Rokotov, Fedor Stepanovich. Πορτρέτο του Α.Π. Στρουίσκαγια. 1772. Πινακοθήκη Τρετιακόφ
Καμβάς, λάδι. 59,8 x 47,5

Η γυναίκα στο πορτρέτο φαίνεται να βγαίνει από το σκοτάδι, είναι μισο απορροφημένος στην ομίχλη. Μόνο τα εκφραστικά μάτια είναι σαφώς καθορισμένα - φωτεινά, εντυπωσιακά. Ιδιαίτερα επιτυχημένο στο πορτρέτο της Struyskaya, τα μάτια είναι πάντα ενδιαφέροντα στα πορτρέτα του Rokotov. Εκφράζουν μια σειρά συναισθημάτων, είναι πάντα ιδιαίτερα φωτεινά και αποτελούν το κέντρο του πορτρέτου. Μιλούν ακόμη και για τα «μάτια του Ροκότοφ» ως ιδιαίτερη «τεχνογνωσία».
Το πορτρέτο παραγγέλθηκε από τον Nikolai Struysky, σύζυγο της Alexandra Petrovna. Ταυτόχρονα, ο Rokotov ζωγράφισε επίσης ένα πορτρέτο του ίδιου του Nikolai Struysky. Με τον ίδιο τρόπο, ο Nikolai Struysky εξακολουθεί να είναι πολύ λιγότερο γνωστός. Αυτό το πορτρέτο μπορεί να δει κανείς και στην Πινακοθήκη Tretyakov, σε άλλο δωμάτιο.
Προφανώς, παραγγέλθηκαν ζευγαρωμένα πορτρέτα για το γάμο και σε αυτή την περίπτωση, η Alexandra Struyskaya δεν είναι πάνω από 18 ετών στο πορτρέτο.
Ο Rokotov για πολλά χρόνια παρέμεινε φίλος της οικογένειας Struysky και ο Nikolai Struysky ήταν σχεδόν ο μόνος θαυμαστής του ταλέντου του Rokotov και ήταν ο πρώτος που συγκέντρωσε μια συλλογή από τα έργα του.
Πολλές αντικρουόμενες ιστορίες λέγονται για τον Νικολάι Στρουίσκι. Έχοντας μεγάλο ενδιαφέρον για τη ζωγραφική και τη λογοτεχνία, κάνοντας δημοσίευση, παρέμενε ακόμα τύραννος στο σπιτικό του, για τους δουλοπάροικους - μικροτύραννος.
Ο «παράξενος κύριος», παρεμπιπτόντως, φανταζόταν τον εαυτό του ποιητή και αφιέρωσε δέσμες από αδέξια δυσκίνητους στίχους στην λατρεμένη σύζυγό του. Κατά ειρωνικό τρόπο, κανένα από αυτά δεν έμεινε στην ιστορία, αλλά το ποίημα που αφιερώθηκε όχι στην ίδια την ομορφιά, αλλά στο πορτρέτο του Rokotov, έγινε εγχειρίδιο.
Πρόκειται για το περίφημο «Πορτρέτο» του Νικολάι Ζαμπολότσκι, ζωγραφισμένο τον 20ο αιώνα, μετά τον θάνατο και των τριών χαρακτήρων: του καλλιτέχνη και των δύο μοντέλων του.
Αγαπάτε τη ζωγραφική, ποιητές!
Μόνο αυτή, η μόνη, δίνεται
Ψυχές μεταβλητών ζωδίων
Μεταφορά σε καμβά.
Θυμάσαι πώς από το σκοτάδι του παρελθόντος,
Ελάχιστα τυλιγμένο σε σατέν
Από το πορτρέτο του Ροκότοφ ξανά
Μας κοίταξε η Στρουίσκαγια;
Τα μάτια της είναι σαν δύο σύννεφα
Μισό χαμόγελο, μισό κλάμα
Τα μάτια της είναι σαν δύο ψέματα
Καλυμμένο στην ομίχλη των αποτυχιών.
Συνδυασμός δύο μυστηρίων
Μισή απόλαυση, μισή τρόμος
Μια έκρηξη τρελής τρυφερότητας,
Η προσμονή των μαρτύρων του θανάτου.
Όταν έρχεται το σκοτάδι
Και η καταιγίδα έρχεται
Από τα βάθη της ψυχής μου τρεμοπαίζει
Τα όμορφα μάτια της.

Borovikovsky Vladimir Lukich
Πορτρέτο του M.I. Lopukhina
1797
Καμβάς, λάδι
72 x 53,5

«Έχει περάσει πολύ καιρό και δεν υπάρχουν πια αυτά τα μάτια
Και δεν υπάρχει χαμόγελο που να εκφράστηκε σιωπηλά
Τα βάσανα είναι η σκιά της αγάπης και οι σκέψεις είναι η σκιά της θλίψης,
Όμως ο Μποροβικόφσκι έσωσε την ομορφιά της.
Έτσι μέρος της ψυχής της δεν πέταξε μακριά μας,
Και θα υπάρχει αυτό το βλέμμα και αυτή η ομορφιά του σώματος
Για να προσελκύσει αδιάφορους απογόνους σε αυτήν,
Μαθαίνοντάς του να αγαπά, να υποφέρει, να συγχωρεί, να σιωπά»
(Y. Polonsky)

Ο Borovikovsky έχει ένα μυστηριώδες πράγμα - ένα πορτρέτο του M. I. Lopukhina, χωρίς αμφιβολία, το καλύτερο του έργο, το αριστούργημα του. Καταρχάς, το φως με το οποίο πλημμυρίζει η φιγούρα μιας γυναίκας είναι εντυπωσιακό, καθώς όπως εύστοχα σημείωσε η Τ. Αλεξέεβα, «απορροφά τη φωτεινότητα του χρώματος», και τις χρωματικές κηλίδες (θα χρησιμοποιήσουμε την παρατήρησή της, η οποία, ωστόσο, αναφέρεται, Ωστόσο, σε ένα άλλο πορτρέτο του Borovikovsky) προκύπτουν «σαν από τα βάθη του φόντου του αέρα». Η Lopukhina είναι βυθισμένη σε αυτό το ρεύμα αέρα.
Όπως πάντα με τον Borovikovsky, είναι με λευκό φόρεμα και χρωματιστό κασκόλ, όπως πάντα είναι ελαφρώς μετακινημένη προς τα δεξιά για να δούμε το τοπίο. Είναι λίγο φλερτ σε μια στροφή, εξαιρετικά ανεξάρτητη και κυρίαρχη, δείχνει με κάποια περιφρόνηση. Αλλά αυτό το φως που γλιστρά πάνω από ένα νεαρό πρόσωπο, αυτές οι ιπτάμενες μπούκλες, αυτά τα χείλη τόσο τρυφερά (απλώς δεν τρέμουν) - όλα σε αυτό το σαγηνευτικό πρόσωπο είναι γεμάτα απαλότητα και λυρισμό - η ίδια η ευπιστία που εμπνέει απόλυτη εμπιστοσύνη. Αλλά το αίσθημα της ελαφρότητας, του λυρισμού και της ευκολοπιστίας εξαφανίζεται αμέσως, μένει μόνο να την κοιτάξει κανείς στα μάτια - έχουν το σκληρό πράσινο του σταφυλιού. Όχι, ακόμη περισσότερο: είναι αλλοτριωμένοι, σχεδόν εχθρικοί. Σε κάθε περίπτωση, το φράγμα είναι ακόμη πιο ευδιάκριτο και οξύ από αυτό των μοντέλων του Rokotov. Με ποια ρεαλιστική ικανότητα είναι γραμμένο το πρόσωπο της Lopukhina, και όμως η υψηλότερη πραγματικότητα αποδεικνύεται μια άγνωστη βαθιά εμπειρία που υποθέτουμε (την οποία, πιο συγκεκριμένα, προσπαθούμε να ξετυλίξουμε). Ανεξάρτητα από το πόσο διαφορετικοί είναι και οι δύο καλλιτέχνες, ακόμα και οι πολικοί, στον τρόπο γραφής, στο στυλ, σε σχέση με το μοντέλο, στην κοσμοθεωρία - ακόμα η δική τους το καλύτερο πράγμαΟ Borovikovsky πλησιάζει περισσότερο τον Rokotov και το κοινό έδαφος για προσέγγιση είναι η εγγύτητα στο άγνωστο και η αίσθηση ενός πέπλου.
Chaikovskaya O.G. "Σαν περίεργος Σκύθας...": Ρωσικό πορτρέτο και απομνημονεύματα του δεύτερου μισού του 18ου αιώνα. - Μ.: Βιβλίο, 1990. Σ.267.
(

Βαλεντίν Αλεξάντροβιτς Σέροφ
Κορίτσι που φωτίζεται από τον ήλιο (Πορτρέτο του M.Ya.Simonovich)
Καμβάς, λάδι. 89,5x71 εκ.
κατάσταση Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα.

Η Maria Yakovlevna Simonovich (1864-1955), ξαδέρφη του, πόζαρε στον καλλιτέχνη. Η πρωτοτυπία της σύνθεσης εκφράστηκε στο γεγονός ότι η μακέτα τοποθετείται κάτω από τον θόλο των δέντρων. Με κλασματικές πινελιές, ο Σερόφ μεταφέρει το παιχνίδι ΑΚΤΙΝΕΣ του ΗΛΙΟΥ, χρωματιστές σκιές που τρεμοπαίζουν. Οι ζεστές, απαλές ακτίνες δεν διαταράσσουν τη μαγεμένη κατάσταση της νεαρής ηρωίδας. Η χαλαρή της στάση ενισχύει την εντύπωση της διάλυσης σε αντανακλάσεις φωτός και ιριδίζουσες λάμψεις. Μόνο το πρόσωπο, η λευκή μπλούζα και τα χέρια της κοπέλας είναι καλυμμένα με έγχρωμα ιμπρεσιονιστικά αντανακλαστικά και οι λεπτομέρειες που πλαισιώνουν τη φιγούρα της είναι βαμμένες σε σκούρα χρώματα. Η δεξιοτεχνία του καλλιτέχνη να απεικονίζει τα μάτια του μοντέλου, από τα οποία φαίνεται να ρέει ένα ήσυχο φως, είναι εντυπωσιακή. Έτσι, προκύπτει μια εικόνα της αλληλοδιείσδυσης του ηλιακού φωτός και του φωτός της ανθρώπινης ψυχής.

Somov Konstantin Andreevich
(1869-1939)
Πορτρέτο της E.P. Nosova. 1911
Καμβάς, λάδι. 138,5 x 88 εκ
Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ

Το 1910, τις μέρες που ο Somov έφτασε στη Μόσχα και άρχισε να εργάζεται για το πορτρέτο της Evfemia Pavlovna Nosova, έγραψε με γράμματα: «Ένας ξανθός, αδύνατος, με χλωμό πρόσωπο, περήφανο βλέμμα και πολύ έξυπνος, ωραία γεύσηεν".
Η Evfimiya Pavlovna είναι γνωστό ότι ήταν κόρη ενός από τους Ryabushinsky, διάσημους εμπόρους και βιομήχανους της τρίτης γενιάς, άμεσους συμμετέχοντες, με επικεφαλής τον αρχιτέκτονα Shekhtel, στην ανάπτυξη της ρωσικής Art Nouveau. Γεννήθηκε το 1883 (υποδεικνύουν και το 1881, αλλά το έτος θανάτου είναι αμφίβολο). Σε κάθε περίπτωση, στο βιβλίο «K.A. Somov. Ο κόσμος του καλλιτέχνη. Γράμματα. Ημερολόγια. Κρίσεις συγχρόνων. Μόσχα, 1979, την οποία κράτησα στα χέρια μου το ίδιο 1979, αναφέρθηκε ότι η E.P. Nosova ζει στη Ρώμη.
Το πορτρέτο παραγγέλθηκε από τον Somov, ο οποίος ήρθε στη Μόσχα για να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο του G. L. Girshman, προφανώς σε σχέση με έναν γάμο, επερχόμενο ή παρελθόν, το ίδιο 1910. Με την ημερομηνία γέννησης και θανάτου, εξακολουθεί να υπάρχει πλήρης διαφωνία. Αν η Evfimiya Pavlovna (όνομα από μια γιαγιά από μια οικογένεια Παλαιών Πιστών) γεννήθηκε το 1883, είναι περίεργο ότι παντρεύεται μόλις στα 27 της χρόνια. Σπούδασε μουσική και ζωγραφική, λάτρευε το θέατρο, μήπως ονειρευόταν μια σκηνή; Και σύμφωνα με άλλες πηγές, γεννήθηκε το 1881, πέθανε το 1970. Δηλαδή, παντρεύτηκε μόλις στα 29 της; Είναι αυτή μια όμορφη και πλούσια νύφη;
Υπάρχουν επίσης στοιχεία για τη γέννηση και το θάνατο: 1886-1976. Αναγράφονται ακόμη και οι μέρες και οι μήνες. Φαίνεται ότι αυτοί είναι οι πιο πιστοί. Παντρεύεται στα 24 της και βλέπουμε μια νεαρή γυναίκα σε ένα σημείο καμπής της ζωής της, περήφανη και πεισματάρα στα νιάτα της. Το βιβλίο που ανέφερα ήταν έτοιμο για έκδοση δύο-τρία χρόνια πριν από την έκδοσή του, αν όχι νωρίτερα, σύμφωνα με το σχέδιο, τότε εκδόθηκαν βιβλία και η Evfemia Pavlovna μπορούσε ακόμα να ζήσει στη Ρώμη.
Και το πορτρέτο της από τον Somov κατέληξε στην γκαλερί Tretyakov μαζί με τη συλλογή της, όπου το μετέφερε το 1917 για αποθήκευση. Η συλλογή της περιελάμβανε πίνακες του Rokotov, εντελώς ξεχασμένους εκείνη την εποχή, Borovikovsky, Kiprensky, Venetsianov. Παράξενο, δεν θυμάμαι αν είδα ένα πορτρέτο του E.P. Nosova στους τοίχους της γκαλερί Tretyakov; Μπορεί να μην ξέρω τίποτα ακόμα για τον καλλιτέχνη, αλλά το είδος της ομορφιάς του μοντέλου του σίγουρα θα είχε τραβήξει την προσοχή μου.
Ο Somov έγραψε: «Κάθεται με ένα λευκό σατέν φόρεμα, διακοσμημένο με μαύρη δαντέλα και κοράλλια, είναι από τη Λαμάνοβα, έχει 4 κορδόνια από μαργαριτάρια γύρω από το λαιμό της, τα μαλλιά της κόβουν την ανάσα... σαν κάποιο τεράστιο σκαθάρι στο κεφάλι της .» Φαίνεται επίσης από την αναπαραγωγή του βιβλίου: Η Evfimiya Pavlovna είναι, στην πραγματικότητα, ένα εξαιρετικό μοντέλο. Και αυτό δεν είναι μόνο στον πλούτο, αλλά και στο στυλ, ένα παιδί της ρωσικής νεωτερικότητας, του ζωντανού της μοντέλου, ενώ δεν είναι σκιά παρακμής, αλλά ομορφιά και η δύναμη της επιβεβαίωσης της ζωής.
Ο Somov έγραψε: «Ήμουν στο κουτί της Nosova, η οποία ήταν ντυμένη εκπληκτικά, ένα έντονο μπλε σατέν φόρεμα, κεντημένο με μετάξια από φίλντισι με ροζ τούλινους ώμους, στο λαιμό της μια ριβιέρα με μακριές κρεμαστά άκρα από διαμαντένιο μεγάλο τρεφλ. που συνδέονται με διαμάντια...»
Euphemia Pavlovna, κοινωνικός και συλλέκτης ρωσικών έργων ζωγραφικής καλλιτέχνες του XVIII - αρχές XIXαιώνες, 27 χρόνια. Ας μετρήσουμε 24. καλύτερη ηλικία γυναικεία ομορφιάόταν η νεότητα εξακολουθεί να κρυφοκοιτάζει μέσα από την ώριμη θηλυκότητα, αλλά όχι μια σκιά επιπολαιότητας και ματαιοδοξίας, αλλά στοχαστική σοβαρότητα και την πιο φυσική υπερηφάνεια μιας εξαιρετικής προσωπικότητας.
"Είναι πολύ όμορφη. Αλλά τι μαρτύριο είναι το φόρεμά της, δεν βγαίνει τίποτα ... "- ο καλλιτέχνης πέφτει απευθείας σε απόγνωση. Αλλά το να ποζάρεις για μια λαμπρή ομορφιά μέρα με τη μέρα δεν είναι εύκολη υπόθεση. Να σημειωθεί επίσης ότι το φόρεμα από τη Λαμάνοβα δεν της ήταν εύκολο. Όχι λόγω της τιμής. Η Nadezhda Pavlovna Lamanova (1861-1941) δημιούργησε φορέματα ως έργο τέχνης και όχι γενικά, αλλά κάτω από μοντέλο, μεταβαίνοντας από μανεκέν σε ζωντανό μοντέλο, αλλοιώσεις και επεξεργασίες, σαν ζωγράφος, που συχνά την φέρνουν σε λιποθυμία. Οι κυρίες άντεξαν, γιατί ήξεραν: θα φθαρεί, αλλά το φόρεμα θα έβγαινε σαν από το Παρίσι. Από ιστορική άποψη είναι ξεκάθαρο - καλύτερα από ό,τι από το Παρίσι.
Ο Somov σημειώνει: "Ομολόγησα την αποτυχία μου, με τονώνει, λέει ότι είναι πεισματάρα και υπομονετική".
Διαθέτοντας καλλιτεχνικό γούστο, ήξερε ότι τόσο το φόρεμα της Lamanova όσο και το πορτρέτο της από τον Somov θα ήταν αριστουργήματα, και με πείσμα και υπομονή αναζητούσε το ίδιο με αυτούς τους καλλιτέχνες, ο καθένας στη δική του σφαίρα, και η δική της σφαίρα ήταν η ίδια η ζωή. τις υψηλότερες εκφάνσεις του.
Ο Somov, πάντα δυσαρεστημένος με τον εαυτό του, πάντα απελπισμένος στην πορεία της δουλειάς, δούλευε με κόπο εκεί που οι άλλοι δεν θα είχαν βρει τι άλλο θα μπορούσαν να κάνουν και δημιούργησε κάτι μοναδικό. Το πορτρέτο ολοκληρώθηκε το 1911. Ενδιαφέρουσα εκτίμηση για τον Μιχαήλ Νεστέροφ, ο οποίος έμοιαζε να μην έχει δει τη γνωστή καλλονή στη Μόσχα, συμμετέχοντα στις συναντήσεις της Εταιρείας Ελεύθερης Αισθητικής.
Από επιστολή του Μ. Νεστέροφ με ημερομηνία 3 Μαρτίου 1911 (Μόσχα):
«Λοιπόν, για να τελειώσω τη γραφή μου με αξιοπρέπεια, θα σας πω για το νέο μεγάλο πορτρέτο του Somov με έναν συγκεκριμένο Nosova που εκτίθεται εδώ στον Κόσμο της Τέχνης - εδώ, αδελφέ, είναι ένα πραγματικό αριστούργημα! - ένα έργο πολυαναμενόμενο, στο οποίο χαλαρώνετε. Είναι λοιπόν διεισδυτικό, συγκρατημένο-ευγενές, αριστοτεχνικά τελειωμένο. Αυτό δεν είναι ο Levitsky και όχι ο Kramskoy, αλλά κάτι κοντά σε ομορφιά με το πρώτο και σε σοβαρότητα με το δεύτερο. Αμέσως ο άντρας έγινε ένας πολύ μεγάλος δάσκαλος.
Ο καλλιτέχνης βλέπει πρώτα απ 'όλα το έργο του καλλιτέχνη, εν τω μεταξύ είναι σαφές: η βάση της επιτυχίας είναι ένα εξαιρετικό μοντέλο με το ενδιαφέρον του για την τέχνη, ειδικά για τη ρωσική ζωγραφική του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα. Και στην Αναγέννηση στην Ιταλία.
Η Evfimia Pavlovna, έχοντας παντρευτεί τον V.V. Nosov, γιο ενός κατασκευαστή κλωστοϋφαντουργικών προϊόντων, εγκαταστάθηκε σε μια έπαυλη στην πλατεία Vvedenskaya, οι εσωτερικοί χώροι της οποίας άλλαξαν αμέσως σύμφωνα με τις προτιμήσεις της. Προσέλκυσε διάσημους αρχιτέκτονες και καλλιτέχνες στην ιδέα της, ακόμη και τον Valentin Serov, με τον οποίο, λένε, δεν τα πήγαινε καλά, αλλά πιθανότατα πέθανε σύντομα και μάλιστα έστειλε τον Mstislav Dobuzhinsky στην Ιταλία, πιθανότατα για να επισκεφτεί εκεί που είχε ήδη πάει. και αυτός Κατά την επιστροφή του, δημιούργησε μια τοιχογραφία στο πνεύμα αυτών που φαίνονται στο παλάτι του Cosimo Medici: σε φόντο κοβαλτίου με επιχρύσωση, αναπαράγεται μια μυθολογική πλοκή με τη συμπερίληψη πορτρέτων των ιδιοκτητών της έπαυλης. Μιλούν για νεοκλασικισμό όταν υπάρχει η ίδια αναγεννησιακή αισθητική με του Sandro Botticelli.
Αλλαγές στο εσωτερικό του αρχοντικού, η δημιουργία τοιχογραφίας στο πνεύμα της Αναγέννησης συμβάδισαν με το έργο του Somov για το πορτρέτο του E.P. Πράγματι, ένα αριστούργημα, ένα παγκόσμιο αριστούργημα της ρωσικής τέχνης. Ο Somov δεν έχει τίποτα τέτοιο. Ένα καθαρό κλασικό ανάμεσα στις ρομαντικές του φαντασιώσεις.
Petr Kile

Serebryakova Zinaida Evgenievna. Πίσω από την τουαλέτα. Αυτοπροσωπογραφία. 1909.
Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα
Καμβάς σε χαρτόνι, λάδι.
75x65 εκ

Η σύνθεση παρουσιάζεται ως αντανάκλαση σε έναν καθρέφτη, κάτι που είναι παραδοσιακό για το είδος της αυτοπροσωπογραφίας. Αυτή η τεχνική φέρνει μια πινελιά οικειότητας και ταυτόχρονα δημιουργεί την απαραίτητη αποκόλληση. Η καλλιτέχνις πίσω από την πρωινή τουαλέτα φαίνεται να κοιτάζει τον εαυτό της από το πλάι, σαν ένα μοντέλο που ποζάρει. Το κίνητρο του «through the looking glass» δεν προκαλεί μια αίσθηση μυστηρίου. Ακόμη και τα κεριά, που συνήθως συμβολίζουν την παροδικότητα του χρόνου στη ζωγραφική, φαίνεται να ξεχνούν το νόημά τους στη φωτεινή ατμόσφαιρα της εικόνας. Ο χώρος του δωματίου είναι γεμάτος αποχρώσεις του λευκού. Από τα τεράστια γυαλιστερά καστανά μάτια, το φιλικό πρόσωπο της ηρωίδας εκπέμπει ζεστασιά. Χέρια και μαλλιά πλαισιώνουν το πρόσωπο. Αντί για τις ιδιότητες της ζωγραφικής, υπάρχουν χαρακτηριστικά γυναικείας ομορφιάς στο τραπέζι τουαλέτας. Η Serebryakova δεν αποδεικνύει με κανέναν τρόπο ότι ανήκει στους συναδέλφους της καλλιτέχνες. Υπάρχει η αίσθηση ότι η αυτοπροσωπογραφία γράφτηκε για στενούς ανθρώπους του οικογενειακού κύκλου.

ALTMAN Natan Isaevich (1889-1970)

«... Η Άλτμαν εντυπωσιάστηκε από την εμφάνισή της, τη θαυμάσια ικανότητά της να αντέχει το βάρος της ξαφνικής φήμης της, που ήδη έδωσε σε αυτή τη νεαρή γυναίκα, την ηλικία του, κάτι βασιλικό. Όταν ο Άλτμαν ζήτησε από την Αχμάτοβα να του ποζάρει, εκείνη συμφώνησε, αν και ήταν ήδη κάτοχος ενός εκπληκτικού σχεδίου του Modigliani, το οποίο όμως ο Altman δεν μπορούσε να δει: η Anna Andreevna, η νεαρή σύζυγος του Lev Gumilyov, δεν μπορούσε να το δείξει σε κανέναν. Αρχικά, ο N. Altman έκανε μια φιλική καρικατούρα με ένα κτύπημα , ελάχιστα γνωστό σήμερα. Το διάσημο πορτρέτο εμφανίστηκε αργότερα, όταν άρχισαν μεγάλες συνεδρίες στο στούντιο της σοφίτας στο νησί Vasilyevsky , όπου η Anna Akhmatova έμενε σε μια φοιτητική εστία. Ο Natan Altman ζούσε κοντά, είτε στο "επιπλωμένο σπίτι της Νέας Υόρκης", όπως η Akhmatova αργότερα θυμάται, ή στα επιπλωμένα δωμάτια "Knyazhy Dvor", όπως θυμόταν ο ίδιος. Ο Άλτμαν ζωγράφισε μια γυναίκα της φουτουριστικής εποχής, που μοιάζει με αστικό ρυθμό, έγραψε σε αυτό αυτοπεποίθηση, υγεία, σχεδόν ακροβατική ευελιξία της φιγούρας. υποκείμενο και κρυφή δραματουργία. Και μπορεί κανείς μόνο να μαντέψει για τα κίνητρα που ανάγκασαν τον Άλτμαν να ξανασκεφτεί την εικόνα της Αχμάτοβα. Όταν ζωγραφίστηκε αυτό το πορτρέτο, η Άννα Αντρέεβνα ζούσε μόνη στην Αγία Πετρούπολη, έχοντας φύγει από το σπίτι του Τσάρσκοε Σέλο και του Γκουμίλεφ. Ήρθε το τελευταίο της διάλειμμα με τον Gumilyov και ήταν σαν να ξεκίνησε μια άλλη ζωή, βίωσε μια αίσθηση νέας γέννησης και, πιθανότατα, η ίδια δεν είχε ιδέα πώς θα ήταν. Τουλάχιστον, ένα τέτοιο συμπέρασμα μπορεί να εξαχθεί από τα ποιήματα του Αχμάτοφ σχετικά με αυτό το πορτρέτο του:

Σαν σε καθρέφτη, κοιτούσα ανήσυχη
Σε έναν γκρίζο καμβά, και κάθε εβδομάδα
Ακόμη πιο πικρή και περίεργη ήταν η ομοιότητα
Η δική μου με τη νέα μου εικόνα...

Αυτό είναι ένα από καλύτερα πορτρέταΟ Άλτμαν, ένας από αυτούς όπου η προτίμησή του για τη σύνδεση των ασύνδετων προκάλεσε ένα απροσδόκητο αποτέλεσμα. Αν παραλείψουμε τους λυρικούς τόνους, τότε το πορτρέτο της Αχμάτοβα είναι ένα τυπικά κοσμικό πορτρέτο και, ταυτόχρονα, ένα πορτρέτο πρωτοπορίας. Υπάρχει τόσο ευκρίνεια όσο και αισθητική δικαίωση σε ένα τέτοιο μείγμα στυλ. Το πορτρέτο της Αχμάτοβα έγινε αίσθηση σε μια από τις εκθέσεις τέχνης στην Αγία Πετρούπολη το 1915. Σημειώθηκε ΚριτικόςΟ Λ. Μπρούνι έγραψε ότι "αυτό δεν είναι ένα πράγμα, αλλά ένα ορόσημο στην τέχνη" ... Η δύναμη του πορτρέτου του Άλτμαν όχι μόνο καθόρισε την εικόνα της Αχμάτοβα στο μυαλό των συγχρόνων, αλλά αποδείχθηκε ότι ήταν υπνωτική πολλά χρόνια αργότερα, όταν άλλα πορτρέτα της υπήρχαν ήδη, και η ίδια η Αχμάτοβα ήταν ήδη μια άλλη. Το πορτρέτο θυμήθηκε ακόμη και πέντε χρόνια μετά την εμφάνισή του: «Σε ξέρω και σε αγαπώ από την ημέρα που είδα το πορτρέτο σου της Αχμάτοβα», έγραψε ο Vyach. Ο Ιβάνοφ στο άλμπουμ του καλλιτέχνη το 1920. Θυμήθηκε είκοσι χρόνια αργότερα. M.V. Ο Αλπάτοφ, ο οποίος είδε για πρώτη φορά την Αχμάτοβα τη δεκαετία του 1930, θυμήθηκε το ίδιο πορτρέτο: «Εκείνη τη στιγμή η πόρτα άνοιξε και η ίδια μπήκε στο δωμάτιο, ακουστά και εύκολα, σαν να είχε βγει από το πορτρέτο του Άλτμαν». Είναι ενδιαφέρον ότι η ίδια η Αχμάτοβα δεν άρεσε ποτέ το πορτρέτο του Άλτμαν, επαναλαμβάνοντας ξανά και ξανά ότι δεν της αρέσει το πορτρέτο του Άλτμαν «όπως κάθε στυλιζάρισμα στην τέχνη». Δεν ανεχόταν τη μυθολογική εικόνα που είχε διαμορφωθεί στη δεκαετία του 1910 και που ακολουθούσε την Αχμάτοβα σε όλη της τη ζωή, αν και η δική της μοίρα δεν ήταν καθόλου σύμφωνα με αυτό το πορτρέτο.
(

Μαρίνα Τσβετάεβα "Άννα Αχμάτοβα"
Στενό, μη ρωσικό στρατόπεδο -
Πάνω από τα φύλλα.
Σάλι από τουρκικές χώρες
Έπεσε σαν μανδύας.

Θα παραδοθείτε σε έναν
Σπασμένη μαύρη γραμμή.
Κρύο - στη διασκέδαση, τη ζέστη -
Στην απελπισία σου.

Όλη σου η ζωή είναι μια ψυχραιμία
Και θα τελειώσει - τι είναι;
Συννεφιασμένο - σκοτεινό - μέτωπο
Νεαρός Δαίμονας.

Κάθε ένα από τα γήινα
Παίζεις - ασήμαντο!
Και ένας άοπλος στίχος
Στοχεύει στην καρδιά μας.

Το πρωί νυσταγμένη ώρα
- Νομίζω ότι είναι πέντε και τέταρτο, -
σε αγάπησα
Άννα Αχμάτοβα.

Εκδόσεις ενότητας Μουσείων

Η Τατιάνα πριν και μετά τον Πούσκιν: πορτρέτα τριών αιώνων

Πιστεύεται ότι λαϊκό όνομαΗ Τατιάνα έγινε μετά τη δημοσίευση του μυθιστορήματος "Eugene Onegin". Ωστόσο, ακόμη και πριν από αυτό, αυτό το όνομα δεν ήταν ασυνήθιστο μεταξύ των ευγενών. Θυμόμαστε τα πορτρέτα της Τατιάνα από τον 18ο έως τον 20ο αιώνα μαζί με τη Σοφία Μπαγντασάροβα.

Α. Αντροπόφ. Πορτρέτο της πριγκίπισσας Tatyana Alekseevna Trubetskoy. 1761. Πινακοθήκη Τρετιακόφ

Α. Πενγκ. Πορτρέτο της πριγκίπισσας Tatyana Borisovna Kurakina. 1ος όροφος XVIII αιώνας, ΓΕ

Αγνωστος καλλιτέχνης. Πορτρέτο της Anastasia Naryshkina με τις κόρες της Tatyana και Alexandra. Αρχές της δεκαετίας του 1710, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ

Τα κορίτσια από την οικογένεια Romanov βαφτίστηκαν Τατιάνα τον 17ο αιώνα: για παράδειγμα, αυτό ήταν το όνομα της αδερφής του πρώτου Τσάρου Μιχαήλ Φεντόροβιτς και της μικρότερης κόρης του. Τότε αυτό το όνομα από βασιλική δυναστείαεξαφανίστηκε και η επόμενη Τατιάνα εμφανίστηκε στην αυτοκρατορική οικογένεια τη δεκαετία του 1890. Ωστόσο, στις ευγενείς οικογένειες του 17ου και 18ου αιώνα, το όνομα παρέμεινε δημοφιλές. Μία από τις πιο διάσημες Τατιάνα είναι η Τατιάνα Σουβάλοβα. Ο γιος της, ο αγαπημένος της αυτοκράτειρας Ελισάβετ, Ιβάν Σουβάλοφ, επέλεξε την ονομαστική εορτή της μητέρας του για να υπογράψει ένα διάταγμα για την ίδρυση του Πανεπιστημίου της Μόσχας. Έτσι, η ημέρα της Τατιάνα έγινε Ημέρα των Φοιτητών. Το πορτρέτο της Tatyana Shuvalova δεν έχει διατηρηθεί.

Το παλαιότερο ρωσικό πορτρέτο με την Τατιάνα, προφανώς, έγινε οικογενειακό πορτραίτο Naryshkins στη δεκαετία του 1710. Απεικονίζει την κόρη του πρώτου διοικητή της Αγίας Πετρούπολης, Κυβερνήτη της Μόσχας Kirill Naryshkin με τη μητέρα και την αδερφή της. Ένας άγνωστος καλλιτέχνης δεν επεξεργάστηκε τα πρόσωπα πολύ διακριτικά, αλλά έγραψε προσεκτικά τα μοτίβα στο ύφασμα και τη μοντέρνα δαντέλα fontange (κόμμωση) της μητέρας.

Για να ζωγραφίσουν ένα πορτρέτο της κόρης του πρίγκιπα Boris Kurakin -και της ανιψιάς της αυτοκράτειρας Evdokia Lopukhina- προσκάλεσαν τον αυλικό ζωγράφο του Πρώσου βασιλιά Antoine Pen. Ο διευθυντής της Ακαδημίας Τεχνών του Βερολίνου, κατά την παράδοση του κλασικισμού, επεξεργάστηκε το chiaroscuro, τις πτυχές των ρούχων και μάλιστα μετέφερε τις πιο λεπτές υπερχειλίσεις ακριβού υφάσματος στους ώμους της πριγκίπισσας Tatyana Kurakina.

Η πριγκίπισσα Tatyana Trubetskaya, η αδερφή του ποιητή Fyodor Kozlovsky, φαίνεται εντυπωσιακή σε ένα πορτρέτο του 1761: ο καλλιτέχνης Alexei Antropov την απεικόνισε με μια στολή στολισμένη με κόκκινους και πράσινους φιόγκους και λουλούδια. Η πριγκίπισσα με πλήρες μακιγιάζ: εκείνα τα χρόνια ήταν της μόδας όχι μόνο η πούδρα, αλλά και η εφαρμογή ρουζ, η σχεδίαση φρυδιών.

D. Levitsky. Πορτρέτο της Tatyana Petrovna Raznatovskaya. 1781. Πολιτεία Μουσείο τέχνηςΛευκορωσία

N. Argunov. Πορτρέτο της μπαλαρίνας Tatyana Vasilievna Shlykova-Granatova. 1789. Κούσκοβο

E. Vigée-Lebrun. Πορτρέτο της Tatyana Vasilievna Engelhardt. 1797. Μουσείο Φούτζι, Τόκιο

Είκοσι χρόνια αργότερα, ο Ντμίτρι Λεβίτσκι έγραψε την Τατιάνα Ραζνατόφσκαγια. Μια νεαρή γυναίκα με περήφανη στάση φαίνεται ευγενής και κομψή. Το γαλάζιο φόρεμά της και η λευκή μεταξωτή κάπα της έρχονται σε αντίθεση με το σκούρο βαθύ φόντο στην εικαστική παράδοση εκείνων των χρόνων.

Μια από τις πλουσιότερες γυναίκες στη Ρωσία, η ανιψιά του πρίγκιπα Ποτέμκιν, η Τατιάνα Ένγκελχαρντ, παντρεύτηκε έναν από τους Γιουσούποφ και έφερε μια τεράστια περιουσία και το κληρονομικό όνομα Τατιάνα στην οικογένειά τους. Στο πορτρέτο της επισκέπτριας Γαλλίδας προσωπογράφου Vigée-Lebrun, η Tatiana Engelhardt υφαίνει ένα στεφάνι από τριαντάφυλλα και είναι ήδη ντυμένη με μια νέα μόδα - με ένα ψηλόμεσο φόρεμα.

Οι ερευνητές πιστεύουν ότι μεταξύ των χωρικών το όνομα Τατιάνα στους αιώνες XVIII-XIX ήταν τρεις φορές πιο δημοφιλές από ό,τι μεταξύ των ευγενών. Ο δουλοπάροικος ζωγράφος του Σερεμέτεφ, Νικολάι Αργκούνοφ, απεικόνισε μια αγρότισσα, την Τατιάνα Σλίκοβα, ηθοποιό σε δουλοπάροικο θέατρο, με ένα κομψό κοστούμι σκηνής. Αργότερα, ο κόμης πήρε «πολύτιμα» επώνυμα για τις όμορφες ηθοποιούς του. Η Shlykova έγινε Granatova και οι "συνάδελφοί" της - Zhemchugova και Turquoise.

A. Bryullov. Πορτρέτο της Tatyana Borisovna Potemkina. δεκαετία του 1830 VMP

V. Tropinin. Πορτρέτο της Τατιάνα Σεργκέεβνα Καρπάκοβα. 1818. Μουσείο Καλών Τεχνών της Δημοκρατίας του Ταταρστάν

Κ. Ράιχελ. Πορτρέτο της Tatyana Vasilievna Golitsyna. 1816, RM

Μεταξύ των απαθανατισμένων στους καμβάδες της Τατιάνα υπάρχουν και άλλες ηθοποιοί. Το 1818, ο Vasily Tropinin απεικόνισε τη νεαρή χορεύτρια Karpakova. Οι γονείς της έπαιξαν στα Αυτοκρατορικά Θέατρα και η ίδια ήταν λάτρης του μπαλέτου από την παιδική ηλικία. Η Τατιάνα Καρπάκοβα χορεύει στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι από την ηλικία των 12 ετών, οι σύγχρονοί της θαύμασαν τις εκφραστικές εκφράσεις του προσώπου της, την ευκολία του χορού και την άψογη τεχνική της.

Την ίδια χρονιά, δημιουργήθηκε ένα πορτρέτο της πριγκίπισσας Tatyana Golitsyna. Η νύφη της Natalya Golitsyna, το πρωτότυπο της Βασίλισσας των Μπαστούνι του Πούσκιν, απεικονίζεται να φορά μαύρο μπερέ. Στο πρώτο τρίτο του 19ου αιώνα, αυτές οι κόμμωση φορούσαν παραδοσιακά παντρεμένες κυρίες. Είναι αλήθεια ότι πιο συχνά οι γυναίκες της μόδας προτιμούσαν φωτεινά χρώματα - βατόμουρο, πράσινο, κόκκινο.

«Το πλάτος του μπερέ εκτείνεται έως και δώδεκα ίντσες. το πάνω μέρος τους είναι ένα, το κάτω είναι άλλο χρώμα. Τα υλικά από τα οποία κατασκευάζονται τέτοιοι μπερέδες είναι επίσης διαφορετικά: σατέν και βελούδο. Αυτοί οι μπερέδες τοποθετούνται στο κεφάλι τόσο στραβά που η μία άκρη σχεδόν αγγίζει τον ώμο.

Απόσπασμα από περιοδικό μόδας του 19ου αιώνα

Μια ακουαρέλα του 1830 του Alexander Bryullov απεικονίζει την Tatyana Potemkina. Πάνω του, το μοντέλο είναι ντυμένο με μια στολή που καλύπτει όχι μόνο τους ώμους, αλλά και το λαιμό, τα αυτιά και τα μαλλιά της πριγκίπισσας: Η Ποτεμκίνα ήταν πολύ θρησκευόμενη. Έχοντας γίνει πνευματική κόρη του Αγίου Ιγνατίου (Μπριαντσάνινοφ), φρόντισε για τη διάδοση της Ορθοδοξίας, έκτισε εκκλησίες, έδωσε πολλά χρήματα σε φιλανθρωπίες και φυσικά δεν επέτρεψε στον εαυτό της να φορέσει λαιμόκοψη.

V. Vasnetsov. Πορτρέτο της Τατιάνα Ανατόλιεβνα Μαμόντοβα (1884, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ)

Ι. Ρέπιν. Πορτρέτο της Tatyana Lvovna Tolstaya (1893, Yasnaya Polyana)

F. Winterhalter. Πορτρέτο της Tatyana Alexandrovna Yusupova (1858, GE)

Το 1825–1837 ο Ευγένιος Ονέγκιν του Αλέξανδρου Πούσκιν δημοσιεύτηκε τμηματικά. Η Τατιάνα Λαρίνα έγινε η "πρώτη Τατιάνα" της ρωσικής λογοτεχνίας - πριν από αυτό, οι συγγραφείς προτιμούσαν άλλα ονόματα. Μετά την κυκλοφορία του μυθιστορήματος, το όνομα έγινε πολύ πιο δημοφιλές - πολλοί ονόμασαν τις κόρες τους από τη ρομαντική και ενάρετη ηρωίδα του Πούσκιν.

Αλλά δεν έχουν διατηρηθεί τόσα πολλά πορτρέτα της Τατιάνα αυτών των ετών. Ανάμεσά τους είναι ένας καμβάς στον οποίο ο μοντέρνος πορτραίτης Franz Xaver Winterhalter απεικόνισε την Tatyana Yusupova. Η ηρωίδα του πορτρέτου το κληρονόμησε από τη γιαγιά της Τατιάνα Ένγκελχαρντ και η Γιουσούποβα ονόμασε επίσης μια από τις κόρες της.

Πορτρέτα των κορών του Λέοντος Τολστόι και του Ανατόλι Μαμόντοφ δημιουργήθηκαν τις δεκαετίες του 1880 και του 1890 από τον Μπ. Κουστόντιεφ. Πορτρέτο της Tatyana Nikolaevna Chizhova. 1924. Περιφερειακό Μουσείο Τέχνης Ivanovo

Μ. Βρούμπελ. Πορτρέτο της Tatyana Spiridonovna Lyubatovich ως Carmen. δεκαετία του 1890 GTG

Στις αρχές του 20ου αιώνα, στη Μόσχα και στην επαρχία της Μόσχας, το όνομα Τατιάνα έγινε το πέμπτο πιο δημοφιλές μετά τη Μαρία, την Άννα, την Αικατερίνη και την Αλεξάνδρα.

Το πορτρέτο ενός από τα Tatyana ανήκει επίσης στο πινέλο του Mikhail Vrubel. τραγουδιστής όπεραςΗ Τατιάνα Λουμπάτοβιτς απεικονίζεται ως Κάρμεν - στις αρχές του 20ου αιώνα ήταν μια πολύ δημοφιλής εικόνα μεταξύ των καλλιτεχνών και των ηρωίδων των έργων τους.

Το 1908, ο καλλιτέχνης του Saratov Alexander Savinov ζωγράφισε τον καμβά "Harpist". Ηρωίδα του ήταν η σύζυγος του διάσημου φιλοσόφου Semyon Frank, Tatyana Frank (nee Bartseva). Ο Savinov δημιούργησε ένα διακοσμητικό πορτρέτο με ανάγλυφη απόχρωση και σιωπηλά χρώματα στις παραδόσεις του νέου στυλ που κερδίζει δυναμική - του μοντερνισμού.

Σε αυτόν τον καλλιτεχνικό κύκλο της Τατιάνα, αξιοσημείωτο είναι το «Πορτρέτο της Καλλιτέχνιδας Τατιάνα Τσίζοβα», ζωγραφισμένο από τον Μπόρις Κουστόντιεφ το 1924. Ο τίτλος της φωτογραφίας είναι ανακρίβεια. Μετά το θάνατο του Kustodiev, το πορτρέτο μεταφέρθηκε στο Ρωσικό Μουσείο και η συντομογραφία στην υπογραφή "αρχιτέκτονας". αποκρυπτογραφείται ως «καλλιτέχνης». Στην πραγματικότητα, η Tatyana Chizhova ήταν αρχαιολόγος. Στο πορτρέτο, απεικονίζεται με το αγαπημένο της φόρεμα και με το δαχτυλίδι της γιαγιάς της στο δάχτυλό της.

Η ακρίβεια στη γραφή μεμονωμένων λεπτομερειών και μοτίβων μοτίβων υφασμένων από τα χέρια Ρώσων κεντητών, ή καθαρά στολίδια σε σκαλιστά κύπελλα και μπολ, εκπλήσσει και χαροποιεί τους θεατές του παρελθόντος και του παρόντος.

Πολυτελή ρούχα κεντημένα με μαργαριτάρια, εκπληκτικά όμορφα κομμωτήρια εκείνης της εποχής, όμορφα κράταιγους στολισμένα με πολύτιμα περιδέραια, μπόγιαρ σε μπροκάρ καφτάνια - όλα γίνονται αισθητά με ό,τι αγάπη για την εθνική ομορφιά και τον πολιτισμό της Ρωσίας, για την πλούσια κληρονομιά των προγόνων μας, ζωγραφίστηκαν αυτές οι εικόνες . Μπορείτε να σταθείτε κοντά σε καθένα από αυτά για μεγάλο χρονικό διάστημα - θαυμάστε τα ρωσικά μοτίβα και αισθανθείτε υπερηφάνεια για τον εαυτό σας και ταυτόχρονα θλίψη, θλίψη που πολλά έχουν χαθεί, δεν έχουν διατηρηθεί και δεν διατηρούνται σήμερα. Επομένως, τέτοιοι πίνακες, στους οποίους παρέμειναν μοναδικά στοιχεία του πολιτισμού της ρωσικής γης, είναι ιδιαίτερα πολύτιμοι για εμάς.

Βιογραφία του καλλιτέχνη Konstantin Makovsky

Και ο Konstantin Yegorovich, έχοντας κληρονομήσει το πάθος του πατέρα του, συγκέντρωσε όλα τα αριστουργήματα της ρωσικής αρχαίας δεξιοτεχνίας, αλλά ήταν "όμορφη αρχαιότητα". Πρόσθεσε επιδέξια κάτι σε σαλόνια και εργαστήρια, και μετά το χρησιμοποίησε στους πίνακές του και κάτι που απλώς έβαλε στην παλιά του μεγάλη ντουλάπα από έβενο, ώστε αργότερα να θαυμάσει και να θαυμάσει την ομορφιά και την ικανότητα των Ρώσων δασκάλων.

Στο γείσο του τζακιού στέκονταν παλιά οικιακά σκεύη: ασημένιες κουτάλες, φλιτζάνια, νιπτήρες, βεντάλιες - αντικείμενα της εποχής του μπογιάρ. Αρχαίες μπροκάρ κοστούμια boyar, πολύχρωμα σαλαμάκια, κιγκλιδώματα με μαργαριτάρια, κοκόσνικ κεντημένα με μαργαριταρένια δαντέλα - όλα αυτά φαίνονται στους πίνακες του καλλιτέχνη. Και εκτός από τα πράγματα που συνέλεξε με αγάπη ο Konstantin Yegorovich, στους πίνακές του συμμετείχαν και άνθρωποι που συγκεντρώθηκαν γύρω του. Μερικές φορές έπαιζαν σκηνές από τη ζωή των βογιάρων, οι οποίες στη συνέχεια μεταφέρονταν στον καμβά. Και αυτό αναμφίβολα προκάλεσε το έντονο ενδιαφέρον του κοινού, γιατί μέσα από τους πίνακες του Μακόφσκι ήταν προσκολλημένοι στη γνώση της ιστορίας της Ρωσίας και του πολιτισμού των προγόνων τους.

Η κόρη του καλλιτέχνη στα απομνημονεύματά της είπε πώς ανέβηκαν "... πολυτελείς" ζωντανές εικόνες "από τη ζωή των αγοριών ...". Μερικές φορές υπήρχαν μέχρι και 150 άτομα καλεσμένα σε αυτές τις βραδιές, μεταξύ των οποίων ήταν εκπρόσωποι αρχαίων οικογενειών, απόγονοι όσων απεικονίζονται από τον καλλιτέχνη. «... έντυσαν επιδέξια και όμορφα με μπροκάρ και βελούδινα ρούχα...» για να αναπαράγουν μέσα τους τη σκηνή που συνέλαβε ο καλλιτέχνης. Έτσι εμφανίστηκαν οι πίνακες - "The Wedding Feast", "The Choice of the Bride" και πολλοί άλλοι πίνακες.

Πίνακες του Konstantin Makovsky

Συλλογή αντικειμένων της ρωσικής αρχαιότητας Κ.Ε. Ο Μακόφσκι συνέχισε να μελετά όλη του τη ζωή. Συλλέγοντας αριστουργήματα Ρώσων δασκάλων, ο καλλιτέχνης εξοικειώθηκε με την ιστορία της Ρωσίας και, θαυμάζοντας τα, εμπνεύστηκε από νέες ιδέες. Τώρα, οι καμβάδες του προκαλούν μέσα μας όχι μόνο θαυμασμό για την πλουσιότερη κληρονομιά των προγόνων μας, αλλά και την επιθυμία να μάθουμε όλο και περισσότερα για την πατρίδα μας.

Σχετικά με το πώς ο K.E. Makovsky χρησιμοποίησε τη συλλογή του στο έργο του, ο συγγραφέας E.I. Ο Φορτουνάτο, που είχε την τύχη να γίνει το μοντέλο του.

Ο Κ.Ε. Μακόφσκι δεν ήταν μόνο καλλιτέχνης. Επικοινωνώντας με εξέχοντες ιστορικούς, ο ίδιος έγινε σπουδαίος ειδικός στον τομέα της ρωσικής αρχαιότητας. Κ.Ε. Ο Μακόφσκι προσπάθησε να διατηρήσει την καλλιτεχνική κληρονομιά της Ρωσίας. Επομένως, δεν είναι τυχαίο ότι το 1915 έγινε μέλος της Αναγεννησιακής Εταιρείας καλλιτεχνική Ρωσία, του οποίου κύριο έργο ήταν η διατήρηση, μελέτη και ανάδειξη της ρωσικής αρχαιότητας.

Είναι πικρό και λυπηρό το γεγονός ότι η συλλογή, η οποία συλλέγεται εδώ και μισό αιώνα, η οποία έχει καταλάβει μια τόσο σημαντική θέση στη ζωή του καλλιτέχνη, η οποία έχει γίνει αντανάκλαση μιας ολόκληρης εποχής στον ρωσικό πολιτισμό, θα τοποθετηθεί για δημοπρασία μόλις έξι μήνες μετά τον θάνατό του. Τον Σεπτέμβριο του 1915, ο Κ.Ε. Μακόφσκι χτυπήθηκε από ταξί του δρόμου σε έναν από τους δρόμους της Πετρούπολης. Έχοντας λάβει σοβαρός τραυματισμόςκεφάλι, ο καλλιτέχνης πέθανε δύο μέρες αργότερα. Ο ξαφνικός θάνατος κατέστρεψε όλα τα σχέδια...

Περισσότερα από 1.000 αντικείμενα καταγράφηκαν στη δημοπρασία, μερικά από αυτά πήγαν στα μουσεία της πρωτεύουσας: το Ρωσικό Μουσείο, το Ερμιτάζ, το Μουσείο της Σχολής Τεχνικού Σχεδίου του Βαρώνου Στίγκλιτς και τα μουσεία της Μόσχας. Πολλά αντικείμενα αγοράστηκαν από εκπροσώπους εταιρειών αντίκες της Μόσχας. Αυθεντικά κοστούμια, ασημένια κύπελλα, κουτάλες, ποτήρια πέρασαν στα χέρια επιφανών συλλεκτών της Μόσχας.

Αλλά δεν θαύμασαν όλοι τους πίνακες του Κ. Μακόφσκι και τον τρόπο δουλειάς του.

Στην αρχή του δημιουργικό τρόποΟ Κ. Μακόφσκι μοιράστηκε τις απόψεις των Περιπλανώμενων, ζωγράφιζε παιδιά αγροτών ("Παιδιά που τρέχουν από μια καταιγίδα", "Ραντεβού"), αλλά ήδη από τη δεκαετία του 1880 ο καλλιτέχνης απομακρύνθηκε αμετάκλητα από αυτούς και άρχισε να οργανώνει ατομικές εκθέσεις.

Το 1883 δημιούργησε τον πίνακα «Boyar wedding feast in XVII αιώνα», και ακολούθησαν «Η επιλογή της νύφης του Τσάρου Αλεξέι Μιχαήλοβιτς» (1886), «Ο θάνατος του Ιβάν του Τρομερού» (1888), «Ντύσιμο της νύφης στο στέμμα» (1890), «Ιεροτελεστία φιλιού» (1895, ). Οι πίνακες είχαν επιτυχία τόσο στη Ρωσία όσο και στο εξωτερικό. διεθνείς εκθέσεις. Για κάποιους από αυτούς, στην Παγκόσμια Έκθεση του 1889 στο Παρίσι, ο Κ. Μακόφσκι βραβεύτηκε με χρυσό μετάλλιο.

Οι τιμές για τους πίνακές του ήταν πάντα υψηλές. ΜΕΤΑ ΜΕΣΗΜΒΡΙΑΣ. Ο Τρετιακόφ μερικές φορές δεν μπορούσε να τα πάρει. Αλλά οι ξένοι συλλέκτες αγόρασαν πρόθυμα καμβάδες του κύκλου "boyar", έτσι τα περισσότερα από τα έργα του καλλιτέχνη έφυγαν από τη Ρωσία.

Χάρη σε αυτή την επιτυχία, ο K.E. Makovsky έγινε ένας από τους πλουσιότερους ανθρώπους. Σε όλη του τη ζωή περιβαλλόταν από πολυτέλεια, που κανένας Ρώσος καλλιτέχνης δεν ονειρευόταν. Ο Μακόφσκι εκπλήρωσε κάθε παραγγελία για οποιοδήποτε θέμα με την ίδια λαμπρότητα. Ήταν το τελευταίο που προκάλεσε πολλές παρεξηγήσεις, ακόμη και καταδίκες. Κάποιοι, προφανώς, ζήλεψαν την επιτυχία, άλλοι πίστευαν ότι οι άνθρωποι με τη δική τους καθημερινή ζωή. Αλλά τέτοιοι πίνακες εξαντλήθηκαν όχι τόσο πρόθυμα και πολλοί πίστευαν ότι ο Μακόφσκι έγραψε για εκείνα τα θέματα που ήταν σε ζήτηση, δηλαδή για χάρη του εμπλουτισμού του.

Ωστόσο, πάντα ζούσε όπως ήθελε και έγραφε ότι ήθελε. Το όραμά του για την ομορφιά απλώς συνέπεσε με τις απαιτήσεις και τις απαιτήσεις εκείνων των ανθρώπων που ήταν πρόθυμοι να πληρώσουν πολλά χρήματα για τους πίνακές του. Η εύκολη επιτυχία του ήταν ο κύριος λόγος για την αρνητική στάση απέναντι του και το έργο του στους Περιπλανώμενους. Κατηγορήθηκε ότι χρησιμοποίησε την τέχνη και το ταλέντο του για υλικό κέρδος.

Κ.Ε. Ο Μακόφσκι ξεκίνησε το δικό του καλλιτεχνική διαδρομήμαζί με τους Περιπλανώμενους, εκθέτοντας πίνακες ζωγραφικής με θέμα τη ζωή των ανθρώπων. Ωστόσο, με την πάροδο του χρόνου, τα ενδιαφέροντά του άλλαξαν και από τη δεκαετία του 1880 έγινε ένας επιτυχημένος ζωγράφος πορτραίτων σαλονιών. Το γεγονός ότι αυτό συνέβη για χάρη του υλικού πλούτου δεν μπορεί να γίνει πιστευτό. Άλλωστε αυτό αποδεικνύεται από τις πολυάριθμες συλλογές και το πολύπλευρο ταλέντο του. Αλλά δεν μπορεί να αμφισβητηθεί ότι ο Μακόφσκι δεν επιδίωξε την αναγνώριση στο εξωτερικό. Επιπλέον, οι Ευρωπαίοι ενδιαφέρθηκαν για τη ρωσική ιστορία, έτσι το έργο του πουλήθηκε γρήγορα.

Στην προσωπική του ζωή, ο Μακόφσκι ήταν επίσης χαρούμενος. Η ευχάριστη εμφάνισή του, η κοινωνικότητά του, το πάντα ανοιχτό και χαμογελαστό βλέμμα με καθαρά μάτια έκαναν τον Κωνσταντίν Γιεγκόροβιτς πάντα έναν ευπρόσδεκτο επισκέπτη. Παντρεύτηκε τρεις φορές. Η πρώτη του σύζυγος Lenochka Burkova, ηθοποιός Θέατρο Αλεξανδρίνσκιέζησε μαζί του σύντομη ζωή. Ένα γοητευτικό και ευγενικό κορίτσι έφερε πολλή χαρά και ζεστασιά στη ζωή του. Όμως η αρρώστια την παρέσυρε νωρίς από την επίγεια ζωή.

Ξένοιαστος και άπληστος για τις χαρές της ζωής, ο Konstantin Yegorovich παρηγορήθηκε γρήγορα όταν είδε ένα κορίτσι εξαιρετικής ομορφιάς στην μπάλα - τη Yulenka Letkova. Το κορίτσι ήταν μόλις δεκαέξι ετών και ο γοητευτικός ζωγράφος τριάντα έξι. Ο γάμος έγινε αμέσως μετά. Έχοντας ζήσει είκοσι χρόνια ευτυχισμένης οικογενειακής ζωής, ο Konstantin Yegorovich ζωγράφισε πολλούς πίνακες, οι περισσότεροι από τους οποίους περιέχουν μια χαριτωμένη εικόνα της νεαρής συζύγου του. Για για πολλά χρόνιαΗ Yulia Pavlovna Makovskaya ήταν η μούσα του και το μοντέλο του για πορτρέτα.

Το 1889, ο Konstantin Makovsky πήγε στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι, όπου εξέθεσε αρκετούς από τους πίνακές του. Εκεί ενδιαφέρθηκε για τη νεαρή Maria Alekseevna Matavtina (1869-1919). Γεννημένος το 1891 νόθος γιοςΚωνσταντίνου. Έπρεπε να ομολογήσω τα πάντα στη γυναίκα μου. Η Γιούλια Παβλόβνα δεν συγχώρεσε την προδοσία. Λίγα χρόνια αργότερα, κατατέθηκε διαζύγιο. Και ο Konstantin Yegorovich συνέχισε χαρούμενος οικογενειακή ζωήμε την τρίτη σύζυγό του, την οποία χρησιμοποιούσε και ως μοντέλο. Επίσης συχνά απεικόνιζε τα παιδιά του από τον δεύτερο και τον τρίτο γάμο του στους καμβάδες του.

Παιδιά, βάζουμε την ψυχή μας στο site. Ευχαριστώ γι'αυτό
για την ανακάλυψη αυτής της ομορφιάς. Ευχαριστώ για την έμπνευση και την έμπνευση.
Ελάτε μαζί μας στο FacebookΚαι Σε επαφή με

Πρώτα απ 'όλα, γνωρίζουμε δύο πράγματα για τον πίνακα: τον συγγραφέα του και, πιθανώς, την ιστορία του καμβά. Αλλά για τη μοίρα όσων μας κοιτούν από καμβάδες, δεν γνωρίζουμε τόσα πολλά.

δικτυακός τόποςΑποφάσισα να μιλήσω για γυναίκες των οποίων τα πρόσωπα είναι γνωστά σε εμάς, αλλά οι ιστορίες τους όχι.

Jeanne Samary
Auguste Renoir, Πορτρέτο της ηθοποιού Jeanne Samary, 1877

Η ηθοποιός Jeanne Samary, αν και δεν μπορούσε να γίνει σταρ της σκηνής (έπαιζε κυρίως υπηρέτριες), ήταν τυχερή σε κάτι άλλο: για κάποιο διάστημα έζησε κοντά στο εργαστήριο του Renoir, ο οποίος ζωγράφισε τέσσερα πορτρέτα της το 1877-1878. δοξάζοντας έτσι πολύ περισσότερα από όσα θα μπορούσε να την κάνει καριέρα ηθοποιού. Η Zhanna έπαιξε σε παραστάσεις από τα 18 της, στα 25 της παντρεύτηκε και απέκτησε τρία παιδιά, στη συνέχεια έγραψε ακόμη και ένα παιδικό βιβλίο. Αλλά αυτή η γοητευτική κυρία, δυστυχώς, δεν έζησε πολύ: σε ηλικία 33 ετών αρρώστησε από τυφοειδή πυρετό και πέθανε.

Σεσίλια Γκαλεράνι
Λεονάρντο ντα Βίντσι, Κυρία με ερμίνα
1489-1490

Η Σεσίλια Γκαλεράνι ήταν ένα κορίτσι από αρχοντική ιταλική οικογένεια που ήταν ήδη αρραβωνιασμένη σε ηλικία 10 (!) ετών. Ωστόσο, όταν το κορίτσι ήταν 14 ετών, ο αρραβώνας ακυρώθηκε για άγνωστους λόγους και η Σεσίλια στάλθηκε σε ένα μοναστήρι, όπου γνώρισε (ή ήταν όλα στημένα) τον Δούκα του Μιλάνου, Λουδοβίκο Σφόρτσα. Ξεκίνησε μια υπόθεση, η Σεσίλια έμεινε έγκυος και ο δούκας εγκατέστησε την κοπέλα στο κάστρο του, αλλά ήρθε η ώρα να συνάψει δυναστικό γάμο με μια άλλη γυναίκα, στην οποία φυσικά δεν άρεσε η παρουσία της ερωμένης της στο σπίτι τους. Στη συνέχεια, μετά τη γέννηση του Gallerani, ο δούκας πήρε τον γιο του για τον εαυτό του και την πάντρεψε με έναν φτωχό κόμη.

Σε αυτόν τον γάμο, η Σεσίλια γέννησε τέσσερα παιδιά, κράτησε σχεδόν το πρώτο λογοτεχνικό σαλόνι στην Ευρώπη, επισκέφτηκε τον δούκα και έπαιξε με ευχαρίστηση με το παιδί του από μια νέα ερωμένη. Μετά από λίγο, ο σύζυγος της Σεσίλια πέθανε, ο πόλεμος ξέσπασε, έχασε την ευημερία της και βρήκε καταφύγιο στο σπίτι της αδερφής της ίδιας συζύγου του δούκα - σε μια τόσο υπέροχη σχέση κατάφερε να είναι με τους ανθρώπους. Μετά τον πόλεμο, η Gallerani επέστρεψε στο κτήμα της, όπου έζησε μέχρι το θάνατό της σε ηλικία 63 ετών.

Zinaida Yusupova
V.A. Serov, "Πορτρέτο της πριγκίπισσας Zinaida Yusupova", 1902

Η πλουσιότερη Ρωσίδα κληρονόμος, η τελευταία της οικογένειας Yusupov, η πριγκίπισσα Zinaida ήταν απίστευτα εμφανίσιμη και, παρά το γεγονός ότι η εύνοια της επιζητούσαν, μεταξύ άλλων, αυγή άτομα, ήθελε να παντρευτεί για αγάπη. Εκπλήρωσε την επιθυμία της: ο γάμος ήταν ευτυχισμένος και έφερε δύο γιους. Η Yusupova ξόδεψε πολύ χρόνο και προσπάθεια φιλανθρωπικές δραστηριότητες, και μετά την επανάσταση το συνέχισε στην εξορία. Ο αγαπημένος μεγαλύτερος γιος πέθανε σε μια μονομαχία όταν η πριγκίπισσα ήταν 47 ετών και δύσκολα άντεξε αυτή την απώλεια. Με την έναρξη της αναταραχής, οι Γιουσούποφ εγκατέλειψαν την Αγία Πετρούπολη και εγκαταστάθηκαν στη Ρώμη και μετά το θάνατο του συζύγου της, η πριγκίπισσα μετακόμισε στον γιο της στο Παρίσι, όπου πέρασε τις υπόλοιπες μέρες της.

Μαρία Λοπουχίνα
V.L. Borovikovsky, «Πορτρέτο του M.I. Lopukhina», 1797

Ο Borovikovsky ζωγράφισε πολλά πορτρέτα Ρωσίδων ευγενών, αλλά αυτό είναι το πιο γοητευτικό. Η Maria Lopukhina, μέλος της οικογένειας του κόμη Τολστόι, απεικονίζεται εδώ στην τρυφερή ηλικία των 18 ετών. Το πορτρέτο παρήγγειλε ο σύζυγός της Stepan Avraamovich Lopukhin λίγο μετά το γάμο. Η ευκολία και το ελαφρώς αγέρωχο βλέμμα φαίνεται να είναι είτε η συνηθισμένη πόζα για ένα τέτοιο πορτρέτο της εποχής του συναισθηματισμού, είτε σημάδια μελαγχολικής και ποιητικής διάθεσης. Η μοίρα αυτού του μυστηριώδους κοριτσιού αποδείχθηκε θλιβερή: μόλις 6 χρόνια μετά τον πίνακα, η Μαρία πέθανε από κατανάλωση.

Giovannina και Amacilia Pacini
Karl Bryullov, Ιππέας, 1832

"Ιππέας" Bryullov - λαμπρό επίσημο πορτρέτο, στο οποίο τα πάντα είναι πολυτελή: η φωτεινότητα των χρωμάτων και η λαμπρότητα των κουρτινών και η ομορφιά των μοντέλων. Απεικονίζει δύο κορίτσια που έφεραν το επώνυμο Pacini: η μεγαλύτερη Giovannina κάθεται σε ένα άλογο, η μικρότερη Amacilia την κοιτάζει από τη βεράντα. Η φωτογραφία στον Karl Bryullov - τον επί χρόνια εραστή της - παραγγέλθηκε από την θετή μητέρα τους, την κόμισσα Yulia Pavlovna Samoilova, μια από τις όμορφες γυναίκεςΡωσία και κληρονόμος μιας κολοσσιαίας περιουσίας. Η Κόμισσα εγγυήθηκε μια μεγάλη προίκα για τις μεγάλες κόρες της. Αλλά αποδείχθηκε ότι από τα βαθιά της ηλικίας είχε καταστραφεί σχεδόν, και μετά υιοθετημένες κόρεςΗ Γιοβανίνα και η Αμαζίλια εισέπραξαν μέσω των δικαστηρίων τα χρήματα και την περιουσία που υποσχέθηκαν από την κόμισσα.

Σιμονέτα Βεσπούτσι
Sandro Botticelli, Η γέννηση της Αφροδίτης
1482–1486

Ο διάσημος πίνακας του Μποτιτσέλι απεικονίζει τη Σιμονέτα Βεσπούτσι, την πρώτη ομορφιά της Αναγέννησης της Φλωρεντίας. Η Simonetta γεννήθηκε σε μια πλούσια οικογένεια, σε ηλικία 16 ετών παντρεύτηκε τον Marco Vespucci (συγγενή του Amerigo Vespucci, ο οποίος «ανακάλυψε» την Αμερική και έδωσε το όνομά του στην ήπειρο). Μετά το γάμο, οι νεόνυμφοι που εγκαταστάθηκαν στη Φλωρεντία, έγιναν δεκτοί στην αυλή του Lorenzo Medici, εκείνα τα χρόνια που φημίζονταν για τα πλούσια γλέντια και τις δεξιώσεις.

Η όμορφη, ταυτόχρονα πολύ σεμνή και καλοπροαίρετη Simonetta ερωτεύτηκε γρήγορα άνδρες της Φλωρεντίας. Ο ηγεμόνας της Φλωρεντίας, ο ίδιος ο Λορέντζο, προσπάθησε να τη φροντίσει, αλλά ο αδελφός του Τζουλιάνο ήταν ο πιο δραστήριος στην αναζήτησή της. Η ομορφιά της Simonetta ενέπνευσε πολλούς καλλιτέχνες εκείνης της εποχής, μεταξύ των οποίων ήταν και ο Sandro Botticelli. Πιστεύεται ότι από τη στιγμή που γνωρίστηκαν, η Simonetta ήταν το μοντέλο για όλες τις Madonnas και Venuses του Botticelli. Σε ηλικία 23 ετών, η Simonetta πέθανε από κατανάλωση, παρά τις προσπάθειες των καλύτερων γιατρών της αυλής. Μετά από αυτό, ο καλλιτέχνης απεικόνισε τη μούσα του μόνο από μνήμης και σε μεγάλη ηλικία κληροδότησε να ταφεί δίπλα της, κάτι που έγινε.

Βέρα Μαμόντοβα
V.A. Serov, "Κορίτσι με ροδάκινα", 1887

Το περισσότερο διάσημος πίνακαςΟ δεξιοτέχνης του πορτραίτου Valentin Serov γράφτηκε στο κτήμα ενός πλούσιου βιομήχανου Savva Ivanovich Mamontov. Κάθε μέρα για δύο μήνες, η κόρη του, η 12χρονη Βέρα, πόζαρε στον καλλιτέχνη. Το κορίτσι μεγάλωσε και έγινε γοητευτικό κορίτσι, παντρεύτηκε για αμοιβαία αγάπη τον Alexander Samarin, ο οποίος ανήκει σε γνωστή οικογένεια ευγενών. Μετά ταξίδι του μέλιτοςστην Ιταλία, η οικογένεια εγκαταστάθηκε στην πόλη Bogorodsk, όπου γεννήθηκαν τρία παιδιά το ένα μετά το άλλο. Αλλά απροσδόκητα τον Δεκέμβριο του 1907, μόλις 5 χρόνια μετά τον γάμο, η Vera Savvishna πέθανε από πνευμονία. Ήταν μόλις 32 ετών και ο σύζυγός της δεν ξαναπαντρεύτηκε ποτέ.

Alexandra Petrovna Struyskaya
Φ.Σ. Rokotov, "Πορτρέτο της Struyskaya", 1772

Αυτό το πορτρέτο του Rokotov είναι σαν μια ευάερη υπόδειξη. Η Alexandra Struyskaya ήταν 18 ετών όταν παντρεύτηκε έναν πολύ πλούσιο χήρο. Υπάρχει ένας θρύλος ότι για το γάμο ο σύζυγός της της έδωσε τίποτα λιγότερο από μια νέα εκκλησία. Και σε όλη του τη ζωή της έγραφε ποίηση. Το αν αυτός ο γάμος ήταν ευτυχισμένος δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα, αλλά όλοι όσοι ήταν στο σπίτι τους έδωσαν προσοχή στο πόσο ανόμοιοι είναι οι σύζυγοι. Για 24 χρόνια γάμου, η Αλεξάνδρα γέννησε στον σύζυγό της 18 παιδιά, 10 από τα οποία πέθαναν σε βρεφική ηλικία. Μετά τον θάνατο του συζύγου της, έζησε άλλα 40 χρόνια, διαχειρίστηκε σταθερά το κτήμα και άφησε μια αξιοπρεπή περιουσία στα παιδιά.

Μαζί με τον σύζυγό της, η Λίζα μεγάλωσε πέντε παιδιά και, πιθανότατα, ο γάμος της βασίστηκε στην αγάπη. Όταν ο άντρας της πέθανε από την πανώλη και η Λίζα χτυπήθηκε επίσης από αυτή τη σοβαρή ασθένεια, μια από τις κόρες δεν φοβήθηκε να πάρει τη μητέρα της κοντά της και να την αφήσει να φύγει. Η Μόνα Λίζα ανάρρωσε και έζησε για κάποιο διάστημα με τις κόρες της, πεθάνοντας σε ηλικία 63 ετών.

Η ρωσική ζωγραφική δικαίως ξεχωρίζει από τον κόσμο τέχνη. Το γεγονός είναι ότι μέχρι τον δέκατο έβδομο αιώνα, η εγχώρια ζωγραφική συνδέθηκε αποκλειστικά με θρησκευτικό θέμα. Η κατάσταση άλλαξε με την έλευση στην εξουσία του τσάρου-μεταρρυθμιστή - Πέτρου του Μεγάλου. Χάρη στις μεταρρυθμίσεις του, οι Ρώσοι δάσκαλοι άρχισαν να ασχολούνται με την κοσμική ζωγραφική και η ζωγραφική των εικόνων διαχωρίστηκε ως ξεχωριστή κατεύθυνση. Ο δέκατος έβδομος αιώνας είναι η εποχή τέτοιων καλλιτεχνών όπως ο Simon Ushakov και ο Iosif Vladimirov. Στη συνέχεια, στον κόσμο της ρωσικής τέχνης, το πορτρέτο γεννήθηκε και έγινε γρήγορα δημοφιλές. Τον δέκατο όγδοο αιώνα, εμφανίστηκαν οι πρώτοι καλλιτέχνες που πέρασαν από την προσωπογραφία στη ζωγραφική τοπίου. Η έντονη συμπάθεια των δασκάλων για τα χειμερινά πανοράματα είναι αισθητή. Ο δέκατος όγδοος αιώνας θυμήθηκε επίσης για τη γέννηση της καθημερινής ζωγραφικής. Τον δέκατο ένατο αιώνα, τρεις τάσεις κέρδισαν δημοτικότητα στη Ρωσία: ρομαντισμός, ρεαλισμός και κλασικισμός. Όπως και πριν, οι Ρώσοι καλλιτέχνες συνέχισαν να στρέφονται προς είδος πορτρέτου. Τότε ήταν που εμφανίστηκαν παγκοσμίου φήμης πορτρέτα και αυτοπροσωπογραφίες του O. Kiprensky και του V. Tropinin. Στο δεύτερο μισό του δέκατου ένατου αιώνα, οι καλλιτέχνες απεικονίζουν όλο και πιο συχνά τον απλό ρωσικό λαό στην καταπιεσμένη του κατάσταση. Ο ρεαλισμός γίνεται η κεντρική τάση της ζωγραφικής αυτής της περιόδου. Τότε ήταν που εμφανίστηκαν οι Περιπλανώμενοι, απεικονίζοντας μόνο την πραγματική, πραγματική ζωή. Λοιπόν, ο εικοστός αιώνας είναι, φυσικά, η πρωτοπορία. Οι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής επηρέασαν σημαντικά τόσο τους οπαδούς τους στη Ρωσία όσο και σε όλο τον κόσμο. Οι πίνακές τους έγιναν οι πρόδρομοι της αφαίρεσης. Η ρωσική ζωγραφική είναι ένας τεράστιος υπέροχος κόσμος ταλαντούχων καλλιτεχνών που δόξασαν τη Ρωσία με τις δημιουργίες τους