Die wichtigsten Strömungen und Richtungen der neuen Ära der Ästhetik. Die wichtigsten Trends in der Entwicklung der Ästhetik des 19. bis 20. Jahrhunderts

In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts entstand eine der populärsten kulturellen und ästhetischen Schulen unseres Jahrhunderts, der Freudianismus. Ihr Begründer, der österreichische Philosoph und Psychiater Sigmund Freud (1856-1939), führte eine Erklärung des Unterbewusstseins aus der Sicht der intuitionistischen Theorien seiner Kollegen ein. Sexualleben Person. Und obwohl es in den Werken des Philosophen keine systematisierte Darstellung der ästhetischen Theorie gibt, finden sich in seinen „Vorlesungen zur Einführung in die Psychoanalyse“ (1918), im Buch „Unzufriedenheit mit der Kultur“ (1930) sowie in seinen „Vorlesungen zur Einführung in die Psychoanalyse“ gesonderte Urteile zu Fragen der Ästhetik und der künstlerischen Kultur sowie in den Artikeln Leonardo da Vinci. Eine Studie zur Psychosexualität“ (1910), „Dostojewski und Vatermord“ (1928), „Dichter und Fantasie“ (1911). Freuds Lehre von den angeborenen unbewussten Strukturen-Instinkten hatte großen Einfluss auf die Praxis der sogenannten „Massenkultur“, die sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts bildete. Tatsächlich ging der Philosoph in seiner Theorie des Unbewussten davon aus, dass das Wesen des Menschen in der Freiheit von Trieben zum Ausdruck kommt. Der Haupteinfluss des Freudianismus auf „ Massenkultur liegt im Einsatz seiner Instinkte Angst, Sex und Aggressivität. Freuds Psychoanalyse schuf eine höchst repräsentative Schule, die bis heute existiert. Eine besondere Rolle bei der Entwicklung der Freudschen Lehre kommt O. Rank, G. Sachs und insbesondere K.G. zu. Jung. Im 20. Jahrhundert wurden die Ideen der Denker des letzten Jahrhunderts A. Schopenhauer und F. Nietzsche im elitären ästhetischen Konzept des spanischen Philosophen José Ortega y Gasset (1883-1955) zusammengefasst. 1925 erschien in Europa sein berühmtestes Werk mit dem Titel „Die Entmenschlichung der Kunst“, das sich dem Problem der Differenz zwischen alter und neuer Kunst widmete. Der Hauptunterschied zwischen der neuen und der alten Kunst besteht laut Ortega y Gasset darin, dass sie sich an die Elite der Gesellschaft richtet und nicht an ihre Masse.

Ortega y Gassets Buch „The Dehumanization of Art“ wurde zu Recht zu einem echten Avantgarde-Manifest. Der Philosoph stellt sich auf die Seite des Teils der europäischen kreativen Intelligenz des beginnenden Jahrhunderts, der versuchte, eine neue Kunst zu schaffen. In diesem Zusammenhang ist es notwendig, die auffälligsten künstlerischen Tendenzen, Tendenzen und Stile zu analysieren, die sich in dieser historischen Periode manifestiert haben.

Avantgarde (vom französischen Wort „Avantgarde vorwärts“) ist ein Konzept, das verschiedene Schulen und Strömungen der europäischen Kunst der 10-20er Jahre des 20. Jahrhunderts auf den Prinzipien einer radikalen Erneuerung der künstlerischen Praxis vereinte. Der Begriff „Avantgarde“ hat sich in der Ästhetik etabliert Kunstkritik in den 20er Jahren. Die Hauptgruppe der Avantgarde-Schulen (Futurismus, Dadaismus, Kubismus, Expressionismus, Suprematismus) erklärte sich zum extremen Nihilismus, dem ultimativen Grad der Verleugnung der bisherigen kulturellen Tradition der klassischen künstlerischen Erfahrung. Die praktische Umsetzung der Avantgarde war charakteristisch für verschiedene Kunstgattungen: Literatur (L. Aragon, V. Khlebnikov, V. Mayakovsky), Theater (V. Meyerhold, B. Brecht, G. Kaiser), Musik (M. Čiurlionis, A. Schönberg, A. Skrjabin). Am offensichtlichsten wurde die Avantgarde jedoch in realisiert Bildende Kunst. Gemälde verschiedener Avantgarde-Trends zeichneten sich durch die Ablehnung künstlerischer Lebendigkeit aus. Avantgardistische Kunst ist mit seltenen Ausnahmen (Kubismus, der die Natur bedingt geometrisiert, Abstraktionismus mit seiner rein phantastischen Geometrie) nichtfigurativ. Die Ablehnung der Objektivität und die Umwandlung künstlerischer Mittel wie Farbe, Komposition und Textur in einen Selbstzweck wurden von einem Gefühl der Krise der modernen Zivilisation diktiert.

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurden kreative Suchen und gewagte Experimente in der europäischen Ästhetik und Kunst fortgesetzt, einflussreiche Ideen, neue Kunstschulen und bedeutende vielversprechende Entdeckungen entstanden. Existenzialistische, strukturalistische, soziokulturelle ästhetische Strömungen, vertreten durch die Namen J.-P. Sartre, A. Camus, K. Levi-Strauss, R. Bart, T. Adorno und andere. Die bedeutendste ästhetische Schule, die in den 1940er und 1950er Jahren in Frankreich entstand, gehörte zum existentialistischen Trend und manifestierte sich besonders deutlich im Werk von J.P. Sartre und A. Camus. Es sei daran erinnert, dass der Begründer des philosophischen Existentialismus, Sören Kierkegaard (1813-1855), Philosophie als eine Reflexion des Seins auf der Grundlage der persönlichen menschlichen Existenz – „Existenz“ – betrachtete. Auch das ästhetische Konzept des Existentialismus erkannte als wahr nur die individuelle Existenz eines Menschen und die Möglichkeit an, „Existenz“ mit Hilfe menschlicher Vorstellungskraft und Emotionen zu erkennen, die wiederum die wichtigste Seite künstlerischen Schaffens darstellen.

Der französische Philosoph und Schriftsteller Jean-Paul Sartre (1905-1980) geht in seinen Schriften „Imagination“ (1936), „Essay on the Theory of Emotions“ (1939) und „Imaginary“ (1940) ausführlich auf die verschiedenen Eigenschaften ein menschliches Bewusstsein. Sartre interpretiert das menschliche Bewusstsein als transzendental, das heißt, es geht über die Grenzen jeglicher Erfahrung hinaus und ist die Quelle, die Lebensgrundlage, einschließlich der schöpferischen Tätigkeit des Menschen. Nach Ansicht des Philosophen sind Kunstwerke kein direktes Abbild der Realität, daher hat das sogenannte „imaginierende Bewusstsein“ eines jeden Künstlers einen schöpferischen Charakter, weil es von selbst entsteht und frei von allen Erscheinungsformen der Realität ist. Ausdruck Ästhetische Ansichten Albert Camus(1913-1960) ist das letzte Kapitel seines Werks Philosophischer Aufsatz„Der Mythos des Sisyphos“ (1942), in dem er die Grundidee seines Werkes entwickelt – die Absurdität der menschlichen Existenz in der Welt. „Absurdität“, ein Gefühl der Einsamkeit und Entfremdung von der Außenwelt, die Allmacht des Todes werden in der Dramaturgie, Prosa und Ästhetik von Camus zum Konstanten. Zum Kunstwerk gehört laut Camus auch das Absurde. Der bloße Akt künstlerischer Kreativität ermöglicht es einem Menschen jedoch, in der Welt des Chaos das Bewusstsein zu bewahren. Anschließend entwickelt sich die „Ästhetik des Absurden“ mit dem Philosophen zur „Ästhetik der Rebellion“. 1951 erschien der politische Essay „The Rebellious Man“, in dem Camus sich gegen Extreme in der Kunst wendet, sowohl ideologische als auch rein formalistische. Sowohl in „Der rebellische Mann“ als auch in seinen Nobelpreisreden (1957) betont Camus dies wahre Kunst spiegelt das menschliche Schicksal wider und versucht, das Schicksal zu meistern.

In den 1950er Jahren treten intuitive und existentialistische Konzepte in der westeuropäischen Ästhetik in den Hintergrund und weichen dem Strukturalismus. Das Wesen des Strukturalismus wurde von seinem Haupttheoretiker Claude Levi-Strauss (geb. 1908) zum Ausdruck gebracht. Er formulierte die Hauptstufen des Strukturalismus explorative Analyse: „Lesen“ des Textes, seine Mikroanalyse, Interpretation, Dekodierung und endgültige Modellierung. Der Strukturalismus wurde in den 60er Jahren zur Grundlage einer sehr populären literarischen und ästhetischen Bewegung, des Neuen Kritikismus, angeführt vom Pariser Professor Roland Barthes (1915-1980). In dem Buch Kritik und Wahrheit (1966) vertritt er die Position, dass es der Literaturwissenschaft nicht darum gehen sollte, die Bedeutung von Werken zu klären, sondern universelle Gesetze für die Konstruktion literarischer Form zu schaffen.

In den 1960er und 1970er Jahren waren soziologische Konzepte, vertreten durch die Namen T. Adorno, G. Marcuse, E. Fromm, in Westeuropa und den USA weit verbreitet. Diese Namen erklären sich aus dem Wunsch, die Korrespondenz der inneren immanenten Strukturen von Kunstwerken mit bestimmten Typen etablierter sozialer Beziehungen zu erforschen.

Die neueste Zeit umfasst auch den Tag des künstlerischen Zeitalters: Avantgarde und Realismus. Originalität Die Besonderheit dieser Epochen liegt darin, dass sie sich nicht sequentiell, sondern historisch parallel entwickeln.

Avantgarde-Kunstgruppen N uy ( Vormoderne, Moderne, Neomoderne, Postmoderne) entwickeln sich parallel zur realistischen Gruppe (Kritischer Realismus des 19. Jahrhunderts, sozialistischer Realismus, ländliche Prosa, Neorealismus, magischer Realismus, psychologischer Realismus, intellektueller Realismus). In dieser parallelen Entwicklung der Epochen erscheint allgemeine Beschleunigung der Bewegung der Geschichte.

Eine der Hauptbestimmungen des künstlerischen Konzepts der Avantgarde-Trends: Chaos, Unordnung „Das Gesetz des modernen Lebens der menschlichen Gesellschaft. Kunst wird zur Chaosologie und untersucht die Gesetze der Weltunordnung.

Alle Avantgarde-Trends beschneiden den bewussten und verstärken den unbewussten Ansatz sowohl im Schaffens- als auch im Rezeptionsprozess. Diese Bereiche widmen der Massenkunst und den Problemen der Bewusstseinsbildung des Einzelnen große Aufmerksamkeit.

Merkmale, die avantgardistische Kunstrichtungen vereinen: ein neuer Blick auf die Stellung und den Zweck des Menschen im Universum, die Ablehnung bisher etablierter Regeln und Normen, von Traditionen und

Geschicklichkeit, Experimente im Bereich Form und Stil, die Suche nach neuen künstlerischen Mitteln und Techniken.

Vormoderne - die erste (anfängliche) Periode der künstlerischen Entwicklung der Avantgarde-Ära; eine Gruppe künstlerischer Strömungen in der Kultur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, die eine ganze Bühne (die Bühne der verlorenen Illusionen) der neuesten künstlerischen Entwicklung eröffnet.

Der Naturalismus ist eine künstlerische Richtung, deren Invariante die Behauptung eines fleischlichen Menschen in der materiell-materiellen Welt war; ein Mensch, selbst wenn man ihn nur als hochorganisiertes biologisches Individuum betrachtet, verdient in jeder Erscheinungsform Aufmerksamkeit; Trotz all ihrer Unvollkommenheiten ist die Welt stabil und alle Details über sie sind von allgemeinem Interesse. Im künstlerischen Konzept des Naturalismus werden Wünsche und Möglichkeiten, Ideale und Realität ausbalanciert, eine gewisse Selbstgefälligkeit der Gesellschaft, ihre Zufriedenheit mit ihrer Lage und der Unwille, etwas in der Welt zu verändern, sind spürbar.

Der Naturalismus behauptet, dass die gesamte sichtbare Welt Teil der Natur ist und durch ihre Gesetze und nicht durch übernatürliche oder paranormale Ursachen erklärt werden kann. Der Naturalismus entstand aus der Verabsolutierung des Realismus und unter dem Einfluss darwinistischer biologischer Theorien. wissenschaftliche Methoden das Studium der Gesellschaft und die deterministischen Ideen von Taine und anderen Positivisten.

Impressionismus - künstlerische Leitung (zweite Hälfte des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts), deren Invariante die Behauptung einer raffinierten, lyrisch ansprechenden, beeindruckbaren Persönlichkeit war, die die Schönheit der Welt bewunderte. Der Impressionismus eröffnete eine neue Art der Wahrnehmung der Realität. Im Gegensatz zum Realismus, der sich auf die Vermittlung des Typischen konzentriert, konzentriert sich der Impressionismus auf das Besondere, Individuelle und deren subjektive Vision durch den Künstler.

Impressionismus ist die Beherrschung der Farbe, des Hell-Dunkels, die Fähigkeit, die Vielfalt, das bunte Leben, die Lebensfreude zu vermitteln, flüchtige Momente der Erleuchtung und den allgemeinen Zustand der sich verändernden Welt einzufangen, die freie Luft zu vermitteln – das Spiel des Lichts und Schatten um eine Person und Dinge, die Luftumgebung, natürliches Licht, die dem abgebildeten Objekt ein ästhetisches Aussehen verleihen.

Der Impressionismus manifestierte sich in der Malerei (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) und in der Musik (C. Debussy und M Ravel, A. Skrjabin) und in der Literatur (teilweise G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eklektizismus- eine künstlerische Richtung (die sich hauptsächlich in der Architektur manifestierte), die bei der Schaffung von Werken jede Kombination jeglicher Formen der Vergangenheit, jeglicher nationaler Traditionen, offenen Dekorativismus, Austauschbarkeit und Äquivalenz von Elementen in einem Werk, Verletzung der Hierarchie in der künstlerisches System und Schwächung des Systems und der Integrität.

Eklektizismus ist gekennzeichnet durch: 1) eine Überfülle an Dekorationen; 2) gleiche Bedeutung verschiedener Elemente, aller Stilformen; 3) Verlust der Unterscheidung zwischen einem massiven und einzigartigen Gebäude in einem städtischen Ensemble oder einem literarischen Werk und anderen Werken des literarischen Prozesses; 4) Mangel an Einheitlichkeit: Die Fassade löst sich vom Körper des Gebäudes, das Detail – vom Ganzen, der Stil der Fassade – vom Stil des Innenraums, die Stile der verschiedenen Räume des Innenraums – voneinander ; 5) optionale symmetrisch-axiale Zusammensetzung (Abweichung von der Regel einer ungeraden Anzahl von Fenstern an der Fassade), Einheitlichkeit der Fassade; 6) das Prinzip des „non-finito“ (Unvollständigkeit des Werkes, Offenheit der Komposition); 7) Stärkung

assoziatives Denken des Autors (Künstler, Schreibender). la, Architekt) und Betrachter; 8) Befreiung von der alten Tradition und Abhängigkeit von den Kulturen verschiedener Epochen und verschiedener Völker; Verlangen nach dem Exotischen; 9) Multistil; 10) unregulierte Persönlichkeit (im Gegensatz zum Klassizismus), Subjektivismus, freie Manifestation persönlicher Elemente; 11) Demokratismus: die Tendenz, einen universellen, nicht klassenbezogenen Typ städtischen Wohnens zu schaffen.

Funktionell zielt der Eklektizismus in Literatur, Architektur und anderen Künsten darauf ab, dem „dritten Stand“ zu dienen. Der Schlüsselbau des Barock ist eine Kirche oder ein Schloss, der Schlüsselbau des Klassizismus ist ein Prunkbau, der Schlüsselbau des Eklektizismus ist ein Wohnhaus („für alle“). Eklektischer Dekorativismus ist ein Marktfaktor, der entstanden ist, um eine breite Kundschaft in ein Mehrfamilienhaus zu locken, in dem Wohnungen vermietet werden. Rentables Haus – eine Massenwohnungsform.

Modernismus- eine künstlerische Ära, die künstlerische Bewegungen vereint, deren künstlerisches Konzept die Beschleunigung der Geschichte und die Verstärkung ihres Drucks auf den Menschen widerspiegelt (Symbolismus, Rayonismus, Fauvismus, Primitivismus, Kubismus, Akmeismus, Futurismus); die Zeit der vollständigsten Verkörperung der Avantgarde. In der Zeit der Moderne kam es zu einer rasanten Entwicklung und Veränderung künstlerischer Strömungen.

Moderne künstlerische Tendenzen entstehen durch die Dekonstruktion der typologischen Struktur eines klassischen Werks – einige seiner Elemente werden zu Objekten künstlerischer Experimente. In der klassischen Kunst sind diese Elemente ausgeglichen. Der Modernismus brachte dieses Gleichgewicht durcheinander, indem er einige Elemente stärkte und andere schwächte.

Symbolismus- die künstlerische Richtung der Ära des Modernismus, die das künstlerische Konzept bestätigt: Der Traum des Dichters ist Ritterlichkeit und eine schöne Dame. Träume von

Ritterlichkeit, Verehrung einer schönen Dame füllen Poesie Symbolismus.

Symbolismus entstand in Frankreich. Seine Meister waren Baudelaire, Mallarmé, Verlaine und Rimbaud.

Der Akmeismus ist eine künstlerische Richtung der russischen Literatur des frühen 20. Jahrhunderts, die im „Silbernen Zeitalter“ entstand, hauptsächlich in der Poesie existierte und behauptete: der Dichter- ein Zauberer und stolzer Herrscher der Welt, der ihre Geheimnisse enträtselt und ihr Chaos überwindet.

Zum Akmeismus gehörten: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkewitsch, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich und andere Futurismus- die künstlerische Richtung der Ära der Moderne, die eine aggressiv militante Persönlichkeit im urban organisierten Chaos der Welt behauptet.

Künstlerisch definieren Faktor des Futurismus - Dynamik. Die Futuristen setzten das Prinzip des unbegrenzten Experimentierens um und erzielten innovative Lösungen in Literatur, Malerei, Musik und Theater.

Primitivismus- eine künstlerische Richtung, die den Menschen und die Welt vereinfacht und danach strebt, die Welt mit Kinderaugen zu sehen, freudig und einfach, außerhalb des „Erwachsenen“.» Schwierigkeiten. Aus diesem Wunsch ergeben sich die Stärken und Schwächen des Primitivismus.

Primitivismus ist eine atavistische Nostalgie für die Vergangenheit, die Sehnsucht nach einer vorzivilisierten Lebensweise.

Der Primitivismus versucht, die Hauptumrisse einer komplexen Welt einzufangen und sucht darin nach fröhlichen und verständlichen Farben und Linien. Primitivismus ist ein Gegenentwurf zur Realität: Die Welt wird komplexer und der Künstler vereinfacht sie. Allerdings vereinfacht der Künstler dann die Welt, um ihrer Komplexität gerecht zu werden.

Kubismus - eine geometrisierte Variante des Primitivismus, die die Realität vereinfacht und sie mit kindlichen oder „wilden“ Augen wahrnimmt.

der frühere Charakter der Primitivierung: die Sicht der Welt durch die Formen geometrisch regelmäßiger Figuren.

Der Kubismus in Malerei und Skulptur wurde von den italienischen Künstlern D. Severini, U. Boccione, K. Kappa entwickelt; Deutsch - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerikaner - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, Mexikaner Diego Rivera, Argentinier E. Pettoruti usw.

Im Kubismus sind architektonische Konstruktionen spürbar; Die Massen werden mechanisch miteinander verbunden und jede Masse behält ihre Unabhängigkeit. Der Kubismus eröffnete eine grundlegend neue Richtung in der figurativen Kunst. Die konventionellen Werke des Kubismus (Braque, Gris, Picasso, Léger) behalten ihre Verbindung zum Vorbild. Die Porträts entsprechen den Originalen und sind erkennbar (ein amerikanischer Kritiker erkannte in einem Pariser Café einen Mann, den er nur aus einem aus geometrischen Figuren zusammengesetzten Porträt von Picasso kannte).

Kubisten bilden die Realität nicht ab, sondern erschaffen eine „andere Realität“ und vermitteln nicht das Aussehen eines Objekts, sondern dessen Design, Architektur, Struktur, Wesen. Sie reproduzieren keine „narrative Tatsache“, sondern verkörpern visuell ihr Wissen über das dargestellte Thema.

Abstraktionismus- künstlerische Richtung der Kunst des 20. Jahrhunderts, deren künstlerisches Konzept das Bedürfnis des Einzelnen bekräftigt, der banalen und illusorischen Realität zu entkommen.

Die Werke der abstrakten Kunst sind losgelöst von den Formen des Lebens selbst und verkörpern die subjektiven Farbeindrücke und Fantasien des Künstlers.

Im Abstraktionismus gibt es zwei Strömungen. Erster Strom lyrisch-emotionaler, psychologischer Abstraktionismus – eine Symphonie der Farben, Harmonisierung formloser Farbkombinationen. Dieser Trend entstand aus der impressionistischen Vielfalt der Welteindrücke, die in den Gemälden von Henri Matisse zum Ausdruck kommt.

Der Schöpfer des ersten Werkes des psychologischen Abstraktionismus war V. Kandinsky, der das Gemälde „Berg“ malte.

Der zweite Strom Geometrischer (logischer, intellektueller) Abstraktionismus („Neoplastizismus“) ist nichtfigurativer Kubismus. P. Cezanne und die Kubisten, die schufen neuer Typ Kunstraum durch die Kombination verschiedener geometrische Formen, farbige Flächen, gerade und unterbrochene Linien.

Suprematismus(der Autor des Begriffs und des entsprechenden künstlerischen Phänomens Kasimir Malewitsch) - für den Abstraktionismus, der seine Merkmale schärft und vertieft. Malewitsch eröffnete 1913 mit dem Gemälde „Schwarzes Quadrat“ die Strömung des „Suprematismus“. Später formulierte Malewitsch seine ästhetischen Prinzipien: Kunst ist aufgrund ihres zeitlosen Wertes von Dauer; reine plastische Sensibilität – „die Würde von Kunstwerken“. Die Ästhetik und Poetik des Suprematismus bekräftigt universelle (suprematistische) Bildformeln und Kompositionen – ideale Konstruktionen geometrisch regelmäßiger Elemente.

Der Rayonismus ist einer der nahezu abstraktionistischen Trends, der die Schwierigkeit und Freude der menschlichen Existenz und die Ungewissheit der Welt, in der alle Objekte beleuchtet sind, bekräftigte verschiedene Quellen Licht, erweisen sich als zergliederte Strahlen dieses Lichts und verlieren ihre klare Bildhaftigkeit.

Der Luchismus entstand in 1908 - 1910 gg. im Werk der russischen Künstler Michail Larionow und seiner Frau Natalia Gontscharowa.

Während Dem Neomodernismus entstammen alle avantgardistischen Kunstrichtungen aus ein solches Verständnis der Realität: Ein Mensch kann dem Druck der Welt nicht standhalten und wird zum Neo-Menschen. In dieser Zeit erfolgte die Entwicklung

Es gibt avantgardistische Kunstrichtungen, die freudlose, pessimistische künstlerische Welt- und Persönlichkeitskonzepte vertreten. Unter ihnen Dadaismus, Konstruktivismus, Surrealismus, Existentialismus, Neoabstraktionismus usw.

Der Dadaismus ist eine künstlerische Bewegung, die ein künstlerisches Konzept bekräftigt; Welt- sinnloser Wahnsinn, der Vernunft und Glauben revidiert.

Die Prinzipien des Dadaismus waren; mit den Traditionen der Weltkultur brechen, einschließlich der Traditionen der Sprache; Flucht aus Kultur und Realität, die Vorstellung von der Welt als Chaos des Wahnsinns, in das ein wehrloser Mensch geworfen wird; Pessimismus, Unglaube, Verleugnung von Werten, ein Gefühl des allgemeinen Verlusts und der Sinnlosigkeit des Seins, die Zerstörung von Idealen und dem Sinn des Lebens. Der Dadaismus ist Ausdruck der Krise der klassischen Kulturwerte, der Suche nach einer neuen Sprache und neuen Werten.

Der Surrealismus ist eine Kunstrichtung, die sich auf eine verwirrte Person in einer mysteriösen und unerkennbaren Welt konzentriert. Der Begriff der Persönlichkeit im Surrealismus könnte in der Formel des Agnostizismus zusammengefasst werden: „Ich bin ein Mann, aber die Grenzen meiner Persönlichkeit und der Welt sind verschwommen.“ Ich weiß nicht, wo mein „Ich“ beginnt und wo es aufhört, wo ist die Welt und was ist sie?

Der Surrealismus als künstlerische Richtung wurde entwickelt von: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

Der Surrealismus entstand ursprünglich aus dem Dadaismus literarische Leitung, die später in der Malerei, aber auch im Kino, Theater und teilweise in der Musik ihren Ausdruck fand.

Für den Surrealismus sind Mensch und Welt, Raum und Zeit fließend und relativ. Sie verlieren ihre Grenzen. Der ästhetische Relativismus wird verkündet: Alles fließt, alles ist

es scheint durcheinander zu sein; es verschwimmt; nichts ist sicher. Der Surrealismus bekräftigt die Relativität der Welt und sein Werte. Es gibt keine Grenzen zwischen Glück und Unglück, zwischen Individuum und Gesellschaft. Chaos der Welt verursacht Chaos im künstlerischen Denken- das ist das Prinzip der Ästhetik des Surrealismus.

Das künstlerische Konzept des Surrealismus bekräftigt das Geheimnis und die Unerkennbarkeit der Welt, in der Zeit und Geschichte verschwinden und der Mensch im Unterbewusstsein lebt und angesichts von Schwierigkeiten hilflos ist.

Expressionismus- eine künstlerische Richtung, die behauptet: Entfremdet lebt der Mensch in einer feindlichen Welt. Als Held der Zeit stellte der Expressionismus eine ruhelose, von Emotionen überwältigte Persönlichkeit dar, die nicht in der Lage war, Harmonie in eine von Leidenschaften zerrissene Welt zu bringen. -

Der Expressionismus als künstlerische Richtung entstand auf der Grundlage von Beziehungen zu verschiedenen Bereichen wissenschaftlicher Tätigkeit: zu Freuds Psychoanalyse, Husserls Phänomenologie, neukantianischer Erkenntnistheorie, der Philosophie des Wiener Kreises und der Gestaltpsychologie.

Der Expressionismus manifestierte sich in verschiedenen Kunstgattungen: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch – in der Malerei; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka – in der Literatur; I. Strawinsky, B. Bartok, A. Schönberg – in der Musik.

Expressionismus auf der Grundlage der Kultur des 20. Jahrhunderts. lässt die Romantik wieder aufleben. Expressionismus inhärente Angst vor der Welt und Widerspruch zwischen äußerer Dynamik und die Idee des unveränderlichen Wesens der Welt (Unglaube an die Möglichkeit ihrer Verbesserung). Nach künstlerischen In den Konzepten des Expressionismus werden die Wesenskräfte der Persönlichkeit im Gegensatz zueinander entfremdet Mann und feindselige öffentliche Institutionen: alles ist nutzlos. Ek Der Expressionismus ist Ausdruck des Schmerzes eines humanistischen Künstlers,

verursacht durch die Unvollkommenheit der Welt. Expressionistischer Persönlichkeitsbegriff: Menschlich- ein emotionales, „natürliches“ Wesen, das der industriellen und rationalen, städtischen Welt, in der er leben muss, fremd ist.

Konstruktivismus- künstlerische Leitung (20er Jahre des 20. Jahrhunderts), deren konzeptionelle Invariante die Idee ist- Die Existenz des Menschen findet in einer Umgebung industrieller Kräfte statt, die ihm entfremdet sind. und der Held der Zeit- Rationalist der Industriegesellschaft.

Die in der Malerei geborenen neopositivistischen Prinzipien des Kubismus wurden in veränderter Form auf die Literatur und andere Künste ausgeweitet und in einer neuen Richtung gefestigt, indem sie mit den Ideen des Technizismus – dem Konstruktivismus – konvergierten. Letzterer betrachtete die Produkte der Industrie als unabhängig, vom Einzelnen entfremdet und seinen Werten widersprechend. Der Konstruktivismus erschien zu Beginn der wissenschaftlichen und technischen Revolution und idealisierte die Ideen des Technismus; Er schätzte Maschinen und ihre Produkte über das Individuum. Selbst die talentiertesten und Humanistische Werke Dem Konstruktivismus entfremdende Faktoren des technischen Fortschritts werden als selbstverständlich angesehen. Der Konstruktivismus ist voller Pathos des industriellen Fortschritts und der wirtschaftlichen Zweckmäßigkeit; es ist technokratisch.

Die Ästhetik des Konstruktivismus entwickelte sich zwischen den Extremen (manchmal fiel sie in eines davon) – dem Utilitarismus, der die Zerstörung der Ästhetik forderte, und dem Ästhetizismus. In der bildenden Kunst und in der Architektur sind die gestalterischen Prinzipien des Konstruktivismus der Technik möglichst nahe und umfassen: mathematische Berechnung, Lakonismus der künstlerischen Mittel, Schematismus der Komposition, Logisierung.

In der Literatur entwickelte sich im Werk der Gruppe der Konstruktivismus als künstlerische Richtung (1923 - 1930).

LCC (Konstruktivistisches Literaturzentrum): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, K.L. Zelinsky (Gruppentheoretiker) und andere. Der Konstruktivismus beeinflusste auch das Theater (die Regiearbeit von Vsevolod Meyerhold, der die Prinzipien der Biomechanik und Theatertechnik entwickelte und einführte Bühnenaktion Elemente eines Zirkusspektakels. Die Ideen des Konstruktivismus umfassten mit ihrem Einfluss verschiedene Kunstrichtungen, den größten Einfluss hatten sie jedoch auf die Architektur. Dies betraf insbesondere die Arbeit von Le Corbusier, I. Leonidov, V.A. Shchuko und V.G. Gelfreich.

Existentialismus- das Konzept der menschlichen Existenz, sein Platz und seine Rolle in dieser Welt, seine Beziehung zu Gott. Das Wesen des Existentialismus- der Vorrang der Existenz vor der Essenz (der Mensch selbst formt seine Existenz und erschafft die Essenz, indem er entscheidet, was er tut und was nicht). Der Existenzialismus bekräftigt eine einsame, selbstsüchtige, selbstgeschätzte Persönlichkeit in der Welt des Absurden. Für den Existentialismus steht das Individuum über der Geschichte.

In seinem künstlerischen Konzept behauptet der Existentialismus (J.P. Sartre, A. Camus), dass die Grundlagen der menschlichen Existenz absurd seien, schon allein deshalb, weil der Mensch sterblich sei; Die Geschichte wird immer schlimmer und wieder schlecht. Es gibt keine Aufwärtsbewegung, es gibt nur Eichhörnchen Rad Geschichte, in der sich das Leben der Menschheit sinnlos dreht.

Die grundsätzliche Einsamkeit, die das künstlerische Konzept des Existentialismus bekräftigt, hat die entgegengesetzte logische Konsequenz: Das Leben ist nicht dort absurd, wo der Mensch sich in der Menschlichkeit fortsetzt. Aber wenn ein Mensch ein Einzelgänger ist, wenn er der einzige Wert auf der Welt ist, dann ist er gesellschaftlich abgewertet, er hat keine Zukunft und dann ist der Tod absolut. Es streicht einen Menschen durch und das Leben wird bedeutungslos.

Neo-Abstraktionismus(Abstraktionismus der zweiten Welle) - spontan-impulsiver Selbstausdruck; eine grundsätzliche Ablehnung der Gegenständlichkeit, der Abbildung der Realität im Namen der reinen Ausdruckskraft; Bewusstseinsstrom in Farbe eingefangen.

Der Neoabstraktionismus wurde von einer neuen Generation von Abstraktionisten geschaffen: J. Paul Lak, De Kuhn und Yig, A. Manisirer und anderen. Sie beherrschten die surreale Technik und die Prinzipien des „mentalen Automatismus“. Paul Lak betont im kreativen Akt nicht das Werk, sondern den eigentlichen Prozess seiner Entstehung. Dieser Prozess wird zum Selbstzweck und hier entstehen die Ursprünge der „Malerei“.

Die Prinzipien des Neo-Abstraktionismus wurden von M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, M. Raton. Der italienische Theoretiker D. Severini drängte darauf, die Realität zu vergessen, da sie den plastischen Ausdruck nicht beeinträchtigt. Ein anderer Theoretiker, M. Zefor, sieht den Vorzug der abstrakten Malerei darin, dass sie nichts aus der normalen Umgebung des menschlichen Lebens mit sich bringt. Die Fotografie nahm der Malerei ihre Gegenständlichkeit und ließ ihr nur noch Ausdrucksmöglichkeiten, um die subjektive Welt des Künstlers zu offenbaren.

Das schwache Glied in der Theorie des Abstraktionismus und Neo-Abstraktionismus ist das Fehlen klarer Wertkriterien zur Unterscheidung von Kreativität von Spekulation, Ernsthaftigkeit von Witz, Talent von Mittelmäßigkeit, Geschicklichkeit von Trickserei.

Künstlerische Lösungen des Abstraktionismus und Neoabstraktionismus (Harmonisierung von Farbe und Form, Schaffung eines „Gleichgewichts“ von Flächen unterschiedlicher Größe aufgrund der Intensität ihrer Farbe) werden in Architektur, Design, dekorativer Kunst, Theater, Kino und Fernsehen verwendet.

Postmodernismus als künstlerisches Zeitalter trägt ein künstlerisches Paradigma, das dies behauptet Ein Mensch kann dem Druck der Welt nicht standhalten und wird zum Posthumanen. Alle künstlerischen Richtungen davon

Zeitraum sind von diesem Paradigma durchdrungen und manifestieren und brechen es durch ihre unveränderlichen Vorstellungen von Welt und Persönlichkeit: Pop Art, Sonopucmuka, Aleatorik, musikalischer Pointillismus, Hyperrealismus, Happenings usw.

Pop-Art- neue figurative Kunst. Der abstraktionistischen Realitätsverweigerung stellte die Pop-Art die raue Welt der materiellen Dinge entgegen, denen ein künstlerischer und ästhetischer Status zugeschrieben wird.

Pop-Art-Theoretiker argumentieren, dass in einem bestimmten Kontext jedes Objekt seine ursprüngliche Bedeutung verliert und zu einem Kunstwerk wird. Daher wird die Aufgabe des Künstlers nicht darin verstanden, ein künstlerisches Objekt zu schaffen, sondern darin, einem gewöhnlichen Objekt künstlerische Qualitäten zu verleihen, indem er einen bestimmten Kontext für seine Wahrnehmung organisiert. Die Ästhetisierung der materiellen Welt wird zum Prinzip der Pop-Art. Künstler streben nach Eingängigkeit, Sichtbarkeit und Verständlichkeit ihrer Werke und nutzen dazu die Poetik von Etiketten und Werbung. Pop-Art ist eine Komposition aus Alltagsgegenständen, manchmal kombiniert mit einem Modell oder einer Skulptur.

Zerknitterte Autos, verblasste Fotos, auf Kartons geklebte Zeitungs- und Posterfetzen, ein ausgestopftes Huhn unter einem Glas, ein zerschlissener, mit weißer Ölfarbe bemalter Schuh, Elektromotoren, alte Reifen oder Gasherde – das sind die Kunstausstellungen der Pop-Art.

Zu den Künstlern der Pop-Art zählen: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine und andere.

Pop-Art als Kunstrichtung hat verschiedene Spielarten (Trends): Op-Art (künstlerisch organisierte optische Effekte, geometrisierte Kombinationen von Linien und Punkten), env-apm(Kompositionen, künstlerische Gestaltung der den Betrachter umgebenden Umgebung), Email(Objekte, die sich mit Hilfe von Elektromotoren bewegen

und Konstruktionen zeichnete sich dieser Trend der Pop-Art als eigenständige künstlerische Richtung aus - der Kinetismus).

Die Pop-Art vertrat das Konzept der Verbraucheridentität der „Massenkonsum“-Gesellschaft. Die ideale Persönlichkeit der Pop-Art ist ein menschlicher Konsument, für den die ästhetisierten Stillleben von Warenkompositionen die spirituelle Kultur ersetzen sollten. Charakteristisch für die Pop-Art sind Wörter, die durch Waren ersetzt werden, Literatur, die durch Dinge ersetzt wird, Schönheit, die durch Nützlichkeit ersetzt wird, Gier nach Material, Warenkonsum und spirituelle Bedürfnisse. Diese Richtung ist grundsätzlich auf einen massenhaften, unkreativen Menschen ausgerichtet, dem das unabhängige Denken entzogen ist und der „seine“ Gedanken der Werbung und den Massenmedien entlehnt, der vom Fernsehen und anderen Medien manipuliert wird. Diese Persönlichkeit wird von der Pop-Art darauf programmiert, die vorgegebenen Rollen des Käufers und Konsumenten auszufüllen und dabei pflichtbewusst den entfremdenden Einfluss der modernen Zivilisation zu zerstören. Pop-Art-Persönlichkeit – Massenkultur-Zombie.

Hyperrealismus ~ eine künstlerische Bewegung, deren künstlerische Konzeption unveränderlich ist: unpersönlich Lebenssystem in einer grausamen und rauen Welt.

Hyperrealismus – schafft malerische übernatürliche Werke, die die kleinsten Details des abgebildeten Objekts vermitteln. Die Handlungsstränge des Hyperrealismus sind bewusst banal, die Bilder betont „objektiv“. Diese Richtung führt die Künstler zu den üblichen Formen und Mitteln der bildenden Kunst zurück, insbesondere zur Leinwand, die von der Pop-Art abgelehnt wird. Der Hyperrealismus macht die tote, vom Menschen geschaffene, „zweite“ Natur der städtischen Umwelt zum Hauptthema seiner Gemälde: Tankstellen, Autos, Schaufenster, Wohngebäude, Telefonzellen, die als vom Menschen entfremdet dargestellt werden.

Der Hyperrealismus zeigt die Folgen übermäßiger Urbanisierung, die Zerstörung der Ökologie der Umwelt, beweist, dass die Metropole eine unmenschliche Umwelt schafft. Hauptthema Hyperrealismus – unpersönliches mechanisiertes Leben der modernen Stadt.

Die theoretische Grundlage des Hyperrealismus sind die philosophischen Ideen der Frankfurter Schule, die die Notwendigkeit bekräftigen, sich von ideologisierten Formen des figurativen Denkens zu lösen.

Kunstwerke Fotorealismus basieren auf einer stark vergrößerten Fotografie und werden oft mit Hyperrealismus gleichgesetzt. Sowohl hinsichtlich der Technologie der Bilderzeugung als auch vor allem hinsichtlich der Invariante der künstlerischen Welt- und Persönlichkeitsauffassung handelt es sich jedoch um zwar nahestehende, aber unterschiedliche künstlerische Richtungen. Hyperrealisten imitierten Fotos mit bildnerischen Mitteln auf Leinwand, Fotorealisten imitierten Gemälde durch Bearbeitung (mit Farben, Collage) von Fotografien.

Der Fotorealismus bekräftigt den Vorrang der dokumentarischen und künstlerischen Konzeption: ein zuverlässiger, gewöhnlicher Mensch in einer zuverlässigen, gewöhnlichen Welt.

Der Zweck des Fotorealismus ist die Abbildung des modernen Alltags. Straßen, Passanten, Schaufenster, Autos, Ampeln, Häuser, Haushaltsgegenstände werden in den Werken des Fotorealismus authentisch, objektiv und superähnlich wiedergegeben.

Die Hauptmerkmale des Fotorealismus: 1) Figurativität im Gegensatz zu den Traditionen des Abstraktionismus; 2) Anziehungskraft auf die Handlung; 3) der Wunsch, „realistische Klischees“ und Dokumentarfilme zu vermeiden; 4) Vertrauen auf die künstlerischen Errungenschaften der Fototechnik.

Sonoristik- Richtung in der Musik: das Spiel der Klangfarben, das das „Ich“ des Autors ausdrückt. Für seine Vertreter ist nicht die Tonhöhe wichtig, sondern die Klangfarbe. Sie suchen Neues Musical Farben, unkonventioneller Klang: Sie spielen auf einem Stock, auf

Säge, Stäbchen auf den Klaviersaiten, auf das Deck klatschen, weiter Fernbedienung, Der Ton entsteht durch Abwischen des Mundstücks mit einem Taschentuch.

Bei reiner Klangmusik spielen Melodie, Harmonie und Rhythmus keine besondere Rolle, es kommt nur auf den Klang der Klangfarbe an. Die Notwendigkeit, es zu reparieren, erweckte spezielle grafische Formen der Klangaufzeichnung in Form dünner, kräftiger, wellenförmiger, kegelförmiger Linien zum Leben. Manchmal wird auch der Bereich angegeben, in dem der Interpret spielen muss.

Der Begründer der Sonoramusik war der polnische Komponist K. Penderecki, seine Initiative wurde von K. Serocki, S. Bussotti und anderen fortgeführt.

Musikalischer Pointillismus- Richtung im Visier * Ein Merkmal davon ist der Bruch des musikalischen Gefüges, seine Zerstreuung in Registern, die Komplexität von Rhythmus und Taktarten, die Fülle an Pausen.

Der musikalische Pointillismus weigert sich, eine verständliche künstlerische Realität zu schaffen (aus einer Realität, die auf der Grundlage der weltweiten musikalischen und künstlerischen Tradition und unter Verwendung traditioneller musikalischer semiotischer Codes verstanden werden könnte). Der Pointillismus orientiert den Einzelnen auf die Auswanderung in die Welt seiner Seele und bekräftigt die Fragmentierung der umgebenden Welt.

Aleatorica- künstlerische Leitung von Literatur und Musik, basierend auf der philosophischen Vorstellung, dass im Leben der Zufall herrscht, und der Bekräftigung des künstlerischen Konzepts: des Menschen- Spieler in der Welt der Zufallssituationen.

Vertreter der Aleatorik: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky und andere. Der Zufall dringt mechanisch in literarische oder musikalische Werke ein: durch das Werfen von Chips (Würfeln), durch Schachspielen, durch das Mischen von Seiten oder das Variieren von Fragmenten, aber auch durch

Improvisation: Der Notentext wird in „Zeichen-Symbolen“ geschrieben und dann frei interpretiert.

Ereignis- Dies ist eine der Arten moderner künstlerischer Kultur im Westen. A. Keprou war der Autor der ersten Produktionen des Happenings „Courtyard“, „Creations“. Happening-Aufführungen beinhalten mysteriöse, manchmal unlogische Handlungen der Darsteller und zeichnen sich durch eine Fülle von Requisiten aus, die aus gebrauchten oder sogar von einer Mülldeponie entnommenen Gegenständen hergestellt wurden. Die auftretenden Teilnehmer tragen helle, übertrieben lächerliche Kostüme und betonen die Unbelebtheit der Darsteller, ihre Ähnlichkeit entweder mit Kisten oder Eimern. Manche Aufführungen bestehen beispielsweise aus der schmerzhaften Befreiung unter einer Plane. Gleichzeitig ist das individuelle Verhalten der Akteure improvisatorisch. Manchmal wenden sich Schauspieler mit der Bitte um Hilfe an das Publikum. Diese Einbeziehung des Betrachters in das Geschehen entspricht dem Geist des Geschehens.

Der durch das Geschehen vorgebrachte Welt- und Persönlichkeitsbegriff lässt sich wie folgt formulieren: die Welt- Eine Kette zufälliger Ereignisse, eine Person muss subjektiv völlige Freiheit spüren, tatsächlich aber einer einzigen Aktion gehorchen, manipuliert werden.

Beim Happening kommt Lichtmalerei zum Einsatz: Das Licht verändert kontinuierlich Farbe und Stärke, wird direkt auf den Schauspieler gerichtet oder scheint durch Bildschirme aus unterschiedlichen Materialien. Oft wird es von Geräuscheffekten (menschliche Stimmen, Musik, Klirren, Knistern, Knirschen) begleitet. Der Ton ist teilweise sehr stark, unerwartet, auf Schockwirkung ausgelegt. Die Präsentation umfasst Dias und Filmrahmen. Laura verwendet auch Aromastoffe. Der Darsteller erhält vom Regisseur einen Auftrag, die Dauer der Aktionen der Teilnehmer ist jedoch nicht festgelegt. Jeder kann das Spiel jederzeit verlassen.

Das Geschehen findet an verschiedenen Orten statt: auf Parkplätzen, in von Hochhäusern umgebenen Höfen, in der U-Bahn. Wälle, Dachböden. Der Aktionsraum soll nach den Prinzipien dieser Aktion die Vorstellungskraft des Künstlers und des Betrachters nicht einschränken.

Der Happening-Theoretiker M. Kerby verweist diese Art von Spektakel auf den Bereich des Theaters, weist jedoch darauf hin, dass Happening sich vom Theater dadurch unterscheidet, dass die traditionelle Struktur der Aufführung fehlt: Handlung, Charaktere und Konflikt. Andere Forscher assoziieren die Natur des Geschehens mit Malerei und Skulptur und nicht mit dem Theater.

Mit seinen Ursprüngen geht das Happening auf die künstlerische Suche des frühen 20. Jahrhunderts zurück, auf die Versuche einiger Maler und Bildhauer, den Fokus von einem Gemälde oder einer Skulptur auf den Entstehungsprozess selbst zu verlagern. Mit anderen Worten: Happening hat auch seinen Ursprung Ursprünge im „Action Painting“: im „Tröpfchenspritzen“ von J. Pollock, in De Koonings „slashing“ Strichen, in kostümierten Bilddarbietungen von J. Mathieu.

selbstzerstörerische Kunst- das ist eines der seltsamen Phänomene der Postmoderne. Mit Farbe gemalte Gemälde verblassen vor den Augen des Publikums. Das Buch „Nothing“, 1975 in den USA veröffentlicht und in England nachgedruckt. Es hat 192 Seiten und keine davon hat eine einzige Zeile. Der Autor behauptet, er habe den Gedanken geäußert: Ich habe Ihnen nichts zu sagen. All dies sind Beispiele selbstzerstörerischer Kunst. Es findet auch seinen Ausdruck in der Musik: die Aufführung eines Stückes auf einem bröckelnden Klavier oder auf einer verfallenden Geige und so weiter.

Konzeptualismus- Hierbei handelt es sich um einen künstlerischen Trend in der westlichen Kunst, der in seinem künstlerischen Konzept einen Menschen bekräftigt, der von der direkten (unmittelbaren) Bedeutung der Kultur losgelöst ist und von ästhetisierten Produkten geistiger Aktivität umgeben ist.

Die Werke des Konzeptualismus sind in ihrer Textur und Erscheinung unvorhersehbar unterschiedlich: Fotos, Fotokopien von Texten, Telegramme, Reproduktionen, Grafiken, Zahlenkolonnen, Diagramme. Der Konzeptualismus nutzt das intellektuelle Produkt menschlichen Handelns nicht für den beabsichtigten Zweck: Der Rezipient soll die Bedeutung des Textes nicht lesen und interpretieren, sondern ihn als rein ästhetisches Produkt wahrnehmen, das in seiner Erscheinung interessant ist.

Vertreter des Konzeptualismus; Amerikanische Künstler T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler und andere.

Kritischer Realismus des 19. Jahrhunderts,- künstlerische Leitung“, die das Konzept vertritt: Die Welt und der Mensch sind unvollkommen; Ausfahrt- Nicht-Widerstand gegen das Böse durch Gewalt und Selbstverbesserung.

M Sozialistischer Realismus- eine künstlerische Richtung, die ein künstlerisches Konzept bekräftigt: Eine Person ist sozial aktiv und wird mit gewaltsamen Mitteln in die Entstehung der Geschichte einbezogen.

bäuerlicher Realismus- eine künstlerische Richtung, die behauptet, dass der Bauer der Hauptträger der Moral und der Stütze des nationalen Lebens ist.

Bauernrealismus (Dorfprosa) – die literarische Richtung der russischen Prosa (60er – 80er Jahre); Das zentrale Thema ist das moderne Dorf, Protagonist- Der Bauer ist der einzig wahre Vertreter des Volkes und Träger von Idealen.

Neorealismus- die künstlerische Richtung des Realismus des 20. Jahrhunderts, die sich im italienischen Kino der Nachkriegszeit und teilweise in der Literatur manifestierte. Merkmale: Der Neorealismus zeigte großes Interesse an einem Mann aus dem Volk, am Leben gewöhnliche Menschen: Geschärfte Liebe zum Detail, Beobachtung und Fixierung von Elementen, die nach dem Zweiten Weltkrieg ins Leben kamen. Produktion

Die Lehren des Neorealismus bekräftigen die Ideen des Humanismus, die Bedeutung einfacher Lebenswerte, Freundlichkeit und Gerechtigkeit in den menschlichen Beziehungen, die Gleichheit der Menschen und ihre Würde, unabhängig von ihrem Eigentumsstatus.

magischer Realismus- die künstlerische Richtung des Realismus, die das Konzept bekräftigt: Der Mensch lebt in einer Realität, die Moderne und Geschichte, das Übernatürliche und das Natürliche, das Paranormale und das Gewöhnliche vereint.

Besonderheit magischer Realismus- Phantastische Episoden entwickeln sich nach den Gesetzen der Alltagslogik zur Alltagsrealität.

psychologischer Realismus- künstlerische Bewegung des 20. Jahrhunderts, die das Konzept vertritt: Der Einzelne ist verantwortlich; Die spirituelle Welt sollte von einer Kultur erfüllt sein, die die Brüderlichkeit der Menschen fördert und ihren Egozentrismus und ihre Einsamkeit überwindet.

intellektueller Realismus- Dies ist die künstlerische Richtung des Realismus, in deren Werken sich ein Ideendrama entfaltet und die Figuren in den Gesichtern die Gedanken des Autors „nachspielen“, verschiedene Aspekte seiner künstlerischen Konzeption zum Ausdruck bringen. Intellektueller Realismus setzt eine konzeptionelle und philosophische Denkweise des Künstlers voraus. Wenn der psychologische Realismus die Plastizität der Gedankenbewegung vermitteln möchte, die Dialektik der menschlichen Seele, das Zusammenspiel von Welt und Bewusstsein offenbaren möchte, dann versucht der intellektuelle Realismus, tatsächliche Probleme künstlerisch und überzeugend zu lösen und den Zustand der Welt zu analysieren.

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Rationalistische Grundlagen der Kultur

Es ist unmöglich, eine vollkommen genaue Grenze zwischen den Kulturen des 16. und 17. Jahrhunderts zu ziehen. Bereits im 16. Jahrhundert nahmen in den Lehren italienischer Naturphilosophen neue Vorstellungen von der Welt Gestalt an. Aber der eigentliche Wendepunkt in der Wissenschaft des Universums findet an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert statt, als Giordano Bruno, Galileo Galilei und Kepler, die die heliozentrische Theorie von Kopernikus entwickelten, zu dem Schluss über die Pluralität der Welten kommen, etwa die Unendlichkeit des Universums, in dem die Erde nicht das Zentrum, sondern ein kleines Teilchen ist, als die Erfindung des Teleskops und des Mikroskops dem Menschen die Existenz des unendlich Fernen und des unendlich Kleinen offenbarte.

Im 17. Jahrhundert veränderte sich das Verständnis des Menschen, seines Platzes in der Welt, der Beziehung zwischen Individuum und Gesellschaft. Die Persönlichkeit des Renaissance-Menschen zeichnet sich durch absolute Einheit und Integrität aus, sie ist frei von Komplexität und Entwicklung. Die Persönlichkeit – der Renaissance – behauptet sich im Einklang mit der Natur, die eine gute Kraft ist. Die Energie eines Menschen sowie sein Vermögen bestimmen seinen Lebensweg. Dieser „idyllische“ Humanismus war jedoch nicht mehr geeignet neue Ära als ein Mensch aufhörte, sich selbst als Zentrum des Universums zu erkennen, als er die ganze Komplexität und Widersprüchlichkeit des Lebens spürte, als er einen erbitterten Kampf gegen die feudale katholische Reaktion führen musste.

Die Persönlichkeit des 17. Jahrhunderts ist nicht an sich wertvoll, wie die Persönlichkeit der Renaissance, sie ist immer auf die Umwelt, auf die Natur und auf die Masse der Menschen angewiesen, denen sie sich zeigen, beeindrucken und überzeugen will. Diese Tendenz, einerseits die Fantasie der Massen anzuregen und sie andererseits zu überzeugen, ist eines der Hauptmerkmale der Kunst des 17. Jahrhunderts.

Die Kunst des 17. Jahrhunderts ist ebenso wie die Kunst der Renaissance vom Heldenkult geprägt. Aber dies ist ein Held, der nicht durch Taten, sondern durch Gefühle und Erfahrungen gekennzeichnet ist. Davon zeugt nicht nur die Kunst, sondern auch die Philosophie des 17. Jahrhunderts. Descartes schafft die Lehre von den Leidenschaften, während Spinoza die menschlichen Wünsche als „Linien, Flächen und Körper“ betrachtet.

Dieses neue Welt- und Menschenbild konnte im 17. Jahrhundert je nach Nutzung eine zweifache Richtung annehmen. In dieser komplexen, widersprüchlichen, vielschichtigen Welt der Natur und der menschlichen Psyche könnten ihre chaotische, irrationale, dynamische und emotionale Seite, ihre illusorische Natur, ihre sinnlichen Qualitäten hervorgehoben werden. Dieser Weg führte zum Barockstil.

Der Schwerpunkt könnte aber auch auf klare, eindeutige Ideen gelegt werden, die Wahrheit und Ordnung in diesem Chaos durchschauen, auf das Denken, das mit seinen Konflikten kämpft, auf die Vernunft, die Leidenschaften überwindet. Dieser Weg führte zum Klassizismus.

Barock und Klassizismus, die ihr klassisches Design in Italien bzw. Frankreich erhielten, verbreiteten sich mehr oder weniger in allen europäischen Ländern und waren die vorherrschenden Strömungen in der künstlerischen Kultur des 17. Jahrhunderts.

Ästhetische Prinzipien des Barock

Der Barockstil hat seinen Ursprung in Italien, in einem in kleine Staaten zersplitterten Land, in einem Land, das Gegenreformation und eine starke feudale Reaktion erlebte, in dem sich wohlhabende Bürger in eine Landaristokratie verwandelten, in einem Land, in dem Theorie und Praxis des Manierismus blühten, und wo gleichzeitig die reichsten Traditionen der künstlerischen Kultur der Renaissance in ihrer ganzen Pracht bewahrt wurden. Der Barock bezog seine Subjektivität aus dem Manierismus, seine Leidenschaft für die Wirklichkeit aus der Renaissance, beides jedoch in einer neuen stilistischen Brechung. Und obwohl die Überreste des Manierismus weiterhin das erste und sogar das zweite Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts prägen, kann die Überwindung des Manierismus in Italien im Wesentlichen um 1600 als abgeschlossen angesehen werden.

Eines der für die barocke Ästhetik charakteristischen Probleme ist das Problem der Überzeugung, das seinen Ursprung in der Rhetorik hat. Rhetorik unterscheidet nicht zwischen Wahrheit und Plausibilität; als Mittel zur Überzeugung scheinen sie gleichwertig zu sein – und daraus folgt der illusorische, phantastische Subjektivismus der Barockkunst, verbunden mit der Klassifizierung der „Kunst“-Technik, eine Wirkung zu erzeugen, die einen subjektiven, irreführenden Eindruck von Plausibilität erzeugt.

Basierend auf der Tatsache, dass das Hauptkonzept der barocken Ästhetik die Fähigkeit zu überzeugen ist, wird darunter die Fähigkeit verstanden, den Betrachter mit Hilfe eines bestimmten Einflussinstruments, nämlich eines Kunstwerks, zu überzeugen. Rhetorik schmückt die Sprache, verleiht Konzepten und Gegenständen eine leichter wahrnehmbare Form. Rhetorik ist untrennbar mit Literatur und Poesie verbunden, die sich oft mit Rhetorik identifiziert. Die Fähigkeit zur Überzeugung muss denjenigen überzeugen, berühren, überraschen, an den sie gerichtet ist. Der Autor muss daher bis ins kleinste Detail wissen, an wen sein Werk gerichtet ist, muss ihn studieren und sich bei der Erstellung seiner Werke von diesem Wissen leiten lassen.

Gibt es anerkannte und verbindliche Methoden, um den Betrachter, Leser, Zuhörer aufgrund ihrer Wirksamkeit zu überzeugen? Alle Methoden sind geeignet, sofern sie ihr Hauptziel erreichen – denjenigen zu überzeugen, für den sie bestimmt sind. In dieser Hinsicht wird das Problem der Wahrheit oder Falschheit eines Kunstwerks in den Hintergrund gedrängt, es wird bedeutungslos. Die Illusion wird zum Prinzip. Der Leser und Betrachter muss zunächst einmal fassungslos und überrascht sein, und das gelingt mit Hilfe einer gekonnten Auswahl seltsamer und ungewöhnlich komponierter Bilder.

Die meisten Barocktheoretiker waren Schriftsteller, aber in ihren Aussagen kann man deutlich den Haupttrend der Barockzeit spüren – zur Konvergenz verschiedener Kunstgattungen. Alle Künste sind miteinander verbunden und haben eine einzige Essenz. Sie unterscheiden sich lediglich in der Ausdrucksweise.

Rationalismus und Normativismus der Ästhetik des Klassizismus

Der Klassizismus ist einer der wichtigsten Bereiche der Kunst. Der Klassizismus hat sich in den Werken und der Kreativität vieler Generationen etabliert und eine brillante Galaxie von Dichtern und Schriftstellern, Malern und Musikern, Architekten, Bildhauern und Schauspielern hervorgebracht. Er hinterließ solche Meilensteine ​​auf dem Weg der künstlerischen Entwicklung der Menschheit wie Tragödien Corneille, Racine, Milton, Voltaire, Komödie Molière Musik Ruhe, Poesie La Fontaine, Park und Architekturensemble von Versailles, Gemälde von Poussin.

Der Klassizismus beginnt seine Abrechnung im 16. Jahrhundert, dominiert im 17. Jahrhundert, setzt sich im 18. und frühen 19. Jahrhundert kraftvoll und beharrlich durch. Die Geschichte selbst bestätigt die Lebensfähigkeit der Traditionen des klassizistischen Kunstsystems und den Wert der ihm zugrunde liegenden Konzepte der Welt und der menschlichen Person, vor allem des für den Klassizismus charakteristischen moralischen Imperativs.

Das Wort „Klassizismus“ (von lat. classicus – vorbildlich) verkörperte die konsequente Orientierung der neuen Kunst am antiken „Vorbild“. Treue zum Geist der Antike bedeutete für die Klassiker jedoch weder eine einfache Wiederholung dieser antiken Vorbilder noch eine direkte Kopie antiker Theorien. Der Klassizismus war ein Spiegelbild der Ära der absoluten Monarchie und des Adels und der Bürokratie, auf denen die Monarchie basierte. Appell an die Kunst Griechenlands und Roms, die es auch gab Kennzeichen der Renaissance kann an sich noch nicht als Klassizismus bezeichnet werden, obwohl er bereits viele Merkmale dieser Strömung enthielt.

Die absolute Monarchie hat in der Geschichte Frankreichs eine doppelte Rolle gespielt. Die Kulturpolitik der absoluten Monarchie und ihre ästhetische Lehre – der Klassizismus – zeichneten sich durch dieselbe Dualität aus. Die monarchischen Höfe waren geprägt von dem Wunsch, alle künstlerischen Kräfte einer zentralisierenden Organisation unterzuordnen. Kardinal Richelieu gründete das offizielle Zentrum auf dem Gebiet der Literatur und Sprache – die Französische Akademie. Unter Ludwig XIV. wurde die Akademie der Schönen Künste gegründet. In diesen Zentren der künstlerischen Kultur wurde viel Arbeit geleistet, um eine einzige literarische Sprache zu schaffen, sie von provinziellen Merkmalen und Überresten der Antike zu befreien, eine korrekte literarische Sprache zu entwickeln, Genres zu klassifizieren und so weiter. Ähnliche Aktivitäten übte die Akademie der Künste aus, die die bedeutendsten Maler und Kunsttheoretiker zusammenbrachte. Im Allgemeinen waren alle diese Aktivitäten von fortschrittlicher Bedeutung.

Nach den Regeln der Kunst wurde vom Künstler in erster Linie „edle Gestaltung“ verlangt. Die Handlung des Bildes muss lehrreichen Wert gehabt haben. Daher wurden alle Arten von Allegorien besonders geschätzt, in denen mehr oder weniger konventionell aufgenommene Lebensbilder unmittelbar allgemeine Vorstellungen zum Ausdruck brachten. Das höchste Genre galt als „historisch“, das die antike Mythologie, Handlungsstränge aus berühmten literarischen Werken, aus der Bibel und dergleichen umfasste. Porträts, Landschaften und Szenen aus dem wirklichen Leben galten als „kleines Genre“. Das unbedeutendste Genre war das Stillleben.

In der Poesie rückte der Klassizismus die rationale Entwicklung des Themas nach bestimmten Regeln in den Vordergrund. Das markanteste Beispiel hierfür ist „Poetische Kunst“ bualo- eine Abhandlung, die in schönen Versen verfasst ist und viele interessante Ideen enthält. Boileau stellte die Forderung nach dem Vorrang des Inhalts in der poetischen Kunst auf, obwohl dieses Prinzip bei ihm in einer zu einseitigen Form zum Ausdruck kam – in Form einer abstrakten Unterordnung des Gefühls unter die Vernunft.

Ästhetik der europäischen Aufklärung

Die ästhetischen Theorien der Aufklärung entstanden während der frühen bürgerlichen Revolutionen des 17.-18. Jahrhunderts und sind Teil der Ideologie und Kultur ihrer Zeit. Die Aufklärer glaubten, dass die Neuordnung eines veralteten Gesellschaftssystems durch die Verbreitung fortschrittlicher Ideen, durch den Kampf gegen Unwissenheit, religiöse Dummheit, mittelalterliche Scholastik, unmenschliche Feudalmoral, Kunst und Ästhetik erfolgen sollte, die den Bedürfnissen der oberen Schichten entsprachen der feudal-absolutistische Staat.

Bei aller Fortschrittlichkeit konnten die Aufklärer nicht über die Grenzen ihrer Zeit hinausgehen. In den Intrigen einer harmonischen Gesellschaft verließen sich die Aufklärer auf einen abstrakten „Bürger“, auf sein politisches und moralisches Bewusstsein und keineswegs auf die reale Person, die tatsächlich im Kapitalismus geformt wurde.

Aufklärer versuchten durch moralische, politische und ästhetische Bildung eine Umgestaltung der Gesellschaft auf den Prinzipien der Gleichheit und Gerechtigkeit zu erreichen. Sie waren sich der Tatsache bewusst, dass es Widersprüche zwischen privaten und öffentlichen Interessen, zwischen persönlichem Anspruch und Pflicht, zwischen Individuum und Gesellschaft gibt. Sie hofften, diese Widersprüche weitgehend durch ästhetische Bildung aufzulösen. Daher waren sie davon überzeugt, dass das ästhetische Prinzip in der Lage ist, den angeborenen Egoismus des Menschen zu mildern und den Menschen zu einem „Individuum“ zu machen.

Unter dem Gesichtspunkt der Erziehung eines „Bürgers“, eines neuen Menschen, betrachteten die Aufklärer die Grundkonzepte: schön, erhaben, Harmonie, Anmut, Geschmack ( Burke, Diderot ); Die Probleme des Wesens und der sozialen Funktionen der Kunst, des künstlerischen Konflikts, des Charakters, der Wahrheit in der Kunst usw. wurden im gleichen Geist behandelt. Das Leitmotiv der ästhetischen Konzepte der Aufklärung war die Verteidigung der Kunst des hohen bürgerlichen Pathos, der Prinzipien des Realismus und Humanismus. Er sprach über die Beziehung zwischen dem Schönen und dem Moralischen Shaftesbury .

Bei der Interpretation der Kategorien der Ästhetik gingen die Aufklärer von den Prinzipien der Sensationslust aus, einer solchen erkenntnistheoretischen Richtung, nach der die Sinnlichkeit die Hauptform verlässlichen Wissens ist. Die klassische Formel, die Sensationslust charakterisiert, stammt von den Stoikern: „Es gibt nichts im Geist, was nicht vorher in den Sinnen war.“

Theoretische Gestaltung des Faches Ästhetik

Der Begründer der deutschen Ästhetik der Aufklärung und der „Pate“ eines eigenständigen Teils philosophischen Wissens war Baumgarten . Sein erkenntnistheoretisches System gliederte sich in zwei Abschnitte: Ästhetik und Logik. Die erste war eine Theorie des „niederen“, sensorischen Wissens, die zweite – höhere, „intellektuelle“. Zur Bezeichnung niederen Wissens wählte er den Begriff „Ästhetik“, der gleichzeitig als Empfindung, Gefühl und Wissen interpretiert wurde. Wenn also die Logik die Wissenschaft des intellektuellen Wissens ist, also der Gesetze und Formen des Denkens, dann ist die Ästhetik die Wissenschaft des sinnlichen Wissens. Dementsprechend gibt es zwei Arten von Urteilen: „logisch“ und „sensibel“ (sensorisch). Die ersteren basieren auf eindeutigen Vorstellungen, die letzteren auf vagen. Diejenigen, die auf klaren Vorstellungen beruhen, nennt er Vernunfturteile, und solche, die auf vagen Vorstellungen beruhen, nennt er Geschmacksurteile. Urteile der Vernunft geben uns Wahrheit, Urteile des Geschmacks geben uns Schönheit. Die objektive Grundlage des Urteils des Geistes und des Geschmacksurteils ist die Vollkommenheit, das heißt die Übereinstimmung der Gegenstände mit ihrem Begriff.

Das Wesen und der öffentliche Zweck der Kunst im Zeitalter der Aufklärung

Das Wesen der Kunst sah der deutsche Aufklärer in der Nachahmung der Natur Winkelmann. Die Nachahmung des Schönen in der Natur kann entweder auf einen einzelnen Gegenstand gerichtet sein oder Beobachtungen an mehreren einzelnen Gegenständen zusammenfassen. Im ersten Fall erhält man eine ähnliche Kopie, ein Porträt, im zweiten Fall ein Idealbild. Winkelman hält den zweiten Weg für fruchtbarer. Hier agiert der Künstler nicht als Kopist, sondern als echter Schöpfer, denn bevor er ein Bild schafft, entwirft er einen allgemeinen Schönheitsbegriff und folgt dann dessen Prototyp. Ideale Schönheit überschreitet gewöhnliche Formen der Materie und überwindet deren Grenzen.

ÄSTHETIK die Wissenschaft der Sinneswahrnehmung, die Schönheit begreift und erschafft und in den Bildern der Kunst zum Ausdruck kommt.

Der Begriff „Ästhetik“ wurde Mitte des 18. Jahrhunderts in die wissenschaftliche Praxis eingeführt. Deutscher Aufklärungsphilosoph Alexander Gottlieb Baumgarten Ästhetik, 1750). Der Begriff stammt aus dem Griechischen

aisthetikos Gefühl, das sich auf die Sinneswahrnehmung bezieht. Baumgarten hob die Ästhetik als eigenständige philosophische Disziplin hervor. THEMA DER ÄSTHETIK Kunst und Schönheit sind seit langem Gegenstand des Studiums. Seit mehr als zwei Jahrtausenden hat sich die Ästhetik im Rahmen von Philosophie, Theologie, künstlerischer Praxis und Kunstkritik entwickelt.

Im Laufe der Entwicklung wurde das Thema komplexer und bereichernder Ästhetik. In der Antike berührte die Ästhetik die allgemeinen philosophischen Fragen nach dem Wesen von Schönheit und Kunst; Die Theologie hatte einen erheblichen Einfluss auf die mittelalterliche Ästhetik, die als eines der Werkzeuge zur Erkenntnis Gottes diente. In der Renaissance entwickelte sich das ästhetische Denken hauptsächlich im Bereich der künstlerischen Praxis und das künstlerische Schaffen und seine Verbindung mit der Natur wurden zu seinem Thema. Zu Beginn des New Age versuchte die Ästhetik, die Normen der Kunst zu prägen. Die Politik hatte großen Einfluss auf die Ästhetik der Aufklärung und konzentrierte sich auf den gesellschaftlichen Zweck künstlerischen Schaffens, seine moralische und kognitive Bedeutung.

Der Klassiker der deutschen Philosophie, Immanuel Kant, betrachtete das Thema Ästhetik traditionell als schön in der Kunst. Aber die Ästhetik untersucht nach Kant nicht die Objekte der Schönheit, sondern nur Urteile über die Schönheit, d.h. ist eine Kritik des ästhetischen Urteilsvermögens. Georg Hegel definierte den Gegenstand der Ästhetik als Philosophie der Kunst oder Philosophie künstlerischen Handelns und glaubte, dass es bei der Ästhetik darum geht, den Platz der Kunst im System des Weltgeistes zu bestimmen.

Zukünftig wurde das Thema Ästhetik auf die theoretische Begründung einer bestimmten Kunstrichtung, der Analyse, eingegrenzt künstlerischer Stil, zum Beispiel Romantik (Novalis), Realismus (V. Belinsky, N. Dobrolyubov), Existentialismus (A. Camus, J.-P. Sartre). Marxisten definierten Ästhetik als die Wissenschaft von der Natur und den Gesetzen der ästhetischen Assimilation der Realität und der künstlerischen Kultur der Gesellschaft.

A.F. Losev betrachtete das Thema Ästhetik als eine Welt ausdrucksstarker Formen, die von Mensch und Natur geschaffen wurden. Er glaubte, dass die Ästhetik nicht nur das Schöne, sondern auch das Hässliche, das Tragische, das Komische usw. untersucht und daher die Wissenschaft des Ausdrucks im Allgemeinen ist. Darauf aufbauend kann Ästhetik als die Wissenschaft der sinnlichen Wahrnehmung der Ausdrucksformen der umgebenden Welt definiert werden. In diesem Sinne ist der Begriff der Kunstform gleichbedeutend mit einem Kunstwerk. Aus all dem Gesagten können wir schließen, dass das Thema Ästhetik mobil und veränderlich ist und dass dieses Problem aus historischer Perspektive offen bleibt.

ÄSTHETISCHE AKTIVITÄT Kunstwerke entstehen als Ergebnis künstlerischer Tätigkeit, die die höchste Form menschlicher ästhetischer Tätigkeit darstellt. Aber der Bereich der ästhetischen Erforschung der Welt ist viel weiter als die Kunst selbst. Es berührt auch Aspekte praktischer Natur: Gestaltung, Garten- und Parkkultur, Alltagskultur usw. Diese Phänomene beschäftigen sich mit technischer und praktischer Ästhetik. Technische Ästhetik ist die Theorie des Designs, die Erforschung der Welt nach den Gesetzen der Schönheit mit industriellen Mitteln. Die Ideen der technischen Ästhetik entstanden in der Mitte des 19. Jahrhunderts. in England. John Ruskin in seinen Werken Präraffaelitismus(1851) und Die politische Ökonomie der Kunst(1857) führte das Konzept ästhetisch wertvoller Produkte ein. William Morris über Theoretisches (Works Dekorative Künste, ihre Beziehung zum modernen Leben, 1878;Nachrichten aus dem Nichts oder die Ära des Glücks, 1891 usw.) und der praktischen (Gründung eines kunstindustriellen Unternehmens) Ebene entwickelten die Probleme der Arbeitsästhetik, des Status der Kunstindustrie, des Designs, des Kunsthandwerks und der ästhetischen Organisation der Umwelt. Der deutsche Architekt und Kunsttheoretiker Gottfried Semper veröffentlichte 1863 einen Aufsatz „Eine Erfahrung in praktischer Ästhetik“. Stil in den technischen und tektonischen Künsten, wobei er im Gegensatz zum philosophischen Idealismus seiner Zeit den grundlegenden stilbildenden Wert von Materialien und Technik betonte.

Ästhetik des Alltags, menschliches Verhalten, wissenschaftliche Kreativität, Sport usw. liegt im Bereich der praktischen Ästhetik. Dieser Bereich des ästhetischen Wissens ist noch wenig entwickelt, hat aber eine große Zukunft, da sein Interessenspektrum breit und vielfältig ist.

Ästhetische Tätigkeit ist also Bestandteil praktisch-spirituelle Aneignung der Realität durch den Menschen.

Ästhetische Aktivität enthält wichtige Gestaltungs- und Spielprinzipien und ist mit unbewussten Elementen der Psyche verbunden ( siehe auch UNBEWUSST). Der Begriff „Spiel“ als eines der wesentlichen Merkmale ästhetischen Handelns wurde von I. Kant in die Ästhetik eingeführt und von F. Schiller weiterentwickelt. Kant formulierte zwei wichtigste ästhetische Konzepte: „ästhetische Erscheinung“ und „freies Spiel“. Unter dem ersten verstand er den Existenzbereich der Schönheit, unter dem zweiten ihre gleichzeitige Existenz in realen und bedingten Plänen. Diese Idee entwickelte Schiller Briefe über die ästhetische Bildung des Menschen(1794) schrieb, dass Schönheit, die in der objektiven Welt existiert, wiederhergestellt werden kann, „zum Gegenstand des Spielimpulses“ werden kann. Ein Mensch, so Schiller, sei nur dann völlig menschlich, wenn er spiele. Das Spiel ist nicht durch natürliche Notwendigkeiten oder soziale Verpflichtungen eingeschränkt, es ist die Verkörperung der Freiheit. Während des Spiels entsteht eine „ästhetische Erscheinung“, die über die Realität hinausgeht, perfekter, eleganter und emotionaler ist als die umgebende Welt. Aber während man die Kunst genießt, wird man zum Komplizen des Spiels und vergisst nie die Doppelnatur der Situation. siehe auch EIN SPIEL.

künstlerische Tätigkeit . Die höchste, konzentrierte Art ästhetischer Tätigkeit, frei vom utilitaristischen Ansatz, ist die künstlerische Tätigkeit. Das Ziel des künstlerischen Schaffens ist die Schaffung eines bestimmten Kunstwerks. Es wurde von einer besonderen Persönlichkeit geschaffen, einem Schöpfer mit künstlerischen Fähigkeiten ( siehe auch PERSÖNLICHKEIT KREATIV). In der Ästhetik wird eine Hierarchie künstlerischer Fähigkeiten anerkannt, die wie folgt aussieht: Begabung, Talent, Genie.

Genius. In der Antike wurde Genie als irrationales Phänomen verstanden. Plotin beispielsweise erklärte das Genie des Künstlers als einen Fluss kreativer Energie, der aus den zugrunde liegenden Ideen der Welt stammt. In der Renaissance herrschte ein Geniekult als schöpferisches Individuum. Der Rationalismus vertrat die Idee, das natürliche Genie des Künstlers mit der Disziplin des Geistes zu verbinden. Eine eigenartige Interpretation des Genies wird in einer Abhandlung von Abbé Jean-Baptiste Dubos (1670–1742) dargelegt. Kritische Überlegungen zu Poesie und Malerei(1719). Der Autor der Abhandlung betrachtete das Problem auf ästhetischer, psychologischer und biologischer Ebene. Ein Genie verfügt seiner Meinung nach nicht nur über einen lebhaften Geist und eine klare Vorstellungskraft, sondern auch über eine günstige Blutzusammensetzung. Dubos nahm die wichtigsten Bestimmungen der kulturhistorischen Schule von Hippolyte Taine vorweg und schrieb, dass Zeit und Ort sowie das Klima für die Entstehung von Genies von großer Bedeutung seien. Kant hat dem Begriff „Genie“ einen besonderen Inhalt verliehen. Kants Genie ist spirituelle Exklusivität, es ist ein künstlerisches Talent, durch das die Natur die Kunst beeinflusst und ihre Weisheit zeigt. Genie hält sich an keine Regeln, sondern schafft Muster, aus denen sich bestimmte Regeln ableiten lassen. Kant definiert Genie als die Fähigkeit, ästhetische Ideen wahrzunehmen, d.h. Bilder, die dem Denken unzugänglich sind.

Inspiration. Historische Ansichten über die Natur des Genies haben sich im Einklang mit der Entwicklung des Verständnisses des kreativen Prozesses selbst und eines seiner Hauptelemente – der Inspiration – ständig weiterentwickelt. Mehr Platon im Dialog Und er Er sprach darüber, dass sich der Dichter im Moment des schöpferischen Aktes in einem Zustand der Raserei befindet und von göttlicher Kraft angetrieben wird. Der irrationale Aspekt der Kreativität wurde von Kant betont. Er stellte die Unerkennbarkeit des schöpferischen Aktes fest. Die Arbeitsweise des Künstlers, schrieb er in Kritik an der Urteilsfähigkeit, unverständlich, ist für die meisten Menschen und manchmal auch für den Künstler selbst ein Rätsel.

Wenn sich die irrationalen Kreativitätstheorien der Natur des schöpferischen Aktes als einer besonderen Manifestation des Geistes bewusst waren, dann waren es die positivistisch orientierten Theorien ästhetische Tradition betrachtete Inspiration als ein erkennbares Phänomen, das nichts Mystisches und Übernatürliches enthielt. Inspiration ist das Ergebnis intensiver Vorarbeit, einer langen kreativen Suche. Im Akt der Inspiration vereinen sich das Talent und Können des Künstlers, seine Lebenserfahrung und sein Wissen.

Künstlerische Intuition. Künstlerische Intuition ist ein besonders wichtiges Element für die Inspiration. Dieses Problem wurde vom französischen Wissenschaftler Henri Bergson entwickelt. Er glaubte, dass künstlerische Intuition eine desinteressierte mystische Kontemplation sei und keinen utilitaristischen Ansatz habe. Es beruht auf dem Unbewussten in einer Person. Bei der Arbeit kreative Entwicklung(Russische Übersetzung, 1914) Bergson schrieb, dass Kunst durch künstlerische Intuition die Welt als Ganzes betrachtet, in ihrer kontinuierlichen Entwicklung in der einzigartigen Einzigartigkeit der Phänomene. Kreative Intuition ermöglicht es dem Künstler, seinem Werk maximale Ausdruckskraft zu verleihen. Die Unmittelbarkeit der Wahrnehmung hilft ihm, seine Gefühle zu vermitteln. Kreativität als kontinuierliche Geburt des Neuen ist laut Bergson die Essenz des Lebens, im Gegensatz zur Aktivität des Intellekts, der nicht in der Lage ist, Neues zu schaffen, sondern nur das Alte zu verbinden.

In der intuitiven Ästhetik von Benedetto Croce, die im Werk am besten zum Ausdruck kommt Ästhetik als Wissenschaft des Ausdrucks und als allgemeine Sprachwissenschaft(1902) Kunst ist nichts anderes als lyrische Intuition. Betont die kreative, formende Natur unlogischer Intuition, des Erfassens (im Gegensatz zu Konzepten), einzigartig und unwiederholbar. Kunst ist bei Croce gleichgültig gegenüber intellektuellem Wissen, und Kunstfertigkeit hängt nicht von der Idee des Werkes ab.

Künstlerisches Bild. Im Prozess des künstlerischen Schaffens, an dem Denken, Vorstellungskraft, Fantasie, Erfahrung, Inspiration, Intuition des Künstlers beteiligt sind, entsteht ein künstlerisches Bild. Durch die Schaffung eines künstlerischen Bildes übernimmt der Schöpfer bewusst oder unbewusst dessen Wirkung auf die Öffentlichkeit. Eines der Elemente einer solchen Wirkung kann als Mehrdeutigkeit und Untertreibung angesehen werden. künstlerisches Bild.

Anspielungen regen das Denken des Wahrnehmenden an und geben Raum für kreative Fantasie. Ein ähnliches Urteil äußerte Schelling in Vorträgen Kunstphilosophie(1802–1805), wo das Konzept der „Unendlichkeit der Unbewusstheit“ eingeführt wird. Seiner Meinung nach bringt der Künstler in sein Werk zusätzlich zur Idee „eine Art Unendlichkeit“ ein, die für jeden „endlichen Geist“ unzugänglich ist. Jedes Kunstwerk lässt unendlich viele Interpretationen zu. Somit ist die vollständige Existenz eines künstlerischen Bildes nicht nur die Verwirklichung eines künstlerischen Konzepts in einem fertigen Werk, sondern auch seine ästhetische Wahrnehmung, die ein komplexer Prozess der Komplizenschaft und Mitgestaltung des wahrnehmenden Subjekts ist.

Wahrnehmung. Die Fragen der Rezeption (Wahrnehmung) lagen im Blickfeld der Theoretiker der „Konstanzer Schule“ (H.R. Jauss, V. Iser und andere), die Ende der 1960er Jahre in Deutschland entstand. Dank ihrer Bemühungen wurden die Prinzipien der rezeptiven Ästhetik formuliert, deren Hauptgedanken das Bewusstsein für die historische Variabilität der Bedeutung des Werkes sind, die das Ergebnis der Interaktion zwischen dem wahrnehmenden Subjekt (Rezipient) und dem Autor ist.

kreative Fantasie. Eine notwendige Voraussetzung sowohl für die Entstehung als auch für die Wahrnehmung eines Kunstwerks ist die schöpferische Vorstellungskraft. F. Schiller betonte, dass Kunst nur durch die freie Kraft der Vorstellungskraft entstehen könne und Kunst daher der Weg zur Überwindung der Passivität sei.

Neben praktischen und künstlerischen Formen ästhetischer Tätigkeit gibt es ihre inneren, spirituellen Formen: emotional-intellektuelle, ästhetische Eindrücke und Ideen, ästhetische Geschmäcker und Ideale hervorbringend, sowie theoretisch, ästhetische Konzepte und Ansichten entwickelnd. Diese Formen ästhetischer Aktivität stehen in direktem Zusammenhang mit dem Konzept des „ästhetischen Bewusstseins“.

ästhetisches Bewusstsein. Die Besonderheit des ästhetischen Bewusstseins besteht darin, dass es sich um die Wahrnehmung des Seins und aller seiner Formen und Typen aus ästhetischer Sicht durch das Prisma handelt ästhetisches Ideal. Das ästhetische Bewusstsein jeder Epoche absorbiert alle in ihr vorhandenen Reflexionen über Schönheit und Kunst. Es umfasst vorherrschende Vorstellungen über das Wesen der Kunst und ihrer Sprache, künstlerische Geschmäcker, Bedürfnisse, Ideale, ästhetische Konzepte, künstlerische Einschätzungen und durch ästhetisches Denken gebildete Kriterien.

Das primäre Element des ästhetischen Bewusstseins ist Sinn für Ästhetik. Es kann als die Fähigkeit und emotionale Reaktion eines Individuums betrachtet werden, die mit der Erfahrung der Wahrnehmung eines ästhetischen Objekts verbunden ist. Die Entwicklung eines ästhetischen Sinns führt dazu ästhetisches Bedürfnis, d.h. dem Bedürfnis, das Schöne im Leben wahrzunehmen und zu steigern. Ästhetische Gefühle und Bedürfnisse kommen zum Ausdruck ästhetischer Geschmack die Fähigkeit, den ästhetischen Wert von etwas zu erkennen. Das Problem des Geschmacks ist zentral für die Ästhetik der Aufklärung. Diderot leugnete eine der wichtigsten Bestimmungen der kartesischen Ästhetik über den angeborenen Geschmack und glaubte, dass Geschmack in der alltäglichen Praxis erworben wird. Auch der Geschmack als ästhetische Kategorie wird von Voltaire ausführlich betrachtet. Er definiert es als die Fähigkeit, das Schöne und das Hässliche zu erkennen. Das Ideal eines Künstlers ist ein Mann, dessen Genie mit Geschmack verbunden ist. Geschmack ist keine ausschließlich subjektive Qualität. Geschmacksurteile gelten grundsätzlich. Aber wenn Geschmack einen objektiven Inhalt hat, dann eignet er sich folglich für die Bildung. Voltaire sah in der Aufklärung der Gesellschaft die Auflösung der Antinomie von gutem und schlechtem Geschmack.

Die psychologischen Merkmale von Geschmacksurteilen wurden vom englischen Philosophen David Hume untersucht. In den meisten seiner Schriften Über die Geschmacksnorm,Über die Tragödie,Über die Verfeinerung von Geschmack und Affekt usw.) argumentierte er, dass der Geschmack vom natürlichen, emotionalen Teil eines lebenden Organismus abhängt. Er stellte Vernunft und Geschmack gegenüber und glaubte, dass Vernunft Wissen über Wahrheit und Falschheit vermittelt, Geschmack ein Verständnis für Schönheit und Hässlichkeit, Sünde und Tugend vermittelt. Hume schlug vor, dass die Schönheit eines Werkes nicht in ihm selbst liegt, sondern im Gefühl oder Geschmack des Betrachters. Und wenn einem Menschen dieses Gefühl fehlt, ist er nicht in der Lage, Schönheit zu verstehen, obwohl er umfassend gebildet wurde. Geschmack zeichnet sich durch eine gewisse Regelmäßigkeit aus, die mit Hilfe von Argumenten und Überlegungen untersucht und verändert werden kann. Schönheit erfordert die Aktivität der intellektuellen Fähigkeiten eines Menschen, der dem richtigen Gefühl „den Weg ebnen“ muss.

Das Problem des Geschmacks nahm in Kants ästhetischer Reflexion einen besonderen Platz ein. Ihm fiel die Antinomie des Geschmacks auf, ein Widerspruch, der seiner Meinung nach jeder ästhetischen Bewertung innewohnt. Einerseits gibt es keinen Streit über den Geschmack, da das Geschmacksurteil sehr individuell ist und nicht durch Beweise widerlegt werden kann. Andererseits weist er auf eine Gemeinsamkeit zwischen den Geschmäckern hin und ermöglicht deren Diskussion. Damit brachte er den grundsätzlich unlösbaren Widerspruch zwischen individuellem und öffentlichem Geschmack zum Ausdruck. Seiner Meinung nach können getrennte, widersprüchliche Urteile über den Geschmack nebeneinander bestehen und gleichermaßen wahr sein.

Im 20. Jahrhundert Das Problem des ästhetischen Geschmacks wurde von H.-G. Gadamer entwickelt. Bei der Arbeit Wahrheit und Methode(1960) verknüpft er den Begriff „Geschmack“ mit dem Begriff „Mode“. In der Mode, so Gadamer, werde das im Geschmacksbegriff enthaltene Moment der gesellschaftlichen Verallgemeinerung zu einer gewissen Realität. Mode erzeugt eine soziale Sucht, die kaum zu vermeiden ist. Hier liegt der Unterschied zwischen Mode und Geschmack. Obwohl Geschmack im gleichen gesellschaftlichen Bereich agiert wie Mode, ist er diesem nicht unterworfen. Im Vergleich zur Tyrannei der Mode behält der Geschmack Zurückhaltung und Freiheit.

Ästhetischer Geschmack ist eine Verallgemeinerung ästhetischer Erfahrung. Dies ist jedoch größtenteils eine subjektive Fähigkeit. Verallgemeinert die ästhetische Praxis tiefer ästhetisches Ideal. Das Problem des Ideals als theoretisches Problem der Ästhetik wurde erstmals von Hegel gestellt. IN Vorlesungen über Ästhetik Er definierte Kunst als die Manifestation eines Ideals. Das ästhetische Ideal ist das in der Kunst verkörperte Absolute, zu dem die Kunst strebt und das sie allmählich erhebt. Der Wert des ästhetischen Ideals in kreativer Vorgang sehr groß, denn auf seiner Grundlage bildet sich der Geschmack des Künstlers, der Geschmack des Publikums.

ÄSTHETISCHE KATEGORIEN Die grundlegende Kategorie der Ästhetik ist die Kategorie „Ästhetik“. Das Ästhetische fungiert als umfassender allgemeiner Allgemeinbegriff für die ästhetische Wissenschaft, als „Metakategorie“ im Verhältnis zu all seinen anderen Kategorien.

Der Kategorie „Ästhetik“ kommt die Kategorie „schön“ am nächsten. Das Schöne ist ein Beispiel für eine sinnlich betrachtete Form, ein Ideal, nach dem andere ästhetische Phänomene betrachtet werden. Bei der Betrachtung des Erhabenen, Tragischen, Komischen usw. dient das Schöne als Maßstab. Sublimieren dass dieses Maß überschritten wird. tragisch etwas, das auf eine Diskrepanz zwischen Ideal und Realität hinweist und oft zu Leid, Enttäuschung und Tod führt. Comic etwas, das auch von der Diskrepanz zwischen Ideal und Realität zeugt, nur diese Diskrepanz wird durch Lachen gelöst. In der modernen ästhetischen Theorie werden neben positiven Kategorien auch deren Antipoden unterschieden – hässlich, niedrig, schrecklich. Dies geschieht auf der Grundlage, dass die Hervorhebung des positiven Werts jeglicher Eigenschaften die Existenz entgegengesetzter Eigenschaften impliziert. Somit, Wissenschaftliche Forschung sollten ästhetische Konzepte in ihrem Zusammenhang berücksichtigen.

HAUPTSTUFEN DER ENTWICKLUNG DES ÄSTHETISCHEN GEDANKEN. Elemente ästhetischer Reflexion finden sich in den Kulturen des alten Ägypten, Babylon, Sumer und anderen Völkern des Alten Ostens. Ästhetisches Denken fand erst bei den alten Griechen eine systematische Entwicklung.

Die ersten Beispiele ästhetischer Lehre wurden von den Pythagoräern (6. Jahrhundert v. Chr.) geschaffen. Ihre ästhetischen Ansichten entwickelten sich in der Tradition der kosmologischen Philosophie, basierend auf der engen Beziehung zwischen Mensch und Universum. Pythagoras führt das Konzept des Kosmos als einer geordneten Einheit ein. Seine Haupteigenschaft ist Harmonie. Von den Pythagoräern stammt die Idee der Harmonie als der Einheit des Mannigfaltigen, der Harmonie der Gegensätze.

Pythagoras und seine Anhänger schufen die sogenannte Lehre von der „Harmonie der Sphären“, d.h. Musik, die von den Sternen und Planeten geschaffen wird. Sie entwickelten auch die Lehre von der Seele, die Harmonie bzw. Konsonanz ist, basierend auf einem digitalen Verhältnis.

Im 5. Jahrhundert entstand die Lehre der Sophisten, die zur Entstehung der Ästhetik beitrug. Chr. Es wurde schließlich von Sokrates formuliert und von seinen Schülern dargelegt und war anthropologischer Natur.

Basierend auf der Überzeugung, dass Wissen tugendhaft ist, versteht er Schönheit als die Schönheit von Sinn, Bewusstsein, Vernunft. Die wichtigsten Voraussetzungen für die Schönheit von Gegenständen sind ihre Zweckmäßigkeit und funktionale Berechtigung.

Er vertritt die Vorstellung, dass sich das Schöne an sich von einzelnen schönen Objekten unterscheidet. Sokrates unterscheidet zum ersten Mal das Schöne als das ideale Universelle von seiner realen Manifestation. Er berührte zunächst das Problem der wissenschaftlichen Erkenntnistheorie in der Ästhetik und formulierte die Frage: Was bedeutet der Begriff „schön“ an sich?

Sokrates stellt die Nachahmung als Prinzip künstlerischen Schaffens dar ( Mimesis), das als Nachahmung des menschlichen Lebens angesehen wird.

Die anthropologische Ästhetik stellte Fragen an die Philosophie, auf die wir bei Platon und Aristoteles Antworten finden. Die detaillierte ästhetische Lehre Platons wird in Werken wie dargestellt Fest,Phädros,Und er, Hippias der Größere,Zustand usw. Ein wichtiger Aspekt der platonischen Ästhetik ist das Verständnis von Schönheit. Schönheit ist in seinem Verständnis eine besondere Art spiritueller Essenz, eine Idee. Die absolute, übersinnliche Idee des Schönen liegt außerhalb von Zeit, Raum, außerhalb der Veränderung. Da das Schöne eine Idee (eidos) ist, kann es nicht durch Gefühle erfasst werden. Das Schöne wird durch den Verstand, die intellektuelle Intuition erfasst. IN Pira Platon spricht von einer Art Leiter der Schönheit. Mit Hilfe der Energie des Eros steigt ein Mensch von der körperlichen Schönheit zur spirituellen Schönheit auf, von der spirituellen zur Schönheit der Moral und der Gesetze und dann zur Schönheit der Lehre und Wissenschaft. Die Schönheit, die sich am Ende dieser Reise offenbart, ist eine absolute Schönheit, die nicht mit gewöhnlichen Worten ausgedrückt werden kann. Es geht über Sein und Wissen hinaus. Platon erweitert die Hierarchie der Schönheit auf diese Weise und kommt zu dem Schluss, dass Schönheit eine Manifestation des göttlichen Prinzips im Menschen ist. Die Besonderheit des Schönen bei Platon liegt darin, dass es aus den Grenzen der Kunst herausgelöst wird. Kunst ist aus seiner Sicht eine Nachahmung der Welt der sinnlichen Dinge und nicht wahre Welt Ideen. Da reale Dinge selbst Kopien von Ideen sind, ist Kunst, die die sinnliche Welt imitiert, eine Kopie von Kopien, ein Schatten von Schatten. Platon bewies die Schwäche und Unvollkommenheit der Kunst auf dem Weg zur Schönheit.

Aristoteles schuf trotz der Kontinuität ästhetischer Ansichten seine eigene ästhetische Theorie, die sich vom Platonismus unterschied. In seinen Abhandlungen Zur Kunst der Poesie (Poetik),Rhetorik,Politik,Metaphysik Es werden Texte präsentiert, die in gewisser Weise einen Bezug zur Ästhetik haben. In ihnen definiert er Schönheit, deren universelle Merkmale Größe und Ordnung sind. Aber die Schönheit des Aristoteles beschränkt sich nicht nur auf diese Merkmale. Sie sind nicht an sich schön, sondern nur in Bezug auf die menschliche Wahrnehmung, wenn sie im Verhältnis zum menschlichen Auge und Gehör stehen. Er unterteilt die menschliche Aktivität in Studium, Handeln und Schaffen und bezieht Kunst auf das Schaffen, das auf Regeln basiert. Gegenüber Platon erweiterte er die Lehre von der Nachahmung (mimesis), die er als Abbild des Allgemeinen versteht, wesentlich.

Katharsis(GR.

Katharsis Reinigung). Es geht auf den antiken Pythagoräismus zurück, der Musik zur Reinigung der Seele empfahl. Heraklit sprach nach Aussage der Stoiker von der Reinigung durch Feuer. Platon vertrat die Lehre der Katharsis als Befreiung der Seele vom Körper, von Leidenschaften, von Freuden. Aristoteles entwickelt die Lehre von der Katharsis als Grundlage ästhetischer Erfahrung. Künstlerische Kreativität erreicht laut Aristoteles mit Hilfe der Nachahmung ihr Ziel in den schönen Formen, die sie schafft. Die vom Schöpfer geschaffene Form wird für den empfänglichen Betrachter zum Genussgegenstand. Die Energie, die in ein Werk investiert wird, das alle Anforderungen wahrer Handwerkskunst und schöner Form erfüllt, erzeugt neue Energie – die emotionale Aktivität der empfänglichen Seele. Das Problem des Vergnügens ist ein wichtiger Teil der Ästhetik des Aristoteles. Kunstgenuss entspricht einer vernünftigen Idee und hat vernünftige Gründe. Vergnügen und emotionale Reinigung sind das ultimative Ziel der Kunst, Katharsis.

Kalokagatiya. Aristoteles entwickelt auch die für die Antike charakteristische Lehre von der Kalokagatia (aus dem Griechischen).

Kalos schön und Agathos gut, moralisch vollkommen) die Einheit von ethisch „gut“ und ästhetisch „schön“. Kalokagatiya ist als etwas Ganzes und Unabhängiges konzipiert. Der Philosoph versteht „gut“ als äußere Lebensvorteile (Macht, Reichtum, Ruhm, Ehre) und „schön“ als innere Tugenden (Gerechtigkeit, Mut usw.), dann gibt es keinen Unterschied zwischen ihnen. Kalokagatiya ist laut Aristoteles eine innere Vereinigung von Moral und Schönheit, die auf der Schaffung, Nutzung und Verbesserung materiellen Reichtums basiert.

Entelechie(aus dem Griechischen.

Entelecheia abgeschlossen, abgeschlossen). Entelechie ist der Prozess der Umwandlung formloser Materie in etwas Ganzes und Geordnetes. Alles, was einen Menschen umgibt, so glaubte der Philosoph, befinde sich im Zustand des Chaos. Der Mechanismus der Entelechie ermöglicht es, im Prozess der schöpferischen Tätigkeit die ungeordnete „Substanz des Lebens“ in eine geordnete „Substanz der Form“ umzuwandeln. Kunst führt diesen Prozess durch künstlerische Form, Ordnung und Harmonie, Ausgleich von Leidenschaften und Katharsis durch. Viele der von Aristoteles zum Ausdruck gebrachten Ideen fanden ihre Weiterentwicklung in späteren europäischen ästhetischen Theorien.

Am Ende der Antike stellte Plotin ein neues Konzept von Schönheit und Kunst vor. Sein Neuplatonismus in der spätantiken Ästhetik war das Bindeglied zwischen Antike und Christentum. Gesammelte Werke des Philosophen hieß Ennead. Die Ästhetik von Plotin kommt in seinen Werken nicht immer offen zum Ausdruck. Es offenbart sich im allgemeinen philosophischen Konzept des Denkers. Für Plotin liegt Schönheit in visuellen und akustischen Wahrnehmungen, in der Kombination von Worten, Melodien und Rhythmen, in Handlungen, Wissen und menschlichen Tugenden. Aber einige Objekte sind an sich schon schön, während andere nur dadurch entstehen, dass sie an etwas anderem beteiligt sind. Schönheit entsteht nicht in der Materie selbst, sondern es gibt eine Art immaterielle Essenz oder Eidos (Idee). Dieses Eidos verbindet unterschiedliche Teile und bringt sie zur Einheit, nicht äußerlich und mechanisch, sondern innerlich. Eidos ist das Kriterium aller ästhetischen Bewertungen.

Plotin lehrte, dass der Mensch aus der Urquelle allen Seins, dem absoluten Guten, dem Ersten, entstanden sei. Aus dieser Quelle kommt eine Emanation (Abfluss) der grenzenlosen Energie des Ersten zur Individualität, die allmählich schwächer wird, da sie auf ihrem Weg auf den Widerstand der dunklen, trägen Materie, der formlosen Nichtexistenz, trifft. Der einzelne Mensch ist ein von seinem ursprünglichen Platz abgeschnittenes Wesen. Daher verspürt er ständig den Wunsch, nach Hause zurückzukehren, wo die Energie stärker ist. Dieser metaphysische Weg des Wanderers dient in Plotins Philosophie als Erklärung moralischer und ästhetischer Erfahrung. Unter Liebe zur Schönheit versteht man die metaphysische Sehnsucht der Seele nach ihrer früheren Heimat. Sie sehnt sich nach ihrem früheren Aufenthaltsort für das Gute, für Gott und für die Wahrheit. Daher besteht die Hauptidee der ästhetischen Lehre von Plotin darin, im Verständnis der Schönheit von sinnlichen Freuden bis zur Verschmelzung mit der unverständlichen ursprünglichen Einheit zu gehen. Schönheit wird nur durch den Kampf des Geistes mit der sinnlichen Materie erreicht. Seine Vorstellung von der Wanderung einer ruhelosen Seele, die ihre Wohnung verlässt und zurückkehrt, hatte großen Einfluss auf die Werke von Augustinus, Thomas von Aquin, das Werk von Dante und auf das gesamte philosophische und ästhetische Denken des Mittelalters.

Ästhetik von Byzanz. Die Entstehung der byzantinischen Ästhetik findet im 4.-6. Jahrhundert statt. Es basiert auf den Lehren von Vertretern der östlichen Patristik Gregor von Nazianz, Athanasius von Alexandria, Gregor von Nyssa, Basilius der Große, Johannes Chrysostomus sowie die Werke von Pseudo-Dionysius dem Areopagiten Areopagitika, was einen großen Einfluss auf die mittelalterliche Ästhetik sowohl im Osten als auch im Westen hatte. Absolute transzendentale Schönheit in diesen ästhetischen Lehren war Gott, der sich selbst anzieht und Liebe hervorruft. Die Erkenntnis Gottes wird durch Liebe erreicht. Pseudo-Dionysius schrieb, dass das Schöne als letzte Ursache die Grenze von allem und Gegenstand der Liebe sei. Es ist auch ein Modell, denn nach ihm erhält alles Gewissheit. Byzantinische Denker teilten das Konzept der transzendentalen und irdischen Schönheit und verknüpften es mit der Hierarchie der himmlischen und irdischen Wesen. Laut Pseudo-Dionysius steht an erster Stelle die absolute göttliche Schönheit, an zweiter Stelle die Schönheit himmlischer Wesen und an dritter Stelle die Schönheit von Objekten der materiellen Welt. Die Einstellung der Byzantiner zur materiellen, sinnlich wahrgenommenen Schönheit war ambivalent. Einerseits wurde sie als Ergebnis göttlicher Schöpfung verehrt, andererseits wurde sie als Quelle sinnlicher Freude verurteilt.

Eines der zentralen Probleme der byzantinischen Ästhetik war das Problem des Bildes. Besondere Dringlichkeit erlangte es im Zusammenhang mit den Bilderstürmereien (8.-9. Jahrhundert). Die Bilderstürmer glaubten, dass das Bild mit dem Prototyp wesensgleich sein müsse, d. h. eine perfekte Nachbildung sein. Da der Prototyp aber die Idee des göttlichen Prinzips darstellt, kann er nicht mit Hilfe anthropomorpher Bilder dargestellt werden.

Johannes von Damaskus in einer Predigt Gegen diejenigen, die heilige Ikonen ablehnen und Fedor Studit (759826) in Leugnungen der Ikonoklasten bestand auf der Unterscheidung zwischen dem Bild und dem Prototyp und argumentierte, dass das Bild des göttlichen Archetyps nicht „im Wesentlichen“, sondern nur „dem Namen nach“ mit ihm identisch sein sollte. Das Symbol ist ein Bild des idealen sichtbaren Erscheinungsbilds (inneres Eidos) des Prototyps. Diese Interpretation der Beziehung zwischen Bild und Prototyp basierte auf einem Verständnis der bedingten Natur des Bildes. Das Bild wurde als komplex verstanden künstlerische Struktur als „unähnliche Ähnlichkeit“.

Licht. Eine der wichtigsten Kategorien der byzantinischen Ästhetik ist die Kategorie des Lichts. In keiner anderen Kultur wurde dem Licht eine so große Bedeutung beigemessen. Das Lichtproblem wurde hauptsächlich im Rahmen der asketischen Ästhetik entwickelt, die sich im byzantinischen Mönchtum entwickelte. Diese Innenästhetik (von lat.

Innere intern) hatte eine ethische und mystische Ausrichtung und predigte die Ablehnung sinnlicher Freuden, ein System besonderer spiritueller Übungen, die auf die Betrachtung von Licht und anderen Visionen abzielten. Seine Hauptvertreter waren Makarius von Ägypten, Nil von Ancyra, Johannes von der Leiter und Isaak der Syrer. Ihrer Lehre zufolge ist Licht ein Segen. Es gibt zwei Arten von Licht: sichtbares und spirituelles. Sichtbares Licht trägt zum organischen Leben bei, spirituelles Licht vereint spirituelle Kräfte und verwandelt Seelen in wahres Sein. Spirituelles Licht ist nicht an sich sichtbar, es ist unter verschiedenen Bildern verborgen. Es wird mit den Augen des Geistes, dem geistigen Auge, wahrgenommen. Licht erscheint in der byzantinischen Tradition als eine allgemeinere und spirituellere Kategorie als Schönheit.

Farbe. Eine weitere Modifikation der Schönheit in der byzantinischen Ästhetik ist die Farbe. Die Farbkultur war das Ergebnis der strengen Kanonizität der byzantinischen Kunst. In der Kirchenmalerei wurde eine reiche Farbsymbolik entwickelt und eine strenge Farbhierarchie eingehalten. Jede Farbe hat eine tiefe religiöse Bedeutung.

Die byzantinische Ästhetik überarbeitet das System der ästhetischen Kategorien anders als das antike und legt den Schwerpunkt auf diesen Bereich. Sie schenkt Kategorien wie Harmonie, Maß und Schönheit weniger Aufmerksamkeit. Gleichzeitig nehmen im in Byzanz verbreiteten Ideensystem die Kategorie des Erhabenen sowie die Begriffe „Bild“ und „Symbol“ einen großen Platz ein.

Symbolismus ist eines der charakteristischsten Phänomene der mittelalterlichen Kultur im Osten und Westen. Symbole wurden in Theologie, Literatur und Kunst gedacht. Jedes Objekt wurde als Abbild von etwas betrachtet, das ihm in einer höheren Sphäre entsprach, wurde zum Symbol dieser höheren Sphäre. Im Mittelalter war die Symbolik universell. Denken bedeutete, verborgene Bedeutungen für immer zu entdecken. Nach dem patristischen Konzept ist Gott transzendent und das Universum ist ein System von Symbolen und Zeichen (Zeichen), die auf Gott und die spirituelle Sphäre des Seins hinweisen. Im ästhetischen mittelalterlichen Bewusstsein wurde die Sinneswelt durch eine ideelle, symbolische Welt ersetzt. Die mittelalterliche Symbolik schreibt der lebendigen Welt die Eigenschaft der Reflektivität, der Illusionsnatur zu. Hieraus ergibt sich die Gesamtsymbolik der christlichen Kunst.

Traditionelle Ästhetik des Ostens. Indien. Grundlage der ästhetischen Vorstellungen des alten Indien war die mythopoetische Tradition, die im figurativen System des Brahmanismus ihren Ausdruck fand. Die Lehre von Brahman, dem universellen Ideal, wurde in den Upanishaden entwickelt, deren früheste Daten aus dem 8. bis 6. Jahrhundert stammen. Vor. ANZEIGE Das „Erkennen“ von Brahman ist nur durch die stärkste Seinserfahrung (ästhetische Kontemplation) möglich. Diese übersinnliche Betrachtung erscheint als höchste Glückseligkeit und steht in direktem Zusammenhang mit ästhetischem Genuss. Die Ästhetik und Symbolik der Upanishaden hatte großen Einfluss auf die Bildsprache und Ästhetik indischer epischer Gedichte. Mahabharata Und Ramayana und insgesamt Weiterentwicklung des ästhetischen Denkens Indiens.

Ein charakteristisches Merkmal der ästhetischen Reflexion des mittelalterlichen Indiens ist das Desinteresse an Fragen nach dem Ästhetischen in Natur und Leben. Gegenstand der Reflexion ist ausschließlich Kunst, hauptsächlich Literatur und Theater. Der Hauptzweck eines Kunstwerks ist Emotion. Das Ästhetische leitet sich vom Emotionalen ab. Der zentrale Begriff aller ästhetischen Lehren ist der Begriff „Rasse“ (wörtlich „Geschmack“), der in der Kunstgeschichte künstlerische Emotionen bezeichnet. Insbesondere diese Rassenlehre wurde von den Theoretikern der Kashmiri-Schule entwickelt, unter denen Anandavardhana (9. Jahrhundert), Shankuka (10. Jahrhundert), Bhatta Nayaka (10. Jahrhundert) und Abhinavagupta (10.-11. Jahrhundert) die bekanntesten sind. Sie interessierten sich für die Besonderheit ästhetischer Emotionen, die nicht mit gewöhnlichen Gefühlen verwechselt werden sollten. Rasa ist kein spezifisches Gefühl, sondern eine Erfahrung, die im wahrnehmenden Subjekt entsteht und nur dem inneren Wissen zugänglich ist. Die höchste Stufe der ästhetischen Erfahrung ist das Schmecken der Rasse, oder mit anderen Worten die Beruhigung in ihrem Bewusstsein, also der ästhetische Genuss.

China.Die Entwicklung des traditionellen ästhetischen Denkens in China wurde direkt von zwei Hauptströmungen beeinflusst Chinesische Philosophie: Konfuzianismus und Taoismus. Die ästhetische Lehre des Konfuzius (552/551479 v. Chr.) und seiner Anhänger entwickelte sich im Rahmen ihrer gesellschaftspolitischen Theorie. Den zentralen Platz darin nahmen die Konzepte „Menschlichkeit“ und „Ritual“ ein, verkörpert im Verhalten einer „edlen Person“. Der Zweck dieser moralischen Kategorien bestand darin, ethische Grundlagen in der Gesellschaft aufrechtzuerhalten und eine harmonische Weltordnung zu organisieren. Der Kunst wurde große Bedeutung beigemessen, da sie als Mittel zur moralischen Vervollkommnung und zur Erziehung zur Harmonie des Geistes angesehen wurde. Der Konfuzianismus ordnete ästhetische Anforderungen den ethischen unter. Das „Schöne“ selbst ist bei Konfuzius ein Synonym für „Gut“, und das ästhetische Ideal wurde als die Einheit des Schönen, des Guten und des Nützlichen angesehen. Von hier aus ergibt sich ein starker didaktischer Ansatz in der traditionellen Ästhetik Chinas. Diese ästhetische Tradition trat für die Authentizität und Farbigkeit der Kunst ein. Sie betrachtete Kreativität als den Höhepunkt beruflichen Könnens und den Künstler als Schöpfer von Kunst.

Eine weitere Linie ist mit den taoistischen Lehren verbunden. Als ihre Begründer gelten Laotse (6. Jahrhundert v. Chr.) und Tschuang Tse (43. Jahrhundert v. Chr.). Während die Konfuzianisten in ihrer Lehre das Hauptaugenmerk auf das ethische Prinzip legten, schenkten die Taoisten dem ästhetischen Prinzip das Hauptaugenmerk. Den zentralen Platz im Taoismus nahm die Theorie des „Tao“ ein – des Weges oder der ewigen Veränderlichkeit der Welt. Eines der Attribute des Tao, das eine ästhetische Bedeutung hat, war das Konzept der „tszyran“-Natürlichkeit und Spontaneität. Die taoistische Tradition bekräftigte die Spontaneität des künstlerischen Schaffens, die Natürlichkeit der künstlerischen Form und ihre Übereinstimmung mit der Natur. Daraus ergibt sich die Untrennbarkeit von Ästhetik und Natürlichkeit in der traditionellen Ästhetik Chinas. Kreativität wurde im Taoismus als Offenbarung und Einfluss betrachtet und der Künstler als Werkzeug zur „Selbstschöpfung“ von Kunst.

Japan. Die Entwicklung der traditionellen Ästhetik Japans erfolgte unter dem Einfluss des Zen-Buddhismus. Dieses Glaubensbekenntnis legt großen Wert auf Meditation und andere Methoden des Psychotrainings, die dazu dienen, Satori, einen Zustand innerer Erleuchtung, Seelenfrieden und Ausgeglichenheit, zu erreichen. Der Zen-Buddhismus zeichnet sich dadurch aus, dass das Leben und die materielle Welt als etwas kurzlebiges, veränderliches und trauriges Wesen betrachtet werden. Die traditionelle japanische Ästhetik, die konfuzianische Einflüsse aus China und der japanischen Schule des Zen-Buddhismus kombiniert, hat besondere Prinzipien entwickelt, die für die japanische Kunst von grundlegender Bedeutung sind. Unter ihnen ist die „Wabi“-Ästhetik am wichtigsten Moralisches Prinzip ein ruhiges und gemächliches Leben genießen, frei von weltlichen Sorgen. Es bedeutet einfach und pure Schönheit und einen klaren, kontemplativen Geisteszustand. Die Teezeremonie, die Kunst des Blumenarrangements und die Gartenkunst basieren auf diesem Prinzip. Ein weiteres Prinzip der japanischen Ästhetik, „Sabi“, das mit der existenziellen Einsamkeit eines Menschen in einem unendlichen Universum verbunden ist, geht auf den Zen-Buddhismus zurück. Der buddhistischen Tradition zufolge sollte der Zustand der menschlichen Einsamkeit mit stiller Demut hingenommen werden und darin eine Quelle der Inspiration finden. Das Konzept von „Yugen“ (die Schönheit der einsamen Traurigkeit) ist im Buddhismus mit einer tief verborgenen Wahrheit verbunden, die intellektuell nicht verstanden werden kann. Es wird als ästhetisches Prinzip neu gedacht und bedeutet eine geheimnisvolle „jenseitige“ Schönheit voller Geheimnisse, Mehrdeutigkeit, Ruhe und Inspiration.

Ästhetik des westeuropäischen Mittelalters zutiefst theologisch. Alle grundlegenden ästhetischen Konzepte finden ihre Vollendung in Gott. In der Ästhetik des Frühmittelalters wird die ganzheitlichste ästhetische Theorie von Augustinus Aurelius vertreten. Unter dem Einfluss des Neuplatonismus teilte Augustinus Plotins Vorstellung von der Schönheit der Welt. Die Welt ist schön, weil sie von Gott geschaffen wurde, der selbst die höchste Schönheit ist und die Quelle aller Schönheit ist. Die Kunst schafft keine wirklichen Bilder dieser Schönheit, sondern nur ihre materiellen Formen. Deshalb, so glaubt Augustinus, sollte nicht das Kunstwerk selbst gemocht werden, sondern die darin enthaltene göttliche Idee. In Anlehnung an die Antike war St. Augustinus definierte Schönheit ausgehend von den Zeichen formaler Harmonie. Im Aufsatz Über die Stadt Gottes Er spricht von Schönheit als der Proportionalität der Teile, kombiniert mit der Anmut der Farbe. Mit dem Schönheitsbegriff verband er auch die Begriffe Verhältnismäßigkeit, Form und Ordnung.

Die neue mittelalterliche Interpretation von Schönheit bestand darin, dass Harmonie, Harmonie und Ordnung der Objekte nicht an sich schön sind, sondern als Spiegelbild einer höheren gottähnlichen Einheit. Der Begriff der „Einheit“ ist einer der zentralen Begriffe in Augustins Ästhetik. Er schreibt, dass die Form aller Schönheit die Einheit ist. Je perfekter eine Sache ist, desto mehr Einheit hat sie. Das Schöne ist eins, weil das Sein selbst eins ist. Der Begriff der ästhetischen Einheit kann nicht aus Sinneswahrnehmungen entstehen. Im Gegenteil, sie bestimmt selbst die Wahrnehmung von Schönheit. Wenn man mit einer ästhetischen Beurteilung beginnt, hat der Mensch in den Tiefen seiner Seele bereits den Begriff der Einheit, den er dann in den Dingen sucht.

Augustins Lehre von Kontrasten und Gegensätzen hatte großen Einfluss auf die mittelalterliche Ästhetik. In der Abhandlung Über die Stadt Gottes Er schrieb, dass die Welt wie ein mit Gegensätzen ausgeschmücktes Gedicht geschaffen sei. Unterschiede und Vielfalt verleihen jedem Ding Schönheit, und Kontrast verleiht der Harmonie eine besondere Ausdruckskraft. Damit die Wahrnehmung der Schönheit vollständig und perfekt ist, muss die richtige Beziehung den Betrachter der Schönheit mit dem Schauspiel selbst verbinden. Die Seele ist offen für Empfindungen, die mit ihr im Einklang stehen, und lehnt Empfindungen ab, die für sie ungeeignet sind. Für die Wahrnehmung von Schönheit ist eine Übereinstimmung zwischen schönen Objekten und der Seele notwendig. Es ist notwendig, dass ein Mensch eine selbstlose Liebe zur Schönheit hat.

Thomas von Aquin in seinem Hauptwerk Summe der Theologien fasste tatsächlich die westliche mittelalterliche Ästhetik zusammen. Er systematisierte die Ansichten von Aristoteles, Neuplatonikern, Augustinus und Dionysius dem Areopagiten. Das erste charakteristische Zeichen der Schönheit, so erinnert Thomas von Aquin an seine Vorgänger, sei die Form, die durch hohe menschliche Gefühle (Sehen, Hören) wahrgenommen wird. Schönheit beeinflusst mit ihrer Organisation das Gefühl eines Menschen. Er begründet solche Konzepte, die sich auf die objektiven Merkmale der Schönheit beziehen, wie „Klarheit“, „Integrität“, „Proportion“, „Konsistenz“, vollständig. Proportion ist seiner Ansicht nach das Verhältnis von Geistigem und Materiellem, Innerem und Äußerem, Ideen und Formen. Unter Klarheit verstand er sowohl die sichtbare Ausstrahlung, den Glanz einer Sache, als auch ihre innere, spirituelle Ausstrahlung. Perfektion bedeutete die Abwesenheit von Fehlern. Die christliche Weltanschauung beinhaltet ausnahmslos den Begriff des Guten im Begriff der Schönheit. Neu in der Ästhetik des Thomas von Aquin war die Einführung einer Unterscheidung zwischen ihnen. Er sah diesen Unterschied darin, dass das Gute Gegenstand und Ziel ständiger menschlicher Bestrebungen ist, Schönheit das erreichte Ziel ist, wenn der menschliche Intellekt von allen Bestrebungen des Willens befreit wird, wenn er beginnt, Freude zu empfinden. Das für das Gute charakteristische Ziel hört gleichsam in der Schönheit auf, Ziel zu sein, sondern ist reine, für sich genommene, uneigennützige Form. Ein solches Schönheitsverständnis von Thomas von Aquin lässt F. Losev zu dem Schluss kommen, dass eine solche Definition des Themas Ästhetik der Ausgangspunkt für die gesamte Ästhetik der Renaissance ist.

Ästhetik der Renaissance individualistische Ästhetik. Seine Besonderheit liegt in der spontanen Selbstbestätigung eines künstlerisch denkenden und handelnden Menschen, der die ihn umgebende Natur und das historische Umfeld als Gegenstand des Genusses und der Nachahmung begreift. Die ästhetische Lehre der Renaissance ist durchdrungen von lebensbejahenden Motiven und heroischem Pathos. Es wird von einer anthropozentrischen Tendenz dominiert. In der Ästhetik der Renaissance wird das Verständnis des Schönen, des Erhabenen, des Heroischen auch mit Anthropozentrismus assoziiert. Ein Mensch, sein Körper wird zum Vorbild der Schönheit. Der Mensch wird als Manifestation des Titanischen, des Göttlichen gesehen. Er verfügt über unbegrenzte Wissensmöglichkeiten und nimmt eine Ausnahmestellung in der Welt ein. Das Programmwerk, das einen großen Einfluss auf das künstlerische Denken der Zeit hatte, war die Abhandlung Pico dela Mirandola Über die Würde des Menschen(1487). Der Autor formuliert ein völlig neues Konzept der menschlichen Persönlichkeit. Er sagt, dass der Mensch selbst ein Schöpfer ist, ein Meister seines eigenen Bildes. Dies begründet eine neue Haltung gegenüber dem Künstler. Dies ist kein mittelalterlicher Handwerker mehr, sondern ein umfassend gebildeter Mensch, ein konkreter Ausdruck des Ideals eines universellen Menschen.

In der Renaissance etablierte sich eine Auffassung von Kunst als Kreativität. Die antike und mittelalterliche Ästhetik betrachtete Kunst als die Anwendung einer vorgefertigten Form auf die Materie, die bereits in der Seele des Künstlers vorhanden war. In der Ästhetik der Renaissance entsteht die Idee, dass der Künstler selbst diese Form erschafft, neu erschafft. Einer der ersten, der diese Idee formulierte, war Nikolaus von Kues (1401-1464) in seiner Abhandlung Über den Geist. Er schrieb, dass Kunst nicht nur die Natur nachahmt, sondern auch kreativ ist, indem sie die Formen aller Dinge schafft und die Natur ergänzt und korrigiert.

Die reiche künstlerische Praxis der Renaissance führte zu zahlreichen Kunstabhandlungen. Das sind die Schriften Über Malerei, 1435; Über Bildhauerei, 1464; Über Architektur, 1452 Leona Battista Alberti; Im göttlichen Verhältnis Luca Pacioli (14451514); Buch über Malerei Leonardo da Vinci. In ihnen wurde Kunst als Ausdruck des Geistes des Dichters und Künstlers erkannt. Ein wichtiges Merkmal dieser Abhandlungen ist die Entwicklung der Kunsttheorie, die Probleme der linearen und Luftperspektive, des Hell-Dunkels, der Proportionalität, der Symmetrie und der Komposition. All dies trug dazu bei, die Vision des Künstlers stereoskopisch und die von ihm dargestellten Objekte prägend und greifbar zu machen. Die intensive Entwicklung der Kunsttheorie wurde durch die Idee angeregt, in einem Kunstwerk eine Illusion des wirklichen Lebens zu erzeugen.

17.-18. Jahrhundert, Aufklärung. Für das 17. Jahrhundert Charakteristisch ist die Dominanz der philosophischen Ästhetik gegenüber der praktischen. In dieser Zeit erschienen die philosophischen Lehren von Francis Bacon, Thomas Hobbes, René Descartes, John Locke und Gottfried Leibniz, die großen Einfluss auf die ästhetische Reflexion des New Age hatten. Das ganzheitlichste ästhetische System stellte der Klassizismus dar, dessen ideologische Grundlage der Rationalismus von Descartes war, der argumentierte, dass die Grundlage des Wissens der Geist sei. Klassizismus ist in erster Linie die Dominanz der Vernunft. Eines der charakteristischen Merkmale der Ästhetik des Klassizismus kann als die Festlegung strenger Regeln für die Kreativität bezeichnet werden. Unter einem Kunstwerk wurde nicht ein natürlich vorkommender Organismus verstanden, sondern ein vom Menschen nach einem Plan geschaffenes künstliches Phänomen mit einer bestimmten Aufgabe und einem bestimmten Zweck. Der Kodex der Normen und Kanons des Klassizismus ist eine Versabhandlung von Nicolas Boileau poetische Kunst(1674). Er glaubte, dass man strenge Regeln anwenden müsse, um das Ideal in der Kunst zu erreichen. Diese Regeln basieren auf den alten Prinzipien der Schönheit, Harmonie, des Erhabenen und des Tragischen. Der Hauptwert eines Kunstwerks ist die Klarheit der Idee, die Noblesse der Idee und die präzise abgestimmte Form. In Boileaus Abhandlung wird die von der Ästhetik des Klassizismus entwickelte Theorie der Gattungshierarchie, die Herrschaft der „drei Einheiten“ (Ort, Zeit und Handlung), die Orientierung an einer moralischen Aufgabe ( siehe auch EINHEITEN (DREI): ZEITEN, ORTE, AKTIONEN).

Im ästhetischen Denken des 17. Jahrhunderts. Die barocke Richtung sticht hervor, nicht in einem zusammenhängenden System formalisiert. Die barocke Ästhetik wird durch Namen wie Baltasar Gracian y Marales (1601–1658), Emmanuele Tesauro (1592–1675) und Matteo Peregrini repräsentiert. In ihren Schriften Witz oder die Kunst eines schnellen Geistes(1642) Graciana; Das Fernglas des Aristoteles(1654) Tesauro; Abhandlung über Witz(1639) Peregrini) einer der die wichtigsten Konzepte barocke Ästhetik „Witz“ oder „schneller Verstand“. Es wird als die wichtigste schöpferische Kraft wahrgenommen. Barocker Witz ist die Fähigkeit, das Ungleiche zusammenzubringen. Die Grundlage des Witzes ist eine Metapher, die scheinbar unendlich weit entfernte Objekte oder Ideen miteinander verbindet. Die barocke Ästhetik betont, dass Kunst keine Wissenschaft ist und nicht auf den Gesetzen des logischen Denkens basiert. Witz ist ein von Gott gegebenes Zeichen des Genies, und keine Theorie kann helfen, es zu finden.

Ästhetik des Barock schafft ein Kategoriensystem, in dem der Begriff der Schönheit außer Acht gelassen wird und statt Harmonie der Begriff der Disharmonie und Dissonanz in den Vordergrund gestellt wird. Der Barock lehnt die Idee einer harmonischen Struktur des Universums ab und spiegelt die Weltanschauung eines Mannes vom Beginn des New Age wider, der die Widersprüchlichkeit des Seins verstand. Diese Haltung wird besonders deutlich von dem französischen Denker Blaise Pascal vertreten. Als philosophische Reflexion Pascals nehmen seine literarischen Werke einen wichtigen Platz in der Ästhetik des 17. Jahrhunderts ein. Er teilte nicht den Pragmatismus und die Rationalität der modernen Gesellschaft. Seine Vision der Welt nahm eine zutiefst tragische Färbung an. Es ist mit den Ideen des „verborgenen Gottes“ und der „Stille der Welt“ verbunden. Zwischen diesen beiden Erscheinungsformen liegt der Mensch in seiner Einsamkeit, deren Natur auf tragische Weise dual ist. Einerseits ist er großartig in seiner Rationalität und Gemeinschaft mit Gott, andererseits ist er unbedeutend in seiner körperlichen und moralischen Zerbrechlichkeit. Dieser Gedanke kommt in seiner berühmten Definition zum Ausdruck: „Der Mensch ist ein denkendes Rohr“. Pascal spiegelte in dieser Formel nicht nur seine Vision der Welt wider, sondern vermittelte auch die allgemeine Stimmung des Jahrhunderts. Seine Philosophie durchdringt die Kunst des Barock, die zu dramatischen Handlungen tendiert, die ein chaotisches Bild der Welt nachbilden.

Englische Ästhetik des 17.-18. Jahrhunderts verteidigte sinnliche Prinzipien und stützte sich dabei auf die Lehren von John Locke über die sinnliche Grundlage des Denkens. Lockes Empirismus und Sensationalismus trugen zur Entwicklung von Ideen über „innere Empfindung“, Gefühl, Leidenschaft und Intuition bei. Auch die in der Ästhetik der Aufklärung vorherrschende Idee eines grundsätzlichen engen Zusammenhangs zwischen Kunst und Moral wurde konkretisiert. In seinem Werk schrieb er über die Beziehung zwischen Schönheit und Güte Eigenschaften von Menschen, Manieren, Meinungen und Zeiten(1711) Vertreter der sogenannten „moralisierenden Ästhetik“ A.E.K. Shaftesbury. In seiner Moralphilosophie stützte sich Shaftesbury auf Lockes Sensationslust. Er glaubte, dass die Vorstellungen von Güte und Schönheit eine sinnliche Grundlage haben und aus einem moralischen Gefühl stammen, das dem Menschen selbst innewohnt.

Ideen der englischen Aufklärung hatte großen Einfluss auf den französischen Denker Denis Diderot. Genau wie seine Vorgänger verbindet er Schönheit mit Moral. Diderot ist der Autor der Theorie des Aufklärungsrealismus, die in seiner Abhandlung begründet wurde Philosophische Untersuchung des Ursprungs und der Natur der Schönheit(1751). Er verstand künstlerisches Schaffen als eine bewusste Tätigkeit, die ein vernünftiges Ziel hat und darauf basiert Allgemeine Regeln Kunst. Diderot sah den Zweck der Kunst in der Milderung und Verbesserung der Moral, in der Erziehung zur Tugend. Ein charakteristisches Merkmal von Diderots ästhetischer Theorie ist ihre Einheit mit der Kunstkritik.

Die Entwicklung der Ästhetik der deutschen Aufklärung ist mit den Namen Alexander Baumgarten verbunden, Johann Winckelmann, Gotthold Lessing, Johann Herder. In ihren Werken wird erstmals Ästhetik als Wissenschaft definiert, das Prinzip eines historischen Umgangs mit Kunstwerken formuliert, auf die Erforschung der nationalen Identität künstlerischer Kultur und Folklore hingewiesen (I. Herder). Im Hain der Kritik, 1769;Über den Einfluss der Poesie auf die Bräuche der Völker in Antike und Neuzeit, 1778;Calligone, 1800), besteht eine Tendenz zur vergleichenden Untersuchung verschiedener Kunstgattungen (G. Lessing Laokoon oder über die Grenzen von Malerei und Poesie, 1766;Hamburger Dramaturgie, 17671769) werden die Grundlagen der theoretischen Kunstgeschichte geschaffen (I. Winkelman Geschichte der antiken Kunst, 1764).

Ästhetik in der deutschen klassischen Philosophie. Die deutschen Aufklärer hatten großen Einfluss auf die weitere Entwicklung des ästhetischen Denkens in Deutschland, insbesondere in der klassischen Periode. Die deutsche klassische Ästhetik (Ende des 18. – Anfang des 19. Jahrhunderts) wird vertreten durch Immanuel Kant, Johann Gottlieb Fichte, Friedrich Schiller, Friedrich Wilhelm Schelling, Georg Hegel.

Ästhetische Ansichten I. Kant skizziert in Kritik an der Urteilsfähigkeit, wo er Ästhetik als Teil der Philosophie betrachtete. Er entwickelte ausführlich die wichtigsten Probleme der Ästhetik: die Geschmackslehre, die ästhetischen Hauptkategorien, die Genielehre, den Kunstbegriff und sein Verhältnis zur Natur, die Klassifikation der Kunstformen. Kant erklärt die Natur des ästhetischen Urteils, das sich vom logischen Urteil unterscheidet. Ein ästhetisches Urteil ist ein Geschmacksurteil, ein logisches hat die Suche nach der Wahrheit zum Ziel. besondere Art Das ästhetische Geschmacksurteil ist schön. Der Philosoph beleuchtet mehrere Punkte in der Wahrnehmung von Schönheit. Erstens ist dies die Desinteresse des ästhetischen Gefühls, die auf die reine Bewunderung des Objekts hinausläuft. Das zweite Merkmal des Schönen besteht darin, dass es ohne die Hilfe der Kategorie der Vernunft ein Gegenstand universeller Bewunderung ist. Er führt auch den Begriff der „Zweckmäßigkeit ohne Zweck“ in seine Ästhetik ein. Seiner Meinung nach sollte Schönheit als eine Form der Zweckmäßigkeit eines Gegenstandes ohne jegliche Vorstellung von einem Zweck wahrgenommen werden.

Einer der ersten Kant gab eine Klassifizierung der Kunstformen. Er unterteilt die Künste in verbale (die Kunst der Beredsamkeit und Poesie), malerische (Skulptur, Architektur, Malerei) und die Kunst des anmutigen Spiels von Empfindungen (Musik).

Die Probleme der Ästhetik nahmen in der Philosophie von G. Hegel einen wichtigen Platz ein. Eine systematische Darstellung der Hegelschen ästhetischen Theorie ist in seinem Buch enthalten Vorlesungen über Ästhetik(veröffentlicht 1835–1836). Hegels Ästhetik ist die Theorie der Kunst. Er definiert Kunst als eine Stufe in der Entwicklung des absoluten Geistes neben Religion und Philosophie. In der Kunst erkennt sich der absolute Geist in der Form der Kontemplation, in der Religion in der Form der Darstellung, in der Philosophie im Begriff. Die Schönheit der Kunst ist höher als die Schönheit der Natur, weil der Geist der Natur überlegen ist. Hegel stellte fest, dass die ästhetische Haltung immer anthropomorphisch ist, Schönheit immer menschlich ist. Hegel stellte seine Kunsttheorie in Form eines Systems dar. Er schreibt über drei Kunstformen: symbolisch (Osten), klassisch (Antike), romantisch (Christentum). Mit verschiedenen Kunstformen verbindet er ein System unterschiedlicher Künste, die sich im Material unterscheiden. Den Beginn der Kunst sah Hegel in der Architektur, die der symbolischen Stufe in der Entwicklung künstlerischen Schaffens entsprach. Für klassische Kunst Bildhauerei ist charakteristisch, für die Romantik Malerei, Musik und Poesie.

Basierend auf den philosophischen und ästhetischen Lehren Kants erstellt F.W. Schelling seine eigene ästhetische Theorie. Es kommt in seinen Schriften vor. Kunstphilosophie, Hrsg. 1859 und Zum Verhältnis der schönen Künste zur Natur, 1807. Kunst sind im Verständnis Schellings Ideen, die als „ewige Konzepte“ in Gott bleiben. Daher ist Gott der unmittelbare Anfang aller Kunst. Schelling sieht in der Kunst eine Ausstrahlung des Absoluten. Der Künstler verdankt sein Werk der ewigen Idee des Menschen, verkörpert in Gott, der mit der Seele verbunden ist und mit ihr ein einziges Ganzes bildet. Diese Präsenz des göttlichen Prinzips in einem Menschen ist das „Genie“, das es dem Einzelnen ermöglicht, die ideale Welt zu verwirklichen. Er vertrat die Idee der Überlegenheit der Kunst gegenüber der Natur. In der Kunst sah er die Vollendung des Weltgeistes, die Vereinigung von Geist und Natur, Objektivem und Subjektivem, Äußerem und Innerem, Bewusstem und Unbewusstem, Notwendigkeit und Freiheit. Kunst ist für ihn Teil der philosophischen Wahrheit. Er stellt die Frage nach der Schaffung eines neuen Feldes der Ästhetik – der Kunstphilosophie – und stellt diese zwischen das göttliche Absolute und den philosophierenden Geist.

Schelling war einer der Haupttheoretiker der Ästhetik der Romantik. Der Ursprung der Romantik ist mit der Jenaer Schule verbunden, deren Vertreter die Brüder August Schlegel und Friedrich Schlegel, Friedrich von Hardenberg (Novalis), Wilhelm Heinrich Wackenroder (1773–1798) und Ludwig Tieck waren.

Die Ursprünge der Philosophie der Romantik liegen im subjektiven Idealismus Fichtes, der das subjektive „Ich“ als Anfang proklamierte. Basierend auf Fichtes Konzept der Freiheit, Uneingeschränktheit Kreative Aktivitäten Romantiker begründen die Autonomie des Künstlers gegenüber der Außenwelt. Außenwelt sie verändern sich innere Welt poetisches Genie. In der Ästhetik der Romantik wurde die Idee der Kreativität entwickelt, wonach der Künstler in seinem Werk die Welt nicht so widerspiegelt, wie sie ist, sondern sie so erschafft, wie sie in seinem Kopf sein sollte. Dementsprechend nahm die Rolle des Künstlers selbst zu. So fungiert der Dichter in Novalis als Wahrsager und Zauberer und belebt die unbelebte Natur. Die Romantik zeichnet sich durch die Verleugnung der Normativität künstlerischen Schaffens, die Erneuerung künstlerischer Formen aus. Romantische Kunst ist metaphorisch, assoziativ, mehrdeutig, sie tendiert zur Synthese, zur Interaktion von Genres, Kunstarten, zur Verbindung mit Philosophie und Religion.

1920 Jahrhunderte Aus der Mitte des 19. Jahrhunderts Das ästhetische Denken Westeuropas entwickelte sich in zwei Richtungen. Die erste davon hängt mit der positivistischen Philosophie des Autors Auguste Comte zusammen Kurs „Positive Philosophie“.(18301842). Der Positivismus verkündete den Vorrang konkreter wissenschaftlicher Erkenntnisse vor der Philosophie und versuchte, ästhetische Phänomene durch Kategorien und Ideen zu erklären, die der Naturwissenschaft entlehnt waren. Im Rahmen des Positivismus bilden sich ästhetische Strömungen wie die Ästhetik des Naturalismus und der Gesellschaftsanalyse heraus.

Die zweite Richtung der positivistisch orientierten Ästhetik wird in den Werken von Hippolyte Taine dargestellt, der zu einem der ersten Spezialisten auf dem Gebiet der Kunstsoziologie wurde. Er entwickelte Fragen zur Beziehung zwischen Kunst und Gesellschaft, zum Einfluss von Umwelt, Rasse und Moment auf das künstlerische Schaffen. Nach Taines Verständnis ist Kunst ein Produkt spezifischer historischer Bedingungen, und er definiert ein Kunstwerk als ein Produkt der Umwelt.

Auch die marxistische Ästhetik geht vom Standpunkt des Positivismus aus. Der Marxismus betrachtete die Kunst als integralen Bestandteil des allgemeinen historischen Prozesses, dessen Grundlage er in der Entwicklung der Produktionsweise sah. Indem Marx und Engels die Entwicklung der Kunst mit der Entwicklung der Wirtschaft in Zusammenhang brachten, betrachteten sie diese als etwas, das der wirtschaftlichen Grundlage untergeordnet war. Die Hauptbestimmungen der ästhetischen Theorie des Marxismus sind das Prinzip der historischen Konkretheit, die kognitive Rolle der Kunst und ihr Klassencharakter. Ein Ausdruck des Klassencharakters der Kunst ist, wie die marxistische Ästhetik glaubte, ihre Tendenzialität. Der Marxismus legte die Grundprinzipien fest, die in der sowjetischen Ästhetik ihre Weiterentwicklung fanden.

Opposition gegen den Positivismus im europäischen ästhetischen Denken in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Es gab eine Künstlerbewegung, die den Slogan „Kunst um der Kunst willen“ vertrat. Die Ästhetik der „reinen Kunst“ entwickelte sich unter dem starken Einfluss des philosophischen Konzepts Arthur Schopenhauer. Bei der Arbeit Die Welt als Wille und Vorstellung (1844) er skizzierte die Grundelemente des elitären Kulturbegriffs. Schopenhauers Lehre basiert auf der Idee der ästhetischen Betrachtung. Er teilte die Menschheit in „geniale Menschen“, die zu ästhetischer Betrachtung und künstlerischer Kreativität fähig sind, und „Menschen des Gebrauchs“, die auf utilitaristische Tätigkeit ausgerichtet sind. Genie impliziert eine herausragende Fähigkeit, über Ideen nachzudenken. Wünsche sind einem praktischen Menschen immer innewohnend, ein Künstlergenie ist ein ruhiger Beobachter. Indem der Philosoph Vernunft durch Kontemplation ersetzt, ersetzt er damit den Begriff des spirituellen Lebens durch den Begriff des raffinierten ästhetischen Genusses und fungiert als Vorläufer der ästhetischen Lehre von der „reinen Kunst“.

Die Idee der „Kunst um der Kunst willen“ findet sich in den Werken von Edgar Allan Poe, Gustave Flaubert, Charles Baudelaire und Oscar Wilde. In Fortsetzung der romantischen Tradition argumentierten Vertreter des Ästhetizismus, dass Kunst um ihrer selbst willen existiert und ihren Zweck erfüllt, indem sie schön ist.

Ende des 19. Jahrhunderts Im europäischen philosophischen und ästhetischen Denken gibt es Prozesse einer radikalen Revision der klassischen Formen des Philosophierens. Die Ablehnung und Revision klassischer ästhetischer Werte erfolgte durch Friedrich Nietzsche. Er bereitete den Zusammenbruch des traditionellen transzendentalen ästhetischen Konzepts vor und beeinflusste maßgeblich die Entstehung der postklassischen Philosophie und Ästhetik. In Nietzsches Ästhetik wurde eine Theorie entwickelt Apollinische und dionysische Kunst. Im Aufsatz Die Geburt der Tragödie aus dem Geist der Musik (1872) er löst die Antinomie des Apollinischen und des Dionysischen als zwei gegensätzliche, aber untrennbar miteinander verbundene Anfänge auf, die jedem kulturellen Phänomen zugrunde liegen. Die apollinische Kunst versucht, die Welt zu rationalisieren, sie harmonisch ausbalanciert, klar und ausgewogen zu machen. Aber das apollinische Prinzip betrifft nur die äußere Seite des Seins. Das ist eine Illusion und eine ständige Selbsttäuschung. Der apollinischen Strukturierung des Chaos steht der dionysische Rausch der Ekstase gegenüber. Das dionysische Prinzip der Kunst ist nicht die Schaffung neuer Illusionen, sondern die Kunst des Lebendigen, des Übermaßes, der spontanen Freude. Der dionysische Wahnsinn in der Interpretation Nietzsches erweist sich als ein Weg, die Entfremdung des Menschen in der Welt zu überwinden. Die Grenzen der individualistischen Isolation zu überwinden, ist wahre Kreativität. Die wahrsten Formen der Kunst sind nicht diejenigen, die eine Illusion erzeugen, sondern diejenigen, die einen Blick in die Abgründe des Universums ermöglichen.

Die ästhetischen und philosophischen Konzepte Nietzsches fanden im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert breite Anwendung in der Theorie und Praxis der Ästhetik der Moderne. Die ursprüngliche Entwicklung dieser Ideen lässt sich in der russischen Ästhetik des Silbernen Zeitalters beobachten. Zunächst einmal bei Wladimir Solowjow, in seiner Philosophie der „universellen Einheit“, basierend auf dem ruhigen Triumph des ewigen Sieges des hellen Prinzips über die chaotische Verwirrung. und die Ästhetik Nietzsches zog russische Symbolisten an. In Anlehnung an Nietzsche betrachteten sie die Welt als ein ästhetisches Phänomen, das vom theurgischen Künstler geschaffen wurde.

Ästhetische Theorien des 20. Jahrhunderts. Ästhetische Probleme des 20. Jahrhunderts wird nicht so sehr in Spezialstudien entwickelt, sondern im Kontext anderer Wissenschaften: Psychologie, Soziologie, Semiotik, Linguistik.

Zu den einflussreichsten ästhetischen Konzepten gehört die phänomenologische Ästhetik, basierend auf Philosophie Edmund Husserl. Der polnische Philosoph Roman Ingarden (1893-1970) kann als Begründer der phänomenologischen Ästhetik gelten. Der Schlüsselbegriff der Phänomenologie ist die Intentionalität (von lateinisch intentio Aspiration, Absicht, Richtung), worunter die Konstruktion eines Erkenntnisgegenstandes durch das Bewusstsein verstanden wird.

Die Phänomenologie betrachtet ein Kunstwerk als ein autarkes, von sich selbst ausgehendes Phänomen der absichtlichen Kontemplation ohne jeden Kontext. Alles, was über ein Werk herausgefunden werden kann, ist in ihm selbst enthalten, es hat seinen eigenen unabhängigen Wert, seine autonome Existenz und ist nach seinen eigenen Gesetzen aufgebaut.

Nikolai Hartmann (1882–1950) sprach aus einer phänomenologischen Position. Die Hauptkategorie der Ästhetik des Schönen wird im Zustand der Ekstase und Verträumtheit verstanden. Die Vernunft hingegen erlaubt es einem nicht, in die Sphäre des Schönen einzudringen. Daher sind der kognitive Akt und die ästhetische Kontemplation unvereinbar.

Michel Dufrenne (1910-1995) kritisierte die moderne westliche Zivilisation, die den Menschen von der Natur, seinem eigenen Wesen und den höchsten Werten des Seins entfremdete. Er versucht, die grundlegenden Grundlagen der Kultur zu identifizieren, die es ermöglichen würden, harmonische Beziehungen zwischen Mensch und Welt herzustellen. Nachdem Dufrenne das Pathos von Heideggers Kunstbegriff als „Wahrheit des Seins“ erkannt hat, sucht er nach solchen Gründen im Reichtum der ästhetischen Erfahrung, interpretiert vom Standpunkt der phänomenologischen Ontologie.

Die phänomenologische Forschungsmethode liegt der Methodik des russischen Formalismus, des französischen Strukturalismus und der angloamerikanischen „neuen Kritik“ zugrunde, die als Opposition zum Positivismus entstand. In den Werken von J.K. Lösegeld ( Neue Kritik, 1941), A. Tate ( reaktionäre Essays, 1936), C. Brooks und R.P. Warren ( Poesie verstehen, 1938; Prosa verstehen, 1943) legte die Grundprinzipien der neokritischen Theorie fest: Die Studie basiert auf einem isolierten Text, der als Objekt unabhängig vom Künstler-Schöpfer existiert. Dieser Text hat eine organische und integrale Struktur, die als besondere Organisation von Bildern, Symbolen und Mythen existieren kann. Mit Hilfe einer solchen organischen Form erfolgt die Erkenntnis der Wirklichkeit (das neokritische Konzept der „Poesie als Wissen“).

Zu anderen wichtigen Bereichen des ästhetischen Denkens des 20. Jahrhunderts. Dazu gehören die psychoanalytischen Konzepte von Z. Freud und G. Jung, die Ästhetik des Existentialismus (J.-P. Sartre, A. Camus, M. Heideger), die Ästhetik des Personalismus (S. Peguy, E. Munier, P. Ricoeur). ), die Ästhetik des Strukturalismus und Poststrukturalismus (K. Levi Strauss, R. Barth, J. Derrida), soziologische Ästhetikkonzepte von T. Adorno und G. Marcuse.

Auch das moderne ästhetische Denken entwickelt sich im Einklang mit der Postmoderne (I. Hassan, J.F. Lyotard). Die Ästhetik der Postmoderne zeichnet sich durch eine bewusste Missachtung jeglicher Regeln und Beschränkungen aus, die die bisherige kulturelle Tradition entwickelt hat, und in der Folge eine ironische Haltung gegenüber dieser Tradition.

Der Begriffsapparat der Ästhetik unterliegt erheblichen Veränderungen, die Hauptkategorien der Ästhetik erfahren eine sinnvolle Neubewertung, zum Beispiel wird das Erhabene durch das Erstaunliche ersetzt, das Hässliche hat neben dem Schönen seinen Status als ästhetische Kategorie erhalten usw. Was traditionell als unästhetisch galt, wird ästhetisch oder ästhetisch definiert. Dies bestimmt auch zwei Entwicklungslinien der modernen Kultur: Eine Linie zielt auf die Fortsetzung der traditionellen Ästhetik ab (die Ästhetisierung des Alltags wird als seine extreme Manifestation angesehen, daher beispielsweise Hyperrealismus, Pop-Art usw.), Surrealismus und Konzeptkunst ).

Einen besonderen Platz in der modernen Ästhetik nimmt die Tradition der Verletzung ein, die „außerhalb der ästhetischen und künstlerischen Normen“ geht, d.h. marginale oder naive Kreativität, die oft nach langer Zeit den Status einer Ästhetik erlangt (die Kulturgeschichte ist reich an Beispielen für eine solche Kreativität von Künstlern, Musikern und Schriftstellern).

Die Vielfalt ästhetischer Theorien und Konzepte der modernen ästhetischen Wissenschaft zeugt von einer im Vergleich zur Klassik qualitativ neuen Entwicklung des ästhetischen Denkens. Die Nutzung der Erfahrungen vieler Geisteswissenschaften in der modernen Ästhetik zeugt von den großen Perspektiven dieser Wissenschaft.

Ludmila Zarkowa

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Die Entwicklung der ästhetischen Wissenschaft in den Ländern Westeuropas und der USA in der ersten Hälfte unseres Jahrhunderts brachte diese widersprüchliche Periode in vielen ihrer Konzepte und Theorien zum Ausdruck, vor allem nichtrealistischer Natur, für die für viele der Begriff „Modernismus“ verwendet wird. wurde gegründet.

Der Modernismus (von französisch modern – das Neueste, Modern) ist ein allgemeines Symbol für die Kunstströmungen des 20. Jahrhunderts, die durch die Ablehnung traditioneller Methoden der künstlerischen Darstellung der Welt gekennzeichnet sind.

Der Modernismus als künstlerisches System wurde durch zwei Prozesse seiner Entwicklung vorbereitet: die Dekadenz (d. h. Flucht, Ablehnung des wirklichen Lebens, der Kult der Schönheit als einzigem Wert, die Ablehnung sozialer Probleme) und die Avantgarde (deren Manifeste zum Bruch aufriefen). mit dem Erbe der Vergangenheit und der Schaffung von etwas Neuem, im Gegensatz zu traditionellen künstlerischen Settings).

Alle Haupttrends und Strömungen der Moderne – Kubismus, Expressionismus, Futurismus, Konstruktivismus, Imaginismus, Surrealismus, Abstraktionismus, Pop-Art, Hyperrealismus usw. – haben das gesamte System der künstlerischen Mittel und Techniken entweder abgelehnt oder völlig verändert. Konkret kam dies in verschiedenen Kunstgattungen zum Ausdruck: in der Veränderung räumlicher Bilder und der Ablehnung künstlerischer und figurativer Muster in der bildenden Kunst; bei der Überarbeitung der melodischen, rhythmischen und harmonischen Organisation in der Musik; in der Entstehung eines „Bewusstseinsstroms“, eines inneren Monologs, einer assoziativen Montage in der Literatur usw. Die Ideen des irrationalistischen Voluntarismus von A. Schopenhauer und F. Nietzsche, die Intuitionslehre von A. Bergson und N. Lossky, Psychoanalyse 3 hatte großen Einfluss auf die Praxis der Moderne. Freud und C. G. Jung, der Existentialismus von M. Heidegger, J.-P. Sartre und A. Camus, die Theorie der Sozialphilosophie der Frankfurter Schule T. Adorno und G. Marcuse.

Die allgemeine emotionale Stimmung der Werke modernistischer Künstler lässt sich mit folgendem Satz ausdrücken: Das Chaos des modernen Lebens, sein Zerfall tragen zur Unordnung und Einsamkeit eines Menschen bei, seine Konflikte sind unlösbar und hoffnungslos, und die Umstände, in denen er sich befindet platziert sind unüberwindbar.

Nach dem Zweiten Weltkrieg verloren die meisten modernistischen Kunstrichtungen ihre einstige Avantgarde-Position. Im Europa und Amerika der Nachkriegszeit begannen sich „Massen“- und „Elite“-Kulturen aktiv zu manifestieren, denen verschiedene ästhetische Strömungen und Richtungen entsprachen, und auch ästhetische Schulen nichtmarxistischer Natur erklärten sich. Im Allgemeinen kann die Nachkriegsphase in der Entwicklung ausländischer Ästhetik als postmodern definiert werden.

Postmodernismus ist ein Konzept, das eine neue, bisher letzte Superstufe in der Kette von Kulturtrends bezeichnet, die sich im Laufe der Geschichte auf natürliche Weise gegenseitig verändern. Die Postmoderne als Paradigma der modernen Kultur ist eine allgemeine Entwicklungsrichtung Europäische Kultur in den 70er Jahren gegründet. 20. Jahrhundert

Das Aufkommen postmoderner Kulturtrends ist mit dem Bewusstsein für die Grenzen des gesellschaftlichen Fortschritts und der Angst der Gesellschaft verbunden, dass seine Ergebnisse die Zerstörung der Zeit und des Raums der Kultur selbst drohen. Die Postmoderne sollte sozusagen die Grenzen des menschlichen Eingriffs in die Entwicklung von Natur, Gesellschaft und Kultur festlegen. Daher ist die Postmoderne durch die Suche nach einer universellen künstlerischen Sprache, die Konvergenz und Verschmelzung verschiedener künstlerischer Strömungen, darüber hinaus durch den „Anarchismus“ der Stile, ihre endlose Vielfalt, den Eklektizismus, die Collage und den Bereich der subjektiven Montage gekennzeichnet.

Charakteristische Eigenschaften Postmodernismus sind:

Die Orientierung der postmodernen Kultur an der „Masse“ und der „Elite“ der Gesellschaft;

Erheblicher Einfluss der Kunst auf nicht-künstlerische Bereiche menschlichen Handelns (auf Politik, Religion, Informatik etc.);

Stilpluralismus;

In ihren Kreationen werden häufig Kunstwerke früherer Epochen zitiert;

Ironie gegenüber den künstlerischen Traditionen vergangener Kulturen;

Verwendung der Spieltechnik beim Erstellen von Kunstwerken.

Im postmodernen künstlerischen Schaffen findet eine bewusste Umorientierung von Kreativität hin zu Zusammenstellung und Zitat statt. Für die Postmoderne ist Kreativität nicht gleich Schöpfung. Funktioniert das System „Künstler – Kunstwerk“ in vorpostmodernen Kulturen, so verlagert sich in der Postmoderne der Schwerpunkt auf die Beziehung „Kunstwerk – Betrachter“, was auf einen grundlegenden Wandel im Selbstbewusstsein des Künstlers hinweist. Er hört auf, ein „Schöpfer“ zu sein, da die Bedeutung des Werkes unmittelbar im Akt seiner Wahrnehmung entsteht. Ein postmodernes Kunstwerk muss gesehen, ausgestellt werden, es kann nicht ohne Betrachter existieren. Wir können sagen, dass es in der Postmoderne einen Übergang von einem „Kunstwerk“ zu einer „künstlerischen Konstruktion“ gibt.

Der Postmodernismus als Theorie erhielt eine bedeutende Begründung in den Werken von J. Baudrillard „Das System der Dinge“ (1969), J. F. Lyotard „Postmodern Knowledge“ (1979) und „Dispute“ (1984), P. Sloterdijk „Magic Tree“ (1985). ) und andere

In diesem Abschnitt werden nur die wichtigsten ästhetischen Strömungen und Schulen nichtmarxistischer Ausrichtung sowie die Schlüsselprobleme der ästhetischen Wissenschaft des 20. Jahrhunderts analysiert.