जापानी कला - इतिहास - परिचय - मनोरंजक जापान - LiveJournal। जापानी कला जापानी कला के मुख्य कार्यों की महानता का रहस्य

जापानी संस्कृति की सबसे बड़ी घटनाओं में से एक के रूप में चाय समारोह (चानोयू) का गठन देश के लिए एक बहुत ही कठिन, परेशान समय में हुआ, जब आंतरिक खूनी युद्धों और सामंती कुलों के बीच झगड़े ने लोगों के जीवन को असहनीय बना दिया। चाय समारोह ज़ेन बौद्ध धर्म के सौंदर्यशास्त्र और दर्शन के प्रभाव में उत्पन्न हुआ और सुंदरता की पूजा के साथ निराशा की मनोदशा का मुकाबला करने की मांग की।

उन दिनों, सैन्य वर्ग के शासक और धनी व्यापारी, राजनीतिक और व्यावसायिक चर्चाओं के लिए इकट्ठा होते थे, अक्सर चाय परोसने का अवसर लेते थे। एक शांत चाय के कमरे में आराम से बैठना, जीवन की चिंताओं और चिंताओं से अलग होना, और एक ब्रेज़ियर पर उबलते पानी की आवाज़ सुनना एक परिष्कृत आनंद माना जाता था। महान शिक्षक सेन-नो-रिक्यू ने चाय पीने को एक कला बना दिया। वह चाय समारोह की कला को विकसित करने में सक्षम था जैसा कि उसने किया था, आंशिक रूप से मौजूद सामाजिक पृष्ठभूमि के कारण।

पहली नज़र में सेन नो रिक्यू द्वारा बनाया गया चाय का कमरा बहुत ही साधारण और बहुत छोटा भी लग रहा था। लेकिन इसकी योजना सबसे सावधानीपूर्वक तरीके से बनाई गई थी, बारीक सुपाठ्यता के साथ, सबसे छोटे विवरण तक। इसे बर्फ-सफेद पारभासी जापानी कागज से ढके स्लाइडिंग दरवाजों से सजाया गया था। छत बांस या फूस से तैयार की गई थी, और दीवारों की खुली बनावट अत्यधिक मूल्यवान थी। समर्थन ज्यादातर लकड़ी के थे, उनकी प्राकृतिक छाल को बरकरार रखा। चाय के कमरे के डिजाइन में एक आश्रम का प्रभाव पैदा करने के लिए, सभी बेकार सजावट और अत्यधिक सजावट को त्याग दिया गया।

आज, चाय समारोह सबसे विशिष्ट है, अनूठी कला. इसने कई सदियों से जापानियों के आध्यात्मिक और सामाजिक जीवन में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई है। समय के साथ, चाय समारोह की रस्म को विहित किया गया, क्रियाओं और व्यवहार का क्रम दिया गया। पहले से ही साधारण लकड़ी के फाटकों में प्रवेश करने के बाद, मेहमान एक विशेष दुनिया में डूब गए, सब कुछ उनके पीछे छोड़ दिया और मौन एकाग्रता में केवल कार्रवाई के नियमों का पालन किया।

शास्त्रीय चानोयू एक कड़ाई से निर्धारित अनुष्ठान है जिसमें चाय मास्टर (चाय बनाने और डालने वाला व्यक्ति) और समारोह में भाग लेने वाले अन्य प्रतिभागी भाग लेते हैं। अनिवार्य रूप से, एक चाय मास्टर एक पुजारी होता है जो चाय का कार्य करता है, बाकी वे होते हैं जो उससे जुड़ते हैं। हर किसी के व्यवहार की अपनी विशिष्ट शैली होती है, जिसमें बैठने की मुद्रा, और हर गतिविधि, चेहरे की अभिव्यक्ति और बोलने के तरीके दोनों शामिल हैं।

चाय पीते समय बुद्धिमान भाषण दिए जाते हैं, कविताएँ पढ़ी जाती हैं, कला के कार्यों पर विचार किया जाता है। फूलों के गुलदस्ते और पेय बनाने के लिए विशेष बर्तन प्रत्येक अवसर के लिए विशेष देखभाल के साथ चुने जाते हैं।

वातावरण ही उपयुक्त मनोदशा का निर्माण करता है, जो आश्चर्यजनक रूप से सरल और विनम्र है: एक तांबे की चायदानी, कप, एक बांस स्टिरर, एक चाय भंडारण बॉक्स, आदि। जापानी चमकदार चमकदार वस्तुओं को पसंद नहीं करते हैं, वे नीरसता से प्रभावित होते हैं। डी। तनिज़ाकी इस बारे में लिखते हैं: “यूरोपीय लोग चांदी, स्टील या निकल से बने टेबलवेयर का उपयोग करते हैं, इसे चमकदार चमक के लिए पॉलिश करते हैं, लेकिन हम इस तरह की चमक को बर्दाश्त नहीं कर सकते। हम चांदी की वस्तुएं भी इस्तेमाल करते हैं... लेकिन हम उन्हें कभी चमका नहीं पाते। इसके विपरीत, हम आनन्दित होते हैं जब यह चमक वस्तुओं की सतह से उतरती है, जब वे नुस्खे का स्पर्श प्राप्त करते हैं, जब वे समय के साथ काले पड़ जाते हैं ... हम उन चीजों से प्यार करते हैं जो मानव मांस, तेल की कालिख, अपक्षय और बारिश की सूजन को सहन करती हैं। चाय समारोह के लिए सभी वस्तुओं पर समय की छाप होती है, लेकिन सभी बेदाग साफ हैं। गोधूलि, मौन, सबसे सरल चायदानी, चाय डालने के लिए एक लकड़ी का चम्मच, एक मोटा चीनी मिट्टी का प्याला - यह सब उपस्थित लोगों को मोहित करता है।

एक चाय घर के इंटीरियर में सबसे महत्वपूर्ण तत्व आला है - टोकोनोमा। इसमें आमतौर पर एक पेंटिंग या एक सुलेख शिलालेख और फूलों का गुलदस्ता, अगरबत्ती के साथ एक धूपदानी होती है। टोकोनोमा प्रवेश द्वार के सामने स्थित है और मेहमानों का ध्यान तुरंत आकर्षित करता है। टोकोनामा स्क्रॉल को बहुत सावधानी से चुना गया है और समारोह के दौरान चर्चा का एक अनिवार्य विषय है। यह एक ज़ेन बौद्ध शैली में और इस तरह के पुरातन सुलेख के साथ लिखा गया है कि कुछ ही लिखे गए अर्थ को समझ सकते हैं और समझ सकते हैं, उदाहरण के लिए: "बांस हरे हैं, और फूल लाल हैं", "चीजें चीजें हैं, और यह सुंदर है" !" या "पानी ही पानी है।" उपस्थित लोगों को इन कथनों का अर्थ समझाया गया है, बाह्य रूप से सरल, लेकिन साथ ही साथ दार्शनिक रूप से बहुत गहरा। कभी-कभी इन विचारों को हाइकु के काव्यात्मक रूप में व्यक्त किया जाता है, कभी-कभी वे "वबी" के सिद्धांत के अनुपालन में, एक नियम के रूप में, पुराने गुरु की पेंटिंग में परिलक्षित होते हैं।

जापान में, चाय समारोह के कई रूप हैं, लेकिन कुछ ही सख्ती से स्थापित हैं: रात की चाय, सूर्योदय की चाय, सुबह की चाय, दोपहर की चाय, शाम की चाय, विशेष चाय।

रात की चाय की शुरुआत चांद से होती है। मेहमान करीब साढ़े ग्यारह बजे आते हैं और सुबह करीब चार बजे चले जाते हैं। आमतौर पर, पीसा हुआ चाय पीसा जाता है, जिसे मेहमानों के सामने तैयार किया जाता है: पत्तियों को शिराओं से मुक्त किया जाता है और एक मोर्टार में पाउडर में पीस दिया जाता है। यह चाय बहुत तीखी होती है, इसे खाली पेट नहीं परोसा जाता है। इसलिए, सबसे पहले, मेहमानों को थोड़ा अलग भोजन दिया जाता है। सुबह तीन या चार बजे के आसपास सूर्योदय के समय चाय पी जाती है। मेहमान छह बजे तक उसी समय रुकते हैं। गर्म मौसम में सुबह की चाय का अभ्यास किया जाता है, मेहमान सुबह छह बजे इकट्ठा होते हैं। दोपहर की चाय आमतौर पर दोपहर 1 बजे के आसपास ही केक के साथ परोसी जाती है। शाम की चाय लगभग 6 बजे शुरू होती है। किसी विशेष अवसर पर एक विशेष चाय पार्टी (रंजित्या-नोयू) की व्यवस्था की जाती है: दोस्तों से मिलना, छुट्टियां, बदलते मौसम आदि।

जापानियों के अनुसार, चाय समारोह सादगी, स्वाभाविकता, साफ-सफाई लाता है। बेशक यह सच है, लेकिन चाय समारोह में और भी बहुत कुछ है। लोगों को एक अच्छी तरह से स्थापित अनुष्ठान से परिचित कराते हुए, यह उन्हें सख्त आदेश और सामाजिक नियमों की बिना शर्त पूर्ति का आदी बनाता है। चाय समारोह राष्ट्रीय भावनाओं की खेती के लिए सबसे महत्वपूर्ण नींवों में से एक है।

जापान द्वीपों पर स्थित एक अद्भुत पूर्वी देश है। जापान का दूसरा नाम उगते सूरज की भूमि है। हल्की गर्म आर्द्र जलवायु, ज्वालामुखियों की पर्वत श्रृंखलाएँ और समुद्र का पानी शानदार परिदृश्य बनाता है, जिसके बीच युवा जापानी बड़े होते हैं, जो निस्संदेह इस छोटे से राज्य की कला पर अपनी छाप छोड़ते हैं। यहां कम उम्र से ही लोगों को सुंदरता की आदत हो जाती है, और ताजे फूल, सजावटी पौधे और झील के साथ छोटे बगीचे उनके घरों की विशेषता हैं। हर कोई अपने लिए वन्य जीवन का एक टुकड़ा व्यवस्थित करने की कोशिश कर रहा है। सभी पूर्वी राष्ट्रीयताओं की तरह, जापानियों ने प्रकृति के साथ एक संबंध बनाए रखा है, जो कि उनकी सभ्यता के अस्तित्व की सदियों से सम्मानित और सम्मानित है।

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जापानी वास्तुकला

कब काजापान को एक बंद देश माना जाता था, संपर्क केवल चीन और कोरिया से थे। इसलिए, उनका विकास अपने विशेष पथ के साथ हुआ। बाद में, जब विभिन्न नवाचारों ने द्वीपों के क्षेत्र में प्रवेश करना शुरू किया, तो जापानियों ने जल्दी से उन्हें अपने लिए अनुकूलित किया और उन्हें अपने तरीके से पुनर्निर्मित किया। जापानी स्थापत्य शैली बड़े पैमाने पर घुमावदार छत वाले घर हैं जो आपको लगातार भारी बारिश से बचाने की अनुमति देते हैं। कला का असली काम है शाही महलोंबगीचों और मंडपों के साथ।

जापान में पाए जाने वाले पूजा स्थलों में से, लकड़ी के शिंटो मंदिरों, बौद्ध पगोडा और बौद्ध मंदिर परिसरों को अलग किया जा सकता है जो आज तक जीवित हैं, जो इतिहास के बाद के काल में प्रकट हुए, जब बौद्ध धर्म ने मुख्य भूमि से देश में प्रवेश किया और घोषित किया गया। राज्य धर्म। लकड़ी की इमारतें, जैसा कि आप जानते हैं, टिकाऊ और कमजोर नहीं हैं, लेकिन जापान में इमारतों को उनके मूल रूप में फिर से बनाने की प्रथा है, इसलिए आग लगने के बाद भी उन्हें उस रूप में फिर से बनाया जाता है जिसमें वे एक समय में बनाए गए थे।

जापान की मूर्तिकला

जापानी कला के विकास पर बौद्ध धर्म का गहरा प्रभाव था। कई कृतियाँ बुद्ध की छवि का प्रतिनिधित्व करती हैं, इसलिए मंदिरों में बुद्ध की कई मूर्तियाँ और मूर्तियाँ बनाई गईं। वे धातु, लकड़ी और पत्थर से बने थे। कुछ समय बाद ही, शिल्पकार सामने आए जिन्होंने धर्मनिरपेक्ष चित्र मूर्तियां बनाना शुरू किया, लेकिन समय के साथ, उनकी आवश्यकता गायब हो गई, इसलिए अधिक से अधिक बार, गहरी नक्काशी के साथ मूर्तिकला राहतें इमारतों को सजाने के लिए इस्तेमाल की जाने लगीं।

लघु नेटसुक मूर्तिकला को जापान में राष्ट्रीय कला रूप माना जाता है। प्रारंभ में, ऐसे आंकड़े एक चाबी का गुच्छा की भूमिका निभाते थे, जो बेल्ट से जुड़ा हुआ था। प्रत्येक मूर्ति में एक सुतली के लिए एक छेद होता था, जिस पर आवश्यक सामान लटकाए जाते थे, क्योंकि उस समय कपड़ों में जेब नहीं होती थी। नेटसुक मूर्तियों में धर्मनिरपेक्ष पात्रों, देवताओं, राक्षसों या को दर्शाया गया है विभिन्न आइटमविशेष पहने हुए गुप्त अर्थ, उदाहरण के लिए, पारिवारिक सुख की कामना। नेटसुक लकड़ी, हाथी दांत, मिट्टी के पात्र या धातु से बने होते हैं।

जापानी कला और शिल्प

धारदार हथियारों के निर्माण को जापान में कला की श्रेणी में रखा गया, जिससे समुराई तलवार का निर्माण पूर्णता तक पहुंच गया। तलवारें, खंजर, तलवार के तख्ते, युद्ध के गोला-बारूद के तत्व एक प्रकार के पुरुष आभूषण के रूप में परोसे जाते हैं, जो एक वर्ग से संबंधित होते हैं, इसलिए उन्हें बनाया गया था निपुण शिल्पी, कीमती पत्थरों और नक्काशियों से सजाया गया। इसके अलावा जापान के लोक शिल्पों में सेरामिक्स, लाख के बर्तन, बुनाई और वुडकट शिल्प कौशल का निर्माण भी शामिल है। जापानी कुम्हार पारंपरिक मिट्टी के बर्तनों को विभिन्न पैटर्न और ग्लेज़ के साथ चित्रित करते हैं।

जापान पेंटिंग

सबसे पहले, जापानी चित्रकला में मोनोक्रोम प्रकार के चित्रों का प्रभुत्व था, जो सुलेख की कला के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़े हुए थे। दोनों एक ही सिद्धांत के अनुसार बनाए गए थे। पेंट, स्याही और कागज बनाने की कला जापान में मुख्य भूमि से आई थी। नतीजतन, यह शुरू हुआ नया दौरचित्रकला की कला का विकास। उस समय, जापानी चित्रकला के प्रकारों में से एक इमाकिनोमो का लंबा क्षैतिज स्क्रॉल था, जिसमें बुद्ध के जीवन के दृश्यों को चित्रित किया गया था। जापान में लैंडस्केप पेंटिंग बहुत बाद में विकसित होना शुरू हुई, जिसके बाद ऐसे कलाकार दिखाई दिए जो दृश्यों में विशेषज्ञता रखते थे धर्मनिरपेक्ष जीवन, चित्र और सैन्य दृश्य लिखना।

जापान में, वे आमतौर पर फोल्डिंग स्क्रीन, शोजी, घरों की दीवारों और कपड़ों पर चित्र बनाते थे। जापानी के लिए स्क्रीन न केवल घर का एक कार्यात्मक तत्व है, बल्कि चिंतन के लिए कला का एक काम भी है, जो कमरे के सामान्य मूड को निर्धारित करता है। राष्ट्रीय किमोनो कपड़े भी जापानी कला की वस्तुओं से संबंधित हैं, जिसमें एक विशेष प्राच्य स्वाद है। चमकीले रंगों का उपयोग करके सोने की पन्नी पर सजावटी पैनलों को भी जापानी चित्रकला के कार्यों के लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है। जापानियों ने उक्यो-ए, तथाकथित वुडकट बनाने में महान कौशल हासिल किया। इस तरह के चित्रों का कथानक आम नागरिकों, कलाकारों और गीशाओं के जीवन के साथ-साथ शानदार परिदृश्यों के एपिसोड थे जो जापान में चित्रकला की कला के विकास का परिणाम बने।

विशाल क्षेत्र, जिसे पारंपरिक रूप से सुदूर पूर्व कहा जाता है, में चीन, जापान, कोरिया, मंगोलिया और तिब्बत शामिल हैं - ऐसे देश जिनमें कई समानताएँ हैं, लेकिन साथ ही संस्कृति में महत्वपूर्ण अंतर हैं।

सुदूर पूर्व के सभी देश चीन और भारत की प्राचीन सभ्यताओं से प्रभावित थे, जहाँ पहली सहस्राब्दी ईसा पूर्व में दार्शनिक और धार्मिक शिक्षाएँ उत्पन्न हुईं, जिन्होंने एक व्यापक ब्रह्मांड के रूप में प्रकृति की अवधारणा की नींव रखी - एक जीवित और आध्यात्मिक जीव जो अपने नियमों के अनुसार रहता है। प्रकृति पूरे मध्ययुगीन काल की दार्शनिक और कलात्मक खोजों के केंद्र में थी, और इसके कानूनों को सार्वभौमिक माना जाता था, जो लोगों के जीवन और संबंधों को निर्धारित करते थे। प्रकृति के विविध रूपों की तुलना की गई है भीतर की दुनियाव्यक्ति। इसने दृश्य कलाओं में प्रतीकात्मक पद्धति के विकास को प्रभावित किया, इसकी अलंकारिक काव्य भाषा को परिभाषित किया। चीन, जापान और कोरिया में, प्रकृति के प्रति इस तरह के रवैये के प्रभाव में, कला के प्रकार और शैलियों का गठन किया गया, वास्तुशिल्प पहनावा बनाया गया, जो आसपास के परिदृश्य से निकटता से संबंधित था, उद्यान कलाऔर, अंत में, लैंडस्केप पेंटिंग की सुबह हुई। प्राचीन भारतीय सभ्यता के प्रभाव में बौद्ध धर्म का प्रसार होने लगा और मंगोलिया और तिब्बत में भी हिंदू धर्म का प्रसार होने लगा। इन धार्मिक प्रणालियों ने न केवल सुदूर पूर्व के देशों में नए विचार लाए, बल्कि कला के विकास पर भी इसका सीधा प्रभाव पड़ा। बौद्ध धर्म के लिए धन्यवाद, इस क्षेत्र के सभी देशों में मूर्तिकला और पेंटिंग की एक नई अज्ञात नई कलात्मक भाषा दिखाई दी, पहनावा बनाया गया, जिसकी विशेषता वास्तुकला और ललित कलाओं की परस्पर क्रिया थी।

मूर्तिकला और चित्रकला में बौद्ध देवताओं की छवि की विशेषताएं कई शताब्दियों में एक विशेष प्रतीकात्मक भाषा के रूप में विकसित हुईं, जिसने ब्रह्मांड, नैतिक कानूनों और मनुष्य की नियति के बारे में विचार व्यक्त किए। इस प्रकार, कई लोगों के सांस्कृतिक अनुभव और आध्यात्मिक परंपराओं को समेकित और संरक्षित किया गया। बौद्ध कला की छवियों ने अच्छाई और बुराई, दया, प्रेम और आशा के बीच टकराव के विचारों को मूर्त रूप दिया। इन सभी गुणों ने सुदूर पूर्वी कलात्मक संस्कृति की उत्कृष्ट कृतियों की मौलिकता और सार्वभौमिक महत्व को निर्धारित किया।

जापान द्वीपों पर स्थित है प्रशांत महासागरएशियाई महाद्वीप के पूर्वी तट के साथ-साथ उत्तर से दक्षिण तक फैला हुआ है। जापानी द्वीप ऐसे क्षेत्र में स्थित हैं जहां बार-बार आने वाले भूकंप और तूफान आते हैं। द्वीपों के निवासी लगातार अपने पहरे पर रहने के आदी हैं, एक मामूली जीवन से संतुष्ट होने के कारण, प्राकृतिक आपदाओं के बाद अपने घरों और घरों को जल्दी से बहाल करते हैं। प्राकृतिक तत्वों के बावजूद जो लगातार लोगों की भलाई को खतरे में डालते हैं, जापानी संस्कृति बाहरी दुनिया के साथ सद्भाव की इच्छा को दर्शाती है, प्रकृति की सुंदरता को बड़े और छोटे में देखने की क्षमता।

जापानी पौराणिक कथाओं में, दिव्य जीवनसाथी, इज़ानगी और इज़ानामी को दुनिया की हर चीज़ का पूर्वज माना जाता था। उनसे महान देवताओं की एक तिकड़ी निकली: अमातरसु - सूर्य की देवी, त्सुक्योमी - चंद्रमा की देवी और सुसानू - तूफान और हवा के देवता। प्राचीन जापानियों के विचारों के अनुसार, देवताओं का कोई दृश्य रूप नहीं था, बल्कि वे स्वयं प्रकृति में सन्निहित थे - न केवल सूर्य और चंद्रमा में, बल्कि पहाड़ों और चट्टानों, नदियों और झरनों, पेड़ों और घासों में भी, जो आत्माओं-कामी (जापानी से अनुवाद में स्लोवाक का अर्थ है दिव्य हवा) के रूप में पूजनीय थे। प्रकृति का यह विचलन मध्य युग की पूरी अवधि में बना रहा और इसे शिंटो कहा गया - देवताओं का मार्ग, जापानी राष्ट्रीय धर्म बन गया; यूरोपीय इसे शिंटो कहते हैं। जापानी संस्कृति की उत्पत्ति पुरातनता में निहित है। कला के सबसे पुराने कार्य ईसा पूर्व चौथी...दूसरी सहस्राब्दी के हैं। जापानी कला के लिए सबसे लंबा और सबसे फलदायी मध्य युग (6...19वीं शताब्दी) का काल था।

17वीं-18वीं शताब्दी में विकसित एक पारंपरिक जापानी घर का डिज़ाइन। यह एक लकड़ी का फ्रेम है जिसमें तीन जंगम दीवारें और एक स्थिर है। दीवारें एक समर्थन के कार्य नहीं करती हैं, इसलिए उन्हें एक ही समय में एक खिड़की के रूप में सेवा करते हुए अलग किया जा सकता है या हटाया भी जा सकता है। गर्म मौसम में, दीवारें एक जालीदार संरचना होती थीं, जिन्हें पारभासी कागज से चिपकाया जाता था, जो प्रकाश को अंदर आने देती थीं, और ठंड और बरसात के मौसम में उन्हें लकड़ी के पैनलों से ढक दिया जाता था या बदल दिया जाता था। जापानी जलवायु में उच्च आर्द्रता के साथ, घर को नीचे से हवादार होना चाहिए। इसलिए, इसे जमीनी स्तर से 60 सेमी ऊपर उठाया जाता है।समर्थन स्तंभों को क्षय से बचाने के लिए, उन्हें पत्थर की नींव पर स्थापित किया गया था।

हल्के लकड़ी के फ्रेम में आवश्यक लचीलापन था, जिसने देश में लगातार भूकंपों के दौरान धक्का की विनाशकारी शक्ति को कम कर दिया। छत, टाइल या ईख, में बड़ी छतरियां थीं जो घर की कागज़ की दीवारों को बारिश और चिलचिलाती गर्मियों की धूप से बचाती थीं, लेकिन सर्दियों, शुरुआती वसंत और देर से शरद ऋतु में कम धूप को रोक नहीं पाती थीं। छत की छतरी के नीचे एक बरामदा था।

लिविंग रूम का फर्श मैट - तातमी मैट से ढका हुआ था, जिस पर वे ज्यादातर बैठते थे, खड़े नहीं होते थे। इसलिए, घर के सभी अनुपात बैठे व्यक्ति पर केंद्रित थे। चूँकि घर में कोई स्थायी फर्नीचर नहीं था, वे फर्श पर सोते थे, विशेष मोटे गद्दों पर, जो दिन के समय अलमारी में रखे रहते थे। उन्होंने चटाइयों पर, नीची मेजों पर बैठकर खाया, उन्होंने विभिन्न गतिविधियों के लिए सेवा भी की। कागज या रेशम से ढके स्लाइडिंग आंतरिक विभाजन विभाजित हो सकते हैं आंतरिक स्थानजरूरतों के आधार पर, जिसने इसे और अधिक विविध रूप से उपयोग करना संभव बना दिया, हालांकि, इसके प्रत्येक निवासी के लिए घर के अंदर पूरी तरह से सेवानिवृत्त होना असंभव था, जिसने जापानी परिवार में अंतर-पारिवारिक संबंधों को प्रभावित किया, और अधिक सामान्य अर्थों में, जापानियों के राष्ट्रीय चरित्र की विशेषताओं पर। घर का एक महत्वपूर्ण विवरण अचल दीवार के पास स्थित एक आला है - टोकोनामा, जहां एक तस्वीर लटक सकती है या फूलों की एक रचना - इकेबाना खड़ी हो सकती है। यह घर का आध्यात्मिक केंद्र था। आला की सजावट में, घर के निवासियों के व्यक्तिगत गुण, उनके स्वाद और कलात्मक झुकाव प्रकट हुए।

पारंपरिक जापानी घर की निरंतरता एक बगीचा था। उन्होंने एक बाड़ की भूमिका निभाई और साथ ही घर को पर्यावरण से जोड़ा। जब घर की बाहरी दीवारों को अलग कर दिया गया, तो घर और बगीचे के आंतरिक स्थान के बीच की सीमा गायब हो गई और प्रकृति के साथ निकटता की भावना पैदा हुई, इसके साथ सीधा संवाद हुआ। यह राष्ट्रीय दृष्टिकोण की एक महत्वपूर्ण विशेषता थी। हालाँकि, जापानी शहरों में वृद्धि हुई, बगीचे का आकार घट गया, अक्सर इसे फूलों और पौधों की एक छोटी प्रतीकात्मक रचना से बदल दिया गया, जिसने आवास और प्राकृतिक दुनिया के बीच संपर्क की समान भूमिका निभाई। जापानी पौराणिक कथाओं का घर इकेबाना नेटसुके

फूलदानों में फूलों को व्यवस्थित करने की कला - इकेब्बना (फूलों का जीवन) - एक देवता की वेदी पर फूल रखने की प्राचीन प्रथा से मिलती है, जो 6वीं शताब्दी में बौद्ध धर्म के साथ जापान में फैल गई थी। सबसे अधिक बार, उस समय की शैली में रचना - रिक्का (लगाए गए फूल) - जिसमें प्राचीन कांस्य के जहाजों में स्थापित एक देवदार या सरू की शाखा और कमल, गुलाब, डैफोडील्स शामिल थे।

विकास के साथ धर्मनिरपेक्ष संस्कृति 10वीं...12वीं शताब्दी में, कुलीन वर्ग के प्रतिनिधियों के महलों और आवासीय क्वार्टरों में फूलों की व्यवस्था की गई थी। शाही दरबार में, गुलदस्ते की व्यवस्था में विशेष प्रतियोगिताएँ लोकप्रिय हुईं। 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, इकेबाना की कला में एक नई दिशा दिखाई दी, जिसके संस्थापक मास्टर इकेनोबो सेनेई थे। इकेनोबो स्कूल के कार्यों को उनकी विशेष सुंदरता और परिष्कार से अलग किया गया था, उन्हें घर की वेदियों पर स्थापित किया गया था और उपहार के रूप में प्रस्तुत किया गया था। 16वीं शताब्दी में, चाय समारोहों के प्रसार के साथ, चाय मंडप में टोकोनोमा आला को सजाने के लिए एक विशेष प्रकार के इकेबाना का गठन किया गया था। सादगी, सद्भाव, संयमित रंगों की आवश्यकता, चाय पंथ की सभी वस्तुओं के लिए प्रस्तुत की जाती है, फूलों के डिजाइन तक बढ़ा दी जाती है - त्याबाना (चाय समारोह के लिए इकेबाना)। प्रसिद्ध चाय मास्टर सेन्नो रिक्यू ने एक नई, स्वतंत्र शैली बनाई - नगीरे (लापरवाही से रखे गए फूल), हालांकि यह प्रतीत होने वाले विकार में था कि इस शैली की छवियों की विशेष जटिलता और सुंदरता शामिल थी। नगाइरे के प्रकारों में से एक तथाकथित सूरिबाना था, जब पौधों को एक नाव के आकार में एक निलंबित पोत में रखा गया था। इस तरह की रचनाएँ एक ऐसे व्यक्ति को दी जाती थीं, जो पदभार ग्रहण करता था या स्कूल से स्नातक होता था, क्योंकि वे "जीवन के खुले समुद्र में जाने" का प्रतीक थे। 17वीं...19वीं शताब्दी में, इकेबाना की कला व्यापक हो गई, और लड़कियों को गुलदस्ते बनाने की कला में अनिवार्य प्रशिक्षण के लिए एक प्रथा उत्पन्न हुई। हालांकि, इकेबाना की लोकप्रियता के कारण, रचनाओं को सरल बनाया गया था, और स्टाइलिस्टिका के सख्त नियमों को नगाइरे के पक्ष में छोड़ना पड़ा, जिसमें से एक और बाहर खड़ा था। एक नई शैलीसेका या शोक (जीवित फूल)। 19 वीं शताब्दी के अंत में, मास्टर ओहारा उसिन ने मोरीबाना शैली बनाई, जिसका मुख्य नवाचार यह था कि फूलों को चौड़े बर्तनों में रखा गया था।

इकेबाना की रचना में, एक नियम के रूप में, तीन अनिवार्य तत्व हैं, जो तीन सिद्धांतों को दर्शाते हैं: स्वर्ग, पृथ्वी और मनुष्य। उन्हें फूल, शाखा और घास के रूप में अवतरित किया जा सकता है। एक दूसरे के साथ उनका सहसंबंध और अतिरिक्त तत्व विभिन्न शैली और सामग्री के कार्यों का निर्माण करते हैं। कलाकार का कार्य न केवल एक सुंदर रचना बनाना है, बल्कि इसमें किसी व्यक्ति के जीवन और दुनिया में उसके स्थान के बारे में अपने विचारों को पूरी तरह से व्यक्त करना भी है। उत्कृष्ट इकेबाना मास्टर्स के कार्य आशा और दुख, आध्यात्मिक सद्भाव और दुख व्यक्त कर सकते हैं।

इकेबाना में परंपरा के अनुसार, मौसम को आवश्यक रूप से पुन: पेश किया जाता है, और पौधों का संयोजन जापान में प्रसिद्ध प्रतीकात्मक शुभकामनाएं बनाता है: देवदार और गुलाब - दीर्घायु; peony और बांस - समृद्धि और शांति; गुलदाउदी और आर्किड - आनंद; मैगनोलिया - आध्यात्मिक शुद्धता, आदि।

लघु मूर्तिकला - नेटसुक 18-19 शताब्दियों में कला और शिल्प के प्रकारों में से एक के रूप में व्यापक हो गया। इसकी उपस्थिति इस तथ्य के कारण है कि राष्ट्रीय जापानी पोशाक - किमोनो - में कोई जेब नहीं है और सभी आवश्यक हैं छोटी वस्तुएं(ट्यूब, पाउच, मेडिसिन बॉक्स) एक काउंटरवेट कीचेन का उपयोग करके बेल्ट से जुड़े होते हैं। नेटसुक, इसलिए, आवश्यक रूप से एक फीता के लिए एक छेद है, जिसकी मदद से वांछित वस्तु इससे जुड़ी हुई है। स्टिक और बटन के रूप में कीरिंग का उपयोग पहले किया जाता था, लेकिन 18 वीं शताब्दी के अंत के बाद से, प्रसिद्ध स्वामी ने पहले से ही नेटसुक के निर्माण पर काम किया है, कार्यों पर अपना हस्ताक्षर किया है।

नेटसुक शहरी वर्ग, जन और लोकतांत्रिक की कला है। नेटसुक के कथानकों के अनुसार, कोई भी शहरवासियों की आध्यात्मिक जरूरतों, रोजमर्रा की रुचियों, रीति-रिवाजों और रीति-रिवाजों का न्याय कर सकता है। वे आत्माओं और राक्षसों में विश्वास करते थे, जिन्हें अक्सर लघु मूर्तिकला में चित्रित किया जाता था। वे "खुशी के सात देवताओं" की मूर्तियों से प्यार करते थे, जिनमें से सबसे लोकप्रिय थे धन के देवता डिकोकू और खुशी के देवता फुकुरोकू। नेटसुक के निरंतर प्लॉट निम्नलिखित थे: अंदर कई बीजों के साथ एक फटा हुआ बैंगन - एक बड़ी नर संतान की इच्छा, दो बत्तख - पारिवारिक सुख का प्रतीक। बड़ी संख्या में नेटसुक रोजमर्रा के विषयों के लिए समर्पित हैं और रोजमर्रा की जिंदगीशहरों। ये आवारा अभिनेता और जादूगर, स्ट्रीट वेंडर, विभिन्न गतिविधियाँ करने वाली महिलाएँ, भटकते हुए भिक्षु, पहलवान, यहाँ तक कि डच अपने विदेशी रूप में, जापानी के दृष्टिकोण से, कपड़े - चौड़ी-चौड़ी टोपी, कैमिसोल और पतलून हैं। विषयगत विविधता से प्रतिष्ठित, नेटसुक ने चाबी की अंगूठी के अपने मूल कार्य को बनाए रखा, और इस उद्देश्य ने कारीगरों को नाजुक उभरे हुए विवरण के बिना एक कॉम्पैक्ट आकार निर्धारित किया, गोल, स्पर्श के लिए सुखद। सामग्री की पसंद भी इसके साथ जुड़ी हुई है: बहुत भारी नहीं, टिकाऊ, एक टुकड़े से मिलकर। सबसे आम सामग्री विभिन्न प्रकार की लकड़ी, हाथी दांत, चीनी मिट्टी की चीज़ें, लाख और धातु थी।

जापानी पेंटिंग न केवल सामग्री में बल्कि रूप में भी बहुत विविध है: ये दीवार पेंटिंग, स्क्रीन पेंटिंग, रेशम और कागज, एल्बम शीट्स और प्रशंसकों पर निष्पादित लंबवत और क्षैतिज स्क्रॉल हैं।

के बारे में प्राचीन चित्रकलाकेवल लिखित दस्तावेजों में संदर्भों द्वारा ही आंका जा सकता है। जल्द से जल्द जीवित उत्कृष्ट कार्य हियान काल (794-1185) के हैं। ये लेखक मुरासाकी शिकिबू द्वारा प्रसिद्ध "द टेल ऑफ़ प्रिंस जेनजी" के उदाहरण हैं। चित्र कई क्षैतिज स्क्रॉल पर बनाए गए थे और पाठ के साथ पूरक थे। उन्हें कलाकार फुजिवारा ताकायोशी (12 वीं शताब्दी के पहले भाग) के ब्रश के लिए जिम्मेदार ठहराया गया है।

उस युग की संस्कृति की एक विशिष्ट विशेषता, जो कुलीन वर्ग के एक संकीर्ण दायरे द्वारा बनाई गई थी, सौंदर्य का पंथ था, भौतिक और आध्यात्मिक जीवन के सभी रूपों में अपने निहित आकर्षण, कभी-कभी मायावी और मायावी को खोजने की इच्छा। उस समय की पेंटिंग, जिसे बाद में यमातो-ए (शाब्दिक रूप से जापानी पेंटिंग) कहा जाता था, ने एक क्रिया नहीं, बल्कि मन की स्थिति बताई। जब सैन्य वर्ग के कठोर और साहसी प्रतिनिधि सत्ता में आए, तो हियान युग की संस्कृति का पतन होने लगा। स्क्रॉल पर पेंटिंग में, कथा सिद्धांत स्थापित किया गया था: ये नाटकीय एपिसोड से भरे चमत्कारों के बारे में किंवदंतियां हैं, बौद्ध धर्म के प्रचारकों की जीवनी, योद्धाओं की लड़ाई के दृश्य। 14-15 शताब्दियों में, ज़ेन संप्रदाय की शिक्षाओं के प्रभाव में, प्रकृति पर विशेष ध्यान देने के साथ, लैंडस्केप पेंटिंग का विकास शुरू हुआ (शुरुआत में चीनी मॉडल के प्रभाव में)।

डेढ़ शताब्दी के लिए, जापानी कलाकारों ने चीनी कला प्रणाली में महारत हासिल की, मोनोक्रोमैटिक लैंडस्केप पेंटिंग को एक विरासत बना दिया। राष्ट्रीय कला. इसका उच्चतम फूल बकाया के नाम से जुड़ा हुआ है टोयो मास्टर्सओडा (1420...1506), छद्म नाम सेशु के तहत बेहतर जाना जाता है। अपने परिदृश्य में, केवल काली स्याही के बेहतरीन रंगों का उपयोग करते हुए, वह प्राकृतिक दुनिया की संपूर्ण बहुरंगी प्रकृति और इसकी अनगिनत अवस्थाओं को प्रतिबिंबित करने में कामयाब रहे: नमी से संतृप्त वातावरण वसंत की शुरुआत में, अदृश्य लेकिन महसूस की गई हवा और ठंडी शरद ऋतु की बारिश, सर्दियों की गतिहीन शांति।

16 वीं शताब्दी तथाकथित दिवंगत मध्य युग के युग को खोलती है, जो साढ़े तीन शताब्दियों तक चला। इस समय, देश के शासकों और बड़े सामंतों के महलों को सजाने वाली दीवार पेंटिंग व्यापक हो गई। पेंटिंग में नई दिशा के संस्थापकों में से एक प्रसिद्ध मास्टर कानो ईटोकू थे, जो 16 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में रहते थे। लकड़ी की नक्काशी (जाइलोग्राफी), जो 18-19 शताब्दियों में फली-फूली, मध्य युग की एक अन्य प्रकार की ललित कला बन गई। उत्कीर्णन, शैली चित्रकला की तरह, ukiyo-e (रोजमर्रा की दुनिया की तस्वीरें) कहा जाता था। एक उत्कीर्णन बनाने में, उस कलाकार के अलावा जिसने चित्र बनाया और उस पर अपना नाम लिखा समाप्त चादर, एक कार्वर और एक प्रिंटर शामिल थे। सबसे पहले, उत्कीर्णन मोनोफोनिक था, इसे स्वयं कलाकार या खरीदार द्वारा हाथ से चित्रित किया गया था। फिर दो रंगों में छपाई का आविष्कार किया गया, और 1765 में कलाकार सुज़ुकी हारुनोबू (1725-1770) ने पहली बार बहु-रंग मुद्रण का उपयोग किया। ऐसा करने के लिए, कार्वर ने एक विशेष रूप से तैयार अनुदैर्ध्य आरा बोर्ड (नाशपाती, चेरी या जापानी बॉक्सवुड से) पर एक पैटर्न के साथ एक ट्रेसिंग पेपर रखा और उत्कीर्णन की रंग योजना के आधार पर आवश्यक मुद्रित बोर्डों को काट दिया। कभी-कभी उनमें से 30 से अधिक थे। उसके बाद, प्रिंटर, सही रंगों को चुनकर, विशेष कागज पर प्रिंट करता है। उनका कौशल विभिन्न लकड़ी के बोर्डों से प्राप्त प्रत्येक रंग की रूपरेखाओं का सटीक मिलान प्राप्त करना था। सभी उत्कीर्णन को दो समूहों में विभाजित किया गया था: नाट्य, जिसमें जापानी शास्त्रीय काबुकी थिएटर के अभिनेताओं को विभिन्न भूमिकाओं में चित्रित किया गया था, और रोज़मर्रा के लेखन, जो उनके जीवन से सुंदरियों और दृश्यों के चित्रण के लिए समर्पित थे। नाट्य उत्कीर्णन के सबसे प्रसिद्ध मास्टर तोशुशाय सिराकु थे, जिन्होंने अभिनेताओं के चेहरों को क्लोज-अप में चित्रित किया, उनके द्वारा निभाई गई भूमिका की विशेषताओं पर जोर देते हुए, नाटक के चरित्र के रूप में पुनर्जन्म लेने वाले व्यक्ति की विशिष्ट विशेषताएं: क्रोध, भय, क्रूरता, छल।

सुज़ुकी हारुनोबु और कितागावा उटामारो जैसे उत्कृष्ट कलाकार रोजमर्रा की जिंदगी में उत्कीर्णन के लिए प्रसिद्ध हुए। उत्मारो निर्माता थे महिला चित्रसुंदरता के राष्ट्रीय आदर्श को मूर्त रूप देना। ऐसा लगता है कि उनकी नायिकाएं एक पल के लिए ठिठक गई हैं और अब अपनी सहज सुंदर गति जारी रखेंगी। लेकिन यह ठहराव सबसे अभिव्यंजक क्षण है जब सिर का झुकाव, हाथ का इशारा, आकृति का सिल्हूट उन भावनाओं को व्यक्त करता है जिनमें वे रहते हैं।

सबसे ज्यादा प्रसिद्ध गुरुउत्कीर्णन था शानदार कलाकारकत्सुशिका होकुसाई (1776-1849)। होकुसाई का काम जापान की सदियों पुरानी सचित्र संस्कृति पर आधारित है। होकुसाई ने 30,000 से अधिक चित्र बनाए और लगभग 500 पुस्तकों का चित्रण किया। पहले से ही सत्तर साल की उम्र में, होकुसाई ने सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक बनाया - "फ़ूजी के 36 दृश्य" की एक श्रृंखला, जो उन्हें विश्व कला के सबसे उत्कृष्ट कलाकारों के साथ सम्‍मिलित करने की अनुमति देती है। माउंट फ़ूजी - जापान के राष्ट्रीय प्रतीक - को विभिन्न स्थानों से दिखाते हुए, होकुसाई पहली बार मातृभूमि की छवि और लोगों की एकता की छवि को प्रकट करता है। कलाकार ने जीवन को अपनी अभिव्यक्तियों की सभी विविधता में एक एकल प्रक्रिया के रूप में देखा, जो किसी व्यक्ति की सरल भावनाओं से लेकर उसकी दैनिक गतिविधियों तक और उसके तत्वों और सुंदरता के साथ आसपास की प्रकृति के साथ समाप्त होता है। होकुसाई का काम, जिसने अपने लोगों की कला के सदियों पुराने अनुभव को आत्मसात किया, में अंतिम शिखर है कलात्मक संस्कृतिमध्ययुगीन जापान, इसका उल्लेखनीय परिणाम।

नमस्ते, प्रिय पाठकोंज्ञान और सत्य के साधक!

जापानी कलाकारों को उनकी अनूठी शैली से अलग किया जाता है, जो उस्तादों की पीढ़ियों द्वारा सम्मानित किया जाता है। आज हम प्राचीन काल से लेकर आधुनिक काल तक जापानी चित्रकला और उनके चित्रों के प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों के बारे में बात करेंगे।

खैर, उगते सूरज की भूमि की कला में उतरते हैं।

कला का जन्म

जापान में चित्रकला की प्राचीन कला मुख्य रूप से लेखन की ख़ासियत से जुड़ी हुई है और इसलिए यह सुलेख की मूल बातों पर आधारित है। पहले उदाहरणों में खुदाई के दौरान मिली कांस्य घंटियों, व्यंजन और घरेलू सामान के टुकड़े शामिल हैं। उनमें से कई को चित्रित किया गया था प्राकृतिक पेंट, और अध्ययन यह मानने का कारण देते हैं कि उत्पाद 300 ईसा पूर्व से पहले बनाए गए थे।

जापान में आगमन के साथ कला के विकास में एक नया चरण शुरू हुआ। एमकिमोनो पर - विशेष पेपर स्क्रॉल - बौद्ध देवताओं के देवताओं की छवियां, शिक्षक और उनके अनुयायियों के जीवन के दृश्य।

चित्रकला में धार्मिक विषयों की प्रधानता को मध्यकालीन जापान में देखा जा सकता है, अर्थात् 10वीं से 15वीं शताब्दी तक। उस युग के कलाकारों के नाम आज तक, अफसोस, संरक्षित नहीं किए गए हैं।

15-18 शताब्दियों की अवधि में, एक नया समय शुरू होता है, जिसमें एक विकसित व्यक्तिगत शैली वाले कलाकारों की उपस्थिति होती है। उन्होंने ललित कलाओं के आगे के विकास के लिए वेक्टर को चिन्हित किया।

अतीत के उज्ज्वल प्रतिनिधि

काल शुबुन (प्रारंभिक 15वीं सदी)

एक उत्कृष्ट गुरु बनने के लिए, ज़ुबोंग ने चीनी सुंग कलाकारों की लेखन तकनीकों और उनके काम का अध्ययन किया। इसके बाद, वह जापान में चित्रकला के संस्थापकों में से एक और सुमी-ए के निर्माता बन गए।

सूमी-ई एक कला शैली है जो स्याही रेखांकन पर आधारित है, जिसका अर्थ है एक रंग।

शुबुन ने नई शैली को कलात्मक हलकों में जड़ें जमाने के लिए बहुत कुछ किया। उन्होंने भविष्य सहित अन्य प्रतिभाओं को कला सिखाई प्रसिद्ध चित्रकारसेशु की तरह।

शुबुन की सबसे लोकप्रिय पेंटिंग को "रीडिंग इन द बैम्बू ग्रोव" कहा जाता है।

टेंस शुबुन द्वारा "रीडिंग इन द बैम्बू ग्रोव"

हसेगावा तोहाकू (1539-1610)

वह अपने नाम पर स्कूल के निर्माता बने - हसेगावा। सबसे पहले, उन्होंने कानो स्कूल के कैनन का पालन करने की कोशिश की, लेकिन धीरे-धीरे उनके कार्यों में उनकी व्यक्तिगत "लिखावट" का पता लगाया जाने लगा। तोहाकु को सेशु के ग्राफिक्स द्वारा निर्देशित किया गया था।

कार्य का आधार सरल, संक्षिप्त, लेकिन यथार्थवादी परिदृश्य थे जिनके नाम सरल थे:

• "पाइंस";
• "मेपल";
• पाइंस और फूल वाले पौधे।

पाइंस, हसेगावा तोहाकू

ब्रदर्स ओगाटा कोरिन (1658-1716) और ओगाटा केनज़न (1663-1743)

भाई 18वीं सदी के बेहतरीन कारीगर थे। सबसे बड़े, ओगाटा कोरिन ने खुद को पूरी तरह से पेंटिंग के लिए समर्पित कर दिया और रिम्पा शैली की स्थापना की। उन्होंने प्रभाववादी शैली को प्राथमिकता देते हुए रूढ़िवादी छवियों से परहेज किया।

ओगाटा कोरिन ने सामान्य रूप से प्रकृति को चित्रित किया और विशेष रूप से उज्ज्वल सार के रूप में फूल। उनके ब्रश पेंटिंग से संबंधित हैं:

• "प्लम ब्लॉसम रेड एंड व्हाइट";
• "मत्सुशिमा की लहरें";
• "गुलदाउदी"।

कोरिन ओगाटा द्वारा मत्सुशिमा की लहरें

छोटे भाई - ओगाटा केनज़न - के कई उपनाम थे। कम से कम वह पेंटिंग में लगे हुए थे, लेकिन वे एक अद्भुत सेरामिस्ट के रूप में अधिक प्रसिद्ध थे।

ओगाटा केनज़न ने मिट्टी के बर्तन बनाने की कई तकनीकों में महारत हासिल की। वह एक गैर-मानक दृष्टिकोण से प्रतिष्ठित थे, उदाहरण के लिए, उन्होंने एक वर्ग के रूप में प्लेटें बनाईं।

खुद की पेंटिंग वैभव से अलग नहीं थी - यह भी इसकी ख़ासियत थी। उन्हें स्क्रॉल या कविता के अंश जैसे उत्पादों पर सुलेख लगाना पसंद था। कभी-कभी वे अपने भाई के साथ मिलकर काम करते थे।

कत्सुशिका होकुसाई (1760-1849)

उन्होंने यूकेयो-ए की शैली में काम किया - एक प्रकार का वुडकट, दूसरे शब्दों में, उत्कीर्णन पेंटिंग। रचनात्मकता के पूरे समय के लिए, उन्होंने लगभग 30 नाम बदले। सबसे प्रसिद्ध काम द ग्रेट वेव ऑफ कनागावा है, जिसकी बदौलत वह अपनी मातृभूमि के बाहर प्रसिद्ध हुआ।

होकुसाई कत्सुशिका द्वारा "द ग्रेट वेव ऑफ कनागावा"

विशेष रूप से कठिन होकुसाई ने 60 वर्षों के बाद काम करना शुरू किया, जिसके अच्छे परिणाम आए। वान गाग, मोनेट, रेनॉयर उनके काम से परिचित थे, और कुछ हद तक इसने यूरोपीय मास्टर्स के काम को प्रभावित किया।

एंडो हिरोशिगे (1791-1858)

में से एक सबसे महान कलाकार 19 वीं सदी। ईदो में जन्मे, रहते थे, काम करते थे, होकुसाई का काम जारी रखते थे, उनके काम से प्रेरित थे। जिस तरह से उन्होंने प्रकृति को चित्रित किया वह लगभग उतना ही आकर्षक है जितना कि स्वयं कार्यों की संख्या।

एदो टोक्यो का पुराना नाम है।

यहां उनके काम के बारे में कुछ आंकड़े दिए गए हैं, जिन्हें चित्रों के चक्र द्वारा दर्शाया गया है:

• 5.5 हजार - सभी उत्कीर्णन की संख्या;
• “ईदो के 100 दृश्य;
• "फ़ूजी के 36 दृश्य";
• "69 किसोकैडो स्टेशन";
• "53 टोकेडो स्टेशन"।

एंडो हिरोशिगे द्वारा चित्रकारी

दिलचस्प बात यह है कि उत्कृष्ट वान गाग ने अपनी नक्काशी की कुछ प्रतियाँ लिखीं।

आधुनिकता

ताकाशी मुराकामी

पेंटर, मूर्तिकार, फैशन डिजाइनर, उन्होंने 20 वीं शताब्दी के अंत में पहले ही नाम कमाया था। अपने काम में, वह क्लासिक्स के तत्वों के साथ फैशन के रुझान का पालन करता है, और एनीमे और मंगा कार्टून से प्रेरणा लेता है।

ताकाशी मुराकामी द्वारा चित्रकारी

ताकाशी मुराकामी के कार्यों को एक उपसंस्कृति के रूप में वर्गीकृत किया गया है, लेकिन साथ ही वे अविश्वसनीय रूप से लोकप्रिय हैं। उदाहरण के लिए, 2008 में, उनके कार्यों में से एक नीलामी में $15 मिलियन से अधिक में खरीदा गया था। एक समय में, आधुनिक रचनाकार ने फैशन हाउस "मार्क जैकब्स" और "लुई वुइटन" के साथ मिलकर काम किया।

टायको असीमा

पिछले कलाकार की एक सहयोगी, वह समकालीन अतियथार्थवादी पेंटिंग बनाती है। वे शहरों, मेगासिटी की सड़कों और प्राणियों के विचारों को चित्रित करते हैं जैसे कि किसी अन्य ब्रह्मांड से - भूत, बुरी आत्माएं, विदेशी लड़कियां। चित्रों की पृष्ठभूमि में आप अक्सर प्राचीन, कभी-कभी भयावह प्रकृति भी देख सकते हैं।

उसके चित्र बड़े आकार तक पहुँचते हैं और शायद ही कभी कागज तक सीमित होते हैं। उन्हें चमड़े, प्लास्टिक सामग्री में स्थानांतरित कर दिया जाता है।

2006 में, ब्रिटिश राजधानी में एक प्रदर्शनी के हिस्से के रूप में, एक महिला ने लगभग 20 धनुषाकार संरचनाएं बनाईं, जो दिन और रात गांव और शहर की प्रकृति की सुंदरता को दर्शाती हैं। उनमें से एक ने मेट्रो स्टेशन को सजाया।

अरे अरकावा

युवक को शब्द के शास्त्रीय अर्थों में सिर्फ एक कलाकार नहीं कहा जा सकता है - वह ऐसी स्थापनाएँ बनाता है जो 21 वीं सदी की कला में बहुत लोकप्रिय हैं। उनकी प्रदर्शनियों के विषय वास्तव में जापानी हैं और मैत्रीपूर्ण संबंधों के साथ-साथ पूरी टीम के काम को छूते हैं।

ई अरकावा अक्सर विभिन्न द्विवार्षिक में भाग लेता है, उदाहरण के लिए, वेनिस में, आधुनिक कला संग्रहालय में अपनी मातृभूमि में प्रदर्शित होता है, और योग्य रूप से विभिन्न पुरस्कार प्राप्त करता है।

इकेनागा यसुनारी

आधुनिक चित्रकार इकेनागा यासुनारी ने दो प्रतीत होने वाली असंगत चीजों को संयोजित करने में कामयाबी हासिल की: एक चित्र के रूप में आज की लड़कियों का जीवन और जापान की पारंपरिक तकनीकें पुरातनता से आती हैं। अपने काम में, चित्रकार विशेष ब्रश, प्राकृतिक रंजित पेंट, स्याही और चारकोल का उपयोग करता है। सामान्य लिनन के बजाय - लिनन के कपड़े।

इकेनागा यसुनारी पेंटिंग

चित्रित युग और नायिकाओं की उपस्थिति के विपरीत की यह तकनीक यह आभास देती है कि वे अतीत से हमारे पास लौट आए हैं।

मगरमच्छ के जीवन की जटिलताओं के बारे में चित्रों की एक श्रृंखला, जो हाल ही में इंटरनेट समुदाय में लोकप्रिय हुई है, जापानी कार्टूनिस्ट कीगो द्वारा भी बनाई गई थी।

निष्कर्ष

तो, जापानी चित्रकला की उत्पत्ति तीसरी शताब्दी ईसा पूर्व के आसपास हुई थी, और तब से बहुत कुछ बदल गया है। पहली छवियों को मिट्टी के पात्र पर लागू किया गया था, फिर कला में बौद्ध रूपांकन प्रबल होने लगे, लेकिन लेखकों के नाम आज तक नहीं बचे हैं।

नए युग के युग में, ब्रश के स्वामी ने अधिक से अधिक वैयक्तिकता प्राप्त की, विभिन्न दिशाओं, विद्यालयों का निर्माण किया। आज की दृश्य कलाएं पारंपरिक चित्रकला तक ही सीमित नहीं हैं - प्रतिष्ठान, कैरिकेचर, कला मूर्तियां, विशेष संरचनाओं का उपयोग किया जाता है।

आपका ध्यान देने के लिए बहुत-बहुत धन्यवाद, प्रिय पाठकों! हमें उम्मीद है कि आपको हमारा लेख उपयोगी लगा होगा, और जीवन और काम के बारे में कहानियाँ सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधिकलाओं ने उन्हें बेहतर तरीके से जानना संभव बनाया।

बेशक, पुरातनता से लेकर वर्तमान तक सभी कलाकारों के बारे में एक लेख में बताना मुश्किल है। इसलिए, इसे जापानी चित्रकला के ज्ञान की ओर पहला कदम होने दें।

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प्राचीन काल से, जापानी कला को सक्रिय रूप से चित्रित किया गया है रचनात्मकता. चीन पर निर्भरता के बावजूद, जहां नए कलात्मक और सौंदर्यवादी रुझान लगातार उभर रहे थे, जापानी कलाकारों ने हमेशा नई विशेषताओं को पेश किया और अपने शिक्षकों की कला को जापानी रूप देते हुए बदल दिया।

इस प्रकार जापान का इतिहास 5वीं शताब्दी के अंत में ही निश्चित रूप लेना शुरू कर देता है। पिछली शताब्दियों (पुरातन काल) की अपेक्षाकृत कुछ वस्तुएँ पाई गई हैं, हालाँकि खुदाई के दौरान या निर्माण कार्य के दौरान की गई कुछ वस्तुएँ उल्लेखनीय कलात्मक प्रतिभा की बात करती हैं।

पुरातन काल।

जापानी कला की सबसे पुरानी कृतियाँ जोमोन प्रकार (कॉर्ड इम्प्रेशन) के मिट्टी के बर्तन हैं। यह नाम सतह की सजावट से आता है जिसमें छड़ी के चारों ओर लपेटी गई रस्सी के सर्पिल छाप होते हैं जो मास्टर बर्तन बनाने के लिए इस्तेमाल करते थे। शायद, सबसे पहले, मास्टर्स ने गलती से विकरवर्क के प्रिंट की खोज की, लेकिन फिर उन्होंने जानबूझकर उनका इस्तेमाल करना शुरू कर दिया। कभी-कभी रस्सी की तरह मिट्टी के कर्ल सतह पर फंस जाते थे, जिससे अधिक जटिल सजावटी प्रभाव पैदा होता था, लगभग एक राहत। पहली जापानी मूर्तिकला की उत्पत्ति जोमोन संस्कृति में हुई थी। किसी व्यक्ति या जानवर के डोगू (शाब्दिक रूप से "मिट्टी की छवि") का शायद किसी प्रकार का धार्मिक महत्व था। लोगों की छवियां, ज्यादातर महिलाएं, अन्य आदिम संस्कृतियों की मिट्टी की देवी के समान हैं।

रेडियोकार्बन विश्लेषण से पता चलता है कि जोमन संस्कृति से कुछ खोज 6-5 हजार ईसा पूर्व की हो सकती है, लेकिन इस तरह की शुरुआती डेटिंग को आम तौर पर स्वीकार नहीं किया जाता है। बेशक, इस तरह के व्यंजन लंबे समय से बनाए गए हैं, और हालांकि सटीक तिथियां अभी तक स्थापित नहीं की जा सकती हैं, तीन अवधियों को प्रतिष्ठित किया गया है। कुम्हार के उपकरण के निशान को छोड़कर, सबसे पुराने नमूनों का एक नुकीला आधार होता है और लगभग अलंकृत होता है। मध्य काल के बर्तन अधिक समृद्ध रूप से अलंकृत होते हैं, कभी-कभी ढले हुए तत्वों के साथ जो मात्रा का आभास पैदा करते हैं। तीसरी अवधि के जहाजों के रूप बहुत विविध हैं, लेकिन सजावट फिर से सपाट हो जाती है और अधिक संयमित हो जाती है।

लगभग दूसरी शताब्दी में। ईसा पूर्व। Jōmon चीनी मिट्टी की चीज़ें Yayoi चीनी मिट्टी की चीज़ें के लिए रास्ता दे दिया, रूप की सुंदरता, डिजाइन की सादगी और उच्च तकनीकी गुणवत्ता की विशेषता है। बर्तन का टुकड़ा पतला हो गया, आभूषण कम सनकी हो गया। यह प्रकार तीसरी शताब्दी तक बना रहा। विज्ञापन

एक कलात्मक दृष्टिकोण से, शायद शुरुआती दौर की सबसे अच्छी कृतियाँ खानीवा हैं, जो तीसरी-पाँचवीं शताब्दी के मिट्टी के बेलन हैं। विज्ञापन इस युग के विशिष्ट स्मारक विशाल पहाड़ियां, या कब्र के टीले, सम्राटों की दफन संरचनाएं और शक्तिशाली कुलीनता हैं। अक्सर आकार में बहुत बड़े, वे शाही परिवार और दरबारियों की शक्ति और धन का प्रमाण होते हैं। सम्राट निंटोकू-टेनो (सी. 395-427 ईस्वी) के लिए ऐसी संरचना के निर्माण में 40 वर्षों की आवश्यकता थी। इन बैरो की सबसे उल्लेखनीय विशेषता उनके चारों ओर एक बाड़, खनिवा की तरह मिट्टी के सिलेंडर थे। आमतौर पर ये सिलेंडर काफी सरल होते थे, लेकिन कभी-कभी उन्हें मानव आकृतियों से सजाया जाता था, घोड़ों, घरों या मुर्गे की आकृतियों से कम। उनका उद्देश्य दुगुना था: पृथ्वी के विशाल द्रव्यमान के क्षरण को रोकने के लिए और मृतक को वह सब कुछ प्रदान करना जो वह सांसारिक जीवन में उपयोग करता था। स्वाभाविक रूप से, सिलेंडर तुरंत बड़ी मात्रा में बनाए गए थे। विभिन्न प्रकार के विषय, चेहरे के भाव और उन्हें सजाने वाले आकृतियों के हावभाव काफी हद तक मास्टर के कामचलाऊपन का परिणाम हैं। इस तथ्य के बावजूद कि ये कलाकारों और मूर्तिकारों के बजाय कारीगरों के अधिक काम हैं, एक उचित जापानी के रूप में उनका बहुत महत्व है कला शैली. इमारतें, कंबल में लिपटे घोड़े, आदिम देवियों और योद्धाओं का प्रतिनिधित्व करते हैं दिलचस्प तस्वीरप्रारंभिक सामंती जापान का सैन्य जीवन। यह संभव है कि इन सिलेंडरों के प्रोटोटाइप चीन में दिखाई दिए, जहां विभिन्न वस्तुओं को सीधे कब्रों में रखा गया था, लेकिन हनीवा का निष्पादन और उपयोग स्थानीय परंपरा से संबंधित है।

पुरातन काल को अक्सर उच्च कलात्मक स्तर के कार्यों से रहित समय के रूप में देखा जाता है, मुख्य रूप से पुरातात्विक और जातीय मूल्य वाली चीजों के प्रभुत्व का समय। हालांकि, यह याद रखना चाहिए कि इस प्रारंभिक संस्कृति के कार्यों में समग्र रूप से एक महान जीवन शक्ति थी, क्योंकि उनके रूप जीवित रहे और विशिष्ट रूप में मौजूद रहे। राष्ट्रीय विशेषताएंबाद के समय में जापानी कला।

असुका अवधि

(552-710 ई.)। छठी शताब्दी के मध्य में बौद्ध धर्म का परिचय। जापानियों के जीवन और सोच में महत्वपूर्ण परिवर्तन किए और इस और बाद की अवधि की कला के विकास के लिए प्रेरणा बन गए। कोरिया के माध्यम से चीन से बौद्ध धर्म का आगमन पारंपरिक रूप से 552 ईस्वी पूर्व में हुआ था, लेकिन यह शायद पहले से ज्ञात था। प्रारंभिक वर्षों में, बौद्ध धर्म को राजनीतिक विरोध, शिंटो के राष्ट्रीय धर्म के विरोध का सामना करना पड़ा, लेकिन केवल कुछ दशकों के बाद, नए विश्वास को आधिकारिक स्वीकृति मिली और अंततः स्थापित हो गया। जापान में अपनी पैठ के शुरुआती वर्षों में, बौद्ध धर्म एक अपेक्षाकृत सरल धर्म था जिसमें बहुत कम संख्या में देवी-देवताओं की छवियों की आवश्यकता थी, लेकिन लगभग सौ वर्षों के बाद इसने ताकत हासिल की और देवताओं का मंदिर बहुत बढ़ गया।
इस अवधि के दौरान, मंदिरों की स्थापना की गई, जो न केवल आस्था को बढ़ावा देने के उद्देश्यों को पूरा करते थे, बल्कि कला और शिक्षा के केंद्र भी थे। होरीयू-जी में मठ-मंदिर प्रारंभिक बौद्ध कला के अध्ययन के लिए सबसे महत्वपूर्ण है। अन्य खजानों में, महान त्रय सयाका-नेराई (623 ईस्वी) की एक मूर्ति है। पहले महान जापानी मूर्तिकार तोरी बुशी का यह काम, जो हमें ज्ञात है, एक शैलीबद्ध कांस्य छवि है, जो चीन के महान गुफा मंदिरों में समान समूहों के समान है। बैठी हुई शाकी (शब्द "शाक्यमुनि", ऐतिहासिक बुद्ध का जापानी प्रतिलेखन) और उसके किनारों पर खड़ी दो आकृतियों की मुद्रा में सख्त अग्रता देखी जाती है। फार्म मानव आकृतियोजनाबद्ध रूप से प्रदान किए गए कपड़ों के भारी सममित सिलवटों से छिपा हुआ है, और चिकनी लम्बी चेहरों में एक स्वप्निल आत्म-अवशोषण और चिंतन महसूस कर सकता है। इस पहले बौद्ध काल की मूर्तिकला पचास साल पहले की मुख्य भूमि की शैली और प्रोटोटाइप पर आधारित है; यह ईमानदारी से चीनी परंपरा का पालन करता है जो कोरिया के माध्यम से जापान आई थी।

इस समय की सबसे महत्वपूर्ण मूर्तियों में से कुछ कांसे की बनी थीं, लेकिन लकड़ी का भी इस्तेमाल किया गया था। दो सबसे प्रसिद्ध लकड़ी की मूर्तियाँ कन्नन देवी की मूर्तियाँ हैं: युमेदोनो कन्नन और कुदारा कन्नन, दोनों होरीयूजी में हैं। वे अपनी पुरातन मुस्कान और स्वप्निल भावों के साथ शकी त्रय की तुलना में पूजा की अधिक आकर्षक वस्तु हैं। यद्यपि कन्नन आकृतियों में वस्त्रों की तहों की व्यवस्था भी योजनाबद्ध और सममित है, वे हल्के और गति से भरे हुए हैं। उच्च पतला आंकड़ेचेहरों की आध्यात्मिकता, उनकी अमूर्त दयालुता, सभी सांसारिक चिंताओं से दूर, लेकिन दुखों की दलीलों के प्रति संवेदनशील। मूर्तिकार ने कपड़ों की तहों से छिपी कुदरा कन्नन की आकृति की रूपरेखा पर कुछ ध्यान दिया, और युमेदोनो के दांतेदार सिल्हूट के विपरीत, आकृति और कपड़े दोनों की गति को गहराई से निर्देशित किया जाता है। कुदर के प्रोफाइल में, कन्नन का एक सुंदर एस-आकार है।

पेंटिंग का एकमात्र जीवित उदाहरण जो 7 वीं शताब्दी की शुरुआत की शैली का एक विचार देता है, वह "पंखों वाला मंदिर" तमामुशी ज़ुशी है। यह लघु अभ्यारण्य एक छिद्रित धातु के फ्रेम में स्थापित इंद्रधनुषी बीटल पंखों से अपना नाम लेता है; बाद में इसे रंगीन लाह से बनाई गई धार्मिक रचनाओं और अलग-अलग पात्रों की आकृतियों से सजाया गया। इस अवधि की मूर्तिकला की तरह, कुछ छवियां डिजाइन की महान स्वतंत्रता दर्शाती हैं।

नारा अवधि

(710-784)। 710 में राजधानी को नारा में स्थानांतरित कर दिया गया था, जो चीनी राजधानी चांगान के बाद तैयार किया गया एक नया शहर था। चौड़ी सड़कें, बड़े महल, कई बौद्ध मंदिर थे। न केवल बौद्ध धर्म अपने सभी पहलुओं में, बल्कि पूरे चीनी सांस्कृतिक और राजनीतिक जीवन को एक आदर्श के रूप में देखा गया। शायद ही किसी अन्य देश ने अपनी संस्कृति की कमी को इस हद तक महसूस किया हो और बाहरी प्रभावों के प्रति इतना संवेदनशील न रहा हो। विद्वानों और तीर्थयात्रियों को जापान और मुख्य भूमि के बीच स्वतंत्र रूप से स्थानांतरित किया गया था, और तांग राजवंश के दौरान प्रशासन और महल जीवन चीन के बाद तैयार किया गया था। हालांकि, यह याद रखना चाहिए कि, तांग चीन के मॉडल की नकल करने के बावजूद, विशेष रूप से कला में, इसके प्रभाव और शैली को समझते हुए, जापानी लगभग हमेशा विदेशी रूपों को अपने स्वयं के रूप में अनुकूलित करते थे।

मूर्तिकला में, पिछले असुका काल की सख्त ललाट और समरूपता ने मुक्त रूपों को रास्ता दिया। देवताओं के बारे में विचारों का विकास, तकनीकी कौशल में वृद्धि और सामग्री के स्वामित्व की स्वतंत्रता ने कलाकारों को करीब और अधिक सुलभ प्रतिष्ठित चित्र बनाने की अनुमति दी। नए बौद्ध संप्रदायों की स्थापना ने बौद्ध धर्म के संतों और संस्थापकों को भी शामिल करने के लिए देवताओं का विस्तार किया। कांस्य मूर्तिकला के अलावा, लकड़ी, मिट्टी और लाख से बनी बड़ी संख्या में कृतियाँ ज्ञात हैं। पत्थर दुर्लभ था और मूर्तिकला के लिए लगभग कभी इस्तेमाल नहीं किया गया था। सूखी लाह विशेष रूप से लोकप्रिय थी, शायद इसलिए, रचना तैयार करने की प्रक्रिया की जटिलता के बावजूद, इससे बने काम लकड़ी की तुलना में अधिक शानदार दिखते थे और मिट्टी के उत्पादों की तुलना में अधिक मजबूत थे जो निर्माण में आसान थे। लकड़ी या मिट्टी के आधार पर लाह की आकृतियाँ बनाई जाती थीं, जिसे बाद में हटा दिया जाता था, या लकड़ी या तार की फिटिंग पर; वे हल्के और मजबूत थे। हालांकि इस तकनीक ने मुद्राओं में कुछ कठोरता निर्धारित की, चेहरों के चित्रण में बहुत अधिक स्वतंत्रता की अनुमति दी गई, जिसने आंशिक रूप से उस विकास में योगदान दिया जिसे उचित चित्र मूर्तिकला कहा जा सकता है। देवता के चेहरे की छवि बौद्ध कैनन के सख्त नुस्खों के अनुसार प्रदर्शित की गई थी, लेकिन लोकप्रियता और यहां तक ​​​​कि आस्था के कुछ संस्थापकों और उपदेशकों की प्रशंसा ने चित्र समानता व्यक्त करने के लिए उत्कृष्ट अवसर प्रदान किए। इस तरह की समानता तोशोदाईजी मंदिर में स्थित जापान में प्रतिष्ठित चीनी कुलपति जेनजिन की सूखी लाह की मूर्ति में देखी जा सकती है। 753 में जापान पहुंचने पर जेनजिन अंधा था, और उसकी दृष्टिहीन आँखें और आंतरिक चिंतन की प्रबुद्ध अवस्था को एक अज्ञात मूर्तिकार द्वारा खूबसूरती से प्रस्तुत किया गया है। यह यथार्थवादी प्रवृत्ति 13वीं-14वीं शताब्दी में मूर्तिकार कोशो द्वारा बनाई गई उपदेशक कुई की लकड़ी की मूर्तिकला में सबसे स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई थी। उपदेशक को एक कर्मचारी, एक घडि़याल और एक हथौड़ा के साथ एक भटकते भिखारी के रूप में तैयार किया जाता है, और बुद्ध के छोटे आंकड़े उसके आधे खुले मुंह से निकलते हैं। गायक भिक्षु की छवि से संतुष्ट नहीं, मूर्तिकार ने अपने शब्दों के अंतरतम अर्थ को व्यक्त करने का प्रयास किया।
नारा काल के बुद्ध की छवियां भी महान यथार्थवाद से प्रतिष्ठित हैं। मंदिरों की लगातार बढ़ती संख्या के लिए बनाए गए, वे अपने पूर्ववर्तियों की तरह अविचलित रूप से ठंडे और आरक्षित नहीं हैं, उनके पास अधिक सुंदर सुंदरता और कुलीनता है, और उन लोगों की ओर मुड़ते हैं जो उनकी पूजा करते हैं और अधिक एहसानमंद हैं।

इस काल की बहुत कम पेंटिंग बची हैं। कागज पर बहुरंगी चित्र बुद्ध के अतीत और वर्तमान जीवन को दर्शाता है। यह एमकिमोनो या स्क्रॉल पेंटिंग के कुछ प्राचीन उदाहरणों में से एक है। स्क्रॉल धीरे-धीरे दाएँ से बाएँ खुलते थे, और दर्शक चित्र के केवल उस हिस्से का आनंद ले सकते थे जो स्क्रॉल को खोल रहे हाथों के बीच था। चित्र सीधे पाठ के ऊपर थे, बाद के स्क्रॉल के विपरीत, जहां पाठ का एक खंड व्याख्यात्मक छवि के साथ वैकल्पिक था। स्क्रॉल पेंटिंग के इन सबसे पुराने जीवित उदाहरणों में, रेखांकित आंकड़े बमुश्किल उल्लिखित परिदृश्य की पृष्ठभूमि और केंद्रीय चरित्र में सेट किए गए हैं इस मामले मेंसायका विभिन्न एपिसोड में दिखाई देता है।

प्रारंभिक हियान

(784-897)। नारा के बौद्ध पादरियों के प्रभुत्व से बचने के लिए आंशिक रूप से 784 में राजधानी को नागाओका में स्थानांतरित कर दिया गया था। 794 में वह लंबी अवधि के लिए हीयान (अब क्योटो) चली गईं। 8वीं और 9वीं शताब्दी के अंत में एक ऐसा दौर था जब जापान ने सफलतापूर्वक आत्मसात किया, अपनी विशेषताओं के अनुकूल, कई विदेशी नवाचार। बौद्ध धर्म ने भी परिवर्तन के समय का अनुभव किया, अपने विकसित अनुष्ठान और शिष्टाचार के साथ गूढ़ बौद्ध धर्म के नए संप्रदायों का उदय हुआ। इनमें से सबसे प्रभावशाली तेंदाई और शिंगोन संप्रदाय थे, जो भारत में उत्पन्न हुए, चीन पहुंचे, और वहां से दो विद्वानों द्वारा जापान लाए गए, जो एक लंबी शिक्षुता के बाद अपनी मातृभूमि लौट आए। शिंगोन ("ट्रू वर्ड्स") संप्रदाय विशेष रूप से अदालत में पसंद किया गया था और जल्दी से एक प्रमुख स्थान पर कब्जा कर लिया। इसके मुख्य मठ क्योटो के पास कोया पर्वत पर स्थित थे; अन्य महत्वपूर्ण बौद्ध केंद्रों की तरह, वे एक भंडार बन गए विशाल संग्रहकला के स्मारक।

मूर्तिकला 9वीं सी। ज्यादातर लकड़ी थी। देवताओं की छवियों को गंभीरता और दुर्गम भव्यता से अलग किया गया था, जिस पर उनकी उपस्थिति और व्यापकता की गंभीरता पर जोर दिया गया था। ड्रैपरियों को मानक पैटर्न के अनुसार कुशलता से काटा गया था, स्कार्फ लहरों में बिछे थे। मुरोजी मंदिर से खड़ी शाकी आकृति इस शैली का एक उदाहरण है। इसके लिए और 9वीं शताब्दी की इसी तरह की छवियां। गहरी, स्पष्ट परतों और अन्य विवरणों के साथ कठोर नक्काशी की विशेषता।

देवताओं की संख्या में वृद्धि ने कलाकारों के लिए बड़ी मुश्किलें खड़ी कर दीं। जटिल, मानचित्र-जैसे मंडलों (जादुई अर्थ के साथ एक ज्यामितीय डिजाइन) में, देवताओं को पदानुक्रमित रूप से एक केंद्रीय रूप से स्थित बुद्ध के चारों ओर व्यवस्थित किया गया था, जो स्वयं निरपेक्षता का केवल एक प्रकटीकरण था। इस समय, आग की लपटों से घिरे संरक्षक देवताओं के चित्रण का एक नया तरीका सामने आया, जो दिखने में भयानक, लेकिन प्रकृति में लाभकारी था। इन देवताओं को विषम रूप से व्यवस्थित किया गया था और चलती-फिरती मुद्राओं में चित्रित किया गया था, जिसमें भयानक चेहरे की विशेषताएं थीं, जो संभावित खतरों से विश्वास की रक्षा करते थे।

मध्य और स्वर्गीय हियान, या फुजिवारा काल

(898-1185)। पादरियों की कठिन माँगों से बचने के उद्देश्य से हीयान को राजधानी का हस्तांतरण, परिवर्तन का कारण बना राजनीतिक प्रणाली. बड़प्पन प्रमुख बल था, और फुजिवारा परिवार इसका सबसे विशिष्ट प्रतिनिधि बन गया। अवधि 10-12 शतक। अक्सर इस नाम से जुड़ा हुआ है। विशेष शक्ति का दौर शुरू हुआ, जब वास्तविक सम्राटों को कविता और चित्रकला के अधिक सुखद कार्यों के लिए राज्य के मामलों को अलग रखने की "दृढ़ता से सलाह" दी गई। वयस्कता तक पहुंचने तक, सम्राट का नेतृत्व एक सख्त रीजेंट द्वारा किया जाता था - आमतौर पर फुजिवारा परिवार से। यह साहित्य, सुलेख और कला में विलासिता और उल्लेखनीय उपलब्धियों का युग था; सब कुछ सुस्त और भावनात्मक लगा, जो शायद ही कभी गहराई तक पहुंचा, लेकिन कुल मिलाकर आकर्षक था। इस समय की कला में सुरुचिपूर्ण परिष्कार और पलायनवाद परिलक्षित हुआ। यहां तक ​​कि बौद्ध धर्म के अनुयायी भी आसान तरीकों की तलाश कर रहे थे, और स्वर्गीय बुद्ध, अमिदा की पूजा विशेष रूप से लोकप्रिय हुई। इस अवधि की पेंटिंग और मूर्तिकला में बुद्ध अमिदा की करुणा और बचत अनुग्रह की धारणा गहराई से परिलक्षित हुई थी। 9वीं सी की मूर्तियों की विशालता और संयम। 10-11 शताब्दियों में। आनंद और आकर्षण को रास्ता दिया। देवताओं को स्वप्निल, विचारपूर्वक शांत के रूप में चित्रित किया गया है, नक्काशी कम गहरी हो जाती है, सतह अधिक रंगीन हो जाती है, एक समृद्ध विकसित बनावट के साथ। इस काल के सबसे महत्वपूर्ण स्मारक मूर्तिकार जोको के हैं।
कलाकारों के कार्यों ने कपड़े पर चित्र की याद दिलाने वाली नरम विशेषताएं भी प्राप्त कीं, और यहां तक ​​​​कि भयानक देवता - विश्वास के रक्षक कम भयभीत हो गए। सूत्र (बौद्ध ग्रंथ) गहरे नीले रंग के कागज पर सोने और चांदी में लिखे गए थे, पाठ की बारीक सुलेख अक्सर एक छोटे से चित्रण से पहले होती है। अधिकांश लोकप्रिय गंतव्यबौद्ध धर्म और उनसे जुड़े देवता अभिजात वर्ग की प्राथमिकताओं और शुरुआती बौद्ध धर्म के कठोर आदर्शों से धीरे-धीरे प्रस्थान को दर्शाते हैं।

इस समय का वातावरण और उनके कार्य आंशिक रूप से 894 में चीन के साथ औपचारिक संबंधों की समाप्ति से जुड़े हुए हैं। उस समय चीन में बौद्ध धर्म को सताया गया था, और भ्रष्ट तांग दरबार गिरावट की स्थिति में था। इस वियोग के बाद एकांत द्वीप अस्तित्व ने जापानियों को अपनी संस्कृति की ओर मुड़ने और एक नई, शुद्ध जापानी शैली विकसित करने के लिए प्रेरित किया। दरअसल, 10वीं-12वीं सदी की धर्मनिरपेक्ष पेंटिंग। लगभग पूरी तरह से जापानी था - तकनीक और रचना और भूखंड दोनों में। इन जापानी स्क्रॉलों की एक विशिष्ट विशेषता, जिसे यमातो-ए कहा जाता है, एंजी भूखंडों (मूल, इतिहास) का प्रावधान था। जबकि चीनी स्क्रॉल में अक्सर विशाल अद्भुत प्रकृति, पहाड़ों, नदियों, चट्टानों और पेड़ों के पैनोरमा का चित्रण किया गया था, और लोग ड्राइंग और पाठ में जापानी के कथात्मक स्क्रॉल पर अपेक्षाकृत महत्वहीन लग रहे थे, व्यक्ति मुख्य बात थी। परिदृश्य ने बताई जा रही कहानी के लिए केवल एक पृष्ठभूमि की भूमिका निभाई, मुख्य चरित्र या व्यक्तियों के अधीनस्थ। कई स्क्रॉल प्रसिद्ध बौद्ध प्रचारकों या के जीवन के कालक्रम को चित्रित करते थे ऐतिहासिक आंकड़े, उनकी यात्राएँ और सैन्य अभियान। दूसरों ने रईसों और दरबारियों के जीवन के रोमांटिक प्रसंगों के बारे में बताया।

शुरुआती स्क्रॉल की जाहिरा तौर पर विशेष शैली बौद्ध नोटबुक के पन्नों पर सरल स्याही रेखाचित्रों से आई थी। ये कुशल चित्र हैं जो जानवरों की छवियों के माध्यम से मानव व्यवहार को कैरिकेचर करते हैं: मठवासी कपड़ों में एक बंदर एक फुलाए हुए मेंढक की पूजा करता है, खरगोशों, बंदरों और मेंढकों के बीच प्रतियोगिताएं। ये और अन्य देर से हीयन स्क्रॉल ने 13 वीं और 14 वीं शताब्दी की विकसित शैली के अधिक जटिल वर्णनात्मक स्क्रॉल के लिए आधार प्रदान किया।

कामाकुरा काल

(1185-1392)। देर से 12 वीं सदी जापान के राजनीतिक और धार्मिक जीवन में गंभीर बदलाव लाए और जाहिर है, इसकी कला में भी। क्योटो अदालत के लालित्य और सौंदर्यवाद को बदल दिया गया था या, "विशेष" शासन की परंपरा में, एक नए, कठोर और साहसी नियम के रूप में "एक अतिरिक्त प्राप्त किया" - कामाकुरा शोगुनेट। हालांकि क्योटो मुख्य रूप से राजधानी बना रहा, शोगुन मिनमोटो नो योरिटोमो (1147-1199) ने अपना मुख्यालय कामाकुरा शहर में स्थापित किया और केवल 25 वर्षों में सैन्य तानाशाही और सामंतवाद की एक कठोर व्यवस्था स्थापित की। बौद्ध धर्म, जो इतना जटिल और कर्मकांड बन गया था कि आम लोगों के लिए यह समझ से बाहर था, में भी एक बड़ा बदलाव आया जिसने कलाओं के संरक्षण का वादा नहीं किया। योडो ("शुद्ध भूमि") संप्रदाय, होनेन शोनिन (1133-1212) के नेतृत्व में बुद्ध अमिदा की पूजा का एक रूप, बुद्धों और देवताओं के पदानुक्रम में सुधार किया और उन सभी को मुक्ति की आशा दी जो केवल अमिदा में विश्वास करते थे। आसानी से प्राप्य स्वर्ग के इस सिद्धांत को बाद में शिन संप्रदाय के संस्थापक शिनरान (1173-1262) द्वारा सरल बनाया गया, जिन्होंने स्वीकार किया कि अमिदा का भोग इतना महान है कि धार्मिक कृत्यों को करने की कोई आवश्यकता नहीं है, यह पर्याप्त है "नामु अमिदा बुत्सु" मंत्र को दोहराने के लिए (पहले शब्द का अर्थ है "सबमिट"; दूसरे दो "बुद्ध अमिदा" हैं)। आत्मा को बचाने का इतना आसान तरीका बेहद आकर्षक था और अब लाखों लोग इसका इस्तेमाल करते हैं। एक पीढ़ी बाद में, उग्रवादी उपदेशक निचिरेन (1222-1282), जिनके नाम पर संप्रदाय का नाम रखा गया, ने धर्म के इस सरलीकृत रूप को छोड़ दिया। उनके अनुयायियों ने लोटस सूत्र का सम्मान किया, जिसमें तत्काल और बिना शर्त मुक्ति का वादा नहीं किया गया था। उनके उपदेश अक्सर राजनीतिक विषयों पर छूते थे, और उनके विश्वास और चर्च और राज्य के प्रस्तावित सुधारों ने कामकुरा में नए योद्धा वर्ग से अपील की। अंत में, ज़ेन का दर्शन, जो 8वीं शताब्दी के आरंभ में उभरा, उस अवधि के बौद्ध विचारों में कभी भी बड़ी भूमिका निभाने लगा। ज़ेन ने किसी भी छवि के लिए ध्यान और अवमानना ​​​​के महत्व पर जोर दिया जो मनुष्य को ईश्वर से जुड़ने की उसकी खोज में बाधा डाल सकता है।

इसलिए, यह एक ऐसा समय था जब धार्मिक विचारों ने पहले पूजा के लिए आवश्यक चित्रों और मूर्तियों की संख्या को सीमित कर दिया था। फिर भी, कामाकुरा काल के दौरान, कुछ बेहतरीन काम करता हैजापानी कला। प्रेरणा कला के लिए निहित जापानी प्रेम था, लेकिन पहेली की कुंजी नए पंथों के प्रति लोगों का रवैया है, न कि हठधर्मिता। वास्तव में, कार्य स्वयं उनके निर्माण का कारण बताते हैं, क्योंकि इनमें से कई मूर्तियां और जीवन और ऊर्जा से भरे चित्र चित्र हैं। यद्यपि ज़ेन दर्शन ने धार्मिक पूजा की सामान्य वस्तुओं को आत्मज्ञान के लिए एक बाधा के रूप में माना हो सकता है, शिक्षकों को सम्मानित करने की परंपरा काफी स्वीकार्य थी। चित्र स्वयं पूजा की वस्तु नहीं हो सकता। चित्र के प्रति यह रवैया ज़ेन बौद्ध धर्म के लिए अद्वितीय नहीं था: शुद्ध भूमि संप्रदाय के कई मंत्री लगभग बौद्ध देवताओं की तरह पूजनीय थे। पोर्ट्रेट के लिए धन्यवाद, यहां तक ​​​​कि एक नया वास्तुशिल्प रूप भी दिखाई दिया - मीइडो, या पोर्ट्रेट चैपल। यथार्थवाद का तेजी से विकास पूरी तरह से समय की भावना में था।
यद्यपि पुजारियों के सुरम्य चित्र स्पष्ट रूप से विशिष्ट लोगों के चित्र थे, वे अक्सर बौद्ध धर्म के चीनी संस्थापकों को चित्रित करने वाले चित्रों की पुनर्रचना थे। उन्हें उपदेश देते हुए चित्रित किया गया था, मुंह खुले हुए थे, हाथ इशारे कर रहे थे; कभी-कभी भिक्षुक भिक्षुओं को विश्वास की महिमा के लिए एक कठिन यात्रा करते हुए चित्रित किया गया था।

सबसे लोकप्रिय भूखंडों में से एक रायगो (वांछित आगमन) था, जिसमें बुद्ध अमिदा को उनके साथियों के साथ चित्रित किया गया था, जो एक आस्तिक की आत्मा को उसकी मृत्यु पर बचाने और उसे स्वर्ग में स्थानांतरित करने के लिए एक बादल पर उतरते थे। इस तरह की छवियों के रंगों को अक्सर सोने से सजाया जाता था, और लहराती रेखाएं, फड़फड़ाती हुई टोपी, घूमते हुए बादलों ने बुद्ध के अवतरण के लिए आंदोलन की भावना दी थी।

उन्केई, जिन्होंने 12वीं और 13वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में काम किया, एक नवाचार के लेखक थे जिसने लकड़ी को तराशना आसान बना दिया, जो कामकुरा काल के दौरान मूर्तिकारों की पसंदीदा सामग्री बनी रही। पहले, मास्टर डेक या लॉग के आकार और आकार से सीमित था जिससे आकृति काटी गई थी। हथियारों और कपड़ों के तत्वों को अलग-अलग आरोपित किया गया था, लेकिन तैयार टुकड़ा अक्सर मूल बेलनाकार आकार जैसा दिखता था। नई तकनीक में, दर्जनों छोटे-छोटे टुकड़ों को सावधानी से एक-दूसरे से सटा दिया गया, जिससे एक खोखला पिरामिड बन गया, जिससे प्रशिक्षु आकृति को मोटा-मोटा काट सकते थे। मूर्तिकार के पास अधिक निंदनीय सामग्री और अधिक जटिल रूपों को बनाने की क्षमता थी। मंदिर के मजबूत रक्षक और फड़फड़ाती टोपी और लबादे में देवता अधिक जीवंत लग रहे थे क्योंकि क्रिस्टल या कांच उनकी आंखों के सॉकेट में डाले जाने लगे थे; मूर्तियों को सोने के कांसे से सजाया जाने लगा। लकड़ी के सूखने के कारण वे हल्के हो गए और उनमें दरार पड़ने की संभावना कम हो गई। कुया शोनिन की उल्लिखित लकड़ी की मूर्ति, अनकेई के बेटे कोशो का काम, चित्र मूर्तिकला में कामाकुरा युग के यथार्थवाद की सर्वोच्च उपलब्धि को प्रदर्शित करता है। वास्तव में, उस समय मूर्तिकला अपने विकास के चरमोत्कर्ष पर पहुँच गई, और बाद में इसने कला में इस तरह के प्रमुख स्थान पर कब्जा नहीं किया।

धर्मनिरपेक्ष चित्रकला भी उस समय की भावना को दर्शाती है। संयमित रंगों और सुंदर रेखाओं में स्वर्गीय हियान काल के वर्णनात्मक स्क्रॉल, प्रिंस जेनजी के रोमांटिक पलायन या अदालत की एकांतप्रिय महिलाओं के मनोरंजन के बारे में बताते हैं। अब, चमकीले रंगों और ऊर्जावान स्ट्रोक के साथ, कामाकुरा युग के कलाकारों ने युद्धरत कुलों, आग की लपटों में घिरे महलों और हमलावर सैनिकों से भाग रहे भयभीत लोगों की लड़ाई को चित्रित किया। यहां तक ​​​​कि जब एक धार्मिक कहानी स्क्रॉल पर सामने आई, तो छवि पवित्र लोगों की यात्रा और उनके द्वारा किए गए चमत्कारों के ऐतिहासिक साक्ष्य के रूप में एक प्रतीक नहीं थी। इन भूखंडों के डिजाइन में, प्रकृति के लिए बढ़ता प्यार और देशी परिदृश्य के लिए प्रशंसा मिल सकती है।

मुरोमाची, या अशिकागा काल

(1392-1568)। 1392 में, 50 से अधिक वर्षों के संघर्ष के बाद, अशिकागा परिवार के तीसरे शोगुन, योशिमित्सु (1358-1408) ने देश को फिर से जोड़ा। सरकार की सीट फिर से क्योटो की नाममात्र की राजधानी बन गई, जहां अशिकागा शोगुन ने मुरोमाची क्वार्टर में अपने महलों का निर्माण किया। (इस अवधि को कभी-कभी मुरोमाची, कभी-कभी अशिकागा कहा जाता है।) युद्ध कालकई मंदिरों को नहीं बख्शा - जापानी कला के भंडार, जो वहां मौजूद खजाने के साथ जल गए थे। देश गंभीर रूप से तबाह हो गया था, और यहां तक ​​​​कि शांति से भी थोड़ी राहत मिली, क्योंकि युद्धरत गुटों ने अपनी सफलता में, अपने मनमुटाव पर एहसान किया। ऐसा प्रतीत होता है कि कला के विकास के लिए स्थिति बेहद प्रतिकूल थी, लेकिन वास्तव में अशिकागा शोगुन ने इसे संरक्षण दिया, विशेष रूप से 15वीं और 16वीं शताब्दी में, जब चित्रकला का विकास हुआ।

इस समय की सबसे महत्वपूर्ण कला ज़ेन बौद्ध धर्म द्वारा प्रोत्साहित और सांग और युआन राजवंशों के चीनी डिजाइनों से प्रभावित मोनोक्रोम काव्य स्याही चित्र थे। मिंग राजवंश (1368-1644) के दौरान, चीन के साथ संपर्क नवीनीकृत किया गया था, और कला के संग्रहकर्ता और संरक्षक योशिमित्सु ने संग्रह और अध्ययन को प्रोत्साहित किया। चीनी पेंटिंग. वह प्रतिभाशाली कलाकारों के लिए एक मॉडल और शुरुआती बिंदु बन गईं, जिन्होंने प्रकाश और धाराप्रवाह ब्रश स्ट्रोक के साथ परिदृश्य, पक्षियों, फूलों, पुजारियों और संतों की छवियों को चित्रित किया। इस समय की जापानी पेंटिंग की विशेषता रेखा की किफायत है; कलाकार चित्रित कथानक की सर्वोत्कृष्टता को निकालता प्रतीत होता है, जिससे दर्शकों की निगाहें इसे विवरण से भर देती हैं। इन चित्रों में धूसर और चमकदार काली स्याही के परिवर्तन ज़ेन के दर्शन के बहुत करीब हैं, जिसने निश्चित रूप से उनके लेखकों को प्रेरित किया। हालांकि कामकुरा की सैन्य शक्ति के तहत भी इस पंथ का काफी प्रभाव पड़ा, लेकिन यह 15वीं और 16वीं शताब्दी में तेजी से फैलता रहा, जब कई ज़ेन मठों का उदय हुआ। मुख्य रूप से "आत्म-मुक्ति" के विचार का प्रचार करते हुए, इसने मोक्ष को बुद्ध के साथ नहीं जोड़ा, बल्कि मनुष्य के गंभीर आत्म-अनुशासन पर भरोसा करते हुए अचानक सहज "ज्ञान" प्राप्त किया जो उसे पूर्ण के साथ जोड़ता है। स्याही का संयमित लेकिन साहसिक उपयोग और विषम रचना, जिसमें कागज के अनपेक्षित हिस्सों ने आदर्श परिदृश्यों, संतों और वैज्ञानिकों को चित्रित करने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, इस दर्शन को ध्यान में रखते हुए थे।

सुमी-ए के सबसे प्रसिद्ध प्रतिपादकों में से एक, मोनोक्रोम स्याही पेंटिंग की एक शैली, सेशु (1420-1506) थी, जो एक ज़ेन पुजारी थे, जिनके लंबे और विपुल जीवन ने उन्हें निरंतर पूजा सुनिश्चित की। अपने जीवन के अंत में, उन्होंने हबोकू (त्वरित स्याही) शैली का उपयोग करना शुरू किया, जो कि परिपक्व शैली के विपरीत, जिसमें स्पष्ट, किफायती स्ट्रोक की आवश्यकता थी, मोनोक्रोम पेंटिंग की परंपरा को लगभग अमूर्त बना दिया।
कलाकारों के कानो परिवार की गतिविधि और उनकी शैली का विकास इसी अवधि में आता है। विषयों की पसंद और स्याही के उपयोग के मामले में, यह चीनी के करीब था, लेकिन अभिव्यंजक माध्यमों के मामले में जापानी बने रहे। कानो, शोगुनेट के समर्थन से, "आधिकारिक" स्कूल या बन गया कलात्मक शैली 19वीं सदी में भी पेंटिंग और फली-फूली।

जापानी चित्रकला की दूसरी महत्वपूर्ण दिशा, टोसा स्कूल के कार्यों में यमातो-ए की भोली परंपरा जारी रही। वास्तव में, उस समय, दोनों स्कूल, कानो और टोसा, निकटता से जुड़े हुए थे, वे एक रुचि से एकजुट थे आधुनिक जीवन. मोटोनोबु कानो (1476-1559), इनमें से एक उत्कृष्ट कलाकारइस अवधि के, ने न केवल अपनी बेटी की शादी प्रसिद्ध कलाकार तोसा से की, बल्कि अपने तरीके से पेंटिंग भी की।

15-16 शताब्दियों में। मूर्तिकला के कुछ ही उल्लेखनीय कार्य थे। हालांकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि नू नाटक के विकास ने, अपनी विभिन्न मनोदशाओं और भावनाओं के साथ, मूर्तिकारों के लिए गतिविधि का एक नया क्षेत्र खोल दिया - उन्होंने अभिनेताओं के लिए मुखौटे उकेरे। शास्त्रीय जापानी नाटक में अभिजात वर्ग द्वारा और उसके लिए प्रदर्शन किया गया, अभिनेताओं (एक या अधिक) ने मुखौटे पहने थे। उन्होंने भय, चिंता और भ्रम से लेकर संयमित आनंद तक कई तरह की भावनाओं को व्यक्त किया। कुछ मुखौटों को इतनी शानदार ढंग से उकेरा गया था कि अभिनेता के सिर के हल्के से मोड़ से अभिव्यक्ति में सूक्ष्म परिवर्तन हो गया। इन मुखौटों के उल्लेखनीय उदाहरण वर्षों से उन परिवारों द्वारा रखे गए हैं जिनके सदस्यों के लिए उन्हें बनाया गया था।

मोमोयामा अवधि

(1568-1615)। 1593 में, महान सैन्य तानाशाह हिदेयोशी ने मोमोयामा, "पीच हिल" पर अपना महल बनाया, और इस नाम से यह 47 साल की अवधि को अशिकागा शोगुनेट के पतन से तोकुगावा, या ईदो काल की स्थापना तक नामित करने के लिए प्रथागत है। , 1615 में। यह एक पूरी तरह से नए सैन्य वर्ग के प्रभुत्व का समय था, जिसकी महान संपत्ति ने कलाओं के उत्कर्ष में योगदान दिया। 16वीं शताब्दी के अंत में बड़े दर्शकों के हॉल और लंबे गलियारों के साथ प्रभावशाली महल फैशन में आए। और उनकी महानता के लिए उपयुक्त आभूषणों की मांग की। यह कठोर और साहसी लोगों का समय था, और नए संरक्षक, पूर्व अभिजात वर्ग के विपरीत, विशेष रूप से बौद्धिक गतिविधियों या शिल्प कौशल की सूक्ष्मताओं में रुचि नहीं रखते थे। सौभाग्य से, कलाकारों की नई पीढ़ी अपने संरक्षकों के अनुरूप रही। इस अवधि के दौरान, चमकीले क्रिमसन, पन्ना, हरे, बैंगनी और अद्भुत स्क्रीन और जंगम पैनल नीले फूल. इस तरह के विपुल रंग और सजावटी रूप, अक्सर सोने या चांदी की पृष्ठभूमि पर, सौ वर्षों से बहुत लोकप्रिय थे, और उनके रचनाकारों को "महान सज्जाकार" कहा जाता था। सूक्ष्म जापानी स्वाद के लिए धन्यवाद, धूमधाम शैली अश्लीलता में पतित नहीं हुई, और यहां तक ​​​​कि जब संयम और समझ ने विलासिता और सजावटी ज्यादतियों का रास्ता दिया, तब भी जापानी लालित्य बनाए रखने में कामयाब रहे।

ईटोकू कानो (1543-1590), इस अवधि के पहले महान कलाकारों में से एक, कानो और टोसा की शैली में काम किया, पहले की ड्राइंग की अवधारणा का विस्तार किया और उन्हें दूसरे के रंगों की समृद्धि के साथ जोड़ा। हालाँकि लेखक के रूप में इटोकू को सुरक्षित रूप से पहचाना जा सकता है, लेकिन उन्हें मोमोयामा शैली के संस्थापकों में से एक माना जाता है, और इस अवधि के अधिकांश कलाकार उनके छात्र थे या उनसे प्रभावित थे।

ईदो या तोकुगावा काल

(1615-1867)। नव एकीकृत जापान में शांति की लंबी अवधि को या तो शासक के नाम पर तोकुगावा काल या ईदो (आधुनिक टोक्यो) कहा जाता है, क्योंकि 1603 में यह शहर सत्ता का नया केंद्र बन गया था। संक्षिप्त मोमोयामा अवधि के दो प्रसिद्ध जनरलों, ओडा नोबुनागा (1534-1582) और टॉयोटोमी हिदेयोशी (1536-1598), सैन्य कार्रवाई और कूटनीति के माध्यम से, अंततः शक्तिशाली कुलों और उग्रवादी पादरियों के बीच सामंजस्य स्थापित करने में कामयाब रहे। 1598 में हिदेयोशी की मृत्यु के साथ, इयासू तोकुगावा (1542-1616) को सत्ता सौंपी गई, जिन्होंने संयुक्त रूप से शुरू किए गए उपायों को पूरा किया। 1600 में सेकिगहारा की निर्णायक लड़ाई ने इयासू की स्थिति को मजबूत किया, 1615 में ओस्का कैसल का पतन हिदेयोशी हाउस के अंतिम पतन और तोकुगावा शोगुनेट के अविभाजित शासन की स्थापना के साथ हुआ।

तोकुगावा का शांतिपूर्ण शासन 15 पीढ़ियों तक चला और केवल 19वीं शताब्दी में समाप्त हुआ। यह मूल रूप से "बंद दरवाजे" नीति की अवधि थी। 1640 के एक फरमान के द्वारा, विदेशियों को जापान में प्रवेश करने की मनाही थी, और जापानी विदेश यात्रा नहीं कर सकते थे। नागासाकी बंदरगाह के माध्यम से एकमात्र वाणिज्यिक और सांस्कृतिक संबंध डच और चीनी के साथ था। अलगाव की अन्य अवधियों की तरह, 17 वीं शताब्दी के अंत में राष्ट्रीय भावनाओं और उदय का उदय हुआ। शैली चित्रकला और उत्कीर्णन का तथाकथित स्कूल।
ईदो की तेजी से बढ़ती राजधानी न केवल द्वीप साम्राज्य के राजनीतिक और व्यावसायिक जीवन का केंद्र बन गई, बल्कि कला और शिल्प का भी केंद्र बन गई। आवश्यकता है कि डेम्यो, प्रांतीय सामंती प्रभु, प्रत्येक वर्ष के एक निश्चित भाग के लिए राजधानी में हों, महल की इमारतों सहित नई इमारतों की आवश्यकता पैदा हुई, और इसलिए कलाकारों को उन्हें सजाने के लिए। धनी लेकिन गैर-अभिजात वर्ग के व्यापारियों के समवर्ती उभरते वर्ग ने कलाकारों को नया और अक्सर अव्यवसायिक संरक्षण प्रदान किया।

प्रारंभिक ईदो काल की कला आंशिक रूप से मोमोयामा शैली को जारी और विकसित करती है, जो विलासिता और वैभव की ओर अपनी प्रवृत्ति को तीव्र करती है। पिछली अवधि से विरासत में मिली विचित्र छवियों और बहुरूपता की समृद्धि का विकास जारी है। यह सजावटी शैली सत्रहवीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में अपने चरम पर पहुंच गई। तथाकथित में। टोकुगावा काल (1688-1703) का जेनरोकू युग। जापानी सजावटी कला में, पेंटिंग, कपड़े, लाह, कलात्मक trifles में रंग और सजावटी रूपांकनों की असाधारणता और समृद्धि में कोई समानता नहीं है - एक शानदार जीवन शैली के गुण।

चूंकि हम अपेक्षाकृत के बारे में बात कर रहे हैं देर अवधिइतिहास, यह आश्चर्य की बात नहीं है कि कई कलाकारों और उनके कार्यों के नाम संरक्षित किए गए हैं; यहाँ केवल कुछ सबसे प्रमुख नामों का उल्लेख करना संभव है। मोमोयामा और ईदो काल के दौरान रहने और काम करने वाले सजावटी स्कूल के प्रतिनिधियों में होनामी कोएत्सु (1558-1637) और नोनोमुरा सोतात्सु (डी। 1643) हैं। उनका काम पैटर्न, रचना और रंग की एक उल्लेखनीय भावना प्रदर्शित करता है। कोएत्सु, एक प्रतिभाशाली सेरामिस्ट और लाख कलाकार, अपनी सुलेख की सुंदरता के लिए जाने जाते थे। सोतात्सु के साथ मिलकर उन्होंने स्क्रॉल कविताएँ बनाईं जो उस समय फैशनेबल थीं। साहित्य, सुलेख और पेंटिंग के इस संयोजन में, चित्र केवल चित्र नहीं थे: उन्होंने पाठ की धारणा के लिए उपयुक्त मूड बनाया या सुझाव दिया। ओगाटा कोरिन (1658-1716) सजावटी शैली के उत्तराधिकारियों में से एक थे और उन्होंने अपने छोटे भाई ओगाटा केनज़न (1663-1743) के साथ मिलकर इसकी तकनीक में सुधार किया। केनजान, एक कलाकार की तुलना में एक सेरामिस्ट के रूप में बेहतर जाने जाते हैं, अपने प्रसिद्ध बड़े भाई के डिजाइनों के साथ खुदे हुए जहाजों को निकाल दिया। 19वीं सदी की शुरुआत में इस स्कूल का पुनरुद्धार। कवि और चित्रकार सकाई होइत्सु (1761-1828) द्वारा सजावटी शैली में अंतिम उछाल था। होरित्सु के सुंदर स्क्रॉल और स्क्रीन ने कोरिन की ड्राइंग की भावना को मारुयामा प्रकृतिवाद की प्रकृति में रुचि के साथ जोड़ दिया, जिसके परिणामस्वरूप रंग की समृद्धि और पहले की अवधि के सजावटी रूपांकनों, ब्रशस्ट्रोक की भव्यता और चालाकी से शांत हो गए।

बहुरंगी सजावटी शैली के साथ, पारंपरिक कानो स्कूल की स्याही वाली रेखाचित्र लोकप्रिय बनी रही। 1622 में कानो तान्यु (1602-1674) को शोगुन का दरबारी चित्रकार नियुक्त किया गया और उसे ईदो बुलाया गया। इस पद पर उनकी नियुक्ति और कोबिकिटो में कानो पेंटिंग के ईदो स्कूल की स्थापना के साथ, इस परंपरा के कलात्मक नेतृत्व की आधी शताब्दी की अवधि शुरू हुई, जिसने कानो परिवार की प्रमुखता को बहाल किया और ईदो काल के कार्यों को सबसे अधिक बनाया कानो पेंटिंग में महत्वपूर्ण। "महान सज्जाकार" और प्रतिद्वंद्वियों द्वारा बनाए गए सोने और चमकीले रंगों से चित्रित स्क्रीन की लोकप्रियता के बावजूद, तांग्यू, अपनी प्रतिभा और आधिकारिक स्थिति की ताकत के लिए धन्यवाद, बड़प्पन के बीच पुनर्जीवित कानो स्कूल की पेंटिंग को लोकप्रिय बनाने में सक्षम था। तनु ने कठोर टूटी हुई रेखा और एक बड़ी मुक्त सतह पर रचना तत्वों की एक सुविचारित व्यवस्था के आधार पर, कानो स्कूल की पारंपरिक विशेषताओं में शक्ति और सरलता को जोड़ा।

जिसमें एक नई दिशा मुख्य विशेषताप्रकृति में रुचि थी, यह 18 वीं शताब्दी के अंत में प्रबल होने लगी। मरुयामा ओक्यो (1733-1795), प्रमुख नया विद्यालय, एक किसान था, फिर एक पादरी और अंत में एक कलाकार बन गया। पहली दो कक्षाओं ने उन्हें खुशी या सफलता नहीं दिलाई, लेकिन एक कलाकार के रूप में वे महान ऊंचाइयों पर पहुंचे और उन्हें मरुयामा यथार्थवादी स्कूल का संस्थापक माना जाता है। उन्होंने कानो स्कूल के मास्टर इशिदा युतेई (d. c. 1785) के साथ अध्ययन किया; आयातित डच नक्काशियों के आधार पर, उन्होंने परिप्रेक्ष्य प्रतिनिधित्व की पश्चिमी तकनीक को समझा, और कभी-कभी इन नक्काशियों की नकल की। उन्होंने सोंग और युआन राजवंशों से चीनी शैलियों का भी अध्ययन किया, जिसमें चेन जुआन (1235-1290) और शेन नानपिंग की सूक्ष्म और यथार्थवादी शैली शामिल है; उत्तरार्द्ध 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में नागासाकी में रहते थे। ओक्यो ने प्रकृति से कई काम किए, और उनकी वैज्ञानिक टिप्पणियों ने प्रकृति की धारणा का आधार बनाया, जिस पर मारुयामा स्कूल आधारित था।

18वीं शताब्दी में प्रकृतिवाद में रुचि के अलावा। चीनी कलात्मक परंपरा का नए सिरे से प्रभाव। इस प्रवृत्ति के प्रतिनिधियों ने मिंग (1368-1644) और किंग (1644-1912) के चित्रकार-वैज्ञानिकों के पेंटिंग स्कूल की ओर रुख किया, हालाँकि चीन में कला की वर्तमान स्थिति के बारे में उनकी समझ शायद सीमित थी। इस जापानी स्कूल की कला को बुजिंगा (शिक्षित लोगों की कला) कहा जाता था। बुजिंगा शैली के सबसे प्रभावशाली उस्तादों में से एक इकेनो टैगा (1723-1776) थे, जो एक प्रसिद्ध चित्रकार और सुलेखक थे। उनकी परिपक्व शैली की विशेषता हल्की स्वर और स्याही में हल्के पंख वाले स्ट्रोक से भरी मोटी समोच्च रेखाएँ हैं; उन्होंने हवा और बारिश में झुके हुए बाँस के तने को चित्रित करते हुए, काली स्याही के व्यापक, मुक्त स्ट्रोक के साथ चित्रित किया। छोटी, घुमावदार रेखाओं के साथ, उन्होंने जंगल से घिरी एक झील के ऊपर धुंधले पहाड़ों की छवि में उत्कीर्णन जैसा प्रभाव प्राप्त किया।
सत्रवहीं शताब्दी ईदो काल की एक और उल्लेखनीय कला दिशा को जन्म दिया। यह तथाकथित ukiyo-e (बदलती दुनिया की तस्वीरें) - आम लोगों द्वारा और उनके लिए बनाई गई शैली के दृश्य हैं। प्रारंभिक उक्यो-ए क्योटो की पुरानी राजधानी में उत्पन्न हुआ था और ज्यादातर सुरम्य थे। लेकिन उनके उत्पादन का केंद्र जल्द ही ईदो में चला गया, और उस्तादों का ध्यान वुडकट्स पर केंद्रित हो गया। यूकेयो-ई के साथ वुडकट प्रिंटिंग के घनिष्ठ संबंध ने गलत धारणा को जन्म दिया है कि वुडकट प्रिंटिंग इस अवधि की खोज थी; वास्तव में, इसकी उत्पत्ति 11वीं शताब्दी में हुई थी। इस तरह की प्रारंभिक छवियां बौद्ध धर्म के संस्थापकों और देवताओं को चित्रित करते हुए प्रकृति में मन्नत थीं, और कामाकुरा काल के दौरान, नक्काशीदार ब्लॉकों से कुछ वर्णनात्मक स्क्रॉल पुन: प्रस्तुत किए गए थे। हालाँकि, उत्कीर्णन की कला 17 वीं से 19 वीं शताब्दी के मध्य की अवधि में विशेष रूप से लोकप्रिय हुई।

Ukiyo-e नक्काशियों के विषय समलैंगिक क्वार्टर, पसंदीदा अभिनेताओं और नाटकों के दृश्यों के सुंदर दरबारी थे। जल्दी, तथाकथित। आदिम उत्कीर्णन काले रंग में किए गए थे, मजबूत लयबद्ध लहरदार रेखाओं के साथ, और प्रतिष्ठित थे सरल पैटर्न. उन्हें कभी-कभी नारंगी-लाल रंग में हाथ से चित्रित किया जाता था जिसे तन-ए (चमकदार लाल चित्र) कहा जाता था, जिसमें सरसों के पीले और हरे निशान होते थे। कुछ "आदिम" कलाकारों ने उरुशु-ए (लाह पेंटिंग) नामक हाथ की पेंटिंग का इस्तेमाल किया, जिसमें अंधेरे क्षेत्रों को बढ़ाया गया और गोंद के अतिरिक्त उज्ज्वल बनाया गया। एक प्रारंभिक पॉलीक्रोम प्रिंट, जो 1741 या 1742 में दिखाई दिया, उसे बेनिज़ुरी-ए (क्रिमसन प्रिंट) कहा जाता था और आमतौर पर तीन रंगों का इस्तेमाल किया जाता था - गुलाब लाल, हरा और कभी-कभी पीला। वास्तव में बहु-रंग उत्कीर्णन, पूरे पैलेट का उपयोग करते हुए और निशिकी-ए (ब्रोकेड चित्र) कहलाते हैं, 1765 में दिखाई दिए।

अलग-अलग प्रिंट बनाने के अलावा, कई उत्कीर्णकों ने किताबों को चित्रित किया और किताबों और स्क्रॉल पर कामुक चित्र बनाकर पैसा कमाया। यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि यूकेयो-ए उत्कीर्णन में तीन प्रकार की गतिविधि शामिल थी: यह एक ड्राफ्ट्समैन का काम था, जिसका नाम प्रिंट बोर, एक कार्वर और एक प्रिंटर था।

हिशिकावा मोरोनोबू (सी. 1625-1694) को उकियो-ए प्रिंट बनाने की परंपरा का संस्थापक माना जाता है। इस प्रवृत्ति के अन्य "आदिम" कलाकार हैं कियोमासु (1694-1716) और कैगेटसुडो समूह (कलाकारों का एक अजीब समुदाय जिसका अस्तित्व अस्पष्ट है), साथ ही ओकुमुरा मसानोबू (1686-1764)।

बेनिज़ुरी-ए प्रिंट बनाने वाले संक्रमणकालीन कलाकार थे इशिकावा टोयोनोबू (1711-1785), तोरी कियोहिरो (सक्रिय सी। 1751-1760), और तोरी कियोमित्सु (1735-1785)।

सुज़ुकी हारुनोबू (1725-1770) की कृतियों ने पोलीक्रोम उत्कीर्णन के युग की शुरुआत की। नरम, लगभग तटस्थ रंगों से भरे, सुंदर महिलाओं और वीर प्रेमियों से आबाद, हारुनोबू प्रिंट एक बड़ी सफलता थी। लगभग उसी समय, कात्सुकावा शुंशो (1726-1792), तोरी किनागा (1752-1815) और कितागावा उतामारो (1753-1806) ने उनके साथ काम किया। उनमें से प्रत्येक ने इस शैली के विकास में योगदान दिया; उस्तादों ने सुंदर सुंदरियों का चित्रण करते हुए नक्काशी की और प्रसिद्ध अभिनेताश्रेष्ठता के लिए। 1794-1795 में कुछ महीनों में, रहस्यमय तोसुसाई सरकू ने उन दिनों के अभिनेताओं के आश्चर्यजनक रूप से मजबूत और स्पष्ट रूप से क्रूर चित्र बनाए।

19वीं सदी के पहले दशकों में यह शैली परिपक्वता तक पहुँच गई है और गिरावट शुरू हो गई है। कटुशिका होकुसाई (1760-1849) और एंडो हिरोशिगे (1797-1858) युग के महानतम स्वामी हैं, जिनका काम 19वीं शताब्दी में उत्कीर्णन कला के पतन को जोड़ता है। और 20वीं सदी की शुरुआत में इसका नया पुनरुद्धार। दोनों मुख्य रूप से परिदृश्य चित्रकार थे, जो आधुनिक जीवन की घटनाओं को अपने उत्कीर्णन में ठीक करते थे। कार्वर और प्रिंटर की तकनीक की शानदार महारत ने उत्कीर्णन में सनकी रेखाओं और ढलते सूरज या धुंध के हल्के रंगों को व्यक्त करना संभव बना दिया।

मीजी बहाली और आधुनिक काल।

अक्सर ऐसा होता है कि एक या दूसरे लोगों की प्राचीन कला नामों, तिथियों और जीवित कार्यों में खराब होती है, इसलिए कोई भी निर्णय केवल बड़ी सावधानी और सम्मेलन के साथ ही किया जा सकता है। हालाँकि, समकालीन कला को आंकना भी कम कठिन नहीं है, क्योंकि हम किसी भी आंदोलन या कलाकार और उसके काम के पैमाने का सही आकलन करने के लिए एक ऐतिहासिक परिप्रेक्ष्य से वंचित हैं। जापानी कला का अध्ययन कोई अपवाद नहीं है, और सबसे अधिक जो किया जा सकता है वह है समकालीन कला का एक चित्रमाला प्रस्तुत करना और कुछ अनंतिम प्रारंभिक निष्कर्ष निकालना।

19वीं सदी के दूसरे भाग में व्यापार के लिए जापानी बंदरगाहों को फिर से खोल दिया गया, राजनीतिक परिदृश्य में बड़े बदलाव हुए। 1868 में, शोगुनेट को समाप्त कर दिया गया और सम्राट मीजी का शासन बहाल कर दिया गया। आधिकारिक राजधानी और सम्राट के निवास को ईदो में स्थानांतरित कर दिया गया, और शहर को ही टोक्यो (पूर्वी राजधानी) के रूप में जाना जाने लगा।

जैसा कि अतीत में हुआ है, राष्ट्रीय अलगाव के अंत ने अन्य राष्ट्रों की उपलब्धियों में बहुत रुचि पैदा की। इस समय, जापानियों ने विज्ञान और प्रौद्योगिकी में एक बड़ी छलांग लगाई। कलात्मक रूप से, मीजी युग (1868-1912) की शुरुआत प्रौद्योगिकी सहित पश्चिमी हर चीज की स्वीकृति को प्रदर्शित करती है। हालाँकि, यह उत्साह लंबे समय तक नहीं रहा, और इसके बाद आत्मसात करने की अवधि, नए रूपों का उदय, अपनी परंपराओं और नए पश्चिमी रुझानों की वापसी का संयोजन हुआ।

कलाकारों में, कानो होगई (1828-1888), शिमोमुरा कंज़न (1873-1916), टेकुची सेहो (1864-1924) और तोमिओका टेसाई (1836-1942) ने प्रसिद्धि प्राप्त की। पहले तीन ने पारंपरिक जापानी शैली और विषयों का पालन किया, हालांकि उन्होंने मनोदशा और तकनीक में मौलिकता दिखाने की मांग की। उदाहरण के लिए, सेहो ने क्योटो के शांत और रूढ़िवादी माहौल में काम किया। उनके शुरुआती काम मरुयामा के प्राकृतिक तरीके से किए गए थे, लेकिन बाद में उन्होंने चीन में बड़े पैमाने पर यात्रा की और चीनी स्याही चित्रकला से गहराई से प्रभावित हुए। यूरोप के संग्रहालयों और प्रमुख कला केंद्रों की उनकी यात्राओं ने भी उनके काम पर छाप छोड़ी है। इस समय के सभी प्रमुख कलाकारों में से केवल तोमिओका टेसाई ही एक नई शैली विकसित करने के करीब पहुंचे। उनके ऊर्जावान और ताकतवर कार्यों में, खुरदरी, मुड़ी हुई, दांतेदार रेखाएं और काली स्याही के धब्बे रंग के बारीक लिखे पैच के साथ संयुक्त होते हैं। बाद के वर्षों में, कुछ युवा तेल चित्रकार सफल हुए जहां उनके दादा विफल हो गए थे। इस असामान्य सामग्री के साथ काम करने के पहले प्रयास पेरिस के कैनवस की याद दिलाते थे और विशेष मूल्य या विशिष्टता से अलग नहीं थे। जापानी विशेषताएं. हालाँकि, असाधारण अपील के कार्य अब बनाए जा रहे हैं, जिसमें अमूर्त विषयों के माध्यम से रंग और संतुलन की एक विशिष्ट जापानी भावना चमकती है। अन्य कलाकार, अधिक प्राकृतिक और पारंपरिक स्याही के साथ काम करते हैं और कभी-कभी प्रारंभिक बिंदु के रूप में सुलेख का उपयोग करते हुए, भूरे रंग के रंगों के साथ शानदार काले रंग में ऊर्जावान अमूर्त टुकड़े बनाते हैं।

जैसा कि ईदो काल में, 19वीं और 20वीं शताब्दी में। मूर्तिकला लोकप्रिय नहीं थी। लेकिन इस क्षेत्र में भी, आधुनिक पीढ़ी के प्रतिनिधियों, जिन्होंने अमेरिका और यूरोप में अध्ययन किया, ने बहुत सफलतापूर्वक प्रयोग किया। छोटा कांस्य की मूर्तियां, रूप में अमूर्त और अजीब तरह से नामित, रेखा और रंग की जापानी भावना को प्रदर्शित करता है, जो नरम हरे या गर्म भूरे रंग के पेटीना के उपयोग में प्रकट होता है; वुडकार्विंग सामग्री की बनावट के लिए जापानियों के प्यार की गवाही देता है।

सोसाकु हैंगा, जापानी "रचनात्मक प्रिंट", केवल 20वीं शताब्दी के पहले दशक में दिखाई दिया, लेकिन एक विशेष कला दिशा के रूप में इसने आधुनिक कला के अन्य सभी क्षेत्रों को ग्रहण कर लिया। यह आधुनिक प्रिंट, कड़ाई से बोलना, पुराने यूकेयो-ए वुडकट का उत्तराधिकारी नहीं है; वे शैली, भूखंडों और सृजन के तरीकों में भिन्न हैं। कलाकारों, जिनमें से कई पश्चिमी चित्रकला से अत्यधिक प्रभावित थे, ने अपनी कलात्मक विरासत के महत्व को महसूस किया और अपने रचनात्मक आदर्शों को व्यक्त करने के लिए लकड़ी में सही सामग्री पाई। हैंगा मास्टर्स न केवल पेंट करते हैं, बल्कि लकड़ी के ब्लॉक पर चित्र भी उकेरते हैं और उन्हें खुद प्रिंट करते हैं। यद्यपि इस कला के रूप में लकड़ी का काम अपने उच्चतम स्तर पर है, सभी आधुनिक पश्चिमी प्रिंटमेकिंग तकनीकों का उपयोग किया जाता है। कुछ मामलों में पत्तियों, सुतली और "मिली हुई वस्तुओं" के साथ प्रयोग करने से आप अद्वितीय सतह बनावट प्रभाव बना सकते हैं। सबसे पहले, इस प्रवृत्ति के उस्तादों को मान्यता प्राप्त करने के लिए मजबूर किया गया था: आखिरकार, उक्यो-ए स्कूल की सर्वश्रेष्ठ उपलब्धियां भी बौद्धिक कलाकारों द्वारा एक अनपढ़ भीड़ के साथ जुड़ी हुई थीं और उन्हें सर्वसाधारण कला माना जाता था। ओन्ची कोशीरो, हिरात्सुका उनीची और माकावा सेनपन जैसे कलाकारों ने प्रिंटमेकिंग के लिए सम्मान बहाल करने और इस दिशा को एक योग्य शाखा के रूप में स्थापित करने के लिए बहुत कुछ किया है। ललित कला. उन्होंने कई युवा कलाकारों को अपने समूह की ओर आकर्षित किया और उत्कीर्णकों की संख्या अब सैकड़ों में है। इस पीढ़ी के उस्तादों में जिन्होंने जापान और पश्चिम में पहचान हासिल की, अज़ेची उमेतारो, मुनाकाता शिको, यामागुची जनरल और सैतो कियोशी हैं। ये ऐसे स्वामी हैं जिनकी नवीनता और निर्विवाद प्रतिभा ने उन्हें जापान के प्रमुख कलाकारों के बीच एक योग्य स्थान पर कब्जा करने की अनुमति दी है। उनके कई साथियों और अन्य, छोटे हंगा कलाकारों ने भी उल्लेखनीय उत्कीर्णन का निर्माण किया; तथ्य यह है कि हम यहां उनके नामों का उल्लेख नहीं करते हैं, इसका मतलब उनके काम का कम मूल्यांकन नहीं है।

कला और अनुप्रयुक्त कला, वास्तुकला और उद्यान

पिछले खंडों में, यह मुख्य रूप से चित्रकला और मूर्तिकला के बारे में था, जो कि अधिकांश देशों में ललित कलाओं का मुख्य प्रकार माना जाता है। शायद लेख के अंत में सजावटी कला और लोक शिल्प, उद्यान और वास्तुकला की कला - रूपों को शामिल करना अनुचित है जो जापानी कला का एक महत्वपूर्ण और अभिन्न अंग थे। हालाँकि, शायद, वास्तुकला के अपवाद के साथ, उन्हें अलग से विशेष विचार की आवश्यकता होती है सामान्य आवधिकताजापानी कला और शैली परिवर्तन के साथ।

चीनी मिट्टी और चीनी मिट्टी के बरतन।

जापान में सबसे महत्वपूर्ण कला और शिल्प मिट्टी के पात्र और चीनी मिट्टी के बरतन हैं। सिरेमिक कला स्वाभाविक रूप से दो श्रेणियों में आती है। उम्दा पॉलीक्रोम इमारी, नबेशिमा और काकीमोन चाइना ने उत्पादन के स्थानों से अपना नाम लिया, और एक क्रीम या नीले-सफेद सतह पर इसकी समृद्ध पेंटिंग का उद्देश्य बड़प्पन और अदालती हलकों के लिए था। असली चीनी मिट्टी के बरतन बनाने की प्रक्रिया जापान में 16वीं सदी के अंत या 17वीं सदी की शुरुआत में जानी गई; चिकने ग्लेज़ वाली प्लेटें और कटोरे, असममित या ब्रोकेड-जैसे पैटर्न के साथ, घर और पश्चिम दोनों में मूल्यवान हैं।

मिट्टी या कम गुणवत्ता वाले पत्थर के द्रव्यमान से बने कच्चे बर्तनों में चीनी मिट्टी के बरतन के विपरीत, जो शिनो, ओरिबे और बिज़ेन के लिए विशिष्ट है, सामग्री पर ध्यान केंद्रित किया जाता है, सजावटी तत्वों की लापरवाह, लेकिन विचारशील व्यवस्था। ज़ेन बौद्ध धर्म की अवधारणाओं से प्रभावित, ऐसे बर्तन बौद्धिक हलकों में बहुत लोकप्रिय थे और विशेष रूप से चाय समारोहों में व्यापक रूप से उपयोग किए जाते थे। कई कपों, चायदानियों और कैडडीज में, चाय समारोह की कला की विशेषताएं, ज़ेन बौद्ध धर्म का बहुत सार सन्निहित था: कठिन आत्म-अनुशासन और सख्त सादगी। जापानी सजावटी कला के उत्कर्ष के दौरान प्रतिभाशाली कलाकारकोरिन और केनज़ान सिरेमिक उत्पादों की सजावट में लगे हुए थे। यह याद रखना चाहिए कि केनज़ान की प्रसिद्धि एक सेरामिस्ट के रूप में उनकी प्रतिभा से अधिक जुड़ी हुई है, न कि एक चित्रकार के रूप में। बर्तन बनाने के कुछ सरल प्रकार और तकनीकें लोक शिल्प परंपराओं से आती हैं। आधुनिक कार्यशालाएँ, पुरानी परंपराओं को जारी रखते हुए, सुंदर उत्पाद बनाती हैं जो उनकी सुरुचिपूर्ण सादगी से प्रसन्न होती हैं।

लाख उत्पाद।

पहले से ही 7-8 शताब्दियों में। वार्निश जापान में जाना जाता था। इस समय से, पतली सुनहरी रेखाओं के साथ लगाए गए लोगों और ज्यामितीय रूपांकनों की छवियों से सजाए गए कास्केट के ढक्कन को संरक्षित किया गया है। हम पहले ही 8वीं और 9वीं शताब्दी में मूर्तिकला के लिए शुष्क-लाह तकनीक के महत्व के बारे में बात कर चुके हैं; उसी समय और बाद में, सजावटी वस्तुएं जैसे लेटर बॉक्स या अगरबत्ती बनाई गईं। ईदो काल के दौरान, इन उत्पादों को बड़ी मात्रा में और सबसे शानदार सजावट के साथ बनाया गया था। नाश्ते के लिए, केक के लिए, अगरबत्ती और दवाओं के लिए शानदार ढंग से सजाए गए बक्से, जिन्हें इनरो कहा जाता है, इस समय में निहित विलासिता के धन और प्रेम को दर्शाते हैं। वस्तुओं की सतह को सोने और चांदी के पाउडर, सोने की पन्नी के टुकड़े, अकेले या शेल इनले, मदर-ऑफ-पर्ल, टिन और सीसे के मिश्र धातु आदि के पैटर्न से सजाया गया था; ये पैटर्न लाख की लाल, काली या भूरी सतह के विपरीत हैं। कभी-कभी कोरिन और कोएत्सु जैसे कलाकारों ने लाह के डिजाइन बनाए, लेकिन यह संभावना नहीं है कि उन्होंने व्यक्तिगत रूप से इन कार्यों में भाग लिया हो।

तलवारें।

जापानी, जैसा कि पहले ही कहा जा चुका है, अपने इतिहास के काफी समय तक योद्धाओं के लोग रहे हैं; हथियारों और कवच को आबादी के एक बड़े हिस्से के लिए आवश्यक वस्तु माना जाता था। तलवार आदमी की शान थी; ब्लेड और तलवार के अन्य सभी हिस्सों, विशेष रूप से हैंडल (त्सुबा) दोनों को विभिन्न तकनीकों में सजाया गया था। लोहे या कांसे से बने त्सुबा को सोने और चांदी के इनले, नक्काशीदार या दोनों के साथ सजाया गया था। उन्होंने लोगों, फूलों या हथियारों के पारिवारिक कोट (सोम) के परिदृश्य या आंकड़े चित्रित किए। यह सब तलवार बनाने वालों के काम का पूरक था।

कपड़े।

अमीर पैटर्न वाले रेशम और अन्य कपड़े, अदालत और पादरियों द्वारा भव्यता और प्रचुरता के समय के साथ-साथ लोक कला की लगभग आदिम डिजाइन विशेषता वाले सादे कपड़े भी राष्ट्रीय जापानी प्रतिभा की अभिव्यक्ति हैं। जेनरोकू के समृद्ध युग के दौरान अपने चरम पर पहुंचने के बाद, आधुनिक जापान में वस्त्र कला फिर से विकसित हुई है। यह पारंपरिक रंगों और सजावटी रूपांकनों के साथ पश्चिम के विचारों और कृत्रिम रेशों को जोड़ती है।

उद्यान।

हाल के दशकों में, पश्चिमी जनता के इन कला रूपों के अधिक प्रदर्शन के कारण जापानी उद्यानों और वास्तुकला में रुचि बढ़ी है। जापान में उद्यानों का एक विशेष स्थान है; वे उच्च धार्मिक और दार्शनिक सत्य की अभिव्यक्ति और प्रतीक हैं, और ये अस्पष्ट, प्रतीकात्मक ओवरटोन, बगीचों की स्पष्ट सुंदरता के साथ मिलकर, पश्चिमी दुनिया की रुचि जगाते हैं। यह नहीं कहा जा सकता कि धार्मिक या दार्शनिक विचार थे मुख्य कारणउद्यान बनाना, लेकिन योजना बनाते और बनाते समय, योजनाकारों ने ऐसे तत्वों पर विचार किया, जिनके चिंतन से दर्शकों को विभिन्न दार्शनिक सत्यों पर विचार करना पड़ेगा। यहाँ, ज़ेन बौद्ध धर्म का चिंतनशील पहलू असामान्य पत्थरों के समूह में सन्निहित है, रेत और बजरी की लहरें, टर्फ के साथ संयुक्त, या पौधों को व्यवस्थित किया जाता है ताकि उनके पीछे की धारा गायब हो जाए और फिर से दिखाई दे, जो सभी दर्शक को स्वतंत्र रूप से पूरा करने के लिए प्रोत्साहित करते हैं। निर्माण उद्यान विचारों के दौरान रखी गई। समझदार व्याख्याओं पर अस्पष्ट संकेतों की प्राथमिकता ज़ेन दर्शन की विशेषता है। बोन्साई के बौने पेड़ और छोटे गमले वाले बगीचे, जो अब पश्चिम में लोकप्रिय हैं, इन विचारों की निरंतरता बन गए हैं।

वास्तुकला।

मुख्य स्थापत्य स्मारकजापान मंदिर, मठवासी परिसर, सामंती महल और महल हैं। प्राचीन काल से लेकर आज तक, लकड़ी मुख्य निर्माण सामग्री रही है और काफी हद तक डिजाइन सुविधाओं को निर्धारित करती है। सबसे पुरानी धार्मिक इमारतें शिंटो के राष्ट्रीय जापानी धर्म के मंदिर हैं; ग्रंथों और रेखाचित्रों को देखते हुए, वे प्राचीन आवासों की तरह, एक छत वाली छत के साथ अपेक्षाकृत सरल इमारतें थीं। बौद्ध धर्म के प्रसार के बाद बनाए गए और इससे जुड़े मंदिर भवन शैली और लेआउट में चीनी प्रोटोटाइप पर आधारित थे। बौद्ध मंदिर वास्तुकला समय के साथ बदल गया है, और विभिन्न संप्रदायों में इमारतों की सजावट और व्यवस्था अलग-अलग है। जापानी इमारतों में ऊंची छतों वाले बड़े हॉल और कंसोल की एक जटिल प्रणाली की विशेषता है, और उनकी सजावट उनके समय के स्वाद को दर्शाती है। 7 वीं शताब्दी की शुरुआत में नारा के पास निर्मित होरीयू-जी परिसर की सरल और राजसी वास्तुकला, असुका काल की विशेषता है, जैसे हूडो, उजी के "फीनिक्स हॉल" के अनुपात की सुंदरता और लालित्य लोटस झील में परिलक्षित होता है। , हियान काल का है। ईदो काल की अधिक विस्तृत संरचनाओं को समान "महान सज्जाकार" द्वारा बनाए गए बड़े पैमाने पर चित्रित स्लाइडिंग दरवाजों और स्क्रीन के रूप में अतिरिक्त अलंकरण प्राप्त हुए, जिन्होंने मोएटेड महल और सामंती महलों के अंदरूनी हिस्सों को सजाया।

जापान की वास्तुकला और उद्यान इतने निकट से जुड़े हुए हैं कि उन्हें एक दूसरे का हिस्सा माना जा सकता है। यह चाय समारोह के लिए इमारतों और उद्यान घरों के लिए विशेष रूप से सच है। उनके खुलेपन, सादगी, और सावधानीपूर्वक तैयार किए गए परिदृश्य और परिप्रेक्ष्य के संबंध पर बहुत प्रभाव पड़ता है आधुनिक वास्तुकलापश्चिम।

पश्चिम में जापानी कला का प्रभाव

केवल एक शताब्दी के भीतर, जापान की कला पश्चिम में जानी जाने लगी और उस पर एक महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। पहले भी संपर्क थे (उदाहरण के लिए, नागासाकी बंदरगाह के माध्यम से डच ने जापान के साथ व्यापार किया था), लेकिन 17 वीं शताब्दी में यूरोप में जो वस्तुएं पहुंचीं, वे मुख्य रूप से लागू कला के काम थे - चीनी मिट्टी के बरतन और लाह के बर्तन। उन्हें उत्सुकता से जिज्ञासा के रूप में एकत्र किया गया और विभिन्न तरीकों से कॉपी किया गया, लेकिन इन सजावटी निर्यातों ने जापानी कला के सार और गुणवत्ता को प्रतिबिंबित नहीं किया और यहां तक ​​​​कि जापानी को पश्चिमी स्वाद का एक अप्रभावी विचार भी दिया।

पहली बार, पश्चिमी चित्रकला ने 1862 में एक विशाल के दौरान यूरोप में जापानी कला के प्रत्यक्ष प्रभाव का अनुभव किया अंतर्राष्ट्रीय प्रदर्शनीलंदन में। पांच साल बाद पेरिस प्रदर्शनी में पेश किया गया, जापानी वुडब्लॉक प्रिंट ने नए सिरे से दिलचस्पी जगाई। उत्कीर्णन के कई निजी संग्रह तुरंत उभर आए। देगास, मानेट, मोनेट, गागुइन, वान गाग और अन्य ने जापानी रंग के प्रिंट को रहस्योद्घाटन के रूप में लिया; प्रभाववादियों पर जापानी प्रिंटमेकिंग का एक मामूली लेकिन हमेशा पहचानने योग्य प्रभाव अक्सर नोट किया जाता है। अमेरिकन व्हिस्लर और मैरी कसाट लाइन के संयम और उकियो-ए प्रिंट और पेंटिंग के चमकीले रंगों से आकर्षित हुए।

1868 में विदेशियों के लिए जापान के खुलने से सभी पश्चिमी चीजों के प्रति आकर्षण पैदा हो गया और जापानियों को अपनी समृद्ध संस्कृति और कलात्मक विरासत से दूर कर दिया। इस समय, कई खूबसूरत पेंटिंग्स और मूर्तियां बेची गईं और पश्चिमी संग्रहालयों और निजी संग्रहों में समाप्त हो गईं। इन वस्तुओं की प्रदर्शनियों ने पश्चिम को जापान से परिचित कराया और सुदूर पूर्व की यात्रा में रुचि को प्रेरित किया। निस्संदेह, द्वितीय विश्व युद्ध के अंत में अमेरिकी सैनिकों द्वारा जापान के कब्जे ने जापानी मंदिरों और उनके खजाने के परिचित और गहन अध्ययन के लिए पहले की तुलना में अधिक अवसर खोले। यह रुचि अमेरिकी संग्रहालयों की उपस्थिति में परिलक्षित हुई। सामान्य रूप से ओरिएंट में रुचि जापानी सार्वजनिक और निजी संग्रह से चयनित जापानी कला की प्रदर्शनियों के संगठन के कारण हुई और अमेरिका और यूरोप में लाई गई।

हाल के दशकों में वैज्ञानिक अनुसंधान ने इस दृष्टिकोण का खंडन करने के लिए बहुत कुछ किया है कि जापानी कला केवल चीनी कला का प्रतिबिंब है, और अंग्रेजी में कई जापानी प्रकाशनों ने पश्चिम को पूर्व के आदर्शों से परिचित कराया है।