Russischer Jazzsänger. Berühmte russische Jazzsänger

Oleg Lundstrem - Wohnwagen

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Während sich der Jazz in den USA aktiv entwickelte, begann er im nachrevolutionären Russland der 1920er Jahre nur seine zaghafte Bewegung. Es kann nicht gesagt werden, dass dieses Musikgenre kategorisch verboten wurde, aber die Tatsache, dass die Entwicklung des Jazz in Russland nicht ohne Kritik der Behörden verlief. Der Ausdruck "Heute spielt er Jazz und morgen verkauft er seine Heimat" (oder ein anderer weniger populärer "Vom Saxophon zum finnischen Messer - ein Schritt") spiegelt deutlich die Einstellung zum Jazz in der UdSSR wider.

Es gibt eine Version, die der Jazz in der UdSSR überlebt hat, weil er als "Musik der Schwarzen" galt und die Schwarzen als unterdrückte Nation und daher dem Sowjetstaat freundlich gesinnt waren. Daher wurde der Jazz in der Union nicht vollständig erstickt, obwohl viele talentierte Jazzmänner nicht in die breite Öffentlichkeit "durchbrechen" konnten. Sie durften nicht auftreten und auf Schallplatten aufnehmen. Jazz galt in Russland immer noch als angeblich ideologische Waffe, mit der die USA die UdSSR versklaven wollten. Erwähnungen des Jazz in den Medien wurden stillschweigend verboten.

Das erste Jazzorchester in Sowjetrussland wurde 1922 in Moskau von dem Dichter, Übersetzer, Tänzer und Theaterfigur Valentin Parnakh gegründet und hieß "Valentin Parnakhs erstes exzentrisches Jazzbandorchester in der RSFSR".

Das Orchester des Moskauer Pianisten und Komponisten Alexander Tsfasman gilt als das erste professionelle Jazz-Ensemble, das im Rundfunk auftrat und eine Schallplatte aufnahm – sein Orchester „AMA Jazz“ trat 1927 im Moskauer Rundfunk auf und nahm die Schallplatte „Halleluja“ auf. Nach ihm spezialisierten sich die frühen sowjetischen Jazzbands auf die Aufführung modischer Tänze - Foxtrott a, Charleston a und andere.

Leonid Utesov kann jedoch als „Vater“ des russischen Jazz angesehen werden. Im sowjetischen Massenbewusstsein gewann Jazz in den 30er Jahren dank des Leningrader Ensembles unter der Leitung des Schauspielers und Sängers Leonid Utyosov und des Trompeters Ya. B. Skomorovsky an Popularität. Die beliebte Filmkomödie mit seiner Beteiligung „Merry Fellows“ (1934, ursprünglich „Jazz Comedy“ betitelt) war der Geschichte eines Jazzmusikers gewidmet und hatte einen passenden Soundtrack (geschrieben von Isaak Dunaevsky). Utyosov und Skomorovsky bildeten den ursprünglichen Stil des "Tea-Jazz" (Theater-Jazz), der auf einer Mischung aus Musik und Theater basierte, wobei Operette, dh Gesangsnummern und ein Element der Aufführung, eine große Rolle spielten.

Leonid Utyosov - Mischka Odesit

Die Arbeit des Komponisten und Orchesterleiters Eddie Rosner hat die Entwicklung des sowjetischen Jazz maßgeblich beeinflusst. Er begann seine Karriere in Deutschland und Polen und als er in die UdSSR kam, wurde er einer der Pioniere des Swing in der UdSSR. Eine wichtige Rolle bei der Popularisierung und Entwicklung des Swing-Stils spielten auch Moskauer Bands der 30er und 40er Jahre. unter der Leitung von Alexander Tsfasman a und Alexander Varlamov a. Die Bigband von Oleg Lundstrem ist ebenfalls weithin bekannt (er tourte in China 1935 - 1947)

Chruschtschows „Tauwetter“ schwächte die Verfolgung von Musikern. Das in Moskau abgehaltene VI. Weltjugendfestival brachte eine neue Generation sowjetischer Jazzmusiker hervor. Der sowjetische Jazz betrat die europäische Arena. Das 2. Moskauer Jazzfestival ging in die Geschichte ein - die All-Union-Plattenfirma Melodiya veröffentlichte eine Sammlung der Besten Musikalische Nummern Festival. Die Namen der Jazzmusiker Igor Bril, Boris Frumkin und anderer wurden bekannt. Die Tourneen von Leonid Chizhik in den USA sorgten beim amerikanischen Publikum für Aufsehen und zeigten das höchste Niveau der russischen Pianisten.

In den 50-60er Jahren. In Moskau nahmen die Orchester von Eddie Rosner und Oleg Lundstrem ihre Tätigkeit wieder auf. Zu den Neubesetzungen gehören die Orchester von Joseph Weinstein (Leningrad) und Vadim Ludvikovsky (Moskau) sowie das Riga Variety Orchestra (REO). Big Bands brachten eine ganze Galaxie talentierter Arrangeure und Improvisationssolisten hervor. Unter ihnen sind Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin.

In dieser Zeit entwickelte sich der Kammer- und Clubjazz in all seiner Stilvielfalt (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov). , Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik usw.) Viele der oben genannten Meister des sowjetischen Jazz begannen ihre Karriere auf der Bühne des legendären Moskauer Jazzclubs "

Jazzkünstler haben eine unverwechselbare Musiksprache erfunden, die auf Improvisation, komplexen rhythmischen Mustern (Swing) und einzigartigen harmonischen Mustern basiert.

Jazz entstand im späten XIX - frühen XX in den Vereinigten Staaten von Amerika und war einzigartig soziales Phänomen, nämlich die Verschmelzung afrikanischer und amerikanischer Kulturen. Weitere Entwicklung und die Aufteilung des Jazz in verschiedene Stile und Unterstile ist darauf zurückzuführen, dass Jazzkünstler und -komponisten ihre Musik immer weiter verkomplizieren, nach neuen Klängen suchen und neue Harmonien und Rhythmen beherrschen.

So hat sich ein riesiges Jazz-Erbe angesammelt, in dem folgende Hauptschulen und -stile unterschieden werden können: New Orleans (traditioneller) Jazz, Bebop, Hardbop, Swing, Cool Jazz, Progressive Jazz, Free Jazz, Modal Jazz, Fusion usw e. In diesem Artikel werden zehn herausragende Jazzkünstler gesammelt, nachdem Sie sie gelesen haben, erhalten Sie das vollständigste Bild der Ära der freien Menschen und der energiegeladenen Musik.

Miles Davis (Miles Davis)

Miles Davis wurde am 26. Mai 1926 in Alton (USA) geboren. Bekannt als ikonischer amerikanischer Trompeter, dessen Musik einen großen Einfluss auf die Jazz- und Musikszene des 20. Jahrhunderts insgesamt hatte. Er experimentierte viel und mutig mit Stilen, und vielleicht steht die Figur des Davis deshalb an den Ursprüngen von Stilen wie Cool Jazz, Fusion und Modal Jazz. Miles begann seine musikalische Karriere als Mitglied des Charlie Parker Quintetts, schaffte es aber später, seinen eigenen musikalischen Sound zu finden und zu entwickeln. Die wichtigsten und wegweisendsten Alben von Miles Davis sind Birth of the Cool (1949), Kind of Blue (1959), Bitches Brew (1969) und In a Silent Way (1969). Das Hauptmerkmal von Miles Davis war, dass er ständig auf der kreativen Suche war und der Welt neue Ideen zeigte, und deshalb verdankt die Geschichte der modernen Jazzmusik so viel seinem außergewöhnlichen Talent.

Louis Armstrong (Louis Armstrong)

Louis Armstrong, der Mann, dessen Name den meisten Menschen in den Sinn kommt, wenn sie das Wort „Jazz“ hören, wurde am 4. August 1901 in New Orleans (USA) geboren. Armstrong hatte ein umwerfendes Talent für das Trompetenspiel und trug viel zur Entwicklung und Popularisierung der Jazzmusik auf der ganzen Welt bei. Darüber hinaus fesselte er das Publikum auch mit seinem heiseren Bassgesang. Der Weg, den Armstrong vom Landstreicher zum Titel des King of Jazz gehen musste, war dornenreich. Und es begann in einer Kolonie für schwarze Teenager, wo Louis für einen unschuldigen Streich endete – er schoss mit einer Pistole auf ihn Silvester. Übrigens hat er einem Polizisten, einem Kunden seiner Mutter, der ein Vertreter des ältesten Berufs der Welt war, eine Waffe gestohlen. Dank dieser nicht allzu günstigen Umstände sammelte Louis Armstrong seine ersten musikalischen Erfahrungen in der Camp Brass Band. Dort beherrschte er Kornett, Tamburin und Althorn. Mit einem Wort, Armstrong wurde von Märschen in der Kolonie und dann episodischen Auftritten in Clubs zu einem Weltklasse-Musiker, dessen Talent und Beitrag zur Jazz-Schatzkammer kaum überschätzt werden kann. Der Einfluss seiner wegweisenden Alben Ella and Louis (1956), Porgy and Bess (1957) und American Freedom (1961) ist immer noch im Spiel zeitgenössischer Künstler verschiedener Stilrichtungen zu hören.

Herzog Ellington (Herzog Ellington)

Duke Ellinton wurde am 29. April 1899 in Washington DC geboren. Pianist, Orchesterleiter, Arrangeur und Komponist, dessen Musik zu einer echten Innovation in der Welt des Jazz geworden ist. Seine Werke wurden auf allen Radiosendern gespielt, und seine Aufnahmen gehören zu Recht in den „Goldfonds des Jazz“. Ellinton wurde auf der ganzen Welt anerkannt, erhielt viele Auszeichnungen und schrieb eine Vielzahl von Büchern geniale Werke, darunter der „Caravan“-Standard, der um die Welt ging. Zu seinen bemerkenswertesten Veröffentlichungen gehören Ellington At Newport (1956), Ellington Uptown (1953), Far East Suite (1967) und Masterpieces By Ellington (1951).

Herbie Hancock (Herbie Hancock)

Herbie Hancock wurde am 12. April 1940 in Chicago (USA) geboren. Hancock ist bekannt als Pianist und Komponist sowie Inhaber von 14 Grammy Awards, die er für seine Arbeit im Bereich Jazz erhielt. Seine Musik ist interessant, weil sie Elemente aus Rock, Funk und Soul mit Free Jazz verbindet. Auch in seinen Kompositionen finden sich Elemente der modernen Klassik und Blues-Motive. Generell wird fast jeder anspruchsvolle Hörer in Hancocks Musik etwas für sich finden können. Wenn wir von innovativen kreativen Lösungen sprechen, dann gilt Herbie Hancock als einer der ersten Jazzkünstler, der Synthesizer und Funk auf die gleiche Weise kombiniert hat, der Musiker ist an der Spitze des neuesten Jazzstils – Post-Bop. Trotz der Besonderheit der Musik einiger Phasen von Herbies Arbeit sind die meisten seiner Lieder melodische Kompositionen, die sich in die breite Öffentlichkeit verliebt haben.

Unter seinen Alben sind folgende zu unterscheiden: „Head Hunters“ (1971), „Future Shock“ (1983), „Maiden Voyage“ (1966) und „Takin‘ Off“ (1962).

John Coltrane (John Coltrane)

John Coltrane, ein herausragender Jazz-Innovator und Virtuose, wurde am 23. September 1926 geboren. Coltrane war ein talentierter Saxophonist und Komponist, Bandleader und einer der einflussreichsten Musiker des 20. Jahrhunderts. Coltrane gilt zu Recht als eine bedeutende Persönlichkeit in der Entwicklungsgeschichte des Jazz, die moderne Interpreten sowie die Schule der Improvisation im Allgemeinen inspiriert und beeinflusst hat. Bis 1955 blieb John Coltrane relativ unbekannt, bis er sich der Miles Davis Band anschloss. Einige Jahre später verlässt Coltrane das Quintett und beginnt sich intensiv mit seiner eigenen Arbeit zu beschäftigen. In diesen Jahren nahm er Alben auf, die den wichtigsten Teil des Jazz-Erbes ausmachten.

Dies sind „Giant Steps“ (1959), „Coltrane Jazz“ (1960) und „A Love Supreme“ (1965), die zu Ikonen der Jazzimprovisation wurden.

Charlie Parker (Charlie Parker)

Charlie Parker wurde am 29. August 1920 in Kansas City (USA) geboren. Die Liebe zur Musik erwachte schon früh in ihm: Mit 11 Jahren begann er das Saxophon zu beherrschen. In den 30er Jahren begann Parker, die Prinzipien der Improvisation zu beherrschen und entwickelte in seiner Technik einige der Techniken, die dem Bebop vorausgingen. Später wurde er einer der Begründer dieses Stils (zusammen mit Dizzy Gillespie) und hatte im Allgemeinen einen sehr starken Einfluss auf die Jazzmusik. Als Teenager wurde der Musiker jedoch morphinsüchtig, und in der Zukunft entstand das Problem der Heroinsucht zwischen Parker und der Musik. Leider konnte Charlie Parker auch nach der Behandlung in der Klinik und Genesung nicht mehr so ​​aktiv arbeiten und neue Musik schreiben. Letztendlich brachte Heroin sein Leben und seine Karriere zum Entgleisen und verursachte seinen Tod.

Charlie Parkers bedeutendste Jazzalben sind Bird and Diz (1952), Birth of the Bebop: Bird on Tenor (1943) und Charlie Parker with strings (1950).

Thelonious Monk Quartett (Thelonious Monk)

Thelonious Monk wurde am 10. Oktober 1917 in Rocky Mount (USA) geboren. Er ist vor allem als Jazzkomponist und Pianist sowie als einer der Gründer des Bebop bekannt. Seine ursprünglich „zerrissene“ Spielweise nahm verschiedene Stilrichtungen auf – von Avantgarde bis Primitivismus. Solche Experimente machten den Sound seiner Musik nicht gerade jazztypisch, was jedoch viele seiner Werke nicht daran hinderte, zu Klassikern dieser Musikrichtung zu werden. Sehr sein ein ungewöhnlicher Mensch, der von Kindesbeinen an alles daran gesetzt hat, nicht „normal“ zu sein und Monk wie alle anderen nicht nur für seine musikalischen Entscheidungen bekannt wurde, sondern auch für seine extreme komplexe Natur. Viele anekdotische Geschichten sind mit seinem Namen verbunden, wie er zu seinen eigenen Konzerten zu spät kam und sich einmal weigerte, überhaupt in einem Club in Detroit zu spielen, weil seine Frau nicht zu einem Auftritt erschien. Und so saß Monk mit verschränkten Armen auf einem Stuhl, bis seine Frau endlich in den Flur gebracht wurde – in Pantoffeln und im Morgenmantel. Vor den Augen ihres Mannes wurde die arme Frau dringend per Flugzeug abgeliefert, wenn nur das Konzert stattfinden würde.

Zu Monks bemerkenswertesten Alben gehören Monk's Dream (1963), Monk (1954), Straight No Chaser (1967) und Misterioso (1959).

Billie Urlaub (Billy Urlaub)

Billie Holiday, berühmte amerikanische Jazzsängerin, wurde am 7. April 1917 in Philadelphia geboren. Wie viele Jazzmusiker begann Holiday ihre musikalische Karriere in Nachtclubs. Im Laufe der Zeit hatte sie das Glück, den Produzenten Benny Goodman kennenzulernen, der ihre ersten Aufnahmen im Studio organisierte. Berühmtheit erlangte der Sänger, nachdem er in den Big Bands von Jazzmeistern wie Count Basie und Artie Shaw (1937-1938) mitgewirkt hatte. Lady Day (wie ihre Fans sie nannten) hatte einen einzigartigen Auftrittsstil, dank dem sie einen frischen und einzigartigen Sound für die einfachsten Kompositionen neu zu erfinden schien. Sie war besonders gut in romantischen, langsamen Songs (wie "Don't Explain" und "Lover Man"). Die Karriere von Billie Holiday war hell und brillant, aber nicht lange, denn nach dreißig Jahren wurde sie süchtig nach Alkohol und Drogen, was sich negativ auf ihre Gesundheit auswirkte. Die Engelsstimme verlor ihre frühere Stärke und Flexibilität, und Holiday verlor schnell die Gunst des Publikums.

Billie Holiday bereicherte die Jazzkunst mit so herausragenden Alben wie „Lady Sings the Blues“ (1956), „Body and Soul“ (1957) und „Lady in Satin“ (1958).

Bill Evans (Bill Evans)

Bill Evans, der legendäre amerikanische Jazzpianist und Komponist, wurde am 16. August 1929 in New Jersey, USA, geboren. Evans ist einer der einflussreichsten Jazzkünstler des 20. Jahrhunderts. Seine musikalischen Werke sind so raffiniert und ungewöhnlich, dass nur wenige Pianisten in der Lage sind, seine Ideen zu erben und auszuleihen. Souverän swingen und improvisieren konnte er wie kaum ein anderer, dabei waren ihm Melodik und Schlichtheit alles andere als fremd – seine Interpretationen berühmter Balladen gewannen auch beim Nicht-Jazz-Publikum an Popularität. Evans wurde als akademischer Pianist ausgebildet und begann nach seinem Militärdienst mit verschiedenen obskuren Musikern als Jazzkünstler in der Öffentlichkeit aufzutreten. Der Erfolg kam ihm 1958, als Evans zusammen mit Cannonball Oderley und John Coltrane dem Miles-Davis-Sextett beitrat. Evans gilt als Schöpfer des Kammerjazz-Trio-Genres, das sich durch ein improvisierendes Lead-Piano sowie Solo-Schlagzeug und Kontrabass auszeichnet. Sein Musikstil brachte eine Vielzahl von Farben in die Jazzmusik - von einfallsreichen, anmutigen Improvisationen bis hin zu lyrisch gefärbten Tönen.

Nai beste Alben Evans kann auf seine Soloaufnahmen von „Alone“ (1968), die im Mann-Orchester-Modus aufgenommen wurden, „Waltz for Debby“ (1961), „New Jazz Conceptions“ (1956) und „Explorations“ (1961) zurückgeführt werden.

Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)

Dizzy Gillespie wurde am 21. Oktober 1917 in Chirow, USA, geboren. Dizzy hat sich viel in der Entwicklungsgeschichte der Jazzmusik verdient gemacht: Er ist bekannt als Trompeter, Sänger, Arrangeur, Komponist und Orchesterleiter. Gillespie war auch Mitbegründer des Improvisationsjazz mit Charlie Parker. Wie viele Jazzmusiker begann Gillespie in Clubs zu spielen. Dann zog er nach New York und trat erfolgreich in das örtliche Orchester ein. Er war bekannt für sein originelles, um nicht zu sagen albernes Verhalten, das die Leute, die mit ihm arbeiteten, erfolgreich gegen ihn aufbrachte. Aus dem ersten Orchester, in dem ein sehr talentierter, aber eigenartiger Trompeter Dizz auf Tournee in England und Frankreich ging, wäre er beinahe rausgeschmissen worden. Auch die Musiker seines zweiten Orchesters reagierten nicht ganz herzlich auf Gillespies Spott über ihr Spiel. Außerdem verstanden nur wenige Menschen seine musikalischen Experimente – manche nannten seine Musik „chinesisch“. Die Zusammenarbeit mit dem zweiten Orchester endete in einem Kampf zwischen Cab Calloway (seinem Anführer) und Dizzy während eines der Konzerte, wonach Gillespie mit einem Knall aus der Band ausgeschlossen wurde. Danach gründet Gillespie seine eigene Gruppe, in der er und andere Musiker daran arbeiten, die traditionelle Jazzsprache zu diversifizieren. So wurde der als Bebop bekannte Stil geboren, an dessen Stil Dizzy aktiv arbeitete.

Zu den besten Alben des genialen Trompeters gehören „Sonny Side Up“ (1957), „Afro“ (1954), „Birk’s Works“ (1957), „World Statesman“ (1956) und „Dizzy and Strings“ (1954).

Seit Jahrzehnten ist die Musik der Freiheit, dargeboten von schwindelerregenden Jazz-Virtuosen, ein großer Teil der Musikszene und des menschlichen Lebens. Die Namen der Musiker, die Sie oben sehen können, sind im Gedächtnis vieler Generationen verewigt, und höchstwahrscheinlich wird die gleiche Anzahl von Generationen mit ihrem Können inspirieren und verblüffen. Vielleicht liegt das Geheimnis darin, dass die Erfinder von Trompeten, Saxophonen, Kontrabässen, Klavieren und Schlagzeugen wussten, dass einige Dinge auf diesen Instrumenten nicht möglich waren, aber vergessen, Jazzmusikern davon zu erzählen.

Die Geschichte des sowjetischen (nach 1991 - russischen) Jazz ist nicht ohne Originalität und unterscheidet sich von der Periodisierung des amerikanischen und europäischen Jazz.

Musikhistoriker unterteilen den amerikanischen Jazz in drei Perioden:

• traditioneller Jazz, einschließlich New Orleans-Stil (einschließlich Dixieland), Chicago-Stil und Swing - mit spätes XIX v. bis in die 1940er Jahre;
• modern(Modern Jazz), darunter die Stilrichtungen Bebop, Cool, Progressive und Hard-Boys - seit Anfang der 40er Jahre. und bis Ende der 50er Jahre. XX Jahrhundert;
• Avantgarde(Free Jazz, Modal Style, Fusion und freie Improvisation) - seit den frühen 1960er Jahren.

Es sollte beachtet werden, dass die oben genannten nur vorübergehende Grenzen für die Transformation eines bestimmten Stils oder einer bestimmten Richtung sind, obwohl sie alle nebeneinander existierten und bis heute bestehen.

Bei allem Respekt vor dem sowjetischen Jazz und seinen Meistern muss ehrlicherweise zugegeben werden, dass der sowjetische Jazz in den Sowjetjahren immer zweitrangig war, basierend auf den Ideen, die ursprünglich in den Vereinigten Staaten entstanden sind. Und erst nachdem der russische Jazz Ende des 20. Jahrhunderts einen langen Weg zurückgelegt hatte. wir können über die Originalität des Jazz sprechen, der von russischen Musikern aufgeführt wird. Sie nutzen den Reichtum des Jazz, der sich über ein Jahrhundert angesammelt hat, und gehen ihren eigenen Weg.

Die Geburt des Jazz in Russland fand ein Vierteljahrhundert später statt als in Übersee, und die Zeit des archaischen Jazz, die die Amerikaner durchmachten, ist in der Geschichte des russischen Jazz überhaupt nicht präsent. Damals, als im jungen Russland gerade eine musikalische Neuheit zu hören war, tanzte Amerika mit Macht und Kraft zum Jazz, und es gab so viele Orchester, dass es unmöglich war, ihre Zahl zu zählen. Jazzmusik gewann immer mehr Publikum, Länder und Kontinente. Viel glücklicheres europäisches Publikum. Bereits in den 1910er Jahren und insbesondere während des Ersten Weltkriegs (1914-1918) versetzten amerikanische Musiker die Alte Welt mit ihrer Kunst in Staunen, und auch die Schallplattenindustrie trug zur Verbreitung der Jazzmusik bei.

Der 1. Oktober 1922 gilt als Geburtstag des sowjetischen Jazz Große Halle Staatliches Institut Theaterkunst gab ein Konzert "Die erste exzentrische Jazzband in der RSFSR". So haben sie dieses Wort geschrieben - Jazzband. Dieses Orchester wurde von einem Dichter, Übersetzer, Geographen, Reisenden und Tänzer organisiert Valentin Parnach(1891-1951). 1921 kehrte er aus Paris, wo er seit 1913 lebte und mit hervorragenden Künstlern, Schriftstellern und Dichtern bekannt war, nach Russland zurück. In Frankreich traf dieser herausragende und hochgebildete Mann, leicht mysteriös, der alles Avantgarde liebte, die ersten Jazz-Gastkünstler aus Amerika und beschloss, von dieser Musik mitgerissen, russische Zuhörer mit musikalischer Exotik bekannt zu machen. Das neue Orchester erforderte ungewöhnliche Instrumente, und Parnakh brachte ein Banjo, Sätze von Trompetendämpfern, Tomtom mit Fußpedal, Becken u Geräuschinstrumente. Parnakh, der kein Musiker war, hatte eine utilitaristische Einstellung zur Jazzmusik. „Er wurde von ungewöhnlichen, gebrochenen Rhythmen und neuen, wie er sagte, „exzentrischen“ Tänzen zu dieser Musik hingezogen“, erinnerte er sich später berühmter Autor, Dramatiker, Drehbuchautor Yevgeny Gabrilovich, der einige Zeit als Pianist im Orchester von Valentin Parnakh arbeitete.

Musik, so Parnakh, sollte eine Begleitung zu plastischen Bewegungen sein, anders als beim klassischen Ballett. Der Dirigent argumentierte von Anfang an, dass eine Jazzgruppe ein „Mimik-Orchester“ sein sollte, so dass es im heutigen Sinne schwierig ist, ein solches Orchester vollständig als Jazzorchester zu bezeichnen. Höchstwahrscheinlich war es ein Rauschorchester. Vielleicht aus diesem Grund hat sich der Jazz in Russland zunächst im Theaterumfeld etabliert, und drei Jahre lang trat das Parnakh-Orchester in Aufführungen auf, die von Theaterregisseur Vsevolod Meyerhold inszeniert wurden. Darüber hinaus nahm das Orchester manchmal an Karnevalsfeiern teil, die im Press House aufgeführt wurden, wo sich die Moskauer Intelligenz versammelte. Bei dem Konzert, das der Eröffnung des 5. Kongresses der Komintern gewidmet war, führten die Orchestermitglieder Fragmente von Darius Milhauds Musik für das Ballett „Bull on the Roof“ auf – eine ziemlich schwierige Komposition. Die Jazzband von Parnakh war die erste Gruppe, die in das Staatliche Akademische Dramatheater eingeladen wurde, aber nach einiger Zeit passte der angewandte Wert des Orchesters nicht zum Leiter, und Vsevolod Meyerhold war verärgert darüber, dass sobald das Orchester zu spielen begann, Die ganze Aufmerksamkeit des Publikums war auf die Musiker gerichtet, nicht auf die Bühnenaktion. Trotz der Tatsache, dass die Presse den erfolgreichen Einsatz von Musik zum „Manifestieren eines dramatischen Rhythmus, Schlagen des Pulses einer Aufführung“ anmerkte, verlor Regisseur Meyerhold nach einem großartigen und lauter Erfolg, kehrte zur Poesie zurück. Valentin Parnakh war der erste russische Autor von Artikeln über Neue Musik, schrieb sogar Gedichte über Jazz. Es gibt keine Aufnahmen des Parnakh-Ensembles, da Aufnahmen in der UdSSR erst 1927 erschienen, als das Ensemble bereits zerfallen war. Zu diesem Zeitpunkt waren im Land viel mehr professionelle Künstler entstanden als "Das erste exzentrische Orchester in der RSFSR - die Jazzband von Valentin Parnakh". Das waren Orchester Teplitsky, Landsberg, Utesov, Tsfasman.

In den späten 1920er Jahren Enthusiasten fanden sich in der UdSSR, Musiker tauchten auf, die spielten, was „auf dem Ohr“ war, was irgendwie aus dem Jazz-Mekka stammte, aus Amerika, wo zu dieser Zeit große Swing-Orchester auftauchten. 1926 in Moskau, Absolvent des Konservatoriums und brillanter Klaviervirtuose Alexander Tsfasman(1906-1971) organisierte "AMA Jazz" (im kooperativen Musikverlag des Verbandes der Moskauer Autoren). Es war das erste professionelle Jazzorchester in Soviet Russland. Die Musiker führten die Kompositionen des Führers selbst, seine Arrangements amerikanischer Theaterstücke und die ersten musikalischen Werke sowjetischer Komponisten auf, die für sie Musik in einem neuen Genre schrieben. Das Orchester trat erfolgreich auf den Bühnen großer Restaurants, im Foyer der größten Kinos auf. Neben dem Namen Alexander Tsfasman können Sie das Wort "first" wiederholt wiederholen. 1928 trat das Orchester im Radio auf - zum ersten Mal ertönte sowjetischer Jazz in der Luft, und dann erschienen die ersten Aufnahmen von Jazzmusik ("Hallelujah" von Vincent Youmans und "Seminola" von Harry Warren). Alexander Tsfasman war der Autor der ersten Jazz-Radiosendung in unserem Land. 1937 wurden Aufnahmen von Tsfasmans Werken gemacht: "On a Long Journey", "On the Seashore", "Unsuccessful Date" (es genügt, sich an die Zeilen zu erinnern: "Wir waren beide: Ich war in der Apotheke und ich war suche dich im kino, also morgen - am selben ort, zur selben uhrzeit! Tsfasmans Adaption des polnischen Tangos, umgangssprachlich als "The Burnt Sun" bekannt, erfreute sich anhaltenden Erfolgs. 1936 wurde das Orchester von A. Tsfasman als das beste in der Show der Jazzorchester anerkannt. Im Wesentlichen könnte man es als ein vom Moskauer Club der Kunstmeister organisiertes Jazzfestival bezeichnen.

1939 wurde das Tsfasman Orchestra eingeladen, im All-Union Radio zu arbeiten, und während des Großen Vaterländischen Krieges reisten die Musiker des Orchesters an die Front. Konzerte wurden an vorderster Front und an vorderster Front, auf Waldlichtungen und in Unterstanden abgehalten. Zu dieser Zeit wurden sowjetische Lieder aufgeführt: "Dark Night", "Dugout", "My Favourite". Musik half den Kämpfern für kurze Zeit, dem schrecklichen Militäralltag zu entfliehen, half, sich an ihr Zuhause, ihre Familie, ihre Lieben zu erinnern. Es war hart, in Militärkrankenhäusern zu arbeiten, aber selbst hier brachten die Musiker die Freude, echte Kunst zu treffen. Die Hauptarbeit für das Orchester blieb jedoch die Arbeit im Radio, Auftritte in Fabriken, Fabriken und Rekrutierungszentren.

Das wunderbare Tsfasman-Orchester, das aus talentierten Jazzmusikern bestand, bestand bis 1946.

1947-1952. Tsfasman leitete den symphonischen Jazz des Hermitage Variety Theatre. In einer schwierigen Zeit für den Jazz (es waren die 1950er Jahre), während des Kalten Krieges mit den Vereinigten Staaten und dem Westen, als in der sowjetischen Presse Veröffentlichungen erschienen, die den Jazz diskreditierten und diskreditierten, arbeitete der Leiter des Orchesters auf der Konzertbühne als ein Jazzpianist. Dann stellte der Maestro ein Instrumentalquartett für die Studioarbeit zusammen, dessen Hits in den Fundus der sowjetischen Musik aufgenommen wurden:

"Fröhlicher Abend", "Warten", "Immer bei dir". Romanzen und Volkslieder von Alexander Tsfasman, Musik für Aufführungen und Filme sind bekannt und beliebt.

Im Jahr 2000 erschien in der Reihe „Anthology of Jazz“ Tsfasmans Album „Burnt Sun“, aufgenommen auf CD, das die besten Instrumental- und Gesangsstücke des Komponisten enthält. Über Tsfasman in dem Buch "Stars der sowjetischen Bühne" (1986) schrieb G. Skorokhodov. A. N. Batashev, der Autor einer der maßgeblichsten Veröffentlichungen - "Soviet Jazz" (1972) - sprach in seinem Buch über das Leben und Werk von Alexander Tsfasman. 2006 wurde das Buch "Alexander Tsfasman: Coryphaeus of Soviet Jazz" von dem Doktor der Philosophie, Schriftsteller und Musikwissenschaftler A. N. Golubev veröffentlicht.

Gleichzeitig mit Tsfasmans „AMA Jazz“ in Moskau entstand 1927 auch in Leningrad eine Jazzgruppe. Das war "Die erste konzertante Jazzband" Pianist Leopold Teplitsky(1890-1965). Noch früher, 1926, besuchte Teplitsky New York und Philadelphia, wohin er vom Volkskommissariat für Bildung geschickt wurde. Der Zweck der Reise war das Studium der Musik für Stummfilmillustrationen. Mehrere Monate lang absorbierte der Musiker alle Rhythmen der neuen Musik für sich, studierte bei amerikanischen Jazzmännern. Nach seiner Rückkehr nach Russland organisierte L. Teplitsky ein Orchester professioneller Musiker (Lehrer des Konservatoriums, Musikschulen), die leider die Jazz-Spezifika der von ihnen gespielten Musik nicht empfanden. Die Musiker, die immer nur nach Noten spielten, konnten sich nicht vorstellen, dass dieselbe Melodie jedes Mal neu gespielt werden könnte, also von Improvisation keine Rede sein konnte. Als Verdienst von Teplitsky kann angesehen werden, dass die Musiker zum ersten Mal in Konzertsälen auftraten, und obwohl der Klang des Orchesters weit von einer echten Jazzband entfernt war, war es nicht mehr die exzentrische Kunst des Geräuschorchesters von Valentin Parnakh. Das Repertoire des Orchesters Leopold Teplitsky bestand aus Stücken amerikanischer Autoren (der Dirigent brachte unschätzbares Gepäck mit - einen Stapel Jazzplatten und eine ganze Mappe mit Orchesterarrangements Paul Weißmann). Teplitskys Jazzband bestand nicht lange, nur wenige Monate, aber selbst während dieser kurzen Zeit führten die Musiker die Zuhörer in die moderne amerikanische Tanzmusik ein, in wunderschöne Broadway-Melodien. Nach 1929 entwickelte sich das Schicksal von Leopold Teplitsky dramatisch: Verhaftung aufgrund einer falschen Denunziation, die Verurteilung durch die NKWD-Troika für zehn Jahre in Lagern, der Bau des Weißmeer-Ostsee-Kanals. Nach dem Abschluss musste sich Leopold Jakowlewitsch in Petrosawodsk niederlassen (sie durften nicht nach Leningrad einreisen). Die musikalische Vergangenheit wurde nicht vergessen. Teplitsky organisierte ein Sinfonieorchester in Karelien, unterrichtete am Konservatorium, schrieb Musik und leitete Radiosendungen. Das Internationale Jazzfestival „Stars and Us“ (organisiert 1986 in Petrosawodsk) ist seit 2004 nach dem Pionier des russischen Jazz Leopold Teplitsky benannt.

Musikkritik der späten 1920er Jahre konnte das neue Phänomen der Kultur nicht schätzen. Hier ein Auszug aus jener Zeit aus einer charakteristischen Jazz-Rezension: „Als Mittel der Karikatur und Parodie … als rauer, aber bissiger und pikanter Rhythmus- und Klangfarbenapparat, geeignet für Tanzmusik und für billige „musikalische Untermalung“ in Theaternutzung, - eine Jazzband hat ihren eigenen Grund. Jenseits dieser Grenzen ist sein künstlerischer Wert nicht groß.

Öl ins Feuer gegossen und Russischer Verein proletarischen Musikern (RAPM), die die "proletarische Linie" in der Musik durchsetzten und alles ablehnten, was nicht ihren oft dogmatischen Auffassungen von Kunst entsprach. 1928 veröffentlichte die Zeitung Prawda einen Artikel mit dem Titel "Über die Musik der Dicken" des berühmten Sowjetischer Schriftsteller Maxim Gorki. Es war ein wütendes Pamphlet, das die „Welt der Raubtiere“, „die Macht der Fetten“ anprangerte. Der proletarische Schriftsteller lebte damals in Italien, auf der Insel Capri, und war höchstwahrscheinlich mit der sogenannten „Restaurantmusik“ vertraut, die weit entfernt war von echtem Jazz. Einige akribische Jazzhistoriker behaupten, der Schriftsteller sei einfach „müde“ von den Foxtrotts, die im Erdgeschoss der Villa von Gorkis unglücklichem Stiefsohn die ganze Zeit gespielt wurden. So oder so, aber die Aussage des proletarischen Schriftstellers wurde sofort von den Führern der RAPM aufgegriffen. Und lange Zeit wurde Jazz in unserem Land "die Musik der Fetten" genannt, ohne zu wissen, wer der wahre Autor der Jazzmusik war, in welchen entrechteten Teilen der amerikanischen Gesellschaft sie geboren wurde.

Trotz der schwierigen kritischen Atmosphäre entwickelte sich der Jazz in der UdSSR weiter. Es gab viele Leute, die den Jazz als Kunst betrachteten. Man könnte ihnen sagen, dass sie einen "angeborenen Sinn für Jazz" hatten, der nicht durch Übungen entwickelt werden kann: Entweder er ist da oder er ist nicht da. Wie der Komponist sagte Giya Kancheli(Jahrgang 1935), „dieses Gefühl kann man nicht aufzwingen, es ist sinnlos, es zu lehren, denn hier ist etwas Ursprüngliches, Natürliches.“

In Leningrad, in der Wohnung eines Studenten des Landwirtschaftlichen Instituts Heinrich Terpilovsky(1908-1989) in den späten 1920er Jahren. es gab einen heimischen Jazzclub, in dem Laienmusiker Jazz hörten, viel und leidenschaftlich über neue Musik diskutierten und die Vielschichtigkeit des Jazz als künstlerisches Phänomen zu begreifen suchten. Die jungen Musiker ließen sich so von Jazzideen mitreißen, dass bald ein Ensemble entstand, das erstmals das Jazz-Repertoire kreierte. Das Ensemble hieß "Leningrader Jazzkapelle", deren musikalische Leiter waren Georg Landsberg(1904-1938) und Boris Krupyshev. Landsberg in den 1920er Jahren. lebte in der Tschechoslowakei, wo Georges Vater in der Handelsmission arbeitete. Der junge Mann studierte am Prager Polytechnischen Institut, trieb Sport, Fremdsprachen und Musik. In Prag hörte Landsberg amerikanischen Jazz - "Chocolate Boys" Sam Wooding. Prag war schon immer eine Musikstadt: Jazzorchester, Ensembles waren bereits mit der Überseeneuheit vertraut. So war Georgy Landsberg, in seine Heimat zurückgekehrt, bereits mit mehr als einem Dutzend Jazzstandards „bewaffnet“ und schrieb die meisten Arrangements selbst. Ihm wurde geholfen N. Minh Und S. Kagan. Im Team herrschte eine Atmosphäre des kreativen Wettstreits: Die Musiker boten eigene Versionen von Arrangements an, jeder Vorschlag wurde heiß diskutiert. Der Probenprozess interessierte junge Musiker manchmal noch mehr als die Aufführungen selbst. "Jazz Capella" spielte nicht nur Werke ausländische Komponisten, aber auch Originalstücke sowjetischer Autoren: "Jazz Suite" von A. Zhivotov, lyrisches Stück von N. Minkh "I'm Alone", "Jazz Fever" von G. Terpilovsky. Sogar in der Leningrader Presse über das Ensemble gab es anerkennende Kritiken, in denen hervorragende Interpreten vermerkt wurden, die reibungslos, rhythmisch, fest und dynamisch spielten. Die "Leningrad Jazz Capella" tourte erfolgreich in Moskau, Murmansk, Petrosawodsk, veranstaltete "Besichtigungs"-Konzerte und führte die Zuhörer in den "kulturellen Kammerjazz" ein. Das Repertoire wurde unter Berücksichtigung der Konzerttätigkeit sehr sorgfältig ausgewählt, aber "Akademismus" brachte keinen kommerziellen Erfolg, das Publikum war nicht bereit, schwierige Musik zu hören. Die Verwaltung von Theatern und Clubs verlor schnell das Interesse an dem Ensemble, und die Musiker begannen, zu anderen Orchestern zu wechseln. Georgy Landsberg arbeitete mit mehreren Musikern im Restaurant Astoria, wo zu Beginn des russischen Jazz Jam-Sessions mit ausländischen Jazzmusikern stattfanden, die auf Kreuzfahrtschiffen in die Stadt kamen.

1930 wechselten viele der Musiker von G. Landsberg zum erfolgreicheren Orchester von Leonid Utesov, und Landsberg löste sein Orchester auf und arbeitete einige Zeit als Ingenieur (die am Polytechnischen Institut erhaltene Ausbildung war hilfreich). Die Jazz Capella als Konzertgruppe wurde mit der Ankunft des talentierten Pianisten und Arrangeurs Simon Kagan wiederbelebt, und als G. Landsberg 1934 wieder im Ensemble auftauchte, klang die Capella auf neue Weise. Mit brillanter Erfindungsgabe arrangierte der Pianist Bond Leonid Andreevich Diderichs(1907-?). Er arrangierte instrumental Lieder sowjetischer Komponisten und bereicherte jede Partitur kreativ. Bekannt sind auch die originalen Instrumentalstücke von L. Diderikhs - "Puma" und "Unter den Dächern von Paris". Die zehn Monate dauernden Tourneen der Band durch die Sowjetunion brachten dem Team große Erfolge. 1935 endete die Vertragslaufzeit mit dem Leningrader Rundfunk, dessen Stammorchester die Jazz Capella war. Die Musiker verteilten sich wieder auf andere Orchester. 1938 wurde G. Landsberg verhaftet, der Spionage angeklagt und erschossen (1956 rehabilitiert). Die Kapelle hörte auf zu existieren, blieb aber in der Musikgeschichte als eine der ersten professionellen Gruppen, die zur Entwicklung des sowjetischen Jazz beitrugen und Werke russischer Autoren aufführten. Georgy Landsberg war ein wunderbarer Lehrer, der hervorragende Musiker großzog, die später in Pop- und Jazzorchestern arbeiteten.

Jazz ist bekanntlich Improvisationsmusik. In Russland in den 20-30er Jahren. 20. Jahrhundert Es gab nur wenige Musiker, die die spontane Soloimprovisation beherrschten. Die Aufnahmen jener Jahre sind vor allem durch große Orchester vertreten, deren Musiker ihre Partien nach Noten spielten, einschließlich solistischer „Improvisationen“. Instrumentalstücke waren eine Seltenheit, Gesangsbegleitungen überwogen. Zum Beispiel "Tea Jazz", organisiert im Jahr 1929. Leonid Utjossow(1895-1982) und Trompeter-Solist des Orchesters des Maly Opera Theatre Jakow Skomorowsky(1889-1955), war ein Paradebeispiel so ein Orchester. Ja, und in seinem Namen stand eine Abschrift: theatralischer Jazz. Es genügt, an Grigory Alexandrovs Komödie "Merry Fellows" zu erinnern, in der Lyubov Orlova, Leonid Utesov und sein berühmtes Orchester die Hauptrollen spielten. Nach 1934, als die „Jazzkomödie“ (wie der Regisseur erstmals das Genre seines Films definierte) vom ganzen Land gesehen wurde, wurde die Popularität von Leonid Utyosov als Filmschauspieler unglaublich. Leonid Osipovich hatte zuvor in Filmen mitgespielt, aber in "Merry Fellows" war der rustikale Protagonist - der Hirte Kostya Potechin - für die breite Öffentlichkeit verständlich: Er sang schöne Lieder, die vom Komponisten I. O. Dunaevsky inspiriert waren, scherzte grob, führte typische Hollywood-Tricks vor. All dies erfreute das Publikum, obwohl nur wenige wussten, dass ein solcher Filmstil in Hollywood längst erfunden worden war. Regisseur Grigory Alexandrov musste es nur auf sowjetischen Boden überführen.

In den 1930ern Der Name „Tea Jazz“ wurde sehr beliebt. Unternehmerische Künstler gaben ihren Orchestern diesen Namen oft aus rein kommerziellen Gründen, aber sie waren weit entfernt von den wirklich theatralischen Aufführungen des Orchesters von Leonid Utyosov, das versuchte, musikalische Revuen zu schaffen, die durch eine einzige Bühnenaktion zusammengehalten wurden. Eine solche Theatralisierung unterschied Utjossows Unterhaltungsorchester positiv von der instrumentalen Natur der Orchester von L. Teplitsky und G. Landsberg und war für die sowjetische Öffentlichkeit verständlicher. Darüber hinaus zog Leonid Utesov für die gemeinsame Arbeit berühmte und talentierte sowjetische Songwriter an, wie z Isaak Dunayevsky, Brüder Dmitri Und Daniil Pokrassy, ​​​​Konstantin Listov, Matvey Blanter, Evgeny Zharkovsky. Die Lieder, die in den Programmen des Orchesters schön arrangiert erklangen, wurden äußerst beliebt und beliebt.

Das Orchester von Leonid Utyosov hatte hervorragende Musiker, die ein neues Musikgenre beherrschen mussten. Anschließend schufen die Künstler des "Tea-Jazz" die nationale Bühne und den Jazz. Unter ihnen war Nikolai Minch(1912-1982). Er war ein wunderbarer Pianist, der Seite an Seite mit Isaac Dunayevsky „seine unvergesslichen Universitäten“ durchlaufen hat, wie sich der Musiker selbst erinnert. Diese Erfahrung half Minkh dann, das Orchester am Moskauer Varieté-Theater und in den 1960er Jahren zu leiten. komponieren, Singkomödien und Operetten schreiben.

Ein Merkmal des sowjetischen Jazz in den 1930er-1940er Jahren. Man kann davon ausgehen, dass Jazz damals „Song-Jazz“ war und eher mit der Art von Orchester assoziiert wurde, in dem Saxophone und Schlagzeug neben den Hauptinstrumenten unverzichtbare Teilnehmer waren. Über die Musiker solcher Orchester hieß es, „sie spielen Jazz“ und nicht Jazz. Die Liedform, der große Bedeutung beigemessen wurde, war vielleicht die Form, der Weg, der die Jazzmusik Millionen von Zuhörern eröffnete. Dennoch war diese Musik – Gesang, Tanz, heterogen und hybrid – weit entfernt von echtem amerikanischen Jazz. Ja, und sie konnte in Russland nicht in "reiner Form" Wurzeln schlagen. Sogar Leonid Osipovich Utyosov selbst behauptete, authentischer früher amerikanischer Jazz sei für die Mehrheit der sowjetischen Öffentlichkeit eine fremdartige und unverständliche Musik. Leonid Utyosov - ein Mann des Theaters, des Varietés, ein Fan synthetischer Action - verband das Theater mit dem Jazz und den Jazz mit dem Theater. So erschienen "Jazz at the Turn", "Music Store" - fröhliche Programme, in denen auf wundersame Weise kombiniert Musik und Humor. Der Komponist I. O. Dunayevsky hat manchmal nicht nur Volks- und Volkslieder witzig arrangiert: zum Beispiel das „jazzige“ „Lied des indischen Gastes“ aus der Oper „Sadko“, „Duke’s Song“ aus „Rigoletto“, die Jazz-Fantasie „Eugene Onegin.

Der bekannte Jazzhistoriker A. N. Batashev schreibt in seinem Buch „Soviet Jazz“: „Mitte der 30er Jahre legte die Konzertpraxis von L. Utesov den Grundstein für ein Genre, das auf einheimischem musikalischem und poetischem Material aufbaut und einzelne Elemente ausländischer Theateraufführungen synthetisiert , Varieté und Jazz. Dieses Genre, zunächst „Theaterjazz“ und später, nach dem Krieg, einfach „ Popmusik"Im Laufe der Jahre entwickelte er sich immer weiter und lebte nach seinen eigenen Gesetzen."

Eine besondere Seite im Leben des Orchesters unter der Leitung von Utyosov sind die Jahre des Großen Vaterländischen Krieges. In kürzester Zeit wurde das Programm „Beat the Enemy!“ Ausgearbeitet, mit dem die Musiker im Hermitage Garden, an Bahnhöfen für Soldaten, die zur Front aufbrachen, im Hinterland - im Ural und in Sibirien, dann die Aufführungen auftraten der Künstler fand in der Armee statt, in der Frontzone . Während des Krieges waren Künstler sowohl Musiker als auch Kämpfer. Viele Gruppen gingen als Teil großer Konzertteams an die Front. Die populären Jazzorchester von Alexander Tsfasman, Boris Karamyshev, Claudia Shulzhenko, Boris Rensky, Alexander Varlamov, Dmitry Pokrass, Isaac Dunayevsky haben viele Fronten besucht. Oft mussten Musiker an der Front beim Bau von Militärbefestigungen mitarbeiten, direkt an Militäroperationen teilnehmen und ... sterben.

Der berühmte sowjetische Komponist Vano Muradeli, der von einer Frontreise zurückkehrte, bezeugte: „Das Interesse unserer Soldaten und Kommandeure an Kultur, an Kunst, insbesondere an Musik, ist sehr groß. Ihre große Liebe genießen Auftrittsgruppen, Frontarbeit, Ensembles, Jazz. Nun stellte keiner der Kritiker, die zuvor Zweifel an der Bedeutung der Jazzmusik geäußert hatten, die Frage "Brauchen wir Jazz?" Künstler unterstützten mit ihrer Kunst nicht nur die Moral, sondern sammelten auch Spenden für den Bau von Flugzeugen und Panzern. An der Front war das Utesov-Flugzeug "Merry Fellows" bekannt. Leonid Utesov war ein herausragender Meister der sowjetischen Bühne, ein Liebling vieler Generationen sowjetischer Zuhörer, der es verstand, sich mit dem Lied zu „verschmelzen“. So nannte er sein autobiografisches Buch „Mit einem Lied durchs Leben“, veröffentlicht 1961. Und 1982 schrieb Yu A. Dmitriev das Buch „Leonid Utesov“, das über den berühmten Bandleader, Sänger und Schauspieler erzählt.

Natürlich kann man argumentieren, dass die damaligen Orchester nicht vollständig als Jazz bezeichnet werden können, da den Musikern beim Spielen aus den Noten die Möglichkeit zur Improvisation genommen wurde, was einen Verstoß gegen das wichtigste Prinzip der Jazzmusik darstellt. Aber Jazzmusik kann nicht immer Improvisation sein, denn jeder Musiker des Orchesters, der seinen Part vernachlässigt, kann nicht improvisieren. Das Duke Ellington Orchestra zum Beispiel spielte oft Stücke, bei denen die Solopartien von Anfang bis Ende vom Autor geschrieben wurden. Aber niemand würde jemals denken, dass es kein Jazz war! Und solche Beispiele gibt es viele, denn die Zugehörigkeit zum Jazz ist auch bestimmt durch die Eigenart der musikalischen Aufführungssprache, ihre intonatorischen und rhythmischen Besonderheiten.

1930er in der UdSSR waren Jahre eines beispiellosen Aufschwungs in allen Bereichen des Lebens des sowjetischen Volkes. In den Jahren der ersten Fünfjahrespläne war die Begeisterung der Menschen groß: Neue Städte, Fabriken, Fabriken wurden gebaut, Eisenbahnen verlegt. Dieser der ganzen Welt unbekannte sozialistische Optimismus verlangte nach einer eigenen musikalischen „Ausschmückung“, neuen Stimmungen, neuen Liedern. Das künstlerische Leben in der UdSSR war schon immer untergegangen Aufmerksamkeit Parteiführung des Landes. 1932 wurde beschlossen, die RAPM zu liquidieren und einen einzigen Verband sowjetischer Komponisten zu gründen. Die Resolution des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki „Über die Umstrukturierung der literarischen und künstlerischen Organisationen“ ermöglichte es, eine Reihe von organisatorischen Maßnahmen in Bezug auf Massengenres, einschließlich der Jazzmusik, zu ergreifen. 1930er in der UdSSR spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung des sowjetischen Jazz. Die Musiker versuchten, ihr eigenes und originelles Repertoire zu schaffen, aber die Hauptaufgabe für sie bestand damals darin, die Fähigkeiten des Jazzspiels zu beherrschen: die Fähigkeit, elementare Jazzphrasen zu bauen, die Improvisation ermöglichen, die rhythmische Kontinuität in der Gruppe und im Solospiel aufrechtzuerhalten - alles, was echten Jazz ausmacht, auch wenn er notiert ist.

1934 luden Moskauer Plakate das Publikum zu einem Konzert des Jazzorchesters von Alexander Varlamov ein.

Alexander Wladimirowitsch Warlamow wurde 1904 in Simbirsk (heute Uljanowsk) geboren. Die Familie Varlamov war berühmt. Der Urgroßvater von Alexander Vladimirovich war ein Komponist, ein Klassiker der russischen Romantik („Rotes Sommerkleid“, „Entlang der Straße fegt ein Schneesturm“, „Im Morgengrauen weckst du sie nicht“, „Ein einsames Segel wird weiß“) . Die Mutter des zukünftigen Orchesterleiters war eine berühmte Opernsängerin, sein Vater war Anwalt. Die Eltern kümmerten sich um die musikalische Ausbildung ihres Sohnes, zumal der junge Mann sehr fähig war und der Wunsch, Berufsmusiker zu werden, das junge Talent nicht alle Jahre des Studiums verließ: zuerst an einer Musikschule, dann bei GITIS und an der berühmten Gnesinka. Bereits in seiner Studienzeit sah Varlamov die Revue "Chocolate Boys" von Sam Wooding, die den Studenten unauslöschlich beeindruckte. Varlamov, nachdem er ein ausgezeichnetes erhalten hatte Musikalische Bildung, beschloss, ein Ensemble zu organisieren, ähnlich dem von Schallplatten und Radiosendungen bekannten Ensemble "Heiße Sieben". Louis Armstrong. Der "Leitstern" für Varlamov war das Orchester Herzog Ellington, die den russischen Musiker bewunderten. Der junge Komponist und Dirigent wählte sorgfältig Musiker und Repertoire für sein Orchester aus. Fünf Jahre sind vergangen, seit Varlamov sein Studium an der Gnesinka abgeschlossen hat und ein Jazzorchester im Zentralhaus der Roten Armee gegründet wurde. Es war ein Instrumentalorchester, das sich, wie viele Orchester der damaligen Zeit, nicht dem theatralischen Jazz zuwandte. Die Ausdruckskraft der Musik wurde durch wunderschöne Melodien und Arrangements erreicht. So entstanden die Stücke: „Am Karneval“, „Dixie Lee“, „Abendblätter“, „Das Leben ist voller Glück“, „Blue Moon“, „Sweet Su“. Varlamov übersetzte einige amerikanische Jazzstandards ins Russische und sang selbst. Der Musiker hatte keine herausragenden stimmlichen Fähigkeiten, aber manchmal ließ er sich auf Schallplatten festhalten und spielte Songs melodisch genau und inhaltlich überzeugend.

1937-1939. Varlamovs Karriere entwickelte sich recht erfolgreich: Der Musiker leitete zunächst das Septett ("Sieben"), dann war er Chefdirigent des Jazzorchesters des All-Union Radio Committee 1940-1941 gg. - Chefdirigent Staatliches Jazzorchester der UdSSR. Als jedoch der Krieg begann, wurden viele Musiker des Orchesters an die Front gerufen. Varlamov gab nicht auf. Er organisierte aus dem Kreis der befreiten Musiker Militärdienst, und ehemalige Verwundete, ungewöhnlich (man könnte sagen, seltsam) "Melodie Orchester": drei Violinen, Bratsche, Cello, Saxophon und zwei Klaviere. Die Musiker traten mit großem Erfolg in der Eremitage, im Metropol, in Militäreinheiten und Krankenhäusern auf. Varlamov war ein Patriot. Der Musiker spendete seine eigenen Ersparnisse für den Bau des sowjetischen Komponistenpanzers.

Schwere Zeiten in der Geschichte unseres Landes haben sich im Schicksal von Millionen talentierter, erfolgreicher und berühmter Menschen widergespiegelt. Der Komponist und Dirigent Alexander Varlamov entging dem grausamen Schicksal nicht 1943 Als die Musiker George Gershwins berühmte Rhapsody in Blues probten, wurde der Leiter des Melody Orchestra festgenommen. Der Grund war die Denunziation des Cellisten, der berichtete, dass Varlamov oft ausländische Radiosendungen hört und angeblich auf die Ankunft der Deutschen usw. wartet. Die Behörden glaubten diesem Schurken, und Varlamov wurde zuerst zum Holzeinschlag in den nördlichen Ural geschickt, wo Er arbeitete für die zuerkannten acht Jahre. Ein großartiges Ventil für die Häftlinge war das Orchester, das sich aus Musikern und Sängern des Lagers zusammensetzte, die ebenso verleumdet wurden wie der Anführer dieser Gruppe. Dieses außergewöhnliche Orchester bereitete allen neun Lagerpunkten große Freude. Nach seiner Amtszeit hoffte Alexander Wladimirowitsch, nach Moskau zurückkehren zu können. Aber es gab immer noch eine Verbindung nach Kasachstan, wo der Musiker in kleinen Städten arbeitete: Er unterrichtete Kinder- und Jugendmusik, komponierte Werke für das russische Schauspieltheater. Nur im 1956 Stadt, nach der Rehabilitation konnte Varlamov nach Moskau zurückkehren und trat sofort dem Aktiven bei kreatives Leben, Komponieren von Filmmusik (animiert: "Wonder Woman", "Puck! Puck!", "Der Fuchs und der Biber" usw.), Schauspieltheater, Varietéorchester, Fernsehproduktionen, in 1990 Kurz vor Varlamovs Tod erschien die letzte Schallplatte mit Jazz und symphonischer Jazzmusik des bemerkenswerten Komponisten und Dirigenten.

Aber kehren wir zurück in die Vorkriegsjahre, als gleich mehrere Jazzorchester in den Sowjetrepubliken auftraten, in 1939 würde organisiert Staatlicher Jazz der UdSSR. Es war ein Prototyp zukünftiger Pop-Sinfonieorchester, deren Repertoire aus Transkriptionen klassischer Werke für großen symphonischen Jazz bestand. Das "ernsthafte" Repertoire wurde vom Leiter des Orchesters geschaffen Victor Knushevitsky (1906-1974). Für Staatlicher Jazz der UdSSR Komponisten, die hauptsächlich im Radio sprachen, schrieben I. O. Dunayevsky, Yu. Milyutin, M. Blanter, A. Tsfasman usw. Im Leningrader Radio in 1939 Nikolai Minkh organisierte ein Jazzorchester.

Andere Gewerkschaftsrepubliken blieben nicht zurück. In Baku schuf Tofig Guliyev Staatliches Jazzorchester der SSR Aserbaidschan. Ein ähnliches Orchester trat in Armenien unter der Leitung von auf Artemy Ayvazyan. Ihre republikanischen Orchester traten in der Moldauischen SSR in der Ukraine auf. Eines der berühmten alliierten Jazzorchester war ein Team aus West-Weißrussland, das von einem erstklassigen Trompeter, Geiger und Komponisten Eddie Rosner geleitet wurde.

Eddie (Adolf) Ignatjewitsch Rosner(1910-1976) wurde in Deutschland in eine polnische Familie geboren, studierte Violine am Berliner Konservatorium. Er beherrschte die Pfeife alleine. Seine Idole waren berühmt Louis Armstrong, Harry James, Bunny Berigen. Nach einer hervorragenden musikalischen Ausbildung spielte Eddie einige Zeit in einem der europäischen Orchester und gründete dann seine eigene Band in Polen. Wann hat die zweite Weltkrieg musste das Orchester vor faschistischen Repressalien fliehen, da die meisten Musiker Juden waren und Jazz im faschistischen Deutschland als „nichtarische Kunst“ verboten war. So fanden die Musiker Zuflucht im sowjetischen Weißrussland. In den nächsten zwei Jahren tourte die Band erfolgreich in Moskau, Leningrad und während des Krieges - an der Front und im Hinterland. Eddie Rosner, der in seiner Jugend „weißer Armstrong“ genannt wurde, war ein talentierter Künstler, der es verstand, das Publikum mit seinem Können, seinem Charme, seinem Lächeln und seiner Fröhlichkeit zu überzeugen. Rosner ist Musiker, so der Meister der russischen Bühne Juri Saulsky,"besaß eine wahre Jazzbasis, Geschmack." Die Hits des Programms erfreuten sich großer Beliebtheit bei den Zuhörern: „Caravan“ von Tizol-Ellington, „St. Louis Blues“ von William Handy, „Serenade“ von Toselli, „Tales of the Vienna Woods“ von Johann Strauss, das Lied von Rosner selbst „Quiet Water“, „Cowboy Song“, „Mandoline, Guitar and Bass“ von Albert Harris. In den Kriegsjahren begann das Repertoire der Orchester, immer häufiger die Stücke der Alliierten zu verwenden: amerikanische und britische Autoren. Es gab viele Schallplatten mit Aufnahmen von in- und ausländischen Instrumentalstücken. Viele Orchester haben Musik aus gespielt Amerikanischer Film„Sun Valley Serenade“ mit der berühmten Glenn Miller Big Band.

1946, als der Jazz zu verfolgen begann, den Jazzern Weltoffenheit vorgeworfen und die Band aufgelöst wurde, beschloss Eddie Rosner, nach Polen zurückzukehren. Aber er wurde des Hochverrats angeklagt und nach Magadan geschickt. Von 1946 bis 1953 war der virtuose Trompeter Eddie Rosner im Gulag. Die örtlichen Behörden wiesen den Musiker an, aus den Häftlingen ein Orchester zu gründen. So vergingen acht lange Jahre. Nach seiner Entlassung und Rehabilitierung leitete Rosner wieder eine Bigband in Moskau, spielte aber selbst immer weniger Trompete: der Skorbut der Lagerjahre setzte ihm zu. Doch die Popularität des Orchesters war groß: Rosners Lieder erfreuten sich konstanter Erfolge, die Musiker spielten 1957 in dem beliebten Film Karnevalsnacht mit. In den 1960ern im Orchester spielten Musiker, die später die Farbe und den Glanz des russischen Jazz ausmachen sollten: Multiinstrumentalist David Goloschekin, Trompeter Konstantin Nosov, Saxophonist Gennadi Holstein. Tolle Arrangements für die Band geschrieben Witali Dolgov Und Alexey Mazhukov,

die laut Rosner nicht schlechter arrangiert als die Amerikaner. Der Maestro selbst war sich der Vorgänge im Weltjazz bewusst und bemühte sich, die besten Beispiele des echten Jazz in die Programme aufzunehmen, wofür Rosner in der Presse immer wieder vorgeworfen wurde, das sowjetische Repertoire zu vernachlässigen. 1973 kehrte Eddie Rosner in seine Heimat, nach West-Berlin, zurück. Aber die Karriere eines Musikers in Deutschland entwickelte sich nicht: Der Künstler war nicht mehr jung, er war niemandem bekannt, er konnte keinen Job in seinem Fachgebiet finden. Einige Zeit arbeitete er als Entertainer im Theater, als Oberkellner in einem Hotel. 1976 starb der Musiker. In Erinnerung an den wunderbaren Trompeter, Bandleader, Komponisten und talentierten Leiter seiner Programme fand 1993 in Moskau im Konzertsaal „Russland“ eine wunderbare Show „In Begleitung von Eddie Rosner“ statt. Im selben Jahr 1993 wurde Yu. Zeitlins Buch „Aufstieg und Fall des großen Trompeters Eddie Rosner“ veröffentlicht. Von einem Jazz-Virtuosen, einem echten Schausteller, einem Mann mit komplexem, abenteuerlichem Charakter und einem schwierigen Schicksal erzählt der 2011 erschienene Dokumentarroman von Dmitry Dragilev - "Eddie Rosner: We smack jazz, the cholera is clear!"

Ein gutes Jazzorchester ist schwer aufzubauen, aber noch schwerer, es über Jahrzehnte zu erhalten. Die Langlebigkeit eines solchen Orchesters hängt vor allem von der Originalität des Leiters ab - einer Person und eines Musikers, der in die Musik verliebt ist. Oleg Lundstrem, der Komponist, Bandleader, Leiter des ältesten Jazzorchesters der Welt, eingetragen im Guinness-Buch der Rekorde, kann als legendärer Jazzmusiker bezeichnet werden.

Oleg Leonidovich Lundstrem(1916-2005) wurde in Chita in der Familie des Physiklehrers Leonid Frantsevich Lundstrem, eines russifizierten Schweden, geboren. Die Eltern des zukünftigen Musikers arbeiteten an der CER (Chinese Eastern Railway, die Chita und Wladiwostok durch China verbindet). Die Familie lebte einige Zeit in Harbin, wo sich eine große und vielfältige russische Diaspora versammelte. Hier lebten sowohl Sowjetbürger als auch russische Emigranten. Die Familie Lundstrem liebte Musik schon immer: Sein Vater spielte Klavier und seine Mutter sang. Auch Kinder wurden an die Musik herangeführt, aber man entschied sich für eine „starke“ Ausbildung der Kinder: Beide Söhne besuchten die Handelsschule. Oleg Lundstrems erster Kontakt mit Jazz war 1932, als ein Teenager eine Schallplatte von Duke Ellingtons Orchester „Dear Old South“ kaufte. (Liebes altes Südland). Oleg Leonidovich erinnerte sich später: „Diese Platte spielte die Rolle eines Zünders. Sie hat buchstäblich mein ganzes Leben verändert. Ich entdeckte ein bisher unbekanntes musikalisches Universum.

Am Harbin Polytechnic Institute, wo der spätere Patriarch des sowjetischen Jazz seine höhere Ausbildung erhielt, gab es viele gleichgesinnte Freunde, die ihre Lieblingsmusik spielen wollten. Also wurde eine Combo aus neun russischen Studenten gegründet, die auf Partys, Tanzflächen, festlichen Bällen spielten, manchmal trat das Team im lokalen Radio auf. Die Musiker lernten, populäre Jazzstücke von Schallplatten zu „entfernen“, arrangierten sowjetische Lieder, vor allem I. Dunaevsky, obwohl Oleg Lundstrem sich später daran erinnerte, dass er immer nicht verstand, warum die Melodien von George Gershwin ideal für Jazz waren, aber die Lieder von Sowjetische Komponisten waren es nicht. Die meisten Mitglieder des ersten Lundstrem-Orchesters waren keine professionellen Musiker, sie erhielten eine technische Ausbildung, aber sie waren so leidenschaftlich am Jazz interessiert, dass sie sich fest entschlossen, sich nur mit dieser Musik zu beschäftigen. Allmählich wurde das Team berühmt: Sie arbeiteten in den Tanzlokalen von Shanghai, tourten in Hongkong, Indochina und Ceylon. Der Leiter des Orchesters - Oleg Lundstrem - wurde als "König des Jazz des Fernen Ostens" bezeichnet.

Als der Große Vaterländische Krieg begann, bewarben sich junge Menschen - Sowjetbürger - bei der Roten Armee, aber der Konsul gab bekannt, dass Musiker in China zwar dringender benötigt würden. Es war eine schwierige Zeit für die Musiker: Es gab wenig Arbeit, das Publikum wollte sich nicht vergnügen und tanzen, die Wirtschaft wurde von der Inflation überrollt. Erst 1947 erhielten die Musiker die Erlaubnis, in die UdSSR zurückzukehren, aber nicht wie gewünscht nach Moskau, sondern nach Kasan (die Moskauer Behörden befürchteten, dass die "Shanghai" Spione sein könnten). Zunächst wurde beschlossen, ein Jazzorchester der tatarischen ASSR zu gründen, aber im folgenden Jahr, 1948, wurde das Dekret des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki „Über die Oper „Große Freundschaft“ von Muradeli“ erlassen. wurde herausgegeben und verurteilte den Formalismus in der Musik. In dem Dekret wurde die Oper, die Stalin nicht mochte, als "ein bösartiges antikünstlerisches Werk" bezeichnet, "das vom Einfluss dekadenter westeuropäischer und amerikanischer Musik genährt wurde". Und den Musikern des Lundstrem-Orchesters wurde angeboten, „mit Jazz zu warten“.

Aber zum Lernen ist es nie zu spät! Und Oleg Lundstrem trat in die Klasse für Komposition und Dirigieren am Kasaner Konservatorium ein. Während ihres Studiums gelang es den Musikern, in Kasan aufzutreten, im Radio aufzunehmen und sich den Ruf als bestes Swing-Orchester zu erarbeiten. Besonders geschätzt wurden zwölf tatarische Volkslieder, die Lundstrem brillant „zum Jazz“ arrangierte. Sie erfuhren von Lundstrem und seiner "konspirativen Bigband" in Moskau. 1956 kamen Jazzmänner in der ehemaligen "chinesischen" Zusammensetzung nach Moskau und wurden zum Orchester des Rosconcert. Im Laufe der Jahre hat sich die Zusammensetzung des Orchesters geändert. In den 1950er Jahren "shone": Tenorsaxophonist Igor Lundstrem, Trompeter Alexej Kotikow Und Innokenty Gorbuntsov, Bassist Alexander Gravis, Schlagzeuger Sinowy Khazankin. Solisten in den 1960er Jahren. es gab junge Improvisatoren: Saxophonisten Georgy Garanyan Und Alexej Subow, Posaunist Konstantin Bakholdin, Pianist Nikolaj Kapustin. Später, in den 1970er Jahren, wurde das Orchester mit Saxophonisten aufgefüllt Gennady Golstein, Roman Kunsman, Stanislav Grigoriev.

Das Oleg Lundstrem Orchestra führte ein aktives Tournee- und Konzertleben, gezwungen, mit dem Geschmack eines breiten Publikums zu rechnen, das Jazz als Unterhaltungs-, Gesangs- und Tanzkunst wahrnahm. Daher in den 1960-1970er Jahren. im team arbeiteten nicht nur jazzmusiker und sänger, sondern auch popkünstler. Das Oleg Lundstrem Orchestra hat immer zwei Programme vorbereitet: ein beliebtes Lied- und Unterhaltungsprogramm (für die Bewohner des Hinterlandes) und ein instrumentales Jazzprogramm, das in Moskau, Leningrad und großen Städten der Union, wo das Publikum war, ein großer Erfolg war bereits mit Jazzkunst vertraut.

Das Instrumentalprogramm des Orchesters bestand aus klassischen Jazzstücken (aus dem Repertoire der Big Bands von Count Basie und Glenn Miller, Duke Ellington) sowie Werken, die von den Bandmitgliedern und Maestro Lundstrem selbst geschrieben wurden. Dies waren "Fantasy about Moscow", "Fantasy on the themes of Tsfasman's songs", "Spring is coming" - eine Jazz-Miniatur nach einem Lied von Isaac Dunayevsky. In musikalischen Suiten und Fantasien - Werke große Form- Musiker-Solisten konnten ihr Können zeigen. Es war echter instrumentaler Jazz. Und junge Jazzer, die dann die Farbe des russischen Jazz ausmachen werden, - Igor Yakushenko, Anatoly Kroll, Georgy Garanyan- ihre Werke erfinderisch und mit viel Geschmack komponiert. Oleg Lundstrem „entdeckte“ talentierte Sänger, die Popsongs aufführten. Das Orchester sang zu unterschiedlichen Zeiten Maya Kristalinskaya, Gyuli Chokheli, Valery Obodzinsky, Irina Otieva. Und obwohl das Songmaterial tadellos war, standen die Big Band und ihre Instrumentalsolisten immer im Rampenlicht.

Die musikalische „Universität“ von Oleg Lundstrem ist in den mehreren Jahrzehnten des Bestehens des Orchesters von vielen russischen Musikern bestanden worden, deren Liste mehr als eine Seite umfassen würde, aber die Band würde nicht so professionell klingen, wenn da nicht die Arbeit wäre eines der besten Arrangeure - Witali Dolgov(1937-2007). Der Kritiker G. Dolotkazin schrieb über die Arbeit des Meisters: „Der Stil von V. Dolgov wiederholt nicht die traditionelle Interpretation eines großen Orchesters, das in Abschnitte (Trompeten, Posaunen, Saxophone) unterteilt ist, zwischen denen es ständige Dialoge und Appelle gibt . V. Dolgov zeichnet sich durch das Prinzip der durchgehenden Entwicklung des Materials aus. In jeder einzelnen Episode des Stücks findet er ein charakteristisches Orchestergefüge, originelle Klangfarbenkombinationen. V. Dolgov verwendet häufig die Techniken der Polyphonie und überlagert Schichten von Orchesterklängen. All dies verleiht seinen Arrangements Harmonie und Integrität.

Ende der 1970er Jahre, als sich in Russland ein stabiles Jazzpublikum entwickelte und Festivals veranstaltet wurden, gab Oleg Lundstrem die Popnummern auf und widmete sich ganz dem Jazz. Der Maestro selbst komponierte Musik für das Orchester: Mirage, Interlude, Humoresque, March Foxtrot, Impromptu, Lilac Blooms, Bukhara Ornament, In the Mountains of Georgia. Es sei darauf hingewiesen, dass das Oleg Lundstrem Memorial Orchestra bis heute mit großem Erfolg Werke des Meisters des russischen Jazz aufführt. In den 1970ern Komponisten, die sich zum Jazz hingezogen fühlten, erschienen in der UdSSR: Arno Babajanyan, Kara Karaev, Andrey Eshpay, Murad Kazhlaev, Igor Yakushenko. Ihre Werke wurden auch vom Lundstrem Orchestra aufgeführt. Die Musiker tourten oft im Ausland, traten auf in- und ausländischen Jazzfestivals auf: Tallinn-67, Jazz Jamboree-72 in Warschau, Prag-78 und Prag-86, Sofia-86, Jazz in Duketown-88" in den Niederlanden, "Grenoble- 90" in Frankreich, beim Duke Ellington Memorial Festival in Washington im Jahr 1991. In den vierzig Jahren seines Bestehens hat das Orchester von Oleg Lundstrem mehr als dreihundert Städte unseres Landes und Dutzende von anderen besucht Ausland. Erfreulicherweise wurde die illustre Gruppe oft auf Schallplatten festgehalten: "Oleg Lundstrem's Orchestra", zwei Alben, vereint unter dem gleichen Namen "Memory of Musicians" (gewidmet Glenn Miller und Duke Ellington), "In Our Time", "In satten Tönen" usw.

Batashev A. N. Sowjetischer Jazz. Historischer Abriß. S. 43.

Zit. Zitiert aus: Batashev A.N. Soviet Jazz. Historischer Essay. S. 91.

Oleg Lundström. „So haben wir angefangen“ // Jazzportraits. Literarischer und musikalischer Almanach. 1999. Nr. 5. S. 33.

Dolotkazin G. Lieblingsorchester // Sowjetischer Jazz. Probleme. Veranstaltungen. Masters, M „1987, S. 219.

Als eine der am meisten verehrten Formen Musikalische Kunst In Amerika legte der Jazz den Grundstein für eine ganze Industrie, indem er der Welt zahlreiche Namen brillanter Komponisten, Instrumentalisten und Sänger vorstellte und eine breite Palette von Genres hervorbrachte. Die 15 einflussreichsten Jazzmusiker sind verantwortlich für ein globales Phänomen, das im letzten Jahrhundert in der Geschichte des Genres aufgetreten ist.

Jazz entwickelte sich in den späten Jahren des 19. und frühen 20. Jahrhunderts als eine Kombination aus klassischen europäischen und amerikanischen Klängen mit afrikanischen Volksmotiven. Die Lieder wurden mit einem synkopischen Rhythmus aufgeführt, was der Entwicklung und später der Bildung großer Orchester zur Aufführung Auftrieb gab. Die Musik hat vom Ragtime zum modernen Jazz einen großen Schritt nach vorne gemacht.

Der Einfluss der westafrikanischen Musikkultur zeigt sich in der Art und Weise, wie Musik geschrieben und aufgeführt wird. Polyrhythmik, Improvisation und Synkopierung zeichnen den Jazz aus. Im Laufe des letzten Jahrhunderts hat sich dieser Stil unter dem Einfluss von Zeitgenossen des Genres verändert, die ihre eigene Idee zur Essenz der Improvisation gebracht haben. Neue Richtungen begannen aufzutauchen - Bebop, Fusion, lateinamerikanischer Jazz, Free Jazz, Funk, Acid Jazz, Hard Bop, Smooth Jazz und so weiter.

15 Art Tatum

Art Tatum ist ein praktisch blinder Jazzpianist und Virtuose. Er gilt als einer der größten Pianisten aller Zeiten, der die Rolle des Klaviers im Jazzensemble verändert hat. Tatum wandte sich dem Stride-Stil zu, um seinen eigenen einzigartigen Spielstil zu kreieren, indem er dem Rhythmus Swing-Rhythmen und fantastische Improvisationen hinzufügte. Seine Einstellung zur Jazzmusik veränderte die Bedeutung des Klaviers im Jazz als Musikinstrument grundlegend von seinen früheren Eigenschaften.

Tatum experimentierte mit den Harmonien der Melodie, beeinflusste die Struktur des Akkords und erweiterte ihn. All dies charakterisierte den Stil des Bebop, der, wie Sie wissen, zehn Jahre später populär wurde, als die ersten Platten dieses Genres erschienen. Kritiker bemerkten auch seine tadellose Spieltechnik – Art Tatum konnte die schwierigsten Passagen mit einer solchen Leichtigkeit und Geschwindigkeit spielen, dass es schien, als ob seine Finger die schwarzen und weißen Tasten kaum berührten.

14 Thelonischer Mönch

Einige der komplexesten und vielfältigsten Klänge finden sich im Repertoire des Pianisten und Komponisten, einem der wichtigsten Vertreter der Ära des Bebop und seiner weiteren Entwicklung. Schon seine Persönlichkeit als exzentrischer Musiker trug zur Popularisierung des Jazz bei. Monk, stets mit Anzug, Hut und Sonnenbrille bekleidet, brachte seine freie Haltung zur Improvisationsmusik offen zum Ausdruck. Er akzeptierte keine strengen Regeln und entwickelte seine eigene Herangehensweise an Kompositionen. Einige seiner brillantesten und berühmtesten Werke sind Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You und Well, You Needn’t.

Monks Spielstil basierte auf einem innovativen Improvisationsansatz. Seine Werke zeichnen sich durch perkussive Passagen und scharfe Pausen aus. Sehr oft sprang er direkt während seiner Auftritte vom Klavier auf und tanzte, während die anderen Mitglieder der Band weiter die Melodie spielten. Thelonious Monk bleibt einer der einflussreichsten Jazzmusiker in der Geschichte des Genres.

13 Karl Mingus

Als anerkannter Kontrabass-Virtuose, Komponist und Bandleader war er einer der außergewöhnlichsten Musiker der Jazzszene. Er entwickelte einen neuen Musikstil und kombinierte Gospel, Hardbop, Free Jazz und klassische Musik. Zeitgenossen nannten Mingus „den Erben von Duke Ellington“ wegen seiner fantastischen Fähigkeit, Werke für kleine Jazzensembles zu schreiben. In seinen Kompositionen bewiesen alle Mitglieder des Teams spielerisches Können, das auch nicht nur talentiert war, sondern sich auszeichnete einzigartiger Stil Spiele.

Mingus wählte die Musiker seiner Band sorgfältig aus. Der legendäre Kontrabassist war für sein Temperament bekannt, und einmal schlug er sogar dem Posaunisten Jimmy Knepper ins Gesicht und schlug ihm dabei einen Zahn aus. Mingus litt an einer depressiven Störung, war aber nicht bereit, sich damit abzufinden, dass dies seine kreative Tätigkeit irgendwie beeinträchtigte. Trotz dieses Leidens ist Charles Mingus eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der Jazzgeschichte.

12 Art Blakey

Art Blakey war ein berühmter amerikanischer Schlagzeuger und Bandleader, der mit Stil und Technik des Schlagzeugspiels für Furore sorgte. Er kombinierte Swing, Blues, Funk und Hardbop – ein Stil, der heute in jeder modernen Jazzkomposition zu hören ist. Zusammen mit Max Roach und Kenny Clarke erfand er eine neue Art, Bebop auf dem Schlagzeug zu spielen. Seit über 30 Jahren hat seine Band The Jazz Messengers vielen Jazzkünstlern Jazz gegeben: Benny Golson, Wayne Shorter, Clifford Brown, Curtis Fuller, Horace Silver, Freddie Hubbard, Keith Jarrett und mehr.

Die Jazz Messengers haben nicht nur phänomenale Musik gemacht – sie waren eine Art „musikalisches Testgelände“ für junge talentierte Musiker, wie die Band von Miles Davis. Art Blakeys Stil veränderte den Sound des Jazz und wurde zu einem neuen musikalischen Meilenstein.

11 Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)

Der Jazztrompeter, Sänger, Songwriter und Bandleader wurde zu einer herausragenden Persönlichkeit in den Tagen des Bebop und des modernen Jazz. Sein Trompetenspiel beeinflusste den Stil von Miles Davis, Clifford Brown und Fats Navarro. Nach seiner Zeit in Kuba war Gillespie nach seiner Rückkehr in die USA einer jener Musiker, die den afrokubanischen Jazz aktiv förderten. Neben seiner unnachahmlichen Darbietung auf der charakteristisch geschwungenen Trompete war Gillespie beim Spielen an seiner Hornbrille und den unglaublich großen Wangen zu erkennen.

Der große Jazzimprovisationskünstler Dizzy Gillespie sowie Art Tatum haben Harmonie innoviert. Die Kompositionen von Salt Peanuts und Goovin' High waren rhythmisch völlig anders als frühere Werke. Gillespie blieb dem Bebop während seiner gesamten Karriere treu und gilt als einer der einflussreichsten Jazztrompeter.

10 Max Roch

Zu den 15 einflussreichsten Jazzmusikern in der Geschichte des Genres gehört Max Roach, ein Schlagzeuger, der als einer der Pioniere des Bebop bekannt ist. Wie kaum ein anderer hat er den modernen Stil des Schlagzeugspiels beeinflusst. Roach war ein Bürgerrechtler und arbeitete mit Oscar Brown Jr. und Coleman Hawkins an dem Album We Insist! - Freiheit jetzt ("Wir bestehen darauf! - Freiheit jetzt"), gewidmet dem 100. Jahrestag der Unterzeichnung der Emanzipationsproklamation. Max Roach - Repräsentant tadelloser Stil Spiel, in der Lage, während des gesamten Konzerts ein langes Solo zu spielen. Absolut jedes Publikum war von seinem unübertroffenen Können begeistert.

9 Billy Holiday

Lady Day ist der Liebling von Millionen. Billie Holiday schrieb nur wenige Songs, aber wenn sie sang, drehte sie ihre Stimme von den ersten Tönen an. Ihre Performance ist tiefgründig, persönlich und sogar intim. Ihr Stil und ihre Intonation sind vom Klang von Musikinstrumenten inspiriert, die sie gehört hat. Wie fast alle oben beschriebenen Musiker wurde sie zur Schöpferin eines neuen, aber bereits vokalen Stils, der auf langen musikalischen Phrasen und dem Tempo, sie zu singen, basiert.

Das berühmte Strange Fruit ist das Beste nicht nur in der Karriere von Billie Holiday, sondern in der gesamten Geschichte des Jazz wegen der gefühlvollen Darbietung der Sängerin. Sie wurde posthum mit renommierten Preisen ausgezeichnet und in die Grammy Hall of Fame aufgenommen.

8 John Coltrane

Mit dem Namen John Coltrane verbindet man virtuose Spieltechnik, exzellentes Talent für das Komponieren und die Leidenschaft, neue Facetten des Genres zu lernen. An der Schwelle zu den Ursprüngen des Hardbop erzielte der Saxophonist enorme Erfolge und wurde zu einem der einflussreichsten Musiker in der Geschichte des Genres. Coltranes Musik hatte einen scharfen Klang, und er spielte mit hoher Intensität und Hingabe. Er konnte sowohl alleine spielen als auch im Ensemble improvisieren und Soloparts von unvorstellbarer Dauer schaffen. Coltrane spielte Tenor- und Sopransaxophon und war auch in der Lage, melodische Smooth-Jazz-Kompositionen zu kreieren.

John Coltrane ist der Autor einer Art "Bebop-Neustart", in den modale Harmonien eingebaut sind. Er blieb die wichtigste aktive Figur in der Avantgarde, war ein sehr produktiver Komponist und hörte nicht auf, Platten zu veröffentlichen, und nahm im Laufe seiner Karriere etwa 50 Alben als Bandleader auf.

7 Graf Basie

Der revolutionäre Pianist, Organist, Komponist und Bandleader Count Basie leitete eine der erfolgreichsten Bands der Jazzgeschichte. Im Laufe von 50 Jahren hat sich das Count Basie Orchestra, darunter unglaublich beliebte Musiker wie Sweets Edison, Buck Clayton und Joe Williams, einen Ruf als eine der gefragtesten Big Bands Amerikas erarbeitet. Der neunmalige Grammy-Gewinner Count Basie hat Generationen von Zuhörern die Liebe zum Orchesterklang eingeimpft.

Basie schrieb viele Songs, die zu Jazzstandards geworden sind, wie April in Paris und One O'Clock Jump. Kollegen sprachen von ihm als einem taktvollen, bescheidenen und enthusiastischen Menschen. Hätte es das Count Basie Orchestra in der Jazzgeschichte nicht gegeben, hätte die Big-Band-Ära anders und sicherlich nicht so einflussreich geklungen, wie sie es mit diesem herausragenden Bandleader wurde.

6 Coleman Hawkins

Das Tenorsaxophon ist das Symbol des Bebop und der gesamten Jazzmusik im Allgemeinen. Und dafür können wir dankbar sein, Coleman Hawkins zu sein. Die Innovationen, die Hawkins mitbrachte, waren entscheidend für die Entwicklung des Bebop Mitte der vierziger Jahre. Sein Beitrag zur Popularität dieses Instruments hat möglicherweise die zukünftigen Karrieren von John Coltrane und Dexter Gordon bestimmt.

Die Komposition Body and Soul (1939) wurde für viele Saxophonisten zum Maßstab für das Spielen des Tenorsaxophons. Andere Instrumentalisten wurden ebenfalls von Hawkins beeinflusst – Pianist Thelonious Monk, Trompeter Miles Davis, Schlagzeuger Max Roach. Seine Fähigkeit zu außergewöhnlichen Improvisationen führte zur Entdeckung neuer Jazzseiten des Genres, die von seinen Zeitgenossen nicht berührt wurden. Dies erklärt zum Teil, warum das Tenorsaxophon zu einem festen Bestandteil des modernen Jazz-Ensembles geworden ist.

5 Benny Gutmann

Die fünf 15 einflussreichsten Jazzmusiker in der Geschichte des Genres werden eröffnet. Der berühmte King of Swing leitete fast das beliebteste Orchester des frühen 20. Jahrhunderts. Sein Konzert in der Carnegie Hall im Jahr 1938 gilt als eines der wichtigsten Live-Konzerte in der Geschichte der amerikanischen Musik. Diese Show demonstriert das Aufkommen der Jazz-Ära, die Anerkennung dieses Genres als eigenständige Kunstform.

Obwohl Benny Goodman Leadsänger eines großen Swing-Orchesters war, war er auch an der Entwicklung des Bebop beteiligt. Sein Orchester wurde eines der ersten, das Musiker verschiedener Rassen in seiner Zusammensetzung vereinte. Goodman war ein lautstarker Gegner des Jim Crow Act. Er lehnte sogar eine Tour durch die Südstaaten ab, um die Rassengleichheit zu unterstützen. Benny Goodman war nicht nur im Jazz, sondern auch in der Popmusik eine aktive Figur und Reformator.

4 Meilen davis

Eine der zentralen Jazzfiguren des 20. Jahrhunderts, Miles Davis, stand an den Ursprüngen vieler musikalischer Ereignisse und beobachtete ihre Entwicklung. Ihm werden Pionierleistungen in den Genres Bebop, Hard Bop, Cool Jazz, Free Jazz, Fusion, Funk und Techno zugeschrieben. IN ständige Suche neuen Musikstil war er immer erfolgreich und wurde von brillanten Musikern wie John Coltrane, Cannoball Adderley, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter und anderen umgeben Chica Corea. Zu seinen Lebzeiten wurde Davis mit 8 Grammy Awards ausgezeichnet und in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Miles Davis war einer der aktivsten und einflussreichsten Jazzmusiker des letzten Jahrhunderts.

3 Charlie Parker

Wenn Sie an Jazz denken, erinnern Sie sich an den Namen. Auch bekannt als Bird Parker, war er ein Jazz-Altsaxophon-Pionier, Bebop-Musiker und Komponist. Sein schnelles Spiel, klarer Klang und das Talent eines Improvisators prägten die Musiker von damals und unsere Zeitgenossen maßgeblich. Als Komponist veränderte er die Standards des Schreibens von Jazzmusik. Charlie Parker war der Musiker, der die Idee kultivierte, dass Jazzmänner Künstler und Intellektuelle sind, nicht nur Schausteller. Viele Künstler haben versucht, Parkers Stil zu kopieren. Auch seine berühmten Spieltechniken lassen sich in der Manier vieler aktueller Nachwuchsmusiker nachvollziehen, die sich an der Komposition Bird orientieren, passend zum Spitznamen des Alt-Sakosophisten.

2 Herzog Ellington

Er war ein grandioser Pianist, Komponist und einer der herausragendsten Orchesterleiter. Obwohl er als Jazzpionier bekannt ist, hat er sich auch in anderen Genres hervorgetan, darunter Gospel, Blues, Klassik und Popmusik. Ellington wird die Etablierung des Jazz als eigenständige Kunstform zugeschrieben. Mit unzähligen Auszeichnungen und Preisen hörte der erste große Jazzkomponist nie auf, sich zu verbessern. Er war die Inspiration für nächsten Generationen Musiker wie Sonny Stitt, Oscar Peterson, Earl Hines, Joe Pass. Duke Ellington bleibt ein anerkanntes Genie des Jazzklaviers – Instrumentalist und Komponist.

1 Louis ArmstrongLouis Armstrong

Der wohl einflussreichste Jazzmusiker in der Geschichte des Genres, alias Satchmo, ist ein Trompeter und Sänger aus New Orleans. Er gilt als Schöpfer des Jazz, der maßgeblich an seiner Entwicklung mitgewirkt hat. Die erstaunlichen Fähigkeiten dieses Interpreten machten es möglich, eine Trompete zu einem Solo-Jazzinstrument zu machen. Er ist der erste Musiker, der den Scat-Stil singt und populär macht. Es war unmöglich, sein tiefes, „donnerndes“ Timbre der Stimme nicht zu erkennen.

Armstrongs Engagement für seine eigenen Ideale beeinflusste die Arbeit von Frank Sinatra und Bing Crosby, Miles Davis und Dizzy Gillespie. Louis Armstrong beeinflusste nicht nur den Jazz, sondern die gesamte Musikkultur weltweit neues Genre, eine einzigartige Art zu singen und Trompete zu spielen.

Veröffentlichungen der Musikabteilung

Sie waren die ersten, die Jazz spielten

Die musikalische Welt des Jazz wurde durch das Zusammentreffen zweier Kulturen präsentiert - der europäischen und der afrikanischen. Auf einer internationalen Welle in den frühen 20er Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts brach die Musikrichtung in das Land der Sowjets ein. Wir erinnern an die Interpreten, die als erste in der UdSSR Jazz spielten.

Valentin Parnakh mit seinem Sohn Alexander. Foto: jazz.ru

Valentin Parnach. Foto: mkrf.ru

"Das erste in der RSFSR exzentrische Orchester der Jazzbands von Valentin Parnakh" debütierte im Oktober 1922 auf der Bühne. Es war nicht nur eine Premiere, sondern die Premiere einer neuen Musikrichtung. Revolutionär für die damalige Musik, wurde die Gruppe von einem Dichter, Musiker und Choreografen zusammengestellt, der sechs Jahre in Europa lebte. Parnach hörte 1921 Jazz in einem Pariser Café und war schockiert von dieser innovativen Musikrichtung. Er kehrte mit einem Satz Jazzband-Instrumente in die Sowjetunion zurück. Wir haben nur einen Monat lang geprobt.

Am Tag der Premiere versammelte sich auf der Bühne des Central College of Theatre Arts - der jetzigen GITIS - zukünftiger Schriftsteller und Drehbuchautor Yevgeny Gabrilovich, Schauspieler und Künstler Alexander Kostomolotsky, Mieczysław Kaprovych und Sergei Tizenhaizen. Gabrilovich saß am Klavier: er spielte gut nach Gehör. Kostomolotsky spielte Schlagzeug, Kaprovych spielte Saxophon, Tizengeizen spielte Kontrabass und Fußtrommel. Trotzdem schlagen Kontrabassisten mit den Füßen den Rhythmus - die Musiker entschieden.

Bei den ersten Konzerten erzählte Valentin Parnakh dem Publikum von der musikalischen Ausrichtung und dass Jazz eine Verbindung der Traditionen verschiedener Kontinente und Kulturen zu einer „internationalen Fusion“ sei. Der praktische Teil der Vorlesung wurde begeistert aufgenommen. Einschließlich Vsevolod Meyerhold, der Parnakh nicht zögernd anbot, eine Jazzband für seinen Auftritt zusammenzustellen. Beliebte Foxtrotts und Shimmys wurden in The Magnanimous Cuckold und D.E. Auch bei der Maidemonstration 1923 war energiegeladene Musik praktisch. „Zum ersten Mal hat eine Jazzband an Staatsfeiern teilgenommen, das hat es im Westen bisher noch nicht gegeben!“ trompetete die sowjetische Presse.

Alexander Tsfasman: Jazz als Beruf

Alexander Tsfasman. Foto: orangesong.ru

Alexander Tsfasman. Foto: muzperekrestok.ru

Die Werke von Franz Liszt, Heinrich Neuhaus und Dmitri Schostakowitsch koexistierten harmonisch mit Jazzmelodien im Werk von Alexander Tsfasman. Noch während seines Studiums am Moskauer Konservatorium, das der Musiker später mit einer Goldmedaille abschloss, gründete er die erste professionelle Jazzgruppe in Moskau – AMA Jazz. Der erste Auftritt des Orchesters fand 1927 im Artistic Club statt. Das Team erhielt umgehend eine Einladung von einem der damals angesagtesten Veranstaltungsorte – dem Hermitage Garden. Im selben Jahr erschien erstmals Jazz im sowjetischen Radio. Und es wurde von den Musikern Tsfasman aufgeführt.

„Die müde Sonne verabschiedete sich zärtlich vom Meer“ ertönte 1937 aus einer Schallplatte, die das Ensemble von Alexander Tsfasman bereits unter dem Namen „Moscow Guys“ aufgenommen hatte.

Erstmals in der Union erklang der bekannte Tango des polnischen Komponisten Jerzy Petersbursky „Last Sunday“ zu den Worten des Dichters Joseph Alvek in einem Jazz-Arrangement. Der Solist des Tsfasman Jazz Ensemble Pavel Mikhailov war der erste, der über den sanften Abschied von Sonne und Meer sang. Mit der leichten Hand der Musiker wurde eine weitere Platte von derselben Platte, über ein erfolgloses Datum, zu einem Hit für alle Zeiten. „Also morgen, am selben Ort, zur selben Stunde“, - das ganze Land sang nach dem Jazz-Ensemble.

„Diejenigen, die jemals das Stück von A. Tsfasman gehört haben, werden die Kunst dieses virtuosen Pianisten für immer in Erinnerung behalten. Sein umwerfender Pianismus, der Ausdruck und Anmut vereint, wirkte magisch auf den Zuhörer.

Alexander Medwedew, Musikwissenschaftler

Obwohl Alexander Tsfasman in einem Jazzensemble engagiert war, hinterließ er kein Soloprogramm, er trat als Pianist und Komponist auf. Zusammen mit Dmitri Schostakowitsch arbeitete Tsfasman an der Musik für den epischen Film „Begegnung an der Elbe“ und spielte dann auf Wunsch des Komponisten seine Musik für den Film „Unforgettable 1919“. Er wurde auch Autor von Jazzmusik, die in dem berühmten Stück "Unter dem Rascheln Ihrer Wimpern" des Puppentheaters von Sergei Obraztsov erklang.

Leopold Teplitsky. Jazzklassiker

Leopold Teplitsky. Foto: history.kantele.ru

Bereits während seines Studiums am Konservatorium dirigierte Leopold Teplitsky Sinfonieorchester bei Stummfilmvorführungen in den Kinos Hermitage und Lux ​​​​in St. Petersburg. 1926 schickte das Volkskommissariat einen jungen Musiker nach Philadelphia, um dort aufzutreten Internationale Ausstellung. In Amerika hörte Teplitsky symphonischen Jazz - die Musik dieser Richtung wurde von Paul Whitemans Orchester aufgeführt.

Als Leopold Teplitsky in die UdSSR zurückkehrte, organisierte er die "First Concert Jazz Band" aus professionellen Musikern. Klassiker erklangen im Jazz-Arrangement – ​​Musik von Giuseppe Verdi, Charles Gounod. Er spielte eine Jazzband und Werke zeitgenössischer amerikanischer Autoren - George Gershwin, Irving Berlin. So fand sich Leopold Teplitsky in den 1930er Jahren an der Spitze des professionellen Leningrader Jazz wieder. Leonid Utyosov nannte ihn "den ersten einheimischen Musiker, der ein Jazzspiel zeigte".

Der erste Auftritt von Jazzmen fand 1927 statt. Dem Konzert vorausgegangen war ein Vortrag „Jazzband und Musik der Zukunft“ des Musikwissenschaftlers und Komponisten Iosif Schillinger. Das Publikum interessierte sich besonders für die für diese Jahre ungewöhnliche Musik, und mit den Musikern trat der Solist - Pop- und Jazzsänger aus Mexiko Coretti Arle-Titz auf. Der Erfolg des Teams hielt nicht lange an: 1930 wurde Leopold Teplitsky verhaftet und unter dem Artikel „Spionage“ verurteilt. Er wurde zwei Jahre später freigelassen, aber Teplitsky blieb nicht in Leningrad - er zog nach Petrosawodsk.

Seit 1933 arbeitete der Musiker als Chefdirigent des Karelian Symphonieorchester, verließ aber den Jazz nicht - er spielte mit einem akademischen Orchester und einem Jazzprogramm. Teplitsky trat mit seinem neuen Team im Rahmen der Dekade der Karelischen Kunst in Leningrad auf. 1936 erschien unter Beteiligung des Musikers eine neue Gruppe, Kantele, für die Teplitsky das Karelian Prelude schrieb. Das Ensemble wurde Gewinner des First All-Union Radio Festival Volkskunst im Jahr 1936. Leopold Teplitsky blieb in Petrosawodsk. Das Festival der Jazzmusik „Stars and Us“ ist der Erinnerung an den berühmten Jazzmusiker gewidmet.

Leonid Utesov. "Song-Jazz"

Leonid Utesov. Foto: music-fantasy.ru

Leonid Utesov. Foto: mp3stunes.com

Eine lautstarke Uraufführung um die Wende der 1930er Jahre war Leonid Utesovs Tea Jazz. Die modische musikalische Leitung hat mit der leichten Hand des berühmten Pop-Künstlers, der der Musik zuliebe die Handelsschule verließ, den Maßstab einer Theateraufführung angenommen. Utyosov interessierte sich für Jazz während einer Tournee nach Paris, wo das Ted Lewis Orchestra den sowjetischen Musiker mit seiner "Theatralisierung" in den besten Traditionen des Varietés beeindruckte.

Diese Eindrücke flossen in die Entstehung von Tea Jazz ein. Utyosov wandte sich an den virtuosen Trompeter, den akademischen Musiker Yakov Skomorovsky, der sich ebenfalls für die Idee eines Jazzorchesters zu interessieren schien. „Tea Jazz“ versammelte Musiker aus den Leningrader Theatern und trat 1929 auf der Bühne des Leningrader Maly-Opernhauses auf. Dies war die erste Komposition des Teams, das nicht lange funktionierte und bald zum Leningrader Radio im "Concert Jazz Orchestra" wechselte.

Utjosow traf neue Komposition„Tea Jazz“ – die Musiker inszenierten ganze Performances. Einer von ihnen - "Music Store" - bildete später die Grundlage des berühmten Films, der ersten sowjetischen Musikkomödie. Das Bild von Grigory Alexandrov „Merry Fellows“ mit Lyubov Orlova in der Titelrolle wurde 1934 auf den Bildschirmen veröffentlicht. Sie wurde nicht nur zu Hause, sondern auch im Ausland populär. inspiriert Jazz Musik 1933, als ich Duke Ellingtons „Dear Old South“-Melodie hörte. Beeindruckt malte Lundstrem das Arrangement, versammelte das Team und setzte sich selbst ans Klavier. Zwei Jahre später eroberte der Musiker Shanghai, wo er damals lebte. So war das Schicksal bestimmt: Im Ausland studierte Lundstrem gleichzeitig am Polytechnischen Institut und an der Musikhochschule. Sein Orchester spielte Jazzklassiker und die Musik sowjetischer Komponisten im Jazzarrangement. Die Presse nannte Lundstrem „den König des Jazz im Fernen Osten“.

1947 beschlossen die Musiker, in die Sowjetunion zu ziehen – in voller Kraft, mit ihren Familien. Alle ließen sich in Kasan nieder, wo sie am Konservatorium studierten. Ein Jahr später wurde jedoch eine Resolution des Zentralkomitees der KPdSU herausgegeben, in der der „Formalismus in der Musik“ verurteilt wurde. Das Team kehrte in sein Heimatland zurück, um ein Staat zu werden Jazzgruppe Tatarische ASSR, aber die Musiker wurden verteilt Opernhaus und Kinoorchester. Zusammen traten sie nur bei seltenen einmaligen Konzerten auf.

„Das tiefe Eindringen in die Natur der Jazzaufführung, in ihre klassischen Traditionen einerseits und der Wunsch, zu diesem Genre beizutragen, indem man nationale Folklore verwendet, indem man originelle Jazzwerke und -arrangements kreiert und aufführt, andererseits – das ist die Credo des Orchesters."

Oleg Lundström

Erst das Tauwetter brachte den Jazz zurück auf die Bühne. Im Jahr seines 60-jährigen Jubiläums ging das Orchester von Oleg Lundstrem als ältestes durchgehend bestehendes Jazzorchester der Welt ins Guinness-Buch der Rekorde ein. Als Duke Ellington in den 1970er Jahren nach Moskau kam, hatte der Musiker auch Gelegenheit, den Autor des gleichen „Dear Old South“ zu treffen. Oleg Lundstrem hat die Platte sein ganzes Leben lang aufbewahrt, was ihm die Liebe zum Jazz gab.