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Japanische Kunst - Geschichte - Einführung - Japan unterhalten — LiveJournal. Das Geheimnis der Größe der Hauptwerke japanischer Kunst Japanische Kunst

Die Entstehung der Teezeremonie (chanoyu) als eines der größten Phänomene der japanischen Kultur fand in einer für das Land sehr schwierigen, unruhigen Zeit statt, als vernichtende blutige Kriege und Fehden zwischen feudalen Clans das Leben der Menschen unerträglich machten. Die Teezeremonie entstand unter dem Einfluss der Ästhetik und Philosophie des Zen-Buddhismus und versuchte, der Stimmung der Hoffnungslosigkeit die Anbetung der Schönheit entgegenzusetzen.

Damals nutzten die Herrscher der Militärklasse und wohlhabende Kaufleute, die sich zu politischen und kommerziellen Gesprächen versammelten, oft die Gelegenheit, Tee zu servieren. Es galt als ein raffiniertes Vergnügen, in einer ruhigen Teestube zu sitzen, losgelöst von den Sorgen und Sorgen des Lebens, und den Geräuschen von Wasser zu lauschen, das auf einem Kohlenbecken kocht. Der große Lehrer Sen-no-Rikyu machte das Teetrinken zur Kunst. Er konnte die Kunst der Teezeremonie so entwickeln, wie er es tat, auch aufgrund des oben erwähnten sozialen Hintergrunds, der vorhanden war.

Die von Sen no Rikyu gebaute Teestube wirkte auf den ersten Blick sehr einfach und sogar zu klein. Aber es war aufs sorgfältigste geplant, mit feiner Lesbarkeit bis ins kleinste Detail. Es war mit Schiebetüren geschmückt, die mit schneeweißem, durchscheinendem Japanpapier bedeckt waren. Die Decke war mit Bambus oder Stroh verkleidet, und die offene Textur der Wände wurde sehr geschätzt. Die Stützen waren größtenteils aus Holz und behielten ihre natürliche Rinde. Um bei der Gestaltung der Teestube den Effekt einer Einsiedelei zu erzeugen, wurden alle unnützen und übertriebenen Dekorationen verworfen.

Heute ist die Teezeremonie die markanteste, einzigartige Kunst. Es spielt seit mehreren Jahrhunderten eine wichtige Rolle im spirituellen und sozialen Leben der Japaner. Im Laufe der Zeit wurde das Ritual der Teezeremonie kanonisiert, die Abfolge von Handlungen und Verhaltensweisen wurde vorgegeben. Bereits durch die einfachen Holztore eingetreten, tauchten die Gäste in eine besondere Welt ein, ließen alles Alltägliche hinter sich und gehorchten in stiller Konzentration nur noch den Gesetzen des Handelns.

Klassisches Chanoyu ist ein streng geplantes Ritual, an dem der Teemeister (die Person, die Tee brüht und eingießt) und die anderen Teilnehmer der Zeremonie teilnehmen. Im Wesentlichen ist ein Teemeister ein Priester, der einen Teeakt aufführt, der Rest sind diejenigen, die sich ihm anschließen. Jeder hat seinen eigenen spezifischen Verhaltensstil, der sowohl die Sitzhaltung als auch jede Bewegung bis hin zu Mimik und Sprechweise umfasst.

Beim Teetrinken werden weise Reden gehalten, Gedichte gelesen, Kunstwerke betrachtet. Blumensträuße und spezielle Utensilien zum Aufbrühen des Getränks werden mit besonderer Sorgfalt für jeden Anlass ausgewählt.

Die Atmosphäre selbst erzeugt die entsprechende Stimmung, die überraschend einfach und bescheiden ist: eine kupferfarbene Teekanne, Tassen, ein Bambusrührer, eine Teeaufbewahrungsbox usw. Die Japaner mögen keine grell glänzenden Gegenstände, sie sind von Stumpfheit beeindruckt. D. Tanizaki schreibt dazu: „Die Europäer verwenden Geschirr aus Silber, Stahl oder Nickel, polieren es auf einen blendenden Glanz, aber wir können einen solchen Glanz nicht ertragen. Wir verwenden auch Silberartikel ... aber wir polieren sie nie auf Hochglanz. Im Gegenteil, wir freuen uns, wenn dieser Glanz von der Oberfläche der Gegenstände abgeht, wenn sie einen Hauch von Rezept bekommen, wenn sie mit der Zeit dunkler werden ... Wir lieben Dinge, die Spuren von menschlichem Fleisch, Ölruß, Verwitterung und Regenschwellungen tragen. Alle Gegenstände für die Teezeremonie tragen die Spuren der Zeit, aber alle sind makellos sauber. Dämmerung, Stille, die einfachste Teekanne, ein Holzlöffel zum Einschenken von Tee, eine raue Keramiktasse – all das fasziniert die Anwesenden.

Das wichtigste Element im Inneren eines Teehauses ist eine Nische - Tokonoma. Es enthält normalerweise eine Schriftrolle mit einem Gemälde oder einer kalligraphischen Inschrift und einem Blumenstrauß, einem Räuchergefäß mit Weihrauch. Tokonoma befindet sich gegenüber dem Eingang und zieht sofort die Aufmerksamkeit der Gäste auf sich. Die Tokonama-Schriftrolle wird mit großer Sorgfalt ausgewählt und ist ein unverzichtbares Diskussionsthema während der Zeremonie. Es ist im Stil des Zen-Buddhismus und mit solch einer archaischen Kalligrafie geschrieben, dass nur wenige die Bedeutung des Geschriebenen erkennen und verstehen können, zum Beispiel: „Bambus ist grün und Blumen sind rot“, „Dinge sind Dinge, und das ist schön !" oder "Wasser ist Wasser." Den Anwesenden wird die Bedeutung dieser äußerlich einfachen, aber gleichzeitig sehr tiefen philosophischen Sprüche erklärt. Mal werden diese Gedanken in der poetischen Form des Haiku ausgedrückt, mal spiegeln sie sich in der Malerei des Altmeisters wider, in der Regel nach dem Prinzip „Wabi“.

In Japan gibt es viele Formen der Teezeremonie, aber nur wenige sind streng etabliert: Nachttee, Sonnenaufgangstee, Morgentee, Nachmittagstee, Abendtee, Spezialtee.

Der Nachttee beginnt mit dem Mond. Die Gäste kommen gegen halb elf an und fahren gegen vier Uhr morgens ab. Üblicherweise wird Tee in Pulverform aufgebrüht, der vor den Augen der Gäste zubereitet wird: Die Blätter werden von Adern befreit und im Mörser zu Pulver gemahlen. Dieser Tee ist sehr stark, er wird nicht auf nüchternen Magen serviert. Daher werden die Gäste zunächst mit etwas anderem Essen verwöhnt. Tee wird bei Sonnenaufgang gegen drei oder vier Uhr morgens getrunken. Die Gäste bleiben zur gleichen Zeit bis sechs Uhr. Morgentee wird bei heißem Wetter praktiziert, die Gäste versammeln sich um sechs Uhr morgens. Der Nachmittagstee wird normalerweise erst gegen 13 Uhr mit Kuchen serviert. Der Abendtee beginnt gegen 18 Uhr. Eine besondere Teeparty (Rinjitya-noyu) wird zu besonderen Anlässen arrangiert: Treffen mit Freunden, Feiertage, Wechsel der Jahreszeiten usw.

Laut den Japanern bringt die Teezeremonie Einfachheit, Natürlichkeit und Ordentlichkeit zum Vorschein. Das stimmt natürlich, aber zur Teezeremonie gehört noch mehr. Es führt die Menschen in ein etabliertes Ritual ein und gewöhnt sie an strenge Ordnung und die bedingungslose Erfüllung sozialer Regeln. Die Teezeremonie ist eine der wichtigsten Grundlagen für die Pflege nationaler Gefühle.

Japan ist ein erstaunliches östliches Land, das auf den Inseln liegt. Ein anderer Name für Japan ist das Land der aufgehenden Sonne. Das milde, warme, feuchte Klima, Bergketten von Vulkanen und Meerwasser schaffen herrliche Landschaften, in denen junge Japaner aufwachsen, was zweifellos die Kunst dieses kleinen Staates geprägt hat. Hier gewöhnen sich die Menschen von klein auf an Schönheit, und frische Blumen, Zierpflanzen und kleine Gärten mit einem See sind ein Attribut ihrer Häuser. Jeder versucht, sich ein Stück Tierwelt zu organisieren. Wie alle östlichen Nationalitäten haben die Japaner eine Verbindung zur Natur bewahrt, die in den Jahrhunderten des Bestehens ihrer Zivilisation geehrt und respektiert wird.

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Japanische Architektur

Lange Zeit Japan galt als geschlossenes Land, Kontakte gab es nur mit China und Korea. Ihre Entwicklung vollzog sich daher auf einem ganz eigenen Weg. Später, als verschiedene Neuerungen das Territorium der Inseln zu durchdringen begannen, passten die Japaner sie schnell für sich an und machten sie auf ihre eigene Weise neu. Der japanische Baustil besteht aus Häusern mit massiven, geschwungenen Dächern, mit denen Sie sich vor ständigen starken Regenfällen schützen können. Das eigentliche Kunstwerk ist kaiserliche Paläste mit Gärten und Pavillons.

Von den in Japan gefundenen Kultstätten kann man bis heute erhaltene hölzerne Shinto-Tempel, buddhistische Pagoden und buddhistische Tempelkomplexe unterscheiden, die in einer späteren Periode der Geschichte auftauchten, als der Buddhismus vom Festland in das Land eindrang und erklärt wurde Staatsreligion. Wie Sie wissen, sind Holzgebäude nicht langlebig und anfällig, aber in Japan ist es üblich, Gebäude in ihrer ursprünglichen Form nachzubauen, sodass sie auch nach Bränden in der Form wieder aufgebaut werden, in der sie einst gebaut wurden.

Skulptur von Japan

Der Buddhismus hatte einen starken Einfluss auf die Entwicklung der japanischen Kunst. Viele Werke stellen das Abbild des Buddha dar, so wurden in den Tempeln zahlreiche Statuen und Skulpturen des Buddha geschaffen. Sie waren aus Metall, Holz und Stein. Nur einige Zeit später tauchten Handwerker auf, die begannen, weltliche Porträtskulpturen herzustellen, aber im Laufe der Zeit verschwand der Bedarf an ihnen, so dass immer häufiger skulpturale Reliefs mit tiefen Schnitzereien zur Dekoration von Gebäuden verwendet wurden.

Miniatur-Netsuke-Skulpturen gelten in Japan als nationale Kunstform. Anfänglich spielten solche Figuren die Rolle eines Schlüsselanhängers, der am Gürtel befestigt war. Jede Figur hatte ein Loch für eine Schnur, an der die notwendigen Gegenstände aufgehängt wurden, da die Kleidung zu dieser Zeit keine Taschen hatte. Netsuke-Figuren zeigten weltliche Charaktere, Götter, Dämonen oder verschiedene Artikel ein besonderes tragen geheime Bedeutung, zum Beispiel ein Wunsch nach Familienglück. Netsuke bestehen aus Holz, Elfenbein, Keramik oder Metall.

Japanisches Kunsthandwerk

Die Herstellung von Blankwaffen wurde in Japan in den Rang einer Kunst erhoben, was die Herstellung des Samuraischwerts zur Perfektion brachte. Schwerter, Dolche, Schwertrahmen, Elemente der Kampfmunition dienten als eine Art männlicher Schmuck, der die Zugehörigkeit zu einer Klasse anzeigte, also wurden sie hergestellt ausgebildete Handwerker, verziert mit Edelsteinen und Schnitzereien. Zu den Volkshandwerken Japans gehört auch die Herstellung von Keramik, Lackwaren, Weberei und Holzschnitthandwerk. Japanische Töpfer bemalen traditionelle Keramik mit verschiedenen Mustern und Glasuren.

Japanische Malerei

Zunächst dominierte in der japanischen Malerei eine monochrome Malerei, die eng mit der Kalligrafie verflochten war. Beide wurden nach den gleichen Prinzipien erstellt. Die Kunst der Farb-, Tinten- und Papierherstellung kam vom Festland nach Japan. Infolgedessen begann es neue Runde Entwicklung der Malerei. Zu dieser Zeit waren die langen horizontalen Schriftrollen von Emakinomo, die Szenen aus dem Leben des Buddha darstellten, eine der Arten der japanischen Malerei. Die Landschaftsmalerei in Japan begann sich viel später zu entwickeln, woraufhin Künstler auftauchten, die sich auf Szenen spezialisierten weltliches Leben, Schreiben von Porträts und Militärszenen.

In Japan zeichneten sie normalerweise auf Paravents, Shoji, Hauswände und Kleidung. Der Paravent für den Japaner ist nicht nur ein funktionales Element der Wohnung, sondern auch ein Kunstwerk zur Kontemplation, das die allgemeine Stimmung des Raumes bestimmt. Auch die nationale Kimono-Kleidung gehört zu den Objekten der japanischen Kunst und trägt eine besondere orientalische Note. Dekorplatten auf Goldfolie mit leuchtenden Farben können auch den Werken der japanischen Malerei zugeschrieben werden. Die Japaner erreichten große Geschicklichkeit bei der Erstellung von Ukiyo-e, dem sogenannten Holzschnitt. Die Handlung solcher Gemälde waren Episoden aus dem Leben gewöhnlicher Bürger, Künstler und Geishas sowie prächtige Landschaften, die das Ergebnis der Entwicklung der Malkunst in Japan wurden.

Die riesige Region, die üblicherweise als Fernost bezeichnet wird, umfasst China, Japan, Korea, die Mongolei und Tibet – Länder, die eine Reihe von Ähnlichkeiten, aber gleichzeitig erhebliche Unterschiede in der Kultur aufweisen.

Alle Länder des Fernen Ostens wurden von den alten Zivilisationen Chinas und Indiens beeinflusst, wo bereits im 1. Jahrtausend v. Chr. philosophische und religiöse Lehren entstanden, die den Grundstein für das Konzept der Natur als umfassenden Kosmos legten – ein lebendiger und vergeistigter Organismus, der nach seinen eigenen Gesetzen lebt. Die Natur stand im Mittelpunkt der philosophischen und künstlerischen Forschungen des gesamten Mittelalters, und ihre Gesetze galten als universell und bestimmten das Leben und die Beziehungen der Menschen. Mit den vielfältigen Erscheinungsformen der Natur wurde verglichen Innere Person. Dies beeinflusste die Entwicklung der symbolischen Methode in der bildenden Kunst und definierte ihre allegorische poetische Sprache. In China, Japan und Korea wurden unter dem Einfluss einer solchen Einstellung zur Natur Kunstarten und -gattungen gebildet, architektonische Ensembles errichtet, die eng mit der umgebenden Landschaft verbunden sind, Gartenkunst und schließlich war da der Beginn der Landschaftsmalerei. Unter dem Einfluss der alten indischen Zivilisation begann sich der Buddhismus auszubreiten, und der Hinduismus begann sich auch in der Mongolei und in Tibet auszubreiten. Diese religiösen Systeme brachten nicht nur neue Ideen in die Länder des Fernen Ostens, sondern wirkten sich auch direkt auf die Entwicklung der Kunst aus. Dank des Buddhismus tauchte in allen Ländern der Region eine bis dahin unbekannte neue künstlerische Sprache der Bildhauerei und Malerei auf, es entstanden Ensembles, deren charakteristisches Merkmal das Zusammenspiel von Architektur und bildender Kunst war.

Merkmale des Bildes buddhistischer Gottheiten in Skulptur und Malerei entwickelten sich über viele Jahrhunderte zu einer besonderen Symbolsprache, die Vorstellungen über das Universum, moralische Gesetze und das Schicksal des Menschen ausdrückte. So wurden die kulturellen Erfahrungen und spirituellen Traditionen vieler Völker gefestigt und bewahrt. Die Bilder der buddhistischen Kunst verkörperten die Ideen der Konfrontation zwischen Gut und Böse, Barmherzigkeit, Liebe und Hoffnung. All diese Qualitäten bestimmten die Originalität und universelle Bedeutung der herausragenden Schöpfungen der fernöstlichen Kunstkultur.

Japan liegt auf den Inseln Pazifik See erstreckt sich entlang der Ostküste des asiatischen Kontinents von Norden nach Süden. Die japanischen Inseln liegen in einem Gebiet, das häufig Erdbeben und Taifune ausgesetzt ist. Die Bewohner der Inseln sind es gewohnt, ständig auf der Hut zu sein, sich mit einem bescheidenen Leben zufrieden zu geben und ihre Häuser und Haushalte nach Naturkatastrophen schnell wieder aufzubauen. Trotz der natürlichen Elemente, die das Wohlergehen der Menschen ständig bedrohen, spiegelt die japanische Kultur den Wunsch nach Harmonie mit der Außenwelt wider, die Fähigkeit, die Schönheit der Natur im Großen und im Kleinen zu sehen.

In der japanischen Mythologie galten die göttlichen Ehegatten Izanagi und Izanami als die Vorfahren von allem auf der Welt. Von ihnen stammt eine Triade großer Götter ab: Amaterasu – die Göttin der Sonne, Tsukiyomi – die Göttin des Mondes und Susanoo – der Gott des Sturms und des Windes. Nach den Vorstellungen der alten Japaner hatten die Gottheiten keine sichtbare Erscheinung, sondern waren in der Natur selbst verkörpert – nicht nur in Sonne und Mond, sondern auch in Bergen und Felsen, Flüssen und Wasserfällen, Bäumen und Gräsern, die wurden als Geister-Kami verehrt (slowakisch in der Übersetzung aus dem Japanischen bedeutet göttlicher Wind). Diese Vergöttlichung der Natur hielt während des gesamten Mittelalters an und wurde Shinto genannt - der Weg der Götter - und wurde zur japanischen Nationalreligion; Europäer nennen es Shinto. Die Ursprünge der japanischen Kultur liegen in der Antike. Die frühesten Kunstwerke stammen aus dem 4. bis 2. Jahrtausend v. Die längste und fruchtbarste für die japanische Kunst war die Zeit des Mittelalters (6....19. Jahrhundert).

Das Design eines traditionellen japanischen Hauses, das im 17.-18. Jahrhundert entwickelt wurde. Es ist ein Holzrahmen mit drei beweglichen und einer festen Wand. Die Wände haben keine tragenden Funktionen, können also auseinander bewegt oder sogar entfernt werden und dienen gleichzeitig als Fenster. In der warmen Jahreszeit waren die Wände eine Gitterstruktur, beklebt mit durchscheinendem Papier, das das Licht durchließ, und in der kalten und regnerischen Jahreszeit wurden sie verkleidet oder durch Holzpaneele ersetzt. Bei hoher Luftfeuchtigkeit im japanischen Klima muss das Haus von unten belüftet werden. Daher ist es um 60 cm über dem Bodenniveau erhöht.Um die Stützpfeiler vor dem Verfall zu schützen, wurden sie auf Steinfundamenten installiert.

Der leichte Holzrahmen hatte die nötige Flexibilität, was die zerstörerische Kraft des Stoßes bei häufigen Erdbeben im Land reduzierte. Das Dach, Ziegel oder Schilf, hatte große Vordächer, die die Papierwände des Hauses vor Regen und der sengenden Sommersonne schützten, aber das schwache Sonnenlicht im Winter, frühen Frühling und späten Herbst nicht zurückhielten. Unter dem Baldachin des Daches befand sich eine Veranda.

Der Boden der Wohnzimmer war mit Matten ausgelegt – Tatami-Matten, auf denen sie meistens saßen, nicht standen. Daher wurden alle Proportionen des Hauses auf eine sitzende Person ausgerichtet. Da es im Haus keine festen Möbel gab, schliefen sie auf dem Boden, auf speziellen dicken Matratzen, die tagsüber in den Schränken verstaut waren. Sie aßen, auf Matten sitzend, an niedrigen Tischen, sie dienten auch für verschiedene Aktivitäten. Verschiebbare Innenwände, die mit Papier oder Seide bedeckt sind, könnten sich teilen Innenräume Je nach Bedarf, was eine vielfältigere Nutzung ermöglichte, war es jedoch unmöglich, dass sich jeder seiner Bewohner vollständig in das Haus zurückzog, was die innerfamiliären Beziehungen in der japanischen Familie und im allgemeineren Sinne beeinträchtigte. über die Merkmale des Nationalcharakters der Japaner. Ein wichtiges Detail des Hauses ist eine Nische in der Nähe der unbeweglichen Wand - Tokonama, wo ein Bild hängen oder eine Blumenkomposition - Ikebana stehen könnte. Es war das spirituelle Zentrum des Hauses. In der Dekoration der Nische manifestierten sich die individuellen Qualitäten der Bewohner des Hauses, ihr Geschmack und ihre künstlerischen Neigungen.

Eine Fortsetzung des traditionellen japanischen Hauses war ein Garten. Er spielte die Rolle eines Zauns und verband gleichzeitig das Haus mit der Umgebung. Als die Außenwände des Hauses auseinandergezogen wurden, verschwand die Grenze zwischen dem Innenraum des Hauses und dem Garten und es entstand ein Gefühl der Nähe zur Natur, eine direkte Kommunikation mit ihr. Dies war ein wichtiges Merkmal der nationalen Haltung. Die japanischen Städte wuchsen jedoch, die Größe des Gartens nahm ab, oft wurde er durch eine kleine symbolische Komposition aus Blumen und Pflanzen ersetzt, die die gleiche Rolle als Kontakt zwischen der Wohnung und der natürlichen Welt spielte. japanisches mythologiehaus ikebana netsuke

Die Kunst, Blumen in Vasen zu arrangieren – Ikebbna (das Leben der Blumen) – geht auf den alten Brauch zurück, Blumen auf den Altar einer Gottheit zu stellen, der sich mit dem Buddhismus im 6. Jahrhundert nach Japan ausbreitete. Meistens bestand die Komposition im damaligen Stil - Rikka (gepflanzte Blumen) - aus einem Kiefern- oder Zypressenzweig und Lotusblumen, Rosen, Narzissen, die in alten Bronzegefäßen installiert waren.

Mit Entwicklung weltliche Kultur im 10. bis 12. Jahrhundert wurden Blumenarrangements in Palästen und Wohnvierteln von Vertretern der aristokratischen Klasse angebracht. Am kaiserlichen Hof wurden spezielle Wettbewerbe zum Arrangieren von Blumensträußen populär. In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts entstand eine neue Richtung in der Ikebana-Kunst, deren Begründer der Meister Ikenobo Sen'ei war. Die Werke der Ikenobo-Schule zeichneten sich durch ihre besondere Schönheit und Raffinesse aus, sie wurden auf Hausaltären installiert und als Geschenke überreicht. Im 16. Jahrhundert wurde mit der Verbreitung von Teezeremonien eine besondere Art von Ikebana gebildet, um die Tokonoma-Nische im Teepavillon zu schmücken. Die Forderung nach Schlichtheit, Harmonie, zurückhaltender Farbigkeit, die sich allen Gegenständen des Teekults stellt, erstreckte sich auch auf die Gestaltung von Blumen – Tyabana (Ikebana für die Teezeremonie). Der berühmte Teemeister Senno Rikyu schuf einen neuen, freieren Stil - Nageire (nachlässig platzierte Blumen), obwohl gerade in der scheinbaren Unordnung die besondere Komplexität und Schönheit der Bilder dieses Stils bestand. Eine der Nageire-Arten war die sogenannte Tsuribana, bei der die Pflanzen in einem hängenden Gefäß in Form eines Bootes platziert wurden. Solche Kompositionen wurden einer Person angeboten, die ein Amt antrat oder die Schule abschloss, da sie symbolisierten, „auf das offene Meer des Lebens zu gehen“. Im 17. bis 19. Jahrhundert verbreitete sich die Kunst des Ikebana, und es entstand ein Brauch für die obligatorische Ausbildung von Mädchen in der Kunst der Herstellung von Blumensträußen. Aufgrund der Popularität des Ikebana wurden die Kompositionen jedoch vereinfacht, und die strengen Regeln der Stilistikka mussten zugunsten des Nageire aufgegeben werden, von dem sich ein anderes abhob. ein neuer Stil Seika oder Shoka (lebende Blumen). Ende des 19. Jahrhunderts schuf der Meister Ohara Usin den Moribana-Stil, dessen Hauptinnovation darin bestand, dass die Blumen in breiten Gefäßen platziert wurden.

In der Komposition von Ikebana gibt es in der Regel drei obligatorische Elemente, die die drei Prinzipien bezeichnen: Himmel, Erde und Mensch. Sie können als Blume, Zweig und Gras verkörpert sein. Durch ihre Korrelation untereinander und mit zusätzlichen Elementen entstehen Werke unterschiedlichen Stils und Inhalts. Die Aufgabe des Künstlers besteht nicht nur darin, eine schöne Komposition zu schaffen, sondern darin auch seine eigenen Gedanken über das Leben eines Menschen und seinen Platz in der Welt am besten zu vermitteln. Die Werke herausragender Ikebana-Meister können Hoffnung und Traurigkeit, spirituelle Harmonie und Traurigkeit ausdrücken.

Gemäß der Tradition im Ikebana wird die Jahreszeit notwendigerweise reproduziert, und die Kombination von Pflanzen bildet symbolische gute Wünsche, die in Japan bekannt sind: Kiefer und Rose - Langlebigkeit; Pfingstrose und Bambus - Wohlstand und Frieden; Chrysantheme und Orchidee - Freude; Magnolie - spirituelle Reinheit usw.

Miniaturskulptur - Netsuke wurde im 18. und 19. Jahrhundert als eine der Arten von Kunst und Kunsthandwerk weit verbreitet. Sein Aussehen ist darauf zurückzuführen, dass die japanische Nationaltracht - Kimono - keine Taschen und alles Notwendige hat kleine Gegenstände(Schlauch, Beutel, Medikamentenbox) werden mit einem Gegengewichts-Schlüsselanhänger am Gürtel befestigt. Netsuke hat also zwangsläufig ein Loch für eine Schnur, mit deren Hilfe das gewünschte Objekt daran befestigt wird. Früher wurden Schlüsselanhänger in Form von Stäbchen und Knöpfen verwendet, aber seit dem Ende des 18. Jahrhunderts haben bereits bekannte Meister an der Herstellung von Netsuke gearbeitet und den Werken ihre Handschrift verliehen.

Netsuke ist die Kunst der urbanen Klasse, der Masse und der Demokraten. Gemäß den Netsuke-Plots kann man die spirituellen Bedürfnisse, alltäglichen Interessen, Sitten und Bräuche der Stadtbewohner beurteilen. Sie glaubten an Geister und Dämonen, die oft in Miniaturskulpturen dargestellt wurden. Sie liebten die Figuren der „sieben Glücksgötter“, von denen die beliebtesten der Reichtumsgott Daikoku und der Glücksgott Fukuroku waren. Die ständigen Netsuke-Plots waren die folgenden: eine gerissene Aubergine mit vielen Samen darin - ein Wunsch nach einem großen männlichen Nachwuchs, zwei Enten - ein Symbol für Familienglück. Eine große Anzahl von Netsuke widmet sich alltäglichen Themen und Alltagsleben Städte. Dies sind wandernde Schauspieler und Zauberer, Straßenverkäufer, Frauen, die verschiedenen Aktivitäten nachgehen, wandernde Mönche, Wrestler, sogar die Holländer in ihrer aus japanischer Sicht exotischen Kleidung - breitkrempige Hüte, Mieder und Hosen. Netsuke zeichnete sich durch thematische Vielfalt aus und behielt seine ursprüngliche Funktion als Schlüsselring bei, und dieser Zweck diktierte den Handwerkern eine kompakte Form ohne zerbrechliche hervorstehende Details, abgerundet und angenehm anzufassen. Damit hängt auch die Materialwahl zusammen: nicht sehr schwer, langlebig, aus einem Stück bestehend. Die gängigsten Materialien waren verschiedene Holzarten, Elfenbein, Keramik, Lack und Metall.

Die japanische Malerei ist nicht nur inhaltlich, sondern auch formal sehr vielfältig: Das sind Wandmalereien, Siebbilder, vertikale und horizontale Schriftrollen, ausgeführt auf Seide und Papier, Albumblätter und Fächer.

UM alte Malerei kann nur anhand von Referenzen in schriftlichen Dokumenten beurteilt werden. Die frühesten erhaltenen herausragenden Werke stammen aus der Heian-Zeit (794-1185). Dies sind Illustrationen des berühmten „The Tale of Prince Genji“ des Schriftstellers Murasaki Shikibu. Die Illustrationen wurden auf mehreren horizontalen Schriftrollen erstellt und mit Text ergänzt. Sie werden dem Pinsel des Künstlers Fujiwara Takayoshi (erste Hälfte des 12. Jahrhunderts) zugeschrieben.

Ein charakteristisches Merkmal der Kultur dieser Zeit, das von einem ziemlich engen Kreis der Aristokratenklasse geschaffen wurde, war der Kult der Schönheit, der Wunsch, in allen Manifestationen des materiellen und spirituellen Lebens ihren inhärenten Charme zu finden, manchmal schwer fassbar und schwer fassbar. Die Malerei jener Zeit, die später Yamato-e (wörtlich japanische Malerei) genannt wurde, vermittelte keine Handlung, sondern einen Geisteszustand. Als die harten und mutigen Vertreter der Militärklasse an die Macht kamen, begann die Kultur der Heian-Ära zu verfallen. In der Malerei auf den Schriftrollen wurde das narrative Prinzip festgelegt: Dies sind Legenden über Wunder voller dramatischer Episoden, Biografien von Predigern des buddhistischen Glaubens, Szenen von Kriegerschlachten. Im 14.-15. Jahrhundert begann sich unter dem Einfluss der Lehren der Zen-Sekte mit ihrer besonderen Aufmerksamkeit für die Natur die Landschaftsmalerei zu entwickeln (zunächst unter dem Einfluss chinesischer Vorbilder).

Eineinhalb Jahrhunderte lang beherrschten japanische Künstler das chinesische Kunstsystem und machten die monochromatische Landschaftsmalerei zu einem Erbe. nationale Kunst. Seine höchste Blüte ist mit dem Namen eines herausragenden verbunden Toyo-Meister Oda (1420...1506), besser bekannt unter dem Pseudonym Sesshu. In seinen Landschaften gelang es ihm, mit feinster schwarzer Tusche die gesamte Vielfarbigkeit der Natur und ihre unzähligen Zustände widerzuspiegeln: eine feuchtigkeitsgesättigte Atmosphäre früher Frühling, der unsichtbare, aber spürbare Wind und kalte Herbstregen, die regungslose Stille des Winters.

Das 16. Jahrhundert eröffnet die Ära des sogenannten Spätmittelalters, das dreieinhalb Jahrhunderte dauerte. Zu dieser Zeit verbreiteten sich Wandmalereien, die die Paläste der Landesherren und großen Feudalherren schmückten. Einer der Begründer der neuen Richtung in der Malerei war der berühmte Meister Kano Eitoku, der in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts lebte. Der Holzstich (Xylographie), der im 18.-19. Jahrhundert seine Blütezeit erlebte, wurde zu einer weiteren Art der bildenden Kunst des Mittelalters. Das Gravieren wurde wie die Genremalerei Ukiyo-e (Bilder der Alltagswelt) genannt. Bei der Erstellung einer Gravur wird neben dem Künstler, der die Zeichnung erstellt hat, auch sein Name eingetragen fertiges Blatt, beteiligt einen Schnitzer und einen Drucker. Zunächst war die Gravur monophon, sie wurde vom Künstler selbst oder vom Käufer von Hand gemalt. Dann wurde der Zweifarbendruck erfunden und 1765 verwendete der Künstler Suzuki Harunobu (1725-1770) erstmals den Mehrfarbendruck. Dazu legte der Schnitzer ein Pauspapier mit einem Muster auf ein speziell präpariertes längsgesägtes Brett (aus Birne, Kirsche oder japanischem Buchsbaum) und schnitt je nach Farbgebung der Gravur die benötigte Anzahl bedruckter Bretter aus. Manchmal waren es mehr als 30. Danach machte der Drucker, der die richtigen Farbtöne auswählte, Drucke auf Spezialpapier. Seine Fähigkeit bestand darin, eine genaue Übereinstimmung der Konturen jeder Farbe zu erreichen, die von verschiedenen Holzbrettern erhalten wurde. Alle Gravuren wurden in zwei Gruppen eingeteilt: Theater, das die Schauspieler des klassischen japanischen Kabuki-Theaters in verschiedenen Rollen darstellt, und Alltagsschrift, die der Darstellung von Schönheiten und Szenen aus ihrem Leben gewidmet ist. Der berühmteste Meister der theatralischen Gravur war Toshyushay Syaraku, der die Gesichter der Schauspieler in Großaufnahme darstellte und die Merkmale der Rolle, die sie spielten, betonte, die charakteristischen Merkmale der Person, die als Charakter des Stücks wiedergeboren wurde: Wut, Angst, Grausamkeit, Betrug.

So herausragende Künstler wie Suzuki Harunobu und Kitagawa Utamaro wurden in der Alltagsgravur berühmt. Utamaro war der Schöpfer weibliche Bilder Verkörperung des nationalen Schönheitsideals. Seine Heldinnen scheinen für einen Moment erstarrt zu sein und setzen nun ihre sanfte, anmutige Bewegung fort. Aber diese Pause ist der ausdrucksstärkste Moment, in dem die Neigung des Kopfes, die Geste der Hand, die Silhouette der Figur die Gefühle vermitteln, in denen sie leben.

bei den meisten berühmter Meister Gravuren war brillanter Künstler Katsushika Hokusai (1776-1849). Hokusais Werk basiert auf der jahrhundertealten Bildkultur Japans. Hokusai fertigte über 30.000 Zeichnungen an und illustrierte etwa 500 Bücher. Bereits siebzig Jahre alt, schuf Hokusai eines der bedeutendsten Werke - eine Serie von "36 Views of Fuji", die ihn mit den herausragendsten Künstlern der Weltkunst auf eine Stufe stellen lässt. Hokusai zeigt den Berg Fuji – das Nationalsymbol Japans – von verschiedenen Orten und offenbart zum ersten Mal das Bild des Mutterlandes und das Bild der Menschen in ihrer Einheit. Der Künstler sah das Leben als einen einzigen Prozess in der ganzen Vielfalt seiner Erscheinungsformen, die von den einfachen Gefühlen eines Menschen über seine täglichen Aktivitäten bis hin zur umgebenden Natur mit ihren Elementen und ihrer Schönheit reichten. Die Arbeit von Hokusai, die die jahrhundertealte Erfahrung der Kunst seines Volkes aufnahm, ist der letzte Höhepunkt in künstlerische Kultur mittelalterlichen Japan, sein bemerkenswertes Ergebnis.

Guten Tag, liebe Leser Sucher von Wissen und Wahrheit!

Japanische Künstler zeichnen sich durch ihren einzigartigen Stil aus, der von Generationen von Meistern verfeinert wurde. Heute werden wir über die hellsten Vertreter der japanischen Malerei und ihre Gemälde sprechen, von der Antike bis zur Neuzeit.

Lassen Sie uns in die Kunst des Landes der aufgehenden Sonne eintauchen.

Die Geburt der Kunst

Die antike Malkunst in Japan wird vor allem mit den Besonderheiten des Schreibens in Verbindung gebracht und basiert daher auf den Grundlagen der Kalligrafie. Die ersten Beispiele umfassen Fragmente von Bronzeglocken, Geschirr und Haushaltsgegenständen, die bei Ausgrabungen gefunden wurden. Viele von ihnen wurden bemalt natürliche Farben, und Studien geben Anlass zu der Annahme, dass die Produkte vor 300 v. Chr. hergestellt wurden.

Mit der Ankunft in Japan begann eine neue Etappe in der Entwicklung der Kunst. Auf Emakimono - spezielle Papierrollen - wurden Bilder der Gottheiten des buddhistischen Pantheons, Szenen aus dem Leben des Lehrers und seiner Anhänger aufgetragen.

Die Vorherrschaft religiöser Themen in der Malerei lässt sich im mittelalterlichen Japan nachweisen, nämlich vom 10. bis zum 15. Jahrhundert. Die Namen der Künstler dieser Zeit sind leider bis heute nicht erhalten.

In der Zeit vom 15. bis 18. Jahrhundert beginnt eine neue Zeit, die durch das Auftreten von Künstlern mit einem entwickelten individuellen Stil gekennzeichnet ist. Sie markierten den Vektor für die Weiterentwicklung der bildenden Kunst.

Helle Vertreter der Vergangenheit

Angespannter Shubun (frühes 15. Jahrhundert)

Um ein herausragender Meister zu werden, studierte Xubong die Schreibtechniken chinesischer Sung-Künstler und ihre Arbeit. Anschließend wurde er einer der Begründer der Malerei in Japan und der Schöpfer des Sumi-e.

Sumi-e ist ein Kunststil, der auf Tuschezeichnung basiert, was eine Farbe bedeutet.

Shubun hat viel dazu beigetragen, dass der neue Stil in Künstlerkreisen Fuß gefasst hat, und er hat anderen Talenten, darunter auch zukünftigen, Kunst beigebracht berühmte Maler wie Sesshu.

Shubuns bekanntestes Gemälde heißt „Lesen im Bambushain“.

„Lesen im Bambushain“ von Tense Shubun

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Er wurde der Schöpfer der nach ihm benannten Schule - Hasegawa. Zunächst versuchte er, den Kanons der Kano-Schule zu folgen, aber allmählich begann seine individuelle „Handschrift“ in seinen Werken nachzuzeichnen. Tohaku wurde von Sesshus Grafiken geleitet.

Grundlage der Arbeit waren einfache, prägnante, aber realistische Landschaften mit unkomplizierten Namen:

"Kiefern";
"Ahorn";
Kiefern und blühende Pflanzen.

Kiefern, Hasegawa Tohaku

Brüder Ogata Korin (1658-1716) und Ogata Kenzan (1663-1743)

Die Brüder waren hervorragende Handwerker des 18. Jahrhunderts. Der Älteste, Ogata Korin, widmete sich ganz der Malerei und begründete das Rimpa-Genre. Er vermied stereotype Bilder und bevorzugte das impressionistische Genre.

Ogata Korin malte die Natur im Allgemeinen und Blumen in Form leuchtender Abstraktionen im Besonderen. Seine Pinsel gehören zum Gemälde:

"Pflaumenblüte rot und weiß";
"Wellen von Matsushima";
"Chrysanthemen".

Wellen von Matsushima von Korin Ogata

Der jüngere Bruder – Ogata Kenzan – hatte viele Decknamen. Immerhin beschäftigte er sich mit Malerei, berühmter war er aber als wunderbarer Keramiker.

Ogata Kenzan beherrschte viele Töpfertechniken. Er zeichnete sich durch einen nicht standardmäßigen Ansatz aus, zum Beispiel schuf er Teller in Form eines Quadrats.

Die eigene Malerei zeichnete sich nicht durch Pracht aus - dies war auch ihre Besonderheit. Er kalligrafierte gerne Produkte wie eine Schriftrolle oder Auszüge aus Gedichten. Manchmal arbeiteten sie mit ihrem Bruder zusammen.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Er arbeitete im Stil des Ukiyo-e – einer Art Holzschnitt, also Stichmalerei. Für die ganze Zeit der Kreativität änderte er ungefähr 30 Namen. Das bekannteste Werk ist The Great Wave off Kanagawa, dank dem er außerhalb seines Heimatlandes berühmt wurde.

„Die große Welle vor Kanagawa“ von Hokusai Katsushika

Besonders hart begann Hokusai nach 60 Jahren zu arbeiten, was gute Ergebnisse brachte. Van Gogh, Monet, Renoir waren mit seiner Arbeit vertraut und beeinflussten in gewissem Maße die Arbeit europäischer Meister.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Ein von die größten Künstler 19. Jahrhundert. Geboren, gelebt, gearbeitet in Edo, setzte die Arbeit von Hokusai fort, wurde von seiner Arbeit inspiriert. Die Art, wie er die Natur darstellt, ist fast so auffällig wie die Anzahl der Werke selbst.

Edo ist der frühere Name von Tokio.

Hier einige Zahlen zu seinem Werk, die durch einen Bilderzyklus repräsentiert werden:

5,5 Tausend - die Anzahl aller Gravuren;
„100 Ansichten von Edo;
"36 Ansichten von Fuji";
"69 Kisokaido-Stationen";
"53 Tokaido-Stationen".

Gemälde von Ando Hiroshige

Interessanterweise schrieb der herausragende Van Gogh einige Kopien seiner Stiche.

Modernität

Takashi Murakami

Maler, Bildhauer, Modeschöpfer, er machte sich bereits Ende des 20. Jahrhunderts einen Namen. In seiner Arbeit hält er sich an Modetrends mit Elementen der Klassiker und lässt sich von Anime- und Manga-Cartoons inspirieren.

Gemälde von Takashi Murakami

Die Werke von Takashi Murakami werden als Subkultur eingestuft, sind aber gleichzeitig unglaublich beliebt. Beispielsweise wurde 2008 eines seiner Werke für mehr als 15 Millionen Dollar versteigert. Einst arbeitete der moderne Schöpfer mit den Modehäusern „Marc Jacobs“ und „Louis Vuitton“ zusammen.

Tycho Asima

Als Mitarbeiterin eines früheren Künstlers schafft sie zeitgenössische surreale Gemälde. Sie zeigen Ansichten von Städten, Straßen von Megacitys und Kreaturen wie aus einem anderen Universum – Geister, böse Geister, außerirdische Mädchen. Im Hintergrund der Gemälde sieht man oft die unberührte, manchmal sogar beängstigende Natur.

Ihre Bilder erreichen große Formate und sind selten auf Papier beschränkt. Sie werden auf Leder, Kunststoffmaterialien übertragen.

Im Jahr 2006 schuf eine Frau im Rahmen einer Ausstellung in der britischen Hauptstadt etwa 20 Bogenstrukturen, die Tag und Nacht die Schönheit der Natur des Dorfes und der Stadt widerspiegelten. Einer von ihnen schmückte die U-Bahnstation.

Hallo Arakawa

Der junge Mann kann nicht nur als Künstler im klassischen Sinne des Wortes bezeichnet werden – er schafft Installationen, die in der Kunst des 21. Jahrhunderts so beliebt sind. Die Themen seiner Ausstellungen sind wahrhaft japanisch und berühren freundschaftliche Beziehungen sowie die Arbeit des gesamten Teams.

Ei Arakawa nimmt oft an verschiedenen Biennalen teil, zum Beispiel in Venedig, wird im Museum of Modern Art in seiner Heimat ausgestellt und erhält zu Recht verschiedene Auszeichnungen.

Ikenaga Yasunari

Dem modernen Maler Ikenaga Yasunari ist es gelungen, zwei scheinbar unvereinbare Dinge miteinander zu verbinden: das Leben der heutigen Mädchen in Porträtform und die traditionellen Techniken Japans stammen aus der Antike. In seiner Arbeit verwendet der Maler spezielle Pinsel, natürliche Pigmentfarben, Tusche und Kohle. Anstelle des üblichen Leinens - Leinenstoff.

Ikenaga Yasunari-Malerei

Diese Technik, die dargestellte Epoche und das Aussehen der Heldinnen gegenüberzustellen, erweckt den Eindruck, dass sie aus der Vergangenheit zu uns zurückgekehrt sind.

Eine Reihe von Gemälden über die Komplexität des Lebens eines Krokodils, die in letzter Zeit in der Internet-Community populär geworden ist, wurde ebenfalls von dem japanischen Cartoonisten Keigo geschaffen.

Abschluss

Die japanische Malerei entstand also um das 3. Jahrhundert v. Chr. und hat sich seitdem stark verändert. Die ersten Bilder wurden auf Keramik aufgebracht, dann begannen sich buddhistische Motive in der Kunst durchzusetzen, aber die Namen der Autoren sind bis heute nicht erhalten.

In der Ära des New Age erlangten die Meister des Pinsels immer mehr Individualität, schufen verschiedene Richtungen, Schulen. Die heutige bildende Kunst beschränkt sich nicht auf die traditionelle Malerei - es werden Installationen, Karikaturen, Kunstskulpturen, spezielle Strukturen verwendet.

Vielen Dank für Ihre Aufmerksamkeit, liebe Leserinnen und Leser! Wir hoffen, Sie fanden unseren Artikel nützlich und Geschichten über Leben und Arbeit die klügsten Vertreter Kunst ermöglichte ein besseres Kennenlernen.

Natürlich ist es schwierig, in einem Artikel alle Künstler von der Antike bis zur Gegenwart zu nennen. Lassen Sie dies daher den ersten Schritt zur Kenntnis der japanischen Malerei sein.

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Die japanische Kunst ist seit der Antike von Aktivität geprägt Kreativität. Trotz der Abhängigkeit von China, wo ständig neue künstlerische und ästhetische Trends auftauchten, führten japanische Künstler immer wieder neue Merkmale ein und veränderten die Kunst ihrer Lehrer, indem sie ihr ein japanisches Aussehen verliehen.

Die Geschichte Japans als solche nimmt erst am Ende des 5. Jahrhunderts konkrete Formen an. Relativ wenige Gegenstände aus früheren Jahrhunderten (der archaischen Zeit) wurden gefunden, obwohl einige Funde, die bei Ausgrabungen oder Bauarbeiten gemacht wurden, von bemerkenswertem künstlerischem Talent sprechen.

archaische Zeit.

Die ältesten Werke japanischer Kunst sind Tongefäße vom Jomon-Typ (Schnurabdruck). Der Name kommt von der Dekoration der Oberfläche mit spiralförmigen Eindrücken einer Schnur, die um die Stöcke gewickelt ist, die der Meister zur Herstellung des Gefäßes verwendete. Vielleicht entdeckten die Meister zunächst zufällig Flechtdrucke, aber dann begannen sie, sie bewusst zu verwenden. Manchmal wurden schnurartige Tonlocken auf die Oberfläche geklebt, wodurch ein komplexerer dekorativer Effekt, fast ein Relief, entstand. Die erste japanische Skulptur entstand in der Jomon-Kultur. Dogu (wörtlich „Tonbild“) einer Person oder eines Tieres hatte wahrscheinlich irgendeine religiöse Bedeutung. Bilder von Menschen, meist Frauen, sind den Tongöttinnen anderer primitiver Kulturen sehr ähnlich.

Die Radiokohlenstoffanalyse zeigt, dass einige Funde aus der Jomon-Kultur auf 6-5.000 v. Chr. Datiert werden können, aber eine so frühe Datierung wird nicht allgemein akzeptiert. Natürlich wurden solche Gerichte schon lange hergestellt, und obwohl noch keine genauen Daten festgelegt werden können, werden drei Perioden unterschieden. Die ältesten Exemplare haben einen spitzen Sockel und sind bis auf die Spuren eines Töpferwerkzeugs fast schmucklos. Gefäße der mittleren Periode sind reicher verziert, manchmal mit Formelementen, die den Eindruck von Volumen erwecken. Die Formen der Gefäße der dritten Periode sind sehr vielfältig, aber der Dekor flacht wieder ab und wird zurückhaltender.

Etwa im 2. Jahrhundert. BC. Jōmon-Keramik wich der Yayoi-Keramik, die sich durch Eleganz der Form, Einfachheit des Designs und hohe technische Qualität auszeichnet. Die Scherbe des Gefäßes wurde dünner, das Ornament weniger skurril. Dieser Typ herrschte bis zum 3. Jahrhundert vor. ANZEIGE

Aus künstlerischer Sicht sind die vielleicht besten Werke der Frühzeit Khaniwa, Tonzylinder aus dem 3.-5. Jahrhundert. ANZEIGE Charakteristische Denkmäler dieser Epoche sind riesige Hügel oder Grabhügel, Grabbauten von Kaisern und mächtigen Adeligen. Sie sind oft sehr groß und zeugen von der Macht und dem Reichtum der kaiserlichen Familie und der Höflinge. Der Bau eines solchen Bauwerks für Kaiser Nintoku-tenno (ca. 395-427 n. Chr.) dauerte 40 Jahre. Das bemerkenswerteste Merkmal dieser Schubkarren waren die Tonzylinder, die sie wie ein Zaun, Khaniva, umgaben. Normalerweise waren diese Zylinder recht einfach, aber manchmal waren sie mit menschlichen Figuren verziert, seltener mit Figuren von Pferden, Häusern oder Hähnen. Ihr Zweck war zweierlei: die Erosion riesiger Erdmassen zu verhindern und den Verstorbenen mit allem zu versorgen, was er im irdischen Leben benötigte. Natürlich wurden die Zylinder sofort in großen Mengen hergestellt. Die Vielfalt der Themen, Mimik und Gestik der Figuren, die sie schmücken, ist zu einem großen Teil das Ergebnis der Improvisation des Meisters. Trotz der Tatsache, dass es sich eher um Werke von Handwerkern als von Künstlern und Bildhauern handelt, sind sie als echte Japaner von großer Bedeutung Kunstform. Gebäude, in Decken gehüllte Pferde, vornehme Damen und Krieger repräsentieren interessantes Bild Militärleben im frühfeudalen Japan. Es ist möglich, dass die Prototypen dieser Zylinder in China auftauchten, wo verschiedene Gegenstände direkt in Bestattungen gelegt wurden, aber die Ausführung und Verwendung der Haniwa gehören zur lokalen Tradition.

Die archaische Zeit wird oft als eine Zeit ohne Werke von hohem künstlerischem Niveau angesehen, als eine Zeit der Dominanz von Dingen, die hauptsächlich archäologischen und ethnologischen Wert haben. Es sollte jedoch daran erinnert werden, dass die Werke dieser frühen Kultur insgesamt eine große Vitalität hatten, da ihre Formen überlebten und als spezifische fortbestanden nationale Besonderheiten Japanische Kunst in späteren Perioden.

Asuka-Zeit

(552-710 n. Chr.). Einführung des Buddhismus Mitte des 6. Jhs. bewirkte bedeutende Veränderungen in der Lebens- und Denkweise der Japaner und wurde zum Anstoß für die Entwicklung der Kunst dieser und nachfolgender Perioden. Die Ankunft des Buddhismus aus China über Korea wird traditionell auf das Jahr 552 n. Chr. datiert, war aber wahrscheinlich schon früher bekannt. In den Anfangsjahren stieß der Buddhismus auf politischen Widerstand, Widerstand gegen die Nationalreligion Shinto, aber nach nur wenigen Jahrzehnten erhielt der neue Glaube offizielle Anerkennung und wurde schließlich etabliert. In den frühen Jahren seines Eindringens in Japan war der Buddhismus eine relativ einfache Religion mit einer kleinen Anzahl von Gottheiten, die Bilder brauchten, aber nach etwa hundert Jahren gewann er an Stärke und das Pantheon wuchs enorm.
In dieser Zeit wurden Tempel gegründet, die nicht nur der Verbreitung des Glaubens dienten, sondern auch Zentren der Kunst und Bildung waren. Der Klostertempel von Horyu-ji ist einer der wichtigsten für das Studium der frühen buddhistischen Kunst. Neben anderen Schätzen gibt es eine Statue der großen Triade Syaka-Nerai (623 n. Chr.). Dieses Werk von Tori Busshi, dem ersten uns bekannten großen japanischen Bildhauer, ist ein stilisiertes Bronzebild, ähnlich wie ähnliche Gruppen in den großen Höhlentempeln Chinas. Strenge Frontalität zeigt sich in der Pose des sitzenden Shaki (japanische Transkription des Wortes „shakyamuni“, der historische Buddha) und zweier seitlich neben ihm stehender Figuren. Formen menschliche Figur verdeckt von schweren symmetrischen Falten schematisch gerenderter Kleidung, und in glatten, langgestreckten Gesichtern kann man eine verträumte Selbstbezogenheit und Kontemplation spüren. Die Skulptur dieser ersten buddhistischen Periode basiert auf dem Stil und den Prototypen vom Festland vor fünfzig Jahren; Es folgt getreu der chinesischen Tradition, die über Korea nach Japan kam.

Einige der wichtigsten Skulpturen dieser Zeit waren aus Bronze, aber auch Holz wurde verwendet. Die beiden berühmtesten Holzskulpturen sind Statuen der Göttin Kannon: Yumedono Kannon und Kudara Kannon, beide in Horyuji. Sie sind mit ihrem archaischen Lächeln und verträumten Gesichtsausdruck ein attraktiveres Objekt der Anbetung als die Shaki-Triade. Obwohl die Anordnung der Falten der Gewänder bei den Kannon-Figuren ebenfalls schematisch und symmetrisch ist, sind sie leichter und voller Bewegung. Hoch schlanke Figuren betonen die Spiritualität der Gesichter, ihre abstrakte Freundlichkeit, fern von allen weltlichen Sorgen, aber sensibel für die Bitten der Leidenden. Der Bildhauer widmete den Umrissen der Figur von Kudara Kannon, die von den Falten der Kleidung verdeckt wird, einige Aufmerksamkeit, und im Gegensatz zu der gezackten Silhouette von Yumedono ist die Bewegung sowohl der Figur als auch des Stoffes in die Tiefe gerichtet. In Kudars Profil hat Kannon eine anmutige S-Form.

Das einzige erhaltene Beispiel der Malerei, das den Stil des frühen 7. Jahrhunderts erahnen lässt, ist Tamamushi Zushi, der „geflügelte Schrein“. Dieses Miniaturheiligtum hat seinen Namen von den schillernden Käferflügeln, die in einen perforierten Metallrahmen eingelassen sind; später wurde es mit religiösen Kompositionen und Figuren individueller Charaktere aus farbigem Lack geschmückt. Wie die Skulpturen dieser Zeit zeigen einige der Bilder eine große Gestaltungsfreiheit.

Nara-Zeit

(710-784). 710 wurde die Hauptstadt nach Nara verlegt, einer neuen Stadt nach dem Vorbild der chinesischen Hauptstadt Chang'an. Es gab breite Straßen, große Paläste, zahlreiche buddhistische Tempel. Nicht nur der Buddhismus in all seinen Facetten, sondern das gesamte kulturelle und politische Leben Chinas galt als Vorbild. Vielleicht hat kein anderes Land die Unzulänglichkeit der eigenen Kultur so stark gespürt und war nicht so anfällig für äußere Einflüsse. Gelehrte und Pilger bewegten sich frei zwischen Japan und dem Festland, und Verwaltung und Palastleben wurden während der Tang-Dynastie nach China modelliert. Es muss jedoch daran erinnert werden, dass die Japaner trotz der Nachahmung der Modelle von Tang China, insbesondere in der Kunst, ihren Einfluss und Stil wahrnahmen, fast immer fremde Formen an ihre eigenen anpassten.

In der Bildhauerei wich die strenge Frontalität und Symmetrie der vorangegangenen Asuka-Zeit freieren Formen. Die Entwicklung von Ideen über die Götter, erhöhte technische Fähigkeiten und die Freiheit des Eigentums an dem Material ermöglichten es Künstlern, nähere und zugänglichere ikonische Bilder zu schaffen. Die Gründung neuer buddhistischer Sekten erweiterte das Pantheon um sogar die Heiligen und Gründer des Buddhismus. Neben Bronzeskulpturen sind eine Vielzahl von Arbeiten aus Holz, Ton und Lack bekannt. Der Stein war selten und wurde fast nie für Skulpturen verwendet. Trockenlack war besonders beliebt, vielleicht weil die daraus hergestellten Arbeiten trotz der Komplexität des Herstellungsprozesses der Komposition spektakulärer aussahen als Holz und stärker als Tonprodukte waren, die einfacher herzustellen waren. Lackfiguren wurden auf einem Holz- oder Tonsockel geformt, der dann entfernt wurde, oder auf Holz- oder Drahtbeschlägen; sie waren leicht und stark. Obwohl diese Technik eine gewisse Starrheit der Posen vorschrieb, wurde viel Freiheit bei der Darstellung von Gesichtern zugelassen, was teilweise zur Entwicklung dessen beitrug, was man als eigentliche Porträtskulptur bezeichnen könnte. Das Bild des Gesichts der Gottheit wurde in Übereinstimmung mit den strengen Vorschriften der buddhistischen Kanons ausgeführt, aber die Popularität und sogar die Vergöttlichung einiger der Gründer und Prediger des Glaubens boten hervorragende Möglichkeiten, Porträtähnlichkeit zu vermitteln. Eine solche Ähnlichkeit lässt sich in der Trockenlackskulptur des in Japan verehrten chinesischen Patriarchen Genjin nachweisen, die sich im Toshodaiji-Tempel befindet. Genjin war blind, als er 753 in Japan ankam, und seine blinden Augen und sein erleuchteter Zustand innerer Kontemplation werden von einem unbekannten Bildhauer wunderschön wiedergegeben. Dieser realistische Trend kam am deutlichsten in der Holzskulptur des Predigers Kui zum Ausdruck, die der Bildhauer Kosho im 13.-14. Jahrhundert schuf. Der Prediger ist als wandernder Bettler mit Stab, Gong und Schlägel verkleidet, aus seinem halbgeöffneten Mund kommen kleine Buddhafiguren. Nicht zufrieden mit dem Bild des singenden Mönchs, versuchte der Bildhauer, den innersten Sinn seiner Worte auszudrücken.
Auch die Buddha-Bilder der Nara-Zeit zeichnen sich durch großen Realismus aus. Geschaffen für eine ständig wachsende Zahl von Tempeln, sind sie nicht so unerschütterlich kalt und zurückhaltend wie ihre Vorgänger, haben eine anmutigere Schönheit und Noblesse und wenden sich mit größerer Gunst an die Menschen, die sie verehren.

Nur sehr wenige Gemälde aus dieser Zeit sind erhalten. Die mehrfarbige Zeichnung auf Papier zeigt das vergangene und gegenwärtige Leben des Buddha. Dies ist eines der wenigen alten Beispiele für Emakimono oder Rollenmalerei. Die Rollen wurden langsam von rechts nach links abgerollt, und der Betrachter konnte nur den Teil des Bildes genießen, der sich zwischen den Händen befand, die die Rolle abrollten. Die Illustrationen befanden sich direkt über dem Text, im Gegensatz zu späteren Schriftrollen, wo sich ein Textabschnitt mit einem erklärenden Bild abwechselte. In diesen ältesten erhaltenen Beispielen der Rollmalerei stehen umrissene Figuren vor dem Hintergrund einer kaum umrissenen Landschaft und der zentralen Figur dieser Fall Syaka erscheint in verschiedenen Episoden.

Frühes Heian

(784-897). 784 wurde die Hauptstadt vorübergehend nach Nagaoka verlegt, teilweise um die Dominanz des buddhistischen Klerus von Nara zu vermeiden. 794 zog sie für längere Zeit nach Heian (heute Kyoto). Ende des 8. und 9. Jahrhunderts Es war eine Zeit, in der Japan viele ausländische Innovationen erfolgreich assimilierte und sich an seine eigenen Merkmale anpasste. Auch die buddhistische Religion erlebte eine Zeit des Wandels, das Aufkommen neuer Sekten des esoterischen Buddhismus mit ihren entwickelten Ritualen und Etikette. Die einflussreichsten davon waren die Tendai- und Shingon-Sekten, die ihren Ursprung in Indien hatten, nach China gelangten und von dort von zwei Gelehrten nach Japan gebracht wurden, die nach langer Lehrzeit in ihre Heimat zurückkehrten. Die Shingon-Sekte ("Wahre Worte") war bei Hofe besonders beliebt und nahm schnell eine beherrschende Stellung ein. Seine Hauptklöster befanden sich auf dem Berg Koya in der Nähe von Kyoto; Wie andere wichtige buddhistische Zentren wurden sie zu einem Aufbewahrungsort riesige Sammlungen Denkmäler der Kunst.

Skulptur 9. Jh. war meistens Holz. Die Bilder von Gottheiten zeichneten sich durch Strenge und unzugängliche Größe aus, was durch die Feierlichkeit ihres Aussehens und ihre Massivität betont wurde. Vorhänge wurden gekonnt nach Standardmustern geschnitten, Schals lagen in Wellen. Die stehende Shaki-Figur aus dem Tempel von Muroji ist ein Beispiel für diesen Stil. Für dieses und ähnliche Bilder des 9. Jahrhunderts. gekennzeichnet durch starres Schnitzen mit tieferen, klaren Falten und anderen Details.

Die Zunahme der Zahl der Götter bereitete den Künstlern große Schwierigkeiten. In komplexen, landkartenartigen Mandalas (ein geometrisches Muster mit magischer Bedeutung) waren die Gottheiten hierarchisch um einen zentral platzierten Buddha angeordnet, der selbst nur eine Manifestation des Absoluten war. Zu dieser Zeit erschien eine neue Art der Darstellung der Figuren von Schutzgottheiten, umgeben von Flammen, die schrecklich aussehen, aber wohltätiger Natur sind. Diese Gottheiten wurden asymmetrisch angeordnet und in bewegenden Posen mit beeindruckenden Gesichtszügen dargestellt, die den Glauben erbittert vor möglichen Gefahren schützen.

Mittlere und späte Heian- oder Fujiwara-Zeit

(898-1185). Die Verlegung der Hauptstadt nach Heian, die den schwierigen Forderungen des Klerus entgehen sollte, brachte Veränderungen mit sich politisches System. Der Adel war die dominierende Kraft, und die Familie Fujiwara wurde zu ihren charakteristischsten Vertretern. Zeitraum 10-12 Jahrhunderte. oft mit diesem Namen verbunden. Eine Zeit besonderer Macht begann, als echten Kaisern "dringend geraten" wurde, die Staatsangelegenheiten zugunsten angenehmerer Beschäftigungen mit Poesie und Malerei beiseite zu lassen. Bis zum Erreichen des Erwachsenenalters wurde der Kaiser von einem strengen Regenten geführt - normalerweise aus der Familie Fujiwara. Es war ein Zeitalter des Luxus und bemerkenswerter Errungenschaften in Literatur, Kalligrafie und Kunst; alles fühlte sich träge und emotional an, was selten Tiefe erreichte, aber im Großen und Ganzen charmant war. Elegante Raffinesse und Eskapismus spiegelten sich in der Kunst dieser Zeit wider. Auch die Anhänger des Buddhismus suchten nach einfacheren Wegen, und die Verehrung des himmlischen Buddha Amida wurde besonders populär. Die Vorstellungen von Mitgefühl und rettender Gnade des Buddha Amida spiegelten sich tief in der Malerei und Skulptur dieser Zeit wider. Die Massivität und Zurückhaltung der Statuen des 9. in 10-11 Jahrhunderten. wich Glückseligkeit und Charme. Die Gottheiten werden verträumt, nachdenklich ruhig dargestellt, die Schnitzerei wird weniger tief, die Oberfläche wird farbiger, mit einer reich entwickelten Textur. Die wichtigsten Denkmäler dieser Zeit gehören dem Bildhauer Jocho.
Die Werke der Künstler erhielten auch weichere Züge, die an Zeichnungen auf Stoff erinnern, und sogar die schrecklichen Gottheiten - die Verteidiger des Glaubens wurden weniger einschüchternd. Sutras (buddhistische Texte) wurden in Gold und Silber auf tiefblau getöntes Papier geschrieben, wobei der feinen Kalligraphie des Textes oft eine kleine Illustration vorangestellt war. Am meisten beliebte Ausflugsziele Der Buddhismus und die mit ihm verbundenen Gottheiten spiegeln die Vorlieben der Aristokratie und die allmähliche Abkehr von den strengen Idealen des frühen Buddhismus wider.

Die Atmosphäre dieser Zeit und seine Werke sind teilweise mit der Beendigung der formellen Beziehungen zu China im Jahr 894 verbunden. Der Buddhismus in China wurde zu dieser Zeit verfolgt, und der korrupte Tang-Hof befand sich im Niedergang. Die abgeschiedene Inselexistenz, die dieser Trennung folgte, veranlasste die Japaner, sich ihrer eigenen Kultur zuzuwenden und einen neuen, reineren japanischen Stil zu entwickeln. In der Tat weltliche Malerei des 10.-12. Jahrhunderts. war fast ausschließlich japanisch - sowohl in der Technik als auch in der Komposition und Handlung. Ein charakteristisches Merkmal dieser japanischen Schriftrollen, Yamato-e genannt, war das Vorherrschen von Engi-Plots (Ursprung, Geschichte). Während die chinesischen Schriftrollen meistens weite, erstaunliche Natur, Panoramen von Bergen, Bächen, Felsen und Bäumen und Menschen relativ unbedeutend darstellten, stand auf den Erzählrollen der Japaner in Zeichnung und Text die Person im Vordergrund. Die Landschaft spielte nur die Rolle eines Hintergrunds für die erzählte Geschichte, der der Hauptfigur oder den Hauptpersonen untergeordnet war. Viele der Schriftrollen waren gemalte Chroniken des Lebens berühmter buddhistischer Prediger oder historische Figuren, ihre Reisen und Feldzüge. Andere erzählten von romantischen Episoden aus dem Leben des Adels und der Höflinge.

Der scheinbar eigenwillige Stil der frühen Schriftrollen entstand durch einfache Tintenskizzen auf den Seiten buddhistischer Notizbücher. Es sind gekonnte Zeichnungen, die menschliches Verhalten durch Bilder von Tieren karikieren: ein Affe in Klosterkleidung, der einen aufgeblasenen Frosch anbetet, Wettbewerbe zwischen Hasen, Affen und Fröschen. Diese und andere späte Heian-Rollen bildeten die Grundlage für die komplexeren Erzählrollen des entwickelten Stils des 13. und 14. Jahrhunderts.

Kamakura-Zeit

(1185-1392). Ende des 12. Jahrhunderts brachte ernsthafte Veränderungen in das politische und religiöse Leben Japans und natürlich in seine Kunst. Die Eleganz und Ästhetik des Kyoto-Hofes wurde ersetzt oder, in der Tradition der „Sonder“-Herrschaft, „ergänzt“ in Form einer neuen, strengen und mutigen Herrschaft – dem Kamakura-Shogunat. Obwohl Kyoto nominell die Hauptstadt blieb, richtete der Shogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) sein Hauptquartier in der Stadt Kamakura ein und errichtete in nur 25 Jahren ein starres System aus Militärdiktatur und Feudalismus. Auch der Buddhismus, der so komplex und ritualisiert geworden war, dass er für gewöhnliche Laien unverständlich war, erfuhr einen großen Wandel, der keine Förderung der Künste versprach. Die Yodo-Sekte ("Reines Land"), eine Form der Verehrung des Buddha Amida, reformierte unter der Führung von Honen Shonin (1133-1212) die Hierarchie der Buddhas und Gottheiten und gab allen, die einfach an Amida glaubten, Hoffnung auf Erlösung. Diese Doktrin eines leicht erreichbaren Paradieses wurde später von einem anderen Mönch, Shinran (1173-1262), dem Gründer der Shin-Sekte, vereinfacht, der erkannte, dass Amidas Nachsicht so groß ist, dass es nicht nötig ist, religiöse Handlungen auszuführen, es reicht einfach aus um den Zauber „Namu Amida Butsu“ zu wiederholen (das erste Wort bedeutet „sich unterwerfen“; die zweiten beiden sind „Buddha Amida“). Solch eine einfache Art, eine Seele zu retten, war äußerst attraktiv und wird jetzt von Millionen genutzt. Eine Generation später gab der kämpferische Prediger Nichiren (1222-1282), nach dem die Sekte benannt ist, diese vereinfachte Religionsform auf. Seine Anhänger verehrten das Lotus-Sutra, das keine sofortige und bedingungslose Erlösung versprach. Seine Predigten berührten oft politische Themen, und seine Überzeugungen und vorgeschlagenen Reformen von Kirche und Staat fanden Anklang bei der neuen Kriegerklasse in Kamakura. Schließlich begann die Philosophie des Zen, die bereits im 8. Jahrhundert entstand, eine immer größere Rolle im buddhistischen Denken dieser Zeit zu spielen. Zen betonte die Bedeutung der Meditation und der Verachtung jeglicher Bilder, die den Menschen bei seiner Suche nach einer Verbindung mit Gott hindern könnten.

Es war also eine Zeit, in der religiöses Denken die Anzahl der Gemälde und Skulpturen begrenzte, die zuvor für den Gottesdienst benötigt wurden. Trotzdem wurden während der Kamakura-Zeit einige der die schönsten Werke Japanische Kunst. Der Stimulus war die inhärente japanische Liebe zur Kunst, aber der Schlüssel zum Rätsel ist die Einstellung der Menschen zu neuen Glaubensbekenntnissen und nicht zum Dogma als solchem. Tatsächlich deuten die Werke selbst auf den Grund ihrer Entstehung hin, denn viele dieser Skulpturen und Gemälde voller Leben und Energie sind Porträts. Obwohl die Zen-Philosophie gewöhnliche Gegenstände religiöser Anbetung als Hindernis für die Erleuchtung angesehen haben mag, war die Tradition der Verehrung von Lehrern durchaus akzeptabel. Das Porträt selbst konnte kein Gegenstand der Anbetung sein. Diese Haltung gegenüber dem Porträt war nicht nur im Zen-Buddhismus zu finden: Viele Geistliche der Sekte des Reinen Landes wurden fast wie buddhistische Gottheiten verehrt. Dank des Porträts entstand sogar eine neue architektonische Form - die Mieido oder Porträtkapelle. Die rasante Entwicklung des Realismus lag ganz im Zeitgeist.
Obwohl es sich bei den malerischen Porträts der Priester offensichtlich tatsächlich um Abbildungen bestimmter Personen handelte, handelte es sich häufig um Überarbeitungen von Gemälden, die die chinesischen Gründer des Buddhismus darstellten. Sie waren beim Predigen gemalt, mit offenem Mund und gestikulierenden Händen; manchmal wurden Bettelmönche dargestellt, die für den Ruhm des Glaubens eine schwierige Reise machten.

Eine der beliebtesten Handlungen war Raigo (erwünschte Ankunft), die den Buddha Amida mit seinen Gefährten darstellte, wie er auf einer Wolke herabstieg, um die Seele eines Gläubigen auf seinem Sterbebett zu retten und ins Paradies zu überführen. Die Farben solcher Bilder wurden oft durch aufgetragenes Gold verstärkt, und Wellenlinien, flatternde Umhänge und wirbelnde Wolken gaben dem Abstieg des Buddha ein Gefühl von Bewegung.

Unkei, der in der zweiten Hälfte des 12. und frühen 13. Jahrhunderts arbeitete, war der Autor einer Innovation, die das Schnitzen von Holz erleichterte, das während der Kamakura-Zeit das bevorzugte Material der Bildhauer blieb. Zuvor war der Meister durch die Größe und Form des Decks oder Baumstamms begrenzt, aus dem die Figur geschnitten wurde. Die Arme und Kleidungselemente wurden separat übereinander gelegt, aber das fertige Stück ähnelte oft der ursprünglichen zylindrischen Form. Bei der neuen Technik wurden Dutzende von kleinen Stücken sorgfältig aneinandergefügt und bildeten eine hohle Pyramide, aus der die Lehrlinge dann die Figur grob ausschneiden konnten. Der Bildhauer verfügte über ein formbareres Material und die Fähigkeit, komplexere Formen zu schaffen. Muskulöse Tempelwächter und Gottheiten in flatternden Umhängen und Gewändern schienen auch deshalb lebendiger, weil Kristall oder Glas in ihre Augenhöhlen eingeführt wurden; Statuen wurden mit vergoldeter Bronze geschmückt. Sie wurden leichter und rissen weniger, wenn das Holz trocknete. Die erwähnte Holzstatue von Kuya Shonin, das Werk von Unkeis Sohn Kosho, demonstriert die höchste Errungenschaft des Realismus der Kamakura-Ära in der Porträtskulptur. Tatsächlich erreichte die Skulptur damals ihren Höhepunkt in ihrer Entwicklung und nahm danach keinen so herausragenden Platz mehr in der Kunst ein.

Auch die weltliche Malerei spiegelte den Zeitgeist wider. Die Erzählrollen der späten Heian-Zeit erzählten in zurückhaltenden Farben und anmutigen Linien von den romantischen Eskapaden des Prinzen Genji oder den Vergnügungen der zurückgezogenen Hofdamen. Jetzt stellten die Künstler der Kamakura-Ära mit leuchtenden Farben und energischen Strichen die Schlachten kriegführender Clans, in Flammen versunkene Paläste und verängstigte Menschen auf der Flucht vor angreifenden Truppen dar. Selbst wenn sich auf der Schriftrolle eine religiöse Geschichte entfaltete, war das Bild weniger eine Ikone als vielmehr ein historischer Beweis für die Reisen heiliger Menschen und die Wunder, die sie vollbrachten. In der Gestaltung dieser Grundstücke kann man eine wachsende Liebe zur Natur und Bewunderung für einheimische Landschaften finden.

Muromachi oder Ashikaga-Zeit

(1392-1568). 1392, nach mehr als 50 Jahren Streit, vereinigte der dritte Shogun der Familie Ashikaga, Yoshimitsu (1358-1408), das Land wieder. Der Regierungssitz wurde wieder zur nominellen Hauptstadt von Kyoto, wo die Ashikaga-Shogune im Muromachi-Viertel ihre Paläste bauten. (Diese Periode wird manchmal Muromachi, manchmal Ashikaga genannt.) Kriegszeit hat nicht viele Tempel verschont - Aufbewahrungsorte japanischer Kunst, die zusammen mit den dort befindlichen Schätzen verbrannt wurden. Das Land war schwer verwüstet, und selbst Frieden brachte wenig Erleichterung, da die kriegführenden Clans nach ihrem Erfolg Gefälligkeiten nach Lust und Laune austeilten. Es scheint, dass die Situation für die Entwicklung der Kunst äußerst ungünstig war, aber in Wirklichkeit wurde sie von den Ashikaga-Shogunen gefördert, insbesondere im 15. und 16. Jahrhundert, als die Malerei blühte.

Die bedeutendste Kunst dieser Zeit waren die monochromen poetischen Tuschezeichnungen, die vom Zen-Buddhismus angeregt und von den chinesischen Designs der Song- und Yuan-Dynastien beeinflusst wurden. Während der Ming-Dynastie (1368-1644) wurden die Kontakte zu China erneuert, und Yoshimitsu, ein Sammler und Förderer der Kunst, förderte das Sammeln und Studieren Chinesisches Gemälde. Sie wurde Vorbild und Ausgangspunkt für begabte Künstler, die mit leichten und fließenden Pinselstrichen Landschaften, Vögel, Blumen, Bilder von Priestern und Weisen malten. Die japanische Malerei dieser Zeit zeichnet sich durch Sparsamkeit der Linie aus; Der Künstler scheint die Quintessenz der dargestellten Handlung zu extrahieren und lässt den Blick des Betrachters sie mit Details füllen. Die Übergänge von grauer und glänzend schwarzer Tinte in diesen Gemälden kommen der Philosophie des Zen sehr nahe, die natürlich ihre Autoren inspirierte. Obwohl dieser Glaube auch unter der Militärmacht Kamakura einen beachtlichen Einfluss erlangte, verbreitete er sich im 15. und 16. Jahrhundert, als zahlreiche Zen-Klöster entstanden, weiter rasant. Hauptsächlich die Idee der "Selbsterlösung" predigend, verband sie die Erlösung nicht mit dem Buddha, sondern stützte sich vielmehr auf die strenge Selbstdisziplin des Menschen, um eine plötzliche intuitive "Erleuchtung" zu erreichen, die ihn mit dem Absoluten vereint. Der sparsame, aber mutige Einsatz von Tusche und die asymmetrische Komposition, bei der die unbemalten Teile des Papiers eine bedeutende Rolle bei der Darstellung von idealisierten Landschaften, Weisen und Wissenschaftlern spielten, entsprachen dieser Philosophie.

Einer der berühmtesten Vertreter des Sumi-e, eines Stils der monochromen Tuschemalerei, war Sesshu (1420-1506), ein Zen-Priester, dessen langes und produktives Leben ihm eine anhaltende Verehrung sicherte. Am Ende seines Lebens begann er mit dem Haboku-Stil (schnelle Tinte), der im Gegensatz zum reifen Stil, der klare, sparsame Striche erforderte, die Tradition der monochromen Malerei fast zur Abstraktion führte.
Die Tätigkeit der Künstlerfamilie Kano und die Entwicklung ihres Stils fallen in denselben Zeitraum. Hinsichtlich der Themenwahl und der Verwendung von Tinte war es dem Chinesischen nahe, blieb aber hinsichtlich der Ausdrucksmittel japanisch. Kano wurde mit Unterstützung des Shogunats zur „offiziellen“ Schule bzw künstlerischer Stil Malerei und blühte auch im 19. Jahrhundert auf.

Die naive Tradition des Yamato-e lebte in den Werken der Tosa-Schule, der zweiten wichtigen Richtung der japanischen Malerei, weiter. Tatsächlich waren damals beide Schulen, Kano und Tosa, eng miteinander verbunden, sie verband ein Interesse an modernes Leben. Motonobu Kano (1476-1559), einer von herausragende Künstler dieser Zeit heiratete nicht nur seine Tochter mit dem berühmten Künstler Tosa, sondern malte auch auf seine Weise.

In den 15-16 Jahrhunderten. Es gab nur wenige bemerkenswerte Skulpturenwerke. Es ist jedoch anzumerken, dass die Entwicklung des Noo-Dramas mit seiner Vielfalt an Stimmungen und Emotionen den Bildhauern ein neues Betätigungsfeld eröffnete - sie schnitzten Masken für Schauspieler. In klassischen japanischen Dramen, die von und für die Aristokratie aufgeführt wurden, trugen die Schauspieler (einer oder mehrere) Masken. Sie vermittelten eine Reihe von Gefühlen von Angst, Angst und Verwirrung bis hin zu verhaltener Freude. Einige der Masken waren so hervorragend geschnitzt, dass die kleinste Drehung des Kopfes des Schauspielers subtile Veränderungen im Ausdruck verursachte. Bemerkenswerte Beispiele dieser Masken werden seit Jahren von den Familien aufbewahrt, für deren Mitglieder sie hergestellt wurden.

Momoyama-Zeit

(1568-1615). 1593 baute der große Militärdiktator Hideyoshi seine Burg auf Momoyama, „Peach Hill“, und mit diesem Namen wird üblicherweise der Zeitraum von 47 Jahren vom Fall des Ashikaga-Shogunats bis zur Gründung der Tokugawa- oder Edo-Zeit bezeichnet , im Jahr 1615. Dies war die Zeit der Dominanz einer völlig neuen Militärklasse, deren großer Reichtum zur Blüte der Künste beitrug. Imposante Schlösser mit großen Audienzsälen und langen Gängen kamen Ende des 16. Jahrhunderts in Mode. und forderten Schmuck, der ihrer Größe angemessen war. Es war eine Zeit strenger und mutiger Menschen, und die neuen Mäzene interessierten sich im Gegensatz zum früheren Adel nicht sonderlich für intellektuelle Bestrebungen oder die Feinheiten des Handwerks. Glücklicherweise wurde die neue Generation von Künstlern ihren Gönnern gerecht. Während dieser Zeit wurden wunderbare Bildschirme und bewegliche Tafeln in leuchtendem Purpur, Smaragd, Grün, Lila und blaue Blumen. Solche üppigen Farben und dekorativen Formen, oft auf einem Hintergrund aus Gold oder Silber, waren hundert Jahre lang sehr beliebt, und ihre Schöpfer wurden zu Recht als "große Dekorateure" bezeichnet. Dank des subtilen japanischen Geschmacks verkam der pompöse Stil nicht zur Vulgarität, und selbst als Zurückhaltung und Understatement Luxus und dekorativen Exzessen wichen, gelang es den Japanern, sich Eleganz zu bewahren.

Eitoku Kano (1543-1590), einer der ersten großen Künstler dieser Zeit, arbeitete im Stil von Kano und Tosa, erweiterte das Zeichenkonzept der ersten und verband sie mit dem Farbenreichtum der zweiten. Obwohl nur wenige Werke erhalten sind, bei denen Eitoku sicher als Autor identifiziert werden kann, gilt er als einer der Begründer des Momoyama-Stils, und die meisten Künstler dieser Zeit waren seine Schüler oder wurden von ihm beeinflusst.

Edo- oder Tokugawa-Zeit

(1615-1867). Die lange Zeit des Friedens, die in das neu vereinte Japan kam, wird entweder Tokugawa-Zeit, nach dem Namen des Herrschers, oder Edo (modernes Tokio) genannt, da diese Stadt 1603 zum neuen Machtzentrum wurde. Zwei berühmte Generäle der kurzen Momoyama-Zeit, Oda Nobunaga (1534-1582) und Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), schafften es schließlich durch militärische Aktionen und Diplomatie, mächtige Clans und militante Geistliche zu versöhnen. Mit dem Tod Hideyoshis 1598 ging die Macht an Ieyasu Tokugawa (1542-1616) über, der die gemeinsam begonnenen Maßnahmen vollendete. Die entscheidende Schlacht von Sekigahara im Jahr 1600 stärkte Ieyasus Position, der Fall der Burg Oska im Jahr 1615 wurde vom endgültigen Zusammenbruch des Hideyoshi-Hauses und der Errichtung der ungeteilten Herrschaft des Tokugawa-Shogunats begleitet.

Die friedliche Herrschaft der Tokugawa dauerte 15 Generationen und endete erst im 19. Jahrhundert. Es war im Grunde eine Zeit der Politik der „geschlossenen Türen“. Durch ein Dekret von 1640 wurde Ausländern der Zugang zu Japan verboten, und die Japaner durften nicht ins Ausland reisen. Die einzige kommerzielle und kulturelle Verbindung bestand mit den Niederländern und Chinesen über den Hafen von Nagasaki. Wie in anderen Isolationsperioden kam es Ende des 17. Jahrhunderts zu einem Aufschwung nationaler Gefühle und dem Aufkommen. die sogenannte Schule der Genremalerei und Gravur.
Die schnell wachsende Hauptstadt Edo wurde nicht nur zum Zentrum des politischen und geschäftlichen Lebens des Inselreiches, sondern auch zum Zentrum des Kunsthandwerks. Das Erfordernis, dass die Daimyo, die Feudalherren der Provinz, jedes Jahr für einen bestimmten Teil des Jahres in der Hauptstadt sein mussten, führte zu einem Bedarf an neuen Gebäuden, einschließlich Palastgebäuden, und damit an Künstlern, um sie zu dekorieren. Eine gleichzeitig aufstrebende Klasse wohlhabender, aber nicht aristokratischer Kaufleute bot Künstlern eine neue und oft unprofessionelle Schirmherrschaft.

Die Kunst der frühen Edo-Zeit setzt den Momoyama-Stil teilweise fort und entwickelt ihn weiter, indem er seine Tendenzen zu Luxus und Pracht verstärkt. Der Reichtum an bizarren Bildern und Polychromie, der aus der Vorperiode geerbt wurde, entwickelt sich weiter. Dieser Dekorationsstil erreichte im letzten Viertel des 17. Jahrhunderts seinen Höhepunkt. im sog. die Genroku-Ära der Tokugawa-Zeit (1688-1703). In der japanischen dekorativen Kunst gibt es keine Parallelen in Extravaganz und Reichtum an Farben und dekorativen Motiven in Malerei, Stoffen, Lacken, in künstlerischen Kleinigkeiten - Attribute eines luxuriösen Lebensstils.

Da reden wir von relativ Spätzeit Geschichte ist es nicht verwunderlich, dass die Namen vieler Künstler und ihrer Werke erhalten geblieben sind; hier können nur einige der prominentesten genannt werden. Zu den Vertretern der dekorativen Schule, die während der Momoyama- und Edo-Zeit lebten und wirkten, gehören Honnami Koetsu (1558-1637) und Nonomura Sotatsu (gest. 1643). Ihre Arbeit zeigt ein bemerkenswertes Gespür für Muster, Komposition und Farbe. Koetsu, ein talentierter Keramiker und Lackkünstler, war bekannt für die Schönheit seiner Kalligrafie. Zusammen mit Sotatsu schufen sie damals modische Laufgedichte. In dieser Verbindung von Literatur, Kalligrafie und Malerei waren die Bilder keine bloßen Illustrationen, sondern erzeugten oder suggerierten eine Stimmung, die der Wahrnehmung des Textes angemessen war. Ogata Korin (1658-1716) war einer der Erben des dekorativen Stils und perfektionierte zusammen mit seinem jüngeren Bruder Ogata Kenzan (1663-1743) dessen Technik. Kenzan, besser bekannt als Keramiker denn als Künstler, feuerte Gefäße, die mit Designs seines berühmten älteren Bruders beschriftet waren. Die Wiederbelebung dieser Schule im frühen 19. Jahrhundert. des Dichters und Malers Sakai Hoitsu (1761-1828) war der letzte Aufschwung des dekorativen Stils. Horitsus schöne Schriftrollen und Paravents verbanden Korins Sinn für das Zeichnen mit dem Interesse des Maruyama-Naturalismus an der Natur, was zu dem Reichtum an Farben und dekorativen Motiven der früheren Periode führte, gemildert durch die Pracht und Finesse des Pinselstrichs.

Neben dem polychromen Dekorationsstil war die traditionelle Tintenzeichnung der Kano-Schule weiterhin beliebt. 1622 wurde Kanō Tanyu (1602-1674) zum Hofmaler des Shogun ernannt und nach Edo berufen. Mit seiner Ernennung zu dieser Position und der Gründung der Edo-Schule der Kano-Malerei in Kobikito begann ein halbes Jahrhundert künstlerischer Führung dieser Tradition, die die Bekanntheit der Familie Kano wiederherstellte und die Werke der Edo-Zeit am meisten hervorhob Bedeutung in der Kano-Malerei. Trotz der Popularität von mit Gold und leuchtenden Farben bemalten Bildschirmen, die von „großen Dekorateuren“ und Rivalen geschaffen wurden, war Tangyu dank seines Talents und seiner offiziellen Position in der Lage, die Malerei der wiederbelebten Kano-Schule unter dem Adel bekannt zu machen. Tanyu fügte den traditionellen Merkmalen der Kano-Schule Kraft und Einfachheit hinzu, basierend auf einer starren unterbrochenen Linie und einer durchdachten Anordnung von Kompositionselementen auf einer großen freien Oberfläche.

Eine neue Richtung, in der Hauptmerkmal Das Interesse an der Natur begann sich Ende des 18. Jahrhunderts durchzusetzen. Maruyama Okyo (1733-1795), Kopf neue Schule Er war Bauer, wurde dann Geistlicher und schließlich Künstler. Die ersten beiden Klassen brachten ihm weder Glück noch Erfolg, aber als Künstler erreichte er große Höhen und gilt als Begründer der realistischen Maruyama-Schule. Er studierte beim Meister der Kano-Schule, Ishida Yutei (gest. um 1785); Anhand importierter holländischer Stiche verstand er die westliche Technik der perspektivischen Darstellung und kopierte diese Stiche manchmal einfach. Er studierte auch chinesische Stile aus der Song- und Yuan-Dynastie, einschließlich des subtilen und realistischen Stils von Chen Xuan (1235-1290) und Shen Nanping; letzterer lebte zu Beginn des 18. Jahrhunderts in Nagasaki. Okyo fertigte viele Werke nach der Natur an, und seine wissenschaftlichen Beobachtungen bildeten die Grundlage für die Wahrnehmung der Natur, auf der die Maruyama-Schule basierte.

Neben Interesse am Naturalismus im 18. Jahrhundert. erneuter Einfluss der chinesischen Kunsttradition. Vertreter dieser Richtung tendierten zur Malschule der Ming- (1368-1644) und Qing- (1644-1912) Maler-Wissenschaftler, obwohl ihr Verständnis für den aktuellen Stand der Kunst in China wahrscheinlich begrenzt war. Die Kunst dieser japanischen Schule wurde Bujinga (die Kunst der Gebildeten) genannt. Einer der einflussreichsten Meister des Bujinga-Stils war Ikeno Taiga (1723-1776), ein berühmter Maler und Kalligraph. Sein reifer Stil zeichnet sich durch dicke Konturlinien aus, die mit leichten, federleichten Strichen in hellen Tönen und Tinte gefüllt sind; Er malte auch mit breiten, freien Strichen schwarzer Tinte und stellte Bambusstämme dar, die sich in Wind und Regen beugten. Mit kurzen, geschwungenen Linien erzielte er eine an Gravuren erinnernde Wirkung im Bild von nebligen Bergen über einem von Wald umgebenen See.
17. Jahrhundert brachte eine weitere bemerkenswerte Kunstrichtung der Edo-Zeit hervor. Dies sind die sogenannten Ukiyo-e (Bilder der sich verändernden Welt) – Genreszenen, die von und für die einfachen Leute geschaffen wurden. Frühe Ukiyo-e entstanden in der alten Hauptstadt Kyoto und waren meist malerisch. Das Zentrum ihrer Produktion verlagerte sich jedoch bald nach Edo, und die Aufmerksamkeit der Meister konzentrierte sich auf Holzschnitte. Die enge Verbindung des Holzschnittdrucks mit Ukiyo-e hat zu dem Missverständnis geführt, dass der Holzschnittdruck die Entdeckung dieser Zeit sei; Tatsächlich entstand es im 11. Jahrhundert. Solche frühen Bilder waren Votivbilder, die die Gründer des Buddhismus und Gottheiten darstellten, und während der Kamakura-Zeit wurden einige Erzählrollen aus geschnitzten Blöcken reproduziert. Besonders populär wurde die Stichkunst jedoch in der Zeit von der Mitte des 17. bis zum 19. Jahrhundert.

Die Motive der Ukiyo-e-Stiche waren die schönen Kurtisanen der Schwulenviertel, Lieblingsschauspieler und Szenen aus Dramen. Früh, sog. primitive Gravuren wurden in Schwarz mit starken rhythmischen Wellenlinien ausgeführt und unterschieden einfaches Muster. Sie wurden manchmal von Hand in einer orangeroten Farbe namens tan-e (hellrote Gemälde) mit senfgelben und grünen Markierungen bemalt. Einige der "primitiven" Künstler verwendeten Handmalerei namens Urushu-e (Lackmalerei), bei der dunkle Bereiche durch Zugabe von Klebstoff verstärkt und heller gemacht wurden. Ein früher polychromer Druck, der 1741 oder 1742 erschien, hieß benizuri-e (karmesinroter Druck) und verwendete normalerweise drei Farben - Rosenrot, Grün und manchmal Gelb. Wirklich mehrfarbige Gravuren, die die gesamte Palette verwenden und Nishiki-e (Brokatbilder) genannt werden, erschienen 1765.

Neben der Erstellung individueller Drucke illustrierten viele der Graveure Bücher und verdienten Geld mit erotischen Illustrationen in Büchern und auf Schriftrollen. Es sollte bedacht werden, dass die Ukiyo-e-Gravur aus drei Arten von Aktivitäten bestand: Es war die Arbeit eines Zeichners, dessen Name der Druck trug, eines Schnitzers und eines Druckers.

Hishikawa Moronobu (ca. 1625-1694) gilt als Begründer der Tradition der Herstellung von Ukiyo-e-Drucken. Andere "primitive" Künstler dieser Richtung sind Kiyomasu (1694-1716) und die Kaigetsudo-Gruppe (eine seltsame Künstlergemeinschaft, deren Existenz unklar bleibt) sowie Okumura Masanobu (1686-1764).

Die Übergangskünstler, die Benizuri-e-Drucke schufen, waren Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (aktiv ca. 1751-1760) und Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Die Arbeiten von Suzuki Harunobu (1725-1770) eröffnen die Ära der polychromen Gravur. Gefüllt mit weichen, fast neutralen Farben, bevölkert von anmutigen Damen und galanten Liebhabern, waren Harunobu-Drucke ein großer Erfolg. Etwa zur gleichen Zeit arbeiteten Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) und Kitagawa Utamaro (1753-1806) mit ihm zusammen. Jeder von ihnen hat zur Entwicklung dieses Genres beigetragen; Meister brachten Gravuren mit, die anmutige Schönheiten darstellen und Berühmte Schauspieler zur Perfektion. In den Jahren 1794-1795 schuf der mysteriöse Tosusai Saraku in wenigen Monaten erstaunlich starke und ehrlich gesagt grausame Porträts der damaligen Schauspieler.

In den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts Dieses Genre ist ausgereift und begann zu sinken. Katsushika Hokusai (1760-1849) und Ando Hiroshige (1797-1858) sind die größten Meister der Epoche, deren Werk den Niedergang der Kupferstichkunst im 19. Jahrhundert verbindet. und seine Wiederbelebung zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Beide waren in erster Linie Landschaftsmaler und fixierten die Ereignisse des modernen Lebens in ihren Stichen. Die brillante Beherrschung der Technik von Schnitzern und Druckern ermöglichte es, skurrile Linien und die leisesten Schattierungen der untergehenden Sonne oder des Nebels, der im Morgengrauen aufsteigt, in die Gravur zu übertragen.

Die Meiji-Restauration und die Moderne.

Es kommt oft vor, dass die antike Kunst des einen oder anderen Volkes arm an Namen, Daten und erhaltenen Werken ist, sodass ein Urteil nur mit großer Vorsicht und Konvention gefällt werden kann. Es ist jedoch nicht weniger schwierig, zeitgenössische Kunst zu beurteilen, da uns eine historische Perspektive vorenthalten wird, um das Ausmaß einer Bewegung oder eines Künstlers und seines Werks richtig einzuschätzen. Das Studium der japanischen Kunst bildet hier keine Ausnahme, und das Beste, was getan werden kann, ist, ein Panorama der zeitgenössischen Kunst zu präsentieren und einige vorläufige Schlussfolgerungen zu ziehen.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Japanische Häfen wurden wieder für den Handel geöffnet, große Veränderungen fanden auf der politischen Bühne statt. 1868 wurde das Shogunat abgeschafft und die Herrschaft von Kaiser Meiji wiederhergestellt. Die offizielle Hauptstadt und Residenz des Kaisers wurden nach Edo verlegt, und die Stadt selbst wurde als Tokio (östliche Hauptstadt) bekannt.

Wie schon in der Vergangenheit hat das Ende der nationalen Isolation ein großes Interesse an den Errungenschaften anderer Nationen geweckt. Zu dieser Zeit machten die Japaner einen großen Sprung in Wissenschaft und Technologie. Künstlerisch demonstriert der Beginn der Meiji-Ära (1868-1912) die Akzeptanz alles Westlichen, einschließlich der Technologie. Dieser Eifer hielt jedoch nicht lange an, und es folgte eine Zeit der Assimilation, der Entstehung neuer Formen, die eine Rückkehr zu eigenen Traditionen und neuen westlichen Trends verbanden.

Unter den Künstlern erlangten Kano Hogai (1828–1888), Shimomura Kanzan (1873–1916), Takeuchi Seiho (1864–1924) und Tomioka Tessai (1836–1942) Berühmtheit. Die ersten drei hielten sich an den traditionellen japanischen Stil und die Themen, obwohl sie versuchten, Originalität in Stimmung und Technik zu zeigen. Seihō zum Beispiel arbeitete in der ruhigen und konservativen Atmosphäre von Kyoto. Seine frühen Arbeiten wurden in der naturalistischen Art von Maruyama ausgeführt, aber später reiste er ausgiebig durch China und wurde stark von der chinesischen Tuschemalerei beeinflusst. Auch seine Reisen zu Museen und führenden Kunstzentren in Europa haben seine Arbeit geprägt. Von allen prominenten Künstlern dieser Zeit war nur Tomioka Tessai nahe daran, einen neuen Stil zu entwickeln. In seinen energiegeladenen und kraftvollen Arbeiten verbinden sich grobe, verdrehte, gezackte Linien und schwarze Tuscheflecken mit fein geschriebenen Farbflecken. In späteren Jahren gelang es einigen jungen Ölmalern, wo ihre Großväter gescheitert waren. Die ersten Versuche, mit diesem ungewöhnlichen Material zu arbeiten, erinnerten an Pariser Leinwände und zeichneten sich weder durch besonderen Wert noch durch Spezifität aus. Japanische Funktionen. Inzwischen entstehen jedoch Werke von außergewöhnlicher Anziehungskraft, in denen ein unverwechselbares japanisches Gefühl für Farbe und Ausgewogenheit durch abstrakte Themen hindurchscheint. Andere Künstler, die mit natürlicherer und traditionellerer Tinte arbeiten und manchmal Kalligrafie als Ausgangspunkt verwenden, schaffen energiegeladene abstrakte Stücke in brillantem Schwarz mit Grauschattierungen.

Wie in der Edo-Zeit, im 19. und 20. Jahrhundert. Skulptur war nicht beliebt. Aber auch auf diesem Gebiet experimentierten Vertreter der modernen Generation, die in Amerika und Europa studierten, sehr erfolgreich. klein Bronzeskulpturen, abstrakt in der Form und seltsam benannt, zeigen den japanischen Sinn für Linien und Farben, der sich in der Verwendung von sanfter grüner oder warmer brauner Patina manifestiert; Holzschnitzereien zeugen von der Liebe der Japaner zur Textur des Materials.

Sosaku hanga, der japanische „kreative Druck“, tauchte erst im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts auf, stellte aber als besondere Kunstrichtung alle anderen Bereiche der modernen Kunst in den Schatten. Dieser moderne Druck ist streng genommen kein Nachfolger des älteren Ukiyo-e-Holzschnitts; Sie unterscheiden sich in Stil, Handlung und Erstellungsmethoden. Künstler, von denen viele stark von der westlichen Malerei beeinflusst waren, erkannten die Bedeutung ihres eigenen künstlerischen Erbes und fanden in Holz das richtige Material, um ihre kreativen Ideale auszudrücken. Hanga-Meister malen nicht nur, sondern schnitzen auch Bilder auf Holzblöcke und drucken sie selbst. Obwohl die Holzbearbeitung in dieser Kunstform am höchsten ist, werden alle modernen westlichen Drucktechniken verwendet. Durch das Experimentieren mit Blättern, Bindfäden und „gefundenen Objekten“ können Sie in einigen Fällen einzigartige Oberflächentextureffekte erzeugen. Die Meister dieser Richtung waren zunächst gezwungen, Anerkennung zu suchen: Schließlich wurden selbst die besten Errungenschaften der Ukiyo-e-Schule von intellektuellen Künstlern mit einer Analphabetenmenge in Verbindung gebracht und als plebejische Kunst angesehen. Künstler wie Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi und Maekawa Senpan haben viel getan, um den Respekt für die Druckgrafik wiederherzustellen und diese Richtung als würdigen Zweig zu etablieren. Bildende Kunst. Sie zogen viele junge Künstler in ihre Gruppe und die Graveure zählen heute zu Hunderten. Zu den Meistern dieser Generation, die in Japan und im Westen Anerkennung fanden, gehören Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen und Saito Kiyoshi. Dies sind Meister, deren Innovation und unbestreitbares Talent es ihnen ermöglicht haben, eine würdige Position unter den führenden Künstlern Japans einzunehmen. Viele ihrer Kollegen und andere, jüngere Hanga-Künstler produzierten ebenfalls bemerkenswerte Gravuren; die Tatsache, dass wir ihre Namen hier nicht nennen, bedeutet keine geringe Bewertung ihrer Arbeit.

KUNST UND ANGEWANDTE KUNST, ARCHITEKTUR UND GÄRTEN

In den vorangegangenen Abschnitten ging es hauptsächlich um Malerei und Bildhauerei, die in den meisten Ländern als Hauptgattungen der bildenden Kunst gelten. Vielleicht ist es unfair, am Ende des Artikels die dekorative Kunst und das Volkshandwerk, die Gartenkunst und die Architektur einzubeziehen – Formen, die ein wichtiger und integraler Bestandteil der japanischen Kunst waren. Aber vielleicht bedürfen sie, abgesehen von der Architektur, besonderer Beachtung Allgemeine Periodisierung Japanische Kunst und mit Stiländerungen.

Keramik und Porzellan.

Das wichtigste Kunsthandwerk in Japan sind Keramik und Porzellan. Keramikkunst fällt natürlich in zwei Kategorien. Das feine polychrome Imari-, Nabeshima- und Kakiemon-Porzellan erhielt seinen Namen von den Produktionsstätten und war mit seiner reichen Bemalung auf cremefarbener oder bläulich-weißer Oberfläche für Adels- und Hofkreise bestimmt. Der Prozess der Herstellung von echtem Porzellan wurde in Japan im späten 16. oder frühen 17. Jahrhundert bekannt; Teller und Schalen mit glatter Glasur, mit asymmetrischem oder brokatartigem Muster werden sowohl in der Heimat als auch im Westen geschätzt.

Im Gegensatz zu Porzellan in Rohkeramik aus Ton oder minderwertiger Steinmasse, wie sie für Shino, Oribe und Bizen typisch ist, wird die Aufmerksamkeit auf die materielle, scheinbar sorglose, aber durchdachte Anordnung dekorativer Elemente gerichtet. Beeinflusst von den Konzepten des Zen-Buddhismus waren solche Gefäße in intellektuellen Kreisen sehr beliebt und fanden vor allem bei Teezeremonien breite Anwendung. In vielen Tassen, Teekannen und Dosen, Attributen der Kunst der Teezeremonie, war die Essenz des Zen-Buddhismus verkörpert: strenge Selbstdisziplin und strenge Einfachheit. Während der Blütezeit der japanischen dekorativen Kunst talentierte Künstler Korin und Kenzan beschäftigten sich mit der Dekoration von Keramikprodukten. Es sei daran erinnert, dass der Ruhm von Kenzan eher mit seinem Talent als Keramiker und nicht als Maler verbunden ist. Einige der einfacheren Arten und Techniken zur Herstellung von Gefäßen stammen aus volkstümlichen Handwerkstraditionen. Moderne Werkstätten, die die alten Traditionen fortsetzen, produzieren wunderschöne Produkte, die durch ihre elegante Schlichtheit begeistern.

Lackprodukte.

Bereits in den 7-8 Jahrhunderten. Lack war in Japan bekannt. Aus dieser Zeit sind die Deckel der Schatullen erhalten geblieben, die mit Menschenbildern und geometrischen Motiven verziert sind, die mit dünnen goldenen Linien aufgetragen wurden. Von der Bedeutung der Trockenlacktechnik für die Bildhauerei des 8. und 9. Jahrhunderts wurde bereits gesprochen; gleichzeitig und später wurden Dekorationsgegenstände wie Briefkästen oder Räucherstäbchen hergestellt. Während der Edo-Zeit wurden diese Produkte in großen Mengen und mit den prächtigsten Dekorationen hergestellt. Luxuriös dekorierte Schachteln für Frühstück, Kuchen, Weihrauch und Medikamente, Inro genannt, spiegelten den Reichtum und die Liebe zum Luxus dieser Zeit wider. Die Oberfläche der Objekte wurde mit Mustern aus Gold- und Silberpulver, Goldfolienstücken allein oder in Kombination mit Muscheleinlagen, Perlmutt, einer Legierung aus Zinn und Blei usw. verziert; Diese Muster kontrastierten mit der lackierten roten, schwarzen oder braunen Oberfläche. Manchmal fertigten Künstler wie Korin und Koetsu Lackentwürfe an, aber es ist unwahrscheinlich, dass sie persönlich an diesen Arbeiten beteiligt waren.

Schwerter.

Die Japaner sind, wie bereits gesagt wurde, während einer beträchtlichen Periode ihrer Geschichte ein Volk von Kriegern gewesen; Waffen und Rüstungen galten für einen großen Teil der Bevölkerung als lebensnotwendige Gegenstände. Das Schwert war der Stolz eines Mannes; Sowohl die Klinge selbst als auch alle anderen Teile des Schwertes, insbesondere der Griff (Tsuba), wurden in verschiedenen Techniken verziert. Tsuba aus Eisen oder Bronze wurden mit Gold- und Silbereinlagen verziert, geschnitzt oder mit beidem besetzt. Sie zeigten Landschaften oder Menschenfiguren, Blumen oder Familienwappen (mon). All dies ergänzte die Arbeit der Schwertmacher.

Stoffe.

Reich gemusterte Seide und andere Stoffe, die von Hof und Geistlichen in Zeiten von Opulenz und Überfluss bevorzugt wurden, sowie einfache Stoffe mit einem fast primitiven Design, das für die Volkskunst charakteristisch ist, sind ebenfalls Ausdruck des nationalen japanischen Talents. Nachdem die Textilkunst ihren Höhepunkt während der reichen Ära von Genroku erreicht hatte, blühte die Textilkunst im modernen Japan wieder auf. Es kombiniert Ideen und Kunstfasern aus dem Westen mit traditionellen Farben und dekorativen Motiven.

Gardens.

In den letzten Jahrzehnten hat das Interesse an japanischen Gärten und japanischer Architektur zugenommen, da die westliche Öffentlichkeit diesen Kunstformen stärker ausgesetzt ist. Gärten in Japan haben einen besonderen Platz; Sie sind Ausdruck und Symbol hoher religiöser und philosophischer Wahrheiten, und diese obskuren, symbolischen Obertöne, kombiniert mit der scheinbaren Schönheit von Gärten, wecken das Interesse der westlichen Welt. Es kann nicht gesagt werden, dass es religiöse oder philosophische Ideen waren Hauptgrund Gärten zu schaffen, aber bei der Planung und Gestaltung eines Gartens berücksichtigte der Planer solche Elemente, deren Betrachtung den Betrachter dazu bringen würde, über verschiedene philosophische Wahrheiten nachzudenken. Hier verkörpert sich der kontemplative Aspekt des Zen-Buddhismus in einer Gruppe von ungewöhnlichen Steinen, Wellen aus geharktem Sand und Kies, kombiniert mit Torf oder Pflanzen, die so angeordnet sind, dass der Bach dahinter verschwindet und wieder auftaucht, was den Betrachter dazu ermutigt, unabhängig zu vervollständigen die beim Bau angelegten Gartenideen. Die Vorliebe für vage Hinweise gegenüber verständlichen Erklärungen ist charakteristisch für die Zen-Philosophie. Bonsai-Zwergbäume und kleine Topfgärten, die jetzt im Westen beliebt sind, sind eine Fortsetzung dieser Ideen geworden.

Die Architektur.

Hauptsächlich Baudenkmäler Japan ist Tempel, Klosteranlagen, feudale Schlösser und Paläste. Von der Antike bis heute ist Holz der Hauptbaustoff und bestimmt maßgeblich die Gestaltungsmerkmale. Die ältesten Sakralbauten sind Schreine der japanischen Nationalreligion Shinto; Den Texten und Zeichnungen nach zu urteilen, handelte es sich um relativ einfache Gebäude mit Strohdach, wie die alten Wohnhäuser. Tempelbauten, die nach der Verbreitung des Buddhismus errichtet und mit ihm in Verbindung gebracht wurden, orientierten sich in Stil und Grundriss an chinesischen Vorbildern. Die buddhistische Tempelarchitektur hat sich im Laufe der Zeit verändert, und die Einrichtung und Anordnung der Gebäude hat sich in verschiedenen Sekten verändert. Japanische Gebäude zeichnen sich durch große Hallen mit hohen Dächern und einem komplexen Konsolensystem aus, und ihre Ausstattung spiegelt den Geschmack ihrer Zeit wider. Die einfache und majestätische Architektur des Horyu-ji-Komplexes, der im frühen 7. Jahrhundert in der Nähe von Nara erbaut wurde, ist ebenso charakteristisch für die Asuka-Periode wie die Schönheit und Eleganz der Proportionen des Hoodo, Ujis „Phönixhalle“, die sich im Lotussee widerspiegelt , stammt aus der Heian-Zeit. Die aufwändigeren Bauwerke der Edo-Zeit erhielten zusätzliche Verzierungen in Form von reich bemalten Schiebetüren und Paravents, die von denselben „großen Dekorateuren“ angefertigt wurden, die die Innenräume von Wasserburgen und feudalen Palästen dekorierten.

Die Architektur und die Gärten Japans sind so eng miteinander verbunden, dass sie als Teile voneinander betrachtet werden können. Dies gilt insbesondere für Gebäude und Gartenhäuser für die Teezeremonie. Ihre Offenheit, Einfachheit und sorgfältig ausgearbeitete Verbindung zu Landschaft und Perspektive haben einen großen Einfluss auf moderne Architektur Westen.

EINFLUSS JAPANISCHER KUNST IM WESTEN

Innerhalb von nur einem Jahrhundert wurde die Kunst Japans im Westen bekannt und beeinflusste diesen maßgeblich. Es gab auch frühere Kontakte (z. B. Handel der Holländer mit Japan über den Hafen von Nagasaki), aber die Objekte, die im 17. Jahrhundert nach Europa gelangten, waren hauptsächlich Werke der angewandten Kunst - Porzellan und Lackwaren. Sie wurden eifrig als Kuriositäten gesammelt und auf verschiedene Weise kopiert, aber diese dekorativen Exporte spiegelten nicht das Wesen und die Qualität der japanischen Kunst wider und vermittelten den Japanern sogar eine wenig schmeichelhafte Vorstellung von westlichem Geschmack.

Erstmals erlebte die westliche Malerei im Jahr 1862 während eines großen Zeitraums den direkten Einfluss japanischer Kunst in Europa Internationale Ausstellung in London. Fünf Jahre später auf der Pariser Weltausstellung vorgestellt, weckten japanische Farbholzschnitte erneutes Interesse. Sofort entstanden mehrere private Sammlungen von Stichen. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh und andere hielten japanische Farbdrucke für eine Offenbarung; Ein leichter, aber immer erkennbarer Einfluss der japanischen Druckgrafik auf die Impressionisten wird oft festgestellt. Die Amerikaner Whistler und Mary Cassatt fühlten sich von der zurückhaltenden Linienführung und den leuchtenden Farben der Ukiyo-e-Drucke und -Gemälde angezogen.

Die Öffnung Japans für Ausländer im Jahr 1868 schuf eine Faszination für alles Westliche und veranlasste die Japaner, sich von ihrer eigenen reichen Kultur und ihrem künstlerischen Erbe abzuwenden. Zu dieser Zeit wurden viele schöne Gemälde und Skulpturen verkauft und landeten in westlichen Museen und Privatsammlungen. Ausstellungen dieser Gegenstände führten den Westen in Japan ein und weckten das Interesse an Reisen in den Fernen Osten. Zweifellos eröffnete die Besetzung Japans durch amerikanische Truppen am Ende des Zweiten Weltkriegs mehr Möglichkeiten als zuvor, japanische Tempel und ihre Schätze kennenzulernen und zu vertiefen. Dieses Interesse spiegelte sich im Besuch amerikanischer Museen wider. Das allgemeine Interesse am Orient wurde durch die Organisation von Ausstellungen japanischer Kunst geweckt, die aus japanischen öffentlichen und privaten Sammlungen ausgewählt und nach Amerika und Europa gebracht wurden.

Die wissenschaftliche Forschung der letzten Jahrzehnte hat viel dazu beigetragen, die Ansicht zu widerlegen, dass die japanische Kunst nur ein Spiegelbild der chinesischen Kunst ist, und zahlreiche japanische Veröffentlichungen in englischer Sprache haben den Westen mit den Idealen des Ostens bekannt gemacht.

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