 ภาพวาดของเทรนด์นี้โดดเด่นด้วย "ผู้ขายคิวปิด" โดย Vienne (1716-1809) อาจารย์ของ David (1763; Fontainebleau) ภาพนี้ได้รับแรงบันดาลใจจากสมัยโบราณ แต่โครงเรื่องของภาพนั้นให้ความบันเทิง และ "ความสง่างามที่น่าพึงพอใจ" ของตัวละครนั้นแท้จริงแล้วเป็นแบบดั้งเดิมมาก

เทรนด์ใหม่ก็ปรากฏขึ้นในมัณฑนศิลป์และประยุกต์ศิลป์ โดยเฉพาะในช่วงกลางทศวรรษที่ 1760 การตกแต่งภายในได้รับการแปรสัณฐาน ความชัดเจนของการแบ่งส่วน ลวดลายประดับที่ต่อเนื่องถูกแทนที่ด้วยพื้นผิวที่เงียบสงบของผนัง ตกแต่งด้วยลวดลายกราฟิกที่จำกัด รวมถึงองค์ประกอบของขาตั้ง เช่น การตกแต่งภูมิทัศน์โดย Hubert Robert ผู้ผลิตเฟอร์นิเจอร์ตั้งแต่ Riesener ถึง Jacob ใช้รูปแบบโบราณ ตักจากสิ่งพิมพ์ทางโบราณคดี เฟอร์นิเจอร์สร้างสรรค์ยืนบนพื้นอย่างมั่นคง แทนที่จะเป็นโครงร่างแปลก ๆ ตอนนี้มีลักษณะเป็นเส้นตรงที่เข้มงวด พื้นผิวเรียบตกแต่งด้วยเหรียญนูนลวดลายโบราณที่โดดเด่นในเครื่องประดับ หนึ่งในการตกแต่งภายในที่ดีที่สุดในยุคนี้คือการตกแต่งภายในของพระราชวังแวร์ซายโดย J.-A. กาเบรียล (เช่น ห้องสมุดของ Louis XVI, 1774)

มาถึงตอนนี้นโยบายทางศิลปะของลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์กำลังเปลี่ยนไป Academy of Arts และ Directorate of Royal Buildings - สถาบันอย่างเป็นทางการ - มุ่งมั่นที่จะควบคุมศิลปะ ศิษยาภิบาลโรโกโกไม่พอใจเจ้าหน้าที่ของราชวงศ์อีกต่อไป มีความจำเป็นที่จะต้องรื้อฟื้น "รูปแบบที่สง่างาม" ที่สามารถสนับสนุนสมบูรณาญาสิทธิราชย์ที่เสื่อมทราม ปรมาจารย์ประเภทประวัติศาสตร์กำลังละทิ้งรูปแบบดั้งเดิมของ "ตำนานผู้กล้าหาญ" ของโรโกโก Gabriel François Doyen (1726-1806), Louis Lagrené the Elder (1725-1808) และคนอื่นๆ ได้รวมภาพวาดขนาดใหญ่ที่มีน้ำหนักและโอ่อ่าเข้าไว้ด้วยกันในวิชาที่ "ยิ่งใหญ่" แนวโน้มในอุดมคติจะเข้มข้นขึ้นในการถ่ายภาพบุคคล (Elisabeth Vigée-Lebrun) จิตรกรรมประวัติศาสตร์ของนักวิชาการเริ่มเชิดชู "คุณธรรม" ของพระมหากษัตริย์ที่ดี ในปี พ.ศ. 2323 จิตรกรสุเวตได้รับตำแหน่งนักวิชาการด้านจิตรกรรมที่มีชื่ออันโอ่อ่า: "เสรีภาพที่มอบให้กับศิลปะในรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 16 โดยการดูแลของนายอังกิวิลลิเยร์"

Comte d'Angivillier ซึ่งเป็นหัวหน้าคณะกรรมการอาคาร Royal ในปี 1774 มุ่งมั่นแสวงหาสิ่งที่ดีที่สุดในงานศิลปะอย่างจริงจัง ย้อนกลับไปในสมัยบรรพบุรุษของเขา Marquis of Marigny เลขาธิการ Academy of Cochin ได้คิดค้นแผนการสอพลอที่จงรักภักดีต่อจิตรกร : "สิงหาคมปิดประตูวิหารแห่ง Janus", "Titus ปลดปล่อยนักโทษ", "Marcus Aurelius ช่วยผู้คนจากความหิวโหยและโรคระบาด" D "Angivillier ทำหน้าที่อย่างเด็ดขาดมากขึ้น เรื่องราวโบราณนั้นอันตราย - ฟังดูเป็นการกดขี่ข่มเหงเกินไป และเจ้าหน้าที่ของราชวงศ์สนับสนุนธีมของชาติในการวาดภาพประวัติศาสตร์โดยให้มันเป็นตัวละครที่มีปฏิกิริยาโต้ตอบและชอบราชาธิปไตย กฎระเบียบของชีวิตศิลปะนำไปสู่การบังคับยกเลิกสถาบันศิลปะทั้งหมดยกเว้นสถาบันการศึกษา ในปี 1776 Academy of St. Luke ถูกยกเลิกโดย "ความห่วงใยของ Mr. d" Anzhiviye หลังจากการประหัตประหาร ร้านเสริมสวย Colise และ Correspondence ถูกปิด ทั้งหมดนี้ทำภายใต้ข้ออ้างที่ผิดว่าจำเป็นต้อง "ชำระศีลธรรมให้บริสุทธิ์" ผู้อำนวยการอาคารของราชวงศ์ไม่เป็นมิตรกับศิลปินหัวก้าวหน้าที่ใหญ่ที่สุดในยุคนี้ - ประติมากร Houdon และจิตรกร David

ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ ในช่วงหลายปีของปฏิกิริยาที่เพิ่มขึ้น การลุกฮือของประชาชน ความขัดแย้งทางสังคมที่ทวีความรุนแรงขึ้น และการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของสังคมฝรั่งเศสต่อการปฏิวัติ ศิลปะแบบก้าวหน้าของการปฏิวัติแบบคลาสสิกจึงเป็นรูปเป็นร่างขึ้น นำโดย Jacques Louis David

ผลงานของเดวิดซึ่งพิจารณาในเล่มถัดไปในช่วงก่อนการปฏิวัติเป็นส่วนสำคัญของการเคลื่อนไหวทางศิลปะแบบคลาสสิกของฝรั่งเศสทั้งหมด: ภาพที่กล้าหาญที่เดวิดสร้างขึ้นในทศวรรษที่ 1780 ควรจะปลุกพลเมืองในความเป็นชาวฝรั่งเศส ความหลงใหลที่รุนแรงของพวกเขาจุดไฟในหัวใจ ไม่น่าแปลกใจที่ Jacobins คนหนึ่งในปี 1790 เรียก David ว่าศิลปิน "ซึ่งอัจฉริยะของเขาทำให้การปฏิวัติเข้าใกล้" ความคลาสสิคของเดวิดเกิดขึ้นจากแนวโน้มที่ก้าวหน้าของการวาดภาพฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18; ในเวลาเดียวกันเขาได้หักล้างประเพณีของวัฒนธรรมชนชั้นสูงของโรโคโคกลายเป็นจุดเริ่มต้นของการพัฒนาปัญหาใหม่ในศิลปะของศตวรรษที่ 19

ศตวรรษที่สิบแปดเป็นหนึ่งในจุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์ของรัสเซีย วัฒนธรรมที่ตอบสนองความต้องการทางจิตวิญญาณในช่วงเวลานี้เริ่มได้รับลักษณะทางโลกอย่างรวดเร็วซึ่งได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากการบรรจบกันของศิลปะและวิทยาศาสตร์ ดังนั้นทุกวันนี้จึงเป็นเรื่องยากมากที่จะค้นหาความแตกต่างทางศิลปะระหว่าง "แผนที่ที่ดิน" ทางภูมิศาสตร์ในสมัยนั้นกับการแกะสลักที่เกิดขึ้นใหม่ (ยกเว้นผลงานของ A.F. Zubov) การแกะสลักส่วนใหญ่ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษดูเหมือนภาพวาดทางเทคนิค สายสัมพันธ์ระหว่างศิลปะและวิทยาศาสตร์ปลุกให้ศิลปินสนใจในความรู้

ในการวาดภาพ ประเภทของศิลปะที่เหมือนจริงแนวใหม่ได้รับการกำหนดโครงร่างและกำหนด บทบาทที่โดดเด่นในหมู่พวกเขาได้มาจากประเภทแนวตั้ง ในศิลปะเชิงศาสนา ความคิดของมนุษย์ถูกดูแคลนและความคิดเรื่องพระเจ้าได้รับการยกย่อง ดังนั้นศิลปะทางโลกจึงต้องเริ่มต้นด้วยภาพลักษณ์ของมนุษย์

ความคิดสร้างสรรค์ I. M. Nikitin

Ivan Maksimovich Nikitin ผู้ก่อตั้งแนวภาพบุคคลประจำชาติในรัสเซีย (เกิดประมาณปี 1690 - d. 1741) เราไม่รู้จักชีวประวัติของศิลปินคนนี้ดี แต่ข้อมูลที่หายากก็แสดงว่าเป็นเรื่องผิดปกติ เดิมทีเขาเป็นลูกชายของนักบวชร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงปรมาจารย์ แต่ต่อมากลายเป็นครูสอนคณิตศาสตร์ที่โรงเรียน Antillernaya (โรงเรียนทหารปืนใหญ่ในอนาคต) Peter I เริ่มตระหนักถึงความหลงใหลในวิจิตรศิลป์ตั้งแต่เนิ่นๆ และ Nikitin ถูกส่งไปเป็นผู้รับทุนไปยังอิตาลี ซึ่งเขามีโอกาสศึกษาที่สถาบันการศึกษาของเวนิสและฟลอเรนซ์ เมื่อกลับมาจากต่างประเทศและมุ่งหน้าไปยังโรงเรียนเสมือนจริงของรัสเซีย จิตรกรยังคงซื่อสัตย์ต่ออุดมคติในสมัยของปีเตอร์มหาราชมาตลอดชีวิต ในรัชสมัยของ Anna Ioannovna เขาเข้าร่วมแวดวงฝ่ายค้านและจ่ายราคาของการเนรเทศชาวไซบีเรียซึ่งกลับมาจากที่ซึ่ง (ระหว่างการครอบครองของ Elizabeth Petrovna) เขาเสียชีวิตบนท้องถนน

ความสามารถของ Nikitin ปรากฏให้เห็นแล้วในผลงานชิ้นแรกของเขาเช่นในภาพเหมือนของ Natalya Alekseevna น้องสาวสุดที่รักของ Peter I (1714) ซึ่งทำหน้าที่เป็นผู้อุปถัมภ์ของโรงละครในศาลซึ่งมีต้นกำเนิดใน Rus ' ผืนผ้าใบเผยให้เห็นความไร้ความสามารถทางเทคนิคของผู้แต่ง (ความแข็งของไม้ของรอยพับของเสื้อคลุมกำมะหยี่นั้นโดดเด่นเป็นพิเศษ) ในขณะเดียวกันก็สื่อถึงรูปลักษณ์ของเจ้าหญิงตามความเป็นจริงในขณะที่คนใกล้ชิดของเธอรู้จักเธอ - อ้วนท้วน เลือดออกที่ผิดปกติอย่างเห็นได้ชัดของเธอนั้นรุนแรงขึ้นจากผิวที่ซีดเซียว (ในไม่ช้า ในปี 1716 เธอเสียชีวิตด้วยอาการท้องมาน)

ช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นผู้ใหญ่ของปรมาจารย์สามารถแสดงได้ไม่เพียง แต่ภาพบุคคลตามธรรมชาติของ Peter I เท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลงานที่โดดเด่นเช่น "Portrait of the Floor Hetman" (1720s)

ในแง่ของการดำเนินการทางเทคนิค การสร้างของ Nikitin นั้นค่อนข้างอยู่ในระดับของการวาดภาพยุโรปในศตวรรษที่ 18 มีองค์ประกอบที่เคร่งครัด รูปร่างถูกขึ้นรูปอย่างนุ่มนวล สีที่ให้เสียงที่สมบูรณ์ และพื้นหลังที่อบอุ่นสร้างความรู้สึกของความลึกอย่างแท้จริง

ภาพนี้ดึงดูดใจด้วยความเรียบง่ายซึ่งไม่ธรรมดาสำหรับศิลปะแห่งต้นศตวรรษ แม้ว่าเฮทแมนจะสวมชุดเต็มยศ ถักเปียอย่างหรูหรา แต่ก็รู้สึกว่าเขาคุ้นเคยกับบรรยากาศของการหาเสียงมากกว่าผู้ชม ใบหน้าที่หล่อเหลาของเขาถูกลมและแสงแดดทำให้แข็งกระด้าง มีเพียงหน้าผากเท่านั้นที่สว่าง โดดเด่น ไม่โดนแดดแผดเผาภายใต้หมวกที่ปกปิดไว้ในการรณรงค์ ดวงตาที่เคยชินกับการมองเข้าไปในที่ราบ มองอย่างค้นหาจากใต้เปลือกตาที่บวมแดงเล็กน้อย

ผู้ชมในปัจจุบันมองว่า "ฟลอร์เฮทแมน" เป็นภาพลักษณ์ของบุคคลที่กล้าหาญซึ่งเป็นศิลปินร่วมสมัยที่ก้าวไปข้างหน้าไม่ใช่เพราะความเอื้ออาทรของเขา แต่ต้องขอบคุณการทำงานและความสามารถที่ไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย

เมื่อสังเกตถึงข้อดีของ Nikitin แล้ว ควรกำหนดว่าจิตรกรจะบรรลุถึงลักษณะภายในของบุคคลที่ปรากฎก็ต่อเมื่อลักษณะของบุคคลที่แสดงนั้นเป็นไปตามที่พวกเขากล่าวว่า "เขียนบนใบหน้า" อย่างชัดเจนและแน่นอน โดยหลักการแล้วงานของ Nikitin แก้ไขปัญหาเริ่มต้นของประเภทภาพบุคคล - แสดงความเป็นเอกลักษณ์ของรูปลักษณ์ของแต่ละคน

ในบรรดาจิตรกรภาพเหมือนชาวรัสเซียคนอื่น ๆ ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 เราสามารถตั้งชื่อ A. M. Matveev (1701 - 1739) ซึ่งได้รับการฝึกฝนการวาดภาพในฮอลแลนด์ ผลงานที่ดีที่สุดเป็นเรื่องปกติที่จะต้องพิจารณาภาพบุคคลของ Golitsyn (1727 - 1728) และภาพเหมือนตนเองที่เขาแสดงภาพตัวเองกับภรรยาสาว (1729)

ทั้ง Nikitin และ Matveev เปิดเผยอย่างชัดเจนที่สุดถึงแนวโน้มที่เป็นจริงในการพัฒนาภาพเหมือนของรัสเซียในยุค Petrine

ศิลปะรัสเซียกลางศตวรรษที่ 18 ความคิดสร้างสรรค์ A. P. Antropov

ประเพณีที่นิกิตินวางไว้ไม่ได้รับการพัฒนาโดยตรงในศิลปะในสมัยรัชกาลของผู้สืบทอดที่ใกล้ชิดที่สุดของปีเตอร์รวมถึงสิ่งที่เรียกว่า Bironism

การสร้างสรรค์ของจิตรกรภาพเหมือนในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 เป็นพยานว่ายุคนั้นไม่ได้ให้วัสดุอุดมสมบูรณ์ที่ Nikitin รุ่นก่อนของพวกเขามีอีกต่อไป อย่างไรก็ตาม การเฝ้าสังเกตลักษณะที่ปรากฏของภาพที่ปรากฎอย่างระแวดระวังและมีสติสัมปชัญญะทำให้ภาพบุคคลได้รับอำนาจในการกล่าวหาอย่างแท้จริง โดยเฉพาะอย่างยิ่งใช้กับงานของ Alexei Petrovich Antropov (1716 - 1795)

โดยกำเนิดของช่างฝีมือซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ A. M. Matveev ในที่สุดเขาก็ได้ก่อตั้ง "ทีมที่งดงาม" ของ Chancellery จากอาคารซึ่งรับผิดชอบงานด้านเทคนิคและศิลปะในอาคารศาลหลายแห่ง ผลงานของเขายังคงเป็นเอกสารของเวลาในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 เช่นเดียวกับผลงานของ Nikitin ในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษ เขาวาดภาพเหมือนของ A. M. Izmailova (1754), Peter III (1762) และผืนผ้าใบอื่น ๆ ซึ่งแสดงให้เห็นถึงความคิดสร้างสรรค์ของผู้เขียนและประเพณีของศิลปะประยุกต์พื้นบ้านในการตกแต่ง การรวมกันของจุดสว่างของสีบริสุทธิ์ (เฉพาะที่) หลอมรวมเข้าด้วยกัน

ใน "Portrait of Peter III" สีที่ใช้ตกแต่งนี้ทำให้คุณเห็นความแตกต่างระหว่างความโอ่อ่าของพระราชวังและบุคคลที่ปรากฎบนฉากหลังได้ทันที ศีรษะเล็ก ไหล่แคบ และขายาวไม่ได้สัดส่วนช่วยเสริมความประทับใจนี้ เมื่อดูที่ภาพเหมือนคุณจะเชื่อเรื่องราวของภรรยาของ Peter III ซึ่งเป็นจักรพรรดินี Catherine II ในอนาคตโดยไม่สมัครใจ ใน "บันทึก" เธอรายงานว่าสามีของเธอชอบเกมทหารของเด็ก ๆ (โดยวิธีการนี้ Peter III ปรากฎในเครื่องแบบทหารพร้อมกระบองของจอมพล

กิจกรรมของ Antropov ครอบคลุมช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ยกเว้นช่วงกลาง อย่างไรก็ตาม ขอแนะนำให้พิจารณาประวัติศาสตร์ศิลปะในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ด้วยการวิเคราะห์ผลงานของเขา เนื่องจากในการพัฒนาต่อไปของวัฒนธรรมศิลปะรัสเซีย มีการระบุงานอื่น ๆ ในการแก้ปัญหาซึ่ง ภาพลักษณ์ของบุคคลในรูปลักษณ์ที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัวของเขาไม่ได้เป็นอะไรมากไปกว่าจุดเริ่มต้น

ศิลปะรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 รัสเซียได้ละทิ้งรูปแบบวัฒนธรรมศิลปะยุคกลางที่ล้าสมัยโดยสิ้นเชิงเข้าสู่เส้นทางแห่งการพัฒนาทางจิตวิญญาณซึ่งไม่ปกติในประเทศในยุโรป ทิศทางทั่วไปสำหรับยุโรปถูกกำหนดโดยการปฏิวัติฝรั่งเศสในปี ค.ศ. 1789 ที่กำลังจะมาถึง จริงอยู่ ชนชั้นนายทุนรัสเซียที่เกิดใหม่ยังคงอ่อนแอ ภารกิจทางประวัติศาสตร์ของการโจมตีฐานรากศักดินากลายเป็นความเชื่อมโยงของรัสเซียกับกิจกรรมของปัญญาชนผู้สูงศักดิ์ขั้นสูง ซึ่งตัวแทนของพวกเขาจะต้องได้รับการรู้แจ้ง! ศตวรรษที่ 18 ค่อย ๆ มาถึงการหลอกลวงของต้นศตวรรษหน้า

การรู้แจ้งซึ่งเป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมทั่วไปที่ใหญ่ที่สุดในยุคนั้นก่อตัวขึ้นภายใต้การครอบงำของอุดมการณ์ทางกฎหมาย นักทฤษฎีของชนชั้นที่เพิ่มขึ้น - ชนชั้นนายทุน - พยายามที่จะพิสูจน์จากมุมมองของจิตสำนึกทางกฎหมายในการครอบงำและความจำเป็นในการกำจัดสถาบันศักดินา เราสามารถยกตัวอย่างการพัฒนาทฤษฎี "กฎธรรมชาติ" และการตีพิมพ์ในปี 1748 ของผลงานที่มีชื่อเสียงของ Enlightener Charles Montesquieu "The Spirit of the Laws" ในทางกลับกัน ขุนนางที่ดำเนินการตอบโต้หันไปใช้บทบัญญัติทางกฎหมาย เพราะการต่อต้านรูปแบบอื่นต่อภัยคุกคามที่กำลังจะเกิดขึ้นได้ละทิ้งมือของพวกเขา

ในยุโรปตะวันตก ท่ามกลางรูปแบบศิลปะ โรงละครถือกำเนิดขึ้น ซึ่งเป็นเวทีแห่งความคิดที่เตรียมสังคมให้พร้อมสำหรับการเปลี่ยนแปลงที่ปฏิวัติวงการ ช่วงเวลานี้โดดเด่นด้วยการกำหนดและแก้ปัญหาของบทบาททางสังคมและการศึกษาของโรงละคร ที่นี่ก็เพียงพอแล้วที่จะระลึกถึง "Paradox of the Actor" ของ Denis Diderot และ "Hamburg Dramaturgy" ของ Gotthold Lessing ซึ่งคงอยู่ตลอดไปในกองทุนทองแห่งสุนทรียศาสตร์

สำหรับรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ รัฐบาลของแคทเธอรีนที่ 2 ยังใช้มาตรการทางกฎหมายคุ้มครองอย่างกว้างขวาง โดยเริ่มจาก "คำสั่ง" ของจักรพรรดินีสำหรับคณะกรรมาธิการว่าด้วยประมวลกฎหมายปี 1767 และจนถึง "จดหมายถึงขุนนางชั้นสูง" ” (2330)

การตรัสรู้ของรัสเซียเริ่มต้นจากบทบัญญัติของทฤษฎี "กฎธรรมชาติ" ซึ่งยืนยันถึงสิทธิที่คาดคะเนว่าจะมีอยู่ในธรรมชาติของมนุษย์ในการเคารพศักดิ์ศรีของบุคคล โดยไม่คำนึงถึงสถานะทางสังคมของเขา สิทธิพิเศษในการกำจัดอำนาจอธิปไตยของ ผลจากน้ำพักน้ำแรงของเขาเอง ฯลฯ ดังนั้น มุมมองของการตรัสรู้ของรัสเซียจึงถูกโน้มน้าวไปสู่ปัญหาบุคลิกภาพก่อนทั้งหมด (ขณะเดียวกันก็ระลึกได้ว่าเอกสารโปรแกรมของมหา การปฏิวัติฝรั่งเศสเรียกว่าคำประกาศสิทธิของมนุษย์และพลเมือง

ในยุค 50 โรงละครสาธารณะแห่งแรกในรัสเซียก่อตั้งโดย F. G. Volkov จริงอยู่จำนวนโรงภาพยนตร์ไม่มากนัก แต่ควรคำนึงถึงการพัฒนาของเวทีสมัครเล่น (ที่มหาวิทยาลัยมอสโกที่สถาบัน Smolny for Noble Maidens กองทหารผู้ดี ฯลฯ ) โฮมเธียเตอร์ของสถาปนิกและนักแปล N.A. Lvov มีบทบาทสำคัญในชีวิตของเมืองหลวง ในสถานที่ที่ถูกครอบครองโดยละครในภาษารัสเซีย วรรณคดี XVIIIศตวรรษกล่าวว่าอย่างน้อยความจริงที่ว่าแม้แต่แคทเธอรีนที่ 2 ในการค้นหาวิธีการปกครองดูแลจิตใจก็ใช้รูปแบบขององค์ประกอบที่น่าทึ่ง (เธอเขียนคอเมดี้ "โอ้เวลา!", "ชื่อวันของนาง Vorchalkina" , “ผู้หลอกลวง” และอื่นๆ).

ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกว นอกจากโรงละครที่มีไว้สำหรับแวดวงขุนนางแล้ว ครั้งหนึ่งเคยมีโรงละครที่สร้างขึ้นจากความคิดริเริ่มของคนงานโรงพิมพ์และเด็กฝึกงานในโรงงาน ซึ่งออกแบบมาสำหรับชั้นกลางและล่างของเมือง ผลงานละครของพวกเขารวมถึงละคร ตลก และบทละครโดย Jean-Baptiste Molière ผู้ร่วมสมัยตั้งข้อสังเกตว่า “ฝูงชน พ่อค้า เสมียน และคนอื่นๆ ที่คล้ายพวกเขา” แสดง “ความโลภมาก” สำหรับการแสดงที่ “ละทิ้งความสนุกสนานอื่น ๆ ซึ่งการกระทำอื่น ๆ ไม่ใช่เรื่องตลกมากนัก พวกเขามารวมตัวกันทุกวันเพื่อดูการแสดงเหล่านี้” ในที่สุดเราต้องระลึกถึงโรงละครที่เป็นทาสซึ่งมีจำนวนถึงหนึ่งร้อยเจ็ดสิบภายในสิ้นศตวรรษ คณะข้าแผ่นดินที่ดีที่สุด - Sheremetev - ประกอบด้วยนักแสดง 150 คนและสมาชิกวงออเคสตรา 40 คน

ศิลปะการแสดงละครมีความสามารถในการเปิดเผยเหตุการณ์ให้เห็นเป็นรูปธรรมอย่างชัดเจนต่อหน้าผู้ชมจำนวนมาก เนื้อหาที่นักแสดงสร้างประเภทเวทีคือตัวเขาเองในฐานะพลเมืองและในฐานะบุคคล นั่นคือในฐานะบุคคล การค้นหาวิธียืนยันศักดิ์ศรีความเป็นมนุษย์ อุดมคติทางแพ่ง ซึ่งเป็นประวัติศาสตร์ของการวาดภาพและประติมากรรมของรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เกิดขึ้นในแนวเดียวกันกับการค้นหาในสาขาศิลปะการแสดงละคร

การพัฒนาประเภทภาพบุคคล

ย้อนกลับไปที่ประวัติศาสตร์โดยตรงของวิจิตรศิลป์ของรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ก่อนอื่นเราต้องอาศัยอยู่กับการกำเนิดของสิ่งที่เรียกว่าภาพที่ใกล้ชิด เพื่อให้เข้าใจถึงคุณลักษณะของยุคหลัง สิ่งสำคัญคือต้องสังเกตว่าทุกคนรวมถึงปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษก็ทำงานเป็นภาพบุคคลในพิธีเช่นกัน ก่อนอื่นศิลปินพยายามที่จะแสดงตัวแทนที่มีค่าของชนชั้นสูงที่มีอำนาจเหนือกว่า ดังนั้นบุคคลในภาพจึงแต่งกายด้วยชุดเต็มยศพร้อมเครื่องราชอิสริยาภรณ์สำหรับบริการของรัฐ และมักจะอยู่ในท่าทางการแสดงละคร ซึ่งเผยให้เห็นตำแหน่งทางสังคมที่สูงของบุคคลที่ถูกแสดง

ภาพพิธีการถูกกำหนดขึ้นในตอนต้นของศตวรรษโดยบรรยากาศทั่วไปของยุคนั้น และต่อมาโดยรสนิยมที่เป็นที่ยอมรับของลูกค้า อย่างไรก็ตามในความเป็นจริงแล้วกลายเป็นทางการอย่างรวดเร็ว A. M. Ivanov นักทฤษฎีศิลปะในเวลานั้นกล่าวว่า: "ต้องเป็นเช่นนั้น ... ภาพวาดดูเหมือนจะพูดเพื่อตัวเองและประกาศว่า: "ดูฉันสิฉันคือราชาผู้อยู่ยงคงกระพัน รายล้อมด้วยความสง่างาม ”

ตรงกันข้ามกับภาพพิธีการ ภาพบุคคลที่สนิทสนมพยายามที่จะจับภาพบุคคลในขณะที่เขาปรากฏต่อสายตาของเพื่อนสนิท ยิ่งไปกว่านั้น งานของศิลปินคือการเปิดเผยคุณลักษณะของตัวละครพร้อมกับลักษณะที่แน่นอนของบุคคลที่ปรากฎ เพื่อประเมินบุคลิกภาพ

การเริ่มต้นของช่วงเวลาใหม่ในประวัติศาสตร์การถ่ายภาพบุคคลของรัสเซียถูกทำเครื่องหมายด้วยผืนผ้าใบของ Fyodor Stepanovich Rokotov (เกิดปี 1736 - d. 1808 หรือ 1809)

ความคิดสร้างสรรค์ของ F. S. Rokotov

ความขาดแคลนของข้อมูลชีวประวัติไม่อนุญาตให้เราระบุได้อย่างน่าเชื่อถือว่าเขาศึกษาใคร มีการโต้เถียงกันมานานเกี่ยวกับที่มาของจิตรกร การรับรู้ในช่วงต้นของศิลปินนั้นได้รับการยืนยันจากความสามารถที่แท้จริงของเขาซึ่งแสดงออกมาในรูปของ V. I. Maikov (1765) ซึ่งไม่รู้จักในสีชมพู (1770s) หนุ่มน้อยในหมวกที่ง้าง (1770), V. E. Novosiltseva (1780), P. N. Lanskaya (1780)

ในภาพเหมือนของบุคคลที่ไม่รู้จักในชุดสีชมพู มีภาพหญิงสาวสวยซึ่งมีลักษณะที่บอบบางและเกือบจะเหมือนเด็ก สีชมพูพาสเทลและโทนสีเงินเทาช่วยให้ภาพดูบริสุทธิ์ สิ่งที่น่าจดจำคือการแสดงออกบนใบหน้าของคนที่ไม่รู้จัก - รอยยิ้มครึ่งบนริมฝีปากของเธอ, ดวงตารูปอัลมอนด์สีเทา ที่นี่ ความใจง่าย และความมักง่าย บางทีอาจเป็นความลับในใจของมันเอง ภาพเหมือนของ Rokotov ปลุกความต้องการในการสื่อสารทางจิตวิญญาณในตัวบุคคลพูดถึงความหลงใหลในการรู้จักผู้คนรอบตัวเขา อย่างไรก็ตามด้วยข้อดีทางศิลปะทั้งหมดของภาพวาดของ Rokotov เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่สังเกตเห็นว่ารอยยิ้มกึ่งลึกลับที่ดูลึกลับของดวงตาที่ยาวเหยียดของเขาเปลี่ยนจากภาพหนึ่งไปอีกภาพหนึ่งโดยไม่เปิดเผย แต่ราวกับว่าเสนอให้คนดูเพื่อคลี่คลาย ธรรมชาติที่ซ่อนอยู่ข้างหลังพวกเขา เราได้รับความประทับใจว่าผู้เขียนสร้างหน้ากากการแสดงละครของตัวละครมนุษย์ลึกลับและกำหนดให้ทุกคนที่สวมรอยแทนเขา

การพัฒนาต่อไปของภาพที่ใกล้ชิดนั้นเกี่ยวข้องกับชื่อของ Dmitry Grigorievich Levitsky (1735 - 1822)

ความคิดสร้างสรรค์ D. G. Levitsky

เขาได้รับการศึกษาศิลปะเบื้องต้นภายใต้การแนะนำของพ่อของเขา ซึ่งเป็นช่างแกะสลักของเคียฟ-เปเชอร์สค์ ลาฟรา การมีส่วนร่วมในงานจิตรกรรมของ Kyiv Andreevsky Cathedral ซึ่งดำเนินการโดย A.P. Antropov นำไปสู่การฝึกงานสี่ปีกับอาจารย์คนนี้และความหลงใหลในแนวภาพบุคคล ในผืนผ้าใบยุคแรก ๆ ของ Levitsky ความเชื่อมโยงกับภาพพิธีการแบบดั้งเดิมนั้นมองเห็นได้ชัดเจน จุดเปลี่ยนในงานของเขาถูกทำเครื่องหมายด้วยชุดภาพเหมือนของนักเรียนของ Smolny Institute for Noble Maidens ที่จัดทำขึ้นเอง แน่นอนว่าคำสั่งนี้หมายถึงภาพบุคคลในพิธี มันถูกวาดขึ้นเพื่อพรรณนาเด็กผู้หญิงที่โตเต็มวัยในชุดการแสดงละครโดยมีฉากหลังเป็นฉากการแสดงมือสมัครเล่นที่จัดฉากในหอพัก

เมื่อถึงฤดูหนาวปี พ.ศ. 2316-2317 นักเรียนประสบความสำเร็จในศิลปะการแสดงมากจนราชสำนักและคณะทูตานุทูตมาร่วมชมการแสดงด้วย

จักรพรรดินีเองทำหน้าที่เป็นลูกค้าที่เกี่ยวข้องกับการสำเร็จการศึกษาครั้งแรกของสถาบันการศึกษา เธอพยายามที่จะทิ้งความทรงจำที่ชัดเจนของการเติมเต็มความฝันอันหวงแหนของเธอให้กับลูกหลาน - การศึกษาในรัสเซียของขุนนางรุ่นหนึ่งซึ่งไม่เพียง แต่โดยกำเนิดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการศึกษาการตรัสรู้ด้วย

อย่างไรก็ตามวิธีที่จิตรกรเข้าหางานเผยให้เห็นเช่น "Portrait of E. I. Nelidova" (1773) ตามที่เชื่อกันว่าเด็กผู้หญิงคนนี้มีบทบาทที่ดีที่สุดของเธอ - สาวใช้ของ Serbina จากการแสดงละครโอเปร่าเรื่อง The Servant-Mistress ของ Giovanni Pergolesi ซึ่งบอกเล่าเกี่ยวกับสาวใช้ที่ฉลาดซึ่งสามารถบรรลุนิสัยที่จริงใจของเจ้านายและแต่งงานกับเขา นิ้วของเธอยกผ้ากันเปื้อนลูกไม้เบา ๆ อย่างสง่างามและก้มศีรษะอย่างมีไหวพริบ Nelidova ยืนอยู่ในท่าที่สามที่เรียกว่ารอคลื่นของกระบองของผู้ควบคุมวง (โดยวิธีการที่ "นักแสดง" อายุสิบห้าปีเป็นที่รักของสาธารณชนจนเกมของเธอได้รับการบันทึกไว้ในหนังสือพิมพ์และบทกวีที่อุทิศให้กับเธอ) รู้สึกว่าสำหรับการแสดงละครของเธอไม่ใช่เหตุผลที่จะแสดงให้เห็น "มารยาทที่สง่างาม" ปลูกฝังในโรงเรียนประจำ แต่เป็นโอกาสที่จะเปิดเผยความกระตือรือร้นของเยาวชนซึ่งถูก จำกัด โดยกฎเข้มงวดรายวันของสถาบัน Smolny ศิลปินสื่อถึงการสลายตัวทางจิตวิญญาณของ Nelidova อย่างสมบูรณ์ในการแสดงบนเวที เฉดสีเทาเขียวใกล้เคียงกับการออกแบบฉากหลังของโรงละครภูมิทัศน์สีมุกของชุดของหญิงสาว - ทุกอย่างรองลงมาจากงานนี้ Levitsky ยังแสดงให้เห็นถึงความฉับไวในธรรมชาติของ Nelidova จิตรกรจงใจทำให้โทนสีในพื้นหลังหรี่ลงและในขณะเดียวกันก็ทำให้พวกเขาเปล่งประกายในเบื้องหน้า - ในเสื้อผ้าของนางเอก แกมมาขึ้นอยู่กับอัตราส่วนของโทนสีเทา-เขียวและสีมุก ซึ่งเปี่ยมไปด้วยคุณภาพในการตกแต่ง ด้วยสีชมพูในสีของใบหน้า คอ มือ และริบบิ้นที่ประดับเครื่องแต่งกาย ยิ่งไปกว่านั้น ในกรณีที่สอง ศิลปินยึดติดกับสีท้องถิ่น บังคับให้เขานึกถึงลักษณะของอาจารย์ Antropov

ความสำเร็จทางศิลปะที่สร้างสรรค์แกลเลอรีภาพเหมือนขนาดเล็กนี้ Levitsky ได้รวมไว้ในผลงานที่ตามมาโดยเฉพาะอย่างยิ่งการสร้างภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยมสองภาพของ M. A. Lvova, nee Dyakova ลูกสาวของหัวหน้าอัยการสูงสุดวุฒิสภา (พ.ศ. 2321 และ พ.ศ. 2324)

คนแรกแสดงเด็กหญิงอายุสิบแปดปีซึ่งเกือบจะอายุเท่ากันกับผู้หญิง Smolensk เธอปรากฎตัวในท่าหมุน ซึ่งเน้นความง่ายอย่างชัดเจนด้วยแสงด้านข้างสีทองที่ตกกระทบกับหุ่น ดวงตาที่เปล่งประกายของนางเอกสาวมองผ่านผู้ชมไปที่ไหนสักแห่งอย่างชวนฝันและสนุกสนาน และริมฝีปากที่เปียกชื้นของเธอก็สัมผัสได้ด้วยรอยยิ้มที่คลุมเครือราวกับบทกวี ในรูปลักษณ์ของเธอ - ความกล้าหาญที่เร่าร้อนเจ้าเล่ห์และความขี้ขลาดบริสุทธิ์ความสุขที่ทะลุทะลวงและความเศร้าที่รู้แจ้ง นี่คือตัวละครที่ยังไม่พัฒนาเต็มที่เต็มไปด้วยความคาดหวังในการพบกับผู้ใหญ่

หญิงสาวหลงรักสถาปนิกซึ่งเป็นเพื่อนสนิทของ Levitsky แต่พ่อแม่ของเธอไม่เห็นด้วยที่ลูกสาวควรแต่งงานกับ "ช่างฝีมือ" จากนั้นพวกเขาก็แต่งงานกันอย่างลับๆ ในช่วงเวลานั้นอาจารย์จับเธอในภาพวาดแรก เป็นเวลาสามปีที่เธออาศัยอยู่ใต้ชายคาของพ่อแม่ โดยหวังว่าพ่อและแม่ของเธอจะเปลี่ยนความโกรธให้เป็นความเมตตา ในที่สุดความเพียรของเธอก็ชนะ

ภาพที่สองวาดเมื่อหญิงสาวอายุยี่สิบเอ็ดปี แต่เธอดูแก่กว่าวัย ดวงตาของเธอมีความเหนื่อยล้า ความขมขื่นหลุดลอยในรอยยิ้มของเธอ รู้สึกว่าเธอต้องเผชิญกับสิ่งที่ยากยากลำบาก อย่างไรก็ตาม ไหล่ที่สงบนิ่งและสง่างาม การส่ายศีรษะไปด้านหลังอย่างภาคภูมิแสดงให้เห็นว่าการต่อสู้นั้นทำให้เธอมีความภาคภูมิใจในตนเองและหล่อหลอมบุคลิกภาพของเธอ

รูปแบบสีมีการเปลี่ยนแปลง ในงานชิ้นแรก ภาพวาดถูกนำไปสู่ความเป็นเอกภาพของวรรณยุกต์และคล้ายกับการค้นหาสีของ Rokotov ในภาพเหมือนของปี ค.ศ. 1781 มีการใช้สีในความเข้มของเสียง โทนสีอบอุ่นทำให้สีตึงเครียดเล็กน้อย

ภาพเหมือนของ M. A. Lvova, N. I. Novikov, A. V. Khrapovitsky สามีและภรรยาของ Mitrofanovs, Bakunina และคนอื่น ๆ ย้อนหลังไปถึงยุคแปดสิบเป็นพยานว่า Levitsky ซึ่งรวมความแม่นยำที่รุนแรงของ Antropov และบทกวีของ Rokotov กลายเป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุด ของการวาดภาพเหมือนของรัสเซียในศตวรรษที่ 18

กาแล็กซีของจิตรกรภาพบุคคลที่ใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 18 สร้างเสร็จโดย Vladimir Lukich Borovikovsky (1757 - 1825)

ความคิดสร้างสรรค์ V. L. Borovikovsky

ลูกชายคนโตของขุนนางยูเครนตัวเล็ก ๆ ซึ่งร่วมกับพ่อของเขาหาเลี้ยงชีพด้วยการวาดภาพไอคอน ครั้งแรกที่เขาดึงดูดความสนใจด้วยภาพวาดเชิงเปรียบเทียบในคราเมนชูกซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2330 สำหรับการมาถึงของ Catherine II สิ่งนี้ทำให้นายน้อยมีโอกาสไปเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเพื่อพัฒนาทักษะการวาดภาพของเขา เขาจัดการอย่างที่พวกเขาพูดเพื่อเรียนรู้จาก D. G. Levitsky และท้ายที่สุดก็สร้างตัวเองขึ้นในแวดวงศิลปะของเมืองหลวง

ในมรดกที่ศิลปินทิ้งไว้ ภาพเหมือนของ M. I. Lopukhina (1797) โดดเด่นเป็นพิเศษ นายจับหญิงสาวจากนามสกุลที่มีชื่อเสียงในประวัติศาสตร์รัสเซีย มันไม่ได้เขียนในห้องนั่งเล่น แต่กับพื้นหลังของภูมิทัศน์ - ใต้มงกุฎของต้นไม้ที่แผ่กิ่งก้านสาขาของสวนสาธารณะเก่าแก่ถัดจากทุ่งข้าวไรย์สุก Lopukhina กำลังยืนพิงเชิงเทินหินอ่อนอย่างสง่างาม ที่นี่ในความเงียบไม่มีอะไรสามารถรบกวนการแสดงความรู้สึกของเธอได้ จริงอยู่ที่จิตรกรเลือกเพียงหนึ่งเดียว - ความสุขที่เฉื่อยชา ในผืนผ้าใบทุกอย่างอยู่ภายใต้การแสดงออกของความรู้สึกนี้และเหนือสิ่งอื่นใดคือการเปลี่ยนแปลงของแสงโทนสีที่จางลง การเปลี่ยนผ่านที่เบาที่สุดของสีน้ำเงิน ไลแลค และสีเขียวมะกอกไหลไปตามผืนผ้าใบภายใต้สายลมที่พัดโชย เปลือกตาที่หนักอึ้งแทบจะยกขึ้นบังดวงตาของเธอและให้ความรู้สึกเหมือนภวังค์ที่อ่อนไหว ผ้าคลุมไหล่บางลงมาจากไหล่เน้นการเคลื่อนไหวที่สง่างามและผ่อนคลายของร่างกายที่ยืดหยุ่น ทำซ้ำด้วยมือที่ลดลงและพบคำตอบในวงรีโค้งมนของเส้นทั้งหมดที่สร้างองค์ประกอบ (แม้ในเค้าโครงของดอกกุหลาบงอในแก้วที่ยืนอยู่บนเชิงเทิน)

ภาพของ Borovikovsky รวมถึงภาพที่เพิ่งตรวจสอบระบุว่าจิตรกรได้ก้าวไปสู่ขั้นตอนต่อไป ขั้นตอนใหม่ (หลังจากความสำเร็จของ Levitsky) ในการทำให้ภาพลักษณ์ของบุคคลลึกซึ้งยิ่งขึ้น Levitsky เปิดโลกแห่งความหลากหลายของตัวละครมนุษย์สำหรับแนวภาพรัสเซีย ในทางกลับกัน Borovikovsky พยายามเจาะเข้าไปในสภาพจิตใจและคิดว่าตัวละครของแบบจำลองก่อตัวอย่างไร