Bedeutende Maler der Frührenaissance. Künstler der frühen Renaissance
Die italienische Kunst hat sich nicht stetig aufsteigend von einer niedrigeren zu einer höheren Ebene entwickelt. Die Linie der kulturellen Entwicklung während der Renaissance war komplexer und flexibler. Im Laufe von drei Jahrhunderten stachen mit der unerbittlichen Vorwärtsbewegung mehrere Aufstiege hervor. Die radikalsten davon ereigneten sich im 15. Jahrhundert in Italien. Dies ist die Zeit der Frührenaissance, die von einer außergewöhnlichen Suchintensität geprägt ist. Das Zentrum der Innovation in allen Kunstformen war zu dieser Zeit, wie zu Zeiten von Giotto, Florenz. Hier spielte sich die Tätigkeit der Begründer der Frührenaissance ab: der Maler Masaccio, Bildhauer Donatello, Architekt Brunelleschi.
Eine der wichtigsten Errungenschaften der Quattrocento-Kunst, die historische Bedeutung hatte, war die Perspektivenlehre.Perspektive - Dies ist ein Bild von Objekten gemäß der scheinbaren Veränderung ihrer Größe und Form, die auf den Grad ihrer Entfernung vom Betrachter zurückzuführen ist. Die ersten Versuche zur Konstruktion der Perspektive wurden bereits im antiken Griechenland verwendet, aber in ihrer klassischen Form wurde die Perspektive, wie wissenschaftlich belegt, von den Meistern des italienischen Quattrocento entwickelt. Filippo Brunelleschi war der Erste, der ihre Gesetze entdeckte und damit ein neues Entwicklungsprogramm für die gesamte florentinische Kunst begründete.
Brunelleschi hat eine entscheidende Schlussfolgerung für die bildende Kunst gezogen: Wenn die direkten Strahlen, die von einem gewählten Raumpunkt auf das abgebildete Objekt kommen, von einer Ebene gekreuzt werden, erhält man eine exakte Projektion dieses Objekts auf diese Ebene. Höchstwahrscheinlich wurde das Studium der optischen Gesetze von Brunelleschi durch das Studium römischer Ruinen angeregt, die er sorgfältig vermaß und kopierte.
Der Bildhauer Donatello, ein Freund von Brunelleschi, wandte die lineare Perspektive in skulpturalen Reliefs an ("Schlacht von St. Georg mit einem Drachen“ , 1416), wodurch ein Eindruck von räumlicher Tiefe erzielt wird. Ihr Zeitgenosse Ma-zaccio nutzte diese Entdeckung in der Malerei (Fresko"Dreieinigkeit" , 1427). Schließlich gab der Architekt und Kunsttheoretiker Alberti in seiner Abhandlung über die Malerei (1435) eine detaillierte theoretische Entwicklung der Gesetze der Perspektive.
Neue Strömungen in der bildenden Kunst manifestierten sich erstmals inSkulptur . Früher vor allem auf Innenräume konzentriert, wird sie heute an den Fassaden von Kirchen und öffentlichen Gebäuden, auf städtischen Plätzen ausgeführt und gehorcht nicht mehr der Architektur.
Als Ausgangspunkt der Geschichte der Skulptur der Frührenaissance gilt traditionell das Jahr 1401, als der junge Juwelier Lorenzo Ghiberti den Bildhauerwettbewerb gewann, der um das Recht zur Herstellung der Bronzetüren der Florentiner Taufkapelle kämpfte. . Ghiberti gehörte zu den führenden Bildhauern seiner Zeit. Er besitzt eines der berühmtesten Werke der Frührenaissance – die zweite östliche Tür des Baptisteriums, die später von Michelangelo „Tore des Paradieses“ genannt wurde. Ihre Reliefs sind den Themen des Alten Testaments gewidmet.
Der brillanteste Bildhauer des Quattrocento war Donato di Niccolò di Betto Bardi, der unter dem Namen Donatello (1386-1466) in die Geschichte der Weltkultur einging. Er ist einer der kühnsten Reformer der italienischen Kunst. Eine der wichtigsten Errungenschaften von Donatello war die Wiederbelebung der freistehenden runden Statue. Von ihm hingerichtetStatue von David dem Sieger (Florenz) war die erste Skulptur der Renaissance, die nicht mit Architektur verbunden war, aus der Enge der Nische befreit und von allen Seiten zugänglich war. Mit dem Bild des legendären Hirten, der den Riesen Goliath besiegte, das für viele italienische Stadtrepubliken zum Symbol der Freiheit wurde, suchte Donatello eine Annäherung an die großen Beispiele antiker plastischer Kunst. Sein David wird nackt präsentiert, wie alter Held. Kein einziger Renaissance-Bildhauer hat sich die Freiheit genommen, in dieser Form einen biblischen Charakter zu zeigen.
Eine weitere berühmte Kreation von Donatello ist ein Denkmal für den mutigen Feldherrn Erasmo di Narni mit dem Spitznamen Gattamelata („schlauer Kater“). Erasmo, ein Mann des Volkes, wurde durch die Kraft seines Geistes, seines Talents, zum Schöpfer seines eigenen Schicksals, wurde ein herausragender Staatsmann. Und der Bildhauer, der eine Porträtähnlichkeit beibehielt, zeigte ein verallgemeinertes Bild eines Mannes der neuen Zeit, als ob er die Worte von Petrarca bestätigen würde: „Blut hat immer dieselbe Farbe. Ein edler Mann macht sich durch seine Taten groß.
Noch breiter war die Berufung auf alte Traditionendie Architektur . Skizzen und Messungen antiker römischer Strukturen, das Studium der Abhandlung von Vitruv, zu Beginn gefundenXVJahrhundert trugen dazu bei, dass gotische Formen schnell durch antike ersetzt wurden. Die alte Ordnung wird wiederbelebt und kreativ neu gedacht, was logische Proportionen und Harmonie in die Architektur der neuen Zeit brachte. Ist der gotische Dom schon wegen seiner gigantischen Größe schwer zu erkennen, dann werden die Bauten der Renaissance gleichsam von einem einzigen Blick überdeckt. Sie zeichnen sich durch erstaunliche Verhältnismäßigkeit aus.
Das erste große Denkmal der Renaissance-Architektur - errichtet von BrunelleschiKuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz. In seiner Größe ist er der Kuppel des römischen Pantheons nur geringfügig unterlegen, ruht aber im Gegensatz zu dieser nicht auf einem runden, sondern auf einem achteckigen Sockel.
Gleichzeitig mit dem Bau der Kuppel leitet Brunelleschi den Bau eines Waisenhauses,Pädagogisches Zuhause . Dies ist das erste Gebäude im Renaissancestil, das in seiner Struktur, Klarheit der Erscheinung und Einfachheit der Formen den antiken Gebäuden sehr nahe kommt. Das Bemerkenswerteste daran ist die Fassade, die mit einem Portikus in Form einer gewölbten Loggia geschmückt ist. Der Portikus entfaltet sich über die gesamte Breite des Gebäudes, erzeugt den Eindruck von Weite und Ruhe und verstärkt die Überlegenheit horizontale Linien. Das Ergebnis ist ein Gebäude, das dem gotischen Streben nach Himmel völlig entgegengesetzt ist. Neu ist auch das Fehlen der für gotische Kathedralen charakteristischen reichen skulpturalen Verzierungen.
Die im Waisenhaus verwendete Art der Loggia mit Halbkreisbögen und weit auseinander liegenden dünnen Säulen wurde später in der Architektur der Renaissance etabliertPalazzo .
Der Palazzo ist ein Stadtpalast, in dem wohlhabende Menschen lebten. Normalerweise ist dies ein dreistöckiges Gebäude mit Blick auf die Straße. Nach ihrem Plan näherte sich der Palazzo einem Platz, in dessen Mitte sich ein von gewölbten Galerien umgebener Innenhof befand.
Malen Das italienische Quattrocento beginnt mit Masaccio (1401-1428, richtiger Name Tommaso di Giovanni di Simone Cassai). Masaccio war eines der unabhängigsten und beständigsten Genies der Geschichte. Europäische Kunst. Wie viele andere Künstler dieser Epoche arbeitete er im Bereich der Monumentalmalerei, die an den Wänden in Freskotechnik ausgeführt wurde. Masaccio setzte die Suche nach Giotto fort und schaffte es, den Bildern eine beispiellose Authentizität zu verleihen.
Fresken sind der Höhepunkt seiner Arbeit.Brancacci-Kapellen Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz. Sie präsentieren die Geschichte des Apostels Petrus, sowie biblische Geschichte„Vertreibung aus dem Paradies“, mit außergewöhnlicher dramatischer Kraft interpretiert.
Alles in diesen Fresken ist voller besonderer Beeindruckung, epischer Kraft, Heldentum. Alles wird monumental betont: Der Künstler scheint die Formen nicht zu zeichnen, sondern modelliert sie mit Hilfe von Hell-Dunkel und erreicht so ein fast skulpturales Relief. ein wunderbares Beispiel kreative Weise Masaccio kann dienen"Das Wunder mit dem Stater" (eine Geschichte über eine Münze, die auf wundersame Weise im Maul eines Fisches gefunden wurde, was Christus und seinen Jüngern den Zugang zur Stadt Kapernaum eröffnete).
Das Schicksal beendete den Aufstieg eines Genies im Alter von 27 Jahren, aber bereits das, was ihm gelang, machte ihn als Begründer einer neuen Kunst berühmt. Nach dem Tod von Masaccio wurde die Brancacci-Kapelle zur Schule aller nachfolgenden Maler, zu einem Wallfahrtsort.
Masaccio, Brunelleschi, Donatello waren bei ihrer Suche alles andere als allein. Gleichzeitig arbeiteten viele Originalmeister in verschiedenen Städten Italiens: Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Andrea Mantegna.
Bis zum Ende des Quattrocento ändert sich die Art der Bestrebungen der italienischen Malerei erheblich: Das Studium der Perspektive und Proportionen tritt in den Hintergrund, während das Studium der menschlichen Natur in den Vordergrund tritt. Nach Literatur und Poesie offenbart die Malerei das intensive Seelenleben, die Bewegung der Gefühle. Dies trägt zur Entwicklung der Porträtgattung und ihres neuen Typs in einer Dreivierteldrehung und nicht wie zuvor im Profil bei.
Ein Künstler, dessen Werk neu ist künstlerische Ideen fand den harmonischsten Ausdruck, warSandro Botticelli (1445-1510, richtiger Name Alessandro Filipepi).
Botticelli ist ein Vertreter der Florentiner Malschule. Er stand dem Hof von Lorenzo Medici nahe, ein talentierter Politiker und Diplomat, eine brillant gebildete Person, ein begabter Dichter, ein Liebhaber von Literatur und Kunst, dem es gelang, viele bedeutende Humanisten, Dichter und Künstler anzuziehen
Mit einem Kreis florentinischer Gelehrter verbunden, stützte sich Botticelli in seinen Werken gerne auf die von ihnen erarbeiteten poetischen Programme. Inspiriert von der Poesie der Antike und der Renaissance waren sie allegorischer Natur. Eine besondere Rolle spielte dabei das Bild der Venus, der Verkörperung der Liebe als höchstes menschliches Gefühl.
Venus - zentrales Bild berühmte Botticelli-Gemälde:"Frühling" Und "Die Geburt der Venus". In diesen mythologischen Kompositionen, in denen die Liebe regiert, entfaltete sich der geheimnisvolle Charme von Botticells Schönheitsideal. In dieser Schönheit liegt eine besondere Raffinesse, zerbrechliche Wehrlosigkeit. Und gleichzeitig verbirgt sich darin eine große innere Kraft, die Kraft des spirituellen Lebens.
das gleiche Vermögen innere Welt Eine Person wird dem Betrachter durch Porträts des Künstlers eröffnet: „Porträt eines Juweliers“, „Giuliano Medici“ und andere.
Die tiefsten persönlichen Erfahrungen im Zusammenhang mit dem gesellschaftlichen Leben von Florenz am EndeXV Jahrhundert , identifizierte die große Tragödie von Botticellis späteren Werken: "Lamentation of Christ", "Abandoned".
Im letzten Drittel des 15. Jahrhunderts, zusammen mit der Florentiner Schule, Kunstschulen in Umbrien (Pinturicchio), Venedig (Gentile und Giovanni Bellini, Carpaccio), Ferrara, Lombardei, und doch führend Kulturzentrum Italien bleibt Florenz. Hier begann in den 1470er Jahren die kreative Tätigkeit von Leonardo da Vinci, Michelangelo wurde hier geboren und wuchs hier auf, nachdem er als erster Künstler durch die Schaffung der David-Statue (sie wurde als Symbol von Florenz vor dem Signoria-Palast aufgestellt) berühmt wurde ). Florenz spielte auch eine große Rolle in der kreativen Entwicklung Raffaels, der hier eine umfangreiche Suite seiner Madonnen schrieb (als er in Florenz ankam, arbeiteten dort sowohl Leonardo als auch Michelangelo). Die Arbeit dieser brillanten Meister markierte zusammen mit der Kunst von Bramante, Giorgione und Tizian die Zeit der Hochrenaissance.
Die Medici sind eine Familie wohlhabender Bankiers, dieXVJahrhundert gehörte tatsächlich der Macht in Florenz.
Volksaufstand gegen die Medici, angeführt vom Dominikanermönch Savonarola, heftiger Angriff der Anhänger von Savonarola auf den „sündigen Dreck“ weltliche Kultur, schließlich die Exkommunikation Savonarolas von der Kirche und sein Tod auf dem Scheiterhaufen.
Nachdem Botticelli den starken Einfluss von Savonarola erfahren hatte, war er von seinem Tod schockiert.
Bundesbehörde der Bildung
Staatliche Universität für Architektur und Bauingenieurwesen St. Petersburg
Abteilung für Geschichte
Fach: Kulturwissenschaft
Titanen und Meisterwerke der Renaissancekultur
Gruppe 1 Schüler ES 2
E. Ju. Naliwko
Aufsicht:
zu und. n., Lehrer
I. Yu Lapina
Sankt Petersburg
Einführung …………………………………………………………3
Die Kunst der Frührenaissance………………………..4
Zeit der Hochrenaissance …………………………….5
Sandro Botticelli………………………………………….5
Leonardo da Vinci …………………………………………7
Michelangelo Buonarroti …….………………………10
Raffaello Santi…………....……………………………….13
Fazit ………………………………………………………..15
Liste der verwendeten Literatur……………………....16
Einführung
Die Renaissance ist eine wichtige Periode in der Weltkultur. Ein neues Phänomen im europäischen Kulturleben sah zunächst wie eine Rückkehr zu den vergessenen Errungenschaften der antiken Kultur auf dem Gebiet der Wissenschaft, Philosophie und Literatur aus. Das Phänomen der Renaissance liegt darin, dass das antike Erbe zu einer Waffe für den Sturz kirchlicher Kanonen und Verbote geworden ist. Im Wesentlichen müssen wir von einer grandiosen Kulturrevolution sprechen, die zweieinhalb Jahrhunderte dauerte und mit der Schaffung einer neuen Art von Weltanschauung und einer neuen Art von Kultur endete. Außerhalb des europäischen Raums war damals nichts dergleichen zu beobachten. Daher weckte dieses Thema mein großes Interesse und den Wunsch, diese Zeit genauer zu analysieren.
Auf solche möchte ich mich in meinem Essay konzentrieren prominente Leute wie Sandro Botticelli, Leonardo Da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raffaello Santi. Sie wurden zu den prominentesten Vertretern der Hauptbühnen Italienische Renaissance.
1. Die Kunst der Frührenaissance
In den ersten Jahrzehnten des 15. Jahrhunderts vollzog sich ein entscheidender Wendepunkt in der Kunst Italiens. Die Entstehung eines mächtigen Zentrums der Renaissance in Florenz führte zur Erneuerung der gesamten italienischen Kunstkultur.
Die Arbeit von Donatello, Masaccio und ihren Mitarbeitern markiert den Sieg des Renaissance-Realismus, der sich erheblich von dem "Realismus der Details" unterschied, der für die gotische Kunst des späten Trecento charakteristisch war. Die Werke dieser Meister sind von den Idealen des Humanismus durchdrungen. Sie verherrlichen und verherrlichen einen Menschen, erheben ihn über das Niveau des Alltags.
In ihrer Auseinandersetzung mit der gotischen Tradition suchten die Künstler der Frührenaissance Unterstützung in der Antike und der Kunst der Frührenaissance. Was die Meister der Proto-Renaissance nur intuitiv durch Berührung suchten, basiert heute auf genauem Wissen.
Die italienische Kunst des 15. Jahrhunderts zeichnet sich durch große Vielfalt aus. Die neue Kunst, die sich zu Beginn des 15. Jahrhunderts im fortgeschrittenen Florenz durchsetzte, fand nicht sofort Anerkennung und Verbreitung in anderen Gebieten des Landes. Während Bruneleschi, Masaccio, Donatello in Florenz wirkten, lebten in Norditalien noch die Traditionen der byzantinischen und gotischen Kunst, die erst allmählich von der Renaissance abgelöst wurden.
Florenz war das Hauptzentrum der Frührenaissance. Die florentinische Kultur der ersten Hälfte und Mitte des 15. Jahrhunderts ist vielfältig und reich. Seit 1439, seit dem in Florenz abgehaltenen ökumenischen Kirchenkonzil, zu dem der byzantinische Kaiser Johannes Palaiologos und der Patriarch von Konstantinopel in Begleitung eines prachtvollen Gefolges eintrafen, und besonders nach dem Fall von Byzanz 1453, als viele Gelehrte vor der Kirche geflohen waren Osten Zuflucht in Florenz gefunden, wird diese Stadt zu einem der wichtigsten Zentren in Italien für das Studium der griechischen Sprache sowie Literatur und Philosophie Antikes Griechenland. Und doch gehörte die führende Rolle im kulturellen Leben von Florenz in der ersten Hälfte und Mitte des 15. Jahrhunderts zweifellos der Kunst. 1
2. Die Zeit der Hochrenaissance
Dieser Zeitraum stellt den Höhepunkt der Renaissance dar. Es war eine kurze Periode, die etwa 30 Jahre dauerte, aber quantitativ und qualitativ gleicht diese Zeitspanne Jahrhunderten. Die Kunst der Hochrenaissance ist eine Zusammenfassung der Errungenschaften des 15. Jahrhunderts, zugleich aber auch ein neuer Qualitätssprung, sowohl in der Kunsttheorie als auch in ihrer Umsetzung. Die ungewöhnliche „Verdichtung“ dieser Zeit lässt sich damit erklären, dass die Zahl der gleichzeitig (in einer historischen Periode) arbeitenden brillanten Künstler eine Art Rekord sogar für die gesamte Kunstgeschichte darstellt. Es genügt, Namen wie Leonardo da Vinci, Raphael und Michelangelo zu nennen.
3. Sandro Botticelli
Der Name Sandro Botticelli ist weltweit als Name eines der bemerkenswertesten Künstler der italienischen Renaissance bekannt.
Sandro Botticelli wurde 1444 (oder 1445) in der Familie eines Gerbers, des Florentiner Bürgers Mariano Filippepi, geboren. Sandro war der jüngste, der vierte Sohn von Philippepi. Leider ist fast nichts darüber bekannt, wo und wann Sandro zum Künstler ausgebildet wurde und ob er wirklich, wie alte Quellen sagen, zuerst Schmuck studiert und dann mit der Malerei begonnen hat. Bereits 1470 hatte er eine eigene Werkstatt und führte die eingegangenen Aufträge selbstständig aus.
Der Charme von Botticellis Kunst bleibt immer ein wenig geheimnisvoll. Seine Werke rufen ein Gefühl hervor, das die Werke anderer Meister nicht hervorrufen.
Botticelli war vielen Künstlern des 15. Jahrhunderts teils an mutiger Energie, teils an echter Detailtreue unterlegen. Seine Bilder sind (mit sehr seltenen Ausnahmen) frei von Monumentalität und Dramatik, ihre übertrieben fragilen Formen sind immer ein wenig willkürlich. Aber wie kein anderer Maler des 15. Jahrhunderts war Botticelli mit der Fähigkeit zu feinster poetischer Lebensauffassung ausgestattet. Zum ersten Mal war er in der Lage, die subtilen Nuancen menschlicher Erfahrungen zu vermitteln. Fröhliche Erregung wird in seinen Gemälden durch melancholische Träumereien ersetzt, Ausbrüche von Spaß - schmerzende Melancholie, ruhige Kontemplation - unkontrollierbare Leidenschaft.
Die neue Richtung von Botticellis Kunst findet ihren extremen Ausdruck in der letzten Periode seiner Tätigkeit, in den Werken der 1490er und frühen 1500er Jahre. Hier werden die Mittel der Übertreibung und Dissonanz fast unerträglich (zum Beispiel das "Wunder des heiligen Zenobius"). Der Künstler stürzt dann in den Abgrund hoffnungsloser Trauer („Pieta“), um sich dann der erleuchteten Exaltation zu ergeben („Communion of St. Hieronymus“). Seine Bildsprache ist fast zu ikonenmalerischen Konventionen vereinfacht, gekennzeichnet durch eine Art naiver Sprachlosigkeit. Der ebene lineare Rhythmus gehorcht vollständig sowohl der Zeichnung, die in ihrer Einfachheit an die Grenze gebracht wird, als auch der Farbe mit ihren scharfen Kontrasten lokaler Farben. Die Bilder verlieren sozusagen ihre reale, irdische Hülle und wirken als mystische Symbole. Und doch dabei durch und durch religiöse Kunst das menschliche Prinzip drängt sich mit großer Wucht durch. Nie zuvor hat ein Künstler so viel persönliches Gefühl in seine Werke investiert, nie zuvor hatten seine Bilder eine so hohe moralische Bedeutung.
Mit dem Tod Botticellis endet die Geschichte der florentinischen Malerei der Frührenaissance – dieser wahre Frühling italienischer Kunstkultur. Als Zeitgenosse von Leonardo, Michelangelo und dem jungen Raffael blieb Botticelli ihren klassischen Idealen fremd. Als Künstler gehörte er ganz dem 15. Jahrhundert an und hatte keine direkten Nachfolger in der Malerei der Hochrenaissance. Seine Kunst starb jedoch nicht mit ihm. Das war der erste Versuch, die geistige Welt eines Menschen zu offenbaren, ein zaghafter Versuch und tragisch endend, der aber über Generationen und Jahrhunderte hinweg im Werk anderer Meister seinen unendlich vielfältigen Widerschein erhielt.
Die Kunst von Botticelli ist ein poetisches Bekenntnis eines großen Künstlers, der die Herzen der Menschen begeistert und immer begeistern wird. 2
4. Leonardo da Vinci
In der Geschichte der Menschheit ist es nicht einfach, eine andere Person zu finden, die so brillant ist wie der Begründer der Kunst der Hochrenaissance, Leonardo da Vinci (1452-1519). Der umfassende Charakter des Wirkens dieses großen Künstlers und Wissenschaftlers wurde erst bei der Durchsicht der verstreuten Manuskripte aus seinem Nachlass deutlich. Kolossale Literatur ist Leonardo gewidmet, sein Leben wurde im Detail studiert. Und dennoch bleibt vieles in seinem Werk mysteriös und erregt weiterhin die Köpfe der Menschen.
Leonardo da Vinci wurde im Dorf Anchiano bei Vinci geboren: unweit von Florenz. Er war unehelicher Sohn ein wohlhabender Notar und eine einfache Bäuerin. Sein Vater bemerkte die außergewöhnlichen Fähigkeiten des Jungen in der Malerei und gab ihn in die Werkstatt von Andrea Verrocchio. Auf dem Bild des Lehrers „Die Taufe Christi“ gehört die Figur eines vergeistigten blonden Engels zum Pinsel des jungen Leonardo.
Zu seinen frühen Werken gehört Madonna mit einer Blume (1472), die in Ölmalerei gemalt wurde und damals in Italien selten war.
Um 1482 trat Leonardo in die Dienste des Mailänder Herzogs Lodovico Moro. Der Meister empfahl sich zunächst als Militäringenieur, Architekt, Spezialist auf dem Gebiet des Wasserbaus und erst dann als Maler und Bildhauer. Die erste Mailänder Schaffensperiode Leonardos (1482-1499) erwies sich jedoch als die fruchtbarste. Der Meister wurde zum berühmtesten Künstler Italiens, studierte Architektur und Bildhauerei, wandte sich der Fresken- und Altarmalerei zu.
Die malerischen Gemälde von Leonardo aus der Mailänder Zeit sind bis heute erhalten. Das erste Altarbild der Hochrenaissance war Madonna in der Grotte (1483-1494). Der Maler wich von den Traditionen des 15. Jahrhunderts ab: In den religiösen Gemälden herrschte feierliche Steifheit. Es gibt nur wenige Figuren in Leonardos Altarbild: die weibliche Maria, das Christuskind, das den kleinen Johannes den Täufer segnet, und einen knienden Engel, als würde er aus dem Bild schauen. Die Bilder sind vollkommen schön, natürlich mit ihrer Umgebung verbunden. Dies ist eine Art Grotte zwischen dunklen Basaltfelsen mit einer Lücke in der Tiefe - eine für Leonardo typische Landschaft insgesamt ist fantastisch geheimnisvoll. Figuren und Gesichter werden in einen luftigen Schleier gehüllt, der ihnen eine besondere Weichheit verleiht. Die Italiener nannten diese Technik Deonardo sfumato.
In Mailand schuf der Meister offenbar die Leinwand "Madonna und Kind" ("Madonna Lita"). Hier strebte er im Gegensatz zur Madonna mit einer Blume eine stärkere Verallgemeinerung der Idealität des Bildes an. Es wird kein bestimmter Moment dargestellt, sondern ein bestimmter langanhaltender Zustand von Freudenfrieden, in den eine junge, schöne Frau versunken ist. Kaltes, klares Licht erhellt ihr dünnes, weiches Gesicht mit halb gesenktem Blick und einem leichten, kaum wahrnehmbaren Lächeln. Das Bild ist in Tempera gemalt und verleiht den Tönen von Marias blauem Umhang und rotem Kleid Klang. Die flauschigen dunkelgoldenen Locken des Säuglings sind verblüffend gemalt, sein aufmerksamer Blick auf den Betrachter ist nicht kindlich ernst.
Als Mailand 1499 von französischen Truppen eingenommen wurde, verließ Leonardo die Stadt. Die Zeit seiner Wanderungen hat begonnen. Einige Zeit arbeitete er in Florenz. Dort schien Leonardos Werk wie von einem hellen Blitz erleuchtet: Er malte ein Porträt von Mona Lisa, der Frau des wohlhabenden Florentiner Francesco di Giocondo (um 1503). Das als "Gioconda" bekannte Porträt ist zu einem der berühmtesten Werke der Weltmalerei geworden.
Ein kleines Porträt einer jungen Frau, die in einen luftigen Dunst gehüllt vor dem Hintergrund einer blaugrünen Landschaft sitzt, ist von einem so lebhaften und zarten Zittern erfüllt, dass man laut Vasari den Puls in der Vertiefung von Mona schlagen sieht Lisas Hals. Es scheint, dass das Bild leicht zu verstehen ist. Inzwischen prallen in der umfangreichen Literatur zur Mona Lisa die gegensätzlichsten Interpretationen des von Leonardo geschaffenen Bildes aufeinander.
In den letzten Jahren seines Lebens war Leonardo da Vinci wenig als Künstler tätig. Auf Einladung des französischen Königs Franz I. ging er 1517 nach Frankreich und wurde Hofmaler. Bald starb Leonardo. Auf der Selbstbildnis-Zeichnung (1510-1515) wirkte der graubärtige Patriarch mit tieftraurigem Blick viel älter als er war.
Das Ausmaß und die Einzigartigkeit von Leonardos Talent lassen sich anhand seiner Zeichnungen beurteilen, die einen der Ehrenplätze in der Kunstgeschichte einnehmen. Nicht nur den exakten Wissenschaften gewidmete Manuskripte, sondern auch kunsttheoretische Arbeiten sind untrennbar mit Zeichnungen von Leonardo da Vinci, Skizzen, Skizzen und Diagrammen verbunden. Den Problemen des Hell-Dunkels, der volumetrischen Modellierung, der linearen und der Luftperspektive wird viel Platz eingeräumt. Leonardo da Vinci besitzt zahlreiche Entdeckungen, Projekte und experimentelle Studien in Mathematik, Mechanik und anderen Naturwissenschaften.
Die Kunst von Leonardo da Vinci, seine wissenschaftlichen und theoretischen Forschungen, die Einzigartigkeit seiner Persönlichkeit haben die gesamte Kultur- und Wissenschaftsgeschichte der Welt durchlaufen und einen enormen Einfluss gehabt. 3
5 Michelangelo Buonarroti
Unter den Halbgöttern und Titanen der Hochrenaissance nimmt Michelangelo einen besonderen Platz ein. Als Schöpfer neuer Kunst verdient er den Namen Prometheus des 16. Jahrhunderts
Die schöne Marmorstatue, bekannt als Pieta, ist bis heute ein Denkmal für den ersten Aufenthalt in Rom und die volle Reife des 24. Jahrhunderts sommer künstler. Die Heilige Jungfrau sitzt auf einem Stein, auf ihrem Schoß ruht der leblose Leib Jesu, vom Kreuz abgenommen. Sie stützt ihn mit ihrer Hand. Unter dem Einfluss antiker Werke verwarf Michelangelo alle Traditionen des Mittelalters in der Darstellung religiöser Themen. Er gab dem Leib Christi und dem ganzen Werk Harmonie und Schönheit. Nicht der Tod Jesu sollte Entsetzen hervorrufen, sondern nur ein Gefühl ehrfürchtiger Überraschung gegenüber dem großen Leidenden. Die Schönheit des nackten Körpers profitiert stark von der Licht- und Schattenwirkung der kunstvoll arrangierten Falten von Marias Kleid. Bei dem vom Künstler dargestellten Antlitz Jesu fanden sie sogar Ähnlichkeiten mit Savonarola. Das ewige Bündnis von Kampf und Protest, ewiges Denkmal verborgenes Leiden des Künstlers selbst blieb Pieta.
Michelangelo kehrte 1501 nach Florenz zurück, in einem für die Stadt schwierigen Moment, wo er aus einem riesigen Block Carrara-Marmor, der für eine kolossale Statue des biblischen David zur Dekoration der Kuppel der Kathedrale bestimmt war, beschloss, ein integrales und perfekte Arbeit, ohne seine Größe zu verringern, und es war David. 1503, am 18. Mai, wurde die Statue auf der Piazza Senoria aufgestellt, wo sie mehr als 350 Jahre stand.
In dem langen und düsteren Leben von Michelangelo gab es nur eine Zeit, in der ihn das Glück anlächelte – das war, als er für Papst Julius ll. arbeitete. Michelangelo liebte auf seine Weise diesen unhöflichen Kriegervater, der überhaupt keine päpstlichen scharfen Manieren hatte. Das Grab von Papst Julius ist nicht so prächtig geworden, wie Michelangelo es beabsichtigt hatte. Statt der Kathedrale St. Peter wurde sie in eine kleine Kirche St. Peter, wo sie nicht einmal vollständig eintrat, und seine einzelnen Teile an verschiedenen Orten verstreut. Aber auch in dieser Form gehört es zu Recht zu den berühmtesten Schöpfungen der Renaissance. Seine zentrale Figur ist der biblische Moses, der Befreier seines Volkes aus der ägyptischen Gefangenschaft (der Künstler hoffte, dass Julius Italien von den Eroberern befreien würde). Alles verzehrende Leidenschaft, unmenschliche Kraft strapazieren den mächtigen Körper des Helden, sein Gesicht spiegelt Wille und Entschlossenheit wider, leidenschaftlicher Tatendrang, sein Blick ist auf das gelobte Land gerichtet. In olympischer Majestät sitzt ein Halbgott. Eine seiner Hände ruht kraftvoll auf einer Steintafel auf seinen Knien, die andere ruht hier mit einer Sorglosigkeit, die eines Mannes würdig ist, der nur eine Bewegung seiner Augenbrauen braucht, um alle zum Gehorchen zu bringen. Wie der Dichter sagte: „Vor einem solchen Idol hatte das jüdische Volk das Recht, sich im Gebet niederzuwerfen.“ Zeitgenossen zufolge sah Michelangelos „Moses“ tatsächlich Gott.
Auf Wunsch von Papst Julius bemalte Michelangelo die Decke der Sixtinischen Kapelle im Vatikan mit Fresken, die die Erschaffung der Welt darstellen. Seine Malerei wird von Linien und Körpern dominiert. 20 Jahre später malte Michelangelo an einer der Wände derselben Kapelle das Fresko des Jüngsten Gerichts – eine atemberaubende Vision der Erscheinung Christi beim Jüngsten Gericht, auf dessen Hand die Sünder in den Abgrund der Hölle fallen. Der muskulöse, herkulische Riese sieht nicht aus wie der biblische Christus, der sich für das Wohl der Menschheit geopfert hat, sondern die Verkörperung der Vergeltung der antiken Mythologie, das Fresko offenbart den schrecklichen Abgrund einer verzweifelten Seele, der Seele von Michelangelo.
In den Werken von Michelangelo drückt sich der Schmerz aus, der durch die Tragödie Italiens verursacht wurde, verschmolzen mit dem Schmerz über sein eigenes trauriges Schicksal.Schönheit, die sich nicht mit Leid und Unglück vermischt, fand Michelangelo in der Architektur. Michelangelo übernahm nach Bramantes Tod den Bau des Petersdoms. Als würdiger Nachfolger von Bramante erschuf er eine Kuppel und ist bis heute unübertroffen in Größe und Erhabenheit.
Michelangelo hatte keine Schüler, keine sogenannte Schule. Aber es gab eine ganze Welt, die von ihm geschaffen wurde. 4
6. Raffael
Das Werk von Rafael Santi ist eines jener Phänomene der europäischen Kultur, die nicht nur mit Weltruhm bedeckt sind, sondern auch eine besondere Bedeutung erlangt haben - die höchsten Meilensteine im spirituellen Leben der Menschheit. Seit fünf Jahrhunderten gilt seine Kunst als eines der Beispiele ästhetischer Perfektion.
Das Genie Raffaels offenbarte sich in Malerei, Grafik, Architektur. Die Werke Raffaels sind der vollständigste, lebendigste Ausdruck der klassischen Linie, des klassischen Beginns in der Kunst der Hochrenaissance (Anhang 3). Raphael schuf ein "universelles Bild" einer schönen Person, die körperlich und geistig perfekt ist und die Idee der harmonischen Schönheit des Seins verkörpert.
Raphael (genauer Raffaello Santi) wurde am 6. April 1483 in der Stadt Urbino geboren. Seinen ersten Malunterricht erhielt er von seinem Vater Giovanni Santi. Als Raphael 11 Jahre alt war, starb Giovanni Santi und der Junge wurde als Waise zurückgelassen (er verlor den Jungen 3 Jahre vor dem Tod seines Vaters). Anscheinend studierte er in den nächsten 5-6 Jahren Malerei bei Evangelista di Piandimeleto und Timoteo Viti, kleinen Provinzmeistern.
Die ersten uns bekannten Werke Raffaels wurden um 1500 - 1502 aufgeführt, als er 17-19 Jahre alt war. Dies sind Kompositionen in Miniaturgröße „Drei Grazien“, „Traum eines Ritters“. Diese einfältigen, noch studentisch schüchternen Dinger zeichnen sich durch subtile Poesie und Aufrichtigkeit des Gefühls aus. Von den ersten Schritten der Kreativität an offenbart sich Raffaels Talent in seiner ganzen Originalität, sein eigenes künstlerisches Thema wird umrissen.
Zu den besten Werken der Frühzeit gehört die Conestabile Madonna. Kompositionen, die die Madonna mit Kind darstellen, brachten Raffael weitreichende Berühmtheit und Popularität ein. Die zerbrechlichen, sanften, verträumten Madonnen der umbrischen Zeit wurden durch irdischere, vollblütige Bilder ersetzt, ihre innere Welt wurde komplexer, reich an emotionalen Schattierungen. Raffael erstellt neuer Typ Bilder von Madonna mit Kind – monumental, streng und lyrisch zugleich – gaben diesem Thema eine nie dagewesene Bedeutung.
Er verherrlichte die irdische Existenz des Menschen, die Harmonie geistiger und körperlicher Kräfte in den Gemälden der Strophen (Räume) des Vatikans (1509-1517) und erreichte ein tadelloses Gefühl für Proportionen, Rhythmus, Proportionen, Farbharmonie, Einheit Figuren und die Majestät architektonischer Hintergründe. Es gibt viele Bilder der Muttergottes ("Sixtinische Madonna", 1515-19), künstlerische Ensembles in den Wandmalereien der Villa Farnesina (1514-18) und den Loggien des Vatikans (1519, mit Studenten). In Porträts schafft er das Idealbild eines Renaissancemenschen (Baldassare Castiglione, 1515). Entwarf die Kathedrale von St. Peter, baute die Chigi-Kapelle der Kirche Santa Maria del Popolo (1512-20) in Rom.
Raffaels Malerei, ihr Stil, ihre ästhetischen Prinzipien spiegelten das Weltbild der Zeit wider. Bis zum dritten Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts hatte sich die kulturelle und geistige Situation in Italien geändert. Die historische Realität zerstörte die Illusionen des Humanismus der Renaissance. Die Wiederbelebung neigte sich dem Ende zu. 5
Abschluss
Während der Renaissance entstand das Interesse an der Kunst des antiken Griechenlands und Roms, was zu einem Wandel in Europa führte, der das Ende des Mittelalters und den Beginn der neuen Zeit markierte. Diese Zeit war nicht nur eine Zeit der „Wiederbelebung“ der alten Vergangenheit, es war eine Zeit der Entdeckungen und Forschungen, eine Zeit neuer Ideen. Klassische Beispiele regten zu neuem Denken an und betonten die menschliche Persönlichkeit, die Entwicklung und Manifestation von Fähigkeiten und nicht ihre Grenzen, was für das Mittelalter charakteristisch war. Lehre und wissenschaftliche Forschung waren nicht mehr ausschließlich Aufgabe der Kirche. Neue Schulen und Universitäten entstanden, naturwissenschaftliche und medizinische Experimente wurden durchgeführt. Künstler und Bildhauer strebten in ihrer Arbeit nach Natürlichkeit, nach einer realistischen Nachbildung von Welt und Mensch. Klassische Statuen und menschliche Anatomie wurden untersucht. Künstler begannen, die Perspektive zu verwenden und das ebene Bild aufzugeben. Die Objekte der Kunst sind der menschliche Körper, klassische und moderne Sujets sowie religiöse Themen. In Italien entstanden kapitalistische Beziehungen, und Diplomatie wurde als Instrument in den Beziehungen zwischen Stadtstaaten eingesetzt. Wissenschaftliche und technologische Entdeckungen wie die Erfindung des Buchdrucks trugen zur Verbreitung neuer Ideen bei. Nach und nach eroberten neue Ideen ganz Europa.
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Kurzbeschreibung >> Kultur und Kunst... Epoche August wurden 142 Bände historischer Werke tita Libyen... Die Welt zählt Meisterwerke Welt Kultur. Denkmäler der Architektur und des Bauwesens Epoche frühes ... städtisches Mittelalter Kultur. Der Name ist willkürlich: Er erschien in Epoche Renaissance und gemeint...
Kunst der Frührenaissance (Quattrocento)
Anfang des 15. Jahrhunderts geprägt von einer akuten politischen Krise, an der einerseits die Republik Florenz und Venedig, andererseits das Herzogtum Mailand und Villa Medici sowie das Königreich Neapel beteiligt waren. Endete von 1378 bis 1417. Kirchenspaltung, und Papst Martin V. wurde auf dem Konzil von Konstanz gewählt und wählte Rom als seine Residenz. Die Ausrichtung der politischen Kräfte in Italien hat sich geändert: Das Leben Italiens wurde von solchen Regionalstaaten wie Venedig, Florenz bestimmt, die Teile der Gebiete benachbarter Städte eroberten oder aufkauften und ans Meer gingen, Neapel. Die soziale Basis der italienischen Renaissance erweiterte sich. Lokale Kunstschulen mit langer Tradition gedeihen. Der säkulare Anfang wird in der Kultur prägend. Im XV Jahrhundert. Humanisten besetzten zweimal den päpstlichen Thron.
„Weder scheint ihm der Himmel zu hoch, noch der Erdmittelpunkt zu tief. Und da der Mensch die Struktur der Himmelskörper kennt und wie sie sich bewegen, wer will dann leugnen, dass das Genie des Menschen ... fast dasselbe ist. Marsilio Ficino Die Frührenaissance ist geprägt von der Überwindung der spätgotischen Traditionen und der Hinwendung zum antiken Erbe. Diese Umwandlung wird jedoch nicht durch Nachahmung verursacht. Es ist kein Zufall, dass Filarete sein eigenes Bestellsystem erfunden hat.
„Nachahmung der Natur“ durch das Verständnis ihrer Gesetze ist der Leitgedanke der Abhandlungen über die Kunst dieser Zeit.
Wenn im XIV Jahrhundert. Humanismus war überwiegend das Eigentum von Schriftstellern, Historikern und Dichtern, dann ab den ersten Jahren des 15. Jahrhunderts. humanistische Suchen drangen in die Malerei ein.
Virtu (Tapferkeit) - dieser von den alten Stoikern entlehnte Begriff wurde vom florentinischen Humanismus am Ende des 14.-1. Stocks übernommen. 15. Jahrhundert Der führende Platz im Humanismus im letzten Drittel des XV Jahrhunderts. besetzten Neuplatonismus, in dem sich der Schwerpunkt von moralischen und ethischen Fragen zu philosophischen verlagerte. Alle Humanisten dieses Jahrhunderts eint die Vorstellung vom Menschen als der vollkommensten Schöpfung der Natur.
Veränderungen in der Position des Künstlers sind darauf zurückzuführen, dass die Signoria von Florenz zu Beginn des Jahrhunderts die längst vergessene Regel bestätigte, wonach Architekten und Bildhauer nicht Teil der Zunftorganisation der Stadt sein konnten, in der sie waren hat funktioniert. Die Schöpfer der Werke erkennen den Wert der künstlerischen Originalität und beginnen, ihre Kreationen zu signieren, und so steht an den Türen der Florentiner Taufkapelle: „Ein wunderbares Kunstwerk von Lawrence Cione de Ghiberti“. In der zweiten Hälfte des XV Jahrhunderts. Zeichnungen vom Modell und maßstabsgetreue Skizzen werden obligatorisch.
Der erste italienische Architekt, der sich auf das antike römische Erbe konzentrierte, war Leon Battista Alberti (1404-1472). Absolut und primär war für Alberti die Schönheit. Auf diesem Verständnis von Schönheit begründete Alberti seine Lehre von der concinnitas (Konsonanz, Harmonie) aller Dinge. Im Zusammenhang mit dem Begriff der Proportionalität interessiert man sich auch für die Gesetze harmonischer Zahlenverhältnisse, perfekte Proportionen. Einige, wie Filarete, suchten sie im Gebäude menschlicher Körper, andere (Alberti, Brunelleschi) - in numerischer Hinsicht musikalischer Harmonik.
„Schönheit ist eine angemessene Harmonie aller Teile, vereint durch das, wozu sie gehören, so dass nichts hinzugefügt, weggenommen oder verändert werden kann, ohne es zu verschlimmern“, glaubte Alberti.
Eine weitere Entdeckung des Quattrocento ist die direkte Perspektive. F. Brunelleschi war der erste, der es in zwei Arten von Florenz anwandte. 1416 wurde es von einem Freund Brunelleschis, dem Bildhauer Donatello, in den Reliefs der Schlacht von St. Georg mit einem Drachen", und um 1427-1428. Masaccio schuf im Fresko „Dreifaltigkeit“ eine perspektivische Konstruktion. Eine detaillierte theoretische Entwicklung der Prinzipien der Perspektive hat Alberti in seiner Abhandlung über die Malerei gegeben. Die Projektionsmethode ging nicht von einzelnen Objektbildern aus, sondern von der räumlichen Verbindung von Objekten, bei der jedes einzelne Objekt sein stabiles Erscheinungsbild verlor. Das perspektivische Bild ist auf die Wirkung von Präsenz ausgelegt, es handelte sich also um das Zeichnen aus dem Leben von einem festen Standpunkt aus. Die Perspektive beinhaltet die Übertragung von Hell-Dunkel- und Ton-Farb-Beziehungen.
Quattrocento-Architektur
Das Wesen und die Muster der Architektur sind für die Theoretiker des 15. Jahrhunderts bestimmt. ihr Dienst am Menschen. Daher wird die Idee der Ähnlichkeit eines Gebäudes mit einer Person, die von Vitruv stammt, populär. Die Form des Gebäudes wurde mit den Proportionen des menschlichen Körpers verglichen. Architekturtheoretiker sahen auch die Verbindung zwischen Architektur und der Harmonie des Universums. 1441 wurde eine Abhandlung von Vitruv gefunden, deren Studium zur Assimilation der Prinzipien des Ordnungssystems beitrug. Architekten versuchten, ein Modell eines idealen Tempels zu bauen. Laut Alberti sollte es im Grundriss einem Kreis oder einem darin eingeschriebenen Polyeder ähneln.
Baptisterium (griechisches Baptisterium - Taufbecken) - ein Taufzimmer, ein Raum für die Taufe. In der Zeit des frühen Mittelalters wurden aufgrund der Notwendigkeit von Massentaufen Baptisterien von der Kirche getrennt gebaut. Am häufigsten wurden Baptisterien rund oder facettiert gebaut und mit einer Kuppel bedeckt.
Ein natürliches Ergebnis der Entwicklung der Perspektiventheorie war die Entwicklung der Proportionsgesetze - der räumlichen Beziehungen einzelner Elemente des Gebäudes (die Höhe der Säule und die Breite des Bogens, der durchschnittliche Durchmesser der Säule und ihrer Höhe).
Die Faszination für die Antike war charakteristisch für die Quattrocento-Meister, aber jeder Schöpfer schuf und war sich seines eigenen Ideals der Antike bewusst.
Im XV Jahrhundert. Wettbewerbe begannen für das Recht auf jeden abgehalten zu werden Kunstprojekt. So nahmen am Wettbewerb von 1401 für die Herstellung der nördlichen Bronzetüren des Baptisteriums sowohl berühmte Meister als auch der zwanzigjährige Lorenzo Ghiberti und Filippo Brunelleschi teil. Das Thema des Bildes war "Die Opferung Abrahams" in Form eines Reliefs. Ghiberti hat gewonnen. Brunelleschi (1377-1446), ein Architekt, Mathematiker und Ingenieur, gewann 1418 den Wettbewerb für den Bau der Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore. Die Kuppel sollte den Anfang des 13. Jahrhunderts erbauten Dom krönen. und im 14. Jahrhundert ausgebaut. Die Schwierigkeit bestand darin, dass die Kuppel nicht mit den damals bekannten Techniken errichtet werden konnte. Brunelleschi leitete seine Methode von den Methoden des antiken römischen Mauerwerks ab, änderte jedoch die Form der Kuppelstruktur. Die leicht spitze riesige (Durchmesser - 42 m) Kuppel bestand aus zwei Schalen, dem Hauptrahmen - aus 8 Hauptrippen und 16 zusätzlichen Rippen, die durch horizontale Ringe verbunden waren, die den Schub löschten.
Die von Brunelleschi geschaffene Loggia an der Fassade des Waisenhauses in Florenz wurde zur architektonischen Verkörperung der Essenz der Renaissance. Brunelleschi kehrte zu den Grundlagen der antiken römischen Architektur zurück und stützte sich auf die Prinzipien der Proto-Renaissance und die nationale Tradition der italienischen Architektur. Brunelleschi bewies sich als Reformer, indem er den Portikus des Waisenhauses, einer gemeinnützigen Einrichtung, schuf. Die Form der Fassade war neu. Der Portikus war breiter als das Waisenhaus selbst, an das sich rechts und links je ein weiterer Erker anschloss. Dadurch entstand der Eindruck einer weiten Ausdehnung, die sich in der Weitläufigkeit der Bogenspannweiten der Arkaden ausdrückte, betont durch die relativ geringe Höhe des zweiten Obergeschosses. Es gab keine gotischen Formen im Gebäude, anstatt das Gebäude in Höhe oder Tiefe zu orientieren, entlehnte Brunelleschi der Antike das harmonische Gleichgewicht von Massen und Volumen.
Abgeflachtes Relief (it. relievo schiacciatto) - eine Art Basrelief, bei dem sich das Bild am wenigsten über den Hintergrund erhebt und räumliche Pläne bis an die Grenze zusammengeführt werden.
Brunelleschi wird die erste praktische Umsetzung der direkten Perspektive zugeschrieben. Schon in der Antike gingen die Geometer der Optik davon aus, dass das Auge durch optische Strahlen mit dem beobachteten Objekt verbunden ist. Brunelleschis Entdeckung bestand darin, dass er diese optische Pyramide mit der Bildebene kreuzte und eine exakte Projektion des Objekts auf die Ebene erhielt. Brunelleschi benutzte die Türen der Kathedrale von Florenz als natürlichen Rahmen und platzierte vor ihnen eine Projektion des Baptisteriums (das Gebäude des Baptisteriums vor der Kathedrale), und diese Projektion stimmte mit der Silhouette des Gebäudes überein bestimmte Distanz.
Nicht alle Projekte von Brunelleschi wurden so ausgeführt, wie er es beabsichtigt hatte.
Brunelleschis Schüler Michelozzo di Bartolommeo schuf den Palazzo Medici – dreistöckig, quadratisch im Grundriss, mit einem quadratischen Innenhof in der Mitte.
Leon Batista Alberti (1404-1472) ist ein vielseitiger humanistischer Philosoph, der in Florenz, Ferrara und Rimini wirkte. Alberti war der erste Architekt, der sich hauptsächlich auf das antike römische Erbe konzentrierte und die Bedeutung der römischen Architektur tief verstand. Die Zeitgenossen waren verwirrt über die Ungewöhnlichkeit von Albertis Kirchengebäuden; Papst Pius I. erschien die Kirche San Francesco in Rimini wie ein heidnischer Tempel, die Kirche San Sebastiano in Mantua erinnerte sowohl an eine Kirche als auch an eine Moschee. Alberti schuf den Palazzo Ruccellai in Florenz mit glatten, rustikalen Wänden, eleganten Rahmen von Portalen und Fenstern und einer geordneten Dekoration der Fassade. Bei dem Projekt der Kirche Sant'Andrea in Mantua kombinierte Alberti die traditionelle Basilikaform des Tempels mit einem Kuppeldach. Das Gebäude zeichnet sich durch die Majestät der Bögen der Fassade und die Erhabenheit des Innenraums aus. Die Wand wurde horizontal von einem breiten Gebälk durchzogen. Von entscheidender Bedeutung war der Portikus und darin das Gewölbe, bei dem die Rippen durch eine flache Kuppel ersetzt wurden.
Die meisten anderen Architekten kombinierten erfolgreich die Rolle des Designers mit der Funktion des Vorarbeiters.
Malerei des 15. Jahrhunderts
Malerei ist überwiegend Monumentalmalerei, d.h. Fresko. Ein Merkmal des Freskos ist die Notwendigkeit, eine begrenzte Menge an Farbstoffen zu verwenden, die sich mit Kalk verbinden. Unter den Tafelbildern spielt der Altar eine immer wichtigere Rolle. Dies ist kein gotischer Altar mit vielen Flügeln, sondern eine einzelne Komposition - ein Altarbild, das sogenannte. Pala. Unter dem Altarbild befinden sich mehrere kleine, horizontal verlängerte Malereien, die einen schmalen Predellenstreifen bilden. In der ersten Hälfte des Jahrhunderts erschien ein eigenständiges weltliches Porträt. Einer der ersten Künstler dieser Zeit war Masaccio (richtiger Name - Tommaso di Giovanni di Simone Cassai) (1401-1428). Hauptwerke: „Madonna mit Kind und Engeln“, „Kreuzigung“, „Anbetung der Könige“, „Dreifaltigkeit“.
Im Fresko der Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria Del Carmines Wunder mit dem Stater von Masaccio verbindet drei Episoden: Christus, von dem der Zöllner Geld verlangt; Christus befiehlt Petrus, einen Fisch zu fangen, um eine Münze daraus zu entfernen; Peter gibt Geld. Masaccio macht die zweite Episode zentral, da er zeigen musste, dass Ereignisse vom motivierenden Willen Christi abhängen.
Fra Beato Angelico (1395-1455). 1418 wurde er im Dominikanerkloster in Fiesole tonsuriert, fortan Fra (Bruder) Giovanni genannt. 1438 zog er in das Kloster San Marco in Florenz, wo er den Hauptaltar und die Zellen der Mönche entwarf. Das berühmteste Werk von Fra Angelico war das Fresko „Verkündigung“.
Filippo Lippi (ca. 1406-1469) blieb früh ohne Eltern, 1421 wurde er im Kloster Santa Maria del Carmine tonsuriert. Filippo malte Altarbilder für die Florentiner Kirchen San Spirito, San Lorenzo, Sant'Ambrogio, kleine Altarbilder in Form eines Tondos, die üblicherweise zu Hochzeiten oder im Zusammenhang mit der Geburt eines Kindes verschenkt wurden. Er wurde von den Medici unterstützt Piero della Francesca (1420-1492) wurde in San Sepolcro geboren und trotz ständiger Abwesenheit kehrte er sein ganzes Leben lang zurück, um in seinem zu arbeiten Heimatstadt. 1452-1458. Piero della Francesca malte die Hauptkapelle der Kirche San Francesco in Arezzo mit Fresken zum Thema Geschichte des lebensspendenden Kreuzes aus.
Andrea della Verrocchio (1435-1489) war einer der Günstlinge der Medici, in deren Auftrag er Arbeiten in der Kirche San Lorenzo ausführte.
Domenico Ghirlandaio (1449-1494) arbeitete in Florenz für Kaufleute und Bankiers in der Nähe des Medici-Hauses. In seinen Kompositionen stellte er seine Mitbürger oft als Figuren der heiligen Geschichte dar.
Perugino (1450-1523). Richtiger Name - Pietro Vannucci, wurde in der Nähe von Perugia geboren, daher sein Spitzname Perugino. In Rom malte er 1481 gemeinsam mit anderen die Florentiner Kapelle zu den Themen des Alten und Neuen Testaments aus Altarkompositionen im Auftrag von Kirchen und Klöstern Norditaliens.
Bernardino di Betto, wegen seiner geringen Statur Pinturicchio genannt (1454–1513), schuf Fresken, Miniaturen an literarische Handlungen. Pinturicchios berühmtestes Werk waren die Stuckverzierungen und Fresken in den päpstlichen Räumen im Vatikan.
Andrea Mantegna (1431-1506) war Hofmaler des Herzogs von Gonzaga in Mantua, malte Bilder, schuf Stiche, Kulissen für Aufführungen. 1465-1474. Mantegna entwarf den Stadtpalast von Lodovico Gonzaga und seiner Familie.
Der letzte der großen Meister des Quattrocento ist Sandro Botticelli (1445-1510), der den florentinischen Neuplatonikern in seinem Streben nach einer anderen Welt nahe steht, dem Wunsch, über natürliche Formen und Geschichte hinauszugehen. Die frühen Werke Botticellis sind von sanfter Lyrik geprägt. Er malt Porträts voller Innenleben. Das ist Giuliano Medici, dessen Gesicht von Traurigkeit gezeichnet ist. Im „Portrait of Simonetta Vespucci“ zeigt Botticelli eine stehende junge Frau im Profil, deren Gesicht Selbstbewusstsein ausdrückt. In den 90er Jahren. er schuf ein Porträt von Lorenzo Lorenziano, einem Wissenschaftler, der 1504 in einem Anfall von Wahnsinn Selbstmord beging. Der Künstler zeichnet ein fast skulptural erfahrbares Bild.
Der „Frühling“ markierte den Beginn der höchsten Blüte von Botticellis Wirken, sein Ruhm erreichte Rom: Inmitten einer blühenden Wiese steht Venus, die Göttin der Liebe, dargestellt als elegant gekleidetes Mädchen. Über der Venus schwebt Amor mit verbundenen Augen und schießt einen brennenden Pfeil ins All. Rechts von der Venus führen drei Grazien einen Reigen an. In der Nähe der tanzenden Grazien befindet sich der Götterbote Merkur und erhebt den Stab - den Caduceus. Auf der rechten Seite des Bildes fliegt der Windgott Zephyr aus den Tiefen des Dickichts und verkörpert das elementare Prinzip in der Natur. „Die Geburt der Venus“ schrieb Botticelli 1482-1483. im Auftrag von Lorenzo de' Medici. Das Meer nähert sich dem äußersten Bildrand, auf seiner Oberfläche schwimmt eine goldrosa Muschel, auf deren Locke die nackte Venus steht. Rosen fallen zu ihren Füßen, die Winde lenken die Muschel ans Ufer, wo die Nymphe einen mit Blumen gewebten Umhang vorbereitet hat.
Es ist wahrscheinlich, dass Botticelli dem Bild einen Subtext aus dem Neuplatonismus beilegte. „Die Geburt der Venus“ ist keineswegs ein heidnischer Gesang weiblicher Schönheit. Es enthält die Idee des Christentums über die Geburt der Seele aus Wasser während der Taufe. Der nackte Körper der Göttin bedeutet Reinheit, die Natur wird durch ihre Elemente repräsentiert: Luft ist Aeolus und Boreas, Wasser ist ein grünliches Meer mit dekorativen Wellenkränzen. Dies steht im Einklang damit, wie der Leiter der Florentiner Akademie, Marsilio Ficino, den Mythos von der Geburt der Venus als Verkörperung der Seele interpretierte, die dank des göttlichen Prinzips Schönheit schaffen kann. Für Botticelli gab es keine unüberwindbare Grenze zwischen Antike und Christentum. Der Künstler führt antike Bilder in seine religiösen Gemälde ein. Einer von Berühmte Gemälde religiöser Inhalt - "Pracht der Madonna", geschaffen 1483-1485. Die Madonna ist auf einem Thron dargestellt, der von Engeln umgeben ist, mit dem Christuskind auf den Knien. Die Madonna streckt ihre Feder aus, um die Worte in das Buch zu schreiben, während das Gebet zu ihren Ehren beginnt. Nach dem „Magnificat *“ schafft Botticelli eine Reihe von Werken, in denen sich der Spiritismus zunehmend intensiviert, gotische Anklänge in der Raumlosigkeit, in der Überhöhung der Bilder auftauchen.
Die Renaissance-Skulptur verkörperte den Anthropozentrismus der Renaissance. Die Bildhauer der italienischen Renaissance vollzogen die Individualisierung des Bildes nicht nur im Sinne einer physiognomischen Personifizierung, sondern auch als spirituelles Selbstbewusstsein des Individuums. Hauptmerkmal Skulpturen aus dem 15. Jahrhundert - seine Trennung von der Mauer und Nische der Kathedrale.
Donatello (richtiger Name Donato di Niccolò di Betto Bardi) (1386-1466) besitzt die Erfindung besondere Art Relief, dessen Essenz in feinsten Volumenabstufungen liegt, in denen die fortschrittlichsten Figuren hochreliefiert sind, die entferntesten leicht aus dem Hintergrund herausragen. Gleichzeitig ist der Raum perspektivisch aufgebaut und ermöglicht Ihnen die Unterbringung vieler Figuren. Dies sind die Reliefs, die die Wunder des hl. Antonius des Altars der Kirche Sant'Antonio in Padua. Donatellos erstes abgeflachtes Relief war die um 1420 geschaffene Tafel „Der heilige Georg tötet den Drachen“. Die Hauptmasse des Bildes ist abgeflacht und abgeflacht, begrenzt durch eine tief eingeschnittene Kontur, die oft in der Technik einer geneigten Furche hergestellt wird.
1432 lernte Donatello in Rom die antike Kunst kennen und kam zu seiner eigenen Interpretation des Geistes der Antike, in der ihn die Übertragung emotionaler Erregung, das Drama der Gefühle, anzog. Donatello hat den in der antiken Bildhauerei verwendeten Chiasmus wiederbelebt - die Pose einer Figur, bei der das Gewicht des Körpers auf ein Bein verlagert wird und daher die gesenkte Schulter der steigenden Hüfte entspricht und umgekehrt.
Auf dem Platz vor der Kirche Sant'Antonio in Padua in den Jahren 1447-1453. Donatello setzt das erste in der Kunst der Neuzeit bronzenes Denkmal Gattamelat.
Frührenaissance
Frührenaissance. Literarisches Schaffen gehört in die Zeit der Frührenaissance Francesco Petrarca Und Johann Boccaccio . Diese die größten Dichter Italien gilt als Schöpfer des Italieners literarische Sprache. Petrarca (1304-1374) blieb in der Geschichte der Renaissance der erste Humanist, der nicht Gott, sondern den Menschen in den Mittelpunkt seines Schaffens stellte. weltweiter Ruhm bekommen Sonette Petrarca über Leben und Tod von Madonna Laura. Ein Schüler und Anhänger Petrarcas war Boccaccio (1313-1375) – der Autor einer bekannten Sammlung realistischer Kurzgeschichten "Dekameron". Der zutiefst humanistische Beginn von Boccaccios Werk, gesättigt mit subtilen Beobachtungen, exzellenten Kenntnissen der Psychologie, Humor und Optimismus, ist bis heute sehr lehrreich. Er gilt als herausragender Meister der Frührenaissance Masaccio (1401-1428). Die Wandmalereien des Künstlers (die Brancaci-Kapelle in Florenz) zeichnen sich durch kräftige Hell-Dunkel-Modellierung, plastische Körperlichkeit, Dreidimensionalität der Figuren und ihre kompositorische Verbindung mit der Landschaft aus. Das Vermächtnis eines herausragenden Pinselmeisters der Frührenaissance Sandro Botticelli (1445-1510), der am Medici-Hof in Florenz wirkte, zeichnet sich durch eine subtile Farbgebung und eine traurige Stimmung aus. Der Meister versucht nicht, der realistischen Art von Giotto und Masaccio zu folgen, seine Bilder sind flach und gleichsam körperlos. Unter den von Botticelli geschaffenen Werken ist das Gemälde das berühmteste "Geburt der Venus". Am meisten berühmter Bildhauer die erste Hälfte des XV Jahrhunderts. Donatello (ca. 1386-1466). Er belebte alte Traditionen wieder und präsentierte als erster einen nackten Körper in der Skulptur, schuf klassische Formen und Typen der Renaissance-Skulptur: eine neue Art von runder Statue und Skulpturengruppe, malerisches Relief. Seine Kunst zeichnet sich durch eine realistische Art aus. Herausragender Architekt und Bildhauer der Frührenaissance Philippa Brunelleschi (1377-1446) - einer der Begründer der Renaissance-Architektur. Es gelang ihm, die Hauptelemente der antiken Architektur wiederzubeleben, denen er etwas andere Proportionen gab. Dies ermöglichte es dem Meister, Gebäude auf eine Person zu fokussieren und sie nicht zu unterdrücken, für die insbesondere die Strukturen der mittelalterlichen Architektur entworfen wurden. Brunelleschi löste geschickt die komplexesten technischen Probleme (den Bau der Kuppel der Kathedrale von Florenz) und leistete einen großen Beitrag zur Grundlagenforschung (die Theorie der linearen Perspektive).
Hochrenaissance
Hochrenaissance. Die Zeit der Hochrenaissance war relativ kurz. Es ist vor allem mit den Namen der drei brillanten Meister der Titanen der Renaissance verbunden - Leonardo da Vinci , Raffael Santi Und Michelangelo Buonarroti . Leonardo da Vinci(1452-1519) ist an Begabung und Vielseitigkeit unter den Vertretern der Renaissance kaum zu überbieten. Es ist schwierig, eine Branche zu nennen, in der er nicht unübertroffene Fähigkeiten erlangt hätte. Leonardo war gleichzeitig Künstler, Kunsttheoretiker, Bildhauer, Architekt, Mathematiker, Physiker, Mechaniker, Astronom, Physiologe, Botaniker, Anatom. In seinem künstlerischen Erbe sind solche erhaltenen Meisterwerke wie « Das letzte Abendmahl» - Fresko im Refektorium des Klosters Santa Maria della Grazie in Mailand, sowie die meisten berühmtes Porträt Renaissance La Gioconda (Mona Lisa). Unter den zahlreichen Neuerungen von Leonardo sollte man einen besonderen Schreibstil erwähnen, der sog rauchiges Hell-Dunkel, die die Tiefe des Raums vermittelt. Großer Maler Italiens Raffael Santi(1483-1520) ging als Schöpfer einer Reihe malerischer Meisterwerke in die Geschichte der Weltkultur ein. Das frühe Arbeit Meister "Madonna Conestabile" durchdrungen von Anmut und sanfter Lyrik. reife Arbeit der maler zeichnet sich durch die perfektion von kompositorischen lösungen, farbe und ausdruck aus. Dies sind die Wandmalereien der Haupthallen des Vatikanpalastes und natürlich die großartigste Schöpfung Raffaels - „Sixtinische Madonna“. Der letzte Titan der Hochrenaissance war Michelangelo Buonarroti (1475-1564) - großer Bildhauer, Maler, Architekt und Dichter. Trotz seiner vielseitigen Begabung wird er vor allem aufgrund des bedeutendsten Werks eines bereits reifen Künstlers als erster Zeichner Italiens bezeichnet - Fresken in der Sixtinischen Kapelle im Vatikanpalast(1508-1512). Die Gesamtfläche des Freskos beträgt 600 qm. Meter. Wie der Bildhauer Michelangelo für seine berühmt wurde frühe Arbeit "David". Aber Michelangelo erlangte wahre Anerkennung als Architekt und Bildhauer als Designer und Bauleiter des Hauptteils des Gebäudes der Kathedrale von St. Peter in Rom, die bis heute die größte katholische Kirche der Welt ist
Kunst von Venedig
4. Kunst von Venedig. Die Zeit der Hoch- und Spätrenaissance war die Blütezeit der Kunst in Venedig. In der zweiten Hälfte des XVI Jahrhunderts. Venedig, das sich die republikanische Struktur bewahrt hat, wird zu einer Art Oase und Zentrum der Renaissance. Unter den Künstlern Venezianische Schule früh verstorben Giorgione (1476-1510), "Judith", "Schlafende Venus", "Landkonzert". Im Werk von Giorgione zeigten sich die Merkmale der venezianischen Schule, insbesondere begann der Künstler als erster, der Landschaft eine eigenständige Bedeutung zu geben, um vorrangig die Probleme von Farbe und Licht zu lösen. Der größte Vertreter der venezianischen Schule - Tizian Vecellio (1477/1487-1576). Zu seinen Lebzeiten erhielt er Anerkennung in Europa. Reihe bedeutende Werke wurde von Tizian im Auftrag europäischer Monarchen und des Papstes angefertigt. Tizians Werke bestechen durch ihre Neuartigkeit bei der Lösung hauptsächlich koloristischer und kompositorischer Probleme. Zum ersten Mal erscheint auf seinen Leinwänden das Bild der Menge als Teil der Komposition. Am meisten nennenswerte Werke Tizian: "Die reumütige Magdalena", "Liebe auf Erden und im Himmel", "Venus", "Danae", "Heiliger Sebastian" ua Das Werk des größten italienischen Dichters gehört in die Zeit der Hochrenaissance Ludovico Ariosto (1474-1533), der die literarischen Traditionen von Dante, Petrarca und Boccaccio fortsetzte. Sein bekanntestes Werk ist das heroische Rittergedicht "Wütender Roland" von subtiler Ironie durchdrungen und verkörpert die Ideen des Humanismus.
Spätrenaissance
Spätrenaissance. Die Zeit der Spätrenaissance war geprägt vom Einsetzen der katholischen Reaktion. Die Kirche versuchte erfolglos, die verlorene Macht über die Köpfe wiederherzustellen, indem sie einerseits kulturelle Persönlichkeiten ermutigte und andererseits repressive Maßnahmen gegen die Widerspenstigen einsetzte. So gaben viele Maler, Dichter, Bildhauer und Architekten die Ideen des Humanismus auf und erbten nur die Art und Weise, die Technik (die sogenannte Manierismus) große Meister der Renaissance. Zu den wichtigsten Begründern des Manierismus Jacopo Pontormo (1494-1557) und Angelo Bronzeno (1503-1572), der hauptsächlich im Porträtgenre tätig war. Der Manierismus wurde jedoch trotz des mächtigen Patronats der Kirche nicht zum führenden Trend in der Spätrenaissance. Diese Zeit war geprägt von der realistischen, humanistischen Arbeit der Maler Venezianische Schule: Paolo Veronez e (1528-1588), Jacopo Tintoretto (1518-1594), Michelangelo da Caravaggio (1573-1610) und andere.Seine Gemälde zeichnen sich durch ihre Einfachheit der Komposition, emotionale Spannung, die durch Kontraste von Licht und Schatten ausgedrückt wird, und Demokratie aus. Caravaggio war der erste, der der nachahmenden Richtung in der Malerei (Manierismus) realistische Sujets entgegenstellte. Volksleben - Karavaggismus. Der letzte der größten Bildhauer und Juweliere Italiens war Benvenuto Cellini (1500-1571), in dessen Werk sich die realistischen Kanons der Renaissance deutlich manifestierten (z. Bronze Statue„Perseus“). Cellini blieb in der Kulturgeschichte nicht nur als Juwelier, der einer ganzen Periode in der Entwicklung der angewandten Kunst seinen Namen gab, sondern auch als herausragender Memoirenschreiber, der mehr als einmal auf Russisch veröffentlicht wurde. Ende der Renaissance. In den 40er Jahren des 16. Jahrhunderts. Die Kirche in Italien begann, Repressionen gegen Andersdenkende einzusetzen. 1542 Die Inquisition wurde neu organisiert und ihr Tribunal in Rom eingerichtet. Viele führende Wissenschaftler und Denker, die weiterhin an den Traditionen der Renaissance festhielten, wurden unterdrückt, starben auf dem Scheiterhaufen der Inquisition (darunter der große italienische Astronom Giordano Bruno , 1548-1600). 1540 wurde genehmigt Jesuitenorden, die sich im Wesentlichen in ein repressives Organ des Vatikans verwandelte. 1559 Papst Paul IV. veröffentlicht erstmals "Liste der verbotenen Bücher" Die in der „Liste“ genannten Werke der Literatur durften Gläubigen unter Androhung des Kirchenausschlusses nicht gelesen werden. Unter den zu vernichtenden Büchern befanden sich viele Werke der humanistischen Literatur der Renaissance (z. B. die Schriften von Boccaccio). So die Renaissance zu Beginn der 40er Jahre des 17. Jahrhunderts. endete in Italien.
Kultur der Renaissance
Periodisierung:
XIV Jahrhundert - Trecento, Proto-Renaissance.
XV Jahrhundert - Quattrocento, Hochrenaissance.
XVI Jahrhundert - Cinquecento, später Renaissance.¦ Die Wiederbelebung alter Traditionen in Architektur, Malerei, Bildhauerei nach dem mittelalterlichen Niedergang der bildenden Kunst.
¦ Humanismus: die menschliche Persönlichkeit steht im Mittelpunkt, Bewunderung für die geistige und körperliche Schönheit eines Menschen; Zerstörung des Askesekultes.¦ Reformation - die Entstehung des Protestantismus; die Antwort war die Stärkung der Inquisition, die zum Niedergang der Renaissancekultur führte.¦ Eine Übergangskultur, die die Traditionen der Antike und des Mittelalters synthetisierte.
