Uuch über ausländische Musikliteratur. "Musikalische Literatur fremder Länder" und

Musikbibliothek Wir freuen uns, dass Sie die für Sie interessanten Materialien in unserer Musikbibliothek gefunden und heruntergeladen haben. Die Bibliothek wird ständig mit neuen Werken und Materialien aktualisiert, und beim nächsten Mal werden Sie bestimmt etwas Neues und Interessantes für sich finden. Die Bibliothek des Projekts wird auf der Grundlage des Curriculums sowie von Materialien, die für den Unterricht und die Erweiterung des Horizonts der Schüler empfohlen werden, vervollständigt. Sowohl Studierende als auch Lehrende finden hier nützliche Informationen. die Bibliothek präsentiert auch methodische Literatur. Unsere Haustiere Komponisten und Interpreten Zeitgenössische Künstler Hier finden Sie auch Biografien prominenter Künstler, Komponisten, berühmter Musiker sowie deren Werke. In der Werksektion veröffentlichen wir Aufnahmen von Aufführungen, die Ihnen beim Lernen helfen werden, Sie werden hören, wie dieses Werk klingt, Akzente und Nuancen des Werks. Wir erwarten Sie auf classON.ru. VN Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 1770 - 1827 Fryderyk Chopin 1810 - 1949 Kindererziehung in Russland über sie wird immer mehr ab etwa dem 10. Jahrhundert v. Chr. reichlich vorhanden. Die bildende Kunst entwickelt sich - und Künstler stellen Musiker dar, die religiöse Riten, Militärzüge, Jagden, feierliche Prozessionen, Tänze mit Gesang und Instrumentenspiel begleiten. Solche Bilder sind insbesondere an den Wänden von Tempeln und Keramikvasen, die bei Ausgrabungen gefunden wurden, erhalten geblieben. Es entsteht Schrift – und die Autoren der Manuskripte führen poetische Texte von Liedern und Hymnen in sie ein, geben interessante Informationen über das Musikleben. Im Laufe der Zeit schenken Schriftsteller philosophischen Diskussionen über Musik, ihrer wichtigen sozialen, einschließlich erzieherischen Rolle, sowie dem theoretischen Studium der Elemente ihrer Sprache viel Aufmerksamkeit. Die meisten dieser Informationen sind über Musik in einigen Ländern der Antike erhalten geblieben, beispielsweise in Antikes China , Altes Indien, Altes Ägypten, besonders in den sogenannten alten Ländern - Altes Griechenland und Altes Rom, wo die Grundlagen der europäischen Kultur gelegt wurden2. Einführung Musik von der Antike bis J. S. Bach Liebe Kinder! Letztes Jahr hattest du schon Unterricht in musikalischer Literatur. Sie diskutierten die Grundelemente der Musiksprache, einige musikalische Formen und Genres, die Ausdrucks- und visuellen Möglichkeiten der Musik und das Orchester. Gleichzeitig wurde das Gespräch frei über verschiedene Epochen geführt - entweder über die Antike oder über die Moderne oder über die Rückkehr zu weniger oder weiter von uns entfernten Jahrhunderten. Und jetzt ist es an der Zeit, sich mit Musikliteratur in chronologisch sequentieller - historischer - Reihenfolge1 vertraut zu machen. Über die Musik im antiken Griechenland Wie kamen wir zur Musik der Antike? Überzeugender Beweis für die große kulturhistorische Rolle der Antike ist die Tatsache, dass im antiken Griechenland im 8. Jahrhundert v. Chr. öffentliche sportliche Wettkämpfe, die Olympischen Spiele, geboren wurden . Und zwei Jahrhunderte später fanden dort Musikwettbewerbe statt - die Pythischen Spiele, die als entfernte Vorfahren moderner Wettbewerbe angesehen werden können. Die pythischen Spiele wurden im Tempel abgehalten, der zu Ehren des Schutzpatrons der Künste, des Sonnen- und Lichtgottes Apollo, erbaut wurde. Den Mythen zufolge hat er, nachdem er die monströse Schlange Python besiegt hatte, diese Spiele selbst ins Leben gerufen. Es ist bekannt, dass sie einst von Sakkad aus Argos gewonnen wurden, der auf der Aulos, einem Blasinstrument in der Nähe der Oboe, ein Programmspiel über den Kampf des Apollon mit Python spielte.Für die altgriechische Musik gab es eine charakteristische Verbindung zur Poesie, Tanz, Theater. Die dem legendären Dichter Homer zugeschriebenen Heldenepen „Ilias“ und „Odyssee“ wurden mit Singsangstimme gesungen. Sänger waren gewöhnlich, wie der mythologische Orpheus, die Verfasser von poetischem Text und Musik, und sie selbst begleiteten sich selbst auf der Leier. Bei den Feierlichkeiten wurden Choraltanzlieder mit pantomimischen Gesten aufgeführt. В древнегреческих трагедиях и комедиях большая роль принадлежала хору: он комментировал действие, выражал отношение к Производя раскопки, ученые -археологи нашли простейшие по устройству музыкальные инструменты (например, духовые - кости животных с просверленными отверстиями) и определили, что они сделаны около сорока тысяч лет vor. Musikalische Kunst existierte also schon damals. Nach der Erfindung des Phonographen im Jahr 1877 - dem ersten Gerät zur mechanischen Aufzeichnung und Wiedergabe von Ton - begannen Musiker-Forscher, in jene Ecken der Welt zu reisen, wo einige Stämme noch eine primitive Lebensweise hatten. Von Vertretern solcher Stämme nahmen sie mit Hilfe eines Phonographen Proben von Gesang und Instrumentalmelodien auf. Aber solche Aufnahmen geben natürlich nur eine ungefähre Vorstellung davon, wie Musik in jenen alten Zeiten war. Das Wort "Chronologie" (es bedeutet "die Abfolge historischer Ereignisse in der Zeit") kommt von zwei griechischen Wörtern - "chronos" ("Zeit") und "logos" ("Lehre"). 1 Das lateinische Wort „antiguus“ bedeutet „uralt“. Der davon abgeleitete Begriff „antik“ bezieht sich auf die Geschichte und Kultur des antiken Griechenlands und des antiken Roms. 2 2 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst auf der Grundlage der Heldentaten. Moderne Musikwissenschaftler haben bestimmte Informationen über Musik in antike Welt und doch beneiden sie Historiker anderer Künste. Für eine große Anzahl prächtiger Denkmäler antiker Architektur, antiker bildender Kunst, insbesondere Skulptur, wurden viele Manuskripte mit Texten von Tragödien und Komödien großer antiker Dramatiker gefunden. Aber Musikwerke, die in der gleichen Zeit und noch viel später entstanden sind, bleiben uns im Wesentlichen unbekannt. Warum ist es so passiert? Tatsache ist, dass es sich als sehr schwierige Aufgabe herausstellte, ein ausreichend genaues und bequemes System der Notenschrift (Notation) zu erfinden, das jeder von Ihnen beherrschte, als Sie gerade anfingen, Musik zu lernen. Es dauerte viele Jahrhunderte, es zu lösen. Es stimmt, die alten Griechen haben die Buchstabennotation erfunden. Sie bezeichneten die Schritte musikalischer Modi mit bestimmten Buchstaben des Alphabets. Aber rhythmische Zeichen (aus Bindestrichen) wurden nicht immer hinzugefügt. Erst Mitte des 19. Jahrhunderts n. Chr. entschlüsselten Wissenschaftler die Geheimnisse dieser Notation. Wenn sie jedoch das Höhenverhältnis der Töne in antiken griechischen Musikhandschriften genau entziffern konnten, dann ist das Verhältnis der Dauer nur ungefähr. Darüber hinaus wurden nur sehr wenige solcher Manuskripte gefunden, und sie enthalten Aufzeichnungen nur einiger monophoner Werke (z. B. Hymnen) und häufiger - ihrer Fragmente. ausreichende Sichtbarkeit. Daher verwenden Musiker seit langem Hilfshinweissymbole. Diese Symbole wurden über den Worten der Gesänge platziert und bezeichneten entweder einzelne Klänge oder ihre kleinen Gruppen. Sie gaben weder das genaue Verhältnis der Töne in der Höhe noch in der Dauer an. Aber mit ihrer Inschrift erinnerten sie die Interpreten an die Richtung des Melodiesatzes, die sie auswendig kannten und von einer Generation zur nächsten weitergaben. In den Ländern West- und Mitteleuropas, auf deren Musik später in diesem Lehrbuch eingegangen wird, wurden solche Ikonen Neumen genannt. Die Neumen wurden verwendet, um alte katholische liturgische Hymnen aufzunehmen - den gregorianischen Gesang. Dieser gebräuchliche Name leitet sich vom Namen von Papst Gregor I3 ab. Der Legende nach hat er Ende des 6. Jahrhunderts die Hauptsammlung dieser monophonen Gesänge zusammengestellt. Sie sind dazu bestimmt, während des Gottesdienstes nur von Männern und Knaben vorgetragen zu werden - solistisch und unisono vom Chor, sie sind in lateinischen Gebetstexten verfasst. Doch im 11. Jahrhundert erfand der italienische Mönch Guido d'Arezzo ("aus Arezzo") eine neue Schreibweise: Er unterrichtete im Kloster singende Knaben und wollte ihnen das Auswendiglernen spiritueller Gesänge erleichtern. Zu dieser Zeit begannen Neumas angelegt zu werden horizontale Linie , darüber und darunter. Diese Linie entsprach einem bestimmten Ton und legte somit die ungefähre Tonhöhe der Aufnahme fest. Und Guido kam auf die Idee, gleich vier parallele Linien ("Lineale") in gleichem Abstand voneinander zu zeichnen und Neumen darauf und dazwischen zu platzieren. So entstand der Vorfahr des modernen Notensystems - eine Art streng linierte Leinwand, die es ermöglichte, das Höhenverhältnis von Tönen durch Töne und Halbtöne genau anzugeben. Und gleichzeitig wurde die Notenschrift visueller – wie eine Zeichnung, die die Bewegung einer Melodie, ihre Biegungen darstellt. Die Laute, die den Herrschern entsprachen, bezeichnete Guido mit den Buchstaben des lateinischen Alphabets. Ihre Inschriften begannen sich später zu ändern und wurden schließlich zu Zeichen, die als Schlüssel bezeichnet wurden. Und die Neumen, die auf den Linealen und zwischen ihnen "sitzen", wurden schließlich zu separaten Noten, bei denen die Köpfe zuerst die Form von Quadraten hatten. Fragen und Aufgaben 1. Wann wurden laut Wissenschaftlern die ältesten Musikinstrumente hergestellt? Was sagt es? 2. Was ist der Phonograph, wann wurde er erfunden und wie begannen die Forscher, ihn zu verwenden? 3. Über die Musik welcher Länder der Antike sind die meisten Informationen erhalten? Bestimmen Sie auf der Karte, um welches Meer sich drei solcher Länder befanden. 4. Wann und wo begannen die alten Musikwettbewerbe - die Pythischen Spiele - abgehalten zu werden? 5. Mit welchen Künsten war Musik im antiken Griechenland eng verbunden? 6. Welche Notation haben die alten Griechen erfunden? Inwiefern ist es ungenau? Der Titel „Papst von Rom“ wird von einem Geistlichen getragen, der die Katholische Kirche als internationale geistliche Organisation leitet. Der Katholizismus gehört neben der Orthodoxie und dem Protestantismus zu den christlichen Glaubensbekenntnissen. 4 Die alten Römer sprachen Latein. Nach dem Untergang des Römischen Reiches im Jahr 476 hörte Latein allmählich auf, gesprochen zu werden. Daraus entstanden die sogenannten romanischen Sprachen - Italienisch, Französisch, Spanisch, Portugiesisch. 3 So entstand die bequeme Notation Im Mittelalter (als Beginn dieser historischen Periode gilt das 6. Jahrhundert n. Chr.) geriet die Buchstabennotation fast in Vergessenheit. 3 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Wie durch ein Wunder erreichten Gerüchte über eine neue Notationsmethode Papst Johannes XIX. Er rief Guido zu sich und sang eine ihm unbekannte Melodie nach einer erfundenen Aufnahme. In der Zukunft wurde die Zahl der Parallelherrscher viele Male geändert, es kam vor - sogar auf achtzehn erhöht. Erst gegen Ende des 17. Jahrhunderts "siegte" der jetzige fünfzeilige Stab. Es wurden auch viele verschiedene Schlüssel verwendet. Erst im 19. Jahrhundert wurden der Violin- und der Bassschlüssel am weitesten verbreitet. Nach der Erfindung von Guido d'Arezzo wurde lange Zeit eine andere schwierige Aufgabe gelöst - wie man die Notation so verbessert, dass sie das genaue Verhältnis von Tönen nicht nur in der Höhe, sondern auch in der Dauer angibt.Nach einiger Zeit dachten sie darüber nach mit unterschiedlich geformten musikalischen Zeichen, dazu kamen zunächst viele konventionelle Regeln, die die praktische Anwendung erschwerten, und im Laufe mehrerer Jahrhunderte entwickelte sich nach und nach eine bequemere Notation - genau die, die wir fortführen zu verwenden. Nach Beginn des 17. Jahrhunderts wurde sie nur noch in Details verbessert, und ihr lange gesuchtes rhythmisches Prinzip erscheint nun als das einfachste von allen. Es besteht darin, dass ein ganzer Ton in der Dauer ist immer gleich zwei Hälften - unterschiedlich im Stil, eine Hälfte - zwei Viertel, ein Viertel - zwei Achtel usw. dass die Balken begannen, die Balken im 16. Jahrhundert zu trennen, und die Größe am Anfang des Notenschrift war unbedingt angegeben stammt aus dem 17. Jahrhundert. Allerdings gab es damals schon nicht nur Notenhandschriften, sondern auch gedruckte Noten. Denn der Notendruck begann schon kurz nach der Erfindung des Buchdrucks – gegen Ende des 15. Jahrhunderts. In der Antike und lange im Mittelalter war Musik in der Regel einstimmig. Es gab nur wenige kleine Ausnahmen. Zum Beispiel hat ein Sänger ein Lied aufgeführt und es synchronisiert (d. h. gleichzeitig gespielt), während er ein Instrument spielte. Gleichzeitig konnten sich Stimme und Instrument manchmal ein wenig auflösen, voneinander abweichen und bald wieder zusammenlaufen. So entstanden und verschwanden in einem monophonen Schallstrom zweistimmige „Inseln“. Aber um die Wende vom ersten zum zweiten Jahrtausend unserer Zeitrechnung begann sich das polyphone Lagerhaus konsequent zu entwickeln und wurde später dominant in der professionellen Musikkunst. Diese komplexe und lange Formation konzentrierte sich hauptsächlich auf den Bereich der katholischen Kirchenmusik. Der Fall begann mit der Erfindung (von wem - unbekannt) der folgenden Technik. Ein Sänger (oder mehrere Sänger) spielte die Hauptstimme – eine langsame, sanfte Melodie des gregorianischen Gesangs. Und die zweite Stimme bewegte sich streng parallel – genau im gleichen Rhythmus, nur immer im Abstand von einer Oktave oder einer Quart oder einer Quint. Nun, für unsere Ohren klingt es sehr arm, „leer“. Aber vor tausend Jahren eröffnete ein solcher Gesang, der unter den Bögen einer Kirche, einer Kathedrale, erstaunt und erfreut widerhallte, der Musik neue Ausdrucksmöglichkeiten. Nach einiger Zeit suchten Kirchenmusiker nach flexibleren und abwechslungsreicheren Methoden, eine zweite Stimme zu führen. Und dann fingen sie an, immer geschickter drei, vier Stimmen zu kombinieren, später manchmal noch mehr Stimmen. Fragen und Aufgaben 1. Was war in der Praxis der Buchstabennotation unbequem? 2. Was suggerierten die Neumen den mittelalterlichen Chorsängern? 3. Was ist Gregorianischer Choral und warum heißt er so? 4. Erläutern Sie das Wesen der Erfindung von Guido d'Arezzo 5. Was war die nächste Aufgabe, die nach Guidos Erfindung zu lösen war 6. Seit wann hat sich die Notation nicht mehr wesentlich verändert Kirchenmusiker Perotyn Er war ein herausragender Vertreter des Gesangs Kunst - die Pariser "School of Notre Dame" ("Schule Unserer Lieben Frau"). Perotins Gesänge erklangen in einem Gebäude von bemerkenswerter Schönheit. Dies ist ein berühmtes Denkmal der mittelalterlichen gotischen Architektur, das von den Franzosen beschrieben wurde 19. Schriftsteller Jahrhundert von Victor Hugo in dem berühmten Roman Kathedrale Notre Dame. Wie sich die Polyphonie in der Musik zu entwickeln begann So begann sich die Polyphonie zu entwickeln. Aus dem Griechischen übersetzt bedeutet dieses Wort „Polyphonie“. Als Polyphonie bezeichnet man aber nur jene Art von Polyphonie, bei der zwei oder mehr gleiche Stimmen gleichzeitig erklingen, von denen jede ihre eigene, unabhängige Melodielinie hat. Wenn eine Stimme die Hauptmelodie anführt, während andere ihr untergeordnet sind (begleiten, begleiten), dann ist dies Homophonie - eine andere.Dank der Verbesserung der Notation wurden Musikmanuskripte allmählich, insbesondere ab dem 13. Jahrhundert, mehr und genauer entschlüsselt. Dies ermöglichte es, nicht nur Informationen über die Musikkultur, sondern auch die Musik vergangener Epochen kennenzulernen. Nicht zufällig fielen die Erfolge der Notation mit dem Beginn der Entwicklung der Polyphonie zusammen – einer wichtigen Etappe in der Geschichte der Tonkunst. 4 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Die Messe ist zu einem wichtigen Musikgenre geworden. Die Ordentliche Messe 5 enthält sechs Hauptgesänge zu lateinischen Andachtstexten. Dies sind „Kiriyo Eleison“ („Herr, erbarme dich“), „Gloria“ („Ehre“), „Credo“ („Ich glaube“), „Sanctus“ („Heilig“), „Benedictus“ („Gesegnet“) ) und „Agnus Dei“ („Lamm Gottes“). Anfänglich erklang der gregorianische Choral in Massen einstimmig. Aber um das 15. Jahrhundert entwickelte sich die Messe zu einem Zyklus komplexer polyphoner Stimmen 6. Gleichzeitig begann man sehr geschickt mit Imitationen umzugehen. Aus dem Lateinischen übersetzt bedeutet „imitatio“ „Nachahmung“. In der Musik kann man manchmal außermusikalische Klänge imitieren, zum Beispiel das Trillern einer Nachtigall, den Ruf des Kuckucks, das Geräusch von Meereswellen. Dann heißt es Onomatopoeia oder Onomatopoeia. Und Imitation in der Musik ist eine solche Technik, wenn eine Melodie, die mit einer Stimme endet, von einer anderen Stimme genau (oder nicht ganz genau) aus einem anderen Ton wiederholt wird. Andere Stimmen können dann auf die gleiche Weise eintreten. Bei homophoner Musik können kurz Imitationen auftreten. Und in der polyphonen Musik ist dies eine der wichtigsten Entwicklungsmethoden. Es hilft, die melodische Bewegung nahezu kontinuierlich zu machen: Pausen und Kadenzen gleichzeitig in allen Stimmen kommen in der polyphonen Musik nur in seltenen Ausnahmefällen vor7. Durch die Kombination von Imitation mit anderen polyphonen Geräten machten Komponisten ihre Massen groß. Chorwerke, in denen vier oder fünf Stimmen zu einem komplexen Klanggewebe verwoben sind. Darin ist die Melodie des gregorianischen Chorals schon schwer zu unterscheiden und ebenso schwer die Gebetsworte zu hören. Es gab sogar Messen, bei denen die Melodien weltlicher Volkslieder als Hauptmelodien verwendet wurden. Diese Situation beunruhigte die höchsten katholischen geistlichen Autoritäten. Mitte des 16. Jahrhunderts sollte der mehrstimmige Gesang im Gottesdienst generell verboten werden. Aber ein solches Verbot kam nicht zustande, dank des bemerkenswerten italienischen Komponisten Palestrina, der fast sein ganzes Leben in Rom verbrachte und dem päpstlichen Hof nahe stand (sein Vollständiger Name- Giovanni Pierluigi da Palestrina, das heißt "aus Palestrina" - einer kleinen Stadt in der Nähe von Rom). Palestrina schaffte mit seinen Messen (und er schrieb mehr als hundert davon) den Auftritt der Polyphonie. Da die Begleitung eine akkordharmonische Basis hat, wird das homophone Lager der musikalischen Darbietung auch als homophon-harmonisch bezeichnet. Fragen und Aufgaben 1. Seit wann werden Musikhandschriften immer genauer entschlüsselt? 2. Mit welcher wichtigen neuen Etappe in der Geschichte der Musikkunst fiel der Erfolg der Notation zusammen? 3. Wann, in welcher Musik und aufgrund welcher Melodien bildete sich allmählich Polyphonie? 4. Was war eine parallele Zweistimmigkeit? Singen Sie gemeinsam mehrere parallele Quarten, Quinten und Oktaven. 5. Was ist der Unterschied zwischen Polyphonie und Homophonie? Wie sich die Polyphonie weiter entwickelte Während sich im Kirchengesang die Polyphonie zu entwickeln begann, dominierte in der weltlichen Musik weiterhin die Monophonie. Beispielsweise wurden viele Aufnahmen von einstimmigen Liedern, die im 12. bis 14. Jahrhundert von mittelalterlichen Dichter-Sängern komponiert und aufgeführt wurden, entschlüsselt. In Südfrankreich, in der Provence, wurden sie Troubadoure genannt, in Nordfrankreich - Trouvers, in Deutschland - Minnesänger. Viele von ihnen waren berühmte Ritter und besangen in ihren Liedern oft die Schönheit und Tugend der „schönen Dame“, die sie verehrten. Die Melodien der Lieder dieser Dichter-Sänger waren oft Volksmelodien, einschließlich Tanzmelodien, nahe, und der Rhythmus war dem Rhythmus des poetischen Textes untergeordnet. Später, im XIV.-XVI. Jahrhundert, schlossen sich deutsche Dichter-Sänger aus Handwerkern in Werkstätten zusammen und nannten sich „Meistersinger". Kirchenpolyphonie und weltliche Liedmonophonie stellten sich nicht als isoliert voneinander heraus. So in Stimmen, die dem gregorianischen Choral in geistlichen Gesängen hinzugefügt wurden, machte sich der Einfluss weltlicher Lieder (z. B. Lieder von Troubadouren und Trouveurs) bemerkbar. Gleichzeitig erschienen Ende des 13. Jahrhunderts in Frankreich rein weltliche polyphone Werke , wo die Parteien aller Stimmen auf Melodien mit Liedcharakter basierten und die Texte nicht auf Latein, sondern auf Französisch komponiert wurden Kirchenmusik Meistens gibt es auch spezielle Messen, die den kirchlichen Feiertagen gewidmet sind. Denken Sie daran, dass ein Zyklus ein Werk aus mehreren separaten Teilen (oder Theaterstücken) ist, die durch eine gemeinsame Idee vereint sind. 7 Cadence (Kadenz) ist eine melodische und harmonische Wendung, die das gesamte Musikstück oder seinen Abschnitt vervollständigt. 5 6 5 www.classON.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der russischen Kunst, um zu beweisen, dass polyphone Kompositionen zwar sehr gekonnt bleiben, aber transparent klingen und liturgische Texte klar zu hören sind. Die Musik von Palestrina ist einer der Höhepunkte der alten Chorpolyphonie des sogenannten strengen Stils. Es entführt uns in die Welt der erleuchteten erhabenen Kontemplation – als strahle es ein gleichmäßiges, beruhigendes Strahlen aus. Dichter, Musiker, Wissenschaftler und Kunstliebhaber. Sie waren von der Idee mitgerissen, eine neue Art von Ausdruck zu schaffen Sologesang mit Begleitung und kombiniere es mit theatralischer Aktion. So entstanden die ersten Opern, deren Handlung der antiken Mythologie entnommen war. Das allererste ist „Daphne“, komponiert von dem Komponisten Jacopo Peri (zusammen mit Y. Korea) und dem Dichter O. Rinuccini. Es wurde 1597 in Florenz aufgeführt (das Werk als Ganzes ist nicht erhalten). In der antiken griechischen Mythologie ist Daphne die Tochter der Flussgottheit Ladon und der Erdgöttin Gaia. Auf der Flucht vor der Verfolgung von Apollo betete sie zu den Göttern um Hilfe und wurde in einen Lorbeer (auf Griechisch "daphne" - "Lorbeer") - den heiligen Baum von Apollo - verwandelt. Da Apollo als Schutzgott der Künste galt, wurden die Gewinner der Pythischen Spiele mit einem Lorbeerkranz gekrönt, dessen Gründer als Apollo galt. Der Lorbeerkranz und ein separater Lorbeerzweig sind zu Symbolen für Sieg, Ruhm und Belohnung geworden. Zwei weitere Opern aus dem Jahr 1600 (eine von J. Peri, die andere von G. Caccini) heißen beide „Eurydike“, weil sie beide denselben poetischen Text verwenden, der auf dem antiken griechischen Mythos des legendären Sängers Orpheus basiert. Die ersten italienischen Opern wurden in Palästen und Häusern von Adeligen aufgeführt. Das Orchester bestand aus wenigen alten Instrumenten. Es wurde von einem Musiker geleitet, der das Cembalo (der italienische Name für das Cembalo) spielte. Es gab noch keine Ouvertüre, und der Beginn der Aufführung wurde von Trompetenfanfaren eingeläutet. Und in den Gesangspartien herrschte das Rezitativ vor, bei dem die musikalische Entwicklung dem poetischen Text untergeordnet war. Bald jedoch gewann die Musik in der Oper einen immer eigenständigeren und wichtigeren Stellenwert. Dies ist das Verdienst des ersten herausragenden Opernkomponisten - Claudio Monteverdi. Seine erste Oper „Orpheus“ wurde 1607 in Mantua aufgeführt. Ihr Held ist wieder derselbe legendäre Sänger, der mit seiner Kunst Hades, den Gott der Unterwelt, besänftigte. Reiche der Toten, und er entließ Eurydike, die geliebte Frau von Orpheus, auf die Erde. Aber die Bedingung des Hades – bevor er sein Königreich verließ, schaue niemals Eurydike an – verletzte Orpheus und verlor sie erneut für immer. Das traurige Geschichte Monteverdis Musik verlieh eine beispiellose lyrische und dramatische Ausdruckskraft. Gesangsparts, Chöre, Orchesterepisoden wurden in Monteverdis Orpheus viel vielfältiger. In diesem Werk begann sich ein melodiöser, schwungvoller Stil herauszubilden – das wichtigste Unterscheidungsmerkmal der italienischen Opernmusik. Nach dem Vorbild von Florenz wurden Opern nicht nur in Mantua, sondern auch in italienischen Städten wie Rom, Venedig und Neapel komponiert und aufgeführt. Das Interesse an dem neuen Genre begann sich in anderen zu entwickeln europäische Länder ah, und ihre Fragen und Aufgaben 1 . Wer sind Troubadoure, Trouver, Minnesänger und Meistersänger? 2. Gibt es einen Zusammenhang zwischen altkirchlicher Polyphonie und weltlichen Liedmelodien? 3. Nennen Sie die Hauptbestandteile einer gewöhnlichen Messe. 4. Nennen Sie Beispiele für Lautmalerei in der Musik. 5. Was wird in der Musik als Imitation bezeichnet? 6. Was hat Palestrina in seinen Massen erreicht? Die Geburt der Oper. Oratorium und Kantate Kurz vor dem Beginn des 17. Jahrhunderts – dem ersten Jahrhundert der historischen Periode, die New Age genannt wird – fand ein Ereignis von äußerster Bedeutung in der Musikkunst statt: Die Oper wurde in Italien geboren. Musik wird seit der Antike in verschiedenen Theateraufführungen verwendet. In ihnen konnten neben Instrumental- und Chornummern auch einzelne Gesangssoli, wie Lieder, aufgeführt werden. Und in der Oper wurden Sänger und Sängerinnen zu Schauspielerinnen und Schauspielerinnen. Ihr Gesang, begleitet vom Orchester, in Kombination mit der Bühnenaktion begann, den Hauptinhalt der Aufführung zu vermitteln. Es wird durch Kulissen, Kostüme und oft auch Tänze - Ballett - ergänzt. So führte die Musik in der Oper die enge Gemeinschaft verschiedener Künste. Dies eröffnete ihr großartige neue künstlerische Möglichkeiten. Opernsänger und Sängerinnen begannen, persönlich zu übertragen seelische Gefühle Menschen - sowohl glücklich als auch traurig. Gleichzeitig war das wichtigste Ausdrucksmittel der Oper die homophone Kombination einer solistischen Singstimme mit Orchesterbegleitung. Und wenn sich bis zum 17. Jahrhundert professionelle Musik in Westeuropa hauptsächlich in der Kirche entwickelte und die Messe das größte Genre war, dann wurde das Musiktheater zum Hauptzentrum, und das größte Genre war die Oper. Ende des 16. Jahrhunderts versammelte sich in der italienischen Stadt Florenz der Kreis 6 www.classON.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst In Russland war es für die Herrscher üblich, italienische Musiker zu ihrem Hofgottesdienst einzuladen. Dies trug dazu bei, dass die italienische Musik für lange Zeit zur einflussreichsten in Europa wurde. In Frankreich entstand im 17. Jahrhundert eine eigene Nationaloper, die sich von der italienischen unterschied. Sein Gründer - Jean-Baptiste L yul l und - Italiener von Geburt. Trotzdem hat er die Besonderheiten der französischen Kultur richtig empfunden und eine Art französischen Opernstil geschaffen. In Lullys Opern nahmen einerseits Rezitative und kleine Arien mit rezitativem Charakter einen großen Platz ein, andererseits Balletttänze, feierliche Märsche und monumentale Chöre. Zusammen mit mythologischen Handlungen, prächtigen Kostümen, der Darstellung magischer Wunder mit Hilfe von Theatermaschinen entsprach dies dem Glanz und Glanz des höfischen Lebens während der Regierungszeit des französischen Königs Ludwig XIV. Die erste Oper in Deutschland, Daphne (1627), wurde vom größten deutschen Komponisten der Vor-Bach-Ära, Heinrich Schüttz, geschaffen. Aber ihre Musik hat nicht überlebt. Und es gab keine Bedingungen für die Entwicklung des Operngenres im Land: Sie nahmen erst mit Beginn des 19. Jahrhunderts wirklich Gestalt an. Und in der Arbeit von Schutz nahmen ausdrucksstarke vokal-instrumentale Kompositionen zu spirituellen Texten den Hauptplatz ein. 1689 wurde in London die erste englische Oper Dido and Aeneas des bemerkenswert talentierten Komponisten Henry Purcell aufgeführt. Die Musik dieser Oper besticht mit herzlichen Texten, poetischer Fantasie und farbenfrohen Alltagsbildern. Nach dem Tod von Purcell gab es jedoch fast zwei Jahrhunderte lang keine herausragenden Musikschöpfer unter den englischen Komponisten. An der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert wurden zeitgleich mit der Oper und auch in Italien O r a t o r y und Cant Ata geboren. Es ist der Oper ähnlich, dass auch Solisten, Chor und Orchester an ihrer Aufführung teilnehmen und dass sie auch Arien, Rezitative, Vokalensembles, Chöre, Orchesterepisoden erklingen lassen. Aber in der Oper erfahren wir über die Entwicklung der Ereignisse (Plot) nicht nur aus dem, was die Solisten singen, sondern auch aus dem, was sie tun und was allgemein auf der Bühne passiert. Und im Oratorium und in der Kantate Bühnenhandlung Nein. Sie werden in einem konzertanten Rahmen aufgeführt, ohne Kostüme und Kulissen. Aber es gibt auch einen Unterschied zwischen Oratorium und Kantate, wenn auch nicht immer eindeutig. Normalerweise ist ein Oratorium ein Werk von größerem Umfang und mit einer weiter entwickelten religiösen Handlung. Sie hat oft einen episch-dramatischen Charakter. In diesem Zusammenhang wird der erzählende rezitative Teil des Sänger-Erzählers oft in das Oratorium aufgenommen. Eine besondere Art von geistlichen Oratorien ist "Leidenschaft" oder "Passiv" (übersetzt aus dem Lateinischen - "Leiden"). Die „Passion“ erzählt vom Leiden und Sterben des am Kreuz gekreuzigten Jesus Christus. 7 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Kantaten werden je nach Inhalt des mündlichen Textes in geistliche und weltliche unterteilt. Im 17. und Anfang des 18. Jahrhunderts entstanden in Italien viele kleine Kammerkantaten. Sie bestanden aus abwechselnd zwei oder drei Rezitativen mit zwei oder drei Arien. In der Zukunft verbreiteten sich Kantaten mit überwiegend feierlichem Charakter. Geistliche Kantaten und "Passionen" verschiedener Konstruktionen waren in Deutschland am weitesten entwickelt. Arien, und es ist faszinierend, einen virtuosen Passagensatz einzusetzen. Im Vermächtnis von Corelli und Vivaldi gehört der Triosonatengattung ein großer Platz. In den meisten Triosonaten werden zwei Hauptstimmen von Violinen gespielt, und die dritte Stimme wird von einem Cembalo oder einer Orgel begleitet, wobei die Bassstimme von einem Cello oder Fagott verdoppelt wird. Nach der Triosonate erschien eine Sonate für Violine oder ein anderes Instrument, begleitet von einem Cembalo. sowie Concerto grosso - ein Konzert für Orchester (erste - Streicher). Viele Werke dieser Gattungen zeichnen sich durch die Form einer alten Sonate aus. Es ist normalerweise ein vierteiliger Zyklus mit einem Tempoverhältnis langsam-schnell-langsam-schnell. Etwas später, bereits im 18. Jahrhundert, begann Vivaldi zu komponieren Solokonzerte für Violine und einige andere Instrumente mit Orchesterbegleitung. Es gab einen Zyklus aus drei Teilen: "schnell-langsam-schnell". Fragen und Aufgaben 1. Wo und wann wurde die Oper geboren? Erklären Sie, wie sich eine Oper von einer Theateraufführung mit Musik unterscheidet. 2. Was ist das wichtigste Ausdrucksmittel in der Opernmusik? 3. Wie heißt die erste Oper von Claudio Monteverdi und welche Qualitäten manifestiert sich in ihrer Musik? 4. Erzählen Sie uns von den Merkmalen alter französischer Opern. 5. Nennen Sie die erste in Deutschland geschriebene Oper und die erste in England geschriebene Oper. 6. Was ist der Hauptunterschied zwischen Oratorium und Kantate von der Oper? 7. Was sind „Leidenschaften“ („passiv“)? Schon im alten Ägypten begann die Orgel ihre jahrhundertealte Geschichte. Bis zum 17. Jahrhundert war es ein sehr komplexes Instrument mit breiten künstlerischen Möglichkeiten. Kleine Orgeln waren damals sogar in Privathaushalten zu finden. Sie wurden für Trainingseinheiten verwendet, sie spielten Variationen über die Melodien von Volksliedern und Tänzen. Und die großen Orgeln mit glänzenden Pfeifenreihen, mit geschnitzten Holzkörpern erklangen, wie sie es heute tun, in Kirchen und Kathedralen. Heutzutage gibt es auch Orgeln in vielen Konzertsälen. In modernen Orgeln sind mehrere tausend Pfeifen und bis zu sieben Klaviaturen (Manuale) treppenartig übereinander angeordnet. Es gibt so viele Pfeifen, weil sie in Gruppen unterteilt sind - Register. Die Register werden mit speziellen Hebeln eingeschaltet und umgeschaltet, um eine andere Farbe (Timbre) des Klangs zu erhalten. Die Orgeln sind auch mit einem Pedal ausgestattet. Dies ist eine ganze Fußtastatur mit vielen großen Tasten. Durch Drücken mit den Füßen kann der Organist Bassklänge extrahieren und auch lange aushalten (solche ausgehaltenen Klänge werden auch als Pedal- oder Orgelpunkt bezeichnet). In Bezug auf den Klangreichtum, wenn möglich, um das leichteste Pianissimo mit dem donnernden Fortissimo zu vergleichen, sucht die Orgel unter den Musikinstrumenten ihresgleichen. Im 17. Jahrhundert erreichte die Orgelkunst in Deutschland eine besonders hohe Blüte. Wie in anderen Ländern waren deutsche Kirchenorganisten sowohl Komponisten als auch Interpreten. Sie begleiteten nicht nur spirituelle Gesänge, sondern traten auch solo auf. Unter ihnen waren viele talentierte Virtuosen und Improvisatoren, die mit ihrem Spiel ganze Menschenmassen anzogen. Einer der bemerkenswertesten unter ihnen ist Dietrich Buxtehude. Der junge Johann Sebastian Bach kam zu Fuß aus einer anderen Stadt, um ihm zuzuhören. Buxtehudes vielfältiges und umfangreiches Werk repräsentiert die Hauptgattungen der Orgelmusik der Zeit. Auf der einen Seite sind dies Präludien, Fantasien und Instrumentalmusik des 17. Jahrhunderts, ihre Gattungen und Formen: Lange Zeit hat das Spielen der Instrumente in Vokalwerken oder begleiteten Tänzen meist die Stimmenpartien verdoppelt. Auch instrumentale Arrangements von Vokalkompositionen wurden vertrieben. Selbstentwicklung Instrumentalmusik erst im 17. Jahrhundert intensiviert. Gleichzeitig entwickelten sich die künstlerischen Techniken, die sich in der Vokalpolyphonie entwickelt hatten, in ihr weiter. Sie wurden mit Elementen eines homophonen Lagerhauses angereichert, basierend auf Gesang und Tanz. Gleichzeitig begannen die Ausdrucksleistungen der Opernmusik, Instrumentalkompositionen zu beeinflussen. Die Geige hat neben brillanten virtuosen Fähigkeiten eine sehr melodiöse Stimme. Und gerade im Geburtsort der Oper, in Italien, begann sich die Geigenmusik besonders erfolgreich zu entwickeln. Ende des 17. Jahrhunderts blühte das Werk von Arcangelo Corelli auf und die kreative Tätigkeit von Antonio Vivaldi begann. Diese herausragenden italienischen Komponisten schufen viele Instrumentalwerke unter Beteiligung und mit der führenden Rolle der Geige. In ihnen kann die Geige so ausdrucksstark singen wie eine menschliche Stimme in einer Oper. 8 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunsttoccaten. Darin wechseln sich polyphone Episoden frei mit Improvisationspassagen und Akkorden ab. Andererseits handelt es sich um strenger konstruierte Stücke, die zur Entstehung der Fuge führten, der komplexesten Form der imitierenden Polyphonie. Buxtehude fertigte auch viele Orgelbearbeitungen des protestantischen Chorals in Form von Choralvorspielen an. Im Gegensatz zum gregorianischen Gesang ist dies der allgemeine Name für spirituelle Gesänge nicht in Latein, sondern in Deutsch. Sie tauchten im 16. Jahrhundert auf, als sich eine neue Art christlicher Lehre, der Protestantismus, vom Katholizismus trennte. Die melodische Grundlage des protestantischen Gesangs waren deutsche Volkslieder. Im 17. Jahrhundert begann der protestantische Choral mit Unterstützung der Orgel von allen Gemeindemitgliedern im Chor vorgetragen zu werden. Typisch für solche Chorarrangements ist ein vierstimmiges Akkordlager mit einer Melodie in der Oberstimme. In der Folge wurde ein solches Lager als Choral bezeichnet, auch wenn es in einem Instrumentalwerk vorkommt. Die Organisten spielten auch Saiteninstrumente und komponierten für sie. Die gebräuchliche Bezeichnung für Werke für diese Instrumente ist Claviermusik8. Die ersten Informationen über Saitentasteninstrumente stammen aus dem 14.-15. Jahrhundert. Bis zum 17. Jahrhundert war das Cembalo das gebräuchlichste davon geworden. So heißt es in Frankreich, in Italien heißt es Cembalo, in Deutschland - Kielflügel, in England - Cembalo. Der Name der kleineren Instrumente in Frankreich ist das Epinet, in Italien - die Spinette Englands - das Virginel. Das Cembalo ist der Vorfahre des Klaviers, das ab Mitte des 18. Jahrhunderts in Gebrauch kam. Wenn Sie die Tasten des Cembalo drücken, scheinen Federn oder Lederzungen, die an den Stangen angebracht sind, die Saiten zu klemmen. Es entpuppt sich ruckartige, sonore und zugleich ein wenig rauschende Geräusche. Beim Cembalo hängt die Tonstärke nicht von der Stärke des Tastenanschlags ab. Crescendos und Diminuendos sind auf ihm daher nicht möglich – anders als beim Klavier, bei dem dies durch eine flexiblere Verbindung der Tasten mit auf die Saiten schlagenden Hämmern möglich ist. Das Cembalo kann zwei oder drei Klaviaturen und eine Vorrichtung haben, mit der Sie die Klangfarbe ändern können. Der Klang eines anderen kleinen Tasteninstruments – des Clavichord – ist schwächer als der Klang des Cembalo. Andererseits ist auf dem Clavichord ein melodiöseres Spiel möglich, da seine Saiten nicht gezupft, sondern Metallplättchen aufgepresst werden. Eines der wichtigsten Genres der Antike Cembalo Musik- eine Suite aus mehreren formvollendeten Teilen, die in derselben Tonart geschrieben sind. In jedem der Teile wird normalerweise die Bewegung einer Art Tanz verwendet. Grundlage der antiken Suite sind vier Tänze unterschiedlicher, nicht immer genau geklärter Art nationale Herkunft. Dies sind die gemächliche Allemande (möglicherweise aus Deutschland), die beweglicheren Chimes (aus Frankreich), die langsame Sarabande (aus Spanien) und die schnelle Gigue (aus Irland oder England). Ab dem Ende des 17. Jahrhunderts wurden nach dem Vorbild der Pariser Cembalisten die Suiten um französische Tänze wie Menuett, Gavotte, Bourre und Passepied ergänzt. Sie wurden zwischen die Haupttänze eingefügt und bildeten Zwischenabschnitte („integ“ bedeutet im Lateinischen „zwischen“). Die alte französische Cembalomusik zeichnet sich durch Eleganz, Anmut und eine Fülle kleiner melodischer Verzierungen wie Mordents und Triller aus. Der französische Cembalostil blühte im Werk von François Couperin (1668 - 1733) auf, der den Spitznamen „der Große“ erhielt. Er schuf etwa zweieinhalbhundert Stücke und kombinierte sie zu siebenundzwanzig Suiten. Sie wurden allmählich von Stücken mit verschiedenen Programmnamen dominiert. Meistens handelt es sich dabei sozusagen um Miniatur-Cembalo. weibliche Porträts- gezielte Tonskizzen einiger Charaktereigenschaften, Erscheinungen, Verhaltensweisen. Dies sind zum Beispiel die Stücke "Gloomy", "Touching", "Nimble", "Scattered", "Mischievous". Sein großer Zeitgenosse Johann Sebastian Bach zeigte großes Interesse an französischer Cembalomusik, einschließlich der Stücke von Francois Couperin. Fragen und Aufgaben 1. Wann intensivierte sich die eigenständige Entwicklung instrumentaler Gattungen? 2. Welches ist das Lieblingsinstrument von Arcangelo Corelli und Antonio Vivaldi? 3. Erzählen Sie uns von der Struktur des Organs. 4. In welchem ​​Land blühte die Orgelkunst besonders auf? Was ist ein protestantischer Gesang? 5. Erzählen Sie uns von dem Gerät des Cembalo. Welche Tanzsätze werden in den Hauptstimmen der alten Cembalosuite verwendet? Der einleitende Teil des Lehrbuchs stellte daher kurz einige wichtige Ereignisse in der Welt der Musik seit der Antike vor. Es war ein historischer „Ausflug“, um das Erbe der großen westeuropäischen Musiker, die im 18. und 19. Jahrhundert wirkten, näher kennenzulernen. Eine Zeit lang hieß das Clavier Musik für alle. Tasteninstrumente, einschließlich des Tasten-Blasinstruments - Orgel. 8 9 www.classON.ru Kindererziehung im künstlerischen Bereich in Russland Johanns Lebensweg Rod, Familie, Kindheit. Johann Sebastian Bach wurde 1685 in Thüringen - einer der Regionen Mitteldeutschlands - in der von Wäldern umgebenen Kleinstadt Eisenach geboren. In Thüringen waren noch die schweren Folgen des Dreißigjährigen Krieges (1618-1648) zu spüren, in dem zwei große Gruppen europäischer Mächte aufeinanderprallten. Dieser verheerende Krieg widerfuhr den Vorfahren von Johann Sebastian, die eng mit dem deutschen Handwerk und bäuerlichen Umfeld verbunden waren. Sein Ururgroßvater namens Veit war zwar Bäcker, liebte die Musik aber so sehr, dass er sich nie von der Zither, einem mandolinenähnlichen Instrument, trennte, auch nicht bei Ausflügen in die Mühle, auf der er spielte, während das Mehl gemahlen wurde. Und unter seinen Nachkommen, die sich in Thüringen und angrenzenden Regionen ansiedelten, gab es so viele Musiker, dass dort alle, die diesen Beruf ausübten, „Bach“ genannt wurden. Dies waren Kirchenorganisten, Geiger, Flötisten, Trompeter, einige von ihnen zeigten Talent als Komponisten. Sie standen im Dienst der Stadtverwaltungen und an den Höfen der Landesherren der kleinen Fürstentümer und Herzogtümer, in die Deutschland geteilt war. Sebastian Bach 1685-1750 Erstaunlich ist das Schicksal der Musik dieses großen deutschen Komponisten, dessen Geburt mehr als dreihundert Jahre vergangen sind. Zu seinen Lebzeiten fand er vor allem als Organist und Kenner von Musikinstrumenten Anerkennung und geriet nach seinem Tod für mehrere Jahrzehnte nahezu in Vergessenheit. Doch nach und nach begann man sein Werk wiederzuentdecken und bewunderte ihn als kostbaren künstlerischen Schatz, unübertroffen an Können, unerschöpflicher Tiefe und Menschlichkeit des Inhalts. „Kein Strom! "Das Meer muss sein Name sein." So sagte über Bach ein anderes musikalisches Genie - Beethoven9. Bach selbst gelang es, nur einen sehr kleinen Teil seiner Werke zu veröffentlichen. Jetzt sind mehr als tausend davon veröffentlicht (viele mehr sind verloren gegangen). Die ersten vollständigen Werke Bachs wurden hundert Jahre nach seinem Tod in Deutschland gedruckt und umfassten 46 umfangreiche Bände. Und es ist unmöglich, auch nur annähernd zu berechnen, wie viel gedruckt wurde und wie viele Einzelausgaben von Bachs Musik in verschiedenen Ländern noch gedruckt werden. So groß ist die anhaltende Nachfrage danach. Denn es nimmt ein riesiges und ein Ehrenplatz nicht nur im weltweiten Konzertrepertoire, sondern auch im pädagogischen. Johann Sebastian Bach ist bis heute der Lehrer buchstäblich aller Musikbeteiligten. Er ist ein ernsthafter und strenger Lehrer, erfordert Konzentrationsfähigkeit, um die Kunst der Aufführung polyphoner Werke zu meistern. Aber wer keine Angst vor Schwierigkeiten hat und seinen Anforderungen genau achtet, wird hinter seiner Strenge die Weisheit und Freundlichkeit des Herzens spüren, die er mit seinen wunderschönen unsterblichen Schöpfungen lehrt. Das Geburtshaus von JS Bach in Eisenach 9 „Bach“ bedeutet auf Deutsch „Bach“. 10 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Johann Sebastians Vater war Geiger, Stadt- und Hofmusiker in Eisenach. Er begann, seinem jüngsten Sohn Musik beizubringen und schickte ihn auf eine Kirchenschule. Mit einer schönen hohen Stimme sang der Junge im Schulchor. Als er zehn Jahre alt war, starben seine Eltern. Der ältere Bruder, Kirchenorganist im Nachbarort Ohrdruf, kümmerte sich um das Waisenkind. Er ordnete seinen jüngeren Bruder dem örtlichen Lyzeum zu und gab ihm selbst Orgelunterricht. Später wurde Johann Sebastian auch Cembalist, Geiger und Bratscher. Und von Kindheit an beherrschte er die musikalische Komposition selbst und schrieb die Kompositionen verschiedener Autoren um. Ein Notenheft, das ihn besonders interessierte, musste er in mondhellen Nächten heimlich von seinem älteren Bruder umschreiben. Aber als die lange harte Arbeit beendet war, entdeckte er dies, wurde wegen seiner unerlaubten Tat wütend auf Johann Sebastian und nahm ihm das Manuskript gnadenlos weg. Der Beginn eines selbstständigen Lebens. Lüneburg. Mit 15 Jahren wagte Johann Sebastian einen entscheidenden Schritt – er zog ins ferne norddeutsche Lüneburg, wo er als Stipendiat in die Schule der Klosterkirche eintrat. In der Schulbibliothek konnte er sich mit einer Vielzahl von Manuskripten von Kompositionen deutscher Musiker vertraut machen. In Lüneburg und Hamburg, wohin er über Landstraßen fuhr, konnte man dem Spiel begabter Organisten lauschen. Möglicherweise besuchte Johann Sebastian das Opernhaus in Hamburg – damals das einzige in Deutschland, das nicht auf Italienisch, sondern auf Deutsch aufführte. Drei Jahre später schloss er die Schule erfolgreich ab und suchte nach einem Job in der Nähe seines Heimatlandes. Weimar. Nach kurzen Diensten als Geiger und Organist in drei Städten ließ sich Bach 1708, bereits verheiratet, für neun Jahre in Weimar (Thüringen) nieder. Dort war er Organist am herzoglichen Hof, dann Vizekapellanmeister (Assistent des Leiters der Kapelle - einer Gruppe von Sängern und Instrumentalisten). Als Jugendlicher begann Bach in Ohrdruf zu komponieren, insbesondere um evangelische Choräle für sein Lieblingsinstrument Orgel zu arrangieren. Und in Weimar erschienen einige seiner bemerkenswerten reifen Orgelwerke, wie Toccata und Fuge in d-Moll, Passacaglia10 in c-Moll, Choralvorspiele. Zu dieser Zeit war Bach zu einem unübertroffenen Interpreten und Improvisator auf Orgel und Cembalo geworden. Dies wurde durch den folgenden Fall überzeugend bestätigt. Einmal ging Bach in die sächsische Hauptstadt Dresden, wo beschlossen wurde, einen Wettbewerb zwischen ihm und Louis Marchand, dem berühmten französischen Organisten und Cembalisten, zu veranstalten. Aber nachdem er zuvor gehört hatte, wie Bach mit erstaunlichem kreativem Einfallsreichtum auf dem Cembalo improvisiert, beeilte er sich, Dresden heimlich zu verlassen. Der Wettbewerb fand nicht statt. Am Weimarer Hof bot sich Gelegenheit, die Werke italienischer und französischer Komponisten kennenzulernen. Bach behandelte ihre Errungenschaften mit großem Interesse und künstlerischer Initiative. So fertigte er zum Beispiel eine Reihe freier Arrangements für Cembalo und Orgel von Antonio Vivaldis Violinkonzerten an. So entstanden die ersten Klavierkonzerte der Musikgeschichte. Drei Jahre lang sollte Bach in Weimar jeden vierten Sonntag eine neue geistliche Kantate komponieren. Insgesamt sind auf diese Weise mehr als dreißig Werke entstanden. Als jedoch der betagte Hofkapellmeister, dessen Aufgaben eigentlich von Bach wahrgenommen wurden, verstarb, wurde die vakante Stelle nicht an ihn, sondern an den unfähigen Sohn des Verstorbenen vergeben. Empört über diese Ungerechtigkeit reichte Bach seinen Rücktritt ein. Wegen „respektloser Aufforderung“ wurde er unter Hausarrest gestellt. Aber er zeigte eine mutige, stolze Hartnäckigkeit und bestand auf sich selbst. Und einen Monat später musste der Herzog widerwillig den „unbarmherzigen Befehl“ erteilen, den widerspenstigen Musiker in die Freiheit zu entlassen. Köthen. Ende 1717 zog Bach mit seiner Familie nach Köthen. Die Stelle des Hofkapellmeisters wurde ihm von Fürst Leopold Anhalt von Köthen, dem Landesherrn eines kleinen Landes in der Nähe von Thüringen, angeboten. Er war ein guter Musiker – er sang, spielte Cembalo und Viola da Gamba 11. Der Prinz unterstützte seinen neuen Kapellmeister finanziell gut und behandelte ihn mit großem Respekt. Zu Bachs Aufgaben, die relativ wenig Zeit in Anspruch nahmen, gehörte die Leitung einer Kapelle mit achtzehn Sängern und Instrumentalisten, die Begleitung des Prinzen und das Spielen des Cembalo selbst. In Köthen entstehen viele Bach-Werke verschiedene Werkzeuge. Claviermusik ist unter ihnen sehr vielfältig. Einerseits handelt es sich um Stücke für Anfänger – die Passacaglia ist ein langsamer Dreiertanz spanischen Ursprungs. Auf seiner Grundlage entstanden Instrumentalstücke in Form von Variationen mit einer im Bass immer wieder wiederholten Melodie. 10 11 Viola da Gamba ist ein altes Instrument, das wie ein Cello aussieht. 11 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst kleine Präludien, zwei- und dreistimmige Inventionen. Sie wurden von Bach geschrieben, um mit seinem ältesten Sohn Wilhelm Friedemann zu studieren. Andererseits ist dies der erste von zwei Bänden eines monumentalen Werkes – „Das wohltemperierte Klavier“, das insgesamt 48 Präludien und Fugen umfasst, und eine große Komposition des Konzertplans – „Chromatische Fantasie und Fuge“. In die Köthener Zeit fällt auch die Entstehung zweier Sammlungen von Klaviersuiten, bekannt als „Französisch“ und „Englisch“. Prinz Leopold nahm Bach mit auf Reisen in die Nachbarstaaten. Als Johann Sebastian 1720 von einer solchen Reise zurückkehrte, empfand er große Trauer – seine Frau Maria Barbara war gerade gestorben und hinterließ vier Kinder (drei weitere starben früh). Anderthalb Jahre später heiratete Bach erneut. Seine zweite Frau, Anna Magdalena, hatte eine gute Stimme und war sehr musikalisch. Im Studium mit ihr stellte Bach zwei „Notenbücher“ für Klavier aus eigenen Stücken und teilweise aus Stücken anderer Autoren zusammen. Anna Magdalena war eine liebenswürdige und fürsorgliche Begleiterin im Leben Johann Sebastians. Sie gebar ihm dreizehn Kinder, von denen sechs das Erwachsenenalter erreichten. Leipzig. 1723 zog Bach nach Leipzig, einem bedeutenden Handels- und Kulturzentrum Sachsens im benachbarten Thüringen. Bei Prinz Leopold blieb er gute Beziehungen . Doch in Köthen waren die Möglichkeiten musikalischer Betätigung begrenzt – es gab weder eine große Orgel noch einen Chor. Außerdem hatte Bach ältere Söhne, denen er eine gute Ausbildung ermöglichen wollte. In Leipzig übernahm Bach das Amt des Kantors - Leiter des Knabenchores und Lehrer von Gesangsschulen; in der Thomaskirche. Er musste eine Reihe restriktiver Auflagen akzeptieren, etwa „die Stadt nicht ohne Erlaubnis des Bürgermeisters zu verlassen“. Kantor Bach hatte viele andere Aufgaben. Er musste einen kleinen Schulchor und ein sehr kleines Orchester (oder vielmehr ein Ensemble) in Teile aufteilen, damit die Musik bei Gottesdiensten in zwei Kirchen sowie bei Hochzeiten, Beerdigungen und verschiedenen Festlichkeiten erklang. Und nicht alle Chorknaben hatten gute musikalische Fähigkeiten. Das Schulhaus war dreckig, vernachlässigt, die Schüler schlecht ernährt und ärmlich gekleidet. Auf all dies machte Bach, der gleichzeitig als Leipziger „Musikdirektor“ galt, die Kirchenbehörden und die Stadtverwaltung (Magistrat) aufmerksam. Aber im Gegenzug erhielt er wenig materielle Hilfe, aber viel kleinliche Ämterpingelei und Verweise. Mit Schülern beschäftigte er sich nicht nur mit dem Singen, sondern auch mit dem Spielen von Instrumenten, außerdem stellte er auf eigene Kosten einen Lateinlehrer für sie ein. Kirche und Schule St. Thomas (links) in Leipzig. (Von einem alten Stich). Trotz schwieriger Lebensumstände engagierte sich Bach mit Begeisterung für das Schaffen. In den ersten drei Jahren seines Dienstes komponierte und übte er fast jede Woche eine neue geistliche Kantate mit dem Chor. Insgesamt sind etwa zweihundert Werke Bachs dieser Gattung erhalten. Auch mehrere Dutzend seiner weltlichen Kantaten sind bekannt. Sie waren in der Regel einladend und gratulierend an verschiedene edle Personen gerichtet. Aber unter ihnen gibt es eine solche Ausnahme wie die komische "Kaffeekantate", die in Leipzig geschrieben wurde, ähnlich einer Szene aus einer komischen Oper. Es erzählt, wie eine junge, quirlige Lizhen gegen den Willen und die Warnungen ihres Vaters, des alten Nörglers Schlendrian, einer neuen Kaffeemode verfallen ist. Bach schuf in Leipzig seine herausragendsten monumentalen Vokal-Instrumental-Werke – die Johannes-Passion, die Matthäus-Passion12 und die ihnen inhaltlich nahestehende h-Moll-Messe sowie eine Vielzahl verschiedener Instrumentalkompositionen, darunter die zweiter Band "Wohltemperiertes Klavier", eine Sammlung von Johannes und Matthäus (sowie Markus und Lukas) sind Anhänger der Lehren Jesu Christi, der die Evangelien zusammengestellt hat - Geschichten über sein irdisches Leben, Leiden ("Leidenschaften") und Tod. „Evangelium“ bedeutet auf Griechisch „gute Nachricht“. 12 12 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst „Die Kunst der Fuge“. Er reiste nach Dresden, Hamburg, Berlin und in andere deutsche Städte, spielte dort Orgel, erprobte neue Instrumente. Über zehn Jahre lang leitete Bach die „Musikhochschule“ in Leipzig – eine Gesellschaft bestehend aus Studenten und Musikliebhabern – Instrumentalisten und Sängern. Unter der Leitung von Bach gaben sie öffentliche Konzerte mit weltlichen Werken. Im Gespräch mit Musikern war ihm jede Arroganz fremd und er sprach von seinem seltenen Können so: "Ich musste hart arbeiten, wer so hart ist, wird es auch schaffen." Viele Sorgen, aber auch viele Freuden brachte Bach seiner großen Familie. In ihrem Kreis konnte er ganze Hauskonzerte arrangieren. Vier seiner Söhne wurden berühmte Komponisten. Dies sind Wilhelm Friedemann und Carl Philipp Emanuel (Kinder von Maria Barbara), Johann Christoph Friedrich und Johann Christian (Kinder von Anna Magdalena). Im Laufe der Jahre verschlechterte sich Bachs Gesundheitszustand. Seine Sehkraft verschlechterte sich stark. Anfang 1750 unterzog er sich zwei erfolglosen Augenoperationen, erblindete und starb am 28. Juli. Johann Sebastian Bach lebte ein hartes und fleißiges Leben, erleuchtet von brillanter kreativer Inspiration. Er hinterließ kein nennenswertes Vermögen, und Anna Magdalena starb zehn Jahre später in einem Armenheim. Und die jüngste Bach-Tochter Regina Susanna, die bis ins 19. Jahrhundert lebte, wurde durch private Schenkungen, an denen Beethoven einen großen Anteil hatte, vor der Armut gerettet Kreativität Bachs Musik ist mit der Kultur seiner Heimat verbunden Werke von beiden deutschen und ausländischen Komponisten. In seinem Werk verallgemeinerte und bereicherte er auf brillante Weise die Errungenschaften der europäischen Musikkunst. Die meisten Kantaten, „Johannes-Passion“, „Matthäus-Passion“, h-Moll-Messe und viele andere Werke über geistliche Texte stammen von Bach nicht nur gemäß der Pflicht oder Gewohnheit eines Kirchenmusikers, sondern erwärmt von einem aufrichtigen religiösen Gefühl. Sie sind voller Mitgefühl für menschliche Sorgen, durchdrungen von einem Verständnis für menschliche Freuden. Im Laufe der Zeit gingen sie weit über die Tempel hinaus und tun es hören nicht auf, Zuhörer unterschiedlicher Nationalitäten und Religionen zutiefst zu beeindrucken: Geistliche und weltliche Kompositionen Bachs sind in ihrer wahren Menschlichkeit aufeinander bezogen. eine ganze Welt musikalischer Bilder. Bachs unübertroffenes polyphones Können wird mit homophon-harmonischen Mitteln angereichert. Seine Gesangsthemen sind organisch von instrumentalen Entwicklungstechniken durchdrungen, und Instrumentalthemen sind oft so emotional gesättigt, als würde etwas Wichtiges gesungen und ohne Worte ausgesprochen. Toccata und Fuge in d-Moll für Orgel13 Dieses höchst beliebte Werk beginnt mit einem alarmierenden, aber mutigen Willensschrei. Es ist dreimal zu hören, fällt von einer Oktave zur anderen und führt zu einem donnernden akkordischen Grollen in der unteren Lage. So wird zu Beginn der Toccata ein dunkel schattierter, grandioser Klangraum umrissen. 1 Adagio Fragen und Aufgaben 1 . Was ist ungewöhnlich am Schicksal von Bachs Musik? 2. Erzählen Sie uns von Bachs Heimat, seinen Vorfahren und seiner Kindheit. 3. Wann und wo begann Bachs unabhängiges Leben? 4. Wie verlief Bachs Wirken in Weimar und wie endete sie? 5. Erzählen Sie uns von Bachs Leben in Köthen und von seinen Werken dieser Jahre. 6. Welche Instrumente spielte Bach und was war sein Lieblingsinstrument? 7. Warum entschied sich Bach, nach Leipzig zu ziehen, und welchen Schwierigkeiten begegnete er dort? 8. Erzählen Sie uns von den Aktivitäten Bachs als Komponist und Bach als Interpret in Leipzig. Nennen Sie die Werke, die er dort geschaffen hat. Toccata (auf Italienisch „toccata“ – „berühren“, „schlagen“ vom Verb „toccare“ „berühren“, „berühren“) ist ein virtuoses Stück für Tasteninstrumente. 13 13 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Weiter erklingen kraftvoll „wirbelnde“ virtuose Passagen und breite akkordische „Ausbrüche“. Sie sind mehrfach durch Pausen und Stopps auf verlängerten Akkorden getrennt. Dieser Gegensatz von schneller und langsamer Bewegung erinnert an vorsichtige Atempausen zwischen Kämpfen mit gewalttätigen Elementen. Und nach einer freien, improvisatorisch aufgebauten Toccata erklingt eine Fuge. Sie konzentriert sich auf die imitierende Entwicklung eines Themas, in der das willensstarke Prinzip die Urgewalten gleichsam bändigt: 2 Allegro moderato Die sich weit ausdehnende Fuge entwickelt sich zu einer Coda – dem letzten, letzten Abschnitt. Auch hier bricht das improvisatorische Element der Toccata hervor. Aber sie wird schließlich durch angespannte imperative Bemerkungen beruhigt. Und die letzten Takte des ganzen Werks werden als ein harter und majestätischer Sieg des unerbittlichen menschlichen Willens empfunden. Eine besondere Gruppe von Bachs Orgelwerken sind Choralvorspiele. Unter ihnen zeichnen sich einige relativ kleine Stücke lyrischer Natur durch tiefe Ausdruckskraft aus. In ihnen wird der Klang der Choralmelodie mit frei entwickelten Begleitstimmen angereichert. So präsentiert sich beispielsweise eines von Bachs Meisterwerken, das Choralvorspiel in f-Moll. Klaviermusik Inventionen Bach stellte mehrere Sammlungen einfacher Stücke aus den Stücken zusammen, die er komponierte, als er seinen ältesten Sohn Wilhelm Friedemann unterrichtete. In eine dieser Sammlungen legte er fünfzehn zweistimmige polyphone Stücke in fünfzehn Tonarten und nannte sie "Inventionen". Aus dem Lateinischen übersetzt bedeutet das Wort „Erfindung“ „Erfindung“, „Erfindung“. Bachs zweistimmige Inventionen, die von unerfahrenen Musikern gespielt werden können, sind wirklich bemerkenswert in Bezug auf polyphonen Einfallsreichtum und gleichzeitig künstlerische Ausdruckskraft. So entsteht die erste zweistimmige Invention in C-Dur aus einem kurzen, sanften und gemächlichen Thema von ruhigem, vernünftigem Charakter. Es wird von der oberen Stimme gesungen und imitiert sofort _ Wiederholungen in einer anderen Oktave - der unteren: 14 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Hüpfbälle. Während der Wiederholung (Imitation) der oberen setzt die Stimme die melodische Bewegung fort. So bildet sich der Gegensatz zum Thema, das im Bass erklingt. Außerdem erklingt dieser Gegensatz – mit demselben melodischen Muster – manchmal, wenn das Thema in der einen oder anderen Stimme wiederkehrt (Takte 2-3, 7-8, 8-9). In solchen Fällen wird die Opposition als beibehalten bezeichnet (im Gegensatz zu nicht beibehaltenen, die bei jeder Einführung des Themas neu zusammengesetzt werden). Wie in anderen polyphonen Werken gibt es auch in dieser Invention Abschnitte, in denen das Thema nicht in seiner vollen Form erklingt, sondern nur seine einzelnen Wendungen verwendet werden. Solche Abschnitte werden zwischen die Präsentationen des Themas gesetzt und als Zwischenspiele bezeichnet. Die Gesamtheit der Invention in C ist durch die für mehrstimmige Musik typische Durchführung auf der Basis eines Themas gegeben. In der Mitte des Stücks wird von der Haupttonart abgewichen und gegen Ende wieder zurückgekehrt. Wenn man sich diese Erfindung anhört, kann man sich vorstellen, dass zwei Schüler die Lektion fleißig wiederholen und versuchen, sich gegenseitig besser und mit größerem Ausdruck zu erzählen. Bei diesem Stück, das ähnlich aufgebaut ist wie die C-Dur-Invention, spielt eine besondere Technik eine große Rolle. Nach der anfänglichen Einleitung des Themas in der Oberstimme imitiert die Unterstimme nicht nur dieses, sondern auch seine Fortsetzung (Kontraposition). So entsteht seit einiger Zeit ein kontinuierlicher Kanon und Nachahmung oder Lykanon. Gleichzeitig mit den zweistimmigen Inventionen komponierte Bach fünfzehn dreistimmige polyphone Stücke in denselben Tonarten. Er hat sie benannt! "Sinfonien" (übersetzt aus dem Griechischen - "Konsonanzen"). Denn früher wurden polyphone Instrumentalwerke oft so genannt. Später wurde es jedoch üblich, diese Stücke als dreiteilige Erfindungen zu bezeichnen. Sie verwenden komplexere Techniken der polyphonen Entwicklung. Am meisten ein Paradebeispiel- dreistimmige Invention in f-Moll (Neunte). Es beginnt mit der gleichzeitigen Einführung zweier gegensätzlicher Themen. Die Grundlage einer von ihnen, die in einer Bassstimme erklingt, ist ein gemessener angespannter Abstieg entlang chromatischer Halbtöne. Solche Bewegungen sind in tragischen Arien aus alten Opern häufig. Es ist wie eine düstere Stimme des bösen Schicksals, des Schicksals. Das zweite Thema in der mittleren Altstimme ist von traurigen Motiven durchdrungen – Seufzer: In der Zukunft ist das dritte Thema eng mit diesen beiden Themen verwoben mit noch eindringlicheren flehenden Ausrufen. Bis zum Ende des Stücks bleibt die Stimme des bösen Schicksals unaufhaltsam. Aber die Stimmen menschlichen Leids hören nicht auf. Sie haben einen unauslöschlichen Funken menschlicher Hoffnung. Und für einen Moment scheint es im Schlussakkord F-Dur aufzublitzen. Bachs Sinfonie h-Moll Cembalo im Bachhaus Eisenach 15 www.classON.ru Kindererziehung im russischen Kunstraum (Dreistimmige Invention Nr. 15) zeichnet sich auch durch ihre lyrische Durchdringung aus. Im Vorwort zum Manuskript seiner Erfindungen und „Symphonien“ wies Bach darauf hin, dass sie zur Entwicklung einer „singenden Spielweise“ beitragen sollten. Auf dem Cembalo war dies schwer zu erreichen. Bach bevorzugte daher zu Hause, auch im Unterricht mit Schülern, ein anderes Saiten-Tasteninstrument - das Clavichord. Sein schwacher Klang ist für Konzertaufführungen ungeeignet. Aber wie bereits erwähnt, werden die Clavichord-Saiten im Gegensatz zum Cembalo nicht gezupft, sondern mit Metallplättchen sanft eingespannt. Dies trägt zur Melodiösität des Klangs bei und ermöglicht dynamische Schattierungen. So sah Bach gewissermaßen die Möglichkeiten einer wohlklingenden und stimmigen Stimmführung auf dem Klavier voraus – einem Instrument, das zu seiner Zeit noch unvollkommen konstruiert war. Und dieser Wunsch des großen Musikers sollte allen modernen Pianisten in Erinnerung bleiben. Courante - Tanz im Dreitakt Französische Abstammung . Aber für das französische Cembalospiel waren einige rhythmische Raffinessen und Manierismen typisch. Die Courante in Bachs Suite in c-Moll ist der italienischen Spielart dieses Tanzgenres verwandt – lebhafter und beweglicher. Ermöglicht wird dies durch die flexible Kombination zweier Stimmen, die sich gegenseitig zu provozieren scheinen: „Französische Suite“ in c-Moll Drei Sammlungen von Bachs Clavier-Suiten haben unterschiedliche Namen. Er selbst nannte die sechs in der dritten Sammlung enthaltenen Suiten „partitas“ (der Name der Suite „partita“ findet sich nicht nur bei ihm14). Und die beiden anderen Sammlungen – jeweils sechs Stücke – wurden nach Bachs Tod aus nicht genau geklärten Gründen „Französische Suiten“ und „Englische Suiten“ genannt. Die zweite der "Französischen Suiten" wurde in der Tonart c-Moll geschrieben. Gemäß der in alten Suiten etablierten Tradition enthält sie vier Hauptteile - Allemande, Courante, Sarabande und Gigue - sowie zwei weitere Zwischenteile - Aria und Menuett, die zwischen Sarabande und Gigue eingefügt sind. Allemande ist ein Tanz, der im XVI-XVII Jahrhundert in mehreren europäischen Ländern - England, den Niederlanden, Deutschland, Frankreich und Italien - entstanden ist. So war zum Beispiel die altdeutsche Allemande ein etwas schwerfälliger Gruppentanz. Aber mit dem Einzug in die Claviersuiten hatte die Allemande im 18. Jahrhundert fast ihre tänzerischen Züge verloren. Von ihren "Vorfahren" hat sie nur einen gemächlichen, gesetzten Gang mit einer Größe von vier oder zwei Vierteln behalten. Es wurde schließlich zu einem locker konstruierten Vorspiel. Es sieht aus wie ein nachdenkliches lyrisches Vorspiel und eine Allemande aus Bachs Suite in c-Moll. Hier führen meist drei Stimmen ihre Zeilen an. Aber manchmal ist eine vierte Stimme mit ihnen verbunden. Gleichzeitig ist die obere Stimme am melodischsten: Sarabande ist ein dreiteiliger spanischer Tanz. Früher schnell, temperamentvoll, später langsam, feierlich, oft nah an einem Trauerzug. Die Sarabande aus der Bach-Suite wurde von Anfang bis Ende in einem dreiteiligen Lagerhaus gereift. Die Bewegung der Mittel- und Unterstimme ist immer streng, konzentriert (Viertel und Achtel überwiegen). Und die Bewegung der Oberstimme ist viel freier und beweglicher, sehr ausdrucksstark. Hier herrschen Sechzehntelnoten vor, Bewegungen in weiten Abständen (Quinte, Sexte, Septime) sind oft anzutreffen. So werden zwei kontrastierende Ebenen der musikalischen Präsentation gebildet, ein lyrisch intensiver Klang entsteht15: „In Teile geteilt“ - das Wort „partita“ wird aus dem Italienischen übersetzt (vom Verb „partire“ - „teilen“). In der Sarabande steht die führende Oberstimme nicht so sehr im Kontrast zu den anderen, sondern wird durch sie ergänzt. 14 15 16 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Präludium und Fuge in c-Moll aus dem ersten Band des Wohltemperierten Klaviers Präludium und Fuge in C-Dur, Präludium und Fuge in c-Moll, Präludium und Fuge in Cis-Dur, Präludium und Fuge Cis-Moll – und so weiter durch alle zwölf Halbtöne, die in der Oktave enthalten sind. Das Ergebnis sind insgesamt 24 zweiteilige "Präludium und Fuge"-Zyklen in allen Dur- und Moll-Tonarten. So sind die beiden Bände (insgesamt 48 Präludien und Fugen) von Bachs Wohltemperiertem Klavier aufgebaut. Dieses grandiose Werk gilt als eines der größten der Weltmusikkunst. Die Präludien und Fugen aus diesen beiden Bänden gehören zum Ausbildungs- und Konzertrepertoire aller Berufspianisten. Zu Bachs Zeiten setzte sich bei der Stimmung von Tasteninstrumenten nach und nach die einheitliche Stimmung durch – die Unterteilung der Oktave in zwölf gleiche Halbtöne. Zuvor war das Anpassungssystem komplexer. Bei ihr klangen in Tonarten mit mehr als drei oder vier Zeichen einige Intervalle und Akkorde verstimmt. Daher vermieden es Komponisten, solche Tonarten zu verwenden. Bach bewies im Wohltemperierten Klavier erstmals bravourös, dass bei gleicher Stimmung alle 24 Tonarten mit gleichem Erfolg eingesetzt werden können. Dies eröffnete Komponisten neue Horizonte und erweiterte beispielsweise die Fähigkeit, Modulationen (Übergänge) von einer Tonart zur anderen vorzunehmen. Im Wohltemperierten Klavier etablierte Bach den Typus des zweisätzigen Zyklus „Präludium und Fuge“. Das Vorspiel ist frei aufgebaut. Dabei kann dem homophon-harmonischen Lager und der Improvisation eine bedeutende Rolle zukommen. Dadurch entsteht ein Kontrast zur Fuge als streng polyphones Werk. Dabei verbindet die Teile des Zyklus „Präludium und Fuge“ nicht nur eine gemeinsame Tonalität. Zwischen ihnen manifestieren sich jeweils subtile innere Verbindungen auf ihre eigene Weise. Diese gemeinsamen typischen Merkmale lassen sich in Präludium und Fuge in c-Moll aus dem ersten Band des Wohltemperierten Klaviers nachvollziehen. Das Vorspiel besteht aus zwei Hauptteilen. Die geräumigere erste wird vollständig mit einer schnellen, gleichmäßigen Bewegung von Sechzehnteln in beiden Händen ausgefüllt. Es ist von innen durchtränkt mit ausdrucksstarken melodischen und harmonischen Elementen. Es scheint, als ob, eingeengt von den Ufern, ein unruhiger Strom brodelt: Gigue ist ein schneller, munterer Tanz, der aus Irland und England stammt16. Früher liebten es englische Seefahrer, den Jig zu tanzen. In Suiten ist die Gigue normalerweise der letzte, letzte Satz. In seinem c-Moll-Gigüett verwendet Bach oft die Technik der kanonischen Imitation zwischen den beiden Stimmen (wie in der Invention in F-Dur). Die Aufführung dieses Stücks ist von einem „springenden“ Punktrhythmus durchzogen: Im Vergleich zum Kontrast zwischen Allemande und Courante ist der Kontrast zwischen Sarabande und Gigue schärfer. Aber es wird durch zwei zusätzliche Teile aufgeweicht, die zwischen ihnen eingefügt werden. Der „Aria“ genannte Teil klingt nicht mehr wie eine Sologesangsnummer in einer Oper, sondern wie ein ruhiges, naives Lied. Das nächste Menuett ist ein französischer Tanz, der Beweglichkeit mit Anmut verbindet. So werden in dieser Suite mit einheitlicher Gesamttonalität alle Stimmen bildlich unterschiedlich verglichen. Die Abmessungen der Spannvorrichtung sind überwiegend dreifach. Im 18. Jahrhundert ist es hauptsächlich 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst in mittlerer Stimme, ein klares, geprägtes, einprägsames Thema mit einem elastischen Tanzrhythmus: 11 Moderato Energetische Ausdauer verbindet sich im Thema mit Anmut, schlauem Unfug guckt durch willensstarke Gelassenheit. Dies bietet Chancen für eine weitere vielfältige und dynamische Entwicklung. Zu Beginn der Durchführung klingt das Thema leicht - das einzige Mal, wenn es in einer Dur-Tonart (Es-Dur) aufgeführt wird. In der Reprise der drei Hauptpassagen des Themas in der Haupttonart (c-Moll) erhält die zweite im Bass eine so gewaltige Tragweite, dass sie an die rasenden Naturgewalten des Vorspiels erinnert. Und noch etwas, die endgültige Umsetzung des Fugenthemas endet mit einem erleuchteten Haus-Dur-Akkord. In einer solchen Ähnlichkeit zwischen den Enden des Präludiums und der Fuge offenbart sich eine innere emotionale Beziehung der kontrastierenden Teile des Zyklus. Mit starker Energie angesammelt, fließt dieser Strom am Ende des ersten Abschnitts gleichsam über die Kante und zu Beginn des nächsten Abschnitts wird er noch ungestümer und droht, alles auf seinem Weg wegzureißen. Dieser Höhepunkt des Präludiums ist gekennzeichnet durch einen Tempowechsel zum schnellsten (Pgesto) und die Verwendung eines polyphonen Mittels – eines zweistimmigen Kanons. Aber die tobenden Elemente werden plötzlich von herrischen Akkordschlägen und bedeutungsvollen Rezitativphrasen gestoppt. Hier kommt der zweite Tempowechsel - zum langsamsten (Adagio). Und nach dem dritten Tempowechsel zu einem mäßig schnellen A11eggo in den Schlusstakten des Präludiums verlangsamt der tonische Orgelpunkt im Bass allmählich die Bewegung der Sechzehntelnoten in der rechten Hand. Es breitet sich sanft aus und friert auf einem C-Dur-Akkord ein. Es herrscht Frieden, Ruhe. Nach solch einem freien, improvisatorischen Abschluss des Präludiums richtet sich die Aufmerksamkeit auf einen anderen, kontrastierenden Plan. Eine dreistimmige Fuge beginnt. Dieses Wort bedeutet im Lateinischen und Italienischen „laufen“, „fliegen“, „schnelle Strömung“. In der Musik ist eine Fuge ein komplexes polyphones Werk, bei dem die Stimmen zu widerhallen scheinen und sich gegenseitig einholen. Die meisten Fugen basieren auf einem einzigen Thema. Seltener sind Fugen mit zwei, noch seltener mit drei oder vier Themen. Und je nach Anzahl der Stimmen sind Fugen zwei-, drei-, vier- und fünfstimmig. Eindunkle Fugen beginnen mit einer Darstellung des Themas in der Haupttonart in einer beliebigen Stimme. Das Thema wird dann abwechselnd von den anderen Stimmen nachgeahmt. So entsteht der erste Abschnitt der Fuge, die Exposition. Im zweiten Abschnitt – Durchführung – erscheint das Thema nur in anderen Tonarten. Und im dritten, letzten Abschnitt, der Reprise9, wird sie wieder in der Haupttonart ausgeführt, aber nicht mehr einstimmig vorgetragen. Die Exposition hier wird definitiv nicht wiederholt. In Fugen sind beibehaltene Kontrapositionen und Zwischenspiele weit verbreitet. Bachs c-Moll-Fuge, um die es hier geht, beginnt in der Fuge – der höchsten Form polyphoner Musik –, die ihre volle Reife und strahlendste Blüte in Bachs Werk erreicht hat. Der berühmte russische Komponist und Pianist des 19. Jahrhunderts, Anton Grigoryevich Rubinstein, schrieb in seinem Buch „Musik und ihre Vertreter“ und bewunderte das „Wohltemperierte Klavier“, dass man dort „Fugen religiöser, heroischer, melancholischer, majestätischer, trauriger, humorvoller, pastoraler, dramatischer Charakter; in einer Sache sind sie alle gleich - in Schönheit ... “Johann Sebastian Bachs Zeit war der große deutsche Komponist Georg Friedrich Händel (1685-1759) - ein wunderbarer Meister der Polyphonie, ein virtuoser Organist. Sein Schicksal war anders. Er verbrachte den größten Teil seines Lebens außerhalb Deutschlands und zog von einem Land ins andere (er lebte mehrere Jahrzehnte in England). 18 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Händel ist Autor vieler Opern, Oratorien und verschiedener Instrumentalwerke. Klassische Stilbildung in der Musik Fragen und Aufgaben 1 . Was haben die geistlichen und weltlichen Werke Bachs gemeinsam? 2. Erzählen Sie uns von der figurativen Natur der Toccata und Fuge in d-Moll für Orgel. 3. Singen Sie die Ihnen bekannten Themen aus Bachs Inventionen. Was ist die Opposition, wenn sie zurückgehalten genannt wird? 4. Was ist ein Zwischenspiel in einem polyphonen Werk? Welche Nachahmung wird kanonisch oder kanonisch genannt? 5. Nennen und beschreiben Sie die Hauptteile der „Französischen Suite“ in c-Moll. 6. Wie ist Bachs Wohltemperiertes Klavier aufgebaut? 7. Was ist der Hauptunterschied zwischen einem Präludium und einer Fuge? Zeigen Sie dies am Beispiel des Präludiums und der Fuge in c-Moll aus dem ersten Band des Wohltemperierten Klaviers. Gibt es auch Ähnlichkeiten zwischen ihnen? Das Musiktheater des 18. Jahrhunderts, insbesondere seiner mittleren und zweiten Hälfte, ist eine Zeit großer Veränderungen in allen Bereichen der europäischen Musikkunst. Mit dem Beginn dieses Jahrhunderts entstanden in der italienischen Oper nach und nach zwei Genres – die Opera seria (ernst) und die Opera buffa (komisch). Mythologische und historische Handlungen herrschten immer noch in Serienopern vor, in denen die sogenannten "hohen" Helden auftraten - mythologische Gottheiten, Könige antiker Staaten, legendäre Feldherren. Und in Buffa-Opern sind die Handlungsstränge überwiegend moderne Alltagshandlungen geworden. Die Helden hier waren ganz normale Menschen, die energisch und realistisch handelten. Giovanni Battista Pergolesis Die Dienerin von Giovanni Battista Pergolesi, die 1733 in Neapel der Öffentlichkeit vorgestellt wurde, war das erste markante Beispiel einer Opera buffa. Die Heldin, das unternehmungslustige Dienstmädchen Serpina, heiratet geschickt ihren mürrischen Herrn Uberto und wird selbst zur Mätresse. Wie viele frühe italienische Buffa-Opern wurde The Servant-Mistress ursprünglich als Bühnenzwischenspiel während der Pausen zwischen den Akten von Pergolesis Opera seria The Proud Prisoner aufgeführt (denken Sie daran, dass das Wort „Interlude“ lateinischen Ursprungs ist und „Interaktion“ bedeutet). Bald erlangte The Servant-Madam als eigenständiges Werk in vielen Ländern große Berühmtheit. Die komische Oper entstand in Frankreich in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Es entstand aus den fröhlichen, witzigen Komödienaufführungen mit Musik, die in Theatern auf den Pariser Jahrmärkten aufgeführt wurden. Und um sich in eine komische Oper zu verwandeln, in der Gesangsnummern zum Hauptmerkmal der Charaktere wurden, half das Beispiel der italienischen Buffa-Oper den französischen Messekomödien. Für diese Aufführung in Paris war die Operntruppe der italienischen „Buffons“ von großer Bedeutung, als die französische Hauptstadt von Pergolesis „Dienerin“ buchstäblich verzaubert wurde. Anders als in der italienischen Opera buffa wechseln sich in der französischen Comic-Oper abwechslungsreiche Nummern nicht mit Rezitativen, sondern mit Konversationsdialogen ab. Gebaut wird auch The Singspire – eine deutsche und österreichische Variante der komischen Oper, die in der 2. Hauptwerke Vokal- und Instrumentalwerke „Die Passion nach Johannes“, „Passion nach Matthäus“ Messe in h-Moll Geistliche Kantaten (ca. 200 erhalten) und weltliche Kantaten (über 20 erhalten) Orchesterwerke 4 Suiten („Ouvertüren“) 6 „Brandenburgische Konzerte“ Konzerte für Soloinstrumente mit Kammerorchester 7 Konzerte für Cembalo 3 Konzerte für zwei, 2 für drei Cembali 2 Konzerte für Violine Konzert für zwei Violinen Werke für Streichinstrumente 3 Sonaten und 3 Partiten für Violine solo 6 Sonaten für Violine und Cembalo 6 Suiten („Sonaten“) für Cello solo Orgelwerke 70 Choralpräludien Präludien und Fugen Toccata und Fuge d-Moll Passacaglia c-Moll Klavierwerke Sammlung „Kleine Präludien und Fugen“ 15 zweistimmige Inventionen und 15 dreistimmige Inventionen („Sinfonien“) 48 Präludien und Fugen des Wohltemperierten Klaviers 6 „Französisch und 6 englische Suiten 6 Suiten (partite) Concerto Italiano für Cembalo solo Chromatische Fantasie und Fuge Kunst der Fuge 19 www.classON.ru Die Tonsprache aller Spielarten der komischen Oper zeichnet sich durch eine enge Verbindung zu Volkslied- und Tanzmelodien aus. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts ernst Gattungen der Oper radikal reformierte der große deutsche Komponist Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Er schrieb seine erste reformistische Oper, Orpheus und Eurydike (1762), basierend auf der Geschichte des legendären antiken griechischen Sängers, die seit den frühesten Opern wiederholt verwendet wurde (dies wurde in der Einleitung besprochen). Gluck ging einen schwierigen Weg zu seiner Opernreform. Er besuchte zufällig viele europäische Länder - Deutschland, Österreich, Dänemark, sowie die von Slawen bevölkerte Tschechische Republik, zusammen mit Italien - in England. Bevor er sich in Wien niederließ, inszenierte Gluck 17 seiner Opernserien auf den Bühnen der Theater in Mailand, Venedig, Neapel, London, Kopenhagen, Prag und anderen Städten. Opern dieses Genres wurden in den Hoftheatern vieler europäischer Länder aufgeführt. Die Ausnahme war Frankreich. Dort komponierten und inszenierten sie Mitte des 18. Jahrhunderts weiterhin ernsthafte Opern nur im traditionellen französischen Stil. Aber Gluck studierte sorgfältig die Opernpartituren der berühmten französischen Komponisten Jean-Baptiste Lully und Jean-Philippe Rameau. Darüber hinaus hat Gluck acht Werke der neuen Gattung der französischen komischen Oper geschrieben und in Wien erfolgreich inszeniert. Zweifellos war er mit italienischen Buffa-Opern, mit deutschem und österreichischem Singspiel bestens vertraut. All diese Erkenntnisse ermöglichten es Gluck, die bereits überholten Kompositionsprinzipien für ernste Opern entschlossen zu erneuern. In seinen reformistischen Opern, die zuerst in Wien und dann in Paris aufgeführt wurden, begann Gluck, die emotionalen Erfahrungen der Figuren mit viel größerer Wahrhaftigkeit und dramatischer Intensität, Wirksamkeit zu vermitteln. Er lehnte es ab, virtuose Passagen in Arien zu häufen, und steigerte die Ausdruckskraft von Rezitativen. Seine Opern wurden zielgerichteter in Bezug auf die musikalische und szenische Entwicklung und harmonischer in der Komposition. So wurden in der Musiksprache und beim Bau neuer komischer und reformierter ernster Opern wichtige Unterscheidungsmerkmale des neuen klassischen Stils identifiziert - die aktive Wirksamkeit der Entwicklung, die Einfachheit und Klarheit der Ausdrucksmittel, die kompositorische Harmonie und die allgemeine Noblesse und erhabenen Charakter der Musik. Dieser Stil nahm im 18. Jahrhundert in der europäischen Musik allmählich Gestalt an, reifte zwischen 1770 und 1780 und dominierte bis zur Mitte des zweiten Jahrzehnts des 19. Jahrhunderts. Es sollte beachtet werden, dass die Definition von „klassisch“ eine andere, breitere Bedeutung haben kann. „Classic“ (oder „classic“) werden auch musikalische und andere Kunstwerke genannt, die als vorbildlich, perfekt, unübertroffen anerkannt wurden – unabhängig von der Zeit ihrer Entstehung. In diesem Sinne können Messen auch als Klassik oder Klassiker bezeichnet werden. Italienischer Komponist Palestrina aus dem 16. Jahrhundert, die Oper von Prokofjew und die Symphonie von Schostakowitsch - russische Komponisten des 20. Jahrhunderts. Instrumentalmusik Auf der gleichen breiten internationalen Basis wie Glucks Opernreform fand im 18. Jahrhundert eine intensive Entwicklung der Instrumentalmusik statt. Es wurde durch gemeinsame Bemühungen von Komponisten aus vielen europäischen Ländern durchgeführt. Basierend auf Gesang und Tanz, die klassische Klarheit und Dynamik der Musiksprache entwickelnd, formten sie nach und nach neue Gattungen zyklischer Instrumentalwerke - wie die klassische Symphonie, die klassische Sonate, das klassische Streichquartett. Die Sonatenform ist bei ihnen von großer Bedeutung. Daher werden Instrumentalzyklen als Sonate oder Sonatensymphonie bezeichnet. Sonatenform. Sie wissen bereits, dass die höchste Form der polyphonen Musik die Fuge ist. Und die Sonatenform ist die höchste Form der homophonen harmonischen Musik, bei der nur manchmal polyphone Techniken verwendet werden können. In ihrem Aufbau ähneln sich diese beiden Formen. Wie die Fuge gibt es in Sonatenform drei Hauptabschnitte: Exposition, Durchführung und Reprise. Aber es gibt auch signifikante Unterschiede zwischen ihnen. Der Hauptunterschied zwischen der Sonatenform und der Fuge zeigt sich sofort in Exposition 18. Die überwiegende Mehrheit der Fugen baut ausschließlich auf einem Thema auf, das in jeder Exposition abwechselnd ausgeführt wird. und „Spiel“. 18 Das Wort ist lateinischen Ursprungs und bedeutet „Präsentation“, „Show“. 20 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der Kunst in Russland Stimme. Und in der Exposition der Sonatensatzform treten in der Regel zwei Hauptthemen auf, mehr oder weniger unterschiedlichen Charakters. Zuerst erklingt das Thema des Hauptteils, später erscheint das Thema des Seitenteils. Aber auf keinen Fall sollten Sie die Definition von „Seite“ als „sekundär“ verstehen. Denn tatsächlich spielt das Thema der Seitenstimme in der Sonatensatzform eine nicht minder wichtige Rolle als das Thema der Hauptstimme. Das Wort "sekundär" wird hier verwendet, weil es im Gegensatz zum ersten in der Exposition notwendigerweise nicht in der Haupttonart, sondern in einer anderen, also wie in einer Nebentonart klingt. Wenn in der klassischen Musik die Hauptstimme in der Exposition Dur ist, dann wird die Seitenstimme in der Tonart der Dominante angegeben (wenn die Tonart der Hauptstimme beispielsweise C-Dur ist, dann ist die Tonart der Seitenstimme G wesentlich). Wenn die Hauptstimme in der Exposition Moll ist, dann wird die Seitenstimme in Parallel-Dur angegeben (wenn beispielsweise die Tonart der Hauptstimme c-Moll ist, dann ist die Tonart der Seitenstimme Es-Dur). Zwischen Haupt- und Nebenpartei wird entweder ein kleines Bündel oder eine Verbindungscharge platziert. Hier kann auch ein eigenständiges, melodisch geprägtes Thema auftreten, häufiger werden jedoch die Intonationen des Themas der Hauptstimme verwendet. Das Verbindungsteil fungiert als Übergang zum Seitenteil, es moduliert in die Tonart des Seitenteils ein. Somit wird die tonale Stabilität verletzt. Gerüchte beginnen, den Beginn eines neuen "musikalischen Ereignisses" zu erwarten. Es stellt sich heraus, dass es sich um das Erscheinen des Themas einer Nebenparty handelt. Manchmal kann der Exposition eine Einführung vorangestellt werden. Und nach einem Seitenteil erklingt entweder ein kleiner Schlussteil oder ein ganzer Schlussteil, oft mit einem eigenständigen Thema. So endet die Exposition und fixiert den Ton des Seitenteils. Auf Anweisung des Komponisten kann die gesamte Exposition wiederholt werden. Entwicklung - der zweite Abschnitt der Sonatenform. Darin erscheinen aus der Ausstellung bekannte Themen in neuen Versionen, wechseln sich auf unterschiedliche Weise ab und werden verglichen. Bei solchen Interaktionen handelt es sich oft nicht um ganze Themen, sondern um davon isolierte Motive und Phrasen. Das heißt, die Themen in der Entwicklung werden sozusagen in separate Elemente unterteilt, wodurch die in ihnen enthaltene Energie offenbart wird. In diesem Fall kommt es zu häufigen Tonartwechseln (die Haupttonart ist hier selten und nicht lange betroffen). In unterschiedlichen Tonarten erscheinen die Themen und ihre Elemente neu beleuchtet, aus neuen Blickwinkeln gezeigt. Nachdem die Entwicklung in der Entwicklung am Höhepunkt eine deutliche Spannung erreicht hat, ändert ihr Verlauf die Richtung. Am Ende dieses Abschnitts wird eine Rückkehr zur Haupttonart vorbereitet, es erfolgt eine Wendung zur Reprise. Die Reprise ist der dritte Abschnitt der Sonatenform. Es beginnt mit der Rückkehr der Hauptstimme in die Haupttonart. Das Verbindungsteil führt nicht zu einem neuen Schlüssel. Im Gegenteil, es legt die Haupttonart fest, in der nun sowohl Neben- als auch Schlussstimme wiederholt werden. So gleicht die Reprise mit ihrer tonalen Stabilität die instabile Natur der Durchführung aus und verleiht dem Ganzen eine klassische Harmonie. Die Reprise kann manchmal durch eine abschließende Konstruktion ergänzt werden – eine Coda (abgeleitet vom lateinischen Wort für „Schwanz“). Wenn also eine Fuge erklingt, konzentriert sich unsere Aufmerksamkeit auf das Zuhören, Denken und Fühlen in eine musikalische Idee, die von einem Thema verkörpert wird. Wenn ein Werk in Sonatenform gehört wird, folgt unser Hören dem Vergleich und der Interaktion zweier Haupt- (und Komplementär-) Themen – als würde es der Entwicklung verschiedener musikalischer Ereignisse, musikalischer Handlungen, folgen. Das ist der Hauptunterschied zwischen den künstlerischen Möglichkeiten dieser beiden Musikformen. Klassischer Sonatenzyklus (Sonaten-Symphonie). Etwa im letzten Drittel des 18. Jahrhunderts nahm der klassische Sonatenzyklus endgültig Gestalt in der Musik an. Früher dominierte in Instrumentalwerken die Form der Suite, wo sich langsame und schnelle Stimmen abwechselten, und die Form der alten Sonate in ihrer Nähe. Jetzt, im klassischen Sonatenzyklus, ist die Anzahl der Stimmen (normalerweise drei oder vier) genau festgelegt, aber ihr Inhalt ist komplizierter geworden. Der erste Satz ist normalerweise in Sonatenform geschrieben, was im vorherigen Absatz besprochen wurde. Sie geht schnell oder mäßig schnelles Tempo. Meistens ist es A11eggo. Daher wird ein solcher Satz normalerweise als Sonaten-Allegro bezeichnet. Die Musik darin hat oft einen energischen, wirkungsvollen Charakter, oft angespannt, dramatisch. Der zweite Satz kontrastiert immer mit dem ersten in Tempo und allgemeinem Charakter. Oft ist es langsam, am lyrischsten und melodischsten. Es kann aber auch anders sein, zum Beispiel ähnlich einer langsamen Erzählung oder tänzerisch-anmutig.In einem dreiteiligen Zyklus ist der letzte, dritte Teil, das Finale wiederum schnell, meist schneller, aber weniger innerlich intensiv in der Entwicklung verglichen zum ersten. Die Finale klassischer Sonatenzyklen (insbesondere Symphonien) malen oft Bilder von überfülltem festlichem Vergnügen, und ihre Themen sind Volksliedern und -tänzen nahe. In diesem Fall wird häufig die Rondoform verwendet (von französisch „ronde“ – „Kreis“). Wie Sie wissen, wird hier der erste Abschnitt (Refrain) mehrmals wiederholt, abwechselnd mit neuen Abschnitten (Episoden). 21 www.classON.ru Kindererziehung im künstlerischen Bereich in Russland seine erste Oper? 3. Bis wann reifte der klassische Stil und bis wann dominierte der klassische Stil in der Musik? Erklären Sie den Unterschied zwischen den beiden Definitionen von „klassisch“. 4. Worin besteht die Ähnlichkeit? allgemeine Konstruktion zwischen Fuge und Sonatensatz? Und was ist der Hauptunterschied zwischen ihnen? 5. Nennen Sie Haupt- und Zusatzteile der Sonatenform. Zeichne ihr Diagramm. 6. Wie korrelieren Haupt- und Seitenstimme der Sonatenform in Exposition und Reprise miteinander? 7. Was ist typisch für die Durchführung in Sonatensatzform? 8. Beschreiben Sie die Teile des klassischen Sonatenzyklus. 9. Nennen Sie die Haupttypen klassischer Sonatenzyklen in Abhängigkeit von der Zusammensetzung der Interpreten. All dies zeichnet viele Finale der vierteiligen Zyklen aus. Aber in ihnen sind zwischen den äußersten Teilen (erster und vierter) zwei mittlere Teile platziert. Einer - langsam - in einer Symphonie ist normalerweise der zweite und im Quartett der dritte. Der dritte Satz der klassischen Sinfonien des 18. Jahrhunderts ist das Menuett, das im Quartett den zweiten Platz einnimmt. Wir haben also die Wörter "Sonate", "Quartett", "Symphonie" erwähnt. Der Unterschied zwischen diesen Zyklen hängt von der Zusammensetzung der Darsteller ab. Ein besonderer Platz gehört der Sinfonie – einem Werk für Orchester, das in einem großen Raum vor zahlreichen Zuhörern erklingen soll. In diesem Sinne steht das Konzert der Symphonie nahe – einer dreisätzigen Komposition für ein Soloinstrument mit Orchesterbegleitung. Die häufigsten Kammermusikzyklen sind Sonata (für ein oder zwei Instrumente), Trio (für drei Instrumente), Quartett (für vier Instrumente), Quintett (für fünf Instrumente)19. Die Sonatensatzung und der Sonaten-Symphonie-Zyklus sind, wie der gesamte klassische Musikstil, im 18 der Vernunft“. In diesem Jahrhundert, besonders in seiner zweiten Hälfte, wurden in vielen europäischen Ländern Vertreter des sogenannten „Dritten Standes“ ernannt. Das waren Menschen, die weder Adelstitel noch geistliche Titel hatten. Ihren Erfolg verdankten sie ihrer eigenen Arbeit und Initiative. Sie proklamierten das Ideal des „natürlichen Menschen“, der von der Natur selbst mit schöpferischer Energie, hellem Verstand und tiefen Gefühlen ausgestattet war. Dieses optimistische demokratische Ideal spiegelte sich auf seine Weise in der Musik und anderen Formen der Kunst und Literatur wider. Zum Beispiel wurde der Sieg des menschlichen Geistes und der unermüdlichen Hände zu Beginn der Aufklärung durch den berühmten Roman des englischen Schriftstellers Daniel Defoe verherrlicht, der 1719 veröffentlicht wurde, The Life and Amazing Adventures of Robinson Crusoe. Joseph Haydn 1732-1809 Der klassische Musikstil erreichte seine Reife und Blüte in den Werken von Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven. Das Leben und Wirken eines jeden von ihnen verbrachte eine lange Zeit in Wien, der Hauptstadt Österreichs. Daher werden Haydn, Mozart und Beethoven als die Wiener Klassiker bezeichnet. Österreich war ein Vielvölkerreich. Darin lebten neben den Österreichern, deren Muttersprache Deutsch ist, Ungarn und verschiedene slawische Völker, darunter Tschechen, Serben, Kroaten. Ihre Lieder und Fragen und Aufgaben 1 . Nennen Sie die nationalen Sorten komische Opern XVIII Jahrhundert. Was ist der Unterschied zwischen der Konstruktion der italienischen Buffa-Oper und der Konstruktion der französischen komischen Oper? 2. Mit welchen Ländern und Städten war die Tätigkeit des großen Opernreformers Christoph Willibald Gluck verbunden? Auf welcher Handlung er schrieb Die Namen anderer Kammerensemble-Instrumentalzyklen - Sextett (6), Septett (7), Oktett (8), Nonett (9), Dezimet (10). Die Definition von „Kammermusik“ kommt vom italienischen Wort „camera“ – „Raum“. Denn bis ins 19. Jahrhundert wurden Kompositionen für mehrere Instrumente oft zu Hause aufgeführt, also als „Raummusik“ verstanden. 19 22 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Tanzmelodien waren sowohl in Dörfern als auch in Städten zu hören. In Wien erklang Volksmusik überall – im Zentrum und am Stadtrand, an Straßenkreuzungen, in öffentlichen Gärten und Parks, in Restaurants und Kneipen, in reichen und armen Privathäusern. Wien war auch ein wichtiges Zentrum professioneller Musikkultur, in deren Mittelpunkt der kaiserliche Hof, die Kapellen des Adels 1 und aristokratische Salons, Kathedralen und Kirchen standen. Die italienische Opera seria wird seit langem in der österreichischen Hauptstadt gepflegt, hier begann, wie bereits erwähnt, Gluck seine Opernreform. Hoffeste wurden reichlich musikalisch begleitet. Aber die Wiener nahmen bereitwillig an den lustigen Farce-Aufführungen mit Musik teil, aus denen die Singshpils entstanden, und sie tanzten sehr gern. Von den drei großen Wienern musikalische Klassiker Haydn ist der älteste. Er war 24 Jahre alt, als Mozart geboren wurde, und 38, als Beethoven geboren wurde. Haydn lebte ein langes Leben. Er überlebte den früh verstorbenen Mozart um fast zwei Jahrzehnte und lebte noch, als Beethoven bereits die meisten seiner reifen Werke geschaffen hatte. Für das private fürstliche Theater schrieb er mehr als zwei Dutzend Opern in den Gattungen Seria, Buffa sowie mehrere „Puppen“-Opern für Aufführungen, die von Puppen gespielt wurden. Der Bereich seiner kreativen Hauptinteressen und Leistungen ist jedoch die symphonische und kammer2-Instrumentalmusik. Insgesamt sind es mehr als 800 Kompositionen3. Darunter sind mehr als 100 Symphonien, mehr als 80 Streichquartette und mehr als 60 Klaviersonaten von besonderer Bedeutung. In ihren reifen Samples offenbarte sich mit größter Vollständigkeit, Leuchtkraft und Originalität das optimistische Weltbild des großen österreichischen Komponisten. Nur manchmal wird dieser fröhlichen Haltung eine düsterere Stimmung entgegengesetzt. Sie sind immer wieder überwältigt von Haydns unerschöpflicher Lebenslust, scharfer Beobachtungsgabe, heiterem Humor, einfacher, gesunder und zugleich poetischer Wahrnehmung der sie umgebenden Wirklichkeit. Lebensweg Frühe Kindheit. Rorau und Hainburg. Franz Joseph Haydn wurde 1732 im ostösterreichischen Dorf Rorau, nahe der ungarischen Grenze und unweit von Wien, geboren. Haydns Vater war gelernter Kutscher, seine Mutter arbeitete als Köchin auf dem Gut des Grafen, dem Besitzer von Rorau. Seinen ältesten Sohn Josef, der in der Familie liebevoll Zepperl genannt wurde, begannen die Eltern früh, ihn an Fleiß, Genauigkeit, Sauberkeit zu gewöhnen. Haydns Vater kannte überhaupt keine Musik, aber er sang gern und begleitete sich selbst auf der Harfe, besonders wenn er auf seiner war. Gäste versammelten sich in einem kleinen Haus. Zepperl sang mit klarer silbriger Stimme mit und offenbarte ein bemerkenswertes Gehör für Musik. Und als der Junge erst fünf Jahre alt war, wurde er in die Nachbarstadt Hainburg zu einem entfernten Verwandten geschickt, der die Kirchenschule und den Chor leitete. In Hainburg lernte Sepperl lesen, schreiben, zählen, im Chor singen und begann auch, Clavichord und Violine zu spielen. Aber es war nicht einfach für ihn, in einer fremden Familie zu leben. Viele Jahre später erinnerte er sich, dass er damals „mehr Schläger als Essen“ bekam. Sobald Zepperl in Hainburg ankam, wurde ihm befohlen, Pauken schlagen zu lernen, um am selben Kirchenzug mit Musik teilzunehmen. Der Junge nahm ein Sieb, zog ein Stück Stoff darüber und begann fleißig zu trainieren. Er hat seine Aufgabe erfolgreich abgeschlossen. Nur bei der Organisation einer Prozession mussten sie einer sehr kleinen Person ein Instrument auf den Rücken hängen. Und er war bucklig, was das Publikum zum Lachen brachte. In der Kapelle des Wiener Stephansdoms. Der Wiener Domkapellmeister und Hofkomponist Georg Reuter machte bei seinem Besuch in Hainburg auf die herausragenden musikalischen Fähigkeiten aufmerksam, an die Haydn fest glaubte. Er ist Autor einer Reihe von Messen und anderen Vokal- und Instrumentalwerken, die auf spirituellen Texten basieren. 23 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Zepperl. So fand sich der achtjährige Haydn 1740 in der Hauptstadt Österreichs wieder, wo er als Chorknabe in die Domkapelle des (Haupt-)Doms St. Stephan aufgenommen wurde. mache es selbst. Schwieriger Start ins selbstständige Leben. Als im Alter von 18 Jahren die Stimme des jungen Mannes zu brechen begann, sie vorübergehend heiser wurde und an Flexibilität verlor, wurde er grob und rücksichtslos aus der Kapelle geworfen. Da er ohne Unterkunft und Geld war, konnte er an Hunger und Kälte sterben, wenn er nicht einige Zeit von einem bekannten Sänger beschützt worden wäre, der mit seiner Frau und seinem Kind in einem winzigen Zimmer unter dem Dach lebte. Haydn fing an, jede musikalische Arbeit zu übernehmen, die auftauchte: er schrieb Noten ab, gab Penny-Unterricht in Gesang, spielte Klavier, spielte als Geiger in Straßen-Instrumentalensembles, die nachts zu Ehren eines Bürgers Ständchen aufführten. Schließlich konnte er ein kleines Zimmer im sechsten und letzten Stock eines Hauses in der Wiener Innenstadt mieten. Das Zimmer war vom Wind durchbohrt, es gab keinen Ofen darin, im Winter gefror das Wasser oft. Haydn lebte zehn Jahre lang in einer solchen Notlage. Aber er verlor nicht den Mut und widmete sich mit Begeisterung seiner Lieblingskunst. „Als ich an meinem alten, wurmstichigen Klavier saß“, erinnerte er sich im Alter, „habe ich keinem König das Glück beneidet.“ Sein lebhafter, fröhlicher Charakter half Haydn, die Schwierigkeiten des Alltags zu überwinden. Einmal stellte er zum Beispiel seine Mitmusiker nachts in abgelegene Winkel einer der Straßen Wiens, und auf sein Zeichen hin spielte jeder, was ihm gefiel. Die Folge war ein „Katzenkonzert“, das bei den umliegenden Anwohnern für Aufsehen sorgte. Zwei der Musiker landeten bei der Polizei, doch der Anstifter der skandalösen „Serenade“ wurde nicht ausgeliefert. Mit einem bekannten Komiker bekannt, komponierte Haydn in Zusammenarbeit mit ihm das Singspiel „Der lahme Dämon“ und verdiente sich ein kleines Geld, das ihm als Diener diente. Allmählich erlangte Haydn in Wien sowohl als Lehrer als auch als Komponist Berühmtheit. Er traf berühmte Leute; Musiker und Musikliebhaber. Im Haus eines hohen Beamten begann er, sich an der Aufführung von Kammerensembles zu beteiligen und schuf seine ersten Streichquartette für Konzerte auf seinem Landsitz. Und Haydn schrieb seine erste Sinfonie 1759, als er ein kleines Orchester zur Verfügung bekam und Leiter der Kapelle des Grafen Morzin wurde. Der Graf hielt nur unverheiratete Musiker. Haydn, der die Tochter eines Wiener Friseurs heiratete, musste es geheim halten. Dies dauerte jedoch nur bis 1760, als in Wien, einer großen schönen Stadt mit prächtigen Gebäuden und architektonischen Ensembles, eine Welle neuer lebendiger Eindrücke über den Jungen hinwegspülte. Multinationale Volksmusik ertönte herum. Im Dom und am Kaiserhof, wo auch der Chor auftrat, wurden feierliche Vokal- und Instrumentalwerke aufgeführt. Aber die Existenzbedingungen erwiesen sich erneut als schwierig. Im Unterricht, bei den Proben und Aufführungen waren die Chorknaben sehr müde. Sie wurden schlecht ernährt, sie waren ständig halb verhungert. Sie wurden für ihre Streiche hart bestraft. Der kleine Haydn studierte weiterhin fleißig die Kunst des Singens, spielte Klavier und Geige und wollte unbedingt komponieren. Darauf achtete Reuter jedoch nicht. Zu sehr mit seinen eigenen Angelegenheiten beschäftigt, erteilte er Haydn in den neun Jahren seines Aufenthalts in der Kapelle nur zwei Kompositionsstunden. Doch Josef verfolgte sein Ziel hartnäckig, fleißig und schrieb einige Jahre später ein weiteres Singspiel mit dem Titel „The New Lame Imp“. 20 24 www.classON.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der russischen Kunst wurden die materiellen Angelegenheiten des Grafen erschüttert und er löste seine Kapelle auf. Haydns Ehe war erfolglos. Sein Auserwählter zeichnete sich durch einen schweren, mürrischen Charakter aus. Sie interessierte sich überhaupt nicht für die kompositorischen Angelegenheiten ihres Mannes – bis zu dem Punkt, dass sie aus den Manuskripten seiner Kompositionen Papilloten und Futter für Pate herstellte. Einige Jahre später begann Haydn, von seiner Frau getrennt zu leben. Sie hatten keine Kinder. In der Kapelle der Fürsten Esterhazy. 1761 ein wohlhabender Ungar; Prinz Pal Antal Esterhazy lud Haydn als Vizekapellmeister nach Eisenstadt ein. Von diesem Moment an begann Haydns Dienst bei der Familie Esterhazy, der ganze drei Jahrzehnte andauerte. Fünf Jahre später wurde er Kapellmeister – nachdem der betagte Musiker, der diese Position innehatte, starb. Der Erbe von Pala Antal, der 1762 starb, zeichnete sich durch sein Engagement für Luxus und teure Unterhaltung aus, sein Bruder Myklosh 1, genannt der Prächtige. Wenige Jahre später verlegte er seine Residenz von Eisenstadt in ein neues Landschloss mit 126 Zimmern, umgab es mit einem riesigen Park und baute es Opernhaus für 400 Sitzplätze und ein Puppentheater, die Zahl der Musiker in der Kapelle deutlich erhöht. Die Arbeit darin gab Haydn eine gute finanzielle Unterstützung und außerdem die Möglichkeit, viel zu komponieren und sich sofort in der Praxis zu erproben, indem er die Orchesteraufführung seiner neuen Werke leitete. In Esterhaz (wie die neue Fürstenresidenz genannt wurde) fanden oft dichtgedrängte Empfänge statt, oft unter Beteiligung hochrangiger ausländischer Gäste. Dadurch wurde Haydns Werk nach und nach auch außerhalb Österreichs bekannt. Aber es gab in all dem, wie man sagt, die andere Seite der Medaille. Als er in den Dienst trat, unterschrieb Haydn einen Vertrag, wonach er zu einer Art musikalischem Diener wurde. Er musste täglich vor und nach dem Essen in gepuderter Perücke und weißen Strümpfen vor dem Palast erscheinen, um die Befehle des Prinzen zu belauschen. Der Vertrag verpflichtete Haydn, „jegliche Musik, die Seine Lordschaft wünscht, dringend zu schreiben, niemandem neue Kompositionen zu zeigen, und noch mehr, niemandem zu erlauben, sie abzuschreiben, sondern sie ausschließlich für Seine Lordschaft und ohne sein Wissen und seine Gnade aufzubewahren Erlaubnis, für niemanden etwas zu komponieren". Darüber hinaus musste Haydn die Ordnung in der Kapelle und das Verhalten der Musiker beobachten, Sängern Unterricht erteilen und für die Sicherheit von Instrumenten und Noten verantwortlich sein. Er lebte nicht in einem Palast, sondern in einem Nachbardorf, in einem kleinen Haus. Von Eisenstadt zog der fürstliche Hof früher im Winter nach Wien. Und von Esterhazy aus konnte Haydn nur gelegentlich mit dem Fürsten oder mit Sondergenehmigung in die Hauptstadt gelangen. In den vielen Jahren in Eisenstadt und Esterhase entwickelte sich Haydn vom Musiker-Anfänger zu einem großen Komponisten, dessen Schaffen hohe künstlerische Vollendung erreichte und nicht nur in Österreich, sondern weit über seine Grenzen hinaus Anerkennung fand. So wurden von ihm im Auftrag der französischen Hauptstadt sechs „Pariser Symphonien“ (Nr. 82-87) geschrieben, wo sie 1786 mit Erfolg erklangen. Haydns Begegnungen mit Wolfgang Amadeus Mozart in Wien reichen bis in die 1780er Jahre zurück. Die freundschaftliche Annäherung wirkte sich positiv auf die Arbeit der beiden großen Musiker aus. Haydn wurde sich im Laufe der Zeit seiner abhängigen Position immer bewusster. In seinen Briefen an Freunde aus Esterhazy in Wien, geschrieben in der ersten Hälfte des Jahres 1790, finden sich solche Sätze: „Nun – ich sitze in meiner Wildnis – verlassen – wie ein armes Waisenkind – fast ohne Gesellschaft – traurig .. Die letzten Fürsten von Esterházy besaßen riesige Ländereien, hatten viele Diener und führten ein königliches Leben in ihren Palästen. Spezial 25 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Ich wusste tagelang nicht, ob ich Kapellmeister oder Kapellmeister bin... Es ist traurig, die ganze Zeit ein Sklave zu sein...» Eine neue Wende Schicksal. Reisen nach England. Miklós Esterházy starb im Herbst 1790. Er war ein aufgeklärter Musikliebhaber, spielte Saiteninstrumente und konnte einen „musikalischen Diener“ wie Haydn auf seine Weise nur zu schätzen wissen. Der Prinz vermachte ihm eine hohe lebenslange Rente. Miklos' Erbe Antal, gleichgültig gegenüber der Musik, entließ die Kapelle. Doch weil er wünschte, dass der berühmte Komponist sein Hofkapellmeister bliebe, erhöhte er sogar die Barzahlungen an Haydn, der dadurch von Amtspflichten befreit wurde und vollständig über sich selbst verfügen konnte. Haydn zog mit der Absicht, Musik zu machen, nach Wien und lehnte zunächst Angebote ab, andere Länder zu besuchen. Aber dann stimmte er einem Angebot zu, eine lange Reise nach England zu unternehmen, und traf Anfang 1791 in London ein. So sah Haydn kurz vor seinem sechzigsten Geburtstag zum ersten Mal das Meer mit eigenen Augen und fand sich zum ersten Mal in einem anderen Zustand wieder. Anders als das noch feudal-aristokratische Österreich war England längst ein bürgerliches Land, und das gesellschaftliche, auch musikalische Leben war in London ganz anders als in Wien. In London, einer riesigen Stadt mit vielen Industrie- und Handelsunternehmen, herrschten Konzerte vor, die nicht für ausgewählte Personen in die Paläste und Salons des Adels eingeladen wurden, sondern in öffentlichen Sälen veranstaltet wurden, zu denen jeder gegen Gebühr kam. Der Name Haydn war in England bereits von einem Glorienschein umgeben. UND berühmte Musiker , und hochrangige Personen behandelten ihn nicht nur auf Augenhöhe, sondern auch mit besonderem Respekt. Seine neuen Werke, bei deren Aufführung er als Dirigent fungierte, stießen auf Begeisterung und wurden großzügig bezahlt. Haydn dirigierte ein großes Orchester von 40-50 Personen, also doppelt so groß wie die Esterhazy-Kapelle. Die Oxford University verlieh ihm die Ehrendoktorwürde der Musik. Haydn kehrte anderthalb Jahre später nach Wien zurück. Unterwegs besuchte er die deutsche Stadt Bonn. Dort lernte er erstmals den jungen Ludwig van Beethoven kennen, der bald mit der Absicht, bei Haydn zu studieren, nach Wien zog. Doch Beethoven nahm nicht lange Unterricht bei ihm. Zwei musikalische Genies, zu unterschiedlich in Alter und Temperament, fanden damals kein wirkliches gegenseitiges Verständnis. Allerdings widmete Beethoven seine drei Klaviersonaten (Nr. 1-3) während der Veröffentlichung Haydn. Haydns zweite Reise nach England begann 1794 und dauerte sogar etwas mehr als anderthalb Jahre. Der Erfolg war erneut triumphal. Aus den vielen geschaffenen Werken; während und im Zusammenhang mit diesen Reisen waren die zwölf sogenannten „Londoner Symphonien“ von besonderer Bedeutung. Die letzten Jahre des Lebens und Schaffens. Der nächste Fürst von Esterházy, Miklós II., interessierte sich mehr für Musik als sein Vorgänger. Daher begann Haydn zeitweise von Wien nach Eisenstadt zu laufen und schrieb mehrere Messen im Auftrag des Fürsten. Die Hauptwerke des Komponisten der letzten Jahre – zwei monumentale Oratorien „Die Erschaffung der Welt“ und „Die Jahreszeiten“ – wurden in Wien mit großem Erfolg aufgeführt (das eine 1799, das andere 1801). Darstellung des uralten Chaos, aus dem dann die Welt entsteht, die Erschaffung der Erde, die Geburt des Lebens auf der Erde und die Erschaffung des Menschen – das ist der Inhalt des ersten dieser Oratorien. Die vier Teile des zweiten Oratoriums („Frühling“, „Sommer“, „Herbst“, „Winter“) setzen sich aus gezielten musikalischen Skizzen bäuerlicher Natur und bäuerlicher Lebensweise zusammen. 26 www.classON.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der russischen Kunst Nach 1803 komponierte Haydn nichts mehr. Er lebte ruhig sein Leben, umgeben von Ruhm und Ehre. Haydn starb im Frühjahr 1809, auf dem Höhepunkt der Napoleonischen Kriege, als die Franzosen in Wien einmarschierten. Celli und Kontrabässe. Die Gruppe der Holzblasinstrumente besteht aus Flöten, Oboen, Klarinetten und Fagotten 21. Haydns Gruppe der Blechblasinstrumente wird von Hörnern und Trompeten gebildet, und er verwendete nur Pauken von Schlaginstrumenten und nur in der letzten, zwölften Londoner Symphonie fügte er eine Triangel hinzu , Becken und eine Trommel. Fragen und Aufgaben 1. Welche drei großen Komponisten werden als Wiener Musikklassiker bezeichnet? Was erklärt eine solche Definition? 2. Erzählen Sie uns vom Wiener Musikleben im 18. Jahrhundert. 3. Was sind die wichtigsten Musikgenres im Werk Haydns. 4. Wo und wie verlief Haydns Kindheit und Jugend? 5. Wie begann Haydn seine unabhängige Reise? 6..Wie verlief Haydns Leben und Wirken während seines Dienstes in der Kapelle der Fürsten Esterhazy? 7. Erzählen Sie uns von Haydns Reisen nach England und von seinen letzten Lebensjahren. Sinfonische Kreativität Als Haydn 1759 seine erste Sinfonie schrieb, existierten bereits viele Werke dieser Gattung und wurden weiter geschaffen. Sie entstanden in Italien, Deutschland, Österreich und anderen europäischen Ländern. Allgemeine Berühmtheit erlangten beispielsweise Mitte des 18. Jahrhunderts Symphonien, die in der deutschen Stadt Mannheim komponiert und aufgeführt wurden, die damals über das beste Orchester verfügte. Unter den Komponisten der sogenannten „Mannheimer Schule“ waren viele Tschechen. Einer der Vorfahren der Symphonie ist die dreiteilige italienische Opernouvertüre (mit dem Verhältnis der Stimmen nach dem Tempo: „schnell-langsam-schnell“). In den frühen („vorklassischen“) Sinfonien war der Weg zur künftigen klassischen Sinfonie noch geebnet, deren Markenzeichen die Bedeutung des figurativen Gehalts und die Vollendung der Form waren. Auf diesem Weg gelangte Haydn in den 1780er Jahren zu seinen reifen Symphonien. Und gleichzeitig erschienen die reifen Sinfonien des noch sehr jungen Mozart, der erstaunlich schnell zu künstlerischer Meisterschaft aufstieg. Haydn schuf seine Londoner Sinfonien, die seine Errungenschaften in dieser Gattung krönten, nach dem frühen Tod Mozarts, der ihn zutiefst erschütterte. In Haydns reifen Sinfonien hat sich folgende typische Komposition des viersätzigen Zyklus etabliert: Sonaten-Allegro, langsamer Satz, Menuett und Finale (meist in Form eines Rondos oder Sonaten-Allegros). Gleichzeitig wurde die klassische Zusammensetzung des Orchesters aus vier Instrumentengruppen in ihren Grundzügen festgelegt. Führende Gruppe - Schnur. Es umfasst Geigen, Bratschen, Haydn hat nicht immer Klarinetten verwendet. Selbst in seinen Londoner Symphonien erscheinen sie nur in fünf (von zwölf). 21 27 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Diese Symphonie ist als „Military“ bekannt. Es gibt auch Namen für einige andere Sinfonien Haydns. In den meisten Fällen sind sie nicht vom Komponisten selbst gegeben und markieren nur ein Detail, oft bildhaft, zum Beispiel Nachahmung des Gackerns im langsamen Teil der Symphonie „Huhn“ oder „Ticken“ – im langsamen Teil der Symphonie „ Std". Eine besondere Geschichte verbindet sich mit der Symphonie in fis-Moll, die den Namen „Lebwohl“ erhielt. Es hat einen zusätzlichen fünften Teil (genauer gesagt ein Adagio vom Coda-Typ). Während der Aufführung löschen die Orchestermitglieder nacheinander die Kerzen an ihren Konsolen, nehmen ihre Instrumente und gehen. Nur zwei Geiger bleiben übrig, die leise und traurig die letzten Takte spielen und auch gehen. Dazu gibt es folgende Erklärung. Wie einst im Sommer verzögerte Fürst Miklos I. die Musiker seiner Kapelle in Esterhaz länger als sonst. Und sie wollten so schnell wie möglich Urlaub machen, um ihre Familien zu sehen, die in Eisenstadt lebten. Und das ungewöhnliche zweite Finale der Abschiedssymphonie diente als Hinweis auf diese Umstände. Neben Sinfonien hat Haydn viele andere Werke für Orchester, darunter über hundert einzelne Menuette. Und plötzlich verwandelt sich alles in Freude: Die Exposition des Sonaten-Allegros beginnt. Statt langsamem Tempo – schnell (Allegro con spirito – „Schnell, mit Enthusiasmus“), statt schwerer Bass-Unisonos – wird das erste Motiv des beweglichen, ansteckend fröhlichen Tanzthemas des Hauptteils aus den gleichen Klängen von G geboren und As in einem hohen Register. Alle Motive dieses in der Haupttonart vorgetragenen Themas beginnen mit einer Wiederholung des ersten Tons – wie mit einem inbrünstigen Stampfen: Symphonie Es-Dur Dies ist die elfte von Haydns zwölf „Londoner Symphonien“. Seine Haupttonart ist Es-Dur. Sie ist bekannt als „Pauken-Tremolo-Symphonie“ 22. Die Symphonie besteht aus vier Sätzen. Der erste Teil beginnt mit einer langsamen Einleitung. Leise erklingt das Tremolo („Bruch“) der auf die Tonika gestimmten Pauke. Es ist wie ein fernes Donnergrollen. Dann entfaltet sich das eigentliche Thema der Einleitung in glatten breiten "Kanten". Zunächst wird es von Celli, Kontrabässen und Fagotten im Oktav-Unisono gespielt. Es scheint, als ob einige mysteriöse Schatten leise schweben und manchmal anhalten. Hier zaudern und erstarren sie: In den letzten Takten der Einleitung wechseln Unisonos mehrfach auf die Nachbartöne G und As und zwingen das Ohr zu erwarten – was kommt als nächstes? Das Thema wird von den Streichinstrumenten des Klaviers zweimal wiederholt, ergänzt durch einen wilden Tanzspaß, der im gesamten Orchester forte erklingt. Dieses Rumpeln zieht schnell vorbei, und im Verbindungsteil taucht wieder ein Hauch von Mysterium auf. Die tonale Stabilität ist gebrochen. Es gibt eine Modulation in B-Dur (Dominanz von Es-Dur) - die Tonart der Seitenstimme. Im Verbindungsteil gibt es kein neues Thema, aber das ursprüngliche Motiv des Paukenthemas ist zu hören - Halbkugeln mit darüber gespannter Haut, die mit zwei Stöcken angeschlagen werden. Jede Hemisphäre kann nur einen Ton einer Tonhöhe erzeugen. Klassische Symphonien verwenden normalerweise zwei Hemisphären, die auf Tonika und Dominante gestimmt sind. 22 28 www.classON.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der russischen Kunst des Hauptteils und eine entfernte Erinnerung an das Thema der Einleitung: Die Exposition endet mit der Bestätigung der Tonart des Seitenteils (B-Dur). Die Exposition wird wiederholt, und es folgt die Durchführung. Es ist gesättigt mit polyphoner Imitation und tonal-harmonischer Entwicklung von Motiven, die vom Thema des Hauptteils isoliert sind. Das Thema des Nebenspiels taucht gegen Ende der Entwicklung auf. Es ist ganz in der Tonart Des-Dur aufgeführt, weit entfernt von der Haupttonart, das heißt, es erscheint gleichsam in einem neuen, ungewohnten Licht. Und eines Tages (nach einer Generalpause mit einer Fermate) erscheinen die Intonationen des geheimnisvollen Themas der Einleitung auch im Bass. Die Durchführung klingt überwiegend Piano und Pianissimo, und nur gelegentlich - Forte und Fortissimo mit separaten Sforzando-Akzenten. Das verstärkt den geheimnisvollen Eindruck. Motive aus dem Thema der Hauptpartei ähneln in ihrer Entwicklung manchmal einem fantastischen Tanz. Man kann sich vorstellen, dass dies ein Tanz einiger mysteriöser Lichter ist, die manchmal hell blinken. Bei der Reprise in der Tonart Es-Dur wird nicht nur der Hauptteil, sondern auch der Seitenteil wiederholt und der Binder übersprungen. Im Code taucht ein Rätsel auf. Es beginnt, wie die Einleitung, mit einem Adagio-Tempo, einem leisen Pauken-Tremolo und langsamen Unisono-Bewegungen. Aber bald, ganz am Ende des ersten Teils, kehren das schnelle Tempo, die laute Klangfülle und das fröhliche Tanz-„Stampfen“ zurück. Der zweite Teil der Symphonie – Andante – ist eine Variation über zwei Themen – Gesang in c-Moll und Gesangsmarsch in C-Dur. Der Aufbau dieser sogenannten Doppelvariationen ist wie folgt: Das erste und das zweite Thema werden skizziert, dann folgen: die erste Variation des ersten Themas, die erste Variation des zweiten Themas, die zweite Variation des ersten Themas, das zweite Variation des zweiten Themas und Codes, basierend auf dem Material des zweiten Themas. Bis heute streiten sich Forscher über die Nationalität des ersten Themas. Kroatische Musiker glauben, dass es in Bezug auf seine Eigenschaften ein Kroate ist Volkslied , und Ungarisch - dass dies ein ungarisches Lied ist. Auch Serben, Bulgaren, Polen finden darin ihre nationalen Merkmale. Dieser Streit lässt sich nicht mit Sicherheit auflösen, denn die Aufnahmen eines solchen Themas einer Seitenstimme sind wieder ein fröhlicher Reigen. Aber im Vergleich zur Hauptpartei ist sie nicht so energisch, sondern anmutiger, weiblicher. Die Melodie erklingt auf Geigen mit einer Oboe. Eine typische Walzerbegleitung bringt dieses Thema dem Lander näher – ein österreichischer und süddeutscher Tanz, einer der Vorfahren des Walzers: 29 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst der alten Melodie und ihrer Worte fand sich nicht. Anscheinend sind darin die Merkmale mehrerer slawischer und ungarischer Melodien verschmolzen; dies ist insbesondere ein eigentümlicher Zug für eine übermäßige Sekunde (Es-fadiez): Die Variationen des zweiten Themas nehmen den heroischen Marschschritt wieder auf, verschönert mit virtuosen Passagen – Flöten-Gnaden. Und in einem großen Code finden unerwartete Wendungen in der Entwicklung von "musikalischen Ereignissen" statt. Zuerst verwandelt sich das Marschthema in einen sanften, transparenten Klang. Dann entwickelt sich ein davon isoliertes Motiv mit einem punktierten Rhythmus intensiv. Dies führt zum plötzlichen Erscheinen der Tonart Es-Dur, woraufhin die Schlusspassage des Marschthemas hell und feierlich in C-Dur erklingt. Der dritte Teil der Symphonie – das Menuett – verbindet ursprünglich den würdevollen Gang eines High-Society-Tanzes mit kapriziösen Weitsprüngen und Synkopen in der Melodie: Ein Gesang und ein zweites, marschierendes Dur-Thema. Im Gegensatz zum ersten hat es gleichzeitig eine gewisse Affinität zu diesem - ein vierter Takt, eine aufsteigende und dann absteigende Richtung der Melodie und ein erhöhter vierter Schritt (fadiez): Dieses skurrile Thema wird von einem sanften, ruhigen Satz eingeleitet im Trio - dem Mittelteil des Menuetts, angesiedelt zwischen dem ersten Abschnitt und seiner exakten Wiederholung23: Die Exposition des ersten Themas durch Klavier und Pianissimo-Streichinstrumente ist wie eine gemächliche Erzählung, wie der Beginn einer Geschichte über ungewöhnliche Ereignisse. Das erste davon kann mit einer plötzlich lauten Präsentation des zweiten, marschierenden Themas präsentiert werden, in dem Blasinstrumente zur Streichergruppe hinzugefügt werden. Der erzählerische Ton wird in der ersten Variation des ersten Themas beibehalten. Aber traurige und vorsichtige Echos gesellen sich zu ihrem Sound. In der ersten Variation des zweiten Themas färbt die Solovioline die Melodie mit skurril gemusterten Passagen. In der zweiten Variation des ersten Themas nimmt die Erzählung plötzlich einen stürmischen, unruhigen Charakter an (alle Instrumente kommen zum Einsatz, auch Pauken). Im zweiten kontrastiert das Menuett (bzw. seine vom Charakter her extrem subtil bizarren Abschnitte) einerseits mit den volkstümlichen und alltäglichen Themen, dem ersten und zweiten Teil der Symphonie, andererseits dessen letzter, vierter Teil - das Finale. Wie es sich für ein klassisches Sonaten-Allegro gehört, wird hier in der Exposition die Hauptstimme in der Haupttonart Es-Dur, die Seitenstimme in der Dominant-Tonart B-Dur und in der Reprise beides dargeboten sie klingen in Es-Dur. In der Seitenstimme wurde jedoch lange Zeit der Mittelteil von Orchesterwerken meist von drei Instrumenten vorgetragen. Daher kommt auch der Name „Trio“. 23 30 www.classON.ru Kindererziehung im künstlerischen Bereich ist in Russland ein völlig neues Thema. Es basiert auf dem Material des Themas der Hauptpartei. hergestellt aus Französisches Wort "ronde", was "Kreis" oder "Rundtanz" bedeutet. Fragen und Aufgaben 1. Wann kamen Haydn und Mozart dazu, ihre reifen Symphonien zu komponieren? 2. Aus welchen Teilen besteht normalerweise eine Haydn-Symphonie? Nennen Sie die Instrumentengruppen in Haydns Orchester. 3. Welche Titel von Haydns Symphonien kennen Sie? 4. Warum heißt Haydns Symphonie in Es-Dur „mit Tremolo oder Stier“? Mit welchem ​​Abschnitt fängt es an? 5. Beschreiben Sie die Hauptthemen des Sonatensatzes im ersten Satz dieser Symphonie. 6. In welcher Form und zu welchen Themen wurde der zweite Teil der Symphonie geschrieben? 7. Beschreiben Sie die Hauptthemen und Abschnitte des dritten Teils. 8. Was ist die Besonderheit des Zusammenhangs zwischen den Themen des Haupt- und Seitenteils im Finale? Welcher Zusammenhang besteht zwischen dem Charakter der Musik im ersten Satz der Symphonie und in ihrem Finale? So stellt sich heraus, dass das gesamte Finale auf einem Thema basiert. Wie in einem komplizierten Spiel nimmt der Komponist das Thema entweder vollständig auf oder kombiniert gekonnt seine Varianten und einzelnen Elemente. Und sie ist auf ihre Art faszinierend. Immerhin taucht darin zunächst eine harmonische Basis auf – der sogenannte „goldene Zug“ zweier Hörner – ein typisches Signal von Jagdhörnern. Und erst dann wird auf dieser Grundlage eine Tanzmelodie, die kroatischen Volksliedern nahe kommt, überlagert. Es beginnt mit dem „Stampfen“ auf einem Ton, und in der Zukunft wird dieses Motiv viele Male wiederholt, imitiert und von einer Stimme zur anderen bewegt. Dies erinnert an das Eröffnungsmotiv des Hauptthemas des ersten Satzes und wie es dort entwickelt wird. Außerdem gab der Komponist im Finale das gleiche Tempo an - Allegro con spirito. So überwiegt im Finale schließlich das Element eines fröhlichen Volkstanzes. Aber hier hat es einen besonderen Charakter - es sieht aus wie ein komplizierter Reigen, ein Gruppentanz, bei dem Tanz mit Gesang und Spielhandlung kombiniert wird. Dies wird auch dadurch bestätigt, dass in der Exposition der Hauptteil noch zweimal in der Haupttonart wiederholt wird – nach einer kleinen Übergangsepisode und nach einem Seitenteil. Das heißt, es scheint wieder aufzunehmen und eine Bewegung im Kreis zu machen. Und dies führt Merkmale der Rondoform in die Sonatenform ein. Schon das Wort „Rondo“, wie bereits erwähnt, Clavier-Kreativität Als Haydn seine Clavierwerke schuf, verdrängte das Klavier nach und nach Cembalo und Clavichord aus der musikalischen Praxis. Haydn schrieb seine frühen Kompositionen für diese alten Tasteninstrumente, und in späteren Ausgaben begann er, „für Cembalo oder Klavier“ und schließlich manchmal nur noch „für Klavier“ anzugeben. Unter seinen Klavierwerken nehmen die Solosonaten den bedeutendsten Platz ein. Früher ging man davon aus, dass Haydn nur 52 davon hatte, doch dank der Suche von Forschern stieg diese Zahl auf 62. Die bekanntesten davon sind Sonaten in D-Dur und e-Moll24. Sonate in D-Dur Das Thema des Hauptteils, mit dem der erste Teil dieser Sonate beginnt, ist ein vor Freude und Heiterkeit spritzender Tanz mit knabenhaft verschmitzten Oktavsprüngen, Vorschlagsnoten, Mordents und Klangwiederholungen. Man kann sich solche Musik auch wie in einer Operebuffa vorstellen: In früheren Ausgaben sind diese Sonaten als „Nr. 37“ und „Nr. 34“ gedruckt, in späteren Ausgaben als „Nr. 50“ und „Nr. 53“. . 24 31 www.classON.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der russischen Kunst Aber dann dringen schelmische Sprünge aus dem Hauptteil in die Entwicklung des Themas des Seitenteils ein, und dann - pingelige Passage Bewegung aus dem Verbindungsteil. Es wird angespannter, ausladender und beruhigt sich plötzlich schnell – wie durch eine augenblickliche Entscheidung. Danach endet die Ausstellung mit einer nonchalant tanzenden Abschlussparty. In der Entwicklung herrscht wieder reges Treiben. Hier werden die Oktavsprünge vom Thema des Hauptteils zur linken Hand hin noch schelmischer, und der Passagensatz erreicht eine noch größere Spannung und Weite als bei der Entwicklung des Themas des Nebenteils in der Exposition. In der Reprise festigt der Klang der Seiten- und Schlussstimmen in der Haupttonart (D-Dur) die Dominanz einer freudigen Stimmung. Der stärkste Kontrast wird in die Sonate durch den kurzen zweiten Satz eingeführt, der einen langsamen und verhaltenen Charakter hat. Es ist in der gleichnamigen Tonart in d-Moll geschrieben. In der Musik erklingt der schwere Tritt der Sarabande - ein alter Tanz, der oft den Charakter eines Trauerzuges annimmt. Und in den ausdrucksstarken melodischen Ausrufen mit Triolen und punktierten rhythmischen Figuren gibt es eine Ähnlichkeit mit den traurigen Melodien der ungarischen Zigeuner: Fröhliche, verspielte Passagen der Sechzehntel füllen den verbindenden Teil. Und auch das Thema der Seitenstimme (in der Tonart A-Dur) ist tanzbar, nur zurückhaltender, eleganter: 32 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Sonate in e-Moll . Er bereitete es fleißig vor, konnte es dann aber wegen seiner Dienstpflichten in der Esterhazy-Kapelle nicht durchführen. Möglicherweise spiegelten sich die Träume einer fernen „Übersee“-Reise und die damit verbundenen Erfahrungen in der damals entstandenen e-Moll-Sonate wider. Dies ist die einzige der wenigen Moll-Sonaten von Haydn, bei der im ersten Satz ein ausgeprägt lyrischer Charakter mit einem sehr schnellen Tempo kombiniert wird. Eigentümlich ist auch das Thema des Hauptteils dieses Satzes, mit dem die Sonate beginnt: Doch in Haydns optimistischer Kunst werden die düsteren Todesbilder immer wieder von hellen Lebensbildern überwunden. Und der zweite Teil in d-Moll dieser Sonate, der nicht auf der Tonika, sondern auf dem Dominant-Akkord endet, geht direkt am ungestümen D-Dur-Finale 25 vorbei. Das Finale ist in Form eines Rondos aufgebaut, in dem das Hauptthema - der Refrain ( in der Haupttonart D-Dur) - wird dreimal wiederholt, und zwischen seinen Wiederholungen gibt es wechselnde Abschnitte - Episoden: die erste Episode ist in d-Moll und die zweite - in G-Dur. Hier schlüpfen nur in der ersten, in d-Moll gehaltenen Folge traurige Erinnerungen durch - ein Echo des Mittelteils. Die zweite Episode in G-Dur ist bereits sorglos fröhlich und führt zu einem komischen "Appell" der rechten und linken Hand auf demselben Ton. Und das fliegend-tänzerische Hauptthema des Finales (Refrain-Rondo) ist eines von Haydns fröhlichsten: Die Eröffnungsphrasen des Themas bestehen hier aus einer Kombination zweier Elemente. Im Bass, in der linken Hand, bewegt sich das Klavier auf einem Moll-Tonika-Dreiklang – wie Aufrufe, irgendwohin in die Ferne zu eilen. Und genau dort in der rechten Hand folgen zitternde, wie zweifelnde, schwankende Motiv-Antworten. Die allgemeine Bewegung des Themas ist weich, wogend, wiegend. Außerdem ist die Größe des ersten Satzes – 6/8 – typisch für das Genre Barcarolle – „Lieder auf dem Wasser“26. Im verbindenden Teil gibt es eine Modulation in G-Dur parallel zu e-Moll - der Tonart der Seiten- und Schlussteile. Die mit bewegenden Passagen der Sechzehntel gefüllten Anschluss- und Schlussteile umrahmen den Seitenteil – leicht, verträumt, was durch die italienischen Worte „attacca subito il Finale“ angedeutet wird, was „das Finale sofort beginnen“ bedeutet. Ursprünglich wurden die Lieder der venezianischen Gondolieri Barcarolles genannt. Der Name des Genres kommt vom italienischen Wort "barca" - "Boot". 25 26 33 www.classON.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst Russland wie im Aufwind: Die Natur, mit Signaltönen, als würde sie zur Rückreise rufen, das Herz schien in freudiger Angst aufzufahren! Und hier erscheint nach dem Akkordübergang das Hauptthema des dritten Satzes (das Finale). Dies ist der Refrain der Rondoform, in der das Finale geschrieben ist. Es sieht aus wie ein inspiriertes Begleitlied, das hilft, „mit vollen Segeln“ in die Heimat zu eilen: So lautet das Schema der Rondoform im Finale wie folgt: Refrain (e-Moll), erste Folge (E-Dur) , Refrain (e-Moll), zweite Folge (E-Dur), Refrain (e-Moll). Beide Episoden sind durch den Refrain und durch melodische Verwandtschaft miteinander verbunden. Wenn die Verbindungs-, Neben- und Schlussteile erklingen, zeichnet die Fantasie verlockende Bilder – wie frei ein schöner Wind weht, wie freudig der schnelle Satz fortgeführt wird. Ferner überwiegen in der auf dem Material der Haupt-, Verbindungs- und Schlussteile aufbauenden Durchführung Abweichungen in Molltonarten. In der Hauptsache, also nicht in Dur, sondern in Molltonalität, erklingen die in der Reprise räumlicher gewordenen Neben- und Schlussstimmen. Dennoch werden Traurigkeit und spirituelle Zweifel schließlich besiegt, indem man in die unbekannte Ferne strebt. Das ist die Bedeutung der letzten Takte des ersten Satzes, wo der beschwörende Anfang des Themas der Hauptpartie bemerkenswert wiederholt wird. Der zweite Teil der Sonate, langsam, in G-Dur, ist eine Art Instrumentarie, durchdrungen von einer leichten kontemplativen Stimmung. Ihre hellen Koloraturen sind voller Echos von Vogelgezwitscher, rauschenden Bächen: Fragen und Aufgaben 1. Was ist die Hauptgattung Klaviermusik Haydn. Wie viele seiner Sonaten sind bekannt? 2. Beschreiben Sie die Hauptabschnitte des ersten Satzes der Sonate in D-Dur. Gibt es in diesem Teil eine Verbindung zwischen Haupt- und Nebenteil? 3. Welchen Kontrast bringt der zweite Satz der Sonate in D-Dur zur Musik? In welcher Beziehung steht er zum Finale? 4. Erzählen Sie uns von den Merkmalen der Struktur und Art des Themas des Hauptteils des ersten Teils der Sonate in e-Moll. Reifen und charakterisieren Sie die restlichen Themen und Abschnitte dieses Teils. 5. Welchen Charakter hat der zweite Satz der Sonate in e-Moll? 6. Erzählen Sie uns von der Form des Finales der Sonate in e-Moll und der Art ihres Hauptthemas. Hauptwerke Über 100 Sinfonien (104) Konzertreihen für verschiedene Instrumente und Orchester Über 80 Quartette (für zwei Violinen, Viola und Cello) (83) 62 Claviersonaten Creation and Seasons Oratorien 24 Opern Bearbeitungen schottischer und irischer Lieder Aber egal Wie süß ist eine friedliche Ruhe irgendwo weit weg, im Schoß von 34 www.classON.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der russischen Kunst, die in vielen Genres geschrieben wurde - seine Symphonien, Instrumentalkonzerte, verschiedene Kammerensembles, Klaviersonaten, Requiem für Chor, Solisten und Orchester. Mozarts ungewöhnlich frühes und schnell entwickeltes phänomenales Talent, das um seinen Namen herum entstand; Heiligenschein des legendären "Musikwunders". Helle Charakteristik; er wurde als inspirierter Künstler von A. S. Puschkin in dem Stück („kleine Tragödie“) „Mozart und Salieri“ angegeben. Demnach wurde die gleichnamige Oper von N. A. Rimsky Korsakov geschrieben 27. Mozart war der Lieblingskomponist von P. I. Tschaikowsky 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Lebensweg Familie. Frühe Kindheit. Der Geburtsort von Wolfgang Amadeus Mozart, der im Jänner 1756 geboren wurde, ist die österreichische Stadt Salzburg. Malerisch breitet es sich am hügeligen Ufer der reißenden Salzach aus, die im östlichen Voralpenland ihren Lauf genommen hat. Salzburg war die Hauptstadt eines kleinen Fürstentums, dessen Landesherr die geistliche Würde eines Erzbischofs hatte. Der Vater von Wolfgang Amadeus, Leopold Mozart, diente in seiner Kapelle. Er war ein ernsthafter und hochgebildeter Musiker – ein produktiver Komponist, Geiger, Organist und Lehrer. Die von ihm herausgegebene „School of Violin Playing“ wurde in mehreren Ländern vertrieben, darunter auch in Russland. Von den sieben Kindern Leopolds und seiner Frau Anna Maria überlebten nur zwei – der jüngste Sohn Wolfgang Amadeus und die ältere Tochter Maria Anna (Nannerl)! Bruder seit viereinhalb Jahren. Als sein Vater begann, Nannerl, der über ausgezeichnete Fähigkeiten verfügte, das Cembalospiel beizubringen, begann er bald mit dem dreijährigen Wolfgang zu lernen, wobei er sein bestes Gehör und sein erstaunliches musikalisches Gedächtnis bemerkte, das der Junge bereits vier Jahre lang versucht hatte Musik zu komponieren, und seine ersten erhaltenen Cembalostücke wurden von seinem Vater aufgenommen, als der Autor erst fünf Jahre alt war. Es gibt eine Geschichte darüber, wie der vierjährige Wolfgang versuchte, ein Klavierkonzert zu komponieren. Zusammen mit der Feder tauchte er seine Finger in das Tintenfass und strich Kleckse auf das Notenpapier. Nicht als mein Vater in diese kindliche Aufnahme blickte, entdeckte er darin durch die Kleckse eine unbestrittene musikalische Bedeutung. Der österreichische Komponist Wolfgang Amadeus Mozart, eines der größten Musikgenies, wurde nur 35 Jahre alt. Davon komponierte er dreißig Jahre lang Musik und leistete mit seinem Vermächtnis von mehr als 600 Werken einen unschätzbaren Beitrag zum goldenen Fonds der Weltkunst. Die getreueste und höchste Einschätzung von Mozarts schöpferischer Begabung zu seinen Lebzeiten gab sein älterer Zeitgenosse Joseph Haydn. „... Ihr Sohn“, sagte er einmal zum Vater von Wolfgang Amadeus, „ist der größte Komponist, den ich persönlich und dem Namen nach kenne; er hat Geschmack und außerdem die größten Kompositionskenntnisse. Gemeinsam ist der Musik von Haydn und Mozart, den sogenannten Wiener Klassikern, eine optimistische aktiv-wirksame Wahrnehmung der Welt, eine Verbindung von Einfachheit und Natürlichkeit im Ausdruck von Gefühlen mit ihrer poetischen Erhabenheit und Tiefe. Gleichzeitig gibt es einen signifikanten Unterschied zwischen ihren künstlerischen Interessen. Haydn ist den volkstümlichen Alltags- und lyrisch-epischen Bildern näher, und Mozart den eigentlich lyrischen und lyrisch-dramatischen. Mozarts Kunst besticht vor allem durch ihre Sensibilität für die emotionalen Erfahrungen eines Menschen sowie durch Genauigkeit und Lebendigkeit in der Verkörperung verschiedener menschlicher Charaktere. Dies machte ihn zu einem bemerkenswerten Opernkomponisten. Seine Opern, allen voran „Die Hochzeit des Figaro“, „Don Giovanni“ und „Die Zauberflöte“, genießen seit dem dritten Jahrhundert einen ungebrochenen Erfolg und werden auf den Bühnen aller Musiktheater aufgeführt. Einen der ehrenhaftesten Plätze im weltweiten Konzertrepertoire nehmen die Werke Mozarts ein, die Version, dass Salieri Mozart aus Neid vergiftete, ist nur eine Legende. Tschaikowsky orchestrierte vier Klavierstücke Mozart und stellte daraus die Suite "Mozartiana" zusammen. 27 28 35 www.classON.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der russischen Kunst wird ein Violinkonzert aufführen... spielen Sie auf der Tastatur, die mit einem Taschentuch bedeckt ist, als ob es vor seinen Augen wäre, dann wird er aus der Ferne alles nennen die Klänge, die einzeln oder in Akkorden auf dem Klavier oder einem anderen Instrument aufgenommen oder von Objekten veröffentlicht werden - einer Glocke, einem Glas, einer Uhr. Am Ende improvisiert er nicht nur auf dem Cembalo, sondern auch auf der Orgel, solange das Publikum will, und zwar in allen, auch den schwierigsten, Tonarten, die sie ihn nennen …“ Erste Konzertreisen. Leopold Mozart beschloss, mit seinen begabten Kindern Konzertreisen in die großen Musikzentren zu unternehmen. Die erste Reise - in die deutsche Stadt München - fand Anfang 1762 statt, als Wolfgang kaum sechs Jahre alt war. Sechs Monate später ging die Familie Mozart nach Wien. Dort traten Wolfgang und Nannerl am Kaiserhof auf, hatten einen durchschlagenden Erfolg und wurden mit Geschenken überhäuft. Im Sommer 1763 unternahmen die Mozarts eine große Reise nach Paris und London. Aber zuerst besuchten sie einige deutsche Städte und auf dem Rückweg wieder Paris, aber auch Amsterdam, Den Haag, Genf und einige andere Städte. Die Aufführungen der kleinen Mozarts, allen voran Wolfgang, erregten überall, selbst an den prächtigsten Fürstenhöfen, Überraschung und Bewunderung. Nach damaliger Sitte trat Wolfgang im bestickten schwarzen Anzug und mit gepuderter Perücke vor einem edlen Publikum auf, verhielt sich aber gleichzeitig mit einer rein kindlichen Spontaneität, er konnte beispielsweise der Kaiserin auf die Knie springen . Konzerte, die 4-5 Stunden hintereinander dauerten, waren für kleine Musiker sehr anstrengend und wurden für das Publikum zu einer Art Unterhaltung. Folgendes wurde in einer der Ankündigungen gesagt: „... Ein Mädchen im zwölften Jahr und ein Junge im siebten Jahr werden ein Konzert auf dem Cembalo spielen ... Außerdem der Junge 36 www.classON.ru Kinder Ausbildung im Bereich der russischen Kunst Die Konzertreise dauerte mehr als drei Jahre und brachte Wolfgang vielfältige Eindrücke. Er hörte eine große Anzahl von Instrumental- und vokale Werke , traf einige hervorragende Musiker (in London - mit dem jüngsten Sohn von Johann Sebastian Bach, Johann Christian). Zwischen den Auftritten studierte Wolfgang eifrig Komposition. In Paris waren vier seiner Sonaten für Violine und Cembalo vergriffen, was darauf hindeutet, dass es sich um die Werke eines siebenjährigen Jungen handelte. In London schrieb er seine ersten Symphonien. Rückkehr nach Salzburg und Aufenthalt in Wien. Erste Oper. Ende 1766 kehrte die ganze Familie nach Salzburg zurück. Wolfgang begann sich unter Anleitung seines Vaters systematisch mit der Kompositionstechnik zu beschäftigen. Das ganze Jahr 1768 verbrachten die Mozarts in Wien. Im Auftrag des Theaters schrieb der zwölfjährige Wolfgang nach italienischen Vorbildern in drei Monaten die Buffa-Oper Das eingebildete einfache Mädchen. Die Proben begannen, aber die Aufführung wurde verschoben und dann vollständig abgesagt (wahrscheinlich aufgrund der Intrigen von Neidern). Sie fand erst nächstes Jahr in Salzburg statt. In Wien komponierte Wolfgang auch viele andere Musikstücke, darunter fünf Symphonien, und dirigierte erfolgreich seine feierliche Messe bei der Einweihung einer neuen Kirche. Reisen nach Italien. Von Ende 1769 bis Anfang 1773 unternahm Wolfgang Amadeus mit seinem Vater drei lange Italienreisen. In diesem „Land der Musik“ trat der junge Mozart mit großem Erfolg in mehr als einem Dutzend Städten auf, darunter Rom, Neapel, Mailand, Florenz. Er dirigierte seine Symphonien, spielte Cembalo, Geige und Orgel, improvisierte Sonaten und Fugen zu vorgegebenen Themen, Arien zu vorgegebenen Texten, spielte vorzüglich schwierige Werke vom Blatt und wiederholte sie in anderen Tonarten. Zweimal besuchte er Bologna, wo er einige Zeit Unterricht bei dem berühmten Lehrer - Theoretiker und Komponisten Padre Martini nahm. Nachdem der vierzehnjährige Mozart die schwierige Prüfung glänzend bestanden hatte (nachdem er eine polyphone Komposition mit komplexen polyphonen Techniken geschrieben hatte), wurde er als besondere Ausnahme zum Mitglied der Bologna Philharmonic Academy gewählt. Und gemäß der Charta wurden nur Musiker zugelassen, die das zwanzigste Lebensjahr vollendet hatten und Erfahrung mit einem vorläufigen Aufenthalt in dieser maßgeblichen Institution hatten. In Rom, als er die Sixtinische Kapelle im Vatikan (päpstliche Residenz) 29 besuchte, hörte Mozart einmal eine große polyphone geistliche Komposition für zwei Chöre des italienischen Komponisten Gregorio Allegri aus dem 17. Jahrhundert. Dieses Werk galt als Eigentum des Papstes und durfte nicht kopiert oder verbreitet werden. Aber Mozart schrieb die gesamte komplexe Chorpartitur auswendig auf, und der päpstliche Chorknabe bestätigte die Richtigkeit der Aufnahme. Italien – ein großes Land nicht nur der Musik, sondern auch der bildenden Kunst und Architektur – bescherte Mozart eine Fülle künstlerischer Eindrücke. Besonders der Besuch von Opernhäusern faszinierte ihn. Der junge Mann beherrschte den italienischen Opernstil so sehr, dass er in kurzer Zeit drei Opern schrieb, die dann mit großem Erfolg in Mailand aufgeführt wurden. Dabei handelt es sich um zwei Opernserien – „Mithridates, King of Pontus“ und „Lucius Sulla“ – und eine pastorale Oper über die mythologische Handlung „Ascanio in Alba“30. Reisen nach Wien, München, Mannheim, Paris. Trotz glänzender gestalterischer und konzertanter Erfolge gelang es Wolfgang Amadeus bei keinem Herrscher der italienischen Staaten, am Hofe zu dienen. Ich musste zurück nach Salzburg. Hier regierte anstelle des verstorbenen Erzbischofs ein neuer, despotischerer und unhöflicherer Herrscher. Für die Mozarts, die in seinen Diensten standen, wurde es schwieriger, Urlaub für neue Reisen zu erhalten. Und das Opernhaus, für das Mozart komponieren wollte, war in Salzburg nicht vorhanden, und andere Möglichkeiten musikalischer Betätigung waren begrenzt. Die Reise nach Wien war für die beiden Musiker nur möglich, weil der Salzburger Erzbischof selbst die Hauptstadt Österreichs besuchen wollte. Widerstrebend erteilte er den Mozarts auch die Reiseerlaubnis; München, wo die neue Opera buffa aufgeführt wurde junger Komponist. Und für die nächste Reise schaffte es nur Wolfgang Amadeus mühsam, die Genehmigung zu bekommen. Sein Vater musste in Salzburg bleiben, seine Mutter begleitete seinen Sohn. Der erste lange Stopp fand in der deutschen Stadt Mannheim statt. Hier wurden Wolfgang Amadeus und Anna Maria in seinem Haus von einem der Leiter des damals berühmten Sinfonieorchesters, einem Vertreter der vorklassischen Mannheimer Komponistenschule, herzlich empfangen. In Mannheim wird Mozart von italienischen Künstlern komponiert, darunter Michelangelo. 30 Das Königreich Pontus ist ein alter Staat am Schwarzen Meer, hauptsächlich an der heutigen türkischen Küste („Pont Euxinus“, dh „gastfreundliches Meer“, der altgriechische Name für das Schwarze Meer). Lucius Sulla ist eine antike griechische militärische und politische Figur. Pastoral (vom italienischen Wort "pastore" - "Hirte") ist ein Werk mit einer Handlung, die das Leben im Schoß der Natur idealisiert. Sixtinische Kapelle - Hauskirche der Päpste im Vatikan; Es wurde im 15. Jahrhundert unter Papst Sixtus IV. erbaut. Die Wände und die Decke der Kapelle sind mit großartigen 29 37 www.classON.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der russischen Kunst ganze Linie Werke, vor allem instrumental, von beginnender Reife geprägt Musikrichtung . Aber auch hier war keine feste Stelle für Wolfgang Amadeus zu besetzen. Im Frühjahr 1778 kamen Mozart und seine Mutter in Paris an. Hoffnungen, dort echte Anerkennung zu finden und eine herausragende Stellung einzunehmen, erfüllten sich jedoch nicht. In der Hauptstadt Frankreichs ist das Wunderkind, dieses scheinbar lebendige Spielzeug, bereits in Vergessenheit geraten, und man hat das blühende Talent des jungen Musikers nicht erkannt. Mozart hatte weder mit der Organisation von Konzerten noch mit dem Erhalt eines Opernauftrags Glück. Er lebte von einem kläglichen Unterrichtsverdienst, für das Theater konnte er nur Musik für ein kleines Ballett „Trinkets“ schreiben. Neue bemerkenswerte Werke kamen unter seiner Feder hervor, aber dann erregten sie keine ernsthafte Aufmerksamkeit auf sich. Und im Sommer erlitt Wolfgang Amadeus einen schweren Kummer: Seine Mutter wurde krank und starb. Anfang nächsten Jahres kehrte Mozart nach Salzburg zurück. Oper Idomeneo. Bruch mit dem Erzbischof und Umzug nach Wien. Die wichtigsten Ereignisse der kommenden Jahre waren für Mozart die Entstehung und Inszenierung der Oper Idomeneo, König von Kreta in München, ihr großer Erfolg. Hier wurden die besten Qualitäten der italienischen Opera seria mit den Grundsätzen der Gluckschen Opernreform vereint. Dies ebnete den Weg für die Entstehung von Mozarts lebendig originellen Opernmeisterwerken. ... Es war 1781. Mozart ist 25 Jahre alt. Er ist Autor von dreieinhalbhundert Werken voller neuer kreativer Ideen. Und für den Salzburger Erzbischof ist er nur ein musikalischer Diener, den der arrogante und despotische Herr immer mehr unterdrückt und demütigt, ihn zwingt, am Tisch in der Volksstube „über Köchen, aber unter Lakaien“ zu sitzen, ihm nicht erlaubt ohne Erlaubnis irgendwohin gehen oder irgendwo auftreten. All dies wurde für Mozart unerträglich, und er reichte seine Kündigung ein. Der Erzbischof wies ihn zweimal mit Flüchen und Beleidigungen zurück, und sein Gefolge trat den Musiker grob vor die Tür. Aber er, nachdem er einen seelischen Schock erlebt hatte, blieb bei seiner Entscheidung. Mozart war der erste große Komponist, der sich stolz aus der finanziell abgesicherten, aber abhängigen Position des Hofmusikers löste. Wien: das letzte Jahrzehnt. Mozart ließ sich in Wien nieder. Nur gelegentlich verließ er kurzzeitig die österreichische Hauptstadt, etwa im Zusammenhang mit der Erstaufführung seiner Oper Don Giovanni in Prag oder während zweier Konzertreisen in Deutschland. 1782 heiratete er Constance Weber, die sich durch ihr fröhliches Wesen und ihre Musikalität auszeichnete. Nacheinander wurden Kinder geboren (aber von den sechs starben vier als Babys). Mozarts Einnahmen aus konzertanten Auftritten als Interpret seiner Claviermusik, aus der Veröffentlichung von Kompositionen und Operninszenierungen waren unregelmäßig. Außerdem wusste Mozart als gütiger, vertrauensvoller und unpraktischer Mensch nicht, wie man Geldangelegenheiten umsichtig handhabt. Die Anstellung Ende 1787 auf die mager bezahlte Stelle eines Hofkammermusikers, der nur mit dem Komponieren von Tanzmusik beauftragt war, bewahrte ihn nicht vor der oft erlebten Geldnot. Dabei schuf Mozart in zehn Wiener Jahren mehr als zweieinhalbhundert neue Werke. Unter ihnen glänzten seine hellsten künstlerischen Errungenschaften in vielen Genres. Im Hochzeitsjahr Mozarts wurde sein Singspiel Die Entführung aus dem Serail, funkelnd, mit großem Erfolg in Wien aufgeführt; humor31. Und die Opera-buffa "Die Hochzeit des Figaro", Original von; dem Genre des „lustigen Dramas“ „Don Juan“ und dem in den letzten Wiener Jahren entstandenen Opernmärchen „Zauberflöte“ angehören die höchsten Gipfel, erreicht durch das Musiktheater für das Ganze! seine Geschichte. Drei von Ihnen beste Sinfonien, die sich als die letzte herausstellte, einschließlich g-Moll (Nr. 40), schrieb Mozart im Sommer 1788. Im selben Jahrzehnt erschienen viele weitere Instrumentalwerke des Komponisten – das vierstimmige Orchesterstück „Kleine Nachtserenade“, eine Reihe von Klavierkonzerten, Sonaten und verschiedene Kammerensembles. Sechs seiner Streichquartette widmete Mozart Haydn, zu dem ihn eine herzliche Beziehung verband. freundschaftliche Beziehungen. Mit großem Interesse beschäftigte sich Mozart in diesen Jahren mit den Werken von Bach und Händel. Mozarts jüngstes Werk ist das Requiem, eine Totenmesse für Chor, Solisten und Orchester. Im Juli 1791 wurde es von einem Mann, der seinen Namen nicht nennen wollte, beim Komponisten bestellt. Es schien geheimnisvoll, konnte düstere Vorahnungen aufkommen lassen. Nur wenige Jahre später stellte sich heraus, dass der Auftrag von einem Wiener Grafen stammte, der fremde Arbeiten kaufen und als seine eigenen ausgeben wollte. Schwer erkrankt, konnte Mozart das Requiem nicht vollständig vollenden. Es wurde nach Entwürfen eines Schülers des Komponisten fertiggestellt. Es gibt eine Geschichte, dass am Vorabend des Todes des großen Musikers, der in der Nacht zum 5. Dezember 1791 folgte, Freunde Teile des noch unvollendeten Werks mit ihm sangen. Der beseelten lyrisch-dramatischen Ausdruckskraft von Mozarts Musik entsprach der traurigen Gestaltung des Requiems eine besondere Erhabenheit und Ernsthaftigkeit. Aus Geldmangel wurde Mozart 31 32 in einem Gemeinschaftsgrab im Serail – der weiblichen Hälfte in den Häusern wohlhabender östlicher Adliger – beigesetzt. Das lateinische Wort „requiem“ bedeutet „Frieden“. 38 www.classON.ru Die künstlerische Ausbildung von Kindern in Russland ist schlecht, und der genaue Ort seiner Beerdigung ist unbekannt. für Susanna, die Gräfin in ihrem Kleid. Beschämt von seiner Frau, muss Almaviva Figaro und Susanna nicht mehr daran hindern, ihre Hochzeit zu feiern, die einen „verrückten Tag“ voller allerlei unerwarteter Ereignisse fröhlich und glücklich beendet. Die Oper beginnt mit einer Ouvertüre, die große Popularität erlangt hat und oft in Sinfoniekonzerten aufgeführt wird 34. Im Gegensatz zu vielen anderen Ouvertüren verwendet diese Ouvertüre keine Themen, die in der Oper selbst erklingen. Hier wird die Grundstimmung der nachfolgenden Handlung anschaulich vermittelt, ihre faszinierende Schnelligkeit und brodelnde Heiterkeit. Die Ouvertüre ist in Sonatenform geschrieben, jedoch ohne Durchführung, die durch eine kurze Verbindung zwischen Exposition und Reprise ersetzt wird. Gleichzeitig werden fünf Themen klar unterschieden, die sich schnell gegenseitig ersetzen. Der erste und zweite von ihnen bilden die Hauptcharge, der dritte und vierte - die Nebencharge, der fünfte - die Endcharge. Alle von ihnen sind energisch, aber gleichzeitig hat jeder seinen eigenen besonderen Charakter. Das erste Thema des Hauptteils, von Streichinstrumenten und Fagotten im Unisono gespielt, bewegt sich schnell und mit schelmischer Beweglichkeit: Fragen und Aufgaben 1. Was hat die Musik Mozarts mit der Musik Haydns gemeinsam? Und was unterscheidet die künstlerischen Interessen dieser beiden Wiener Klassiker? 2. Erzählen Sie uns von Ihrer Familie und frühe Kindheit Wolfgang Amadeus Mozart. 3. In welchen Ländern und Städten trat Mozart als kleiner Junge auf? Wie waren diese Auftritte? 4. In welchem ​​Alter schrieb Mozart seine erste Opera buffa? Wie hieß es und wo wurde es platziert? 5. Erzählen Sie uns von Italienreisen des jungen Mozart. 6. Welche Städte hat Mozart später besucht? War seine Reise nach Paris erfolgreich? 7. Erzählen Sie uns von Mozarts Bruch mit dem Salzburger Erzbischof. 8. Beschreiben Sie das letzte Jahrzehnt von Mozarts Leben und Wirken. Nennen Sie die Hauptwerke, die er in dieser Zeit geschaffen hat. Oper „Die Hochzeit des Figaro“ Die Uraufführung von Mozarts Oper „Die Hochzeit des Figaro“ fand 1786 in Wien statt. Bei den ersten beiden Aufführungen dirigierte der Komponist selbst das Cembalo. Der Erfolg war riesig, viele aber die Maßnahme wurde für Zugaben wiederholt. Das Libretto (verbaler Text) dieser Oper in vier Akten wurde in italienischer Sprache von Lorenzo da Ponte nach der Komödie des französischen Schriftstellers Beaumarchais Crazy Day oder The Marriage of Figaro geschrieben. 1875 übersetzte P. I. Tschaikowsky dieses Libretto ins Russische, und in seiner Übersetzung wird die Oper in unserem Land aufgeführt. Mozart nannte die Hochzeit des Figaro eine Opera buffa. Aber es ist nicht nur eine unterhaltsame Komödie mit lustigen Situationen. Hauptsächlich Figuren werden von der Musik als verschiedene lebende menschliche Charaktere dargestellt. Und die Grundidee von Beaumarchais‘ Stück war Mozart nahe. Denn sie besteht darin, dass sich der Diener des Grafen Almaviva Figaro und seine Braut, die Dienerin Susanna, als schlauer und anständiger erweisen als ihr betitelter Herr, dessen Intrigen sie geschickt aufdecken. Der Graf selbst hat Gefallen an Susanna gefunden und versucht, ihre Hochzeit hinauszuzögern. Aber Figaro und Susanna überwinden erfinderisch alle Hindernisse, die sich stellen, und ziehen die gräfliche Frau und den jungen Pagen Cherubino in den Dienst eines edlen Mannes. Das verbindende Thema der Hauptpartei, der Partei gefüllt, unterscheidet sich hauptsächlich.Erinnern Sie sich daran, dass das Wort "Ouvertüre" vom französischen Verb "ouvrir" abgeleitet ist, was "öffnen", "beginnen" bedeutet. 33 34 39 www.classON.ru gewagte Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst mit Skalenpassagen, das erste Thema des Seitenteils erscheint, dessen Melodie von den Geigen vorgetragen wird. Das Thema hat einen rhythmisch skurrilen, leicht kapriziösen, aber hartnäckigen Charakter: Gesangsnummern. So erklingt die erste Solonummer in der Partie des Figaro (sie wurde dem Bariton anvertraut) – eine kleine Arie (Cavatine) – unmittelbar nachdem Susanna ihrem Verlobten mitteilte, dass der Graf begonnen habe, ihre Werbung zu verfolgen. Figaro singt diesbezüglich spöttisch eine Melodie im Satz eines Menuetts – eines galanten High Society-Tanzes (die Extremteile der dreistimmigen Repriseform der Cavatine): Das zweite Thema des Seitenteils gleicht entschiedenen Ausrufen: And the Das Thema des Schlussteils ist am ausgewogensten, gleichsam alles regelnd: In der Reprise werden Seiten- und Schlussteil bereits in der Haupttonart D-Dur wiederholt. Sie werden durch eine Coda ergänzt, die den heiteren und lebendigen Charakter der Ouvertüre weiter betont. In dieser Mozart-Oper nehmen Vokalensembles, hauptsächlich Duette (für zwei Personen) und Terzetten (für drei Personen), einen großen Platz ein. Sie werden durch Rezitative getrennt, die von einem Cembalo begleitet werden. Und der zweite, dritte und letzte, vierte Akt enden mit Finale - große Ensembles mit der Teilnahme von sechs bis elf Charakteren. Die Soli werden auf unterschiedliche Weise in die dynamische Entwicklung der Handlung einbezogen: Im Mittelteil der Cavatine wird die verhaltene Bewegung durch eine schnelle ersetzt, eine elegante Dreitakt-Melodie wird durch eine durchsetzungsfähige Zweitakt-Melodie ersetzt. Hier bringt Figaro bereits entschieden seine Absicht zum Ausdruck, die heimtückischen "Pläne seines Herrn um jeden Preis zu verhindern: Es ist an den jungen Pagen Cherubino gerichtet. Er hörte zufällig, wie der Graf versuchte, Suzanne seine Liebe zu erklären, und ein so unerwünschter Zeuge wurde aufgefordert, zu gehen Militärdienst. Figaro verhöhnt in seiner Arie heiter und witzig die Situation, malt einem vom Hofleben verwöhnten jungen Mann Bilder aus dem harten Militäralltag. In der Musik spiegelt sich dies in einer gekonnten Verbindung von provokativer Tanzbarkeit mit „militanten“ Fanfarenbewegungen wider. Dies ist der Refrain, der dreimal in Form eines Rondos erklingt: Das andere ist eine kleine Arie von liedhaftem Charakter „Heißes Blut erregt das Herz“. Dies ist ein zurückhaltenderes Bekenntnis zärtlicher Gefühle, zaghaft an die Gräfin selbst gerichtet: Susanna (Sopran) wird in vielen Ensembles als energisch, geschickt und einfallsreich beschrieben, darin Figaro in nichts nachstehend. Gleichzeitig poetisiert sich ihr Bild auf subtile Weise in einer hellen, träumerischen Arie aus vierter Akt. Darin wendet sich Susanna gedanklich mit einem sanften Appell an Figaro: Cherubino selbst (sein Part wird von einer tiefen Frauenstimme - einem Mezzosopran - gespielt) wird in zwei Arien als glühender Jüngling beschrieben, der immer noch nicht verstehen kann eigene Gefühle , bereit, sich auf Schritt und Tritt zu verlieben. Eine davon ist die sowohl freudige als auch bebende Arie „Tell, I can’t explain“. Sie verbindet Melodiösität mit Rhythmus, als würde sie vor Aufregung intermittierend pulsieren: 41 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Fragen und Aufgaben 1 . Wann und wo wurde Mozarts Le nozze di Figaro uraufgeführt? 2. Auf welcher Komödie basiert sein Libretto? 3. Was ist die Hauptidee dieser Arbeit? 4. Wie ist die Ouvertüre zur Oper aufgebaut? 5. Erzählen Sie uns von den Merkmalen der beiden Solonummern in der Partie des Figaro. 6. Welcher Stimme ist die Rolle des Cherubino anvertraut? Singen Sie die Melodien seiner Arien. 7. Wie wird Susanna in Ensembles charakterisiert und wie - in der Arie aus dem vierten Akt? Die vierte Variation (mit dem Schlagen der linken Hand über die rechte) ist dagegen kühner ausladend. Die fünfte Variation, in der das anfänglich gemächliche Tempo des Andante grazioso durch ein sehr langsames – Adagio – ersetzt wird, ist eine melodiöse Instrumentarie, die mit Koloraturen gefärbt ist. Und dann korrespondiert der Tempowechsel zu schnell (Allegro) mit dem heiteren Tanzcharakter der letzten, sechsten Variation. Der zweite Satz der Sonate ist das Menuett. Wie üblich ist es in einer dreisätzigen Reprisenform mit exakter Wiederholung in der Reprise der Musik des ersten Satzes aufgebaut. Dazwischen liegt der Mittelteil (Trio) 35. In allen Teilen des Menuetts werden maskulin entschlossene und herrisch geschwungene Intonationen mit femininen zarten und sanften Intonationen verglichen, ähnlich ausdrucksstarken lyrischen Ausrufe-Ansprachen. Sonate in A-Dur für Clavier Mozarts wohlbekannte Sonate in A-Dur, gemeinhin als türkische Märzsonate bezeichnet, ist ein ungewöhnlich aufgebauter Zyklus. Der erste Satz ist hier kein Sonaten-Allegro, sondern sechs Variationen über ein leichtes und ruhiges, naiv anmutiges Thema. Es sieht aus wie ein Lied, das man im Wiener Musikleben in guter, friedlicher Stimmung singen könnte. In seinem sanft wiegenden Rhythmus besteht eine Ähnlichkeit mit dem Satz von Siciliana – einem alten italienischen Tanz oder Tanzlied: Der Komponist nannte den dritten Teil der Sonate (final) „A11a Turca“ – „Auf türkische Art“. Später wurde diesem Finale der Name „Türkischer Marsch“ zugewiesen. Mit der für europäische Ohren ungewöhnlichen Intonationsstruktur der türkischen Volks- und Berufsmusik hat sie nichts gemein. Aber im 18. Jahrhundert entstand in der europäischen, hauptsächlich Theatermusik, eine Mode für Märsche, die üblicherweise "türkisch" genannt wird. Sie verwenden die Klangfarbe des "Janitscharen"-Orchesters, das von Blas- und Schlaginstrumenten dominiert wurde - große und kleine Trommeln, Becken, Triangel. Die Soldaten der Infanterieeinheiten der türkischen Armee wurden Janitscharen genannt. Die Musik ihrer Märsche wurde von den Europäern als wild, laut, „barbarisch“ empfunden. Es gibt keine scharfen Kontraste zwischen den Variationen, aber sie haben alle einen anderen Charakter. In der ersten Variation herrscht anmutige, skurrile melodische Bewegung vor, in der zweiten – anmutige Verspieltheit wird mit einer humorvollen Note kombiniert (bemerkenswert sind die „schelmischen“ Vorschlagsnoten in der linken Hand). Die dritte Variation – die einzige, die nicht in A-Dur, sondern in a-Moll geschrieben ist – ist erfüllt von leicht traurigen Melodiefiguren, die sich gleichmäßig bewegen, wie von sanfter Scheu: Am Ende des Trios steht die Bezeichnung „Minuetto da capo“. . Italienisch - „vom Kopf“, „von Anfang an“. 35 „Da capo“ übersetzt von 42 www.classON.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Das Finale ist in einer ungewöhnlichen Form geschrieben. Es kann als dreistimmiger Chor (in A-Dur) definiert werden. Wiederholte Wiederholungen des Chors geben der Struktur des Finales die Züge eines Rondos. Der Kopfsatz – mit leicht „kreisenden“ Motiven (a-Moll) – und der Mittelsatz – mit melodiösem Durchgangssatz (fis-Moll) – verbinden selbstverständlich anmutige Tanzbarkeit mit klarem Marschtritt: Das glaubte man lange Mozart komponierte die Sonate in A-Dur im Sommer 1778 in Paris. Aber dann entdeckten sie Informationen, dass dies einige Jahre später in Wien geschah. Solche Angaben sind umso plausibler, als dort 1782 die Uraufführung von Mozarts Singspiel „Die Entführung aus dem Serail“ stattfand. Darin spielt die Handlung in der Türkei, und in der Musik der Ouvertüre und in zwei marschartigen Chören ist eine Nachahmung der „Janitscharen“-Musik wahrnehmbar. Außerdem ist es laut? Mozart fügte dem Finale der Senate erst 1784, als das Werk veröffentlicht wurde, die fingierte „Janitscharen“-Coda in A-Dur hinzu. Bemerkenswert ist auch, dass in der Sonate wie in „Die Entführung aus dem Serail“ den Gattungen Lied und Marsch eine große Rolle zukommt. Dabei zeigte sich die für Mozart sehr charakteristische Verbindung der Instrumentalmusik mit der Theatermusik. Fragen und Aufgaben 1. Was ist das Besondere am Zyklus in Mozarts Sonate A-Dur? Erzählen Sie uns im ersten Teil dieser Arbeit von der Natur des Themas und sechs Variationen darüber. 2. Welches Tanzgenre wird im zweiten Teil der Sonate verwendet? 3. Erklären Sie, warum das Finale der Sonate in A-Dur Türkischer Marsch genannt wird. Was ist die Besonderheit seiner Konstruktion? Singen Sie über die Hauptthemen. 4. Mit welchem ​​musikalischen und theatralischen Werk Mozarts schwingt die Musik seines „Türkischen Marsches“ mit? Symphonie in g-Moll Die 1788 in Wien komponierte Symphonie in g-Moll! (Nr. 40) ist eines der inspiriertesten Werke des großen Komponisten. Der erste Satz der Symphonie ist ein Sonaten-Allegro in sehr schnellem Tempo. Es beginnt mit dem Thema des Hauptteils, das als vertrauliches, aufrichtiges lyrisches Bekenntnis sofort in seinen Bann zieht. Gesungen wird es von Geigen zur sanft wiegenden Begleitung anderer Saiteninstrumente. In ihrer Melodie ist derselbe aufgeregte Rhythmus erkennbar wie zu Beginn von Cherubinos erster Arie aus der Oper Die Hochzeit des Figaro (siehe Beispiel 37). Aber jetzt ist es eher „erwachsener“, ernster und mutiger Text: Der Refrain (in A-Dur) erklingt dreimal, es ist wie eine Art „Janitscharen-Geräusch-Refrain“, im Part der linken Hand eine Imitation eines Trommelwirbels gehört: In diesem Zusammenhang wird der „Türkenmarsch“ manchmal auch „Rondo im türkischen Stil“ („Rondo alla Turca“) genannt. 36 43 www.classON.ru Kindererziehung im künstlerischen Bereich in Russland Eine kleine Entwicklung). Aber es gibt keine Kontraste darin, alles gehorcht der heiteren Grundstimmung, die im Hauptteil, der auf Saiteninstrumenten erklingt, von Anfang an bestimmt wird: Die Männlichkeit des Charakters wird im Verbindungsteil gesteigert, in den sich der Hauptteil hinein entwickelt . Es gibt eine Modulation in B-Dur parallel zu g-Moll - der Tonart der Seitenstimme. Sein Thema ist im Vergleich zum Hauptthema leichter, anmutiger und weiblicher. Es ist gefärbt von chromatischen Intonationen sowie dem Wechsel der Klangfarben von Saiten- und Holzblasinstrumenten: Im siebten Takt erscheint hier eine leicht „flatternde“ Figur aus zwei Zweiunddreißignoten. In der Zukunft dringt es dann in die melodischen Linien aller Themen ein, dann scheint es sie zu umhüllen, erscheint in verschiedenen Registern mit verschiedenen Instrumenten. Es ist wie das Echo der Stimmen der friedlichen Natur. Nur zeitweise etwas gestört, sind sie mal nah, dann in der Ferne zu hören. Gemäß der etablierten Tradition ist der dritte Satz der Symphonie das Menuett. Aber darin ist nur der Mittelteil - das Trio - eindeutig traditionell. Mit seiner sanften Bewegung, der Melodiösität der Stimmen und der Tonalität in G-Dur setzt das Trio die G-Moll-Hauptabschnitte in Gang, extreme Abschnitte dieses Menuetts, das insgesamt in Bezug auf lyrische und dramatische Spannung ungewöhnlich ist. Es scheint, dass danach stille Betrachtung die im Andante verkörperte Natur musste nun in die Welt der seelischen Ängste und Unruhe zurückkehren, die den ersten Teil der Symphonie beherrschte. Dies entspricht der Rückkehr der Haupttonart der Symphonie – g-Moll: Ein neuer Energieschub erfolgt im Schlussteil. Hier gehört die Hauptrolle der wiederholten und beharrlichen Entwicklung des ersten - dreistimmigen - Motivs des Themas des Hauptteils. Mit dem Beginn einer eher expansiven Entwicklung scheinen sich die Wolken ängstlich zusammenzuziehen. Vom hellen B-Dur geht es scharf in die düstere, ferne Tonart Fis-Moll über. In der Entwicklung entwickelt sich das Thema der Hauptpartei dramatisch. Es durchläuft eine ganze Reihe von Tonarten, ist in einzelne Phrasen und Motive unterteilt und sie werden oft in verschiedenen Stimmen des Orchesters imitiert. Das erste Motiv dieses Themas pulsiert sehr gespannt. Aber schließlich schwächt sich sein Pulsschlag ab, zügelt sein Zittern, und eine Reprise kommt. Die Wirkung der in der Durchführung erreichten hohen dramatischen Intensität spiegelt sich jedoch in diesem Abschnitt des ersten Teils wider. Hier nimmt die Länge des Verbindungsteils deutlich zu, sie führt dazu, dass die Seiten- und Schlussstimmen nicht mehr in Dur, sondern in der Haupttonart g-Moll dargeboten werden, was ihren Klang dramatischer macht. Der zweite Satz der Symphonie ist Andante in Es-Dur. Es kontrastiert mit seiner sanften und sanften Ruhe mit dem lyrisch-dramatischen ersten Teil. Die Andante-Form ist auch Sonata (mit g-Moll als Haupttonart und dem vierten Teil der Symphonie – dem Finale, das sehr schnell vor sich geht. Das Finale ist in Sonatenform geschrieben. Das Leitthema in diesem Teil der Symphonie ist das Thema des Hauptteils zusammen mit dem Thema des Hauptteils des ersten Teils bezieht es sich auf Aber wenn das Thema des ersten Teils wie ein sanftes und andächtiges lyrisches Bekenntnis klingt, dann ist das Thema des Finales ein leidenschaftliches Lyrisches - dramatischer Appell, voller Mut und wir werden entscheiden 44 www.classON.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der russischen Kunst 2. Erzählen Sie uns von den Hauptthemen des ersten Teils der Symphonie und ihrer Entwicklung 3. Was ist der Charakter der Musik im zweiten und dritten Teil der Symphonie? 4. Was ist das Leitthema im Finale der Symphonie? Wie unterscheidet sich sein Charakter vom Charakter des Themas des Hauptteils des ersten Teils? 5. Wie ist das thema des hauptteils aufgebaut was ist die basis der entwicklung in der entwicklung? Akkorde, sein Impuls scheint von energischen melodischen Figuren beantwortet zu werden, die um einen Klang kreisen. Wie im ersten Satz der Sinfonie kommt das anmutige Thema des Seitenteils des Finales in der Exposition besonders hell zur Geltung, wenn es in B-Dur aufgeführt wird: 19 Opern Requiem Etwa 50 Sinfonien 27 Konzerte für Klavier und Orchester 5 Konzerte für Violine und Orchester Konzerte mit Orchesterbegleitung für Flöten, Klarinette, Fagott, Hörner, Flöten mit Harfe Streichquartette (mehr als 20) und Quintette Sonaten für Clavier, für Violine und Clavier Variationen, Fantasien, Rondos, Menuette für Clavier Der Schlussteil basiert auf das zweite Element des Themas des Hauptteils. In der Entwicklung des Finales entwickelt sich das erste, beschwörende Element des Themas der Hauptpartie besonders intensiv. Hohe dramatische Spannung wird durch die Konzentration harmonischer und polyphoner Entwicklungsmethoden erreicht - Dirigieren in vielen Tonarten und imitierende Appelle. In der Reprise wird die Ausführung der Seitenstimme in der Haupttonart g-Moll leicht von Traurigkeit überschattet. Und das zweite Element des Themas des Hauptteils (bejahende, energische Figuren) erklingt wie in der Exposition im Herzen des Schlussteils in der Reprise. Infolgedessen bildet das Finale in dieser genialen Mazart-Kreation einen hellen lyrischen und dramatischen Höhepunkt des gesamten Sonaten-Symphonie-Zyklus, der in seiner Zielstrebigkeit durch figurative Entwicklung beispiellos ist. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Der große deutsche Komponist Ludwig van Beethoven ist der jüngste der drei brillanten Musiker, die man die Wiener Klassiker nennt. Beethoven lebte und schuf zufällig schon an der Wende vom 17. zum 19. Jahrhundert, in einer Zeit grandioser gesellschaftlicher Umbrüche und Umbrüche. Seine Jugend fiel mit der Zeit zusammen, Fragen und Aufgaben 1 . Wann und wo schuf Mozart die Sinfonie g-Moll Nr. 40? 45 www.classON.ru Kunsterziehung für Kinder in Russland

(Bewertungen: 3 , Durchschnitt: 3,67 von 5)

Titel: Musikalische Literatur fremder Länder

Über das Buch „Musikliteratur des Auslands“ von I. A. Prokhorov

Das von I. Prokhorova zusammengestellte Lehrbuch mit dem Titel "Musikalische Literatur ausländischer Länder" ist bestimmt für Selbststudium. Dies erklärt die Kürze und Zugänglichkeit der Präsentation des Materials.

Das Buch „Musikalische Literatur des Auslands“ stellt den Studierenden Kurzbiografien und die besten Werke berühmter Komponisten vor. Kinder können etwas über das Leben und Werk von Genies wie I.S. Bach, J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert und F. Chopin. I. Prokhorova hat die Geschichten talentierter Komponisten nicht zu detailliert beschrieben. Im Lehrbuch finden Sie die wichtigsten Lebensdaten, Herkunft, Titel und Titel, Tätigkeitsbereiche und Bedingungen, die die Berufswahl beeinflusst haben. Das Buch wird über die wichtigsten Stationen des Lebens und Schaffens von Musikern, ihre sozialen und politischen Ansichten erzählen.

Die Publikation „Musikalische Literatur des Auslands“ richtet sich an Musikschüler, aber auch alle, denen klassische Werke nicht gleichgültig sind, werden in diesem Buch etwas Interessantes für sich finden. I. Prokhorova bereicherte den Text mit Erklärungen einiger musikalischer und nicht-musikalischer Konzepte, was ihn weniger akademisch macht. Der Teil, der das Leben der Musiker beschreibt, wird im Kontext der historischen und Kulturleben Europäische Länder jener Zeit. Dies gibt den Studierenden die Möglichkeit zu einem tieferen und breiteren Verständnis der Lebens- und Wirkbedingungen der legendären Komponisten.

Denn das Buch „Musikalische Literatur fremder Länder“ ist für die Lektüre zu Hause gedacht, alle symphonische Werke darin enthalten sind, werden in einer vierhändigen Anordnung angeboten. Es ist erwähnenswert, dass die Geschichte über das Werk von Bach, das laut Programm ganz am Ende des Jahres studiert wird, an den Anfang gestellt wird. Der Autor hat diesen Schritt getan, um die Chronologie der Präsentation zu beachten.

Der Verfasser dieses Buches ist sich sicher, dass der regelmäßige Gebrauch des Lehrbuchs bei den Schülern den Geschmack für die Selbstverständigung mit populärer und wissenschaftlicher Musikliteratur wecken wird. Darüber hinaus können die Kinder die Lesekompetenz entwickeln und stärken. Musikalische Werke von einem Blatt und gewöhnen Sie sich auch daran, mit vier Händen zu spielen.
Unabhängiges Lernen Berühmte Werke ermöglicht es, sie während des Unterrichts in Anwesenheit anderer Kinder aufzuführen, was den gemeinsamen Unterricht aktiver macht und die Wahrnehmung klassischer Musik erheblich verbessert.

Auf unserer Website über Bücher lifeinbooks.net können Sie das Buch „Musikalische Literatur ausländischer Länder“ von I. A. Prokhorov kostenlos ohne Registrierung herunterladen oder online lesen in den Formaten epub, fb2, txt, rtf, pdf für iPad, iPhone, Android und Kindle. Das Buch wird Ihnen viele angenehme Momente und ein wahres Lesevergnügen bereiten. Die Vollversion können Sie bei unserem Partner kaufen. Außerdem finden Sie hier die neuesten Nachrichten aus der Literaturwelt und erfahren die Biographie Ihrer Lieblingsautoren. Für Anfänger gibt es einen separaten Abschnitt mit nützlichen Tipps und Tricks sowie interessanten Artikeln, mit denen Sie sich im Schreiben versuchen können.

VON DEN COMPILERN
Dieses Buch ist ein Lehrbuch der musikalischen Literatur jener historischen Periode, die mit beginnt letzte Jahrzehnte XIX Jahrhundert. Ein solches Lehrbuch erscheint zum ersten Mal: ​​Die fünfte Ausgabe endet, wie Sie wissen, mit den Arbeiten von K-Debussy und M. Ravel.
Das Buch enthält eine Beschreibung verschiedener nationaler Musikschulen, die seine Gesamtstruktur bestimmten. Der erste Abschnitt beschreibt die allgemeinen Prozesse, die sich auf ihre Weise in der Musikkunst verschiedener Länder und im Werk von Komponisten unterschiedlicher Persönlichkeiten durchgesetzt haben. Jeder nachfolgende Abschnitt besteht aus einem Überblick über die Musikkultur eines bestimmten Landes sowie einem monografischen Abschnitt, der dem Werk der bedeutendsten Komponisten dieser Schule gewidmet ist. Nur der Abschnitt, der dem Werk von I. Strawinsky gewidmet ist, unterscheidet sich in seiner Struktur: Er enthält keine einleitende Rezension. Und das ist verständlich: Strawinsky blieb schließlich, nachdem er aufgrund besonderer Umstände den größten Teil seines Lebens außerhalb Russlands verbracht hatte, ein russischer Meister und gehörte keiner der ausländischen Schulen an. Sein entscheidender Einfluss kreative Prinzipien Fast alle führenden Musiker unseres Jahrhunderts lassen es nicht zu, Strawinsky von zu entfernen Gesamtbild Entwicklung der Musikkunst des 20. Jahrhunderts. Die Aufnahme dieses monografischen Kapitels in das Lehrbuch der ausländischen Musikliteratur ist auch auf die Besonderheiten des Lehrplans an der Schule zurückzuführen: Zum Zeitpunkt des Studiums der ausländischen Musik des 20 Musik von I. Strawinsky. Zu dieser Seite der Tonkunst werden sie erst am Ende des vierten Kurses aufschlagen, wo nur die erste, russische Periode des Schaffens des Komponisten betrachtet wird.

Die Aufmerksamkeit der Verfasser und Autoren des Lehrbuchs richtet sich sowohl auf die Darstellung der allgemeinen musikalischen und historischen Prozesse des betrachteten Zeitraums als auch auf die Analyse der herausragendsten Werke, die zu Klassikern unseres Jahrhunderts geworden sind. Angesichts der außerordentlichen Komplexität des musikalischen Kunstgeschehens des 20. Jahrhunderts, seiner Heterogenität, gegenseitigen Überschneidung und seines raschen Wandels nehmen Rezensionskapitel in diesem Buch einen weitaus größeren Platz ein als in früheren Ausgaben. Dennoch bemühten sich die Verfasser, den methodischen Grundsätzen des Faches entsprechend, den Fokus auf Analysen musikalischer Werke zu halten, die in dieser Fall entworfen, um die Vielfalt der kreativen Methoden, Denkweisen, unterschiedlichen stilistischen Lösungen und die Vielfalt der Kompositionstechniken der Meister unseres Jahrhunderts sichtbar zu machen.

Angesichts der Tatsache, dass das Buch ein breites Panorama der Musikkunst bietet und die Analyse in vielen Fällen sehr kompliziert ist (was weitgehend durch das Material selbst vorgegeben ist), halten es die Herausgeber für möglich, dieses Lehrbuch nicht nur an Studenten von zu richten darstellenden, sondern auch von theoretischen Abteilungen. Musikschulen. Der Inhalt des Buches erlaubt einen selektiven Umgang damit im Bildungsprozess; Die Tiefe und Detailliertheit des Studiums der Kapitel wird von den Lehrern selbst bestimmt, abhängig vom Vorbereitungsstand der Schüler, der materiellen Ausstattung des Bildungsprozesses mit Noten und Musikaufnahmen und der Anzahl der Stunden, die der Lehrplan für diesen Teil vorsieht des Kurses.
Eine große Gruppe von Autoren hat an diesem Buch gearbeitet. Daher die Unvermeidlichkeit unterschiedlicher Arten der Präsentation von Material; Gleichzeitig bemühten sich die Compiler schon in der Herangehensweise, einheitliche methodische Prinzipien zu bewahren.

INHALT
Von den Compilern
Wege der Entwicklung der ausländischen Musikkunst des 20. Jahrhunderts.
Musikkultur Österreichs
Gustav Mahler
Stimmliche Kreativität. "Lieder eines reisenden Lehrlings"
Sinfonische Kreativität. Erste Symphonie
ARNOLD SCHENBERG
Lebens- und Schaffensweg
"Überlebender aus Warschau"
ALBANBERG
Lebens- und Schaffensweg
Musikdrama Wozzeck
Konzert für Violine und Orchester
Anton Webern.
Lebens- und Schaffensweg
Musikkultur Deutschlands
RICHARD STRAUSS
Lebens- und Schaffensweg
Sinfonische Kreativität. Symphonische Dichtungen „Don Juan“ und „Til Ulenspiegel“
PAUL HINDEMITH
Lebens- und Schaffensweg
Sinfonische Kreativität. Sinfonie "Künstler Mathis".
KARL ORF
Lebens- und Schaffensweg
Die Hauptgenres der Arbeit von Karl Orff und ihre Merkmale.
Oper "Kluges Mädchen"
"Carmina Burana"
IGOR STRAWINSKY
Lebens- und Schaffensweg
"Symphonie der Psalmen"
Oper „König Ödipus“
Musikkultur Frankreichs.
Arthur Onegger
Lebens- und Schaffensweg
Theatralische und oratorische Kreativität. Oratorium "Jeanne d'Arc auf dem Scheiterhaufen"
Sinfonische Kreativität. Dritte Symphonie ("Liturgische")
DARIUS MIJO
Lebens- und Schaffensweg
Vokal-instrumental, Kreativität. "Burg des Feuers"
Franz Poulenc
Lebens- und Schaffensweg
Oper „Die menschliche Stimme“
Musikkultur Spaniens
MANUEL DEFALLA
Lebens- und Schaffensweg
Ballett "Liebe ist eine Zauberin"
Oper „Kurzes Leben“

Begleitende Anmerkungen zur Musikliteratur des Auslandes sind eine Ergänzung zu den bestehenden Lehrbüchern zur Musikliteratur. Der Inhalt des Handbuchs entspricht dem Programm des Fachs PO.02.UP.03. „Musikalische Literatur“ zusätzlicher vorberuflicher allgemeinbildender Bildungsgänge im Bereich Tonkunst „Klavier“, „Streichinstrumente“, „Blas- und Schlaginstrumente“, „Volksinstrumente“, „ Chorgesang“, empfohlen vom Kulturministerium der Russischen Föderation.

Unterstützende Anmerkungen zur Musikliteratur sollen die humanitäre Bildung und besondere Kompetenzen der Schüler entwickeln, insbesondere: "... Formen musikalisches Denken, Wahrnehmungs- und Analysefähigkeiten musikalischer Werke, Erwerb von Kenntnissen über die musikalischen Formmuster, über die Besonderheiten der musikalischen Sprache, Ausdrucksmittel der Musik " 1 .

Das Lehrbuch stellt das Schaffen von Komponisten im Kontext kultureller und historischer Epochen dar, wird in engem Zusammenhang mit historischen Ereignissen und verwandten Künsten studiert. Das abstrakte Material sind die Hauptthesen der Forschung zur Geschichte der Musik und Musikliteratur von V. N. Bryantseva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillina, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova und anderen bekannten Musikwissenschaftlern, allgemeines und prägnantes Lehrmaterial in Form von Tabellen, Diagrammen und visuellen Hilfsmitteln. Bildträger (Reproduktionen von Gemälden berühmter Künstler, Porträts von Komponisten, ihren Verwandten und Freunden, prominenten Persönlichkeiten aus Kultur und Kunst, historische Figuren etc.) begleiten und ergänzen nicht nur verbale Informationen, sondern sind Informationsträger im Bereich der bildenden Kunst, stehen in direktem Zusammenhang mit Epochen und Strömungen der Musik, dem Schaffen von Komponisten, spiegeln die Geschichte, Kultur und Kunst europäischer Länder wider.

Der Inhalt der Referenznotizen besteht aus vier Abschnitten, die wiederum in Themen unterteilt sind, die die Entwicklungsperioden der europäischen Musik von der Musikkultur des antiken Griechenlands bis zum Werk romantischer Komponisten des 19. Jahrhunderts abdecken. So untersucht der erste Abschnitt die Musikkultur des antiken Griechenlands, des Mittelalters und der Renaissance. Der zweite Abschnitt befasst sich mit der Barockzeit, dem Werk von J. S. Bach und G. F. Händel. Der dritte Abschnitt widmet sich der Epoche des Klassizismus, wobei der Schwerpunkt auf dem Werk der Wiener Klassik – J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart und L. Beethoven – liegt. Der vierte Abschnitt präsentiert Materialien zur Ära der Romantik, die Arbeit von F. Schubert und F. Chopin, gegeben Kurze Review Werke romantischer Komponisten des 19. Jahrhunderts F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, J. Brahms, J. Bizet.

Das Handbuch enthält auch Wörterbücher mit Bedeutungen, Begriffen und Konzepten, die im Text gefunden werden, eine kurze Analyse und Musikbeispiele der studierten Werke.

Neben einer strengen Darstellung des Materials in Tabellen und Diagrammen enthält das Handbuch interessante Fakten aus dem Leben von Komponisten, in Form einer Erzählung präsentiert und von farbenfrohen künstlerischen Illustrationen begleitet, die die Wahrnehmung und Aufmerksamkeit von Kindern erfrischen.

Hinweise zur musikalischen Literatur des Auslandes richten sich an Schülerinnen und Schüler der Kinderkunstschule, Kindermusikschule des zweiten und dritten Studienjahres (5 der Musikkunst. Lehrkräfte der musiktheoretischen und speziellen Fächer der Kindermusikschule, der Kinderkunstschule können das Lehrbuch verwenden, wenn sie neuen Stoff studieren, die behandelten Themen wiederholen und systematisieren, sich auf die Zwischen- und Abschlusszertifizierung der Schüler vorbereiten, sich auf musiktheoretische Olympiaden vorbereiten, unabhängige Arbeit Schüler, Gruppen u individuelles Training, teilweise während der Durchführung zusätzlicher allgemeiner Entwicklungsprogramme in Bereiche der musikalischen Kunst, in kulturellen und pädagogischen Aktivitäten.

Den Basisnoten beigefügt Arbeitsheft, das für den Einsatz im Unterricht konzipiert ist.

Nachfolgend finden Sie Fragmente des Handbuchs "Begleitende Anmerkungen zur Musikliteratur ausländischer Länder".

Für den Kauf von Tatyana Guryevna Savelyevas Handbuch „Reference Notes on the Musical Literature of Foreign Countries“ wenden Sie sich bitte an die Autorin unter [E-Mail geschützt]

_____________________________________________

1 Beispielprogramm für das Fach PO.02. UP.03. Musikalische Literatur. - Moskau 2012

______________________________________________________