पुनर्जागरण चित्रकला. महान पुनर्जागरण कलाकार 12वीं-16वीं सदी के पुनर्जागरण कलाकार

पुनर्जागरण की निस्संदेह उपलब्धि चित्र का ज्यामितीय रूप से सही निर्माण था। कलाकार ने अपनी विकसित तकनीकों का उपयोग करके छवि बनाई। उस समय के चित्रकारों के लिए मुख्य बात वस्तुओं के अनुपात का निरीक्षण करना था। यहां तक ​​कि प्रकृति भी चित्र में अन्य वस्तुओं के साथ छवि की आनुपातिकता की गणना करने के गणितीय तरीकों के अंतर्गत आ गई।

दूसरे शब्दों में, पुनर्जागरण के कलाकारों ने उदाहरण के लिए, प्रकृति की पृष्ठभूमि में एक व्यक्ति की सटीक छवि व्यक्त करने की कोशिश की। यदि किसी प्रकार के कैनवास पर देखी गई छवि को फिर से बनाने के आधुनिक तरीकों की तुलना की जाए, तो, सबसे अधिक संभावना है, बाद के समायोजन के साथ एक तस्वीर यह समझने में मदद करेगी कि पुनर्जागरण कलाकार क्या प्रयास कर रहे थे।

पुनर्जागरण चित्रकारों का मानना ​​था कि उन्हें प्रकृति की खामियों को ठीक करने का अधिकार है, अर्थात, यदि किसी व्यक्ति के चेहरे की विशेषताएं बदसूरत थीं, तो कलाकारों ने उन्हें इस तरह से ठीक किया कि चेहरा मधुर और आकर्षक हो गया।

लियोनार्डो दा विंसी

पुनर्जागरण उस समय रहने वाले कई रचनात्मक व्यक्तित्वों के कारण बन गया। विश्व प्रसिद्ध लियोनार्डो दा विंची (1452 - 1519) ने बड़ी संख्या में उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण किया, जिनकी लागत लाखों डॉलर आंकी गई है, और उनकी कला के पारखी लंबे समय तक उनके चित्रों पर विचार करने के लिए तैयार हैं।

लियोनार्डो ने अपनी पढ़ाई फ्लोरेंस में शुरू की। 1478 के आसपास चित्रित उनका पहला कैनवास बेनोइस मैडोना है। फिर ऊपर उल्लिखित "मैडोना इन द ग्रोटो", "मोना लिसा", "लास्ट सपर" जैसी रचनाएँ और पुनर्जागरण के एक दिग्गज के हाथ से लिखी गई कई अन्य उत्कृष्ट कृतियाँ थीं।

ज्यामितीय अनुपात की गंभीरता और किसी व्यक्ति की शारीरिक संरचना का सटीक पुनरुत्पादन - यही लियोनार्ड दा विंची की पेंटिंग की विशेषता है। उनके विश्वास के अनुसार, कैनवास पर कुछ छवियों को चित्रित करने की कला एक विज्ञान है, न कि केवल किसी प्रकार का शौक।

राफेल सैंटी

राफेल सेंटी (1483 - 1520) को कला जगत में राफेल के नाम से जाना जाता है और उन्होंने इटली में अपनी रचनाएँ बनाईं। उनकी पेंटिंग्स गेयता और शालीनता से ओत-प्रोत हैं। राफेल पुनर्जागरण का प्रतिनिधि है, जिसने पृथ्वी पर मनुष्य और उसके अस्तित्व को चित्रित किया, वेटिकन कैथेड्रल की दीवारों को चित्रित करना पसंद किया।

चित्रों ने आकृतियों की एकता, स्थान और छवियों के आनुपातिक पत्राचार, रंग की व्यंजना को धोखा दिया। वर्जिन की पवित्रता राफेल के कई चित्रों का आधार थी। भगवान की माँ की उनकी पहली छवि सिस्टिन मैडोना है, जिसे 1513 में एक प्रसिद्ध कलाकार द्वारा चित्रित किया गया था। राफेल द्वारा बनाए गए चित्र आदर्श मानव छवि को दर्शाते हैं।

सैंड्रो बॉटलिकली

सैंड्रो बोथीसेली (1445 - 1510) भी एक पुनर्जागरण चित्रकार हैं। उनकी पहली कृतियों में से एक पेंटिंग "द एडोरेशन ऑफ द मैगी" थी। कलात्मक छवियों को स्थानांतरित करने के क्षेत्र में सूक्ष्म कविता और स्वप्नशीलता उनके मूल शिष्टाचार थे।

XV सदी के शुरुआती 80 के दशक में महान कलाकारवेटिकन चैपल की दीवारों को चित्रित किया। उनके बनाये भित्तिचित्र आज भी अद्भुत हैं।

समय के साथ, उनकी पेंटिंग्स को पुरातनता की इमारतों की शांति, चित्रित पात्रों की जीवंतता, छवियों की सद्भावना की विशेषता बन गई। इसके अलावा, प्रसिद्ध साहित्यिक कृतियों के चित्रों के प्रति बॉटलिकली का आकर्षण ज्ञात है, जिसने उनके काम को केवल गौरव प्रदान किया।

माइकलएंजेलो बुओनारोटी

माइकल एंजेलो बुओनारोटी (1475-1564) एक इतालवी चित्रकार थे जिन्होंने पुनर्जागरण के दौरान भी काम किया था। हममें से कई लोगों से परिचित इस व्यक्ति ने क्या नहीं किया। और मूर्तिकला, और चित्रकला, और वास्तुकला, और साथ ही कविता भी। राफेल और बोथीसेली की तरह माइकल एंजेलो ने वेटिकन के मंदिरों की दीवारों को चित्रित किया। आख़िरकार, उस समय के सबसे प्रतिभाशाली चित्रकार ही कैथोलिक कैथेड्रल की दीवारों पर चित्र बनाने जैसे ज़िम्मेदार काम में शामिल थे। सिस्टिन चैपल के 600 वर्ग मीटर से अधिक क्षेत्र को उन्हें बाइबिल के विभिन्न दृश्यों को दर्शाने वाले भित्तिचित्रों से ढंकना पड़ा। इस शैली में सबसे प्रसिद्ध कृति को हम द लास्ट जजमेंट के नाम से जानते हैं। बाइबिल की कहानी का अर्थ पूर्ण और स्पष्ट रूप से व्यक्त किया गया है। छवियों के हस्तांतरण में ऐसी सटीकता माइकल एंजेलो के संपूर्ण कार्य की विशेषता है।

युग उच्च पुनर्जागरण(15वीं सदी का अंत - 16वीं सदी की पहली तिमाही) - पूर्णता और स्वतंत्रता का समय। इस युग की कला के अन्य रूपों की तरह, चित्रकला भी मनुष्य में, उसकी रचनात्मक शक्तियों और उसके दिमाग की शक्ति में गहरे विश्वास से चिह्नित है। उच्च पुनर्जागरण के उस्तादों के चित्रों में, सौंदर्य, मानवतावाद और सद्भाव के आदर्श राज करते हैं, उनमें व्यक्ति ब्रह्मांड का आधार है।

इस समय के चित्रकार आसानी से प्रतिनिधित्व के सभी साधनों का उपयोग करते हैं: रंग, हवा, प्रकाश और छाया से समृद्ध, और चित्रण, मुक्त और तेज; वे पूरी तरह से परिप्रेक्ष्य और मात्रा के मालिक हैं। लोग कलाकारों के कैनवस पर सांस लेते और चलते हैं, उनकी भावनाएँ और अनुभव गहरे भावनात्मक लगते हैं।

इस युग ने दुनिया को चार प्रतिभाएँ दीं - लियोनार्डो दा विंची, राफेल, माइकल एंजेलो, टिटियन। उनकी पेंटिंग में, उच्च पुनर्जागरण की विशेषताएं - आदर्शता और सद्भाव, छवियों की गहराई और जीवन शक्ति के साथ संयुक्त - खुद को सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट करती हैं।

लियोनार्डो दा विंसी

15 अप्रैल, 1452 को इटली के छोटे से शहर विंची में, जो फ्लोरेंस के पास स्थित है, नोटरी पिएरो दा विंची के एक नाजायज बेटे का जन्म हुआ। उन्होंने उसका नाम लियोनार्डो डि सेर पिएरो डी'एंटोनियो रखा। लड़के की माँ, एक निश्चित कतेरीना, ने थोड़ी देर बाद एक किसान से शादी कर ली। पिता ने नाजायज बच्चे को नहीं छोड़ा, उसे पाला और अच्छी शिक्षा दी। 1469 में लियोनार्डो के दादा, एंटोनियो की मृत्यु के एक साल बाद, नोटरी अपने परिवार के साथ फ्लोरेंस के लिए रवाना हो गया।

कम उम्र से ही लियोनार्डो में चित्रकारी का जुनून जाग गया। यह देखते हुए, पिता ने लड़के को उस समय मूर्तिकला, चित्रकला और आभूषणों के सबसे प्रसिद्ध उस्तादों में से एक, एंड्रिया वेरोकियो (1435-1488) के साथ अध्ययन करने के लिए भेजा। वेरोकियो की कार्यशाला की महिमा असामान्य रूप से महान थी। शहर के कुलीन निवासियों से चित्रों और मूर्तियों के निष्पादन के लिए लगातार कई आदेश प्राप्त होते रहे। यह कोई संयोग नहीं था कि एंड्रिया वेरोकियो को अपने छात्रों के बीच बहुत प्रतिष्ठा प्राप्त थी। समकालीन लोग उन्हें चित्रकला और मूर्तिकला में फ्लोरेंटाइन पुनर्जागरण के विचारों का सबसे प्रतिभाशाली उत्तराधिकारी मानते थे।

एक कलाकार के रूप में वेरोकियो का नवाचार मुख्य रूप से छवि के पुनर्विचार से जुड़ा है, जो चित्रकार से प्राकृतिक विशेषताएं प्राप्त करता है। वेरोकियो की कार्यशाला से आज तक बहुत कम रचनाएँ बची हैं। शोधकर्ताओं का मानना ​​है कि प्रसिद्ध "मसीह का बपतिस्मा" इसी कार्यशाला में बनाया गया था। इसके अलावा, यह स्थापित किया गया है कि पेंटिंग की पृष्ठभूमि में परिदृश्य और उसके बाएं हिस्से में देवदूत लियोनार्डो के ब्रश के हैं।

पहले से ही इस प्रारंभिक कार्य में, भविष्य के प्रसिद्ध कलाकार की रचनात्मक व्यक्तित्व और परिपक्वता प्रकट हुई। लियोनार्डो के हाथ से चित्रित परिदृश्य, स्वयं वेरोकियो द्वारा प्रकृति के चित्रों से स्पष्ट रूप से भिन्न है। एक युवा कलाकार से संबंधित, यह ऐसा है मानो हल्की धुंध में डूबा हुआ हो और अंतरिक्ष की अनंतता और अनंतता का प्रतीक हो।

लियोनार्डो द्वारा बनाई गई छवियां भी मूल हैं। मानव शरीर की शारीरिक रचना, साथ ही उसकी आत्मा के गहन ज्ञान ने कलाकार को स्वर्गदूतों की असामान्य रूप से अभिव्यंजक छवियां बनाने की अनुमति दी। प्रकाश और छाया के खेल की महारत ने कलाकार को जीवंत, गतिशील आकृतियों को चित्रित करने में मदद की। ऐसा लगता है मानो देवदूत कुछ देर के लिए ही जम गए हों। कुछ और मिनट बीतेंगे - और वे जीवित हो जायेंगे, हिलेंगे, बात करेंगे...

कला समीक्षकों और दा विंची के जीवनीकारों का दावा है कि 1472 तक लियोनार्डो वेरोकियो की कार्यशाला छोड़ देते हैं और चित्रकारों की कार्यशाला में विशेषज्ञ बन जाते हैं। 1480 से, उन्होंने मूर्तिकला की ओर रुख किया, जो लियोनार्डो के अनुसार, मानव शरीर की गतिविधियों की गतिशीलता को व्यक्त करने का सबसे सरल तरीका था। उस समय से, वह कला अकादमी में काम कर रहे हैं - यह लोरेंजो द मैग्निफिशेंट की पहल पर बनाई गई सैन मार्को स्क्वायर पर बगीचे में स्थित कार्यशाला का नाम था।

1480 में, लियोनार्डो को सैन डोनाटो स्कोपेटो के चर्च से कलात्मक रचना "द एडोरेशन ऑफ द मैगी" के लिए एक आदेश मिला।

लियोनार्डो फ्लोरेंस में अधिक समय तक नहीं रहे। 1482 में वह मिलान के लिए रवाना हुआ। संभवतः, यह निर्णय इस तथ्य से काफी प्रभावित था कि सिस्टिन चैपल की पेंटिंग पर काम करने के लिए कलाकार को रोम में आमंत्रित नहीं किया गया था। किसी न किसी तरह, जल्द ही मास्टर प्रसिद्ध इतालवी शहर लुडोविको सेफोर्ज़ा के ड्यूक के सामने उपस्थित हुए। मिलानीज़ ने लियोनार्डो का गर्मजोशी से स्वागत किया। वह पोर्टा टिसिनीज़ क्वार्टर में बस गए और लंबे समय तक रहे। और अगले वर्ष, 1483 में, उन्होंने सैन फ्रांसेस्को ग्रांडे के चर्च में इमैकोलाटा चैपल के लिए एक वेदी का टुकड़ा लिखा। यह उत्कृष्ट कृति बाद में मैडोना ऑफ द रॉक्स के नाम से जानी गई।

लगभग उसी समय, लियोनार्डो फ्रांसेस्को स्फोर्ज़ा के लिए एक कांस्य स्मारक पर काम कर रहे हैं। हालाँकि, न तो रेखाचित्र, न ही परीक्षण रेखाचित्र और कास्टिंग कलाकार के इरादे को व्यक्त कर सके। काम अधूरा रह गया.

1489 से 1490 की अवधि में, लियोनार्डो दा विंची ने जियान गैलियाज़ो स्फोर्ज़ा के विवाह के दिन कैस्टेलो स्फ़ोर्ज़ेस्को को चित्रित किया।

लगभग पूरा 1494 लियोनार्डो दा विंची ने अपने लिए एक नए व्यवसाय - हाइड्रोलिक्स के लिए समर्पित कर दिया। उसी स्फ़ोर्ज़ा की पहल पर, लियोनार्डो लोम्बार्ड मैदान के क्षेत्र को खाली करने के लिए एक परियोजना विकसित और कार्यान्वित करता है। हालाँकि, पहले से ही 1495 में ललित कला के महानतम गुरु चित्रकला में लौट आए। यह वह वर्ष है जो प्रसिद्ध फ्रेस्को "द लास्ट सपर" के निर्माण के इतिहास में प्रारंभिक चरण बन गया है, जो सांता मारिया डेले ग्राज़ी के चर्च के पास स्थित मठ के रेफ़ेक्टरी रूम की दीवारों को सुशोभित करता है।

1496 में, फ्रांसीसी राजा लुई XII द्वारा मिलान के डची पर आक्रमण के सिलसिले में, लियोनार्डो ने शहर छोड़ दिया। वह पहले मंटुआ चला जाता है और फिर वेनिस में बस जाता है।

1503 से, कलाकार फ्लोरेंस में रह रहा है और माइकल एंजेलो के साथ मिलकर पलाज्जो सिग्नोरिया में हॉल ऑफ द ग्रेट काउंसिल की पेंटिंग पर काम कर रहा है। लियोनार्डो को "अंघियारी की लड़ाई" का चित्रण करना था। हालाँकि, गुरु, जो लगातार रचनात्मक खोज में रहता है, अक्सर अपने द्वारा शुरू किए गए कार्य को छोड़ देता है। "अंघियारी की लड़ाई" के साथ भी ऐसा ही हुआ - भित्तिचित्र अधूरा रह गया। कला इतिहासकारों का सुझाव है कि तभी प्रसिद्ध जियोकोंडा का निर्माण हुआ था।

1506 से 1507 तक लियोनार्डो फिर से मिलान में रहे। 1512 से ड्यूक मैक्सिमिलियन स्फोर्ज़ा ने वहां शासन किया है। 24 सितंबर, 1512 लियोनार्डो ने मिलान छोड़ने और अपने छात्रों के साथ रोम में बसने का फैसला किया। यहां वह न केवल पेंटिंग करते हैं, बल्कि गणित और अन्य विज्ञानों के अध्ययन की ओर भी रुख करते हैं।

मई 1513 में फ्रांसीसी राजा फ्रांसिस प्रथम से निमंत्रण प्राप्त करने के बाद, लियोनार्डो दा विंची एम्बोइस चले गए। यहां वह अपनी मृत्यु तक रहता है: वह पेंटिंग करता है, छुट्टियों को सजाता है, और फ्रांस की नदियों का उपयोग करने के उद्देश्य से परियोजनाओं के व्यावहारिक अनुप्रयोग पर काम करता है।

2 मई, 1519 को महान कलाकार का निधन हुआ। लियोनार्डो दा विंची को सैन फियोरेंटिनो के एम्बोइस चर्च में दफनाया गया है। हालाँकि, धार्मिक युद्धों (XVI सदी) के चरम के दौरान, कलाकार की कब्र नष्ट हो गई और पूरी तरह से नष्ट हो गई। उनकी उत्कृष्ट कृतियाँ, जिन्हें 15वीं-16वीं शताब्दी में ललित कला का शिखर माना जाता था, आज भी वैसी ही हैं।

दा विंची की पेंटिंग्स में, लास्ट सपर फ्रेस्को एक विशेष स्थान रखता है। प्रसिद्ध भित्तिचित्र का इतिहास रोचक और अद्भुत है। इसका निर्माण काल ​​1495-1497 का है। इसे डोमिनिकन आदेश के भिक्षुओं द्वारा नियुक्त किया गया था, जो मिलान में सांता मारिया डेले ग्राज़ी के चर्च के पास स्थित अपने मठ में रेफेक्ट्री की दीवारों को सजाने की इच्छा रखते थे। फ़्रेस्को में एक काफी प्रसिद्ध सुसमाचार कहानी को दर्शाया गया है: यीशु मसीह का अपने बारह प्रेरितों के साथ अंतिम भोजन।

इस उत्कृष्ट कृति को कलाकार के सभी कार्यों के शिखर के रूप में पहचाना जाता है। गुरु द्वारा बनाई गई मसीह और प्रेरितों की छवियां असामान्य रूप से उज्ज्वल, अभिव्यंजक और जीवंत हैं। चित्रित स्थिति की ठोसता और वास्तविकता के बावजूद, भित्तिचित्र की सामग्री गहरे दार्शनिक अर्थ से भरी हुई है। यहां अच्छाई और बुराई, शालीनता और आध्यात्मिक उदासीनता, सच्चाई और झूठ के बीच संघर्ष का शाश्वत विषय सन्निहित था। व्युत्पन्न छवियां न केवल व्यक्तिगत चरित्र लक्षणों (प्रत्येक व्यक्ति अपने स्वभाव की सभी विविधता में) का एक सेट हैं, बल्कि एक प्रकार का मनोवैज्ञानिक सामान्यीकरण भी हैं।

चित्र बहुत गतिशील है. दर्शक वास्तव में उस उत्साह को महसूस करते हैं जिसने भोजन में उपस्थित सभी लोगों को आसन्न विश्वासघात के बारे में मसीह द्वारा कहे गए भविष्यसूचक शब्दों के बाद जकड़ लिया था जो प्रेरितों में से एक को करना होगा। कैनवास मानवीय भावनाओं और मनोदशाओं के सबसे सूक्ष्म रंगों का एक प्रकार का विश्वकोश बन जाता है।

लियोनार्डो दा विंची ने आश्चर्यजनक रूप से तेजी से काम पूरा किया: केवल दो वर्षों के बाद, चित्र पूरी तरह से पूरा हो गया। हालाँकि, भिक्षुओं को यह पसंद नहीं आया: इसके निष्पादन का तरीका सचित्र लेखन की पहले से स्वीकृत शैली से बहुत अलग था। मास्टर के नवाचार में न केवल नई रचना के पेंट का उपयोग शामिल था। चित्र में परिप्रेक्ष्य को चित्रित करने के तरीके पर विशेष ध्यान आकर्षित किया जाता है। एक विशेष तकनीक से निर्मित, भित्तिचित्र, मानो वास्तविक स्थान का विस्तार और विस्तार करता है। ऐसा लगता है कि चित्र में दर्शाए गए कमरे की दीवारें मठ के भोजनालय की दीवारों की निरंतरता हैं।

भिक्षुओं ने कलाकार की रचनात्मक मंशा और उपलब्धियों की सराहना नहीं की और न ही उन्हें समझा, इसलिए उन्होंने पेंटिंग के संरक्षण के बारे में ज्यादा परवाह नहीं की। फ़्रेस्को की पेंटिंग के दो साल बाद ही, इसके पेंट खराब होने लगे और फीके पड़ने लगे, जिस दीवार पर छवि लगी थी उसकी सतह सबसे पतले पदार्थ से ढकी हुई लग रही थी। ऐसा हुआ, एक ओर, नए पेंट की खराब गुणवत्ता के कारण, और दूसरी ओर, मठ की रसोई से प्रवेश करने वाली नमी, ठंडी हवा और भाप के लगातार संपर्क के कारण। पेंटिंग की उपस्थिति पूरी तरह से बर्बाद हो गई जब भिक्षुओं ने भित्तिचित्र के साथ दीवार में रेफेक्ट्री के लिए एक अतिरिक्त प्रवेश द्वार काटने का फैसला किया। परिणामस्वरूप, चित्र नीचे से कट गया।

इस उत्कृष्ट कृति को पुनर्स्थापित करने का प्रयास 13वीं शताब्दी से किया जा रहा है। हालाँकि, वे सभी व्यर्थ साबित हुए, पेंट लगातार खराब होता जा रहा है। इसका कारण वर्तमान में पर्यावरण की स्थिति का बिगड़ना है। फ़्रेस्को की गुणवत्ता हवा में निकास गैसों की बढ़ती सांद्रता के साथ-साथ कारखानों और कारखानों द्वारा वायुमंडल में उत्सर्जित वाष्पशील पदार्थों से प्रभावित होती है।

अब हम यह भी कह सकते हैं कि पेंटिंग की बहाली पर शुरुआती काम न केवल अनावश्यक और अर्थहीन निकला, बल्कि इसका नकारात्मक पक्ष भी था। पुनर्स्थापना की प्रक्रिया में, कलाकार अक्सर भित्तिचित्रों को जोड़ते हैं, जिससे कैनवास पर प्रस्तुत पात्रों और चित्रित इंटीरियर की उपस्थिति बदल जाती है। तो, हाल ही में यह ज्ञात हुआ कि प्रेरितों में से एक की मूल रूप से लंबी, मुड़ी हुई दाढ़ी नहीं थी। इसके अलावा, रिफ़ेक्टरी की दीवारों पर चित्रित काले कैनवस छोटे कालीनों से ज्यादा कुछ नहीं निकले। केवल
20 वीं सदी में उनके आभूषण का पता लगाने और आंशिक रूप से पुनर्स्थापित करने में कामयाब रहे।

आधुनिक पुनर्स्थापकों, जिनके बीच कार्लो बर्टेली के नेतृत्व में काम करने वाला समूह उल्लेखनीय रूप से खड़ा था, ने फ्रेस्को की मूल उपस्थिति को बहाल करने का फैसला किया, इसे बाद में लागू तत्वों से मुक्त कर दिया।

मातृत्व का विषय, अपने बच्चे की प्रशंसा करती एक युवा माँ की छवियां, लंबे समय तक महान गुरु के काम में महत्वपूर्ण रहीं। सच्ची उत्कृष्ट कृतियाँ उनकी पेंटिंग "मैडोना लिट्टा" और "मैडोना विद ए फ्लावर" ("मैडोना बेनोइस") हैं। वर्तमान में, "मैडोना लिट्टा" संग्रहीत है राजकीय आश्रमसेंट पीटर्सबर्ग में. यह पेंटिंग 1865 में रूसी सम्राट अलेक्जेंडर द्वितीय द्वारा इतालवी ड्यूक एंटोनियो लिट्टा के परिवार से खरीदी गई थी, जिन्हें यह पहले ड्यूक ऑफ विस्कोनी की ओर से एक उपहार था। रूसी ज़ार के आदेश से, पेंटिंग को लकड़ी से कैनवास पर स्थानांतरित कर दिया गया और प्रसिद्ध सेंट पीटर्सबर्ग संग्रहालय के एक हॉल में लटका दिया गया।

कला विद्वानों का मानना ​​है (और वैज्ञानिक अनुसंधानयह साबित हुआ) कि चित्र के निर्माण पर काम लेखक ने स्वयं पूरा नहीं किया था। इसे लियोनार्डो के एक छात्र बोल्ट्रफियो ने पूरा किया था।

पुनर्जागरण काल ​​की चित्रकला में कैनवास मातृत्व के विषय की सबसे प्रभावशाली अभिव्यक्ति है। मैडोना मदर की छवि उज्ज्वल और आध्यात्मिक है। बच्चे की ओर मुड़ी हुई नज़र असामान्य रूप से कोमल होती है, साथ ही यह अभिव्यक्त भी होती है
दुःख, और शांति, और आंतरिक शांति। यहां, मां और बच्चे अपनी-अपनी अनोखी दुनिया बनाते प्रतीत होते हैं, एक सामंजस्यपूर्ण समग्रता का निर्माण करते हैं। चित्र के माध्यम से विचार को निम्नलिखित शब्दों में व्यक्त किया जा सकता है: दो जीवित प्राणी, माँ और बच्चा, जीवन का आधार और अर्थ समाहित करते हैं।

गोद में एक बच्चे को लिए मैडोना की छवि स्मारकीय है। फिनिशिंग और परिशोधन इसे प्रकाश और छाया का एक विशेष, सहज संक्रमण देता है। महिला के कंधों पर फेंके गए लबादे की ड्रेपरियों द्वारा आकृति की कोमलता और नाजुकता पर जोर दिया गया है। पृष्ठभूमि में दर्शाए गए खिड़की के चित्र संतुलन बनाते हैं और रचना को पूरा करते हैं, जो दो करीबी लोगों को बाकी दुनिया से अलग करने पर जोर देते हैं।

कैनवास "मैडोना विद ए फ्लावर" ("मैडोना बेनोइस"), लगभग 1478, ज़ार निकोलस द्वितीय द्वारा 1914 में विशेष रूप से हर्मिटेज के लिए इसके अंतिम रूसी मालिकों से खरीदा गया था। इसके शुरुआती मालिक अज्ञात बने हुए हैं। केवल एक किंवदंती है जो बताती है कि एक इतालवी घुमंतू अभिनेता इस पेंटिंग को रूस लाया था, जिसके बाद इसे 1824 में समारा में व्यापारी सपोझनिकोव ने खरीदा था। बाद में, कैनवास अपने पिता से बेटी, एम. ए. सपोझनिकोवा (उनके पति - बेनोइस द्वारा) को विरासत में मिला, जिनसे सम्राट ने इसे खरीदा था। तब से, पेंटिंग के दो नाम हो गए हैं: "मैडोना विद ए फ्लावर" (लेखक का) और "मैडोना बेनोइस" (अंतिम मालिक के नाम के बाद)।

वह चित्र, जिसमें भगवान की माँ को बच्चे के साथ दिखाया गया है, अपने बच्चे के साथ खेलती माँ की सामान्य, सांसारिक भावनाओं को दर्शाता है। पूरा दृश्य विरोधाभास पर बना है: एक हँसती हुई माँ और एक बच्चा गंभीरता से एक फूल का अध्ययन कर रहा है। कलाकार, इस विशेष विरोध पर ध्यान केंद्रित करते हुए, एक व्यक्ति की ज्ञान की इच्छा, सत्य की राह पर उसके पहले कदम को दर्शाता है। यही तो झूठ है मुख्य विचारकैनवस.

प्रकाश और छाया का खेल पूरी रचना के लिए एक विशेष, अंतरंग स्वर निर्धारित करता है। माँ और बच्चा अपनी ही दुनिया में हैं, सांसारिक घमंड से कटे हुए हैं। चित्रित ड्रेपरियों की कुछ कोणीयता और कठोरता के बावजूद, लियोनार्डो दा विंची के ब्रश को इस्तेमाल किए गए रंगों के रंगों के चिकने, नरम बदलाव और प्रकाश और छाया के संयोजन से पहचानना काफी आसान है। कैनवास को नरम, शांत रंगों से चित्रित किया गया है, जो एक ही रंग प्रणाली में कायम है, और यह चित्र को एक नरम चरित्र देता है और अलौकिक, लौकिक सद्भाव और शांति की भावना पैदा करता है।

लियोनार्डो दा विंची पोर्ट्रेट के एक मान्यता प्राप्त मास्टर हैं। उनकी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग्स में "लेडी विद एन एर्मिन" (लगभग 1483-1484) और "पोर्ट्रेट ऑफ ए म्यूजिशियन" हैं।

कला समीक्षकों और इतिहासकारों का सुझाव है कि कैनवास "लेडी विद ए एर्मिन" में सेसिलिया गैलरानी को दर्शाया गया है, जो अपनी शादी से पहले ड्यूक ऑफ मिलान लुडोविक मोरो की पसंदीदा थी। जानकारी संरक्षित की गई है कि सेसिलिया एक बहुत ही शिक्षित महिला थी, जो उस समय दुर्लभ थी। इसके अलावा, प्रसिद्ध कलाकार के इतिहासकारों और जीवनीकारों का यह भी मानना ​​है कि वह लियोनार्डो दा विंची से निकटता से परिचित थीं, जिन्होंने एक बार उनके चित्र को चित्रित करने का फैसला किया था।

यह कैनवास केवल पुनर्लिखित संस्करण में हमारे पास आया है, और इसलिए वैज्ञानिकों ने लंबे समय से लियोनार्डो के लेखकत्व पर संदेह किया है। हालाँकि, पेंटिंग के अच्छी तरह से संरक्षित हिस्से जिसमें एक शगुन और एक युवा महिला का चेहरा दर्शाया गया है, हमें महान गुरु दा विंची की शैलियों के बारे में आत्मविश्वास से बात करने की अनुमति देता है। यह भी दिलचस्प है कि घने गहरे रंग की पृष्ठभूमि, साथ ही केश के कुछ विवरण, बाद में बनाए गए अतिरिक्त चित्र हैं।

"लेडी विद ए एर्मिन" कलाकार की पोर्ट्रेट गैलरी में सबसे चमकीले मनोवैज्ञानिक कैनवस में से एक है। लड़की की पूरी आकृति गतिशीलता को व्यक्त करती है, आगे बढ़ने का प्रयास करती है, असामान्य रूप से दृढ़ इच्छाशक्ति और मजबूत मानवीय चरित्र की गवाही देती है। सही चेहरे की विशेषताएं केवल इस पर जोर देती हैं।

चित्र वास्तव में जटिल और बहुआयामी है, छवि का सामंजस्य और पूर्णता कई तत्वों को एक साथ मिलाने से प्राप्त होती है: चेहरे के भाव, सिर का घूमना, हाथ की स्थिति। एक महिला की आंखें असाधारण दिमाग, ऊर्जा, अंतर्दृष्टि को दर्शाती हैं। कसकर संकुचित होंठ, सीधी नाक, तीखी ठुड्डी - सब कुछ इच्छाशक्ति, दृढ़ संकल्प, स्वतंत्रता पर जोर देता है। सिर का एक सुंदर मोड़, एक खुली गर्दन, एक सुंदर जानवर को सहलाते हुए लंबी उंगलियों वाला हाथ पूरे आंकड़े की नाजुकता और सद्भाव पर जोर देता है। यह कोई संयोग नहीं है कि महिला अपनी बांहों में एक शगुन पकड़े हुए है। जानवर का सफेद फर, पहली बर्फ के समान, यहां एक युवा महिला की आध्यात्मिक शुद्धता का प्रतीक है।

चित्र आश्चर्यजनक रूप से गतिशील है. मास्टर उस क्षण को सटीक रूप से पकड़ने में कामयाब रहे जब एक आंदोलन को दूसरे में आसानी से स्थानांतरित करना चाहिए। इसीलिए ऐसा लगता है कि लड़की जीवित होने वाली है, अपना सिर घुमाएगी और उसका हाथ जानवर के मुलायम बालों पर फिसल जाएगा...

रचना की असाधारण अभिव्यंजना आकृतियों को बनाने वाली रेखाओं की स्पष्टता के साथ-साथ प्रकाश को छाया में बदलने की तकनीक की महारत और उपयोग द्वारा दी जाती है, जिसकी मदद से कैनवास पर रूप बनाए जाते हैं।

"एक संगीतकार का चित्रण" लियोनार्डो दा विंची की उत्कृष्ट कृतियों में एकमात्र पुरुष चित्र है। कई शोधकर्ता इस मॉडल की पहचान मिलान कैथेड्रल के रीजेंट फ्रांसिनो गैफूरियो से करते हैं। हालाँकि, कई वैज्ञानिक इस राय का खंडन करते हुए कहते हैं कि यह कोई रीजेंट नहीं है जिसे यहाँ चित्रित किया गया है, बल्कि एक साधारण युवक, एक संगीतकार है। दा विंची की लेखन तकनीक की विशेषता वाले कुछ विवरणों की उपस्थिति के बावजूद, कला इतिहासकार अभी भी लियोनार्डो के लेखकत्व पर संदेह करते हैं। संभवतः, ये संदेह कैनवास पर विशिष्ट तत्वों के उपयोग से जुड़े हैं कलात्मक परंपराएँलोम्बार्ड चित्रकार.

चित्र की तकनीक कई मायनों में एंटोनेलो दा मेसिना के काम की याद दिलाती है। रसीले घुंघराले बालों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, चेहरे की स्पष्ट, सख्त रेखाएं कुछ हद तक स्पष्ट रूप से सामने आती हैं। दर्शकों के सामने आता है चालाक इंसानएक मजबूत चरित्र के साथ, हालांकि एक ही समय में कोई उसकी आंखों में अलौकिक, आध्यात्मिक कुछ भी पकड़ सकता है। शायद इसी क्षण संगीतकार की आत्मा में एक नई, दिव्य धुन का जन्म होता है, जो कुछ समय बाद कई लोगों का दिल जीत लेगी।

हालाँकि, कोई यह नहीं कह सकता कि कलाकार किसी व्यक्ति को कृत्रिम रूप से ऊँचा उठाने की कोशिश कर रहा है। गुरु अतिशयोक्ति और करुणा का सहारा लिए बिना, सूक्ष्मता और कुशलता से मानव आत्मा की सारी समृद्धि और चौड़ाई को व्यक्त करता है।

सबसे ज्यादा प्रसिद्ध चित्रदा विंची प्रसिद्ध "मैडोना ऑफ़ द रॉक्स" (1483-1493) हैं। इसे लियोनार्डो ने मिलान में सैन फ्रांसेस्को ग्रांडे के चर्च के भिक्षुओं के आदेश से बनाया था। रचना का उद्देश्य इमाकोलाटा चैपल में वेदी को सजाना था।

पेंटिंग के दो संस्करण हैं, जिनमें से एक पेरिस में लौवर में रखा गया है, और दूसरा लंदन में नेशनल गैलरी में रखा गया है।

यह लौवर "मैडोना इन द रॉक्स" था जो चर्च की वेदी को सुशोभित करता था। वैज्ञानिकों का सुझाव है कि कलाकार ने स्वयं इसे फ्रांसीसी राजा लुई XII को दिया था। इतिहासकारों के अनुसार, उन्होंने पेंटिंग के ग्राहकों और प्रदर्शन करने वाले कलाकारों के बीच पैदा हुए संघर्ष को सुलझाने में राजा की भागीदारी के लिए आभार व्यक्त करने के लिए ऐसा किया।

दान किए गए संस्करण को दूसरी पेंटिंग से बदल दिया गया, जो अब लंदन नेशनल गैलरी में है। 1785 में, एक निश्चित हैमिल्टन ने इसे खरीदा और इंग्लैंड ले आया।

"मैडोना इन द रॉक्स" की एक विशिष्ट विशेषता परिदृश्य के साथ मानव आकृतियों का संलयन है। यह महान कलाकार की पहली तस्वीर है, जहां संतों की छवियां उनकी उपस्थिति से प्रेरित होकर प्रकृति के साथ सामंजस्यपूर्ण रूप से जुड़ी हुई हैं। मास्टर के काम में पहली बार, आकृतियों को किसी वास्तुशिल्प संरचना के किसी भी तत्व की पृष्ठभूमि के खिलाफ चित्रित नहीं किया गया है, बल्कि जैसे कि वे एक कठोर चट्टानी परिदृश्य में संलग्न हैं। रचना में प्रकाश और पड़ती छाया की विशेष क्रीड़ा से भी यह अनुभूति उत्पन्न होती है।

मैडोना की छवि यहां असामान्य रूप से आध्यात्मिक और अलौकिक के रूप में प्रस्तुत की गई है। देवदूतों के चेहरों पर शीतल प्रकाश पड़ता है। कलाकार ने अपने पात्रों के जीवन में आने से पहले कई रेखाचित्र और रेखाचित्र बनाए और उनकी छवियां उज्ज्वल और अभिव्यंजक बन गईं। एक रेखाचित्र में एक देवदूत का सिर दर्शाया गया है। हम नहीं जानते कि यह लड़की है या लड़का। लेकिन एक बात निश्चितता के साथ कही जा सकती है: यह एक अलौकिक प्राणी है, जो कोमलता, दया, पवित्रता से भरपूर है। पूरी तस्वीर शांति, शांति और शांति की भावना से ओत-प्रोत है।

मास्टर द्वारा बाद में चित्रित संस्करण कई विवरणों में पहले संस्करण से भिन्न है: संतों के सिर के ऊपर प्रभामंडल दिखाई देता है, छोटे जॉन द बैपटिस्ट एक क्रॉस रखते हैं, देवदूत की स्थिति बदल जाती है। और निष्पादन तकनीक ही लियोनार्डो के छात्रों को पेंटिंग के लेखकत्व का श्रेय देने के कारणों में से एक बन गई। यहां सभी आंकड़े करीब से, बड़े पैमाने पर प्रस्तुत किए गए हैं, और इसके अलावा, उन्हें बनाने वाली रेखाएं अधिक ध्यान देने योग्य, यहां तक ​​कि भारी, अधिक नुकीली हो जाती हैं। यह प्रभाव छाया को गाढ़ा करने और रचना में कुछ स्थानों को उजागर करने से पैदा होता है।

कला इतिहासकारों के अनुसार चित्र का दूसरा संस्करण अधिक सांसारिक और नीरस है। शायद इसका कारण यह था कि चित्र लियोनार्डो के छात्रों द्वारा पूरा किया गया था। हालाँकि, इससे कैनवास के मूल्य में कोई कमी नहीं आती है। इसमें कलाकार का इरादा स्पष्ट रूप से दिखाई देता है, छवियों को बनाने और व्यक्त करने में मास्टर की परंपरा का अच्छी तरह से पता लगाया जाता है।

लियोनार्डो दा विंची की प्रसिद्ध पेंटिंग द एनाउंसमेंट (1470) की कहानी भी कम दिलचस्प नहीं है। पेंटिंग का निर्माण कलाकार के काम के शुरुआती दौर से लेकर उसके अध्ययन और एंड्रिया वेरोकियो के स्टूडियो में काम करने के समय तक का है।

लेखन तकनीक के कई तत्व आत्मविश्वास के साथ यह बताना संभव बनाते हैं कि प्रसिद्ध कृति के लेखक लियोनार्डो दा विंची हैं और उनके लेखन में वेरोकियो या उनके अन्य छात्रों की भागीदारी को बाहर करना संभव है। हालाँकि, रचना में कुछ विवरण वेरोकियो स्कूल की कलात्मक परंपरा की विशेषता हैं। इससे पता चलता है कि युवा चित्रकार, उस समय पहले से ही प्रकट मौलिकता और प्रतिभा के बावजूद, कुछ हद तक अपने शिक्षक के प्रभाव में था।

चित्र की रचना काफी सरल है: एक परिदृश्य, एक ग्रामीण विला, दो आकृतियाँ - मैरी और एक परी। पीछे की ओर
हम जहाज़, कुछ इमारतें, एक बंदरगाह देखते हैं। ऐसे विवरणों की उपस्थिति पूरी तरह से लियोनार्डो के काम की विशेषता नहीं है, और वे यहां मुख्य नहीं हैं। कलाकार के लिए दूर-दूर तक धुंध में छिपे पहाड़ों और चमकीले, लगभग पारदर्शी आकाश को दिखाना अधिक महत्वपूर्ण है। खुशखबरी की प्रतीक्षा कर रही एक युवा महिला और एक देवदूत की आध्यात्मिक छवियां असामान्य रूप से सुंदर और कोमल हैं। उनके रूपों की रेखाएँ दा विंची के तरीके से डिज़ाइन की गई हैं, जिससे एक समय में कैनवास को प्रारंभिक लियोनार्डो के ब्रश से संबंधित उत्कृष्ट कृति के रूप में परिभाषित करना संभव हो गया।

परंपरा की विशेषता प्रसिद्ध गुरुयह छोटे विवरणों के निष्पादन की तकनीक भी है: पॉलिश की गई बेंच, एक पत्थर का पैरापेट, एक बुक स्टैंड, जो शानदार पौधों की जटिल रूप से घुमावदार शाखाओं से सजाया गया है। वैसे, बाद का प्रोटोटाइप जियोवानी और पिएरो डी मेडिसी की कब्र का ताबूत है, जो सैन लोरेंजो के चर्च में स्थापित है। वेरोकियो के स्कूल में निहित और बाद के काम की विशेषता वाले इन तत्वों पर दा विंची द्वारा कुछ हद तक पुनर्विचार किया गया है। वे जीवंत, विशाल, सामंजस्यपूर्ण रूप से समग्र रचना में बुने हुए हैं। ऐसा लगता है कि लेखक ने अपने शिक्षक के प्रदर्शनों को आधार बनाकर अपनी तकनीक और अभिव्यक्ति के कलात्मक साधनों का उपयोग करके अपनी प्रतिभा की दुनिया को प्रकट करने का लक्ष्य निर्धारित किया है।

वर्तमान में, पेंटिंग का एक संस्करण फ्लोरेंस में उफीज़ी गैलरी में है। रचना का दूसरा संस्करण पेरिस के लौवर में रखा गया है।

लौवर पेंटिंग अपने पिछले संस्करण की तुलना में कुछ अधिक जटिल है। यहां आप पत्थर के पैरापेट की दीवारों की ज्यामितीय रूप से सही रेखाओं को स्पष्ट रूप से देख सकते हैं, जिसका पैटर्न मैरी की आकृति के पीछे स्थित बेंचों द्वारा दोहराया जाता है। सामने लाये गये चित्रों को उचित एवं तार्किक ढंग से रचना में रखा गया है। मैरी और परी के कपड़े, पहले संस्करण की तुलना में, अधिक स्पष्ट और सुसंगत रूप से खींचे गए हैं। गहरे नीले रंग की पोशाक पहने और कंधों पर आसमानी रंग का लबादा पहने मारिया, अपना सिर नीचे झुकाए हुए, एक अलौकिक प्राणी की तरह दिखती है। पोशाक के गहरे रंग अधिक चमकीले दिखते हैं और उसके चेहरे की सफेदी को उजागर करते हैं। उस देवदूत की छवि भी कम अभिव्यंजक नहीं है जो मैडोना के लिए खुशखबरी लेकर आई। पीली मखमली, गहरे लाल रंग का लबादा जिसमें पर्दे आसानी से उतरते हैं, एक दयालु परी की शानदार छवि को पूरा करते हैं।

देर से रचना में विशेष रुचि मास्टर द्वारा सूक्ष्मता से चित्रित परिदृश्य है: किसी भी परंपरा से रहित, दूरी में उगने वाले लगभग वास्तव में दिखाई देने वाले पेड़, हल्का नीला, पारदर्शी आकाश, हल्के कोहरे से छिपे हुए पहाड़, एक देवदूत के पैरों के नीचे ताजे फूल।

पेंटिंग "सेंट जेरोम" एंड्रिया वेरोकियो की कार्यशाला में लियोनार्डो दा विंची के काम की अवधि (कलाकार के काम का तथाकथित फ्लोरेंटाइन काल) को संदर्भित करती है। पेंटिंग अधूरी रह गई. रचना का मुख्य विषय एक अकेला नायक, एक पश्चाताप करने वाला पापी है। भूख से उसका शरीर सूख गया था। हालाँकि, दृढ़ संकल्प और इच्छाशक्ति से भरी उनकी निगाहें किसी व्यक्ति की सहनशक्ति और आध्यात्मिक शक्ति की एक ज्वलंत अभिव्यक्ति हैं। लियोनार्डो द्वारा बनाई गई किसी भी छवि में हमें द्वंद्व, दृष्टि की अस्पष्टता नहीं मिलेगी।

उनके चित्रों में पात्र हमेशा एक निश्चित गहरे जुनून और भावना की उच्चतम डिग्री व्यक्त करते हैं।

एक साधु का कुशलतापूर्वक चित्रित सिर भी लियोनार्डो के लेखकत्व की गवाही देता है। यह बिल्कुल सामान्य मोड़ नहीं है जो पेंटिंग की तकनीक में उत्कृष्ट पकड़ और मानव शरीर की शारीरिक रचना की पेचीदगियों के बारे में मास्टर के ज्ञान की बात करता है। यद्यपि एक छोटा सा आरक्षण करना आवश्यक है: कई मायनों में, कलाकार एंड्रिया डेल कास्टाग्नो और डोमेनिको वेनेज़ियानो की परंपराओं का पालन करते हैं, जो बदले में, एंटोनियो पोलाइओलो से आते हैं।

जेरोम का चित्र असामान्य रूप से अभिव्यंजक है। ऐसा लगता है कि घुटनों के बल बैठा साधु आगे की ओर निर्देशित है। सही
वह अपने हाथ में एक पत्थर रखता है, एक बार और - और वह उससे अपनी छाती पर वार करेगा, अपने शरीर को कोड़े मारेगा और अपने पापों के लिए अपनी आत्मा को कोसेगा...

पेंटिंग की रचना भी दिलचस्प है. यह सब, जैसे यह था, एक सर्पिल में घिरा हुआ है, जो चट्टानों से शुरू होता है, एक शेर की आकृति के साथ जारी रहता है, जो तपस्या के चरणों में स्थित है, और एक साधु की आकृति के साथ समाप्त होता है।

शायद विश्व ललित कला की सभी उत्कृष्ट कृतियों में सबसे लोकप्रिय जिओकोंडा है। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि, चित्र पर काम पूरा करने के बाद, कलाकार ने अपनी मृत्यु तक इसे अलग नहीं किया। बाद में, यह पेंटिंग फ्रांसीसी राजा फ्रांसिस प्रथम के पास आई, जिन्होंने इसे लौवर में रख दिया।

सभी कला विद्वान इस बात से सहमत हैं कि चित्र 1503 में चित्रित किया गया था। हालाँकि, चित्र में चित्रित युवा लड़की के प्रोटोटाइप के बारे में अभी भी विवाद हैं। यह आम तौर पर स्वीकार किया जाता है (परंपरा प्रसिद्ध जीवनी लेखक जियोर्जियो वासारी से आती है) कि चित्र में फ्लोरेंटाइन नागरिक फ्रांसेस्को डि जियोकोंडो की पत्नी मोना लिसा को दर्शाया गया है।

चित्र को देखकर हम विश्वास के साथ कह सकते हैं कि कलाकार मानव छवि बनाने में पूर्णता तक पहुँच गया है। यहां मास्टर चित्र प्रदर्शन के पहले से स्वीकृत और व्यापक तरीके से हट जाता है। जिओकोंडा को एक हल्की पृष्ठभूमि पर लिखा गया है और इसके अलावा, इसे तीन-चौथाई मोड़ दिया गया है, उसकी नज़र सीधे दर्शक पर जाती है - यह उस समय की चित्र कला में नया था। लड़की के पीछे खुले परिदृश्य के लिए धन्यवाद, बाद की आकृति परिदृश्य का हिस्सा बन जाती है, सामंजस्यपूर्ण रूप से इसके साथ विलीन हो जाती है। यह लियोनार्डो द्वारा बनाई गई और उनके द्वारा अपने काम में उपयोग की गई विशेष कलात्मक और दृश्य तकनीक - स्फुमाटो के कारण हासिल किया गया है। इसका सार इस तथ्य में निहित है कि समोच्च रेखाएं स्पष्ट रूप से उल्लिखित नहीं हैं, वे धुंधली हैं, और इससे रचना में इसके अलग-अलग हिस्सों के विलय, अंतर्विरोध की भावना पैदा होती है।

चित्र में, यह तकनीक (मानव आकृति और बड़े पैमाने पर प्राकृतिक परिदृश्य का संलयन) व्यक्त करने का एक तरीका बन जाती है दार्शनिक विचार: मानव संसार हमारे चारों ओर की प्राकृतिक दुनिया की तरह ही विशाल, विशाल और विविध है। लेकिन, दूसरी ओर, रचना का मुख्य विषय मानव मन द्वारा प्राकृतिक दुनिया के पूर्ण ज्ञान की असंभवता के रूप में भी दर्शाया जा सकता है। इसी सोच के साथ कई कला इतिहासकार मोना लिसा के होठों पर जमी व्यंग्यात्मक मुस्कान को जोड़ते हैं। वह कहती हुई प्रतीत होती है: "दुनिया को जानने के लिए किसी व्यक्ति के सभी प्रयास बिल्कुल व्यर्थ और व्यर्थ हैं।"

कला इतिहासकारों के अनुसार मोना लिसा का चित्र लियोनार्डो दा विंची की सर्वोच्च उपलब्धियों में से एक है। इसमें, कलाकार वास्तव में सद्भाव और दुनिया की विशालता के विचार, कारण और कला की प्राथमिकता के विचार को मूर्त रूप देने और पूरी तरह से व्यक्त करने में सक्षम था।

माइकलएंजेलो बुओनारोटी

माइकल एंजेलो बुओनारोती, एक इतालवी चित्रकार, मूर्तिकार, वास्तुकार और कवि, का जन्म 6 मार्च, 1475 को फ्लोरेंस के पास कैप्रेसे शहर में हुआ था। माइकल एंजेलो के पिता, लोदोविको बुओनारोती, कैप्रेसे शहर के मेयर थे। उन्होंने सपना देखा कि उनका बेटा जल्द ही कार्यालय में उनकी जगह लेगा। हालाँकि, अपने पिता की इच्छा के विपरीत, माइकल एंजेलो ने अपना जीवन पेंटिंग के लिए समर्पित करने का फैसला किया।

1488 में, माइकल एंजेलो फ्लोरेंस गए और वहां के कला विद्यालय में प्रवेश लिया, जिसका नेतृत्व तब ललित कला के प्रसिद्ध मास्टर डोमेनिको घिरालंदियो ने किया था। एक साल बाद, 1489 में, युवा कलाकार पहले से ही लोरेंजो मेडिसी द्वारा स्थापित एक कार्यशाला में काम कर रहा है। यहां युवक अपने समय के एक अन्य प्रसिद्ध कलाकार और मूर्तिकार बर्टोल्डो डी जियोवानी से पेंटिंग सीखता है, जो डोनाटेलो का छात्र था। इस कार्यशाला में, माइकल एंजेलो ने एंजेलो पोलिज़ियानो और पिको डेला मिरांडोला के साथ काम किया, जिन्होंने गठन को बहुत प्रभावित किया कलात्मक विधियुवा चित्रकार. हालाँकि, माइकल एंजेलो का काम लोरेंजो मेडिसी के घेरे के क्षेत्र में बंद नहीं हुआ। उनकी प्रतिभा लगातार विकसित हो रही है. कलाकार का ध्यान तेजी से बड़े पैमाने पर आकर्षित हुआ वीर छवियाँमहान गियट्टो और मासासिओ की कृतियाँ।

90 के दशक की पहली छमाही में. 15वीं शताब्दी में, माइकल एंजेलो द्वारा बनाई गई पहली मूर्तियां दिखाई देती हैं: "सीढ़ियों पर मैडोना" और "सेंटॉर्स की लड़ाई"।

"मैडोना" में उस समय की कला में आम तौर पर स्वीकृत कलात्मक प्रतिनिधित्व के तरीके का प्रभाव देखा जा सकता है। माइकल एंजेलो के काम में प्लास्टिक की आकृतियों का वही विवरण है। हालाँकि, यहाँ पहले से ही युवा मूर्तिकार की विशुद्ध रूप से व्यक्तिगत तकनीक देखी जा सकती है, जो उदात्त, वीर छवियों के निर्माण में प्रकट हुई।

राहत "सेंटॉर्स की लड़ाई" में बाहरी प्रभाव का कोई निशान नहीं है। यह कार्य किसी प्रतिभाशाली गुरु का पहला स्वतंत्र कार्य है, जो उनकी व्यक्तिगत शैली को दर्शाता है। सामग्री की संपूर्णता में दर्शकों के सामने राहत पर सेंटॉर्स के साथ लैपिथ्स की लड़ाई की एक पौराणिक तस्वीर है। यह दृश्य असाधारण नाटक और यथार्थवाद से अलग है, जो चित्रित आंकड़ों की सटीक रूप से संप्रेषित प्लास्टिसिटी द्वारा व्यक्त किया गया है। इस मूर्ति को नायक, मानवीय शक्ति और सुंदरता का भजन माना जा सकता है। कथानक के सभी नाटकीयता के बावजूद, समग्र रचना में एक गहरा आंतरिक सामंजस्य है।

कला विद्वान "सेंटॉर्स की लड़ाई" को माइकल एंजेलो के काम का शुरुआती बिंदु मानते हैं। वे कहते हैं कि कलाकार की प्रतिभा ठीक इसी काम में उत्पन्न होती है। राहत, मास्टर के शुरुआती कार्यों का जिक्र करते हुए, माइकल एंजेलो के कलात्मक तरीके की समृद्धि का एक प्रकार का प्रतिबिंब है।

1495 से 1496 तक माइकल एंजेलो बुओनारोती बोलोग्ना में हैं। यहां वह जैकोपो डेला क्वेरसिया के कैनवस से परिचित हुए, जिन्होंने बनाई गई छवियों की स्मारकीयता से युवा कलाकार का ध्यान आकर्षित किया।

1496 में, मास्टर रोम में बस गए, जहां उन्होंने प्लास्टिसिटी और हाल ही में खोजे गए निष्पादन के तरीके का अध्ययन किया प्राचीन मूर्तियाँ, जिनमें से "लाओकून" और "बेल्वेडियर टोरसो" हैं। प्राचीन यूनानी मूर्तिकारों की कलात्मक शैली को माइकल एंजेलो ने बाचस में प्रतिबिंबित किया था।

1498 से 1501 तक, कलाकार ने "पिएटा" नामक एक संगमरमर समूह के निर्माण पर काम किया और माइकल एंजेलो को इटली के पहले उस्तादों में से एक के रूप में प्रसिद्धि दिलाई। पूरा दृश्य, अपने मारे गए बेटे के शव पर रोती हुई एक युवा माँ का प्रतिनिधित्व करते हुए, असाधारण परोपकार और कोमलता की भावना से व्याप्त है। यह कोई संयोग नहीं है कि कलाकार ने एक युवा लड़की को एक मॉडल के रूप में चुना - एक ऐसी छवि जो आध्यात्मिक शुद्धता को दर्शाती है।

आदर्श नायकों को दर्शाने वाला एक युवा गुरु का यह काम 15वीं शताब्दी में बनाई गई मूर्तियों से काफी अलग है। माइकल एंजेलो की छवियाँ अधिक गहरी और मनोवैज्ञानिक हैं। दुःख और उदासी की भावनाएँ माँ के चेहरे, उसके हाथों की स्थिति, शरीर की विशेष अभिव्यक्ति के माध्यम से सूक्ष्मता से व्यक्त की जाती हैं, जिसके घुमावों पर कपड़ों की मुलायम चिलमनों द्वारा जोर दिया जाता है। वैसे, उत्तरार्द्ध की छवि को मास्टर के काम में एक प्रकार का कदम पीछे माना जा सकता है: रचना के तत्वों का विस्तृत विवरण (इस मामले में, पोशाक और हुड की तह) पूर्व-पुनर्जागरण की कला की एक विशिष्ट विशेषता है। समग्र रचना असामान्य रूप से अभिव्यंजक और दयनीय है, जो युवा मूर्तिकार के काम की एक विशिष्ट विशेषता है।

1501 में, माइकल एंजेलो, जो पहले से ही इटली में मूर्तिकला के प्रसिद्ध गुरु थे, फिर से फ्लोरेंस के लिए रवाना हुए। यहीं पर उनका संगमरमर "डेविड" है। अपने पूर्ववर्तियों (डोनाटेलो और वेरोकियो) के विपरीत, माइकल एंजेलो ने युवा नायक को केवल युद्ध की तैयारी करते हुए चित्रित किया। विशाल प्रतिमा (इसकी ऊंचाई 5.5 मीटर है) किसी व्यक्ति की असामान्य रूप से दृढ़ इच्छाशक्ति, शारीरिक शक्ति और उसके शरीर की सुंदरता को व्यक्त करती है। माइकल एंजेलो के दिमाग में एक व्यक्ति की छवि पौराणिक विशाल टाइटन्स की आकृतियों के समान है। डेविड यहां एक आदर्श, मजबूत और स्वतंत्र व्यक्ति के विचार के अवतार के रूप में प्रकट होते हैं, जो अपने रास्ते में आने वाली किसी भी बाधा को दूर करने के लिए तैयार है। नायक की आत्मा में उभरने वाले सभी जुनून शरीर के मोड़ और डेविड के चेहरे पर अभिव्यक्ति के माध्यम से व्यक्त किए जाते हैं, जो उसके निर्णायक और मजबूत इरादों वाले चरित्र की बात करता है।

यह कोई संयोग नहीं है कि डेविड की मूर्ति शहर-राज्य की शक्ति, असाधारण शक्ति और स्वतंत्रता के प्रतीक के रूप में पलाज्जो वेक्चिओ (फ्लोरेंस की शहर सरकार की इमारत) के प्रवेश द्वार को सुशोभित करती है। पूरी रचना एक मजबूत मानव आत्मा और समान रूप से मजबूत शरीर के सामंजस्य को व्यक्त करती है।

1501 में, डेविड की मूर्ति के साथ, स्मारकीय ("काशिन की लड़ाई") और चित्रफलक ("मैडोना डोनी", गोल प्रारूप) पेंटिंग की पहली कृतियाँ दिखाई दीं। उत्तरार्द्ध को वर्तमान में फ्लोरेंस में उफीजी गैलरी में रखा गया है।

1505 में माइकल एंजेलो रोम लौट आये। यहां वह पोप जूलियस द्वितीय की कब्र के निर्माण पर काम कर रहे हैं। योजना के अनुसार, मकबरे को एक भव्य वास्तुशिल्प संरचना माना जाता था, जिसके चारों ओर संगमरमर और कांस्य राहत से नक्काशीदार 40 मूर्तियाँ होंगी। हालाँकि, कुछ समय बाद, पोप जूलियस द्वितीय ने उनके आदेश को अस्वीकार कर दिया, और माइकल एंजेलो की भव्य योजनाओं का सच होना तय नहीं था। सूत्र इस बात की गवाही देते हैं कि ग्राहक ने मालिक के साथ काफी अभद्र व्यवहार किया, जिसके परिणामस्वरूप उसने बुरी तरह आहत होकर राजधानी छोड़ने और एक बार फिर फ्लोरेंस लौटने का फैसला किया।

हालाँकि, फ्लोरेंटाइन अधिकारियों ने प्रसिद्ध मूर्तिकार को पोप के साथ शांति बनाने के लिए मना लिया। जल्द ही वह एक नए प्रस्ताव के साथ माइकल एंजेलो के पास गए - सिस्टिन चैपल की छत को सजाने के लिए। गुरु, जो खुद को मुख्य रूप से एक मूर्तिकार मानते थे, ने अनिच्छा से आदेश स्वीकार कर लिया। इसके बावजूद, उन्होंने एक ऐसा कैनवास बनाया जो आज भी विश्व कला की एक मान्यता प्राप्त उत्कृष्ट कृति है और कई पीढ़ियों के लिए चित्रकार की स्मृति को छोड़ गया।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि माइकल एंजेलो ने छत की पेंटिंग पर काम किया, जिसका क्षेत्रफल 600 वर्ग मीटर से अधिक है। मैं, बिल्कुल अकेला, बिना किसी सहायक के। हालाँकि, चार साल बाद भित्ति चित्र पूरी तरह से बनकर तैयार हो गया।

पेंटिंग के लिए छत की पूरी सतह को कई भागों में विभाजित किया गया था। केंद्रीय स्थान पर नौ दृश्यों का कब्जा है जो दुनिया के निर्माण के साथ-साथ पहले लोगों के जीवन को दर्शाते हैं। ऐसे प्रत्येक दृश्य के कोनों में नग्न युवकों की आकृतियाँ हैं। इस रचना के बायीं और दायीं ओर सात पैगंबरों और पांच भविष्यवक्ताओं की छवियों वाले भित्तिचित्र हैं। छत, मेहराबदार तहखानों और पट्टियों को अलग-अलग बाइबिल दृश्यों से सजाया गया है। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि यहां माइकल एंजेलो के आंकड़े अलग-अलग पैमाने के हैं। इस विशेष तकनीक ने लेखक को दर्शकों का ध्यान सबसे महत्वपूर्ण एपिसोड और छवियों पर केंद्रित करने की अनुमति दी।

अब तक, कला इतिहासकार इस समस्या से हैरान हैं वैचारिक अवधारणाभित्तिचित्र. तथ्य यह है कि इसे बनाने वाले सभी कथानक बाइबिल के कथानक के विकास के तार्किक अनुक्रम के उल्लंघन में लिखे गए हैं। इसलिए, उदाहरण के लिए, पेंटिंग "द ड्रंकनेस ऑफ नूह" "अंधेरे से प्रकाश को अलग करना" रचना से पहले है, हालांकि यह दूसरे तरीके से होना चाहिए। हालाँकि, भूखंडों के इस तरह के बिखराव ने किसी भी तरह से चित्रकार के कलात्मक कौशल को प्रभावित नहीं किया। जाहिरा तौर पर, कलाकार के लिए यह अभी भी अधिक महत्वपूर्ण था कि वह कथा की सामग्री को प्रकट न करे, बल्कि फिर से (जैसा कि डेविड की मूर्ति में) किसी व्यक्ति की सुंदर, उन्नत आत्मा और उसके शक्तिशाली, मजबूत शरीर के सामंजस्य को दिखाए।
इसकी पुष्टि सबाओथ (भित्तिचित्र "सूर्य और चंद्रमा का निर्माण") के टाइटन-जैसे बुजुर्ग की छवि से होती है, जो प्रकाशकों का निर्माण करता है।

दुनिया के निर्माण के बारे में बताने वाले लगभग सभी भित्तिचित्रों में, एक विशाल व्यक्ति दर्शकों के सामने आता है, जिसमें निर्माता के अनुरोध पर, जीवन, दृढ़ संकल्प, शक्ति और इच्छा जागृत होती है। स्वतंत्रता का विचार पेंटिंग "द फॉल" के माध्यम से चलता है, जहां ईव, निषिद्ध फल तक पहुंचते हुए, जैसे कि भाग्य को चुनौती देते हुए, स्वतंत्रता की दृढ़ इच्छा व्यक्त करता है। फ़्रेस्को "द फ्लड" की छवियां जीवन के लिए उसी अनम्यता और प्यास से भरी हैं, जिसके नायक जीवन और दयालुता की निरंतरता में विश्वास करते हैं।

सिबिल और पैगम्बरों की छवियां लोगों की आकृतियों द्वारा दर्शायी जाती हैं, जो मजबूत भावनाओं और पात्रों की उज्ज्वल व्यक्तित्व को दर्शाती हैं। बुद्धिमान जोएल यहाँ हताश ईजेकील के विपरीत है। दर्शक आध्यात्मिक यशायाह और भविष्यवाणी के समय दिखाई गई सुंदर, बड़ी स्पष्ट आंखों वाले डेल्फ़िक सिबिल की छवियों से आश्चर्यचकित हो जाते हैं।

ऊपर, माइकल एंजेलो द्वारा बनाई गई छवियों की करुणा और स्मारकीयता को एक से अधिक बार नोट किया गया है। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि तथाकथित भी। सहायक आकृतियाँ मास्टर द्वारा मुख्य पात्रों के समान विशेषताओं से संपन्न होती हैं। अलग-अलग चित्रों के कोनों में स्थित युवा पुरुषों की छवियां, एक व्यक्ति द्वारा अनुभव किए गए जीवन के आनंद और उसकी अपनी आध्यात्मिक और शारीरिक शक्ति की चेतना का प्रतीक हैं।

कला इतिहासकार सिस्टिन चैपल की पेंटिंग को ठीक ही वह कार्य मानते हैं जिसने माइकल एंजेलो के रचनात्मक विकास की अवधि को पूरा किया। यहां मास्टर ने छत को इतनी सफलतापूर्वक विभाजित किया कि, सभी प्रकार के विषयों के बावजूद, समग्र रूप से भित्तिचित्र कलाकार द्वारा बनाई गई छवियों की सद्भाव और एकता का आभास देता है।

फ़्रेस्को पर माइकल एंजेलो के पूरे काम के दौरान, मास्टर की कलात्मक पद्धति धीरे-धीरे बदल गई। बाद के पात्रों को बड़ा करके प्रस्तुत किया गया - इससे उनकी स्मारकीयता में काफी वृद्धि हुई। इसके अलावा, छवि के इस पैमाने ने इस तथ्य को जन्म दिया है कि आंकड़ों की प्लास्टिसिटी बहुत अधिक जटिल हो गई है। हालाँकि, इससे छवियों की अभिव्यक्ति पर कोई प्रभाव नहीं पड़ा। शायद यहां, कहीं और से अधिक, मूर्तिकार की प्रतिभा प्रकट हुई, जो मानव आकृति के आंदोलन की हर पंक्ति को सूक्ष्मता से व्यक्त करने में कामयाब रहे। किसी को यह आभास हो जाता है कि चित्रों को पेंट से चित्रित नहीं किया गया है, बल्कि कुशलता से त्रि-आयामी राहतें ढाली गई हैं।

छत के विभिन्न भागों में बने भित्तिचित्रों की प्रकृति भिन्न-भिन्न है। यदि केंद्रीय भाग सबसे आशावादी मनोदशाओं को व्यक्त करता है, तो धनुषाकार तहखानों में ऐसी छवियां हैं जो निराशाजनक भावनाओं के सभी रंगों को व्यक्त करती हैं: यहां शांति, उदासी और चिंता की जगह भ्रम और स्तब्धता ने ले ली है।

माइकल एंजेलो द्वारा प्रस्तुत ईसा मसीह के पूर्वजों की छवियों की व्याख्या भी दिलचस्प है। उनमें से कुछ आत्मीय एकता की भावना व्यक्त करते हैं। इसके विपरीत, अन्य लोग एक-दूसरे के प्रति द्वेष और घृणा से भरे हुए हैं, जो बाइबिल के नायकों के लिए विशिष्ट नहीं है, जिन्हें दुनिया में प्रकाश और अच्छाई लाने के लिए बुलाया गया है। कला इतिहासकार चैपल के बाद के चित्रों को एक नई कलात्मक पद्धति की अभिव्यक्ति मानते हैं, जो प्रसिद्ध मास्टर चित्रकार के काम में गुणात्मक रूप से नए काल की शुरुआत है।

20 के दशक में. 16वीं शताब्दी में, माइकल एंजेलो की रचनाएँ सामने आईं, जिनका उद्देश्य पोप जूलियस द्वितीय की कब्र को सजाना था। बाद के निर्माण का आदेश पोप के उत्तराधिकारियों से एक प्रसिद्ध मूर्तिकार को प्राप्त हुआ था। इस संस्करण में, मकबरे का आकार न्यूनतम संख्या में मूर्तियों के साथ थोड़ा छोटा होना चाहिए था। जल्द ही मास्टर ने तीन मूर्तियों के निष्पादन पर काम पूरा किया: दो दासों और मूसा की मूर्तियाँ।

माइकल एंजेलो ने 1513 से बंदियों की छवियों पर काम किया। मुख्य विषयइस कार्य से एक व्यक्ति अपने प्रति शत्रुतापूर्ण शक्तियों से संघर्ष करता है। यहां, विजयी नायकों की स्मारकीय आकृतियों को बुराई के खिलाफ असमान संघर्ष में मरने वाले पात्रों द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है। इसके अलावा, ये छवियां कलाकार के किसी एक लक्ष्य और कार्य के अधीन नहीं होती हैं, बल्कि भावनाओं और भावनाओं के अंतर्संबंध का प्रतिनिधित्व करती हैं।

छवि की बहुमुखी प्रतिभा मास्टर द्वारा उपयोग की जाने वाली एक प्रकार की कलात्मक और दृश्य विधि की सहायता से व्यक्त की जाती है। यदि उस समय तक माइकल एंजेलो एक तरफ से एक आकृति या मूर्तिकला समूह दिखाने का प्रयास करते थे, तो अब कलाकार द्वारा बनाई गई छवि प्लास्टिक बन जाती है, बदल जाती है। इस पर निर्भर करते हुए कि दर्शक प्रतिमा के किस तरफ है, यह कुछ निश्चित रूपरेखाएँ लेती है, जबकि यह या वह समस्या तेज हो जाती है।

उपरोक्त का एक उदाहरण "बंधे हुए कैदी" के रूप में काम कर सकता है। इसलिए, यदि दर्शक घड़ी की दिशा में मूर्तिकला के चारों ओर घूमता है, तो वह आसानी से निम्नलिखित देख सकेगा: सबसे पहले, एक बंधे हुए बंदी की आकृति जिसका सिर पीछे की ओर झुका हुआ है और एक असहाय शरीर अपनी नपुंसकता की चेतना, मानव आत्मा और शरीर की कमजोरी से अमानवीय पीड़ा व्यक्त करता है। हालाँकि, जैसे-जैसे आप मूर्तिकला के चारों ओर आगे बढ़ते हैं, छवि महत्वपूर्ण रूप से बदल जाती है। कैदी की पहले वाली कमजोरी दूर हो जाती है, उसकी मांसपेशियां ताकत से भर जाती हैं, उसका सिर गर्व से उठ जाता है। और अब दर्शक के सामने एक थका हुआ शहीद नहीं है, बल्कि एक टाइटन नायक का एक शक्तिशाली चित्र है, जो किसी बेतुकी दुर्घटना से बेड़ियों में जकड़ा हुआ निकला। ऐसा लगता है कि एक और क्षण - और बेड़ियाँ टूट जाएँगी। हालाँकि, ऐसा नहीं होता है. आगे बढ़ते हुए, दर्शक देखता है कि कैसे मानव शरीर फिर से कमजोर हो जाता है, उसका सिर नीचे झुक जाता है। और यहाँ फिर से हमारे पास एक दुखी कैदी है, जिसने अपने भाग्य से इस्तीफा दे दिया है।

उसी परिवर्तनशीलता को "द डाइंग प्रिज़नर" प्रतिमा में देखा जा सकता है। जैसे-जैसे आप आगे बढ़ते हैं, दर्शक देखता है कि कैसे शरीर, पीड़ा से धड़क रहा है, धीरे-धीरे शांत हो जाता है और सुन्न हो जाता है, जिससे शाश्वत शांति और शांति का विचार उत्पन्न होता है।

बंदियों की मूर्तियां असामान्य रूप से अभिव्यंजक हैं, जो आंकड़ों की गति की प्लास्टिसिटी के यथार्थवादी हस्तांतरण के कारण बनाई गई हैं। वे दर्शकों की आंखों के ठीक सामने जीवंत हो उठते हैं। निष्पादन की शक्ति के संदर्भ में, बंदियों की मूर्तियों की तुलना केवल मास्टर की सबसे प्रारंभिक मूर्तिकला - "सेंटॉर्स की लड़ाई" से की जा सकती है।

बंदियों के विपरीत, मूसा की मूर्ति, चरित्र में कुछ अधिक संयमित है, लेकिन कम अभिव्यंजक नहीं है। यहां माइकल एंजेलो फिर से एक टाइटैनिक मानव नायक की छवि के निर्माण का उल्लेख करते हैं। मूसा की छवि एक नेता, एक नेता, असामान्य रूप से दृढ़ इच्छाशक्ति वाले व्यक्ति का अवतार है। डेविड की तुलना में उसका सार पूरी तरह से प्रकट हुआ है। यदि उत्तरार्द्ध किसी की ताकत और अजेयता में विश्वास का प्रतीक है, तो यहां मूसा इस विचार का प्रतीक है कि जीत के लिए जबरदस्त प्रयास की आवश्यकता होती है। नायक के इस आध्यात्मिक तनाव को गुरु ने न केवल उसके चेहरे पर एक दुर्जेय अभिव्यक्ति के माध्यम से, बल्कि आकृति की प्लास्टिसिटी की मदद से भी व्यक्त किया है: कपड़ों की सिलवटों की तेजी से अपवर्तित रेखाएं, मूसा की दाढ़ी की लटें उलटी हुई हैं।

1519 से, माइकल एंजेलो बंदियों की चार और मूर्तियों के निर्माण पर काम कर रहे हैं। हालाँकि, वे अधूरे रह गए। इसके बाद, उन्होंने फ्लोरेंस में स्थित बोबोली गार्डन में कुटी को सजाया। वर्तमान में, मूर्तियाँ फ्लोरेंटाइन अकादमी में रखी गई हैं। इन कार्यों में, माइकल एंजेलो के लिए एक नया विषय प्रकट होता है: एक मूर्तिकला आकृति और स्रोत सामग्री के रूप में लिए गए पत्थर के एक खंड के बीच संबंध। मूर्तिकार यहां कलाकार के मुख्य उद्देश्य का विचार सामने रखता है: छवि को पत्थर की बेड़ियों से मुक्त करना। इस तथ्य के कारण कि मूर्तियां अधूरी निकलीं और उनके निचले हिस्से में पत्थर के कच्चे टुकड़े स्पष्ट रूप से दिखाई देते हैं, दर्शक छवि बनाने की पूरी प्रक्रिया देख सकते हैं। यहां एक नया कलात्मक संघर्ष दिखाया गया है: मनुष्य और उसके आसपास की दुनिया। इसके अलावा, यह संघर्ष व्यक्ति के पक्ष में हल नहीं होता है। उसकी सारी भावनाएँ और वासनाएँ पर्यावरण द्वारा दबा दी जाती हैं।

फ्लोरेंस में मेडिसी चैपल की पेंटिंग एक ऐसा काम था जिसने उच्च पुनर्जागरण के अंत को चिह्नित किया और साथ ही माइकल एंजेलो के काम में एक नया चरण भी दिखाया। यह काम 1520 से 1534 तक 15 वर्षों तक किया गया। कुछ समय के लिए, कलाकार को इटली में होने वाली राजनीतिक घटनाओं के संबंध में काम निलंबित करने के लिए मजबूर होना पड़ा। 1527 में रोम की हार के जवाब में फ्लोरेंस ने खुद को गणतंत्र घोषित कर दिया।

रिपब्लिकन राज्य प्रणाली के समर्थक के रूप में माइकल एंजेलो को किलेबंदी कार्यों के प्रमुख के पद के लिए चुना गया और उन्होंने शहर की रक्षा में एक महान योगदान दिया। जब फ्लोरेंस का पतन हुआ और मेडिसी फिर से सत्ता में आई, तो प्रसिद्ध कलाकार और अब एक राजनेता पर भी मौत का गंभीर खतरा मंडराने लगा। मुक्ति बिल्कुल अप्रत्याशित रूप से आई। पोप क्लेमेंट VII मेडिसी ने, एक घमंडी और व्यर्थ व्यक्ति होने के नाते, अपनी और अपने रिश्तेदारों की स्मृति को भावी पीढ़ी के लिए छोड़ने की इच्छा व्यक्त की। लिखने की कला के लिए प्रसिद्ध माइकल एंजेलो के अलावा और कौन है? सुंदर चित्रऔर उत्कृष्ट मूर्तियाँ प्रदर्शन कर सकते हैं, क्या यह कर सकते हैं?

इसलिए, मेडिसी चैपल के निर्माण पर काम फिर से शुरू हुआ। उत्तरार्द्ध ऊंची दीवारों वाली एक छोटी इमारत है, जिसके ऊपरी हिस्से में एक गुंबद है। चैपल में दो कब्रें हैं: नेमोर्स के ड्यूक गिउलिआनो और उरबिनो के लोरेंजो, दीवारों के साथ स्थित हैं। तीसरी दीवार पर, वेदी के सामने, मैडोना की एक मूर्ति है। उसके बायीं और दायीं ओर संत कॉसमास और डेमियन की छवियों का प्रतिनिधित्व करने वाली मूर्तियां हैं। यह स्थापित है कि वे महान गुरु के छात्रों द्वारा बनाए गए थे। शोधकर्ताओं का सुझाव है कि मेडिसी मकबरे के लिए ही अपोलो (दूसरा नाम डेविड है) और क्राउचिंग बॉय की मूर्तियाँ भी बनाई गई थीं।

ड्यूक की मूर्तियों के बगल में, जिनमें उनके प्रोटोटाइप के साथ कोई बाहरी समानता नहीं थी, प्रतीकात्मक आंकड़े रखे गए थे: "सुबह", "दिन", "शाम" और "रात"। इन्हें यहां सांसारिक समय और मानव जीवन की क्षणभंगुरता के प्रतीक के रूप में प्रस्तुत किया गया है। संकरी जगहों पर स्थित मूर्तियाँ अवसाद, किसी भयानक और खतरनाक चीज़ के आसन्न आगमन का आभास कराती हैं। वॉल्यूमेट्रिक आंकड़ेड्यूक, जो पत्थर की दीवारों से हर तरफ से कुचले गए थे, छवियों की आध्यात्मिक टूटन और आंतरिक शून्यता को व्यक्त करते हैं।

इस पहनावे में सबसे सामंजस्यपूर्ण मैडोना की छवि है। असाधारण रूप से अभिव्यंजक और गीतकारिता से भरपूर, यह स्पष्ट है और उदास पंक्तियों से बोझिल नहीं है।

वास्तुशिल्प और मूर्तिकला रूपों की कलात्मक एकता के दृष्टिकोण से मेडिसी चैपल विशेष रुचि रखता है। यहां भवन और मूर्तियों की रेखाएं कलाकार के एक विचार के अधीन हैं। चैपल दो कलाओं - मूर्तिकला और वास्तुकला की बातचीत के संश्लेषण और सामंजस्य का सबसे स्पष्ट उदाहरण है, जहां एक के हिस्से दूसरे के तत्वों के अर्थ को सामंजस्यपूर्ण रूप से पूरक और विकसित करते हैं।

1534 से, माइकल एंजेलो ने फ्लोरेंस छोड़ दिया और रोम में बस गए, जहाँ वे अपने जीवन के अंत तक रहे। महान गुरु के काम का रोमन काल पुनर्जागरण के लेखकों, चित्रकारों और मूर्तिकारों द्वारा गाए गए विचारों के खिलाफ काउंटर-रिफॉर्मेशन के संघर्ष की स्थितियों में गुजरा। उत्तरार्द्ध के काम को मनेरवादियों की कला द्वारा प्रतिस्थापित किया जा रहा है।

रोम में, माइकल एंजेलो उन लोगों के करीब हो गए, जिन्होंने उस समय की प्रसिद्ध इतालवी कवयित्री विटोरिया कोलोना के नेतृत्व में धार्मिक और दार्शनिक मंडली बनाई थी। हालाँकि, अपनी युवावस्था में, माइकल एंजेलो के विचार और विचार उन लोगों से बहुत दूर थे जो मंडली के प्रमुखों में मंडराते थे। वास्तव में, गुरु गलतफहमी और आध्यात्मिक अकेलेपन के माहौल में रोम में रहते थे और काम करते थे।

यह इस समय (1535-1541) था कि लास्ट जजमेंट फ्रेस्को दिखाई दिया, जो सिस्टिन चैपल की वेदी की दीवार को सुशोभित करता था।

यहां बाइबिल की कहानी पर लेखक द्वारा पुनर्विचार किया गया है। अंतिम निर्णय की तस्वीर को दर्शक एक सकारात्मक शुरुआत, सर्वोच्च न्याय की विजय के रूप में नहीं, बल्कि सर्वनाश की तरह पूरे परिवार की मृत्यु की एक सार्वभौमिक त्रासदी के रूप में मानते हैं। लोगों की विशाल आकृतियाँ रचना की नाटकीयता को बढ़ाती हैं।

चित्र की मौलिक प्रकृति पूरी तरह से कलाकार के कार्य से मेल खाती है - एक व्यक्ति को सामान्य द्रव्यमान में खोए हुए दिखाने के लिए। कलात्मक छवि के इस निर्णय के लिए धन्यवाद, दर्शक को इस दुनिया में अकेलेपन और शत्रुतापूर्ण ताकतों के सामने शक्तिहीनता की भावना होती है, जिसके साथ लड़ने का कोई मतलब नहीं है। दुखद नोट्स अधिक भेदी ध्वनि भी प्राप्त करते हैं क्योंकि मास्टर के पास यहां लोगों के समूह की एक अभिन्न, अखंड छवि नहीं है (जैसा कि इसे देर से पुनर्जागरण के कलाकारों के कैनवस पर प्रस्तुत किया जाएगा), उनमें से प्रत्येक अपना जीवन जीता है। हालाँकि, चित्रकार की निस्संदेह योग्यता को पहले से ही इस तथ्य पर विचार किया जा सकता है कि उसने एक मानव द्रव्यमान दिखाया, हालांकि अभी भी असंगत है, लेकिन अब अवैयक्तिक नहीं है।

द लास्ट जजमेंट में, माइकल एंजेलो एक असामान्य रूप से अभिव्यंजक रंगीन तकनीक प्रस्तुत करता है। हल्के नग्न शरीर और गहरे, काले और नीले आकाश का विरोधाभास रचना में दुखद तनाव और अवसाद की छाप को बढ़ाता है।

माइकलएंजेलो. भयानक फैसला. वेटिकन में सिस्टिन चैपल में फ्रेस्को। टुकड़ा. 1535-1541

1542 से 1550 की अवधि में, माइकल एंजेलो वेटिकन में पाओलिना चैपल की दीवारों पर पेंटिंग करने का काम कर रहे थे। महान मास्टर चित्रकार ने दो भित्तिचित्रों को चित्रित किया, जिनमें से एक को बाद में "द कन्वर्ज़न ऑफ़ पॉल" कहा गया, और दूसरे को - "द क्रूसिफ़िशन ऑफ़ पीटर" कहा गया। उत्तरार्द्ध में, पीटर की फांसी को देखने वाले पात्रों में, किसी व्यक्ति की उसके भाग्य के प्रति मौन सहमति, निष्क्रियता और आज्ञाकारिता का विचार पूरी तरह से प्रस्तुत किया गया है। लोगों के पास न तो शारीरिक और न ही मानसिक शक्ति है कि वे किसी तरह हिंसा और बुराई का विरोध कर सकें।

1530 के दशक के अंत में। माइकल एंजेलो की एक और मूर्ति है - ब्रूटस की एक प्रतिमा। यह काम प्रसिद्ध गुरु की ओर से उनके रिश्तेदार लोरेंजो द्वारा की गई निरंकुश ड्यूक एलेसेंड्रो डी मेडिसी की हत्या पर एक तरह की प्रतिक्रिया के रूप में कार्य करता था। सच्चे उद्देश्यों के बावजूद, रिपब्लिकन के समर्थक कलाकार ने बाद के कार्य का सहर्ष स्वागत किया। सिविल पाथोस ब्रूटस की छवि से भरा हुआ है, जो एक महान, गौरवान्वित, स्वतंत्र स्वामी, महान बुद्धि का व्यक्ति और गर्म दिल का प्रतिनिधित्व करता है। यहां माइकल एंजेलो छवि पर लौटते प्रतीत होते हैं उत्तम व्यक्तिउच्च आध्यात्मिक और बौद्धिक गुणों के साथ।

माइकल एंजेलो के काम के अंतिम वर्ष मित्रों और रिश्तेदारों के खोने और इससे भी अधिक उग्र सार्वजनिक प्रतिक्रिया के माहौल में बीते। प्रति-सुधारवादियों के नवाचार मास्टर के कार्यों को प्रभावित नहीं कर सके, जिसमें पुनर्जागरण के सबसे प्रगतिशील विचार प्रकट हुए: मानवतावाद, स्वतंत्रता का प्यार, भाग्य के प्रति विद्रोह। यह कहना पर्याप्त है कि प्रति-सुधारों के कट्टर प्रशंसकों में से एक, पॉल चतुर्थ काराफ़ा के निर्णय से, प्रसिद्ध चित्रकार द्वारा लास्ट जजमेंट की रचना में परिवर्तन किए गए थे। पोप ने भित्तिचित्रों में चित्रित लोगों की नग्न आकृतियों को अश्लील माना। उनके आदेश पर, माइकल एंजेलो के छात्र डेनियल दा वोल्टेरा ने माइकल एंजेलो की कुछ छवियों की नग्नता को टोपी के पर्दे से छिपा दिया।

अकेलेपन की उदास और दर्दनाक मनोदशा और सभी आशाओं का पतन व्याप्त है नवीनतम कार्यमाइकल एंजेलो - चित्रों और मूर्तियों की एक श्रृंखला। यह ये कार्य हैं जो मान्यता प्राप्त गुरु के आंतरिक विरोधाभासों को सबसे स्पष्ट रूप से दर्शाते हैं।

इस प्रकार, फिलिस्तीन के "पिएटा" में यीशु मसीह को एक नायक के रूप में प्रस्तुत किया गया है, जो बाहरी ताकतों के हमले के तहत टूट गया है। फ्लोरेंस कैथेड्रल की "पिएटा" ("द एंटोम्बमेंट") में वही छवि पहले से ही अधिक सांसारिक और मानवीय है। यह अब टाइटन नहीं है. इससे पता चलता है कि कलाकार के लिए यहां पात्रों की आध्यात्मिक शक्ति, भावनाओं और अनुभवों को दिखाना अधिक महत्वपूर्ण है।

ईसा मसीह के शरीर की टूटी हुई आकृति, अपने बेटे के शव पर झुकी हुई एक माँ की छवि, निकोडेमस शरीर को नीचे कर रहा है
यीशु कब्र में - सब कुछ एक कार्य के अधीन है: मानवीय अनुभवों की गहराई को चित्रित करना। इसके अलावा, सच है
इन कार्यों का लाभ मास्टर द्वारा छवियों की असमानता पर काबू पाना है। तस्वीर में दिख रहे लोग गहरी करुणा और नुकसान की कड़वाहट की भावना से एकजुट हैं। माइकल एंजेलो की यह तकनीक इटली की कला के निर्माण के अगले चरण में, स्वर्गीय पुनर्जागरण के कलाकारों और मूर्तिकारों के कार्यों में विकसित हुई थी।

माइकल एंजेलो के काम के अंतिम चरण के शिखर को एक मूर्तिकला माना जा सकता है, जिसे बाद में पिएटा रोंडानिनी कहा गया। यहां दिखाए गए चित्र कोमलता, आध्यात्मिकता, गहरे दुख और उदासी के अवतार के रूप में प्रस्तुत किए गए हैं। यहां, पहले से कहीं अधिक, एक ऐसी दुनिया में मानव अकेलेपन का विषय जहां बहुत सारे लोग हैं, तीव्र लगता है।

वही रूपांकन महान गुरु के दिवंगत ग्राफिक कार्यों में गूंजते हैं, जो ड्राइंग को मूर्तिकला, चित्रकला और वास्तुकला का मूल सिद्धांत मानते थे।

माइकल एंजेलो के ग्राफिक कार्यों की छवियां उनकी स्मारकीय रचनाओं के नायकों से अलग नहीं हैं: वही राजसी टाइटन नायक यहां प्रस्तुत किए गए हैं। रचनात्मकता के अंतिम दौर में, माइकल एंजेलो ने एक स्वतंत्र कलात्मक और दृश्य शैली के रूप में ड्राइंग की ओर रुख किया। तो, 30-40 के दशक तक। मास्टर की सबसे हड़ताली और अभिव्यंजक रचनाओं की उपस्थिति 16वीं शताब्दी की है, जैसे: "द फॉल ऑफ फेटन" और "द रिसरेक्शन ऑफ क्राइस्ट"।

ग्राफिक कार्यों के उदाहरणों पर मास्टर की कलात्मक पद्धति के विकास का आसानी से पता लगाया जा सकता है। यदि कलम से बनाए गए पहले चित्रों में आकृतियों की काफी विशिष्ट छवियां होती हैं, जिनमें रूपरेखा की तेज रूपरेखा होती है, तो बाद की छवियां अधिक अस्पष्ट और नरम हो जाती हैं। यह हल्कापन इस तथ्य के कारण पैदा होता है कि कलाकार या तो सेंगुइन या इटालियन पेंसिल का उपयोग करता है, जिसकी मदद से पतली और अधिक नाजुक रेखाएँ बनाई जाती हैं।

हालाँकि, माइकल एंजेलो के दिवंगत कार्य को न केवल दुखद रूप से निराशाजनक तरीकों से चिह्नित किया गया है। महान गुरु की स्थापत्य संरचनाएं, जो इस समय की हैं, पुनर्जागरण की परंपराओं को जारी रखती प्रतीत होती हैं। उनका सेंट पीटर कैथेड्रल और रोम में कैपिटल का वास्तुशिल्प समूह उच्च मानवतावाद के पुनर्जागरण विचारों का प्रतीक है।

18 फरवरी, 1564 को माइकल एंजेलो बुओनारोती की रोम में मृत्यु हो गई। उनके शरीर को, सख्त विश्वास के साथ, राजधानी से बाहर ले जाया गया और फ्लोरेंस भेज दिया गया। महान कलाकार को सांता क्रोस के चर्च में दफनाया गया था।

चित्रकला और मूर्तिकला के उस्ताद के काम ने माइकल एंजेलो के कई अनुयायियों की कलात्मक पद्धति के निर्माण और विकास में एक बड़ी भूमिका निभाई। उनमें से राफेल, व्यवहारवादी हैं, जो अक्सर प्रसिद्ध चित्रकार द्वारा बनाई गई छवियों की पंक्तियों की नकल करते थे। माइकल एंजेलो की कला बारोक युग के प्रतिनिधियों के लिए कम महत्वपूर्ण नहीं थी। हालाँकि, यह कहने के लिए कि बारोक की छवियां (एक व्यक्ति जो आंतरिक आवेगों द्वारा नहीं, बल्कि बाहरी ताकतों द्वारा आगे बढ़ाया जाता है) माइकल एंजेलो के नायकों के समान हैं, जो मानवतावाद, इच्छाशक्ति और का महिमामंडन करते हैं। अंदरूनी शक्तिव्यक्ति गलत होगा.

राफेल सैंटी

राफेल सैंटी का जन्म 1483 में उरबिनो के छोटे से शहर में हुआ था। महान चित्रकार के जन्म की सही तारीख स्थापित करना संभव नहीं था। एक सूत्र के मुताबिक उनका जन्म 26 या 28 मार्च को हुआ था. अन्य विद्वानों का दावा है कि राफेल की जन्मतिथि 6 अप्रैल, 1483 थी।

15वीं शताब्दी के अंत तक, अर्बिनो सबसे बड़े में से एक बन गया सांस्कृतिक केंद्रदेशों. जीवनीकारों का सुझाव है कि राफेल ने अपने पिता जियोवानी सैंटी के साथ अध्ययन किया था। 1495 से, युवक अर्बिनो मास्टर टिमोटो डेला विटे की कला कार्यशाला में काम कर रहा है।

राफेल की सबसे पुरानी जीवित रचनाएँ लघुचित्र "द ड्रीम ऑफ़ द नाइट" और "द थ्री ग्रेसेस" मानी जाती हैं। पहले से ही इन कार्यों में, पुनर्जागरण के उस्तादों द्वारा प्रचारित मानवतावादी आदर्श पूरी तरह से परिलक्षित होते हैं।

"द नाइट्स ड्रीम" में हरक्यूलिस के पौराणिक विषय पर एक प्रकार का पुनर्विचार है, जो एक विकल्प का सामना कर रहा है: वीरता या खुशी? .. राफेल ने हरक्यूलिस को एक सोते हुए युवा शूरवीर के रूप में दर्शाया है। उसके सामने दो युवतियाँ हैं: एक के हाथ में किताब और तलवार (ज्ञान, वीरता और वीरता का प्रतीक) हथियारों के करतब), दूसरा - एक फूल वाली शाखा के साथ, आनंद और आनंद का प्रतीक है। पूरी रचना एक खूबसूरत परिदृश्य की पृष्ठभूमि पर रखी गई है।

"थ्री ग्रेसेस" फिर से प्राचीन छवियों को प्रस्तुत करता है, जो संभवतः एक प्राचीन ग्रीक कैमियो (एक कीमती या अर्ध-कीमती पत्थर पर एक छवि) से ली गई हैं।

इस तथ्य के बावजूद कि युवा कलाकार के शुरुआती कार्यों में कई उधार हैं, लेखक की रचनात्मक व्यक्तित्व यहां पहले से ही स्पष्ट रूप से प्रकट हुई है। यह छवियों की गीतात्मकता, कार्य के विशेष लयबद्ध संगठन, आकृतियों को बनाने वाली रेखाओं की कोमलता में व्यक्त होता है। उच्च पुनर्जागरण के एक कलाकार के रूप में, चित्रित छवियों का असाधारण सामंजस्य, राफेल के शुरुआती कार्यों की विशेषता, साथ ही रचनात्मक स्पष्टता और स्पष्टता, कलाकार की बात करती है।

1500 में, राफेल अपना मूल शहर छोड़ देता है और उम्ब्रिया के मुख्य शहर पेरुगिया चला जाता है। यहां उन्होंने पिएत्रो पेरुगिनो की कार्यशाला में पेंटिंग का अध्ययन किया, जो उम्ब्रियन कला विद्यालय के संस्थापक थे। राफेल के समकालीन गवाही देते हैं: एक सक्षम छात्र ने अपने शिक्षक की लेखन शैली को इतनी गहराई से अपनाया कि उनके कैनवस को भी पहचाना नहीं जा सका। बहुत बार, राफेल और पेरुगिनो ने एक पेंटिंग पर एक साथ काम करके ऑर्डर पूरा किया।

हालाँकि, यह कहना गलत होगा कि इस अवधि के दौरान युवा कलाकार की मूल प्रतिभा बिल्कुल विकसित नहीं हुई। इसकी पुष्टि 1504 के आसपास निर्मित प्रसिद्ध कॉन्स्टेबिल मैडोना से होती है।

इस कैनवास में पहली बार मैडोना की छवि दिखाई देती है, जो भविष्य में कलाकार के काम में अग्रणी स्थानों में से एक लेगी। मैडोना को पेड़ों, पहाड़ियों और एक झील के साथ एक अद्भुत परिदृश्य की पृष्ठभूमि में चित्रित किया गया है। छवियां इस तथ्य से एकजुट होती हैं कि मैडोना और बच्चे की नजर उस किताब पर जाती है, जिसे युवा मां पढ़ने में व्यस्त है। रचना की पूर्णता न केवल मुख्य पात्रों के आंकड़ों से, बल्कि चित्र के आकार - टोंडो (गोल) से भी व्यक्त होती है, जो छवियों की स्वतंत्रता को बिल्कुल भी सीमित नहीं करती है। वे भारी और हल्के होते हैं। प्राकृतिकता और यथार्थवाद की छाप रचना में हल्के ठंडे रंगों और उनके विशेष संयोजनों के उपयोग के माध्यम से बनाई गई है: मैडोना का गहरा नीला लबादा, पारदर्शी नीला आकाश, हरे पेड़ और झील का पानी, सफेद चोटियों के साथ बर्फ से ढके पहाड़। यह सब, चित्र को देखने पर, पवित्रता और कोमलता की भावना पैदा करता है।

राफेल का एक और कम प्रसिद्ध काम, जो उनके काम की शुरुआती अवधि से भी संबंधित है, 1504 में बनाया गया एक कैनवास है जिसे "द बेटरोथल ऑफ मैरी" कहा जाता है। यह पेंटिंग वर्तमान में मिलान में ब्रेरा गैलरी में रखी गई है। यहां विशेष रुचि संरचनागत संरचना की है। सगाई के धार्मिक और अनुष्ठान कार्य को चित्रकार द्वारा दूर से दिखाई देने वाली चर्च की दीवारों से सड़क पर स्थानांतरित कर दिया गया था। संस्कार साफ हल्के नीले आकाश के नीचे किया जाता है। तस्वीर के केंद्र में एक पुजारी है, उसके बाईं ओर और दाईं ओर मैरी और जोसेफ हैं, जिनके बगल में युवा लड़कियां और लड़के छोटे समूहों में खड़े हैं। रचना के परिप्रेक्ष्य में, चर्च एक प्रकार की पृष्ठभूमि है जिसके विरुद्ध सगाई होती है। वह मैरी और जोसेफ के लिए दिव्य स्वभाव और अनुग्रह का प्रतीक है। चित्र की तार्किक पूर्णता इसके ऊपरी भाग में कैनवास के अर्धवृत्ताकार फ्रेम द्वारा दी गई है, जो चर्च के गुंबद की रेखा को दोहराता है।

चित्र में आकृतियाँ असामान्य रूप से गेय हैं और साथ ही प्राकृतिक भी हैं। यहां मानव शरीर की गतिविधियों, प्लास्टिसिटी को बहुत सटीक और सूक्ष्मता से व्यक्त किया गया है। इसका एक ज्वलंत उदाहरण रचना के अग्रभूमि में स्थित एक लड़के की आकृति है, जो अपने घुटने पर एक छड़ी तोड़ रहा है। दर्शकों को मैरी और जोसेफ सुंदर, लगभग अलौकिक लगते हैं। उनके आध्यात्मिक चेहरे प्रेम और कोमलता से भरे हुए हैं। आकृतियों की व्यवस्था में एक निश्चित समरूपता के बावजूद, कैनवास अपनी गीतात्मक ध्वनि नहीं खोता है। राफेल द्वारा बनाई गई छवियां योजनाएं नहीं हैं, वे अपनी भावनाओं की विविधता में जीवित लोग हैं।

यह इस काम में था कि पहली बार, पिछले कार्यों की तुलना में, युवा गुरु की प्रतिभा रचना की लय को सूक्ष्मता से व्यवस्थित करने की क्षमता में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुई। इस संपत्ति के कारण, बड़ी तस्वीरवास्तुशिल्प संरचनाओं की छवियां सामंजस्यपूर्ण रूप से शामिल हो जाती हैं, जो न केवल राफेल के परिदृश्य का एक तत्व हैं, बल्कि मुख्य पात्रों के बराबर भी बन जाती हैं, उनके सार और चरित्र को प्रकट करती हैं।

काम में एक विशेष लय बनाने की इच्छा भी कलाकार द्वारा कुछ स्वरों के रंगों के उपयोग से तय होती है। तो, "द बेटरोथल ऑफ़ मैरी" की रचना केवल चार रंगों पर बनी है।

सुनहरे-पीले, हरे और लाल स्वर, नायकों के कपड़ों, परिदृश्य, वास्तुकला में संयुक्त होते हैं और समग्र रचना की आवश्यक लय निर्धारित करते हुए, आकाश के हल्के नीले रंगों के साथ सामंजस्य बनाते हैं।

बहुत जल्द, पेरुगिनो की कला कार्यशाला चित्रकार की प्रतिभा के आगे विकास के लिए बहुत छोटी हो गई। 1504 में, राफेल ने फ्लोरेंस जाने का फैसला किया, जहां उच्च पुनर्जागरण कला के विचार और सौंदर्यशास्त्र विकसित किए जा रहे हैं। यहां राफेल माइकल एंजेलो और लियोनार्डो दा विंची के कार्यों से परिचित होते हैं। यह कहना सुरक्षित है कि वे युवा चित्रकार की रचनात्मक पद्धति के निर्माण के इस चरण में उसके शिक्षक थे। इन उस्तादों के कार्यों में, युवा कलाकार को कुछ ऐसा मिला जो उम्ब्रियन स्कूल में नहीं था: चित्र बनाने की मूल शैली, चित्रित आकृतियों की अभिव्यंजक प्लास्टिसिटी, वास्तविकता का अधिक चमकदार प्रतिनिधित्व।

1505 में राफेल द्वारा बनाए गए कार्यों में नए कलात्मक और दृश्य समाधान पहले से ही प्रतिबिंबित थे। उस समय फ्लोरेंस के कला के प्रसिद्ध संरक्षक एंजेलो डोनी और उनकी पत्नी के चित्र वर्तमान में पिट्टी गैलरी में रखे गए हैं। छवियाँ किसी भी वीरतापूर्ण करुणा और अतिशयोक्ति से रहित हैं। यह आम लोगहालाँकि, सर्वोत्तम मानवीय गुणों से संपन्न, जिनमें दृढ़ संकल्प और दृढ़ इच्छाशक्ति शामिल हैं।

यहां, फ्लोरेंस में, राफेल ने मैडोना को समर्पित चित्रों का एक चक्र बनाया है। उनके कैनवस "मैडोना इन द ग्रीन", "मैडोना विद ए गोल्डफिंच", "मैडोना द गार्डेनर" दिखाई देते हैं। ये रचनाएँ एक ही कृति के भिन्न रूप हैं। सभी कैनवस में छोटे जॉन द बैपटिस्ट के साथ मैडोना और बच्चे को दर्शाया गया है। आकृतियों को एक शानदार सुंदर परिदृश्य की पृष्ठभूमि में रखा गया है। राफेल की छवियाँ असामान्य रूप से गीतात्मक, कोमल और कोमल हैं। उनकी मैडोना सर्व-क्षमाशील, शांत मातृ प्रेम का प्रतीक है। इन कार्यों में, पात्रों की बाहरी सुंदरता के लिए एक निश्चित मात्रा में भावुकता और अत्यधिक प्रशंसा है।

इस अवधि के दौरान चित्रकार की कलात्मक पद्धति की एक विशिष्ट विशेषता रंग की स्पष्ट दृष्टि की कमी है, जो फ्लोरेंटाइन स्कूल के सभी मास्टर्स में निहित है। कैनवस पर कोई प्रमुख रंग नहीं हैं। छवियाँ पेस्टल रंगों में प्रस्तुत की गई हैं। यहां कलाकार के लिए रंग मुख्य बात नहीं है। उसके लिए अधिक महत्वपूर्ण यह है कि आकृति बनाने वाली रेखाओं को यथासंभव सटीक रूप से व्यक्त किया जाए।

फ्लोरेंस में, राफेल द्वारा स्मारकीय पेंटिंग के पहले नमूने बनाए गए थे। उनमें से, सबसे दिलचस्प 1506 से 1507 की अवधि में बनाई गई "मैडोना विद जॉन द बैपटिस्ट एंड सेंट" है। निकोलस" (या "मैडोना ऑफ एनसिडेई")। पर रचनात्मक विधिकलाकार काफी हद तक फ्लोरेंटाइन चित्रकारों, मुख्य रूप से लियोनार्डो दा विंची और फ्रा बार्टोलोमियो के कैनवस से प्रभावित थे।

1507 में, फ्लोरेंटाइन स्कूल के सर्वश्रेष्ठ उस्तादों, लियोनार्डो दा विंची और माइकल एंजेलो के साथ तुलना करने की इच्छा रखते हुए, राफेल ने एक बड़ा कैनवास बनाया, जिसे "द एंटोम्बमेंट" कहा गया। रचना के चित्रों के अलग-अलग तत्व प्रसिद्ध चित्रकारों की पुनरावृत्ति हैं। तो, ईसा मसीह का सिर और शरीर माइकल एंजेलो की मूर्तिकला "पिएटा" (1498-1501) से उधार लिया गया है, और मैरी का समर्थन करने वाली महिला की छवि उसी मास्टर "मैडोना डोनी" के कैनवास से ली गई है। कई कला इतिहासकार राफेल के इस काम को मौलिक नहीं मानते हैं, जो उनकी मूल प्रतिभा और कलात्मक और दृश्य पद्धति की विशेषताओं को प्रकट करता है।

अंतिम असफल कार्य के बावजूद, कला में राफेल की उपलब्धियाँ महत्वपूर्ण थीं। जल्द ही, समकालीन लोग युवा कलाकार के कार्यों को नोटिस करते हैं और पहचानते हैं, और लेखक स्वयं पुनर्जागरण के उत्कृष्ट उस्तादों के बराबर खड़ा हो जाता है। 1508 में, प्रसिद्ध वास्तुकार ब्रैमांटे, साथी देशवासी राफेल के संरक्षण में, चित्रकार रोम की यात्रा करता है, जहां वह पोप दरबार में आमंत्रित लोगों में से एक है।

जूलियस द्वितीय, जो उस समय पोप सिंहासन पर था, एक व्यर्थ, दृढ़ निश्चयी और मजबूत इरादों वाले व्यक्ति के रूप में जाना जाता था।
यह उनके शासनकाल के दौरान था कि युद्धों की मदद से पोप की संपत्ति का काफी विस्तार हुआ था। संस्कृति और कला के विकास के संबंध में भी वही "आक्रामक" नीति अपनाई गई। इसलिए, सबसे प्रसिद्ध कलाकारों, मूर्तिकारों और वास्तुकारों को पोप दरबार में आमंत्रित किया गया था। अनेक स्थापत्य इमारतों से सजा रोम, उल्लेखनीय रूप से बदलना शुरू हुआ: ब्रैमांटे ने सेंट पीटर के कैथेड्रल का निर्माण किया; माइकल एंजेलो ने जूलियस द्वितीय के मकबरे के निर्माण को अस्थायी रूप से निलंबित कर दिया, सिस्टिन चैपल की छत को चित्रित करना शुरू कर दिया। धीरे-धीरे, पोप के चारों ओर कवियों और वैज्ञानिकों का एक समूह बन गया, जो उच्च मानवतावादी सिद्धांतों और विचारों का प्रचार करते थे। फ्लोरेंस से आए राफेल सैंटी ऐसे ही माहौल में पड़ गए.

रोम पहुँचकर, राफेल ने पोप के अपार्टमेंट (तथाकथित छंद) को चित्रित करने का काम शुरू किया। भित्तिचित्र 1509 से 1517 की अवधि में बनाए गए थे। वे कई विशेषताओं के कारण अन्य उस्तादों के समान प्रकृति के कार्यों से अलग हैं। सबसे पहले, यह चित्रों का पैमाना है। यदि पिछले चित्रकारों के कार्यों में एक दीवार पर कई छोटी रचनाएँ थीं, तो राफेल के पास प्रत्येक पेंटिंग के लिए एक अलग दीवार है। तदनुसार, चित्रित आंकड़े भी "बड़े हुए"।

इसके अलावा, विभिन्न प्रकार के सजावटी तत्वों के साथ राफेल के भित्तिचित्रों की संतृप्ति पर ध्यान देना आवश्यक है: कृत्रिम संगमरमर और गिल्डिंग, फ्रेस्को और मोज़ेक रचनाओं से सजाए गए छत, और एक फैंसी पैटर्न के साथ चित्रित फर्श। हालाँकि, इस तरह की विविधता अतिरेक और अराजकता की छाप पैदा नहीं करती है। अपने स्थानों पर व्यवस्थित और कुशलता से व्यवस्थित सजावटी तत्व मास्टर द्वारा निर्धारित सद्भाव, व्यवस्था और एक निश्चित लय की भावना पैदा करते हैं। ऐसे रचनात्मक और तकनीकी नवाचारों के परिणामस्वरूप, चित्रों में कलाकार द्वारा बनाई गई छवियां दर्शकों को स्पष्ट रूप से दिखाई देती हैं और इसलिए आवश्यक स्पष्टता और स्पष्टता प्राप्त करती हैं।

सभी भित्तिचित्रों को एक सामान्य विषय का पालन करना था: कैथोलिक चर्च और उसके प्रमुख का महिमामंडन। इस संबंध में, पेंटिंग बाइबिल के दृश्यों और पापसी के इतिहास के दृश्यों (जूलियस द्वितीय और उनके उत्तराधिकारी लियो एक्स की छवियों के साथ) पर बनाई गई हैं। हालाँकि, राफेल में, ऐसी विशिष्ट छवियां एक सामान्यीकृत रूपक अर्थ प्राप्त करती हैं, जो पुनर्जागरण के मानवतावादी विचारों के सार को प्रकट करती हैं।

इस दृष्टिकोण से विशेष रुचि स्टैंज़ा डेला सेन्यातुरा (हस्ताक्षर कक्ष) है। रचना के भित्तिचित्र मानव आध्यात्मिक गतिविधि के चार क्षेत्रों की अभिव्यक्ति हैं। इस प्रकार, फ़्रेस्को "विवाद" धर्मशास्त्र को दर्शाता है, "द स्कूल ऑफ़ एथेंस" - दर्शनशास्त्र, "पर्नासस" - कविता, "बुद्धि, संयम और शक्ति" - न्याय। प्रत्येक भित्तिचित्र के ऊपरी भाग पर एक विशेष प्रकार की गतिविधि का प्रतिनिधित्व करने वाली एक आकृति की प्रतीकात्मक छवि अंकित है। तहखानों के कोनों में छोटी-छोटी रचनाएँ हैं, जो विषय-वस्तु में किसी न किसी भित्तिचित्र के समान हैं।

स्टैंज़ा डेला सेन्यातुरा में पेंटिंग की रचना बाइबिल और प्राचीन ग्रीक विषयों (बाइबिल - "द फ़ॉल", प्राचीन - "मार्सियस पर अपोलो की विजय") के संयोजन पर आधारित है। यह तथ्य कि पोप के कमरों को सजाने के लिए पौराणिक, बुतपरस्त और धर्मनिरपेक्ष विषयों के संयोजन का उपयोग किया गया था, उस समय के लोगों के धार्मिक हठधर्मिता के प्रति दृष्टिकोण की गवाही देता है। राफेल के भित्तिचित्रों ने चर्च-धार्मिक पर धर्मनिरपेक्ष शुरुआत की प्राथमिकता व्यक्त की।

सबसे आकर्षक और धार्मिक पंथ को पूरी तरह से प्रतिबिंबित करने वाली पेंटिंग "विवाद" थी। यहाँ रचना दो भागों में विभाजित प्रतीत होती है: स्वर्ग और पृथ्वी। नीचे, ज़मीन पर, चर्च के पिताओं के साथ-साथ पादरी, बुजुर्गों और युवाओं की आकृतियाँ हैं। उनकी छवियां असामान्य रूप से प्राकृतिक हैं, जो शरीर की प्लास्टिसिटी, घुमावों और आकृतियों की गतिविधियों के यथार्थवादी हस्तांतरण की मदद से बनाई गई हैं। यहां लोगों की भीड़ के बीच आप दांते, सवोनारोला, चित्रकार फ्रा बीटो एंजेलिको को आसानी से पहचान सकते हैं।

लोगों की आकृतियों के ऊपर पवित्र त्रिमूर्ति का प्रतीक चित्र हैं: ईश्वर पिता, उनसे थोड़ा नीचे - ईश्वर की माता और जॉन बैपटिस्ट के साथ यीशु मसीह, उनके नीचे - एक कबूतर - पवित्र आत्मा का अवतार। समग्र रचना के केंद्र में, साम्य के प्रतीक के रूप में, एक मेज़बान है।

"विवाद" में राफेल रचना के एक नायाब मास्टर के रूप में दिखाई देते हैं। कई प्रतीकों के बावजूद, चित्र छवियों की असाधारण स्पष्टता और लेखक के विचारों की स्पष्टता से अलग है। रचना के ऊपरी भाग में आकृतियों की व्यवस्था की समरूपता इसके निचले भाग में लगभग अव्यवस्थित रूप से रखी गई आकृतियों द्वारा नरम हो जाती है। और इसलिए, पहले की छवि की कुछ स्केचनेस मुश्किल से ध्यान देने योग्य हो जाती है। यहां क्रॉस-कटिंग रचनात्मक तत्व एक अर्धवृत्त है: बादलों पर संतों और प्रेरितों के ऊपरी भाग में स्थित एक अर्धवृत्त और, इसकी प्रतिध्वनि के रूप में, चित्र के निचले हिस्से में लोगों के मुक्त और अधिक प्राकृतिक आंकड़ों का एक अर्धवृत्त।

अपने काम की इस अवधि के राफेल के सर्वश्रेष्ठ भित्तिचित्रों और कार्यों में से एक पेंटिंग "द स्कूल ऑफ एथेंस" है। यह भित्तिचित्र कला से जुड़े उच्च मानवतावादी आदर्शों का प्रतीक है। प्राचीन ग्रीस. कलाकार ने प्रसिद्ध प्राचीन दार्शनिकों और वैज्ञानिकों को चित्रित किया। रचना के मध्य भाग में प्लेटो और अरस्तू की आकृतियाँ रखी गई हैं। प्लेटो का हाथ पृथ्वी की ओर इशारा करता है, और अरस्तू का - आकाश की ओर, जो प्राचीन दार्शनिकों की शिक्षाओं का प्रतीक है।

प्लेटो के बायीं ओर सुकरात की आकृति है, जो लोगों के एक समूह के साथ बातचीत कर रहा है, जिनके बीच युवा एल्सीबीएड्स का चेहरा स्पष्ट रूप से उभर कर सामने आता है, जिसका शरीर एक खोल द्वारा संरक्षित है, और उसका सिर एक हेलमेट से ढका हुआ है। सीढ़ियों पर संस्थापक डायोजनीज को रखा गया है दार्शनिक विद्यालयनिंदक. यहां उन्हें एक भिखारी के रूप में दर्शाया गया है जो मंदिर के प्रवेश द्वार पर खड़ा है और भीख मांग रहा है।

रचना के निचले भाग में लोगों के दो समूह हैं। बाईं ओर छात्रों से घिरे पाइथागोरस की आकृति दिखाई गई है। दाईं ओर - यूक्लिड, स्लेट बोर्ड पर कुछ बना रहा है, और वह भी छात्रों से घिरा हुआ है। अंतिम समूह के दाहिनी ओर जोरोस्टर और मुकुटधारी टॉलेमी हैं जिनके हाथों में गोले हैं। पास में, लेखक ने अपना स्व-चित्र और चित्रकार सदोम का चित्र रखा (यह वह था जिसने स्टैन्ज़ा डेला सेन्यातुरा की पेंटिंग पर काम करना शुरू किया था)। केंद्र के बाईं ओर, कलाकार ने इफिसस के विचारशील हेराक्लिटस को रखा।

विवाद के भित्तिचित्रों पर छवियों की तुलना में, एथेंस स्कूल के आंकड़े बहुत बड़े और अधिक स्मारकीय हैं। ये असाधारण दिमाग और महान धैर्य से संपन्न नायक हैं। भित्तिचित्रों की मुख्य छवियाँ प्लेटो और अरस्तू की हैं। उनका महत्व न केवल रचना में स्थान (वे एक केंद्रीय स्थान पर कब्जा करते हैं) से निर्धारित होता है, बल्कि चेहरे की अभिव्यक्ति और शरीर की विशेष प्लास्टिसिटी से भी निर्धारित होता है: इन आकृतियों में वास्तव में शाही मुद्रा और चाल है। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि लियोनार्डो दा विंची प्लेटो की छवि का प्रोटोटाइप बन गए। यूक्लिड की छवि लिखने का मॉडल वास्तुकार ब्रैमांटे था। हेराक्लीटस का प्रोटोटाइप सिस्टिन चैपल की छत पर माइकल एंजेलो द्वारा चित्रित चित्र था। कुछ विद्वानों का सुझाव है कि हेराक्लीटस की छवि स्वयं माइकल एंजेलो के गुरु द्वारा नकल की गई थी।

यहां विषय भी बदलता है: भित्तिचित्र मानव मन और मानव इच्छा के लिए एक प्रकार का भजन जैसा लगता है। यही कारण है कि सभी पात्र भव्य वास्तुशिल्प इमारतों की पृष्ठभूमि में स्थित हैं, जो मानव मन और रचनात्मक विचार की अनंतता का प्रतीक हैं। यदि "विवाद" के पात्र निष्क्रिय हैं, तो "एथेनियन स्कूल" में प्रस्तुत छवियां उनके जीवन के सक्रिय और ऊर्जावान निर्माता, विश्व सामाजिक व्यवस्था के ट्रांसफार्मर हैं।

फ़्रेस्को के रचनात्मक समाधान भी दिलचस्प हैं। तो, पृष्ठभूमि में स्थित प्लेटो और अरस्तू की आकृतियाँ, इस तथ्य के कारण कि उन्हें गति में दिखाया गया है, चित्र में मुख्य हैं। इसके अलावा, वे रचना का गतिशील केंद्र बनाते हैं। गहराई से बाहर निकलते हुए, वे दर्शक की ओर आगे बढ़ते हुए प्रतीत होते हैं, जिससे गतिशीलता, रचना के विकास का आभास होता है, जिसे अर्धवृत्ताकार मेहराब द्वारा तैयार किया गया है।

स्टैंज़ा डी'एलियोडोरो के मुहरों के कमरे के पीछे की पेंटिंग पर काम रफाल द्वारा 1511 और 1514 के बीच किया गया था। इस कमरे के भित्तिचित्रों के विषय बाइबिल की किंवदंतियाँ और पोप के इतिहास के तथ्य थे, जो कहानियों से अलंकृत थे जिनमें मुख्य स्थान दैवीय विधान और चमत्कार को दिया गया था।

कमरे को इसका नाम फ्रेस्को "एलियोडोर का निष्कासन" पर सजावटी काम पूरा होने के बाद मिला, जिसका कथानक सीरियाई कमांडर एलियोडोर की कहानी पर आधारित था, जो यरूशलेम महल में संग्रहीत धन चुराना चाहता था। हालाँकि, आकाश सवार ने उसे रोक दिया। भित्ति चित्र इस बात की याद दिलाता है कि कैसे पोप जूलियस द्वितीय की सेना ने पोप राज्यों से फ्रांसीसी सेना को हराया और अपमानित किया।

हालाँकि, यह भित्तिचित्र कलाकार के रचनात्मक इरादे को व्यक्त करने की शक्ति से अलग नहीं है। यह संभवतः इस तथ्य के कारण है कि समग्र रचना दो अलग-अलग भागों में विभाजित है। बाईं ओर एक खूबसूरत सवार है, जो दो स्वर्गदूतों के साथ मिलकर एलियोडोर पर हमला करने की कोशिश कर रहा है। भित्तिचित्र के दाहिनी ओर जूलियस द्वितीय एक स्ट्रेचर पर लेटा हुआ है। स्ट्रेचर का समर्थन करने वालों में, चित्रकार ने प्रसिद्ध जर्मन चित्रकार अल्ब्रेक्ट ड्यूरर को चित्रित किया। कथानक की कथित वीरतापूर्ण करुणा के बावजूद, यहां राफेल की छवियां पूरी तरह से गतिशीलता और नाटक से रहित हैं।

चरित्र में कुछ हद तक मजबूत और रचनात्मक संरचना में परिपूर्ण एक भित्तिचित्र है जिसे "मास इन बोलसेना" कहा जाता है। इसका कथानक एक अविश्वासी पुजारी की कहानी पर आधारित है जिसका वफ़र संस्कार के दौरान खून से सना हुआ था। राफेल के कैनवास पर इस चमत्कार के गवाह पोप जूलियस द्वितीय, उनके पीछे स्थित कार्डिनल्स और गार्ड से स्विस थे।

प्रसिद्ध कलाकार के इस काम की एक विशिष्ट विशेषता पिछले कार्यों की तुलना में, पात्रों के चित्रण में स्वाभाविकता और स्वाभाविकता की बड़ी डिग्री थी। ये अब अमूर्त आकृतियाँ नहीं हैं जो अपनी बाहरी सुंदरता से विस्मित करती हैं, बल्कि बिल्कुल वास्तविक लोग हैं। इसका सबसे बड़ा सबूत पोप गार्डों की स्विस छवियां हैं, जिनके चेहरे आंतरिक ऊर्जा से भरे हुए हैं, जो एक मजबूत मानवीय इच्छा व्यक्त करते हैं। हालाँकि, उनकी भावनाएँ कलाकार का रचनात्मक आविष्कार नहीं हैं। ये बहुत वास्तविक मानवीय भावनाएँ हैं।

इस काम में, लेखक रंग, कैनवास और छवियों की रंगीन परिपूर्णता पर बहुत ध्यान देता है। चित्रकार अब न केवल आकृतियों की समोच्च रेखाओं के सटीक हस्तांतरण के बारे में चिंतित है, बल्कि छवियों के रंग संतृप्ति, एक निश्चित स्वर के माध्यम से उनकी आंतरिक दुनिया के प्रदर्शन के बारे में भी चिंतित है।

समान रूप से अभिव्यंजक फ्रेस्को "पीटर का उत्पादन" है, जो एक देवदूत द्वारा प्रेरित पीटर की मुक्ति के दृश्य को दर्शाता है। कला इतिहासकारों का मानना ​​है कि यह तस्वीर पोप के उत्तराधिकारी लियो एक्स (जो बाद में पोप बने) की फ्रांसीसी कैद से शानदार रिहाई का प्रतीक है।

इस फ़्रेस्को में विशेष रुचि लेखक द्वारा पाया गया रचनात्मक और रंग समाधान है। यह रात की रोशनी को पुन: उत्पन्न करता है, जो समग्र रचना की नाटकीय प्रकृति को बढ़ाता है। सावधानीपूर्वक चयनित वास्तुशिल्प पृष्ठभूमि भी चित्र की सामग्री और अधिक भावनात्मक सामग्री के प्रकटीकरण में योगदान देती है: विशाल ईंटों से बना एक कालकोठरी, एक भारी धनुषाकार तिजोरी और एक जाली की मोटी पट्टियाँ।

स्टैंज़ा डी'एलियोडोरो में चौथा और आखिरी फ्रेस्को, जिसे बाद में "एटिला के साथ पोप लियो प्रथम की बैठक" कहा गया, राफेल के रेखाचित्रों के अनुसार उनके छात्रों, गिउलिओ रोमानो और फ्रांसेस्को पेनी द्वारा बनाया गया था। यह काम 1514 से 1517 की अवधि में किया गया था। मास्टर स्वयं, जो उस समय तक एक असामान्य रूप से लोकप्रिय कलाकार बन गए थे, जिनकी प्रसिद्धि पूरे इटली में फैली हुई थी, और जिन्हें बहुत सारे ऑर्डर मिले थे, पोप कक्षों को सजाने का काम पूरा नहीं कर सके। इसके अलावा, उस समय राफेल को सेंट पीटर कैथेड्रल का मुख्य वास्तुकार नियुक्त किया गया था, और उन्होंने रोम और उसके आसपास के क्षेत्र में की गई पुरातात्विक खुदाई का भी निरीक्षण किया था।

स्टैन्ज़ास डेल इंसेन्डियो को सुशोभित करने वाली पेंटिंग पोपशाही के इतिहास की कहानियों पर आधारित थीं। सभी भित्तिचित्रों में से, शायद केवल एक ही विशेष ध्यान देने योग्य है - "द फायर इन बोर्गो"। वह 847 में रोमन क्वार्टरों में से एक में लगी आग के बारे में बताती है। पोप लियो चतुर्थ ने तब आग बुझाने में भाग लिया। यह भित्तिचित्र आपदा से बचने की कोशिश कर रहे लोगों की छवि में अत्यधिक करुणा और कृत्रिम नाटक से अलग है: एक बेटा अपने पिता को ले जा रहा है, एक जवान आदमी दीवार पर चढ़ रहा है, एक लड़की एक जग पकड़े हुए है।

वेटिकन छंदों के भित्तिचित्र राफेल के काम के विकास को अच्छी तरह से दर्शाते हैं: कलाकार धीरे-धीरे प्रारंभिक कार्यों की आदर्श छवियों से नाटक की ओर बढ़ रहा है और साथ ही अंतिम काल से संबंधित कार्यों में जीवन के करीब आ रहा है ( कथानक रचनाएँऔर चित्र)।

रोम पहुंचने के लगभग तुरंत बाद, 1509 में, राफेल ने, मैडोना की थीम को जारी रखते हुए, कैनवास "मैडोना अल्बा" ​​लिखा। कॉन्स्टेबिले मैडोना की आकृतियों की तुलना में, अल्बा मैडोना की छवियां बहुत अधिक जटिल हैं। मैरी को यहां एक युवा महिला के रूप में दर्शाया गया है मजबूत चरित्र, ऊर्जावान और आत्मविश्वासी। शिशु की हरकतें उतनी ही मजबूत होती हैं। यह पेंटिंग टोंडो के रूप में है। हालाँकि, यहाँ आंकड़े पूर्ण रूप से लिखे गए हैं, जो गोल कैनवस के लिए विशिष्ट नहीं था। हालाँकि, आकृतियों की ऐसी व्यवस्था से स्थिर छवियों की उपस्थिति नहीं होती है। उन्हें, साथ ही संपूर्ण रचना को, गतिशीलता में दिखाया गया है। यह भावना इस तथ्य के कारण बनाई गई है कि गुरु मानव शरीर की गतिविधियों की प्लास्टिसिटी को सूक्ष्मता और सटीक रूप से बताता है।

कलाकार की रचनात्मक पद्धति के निर्माण के लिए विशेष महत्व की पेंटिंग "मैडोना इन द चेयर" (या "मैडोना डेला सेडिया") थी, जिस पर काम 1516 के आसपास पूरा हुआ था। रचना में विशिष्ट, वास्तविक तत्वों को पेश करके मैडोना की कुछ हद तक आदर्श छवि यहां जमीन पर उतारी गई है। इसलिए, उदाहरण के लिए, मैरी की छाती एक चौड़े चमकीले दुपट्टे के साथ एक झालर से ढकी हुई है। उस समय ऐसे स्कार्फ सभी इतालवी किसान महिलाओं की पसंदीदा पोशाक थे।

मैडोना, क्राइस्ट बच्चे और छोटे जॉन बैपटिस्ट की आकृतियाँ एक दूसरे के करीब स्थित हैं। ऐसा लगता है जैसे छवियाँ सहजता से एक दूसरे में प्रवाहित हो रही हैं। पूरी तस्वीर एक असामान्य रूप से उज्ज्वल गीतात्मक भावना से ओत-प्रोत है। मातृ प्रेम का शाश्वत विषय यहाँ न केवल मैरी की दृष्टि में, बल्कि उसकी आकृति की प्लास्टिसिटी में भी व्यक्त किया गया है। टोंडो का आकार पूरी रचना को तार्किक पूर्णता प्रदान करता है। एक गोल कैनवास पर रखी गई मैरी और बच्चे की आकृतियाँ, दो निकटतम लोगों: माँ और बच्चे की एकता का प्रतीक हैं। यह
राफेल की पेंटिंग को उनके समकालीनों ने न केवल चित्रफलक पेंटिंग के शिखर के रूप में मान्यता दी थी रचनात्मक निर्माण, लेकिन छवियों की प्लास्टिक लाइनों के सूक्ष्म स्थानांतरण के कारण भी।

10 के दशक से. 16 वीं शताब्दी राफेल वेदीपीठों के लिए रचनाओं पर काम कर रहा है। तो, 1511 में, फोलिग्नो मैडोना प्रकट हुई। और 1515 में, प्रसिद्ध कलाकार ने एक कैनवास बनाना शुरू किया, जो बाद में चित्रकार को एक महान गुरु की महिमा दिलाएगा और एक से अधिक पीढ़ी के लोगों का दिल जीत लेगा। "सिस्टिन मैडोना" एक पेंटिंग है जिसने राफेल की कलात्मक पद्धति के निर्माण में अंतिम चरण को चिह्नित किया। पिछले कार्यों की तुलना में, मातृत्व का विषय यहाँ प्राप्त हुआ है, सबसे बड़ा विकासऔर सबसे पूर्ण कार्यान्वयन।

कैथेड्रल में प्रवेश करते ही, दर्शकों की नज़र तुरंत मैडोना की राजसी आकृति पर टिक जाती है, जो शिशु यीशु मसीह को अपनी बाहों में लिए हुए है। यह प्रभाव पात्रों की एक विशेष रचनात्मक व्यवस्था द्वारा प्राप्त किया जाता है। आधा खुला पर्दा, संत सिक्सटस और बारबरा की आँखें, मैरी की ओर मुड़ गईं - इन सबका उद्देश्य युवा माँ को उजागर करना और रचना का केंद्र बनाना है।

मैडोना की छवि को प्रकट करने में, राफेल पुनर्जागरण कलाकारों से बहुत दूर चला गया। यहां मैडोना सीधे दर्शक से बात करती है। वह एक बच्चे के साथ व्यस्त नहीं है (लियोनार्डो दा विंची की मैडोना की तरह) और खुद में डूबी नहीं है (मास्टर के शुरुआती कार्यों की नायिकाओं की तरह)। यह मैरी, बर्फ़-सफ़ेद बादलों के बीच से दर्शक की ओर बढ़ती हुई, उससे बातचीत कर रही है। उसकी चौड़ी आंखों में आप देख सकते हैं मां का प्यार, और कुछ भ्रम, और निराशा, और विनम्रता, और अपने बेटे के भविष्य के भाग्य के लिए गहरी चिंता। वह, एक द्रष्टा के रूप में, वह सब कुछ जानती है जो उसके बच्चे के साथ घटित होगा। हालाँकि, लोगों को बचाने की खातिर, माँ उसकी बलि देने के लिए तैयार है। शिशु मसीह की छवि उसी गंभीरता से संपन्न है। उसकी नज़र में, मानो पूरी दुनिया घिरी हुई है, वह एक भविष्यवक्ता की तरह, हमें मानव जाति और अपने भाग्य के बारे में बताता है।

राफेल. सिस्टिन मैडोना. 1515-1519

मैरी की छवि नाटकीयता से भरपूर और असामान्य रूप से अभिव्यंजक है। हालाँकि, यह आदर्शीकरण से रहित है और अतिशयोक्तिपूर्ण विशेषताओं से संपन्न नहीं है। पूर्णता की भावना, छवि की संपूर्णता यहां रचना की गतिशीलता के कारण पैदा होती है, जो आंकड़ों की प्लास्टिसिटी और नायकों के कपड़ों की चिलमन के सटीक और वफादार हस्तांतरण द्वारा व्यक्त की जाती है। सभी आकृतियाँ प्रस्तुत हैं, सजीव, गतिशील, उज्ज्वल। मैरी का चेहरा, निःसंतान उदास आँखों वाले शिशु मसीह की तरह, भावनाओं की एक पूरी श्रृंखला व्यक्त करता है जो दर्शकों की आंखों के सामने एक के बाद एक बदलती रहती हैं: उदासी, चिंता, विनम्रता और अंत में, दृढ़ संकल्प।

कला इतिहासकारों के बीच, सिस्टिन मैडोना के प्रोटोटाइप का प्रश्न अभी भी खुला है। कुछ विद्वान इस छवि की पहचान "लेडी इन ए वेल" (1514) चित्र में चित्रित एक युवा महिला की छवि से करते हैं। हालाँकि, कलाकार के समकालीनों की गवाही के अनुसार, कैनवास "सिस्टिन मैडोना" पर मैरी किसी की विशिष्ट छवि के बजाय एक सामान्यीकृत प्रकार की महिला, एक राफेलियन आदर्श है।

राफेल के चित्रांकन कार्यों में 1511 में चित्रित पोप जूलियस द्वितीय का चित्र बहुत रुचिकर है। यहां एक वास्तविक व्यक्ति को एक प्रकार के आदर्श के रूप में दिखाया गया है, जो चित्रकार की रचनात्मक पद्धति की एक विशिष्ट विशेषता थी।

1515 में बनाया गया काउंट बाल्डासरे कास्टिग्लिओन का चित्र विशेष रूप से उल्लेखनीय है, जो एक शांत, संतुलित, सामंजस्यपूर्ण रूप से विकसित व्यक्ति को दर्शाता है। राफेल यहां रंग के अद्भुत स्वामी के रूप में दिखाई देते हैं। वह जटिल रंग संयोजन और स्वर परिवर्तन का उपयोग करता है। रंग की वही महारत चित्रकार के एक अन्य काम से भी अलग है: एक महिला चित्र "लेडी इन ए वेल" ("ला डोना वेलता", 1514), जहां रंग प्रमुख सफेद रंग है (महिला की बर्फ-सफेद पोशाक एक हल्के घूंघट को उजागर करती है)।

राफेल के काम में एक महत्वपूर्ण हिस्सा स्मारकीय कार्यों का है। उनके बाद के समान कार्यों में, सबसे दिलचस्प है, सबसे पहले, वह भित्तिचित्र जो 1515 में विला फ़ार्नेसिना (पूर्व में अमीर चिगी की संपत्ति) की दीवारों को सुशोभित करता था "द ट्रायम्फ ऑफ़ गैलाटिया"। यह चित्र असामान्य रूप से हर्षित मनोदशा से प्रतिष्ठित है। तस्वीरें सचमुच खुशियों से भरी हुई हैं। चमकीले, संतृप्त रंगों के एक विशेष संयोजन के उपयोग के माध्यम से एक समान स्वर बनाया जाता है: नग्न सफेद शरीर यहां पारदर्शी नीले आकाश और समुद्र की नीली लहरों के साथ सामंजस्यपूर्ण रूप से संयुक्त होते हैं।

राफेल का अंतिम स्मारकीय कार्य वेटिकन पैलेस की दूसरी मंजिल पर स्थित धनुषाकार गैलरी की दीवारों की सजावट थी। हॉल की सजावट कृत्रिम संगमरमर से बने चित्रों और मोज़ाइक से की गई थी। भित्तिचित्रों के कथानक कलाकार द्वारा बाइबिल की किंवदंतियों और तथाकथित से तैयार किए गए थे। ग्रोटेस्क (प्राचीन ग्रीक कब्रों पर पाई गई पेंटिंग - ग्रोटो)। कुल मिलाकर 52 पेंटिंग हैं। बाद में उन्हें सामान्य नाम "राफेल की बाइबिल" के तहत एक चक्र में जोड़ दिया गया। यह भी दिलचस्प है कि प्रसिद्ध कलाकार ने अपने छात्रों के साथ मिलकर वेटिकन पैलेस के हॉल को सजाने का काम किया, जिनमें गिउलिओ रोमानो, फ्रांसेस्को पेनी, पेरिनो डेल वागा, जियोवानी दा उडीन ने प्रमुख स्थान रखा।

राफेल की बाद की चित्रफलक पेंटिंग मास्टर के धीरे-धीरे बढ़ते रचनात्मक संकट का एक प्रकार का प्रतिबिंब और अभिव्यक्ति थीं। उच्च पुनर्जागरण के उस्तादों द्वारा बनाई गई छवियों के लगातार बढ़ते नाटकीयकरण के मार्ग का अनुसरण करते हुए, लेकिन साथ ही कलात्मक प्रतिनिधित्व के अपने स्वयं के, पहले से ही स्थापित तरीकों के प्रति सच्चे रहते हुए, राफेल शैली के विरोधाभासों पर आते हैं। उनके विचार व्यक्त करने के साधन और तरीके उनकी आंतरिक दुनिया और बाहरी सुंदरता को व्यक्त करने के मामले में गुणात्मक रूप से नई, अधिक उत्तम छवियां बनाने के लिए बहुत कम हो जाते हैं। राफेल के काम की इस अवधि को दर्शाने वाले ज्वलंत उदाहरण "कैरिंग द क्रॉस" (1517), चक्र "पवित्र परिवार" (लगभग 1518), वेदी रचना "ट्रांसफिगरेशन" हैं।

यह बहुत संभव है कि राफेल जैसे प्रतिभाशाली चित्रकार को ऐसे रचनात्मक गतिरोध से बाहर निकलने का रास्ता मिल गया होता, यदि अचानक मृत्यु नहीं होती, जिसने मास्टर के सभी समकालीनों को झकझोर कर रख दिया। 6 अप्रैल, 1520 को 37 वर्ष की आयु में राफेल सेंटी की मृत्यु हो गई। एक भव्य अंतिम संस्कार आयोजित किया गया। महान चित्रकार की राख रोम के पेंथियन में दफन है।

राफेल की कृतियाँ आज भी विश्व कला की उत्कृष्ट कृतियाँ बनी हुई हैं। ये तस्वीरें तो उदाहरण हैं शास्त्रीय कला, मानव जाति को एक परिपूर्ण, अलौकिक सौंदर्य दिखाने के लिए बुलाया गया था। उन्होंने दर्शकों के सामने एक ऐसी दुनिया पेश की जहां लोगों की भावनाएं और विचार ऊंचे हैं। राफेल का काम कला के लिए एक प्रकार का भजन है, जो एक व्यक्ति को बदल देता है, उसे स्वच्छ, उज्जवल, अधिक सुंदर बनाता है।

टिटियन (टिज़ियानो वेसेलियो)

टिज़ियानो वेसेलियो का जन्म पहाड़ों और वेनिस की संपत्ति के हिस्से में स्थित छोटे से शहर पाइव डि कैडोर में एक सैन्य परिवार में हुआ था। वैज्ञानिक टिटियन के जन्म की तारीख और वर्ष का सटीक निर्धारण नहीं कर पाए हैं। कुछ का मानना ​​है कि यह 1476-1477 है, अन्य - 1485-1490।

वैज्ञानिकों का सुझाव है कि वेसेलियो परिवार प्राचीन था और शहर में काफी प्रभावशाली था। पेंटिंग के लिए लड़के की शुरुआती प्रतिभा को देखते हुए, माता-पिता ने टिज़ियानो को वेनिस के मोज़ेक मास्टर की कला कार्यशाला में देने का फैसला किया। कुछ समय बाद, युवा वेसेलियो को कार्यशाला में अध्ययन करने के लिए नियुक्त किया गया, पहले जेंटाइल बेलिनी की, और फिर जियोवानी बेलिनी की। इसी समय, युवा कलाकार की मुलाकात जियोर्जियोन से हुई, जिसका प्रभाव उनके शुरुआती कार्यों में दिखाई दिया।

कलाकार के सभी कार्यों को दो अवधियों में विभाजित किया जा सकता है: पहला - तथाकथित। ज़ॉर्डज़ोनव्स्की - 1515-1516 तक (जब जियोर्जियोन का प्रभाव चित्रकार के कार्यों में सबसे अधिक दृढ़ता से व्यक्त होता है); दूसरा - 40 के दशक से। 16वीं शताब्दी (इस समय, टिटियन स्वर्गीय पुनर्जागरण की कला का प्रतिनिधित्व करने वाले पहले से ही स्थापित मास्टर हैं)।

प्रारंभिक चरण में जियोर्जियोन और पुनर्जागरण के चित्रकारों की कलात्मक पद्धति का अनुसरण करते हुए, टिटियन ने कलात्मक समस्याओं को हल करने के तरीकों पर पुनर्विचार किया। कलाकार के ब्रश के नीचे से नई छवियां सामने आती हैं, जो राफेल और लियोनार्डो दा विंची जैसी उत्कृष्ट और परिष्कृत आकृतियों से काफी भिन्न होती हैं। टिटियन के नायक सांसारिक, पूर्ण शरीर वाले, कामुक हैं, उनकी शुरुआत काफी हद तक बुतपरस्त है। चित्रकार के शुरुआती कैनवस एक साधारण रचना द्वारा प्रतिष्ठित हैं, जो, फिर भी, एक असामान्य रूप से हर्षित मनोदशा और बादल रहित खुशी, परिपूर्णता और सांसारिक जीवन की अनंतता की चेतना से व्याप्त है।

इस अवधि के कार्यों में, जो कलाकार की रचनात्मक पद्धति को पूरी तरह से व्यक्त करते हैं, सबसे हड़ताली पेंटिंग "लव ऑन अर्थ एंड हेवेन" है, जो 10 के दशक की है। 16 वीं शताब्दी। लेखक के लिए न केवल कथानक को व्यक्त करना महत्वपूर्ण है, बल्कि एक सुंदर परिदृश्य दिखाना भी महत्वपूर्ण है जो अस्तित्व की शांति और खुशी और एक महिला की कामुक सुंदरता के विचारों को उद्घाटित करता है।

महिला आकृतियाँ निस्संदेह उदात्त हैं, लेकिन वे जीवन से अमूर्त नहीं हैं और लेखक द्वारा उन्हें आदर्श नहीं बनाया गया है। नरम रंगों से चित्रित और पृष्ठभूमि में रखा गया परिदृश्य, सुंदर और सुरुचिपूर्ण, लेकिन साथ ही काफी वास्तविक, विशिष्ट महिला छवियों के लिए एक उत्कृष्ट पृष्ठभूमि के रूप में कार्य करता है: सांसारिक प्रेम और स्वर्गीय प्रेम। एक कुशलतापूर्वक बनाई गई रचना और रंग की सूक्ष्म भावना ने कलाकार को असामान्य रूप से सामंजस्यपूर्ण काम बनाने में मदद की, जिसका प्रत्येक तत्व सांसारिक प्रकृति और मनुष्य की प्राकृतिक सुंदरता को दिखाने की लेखक की इच्छा के अधीन हो गया।

टिटियन के बाद के काम असुंता (या मैरी का स्वर्गारोहण), जो 1518 में हुआ था, में वह शांत चिंतन और शांति नहीं है जो सांसारिक और स्वर्गीय प्रेम के काम में सुनाई देती है। वहाँ अधिक गतिशीलता, शक्ति, ऊर्जा है। रचना का केंद्रीय चित्र मैरी है, जिसे सांसारिक सुंदरता और ताकत से भरी एक युवा महिला के रूप में दिखाया गया है। प्रेरितों के विचार उस पर निर्देशित हैं, जिनकी छवियां उसी आंतरिक जीवन शक्ति और ऊर्जा को व्यक्त करती हैं। मानवीय सौंदर्य और मजबूत मानवीय भावना का एक प्रकार का भजन "बैचस एंड एराडने" (चक्र "बैचैनलिया", 1523 से) रचना है।

सांसारिक की महिमा महिला सौंदर्यटिटियन के एक अन्य कार्य का विषय बन गया, जिसे "वीनस ऑफ अर्बिनो" कहा जाता है। इसे 1538 में बनाया गया था। इस तथ्य के बावजूद कि छवि में कोई उदात्तता और आध्यात्मिकता नहीं है, उत्तरार्द्ध अभी भी कैनवास के सौंदर्य मूल्य को कम नहीं करता है। शुक्र यहाँ वास्तव में सुंदर है। हालाँकि, उसकी सुंदरता सांसारिक और प्राकृतिक है, जो टिटियन द्वारा बनाई गई छवि को बोटिसेली के शुक्र से अलग करती है।

हालाँकि, यह कहना गलत होगा कि कलाकार के काम के विकास के शुरुआती दौर की छवियां किसी व्यक्ति की केवल बाहरी सुंदरता का महिमामंडन करती हैं। उनका पूरा स्वरूप एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्ति को दर्शाता है, जिसकी बाहरी सुंदरता आध्यात्मिक के बराबर है और समान रूप से सुंदर आत्मा का उल्टा पक्ष है।

इस दृष्टिकोण से, सबसे बड़ी रुचि 1515 से 1520 की अवधि में बनाए गए कैनवास "सीज़र डेनारियस" पर यीशु मसीह की छवि है। टिटियन के यीशु को एक दिव्य, उत्कृष्ट, स्वर्गीय प्राणी के रूप में बिल्कुल नहीं दिखाया गया है। उनके चेहरे की आध्यात्मिक अभिव्यक्ति से पता चलता है कि दर्शक के सामने एक आदर्श मानसिक संगठन वाला एक महान व्यक्ति है।

1519 से 1526 की अवधि में लिखी गई वेदी रचना "मैडोना पेसारो" में बनाई गई छवियां उसी आध्यात्मिकता से भरी हुई हैं। ये नायक योजनाएं या अमूर्त नहीं हैं। एक जीवंत, वास्तविक तस्वीर का निर्माण काफी हद तक मास्टर द्वारा विभिन्न रंगों के उपयोग से सुगम होता है: मैरी का बर्फ-सफेद घूंघट, आसमानी नीला, लाल रंग, चमकदार लाल, नायकों के सुनहरे कपड़े, समृद्ध हरा कालीन। स्वरों की इस तरह की विविधता रचना में अराजकता नहीं लाती है, बल्कि, इसके विपरीत, चित्रकार को छवियों की एक सामंजस्यपूर्ण और सामंजस्यपूर्ण प्रणाली बनाने में मदद करती है।

1520 के दशक में टिटियन ने नाटकीय प्रकृति का पहला काम बनाया। यह प्रसिद्ध पेंटिंग "द एन्टोम्बमेंट" है। यहां ईसा मसीह की छवि की व्याख्या उसी तरह की गई है जैसे पेंटिंग "सीज़र डेनारियस" में की गई है। यीशु को एक ऐसे प्राणी के रूप में प्रस्तुत नहीं किया गया है जो मानव जाति को बचाने के लिए स्वर्ग से उतरा, बल्कि एक पूरी तरह से सांसारिक नायक के रूप में प्रस्तुत किया गया है जो एक असमान लड़ाई में गिर गया। कथानक की तमाम त्रासदी और नाटकीयता के बावजूद, कैनवास दर्शकों में निराशा का भाव पैदा नहीं करता है। इसके विपरीत, टिटियन द्वारा बनाई गई छवि आशावाद और वीरता का प्रतीक है, जो किसी व्यक्ति की आंतरिक सुंदरता, उसकी आत्मा की कुलीनता और ताकत को दर्शाती है।

यह चरित्र कलाकार के इस काम को उसके बाद के उसी नाम के काम, दिनांक 1559 से अलग करता है, जिसमें आशावादी मनोदशाओं का स्थान निराशाजनक त्रासदी ने ले लिया है। यहाँ, साथ ही टिटियन की एक अन्य पेंटिंग में - "सेंट की हत्या।" पीटर द शहीद", जिसकी रचना 1528 से 1530 की अवधि की है, मास्टर कलात्मक प्रतिनिधित्व की एक नई पद्धति का उपयोग करता है। कैनवस पर प्रस्तुत प्रकृति के चित्र ("द एंटोम्बमेंट" में सूर्यास्त को गहरे, उदास रंगों में दर्शाया गया है और "द असैसिनेशन ऑफ सेंट पीटर द शहीद" में हवा के तेज झोंकों के नीचे झुकते पेड़) मानवीय भावनाओं और जुनून की एक तरह की अभिव्यक्ति बन जाते हैं। महान मातृ प्रकृति यहां संप्रभु मनुष्य के प्रति समर्पण करती है। ऊपर उल्लिखित रचनाओं में टिटियन इस विचार की पुष्टि करते हैं कि प्रकृति में जो कुछ भी होता है वह मानवीय कार्यों के कारण होता है। वह संसार (प्रकृति सहित) का स्वामी और शासक है।

बहु-चित्रित रचनाएँ बनाने में कलाकार के कौशल के विकास में एक नया चरण "मंदिर का परिचय" नामक कैनवास था, दिनांक 1534-1538। इस तथ्य के बावजूद कि टिटियन ने यहां बहुत सारी छवियां लिखीं, वे सभी उनकी आंखों के सामने होने वाली एक महत्वपूर्ण घटना - मंदिर में मैरी का परिचय - में रुचि के कारण एक रचनात्मक समग्रता में एकजुट हो गईं। मुख्य पात्र की आकृति को छोटे (लेकिन कोई कम महत्वपूर्ण नहीं) पात्रों से स्थानिक विराम द्वारा अलग किया जाता है: वह एक सीढ़ी की सीढ़ियों द्वारा जिज्ञासु लोगों और पुजारियों की भीड़ से अलग हो जाती है। एक उत्सव का मूड, जो हो रहा है उसके महत्व की भावना इशारों और आंकड़ों की प्लास्टिसिटी द्वारा रचना में बनाई गई है। हालाँकि, चित्र में अग्रभूमि में रखे गए अंडा व्यापारी के चित्र को शामिल करने के कारण, काम की अत्यधिक करुणा कम हो जाती है और कलाकार द्वारा वर्णित स्थिति की यथार्थता और स्वाभाविकता की छाप बढ़ जाती है।

लोक छवियों की रचना का परिचय 30 के दशक की अवधि में टिटियन की कलात्मक और दृश्य पद्धति की एक विशिष्ट विशेषता है। XVI सदी। यह ये छवियां हैं जो मास्टर को एक बेहद सच्ची तस्वीर बनाने में मदद करती हैं।

एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्ति को दिखाने का सबसे संपूर्ण रचनात्मक विचार, आत्मा और शरीर दोनों में सुंदर, टिटियन के चित्र कार्यों में सन्निहित था। इस प्रकृति के पहले कार्यों में से एक है "दस्ताने के साथ एक युवा व्यक्ति का चित्रण।" कैनवास का निर्माण 1515 से 1520 की अवधि को संदर्भित करता है। एक युवा व्यक्ति की छवि उस समय के लोगों की एक पूरी पीढ़ी का प्रतिनिधित्व करती है - पुनर्जागरण। चित्र मानव आत्मा और शरीर के सामंजस्य के विचार का प्रतीक है। चौड़े कंधे, शरीर की ढीली प्लास्टिसिटी, लापरवाही से खुला शर्ट कॉलर, एक युवा व्यक्ति की नज़र से व्यक्त शांत आत्मविश्वास - सब कुछ का उद्देश्य मानव अस्तित्व की खुशी और एक सामान्य व्यक्ति की खुशी के बारे में लेखक के मुख्य विचार को व्यक्त करना है जो दुख नहीं जानता है और आंतरिक विरोधाभासों से टूटा नहीं है।

एक ही प्रकार के सामंजस्यपूर्ण रूप से व्यवस्थित खुशहाल व्यक्ति को कैनवस "वायलेंटे" और "पोर्ट्रेट ऑफ़ टॉमासो मोस्टी" (दोनों - 1515-1520) पर देखा जा सकता है।

बहुत बाद में बनाए गए चित्रों में, दर्शकों को अब छवियों की प्रकृति की वह सरलता और स्पष्ट निश्चितता नहीं मिलेगी, जो 1515-1520 की अवधि के समान कार्यों के लिए विशिष्ट थी। शुरुआती पात्रों की तुलना में टिटियन के दिवंगत पात्रों का सार कहीं अधिक जटिल और बहुआयामी है। लेखक की कलात्मक पद्धति में बदलाव का एक ज्वलंत उदाहरण 1540 के दशक के अंत में बनाई गई पेंटिंग "पोर्ट्रेट ऑफ़ इप्पोलिटो रिमिनाल्डी" है। चित्र में एक युवा व्यक्ति को दर्शाया गया है, जिसका चेहरा, छोटी दाढ़ी से घिरा हुआ, भावनाओं और भावनाओं के गहरे आंतरिक संघर्ष को व्यक्त करता है।

इस अवधि के दौरान टिटियन द्वारा बनाई गई छवियां उच्च पुनर्जागरण की कला के लिए विशिष्ट नहीं हैं: वे जटिल, कई मायनों में विरोधाभासी और नाटकीय हैं। ये रचना के नायक हैं, जिसे "एलेसेंड्रो और ओटावियो फ़ार्नीज़ के साथ पोप पॉल III का चित्रण" कहा जाता है। कैनवास 1545 से 1546 की अवधि में बनाया गया था। पोप पॉल III को एक चालाक और अविश्वासी व्यक्ति के रूप में दिखाया गया है। वह अपने भतीजे ओटावियो, जो अदालत में एक प्रसिद्ध चापलूस और पाखंडी है, को चिंता और द्वेष से देखता है।

टिटियन ने खुद को कलात्मक रचना का एक उल्लेखनीय स्वामी दिखाया। इस कार्य में लोगों के चरित्रों का सार पात्रों की एक-दूसरे के साथ बातचीत, उनके हाव-भाव और मुद्राओं के माध्यम से प्रकट होता है।

चार्ल्स पंचम (1548) का चित्रण करने वाला एक चित्र राजसी सजावटी और यथार्थवादी तत्वों के संयोजन पर बनाया गया था। मॉडल की आंतरिक दुनिया को उत्कृष्ट सटीकता के साथ दिखाया गया है। दर्शक वही समझता है जो उसके सामने है विशेष व्यक्तिएक जटिल चरित्र के साथ, जिनमें से मुख्य विशेषताएं एक महान दिमाग और धैर्य के साथ-साथ चालाक, क्रूरता, पाखंड दोनों हैं।

टिटियन द्वारा बनाए गए चित्रों में, जो संरचनागत निर्माण की दृष्टि से सरल हैं, दर्शकों का सारा ध्यान छवि की आंतरिक दुनिया पर केंद्रित है। उदाहरण के लिए, कोई कैनवास "पोर्ट्रेट ऑफ़ एरेटिनो", दिनांक 1545 का हवाला दे सकता है। मॉडल को कलाकार द्वारा उस समय वेनिस के एक प्रसिद्ध व्यक्ति पिएत्रो एरेटिनो के रूप में चुना गया था, जो पैसे और सांसारिक सुखों के लिए अपने असाधारण लालच के लिए प्रसिद्ध हो गए थे। हालाँकि, इसके बावजूद, उन्होंने कला की बहुत सराहना की, वे स्वयं कई पत्रकारीय लेखों, बड़ी संख्या में हास्य, लघु कथाएँ और कविताओं के लेखक थे (हालाँकि हमेशा नहीं)
सभ्य सामग्री)।

टिटियन ने अपने एक काम में ऐसे व्यक्ति को पकड़ने का फैसला किया। उनकी एरेटिनो एक जटिल यथार्थवादी छवि है, जिसमें सबसे विविध, कभी-कभी विरोधाभासी भावनाएं और चरित्र लक्षण भी शामिल हैं।

1543 में चित्रित पेंटिंग "बीहोल्ड द मैन" में एक व्यक्ति का उसके प्रति शत्रुतापूर्ण ताकतों के साथ दुखद संघर्ष दिखाया गया है। यह कथानक उस समय इटली में पुनर्जागरण के मानवतावादी विचारों के खिलाफ काउंटर-रिफॉर्मेशन के समर्थकों की बढ़ती सार्वजनिक प्रतिक्रिया से प्रेरित था। रचना में, उदात्त सार्वभौमिक आदर्शों के वाहक के रूप में मसीह की छवि पीलातुस का विरोध करती है, जिसे निंदक, दुष्ट और बदसूरत दिखाया गया है। के कारण से
पहली बार, काम में कामुक, सांसारिक सुखों और खुशियों से इनकार के नोट दिखाई देते हैं।

टिटियन। एलेसेंड्रो और ओटावियो फ़ार्नीज़ के साथ पोप पॉल III का पोर्ट्रेट। 1545-1546

1554 के आसपास लिखे गए कैनवास "डाने" की छवियों में भी वही आश्चर्यजनक कंट्रास्ट दिखाई देता है। यह काम उच्च स्तर के नाटक द्वारा प्रतिष्ठित है। इसमें, लेखक, पहले की तरह, मनुष्य की सुंदरता और खुशी के बारे में गाता है। हालाँकि, ख़ुशी क्षणिक और क्षणिक होती है। चित्र में पात्रों की मनोदशा और शांत तुष्टि की कोई अपरिवर्तनीयता नहीं है जो पहले बनाई गई छवियों ("पृथ्वी और स्वर्ग पर प्रेम", "उरबिनो का शुक्र") को अलग करती है।

काम में मुख्य विषय सुंदर और बदसूरत, उच्च और निम्न का टकराव है। और अगर एक युवा लड़की किसी व्यक्ति में मौजूद सबसे उदात्तता को व्यक्त करती है, तो एक बूढ़ी नौकरानी, ​​​​सुनहरे बारिश के सिक्कों को पकड़ने की कोशिश करती है, निम्नतम मानवीय गुणों को व्यक्त करती है: स्वार्थ, लालच, संशयवाद।

रचना में गहरे और हल्के स्वरों के एक निश्चित संयोजन द्वारा नाटक पर जोर दिया गया है। यह पेंट की मदद से है कि कलाकार चित्र में अर्थपूर्ण उच्चारण रखता है। तो, एक युवा लड़की सुंदरता और उज्ज्वल भावनाओं का प्रतीक है। और बूढ़ी औरत, जो उदास अंधेरे स्वरों से घिरी हुई है, में एक आधार शुरुआत की अभिव्यक्ति शामिल है।

टिटियन के काम की यह अवधि न केवल नाटक से भरी विरोधाभासी छवियों के निर्माण की विशेषता है। साथ ही, कलाकार कई कृतियों को चित्रित करता है, जिसका विषय एक महिला की मनमोहक सुंदरता है। हालाँकि, इस तथ्य पर ध्यान देना अभी भी आवश्यक है कि ये कार्य उस आशावादी और जीवन-पुष्टि करने वाले मूड से रहित हैं, जो उदाहरण के लिए, लव ऑन अर्थ और हेवन और बैचेनलिया में लगता है। सबसे अधिक रुचि वाली पेंटिंगों में "डायना और एक्टेऑन", "शेफर्ड और निम्फ" (1559), "वीनस विद एडोनिस" शामिल हैं।

में से एक सर्वोत्तम कार्यटिटियन 60 के दशक में बनाई गई "कयुष्दा मैरी मैग्डलीन" नामक एक पेंटिंग है। 16 वीं शताब्दी। कई पुनर्जागरण कलाकारों ने बाइबिल की इस कहानी की ओर रुख किया। हालाँकि, टिटियन ने पश्चाताप करने वाली मैरी मैग्डलीन की छवि की पुनर्व्याख्या की। सुंदरता और स्वास्थ्य से भरपूर एक युवा महिला की छवि ईसाई पश्चाताप के बजाय, उदासी और खुशी की लालसा को व्यक्त करती है जो हमेशा के लिए खो गई है। मनुष्य, हमेशा की तरह, टिटियन में सुंदर है, लेकिन उसकी भलाई, शांति और मन की शांति बाहरी ताकतों पर निर्भर करती है। यह वे हैं जो किसी व्यक्ति के भाग्य में हस्तक्षेप करके आत्मा के सामंजस्य को नष्ट कर देते हैं। यह कोई संयोग नहीं है कि दुःख से त्रस्त मैग्डलीन की छवि को एक उदास परिदृश्य की पृष्ठभूमि में दिखाया गया है, जो काले आकाश को आसन्न काले बादलों से ढक देता है - एक पूर्वानुभव
तूफ़ान.

मानव पीड़ा का यही विषय प्रसिद्ध गुरु के बाद के कार्यों में भी सुना जाता है: "कांटों के मुकुट के साथ राज्याभिषेक" (1570) और "सेंट।" सेबस्टियन" (1570)।

द क्राउनिंग विद थॉर्न्स में, कलाकार द्वारा यीशु को एक सामान्य व्यक्ति के रूप में प्रस्तुत किया गया है, जो शारीरिक और सबसे महत्वपूर्ण, नैतिक गुणों में अपने उत्पीड़कों से आगे निकल जाता है।

हालाँकि, वह अकेला है और केवल इसलिए विजेता नहीं हो सकता। दृश्य की नाटकीय, भावनात्मक तीव्रता एक उदास, गहरे रंग से बढ़ जाती है।

बाहरी दुनिया के साथ संघर्ष में एक अकेले नायक का विषय "सेंट" कार्य में भी सुना जाता है। सेबस्टियन"। नायक को यहां एक राजसी टाइटन के रूप में दिखाया गया है - पुनर्जागरण की कला की एक छवि विशेषता। हालाँकि, वह अभी भी हार गया है।

चरित्र के प्रति शत्रुतापूर्ण ताकतों का प्रतीक परिदृश्य, यहां एक स्वतंत्र भूमिका निभाता है। कथानक की नाटकीयता के बावजूद, समग्र रूप से रचना जीवन-पुष्टि करने वाले मूड से ओत-प्रोत है।

मानव मन, ज्ञान और स्वीकृत आदर्शों के प्रति निष्ठा का एक प्रकार का भजन, 60 के दशक में बनाया गया गुरु का आत्म-चित्र है। 16 वीं शताब्दी

टिटियन की सबसे अभिव्यंजक पेंटिंगों में से एक को "पिएटा" (या "क्राइस्ट का विलाप") के रूप में मान्यता प्राप्त है, जो 1576 के आसपास लिखी गई थी। यहां एक पत्थर की जगह और एक उदास परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ दुःखी महिलाओं के आंकड़े दर्शाए गए हैं। मैरी, एक मूर्ति की तरह, दुःख में जम गई। मैग्डलीन की छवि असामान्य रूप से उज्ज्वल और गतिशील है: एक महिला की छवि जो आगे बढ़ने का प्रयास कर रही है, उसका हाथ ऊपर उठा हुआ है, उग्र लाल बाल लहरा रहे हैं, उसका मुंह थोड़ा खुला हुआ है, जिसमें से निराशा की चीख निकलने वाली है। यीशु को एक दिव्य दिव्य प्राणी के रूप में नहीं, बल्कि पूर्ण रूप में दिखाया गया है वास्तविक व्यक्ति, मानव जगत की शत्रु शक्तियों के साथ एक असमान लड़ाई में पराजित। छवियों की त्रासदी को टोनल और प्रकाश-और-छाया संक्रमणों की मदद से चित्र में व्यक्त किया गया है। मुख्य पात्र, मानो, रात के अंधेरे से प्रकाश की किरणों द्वारा छीन लिए गए हों।

टिटियन का यह कार्य गहरी भावनाओं से संपन्न व्यक्ति का महिमामंडन करता है। पेंटिंग "पिएटा" पुनर्जागरण में बनाए गए प्रकाश, उदात्त और राजसी नायकों को समर्पित एक प्रकार का विदाई गीत था।

दुनिया को खूबसूरत तस्वीरें देने वाले इस महान चित्रकार की 27 अगस्त, 1576 को संभवतः प्लेग से मृत्यु हो गई। उन्होंने अपने पीछे कई कैनवस छोड़े जो आज भी दर्शकों को निष्पादन की महारत और रंग की सूक्ष्म समझ से आश्चर्यचकित करते हैं। टिटियन एक अद्भुत मनोवैज्ञानिक, मानव आत्मा के पारखी के रूप में हमारे सामने आते हैं। उनके छात्रों में जैकोपो निग्रेटी (पाल्मा द एल्डर), बोनिफेसियो डी पिटाटी, पेरिस बोर्डोन, जैकोपो पाल्मा द यंगर जैसे कलाकार थे।

पुनर्जागरण की कला में विशिष्ट विशेषताएं

परिप्रेक्ष्य।अपने काम में त्रि-आयामी गहराई और स्थान जोड़ने के लिए, पुनर्जागरण कलाकारों ने रैखिक परिप्रेक्ष्य, क्षितिज रेखा और लुप्त बिंदु की अवधारणाओं को उधार लिया और उनका काफी विस्तार किया।

§ रेखीय परिदृश्य। रैखिक परिप्रेक्ष्य के साथ पेंटिंग करना खिड़की से बाहर देखने और खिड़की के फलक पर जो कुछ भी आप देखते हैं उसे चित्रित करने जैसा है। चित्र में वस्तुओं की दूरी के आधार पर उनके अपने आयाम होने लगे। जो दर्शक से दूर थे वे कम हो गए, और इसके विपरीत।

§ क्षितिज. यह उस दूरी पर एक रेखा है जिस पर वस्तुएँ इस रेखा जितनी मोटी बिंदु तक सिकुड़ जाती हैं।

§ लोपी बिन्दु। यह वह बिंदु है जहां समानांतर रेखाएं दूर तक, अक्सर क्षितिज रेखा पर, मिलती हुई प्रतीत होती हैं। यह प्रभाव तब देखा जा सकता है जब आप रेल की पटरियों पर खड़े हों और हां की ओर जाने वाली रेल पटरियों को देखें।एल

छाया और प्रकाश.कलाकारों ने इसमें दिलचस्पी के साथ खेला कि कैसे प्रकाश वस्तुओं पर पड़ता है और छाया बनाता है। किसी पेंटिंग में किसी विशेष बिंदु पर ध्यान आकर्षित करने के लिए छाया और प्रकाश का उपयोग किया जा सकता है।

भावनाएँ।पुनर्जागरण कलाकार चाहते थे कि दर्शक उनके काम को देखकर कुछ महसूस करें, एक भावनात्मक अनुभव प्राप्त करें। यह दृश्य अलंकारिकता का एक रूप था जहां दर्शक किसी चीज़ में बेहतर बनने के लिए प्रेरित महसूस करता था।

यथार्थवाद और प्रकृतिवाद.परिप्रेक्ष्य के अलावा, कलाकारों ने वस्तुओं, विशेषकर लोगों को और अधिक यथार्थवादी बनाने की कोशिश की। उन्होंने मानव शरीर रचना का अध्ययन किया, अनुपात मापा और आदर्श मानव रूप की खोज की। लोग वास्तविक लग रहे थे और वास्तविक भावनाएँ दिखा रहे थे, जिससे दर्शक यह अनुमान लगा सके कि चित्रित लोग क्या सोच रहे थे और महसूस कर रहे थे।

"पुनर्जागरण" के युग को 4 चरणों में विभाजित किया गया है:

आद्य-पुनर्जागरण (13वीं शताब्दी का दूसरा भाग - 14वीं शताब्दी)

प्रारंभिक पुनर्जागरण (15वीं सदी की शुरुआत - 15वीं सदी के अंत)

उच्च पुनर्जागरण (15वीं सदी के अंत - 16वीं सदी के पहले 20 वर्ष)

देर से पुनर्जागरण (16वीं सदी के मध्य - 1590 के दशक)

आद्य-पुनर्जागरण

प्रोटो-पुनर्जागरण मध्य युग के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है, वास्तव में, यह दिखाई दिया उत्तर मध्य युगबीजान्टिन, रोमनस्क्यू और गॉथिक परंपराओं के साथ, यह अवधि पुनर्जागरण का अग्रदूत थी। इसे दो उप-अवधियों में विभाजित किया गया है: गियोटो डि बॉन्डोन की मृत्यु से पहले और उसके बाद (1337)। इतालवी कलाकार और वास्तुकार, प्रोटो-पुनर्जागरण युग के संस्थापक। पश्चिमी कला के इतिहास में प्रमुख शख्सियतों में से एक। बीजान्टिन आइकन-पेंटिंग परंपरा पर काबू पाने के बाद, वह इतालवी स्कूल ऑफ़ पेंटिंग के सच्चे संस्थापक बन गए, और अंतरिक्ष को चित्रित करने के लिए एक पूरी तरह से नया दृष्टिकोण विकसित किया। गियट्टो की रचनाएँ लियोनार्डो दा विंची, राफेल, माइकल एंजेलो से प्रेरित थीं। चित्रकला का केंद्रीय चित्र जिओट्टो था। पुनर्जागरण कलाकार उन्हें चित्रकला का सुधारक मानते थे। गियट्टो ने उस पथ की रूपरेखा तैयार की जिसके साथ इसका विकास हुआ: धर्मनिरपेक्ष सामग्री के साथ धार्मिक रूपों को भरना, समतल छवियों से त्रि-आयामी और राहत छवियों में क्रमिक संक्रमण, यथार्थवाद में वृद्धि, पेंटिंग में आंकड़ों की एक प्लास्टिक मात्रा पेश की गई, पेंटिंग में एक इंटीरियर को चित्रित किया गया।

13वीं शताब्दी के अंत में, मुख्य मंदिर भवन, सांता मारिया डेल फियोर का कैथेड्रल, फ्लोरेंस में बनाया गया था, लेखक अर्नोल्फो डि कंबियो थे, फिर गियोटो ने काम जारी रखा।

सबसे महत्वपूर्ण खोजें, प्रतिभाशाली स्वामी पहली अवधि में रहते हैं और काम करते हैं। दूसरा खंड इटली में फैली प्लेग महामारी से जुड़ा है।

प्रोटो-पुनर्जागरण की कला सबसे पहले मूर्तिकला (निकोलो और जियोवानी पिसानो, अर्नोल्फो डी कंबियो, एंड्रिया पिसानो) में प्रकट हुई। चित्रकला का प्रतिनिधित्व दो कला विद्यालयों द्वारा किया जाता है: फ़्लोरेंस और सिएना।

प्रारंभिक पुनर्जागरण

इटली में तथाकथित "प्रारंभिक पुनर्जागरण" की अवधि 1420 से 1500 तक के समय को कवर करती है। इन अस्सी वर्षों के दौरान, कला ने अभी तक हाल के अतीत (मध्य युग) की परंपराओं को पूरी तरह से त्याग नहीं किया है, लेकिन शास्त्रीय पुरातनता से उधार लिए गए तत्वों को उनमें मिलाने की कोशिश कर रही है। केवल बाद में, जीवन और संस्कृति की अधिक से अधिक बदलती परिस्थितियों के प्रभाव में, कलाकारों ने मध्ययुगीन नींव को पूरी तरह से त्याग दिया और साहसपूर्वक अपने कार्यों की सामान्य अवधारणा और उनके विवरण दोनों में प्राचीन कला के उदाहरणों का उपयोग किया।

जबकि इटली में कला पहले से ही शास्त्रीय पुरातनता की नकल के मार्ग पर दृढ़ता से चल रही थी, अन्य देशों में यह लंबे समय तक गोथिक शैली की परंपराओं पर कायम रही। आल्प्स के उत्तर में, और स्पेन में भी, पुनर्जागरण 15वीं शताब्दी के अंत में ही आता है, और इसकी शुरुआती समयअगली शताब्दी के मध्य तक रहता है।

प्रारंभिक पुनर्जागरण के कलाकार

इस अवधि के पहले और सबसे शानदार प्रतिनिधियों में से एक को प्रसिद्ध इतालवी चित्रकार, फ्लोरेंटाइन स्कूल के महानतम गुरु, क्वाट्रोसेंटो युग की पेंटिंग के सुधारक मासासिओ (मासासिओ टॉमासो डि जियोवानी डि सिमोन कसाई) माना जाता है।

अपने काम से, उन्होंने गॉथिक से एक नई कला में परिवर्तन में योगदान दिया, मनुष्य और उसकी दुनिया की महानता का महिमामंडन किया। मासासिओ का कला में योगदान 1988 में नवीनीकृत हुआ जब उनकी मुख्य रचना - सांता मारिया डेल कारमाइन, फ़्लोरेंस में ब्रैंकासी चैपल में भित्तिचित्र- उन्हें उनके मूल स्वरूप में बहाल कर दिया गया है।

- थियोफिलस, मासासिओ और फिलिपिनो लिप्पी के पुत्र का पुनरुत्थान

- मैगी की आराधना

- स्टेटर के साथ चमत्कार

इस काल के अन्य महत्वपूर्ण प्रतिनिधि सैंड्रो बोथीसेली थे। महान इतालवी पुनर्जागरण चित्रकार, फ्लोरेंटाइन स्कूल ऑफ़ पेंटिंग के प्रतिनिधि।

- शुक्र का जन्म

- शुक्र और मंगल

- वसंत

- मैगी की आराधना

उच्च पुनर्जागरण

पुनर्जागरण की तीसरी अवधि - उनकी शैली के सबसे शानदार विकास का समय - आमतौर पर "उच्च पुनर्जागरण" कहा जाता है। यह लगभग 1500 से 1527 तक इटली तक फैला हुआ था। इस समय, जूलियस द्वितीय के पोप सिंहासन पर बैठने के कारण, फ्लोरेंस से इतालवी कला के प्रभाव का केंद्र रोम में स्थानांतरित हो गया - एक महत्वाकांक्षी, साहसी, उद्यमशील व्यक्ति, जिसने इटली के सर्वश्रेष्ठ कलाकारों को अपने दरबार में आकर्षित किया, उन पर कई लोगों का कब्जा कर लिया और महत्वपूर्ण कार्यऔर दूसरों को कला के प्रति प्रेम का उदाहरण दे रहे हैं। इस पोप के अधीन और उसके तत्काल उत्तराधिकारियों के अधीन, रोम मानो पेरिकल्स के समय का नया एथेंस बन गया: इसमें कई स्मारकीय इमारतें बनाई गईं, शानदार मूर्तिकलाएँ बनाई गईं, भित्तिचित्र और पेंटिंग बनाई गईं, जिन्हें अभी भी पेंटिंग के मोती माना जाता है; एक ही समय में, कला की तीनों शाखाएँ सामंजस्यपूर्ण ढंग से साथ-साथ चलती हैं, एक-दूसरे की मदद करती हैं और परस्पर एक-दूसरे पर कार्य करती हैं। पुरातनता का अब अधिक गहनता से अध्ययन किया जा रहा है, अधिक कठोरता और निरंतरता के साथ पुनरुत्पादित किया जा रहा है; शांति और गरिमा उस चंचल सौंदर्य का स्थान ले लेती है जो पिछले काल की आकांक्षा थी; मध्यकाल की यादें पूरी तरह से गायब हो जाती हैं, और कला के सभी कार्यों पर पूरी तरह से शास्त्रीय छाप पड़ जाती है। लेकिन पूर्वजों की नकल कलाकारों में उनकी स्वतंत्रता को बाधित नहीं करती है, और महान संसाधनशीलता और कल्पना की जीवंतता के साथ, वे स्वतंत्र रूप से प्रक्रिया करते हैं और व्यवसाय में लागू करते हैं जिसे वे प्राचीन ग्रीको-रोमन कला से अपने लिए उधार लेना उचित समझते हैं।

तीन महान इतालवी गुरुओं का कार्य पुनर्जागरण के शिखर का प्रतीक है, यह लियोनार्डो दा विंची (1452-1519) हैं। लियोनार्डो डि सेर पिएरो दा विंचीमहान इतालवी पुनर्जागरण चित्रकार, फ्लोरेंटाइन स्कूल ऑफ़ पेंटिंग के प्रतिनिधि। इतालवी कलाकार (चित्रकार, मूर्तिकार, वास्तुकार) और वैज्ञानिक (शरीर रचना विज्ञानी, प्रकृतिवादी), आविष्कारक, लेखक, संगीतकार, उच्च पुनर्जागरण की कला के सबसे बड़े प्रतिनिधियों में से एक, इसका एक ज्वलंत उदाहरण " सार्वभौमिक आदमी»

पिछले खाना

मोना लीसा,

-विट्रुवियन पुरुष ,

- मैडोना लिट्टा

- चट्टानों में मैडोना

-मैडोना एक धुरी के साथ

माइकल एंजेलो बुओनारोटी (1475-1564) माइकलएंजेलो डि लोदोविको डि लियोनार्डो डि बुओनारोटी सिमोनी।इतालवी मूर्तिकार, चित्रकार, वास्तुकार [⇨], कवि [⇨], विचारक [⇨]। . पुनर्जागरण [⇨] और प्रारंभिक बारोक के महानतम गुरुओं में से एक। उनके कार्यों को स्वयं गुरु के जीवन के दौरान पुनर्जागरण कला की सर्वोच्च उपलब्धियाँ माना जाता था। माइकल एंजेलो उच्च पुनर्जागरण से लेकर प्रति-सुधार की उत्पत्ति तक, लगभग 89 वर्षों तक जीवित रहे, एक पूरा युग। इस अवधि के दौरान, तेरह पोपों को प्रतिस्थापित किया गया - उन्होंने उनमें से नौ के आदेशों का पालन किया।

आदम की रचना

अंतिम निर्णय

और राफेल सैंटी (1483-1520)। महान इतालवी चित्रकार, ग्राफिक कलाकार और वास्तुकार, उम्ब्रियन स्कूल के प्रतिनिधि।

- एथेंस स्कूल

-सिस्टिन मैडोना

- परिवर्तन

- अद्भुत माली

देर से पुनर्जागरण

इटली में स्वर्गीय पुनर्जागरण 1530 से 1590-1620 के दशक तक की अवधि को कवर करता है। दक्षिणी यूरोप में प्रति-सुधार की विजय हुई ( काउंटर सुधार(अव्य. विरोधाभास; से विपरीत- विरुद्ध और सुधार- परिवर्तन, सुधार) - 16वीं-17वीं शताब्दी के मध्य में यूरोप में एक कैथोलिक चर्च-राजनीतिक आंदोलन, सुधार के खिलाफ निर्देशित और रोमन कैथोलिक चर्च की स्थिति और प्रतिष्ठा को बहाल करने के उद्देश्य से।), जो मानव शरीर के जप और पुनर्जागरण विचारधारा की आधारशिला के रूप में पुरातनता के आदर्शों के पुनरुत्थान सहित किसी भी स्वतंत्र विचार से सावधान था। विश्वदृष्टि के विरोधाभासों और संकट की एक सामान्य भावना के परिणामस्वरूप फ्लोरेंस को दूरगामी रंगों और टूटी रेखाओं की "घबराहट" कला - व्यवहारवाद की ओर ले जाया गया। पर्मा में, जहां कोरेगियो ने काम किया, 1534 में कलाकार की मृत्यु के बाद ही व्यवहारवाद पहुंचा। वेनिस की कलात्मक परंपराओं के विकास का अपना तर्क था; 1570 के दशक के अंत तक, पल्लाडियो ने वहां काम किया (असली नाम)। एंड्रिया डि पिएत्रो)।स्वर्गीय पुनर्जागरण और व्यवहारवाद के महान इतालवी वास्तुकार।( ढंग(इतालवी से मनिएरा, तरीका) - 16वीं की पश्चिमी यूरोपीय साहित्यिक और कलात्मक शैली - 17वीं शताब्दी का पहला तीसरा। यह शारीरिक और आध्यात्मिक, प्रकृति और मनुष्य के बीच पुनर्जागरण सद्भाव की हानि की विशेषता है।) पल्लडियनवाद के संस्थापक ( पल्लडियनवादया पल्लाडियन वास्तुकला- क्लासिकवाद का प्रारंभिक रूप, जो इतालवी वास्तुकार एंड्रिया पल्लाडियो (1508-1580) के विचारों से विकसित हुआ। यह शैली समरूपता के सख्त पालन, परिप्रेक्ष्य को ध्यान में रखने और प्राचीन ग्रीस और रोम के शास्त्रीय मंदिर वास्तुकला के सिद्धांतों को उधार लेने पर आधारित है।) और क्लासिकवाद। संभवतः इतिहास का सबसे प्रभावशाली वास्तुकार।

एक प्रतिभाशाली डिजाइनर और प्रतिभाशाली वास्तुकार के रूप में एंड्रिया पल्लाडियो का पहला स्वतंत्र कार्य विसेंज़ा में बेसिलिका है, जिसमें उनकी मूल अद्वितीय प्रतिभा प्रकट हुई थी।

देश के घरों में, मास्टर की सबसे उत्कृष्ट रचना विला रोटुंडा है। एंड्रिया पल्लाडियो ने इसे विसेंज़ा में एक सेवानिवृत्त वेटिकन अधिकारी के लिए बनवाया था। यह पुनर्जागरण की पहली धर्मनिरपेक्ष इमारत होने के लिए उल्लेखनीय है, जिसे एक प्राचीन मंदिर के रूप में बनाया गया था।

एक अन्य उदाहरण पलाज़ो चिएरीकाटी है, जो असामान्य है क्योंकि इमारत की पहली मंजिल लगभग पूरी तरह से सार्वजनिक उपयोग के लिए दे दी गई थी, जो उस समय के शहर के अधिकारियों की आवश्यकताओं के अनुरूप थी।

पल्लाडियो के प्रसिद्ध शहरी निर्माणों में, ओलम्पिको थिएटर का उल्लेख निश्चित रूप से किया जाना चाहिए, जिसे एक एम्फीथिएटर की शैली में डिज़ाइन किया गया है।

टिटियन ( टिटियन वेसेलियो) इतालवी चित्रकार, उच्च और स्वर्गीय पुनर्जागरण के वेनिस स्कूल का सबसे बड़ा प्रतिनिधि। टिटियन का नाम माइकल एंजेलो, लियोनार्डो दा विंची और राफेल जैसे पुनर्जागरण कलाकारों के बराबर है। टिटियन ने बाइबिल और पौराणिक विषयों पर चित्र बनाए, वह एक चित्रकार के रूप में प्रसिद्ध हो गए। उन्हें राजाओं और पोपों, कार्डिनलों, ड्यूकों और राजकुमारों द्वारा नियुक्त किया गया था। टिटियन तीस साल का भी नहीं था जब उसे वेनिस में सर्वश्रेष्ठ चित्रकार के रूप में पहचाना गया।

उनके जन्म स्थान (वेनिस गणराज्य के बेलुनो प्रांत में पिवे डि कैडोर) से, उन्हें कभी-कभी कहा जाता है दा कैडोर; टिटियन द डिवाइन के नाम से भी जाना जाता है।

- वर्जिन मैरी का आरोहण

- बैचस और एराडने

- डायना और एक्टेऑन

- वीनस अर्बिनो

- यूरोपा का अपहरण

जिनके काम का फ्लोरेंस और रोम की कला में संकट की घटनाओं से बहुत कम संबंध था।

पुनर्जागरण चित्रकला की शुरुआत डुसेंटो के युग को माना जाता है, अर्थात। तेरहवीं सदी का अंत. प्रोटो-पुनर्जागरण अभी भी मध्ययुगीन रोमनस्क्यू के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है। गॉथिक और बीजान्टिन परंपराएँ। XIII के उत्तरार्ध के कलाकार - XIV सदियों की शुरुआत। आसपास की वास्तविकता के वैज्ञानिक अध्ययन से अभी भी दूर हैं। वे इसके बारे में अपने विचार व्यक्त करते हैं, अभी भी बीजान्टिन दृश्य प्रणाली की पारंपरिक छवियों का उपयोग करते हैं - चट्टानी पहाड़ियाँ, प्रतीकात्मक पेड़, सशर्त बुर्ज। लेकिन कभी-कभी वास्तुशिल्प संरचनाओं की उपस्थिति इतनी सटीक रूप से पुन: प्रस्तुत की जाती है कि यह प्रकृति के रेखाचित्रों के अस्तित्व का संकेत देती है। पारंपरिक धार्मिक चरित्रों को वास्तविकता के गुणों - मात्रा, स्थानिक गहराई, भौतिक भौतिकता से संपन्न दुनिया में चित्रित किया जाने लगा है। आयतन और त्रि-आयामी अंतरिक्ष के तल पर संचरण विधियों की खोज शुरू होती है। इस समय के स्वामी रूपों के काइरोस्कोरो मॉडलिंग के प्रसिद्ध पुरातन सिद्धांत को पुनर्जीवित करते हैं। इसके लिए धन्यवाद, आकृतियाँ और इमारतें घनत्व और आयतन प्राप्त करती हैं।

जाहिर है, प्राचीन परिप्रेक्ष्य को लागू करने वाले पहले व्यक्ति फ्लोरेंटाइन सेनी डि पेपो (1272 से 1302 तक का डेटा) थे, उपनाम सीमाब्यू. दुर्भाग्य से, उनका सबसे महत्वपूर्ण काम - असीसी में सैन फ्रांसेस्को के चर्च में एपोकैलिप्स, मैरी और प्रेरित पीटर के जीवन के विषयों पर चित्रों की एक श्रृंखला, लगभग बर्बाद स्थिति में हमारे पास आई है। उनकी वेदी रचनाएँ, जो फ़्लोरेंस और लौवर संग्रहालय में हैं, बेहतर संरक्षित हैं। वे बीजान्टिन प्रोटोटाइप पर भी वापस जाते हैं, लेकिन वे स्पष्ट रूप से धार्मिक चित्रकला के लिए एक नए दृष्टिकोण की विशेषताएं दिखाते हैं। सिमाबु 13वीं शताब्दी की इतालवी चित्रकला से लौटता है, जिसने बीजान्टिन परंपराओं को अपने तत्काल मूल में अपनाया था। उन्होंने उनमें वह महसूस किया जो उनके समकालीनों के लिए दुर्गम बना हुआ था - छवियों की सामंजस्यपूर्ण शुरुआत और उदात्त हेलेनिक सुंदरता।

महान कलाकार साहसी नवप्रवर्तकों के रूप में सामने आते हैं जो पारंपरिक प्रणाली को अस्वीकार करते हैं। XIV सदी की इतालवी चित्रकला में ऐसे सुधारक को मान्यता दी जानी चाहिए गियट्टो डि बॉन्डोन(1266-1337) वह एक नई चित्रात्मक प्रणाली के निर्माता, समस्त यूरोपीय चित्रकला के महान सुधारक, नई कला के सच्चे संस्थापक हैं। यह एक ऐसी प्रतिभा है जो अपने समकालीनों और अपने कई अनुयायियों से बहुत ऊपर उठती है।

जन्म से एक फ्लोरेंटाइन, उन्होंने उत्तर में पडुआ और मिलान से लेकर दक्षिण में नेपल्स तक कई इतालवी शहरों में काम किया। गियट्टो की सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ जो हमारे पास आई हैं, वह पडुआ में चैपल डेल एरेना में भित्ति चित्रों का चक्र है, जो ईसा मसीह के जीवन के बारे में सुसमाचार की कहानियों को समर्पित है। यह अद्वितीय सचित्र समूह यूरोपीय कला के इतिहास में मील का पत्थर कार्यों में से एक है। मध्ययुगीन चित्रकला की विशेषता वाले अलग-अलग दृश्यों और आकृतियों के बजाय, गियट्टो ने एक एकल महाकाव्य चक्र बनाया। क्राइस्ट और मैरी के जीवन के 38 दृश्य ("मैरी और एलिजाबेथ की मुलाकात", "जूडस का चुंबन", "विलाप", आदि) पेंटिंग की भाषा से एक ही कथा में जुड़े हुए हैं। सामान्य सुनहरे बीजान्टिन पृष्ठभूमि के बजाय, गियट्टो एक परिदृश्य पृष्ठभूमि का परिचय देता है। आकृतियाँ अब अंतरिक्ष में तैरती नहीं हैं, बल्कि उनके पैरों के नीचे ठोस ज़मीन हासिल कर लेती हैं। और यद्यपि वे अभी भी निष्क्रिय हैं, वे मानव शरीर की शारीरिक रचना और गति की स्वाभाविकता को व्यक्त करने की इच्छा दिखाते हैं।

पेंटिंग में गियट्टो द्वारा किए गए सुधार ने उनके सभी समकालीनों पर गहरी छाप छोड़ी। एक महान चित्रकार के रूप में उनकी सर्वसम्मत समीक्षा, ग्राहकों और संरक्षकों की बहुतायत, इटली के कई शहरों में मानद कमीशन - यह सब बताता है कि समकालीन लोग उनकी कला के महत्व को पूरी तरह से समझते थे। लेकिन अगली पीढ़ियों ने डरपोक छात्रों के रूप में गियट्टो की नकल की, उससे विवरण उधार लिया।

गियट्टो के प्रभाव ने एक शताब्दी के बाद ही अपनी ताकत और फल प्राप्त किया। क्वाट्रोसेंटो के कलाकारों ने गियट्टो द्वारा निर्धारित कार्यों को पूरा किया।

पेंटिंग के संस्थापक क्वाट्रोसेंटो की महिमा फ्लोरेंटाइन कलाकार की है मस्सिओजिनकी बहुत कम उम्र में मृत्यु हो गई (1401-1428)। वह पुनर्जागरण चित्रकला की मुख्य समस्याओं को हल करने वाले पहले व्यक्ति थे - रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य. सांता मारिया डेल कारमाइन के फ्लोरेंटाइन चर्च के ब्रांकासी चैपल में उनके भित्तिचित्रों पर, शरीर रचना विज्ञान के नियमों के अनुसार चित्रित आंकड़े एक दूसरे के साथ और परिदृश्य के साथ जुड़े हुए हैं।

सांता मारिया डेल कारमाइन का चर्च एक प्रकार की अकादमी बन गया, जहाँ मासासिओ से प्रभावित कलाकारों की पीढ़ियों ने अध्ययन किया: पाओलो उकेलो, आंद्रेई कास्टाग्नो, डोमेनिको वेनिज़ियानो और माइकल एंजेलो तक कई अन्य।

फ्लोरेंटाइन स्कूल लंबे समय तक इटली की कला में अग्रणी रहा। इसमें अधिक रूढ़िवादी प्रवृत्ति भी थी। इस प्रवृत्ति के कुछ कलाकार भिक्षु थे, इसलिए कला के इतिहास में उन्हें मठवासी कहा गया। उनमें से सबसे प्रसिद्ध में से एक था फ़्रा (अर्थात भाई - भिक्षुओं की एक दूसरे से अपील) जियोवन्नी बीटो एंजेलिको दा फिसोल(1387-1455)। बाइबिल के पात्रों की उनकी छवियां मध्ययुगीन परंपराओं की भावना में लिखी गई हैं, वे गीतात्मकता, शांत गरिमा और चिंतन से भरी हैं। उनकी परिदृश्य पृष्ठभूमि पुनर्जागरण की विशेषता, प्रसन्नता की भावना से ओत-प्रोत है।

क्वाट्रोसेंटो के सबसे उत्कृष्ट कलाकारों में से एक - सैंड्रो बॉटलिकली(1445-1510) - प्रसिद्ध तानाशाह, राजनीतिज्ञ, परोपकारी, कवि और दार्शनिक लोरेंजो डे मेडिसी के दरबार के सौंदर्यवादी आदर्शों के प्रतिपादक, जिन्हें मैग्निफिसेंट का उपनाम दिया गया था। इस बेताज बादशाह का दरबार केन्द्र था कलात्मक संस्कृति, प्रसिद्ध दार्शनिकों, वैज्ञानिकों, कलाकारों को एकजुट करना।

प्रारंभिक पुनर्जागरण लगभग एक शताब्दी तक चला। यह उच्च पुनर्जागरण की अवधि तक पूरा हो गया है, जो केवल लगभग 30 वर्षों का है। इस समय रोम कलात्मक जीवन का प्रमुख केन्द्र बन गया।

XV-XVI सदियों के अंत तक। इसमें इटली में लंबे विदेशी हस्तक्षेप की शुरुआत, देश का विखंडन और गुलामी, स्वतंत्र शहरों की स्वतंत्रता का नुकसान, सामंती कैथोलिक प्रतिक्रिया को मजबूत करना शामिल है। लेकिन इतालवी लोगों में देशभक्ति की भावना बढ़ी, जिसने राजनीतिक सक्रियता और विकास में योगदान दिया राष्ट्रीय पहचान, राष्ट्रीय एकीकरण की इच्छा। लोकप्रिय चेतना में इस वृद्धि ने उच्च पुनर्जागरण की संस्कृति के लिए व्यापक लोक आधार तैयार किया।

सिन्क्वेसेंटो का अंत 1530 से जुड़ा है, जब इतालवी राज्यों ने अपनी स्वतंत्रता खो दी, शक्तिशाली यूरोपीय राजतंत्रों का शिकार बन गए। इटली का सामाजिक-राजनीतिक और आर्थिक संकट, जो औद्योगिक क्रांति पर नहीं, बल्कि अंतर्राष्ट्रीय व्यापार पर आधारित था, लंबे समय से तैयार किया जा रहा था। अमेरिका और नए व्यापार मार्गों की खोज ने इतालवी शहरों को लाभ से वंचित कर दिया अंतर्राष्ट्रीय व्यापार. लेकिन, जैसा कि आप जानते हैं, संस्कृति के इतिहास में, कला के उत्कर्ष की अवधि समाज के सामान्य सामाजिक-आर्थिक विकास के साथ मेल नहीं खाती है। और आर्थिक गिरावट और राजनीतिक दासता के दौर में, इटली के लिए कठिन समय में, इतालवी पुनर्जागरण की एक छोटी सदी शुरू होती है - उच्च पुनर्जागरण। यह वह समय था जब इटली की मानवतावादी संस्कृति एक विश्व विरासत बन गई, एक स्थानीय घटना नहीं रह गई। इतालवी कलाकारअखिल यूरोपीय लोकप्रियता का आनंद लेना शुरू कर दिया, जिसके वे वास्तव में हकदार थे।

यदि क्वाट्रोसेंटो की कला विश्लेषण, खोज, खोज, एक युवा विश्वदृष्टि की ताजगी है, तो उच्च पुनर्जागरण की कला एक परिणाम, एक संश्लेषण, एक बुद्धिमान परिपक्वता है। क्वाट्रोसेंटो काल के दौरान एक कलात्मक आदर्श की खोज ने कला को सामान्यीकरण की ओर, सामान्य पैटर्न के प्रकटीकरण की ओर अग्रसर किया। उच्च पुनर्जागरण की कला के बीच मुख्य अंतर यह है कि यह सामान्यीकृत छवि के नाम पर विवरण, विवरण, विवरणों का त्याग करती है। सभी अनुभव, पूर्ववर्तियों की सभी खोजों को सिनेक्वेसेंटो के महान गुरुओं द्वारा एक भव्य सामान्यीकरण में संपीड़ित किया गया है।

उच्च पुनर्जागरण के कलाकारों की यथार्थवादी पद्धति विचित्र है। वे आश्वस्त हैं कि महत्वपूर्ण केवल एक सुंदर खोल में ही मौजूद हो सकता है। इसलिए, वे केवल असाधारण घटनाओं को ही देखते हैं जो रोजमर्रा की जिंदगी से ऊपर उठती हैं। इतालवी कलाकारों ने वीर व्यक्तित्व, सुंदर और मजबूत इरादों वाले लोगों की छवियां बनाईं।

यह पुनर्जागरण के दिग्गजों का युग था, जिसने विश्व संस्कृति को लियोनार्डो, राफेल, माइकल एंजेलो का काम दिया। विश्व संस्कृति के इतिहास में, ये तीन प्रतिभाएँ, अपनी सभी असमानताओं, रचनात्मक व्यक्तित्व के बावजूद, इतालवी पुनर्जागरण के मुख्य मूल्य - सौंदर्य, शक्ति और बुद्धि के सामंजस्य को दर्शाती हैं। इन कलाकारों (जिनकी शक्तिशाली मानवीय और कलात्मक व्यक्तित्व ने उन्हें प्रतिद्वंद्वी के रूप में कार्य करने, एक-दूसरे के साथ शत्रुतापूर्ण व्यवहार करने के लिए मजबूर किया) के भाग्य में बहुत कुछ समान था। इन तीनों का गठन फ्लोरेंटाइन स्कूल में हुआ था, और फिर संरक्षकों, मुख्य रूप से पोप के दरबार में काम किया। उनका जीवन कलाकार के रचनात्मक व्यक्तित्व के प्रति समाज के दृष्टिकोण में बदलाव का प्रमाण है, जो पुनर्जागरण की विशेषता है। कला के स्वामी समाज में प्रमुख और मूल्यवान व्यक्ति बन गए, उन्हें अपने समय के सबसे शिक्षित लोग माना जाता था।

यह विशेषता, शायद पुनर्जागरण के अन्य आंकड़ों से अधिक, के लिए उपयुक्त है लियोनार्डो दा विंसी(1452-1519) उन्होंने कलात्मक और वैज्ञानिक प्रतिभा का संयोजन किया। लियोनार्डो एक वैज्ञानिक थे जिन्होंने कला के लिए नहीं, बल्कि विज्ञान के लिए प्रकृति का अध्ययन किया। इसलिए, लियोनार्डो के बहुत कम तैयार कार्य हमारे पास आए हैं। उन्होंने चित्र बनाना शुरू किया और जैसे ही उन्हें समस्या स्पष्ट हुई, उन्होंने उन्हें छोड़ दिया। उनकी कई टिप्पणियाँ सदियों तक यूरोपीय विज्ञान और चित्रकला के विकास की आशा करती हैं। आधुनिक वैज्ञानिक खोजउनके विज्ञान-फाई इंजीनियरिंग चित्रों में रुचि जगाएं। रंगों पर लियोनार्डो के सैद्धांतिक चिंतन, जिसे उन्होंने पेंटिंग पर अपने ग्रंथ में रेखांकित किया, उन्नीसवीं सदी के प्रभाववाद के मुख्य आधार का अनुमान लगाते हैं। लियोनार्डो ने विषय के केवल प्रकाश पक्ष पर रंगों की ध्वनि की शुद्धता के बारे में, रंगों के पारस्परिक प्रभाव के बारे में, खुली हवा में पेंटिंग की आवश्यकता के बारे में लिखा। लियोनार्डो की इन टिप्पणियों का उनकी पेंटिंग में बिल्कुल भी उपयोग नहीं किया गया है। वह व्यावहारिक से अधिक सिद्धांतवादी थे। केवल 20वीं शताब्दी में ही उनकी विशाल पांडुलिपि विरासत (लगभग 7,000 पृष्ठ) का सक्रिय संग्रह और प्रसंस्करण शुरू हुआ। इसके अध्ययन से निस्संदेह पुनर्जागरण के इस महान कार्य के रहस्यों की नई खोजों और स्पष्टीकरणों को बढ़ावा मिलेगा।

कला में एक नया चरण द लास्ट सपर के कथानक पर सांता मारिया डेले ग्राज़ी के मठ की रेफ़ेक्टरी की दीवार की पेंटिंग थी, जिसे कई क्वाट्रोसेंटो कलाकारों द्वारा चित्रित किया गया था। "द लास्ट सपर" शास्त्रीय कला की आधारशिला है, इसने उच्च पुनर्जागरण के कार्यक्रम को अंजाम दिया। यह पूर्ण विचारशीलता, भागों और संपूर्ण के समन्वय, अपनी आध्यात्मिक एकाग्रता की शक्ति से प्रभावित करता है।

लियोनार्डो ने इस टुकड़े पर 16 साल तक काम किया।

दुनिया की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग्स में से एक लियोनार्डो की कृति "ला जियोकोंडा" थी। व्यापारी डेल जिओकोंडो की पत्नी के इस चित्र ने सदियों से ध्यान आकर्षित किया है, उनके बारे में सैकड़ों पृष्ठों की टिप्पणियाँ लिखी गई हैं, उनका अपहरण किया गया, जाली बनाई गई, नकल की गई, उन्हें जादू टोने की शक्ति का श्रेय दिया गया। मोना लिसा की मायावी चेहरे की अभिव्यक्ति सटीक वर्णन और पुनरुत्पादन को अस्वीकार करती है। होठों के कोनों में, ठोड़ी से गाल तक संक्रमण में रंगों में थोड़ा सा बदलाव (जो केवल चित्र की रोशनी पर निर्भर हो सकता है) चेहरे के चरित्र को बदल देता है। विभिन्न प्रतिकृतियों पर, जिओकोंडा थोड़ा अलग दिखता है, कभी-कभी थोड़ा नरम, कभी-कभी अधिक विडंबनापूर्ण, कभी-कभी अधिक विचारशील। मोनालिसा की शक्ल-सूरत में मायावीपन, उसकी भेदक निगाहों में मायावीपन, मानो दर्शक का अविभाज्य रूप से अनुसरण कर रही हो, उसकी अर्ध-मुस्कान में। यह चित्र पुनर्जागरण कला की उत्कृष्ट कृति बन गया है। विश्व कला के इतिहास में पहली बार, चित्र शैली किसी धार्मिक विषय पर रचनाओं के समान स्तर पर पहुंच गई है।

पुनर्जागरण की स्मारकीय कला के विचारों को के काम में एक ज्वलंत अभिव्यक्ति मिली राफेल सैंटी(1483-1520) लियोनार्डो ने बनाया शास्त्रीय शैली, राफेल ने इसे मंजूरी दी और लोकप्रिय बनाया। राफेल की कला को अक्सर "गोल्डन मीन" के रूप में परिभाषित किया जाता है। उनकी रचना अनुपातों के पूर्ण सामंजस्य के साथ, यूरोपीय चित्रकला में बनाई गई हर चीज से आगे निकल जाती है। पांच शताब्दियों से, राफेल की कला को मानव जाति के आध्यात्मिक जीवन में सौंदर्य पूर्णता के उदाहरणों में से एक के रूप में सर्वोच्च मील का पत्थर माना जाता है। राफेल का काम क्लासिक्स के गुणों से अलग है - स्पष्टता, महान सादगी, सद्भाव। अपने संपूर्ण सार के साथ, यह पुनर्जागरण की आध्यात्मिक संस्कृति से जुड़ा हुआ है।

राफेल के स्मारकीय कार्यों में सबसे उत्कृष्ट पोप के वेटिकन अपार्टमेंट में भित्ति चित्र हैं। बहु-आकृति वाली बड़े पैमाने की रचनाएँ तीन हॉलों की सभी दीवारों को कवर करती हैं। विद्यार्थियों ने पेंटिंग में राफेल की मदद की। सर्वश्रेष्ठ भित्तिचित्र, जैसे, उदाहरण के लिए, "द स्कूल ऑफ़ एथेंस", उन्होंने अपने हाथों से बनाए। भित्तिचित्र विषयों में मानव आध्यात्मिक गतिविधि के मुख्य क्षेत्रों के भित्तिचित्र-रूपक शामिल थे: दर्शन, कविता, धर्मशास्त्र और न्याय। राफेल के चित्रों और भित्तिचित्रों में - ईसाई छवियों, प्राचीन मिथकों और मानव इतिहास की एक आदर्श उदात्त छवि। वह जानता था कि पुनर्जागरण के किसी अन्य स्वामी की तरह सांसारिक अस्तित्व के मूल्यों और आदर्श विचारों को कैसे संयोजित किया जाए। उनकी कला की ऐतिहासिक खूबी यह है कि उन्होंने दो दुनियाओं को एक साथ जोड़ा - ईसाई दुनिया और बुतपरस्त दुनिया। उस समय से, पश्चिमी यूरोप की धार्मिक कला में नया कलात्मक आदर्श मजबूती से स्थापित हो गया है।

राफेल की उज्ज्वल प्रतिभा लियोनार्डो की तरह किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया में मनोवैज्ञानिक गहराई से बहुत दूर थी, लेकिन माइकल एंजेलो की दुखद विश्वदृष्टि से और भी अधिक अलग थी। माइकल एंजेलो के काम में, पुनर्जागरण शैली के पतन का संकेत दिया गया था और एक नए कलात्मक विश्वदृष्टि के अंकुरों की रूपरेखा तैयार की गई थी। माइकलएंजेलो बुओनारोटी(1475-1564) ने एक लंबा, कठिन और वीरतापूर्ण जीवन जिया। उनकी प्रतिभा वास्तुकला, चित्रकला, कविता, लेकिन सबसे स्पष्ट रूप से मूर्तिकला में प्रकट हुई। उन्होंने दुनिया को प्लास्टिक रूप से देखा, कला के सभी क्षेत्रों में वे मुख्य रूप से एक मूर्तिकार हैं। मानव शरीर उसे छवि का सबसे योग्य विषय लगता है। लेकिन यह एक विशेष, शक्तिशाली, वीर नस्ल का आदमी है। माइकल एंजेलो की कला मानव सेनानी, उसकी वीरतापूर्ण गतिविधि और पीड़ा के महिमामंडन के लिए समर्पित है। उनकी कला की विशेषता गिगेंटोमेनिया, एक टाइटैनिक शुरुआत है। यह चौकों, सार्वजनिक भवनों की कला है, न कि महल के हॉलों की, कला लोगों के लिए है, दरबारी अभिजात वर्ग के लिए नहीं।

उनके कार्यों में सबसे भव्य सिस्टिन चैपल की तिजोरी की पेंटिंग थी। माइकल एंजेलो ने वास्तव में टाइटैनिक काम किया - चार वर्षों तक उन्होंने अकेले लगभग 600 वर्ग मीटर के क्षेत्र को चित्रित किया। मीटर. दिन-ब-दिन वह 18 मीटर की ऊंचाई पर, मचान पर खड़े होकर और अपना सिर पीछे की ओर फेंकते हुए लिखते रहे। पेंटिंग के अंत के बाद, उनका स्वास्थ्य पूरी तरह से ख़राब हो गया था, और उनका शरीर ख़राब हो गया था (उनकी छाती धँस गई थी, उनका शरीर झुक गया था, गण्डमाला बढ़ गई थी; लंबे समय तक कलाकार सीधे सामने नहीं देख सकते थे और किताब को अपने सिर के ऊपर उठाकर पढ़ नहीं सकते थे)। भव्य पेंटिंग दुनिया के निर्माण से लेकर पवित्र इतिहास के दृश्यों को समर्पित है। माइकल एंजेलो ने छत पर लगभग 200 आकृतियाँ और आलंकारिक रचनाएँ चित्रित कीं। दायरे और अखंडता में माइकल एंजेलो की योजना जैसा कुछ कभी और कहीं नहीं रहा है। सिस्टिन चैपल की तिजोरी पर, उन्होंने वीर मानवता की महिमा के लिए एक भजन बनाया। उनके नायक जीवित लोग हैं, उनमें कुछ भी अलौकिक नहीं है, लेकिन साथ ही, वे अद्भुत शक्तिशाली, टाइटैनिक व्यक्तित्व भी हैं। माइकल एंजेलो से बहुत पहले, क्वाट्रोसेंटो मास्टर्स ने चैपल की दीवारों पर चर्च परंपरा के विभिन्न प्रसंगों को चित्रित किया था; माइकल एंजेलो तिजोरी पर मुक्ति से पहले मानव जाति के भाग्य को प्रस्तुत करना चाहते थे।

कोई भी विचार कि चित्र एक विमान है गायब हो जाता है। आकृतियाँ अंतरिक्ष में स्वतंत्र रूप से घूमती हैं। माइकलएंजेलो के भित्तिचित्र दीवार के समतल भाग को तोड़ते हैं। अंतरिक्ष और गति का यह भ्रम यूरोपीय कला की एक बड़ी उपलब्धि थी। माइकल एंजेलो की खोज कि सजावट दीवार और छत को आगे या पीछे धकेल सकती है, बाद में बारोक की सजावटी कला का उपयोग करती है।

कला, पुनर्जागरण की परंपराओं के प्रति वफादार, 16वीं शताब्दी में वेनिस में जीवित है, वह शहर जिसने अपनी स्वतंत्रता को सबसे लंबे समय तक बरकरार रखा है। इस समृद्ध देशभक्त-व्यापारी गणराज्य में, जिसने लंबे समय से बीजान्टियम के साथ, अरब पूर्व के साथ व्यापार संबंध बनाए रखा है, प्राच्य स्वाद और परंपराओं को अपने तरीके से संसाधित किया गया था। वेनिस की चित्रकला का मुख्य प्रभाव उसके असाधारण रंग में है। रंग के प्रति प्रेम ने धीरे-धीरे वेनिस स्कूल के कलाकारों को एक नए चित्रात्मक सिद्धांत की ओर अग्रसर किया। छवि की मात्रा, भौतिकता काले और सफेद मॉडलिंग द्वारा नहीं, बल्कि रंग मॉडलिंग की कला द्वारा प्राप्त की जाती है।

पुनर्जागरण मानव इतिहास की एक अभूतपूर्व घटना है। कला के क्षेत्र में ऐसी चमक फिर कभी नहीं आई। पुनर्जागरण के मूर्तिकार, वास्तुकार और कलाकार (सूची लंबी है, लेकिन हम सबसे प्रसिद्ध को छूएंगे), जिनके नाम हर कोई जानता है, उन्होंने दुनिया को अमूल्य दिया। अद्वितीय और असाधारण लोगों ने खुद को एक क्षेत्र में नहीं, बल्कि एक साथ कई क्षेत्रों में दिखाया।

प्रारंभिक पुनर्जागरण चित्रकला

पुनर्जागरण की एक सापेक्ष समय सीमा होती है। इसकी शुरुआत सबसे पहले इटली में हुई - 1420-1500। इस समय, चित्रकला और सामान्य तौर पर सभी कलाएँ हाल के अतीत से बहुत अलग नहीं हैं। हालाँकि, शास्त्रीय पुरातनता से उधार लिए गए तत्व पहली बार दिखाई देने लगते हैं। और केवल बाद के वर्षों में, आधुनिक जीवन स्थितियों और प्रगतिशील प्रवृत्तियों के प्रभाव में, पुनर्जागरण के मूर्तिकारों, वास्तुकारों और कलाकारों (जिनकी सूची बहुत लंबी है) ने अंततः त्याग कर दिया। मध्ययुगीन नींव. वे साहसपूर्वक अपने कार्यों के लिए प्राचीन कला के सर्वोत्तम उदाहरणों को सामान्य और व्यक्तिगत विवरण दोनों में अपनाते हैं। उनके नाम बहुत से लोग जानते हैं, आइए सबसे प्रतिभाशाली व्यक्तित्वों पर ध्यान दें।

मसासियो - यूरोपीय चित्रकला की प्रतिभा

यह वह थे जिन्होंने एक महान सुधारक बनकर चित्रकला के विकास में बहुत बड़ा योगदान दिया। फ्लोरेंटाइन मास्टर का जन्म 1401 में कलात्मक कारीगरों के परिवार में हुआ था, इसलिए स्वाद की भावना और सृजन की इच्छा उनके खून में थी। 16-17 साल की उम्र में वह फ्लोरेंस चले गए, जहां उन्होंने कार्यशालाओं में काम किया। महान मूर्तिकार और वास्तुकार डोनाटेलो और ब्रुनेलेस्की को उनका शिक्षक माना जाता है। उनके साथ संचार और अर्जित कौशल युवा चित्रकार को प्रभावित नहीं कर सके। पहले से, मासासिओ ने मानव व्यक्तित्व की एक नई समझ, मूर्तिकला की विशेषता, उधार ली। दूसरे मास्टर पर - आधार शोधकर्ता सैन जियोवेनेल (पहली तस्वीर में) के ट्रिप्टिच को पहला विश्वसनीय काम मानते हैं, जिसे शहर के पास एक छोटे से चर्च में खोजा गया था जिसमें मासासिओ का जन्म हुआ था। मुख्य कार्य सेंट पीटर के जीवन के इतिहास को समर्पित भित्तिचित्र हैं। कलाकार ने उनमें से छह के निर्माण में भाग लिया, अर्थात्: "द मिरेकल विद द स्टेटर", "द एक्सपल्शन फ्रॉम पैराडाइज", "द बैपटिज्म ऑफ नियोफाइट्स", "द डिस्ट्रीब्यूशन ऑफ प्रॉपर्टी एंड द डेथ ऑफ अनानियास", "द रिसरेक्शन ऑफ थियोफिलस सन", "सेंट पीटर हील्स द सिक विद हिज शैडो" और "सेंट पीटर इन द पल्पिट"।

पुनर्जागरण के इतालवी कलाकार वे लोग हैं जिन्होंने खुद को पूरी तरह से कला के लिए समर्पित कर दिया, सामान्य रोजमर्रा की समस्याओं पर ध्यान नहीं दिया, जो कभी-कभी उन्हें खराब अस्तित्व में ले जाती थीं। मासासिओ कोई अपवाद नहीं है: प्रतिभाशाली गुरु की मृत्यु बहुत पहले, 27-28 वर्ष की आयु में, महान कार्यों और बड़ी संख्या में ऋणों को छोड़कर हो गई।

एंड्रिया मेन्टेग्ना (1431-1506)

यह चित्रकारों के पडुआ स्कूल का प्रतिनिधि है। उन्हें कौशल की मूल बातें अपने दत्तक पिता से प्राप्त हुईं। यह शैली मासासिओ, एंड्रिया डेल कास्टाग्नो, डोनाटेलो और वेनिस पेंटिंग के कार्यों के प्रभाव में बनाई गई थी। इसने फ्लोरेंटाइन की तुलना में एंड्रिया मेन्टेग्ना के कुछ हद तक कठोर और कठोर तरीके को निर्धारित किया। वे प्राचीन काल के सांस्कृतिक कार्यों के संग्रहकर्ता एवं पारखी थे। अपनी शैली की बदौलत, किसी अन्य के विपरीत, वह एक प्रर्वतक के रूप में प्रसिद्ध हो गए। उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ हैं: "डेड क्राइस्ट", "सीज़र ट्राइंफ", "जूडिथ", "बैटल ऑफ़ द सी गॉड्स", "परनासस" (चित्रित), आदि। 1460 से अपनी मृत्यु तक, उन्होंने गोंजागा के ड्यूक के परिवार में एक दरबारी चित्रकार के रूप में काम किया।

सैंड्रो बोटिसेली(1445-1510)

बोथीसेली एक छद्म नाम है वास्तविक नाम- फ़िलिपी. उन्होंने तुरंत एक कलाकार का रास्ता नहीं चुना, बल्कि शुरुआत में आभूषण बनाने का अध्ययन किया। पहले स्वतंत्र कार्यों (कई मैडोनास) में मासासिओ और लिप्पी का प्रभाव महसूस किया जाता है। भविष्य में, उन्होंने खुद को एक चित्रकार के रूप में भी गौरवान्वित किया, अधिकांश ऑर्डर फ्लोरेंस से आए। शैलीकरण के तत्वों (पारंपरिक तकनीकों का उपयोग करके छवियों का सामान्यीकरण - रूप, रंग, मात्रा की सादगी) के साथ उनके काम की परिष्कृत और परिष्कृत प्रकृति उन्हें उस समय के अन्य उस्तादों से अलग करती है। लियोनार्डो दा विंची के समकालीन और युवा माइकल एंजेलो ने विश्व कला ("द बर्थ ऑफ वीनस" (फोटो), "स्प्रिंग", "एडोरेशन ऑफ द मैगी", "वीनस एंड मार्स", "क्रिसमस", आदि) पर एक उज्ज्वल छाप छोड़ी। उनकी पेंटिंग ईमानदार और संवेदनशील है, और उनका जीवन पथ जटिल और दुखद है। कम उम्र में दुनिया की रोमांटिक धारणा का स्थान परिपक्वता में रहस्यवाद और धार्मिक उत्साह ने ले लिया। अपने जीवन के अंतिम वर्ष, सैंड्रो बोथीसेली गरीबी और गुमनामी में रहे।

पिएरो (पिएत्रो) डेला फ्रांसेस्का (1420-1492)

एक इतालवी चित्रकार और प्रारंभिक पुनर्जागरण का एक अन्य प्रतिनिधि, मूल रूप से टस्कनी का रहने वाला। लेखक की शैली फ्लोरेंटाइन स्कूल ऑफ़ पेंटिंग के प्रभाव में बनी थी। कलाकार की प्रतिभा के अलावा, पिएरो डेला फ्रांसेस्का में गणित के क्षेत्र में उत्कृष्ट क्षमताएं थीं, और उन्होंने अपने जीवन के अंतिम वर्ष उन्हें समर्पित कर दिए, उन्हें अपने साथ जोड़ने का प्रयास किया। उच्च कला. परिणाम दो वैज्ञानिक ग्रंथ थे: "ऑन पर्सपेक्टिव इन पेंटिंग" और "द बुक ऑफ़ फाइव करेक्ट सॉलिड्स"। उनकी शैली छवियों की गंभीरता, सामंजस्य और बड़प्पन, रचनात्मक संतुलन, सटीक रेखाएं और निर्माण, रंगों की नरम श्रृंखला से प्रतिष्ठित है। पिएरो डेला फ्रांसेस्का के पास उस समय का अद्भुत ज्ञान था तकनीकी पक्षचित्रकला और परिप्रेक्ष्य की विशेषताएं, जिससे उन्हें अपने समकालीनों के बीच उच्च प्रतिष्ठा प्राप्त हुई। सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ: "द हिस्ट्री ऑफ़ द क्वीन ऑफ़ शीबा", "द फ़्लैगेलेशन ऑफ़ क्राइस्ट" (चित्रित), "द अल्टार ऑफ़ मोंटेफेल्ट्रो", आदि।

उच्च पुनर्जागरण चित्रकला

यदि आद्य-पुनर्जागरण और प्रारंभिक युगक्रमशः लगभग डेढ़ शताब्दी और एक शताब्दी तक चली, फिर यह अवधि केवल कुछ दशकों (इटली में 1500 से 1527 तक) को कवर करती है। यह एक उज्ज्वल, चमकदार फ्लैश था जिसने दुनिया को महान, बहुमुखी और प्रतिभाशाली लोगों की एक पूरी श्रृंखला दी। कला की सभी शाखाएँ साथ-साथ चलीं, इसलिए कई स्वामी वैज्ञानिक, मूर्तिकार, आविष्कारक और केवल पुनर्जागरण कलाकार ही नहीं हैं। सूची लंबी है, लेकिन पुनर्जागरण के शिखर को एल. दा विंची, एम. बुआनारोटी और आर. सैंटी के कार्यों द्वारा चिह्नित किया गया था।

दा विंची की असाधारण प्रतिभा

शायद विश्व कलात्मक संस्कृति के इतिहास में यह सबसे असाधारण और उत्कृष्ट व्यक्तित्व है। वह शब्द के पूर्ण अर्थ में एक सार्वभौमिक व्यक्ति थे और उनके पास सबसे बहुमुखी ज्ञान और प्रतिभा थी। कलाकार, मूर्तिकार, कला सिद्धांतकार, गणितज्ञ, वास्तुकार, शरीर रचना विज्ञानी, खगोलशास्त्री, भौतिक विज्ञानी और इंजीनियर - यह सब उसके बारे में है। इसके अलावा, प्रत्येक क्षेत्र में लियोनार्डो दा विंची (1452-1519) ने खुद को एक प्रर्वतक के रूप में दिखाया। अब तक, उनकी केवल 15 पेंटिंग, साथ ही कई रेखाचित्र, बचे हैं। अद्भुत के साथ जीवन ऊर्जाऔर ज्ञान की प्यास के कारण वह अधीर था, वह ज्ञान की प्रक्रिया से ही मोहित हो गया था। बहुत कम उम्र (20 वर्ष) में उन्होंने सेंट ल्यूक के गिल्ड के मास्टर के रूप में योग्यता प्राप्त की। उनकी सबसे महत्वपूर्ण कृतियाँ फ्रेस्को "द लास्ट सपर", पेंटिंग "मोना लिसा", "मैडोना बेनोइस" (ऊपर चित्रित), "लेडी विद ए एर्मिन" आदि थीं।

पुनर्जागरण कलाकारों के चित्र दुर्लभ हैं। वे कई चेहरों वाली पेंटिंग्स में अपनी छवियाँ छोड़ना पसंद करते थे। तो, दा विंची (चित्रित) के स्व-चित्र के आसपास, विवाद आज तक कम नहीं हुए हैं। संस्करण सामने रखे गए हैं कि उन्होंने इसे 60 वर्ष की आयु में बनाया था। जीवनी लेखक, कलाकार और लेखक वसारी के अनुसार, महान गुरु अपने क्लोस लूस महल में अपने करीबी दोस्त राजा फ्रांसिस प्रथम की बाहों में मर रहे थे।

राफेल सैंटी (1483-1520)

कलाकार और वास्तुकार मूल रूप से अर्बिनो के रहने वाले हैं। कला में उनका नाम हमेशा उत्कृष्ट सौंदर्य और प्राकृतिक सद्भाव के विचार से जुड़ा हुआ है। काफी छोटे जीवन (37 वर्ष) में उन्होंने कई विश्व प्रसिद्ध पेंटिंग, भित्तिचित्र और चित्र बनाए। उनके द्वारा चित्रित कथानक बहुत विविध हैं, लेकिन वह हमेशा भगवान की माँ की छवि से आकर्षित थे। बिल्कुल उचित रूप से राफेल को "मैडोना का मास्टर" कहा जाता है, जो उन्होंने रोम में चित्रित किए वे विशेष रूप से प्रसिद्ध हैं। वेटिकन में, उन्होंने 1508 से अपने जीवन के अंत तक पोप दरबार में एक आधिकारिक कलाकार के रूप में काम किया।

व्यापक रूप से प्रतिभाशाली, पुनर्जागरण के कई अन्य महान कलाकारों की तरह, राफेल भी एक वास्तुकार थे, और पुरातात्विक खुदाई में भी लगे हुए थे। एक संस्करण के अनुसार, अंतिम शौक का अकाल मृत्यु से सीधा संबंध है। संभवतः, खुदाई के दौरान उन्हें रोमन बुखार हो गया। महान गुरु को पैंथियन में दफनाया गया है। फोटो उनके सेल्फ-पोर्ट्रेट का है.

माइकल एंजेलो बुओनारोटी (1475-1564)

इस व्यक्ति की 70 वर्ष की आयु उज्ज्वल थी, वह अपने वंशजों के लिए न केवल चित्रकला, बल्कि मूर्तिकला की भी अविनाशी रचनाएँ छोड़ गया। अन्य महान पुनर्जागरण कलाकारों की तरह, माइकल एंजेलो भी ऐसे समय में रहे ऐतिहासिक घटनाओंऔर झटके. उनकी कला संपूर्ण पुनर्जागरण का एक सुंदर अंतिम स्वर है।

गुरु ने मूर्तिकला को अन्य सभी कलाओं से ऊपर रखा, लेकिन भाग्य की इच्छा से वह एक उत्कृष्ट चित्रकार और वास्तुकार बन गए। उनका सबसे महत्वाकांक्षी और असामान्य काम वेटिकन के महल में पेंटिंग (चित्रित) है। भित्तिचित्र का क्षेत्रफल 600 वर्ग मीटर से अधिक है और इसमें 300 मानव आकृतियाँ हैं। सबसे प्रभावशाली और परिचित अंतिम न्याय का दृश्य है।

इतालवी पुनर्जागरण कलाकार बहुआयामी प्रतिभा वाले थे। तो, कम ही लोग जानते हैं कि माइकल एंजेलो एक महान कवि भी थे। उनकी प्रतिभा का यह पहलू उनके जीवन के अंत में पूरी तरह से प्रकट हुआ। आज तक लगभग 300 कविताएँ बची हैं।

देर से पुनर्जागरण चित्रकला

अंतिम अवधि 1530 से 1590-1620 तक की समयावधि को कवर करती है। एनसाइक्लोपीडिया ब्रिटानिका के अनुसार, एक ऐतिहासिक काल के रूप में पुनर्जागरण 1527 में रोम के पतन के साथ समाप्त हुआ। लगभग उसी समय, दक्षिणी यूरोप में काउंटर-रिफॉर्मेशन की जीत हुई। कैथोलिक धारा किसी भी स्वतंत्र सोच को आशंका के साथ देखती थी, जिसमें मानव शरीर की सुंदरता का जाप और प्राचीन काल की कला का पुनरुत्थान शामिल था - अर्थात, वह सब कुछ जो पुनर्जागरण के स्तंभ थे। इसके परिणामस्वरूप एक विशेष प्रवृत्ति उत्पन्न हुई - व्यवहारवाद, जो आध्यात्मिक और भौतिक, मनुष्य और प्रकृति के बीच सामंजस्य की हानि की विशेषता है। लेकिन इस कठिन दौर में भी, कुछ प्रसिद्ध पुनर्जागरण कलाकारों ने अपनी उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण किया। उनमें से एंटोनियो दा कोर्रेगियो, (क्लासिकिज़्म और पल्लाडियनिज़्म के संस्थापक माने जाते हैं) और टिटियन हैं।

टिटियन वेसेलियो (1488-1490 - 1676)

उन्हें माइकल एंजेलो, राफेल और दा विंची के साथ पुनर्जागरण का नायक माना जाता है। 30 वर्ष का होने से पहले ही, टिटियन को "चित्रकारों के राजा और राजाओं के चित्रकार" के रूप में जाना जाता था। मूल रूप से, कलाकार ने पौराणिक और बाइबिल विषयों पर चित्र बनाए, इसके अलावा, वह एक शानदार चित्रकार के रूप में प्रसिद्ध हो गए। समकालीनों का मानना ​​था कि एक महान गुरु के ब्रश पर अंकित होने का मतलब अमरता प्राप्त करना है। और वास्तव में यह है. टिटियन को आदेश सबसे सम्मानित और महान व्यक्तियों से मिले: पोप, राजा, कार्डिनल और ड्यूक। यहां उनके कार्यों में से कुछ, सबसे प्रसिद्ध हैं: "वीनस ऑफ उरबिनो", "द एब्डक्शन ऑफ यूरोप" (चित्रित), "कैरिंग द क्रॉस", "कोरोनेशन विद थॉर्न्स", "पेसारो मैडोना", "वुमन विद ए मिरर", आदि।

कोई भी बात दो बार नहीं दोहराई जाती. पुनर्जागरण के युग ने मानव जाति को प्रतिभाशाली, असाधारण व्यक्तित्व प्रदान किये। उनके नाम अंकित हैं दुनिया के इतिहासकला स्वर्ण पत्र. पुनर्जागरण के वास्तुकार और मूर्तिकार, लेखक और कलाकार - उनकी सूची बहुत लंबी है। हमने केवल उन दिग्गजों को छुआ जिन्होंने इतिहास रचा, ज्ञानोदय और मानवतावाद के विचारों को दुनिया के सामने लाया।