Musikkultur und Bildung in der Renaissance. Abstrakte Musikkultur der Wiederbelebung

Musik in der Zeit des XV-XVII Jahrhunderts.

Im Mittelalter war die Musik das Vorrecht der Kirche, daher waren die meisten Musikwerke heilig, sie basierten auf Kirchenliedern (Gregorianischer Gesang), die von Anbeginn des Christentums Teil der Religion waren. Zu Beginn des 6. Jahrhunderts wurden Kultmelodien schließlich unter direkter Beteiligung von Papst Gregor I. kanonisiert. Gregorianischer Gesang wurde von professionellen Sängern aufgeführt. Nachdem die Kirchenmusik die Polyphonie beherrschte, blieb der gregorianische Choral die thematische Grundlage mehrstimmiger Kultwerke (Messen, Motetten etc.).

Auf das Mittelalter folgte die Renaissance, die für Musiker eine Ära der Entdeckungen, Innovationen und Forschungen war, die Renaissance aller Schichten kultureller und wissenschaftlicher Manifestationen des Lebens von Musik und Malerei bis hin zu Astronomie und Mathematik.

Obwohl die Musik im Wesentlichen religiös blieb, eröffnete die Schwächung der kirchlichen Kontrolle über die Gesellschaft Komponisten und Interpreten größere Freiheiten bei der Manifestation ihrer Talente.

Mit der Erfindung des Buchdrucks wurde es möglich, Noten zu drucken und zu verteilen, und von diesem Moment an begann das, was wir klassische Musik nennen.

In dieser Zeit erschienen neue Musikinstrumente. Am beliebtesten waren die Instrumente, auf denen Musikliebhaber einfach und ohne besondere Fähigkeiten spielen konnten.

Zu dieser Zeit entstand die Bratsche, die Vorgängerin der Violine. Die Bünde (Holzstreifen über dem Griffbrett) machten es einfach zu spielen, und der Klang war leise, sanft und spielte sich gut in kleinen Veranstaltungsorten.

Beliebt waren auch Blasinstrumente- Blockflöte, Flöte und Horn. Die komplexeste Musik wurde für das neu geschaffene Cembalo, Virginal (englisches Cembalo, gekennzeichnet durch geringe Größe) und Orgel geschrieben. Gleichzeitig vergaßen die Musiker nicht, einfachere Musik zu komponieren, die keine hohen Leistungsfähigkeiten erforderte. Gleichzeitig gab es Veränderungen in der Musikschrift: Schwere hölzerne Druckstöcke wurden durch bewegliche Metallbuchstaben ersetzt, die der Italiener Ottaviano Petrucci erfunden hatte. Veröffentlichte Musikwerke waren schnell ausverkauft, immer mehr Menschen begannen, sich der Musik anzuschließen.

Must see: Wichtige Ereignisse in der Geschichte der klassischen Musik in Italien.

Wiedergeburt(Französisch Renaissance) - eine Ära im kulturellen und historischen Leben Westeuropas im XV-XVI Jahrhundert. (in Italien - XIV-XVI Jahrhundert). Dies ist die Periode der Entstehung und Entwicklung kapitalistischer Verhältnisse, der Bildung von Nationen, Sprachen und nationalen Kulturen. Die Renaissance ist die Zeit großer geografischer Entdeckungen, der Erfindung des Buchdrucks, der Entwicklung der Wissenschaft.

Die Ära wurde danach benannt Wiederbelebung interessiert an Antiquität Kunst, die zu einem Ideal für Kulturschaffende dieser Zeit wurde. Komponisten und Musiktheoretiker - J. Tinktoris, J. Tsarlino und andere - studierten altgriechische musikalische Abhandlungen; in den musikalischen Werken von Josquin Despres, der mit Michelangelo verglichen wird, „hat die verlorene Perfektion der alten Griechen zugenommen“; erschien im späten 16. - frühen 17. Jahrhundert. die Oper orientiert sich an den Mustern des antiken Dramas.

Die Kunst der Renaissance basierte auf Humanismus(von lat. „humanus“ – human, menschenfreundlich) – eine Anschauung, die einem Menschen den höchsten Wert proklamiert, das Recht eines Menschen auf eigene Einschätzung der Phänomene der Wirklichkeit verteidigt, das Erfordernis wissenschaftlicher Erkenntnis und angemessener Reflexion in der Kunst aufstellt der Phänomene der Wirklichkeit. Die Ideologen der Renaissance setzten der Theologie des Mittelalters ein neues Ideal eines von irdischen Gefühlen und Interessen durchdrungenen Menschen entgegen. Gleichzeitig wurden die Merkmale der vorangegangenen Epoche in der Kunst der Renaissance beibehalten (sie war im Wesentlichen weltlich und verwendete Bilder der mittelalterlichen Kunst).

Die Renaissance war auch eine Zeit breiter antifeudaler und antikatholischer religiöser Bewegungen (Hussitismus in Tschechien, Luthertum in Deutschland, Calvinismus in Frankreich). All diese religiösen Bewegungen eint das gemeinsame Konzept " Protestantismus" (oder " Reformation»).

Während der Renaissance genoss die Kunst (einschließlich der Musik) ein hohes öffentliches Ansehen und fand eine große Verbreitung. Bildende Kunst (L. da Vinci, Raphael, Michelangelo, Jan van Eyck, P. Bruegel und andere), Architektur (F. Brunelleschi, A. Palladio), Literatur (Dante, F. Petrarch, F. Rabelais, M. Cervantes , W. Shakespeare), Musik.

Charakteristische Merkmale der Musikkultur der Renaissance:

schnelle Entwicklung weltlich Musik (weite Verbreitung weltlicher Gattungen: Madrigale, Frottolen, Villanellen, französische "Chansons", englische und deutsche polyphone Lieder), ihr Angriff auf die alte kirchliche Musikkultur, die parallel zur weltlichen existierte;

realistisch Trends in der Musik: neue Plots, Bilder, die humanistischen Ansichten entsprechen, und als Folge neue Mittel musikalische Ausdruckskraft;

Volk melodisch als führender Anfang eines Musikstücks. Volkslieder werden als Cantus firmus (die wichtigste, unveränderliche Tenormelodie in polyphonen Werken) und in polyphoner Musik (einschließlich Kirchenmusik) verwendet. Die Melodie wird glatter, flexibler, melodiöser, weil ist ein direkter Ausdruck menschlicher Erfahrungen;

kraftvolle Entwicklung polyphon Musik, inkl. Und " strenger Stil" (ansonsten - " klassische Vokalpolyphonie", Weil konzentriert sich auf Gesangs- und Chordarbietungen). Strenger Stil impliziert die obligatorische Einhaltung festgelegter Regeln (strenge Stilnormen wurden vom Italiener J. Carlino formuliert). Meister des strengen Stils beherrschten die Technik des Kontrapunkts, der Imitation und des Kanons. Das strenge Schreiben basierte auf einem System diatonischer Kirchentonarten. In der Harmonik dominieren Konsonanzen, der Einsatz von Dissonanzen wurde durch Sonderregeln streng eingeschränkt. Die Haupt- und Nebenmodi und das Taktsystem werden hinzugefügt. Die thematische Grundlage war gregorianische Gesänge, aber auch weltliche Melodien wurden verwendet. Der Begriff eines strengen Stils deckt nicht die gesamte polyphone Musik der Renaissance ab. Es konzentriert sich hauptsächlich auf die Polyphonie von Palestrina und O. Lasso;

die Herausbildung eines neuen Musikertyps - Fachmann, der eine umfassende musikalische Sonderausbildung erhielt. Der Begriff „Komponist“ taucht zum ersten Mal auf;

die Gründung nationaler Musikschulen (Englisch, Niederländisch, Italienisch, Deutsch usw.);

Auftritt der ersten Darsteller Laute, Gambe, Violine, Cembalo, Orgel; Aufblühen des Amateurmusikmachens;

Die Entstehung der Typografie.

Wichtigste Musikgenres der Renaissance

Bedeutende Musiktheoretiker der Renaissance:

Johannes Tinctoris (1446 - 1511),

Glarean (1488 - 1563),

Josephfo Carlino (1517 - 1590).

Das Zeitalter der Hochrenaissance.

(Aus der Geschichte der italienischen Musik seit 1500)

Die Renaissance ist eine Zeit des Wandels in allen Bereichen der Kunst – Malerei, Architektur, Bildhauerei, Musik. Diese Zeit markiert den Übergang vom Mittelalter zur Gegenwart. Die Zeit zwischen 1500 und 1600, Hochrenaissance genannt, ist die revolutionärste Periode in der Geschichte der europäischen Musik, das Jahrhundert, in dem die Harmonie entwickelt und die Oper geboren wurde.

Im 16. Jahrhundert breitete sich der Notendruck erstmals aus, 1501 veröffentlichte der venezianische Drucker Ottaviano Petrucci die Harmonice Musices Odhecaton, die erste große Sammlung weltlicher Musik. Es war eine Revolution in der Verbreitung der Musik und trug auch dazu bei, dass der franko-flämische Stil im nächsten Jahrhundert zur dominierenden Musiksprache Europas wurde, da Petrucci als Italiener hauptsächlich die Musik franko-flämischer Komponisten einbezog in seiner Sammlung. Anschließend veröffentlichte er viele Werke und italienische Komponisten, sowohl weltliche als auch geistliche.

Italien wird zum Zentrum der Herstellung von Cembali und Geigen. Viele Geigenwerkstätten geöffnet. Einer der ersten Meister war der berühmte Andrea Amati aus Cremona, der den Grundstein für eine Dynastie von Geigenbauern legte. Er nahm wesentliche Änderungen am Design der bestehenden Geigen vor, die den Klang verbesserten und sie dem modernen Aussehen näher brachten.
Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - ein herausragender italienischer Lautenspieler und Komponist der Renaissance, schuf Italien einen Ruf als Land der virtuosen Musiker. Er gilt bis heute als der beste Lautenspieler aller Zeiten. Nach dem Niedergang des späten Mittelalters wurde die Musik zu einem wichtigen Element der Kultur.
Während der Renaissance erreichte das Madrigal seinen Höhepunkt und wurde zum beliebtesten Musikgenre der Epoche. Madrigalisten strebten danach, hohe Kunst zu schaffen, wobei sie oft die überarbeitete Poesie der großen italienischen Dichter des späten Mittelalters verwendeten: Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio und andere. Das charakteristischste Merkmal des Madrigals war das Fehlen strenger Strukturkanons, das Hauptprinzip war der freie Ausdruck von Gedanken und Gefühlen.
Komponisten wie der Vertreter der venezianischen Schule, Cypriano de Rore, und der Vertreter der französisch-flämischen Schule, Roland de Lassu, experimentierten mit zunehmender Chromatik, Harmonie, Rhythmus, Textur und anderen Mitteln des musikalischen Ausdrucks. Ihre Erfahrung wird fortgesetzt und in der manieristischen Ära von Carlo Gesualdo kulminieren.
1558 schuf Josephfo Zarlino (1517-1590), der größte Musiktheoretiker von der Zeit des Aristoteles bis zum Barock, die Grundlagen der Mundharmonika, in dieser größten Schöpfung der Musikwissenschaft des 16. Jahrhunderts, er belebte das alte Konzept wieder einer klingenden Zahl, untermauerte die theoretische und ästhetische Berechtigung eines großen und kleinen Dreiklangs. Seine Musiklehre hatte einen bedeutenden Einfluss auf die westeuropäische Musikwissenschaft und bildete die Grundlage für zahlreiche spätere Merkmale von Dur und Moll.

Die Geburt der Oper (Florentinische Camerata)

Das Ende der Renaissance wurde durch das wichtigste Ereignis in markiert Musikgeschichte- die Geburt der Oper.
Eine Gruppe von Humanisten, Musikern und Dichtern versammelte sich in Florenz unter der Schirmherrschaft ihres Anführers, Graf Giovanni De Bardi (1534 - 1612). Die Gruppe hieß "kamerata", ihre Hauptmitglieder waren Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (Vater des Astronomen Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri und Ottavio Rinuccini in ihren jüngeren Jahren.
Das erste dokumentierte Treffen der Gruppe fand 1573 statt, und die aktivsten Jahre der "Florence Camerata" waren 1577 - 1582.
Sie glaubten, dass die Musik "korrumpiert" sei und versuchten, zu Form und Stil des antiken Griechenlands zurückzukehren, weil sie glaubten, dass die Musikkunst verbessert werden könnte und dementsprechend auch die Gesellschaft sich verbessern würde. Camerata kritisierte die bestehende Musik wegen ihres übermäßigen Einsatzes von Polyphonie auf Kosten der Textverständlichkeit und des Verlusts der poetischen Komponente des Werks und schlug die Schaffung eines neuen Musikstils vor, bei dem der Text in monodischer Manier begleitet wurde Instrumentalmusik. Ihre Experimente führten zur Schaffung einer neuen vokalen und musikalischen Form - dem Rezitativ, das zuerst von Emilio de Cavalieri verwendet wurde und später direkt mit der Entwicklung der Oper in Verbindung stand.
Ende des 16. Jahrhunderts begannen Komponisten, die Grenzen der Renaissance-Stile zu verschieben, der Barock ersetzte ihn durch seine eigenen Merkmale und neuen Entdeckungen in der Musik. Einer von ihnen war Claudio Monteverdi.

Monteverdi. Presso in Fiume Tranquillo.

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (15.05.1567 - 29.11.1643)- italienischer komponist, Musiker, Sänger. Die Werke des bedeutendsten Komponisten des Barock gelten oft als revolutionär und markieren den Übergang in der Musik von der Renaissance zum Barock. Er lebte in einer Ära großer Veränderungen in der Musik und war selbst der Mann, der sie veränderte.

Monteverdi, Venite, Venite.

Monteverdi. Aus der Oper „Orpheus“

Die erste offiziell anerkannte Oper, die modernen Standards entspricht, war die 1598 erstmals aufgeführte Oper „Daphne“ (Daphne). Die Autoren von „Daphne“ waren Jacopo Peri und Jacopo Corsi, Libretto von Ottavio Rinuccini. Diese Oper ist nicht erhalten. Die erste erhaltene Oper ist „Eurydice“ (1600) von denselben Autoren – Jacopo Peri und Ottavio Rinuccini. Diese kreative Vereinigung schuf noch viele Werke, von denen die meisten verloren gegangen sind.

Jacopo Peri. Tu dormi, e ich dolce sonno.

Jacopo Peri. Hor che gli augelli.

Kirchenmusik des 16. Jahrhunderts.

Das 16. Jahrhundert ist geprägt von einem sehr starken Einfluss der katholischen Kirche und ihrer Inquisition auf die Entwicklung von Kunst und Wissenschaft in Europa. 1545 tagte das Konzil von Trient, eines der wichtigsten Konzile in der Geschichte der katholischen Kirche, dessen Zweck es war, auf die Reformationsbewegung zu reagieren. An dieser Kathedrale wurde insbesondere an die Kirchenmusik gedacht.
Einige Delegierte versuchten, zum monophonen gregorianischen Gesang zurückzukehren und den Kontrapunkt aus Gesängen auszuschließen, es gab bereits ein stillschweigendes Verbot der Verwendung des polyphonen Stils in der geistlichen Musik, einschließlich fast aller Sequenzen. Der Grund für diese Position war die Überzeugung, dass polyphone Musik aufgrund kontrapunktischer Plexus den Text in den Hintergrund drängt, während gleichzeitig die musikalische Harmonie des Werks verletzt wird.
Zur Beilegung des Streits wurde ein Sonderausschuss eingesetzt. Diese Kommission beauftragte Giovanni Pierluigi da Palestrina (1514-1594), einen der größten Komponisten der Kirchenmusik, mit der Komposition von Probemessen unter Berücksichtigung aller Anforderungen der Parteien. Palestrina schuf drei sechsstimmige Messen, darunter seine berühmteste „Messe des Papstes Marcellus“, die Papst Marcellus II. gewidmet ist, seinem Schutzpatron in seiner Jugend. Diese Werke hatten einen starken Einfluss auf die Geistlichkeit und beendeten den Streit, Reden gegen die Verwendung des Kontrapunkts in der Kirchenmusik hörten auf.
Das Werk von Giovanni Pierluigi Palestrina ist der Höhepunkt der Entwicklung der kontrapunktischen geistlichen Musik a capella und vereint alle möglichen Kombinationen von Polyphonie und Textklarheit.

Palästina. Sicut Cervus.

Palästina. Gloria

Zusammenfassung: Musik der Renaissance

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"Musik der Renaissance"

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Die Epoche der Renaissance (Renaissance) ist die Zeit der Blütezeit aller Kunstarten und der Berufung ihrer Figuren auf alte Traditionen und Formen.

Die Renaissance hat in verschiedenen Ländern Europas ungleichmäßige historische und chronologische Grenzen. In Italien beginnt es im 14. Jahrhundert, in den Niederlanden im 15. Jahrhundert und in Frankreich, Deutschland und England manifestieren sich seine Zeichen am deutlichsten im 16. Jahrhundert. Gleichzeitig wird die Entwicklung von Verbindungen zwischen verschiedenen kreativen Schulen, der Erfahrungsaustausch zwischen Musikern, die von Land zu Land gezogen sind und in verschiedenen Kapellen gearbeitet haben, zu einem Zeichen der Zeit und ermöglicht es uns, über gemeinsame Trends zu sprechen Epoche.

Die künstlerische Kultur der Renaissance ist ein persönlicher Anfang auf der Grundlage der Wissenschaft. Das ungewöhnlich komplexe Können der Polyphonisten des 15. und 16. Jahrhunderts, ihre virtuose Technik koexistierten mit der hellen Kunst alltäglicher Tänze, der Raffinesse weltlicher Genres. Die Lyrikdramatik findet in seinen Werken immer mehr Ausdruck.

Wie wir sehen können, ist die Renaissancezeit also eine schwierige Periode in der Entwicklungsgeschichte der Musikkunst, daher erscheint es sinnvoll, sie ausführlicher zu betrachten und dabei den einzelnen Persönlichkeiten die gebührende Aufmerksamkeit zu schenken.

Musik ist die einzige Weltsprache, sie muss nicht übersetzt werden, darin spricht Seele zu Seele.

Awerbach Berthold.

Renaissancemusik oder Renaissancemusik bezeichnet den Zeitraum in der Entwicklung der europäischen Musik zwischen etwa 1400 und 1600. Beginnen Sie in Italien neue Ära kam für die Musikkunst im XIV Jahrhundert. Die niederländische Schule nahm im 15. Jahrhundert Gestalt an und erreichte ihre ersten Höhen, danach breitete sich ihre Entwicklung aus und der Einfluss erfasste auf die eine oder andere Weise die Meister anderer nationaler Schulen. Im 16. Jahrhundert zeigten sich in Frankreich deutliche Zeichen der Renaissance, obwohl ihre schöpferischen Leistungen schon in früheren Jahrhunderten groß und unbestreitbar waren.

ZU XVI Jahrhundert bezieht sich auf den Aufstieg der Kunst in Deutschland, England und einigen anderen Ländern im Umkreis der Renaissance. Und doch wurde die neue kreative Bewegung im Laufe der Zeit für Westeuropa insgesamt bestimmend und reagierte auf ihre eigene Weise in den Ländern Osteuropas.

Die Musik der Renaissance erwies sich als völlig fremd gegenüber rauen und harten Klängen. Die Gesetze der Harmonie bildeten sein Hauptwesen.

Die Führungsposition war noch besetzt spirituelle Musik, erklingt während des Gottesdienstes. In der Renaissance bewahrte sie die Hauptthemen der mittelalterlichen Musik: Lob des Herrn und des Schöpfers der Welt, Heiligkeit und Reinheit des religiösen Gefühls. Das Hauptziel solcher Musik ist, wie einer ihrer Theoretiker sagte, „Gott zu gefallen“.

Messen, Motetten, Hymnen und Psalmen bildeten die Grundlage der Musikkultur.

Masse - musikalische Komposition, das ist eine Sammlung von Teilen der katholischen Liturgie des lateinischen Ritus, deren Texte für einstimmigen oder mehrstimmigen Gesang mit Begleitung vertont sind Musikinstrumente oder ohne, zur musikalischen Begleitung feierlicher Anbetung in der römisch-katholischen Kirche und protestantischen Kirchen hoher Leitung, zum Beispiel in der Kirche von Schweden.

Messen von musikalischem Wert werden auch außerhalb des Gottesdienstes in Konzerten aufgeführt, außerdem wurden viele Messen späterer Zeiten speziell entweder für die Aufführung in einem Konzertsaal oder anlässlich irgendeiner Feier komponiert.

Die kirchliche Messe, die auf die traditionellen Melodien des gregorianischen Chorals zurückgeht, brachte am deutlichsten das Wesen der Musikkultur zum Ausdruck. Wie im Mittelalter bestand die Messe aus fünf Teilen, aber jetzt ist sie majestätischer und größer geworden. Die Welt erschien dem Menschen nicht mehr so ​​klein und beobachtbar. Gewöhnliches Leben mit seinen irdischen Freuden gilt schon längst nicht mehr als Sünde.

Motette (fr. Motette aus mot- Wort) - ein vokales polyphones Werk eines polyphonen Lagerhauses, eines der zentralen Genres in der Musik des westeuropäischen Mittelalters und der Renaissance.

Hymne (altgriechisch ὕμνος) ist ein feierliches Lied, das jemanden oder etwas (ursprünglich eine Gottheit) lobt und verherrlicht.

Psalm (griechisch ψαλμός " Hymne“), r.p. Psalm, pl. Psalmen (griechisch ψαλμοί) sind Hymnen jüdischer (hebräisch תהילים) und christlicher religiöser Poesie und Gebete (aus dem Alten Testament).

Sie bilden den Psalter, das 19. Buch des Alten Testaments. Die Urheberschaft der Psalmen wird traditionell König David (ca. 1000 v. Chr.) und mehreren anderen Autoren, darunter Abraham, Moses und anderen legendären Figuren, zugeschrieben.

Insgesamt umfasst der Psalter 150 Psalmen, unterteilt in Gebete, Lobpreisungen, Lieder und Lehren.

Die Psalmen hatten einen großen Einfluss auf die Folklore und waren die Quelle vieler Sprichwörter. Im Judentum wurden Psalmen in Form von Kirchenliedern mit Begleitung gesungen. Bei jedem Psalm wurden in der Regel die Aufführungsart und das „Modell“ (im gregorianischen Choral Intonation genannt), also die entsprechende Melodie, angegeben. Der Psalter hat im Christentum einen wichtigen Platz eingenommen. Psalmen wurden im Gottesdienst, beim Hausgebet, vor dem Kampf und beim Formationszug gesungen. Anfangs wurden sie von der ganzen Gemeinde in der Kirche gesungen. Die Psalmen wurden a cappella gesungen, nur zu Hause war der Einsatz von Instrumenten erlaubt. Die Art der Darbietung war rezitativ-psalmodisch. Neben ganzen Psalmen wurden auch einzelne, ausdrucksstarke Verse daraus verwendet. Auf dieser Grundlage entstanden eigenständige Gesänge – Antiphon, Graduale, Pfad und Halleluja.

Allmählich begannen weltliche Strömungen in die Werke der Kirchenkomponisten einzudringen. Mutig werden Themen in das polyphone Gewebe der Kirchenlieder eingeführt Volksliederüberhaupt nicht religiös. Aber jetzt widersprach es nicht dem allgemeinen Geist und den Stimmungen der Zeit. Im Gegenteil, in der Musik auf wundersame Weise vereint das Göttliche und das Menschliche.

Die geistliche Musik erreichte ihren Höhepunkt im 15. Jahrhundert. in den Niederlanden. Hier wurde Musik mehr verehrt als andere Kunstformen. Niederländische und flämische Komponisten leisteten Pionierarbeit bei den neuen Regeln polyphon(polyphone) Aufführung - Klassik " strenger Stil". Die wichtigste Kompositionstechnik der holländischen Meister war Nachahmung- Wiederholung derselben Melodie verschiedene Stimmen. Die Hauptstimme war der Tenor, der mit der sich wiederholenden Hauptmelodie betraut war - Cantus firmus ("unveränderliche Melodie"). Der Bass erklang unter dem Tenor und der Alt erklang darüber. Das Höchste, das heißt alles Überragende, hieß die Stimme Sopran.

Mit Hilfe mathematischer Berechnungen gelang es den niederländischen und flämischen Komponisten, die Kombinationsformel zu berechnen Musikalische Intervalle. Das Hauptziel des Schreibens ist die Schaffung eines harmonischen, symmetrischen und grandiosen, innerlich vollständigen Klanggebildes. Einer der klügsten Vertreter dieser Schule, Johannes Okeghem (ca. 1425-1497), komponierte auf der Grundlage mathematischer Berechnungen eine Motette für 36 Stimmen!

Alle für die niederländische Schule charakteristischen Genres sind in Okeghems Werk vertreten: Messe, Motette und Chanson. Die wichtigste Gattung ist für ihn die Messe, er erwies sich als hervorragender Polyphonist. Okeghems Musik ist sehr dynamisch, die Melodielinie bewegt sich in einem weiten Bereich, hat eine große Amplitude. Gleichzeitig zeichnet sich Okeghem durch sanfte Intonation, reinste Diatonik und uraltes modales Denken aus. Daher wird Okeghems Musik oft als "auf Unendlichkeit gerichtet", "schwebend" in einer etwas distanzierten figurativen Umgebung charakterisiert. Es ist weniger textbezogen, reich an Gesängen, improvisiert, ausdrucksstark.

Nur sehr wenige von Okeghems Schriften sind erhalten:

ca. 14 Messen (11 komplett):

· Requiem Missa pro Defunctis (das erste polyphone Requiem in der Geschichte der Weltmusikliteratur);

9-13 (nach verschiedenen Quellen) Motetten:

über 20 Chansons

Es gibt viele Werke, deren Eigentum an Okegem in Frage gestellt wird, darunter die berühmte Motette „Deo gratias“ für 36 Stimmen. Einige anonyme Chansons werden Okegem aufgrund der Stilähnlichkeit zugeschrieben.

Die dreizehn Messen von Okeghem sind in einem Manuskript aus dem 15. Jahrhundert aufbewahrt, das als Chigi-Kodex bekannt ist.

Bei den Messen überwiegen vierstimmige Messen, es gibt zwei fünfstimmige und eine achtstimmige Messe. Ockeghem verwendet Volkslieder ("L'homme armé"), eigene ("Ma maistresse") Melodien oder Melodien anderer Autoren als Themen für Messen (z. B. Benchois in "De plus en plus"). Es gibt Messen ohne entlehnte Themen („Quinti toni“, „Sine nomine“, „Cujusvis toni“).

Motetten und Chanson

Okeghems Motetten und Chansons grenzen direkt an seine Messen an und unterscheiden sich von ihnen hauptsächlich in der Tonleiter. Unter den Motetten finden sich prächtige, festliche Werke ebenso wie strengere geistliche Chorkompositionen.

Am bekanntesten ist die festliche Danksagungsmotette „Deo gratias“, die für vier neunstimmige Kompositionen geschrieben wurde und daher als 36-stimmig gilt. Tatsächlich besteht es aus vier neunteiligen Kanons (zu vier verschiedenen Themen), die nacheinander mit leichten Überschneidungen des Beginns des nächsten mit dem Ende des vorherigen folgen. Es gibt 18 Stimmen in den Overdubs, es gibt keine echten 36 Stimmen in der Motette.

Nicht weniger interessant ist das Werk des niederländischen Komponisten Orlando Lasso (ca. 1532-1594), der mehr als zweitausend Werke mit kultischem und weltlichem Charakter geschaffen hat.

Lasso ist der produktivste Komponist seiner Zeit; Aufgrund des großen Erbes wurde die künstlerische Bedeutung seiner Werke (von denen viele in Auftrag gegeben wurden) noch nicht vollständig gewürdigt.

Er arbeitete ausschließlich in Gesangsgattungen, darunter mehr als 60 Messen, ein Requiem, 4 Passionszyklen (nach Angaben aller Evangelisten), Officios der Karwoche (Patenschaften von Matins von Gründonnerstag, Karfreitag und Toller Samstag), mehr als 100 Magnifikate, Hymnen, Faubourdons, etwa 150 Französisch. Chanson (sein Chanson „Susanne un jour“, eine Paraphrase der biblischen Geschichte von Susanna, war eines der beliebtesten Theaterstücke des 16. etwa 250 Madrigale.

Lasso zeichnet sich durch die detaillierteste Entwicklung von Texten aus verschiedene Sprachen, sowohl liturgisch (einschließlich Texte der Heiligen Schrift) als auch frei komponiert. Die Ernsthaftigkeit und Dramatik des Konzepts, die langen Bände zeichnen die Kompositionen „Tränen des heiligen Petrus“ (ein Zyklus von 7-stimmigen geistlichen Madrigalen nach Gedichten von Luigi Tranzillo, veröffentlicht 1595) und „Bußpsalmen Davids“ (Manuskript von 1571 im Folioformat, verziert mit Illustrationen von G. Milich, die wertvolles ikonografisches Material über das Leben liefern, inkl. musikalische Unterhaltung, Bayerisches Gericht).

In der weltlichen Musik war Lasso Humor jedoch nicht fremd. So wird im Chanson „Bei Festen wird das Trinken in drei Personen verteilt“ (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) eine alte Anekdote aus dem Leben der Vagantes nacherzählt; in dem berühmten Lied „Matona mia cara“ singt ein deutscher Soldat ein Liebesständchen und verstümmelt italienische Worte; in der Hymne „Ut queant laxis“ wird unglückliches Solfegging nachgeahmt. Eine Reihe von hellen kurzen Stücken von Lasso sind auf sehr frivole Verse geschrieben, zum Beispiel das Chanson „Die Dame schaute mit Interesse auf das Schloss / Die Natur schaute auf die Marmorstatue“ (En un chasteau ma dame ...) und einige Lieder (insbesondere Sitten) enthalten obszönes Vokabular.

weltliche Musik Die Renaissance wurde durch verschiedene Genres repräsentiert: Madrigale, Lieder, Kanzonen. Musik, die aufgehört hatte, ein "Diener der Kirche" zu sein, begann nun nicht mehr auf Latein, sondern in der Muttersprache zu klingen. Das beliebteste Genre weltlicher Musik waren Madrigale (italienisches Madrigal - ein Lied in der Muttersprache) - vielstimmige Chorkompositionen, die auf den Text eines lyrischen Gedichts mit Liebesinhalt geschrieben wurden. Am häufigsten wurden zu diesem Zweck Gedichte berühmter Meister verwendet: Dante, Francesco Petrarca und Torquato Tasso. Madrigale wurden nicht von professionellen Sängern aufgeführt, sondern von einem ganzen Ensemble von Laien, wobei jede Stimme von einem Sänger geleitet wurde. Die Hauptstimmung des Madrigals ist Traurigkeit, Melancholie und Melancholie, aber es gab auch fröhliche, lebhafte Kompositionen.

Moderner Musikkulturforscher D.K. Kirnarskaya bemerkt:

Madrigal drehte das Ganze Musiksystem der Renaissance: Die gleichmäßige und harmonische melodische Plastizität der Masse brach zusammen ... der unveränderliche Cantus firmus, das Fundament des musikalischen Ganzen, verschwand ebenfalls ... die üblichen Methoden zur Entwicklung "strenger Schreibweise" ... wichen dem Emotionalen und melodische Kontraste von Episoden, die jeweils versuchten, den im Text enthaltenen poetischen Gedanken so ausdrucksstark wie möglich zu vermitteln. Madrigal untergrub schließlich die schwächenden Kräfte des "strengen Stils".

Nicht weniger beliebtes Genre der weltlichen Musik war das von Musikinstrumenten begleitete Lied. Anders als die Musik, die in der Kirche gespielt wurde, waren die Lieder recht einfach vorzutragen. Ihr gereimter Text war klar in 4-6-zeilige Strophen unterteilt. In Liedern, wie in Madrigalen, gewann der Text große Bedeutung. Bei der Aufführung sollten poetische Zeilen nicht im mehrstimmigen Gesang verloren gehen. Lieder waren berühmt Französischer Komponist Clement Janequin (ca. 1485-1558). Clement Janequin schrieb ungefähr 250 Chansons, meist für 4 Stimmen, zu Gedichten von Pierre Ronsard, Clement Marot, M. de Saint-Gele, anonymen Dichtern. Bei 40 weiteren Chansons bestreitet die moderne Wissenschaft die Urheberschaft von Janequin (was jedoch die Qualität dieser umstrittenen Musik selbst nicht mindert). Das Hauptunterscheidungsmerkmal seiner weltlichen polyphonen Musik ist programmatisch und bildhaft. Vor dem geistigen Auge des Zuhörers sind Bilder der Schlacht ("Battle of Marignano", "Battle of Renty", "Battle of Metz"), Jagdszenen ("Birdsong", "Nightingale Singing", "Lark"), Alltag Szenen ("Frauengespräch"). Anschaulich vermittelt Janequin die Atmosphäre des Pariser Alltags im Chanson „Cries of Paris“, in dem die Rufe der Straßenverkäufer zu hören sind („Milk!“ – „Pies!“ – „Artichokes!“ – „Fish!“ – „Streichhölzer !" - "Tauben!" - "Alte Schuhe!" - "Wein!"). Bei aller Genialität in Textur und Rhythmus bleibt Janequins Musik im Bereich Harmonie und Kontrapunkt sehr traditionell.

Die Renaissance markierte den Anfang professionelle Komponistenkreativität. Ein markanter Vertreter dieser neuen Richtung ist zweifellos Palestrina (1525-1594). Sein Nachlass umfasst viele Werke geistlicher und weltlicher Musik: 93 Messen, 326 Hymnen und Motetten. Er ist Autor von zwei Bänden weltlicher Madrigale zu den Worten Petrarcas. Lange Zeit war er als Chorleiter am Petersdom in Rom tätig. Die von ihm geschaffene Kirchenmusik zeichnet sich durch Reinheit und Erhabenheit der Gefühle aus. Die weltliche Musik des Komponisten ist von außergewöhnlicher Spiritualität und Harmonie durchdrungen.

Die Renaissance verdanken wir der Formation Instrumentalmusik als eigenständige Kunstform. Zu dieser Zeit erscheinen eine Reihe von Instrumentalstücken, Variationen, Präludien, Fantasien, Rondos, Toccata. Unter den Musikinstrumenten sind Orgel, Cembalo, Bratsche, verschiedene Arten von Flöten besonders beliebt und am Ende des 16. Jahrhunderts. - Geige.

Die Renaissance endet mit der Entstehung neuer Musikgattungen: Sololied, Oratorium und Oper. War früher der Tempel das Zentrum der Musikkultur, so erklingt seitdem Musik im Opernhaus. Und es geschah so.

In der italienischen Stadt Florenz Ende des 16. Jahrhunderts. begann sich zu sammeln talentierte Dichter, Schauspieler, Wissenschaftler und Musiker. Keiner von ihnen dachte damals an eine Entdeckung. Und doch waren sie es, die dazu bestimmt waren, eine echte Revolution in der Theater- und Musikkunst zu machen. Sie nahmen die Produktionen der Werke antiker griechischer Dramatiker wieder auf und begannen, ihre eigene Musik zu komponieren, die ihrer Meinung nach der Natur des antiken Dramas entsprach.

Mitglieder Kameras(wie diese Gesellschaft genannt wurde) sorgfältig die musikalische Begleitung von Monologen und Dialogen mythologischer Charaktere ausgedacht. Schauspieler mussten gesprochene Rollen spielen Rezitativ(Rezitation, Singsangrede). Und obwohl das Wort in Bezug auf die Musik weiterhin eine führende Rolle spielte, wurde der erste Schritt zu ihrer Annäherung und harmonischen Verschmelzung getan. Eine solche Aufführung ermöglichte es, den Reichtum der inneren Welt eines Menschen, seiner persönlichen Erfahrungen und Gefühle in größerem Maße zu vermitteln. Auf der Grundlage solcher Gesangsparts entstanden Arien- abgeschlossene Episoden einer musikalischen Darbietung, einschließlich einer Oper.

Das Opernhaus gewann schnell Liebe und wurde nicht nur in Italien, sondern auch in anderen europäischen Ländern populär.

Verzeichnis der verwendeten Literatur

1) Lexikon eines jungen Musikers / Comp. VV Medushevsky, O.O. Ochakovskaya. - M.: Pädagogik, 1985.

2) Welt Kunstkultur. Von den Ursprüngen bis zum 17. Jahrhundert: Lehrbuch. für 10 Zellen. Allgemeinbildung humanitäre Einrichtungen / G.I. Danilova. - 2. Aufl., Stereotyp. – M.: Trappe, 2005.

3) Materialien aus dem Archiv der Renaissancemusik: http://manfredina.ru/

Kapitel 1 Merkmale der Musikkultur und Kunst der Renaissance

1.1 Philosophische und ästhetische Merkmale der Kultur der Renaissance

Die Renaissance oder die Renaissance (fr. Renaissance), - ein Wendepunkt in der Geschichte der europäischen Völker, die Zeit der großen Entdeckungen. Die Renaissance markiert den Beginn einer neuen Etappe in der Geschichte der Weltkultur. Diese Phase war, wie F. Engels feststellte, die größte fortschreitende Umwälzung, die die Menschheit bis zu diesem Zeitpunkt erlebt hat. Und in der Tat brachte die Renaissance bedeutende Veränderungen in verschiedenen Bereichen der Wirtschaft, Wissenschaft und Kultur mit sich, eröffnete ein neues Verständnis der Welt und bestimmte den Platz des Menschen in ihr.

In Italien tauchten bereits um die Jahrhundertwende des 13. bis 14. Jahrhunderts neue Trends auf, in anderen europäischen Ländern - in XV-XVI Jahrhundert. Diese Zeit ist gekennzeichnet durch: den Übergang vom Feudalismus zum Kapitalismus, geografische Entdeckungen, Handel, persönliche Unternehmungen, die Befreiung des Menschen von Klassenbeschränkungen. Und auch in der Renaissance wird die moderne Wissenschaft, insbesondere die Naturwissenschaft, geboren. Es genügt, an die brillanten wissenschaftlichen Vermutungen von Leonardo da Vinci, die Gründung von Francis Bacon, die astronomischen Theorien von Copernicus, die geografischen Entdeckungen von Kolumbus und Magellan zu erinnern.

All dies musste zweifellos die Natur der Weltanschauung beeinflussen. Die Renaissance ist vor allem eine Revolution im Wertesystem, in der Bewertung von allem, was existiert, und in Bezug darauf. Es besteht die Überzeugung, dass eine Person der höchste Wert ist, die Philosophie des Humanismus wird geboren. Der Humanismus stellt eine völlig neue Interpretation ästhetischer Kategorien vor, die auf der Grundlage eines neuen Weltverständnisses gewachsen ist.

Eine der zentralen Kategorien war der Begriff „Harmonie“. Die Ästhetik der Renaissance entwickelt eine andere Vorstellung von Harmonie, basierend auf einem neuen Natur-, Seins- und Menschenverständnis. Wenn das Mittelalter in Harmonie einen einfachen Abdruck des Ideals sah, Kreativität, göttliche Schönheit, dann erscheint im ästhetischen Bewusstsein der Renaissance Harmonie zunächst als Entfaltung der schöpferischen Potentiale der Natur selbst, als dialektische Einheit von Leiblichem und Geistigem, Idealem und Materiellem.

Humanisten suchten in der Antike und im Altgriechischen nach dem Ideal eines harmonischen Menschen römische Kunst dienten als Vorbild für ihr künstlerisches Schaffen. Wenn man jedoch über die Ästhetik der Renaissance spricht, muss man beachten, dass sie sich trotz ihrer alten Unterstützung immer noch von ihr unterschied. Die Renaissance-Ästhetik predigt die Nachahmung der Natur nicht schlechter als die antike, aber wenn man sich diese erweckungstheoretischen Nachahmungstheorien ansieht, kann man auch feststellen, dass es nicht so sehr um die Natur geht, sondern um den Künstler, seine Persönlichkeit, seine Gefühle. Zunächst wählt der Künstler aufgrund seines eigenen ästhetischen Geschmacks bestimmte Naturvorgänge aus und unterzieht sie erst dann einer künstlerischen Bearbeitung. Die Theoretiker der Renaissance können folgenden Vergleich anstellen: Der Künstler muss schaffen, wie Gott die Welt geschaffen hat, und noch vollkommener als das.

So führte die Renaissance unter Nutzung der Lehren der Antike Neuerungen ein. Er hat nicht alle alten Genres wieder zum Leben erweckt, sondern nur diejenigen, die den Bestrebungen seiner Zeit und Kultur entsprachen. Die Renaissance verband eine neue Lektüre der Antike mit einer neuen Lektüre des Christentums. Die Renaissance brachte diese beiden Grundprinzipien näher zusammen. Europäische Kultur.

Gott hat den Platz des Menschen in der Hierarchie nicht bestimmt, sagt Pico in seiner berühmten Rede über die Würde des Menschen: Du hattest vorbei eigener Wille nach deinem Willen und deiner Entscheidung. Das Bild anderer Schöpfungen wird innerhalb der Grenzen der von uns aufgestellten Gesetze bestimmt. Aber Sie, an keine Grenzen gebunden, bestimmen Ihr Bild nach Ihrer Entscheidung, deren Macht ich Ihnen überlasse. Hier stellt der italienische Denker einen Menschen in den Mittelpunkt der Welt, das ist ein Mensch, der keine eigene besondere Natur hat, er muss sie selbst gestalten, wie alles, was ihn umgibt.

Das Wichtigste in der Renaissance ist also die Förderung und Anerkennung der menschlichen Persönlichkeit in Kultur und Gesellschaft, was zu verschiedenen Formen des erweckenden Anthropozentrismus führt. Anthropozentrismus brachte nicht nur eine Person in den Vordergrund, sondern eine Person als aktives, aktives Prinzip. Als Ergebnis all dieser Behauptung begann sich allmählich ein kreatives, aktives materielles Prinzip abzuzeichnen neues Aussehen Mann, sein neuer Typ - "homo faber" - "Menschenschöpfer", "Menschenschöpfer". In ihr vollzieht sich die Bildung der Grundlagen des neuen europäischen Persönlichkeitsgefühls - einer autonomen individualistischen, ihres eigenen Wertes bewußten, aktiven und freiheitsbedürftigen Persönlichkeit. Von diesem Moment an menschliche Persönlichkeit, und nicht die Welt, nicht das Ganze, wird zum ersten Mal zum Ausgangspunkt für die Bildung eines Weltwahrnehmungssystems.

Mit besonderer Leuchtkraft tauchten die Zeichen einer neuen Weltanschauung auf und setzten sich dann fest künstlerische Kreativität, in der progressiven Bewegung verschiedener Künste, für die sich die „Revolution des Geistes“, die die Renaissance hervorbrachte, als äußerst wichtig herausstellte.

In der Renaissance spielte die Kunst eine herausragende Rolle in der Kultur und bestimmte maßgeblich das Gesicht der Epoche. Zweifellos hat der Humanismus in seinem „erneuernden“ Verständnis der Kunst seiner Zeit ungeheure neue Energie verliehen, Künstler zu neuen Themen inspiriert und die Bildart und den Inhalt ihrer Werke maßgeblich bestimmt. Die mittelalterliche Kultur wurde durch eine neue, säkulare, humanistische Kultur ersetzt, die frei von kirchlichen Dogmen und Scholastik war.

Die Kunst der Renaissance zeichnet sich durch die Durchsetzung der Prinzipien des Realismus und Humanismus in Literatur, Theater und bildender Kunst aus. Die Kunst der Renaissance ist in erster Linie eine auf der Grundlage des Humanismus entstandene weltliche Kunst, die religiöse Vorstellungen verdrängt und Interesse am wirklichen Leben weckt, die individuelle Identität des Einzelnen offenbart und die gesellschaftlich typischen und charakteristischen Eigenschaften eines Menschen offenbart Person.

Alle großen Kunstformen – Malerei, Grafik, Bildhauerei, Architektur, Musik – verändern sich enorm. Eine Analyse der Kulturdenkmäler der Renaissance zeugt von der Abkehr von vielen der wichtigsten Prinzipien des feudalen Weltbildes. Beim Schöpfer eines Kunstwerks, der sich allmählich von der kirchlichen Ideologie befreit, wird ein scharfer künstlerischer Blick auf die Dinge, berufliche Unabhängigkeit, besondere Fähigkeiten am meisten geschätzt, und seine Schöpfungen erhalten einen autarken und keinen sakralen Charakter.

Ein charakteristisches Merkmal der Kunst der Renaissance war eine beispiellose Blüte der realistischen Malerei. Das realistische Porträt der Renaissance wird mit den Werken so berühmter Künstler wie Jan van Eyck, Leonardo da Vinci, Raffael, Dürer, Tizian in Verbindung gebracht. Die Porträts sind durchdrungen vom Pathos der Bejahung des Individuums, dem Bewusstsein, dass die Vielfalt und Strahlkraft der Individuen ein notwendiges Merkmal einer sich normal entwickelnden Gesellschaft ist. In der Renaissance offenbart die Malerei erstmals die ihr innewohnenden Möglichkeiten einer weiten Erfassung des Lebens, der Darstellung menschlichen Handelns und der sie umgebenden Lebenswelt. An die Stelle mittelalterlicher Askese und Verachtung alles Irdischen tritt nun ein eifriges Interesse an der realen Welt, am Menschen, am Bewußtsein der Schönheit und Erhabenheit der Natur.

Es sei darauf hingewiesen, dass die Entwicklung der Wissenschaft sowohl für die Malerei als auch für die Kunst im Allgemeinen von großer Bedeutung war. In der Kunst beginnen sich die Wege der wissenschaftlichen und künstlerischen Erfassung der Welt und des Menschen zu verschränken. Das wahre Welt- und Menschenbild musste auf ihrem Wissen beruhen, daher spielte das Erkenntnisprinzip in der Kunst dieser Zeit eine besonders wichtige Rolle. Die Leidenschaft für die Wissenschaft trug zur Beherrschung der menschlichen Anatomie bei, zur Entwicklung einer realistischen Perspektive, zur spektakulären Übertragung der Luftumgebung, zur Fähigkeit, Winkel zu bauen, alles, was Maler brauchten, um eine Person und die sie umgebende Realität wirklich darzustellen. Produziert neues System künstlerische Vision der Welt, basierend auf dem Vertrauen in menschliche Sinneswahrnehmungen, vor allem visuelle. Im Einklang mit der Umgebung darzustellen, wie wir sehen, das ist das ursprüngliche Prinzip der Renaissance-Künstler.

In der Zeit der Spätrenaissance wurde dies durch die Entwicklung eines Systems von Techniken ergänzt, die einem Pinselstrich einen direkten emotionalen Ausdruck verleihen, die Beherrschung der Übertragung der Wirkungen der Weihe, das Verständnis der Prinzipien der Licht-Luft-Perspektive. Die Schöpfer der Perspektiventheorie sind so berühmte Künstler wie Masaccio, Alberti, Leonardo da Vinci. Von nicht geringer Bedeutung war die Entdeckung der Perspektive, die dazu beitrug, das Spektrum der dargestellten Phänomene zu erweitern, um Raum, Landschaft und Architektur in die Malerei einzubeziehen.

Der progressive humanistische Inhalt der Kultur der Renaissance kam auch in der Theaterkunst, die maßgeblich vom antiken Drama beeinflusst war, anschaulich zum Ausdruck. Er zeichnet sich durch ein Interesse an der inneren Welt einer Person aus, die mit Merkmalen einer starken Individualität ausgestattet ist. Unterscheidungsmerkmale Die Theaterkunst der Renaissance war die Weiterentwicklung der Traditionen der Volkskunst, lebensbejahendes Pathos, eine kühne Kombination aus tragischen und komischen, poetischen und albernen Elementen. So ist das Theater von Italien, Spanien, England.

In der Architektur wirkten die Ideale des lebensbejahenden Humanismus, der Wunsch nach einer harmonisch klaren Schönheit der Formen, mit nicht geringerer Wucht als in anderen Kunstformen und bewirkten eine entscheidende Wende in der Entwicklung der Architektur. Dabei spielte die Berufung auf die klassische Tradition eine besonders wichtige Rolle. Sie manifestierte sich nicht nur in der Abkehr von gotischen Formen und der Wiederbelebung des antiken Ordnungssystems, sondern auch in der klassischen Proportionalität der Proportionen, in der Entwicklung eines zentrischen Bautypus in der Tempelarchitektur mit gut sichtbarem Innenraum.

Weltliche Gebäude wurden weit entwickelt, dies sind verschiedene Stadtgebäude - Rathäuser, Häuser von Kaufmannszünften, Universitäten, Marktbrunnen. Gleichzeitig entsteht neben der Architektur, die den sozialen Bedürfnissen der Stadt dient, eine gegenüber dem Mittelalter völlig neue Art der Architektur, der Behausung eines wohlhabenden Bürgers - der Palazzo, der mit außerordentlicher Leichtigkeit den Geist der Stadt widerspiegelt die festliche Atmosphäre, die in den Palästen der damaligen Aristokraten herrschte. So trat die Kunst der Renaissance in eine neue Entwicklungsstufe ein, in der sie zu erkennen und zu zeigen suchte echte Welt, seine Schönheit, seinen Reichtum und seine Vielfalt durch neue Methoden und Techniken.

1.2 Der Platz der Musik im Kunstsystem der Renaissance

Die allgemeinen Gesetze der Entwicklung der Kunst, ein neues philosophisches und ästhetisches Verständnis des Wesens und der Natur der Harmonie, das für die Renaissance charakteristisch ist, manifestierten sich auch in der Musik. Wie andere Kunstformen jener Zeit zeichnet sich auch die Musik durch ein aktives Aufwallen schöpferischer Kräfte, humanistischer Tendenzen aus.

Es sei darauf hingewiesen, dass die Musik in dieser Zeit einen besonderen Platz im System der Künste einnimmt und nur der Malerei den dominierenden Platz einräumt. Laut Leonardo da Vinci war die Musik nur „die jüngere Schwester der Malerei“ und diente ihr sogar. „Die Malerei übertrifft die Musik und beherrscht sie“, „Die Musik ist die Dienerin der Malerei“.

Man kann der Definition eines großen Künstlers nur zustimmen, Musik war wirklich weit entfernt vom ersten Platz im System der Künste, spielte aber dennoch eine große Rolle in der Kultur der Renaissance und hinterließ Spuren in der späteren Entwicklung im Bereich Musikkultur und Kunst im Allgemeinen . Die Musikkultur der Renaissance ist eine Art Übergang vom Mittelalter zum New Age, zu einer Ära, in der diese Kunst neu erklingt und wahrgenommen wird.

Die Musik besaß vielleicht besonders breite gesellschaftliche Einflussmöglichkeiten, mehr als andere Künste war sie alles durchdringend: ein unveränderlicher Bestandteil des Lebens der einfachen Leute, Eigentum vieler Gruppen, was sie wesentlich von der Musik des Mittelalters unterscheidet . Abfahrt von mittelalterliche Überlieferung am greifbarsten in Ramis da Parejas Abhandlung "Praktische Musik". Ramis sagt: „Niemand fürchte sich vor der Größe der Philosophie oder der Komplexität der Arithmetik oder der Kompliziertheit der Proportionen. ein erfahrener Musiker. Wir haben es uns zur Aufgabe gemacht, nicht nur Philosophen oder Mathematiker zu unterrichten; jeder, der mit den Grundlagen der Grammatik vertraut ist, wird diese unsere Arbeit verstehen. Hier können sowohl eine Maus als auch ein Elefant auf die gleiche Weise schwimmen; und überfliegen und Dädalus und Ikarus." In dieser Abhandlung kritisiert Ramis scharf Mittelalterliche Musik, schlägt vor, dass Theoretiker ihre Kompositionen nur für Musiker geschrieben haben - Fachleute und Wissenschaftler, während Musik seiner Meinung nach ein breiteres Segment der Bevölkerung abdecken sollte. Zweifellos hatte das Werk von Ramis einen bedeutenden Einfluss auf seine Zeitgenossen, die Traditionen des Mittelalters wurden stark untergraben, der Übergang vom Mittelalter zur Neuen Zeit, zur Renaissance, ist im Gange.

Die Renaissance mit ihrem humanistischen Weltbild hatte einen großen Einfluss auf die Musikkultur. Humanismus bedeutete für die Musikkunst zunächst, sich in die Gefühle eines Menschen zu vertiefen und dahinter einen neuen ästhetischen Wert zu erkennen. Dies trug zur Identifizierung und Implementierung der stärksten Eigenschaften musikalischer Spezifität bei. Die deutlichsten Merkmale der Frührenaissance fanden sich in der Kunst der italienischen Ars nova des 14. Jahrhunderts, deren Hauptvertreter Francesco Landino war. Schwerpunkt seiner Arbeit ist die weltliche Berufskunst, die den Bilderkreis und die Ästhetik der Kultmusik durchbrach und sich zunächst auf Volkslieder stützte, die nicht mehr in Latein, sondern in Landessprache.

In der Zukunft fegte eine Welle von Transformationen auf dem Gebiet der Musikkunst über andere europäische Länder. In der französischen Musik erschien ein polyphones Lied - Chanson, Vertreter: K. Zhaneken, K. de Sermisi, G. Kotelet und andere; diese Gattung war vom volkstümlichen Alltagsgenre durchdrungen und tendierte zu einer realistischen Programmdarstellung, die von einer scharfen Abkehr von der Kirchenmusik zeugte. In der Musik Spaniens sind Liedgenres volkstümlichen Ursprungs wie Villancico und Romantik mit Merkmalen der Renaissance gekennzeichnet. Die deutsche Berufsmusik zeichnet sich durch einen polyphonen Gesang mit einer Hauptmelodie im Tenor aus, der sich in Richtung eines harmonischen Chorlagers bewegt.

In der Renaissance beginnt die intensive Entwicklung der Instrumentalmusik unter Beibehaltung der Verbindung zu Gesangsgattungen. Der Einfluss der Volkskunst auf die geistliche Musik wächst, besonders in Ländern, die von der antikatholischen Reformationsbewegung erfasst wurden, die hussitische Hymnen in der Tschechischen Republik, protestantische Gesänge in Deutschland, Hugenottenpsalmen in Frankreich zum Leben erweckte. Die Kirche spielte jedoch weiterhin die Rolle eines mächtigen Organisationszentrums, da sie als Dirigentin der offiziellen Ideologie die Masse der professionellen Komponisten hervorbrachte.

Aber trotzdem erklärten die avancierten weltlichen vokalen und vokal-instrumentalen Genres immer lauter ihr Recht auf mehr bedeutsamer Ort in der Musikkultur versuchten sie, Messen, Motetten und ihnen nahestehende Kirchenmusikgattungen zu verdrängen. Dies lag daran, dass diese entweder für die Kirche (in der meisterhaften Aufführung einer gut organisierten Chorkapelle) oder (Motette) für den Hof eines bestimmten Königs, Prinzen, Herzogs (in der künstlerischen Übertragung durch Mittel) bestimmten Gattungen einer Hofkapelle) waren dem Ausdruck der eigenen Persönlichkeit wenig förderlich. Erst im Laufe der Zeit, als sich in humanistischen Kreisen eine andere ästhetische Atmosphäre entwickelte, erhielten Lyrik und Drama eine breitere und freiere Verkörperung, zuerst im italienischen Madrigal und dann in den frühen Beispielen einer neuen Gattung – dem „Drama über Musik“. , Italienische Oper.

Die italienischen, deutschen und englischen Madrigal- und Liedgattungen spiegelten deutlich die Aufmerksamkeit für die innere Welt des Individuums wider, die für die humanistische Kunst der Renaissance charakteristisch war. Eine bedeutende Manifestation fortgeschrittener realistischer Tendenzen in der Musik war nicht nur die Schaffung neuer Handlungen, neuer musikalischer und poetischer Bilder, sondern auch weitreichende Veränderungen in den musikalischen Ausdrucksmitteln. Volksmelodien erscheinen in vielen Genres der Komponistenmusik. Volkslieder werden als Cantus Firmus (Grundlage einer wiederholt wiederholten Melodie, die in der zweiten Stimme von unten in polyphone Werke ging) und in polyphoner Musik verwendet. Weitere Entwicklung Polyphonie in Westeuropa führte zur Entwicklung und Festigung der Muster des sogenannten "strengen Stils" - einer der Höhepunkte der damaligen polyphonen Musik. Der strenge Stil ist bis heute eine wesentliche Etappe in der Geschichte der Polyphonie.

Die wichtigste, wichtigste Errungenschaft der fortgeschrittenen Musik war der neue Charakter der gesamten intonationsmelodischen Entwicklung, Geschmeidigkeit, Flexibilität, Wohlklang; ein signifikanterer Grad an Verallgemeinerung der Melodie des "großen Atems" im Vergleich zu früher - dem lebendigsten Ausdruck menschlicher Erfahrungen.

Eine große Errungenschaft der Musikkultur der Renaissance war die Entwicklung der Instrumentalmusik auf der Grundlage neuer Spielarten melodischer Saiteninstrumente, die das „Singen“ auf Instrumenten (Bratsche, Streichleier, Gambe, Violine) ermöglichten, und andererseits eine bedeutende Erweiterung der Ausdrucksmöglichkeiten von Tasteninstrumenten (Orgel, Clavichord, Cembalo) in Bezug auf akkordharmonische Verläufe. Auch die Laute entwickelt sich rasant – eines der gängigsten Instrumente für Alltags- und Konzertmusik.

Darüber hinaus gab es während der Renaissance eine Entwicklung professioneller Fähigkeiten, die mit der Entstehung von Metris - singenden Internaten - einer Art Chorkapellen, in denen das Singen, Orgelspielen, Musiktheorie und allgemeinbildende Fächer wurden von der frühen Kindheit an produziert und sorgten für eine systematische Verbesserung musikalische Fähigkeit Studenten.

So formt sich ein neuer Typ Musiker – kein Amateur aus Aristokraten, kein Jongleur und Gestüt, sondern ein Profi mit einer besonderen musikalischen Ausbildung.

Die Festigung der musikalischen Professionalität führte zur Gründung nationaler hervorragender Musikschulen, die in den größten Zentren der städtischen Musikkultur mit großen Bildungsmöglichkeiten Gestalt annahmen. Eine der frühesten Formen in Westeuropa war die Polyphonie Englands, die sich in der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts in den Werken von Dönstepl schnell entwickelte und blühte. Am einflussreichsten war die niederländische oder französisch-flämische Schule, in der z berühmte Komponisten G. Dufay, J. Okegema, J. Obrecht, O. Lasso. Sie arbeiteten in verschiedenen Ländern und kombinierten die Merkmale einer Reihe nationaler Musikkulturen: Niederländisch, Deutsch, Französisch, Italienisch, Englisch, schufen einen hochentwickelten polyphonen Stil, hauptsächlich Choral, in dem Renaissance-Merkmale klar zum Ausdruck kamen.

Mitte des 16. Jahrhunderts die direkten Nachfolger der holländischen Polyphonisten und der führende Europäer Komponistenschulen wurde die römische Schule, angeführt von Palestrina, in deren Werk Merkmale der Renaissance mit Merkmalen kombiniert wurden, die die Auswirkungen der Gegenreformation widerspiegeln, und Venezianische Schule unter der Leitung von D. Gabrieli, der bereits barocke Züge trägt. Die Nationalschulen zeichneten sich durch den Einsatz neuer musikalischer Mittel aus, die Kohärenz und Einheit in die Komposition brachten. Das wichtigste musikalische Mittel, das Kohärenz und Einheit in die Kompositionen brachte, war die Imitation, dh die Wiederholung einer Melodie durch die eingehende Stimme, unmittelbar bevor sie von einer anderen Stimme aufgeführt wurde. In den Schulen gab es besondere Arten von Imitationen: kanonisch, Imitation im Umlauf, Steigerung, Abnahme, die später zur höchsten kontrapunktischen Form - Fuge - führten.

Der Stil der vorgestellten nationalen Schulen spiegelte sich in den Werken herausragender Polyphonisten aus anderen Ländern wider - K. Morales und T. Victoria (Spanien), W. Byrd und T. Tallis (England), M. Zalensky aus Polen und vielen anderen .

So nahm die Musik unter den Künsten der Renaissance einen etwas besonderen Platz ein, sowohl aufgrund ihrer Besonderheit als auch abhängig von den Bedingungen ihrer Existenz in der Gesellschaft. Dennoch war sie die Kunst ihrer Zeit, drückte sie aus, erlebte die für sie charakteristischen Schwierigkeiten und Widersprüche, entwickelte ihr entsprechend ihren eigenen Stil, errang bisher undenkbare Siege und errang neue kreative Erfolge.

Kapitel 2 Tanzkultur in der Renaissance

2.1 Musik und Tanz: Aspekte der Interaktion

Die Musikkultur nahm also einen besonderen Platz in der Kunst und Kultur der Renaissance ein. Bei der Musik ist es unmöglich, sich nicht auf ihre verschiedenen Sphären zu beziehen. Einer dieser Bereiche ist die Tanzkunst.

Tanzen - eine Kunstform, bei der künstlerische Bilder durch plastische Bewegungen und einen rhythmisch klaren und kontinuierlichen Wechsel der Ausdruckshaltungen des menschlichen Körpers entstehen. Es sollte beachtet werden, dass Musik und Tanz seit vielen Jahrhunderten aktiv interagieren. Tanz ist untrennbar mit Musik, emotionalen und figurativen Inhalten verbunden, die in seiner choreografischen Komposition, Bewegungen verkörpert sind , Zahlen.

Seit der Antike finden wir eine Art Synthese von Musik, Poesie, Tanz, für die Griechen waren es nicht verschiedene Künste, sondern ein einheitliches Ganzes. Um diese einheitliche Kunst zu bezeichnen, wurde das Wort "Chorea" verwendet, das von dem Wort "Chorus" stammt, das in die russische Sprache eingedrungen ist und weniger kollektives Singen als kollektives Tanzen bedeutete. In Zukunft wird das Wort "Chorea" in Choreografie umgewandelt, die die Kunst des Tanzes selbst bezeichnet, oder genauer gesagt, die Kunst, einen Tanz zu komponieren.

In der Epoche des Mittelalters zeigen sich auch Züge der Beziehung zwischen Musik und Tanz, die komplexere Techniken und Formen umfasst, Tanzmusik wird überwiegend instrumental. Den Haupteinfluss auf seine Struktur und andere Merkmale nimmt die Choreografie ein, die sich durch eine immer größere Gleichförmigkeit und Periodizität der Bewegungen der Tänzer auszeichnet. Tanzrhythmen dringen leicht in die Genres der ausschließlich zum Hören bestimmten Instrumentalmusik ein. Für solche Tänze ist eine erhebliche Komplikation der Musiksprache charakteristisch: Die Rolle der Durchentwicklung nimmt zu, es gibt eine Verletzung der periodischen Strukturen des Tanzes durch Sequenzen, polyphone Techniken. Dadurch wird die weitere Verbindung von Musikkultur und Tanz komplexer und spezifischer.

Während der Renaissance fand eine große Transformation von Musik und Tanz statt. Tanz, Tanzmusik sind die wichtigsten Schichten der Renaissancekultur. Die Entwicklung der Musikkunst während der Renaissance war eng mit der Entwicklung des Tanzes verbunden, da fast alle großen Komponisten den Tanz in ihren Kompositionen in den Mittelpunkt stellten. Tanzrhythmen durchdringen die Genres der ausschließlich zum Hören bestimmten Instrumentalmusik. Pavane, Galliard, Gigue, Glockenspiel, Volta und andere Volkstänze wurden zum Material virtuoser Kompositionen: Die Flexibilität von Melodien, die Klarheit von Perioden und die kontinuierliche Verbindung von Motiven wurden entwickelt. Musiker entlehnen Melodien und Rhythmen aus Volksliedern und Tänzen für Gattungen der Instrumentalmusik, besonders deutlich wird dies bei einem Werk der Musikkultur wie einer Suite.

An Erstphase Die Musik der Suite hatte von ihrer Entstehung her einen angewandten Charakter - man tanzte dazu. Es war eine Art Kombination aus Laute und später Klavier- und Orchestertanzstücken. Im 15. und 16. Jahrhundert war der Prototyp der Suite eine Reihe von drei oder mehr Tänzen (für verschiedene Instrumente), die höfische Prozessionen und Zeremonien begleiteten, sowie paarweise Kombinationen kontrastierender Tänze (Pavane - Galliard, Passamezzo - Saltarello usw .). Die typischste Grundlage für die Tanzsuite war die Reihe von Tänzen, die sich in den Suiten von I. Ya Froberger entwickelt haben: Allemande - Courant - Sarabande - Gigue. Doch für die Entwicklung der Dramaturgie des Suitenzyklus war eine gewisse Distanz zum Tanzalltag erforderlich. Dieser Wendepunkt tritt in der Renaissance auf und spiegelt sich erst dann am deutlichsten wider Musik XVII Jahrhundert. Seit Mitte des 17. Jahrhunderts existiert die Tanzsuite, die ihren eigentlichen Zweck verloren hat, hauptsächlich unter den Namen partita (deutsch), Unterricht(Englisch), Ballett, Sonate da Kamera, bestellen(Französisch), und manchmal als "Sammlung von Klavierstücken". So wird sie durch Transformation und Interaktion mit Musik Teil der Tonkunst, beeinflusst die Formation der Sonatenform. Künstlerische Höhen in dieser Gattung erreichten J. S. Bach (Französische und Englische Suiten, Partiten für Klavier, für Violine und Violoncello solo) und G. F. Händel (17 Klaviersuiten).

In Bezug auf andere Aspekte ist zunächst der Einfluss zu erwähnen, den die Tanzmusik auf die Bildung eines homophon-harmonischen Lagers hatte. Mit ihr kommt professionelle Kunst, inmitten mehrstimmiger Kirchenpolyphonie, homophon-harmonisches Denken, klar geteilt, thematisch helle Melodie, periodischer Rhythmus; es gibt eine Formation tonaler Organisation (z. B. etablierte sich die damals neue Dur-Tonart als erste in den Tänzen der Renaissance.

In der Tanzmusik liegen die Ursprünge vieler wichtiger Instrumentalformen, auf denen alle klassische Kunst basiert (Periode, einfache dreistimmige Form, Variation, Zyklisch). Die Emanzipation der Instrumentalmusik ist weitgehend mit der Tanzliteratur (neue Genres entstehen), der Bildung eigenständiger Clavier- (später Klavier-), Lauten- und Orchesterstile verbunden. Die Fülle an Tanzbildern, die in festgehalten wurden klassische Musik, riesig. Und das ist nicht verwunderlich, schließlich spielt die figurative Umsetzung von Tanzrhythmen und Intonationen neben der Liedfolklore eine wichtige Rolle bei der Stärkung der realistischen Grundlagen der Musikkunst. Komponisten verkörpern in ihren Werken ausnahmslos Mimik, Gestik, Plastizität in der Bewegung von Tanz oder Marsch und wenden sich der Tanzmusik zu, wenn sie Instrumental- (Kammermusik, Symphonik) und Vokal-, einschließlich Opernkompositionen, schaffen.

Daher sollte die wichtige Rolle des Tanzes in der Musikkultur Westeuropas, beginnend mit der Renaissance, beachtet werden. Tanzrhythmen zogen bedeutende Komponisten an, und Musik, die auf solchen Rhythmen basierte, beeinflusste wiederum die Praxis und Theorie des Tanzes. Die Musik forderte den Tanz auf, ihren Entdeckungen zu folgen, Neues aufzunehmen und mit anderen Kunstformen zu interagieren. Zeugnisse einer solchen Verschiebung liefern uns die Tänze der Renaissance als Sinnbild für die Entstehung der Tanzkunst auf einem neuen Entwicklungsweg.

2.2 Choreographie am Rande der Selbstbestimmung

Unter anderen Kunstarten der Renaissance beginnt sich das Tanzen abzuheben. Der Tanz wird besonders populär und erzielt in seiner Entwicklung beispiellose Erfolge. War der Tanz in früheren Epochen nur ein Teil eines Kultes oder der allgemeinen Unterhaltung, so hat die choreografische Kunst in der Renaissance neue Funktionen, eine neue Haltung zum Tanz. Die für das Mittelalter charakteristische Sündhaftigkeit und Unwürdigkeit dieses Berufes wird in der Renaissance zu einem obligatorischen Accessoire des weltlichen Lebens und zu einer der wichtigsten Fähigkeiten für eine wohlerzogene und gebildete Person (neben solchen Fähigkeiten wie geschickt Besitz eines Schwertes, die Fähigkeit zu reiten, angenehm und höflich zu sprechen, subtil zu sprechen). Der Tanz fließt in den allgemeinen Wandel ein: Unter dem Einfluss der Musik wird er zur professionellen Kunst.

Die Choreographie begibt sich auf den Weg der Selbstbestimmung: Kunst wird rationalisiert, bestimmte Regeln und Normen etabliert, Techniken verfeinert und strukturelle Formen, gibt es eine Trennung der Tanzarten: Volkstanz (bäuerlich) und höfischer (adlig-feudaler) Tanz, der im Mittelalter begann, setzt sich fort. Dieser Prozess verlief schrittweise und war mit der zunehmenden Schichtung der Gesellschaft und den daraus resultierenden Unterschieden zwischen der Lebensweise des einfachen Volkes und des Adels verbunden. „Die Spontanität ist vorbei“, schreibt Kurt Sachs. – Hof- und Volkstänze wurden endgültig getrennt. Sie werden sich ständig gegenseitig beeinflussen, aber ihre Ziele haben sich grundlegend verändert.

Wenn Volkstänze ihren entspannten, rauen Charakter behalten, wird der Stil der Hoftänze immer feierlicher, gemessener und etwas steifer. Dies war auf mehrere Faktoren zurückzuführen. Erstens schloss der üppige und schwere Kleidungsstil der Feudalherren energische, anstrengende Bewegungen und plötzliche Sprünge aus. Zweitens führt die strikte Regulierung von Umgangsformen, Verhaltensregeln und jeglicher Tanzetikette zum Ausschluss pantomimischer und improvisatorischer Elemente aus dem Tanz.

Es gibt eine signifikante Veränderung in der Tanztechnik: ein Gleichgewicht zwischen Bewegungen und Rhythmen des Tanzes, Schwingungsperioden von Ruhe zu Bewegung und von Ruhe zu Spannung, Rhythmuswechsel in einem Tanz werden angeordnet. Außerdem ändert sich die Technik der Aufführung: Tänze mit Reigen und linearer Rangfolge werden durch paarweise (Duett-)Tänze ersetzt, die auf komplexen Bewegungen und Figuren aufbauen, die den Charakter eines mehr oder weniger offenen Liebesspiels haben. Die Grundlage des choreografischen Musters ist der schnelle Wechsel von Episoden, die sich in der Art der Bewegungen und in der Anzahl der Teilnehmer unterscheiden.

Die Notwendigkeit, die Tanzetikette zu regulieren, trägt zur Bildung eines Kaders professioneller Tanzmeister bei. Tanzmeister schaffen die kanonischen Tanzformen, die von einer privilegierten Gesellschaft sorgfältig und pünktlich studiert werden. Dies wird weitgehend durch Lehrbücher erleichtert, in denen Bewegungen systematisiert werden und versucht wird, Tanzkompositionen zu fixieren. Zur Bedeutung dieses Moments in der Geschichte des Tanzes weist Kurt Sachs besonders auf Norditalien hin, in dem zunächst die professionelle Tanzausbildung entstand. Und tatsächlich gedeiht in Italien die prächtigste Tanzkunst. Bälle in Florenz des 15. bis 16. Jahrhunderts sind ein Beispiel für Pracht, Brillanz und Einfallsreichtum. Italienische Tanzlehrer werden in verschiedene Länder eingeladen. „Professionelle Tänzer waren früher wandernde Pantomimen und verabscheuungswürdige Jongleure“, schreibt Sacks, ein norditalienischer Tanzlehrer, der eine ehrenvolle Position innehatte. Er war ein Begleiter von Fürsten, manchmal ein Vertrauter; Bei venezianischen Hochzeiten, wo es üblich war, die Braut in einem stillen Tanz vorzustellen, konnte er anstelle des Vaters auftreten. Die Lehrer waren besonders daran interessiert, Schulen für den Tanzunterricht zu gründen. Und bereits im 15. Jahrhundert entstanden in Italien Sonderschulen, der Beruf des Tanzlehrers war fest etabliert. So ist es wahrscheinlich, dass Italien im 16. Jahrhundert die Königin des Tanzes war, so wie es im 15. Jahrhundert der Fall zu sein scheint.

Domenico aus Piacenza gilt als erster italienischer Theoretiker der Tanzkunst. Domenico da Piacenza verfasste an der Wende vom 14. zum 15. Jahrhundert eine Abhandlung "Über die Kunst des Tanzes und des Tanzes". Das Buch besteht aus zwei Teilen. Der erste Teil widmet sich dem Tanz als Ganzes und definiert seine fünf Elemente: Maß, Haltung, Teilung der Plattform, Erinnerung und Erhebung. Takt ist das Hauptprinzip der Verbindung zwischen schnellen und langsamen Bewegungen in der Musik; die Aufteilung des Geländes ist wesentlich für die Zusammensetzung eines Gruppentanzes; Gedächtnis wird benötigt, um den Tanz tatsächlich zu erschaffen; die Art des Haltens befreit den Tanz von bewegungslosen und veralteten Formen; Elevation ist für die Entwicklung der Tanztechnik konzipiert. Der andere Teil der Abhandlung legt die Kategorien der Grundbewegungen fest. Hier teilt er Bewegungen in zwei Arten ein: künstlich und natürlich. Natürliche Bewegungen - einfacher und doppelter Schritt, edle Haltung, Drehung und halbe Drehung, Bogen und Sprung. Zu den künstlichen Bewegungen gehören Treten, Hacken und Springen mit einem variablen Bein.

Darüber hinaus ist ein weiterer Theoretiker und Tanzlehrer erwähnenswert - Guglielmo Embreo, der die Abhandlung über die Tanzkunst verfasst hat. In seiner Abhandlung rät er auch dazu, Bewegungen mit dem Takt der Musik zu koordinieren. Er führt den Begriff Contro Tempo ein – gegen das Tempo, dem man gehorchen muss, um einen erlernten Tanz zu gelingen. Darüber hinaus schlägt er das Konzept einer Arie vor, das die Fähigkeit impliziert, sich zwischen Tempi zu bewegen und von einem Tanz zum anderen zu wechseln. Es ist unmöglich, die Arbeit von Guglielmo zu überschätzen, er brachte das humanistische Weltbild der Renaissance zum Ausdruck, als er den Tanz als eine „frei denkende Wissenschaft“ erklärte, die so erhaben und bedeutsam ist wie andere und mehr als jene, die sich an die menschliche Natur richten.

Unter den italienischen Werken zur Choreografie des 16. Jahrhunderts verdient das 1581 erschienene Buch „Der Tänzer“ von Fabrizio Caroso Beachtung. Dieses Buch ist eine Art Handbuch für den Gesellschaftstanz, aber man kann sagen, dass diese Regeln auch im Bühnentanz verwendet wurden, obwohl dort repräsentativere Schritte vorherrschten. In dem Buch versucht er, nicht nur die Tänze zu systematisieren, sondern auch die Bewegungen, aus denen sie bestehen. Knickse unterteilt er beispielsweise in „wichtig“ („grave“), „klein“ („minima“), „mittel“ („semiminima“). Der „mittlere“ Knicks beinhaltete einen Sprung. Entsprechend der Variation des Tanzes mit der Vielfalt musikalischer Rhythmen verwendete Coroso bereits Positionen nahe der ersten, dritten und vierten Position des klassischen Tanzes sowie Pirouetten und verschiedene Arten von Sprüngen, einschließlich Kufen (Entrecha). Die Tanztechnik umfasste akrobatische Bewegungen wie den Saut de Noeud (Knotensprung), aber diese Technik verschwand später. Die neue Technik ermöglichte es Coroso, je nach Musik fünf-, sechs- und sogar zehnteilige Ballette zu komponieren. Caroso forderte, dass die Entwicklung der Tänzer der Größe der antiken Verse entsprechen sollte, und er erwähnte die Daktyle, die sapphische Strophe, die Spodei. Er schrieb über den Tanz – ein freies Ensemble, „aufgeführt mit mathematischer Präzision, in Übereinstimmung mit den Versen von Ovid“.

Caroso legte zweifellos den Grundstein für die Entwicklung des Balletts, seiner Technik und Aufführung. Die ersten Ballettaufführungen fanden natürlich in Italien statt. So schuf beispielsweise der Langobarden Bergonzo di Bota 1489 zu Ehren der Hochzeit des Herzogs von Mailand, Galazo Visconti, ein großartiges Theaterfest, bei dem sich Tanz mit Gesang, Musik und Rezitation abwechselte. Die italienische Choreografie hatte einen großen Einfluss auf die ersten französischen Ballette. Bis zum Ende des 16. Jahrhunderts erschienen Ballettaufführungen mit einer vollständigen Handlung, die sich durch Tanz, Gesang, poetisches Rezitativ, komplexe und prächtige Dekoration offenbart. Die Erfahrungen des jungen italienischen Balletts, seine pädagogischen Methoden und choreografischen Arbeiten wurden von vielen europäischen Ländern übernommen. So kann man bereits in der Renaissance von den Anfängen des Balletts sprechen.

Noch eins berühmter Autorüber die "Kunst des Tanzes" - Tuano Arbo - französischer Schriftsteller, Priester. Sein Beitrag zur Entwicklung des Tanzes ist nicht weniger bedeutend als der der italienischen Tanzmeister. "Orchezography" von Tuano Arbaud ist die beliebteste Abhandlung mit Informationen über französische Basstänze des 16. Jahrhunderts. Arbo versucht, den mittelalterlichen Tanz zu restaurieren, ihn neu zu gestalten, und daraus resultiert sein Ruhm als erster Spezialist für die Rekonstruktion des Tanzes.

Zusammenfassend können wir sagen, dass die Tanzkunst anderen Kunstrichtungen ebenbürtig ist und ihnen in nichts nachsteht. Der Tanz wird stilisiert, ins System gebracht. Die enormen Möglichkeiten des menschlichen Körpers eröffnen sich. Der Tanz bewegt sich vom Erzählen der Realität zum Ausdruck eines abstrakten Gedankens. Weiter - von der Gerichtsaufführung bis zum Theatertanz.

Während der Renaissance wird Tanz zu einem Weg der sozialen Unterhaltung und Kommunikation. Ende des 16. Jahrhunderts glaubte jeder, dass der Tanz als Mittel des spielerischen Flirtens für die Gesellschaft notwendig sei, um die Anmut und den Charme der Damen und die Stärke und das Können der Herren zu demonstrieren. Bälle wurden anlässlich aller bedeutenden Ereignisse allgemeiner und privater Art arrangiert. Die Schönheit und Raffinesse jedes Teilnehmers war wichtig, um eine festliche Ballsaalatmosphäre zu schaffen, den hohen gesellschaftspolitischen Status des Besitzers zu bestätigen und Eheschließungen zu ermöglichen, was zu dieser Zeit für die Aufrechterhaltung der Gesellschaftsstruktur äußerst wichtig war. Die Fähigkeit zu tanzen wurde von den Adligen und der Mittelschicht verfeinert, die sie durch tägliches Üben unter der Anleitung vieler Lehrer nachahmten. An den königlichen Höfen gab es Choreografen - Tanzlehrer, deren Aufgaben darin bestanden, Personen beiderlei Geschlechts Tänze beizubringen und im Allgemeinen ein Spektakel zu inszenieren.

So professioneller Tanz fing an, in alle möglichen Spektakel einzutreten. Der Tanz, der im Mittelalter für einen „sakralen Akt“ gedacht war, trat im 15. Jahrhundert vor die Festlichkeiten weltlicher Natur zurück. Vor allem liebten sie damals Maskeraden - Masken waren in dieser Zeit von besonderer Bedeutung. Tanz wurde auch in Straßenprozessionen einbezogen, in denen ganze Aufführungen mit Tanzcharakter gespielt wurden. Häufiger interpretierten solche Straßenumzüge heidnische Geschichten, den Inhalt von Mythen, die für die Renaissance typisch waren, wie für eine Epoche, die sich der Antike zuwandte.

Karneval leistete auch einen großen Beitrag zum Tanz als öffentliche Unterhaltung. Die großartigsten davon waren die Triumphe (trionfi), Aufführungen zu mythologischen Themen mit kunstvoll ausgeführten Kulissen. Etwas bescheidener waren Currys (carri, von italienisch carro – „Wagen“) – Maskeraden von Handwerkern und Kaufleuten Italienische Städte: hier marschierten Scharen maskierter Menschen hinter den dekorativen Symbolen ihrer Berufe. Spektakel, bei denen Musik, Gesang, Rezitation, Pantomime und Tanz gemischt wurden, wurden von feierlichen Mahlzeiten und verschiedenen Hoffesten begleitet.

Dennoch ist der Tanz der Renaissance viel umfassender als einfache Unterhaltung. In dieser Zeit werden alte Vorstellungen über die tiefste Wirkung des Tanzes auf den geistigen und körperlichen Zustand eines Menschen wiederbelebt. Auf den Seiten zahlreicher Tanzabhandlungen wird oft die Vorstellung geäußert, dass Tanz keineswegs reine Plastizität sei, sondern eine Möglichkeit, spirituelle Bewegungen zu reflektieren. „Die höchste Perfektion des Tanzes besteht darin, Geist und Körper zu verbessern und an den bestmöglichen Ort zu bringen“, schrieb der französische Musiktheoretiker, Philosoph, Physiker und Mathematiker M. Mersenne in einem seiner Werke. Oft wird dem Tanz, wie in der Antike, ein kosmologisches gegeben

Bedeutung. Es ist kein Zufall, dass das Interesse und Bewusstsein für Fragen der Tanzkunst von den Personen des Klerus - dem Abt de Pure, dem Kanoniker Arbaud, dem Priester Menetrier - offenbart wird.

2.3 Genrepalette der Tanzkunst

Die neue Einstellung zum Tanz während der Renaissance führte zu zahlreichen Tanzgattungen. Nach den Titeln der Stücke zu urteilen, die in verschiedenen Musiksammlungen, praktischen Führern und Abhandlungen platziert sind, ergibt sich ein ungewöhnlich buntes Bild: Manche Tänze kommen schnell aus der Mode; andere, die in einem Jahrhundert erschienen sind, behalten ihre Bedeutung in einem anderen (z. B. Saltarello, Bass Dance, Branle), einige von ihnen verändern im Laufe der Zeit die Art und den Stil der Choreografie.

Jede Provinz hat ihre eigenen Tänze und ihren eigenen Aufführungsstil. Noverre schrieb, dass das Menuett aus Angoulême zu uns kam, dass der Geburtsort des Burre-Tanzes die Auvergne ist. In Lyon finden sie die ersten Ansätze der Gavotte, in der Provence das Tamburin.

Also, Alle alltäglichen Tänze dieser Zeit wurden in zwei Hauptgruppen unterteilt: Bassa danza (französische Basstänze) - das heißt „tiefe“ Tänze, bei denen es keine Sprünge gab und die Beine fast nicht über den Boden ragten (Pavane, allemande, Glockenspiel, Sarabande usw.); Alta danza (französische Haute Danses) – das sind „hohe“ Rundtänze, bei denen die Tänzer herumwirbeln und hüpfen (Moreska, Galliard, Volta, Saltarello, verschiedene Arten von Branles usw.)

In der Zeit der Frührenaissance ist der Gegensatz von Tänzen langsamer und lebhafterer Bewegung (Bassa Danza und Alta Danza) charakteristisch. Sie findet sich sowohl auf Bällen als auch in der aufkommenden Berufsmusik bereits im Spätmittelalter. In den musikalischen Quellen des 14. bis frühen 15. Jahrhunderts sind Gruppierungen von Tänzen in 2 üblich: Der 1. Tanz jedes Paares wird in einer gleichmäßigen Taktart und einem langsamen Tempo gehalten, der 2. - in einer 3-Takt-Taktart und a schnelles Tempo. Mehr als andere waren Paare von Pavan - Galliard Passamezzo - Saltarello üblich. Sie interagierten miteinander, behielten aber dennoch ihre individuellen Züge.

In Bezug auf die Genres der Tanzkunst der damaligen Zeit gab es eine ziemlich große Anzahl von ihnen, aber die beliebtesten waren: Basstanz, Pavane, Glockenspiel, Branle, Moresca, Galliard, Saltarello und Volta. Um zu verstehen, was die Besonderheiten der einzelnen Tänze waren, ist es notwendig, sich auf ihre Beschreibung und Interpretation zu beziehen.

Bass-Tanz(Französischer Basstanz - "tiefer Tanz") - die Sammelbezeichnung für Hoftänze in einem mäßigen oder mäßig langsamen Tempo und in der Regel in einer 4-Takt-Größe, die in Frankreich, Italien und den Niederlanden zwischen der 2 das XIV und das mittlere XVI Jahrhundert. Die Herkunft des Namens ist nicht ganz klar. Vielleicht hängt es mit der Praxis zusammen, die Musik dieser Tänze auf Instrumenten mit niedrigem Register aufzuführen, und vielleicht mit dem Fehlen hoher Sprünge von Tänzern in Basstänzen. Aufgrund des Mangels an schnellen Pas und Sprungbewegungen, die für "hohe Tänze" (französisch - Haute Danse, italienisch - Alta Danza) charakteristisch sind, wurden Basstänze oft als "Promenade" bezeichnet. Die Kompositionszeichnung könnte in Form eines Reigens, einer Prozession aufgebaut sein. Die Basstänze waren sozusagen eine kleine choreografische Komposition, in der sich die Tänzer der versammelten Gesellschaft zeigten und ihren Reichtum, ihre Pracht der Kleidung und ihre edlen Umgangsformen demonstrierten. Laut K. Sachs folgte der Basstanz im 15. Jahrhundert „… keiner festgelegten Schrittfolge. Bunt, wie Farben in einem Kaleidoskop, kombinierte er immer wieder neue Bewegungen. Bass-Tanzmusik, oft Choralcharakter, wurde normalerweise auf der Grundlage des Cantus Firmus improvisiert. Freie Choreographie entsprach auch einer offenen (offenen) musikalischen Struktur mit beliebig vielen Abschnitten. Verschiedene Instrumentalkompositionen wurden verwendet, um Basstanz aufzuführen: Laute, Harfe und Trommel; Posaune, Flöte mit kleiner Trommel usw. Als eine der Partien war Basstanz in den frühen Instrumentalsuiten enthalten. Varianten des Basstanzes: Bassadaner- eine raffiniertere italienische Version des im 15. Jahrhundert beliebten Basstanzes. Unterscheidet sich in einem mobileren Tempo; Bier - Italienischer Tanz des 15. Jahrhunderts, das Tempo ist noch schneller als das der Bassadans, bis ins 16. Jahrhundert wurde der Name "Bier" durch einen schnellen 3-Takt-Tanz geschützt, vor dem oft Pavane und Saltarello aufgeführt wurden.

pavana- feierlicher langsamer Tanz. Der Ursprung dieses Tanzes ist ziemlich zweideutig: Nach einer Version ist die Pavane ein einheimischer italienischer Tanz, ihr Name wird mit dem Ursprungsort, der Stadt Padua, in Verbindung gebracht, nach einer anderen Version ist die Pavane ein Tanz spanischen Ursprungs . Es gibt Grund zu der Annahme, dass der Begriff "Padovana" auch als Wort für ein allgemeines Konzept verwendet wurde - eine bestimmte Tanzart, die die Pavana und ihre Variation - den Passamezzo - kombiniert.

Bereits zu Beginn des 16. Jahrhunderts wurde die Pavane zu einem der beliebtesten Hoftänze: Sie wurde im Umhang und mit Schwert bei feierlichen Zeremonien getanzt: beim Aufbruch der Braut zur Kirche, bei religiösen Prozessionen durch den Klerus, bei der Fürsten verließen die Mitglieder der Stadtregierung. Pavane-Musik ist gekennzeichnet durch: Klarheit der Struktur, oft Rechteckigkeit der metrorhythmischen Struktur, überwiegend Akkorddarstellung, manchmal durch Passagen gefärbt.

Es gibt Hinweise darauf, dass die Aufführung der Pavane von Tamburin, Flöte, Oboen und Posaunen begleitet wurde, unterstützt von einer Trommel, die den Rhythmus des Tanzes betonte. In jedem Land hatte die Art der Bewegungen und die Art der Ausführung von Pavanes ihre eigenen Merkmale: In Frankreich waren die Schritte sanft, langsam, anmutig, gleitend; in Italien waren sie lebhafter, unruhig und wechselten sich mit kleinen Sprüngen ab. In der 2. Hälfte des 16. Jahrhunderts geriet die Pavane in Europa praktisch in Vergessenheit, blieb jedoch bis Mitte der 1620er Jahre erhalten. einer der beliebtesten Tänze in England. Die instrumentale Pavane erreichte ihren Höhepunkt im Werk der englischen Virginalisten. Verwandte Pavanen waren: Pavanille- Der Instrumentaltanz, der in der 1. Hälfte des 17. Jahrhunderts in Italien beliebt war, war lebhafter in Charakter und Tempo; Paduana - es wurde am Ende der Renaissance weit verbreitet und war charakteristisch für das 17. Jahrhundert - mindestens zwei verschiedene Tänze wurden so genannt: eine zweiteilige Pavane und ein dreiteiliger Tanz, der nach dem Passamezzo aufgeführt wurde; Passamezzo- Italienischer Tanz, unterscheidet sich von Pavanes durch ein beweglicheres Tempo. Wörtlich übersetzt „Tanz in 1,5 Schritten“, was auf die schnellere Art seiner Bewegung als in der Pavane hinweist. Es gab zwei gebräuchlichste Varianten "alt" (antico) und "modern" (moderno), die sich aus den Merkmalen des harmonischen Begleitplans ergeben.

Kurant- Hoftanz, italienischen Ursprungs, vom italienischen Wort corrente, was Wasserfluss, glatt, gleichmäßig bedeutet. Das Kompositionsmuster des Tanzes verlief normalerweise entlang eines Ovals, aber es konnte auch ein langgestrecktes Quadrat oder ein Achteck sein, was es ermöglichte, Zickzackbewegungen auszuführen, die für den im 15. Jahrhundert existierenden italienischen Piva-Tanz charakteristisch waren. Das Glockenspiel war einfach und komplex. Die erste bestand aus einfachen, gleitenden Schritten, die überwiegend vorwärts ausgeführt wurden. Das komplexe Glockenspiel hatte pantomimischen Charakter: Drei Herren luden drei Damen zum Tanz ein, sie führten die Damen in die gegenüberliegende Ecke des Saals und forderten sie zum Tanzen auf, die Damen lehnten ab, die abgelehnten Herren gingen, aber kehrte dann wieder zurück und kniete vor den Damen nieder. Erst nach der Pantomimeszene begann der Tanz. In einem komplexen Glockenspiel wurden Bewegungen nach vorne, hinten und zur Seite ausgeführt. Mitte des 16. Jahrhunderts verschwand der pantomimische Teil des Tanzes. Die Courante hat ihre Taktart viele Male geändert. Zuerst war es 2/4, später war es dreifach.

Kleie- ursprünglich Volksreigen, später auch Gesellschafts-, Hoftanz des 15. - 17. Jahrhunderts. Schon das Wort Branle, das auf Französisch „wiegen, runder Tanz“ bedeutet, charakterisiert auch eine der Hauptbewegungen – das Schaukeln des Körpers. Bekannt sind ihre zahlreichen Spielarten, die sich in der Größe des Tempos, der Choreographie (einfaches Ballett, Doppelball, Balletttänzerin, Schuhballett, Ballett mit Fackel, Ballett mit Küssen usw.) und lokalen Varianten (z Poitou, B. aus der Champagne). Das Tempo des Tanzes ist mäßig schnell, lebhaft. Die Größe ist normalerweise 2-Takt, manchmal 3-Takt (in der "Jolly Branle", die Sprünge und Schaukeln beinhaltete) und 4-Takt (in Champagne). Folk Branle - energisch, ungestüm, gehetzt, Ballsaal - glatter und ruhiger, mit viel Knicks. Manchmal begleitet von Gesang (Strophen mit Refrain) und Spielen der Volksinstrumente(Pfeife, Flöte, Tamburin, Dudelsack). Im 15. Jahrhundert wurde es als Abschluss des Basstanzes aufgeführt, von dem es vielleicht stammt. Choreographisch war es noch recht primitiv, zumal seine musikalische Untermalung aus eher monotonen Tamburinschlägen, Flötenklängen und dem monotonen Gesang der Tänzer bestand. Gleichzeitig sollte jedoch beachtet werden, dass die Kleie die Hauptquelle aller später erschienenen Salontänze war und eine große Rolle in der Entwicklung der Ballsaal-Choreografie spielte.

Moreska -(mehrska(italienisch) - wörtlich "maurisch", morisdance - vom englischen morris dance) - Musical - Tanzszene. Die Szene gab symbolisch den Kampf zwischen Christen und Mauren wieder. In Italien hieß der Tanz „Morisca“, den gleichen Namen bekamen die Mauren, die sich taufen ließen und zum Christentum übertraten. Die aus Spanien stammende Moresca war ursprünglich ein Volkstanz und wurde von zwei Gruppen getanzt. Während der Renaissance war die Moresca einer der beliebtesten Tänze und wurde Teil verschiedener städtischer Theaterspektakel und Aufführungen der Aufstrebenden Musiktheater. Dort verliert sie ihre ursprünglichen Merkmale des Volksspiels (unter Beibehaltung der Maske des Mohren) und verwandelt sich allmählich in einen Figurentanz mit feierlichem, oft kriegerischem Charakter. Später, im 17. Jahrhundert, bezeichnete der Begriff Moresca einen Ballett- oder Pantomimentanz in einer Oper: So führte Monteverdi die Moresca im Finale der Oper „Orpheus“ -1607 ein.

Gallier(gagliarda, ital. fröhlich, kühn, fröhlich) - ein alter Tanz romanischen Ursprungs aus dem späten XV - XVII Jahrhundert. Anscheinend stammt es aus Norditalien, in verschiedenen Regionen und Städten trug es die Prägung lokaler Sitten und Gebräuche. Dies ist ein fröhlicher und lebhafter Tanz, der aus der Volkschoreographie stammt, obwohl er unter den privilegierten Klassen am weitesten verbreitet war und die Merkmale der Bauerntänze beibehielt - Sprünge und abrupte Bewegungen, oft mit scherzhaften Namen ("Kranschritt", "Kuhtritt"). . Wie das Glockenspiel hatte es den Charakter einer Art Dialog. Begleitet von einem kleinen Orchesterensemble oder mit Laute und Gitarre. Die Gallarden des 16. Jahrhunderts zeichnen sich durch eine 3-Meter-Mäßigkeit aus schnelles Tempo, Akkordspeicher, diatonisch. Es wurde normalerweise nach einer langsamen 4-Takt-Pavane aufgeführt, wobei ihre Melodie und Variation variiert wurden

metrisches Muster. Eine ähnliche Folge einer langsamen Pavane im 4-Takt und einer schnellen Galliarde im 3-Takt war der Prototyp der barocken Instrumentalsuite.

Salzarella- Italienischer Volkstanz. Sein Name kommt vom italienischen Wort Saltare – springen, springen. Er ist in der Romagna, Lazo, San Marino, in den Abruzzen bekannt. Jede Region führt es anders aus. Saltarella ist ein sehr einfacher Tanz, er hat keine festen Figuren. Die Hauptbewegung ist das Gleichgewicht. Aber die Darsteller müssen Geschicklichkeit und Kraft haben, da das Tempo im Tanz ständig zunimmt und ein sehr stürmisches erreicht. Saltarella - Paartanz, kann die Zahl der am Tanz teilnehmenden Paare sehr groß sein. Wie viele andere Volkstänze beginnt der Saltarella manchmal mit einer verspielten Pantomimeszene. In manchen Gegenden Italiens, zum Beispiel in Giogaria, existiert die Saltarella als tief springender Tanz.

Es gibt auch seine Round-Dance-Varianten. Beim Reigentanz Saltarella stehen die Tänzer dicht aneinander gepresst, ihre Körper sind nach vorne geneigt, ihre Köpfe kollidieren fast in der Mitte des Kreises; Die Hände werden einander auf die Schultern gelegt. Barfuß gleiten sanft über den Boden. Die Darsteller wiegen sich im Rhythmus der Beinbewegungen. Die Leistung der Saltarella in der Romagna ist eigenartig. Hier wird es von einem Lied begleitet, das von einem der Teilnehmer gesungen wird, und ist sozusagen eine Demonstration der Geschicklichkeit. Frauen stellen sich ein Glas auf den Kopf, das bis zum Rand mit Wasser oder Wein gefüllt ist. Bei komplexen und schnellen Bewegungen darf kein Tropfen verschüttet werden.

Volta- Paartanz italienischen Ursprungs. Sein Name kommt vom italienischen Wort voltare, was „drehen“ bedeutet. Normalerweise wird der Tanz von einem Paar (Mann und Frau) aufgeführt, aber die Anzahl der Paare kann erhöht werden. Wie viele andere Volkstänze wurde die Volta bald nach ihrem Erscheinen bei Hoffesten aufgeführt. Im 16. Jahrhundert war sie in allen europäischen Ländern bekannt, den größten Erfolg hatte sie jedoch am französischen Hof. Doch schon unter Ludwig XIII. tanzt der französische Hof der Volta nicht. Dieser Tanz dauerte in Italien am längsten.

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