गिटार कला और गिटारवादक के प्रशिक्षण के बारे में। रूसी गिटार प्रदर्शन का गठन गिटार पर प्रदर्शन कला का गठन

रूसी गिटार प्रदर्शन का गठन

1. 19 वीं - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूस में सात-तार वाले गिटार बजाने की कला का उदय

रूस में गिटार के अस्तित्व की मौलिकता दो किस्मों - सात-स्ट्रिंग और छह-स्ट्रिंग के समानांतर अस्तित्व में है। हालाँकि, संगीत-निर्माण में उनका "हिस्सा" अलग था: XX सदी के 20 के दशक के उत्तरार्ध से, इस पुस्तक के अध्ययन से परे की अवधि में, छह-स्ट्रिंग गिटार अधिक से अधिक लोकप्रिय हो गया। इस बीच, 19 वीं शताब्दी की लगभग पूरी अवधि के लिए, विभिन्न प्रकार के वाद्य यंत्र जिन्हें पूरी तरह से रूसी लोक वाद्य कहा जा सकता है, घरेलू संगीत-निर्माण में प्रमुख थे। और न केवल सामाजिक मानदंड के अनुसार, संगीत और कलात्मक दृष्टि से गैर-अभिजात वर्ग पर ध्यान केंद्रित करने से जुड़ा, रूस की आबादी का प्रमुख हिस्सा। सात-तार वाले गिटार में, एक विशेष "रूसी" ट्यूनिंग के साथ, राष्ट्रीयता का जातीय तत्व कम स्पष्ट नहीं है: दो शताब्दियों से यह हमारे देश में व्यापक रूप से उपयोग किया जाता रहा है और अभी भी पारंपरिक शैलियों को व्यक्त करने के लिए मौजूद है। राष्ट्रीय संगीत. जी-डूर ट्रायड की आवाज़ के अनुसार ट्यूनिंग एक सप्तक में दोगुनी हो गई और नीचे की स्ट्रिंग 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में रूस में दिखाई दी और शहरी वातावरण में बेहद जैविक हो गई, जहाँ वे गाना पसंद करते थे गाने और रोमांस, उनके अपरिवर्तनीय बास-कॉर्ड संगत सूत्रों के साथ (घरेलू में 19 वीं शताब्दी की शुरुआत के संगीत जीवन में, इस तरह के एक उपकरण को अक्सर "पोलिश सिस्टम" का गिटार कहा जाता था। इस बीच, की आवाज़ से ट्यूनिंग G-dur त्रय केवल रूस में व्यापक हो गया (एकमात्र अपवाद अन्य देशों में रूसी प्रवासियों का वातावरण हो सकता है)।
होम म्यूजिक-मेकिंग में सात-तार वाले गिटार के साथ, आमतौर पर कान से - इस तरह की संगत के सबसे सरल हार्मोनिक कार्य अत्यंत सुलभ हो गए। गीतों और रोमांस के लेखक अक्सर अल्पज्ञात शौकिया थे, लेकिन कभी-कभी 19 वीं शताब्दी के प्रमुख संगीतकार, एम.आई. ग्लिंका के पूर्ववर्ती, जैसे ए.ई. वरलामोव, ए.एल. गुरिलेव, ए.ए. ए.एल. गुरिलेव द्वारा "द बेल रैटल्स नीरस" जैसे गीतों के "सात-स्ट्रिंग" का प्रदर्शन, एई वरलामोव द्वारा "द स्नोस्टॉर्म स्वीप्स विद द स्ट्रीट", ए। वे व्यापक रूप से लोकप्रिय हैं - यह कोई संयोग नहीं है कि वे सामान्य आबादी के बीच ठीक रूसी लोक गीतों के रूप में मौजूद होने लगे।
सात-तार वाले गिटार के सक्रिय प्रसार में रूसी जिप्सियों की कला ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। इल्या ओसिपोविच और ग्रिगोरी इवानोविच सोकोलोव, अलेक्जेंडर पेट्रोविच वासिलीव, बाद में निकोलाई सर्गेइविच शिश्किन, रोडियन अर्कादेविच कलाबिन और अन्य जैसे शानदार सात-स्ट्रिंग गिटारवादक जिप्सी गायकों के नेता थे। हल्का हाथकाउंट ए जी ओर्लोव। कई रईसों, धनी जमींदारों और व्यापारियों ने अपने स्वयं के जिप्सी गायकों का अधिग्रहण किया।
18वीं शताब्दी के अंत में, सात तार वाले गिटार को कुलीन सैलून और यहां तक ​​कि शाही दरबार में भी सुना जा सकता था, लेकिन मध्य उन्नीसवींशताब्दी, इसका महत्वपूर्ण लोकतंत्रीकरण देखा गया है। एमए स्टाखोविच ने अपने "सात-स्ट्रिंग गिटार के इतिहास पर निबंध" में पहली बार 1854 में प्रकाशित किया था, उन्होंने लिखा: "सात-स्ट्रिंग गिटार रूस में सबसे आम उपकरण है, क्योंकि यह सबसे आम है, क्योंकि शिक्षित के अलावा वर्ग, यह आम लोगों द्वारा भी खेला जाता है।
उसी समय, पहले से ही 18 वीं शताब्दी के अंत में, इस प्रकार का गिटार अकादमिक के प्रतिनिधि के रूप में भी विकसित होना शुरू हुआ संगीत कला. यदि शहरी गीतों और रोमांस की गिटार संगत के लिए गायन एक गैर-लिखित-श्रवण परंपरा की विशेषता थी, तो होम संगीत-निर्माण में गिटार पर एकल प्रदर्शन के लिए वही गीत विभिन्न संगीत संग्रहों में प्रकाशित किए गए थे। ये मुख्य रूप से विविधताएँ थीं - लोकगीतों की धुनों की व्यवस्था। यहाँ, लेखकों ने विभिन्न प्रकार के विकल्पों में थीम, उसके रंगीन "रंग" को अलंकृत करते समय रचनात्मक कल्पना दिखाई।
सात-तार वाले गिटार के लिए, प्रमुख रचनाएँ भी दिखाई देती हैं। पहले से ही में प्रारंभिक XIXशताब्दी, वी। लावोव द्वारा गिटार के युगल गीत के लिए सोनाटा जारी किया गया था। तेजी से, विभिन्न गिटार टुकड़े प्रकाशित होने लगे, निर्देशात्मक और पद्धतिगत नियमावली में रखे गए या अलग-अलग संस्करणों में प्रकाशित हुए। उदाहरण के लिए, कई लघुचित्र हैं, मुख्य रूप से नृत्य शैलियों में - मज़ारुका, वाल्ट्ज, देश नृत्य, इकोसेज़, पोलोनेस, साथ ही प्रसिद्ध गिटारवादक-शिक्षक और मेथोडिस्ट इग्नाज़ गेल्ड (1766-1816) द्वारा बनाए गए सेरेनेड, डायवर्टिसमेंट।

इग्नाज़ गेल्ड

रूस में अपना लगभग सारा रचनात्मक जीवन व्यतीत करने के बाद, इस रुसीफाइड चेक ने अकादमिक गिटार वादन को लोकप्रिय बनाने के लिए बहुत कुछ किया। 1798 में, उनका "स्कूल-ट्यूटोरियल फॉर द सेवन-स्ट्रिंग गिटार" सेंट पीटर्सबर्ग में प्रकाशित हुआ था, जिसका शीर्षक फ्रेंच में था - "मेथोड फेशियल पोर एप्रेन्ड्रे ए पिनसर ला गिटारे ए सेप्ट कॉर्ड्स सैंस मैत्रे"। विभिन्न प्रकार की सैद्धांतिक जानकारी के साथ, इसमें कई संगीत नमूने शामिल हैं - दोनों गिटार के लिए व्यवस्थित हैं, और लेखक की अपनी रचनाएँ हैं। ये हैं प्रस्तावना, वाल्ट्ज, दुमका, पोलोनेस, मार्च, एलेग्रेट्टो; संस्करण के अंत में बांसुरी और गिटार के लिए सोनाटा, वायलिन और गिटार के लिए टुकड़े, आवाज और गिटार आदि के लिए भी है।
स्कूल को बार-बार पुनर्मुद्रित किया गया और विभिन्न प्रकार की नई सामग्री के साथ पूरक किया गया (विशेष रूप से, तीसरे संस्करण को रूसी और यूक्रेनी लोक गीतों की चालीस व्यवस्थाओं द्वारा विस्तारित किया गया था)। इसकी उच्च कलात्मक योग्यता पहले से ही इस तथ्य से प्रमाणित हो सकती है कि यह प्राकृतिक और कृत्रिम हार्मोनिक्स निकालने के लिए पद्धतिगत आधार बन गया है। यह एस एन अक्सेनोव द्वारा किया गया था, जिन्होंने प्रकाशन के लिए अपने पूरक में उनके निष्पादन के तरीकों को प्रकाशित किया और उन्हें एक अलग अध्याय में यहां अलग कर दिया।
शिक्षक का "स्कूल फॉर द सेवन-स्ट्रिंग गिटार", कई संगीत रचनाओं के लेखक दिमित्री फेडोरोविच कुशेनोव-दिमित्रिस्की (सी। 1772-1835) भी अपने समय में एक महत्वपूर्ण घटना बन गए। उनका गिटार मैनुअल "द न्यू एंड कम्प्लीट गिटार स्कूल" है, जिसकी रचना 1808 में श्री कुशेनोव-दिमित्रिस्की द्वारा की गई थी, या गिटार के लिए एक स्व-निर्देश मैनुअल, जिसके अनुसार आप सीख सकते हैं कि किसी की मदद के बिना गिटार को सही तरीके से कैसे बजाया जाए। शिक्षक", पहली बार 1808 में सेंट पीटर्सबर्ग में प्रकाशित हुआ, 19 वीं शताब्दी के पहले भाग में बहुत लोकप्रियता मिली और इसे बार-बार पुनर्मुद्रित किया गया। यद्यपि यह स्व-अध्ययन के लिए प्रदान किया गया था, लेखक ने इस बात पर जोर दिया कि अनुभूति में सफलता काफी हद तक "एक अच्छे शिक्षक की मदद से" हासिल की जाती है। 1817 के स्कूल के पुनर्मुद्रण में, लेखक और भी स्पष्ट रूप से कहता है: “... एक भी ऐसा विज्ञान नहीं है जिसे पूर्ण ज्ञान के लिए किसी गुरु या मार्गदर्शक की आवश्यकता न हो। इसलिए, मैं आपको उस समय से पहले पढ़ाना शुरू करने की सलाह नहीं देता, जब तक कि इसके लिए एक सक्षम और काफी जानकार शिक्षक नहीं मिल जाता।
डीएफ कुशनोव-दिमित्रिस्की ने सात-तार वाले गिटार के लिए कई लोक-गीत कल्पनाओं और अनुकूलन का निर्माण किया, 1818 में उन्होंने गिटार के टुकड़ों का एक संग्रह "इंटरड्यूबेल, या सात-तंत्री गिटार के लिए अनुकरणीय टुकड़ों का संग्रह" प्रकाशित किया। इसमें एक सौ शामिल हैं संगीत संख्या, विशेष रूप से, उनके अपने लघुचित्र, लोक संगीत की व्यवस्था, साथ ही साथ डब्ल्यू ए मोजार्ट, ए ओ सिचरा, एफ। कारुल्ली और अन्य संगीतकारों द्वारा नाटकों का प्रतिलेखन।
18 वीं की दूसरी छमाही के प्रसिद्ध रूसी संगीतकार-वायलिन वादक - 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में सात-तार वाले गिटार के मालिक थे। उनमें से, जैसा कि बालिका कला के क्षेत्र में, सबसे पहले, इवान इवास्टाफ़ेयेविच खांडोस्किन का उल्लेख किया जाना चाहिए, जिन्होंने गिटार के लिए संगीत भी लिखा था, इसके लिए रूसी लोक गीतों के विषयों पर कई रूपों की रचना की (दुर्भाग्य से, संरक्षित नहीं) . मैं उसी संदर्भ में गैवरिल एंड्रीविच रचिंस्की (1777-1843) का नाम लेना चाहूंगा, जिन्होंने 19 वीं शताब्दी के पहले दशकों में अपने गिटार कार्यों को प्रकाशित किया था।
घरेलू पेशेवर गिटार प्रदर्शन का असली उत्कर्ष उत्कृष्ट शिक्षक-गिटारवादक आंद्रेई ओसिपोविच सिखरा (1773-1850) की रचनात्मक गतिविधि से शुरू होता है। शिक्षा द्वारा वीणावादक होने और इस वाद्य के प्रदर्शन में पूरी तरह से महारत हासिल करने के बावजूद, उन्होंने अपना पूरा जीवन सात-तार वाले गिटार के प्रचार के लिए समर्पित कर दिया: अपनी युवावस्था में वे संगीत कार्यक्रम और फिर शिक्षाशास्त्र और ज्ञानोदय में लगे रहे।

एंड्री ओसिपोविच सिखरा

18 वीं शताब्दी के अंत में, सिचरा विलनियस से मास्को आया, जहाँ उसे गिटार में दिलचस्पी हो गई और 1813 तक वह सेंट पीटर्सबर्ग चला गया। 1801 के बाद से, मास्को और सेंट पीटर्सबर्ग में उनके गिटार संगीत कार्यक्रम बहुत सफल रहे हैं (लंबे समय तक, ए.ओ. सिखरा को रूसी सात-स्ट्रिंग गिटार का आविष्कारक भी माना जाता था। इस प्रकार, एम.ए. स्टाखोविच ने कहा कि सिखरा अभी भी 18 वीं शताब्दी के अंत में "मैं एक छह-तार वाले गिटार से एक उपकरण बनाने के विचार के साथ आया था जो कि आर्पीगियोस के संदर्भ में एक वीणा के अधिक पूर्ण और करीब है, और एक ही समय में एक वीणा की तुलना में अधिक मधुर है," और सातवें तार को गिटार से बांध दिया; उसी समय, उसने इसकी ट्यूनिंग को बदल दिया, छह तारों को टोन जी-डूर में दो टॉनिक कॉर्ड्स का एक समूह दिया [...] सातवें तार में, उसने सबसे मोटा बास रखा, निचले सप्तक का गठन - re (D) और ऊपरी प्रमुख स्वर G-dur की मुख्य ध्वनि युक्त। आर्पीगियोस को उनके विशेष उपकरण - वीणा। ”हालांकि इस जानकारी को कोई दस्तावेजी पुष्टि नहीं मिली, एक बात निर्विवाद है: संगीतकार, अपने छात्रों की तरह, , रूस में इस प्रकार के गिटार की व्यापक लोकप्रियता में बहुत योगदान दिया।)
ए.ओ. सिखरा ने अपने संगीत प्रकाशनों के लिए विशेष सफलता प्राप्त की, जिन्हें तब "पत्रिकाएँ" कहा जाता था। इसलिए, 1800 में, इस तरह के एक संस्करण को फ्रेंच में शीर्षक के तहत प्रकाशित किया गया था "जर्नल पोर ला गिट्टारे ए सेप्ट कॉर्ड्स पार ए। साइक्रा" ("जर्नल फॉर गिटार विथ ए। साइक्रा")। पत्रिका एक स्पष्ट सफलता थी, जैसा कि दो साल बाद इसके पुनर्मुद्रण से स्पष्ट होता है। रूसी लोक गीतों की कई व्यवस्थाएँ, संगीत की क्लासिक्स की व्यवस्था, नृत्य विधाओं में सरल लघुचित्र यहाँ रखे गए थे।
बाद के दशकों में, 1838 तक, संगीतकार ने इसी तरह की कई गिटार पत्रिकाएँ प्रकाशित कीं, जिसमें विभिन्न प्रकार के काम, ओपेरा संगीत, रोमांस, गीत और नृत्य, शास्त्रीय कार्यों से विषयों पर बदलाव आदि प्रस्तुत किए गए। डिग्री ने साधन की बढ़ती लोकप्रियता में योगदान दिया।
1826 से "गिटार के लिए पीटर्सबर्ग पत्रिका, साइक्रा द्वारा प्रकाशित, विभिन्न प्रकार की रचनाओं से युक्त, कान के लिए सुखद और खेलने में आसान" नाम से प्रकाशित पत्रिका ने विशेष प्रसिद्धि प्राप्त की। अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, अधिकांश भाग के लिए, उन्होंने गिटार के एक युगल के लिए टुकड़ों की रचना की, और उन्होंने खुद एक निचले टेसिटुरा, दूसरे भाग का प्रदर्शन किया, और उन्होंने अपने एक छात्र को पहला, उच्च क्रम - टर्ट्ज़ गिटार सौंपा।
संगीतकार की व्यवस्थित गतिविधि भी महत्वपूर्ण थी। 1850 में उनका "सैद्धांतिक और व्यावहारिक स्कूल फॉर द सेवन-स्ट्रिंग गिटार" तीन भागों में दिखाई दिया (पहला भाग - "सामान्य रूप से संगीत के नियमों पर", दूसरा - तकनीकी अभ्यास, तराजू और आर्पेगियोस, तीसरा - संगीत सामग्री, मुख्य रूप से साइक्रा के छात्रों के कार्यों से)। 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, एफ.टी. स्टेलोव्स्की, जिन्होंने बार-बार स्कूल को पुनर्प्रकाशित किया, ने शास्त्रीय संगीतकारों द्वारा कार्यों की कई व्यवस्थाओं को जोड़कर प्रदर्शनों की सूची का विस्तार किया।
एक अन्य महत्वपूर्ण शिक्षाप्रद और शैक्षणिक मैनुअल एओ सिखरा द्वारा "चार अभ्यासों में शामिल व्यावहारिक नियम" था, एक गिटारवादक के तकनीकी कौशल में सुधार के लिए एक प्रकार का उच्च विद्यालय, उस समय के सात-तार वाले गिटार बजाने की तकनीकों और तरीकों का एक विश्वकोश। हालाँकि यहाँ केवल रेखाचित्र शामिल किए गए हैं, संक्षेप में वे विस्तारित नाटक हैं, और इसलिए इस अध्याय के एक अलग खंड में उनकी चर्चा की जाएगी।
सिचरा सात-तार वाले गिटार को एक एकल शैक्षणिक उपकरण के रूप में स्थापित करने वाले पहले व्यक्ति थे, जो शौकिया गिटारवादकों की एक विस्तृत श्रृंखला की सौंदर्य शिक्षा के लिए बहुत कुछ कर रहे थे। उन्होंने छात्रों की एक बड़ी संख्या को प्रशिक्षित किया और, सबसे महत्वपूर्ण बात, एक कलात्मक दिशा के रूप में अपना खुद का प्रदर्शन स्कूल बनाया, जिसमें छात्र की रचनात्मक व्यक्तित्व पर चौतरफा ध्यान दिया गया और उनकी कलात्मक सोच को सक्रिय किया गया, प्रदर्शन कलाओं का एक संयोजन और लोक गीत सामग्री प्रसंस्करण के प्रसार के साथ संगीत रचना। यह कोई संयोग नहीं है कि गिटार के क्षेत्र में सिचरा की शैक्षणिक गतिविधि अत्यधिक मूल्यवान थी, उदाहरण के लिए, इस तरह प्रसिद्ध संगीतकार, ए.ई. वरलामोव, एम.आई. ग्लिंका, ए.एस.
गिटार की ध्वनि की सूक्ष्मता और परिष्कार को प्राप्त करने के लिए अपने छात्रों के साथ बहुत काम करते हुए, इस संगीतकार ने उनसे कैंटिलीना गेम विकसित करने की कोशिश नहीं की, बल्कि गिटार की वीणा से तुलना की। उदाहरण के लिए, संगीतकार ने अपने सबसे प्रतिभाशाली अनुयायियों "जिप्सी" में वाइब्रेटो की बहुतायत के साथ अभिव्यंजक विरासत को बुलाया, हालांकि, निश्चित रूप से, उन्होंने अपनी प्रदर्शन शैली की इस विशेषता के प्रकटीकरण में हस्तक्षेप नहीं किया, क्योंकि एम। जी। डोलगुशिना नोट करते हैं, उन्होंने इसे "उनका सबसे अच्छा छात्र माना और विशेष रूप से उनके लिए कई तकनीकी रूप से जटिल कार्य किए। यह छात्र शिमोन निकोलेविच अक्सेनोव (1784-1853) था। 1810-1830 के दशक में, वह शायद साधन के सबसे प्रमुख प्रवर्तक थे, हालांकि उनका मुख्य व्यवसाय एक प्रमुख अधिकारी के रूप में सेवा कर रहा था (1810 में मास्को से सेंट पीटर्सबर्ग जाने के बाद, एस.एन. अक्सेनोव ने एक त्वरित आधिकारिक कैरियर बनाना शुरू किया: 1823 रूस के युद्ध मंत्री के तहत विशेष कार्य के लिए एक अधिकारी था, कब कानौसेना मंत्रालय में एक ही पद पर सेवा की, के सदस्य थे सैन्य पदकर्नल)।

शिमोन निकोलाइविच अक्सेनोव

एसएन अक्सेनोव का खेल असाधारण सुन्दरता, स्वर की गर्मी, और इसके साथ-साथ - महान गुणों से प्रतिष्ठित था। संगीतकार ने प्रदर्शन की तकनीक के सुधार में महत्वपूर्ण योगदान दिया: यह वह था, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया था, सात-तार वाले गिटार पर कृत्रिम हार्मोनिक्स की एक प्रणाली को सावधानीपूर्वक विकसित करने वाला पहला व्यक्ति था। 1819 में, उन्होंने आई. गेल्ड्स स्कूल के पुनर्मुद्रण में भी महत्वपूर्ण परिवर्धन किया, इसे न केवल हार्मोनिक्स पर एक अध्याय प्रदान किया, बल्कि कई नए टुकड़े और लोक गीतों की व्यवस्था भी की।
अक्सेनोव की गतिविधि के सबसे महत्वपूर्ण पहलुओं में से एक संगीत ज्ञान था। विशेष रूप से, 1810 के दशक में उन्होंने न्यू जर्नल फॉर द सेवेन-स्ट्रिंग गिटार, डेडिकेटेड टू म्यूज़िक लवर्स प्रकाशित करना शुरू किया, जहाँ उन्होंने लोकप्रिय ओपेरा अरियस के कई ट्रांस्क्रिप्शन प्रकाशित किए, रूसी लोक गीतों के विषयों पर उनकी अपनी विविधताएँ। रूसी गीत लोककथाओं के लिए गिटारवादक के जुनून के प्रभाव में, उनके शिक्षक ए ओ सिखरा ने लोक गीतों की व्यवस्था पर अधिक ध्यान देना शुरू किया।
ए.ओ. सिखरा के पहले छात्रों में, वासिली सर्गेइविच अल्फेरयेव (1775-सी। 1835) का भी उल्लेख किया जाना चाहिए। पहले से ही 1797 में, रूसी लोक गीत "हाउ डिड आई अपसेट यू" के विषय पर उनकी फंतासी प्रकाशित हुई थी, और 1808 में उन्होंने "रूसी पॉकेट सॉन्गबुक फॉर द सेवन-स्ट्रिंग गिटार" के मासिक मुद्दों को प्रकाशित करना शुरू किया। इसमें कई "विविधता वाले गीत", अलग-अलग लघुचित्र, उस समय लोकप्रिय ओपेरा एरिया के ट्रांस्क्रिप्शन, संगीत क्लासिक्स के काम, आवाज और गिटार के लिए रोमांस शामिल थे। गिटार एकल और गिटार युगल दोनों के लिए विभिन्न फैशनेबल नृत्य भी यहां प्रकाशित किए गए थे (वी.एस. अल्फेरयेव रूसी साहित्य के मुक्त समाज के प्रेमियों के सदस्य भी थे। एम। जी। बड़प्पन के इच्छुक प्रतिनिधियों की एक विस्तृत श्रृंखला"। संगीतकार रूसी लोककथाओं के एक महान प्रेमी और संग्रहकर्ता भी थे। उसी पुस्तक के अनुसार, वी.एस. अल्फेरयेव, साथ ही एस.एन. अक्सेनोव के रोमांस - वे मुख्य रूप से शब्दों पर बनाए गए थे समकालीन कवि)।
ए.ओ. सिखरा के छात्रों में एक प्रतिभाशाली गिटारवादक फेडर मिखाइलोविच ज़िमरमैन (1813-1882) भी थे। समकालीनों ने अक्सर उन्हें "गिटार की पगनिनी" कहा, उनके हाथों की तकनीक, स्वतंत्रता और गतिशीलता पर आश्चर्य करते हुए, "यह ऐसा था जैसे कि प्रत्येक हाथ पर पाँच नहीं, बल्कि दस उंगलियाँ थीं", उन्होंने गिटार पर पूरी तरह से सुधार किया, एक बनाया नाटकों की व्यापक विविधता - कल्पनाएँ, वाल्ट्ज, मज़ाकुरा, रेखाचित्र आदि।
वासिली स्टेपानोविच सरेंको (1814-1881) ने भी गिटार कला में ध्यान देने योग्य छाप छोड़ी।

वासिली स्टेपानोविच सरेंको

19वीं सदी के एक प्रमुख रूसी संगीतकार और पियानोवादक ए. आई. दुबुक, कई लोकप्रिय गीतों और रोमांस के लेखक, ने अपनी कला का वर्णन इस प्रकार किया: एक व्यापक रूप से विकसित संगीतकार। सुरुचिपूर्ण ढंग से, सफाई से, सुचारू रूप से खेला गया; उनके तार तेज और धीमी गति दोनों में गाते थे। वी.एस. सरेंको द्वारा रचित नाटक और रेखाचित्र आमतौर पर अभिव्यंजक माधुर्य और विकसित बनावट से संतृप्त होते हैं। उन्होंने गिटार की कई व्यवस्थाएं और ट्रांसक्रिप्शन भी किए। हमें A. O. सिखरा के ऐसे प्रतिभाशाली छात्र का भी उल्लेख करना चाहिए, जो पावेल फियोदोसिविच बेलोशिन के रूप में हैं, जो कई लघुचित्रों के लेखक, गिटार वर्ग के एक अद्भुत शिक्षक बने।
व्लादिमीर इवानोविच मोर्कोव (1801-1864) भी ए.ओ. सिखरा के एक उच्च शिक्षित छात्र थे

व्लादिमीर इवानोविच मोर्कोव

(1839 में बनाया गया उद्धृत चित्र, उत्कृष्ट रूसी कलाकार वासिली एंड्रीविच ट्रोपिनिन (1776-1857) के ब्रश से संबंधित है, जो गाजर के बड़े कुलीन परिवार में एक सर्फ़ था, यह सेंट के राज्य रूसी संग्रहालय में संग्रहीत है। . पीटर्सबर्ग। 2007 में, "वी। आई। मोरकोव का चित्र" श्रृंखला के तीसरे खंड में प्रकाशित हुआ "रूसी संग्रहालय प्रस्तुत करता है। 19 वीं शताब्दी के पहले भाग की पेंटिंग। पंचांग "(अंक 193)। वी। ए। ट्रोपिनिन ने छवि को संबोधित किया। एक से अधिक बार गिटारवादक। इस तरह की एक छवि के वेरिएंट में से एक, दिनांक 1823 और स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी में संग्रहीत, मूल के रंगीन रंगों में पुस्तक के कवर पर है।) वह संगीत क्लासिक्स के कई टुकड़ों की व्यवस्था का मालिक है, एक और दो गिटार के लिए इरादा। उन्होंने "स्कूल फॉर द सेवन-स्ट्रिंग गिटार" भी प्रकाशित किया, और 1861 में सभी प्रमुख और छोटी चाबियों में गिटार के लिए चौबीस प्रस्तावनाएं लिखीं (गिटार बजाने के अलावा, वी। आई। मोर्कोव एक संगीत समीक्षक भी थे, विभिन्न के लेखक राजधानी के समाचार पत्रों और पत्रिकाओं में लेखों और समीक्षाओं के साथ, उन्होंने 1862 में सेंट पीटर्सबर्ग में प्रकाशित "ए हिस्टोरिकल स्केच ऑफ़ रशियन ओपेरा फ्रॉम इट्स वेरी बिगिनिंग टू 1862" पुस्तक सहित संगीत पर मोनोग्राफिक रचनाएँ बनाईं, जिसने संगीत का ध्यान आकर्षित किया। उस समय का समुदाय। इसके बारे में एक लेख एक प्रमुख रूसी आलोचक ए.एन. सेरोव द्वारा लिखा गया था। इस बीच, संगीत वी.आई. मोर्कोव का पेशा नहीं था - उनके पास एक वास्तविक राज्य पार्षद का उच्च पद था, उनकी सेवा का मुख्य स्थान विभाग था सैन्य रिकॉर्ड।)
रूसी गिटार वादन के विकास में सबसे प्रमुख शख्सियतों में से एक मिखाइल टिमोफीविच वैयोट्स्की (1791-1837) थे।

मिखाइल टिमोफीविच वैयोट्स्की

सबसे पहले उन्हें इस उपकरण से परिचित कराने वाले एस एन अक्सेनोव थे, जो उनके गुरु भी थे।
एमटी वायसॉस्की की प्रदर्शन शैली को अलग-अलग लोक गीत की धुनों, उत्कृष्ट तकनीकी कौशल और संगीत उच्चारण की असाधारण अभिव्यक्ति में रचनात्मक कल्पना की साहसिक उड़ान द्वारा चिह्नित किया गया था। “उनका खेल अपनी ताकत और स्वर की शास्त्रीय समता से प्रतिष्ठित था; असाधारण गति और साहस के साथ, उसने एक ही समय में कोमल ईमानदारी और माधुर्य का प्रदर्शन किया। वह बिना किसी प्रयास के पूरी तरह से स्वतंत्र रूप से खेले; यह ऐसा था जैसे कि उसके लिए कोई कठिनाई नहीं थी, [...] वह अपने मधुर लेगाटो की मौलिकता और आर्पीगियोस की विलासिता से चकित था, जिसमें उसने वायलिन की मधुरता के साथ वीणा की शक्ति को जोड़ा; रचना की एक विशेष मूल शैली ने उनके खेल को प्रभावित किया; उनके खेल ने मोहित कर दिया, श्रोता को मोहित कर लिया और हमेशा के लिए एक अमिट छाप छोड़ दी [...] वायसॉस्की के पास एक और तरह का खेल था जिसने उनके समकालीनों को आश्चर्यचकित कर दिया: उन्होंने खुद इसे "जांच" या "कॉर्ड्स" कहा। वास्तव में यह एक मुक्त प्रस्तावना थी। वी. ए. रुसानोव ने उनके बारे में लिखा, "वह सबसे शानदार पैसेज, मॉड्यूलेशन, जीवाओं की अनंत संपदा के साथ प्रस्तावना कर सकते थे, और इस संबंध में वे अथक थे।"
M. T. Vysotsky ने शास्त्रीय संगीतकारों द्वारा कार्यों की कई व्यवस्थाएं और प्रतिलेख बनाए, विशेष रूप से, W. A. ​​मोजार्ट, एल। बीथोवेन, डी। फील्ड द्वारा काम करता है, गिटार के लिए कई लघुचित्र लिखे - प्रस्तावना, कल्पनाएँ, नृत्य शैलियों में टुकड़े। उनकी संगीतकार की विरासत का सबसे मूल्यवान हिस्सा रूसी लोक गीतों के विषयों पर भिन्नता थी, जिस पर आगे चर्चा की जाएगी।
संगीतकार प्रदर्शन के कामचलाऊ-श्रवण तरीके का प्रतिनिधि था, और इसमें वह पारंपरिक रूसी लोक संगीत-निर्माण के करीब है। रूसी लोक गीतों के विषयों पर अत्यधिक कलात्मक रूपांतर, जो आज अक्सर किए जाते हैं, उनके द्वारा स्वयं रिकॉर्ड नहीं किए गए थे और केवल बाद में उनके छात्रों द्वारा संगीत पाठ में दर्ज किए गए थे (वी। ए। रुसानोव ने गिटारवादक की असामान्य कामचलाऊ कला पर भी ध्यान दिया: " एक बार, पाठ के दौरान ए. आई. डब्यूक में आने और अपने छात्र द्वारा किए गए क्रेमर के एटिट्यूड को सुनने के बाद, वायसॉस्की को खुशी हुई और, एक गिटार को पकड़कर, इन एट्यूड्स को पुन: पेश करना और बदलना शुरू कर दिया, ताकि ए. और स्वयं इसमें सक्रिय भागीदारी स्वीकार की)।
M. T. Vysotsky की शैक्षणिक पद्धति भी इसी के अनुरूप थी, जिसमें छात्रों के श्रवण छापों के आधार पर विशेष रूप से "हाथों से" और "उंगलियों से" शिक्षक के वाद्ययंत्र बजाने के कौशल को स्थानांतरित करना शामिल था। फिर भी, उनका शैक्षणिक कार्य बहुत फलदायी था। गिटारवादक की प्रदर्शन शैली के प्रेरणादायक तरीके ने पाठों में वास्तव में रचनात्मक माहौल बनाया, छात्रों को प्रेरित किया और उन लोगों द्वारा बहुत सराहना की गई जो उनके साथ अध्ययन करने के लिए हुए थे (वैयोट्स्की ने "व्यावहारिक और सैद्धांतिक स्कूल" में अपनी मृत्यु से कुछ समय पहले अपने शिक्षण अनुभव को रिकॉर्ड किया था। गिटार", 1836 में मास्को में प्रकाशित, हालांकि, न तो पद्धति संबंधी सिफारिशों के महत्व के संदर्भ में, न ही प्रस्तुत प्रदर्शनों की मात्रा और अनुक्रम के संदर्भ में (स्कूल में केवल 24 पृष्ठ हैं) बड़ी भूमिकावह रूसी गिटार प्रदर्शन के निर्माण में नहीं खेली।) विशेष रूप से, सोलह वर्षीय कवि एम यू लर्मोंटोव ने उनसे गिटार सबक लिया, जिन्होंने अपने शिक्षक को "ध्वनि" कविता समर्पित की।
गिटारवादक ने सक्रिय रूप से अपने छात्रों में रूसी लोक गीतों के लिए एक प्रेम पैदा किया। यह कोई संयोग नहीं है कि उनके छात्रों में मिखाइल अलेक्जेंड्रोविच स्टाखोविच (1819-1858), एक प्रसिद्ध रूसी लोकगीतकार, गिटार संगत, कवि और लेखक के साथ लोक गीत संग्रह के लेखक थे, जिन्होंने रूसी की उत्पत्ति पर पहली प्रकाशित पुस्तक भी लिखी थी। गिटार प्रदर्शन - "सात-स्ट्रिंग गिटार के इतिहास पर एक निबंध "(सेंट पीटर्सबर्ग, 1864)। इवान एगोरोविच लयाखोव (1813-1877), कई नाटकों और व्यवस्थाओं के लेखक, "100 रूसी लोक गीत" संग्रह के निर्माता अलेक्जेंडर अलेक्सेविच वेट्रोव, सात-तार वाले गिटार, लोक गीत भिन्नता चक्रों के लिए नाटक और व्यवस्था करते हैं। एम टी वायसॉस्की के छात्र भी थे। जिप्सी गायन के कई गिटारवादक-नेता, जैसे कि I. O. सोकोलोव, F. I. गुबकिन और अन्य, ने भी M. T. Vysotsky के साथ अध्ययन किया।
19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से, रूसी गिटार कला, गसेल की कला की तरह, घटने लगी। लेकिन अगर रोजमर्रा के संगीत-निर्माण से स्तोत्र गायब होने लगे, तो गिटार, शहरी गीत और रोमांस, जिप्सी गायन के क्षेत्र में समान रूप से अपरिवर्तित रहने वाला वाद्य यंत्र, पेशेवर स्तर में कमी के कारण धीरे-धीरे घरेलू समाज में अपना महत्व खो बैठा। गिटारवादकों की। इस अवधि के दौरान, सिखरा, वैयोट्स्की या अक्सेनोव जैसे उत्कृष्ट कलाकार और शिक्षक दिखाई नहीं दिए, गंभीर पद्धतिगत मैनुअल प्रकाशित होना लगभग बंद हो गया, और प्रकाशित स्व-निर्देश पुस्तकें ज्यादातर रोजमर्रा के संगीत बनाने के प्रेमियों की सरल जरूरतों के लिए डिज़ाइन की गईं। और केवल रोमांस, गाने, नृत्य के लोकप्रिय नमूने शामिल थे, जो अक्सर निम्न गुणवत्ता के होते हैं (इस संबंध में, ए.एस. फैमिंटसिन के अवलोकन का हवाला देना दिलचस्प है: “समाज के निचले तबके के बीच हेबरडशरी का साधन बनना, क्षुद्रता का संकेत है -बुर्जुआ सभ्यता, गिटार अशिष्ट हो गया, इसकी आवाज़ "संवेदनशील" रोमांस के साथ काम करने लगी। इस "नौकर" वाद्य यंत्र पर गिटार बजाना, तंबाकू की दुकानों के व्यापार का विषय - खराब स्वाद का संकेत बन गया समाज; गिटार इससे पूरी तरह से गायब हो गया")।
रूस में गिटार में सार्वजनिक रुचि का एक नया उछाल 19 वीं के अंत में हुआ - 20 वीं सदी की शुरुआत। इन वर्षों के दौरान, प्रमुख गिटारवादकों, कलाकारों और शिक्षकों की गतिविधियों को व्यापक रूप से जाना जाता है। उनमें से, सबसे पहले, मैं अलेक्जेंडर पेट्रोविच सोलोवोव (1856-1911) का नाम लेना चाहूंगा। उनके द्वारा निर्मित और प्रकाशित "स्कूल फॉर द सेवन-स्ट्रिंग गिटार" (1896) वाद्य यंत्र बजाने के लिए शिक्षण विधियों के विकास में एक महत्वपूर्ण योगदान बन गया (1964 में, ए.पी. सोलोवोव के स्कूल को पुनर्प्रकाशित किया गया था (आर.एफ. मेलेश्को के संपादन के तहत) ) मुज्यका पब्लिशिंग हाउस द्वारा।) . मैनुअल के पहले भाग में व्यापक सैद्धांतिक सामग्री शामिल है; पच्चीस पाठों में विभाजित, यह एक बहुत ही पेशेवर और एक ही समय में सुलभ तरीके से प्रस्तुत किया जाता है। स्कूल के आगे के हिस्सों में मूल्यवान तकनीकी अभ्यास और प्रदर्शनों की सूची है - रूसी और पश्चिमी यूरोपीय क्लासिक्स, लोक गीत की व्यवस्था के कार्यों का प्रतिलेखन।

अलेक्जेंडर पेट्रोविच सोलोवोव

इसके अलावा, ए.पी. सोलोवोव ने गिटार के लिए बड़ी संख्या में व्यवस्था की, जिसने वाद्य के कलात्मक साधनों के बारे में दर्शकों की समझ का विस्तार किया। F. लिस्केट द्वारा दूसरी और छठी हंगेरियन रैप्सोडीज़ का उल्लेख करने के लिए पर्याप्त है, C. सेंट-सेन्स द्वारा "डांस ऑफ़ डेथ", L. बीथोवेन, F. चोपिन, F. मेंडेलसोहन की कृतियाँ। उन्होंने यूक्रेनी लोक गीतों की चालीस व्यवस्थाओं वाले चार एल्बम भी प्रकाशित किए, आवाज और गिटार के लिए जिप्सी रोमांस का संग्रह, युगल के लिए टुकड़े, तिकड़ी और गिटार चौकड़ी, तीन सौ से अधिक रचनाएँ लिखीं, जिनमें से अस्सी-पाँच प्रकाशित हो चुकी हैं।
एपी सोलोवोव के प्रसिद्ध छात्रों में, वसीली मिखाइलोविच यूरीव (1881-1962), विक्टर जॉर्जिविच उसपेन्स्की (1879-1934), व्लादिमीर निलोविच बेरेज़किन (1881-1945), मिखाइल फेडोरोविच इवानोव (1889-1953), सर्गेई अलेक्जेंड्रोविच कुर्लाव ( 1885- 1962)।
लेकिन सोलोवोव का सबसे प्रतिभाशाली छात्र वेलेरियन अलेक्सेविच गुसानोव (1866-1918) था। वह एक असामान्य रूप से बहुमुखी व्यक्तित्व थे: एक शिक्षक, संगीत रचनाओं के लेखक, और सबसे महत्वपूर्ण, एक प्रमुख इतिहासकार और गिटार के प्रचारक (यह उल्लेखनीय है कि वी। ए। रुसानोव ने मॉस्को सोसाइटी ऑफ़ फोक इंस्ट्रूमेंट्स प्लेइंग लवर्स के प्रमुख के रूप में भी प्रसिद्धि प्राप्त की, जिसके भीतर उन्होंने एक लोक - वाद्य ऑर्केस्ट्रा का आयोजन किया, रचना स्पष्ट रूप से वी. वी. एंड्रीव और उनके सहयोगियों द्वारा खेती की गई रचना से अलग है, जिस पर बाद में चर्चा की जाएगी। इस वाद्य रचना में, बालिका मंडोलिन, गिटार और पियानो के साथ सह-अस्तित्व में है।)
यह वी। ए। रुसानोव था, जो 1904 से 1906 तक अस्तित्व में रहने वाली अखिल रूसी पत्रिका "गिटारवादक" के प्रकाशन का आयोजन करके रूसी गिटारवादकों को रैली करने में कामयाब रहा। उन्हें
कई लेख पत्रिकाओं में लिखे गए थे गिटारिस्ट का संगीत, एकॉर्ड, सूचनात्मक विस्तृत निबंध प्रकाशित किए गए थे - गिटार और गिटारिस्ट, गिटार के कैटेचिज़्म और कई अन्य। एक विशेष रूप से महत्वपूर्ण प्रकाशन उनकी पुस्तक "गिटार इन रशिया" थी, जहाँ पहली बार घरेलू साहित्यसाधन का एक बहुत विस्तृत इतिहास प्रस्तुत किया गया है।

वेलेरियन अलेक्सेविच रुसानोव

वी। ए। रुसानोव की शैक्षणिक गतिविधि भी फलदायी रही। उनके छात्र थे, उदाहरण के लिए, पी.एस. आगाफोसिन, जो 1920 के दशक के उत्तरार्ध में - 1930 के दशक में क्षेत्र में घरेलू शिक्षकों और कार्यप्रणाली के नेता बन गए छह तार वाला गिटार.
20 वीं शताब्दी की शुरुआत के गिटारवादकों में, मैं वासिली पेत्रोविच लेबेडेव (1867-1907) का उल्लेख करना चाहूंगा, जो कई अलग-अलग रचनाओं के लेखक हैं और सात और छह-तार वाले गिटार के लिए एक शानदार कलाकार हैं। मैं यह नोट करना चाहूंगा कि 1898 में वी. वी. एंड्रीव ने उन्हें सेंट पीटर्सबर्ग सैन्य जिले के गार्ड रेजिमेंट में लोक वाद्ययंत्र और लोक संगीत के शिक्षक के रूप में काम करने के लिए आमंत्रित किया।
यहां वी.पी. लेबेडेव ने सबसे विविध संगीत और शैक्षिक कार्य किए। उन्होंने ग्रेट रूसी ऑर्केस्ट्रा के संगीत समारोहों में सात-स्ट्रिंग गिटार पर एक एकल कलाकार के रूप में प्रदर्शन किया, इसके कक्ष और कोमल ध्वनि से प्यार किया (वी.पी. लेबेडेव का वी.वी. एंड्रीव के महान रूसी ऑर्केस्ट्रा के साथ पेरिस में 1900 की विश्व प्रदर्शनी में दौरा एक विशेष सफलता थी। ). 1904 में, उन्होंने एक पद्धतिगत मैनुअल भी प्रकाशित किया - "रूसी और स्पेनिश प्रणाली के सात-स्ट्रिंग गिटार के लिए स्कूल" (बाद का मतलब शास्त्रीय छह-स्ट्रिंग गिटार में निचले स्ट्रिंग "पी" को जोड़ना था)।
इस प्रकार, 19 वीं के दौरान और विशेष रूप से 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में गिटार कला ने व्यापक जनता की संगीत और कलात्मक शिक्षा में समान रूप से महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, जैसा कि डोमरा या बालिका खेलने की कला ने किया था। इसलिए, रूस की सामान्य आबादी को संबोधित करते हुए, यह संगीत अभिजात वर्ग की ओर आंदोलन में विश्वसनीय कदम प्रदान करने में सक्षम था, और इसके परिणामस्वरूप, इसकी सामाजिक स्थिति के संदर्भ में एक लोक वाद्य के सबसे महत्वपूर्ण गुण प्राप्त किए।

सिक्स-स्ट्रिंग (स्पेनिश) और सात-स्ट्रिंग (रूसी) गिटार

गिटार दुनिया भर के कई देशों में सबसे प्रिय और लोकप्रिय वाद्य यंत्रों में से एक है। गिटार कला का इतिहास समृद्ध घटनाओं, रचनात्मक खोजों, दोनों वाद्य यंत्रों के निरंतर सुधार और इसे बजाने की तकनीक से भरा हुआ है।

गिटार ने अपनी उपस्थिति, आधुनिक के करीब, केवल 18 वीं शताब्दी में ली। लुटे, लिरे, ग्रीक सिटहारा, इटालियन वायोला और स्पैनिश विहुएला जैसे प्लक किए गए उपकरणों को इसके पूर्ववर्तियों के रूप में माना जाता है।

वर्तमान में, गिटार की कई मुख्य किस्में हैं: शास्त्रीय सिक्स-स्ट्रिंग ("स्पैनिश"), सात-स्ट्रिंग ("रूसी"), साथ ही साथ "हवाईयन", जैज़ गिटार, इलेक्ट्रिक गिटार।

दुनिया में सबसे आम सिक्स-स्ट्रिंग गिटार का जन्मस्थान स्पेन है, सात-स्ट्रिंग गिटार को सही मायने में रूस माना जाता है।

गिटार कला के प्रेमियों के बीच चर्चा अभी भी बंद नहीं होती है: इनमें से कौन सा उपकरण पसंद किया जाना चाहिए? सिक्स-स्ट्रिंग गिटार के समर्थक अपने वाद्य यंत्र की महान खूबी की ओर इशारा करते हैं, संगीतकार और कलाकारों द्वारा इसका उपयोग करके हासिल की गई वास्तव में महत्वपूर्ण रचनात्मक सफलता। सात-तार वाले गिटार के प्रशंसक भी संगीतकारों की महान उपलब्धियों और 19 वीं शताब्दी में रूस की कलात्मक संस्कृति में विकसित प्रदर्शन परंपराओं का उल्लेख करते हैं, जो रूसी गीत, लोक मेलो की प्रकृति के लिए साधन की निकटता पर जोर देते हैं। वे इस तथ्य पर ठीक से ध्यान देते हैं कि पुराने रूसी रोमांस की शैली का विकास इसकी विशिष्ट नरम गीतकारिता और ईमानदारी, भावनाओं की गर्माहट, शहरी लोककथाओं से निकटता काफी हद तक सात-तार वाले गिटार के कारण है।

हमारी राय में, पूछे गए प्रश्नों का उत्तर काफी स्पष्ट है: छह-स्ट्रिंग गिटार और सात-स्ट्रिंग गिटार दोनों की अपनी खूबियां और परंपराएं हैं, इनमें से प्रत्येक उपकरण विभिन्न प्रकार के कलात्मक कार्यों को हल कर सकता है। एक या दूसरे प्रकार के गिटार का उपयोग करने की वैधता केवल इस बात पर निर्भर कर सकती है कि संगीतकार को रचनात्मक विचार को मूर्त रूप देने के लिए अभिव्यक्ति के किस साधन की आवश्यकता है, वह किस आलंकारिक सामग्री की मदद से प्रकट करना चाहता है।

गिटार साहित्य का एक लंबा इतिहास और परंपराएं हैं। अन्य उपकरणों के साथ-साथ इसके तत्काल पूर्ववर्तियों के लिए लिखे गए कार्यों की व्यवस्था, विशेष रूप से ल्यूट के लिए, गिटारवादकों के प्रदर्शनों की सूची में एक प्रमुख स्थान रखती है।

उत्कृष्ट स्पेनिश गुणी गिटारवादक और शिक्षक एंड्रेस टोरेस सेगोविया (1893 - 1987), छह-तार वाले गिटार बजाने के आधुनिक अकादमिक स्कूल के संस्थापक माने जाते हैं।

गिटारवादकों द्वारा कई वायलिन रचनाओं की सफलतापूर्वक व्याख्या की जाती है। इसलिए, उदाहरण के लिए, एंड्रेस सेगोविया वायलिन संगीत की उत्कृष्ट कृतियों में से एक, जे.एस. बाख के सबसे कठिन चाकोने का एक नायाब कलाकार है।

लेकिन सबसे महत्वपूर्ण बात: गिटार के लिए एक लगातार बढ़ता हुआ मूल एकल प्रदर्शनों की सूची है, जिसमें संगीत कार्यक्रम, सोनटास, विविधताएं, टुकड़े शामिल हैं; यह संगीतकारों द्वारा सक्रिय रूप से एक पहनावा और साथ के उपकरण के रूप में उपयोग किया जाता है।

गिटार प्रदर्शनों की सूची के निर्माण में एक महत्वपूर्ण भूमिका स्पेनिश संगीतकारों की है: फर्नांडो सोरा (1778-1839), फ्रांसिस्को तारेगा इक्सिया (1852-1909), मिगुएल लोबेट (1878-1938), एमिलियो पुजोल विलारुबी (बी। 1886) और ए। दूसरों की संख्या। उन्होंने गिटार के लिए प्रतिभाशाली रचनाएँ बनाईं, जिसकी शैली का सी। डेबसी, एम। रवेल की पियानो रचनाओं पर एक निश्चित प्रभाव था। गिटार के लिए उल्लेखनीय कार्य N. Paganini, F. Schubert, K. M. Weber, G. Berlioz द्वारा लिखे गए थे; हमारी सदी में - एम. ​​डी फाली, ए. रसेल, डी. मिलौ, ए. जोलिवेट, ई. विला लोबोस, एक्स. रोड्रिगो।

गिटार के लिए कई महत्वपूर्ण रचनाएँ लिखी गई हैं सोवियत संगीतकार. उनमें से मैं बी. आसफ़िएव द्वारा स्ट्रिंग चौकड़ी, शहनाई और टिमपनी के साथ गिटार के लिए कॉन्सर्टो, वी. शेबलिन द्वारा सोनाटा का नाम लेना चाहूंगा। I. Boldyrev, Yu. Obedov, L. Birnov, N. Chaikin, Yu. Shishakov, G. Kamaldinov और अन्य संगीतकारों द्वारा गिटार के लिए काम किया गया था।

सात-तार वाले गिटार का इतिहास, जो रूस में व्यापक हो गया, दिलचस्प है। उसने व्यापक रूप से संगीतमय जीवन में प्रवेश किया। होम संगीत-निर्माण एक गिटार के बिना पूरा नहीं हुआ था, इसकी संगत के लिए रोमांस और गाने गाए जाते थे, जिसका उपयोग एकल और कलाकारों की टुकड़ी के रूप में किया जाता था।

सात तार वाले गिटार बजाने की कला का उत्कर्ष अपने समय के प्रमुख संगीतकारों ए. सिखरा (1773-1850) और एम. वैयोट्स्की (सी. 1791-1837) की गतिविधियों से जुड़ा है। उन्होंने रूसी जनता की सहानुभूति और प्यार का आनंद लिया, राष्ट्रीय संस्कृति के आंकड़ों का सम्मान और सराहना की।

सिचरा के छात्रों ने गिटार बजाने की कला में अपना योगदान दिया। उनमें से, गिटारवादक और संगीतकार एस। अक्सेनोव (1784-1853) को नोट करना आवश्यक है, जिन्होंने "सात-स्ट्रिंग गिटार के लिए नई पत्रिका, संगीत प्रेमियों को समर्पित" प्रकाशित की; वी. स्विंत्सोव (d. c. 1880), जो सात-तंत्री गिटार पर पहले पेशेवर कलाकारों में से एक बने; एफ. ज़िम्मरमैन (1810-1882), अपने अद्भुत आशुरचनाओं के लिए जाने जाते हैं; वी. मोर्कोव (1801-1864), सात-तंत्री गिटार के लिए कार्यों और प्रतिलेखों के लेखक।

रूस में सिक्स-स्ट्रिंग गिटार बजाने की कला भी विकसित हो रही है। एम। सोकोलोव्स्की (1818-1883) इस पर एक उल्लेखनीय कलाकार थे, जिनकी संगीत कार्यक्रम गतिविधि रूस और कई यूरोपीय देशों में बड़ी सफलता के साथ आयोजित की गई थी। शास्त्रीय सिक्स-स्ट्रिंग गिटार एन। मकारोव (1810-1890) के कलाकार और लोकप्रिय ने भी काफी प्रसिद्धि प्राप्त की।

रूसी सोवियत गुणी गिटारवादक और शिक्षक प्योत्र स्पिरिडोनोविच एगाफोशिन (1874 - 1950)

हालाँकि, 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, यूरोप और रूस दोनों में, पेशेवर संगीतकारों की ओर से गिटार में रुचि कम हो गई थी, इसे तेजी से एक ऐसे उपकरण के रूप में माना जाता है जिसका महान कलात्मक महत्व नहीं है, और इसलिए ध्यान देने योग्य नहीं है, इसकी अभिव्यंजक संभावनाएं और मौलिकता को कम करके आंका गया है।

गिटार कला का एक नया उत्कर्ष 20 वीं शताब्दी में पहले से ही हो रहा है और सभी क्षेत्रों को प्रभावित करता है: संगीत रचना, प्रदर्शन, शिक्षाशास्त्र। संगीत कार्यक्रम के मंच पर अन्य वाद्ययंत्रों के साथ गिटार एक समान स्थान रखता है। गिटार कला और गिटारवादक संगीतकारों की गतिविधियों को बढ़ावा देने के लिए, रूस में विशेष पत्रिकाएँ प्रकाशित की जा रही हैं: "गिटारवादक", "गिटारवादक का संगीत"। उनमें ऐसी जानकारी होती है जो हमारे समय में अपना महत्व नहीं खोती है।

हाल के दशकों में विभिन्न देशअंतर्राष्ट्रीय प्रतियोगिताओं और गिटारवादकों के त्योहार आयोजित किए जाते हैं, संगीत और संरक्षकों की कई अकादमियों में गिटार कक्षाएं खुली हैं, कई समाज और कलाकारों, पेशेवरों और शौकीनों के संघ, विशेष पुस्तक और संगीत साहित्य प्रकाशित होते हैं। रिकॉर्ड और कॉम्पैक्ट कैसेट पर रिकॉर्ड किए गए गिटार संगीत को लगातार रेडियो और टेलीविजन पर सुना जाता है।

हमारी सदी के गिटारवादकों के बीच अग्रणी स्थान योग्य रूप से महान स्पेनिश संगीतकार एंड्रेस सेगोविया (बी। 1893) का है। उनके बहुमुखी प्रदर्शन, शिक्षण, शैक्षिक गतिविधियों, प्रतिलेखों के निर्माण का गिटार कला के आगे के विकास पर बहुत प्रभाव पड़ा।

बार-बार सेगोविया ने सोवियत संघ का दौरा किया। उनके संगीत कार्यक्रम, जो हमेशा सफल रहे, ने हमारे देश में गिटार में रुचि के पुनरुद्धार में योगदान दिया, स्पष्ट रूप से उपकरण की महत्वपूर्ण तकनीकी और कलात्मक क्षमताओं का प्रदर्शन किया, ऐसे सोवियत संगीतकारों के प्रदर्शन, शिक्षण और रचना गतिविधियों को पी। एगाफोशिन ( 1874-1950), पी. इसकोव (1886-1958), वी. यशनेव (1879-1962), ए. इवानोव-क्राम्स्कोय (1912-1973)।

सोवियत गुणी गिटारवादक और शिक्षक अलेक्जेंडर मिखाइलोविच इवानोव-क्राम्स्कोय (1912 - 1973)

मैं विशेष रूप से RSFSR अलेक्जेंडर मिखाइलोविच इवानोव-क्राम्स्कोय के सम्मानित कलाकार के सोवियत गिटार स्कूल के विकास के महत्व पर ध्यान देना चाहूंगा। गिटार और ऑर्केस्ट्रा के लिए दो संगीत कार्यक्रमों के लेखक और इस उपकरण के लिए सौ से अधिक टुकड़े, ए। इवानोव-क्राम्सकोय ने संगीत कार्यक्रम की गतिविधियों, रेडियो रिकॉर्डिंग और ग्रामोफोन रिकॉर्ड को शिक्षाशास्त्र के साथ सफलतापूर्वक जोड़ा। मॉस्को स्टेट कंज़र्वेटरी में पी। आई। त्चिकोवस्की के नाम पर संगीत विद्यालय की दीवारों के भीतर, उन्होंने तैयार किया पूरी लाइनदिलचस्प संगीतकार। ए। इवानोव-क्राम्स्कोय ने "द स्कूल ऑफ़ प्लेइंग द सिक्स-स्ट्रिंग गिटार" जारी किया, जिसने युवा गिटारवादकों के प्रशिक्षण में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

वर्तमान में, शास्त्रीय सिक्स-स्ट्रिंग गिटार को सक्रिय रूप से पी। वेशचिट्स्की, एन। कोमोलियाटोव, ई। लारिचेव, ए।

वी. सोजोनोव (1912-1969), एम. इवानोव (1889-1953), वी. यूरीव (1881-1962) ने सात-तार वाले गिटार के विकास और प्रचार में एक महान योगदान दिया; आज - बी। ओकुनेव, एस। ओरेखोव, एल। मेनरो और कई अन्य संगीतकार।

हमारे देश में, संगीत अभ्यास में, सिक्स-स्ट्रिंग और दोनों सात तार वाला गिटार. कई बच्चों और शाम के संगीत स्कूलों, पायनियर्स और स्कूली बच्चों के महलों और क्लब संस्थानों में कई उच्च और माध्यमिक विशेष शैक्षणिक संस्थानों में शिक्षा प्रदान की जाती है।

विदेशों में गिटार बजाने की कला लगातार विकसित हो रही है। एम। ज़ेलेंका, वी। मिकुल्का (चेकोस्लोवाकिया), एल। सेंद्रेई-कार्पर (हंगरी) प्रसिद्ध हैं; 3. बेहरेंड (जर्मनी), एल. ब्रोवर (क्यूबा), डी. ब्लैंके, एम. क्यूबेडो, ए. मेम्ब्राडो (स्पेन), डी. ब्रिम, डी. विलियम्स (ग्रेट ब्रिटेन), एम.एल. एनिडो, ई. बिटेटी (अर्जेंटीना) , ए। डियाज़ (वेनेजुएला) और कई अन्य कलाकार।

20वीं सदी में जैज़ और पॉप के विकास के साथ वाद्य संगीतजैज़ गिटार, जो 1930 के दशक में एक विद्युत संगीत वाद्ययंत्र बन गया, भी व्यापक हो गया। इसका उपयोग विभिन्न प्रकार के जैज़ और पॉप पहनावा और आर्केस्ट्रा, लोकगीत समूहों में किया जाता है, और इस पर एकल कार्य भी किए जाते हैं।

हमारे देश में, जैज़ गिटार का विकास पिता और पुत्र कुज़नेत्सोव, एलेक्सी याकुशेव, स्टानिस्लाव काशीरिन और कई अन्य संगीतकारों के नाम से जुड़ा हुआ है।

गिटार मुखर और वाद्य यंत्रों में मुख्य उपकरणों में से एक है। साम्राज्यवादी उत्पीड़न के खिलाफ राष्ट्रीय स्वतंत्रता के लिए, शांति के लिए संघर्ष के गीतों का प्रदर्शन करने वाले एकलवादियों और कलाकारों द्वारा इसका उपयोग किया जाता है।

लोगों के दिल और दिमाग पर प्रभाव का एक ज्वलंत उदाहरण चिली के गायक और गिटारवादक विक्टर जारा की कला है, जिन्होंने अपनी मातृभूमि में लोकतंत्र और सामाजिक प्रगति के संघर्ष में अपना जीवन लगा दिया।

गिटार कला लगातार विकसित हो रही है, इस उपकरण के लिए साहित्य लगातार विभिन्न शैलियों में नए मूल कार्यों के साथ अद्यतन किया जाता है। गिटार की महान लोकप्रियता, इसके महत्वपूर्ण गुण और अभिव्यंजक संभावनाएँ इस लोकतांत्रिक वाद्य यंत्र को बजाने की कला को और अधिक फलने-फूलने का आधार देती हैं।

द्वितीय सहस्राब्दी ईसा पूर्व से संबंधित। वे कछुआ खोल या लौकी से बने एक छोटे से शरीर के साथ उपकरणों का चित्रण करते हैं।

प्राचीन मिस्र में, गिटार जैसे वाद्ययंत्र लोगों के जीवन के साथ इतने घनिष्ठ रूप से जुड़े हुए थे कि वे अच्छाई के प्रतीक बन गए, और उनकी रूपरेखा "अच्छे" को दर्शाते हुए चित्रलिपि में प्रवेश कर गई।

एक धारणा है कि गिटार मध्य पूर्व में दिखाई दिया और वहां से पूरे एशिया और यूरोप में फैल गया।

इटालियंस द्वारा रूस को छह-स्ट्रिंग गिटार से परिचित कराया गया था, जो सम्राटों और दरबारी बड़प्पन के दरबार में सेवा करते थे। इतिहास ने दो इटालियंस के नाम संरक्षित किए हैं - ग्यूसेप सार्ती और कार्लो कैनोबियो। इतालवी संगीतकार Giuseppe Sarti, काउंटेस V.N के अनुसार। गोलोविना ने स्वेच्छा से गिटार बजाया। कार्लो कैनोबियो ने पॉल I की तीन बेटियों को गिटार बजाना सिखाया, इन पाठों के लिए बहुत ही ठोस इनाम मिला - एक वर्ष में 1 हजार रूबल।

तब गिटार के बहुत कम प्रशंसक थे। इटालियन कलाप्रवीण संगीतकार पास्केल गागलियानी, जिन्होंने अदालत के बड़प्पन के सैलून में प्रदर्शन किया, कुछ हद तक साधन प्रेमियों के चक्र का विस्तार करने में कामयाब रहे। रॉसी में अपनी गतिविधि के कई वर्षों के बाद, गैलियानी ने एट्यूड्स और अभ्यासों का एक संग्रह जारी किया - एक गिटार पाठ्यपुस्तक जैसा कुछ।

इटालियंस ने गिटार के लिए लोक गीतों को संसाधित करने की कोशिश की, लेकिन वे अच्छी तरह से सफल नहीं हुए: छह-तार वाला गिटार पूरी तरह से रूसी लोक संगीत की संरचना के अनुकूल नहीं था। इसीलिए, लगभग उसी समय, रूसी सात-तार वाला गिटार दिखाई देता है।

1821 में मार्कस ऑरेलियस ज़ानी डे फेरेंटी (1800-1878) रूस आए। निकोलो पगनीनी, जिन्होंने कई गिटार गुणों को सुना, ने ज़ानी डे फेरेंटी के खेल का आकलन इस प्रकार किया: "मैं गवाही देता हूं कि ज़ानी डे फेरेंटी उन महान गिटारवादकों में से एक हैं जिन्हें मैंने कभी सुना है और जिन्होंने मुझे अपने अद्भुत, रमणीय खेल के साथ अकथनीय आनंद दिया है।" यह इस गिटारवादक के लिए है कि रूस इस तथ्य का श्रेय देता है कि छह-तार वाला गिटार यहां व्यापक रूप से जाना जाता है। संगीतकार ने बहुत सारे संगीत कार्यक्रम दिए, और उन्हें इसमें खेलना पड़ा बड़े हॉल. वह एक बॉल संगीतकार भी थे - उन्होंने निशाचर, कल्पनाएँ, नृत्य संगीत की रचना की। Tsani de Ferranti ने चाहने वालों को गिटार की शिक्षा दी, लेकिन केवल प्रारंभिक वाले, एक छात्र को एक पेशेवर गिटारवादक में बदलने के अपने कार्य के बिना।

सात-तार वाले के विपरीत, इसकी छह-तार वाली विविधता रूस में 17 वीं-19 वीं शताब्दी में लगभग विशेष रूप से एक पेशेवर शैक्षणिक उपकरण के रूप में विकसित हुई और शहरी गीतों और रोजमर्रा के रोमांस के प्रसारण की ओर बहुत कम उन्मुख थी।

19 वीं शताब्दी की शुरुआत में, I. गेल्ड और आई। बेरेज़ोव्स्की द्वारा सिक्स-स्ट्रिंग गिटार के लिए स्कूल और मैनुअल दिखाई दिए, जिसमें अधिकांश भाग के लिए स्पेनिश और इतालवी क्लासिक्स पर निर्भरता पाई गई - मौरो गिउलिआनी, माटेओ द्वारा गिटार का काम Carcassi, Luigi Legnani, Ferdinando Carulli, Fernando Sora, बकाया पश्चिमी यूरोपीय संगीतकारों के पियानो संगीत के प्रतिलेखन पर। रूस में छह-स्ट्रिंग गिटार के वितरण में एक महत्वपूर्ण भूमिका उत्कृष्ट विदेशी गिटारवादकों के दौरे द्वारा निभाई गई थी - 1822 में, इतालवी मौरो गिउलिआनी द्वारा प्रदर्शन सेंट पीटर्सबर्ग में और 1923 में मास्को में स्पैनियार्ड फर्डिनेंड सोर द्वारा किया गया था। .

पश्चिमी संगीतकारों ने रूस में शास्त्रीय गिटार में रुचि जगाई। हमारे हमवतन लोगों के नाम कॉन्सर्ट के पोस्टरों पर दिखाई देने लगे। सबसे बड़े रूसी कलाकार, छह-स्ट्रिंग गिटार के प्रचारक निकोलाई पेट्रोविच मकारोव (1810 - 1890) और मार्क डेनिलोविच सोकोलोव्स्की (1818 - 1883) थे।

एन.पी. मकारोव का जन्म कोस्त्रोमा प्रांत में एक ज़मींदार के परिवार में हुआ था। 1829 में वह पागनीनी नाटक सुनने के लिए काफी भाग्यशाली थे, और 1830 में उन्होंने चोपिन संगीत कार्यक्रम में भाग लिया।

निकोलो पगनीनी ने मकरोव को इतना झकझोर दिया कि बाद के संगीतकारों में से कोई भी उनके खेलने की छाप नहीं छोड़ सका।

एन.पी. मकारोव प्रथम श्रेणी के गिटार वादन को प्राप्त करने के लिए निकल पड़े। संगीतकार रोजाना 01 - 12 घंटे काम करता था। 1841 में, उनका पहला संगीत कार्यक्रम तुला में हुआ। एक गिटारवादक के रूप में खुद को मान्यता और यहां तक ​​​​कि गंभीर ध्यान नहीं मिलने पर, वह यूरोप के दौरे पर जाता है। दुनिया के कई देशों में एन.पी. मकारोव ने एक उत्कृष्ट गुणी गिटारवादक के रूप में ख्याति प्राप्त की, जो सबसे जटिल गिटार रचनाओं का एक शानदार व्याख्याकार था। अपने दौरों के दौरान, संगीतकार ने प्रमुख विदेशी गिटारवादकों से मुलाकात की: तज़ानी डे फेरेंटी, माटेओ कारासी, नेपोलियन कोस्ट।

गिटार के पूर्व गौरव को पुनर्जीवित करने के लिए, मकारोव ने यूरोप में एक अंतरराष्ट्रीय प्रतियोगिता आयोजित करने का फैसला किया। ब्रुसेल्स में, वह गिटार संगीतकारों और उस्तादों के लिए एक प्रतियोगिता की व्यवस्था करता है। प्रतियोगिता से पहले, गिटारवादक अपना संगीत कार्यक्रम देता है, जहाँ वह अपनी रचनाएँ करता है और अन्य लेखकों द्वारा काम करता है। मकारोव ने दस तार वाला गिटार बजाया।

इस प्रतियोगिता के लिए धन्यवाद, संगीतकार के क्षेत्र में काम को तेज करने में कामयाब रहे गिटार संगीतवाद्ययंत्र की नई रचनात्मक किस्मों के निर्माण में योगदान देने के लिए कई पश्चिमी यूरोपीय संगीतकार और गिटार निर्माता।

मकरोव कई निबंधों और साहित्यिक संस्मरणों के लेखक हैं। उन्होंने अपनी खुद की किताबें और अपने खुद के संगीत नाटक प्रकाशित किए जैसे कि कार्निवल ऑफ वेनिस, माजुरकास, रोमांस, गिटार के लिए कॉन्सर्टो, लोक गीतों की व्यवस्था। हालाँकि, उन्होंने जो संगीत बनाया वह बहुत अभिव्यंजक नहीं था और व्यापक रूप से उपयोग नहीं किया गया था। 1874 में, उनके "उच्चतर गिटार बजाने के कई नियम" प्रकाशित हुए। ब्रोशर में गिटार की तकनीक को बेहतर बनाने के लिए मूल्यवान सलाह दी गई थी: ट्रिल बजाना, हार्मोनिक्स, रंगीन तराजू, खेल में छोटी उंगली का उपयोग करना आदि।

एक अन्य रूसी गिटारवादक, मार्क डेनिलोविच सोकोलोव्स्की (1812 - 1883) ने दर्शकों को जटिल तकनीकी तकनीकों से प्रभावित करने की कोशिश नहीं की। उनकी असाधारण संगीतमयता से श्रोता मंत्रमुग्ध हो गए।

एक बच्चे के रूप में, सोकोलोव्स्की ने वायलिन और सेलो बजाया, फिर गिटार बजाना शुरू किया। पर्याप्त हद तक साधन में महारत हासिल करने के बाद, 1841 में उन्होंने एक सक्रिय संगीत कार्यक्रम शुरू किया। उनके संगीत कार्यक्रम ज़ाइटॉमिर, कीव, विल्ना, मॉस्को, सेंट पीटर्सबर्ग में आयोजित किए गए थे। 1857 में, गिटारवादक को मॉस्को में नोबल असेंबली के हजार सीटों वाले हॉल में प्रदर्शन करने का अवसर मिला। 1860 में, उन्हें जोर से "मॉस्को जनता का पसंदीदा" कहा गया। 1864 से 1868 तक संगीतकार यूरोप के शहरों का दौरा करता है। वह लंदन, पेरिस, बर्लिन और अन्य शहरों में संगीत कार्यक्रम देता है। हर जगह उनके साथ एक बड़ी सफलता है। संगीतकार के विजयी दौरे ने उन्हें सबसे बड़े गिटारवादकों में से एक के रूप में प्रसिद्धि दिलाई। यह उल्लेखनीय है कि सोकोलोव्स्की के कई प्रदर्शनों में, उनके संगतकार उत्कृष्ट रूसी पियानोवादक एन.जी. रुबिनस्टीन।

सोकोलोव्स्की की प्रदर्शन शैली को प्रतिष्ठित करने वाले गुणों में, सबसे पहले, बारीकियों की सूक्ष्मता, टिमब्रे पैलेट की विविधता, उच्च गुण और कैंटिलिना की गर्मी को बाहर करना आवश्यक है। इन गुणों को विशेष रूप से एम। गिउलिआनी द्वारा तीन संगीत कार्यक्रमों की व्याख्या के साथ-साथ प्रतिलेखन के प्रदर्शन में प्रकट किया गया था पियानो के टुकड़ेएफ। चोपिन और उनके अपने लघुचित्र, कई मामलों में चोपिन की शैली के करीब - प्रस्तावना, पोलोनेस, विविधताएं, आदि। एम। डी। सोकोलोव्स्की का अंतिम सार्वजनिक संगीत कार्यक्रम 1877 में सेंट पीटर्सबर्ग में हुआ था, और फिर संगीतकार विलनियस में बस गए, जहाँ वे शिक्षण गतिविधियों में लगे हुए थे।

घरेलू गिटारवादक एन.पी. मकारोव और एम.डी. रूस में इस उपकरण के कई प्रशंसकों के लिए सोकोलोव्स्की संगीत शिक्षा का एक महत्वपूर्ण साधन बन गया।

1. 
   XVIII-XIX सदियों में सात-स्ट्रिंग गिटार

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, रूस में एक मूल सात-तार वाला गिटार दिखाई दिया। यह जी-प्रमुख त्रय की आवाज़ के अनुसार बनाया गया था जो एक सप्तक से दोगुना था और नीचे की स्ट्रिंग एक चौथाई गेलन थी। यह वाद्य शहरी पेंशन और रोमांस की बास-कॉर्ड संगत के अनुकूल निकला।

घर पर, वे आमतौर पर कान से गिटार के साथ होते थे - सरलतम हार्मोनिक कार्यों से ऐसी संगत प्राथमिक थी और इस ट्यूनिंग के साथ बेहद सुलभ थी। गीतों और रोमांस के लेखक अक्सर कम जाने-माने शौकिया संगीतकार थे, लेकिन कभी-कभी 19 वीं शताब्दी के प्रमुख संगीतकार - ए। वरलामोव, ए। गुरिलेव, ए।

जिप्सियों के संगीत में सात तार वाले गिटार ने भी महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। शानदार गिटारवादक जिप्सी गायकों के नेता थे - आई। सोकोलोव, आई। वासिलिव, एम। शिश्किन, आर। कलाबिन।

रूसी गिटार के इतिहास में एक विशेष स्थान इग्नाटियस गेल्ड (1766 - 1816) का है, जो रूसी सात-स्ट्रिंग गिटार के लिए पहले "स्कूल" के लेखक हैं। राष्ट्रीयता से एक चेक, उन्होंने रूस में लगभग अपना संपूर्ण रचनात्मक जीवन व्यतीत किया और सात-तार वाले गिटार को एक गंभीर शैक्षणिक उपकरण के रूप में लोकप्रिय बनाने के लिए बहुत कुछ करने में सफल रहे।

18वीं शताब्दी के अंत से, सात तार वाला गिटार एक शैक्षणिक उपकरण के रूप में विकसित होना शुरू हुआ। गिटार के लिए प्रमुख रचनाएँ दिखाई देती हैं। इसलिए, 1799 में I. Kamensky का सोनाटा प्रकाशित हुआ था, 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में - V. Lvov के दो गिटार के लिए सोनाटा। 19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में, गिटार साहित्य इतनी मात्रा में निर्मित किया गया था कि यह अन्य संगीत वाद्ययंत्रों के लिए साहित्य से अधिक था, यहां तक ​​कि पियानोफोर्टे के लिए भी। विभिन्न गिटार के टुकड़े प्रकाशित किए गए थे, जिन्हें निर्देशात्मक और पद्धति संबंधी नियमावली में रखा गया था या अलग-अलग संस्करणों में सामने आया था। उदाहरण के लिए, कई लघुचित्र हैं, मुख्य रूप से नृत्य शैलियों में - प्रसिद्ध गिटारवादक-शिक्षक और पद्धतिविद् इग्नाटियस गेल्ड द्वारा निर्मित मज़ारुका, वाल्ट्ज, इकोसेज़, पोलोनेस, सेरेनेड, डायवर्टिसमेंट।

18 वीं की दूसरी छमाही के कुछ प्रसिद्ध रूसी संगीतकार - 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में सात-तार वाले गिटार बजाने के शौकीन थे। उनमें से इवान एवेस्टाफिविच खांडोस्किन (1747 - 1804) हैं, जिन्होंने वाद्ययंत्र के लिए रूसी लोक गीतों के विषयों पर कई रूपों की रचना की, और गैवरिल एंड्रीविच रचिंस्की (1777 - 1843), जिन्होंने सात-तार वाले गिटार के लिए दस टुकड़े प्रकाशित किए। 1817. उनमें से पाँच पोलोनेस और रूसी लोक गीतों के विषयों पर भिन्नता के दो चक्र हैं। उसी समय, अब भूले हुए संगीतकार - गोर्नोस्टेव - द्वारा काम किया गया था, जो उपकरण के लिए प्रकाशित हुए थे। कोनोवकिना, मास्लोवा।

सात-तार वाले गिटार पर पेशेवर प्रदर्शन का असली उत्कर्ष उत्कृष्ट शिक्षक-गिटारवादक आंद्रेई ओसिपोविच सिखरा (1773 - 1850) की रचनात्मक गतिविधि के वर्षों पर पड़ता है। प्रशिक्षण से एक वीणा वादक, उन्होंने अपना पूरा जीवन गिटार को बढ़ावा देने के लिए समर्पित कर दिया। संगीत में विशेष रूप से व्यस्त होने के कारण, आंद्रेई ओसिपोविच पहले से ही अपने शुरुआती युवाओं में एक गुणी कलाकार और संगीतकार के रूप में प्रसिद्ध हो गए। साइक्रा ने न केवल वीणा और गिटार के लिए, बल्कि पियानो के लिए भी रचना की।

18 वीं शताब्दी के अंत में, साइक्रा मोस्टका में चले गए और अपने संगीत वाद्ययंत्र के एक ऊर्जावान और सक्रिय प्रवर्तक बन गए। उनके गिटार को मॉस्को की जनता के बीच तुरंत कई प्रशंसक मिल गए। यहाँ, मास्को में, उनका "प्रारंभिक" मॉस्को स्कूल बन रहा है: वह कई छात्रों को पढ़ाता है, खुद का अध्ययन करता है, अपने वाद्ययंत्र में सुधार करता है, विभिन्न प्रकार की पद्धतिगत सामग्री बनाता है, सात-तार वाले गिटार के प्रदर्शनों की नींव रखता है और प्रदर्शन करता है संगीत कार्यक्रम में छात्र। उनके कई छात्र स्वयं बाद में उत्कृष्ट गिटारवादक और संगीतकार बन गए, उनके महान शिक्षक द्वारा शुरू किए गए काम को जारी रखा। ए.ओ. के अनुयायी सिचरी - एस.एन. अक्सेनोव, वी.आई. मोर्कोव, वी.एस. सरेंको, एफ.एम. ज़िम्मरमैन - ने कई नाटकों और रूसी लोक गीतों की व्यवस्था की।

1800 से अपने जीवन के अंत तक, ए.ओ. साइक्रा ने इस वाद्य यंत्र के लिए कई टुकड़े प्रकाशित किए, ये लोकप्रिय अरिया, नृत्य संगीत, संगीत कार्यक्रम की सबसे जटिल कल्पनाएँ हैं। साइक्रा का काम सभी पहलुओं में विकसित हुआ। उन्होंने गिटार एकल के लिए टुकड़े बनाए, गिटार के युगल के लिए, वायलिन और गिटार के लिए, प्रसिद्ध और फैशनेबल संगीतकारों के विषयों पर कल्पनाओं सहित, रूसी लोक गीतों के विषयों पर कल्पनाएँ, मूल रचनाएँ, जिसमें माजुरका, वाल्ट्ज, इकोसेज़, क्वाड्रिल्स शामिल हैं। व्यायाम। Sykhra ने M.I के ट्रांसक्रिप्शन और व्यवस्था का प्रदर्शन किया। ग्लिंका, वी.ए. मोजार्ट, जी. डोनिज़ेटी, के. वेबर, डी. रॉसिनी, डी. वर्डी।

ए.ओ. सिचरा सात-तार वाले गिटार को एक एकल शैक्षणिक उपकरण के रूप में स्थापित करने वाले पहले व्यक्ति थे, जो शौकिया गिटारवादकों की एक विस्तृत श्रृंखला की सौंदर्य शिक्षा के लिए बहुत कुछ कर रहे थे।

1802 में, ए.ओ. Sychry", जिसने रूसी लोक गीतों की व्यवस्था, संगीत क्लासिक्स के प्रतिलेख प्रकाशित किए। बाद के वर्षों में, 1838 तक, संगीतकार कई समान पत्रिकाओं को प्रकाशित करता है, जो उपकरण की लोकप्रियता में उल्लेखनीय वृद्धि में योगदान देता है।

सात-तार वाले गिटार के लिए बड़ी संख्या में काम करने के अलावा, साइक्रा ने "स्कूल" छोड़ दिया, जिसे उन्होंने अपने छात्र वी.आई. के आग्रह पर लिखा था। गाजर। यह 1840 में प्रकाशित हुआ था।

सिचरा स्कूल का मुख्य आंकड़ा शिमोन निकोलाइविच अक्सेनोव (1784 - 1853) है। एक समय, कोई भी उन्हें उपकरण और संरचना की निपुणता में पार नहीं कर पाया। मॉस्को में, संगीतकार को सर्वश्रेष्ठ गुणी गिटारवादक माना जाता था। अक्सेनोव का खेल अपनी असाधारण माधुर्यता, स्वर की गर्माहट और इसके साथ-साथ महान गुण के लिए उल्लेखनीय था। जिज्ञासु मन रखने के कारण, उन्होंने यंत्र पर नई तकनीकों की तलाश की। इसलिए, उन्होंने कृत्रिम फ्लैगोलेट्स की एक प्रणाली विकसित की। संगीतकार के पास उपकरण पर ओनोमेटोपोइया का अद्भुत उपहार था। अक्षोनोव ​​ने पक्षियों के गायन, ढोल की आवाज, घंटियों की झंकार, आने और पीछे हटने वाली गायन मंडली आदि को चित्रित किया। इन ध्वनि प्रभावों के साथ, उन्होंने दर्शकों को अचंभित कर दिया। दुर्भाग्य से, एक्स्योनोव के इस तरह के नाटक हम तक नहीं पहुँचे हैं।

एसएन की शैक्षिक गतिविधि। अक्सेनोवा। 1810 की शुरुआत में, उन्होंने सेवन-स्ट्रिंग गिटार के लिए न्यू जर्नल प्रकाशित किया, जो संगीत प्रेमियों को समर्पित था, जिसमें रूसी लोक गीतों के विषयों पर लोकप्रिय ओपेरा एरिया और विविधताओं के कई प्रतिलेखन शामिल थे। एक्स्योनोव ने गिटार के साथ आवाज़ के लिए रोमांस भी रचा।

अक्स्योनोव ने शानदार ढंग से उपहार में दिए गए गिटारवादक मिखाइल वैयोट्स्की को पाला, जिन्होंने जल्द ही रूसी गिटारवादकों के मास्को स्कूल में प्रसिद्धि ला दी।

मिखाइल टिमोफीविच वैयोट्स्की (1791 - 1837) की रचनात्मक गतिविधि ने पेशेवर और अकादमिक रूसी गिटार प्रदर्शन के विकास में एक बड़ी भूमिका निभाई।

संगीतकार का खेल न केवल धर्मनिरपेक्ष सैलून और व्यापारी बैठकों में सुना जा सकता था। गिटारवादक आम जनता के लिए अपने अपार्टमेंट की खिड़की से भी बजाता था, खासकर हाल के वर्षों में, जब उसे बहुत जरूरत थी। इन संगीत समारोहों ने मध्यम वर्ग और कारीगरों के बीच सात तार वाले गिटार के प्रसार में योगदान दिया।

संगीतकार के पास सुधारक के रूप में एक अद्भुत उपहार था। Vysotsky जीवाओं और संयोजनों के अंतहीन धन के साथ घंटों तक सुधार कर सकता था।

गिटारवादक ने नृत्य संगीत की भी रचना की जो उनके समय में फैशनेबल था: मज़ाकुरस, पोलोनेस, वाल्ट्ज, इकोसेज़। ये सभी रचनाएँ बहुत ही सुंदर और संगीतमय हैं। Vysotsky ने V.A द्वारा कार्यों का प्रतिलेखन किया। मोजार्ट, एल बीथोवेन, डी फील्ड। संगीतकार ने अपनी रचनाओं को छोटे संस्करणों में और पुनर्मुद्रण के बिना प्रकाशित किया, और इसलिए संग्रह तुरंत बिक गए और लगभग तुरंत ग्रंथ सूची संबंधी दुर्लभता बन गए। वायसोस्की की हस्तलिखित रचनाओं में से कुछ ही बची हैं, साथ ही गुथिल के संस्करण में 84 नाटक प्रकाशित हुए हैं।

रूस में सात-तार वाले गिटार बजाने के लिए पहला स्व-निर्देश मैनुअल 18 वीं शताब्दी के अंत में दिखाई दिया। 1798 में सेंट पीटर्सबर्ग में, आई। गेल्ड की "सिमेंटिक गाइड फॉर द सेवन-स्ट्रिंग गिटार" प्रकाशित हुई थी, जिसे बार-बार पुनर्मुद्रित किया गया था और नई सामग्री के साथ पूरक किया गया था। तीसरा संस्करण रूसी और यूक्रेनी लोक गीतों की 40 व्यवस्थाओं के साथ विस्तारित किया गया था। 1808 में, सेंट पीटर्सबर्ग में डी.एफ. कुशेनोव-दिमित्रिस्की द्वारा "सात-स्ट्रिंग गिटार के लिए स्कूल" जारी किया गया था। इस संग्रह को तब से कई बार पुनर्मुद्रित किया गया है। 1850 में, ए.ओ.सिखरा का "सेवेन-स्ट्रिंग गिटार के लिए सैद्धांतिक और व्यावहारिक स्कूल" तीन भागों में प्रकाशित हुआ था। पहले भाग को "ऑन द रूल्स ऑफ़ म्यूज़िक इन जनरल" कहा जाता था, दूसरे में तकनीकी अभ्यास, तराजू और आर्पीगियोस होते थे, तीसरे भाग में संगीत सामग्री होती थी, जिसमें मुख्य रूप से सिखरा के छात्रों की रचनाएँ होती थीं। एक अन्य महत्वपूर्ण शिक्षाप्रद और शैक्षणिक मैनुअल ए.ओ. द्वारा "चार अभ्यासों में शामिल व्यावहारिक नियम" था। सिचरी। यह गिटारवादक के तकनीकी कौशल में सुधार के लिए एक प्रकार का उच्च विद्यालय है।

1819 में, एसएन अक्सेनोव ने आई। गेल्ड के "स्कूल" के अगले पुनर्मुद्रण में महत्वपूर्ण जोड़ दिए। प्राकृतिक और कृत्रिम हार्मोनिक्स पर एक अध्याय जोड़ा गया, कई नए टुकड़े, रेखाचित्र और लोक गीतों की व्यवस्था की शुरुआत की गई, जिनमें शामिल हैं खुद की रचना. सात-तार वाले गिटार सीखने के लिए विभिन्न मैनुअल वी.आई. द्वारा जारी किए गए थे। मोरकोव, एम.टी. 19 वीं शताब्दी के पहले भाग के वायसॉस्की और अन्य गिटारवादक।

रूस में, सात-तार वाला गिटार समानांतर में मौजूद था - दोनों एक अकादमिक और एक लोक वाद्य के रूप में। 19 वीं शताब्दी के पहले दशकों में, सात-तार वाला गिटार, घरेलू संगीत-निर्माण की पारंपरिक परत की अभिव्यक्ति होने के नाते, मुख्य रूप से श्रमिकों, कारीगरों, प्रशिक्षुओं और विभिन्न प्रकार के सेवादारों - कोचमैन, अभावों के बीच वितरित किया गया था। साधन सामान्य आबादी के लिए शिक्षा और संगीत संस्कृति से परिचित होने का साधन बन जाता है।

1840 के दशक के बाद से, गिटार कला, गुसलनी की कला की तरह, गिरावट शुरू हो जाती है। लेकिन अगर रोज़मर्रा के संगीत-निर्माण से स्तोत्र गायब होने लगे, तो गिटार, शहरी गीत, रोमांस और जिप्सी गायन के क्षेत्र में समान रूप से अपरिवर्तित रहने वाला वाद्य यंत्र, धीरे-धीरे पेशेवर में कमी के कारण लोगों के अपने सामाजिक गुणों को खो देता है। गिटारवादक का स्तर। सदी के उत्तरार्ध में, ए.ओ. के रूप में ऐसे उज्ज्वल कलाकार और शिक्षक नहीं थे। साइक्रा, एस.एन. अक्सेनोव और एम.टी. वायसोस्की। पर्याप्त पद्धति संबंधी नियमावली मुद्रित होना लगभग बंद हो गई है, और प्रकाशित ट्यूटोरियल ज्यादातर रोजमर्रा के संगीत बनाने के प्रेमियों की सरल जरूरतों के लिए डिज़ाइन किए गए थे और इसमें केवल नमूने शामिल थे लोकप्रिय रोमांस, गाने, नृत्य, अक्सर कम कलात्मक गुणवत्ता वाले।

1. 
   रूसी डोमरा पर प्रदर्शन का गठन

ऐसी धारणा है कि पूर्वी साधन तानबुर, जो अभी भी मध्य पूर्व और ट्रांसकेशिया के लोगों के बीच मौजूद है, रूसी डोमरा का दूर का पूर्वज है। 9वीं - 10वीं शताब्दी में इन लोगों के साथ व्यापार करने वाले व्यापारियों द्वारा इसे रूस में लाया गया था। इस प्रकार के उपकरण न केवल रूस में, बल्कि अन्य पड़ोसी राज्यों में भी दिखाई दिए, जो स्लाविक लोगों और पूर्व के लोगों के बीच एक मध्यवर्ती भौगोलिक स्थिति पर कब्जा कर लिया। समय के साथ महत्वपूर्ण परिवर्तन होने के बाद, इन उपकरणों को अलग-अलग लोगों के बीच अलग-अलग कहा जाने लगा: जॉर्जियाई - पनाडुरी और चोंगुरी, ताजिक और उज्बेक्स - डम्ब्राक, तुर्कमेन्स - डटार, किर्गिज़ - कोमुज़, अजरबैजानियों और अर्मेनियाई - टार और साज़, कज़ाख और काल्मिक - डोमबरा, मंगोल - डोमबूर, यूक्रेनियन - बंडुरा। इन सभी उपकरणों ने आकार की रूपरेखा, ध्वनि उत्पादन विधियों, उपकरण आदि के संदर्भ में बहुत कुछ सामान्य रखा है।

हालाँकि "डोमरा" नाम केवल 16 वीं शताब्दी में ही प्रसिद्ध हो गया था, रूस में प्लक किए गए फ़िंगरबोर्ड (तानबर के आकार के) उपकरणों के बारे में पहली जानकारी 10 वीं शताब्दी से हम तक पहुँच रही है। रूसियों के बीच तनबुर लोक वाद्ययंत्रदसवीं शताब्दी के अरब यात्री इब्न दस्ता द्वारा वर्णित, जिन्होंने 903 और 912 के बीच कीव का दौरा किया था।

डोमरा का पहला उल्लेख जो हमारे पास आया है वह 1530 का है। "मेट्रोपॉलिटन डैनियल की शिक्षाएँ" चर्च के सेवकों की वीणा और स्माइक (बीप) बजाने के साथ-साथ डोमरा बजाने की बात करती हैं। 17 वीं शताब्दी की शुरुआत तक, यहां तक ​​\u200b\u200bकि गुसली, लोगों द्वारा बहुत प्यारी, उनकी लोकप्रियता में "बहुत हद तक डोमराम्स को रास्ता दिया"। मॉस्को में 17वीं सदी में, एक "हाउस रो" था जहां डोमरा बेचे जाते थे। नतीजतन, इन उपकरणों की आवश्यकता इतनी अधिक थी कि उनकी बिक्री के लिए कई दुकानों को व्यवस्थित करना आवश्यक था। यह जानकारी कि डोमरा बड़ी मात्रा में बनाए गए थे, और न केवल मास्को में, सीमा शुल्क पुस्तकों द्वारा दृढ़ता से पुष्टि की जा सकती है, जिसमें रूसी राज्य के स्थानीय बाजारों में दैनिक शुल्क दर्ज किए गए थे।

डोमरा इन रस' लोगों के जीवन की गहराई में गिर गया। यह एक सार्वजनिक, लोकतांत्रिक उपकरण बन गया है। वाद्य यंत्र का हल्कापन और छोटा आकार, इसकी सोनोरिटी (उन्होंने हमेशा एक पल्ट्रम के साथ डोमरा बजाया), समृद्ध कलात्मक तकनीकी क्षमताएं - यह सब भैंसों की पसंद के लिए था, डोमरा उन दिनों हर जगह बजता था: किसान और शाही दरबारों में, में घंटों की मस्ती और दुख के पल। एक पुरानी रूसी कहावत कहती है, "मैं अपने डोमरा के बारे में खुश हूं।"

बफून अक्सर भड़काने वाले और लोकप्रिय अशांति में भाग लेने वाले होते थे। इसीलिए पादरी और फिर राज्य के शासकों ने उनकी कला के खिलाफ इतना हथियार उठा लिया।

लगभग 100 वर्षों तक (1470 से 1550 तक) आठ शाही फरमानों में वाद्य यंत्र बजाने की मनाही थी। विशेष रूप से XV में भैंसों और उनके संगीत का उत्पीड़न तेज हो गया - XVII सदी x - tsarist सरकार और जमींदारों (इवान बोलोटनिकोव और स्टीफ़न रज़िन के नेतृत्व में किसान युद्ध) के खिलाफ किसानों द्वारा संगठित विरोध की अवधि के दौरान।

1648 में, ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच द्वारा एक चार्टर जारी किया गया था, जिसमें संगीत वाद्ययंत्रों से लोगों को बहिष्कृत करने के उपायों को वैध बनाया गया था: “और डोमरस और सुरन, और सींग, और वीणा, और पवित्र सम्मान देने वाले बर्तन कहाँ होंगे, और आप उन राक्षसी को आदेश देंगे जहाजों को जब्त करने के लिए और, उन राक्षसी खेलों को तोड़कर, उन्हें जलाने का आदेश दिया।

1654 की गर्मियों और शरद ऋतु में, पैट्रिआर्क निकॉन के निर्देशन में, "ब्लैक" से संगीत वाद्ययंत्रों का सामूहिक जब्ती किया गया। उन्हें हर जगह नष्ट किया जा रहा था। गुसली, सींग, डोमरा, पाइप, तम्बुओं को मास्को नदी के पार लाया गया और जला दिया गया।

17वीं शताब्दी के मध्य में, लोक वाद्ययंत्र बजाने के निषेध पर शाही फरमानों के कारण, विशेषज्ञ कारीगरों द्वारा डोमरा का उत्पादन बंद हो गया। निर्माण के लिए और यहां तक ​​कि औजारों के भंडारण के लिए भी कड़ी सजा दी गई। भैंसों की कला के उन्मूलन के साथ, डोमराचे संगीतकारों का पेशेवर प्रदर्शन भी गायब हो जाता है।

हालांकि, भैंसों की कला के लिए धन्यवाद। डोमरा ने लोगों के बीच व्यापक लोकप्रियता हासिल की है। वह सबसे दूरस्थ और बहरे गांवों में घुस गई।

16 वीं - 17 वीं शताब्दी की पांडुलिपियों में लोक वाद्ययंत्रों की छवियों के साथ कई चित्र हैं, विशेष रूप से, डोमरा और उन पर कलाकार - डोमराचेव। इन दृष्टांतों से संकेत मिलता है कि उस समय रूस में डोमरा सबसे आम संगीत वाद्ययंत्रों में से एक था।

XVI में पुराना रूसी डोमरा - XVII सदियोंदो संस्करणों में अस्तित्व में था: इसका आकार आधुनिक डोमरा के बेहद करीब हो सकता था, और दूसरा एक प्रकार का ल्यूट था - एक बड़े शरीर के साथ एक बहु-तार वाला वाद्य, बल्कि एक छोटी गर्दन और एक सिर पीछे की ओर।

उस समय के ऐतिहासिक दस्तावेज डोमरा पर संयुक्त प्रदर्शन के साथ-साथ डोमरा की किस्मों के सह-अस्तित्व की गवाही देते हैं: छोटा, मध्यम और बड़ा डोमरा। उन्होंने डोमरा को स्लिवर या पंख के साथ बजाया।

16 वीं शताब्दी पुराने रूसी स्कोमोरोश डोमरा के व्यापक वितरण की अवधि है। 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में लुबोक चित्रों में अक्सर दो जेस्टर-बफून - फोमा और येरेमा को दर्शाया गया था। उनमें से एक के हाथ में आप एक तारवाला यंत्र देख सकते हैं। इसका एक छोटा अंडाकार शरीर और एक संकीर्ण गर्दन है। रूसी लोकप्रिय प्रिंट के शोधकर्ता, प्रमुख कला इतिहासकार डी.ए. रोविंस्की, चित्र के स्पष्टीकरण के रूप में, थॉमस और येरेमा के बारे में एक पूरी कविता कहानी का हवाला देते हैं। यह कहता है: "येरेमा के पास एक वीणा है, और फोमा के पास एक डोमरा है।"

डोमरा अक्सर खुली हवा में और इसके अलावा, कभी-कभी गतिकी के संदर्भ में जोर से वाद्ययंत्रों के साथ पहना जाता है।

प्राचीन रूसी डोमरा और अन्य लोगों के समान उपकरणों की सभी छवियों की तुलना करते समय, अत्यंत ध्यान देना महत्वपूर्ण है दिलचस्प विशेषता: सभी उपकरण कोब्जा हैं (16 वीं -17 वीं शताब्दी में यूक्रेन में यह उपकरण आम था, एक बड़ा अंडाकार या अर्धवृत्ताकार शरीर था और उस पर 5-6 तार के साथ एक गर्दन थी, जिसके सिर को पीछे की ओर झुकाया गया था - यानी एक ल्यूट प्रकार , या एक छोटे शरीर और 3 - 4 तार के साथ एक उपकरण), प्राच्य डोमरा और अन्य - विशेष रूप से एकल के रूप में प्रस्तुत किए जाते हैं। इनके साथ अन्य वाद्य यंत्र कहीं भी नहीं दिखाए गए हैं। फिर भी, 16 वीं - 17 वीं शताब्दी के पुराने रूसी डोमरा की छवियां अन्य उपकरणों के साथ संयुक्त खेल में इसके उपयोग की बात करती हैं। प्राचीन डोमरा मुख्य रूप से सामूहिक संगीत-निर्माण के लिए अभिप्रेत एक उपकरण था और विभिन्न टेसिटुरा किस्मों में मौजूद था। उदाहरण के लिए, जो लघुचित्र हमारे सामने आए हैं, वे विभिन्न आकारों के डोमरा को दर्शाते हैं। छोटे शरीर वाला डोमरा आधुनिक छोटे डोमरा के आकार से मेल खाता है। प्राचीन रेखाचित्रों में, एक छोटे शरीर के साथ एक डोमरा की एक छवि है: यह संभव है कि यह "डोम्रिस्को" एक बहुत ही उच्च टेसिटुरा वाला एक उपकरण है।

18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, डोमरा धीरे-धीरे लोगों की स्मृति से गायब हो गया।

1. 
   18वीं-19वीं शताब्दी में बालिका

18 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूस के राष्ट्रीय वाद्ययंत्रों में प्रमुख स्थानों में से एक, बालिका, जल्द ही एक प्रकार का रूसी संगीत प्रतीक, रूसी लोक वाद्य कला का प्रतीक बन गया। इस बीच, हमारे समय तक इसकी उत्पत्ति और गठन के इतिहास में कई अनसुलझे प्रश्न हैं।

17 वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे में "डोमरा" नाम के गायब होने के साथ - 1688 में - बालिका का पहला उल्लेख प्रकट होता है। लोगों को डोमरा के समान एक तार वाले प्लक वाले उपकरण की आवश्यकता थी, जो निर्माण में आसान हो और एक मधुर, लयबद्ध रूप से स्पष्ट ध्वनि के साथ हो। यह सही है, घर के बने कलात्मक तरीके से बनाया गया है, और डोमरा - बालिका का एक नया संस्करण तैयार है।

बालालिका 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में डोमरा के लोक संस्करण के रूप में प्रकट हुई। पहले से ही 18 वीं शताब्दी में, इतिहासकार जे। श्टेलिन के अनुसार, यह "पूरे रूसी देश में सबसे आम उपकरण" बन गया, असाधारण लोकप्रियता प्राप्त की। कई परिस्थितियों ने इसमें योगदान दिया - पहले से मौजूद उपकरणों (वीणा, डोमरा, बीप) के प्रमुख महत्व का नुकसान, बालिका में महारत हासिल करने की उपलब्धता और आसानी, इसके निर्माण की सादगी।

रूस के विभिन्न प्रांतों में लोक बालिकाएँ अपने रूप में भिन्न थीं। 18 वीं और 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में, गोल (नीचे से काटे गए) और अंडाकार शरीर वाले बालिका, जो कद्दू से बने थे, लोकप्रिय थे। उनके साथ, 18 वीं शताब्दी में, त्रिकोणीय शरीर वाले उपकरण अधिक से अधिक दिखाई देने लगे। उनके चित्र विभिन्न लोकप्रिय प्रिंटों में दिए गए हैं। 2 से 5 (तांबे या आंतों) के तार की संख्या के साथ एक चतुर्भुज और समलम्बाकार शरीर वाले उपकरण थे। उपकरणों के निर्माण के लिए सामग्री विभिन्न प्रकार की लकड़ी थी, और दक्षिणी क्षेत्रों में कद्दू। बालिका और प्रणालियों की किस्में भिन्न थीं। चौथे, पांचवें, मिश्रित चौथे-पांचवें और तृतीयक समस्वरण की तीन तार वाली बालिकाएँ थीं। फ्रेटबोर्ड पर 4-5 मूवेबल फ्रेट्स लगाए गए थे।

लोगों के बीच मौजूद आदिम बालिका को हस्तकला बनाया गया था, उनके पास एक डायटोनिक पैमाना और बहुत सीमित क्षमताएं थीं।

बालिका के आयाम अक्सर ऐसे होते थे कि उन्हें एक गोफन में रखना पड़ता था: चौड़ाई 0 1 फुट, तथाकथित। लगभग 30.5 सेमी लंबा, 1.5 फीट (46 सेमी) लंबा, और गर्दन "शरीर की लंबाई से कम से कम 4 गुना", यानी। 1.5 मीटर पर पहुंच गया। उन्होंने अलग-अलग तारों को तोड़कर, झुनझुने से, और पेलट्रम की मदद से भी बालिका बजाई - 18 वीं शताब्दी में खेलने का एक विशिष्ट तरीका।

18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के दौरान, यह वाद्य शौकिया क्षेत्र और पेशेवर संगीतकारों दोनों में फैल गया। लोगों के व्यापक अस्तित्व के साथ, इस अवधि में बालिका पहले से ही "प्रतिष्ठित" घरों में मिलती थी और यहां तक ​​​​कि इसमें भाग लेती थी संगीतमय व्यवस्थाउत्सव अदालत समारोह। उस समय के शहरी बालिका खिलाड़ियों के प्रदर्शनों में न केवल लोक गीत और नृत्य शामिल थे, बल्कि तथाकथित धर्मनिरपेक्ष संगीत के कार्य भी शामिल थे: अरियस, मीनू, पोलिश नृत्य, साथ ही साथ "एंडांटे, एलेग्रो और प्रेस्टो से काम करता है"।

पेशेवर शहरी-प्रकार की बालिका खिलाड़ियों का उदय इसी समय से हुआ है। इनमें से पहले को शानदार वायलिन वादक इवान इवास्टाफिविच खांडोस्किन (1747 - 1804) कहा जाना चाहिए। इस संगीतकार द्वारा बालिका के लिए रचना करने की संभावना से इंकार नहीं किया जा सकता है। खांडोस्किन वायलिन और बालिका दोनों पर रूसी लोक गीतों का एक नायाब कलाकार था; उसके पीछे लंबे समय तक पहली बालिका गुणी की प्रतिष्ठा बनी रही। यह ज्ञात है कि यह खंडोशिन था जिसने पोटेमकिन और नारीशकिन जैसे उच्च श्रेणी के रईसों को अपने वाद्य यंत्र के साथ "संगीतमय क्रोध" में लाया। शुरुआत में, खांडोस्किन ने लौकी से बनी एक लोक-शैली की बालिका बजाया और टूटे हुए क्रिस्टल के साथ अंदर चिपके, जिसने इस वाद्य यंत्र को एक विशेष सोनोरिटी दी, और बाद में अद्भुत वायलिन निर्माता इवान बाटोव द्वारा बनाए गए वाद्य यंत्र पर। यह बहुत संभव है कि बाटोव की बालिका न केवल एक बेहतर शरीर के साथ, बल्कि मोर्टिज़ फ्रेट्स के साथ भी हो सकती थी। ए.एस. के वाद्य कार्य में। Famintsyn "डोमरा और संबंधित संगीत वाद्ययंत्र" ने पेंटिंग "पीपुल्स परफॉर्मर विथ ए त्रिकोणीय बालिका की शुरुआती 19 वीं शताब्दी" प्रकाशित की, जिसमें संगीतकार सात मोर्टिज़ फ्रेट्स के साथ एक बेहतर बालिका बजाता है।

जाने-माने पेशेवर बालिका खिलाड़ियों में, कोई भी कैथरीन II के कोर्ट वायलिन वादक, I.F. Yablochkin का नाम ले सकता है, जो न केवल वायलिन में, बल्कि बालिका में भी खांडोस्किन का छात्र है। निस्संदेह, उत्कृष्ट बालिका वादक जिन्होंने इस वाद्य यंत्र के लिए रचनाएँ कीं, वे मॉस्को वायलिन वादक, संगीतकार और कंडक्टर व्लादिमीर इलिच रेडिविलोव (1805 - 1863) थे। समकालीनों ने गवाही दी कि रेडिविलोव ने बालिका में सुधार किया, इसे चार-तार बना दिया, और "इसे बजाते हुए उन्होंने ऐसी पूर्णता हासिल की कि उन्होंने दर्शकों को आश्चर्यचकित कर दिया। सभी प्रस्ताव उनकी अपनी रचना थे।

18 वीं - 19 वीं शताब्दी की बारी बालिका खेलने की कला का उत्कर्ष है।

इस अवधि के दस्तावेजों में, बालिका खिलाड़ियों के बीच पेशेवर कलाकारों के अस्तित्व की पुष्टि करने वाली जानकारी दिखाई देती है, जिनमें से अधिकांश गुमनाम रहीं।

उत्कृष्ट बालिका खिलाड़ी एम.जी. ख्रुनोव, जिन्होंने "विशेष डिजाइन" बालिका की भूमिका निभाई थी। इस सरल लोक वाद्य के प्रति उपेक्षापूर्ण रवैये के बावजूद, समकालीन लोग संगीतकार के खेल का उत्कृष्ट मूल्यांकन करते हैं।

मुद्रित प्रकाशनों में कई और बालिका वादकों के नाम हैं, जो इस वाद्य यंत्र के स्वामी थे। ये हैं पी.ए. बायर और ए.एस. पास्किन टवर प्रांत का एक ज़मींदार है, साथ ही एक उत्कृष्ट कलाकार, एक एन्क्रिप्टेड अंतिम नाम (P.A. La-ky) के साथ एक ओरीओल ज़मींदार है, जिसने "अतुलनीय तकनीक के साथ बालिका, विशेष रूप से अपने हार्मोनिक्स को दिखाते हुए" खेला। ये संगीतकार बेहतरीन कारीगरों द्वारा बनाए गए वाद्य यंत्र बजाते थे।

शहर में मौजूद बालिकाएं आम लोगों से अलग थीं; प्रदर्शन ही अलग था। वी. वी. एंड्रीव ने लिखा है कि शहर में उन्हें सात-झल्लाहट वाले उपकरण मिले, और ए.एस. पास्किन ने मूल तकनीकों और खोजों से परिपूर्ण अपने पेशेवर खेल से सचमुच उन्हें चौंका दिया।

पार्टियों में गांवों में, क्लबिंग में बालिका खिलाड़ी के खेल का भुगतान किया जाता था। कई जमींदारों के सम्पदा में, एक बालिका खिलाड़ी रखा गया था, जो घरेलू मनोरंजन के लिए खेलता था।

19 वीं शताब्दी की शुरुआत में, बालिका के लिए एक निबंध दिखाई दिया - रूसी लोक गीत "एलनिक, माई स्प्रूस फॉरेस्ट" के विषय पर विविधताएं। यह काम मरिंस्की थिएटर एन.वी. के प्रसिद्ध ओपेरा गायक, बालिका के एक महान प्रेमी द्वारा लिखा गया था। लावरोव ( वास्तविक नामचिरकिन)। विविधताएं फ्रेंच में प्रकाशित हुईं और तत्कालीन प्रसिद्ध संगीतकार ए.ए. Alyabiev। शीर्षक पृष्ठ इंगित करता है कि कार्य तीन-तंत्री बालिका के लिए लिखा गया था। यह उस समय व्यापक लोकप्रियता की गवाही देता है। तीन तार वाला वाद्य यंत्र.

ऐतिहासिक दस्तावेज इस तथ्य की पुष्टि करते हैं कि बालिका ने लोक संगीत वाद्ययंत्रों के साथ विभिन्न संयोजनों में एक पहनावा के रूप में काम किया - एक बीप, बैगपाइप, अकॉर्डियन, हॉर्न के साथ युगल में; तिकड़ी में - एक ड्रम और चम्मच के साथ; छोटे ऑर्केस्ट्रा में वायलिन, गिटार और एक टैम्बोरिन शामिल हैं; बांसुरी और वायलिन के साथ पहनावा में। ओपेरा प्रदर्शन में बालिका का उपयोग भी जाना जाता है। तो, एमएम सोकोलोव्स्की के ओपेरा "द मिलर, द सॉर्सेरर, द डीसेवर एंड द मैचमेकर" में, तीसरे अधिनियम से मेलनिक की आरिया "जिस तरह से बूढ़ा आदमी और बूढ़ी औरत चलती थी" एक बालिका की संगत में किया गया था।

जनता के बीच बालिका की लोकप्रियता लोकगीतों और कथा साहित्य दोनों में परिलक्षित होती है। उपकरण का उल्लेख ए.एस.पुश्किन, एम.यू.लेर्मोंटोव, एफ.आई. दोस्तोवस्की, एल.एन. टॉल्स्टॉय, ए.पी. चेखव, आई. तुर्गनेव, एन.वी. गोगोल और अन्य।

19वीं शताब्दी के मध्य तक, एक जन वाद्य के रूप में बालिका की लोकप्रियता फीकी पड़ने लगी। अपने आदिम रूप में, बालिका नई सौंदर्य संबंधी मांगों को पूरी तरह से पूरा नहीं कर सकती थी। सबसे पहले, सात-तार वाले गिटार और फिर हारमोनिका ने बालिका को लोक घरेलू संगीत निर्माण से बाहर कर दिया। लोक संगीतमय जीवन में बालिका के क्रमिक लुप्त होने की प्रक्रिया भी शुरू होती है। उपकरण के सर्वव्यापी वितरण से, यह तेजी से संगीत पुरातत्व के विषय में बदल गया।

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यूक्रेन की संस्कृति मंत्रालय

खार्किव राज्य संस्कृति अकादमी

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गिटार कला ऐतिहासिक घटनासंगीत संस्कृति

पिखुलिया तारास ओलेगोविच

खार्किव 2015

योजना

परिचय

1. शास्त्रीय गिटार बजाने के गठन और विकास के लिए आवश्यक शर्तें

1.1 गिटार प्रदर्शन के उद्भव, विकास और सुधार का इतिहास

1.2 यूएसएसआर और रूस में गिटार कला का गठन

2. कला में पॉप-जैज़ प्रवृत्ति के उद्भव और विकास का इतिहास

2.1 पॉप-जैज़ कला में प्रयुक्त विभिन्न प्रकार के गिटार

2.2 60-70 के पॉप-जैज़ प्रदर्शन की मुख्य दिशाएँ

ग्रन्थसूची

मेंआयोजन

XX सदी की संगीत कला। तेजी से और तेजी से विकसित हुआ। इस विकास की मुख्य विशिष्ट विशेषताएं विभिन्न शैलियों और प्रवृत्तियों को आत्मसात करना, एक नई संगीत भाषा का क्रिस्टलीकरण, रचना के नए सिद्धांत, आकार देना और विभिन्न सौंदर्य प्लेटफार्मों का निर्माण था। इस प्रक्रिया में न केवल संगीतकार, कलाकार, कला इतिहासकार शामिल होते हैं, बल्कि लाखों श्रोता भी शामिल होते हैं, जिनके लिए संगीत रचनाएँ बनाई जाती हैं।

विषय की प्रासंगिकता गिटार कला के विकासवादी विकास, यानी नई शैलियों और प्रवृत्तियों के गठन के दृष्टिकोण से शास्त्रीय और पॉप-जैज़ वाद्य संगीत के विचार के कारण है।

अध्ययन का उद्देश्य शास्त्रीय और पॉप-जैज़ वाद्य संगीत और सामान्य रूप से नई शैली, प्रदर्शन कौशल और गिटार संस्कृति के गठन पर उनके प्रभाव पर विचार करना है।

अनुसंधान के उद्देश्य:

1) यूरोप, रूस, यूएसएसआर में गिटार संस्कृति के उद्भव, विकास और गठन के इतिहास पर विचार करें।

2) पॉप-जैज़ कला में नई शैलियों की उत्पत्ति, उत्पत्ति और गठन पर विचार करें।

अनुसंधान का उद्देश्य शास्त्रीय और पॉप-जैज़ वाद्य संगीत का निर्माण है।

कार्य का पद्धतिगत आधार यूरोपीय, अफ्रीकी और रूसी कलात्मक परंपराओं के आधार के रूप में, संगीत और भाषण सिद्धांतों की एकता पर केंद्रित इंटोनेशनल विश्लेषण की विधि है।

कार्य की वैज्ञानिक नवीनता इस तथ्य में निहित है कि कार्य गिटार कला के गठन और विकास और गिटार संस्कृति के गठन पर इसके प्रभाव का अध्ययन है।

कार्य का व्यावहारिक मूल्य ऐतिहासिक और सैद्धांतिक संगीत विषयों के अध्ययन की प्रक्रिया में इसकी सामग्री का उपयोग करने की संभावना में निहित है।

1. आवश्यक शर्तेंगठनऔरविकासखेलपरक्लासिकगिटार

1.1 गिटार प्रदर्शन के उद्भव, विकास और सुधार का इतिहास

इस संगीत वाद्ययंत्र की उत्पत्ति, विकास और सुधार का इतिहास इतना अद्भुत और रहस्यमय है कि यह एक रोमांचक जासूसी कहानी की तरह अधिक है। गिटार के बारे में पहली जानकारी प्राचीन काल की है। एक हजार साल पहले के मिस्र के स्मारकों पर, एक संगीत वाद्ययंत्र की छवियां हैं - "नबला", जो गिटार की तरह दिखती है। गिटार एशिया में भी व्यापक था, जिसकी पुष्टि अश्शूर, बेबीलोन और फोनीशिया के स्थापत्य स्मारकों पर छवियों से होती है। 13वीं सदी में अरब इसे स्पेन ले आए, जहां जल्द ही इसे पूरी पहचान मिल गई। 15वीं शताब्दी के अंत में, स्पेन के धनी परिवारों ने विज्ञान और कला के संरक्षण में एक दूसरे के साथ प्रतिस्पर्धा करना शुरू कर दिया। गिटार, ल्यूट और अन्य प्लक्ड इंस्ट्रूमेंट्स के साथ, अदालतों में एक पसंदीदा वाद्य यंत्र बन जाता है। में सांस्कृतिक जीवनस्पेन में, 16 वीं शताब्दी से शुरू होकर, कई संघों, अकादमियों, मंडलियों और बैठकों - "सैलून", जो नियमित रूप से होती थीं, ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। उस समय से, लोगों के व्यापक जनसमूह में वाद्य यंत्रों का जुनून घुस गया और उनके लिए विशेष संगीत साहित्य का निर्माण किया गया। उनका प्रतिनिधित्व करने वाले संगीतकारों के नाम एक लंबी कड़ी बनाते हैं: मिलान, कॉर्बेटो, फुएनलाना, मारिन आई गार्सिया, सांज और कई अन्य।

विकास का एक लंबा सफर तय करने के बाद, गिटार ने आधुनिक रूप ले लिया। 18वीं शताब्दी तक, यह छोटा था, और इसका शरीर बल्कि संकीर्ण और लम्बा था। प्रारंभ में, वाद्य पर पांच तार सेट किए गए थे, चौथे में ट्यून किए गए थे, जैसे ल्यूट पर। बाद में, गिटार एक सिक्स-स्ट्रिंग बन गया, जिसमें ट्यूनिंग खुली स्थिति में खेलने के लिए अधिक उपयुक्त थी ताकि खुले तारों की आवाज़ का बेहतर उपयोग किया जा सके। इस प्रकार, 19वीं शताब्दी के मध्य तक, गिटार ने अपना अंतिम रूप प्राप्त कर लिया था। इस पर एक प्रणाली के साथ छह तार दिखाई दिए: मील, सी, नमक, रे, ला, मील।

गिटार ने यूरोप में बहुत लोकप्रियता हासिल की और इसे उत्तर और दक्षिण अमेरिका के देशों में लाया गया। गिटार के इतने व्यापक उपयोग की व्याख्या कैसे करें? मुख्य रूप से क्योंकि इसमें बहुत क्षमता है: इसे एकल बजाया जा सकता है, आवाज, वायलिन, सेलो, बांसुरी के साथ, यह विभिन्न ऑर्केस्ट्रा और पहनावा में पाया जा सकता है। छोटे आयाम और अंतरिक्ष में आसान आवाजाही की संभावना और, सबसे महत्वपूर्ण, एक असामान्य रूप से मधुर, गहरी और एक ही समय में पारदर्शी ध्वनि रोमांटिक पर्यटकों से लेकर पेशेवर संगीतकारों तक के प्रशंसकों की एक विस्तृत श्रृंखला द्वारा इस सार्वभौमिक संगीत वाद्ययंत्र के लिए प्यार को सही ठहराती है।

18 वीं शताब्दी के अंत में, संगीतकार और गुणी स्पेन में दिखाई दिए

एफ। सोर और डी। अगुआडो, एक साथ इटली में उनके साथ - एम। गिउलिआनी। एल. लेनियानी, एफ. कारुल्ली, एम. काराकासी और अन्य। वे गिटार के लिए एक व्यापक संगीत कार्यक्रम की सूची बनाते हैं, जिसमें छोटे टुकड़ों से लेकर सोनटास और ऑर्केस्ट्रा के साथ संगीत कार्यक्रम शामिल हैं, साथ ही अद्भुत "छह-तार वाले गिटार बजाने के लिए स्कूल", एक व्यापक शैक्षिक और रचनात्मक प्रदर्शनों की सूची है। हालाँकि इस शैक्षणिक साहित्य के पहले प्रकाशन को लगभग दो सौ साल बीत चुके हैं, फिर भी यह शिक्षकों और छात्रों दोनों के लिए एक मूल्यवान विरासत है।

संगीतकार सोर पश्चिमी यूरोप और रूस के शहरों में बड़ी सफलता के साथ संगीत कार्यक्रम देते हैं। उनके बैले सिंड्रेला, द लुबोक एज ए पेंटर, हरक्यूलिस और ओमफले, साथ ही ओपेरा टेलीमेकस का सेंट पीटर्सबर्ग, मॉस्को और पश्चिमी यूरोप के बड़े शहरों में कई बार मंचन किया गया है। पॉलीफोनिक शैली, समृद्ध कल्पना और सामग्री की गहराई सोरा के काम की विशेषता है। यह एक शिक्षित संगीतकार-संगीतकार, एक गुणी गिटारवादक है जिसने अपने प्रदर्शन की गहराई और अपनी तकनीक की प्रतिभा से प्रभावित किया। उनकी रचनाओं ने गिटारवादकों के प्रदर्शनों की सूची में मजबूती से प्रवेश किया है। इतालवी Giuliani इतालवी गिटार स्कूल के संस्थापकों में से एक है। वह एक शानदार गिटारवादक और एक आदर्श वायलिन वादक भी थे। जब 1813 में बीथोवेन की सातवीं सिम्फनी पहली बार वियना में लेखक के बैटन के तहत प्रदर्शित की गई, तो गिउलिआनी ने वायलिन वादक के रूप में इसके प्रदर्शन में भाग लिया। बीथोवेन ने एक संगीतकार और संगीतकार के रूप में गिउलिआनी को उच्च सम्मान में रखा। उनके सोनटास, ऑर्केस्ट्रा के साथ संगीत कार्यक्रम आधुनिक गिटारवादकों द्वारा प्रस्तुत किए जाते हैं, और शैक्षणिक साहित्य शिक्षकों और छात्रों दोनों के लिए एक मूल्यवान विरासत है।

मैं विशेष रूप से प्रसिद्ध इतालवी गिटारवादक-शिक्षक, संगीतकार एम। कारासी द्वारा हमारे देश में सबसे प्रसिद्ध और सबसे अधिक बार प्रकाशित होने वाले "स्कूल ऑफ प्लेइंग द सिक्स-स्ट्रिंग गिटार" पर ध्यान देना चाहूंगा। "स्कूल" की प्रस्तावना में लेखक कहता है: "... मेरा वैज्ञानिक कार्य लिखने का कोई इरादा नहीं था। मैं केवल एक योजना बनाकर गिटार सीखना आसान बनाना चाहता था जिससे इस उपकरण की सभी विशेषताओं से परिचित होना संभव हो सके। इन शब्दों के अनुसार, यह स्पष्ट है कि एम। काराकासी ने खुद को गिटार बजाना सीखने के लिए एक सार्वभौमिक मैनुअल बनाने का कार्य निर्धारित नहीं किया था, और यह शायद ही संभव हो। "स्कूल" बाएं और दाएं हाथों की तकनीक, गिटार बजाने के विभिन्न विशिष्ट तरीकों, विभिन्न पदों और चाबियों में खेलने के लिए कई मूल्यवान निर्देश देता है। संगीत के उदाहरण और टुकड़े क्रमिक रूप से कठिनाई के आरोही क्रम में दिए गए हैं, वे एक संगीतकार और शिक्षक के रूप में महान कौशल के साथ लिखे गए हैं और अभी भी शैक्षिक सामग्री के रूप में महान मूल्य के हैं।

हालाँकि, आधुनिक दृष्टिकोण से, इस "स्कूल" में कई गंभीर कमियाँ हैं। उदाहरण के लिए, दाहिने हाथ से खेलने की ऐसी महत्वपूर्ण तकनीक पर थोड़ा ध्यान दिया गया है जैसे अपोयंडो (समर्थन के साथ खेलना); 18 वीं शताब्दी की पश्चिमी यूरोपीय परंपरा के संगीत पर आधारित संगीतमय भाषा कुछ नीरस है; अंगुलियों के विकास के मुद्दे, मेलोडिक-हार्मोनिक सोच को व्यावहारिक रूप से नहीं छुआ जाता है, हम केवल बाएं और दाएं हाथों की उंगलियों के सही स्थान के बारे में बात कर रहे हैं, जो हमें प्रदर्शन में कई तकनीकी कठिनाइयों को हल करने, ध्वनि में सुधार करने, वाक्यांश बनाने की अनुमति देता है। , वगैरह।

19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, स्पेनिश संगीतकार, गुणी एकल कलाकार और शिक्षक फ्रांसिस्को तारेगा का एक नया उज्ज्वल नाम गिटार के इतिहास में दिखाई दिया। वह लिखने की अपनी शैली बनाता है। उसके हाथों में गिटार एक छोटे ऑर्केस्ट्रा में बदल जाता है।

इस उल्लेखनीय संगीतकार के प्रदर्शन कार्य ने उनके दोस्तों के काम को प्रभावित किया - संगीतकार: अल्बेनिज़, ग्रेनाडोस, डी फला और अन्य। उनके पियानो कार्यों में अक्सर गिटार की नकल सुनी जा सकती है। खराब स्वास्थ्य ने तरेगा को संगीत कार्यक्रम देने का अवसर नहीं दिया, इसलिए उन्होंने खुद को शिक्षण के लिए समर्पित कर दिया। हम सुरक्षित रूप से कह सकते हैं कि टैरेगा ने गिटार बजाने का अपना स्कूल बनाया। उनके सर्वश्रेष्ठ छात्रों में मिगुएल लोबेट, एमेलियो पुजोल, डोमेनिको प्रैट, डैनियल फोर्टिया, इलारियन लेलुपे और अन्य प्रसिद्ध संगीत कार्यक्रम खिलाड़ी हैं। आज तक, तारेगा शिक्षण पद्धति पर आधारित ई. पुजोल, डी. फोर्टिया, डी. प्रैट, आई. लेलुपे, आई. अहरेंस और पी. रोचा द्वारा "स्कूल" प्रकाशित किए गए हैं। आइए प्रसिद्ध स्पेनिश गिटारवादक, शिक्षक और संगीतज्ञ ई। पुजोल द्वारा "स्कूल ऑफ प्लेइंग द सिक्स-स्ट्रिंग गिटार" के उदाहरण का उपयोग करके इस पद्धति पर करीब से नज़र डालें। "स्कूल" की एक विशिष्ट विशेषता शास्त्रीय गिटार बजाने के सभी मुख्य "रहस्यों" की एक उदार, विस्तृत प्रस्तुति है। गिटार तकनीक के सबसे आवश्यक मुद्दों को सावधानी से विकसित किया गया है: हाथों की स्थिति, वाद्य यंत्र, ध्वनि उत्पादन के तरीके, बजाने की तकनीक आदि। सामग्री की व्यवस्था का क्रम गिटारवादक की व्यवस्थित तकनीकी और कलात्मक तैयारी में योगदान देता है। "स्कूल" पूरी तरह से मूल संगीत सामग्री पर बनाया गया है: लगभग सभी रेखाचित्र और अभ्यास लेखक द्वारा बनाए गए थे (विशेष रूप से संबंधित वर्गों के लिए एफ। टैरेगा की कार्यप्रणाली को ध्यान में रखते हुए)।

यह विशेष रूप से महत्वपूर्ण है कि यह शैक्षिक प्रकाशन न केवल गिटार बजाने की कठिनाइयों का विवरण देता है, बल्कि यह भी विस्तार से वर्णन करता है कि उन्हें कैसे दूर किया जाए। विशेष रूप से, दाएं और बाएं हाथ से खेलते समय सही उंगली का उपयोग करने की समस्या पर बहुत ध्यान दिया जाता है, साथ ही विभिन्न स्थितियों में खेलने की तकनीक, विभिन्न आंदोलनों, बाएं हाथ की शिफ्ट, जो निश्चित रूप से विकास में योगदान करती है छूत की सोच। पुजोल के "स्कूल" की प्रभावशीलता की पुष्टि की जाती है, विशेष रूप से, हमारे देश, यूरोप और अमेरिका में कई शैक्षणिक संस्थानों में इसके उपयोग के अभ्यास से।

विश्व गिटार कला के विकास के लिए 20 वीं शताब्दी के महानतम स्पेनिश गिटारवादक की रचनात्मक गतिविधि का बहुत महत्व था। एंड्रेस सेगोविया। साधन के विकास के इतिहास में उनकी भूमिका का असाधारण महत्व न केवल उनकी प्रदर्शन और शैक्षणिक प्रतिभा थी, बल्कि एक आयोजक और प्रचारक के रूप में उनकी क्षमता भी थी। शोधकर्ता एम. वेइसबॉर्ड लिखते हैं: “...गिटार को एक संगीत कार्यक्रम के रूप में स्थापित करने के लिए, इसमें वह कमी थी, उदाहरण के लिए, पियानो या वायलिन के पास - एक उच्च कलात्मक प्रदर्शनों की सूची। एंड्रेस सेगोविया की ऐतिहासिक योग्यता, सबसे पहले, इस तरह के प्रदर्शनों के निर्माण में निहित है… ”। और आगे: "एम। पोंस (मेक्सिको), एम. के. टेडेस्को (इटली), जे. इबर्ट, ए. रसेल (फ्रांस) के. पेड्रेल (अर्जेंटीना), ए. टांसमैन (पोलैंड), और डी. डुआर्ट (इंग्लैंड), आर. स्मिथ (स्वीडन)…”। इस छोटे से और दूर से पूरी लिस्टसंगीतकार, यह स्पष्ट है कि यह ए। सेगोविया के लिए धन्यवाद था कि शास्त्रीय गिटार के लिए पेशेवर रचनाओं का भूगोल तेजी से विस्तारित हुआ, और समय के साथ इस उपकरण ने कई उत्कृष्ट कलाकारों - ई। विला लोबोस, बी। ब्रेटन का ध्यान आकर्षित किया। दूसरी ओर, प्रतिभाशाली संगीतकारों के पूरे नक्षत्र हैं जो पेशेवर कलाकार भी हैं - ए. बैरियोस, एल. ब्रोवर, आर. डायन्स, एन. कोस्किन, आदि।

1. 2 गठनगिटारकलावीसोवियत संघऔररूस

आज उन्होंने सफलतापूर्वक दुनिया के कई देशों का दौरा किया है, जिसमें यूएसएसआर (1926 और 1935, 1936) की चार यात्राएं शामिल हैं। उन्होंने शास्त्रीय गिटारवादकों द्वारा काम किया: सोरा, गिउलिआनी, त्चिकोवस्की, शुबर्ट, हेडन और मूल के कार्यों का प्रतिलेख स्पेनिश संगीतकारों द्वारा काम करता है: ट्यूरिन, टोरोबा, टैन्समैन, कास्टेलनोवो-टेडेस्को और अन्य संगीतकार। सेगोविया की सोवियत गिटारवादकों के साथ कई बैठकें हुईं, जिनके सवालों का उन्होंने स्वेच्छा से जवाब दिया। गिटार बजाने की तकनीक के बारे में बातचीत में, सेगोविया ने न केवल हाथ सेट करने, बल्कि उँगलियों के सही उपयोग के विशेष महत्व की ओर इशारा किया। गिटार ने रूस की संगीत कला में एक उज्ज्वल छाप छोड़ी। 1735 से 1785 तक मास्को में रहने वाले शिक्षाविद जे। श्टेलिन ने लिखा है कि रूस में गिटार धीरे-धीरे फैल गया, लेकिन गुणी गिटारवादक त्सानी डे फेरेंटी, एफ। सोर, एम। गिउलिआनी और अन्य अतिथि कलाकारों के बीच यह उपकरण है। सहानुभूति प्राप्त करना और व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है।

18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में रूस में जी-मेजर ट्रायड के साथ एक मूल सात-स्ट्रिंग किस्म को एक ऑक्टेव में दोगुना और एक क्वार्ट के अलावा एक निचली स्ट्रिंग को प्राप्त करना, गिटार बास-कॉर्ड संगत के लिए अनुकूल रूप से अनुकूल निकला। एक शहरी गीत और रोमांस की।

इस उपकरण पर पेशेवर प्रदर्शन का असली उत्कर्ष उत्कृष्ट शिक्षक-गिटारवादक आंद्रेई ओसिपोविच सिखरा (1773-1850) की रचनात्मक गतिविधि के लिए धन्यवाद शुरू होता है। शिक्षा द्वारा वीणावादक होने के नाते, उन्होंने अपना पूरा जीवन सात-तार वाले गिटार के प्रचार के लिए समर्पित कर दिया - अपनी युवावस्था में वे संगीत कार्यक्रम और फिर शिक्षाशास्त्र और ज्ञानोदय में लगे रहे। 1802 में, रूसी लोक गीतों की व्यवस्था और संगीत क्लासिक्स की व्यवस्था के साथ, ए सिखरा के जर्नल फॉर द सेवन-स्ट्रिंग गिटार को सेंट पीटर्सबर्ग में प्रकाशित किया जाना शुरू हुआ। बाद के दशकों में, 1838 तक, संगीतकार ने इसी तरह की कई पत्रिकाएँ प्रकाशित कीं, जिन्होंने उपकरण की लोकप्रियता में उल्लेखनीय वृद्धि में योगदान दिया, ए.ओ. साइक्रा ने बड़ी संख्या में छात्रों को लाया, गिटार के लिए संगीत रचना में उनकी रुचि को उत्तेजित किया, विशेष रूप से, लोक गीत की धुनों के विषयों पर बदलाव। उनके छात्रों में सबसे प्रसिद्ध एस.एन. अक्सेनोव, वी.आई. मोर्कोव, वी.एस. सरेंको, एफ.एम. ज़िम्मरमैन और अन्य - बहुत सारे नाटक और रूसी गीतों की व्यवस्था छोड़ गए। पेशेवर-अकादमिक रूसी गिटार प्रदर्शन के विकास में मिखाइल टिमोफीविच वैयोट्स्की (1791-1837) की गतिविधि का बहुत महत्व था। उन्हें गिटार से परिचित कराने वाले पहले व्यक्ति एस.एन. अक्सेनोव, वह उनके गुरु भी बने।

लगभग 1813 से, एम.टी. वायसॉस्की व्यापक रूप से लोकप्रिय हो गए। उनके नाटक को एक मूल कामचलाऊ शैली, अलग-अलग लोक गीतों की धुनों में रचनात्मक कल्पना की साहसिक उड़ान से अलग किया गया था। एम.टी. Vysotsky प्रदर्शन की कामचलाऊ श्रवण शैली का प्रतिनिधि है - इसमें वह पारंपरिक रूसी लोक संगीत-निर्माण के करीब है। रूसी गिटार प्रदर्शन के अन्य प्रतिनिधियों के बारे में बहुत कुछ कहा जा सकता है, जिन्होंने राष्ट्रीय प्रदर्शन स्कूल के विकास में योगदान दिया, लेकिन यह एक अलग बातचीत है। वास्तविक रूसी स्कूल को निम्नलिखित विशेषताओं से अलग किया गया था: मुखरता की स्पष्टता, सुंदर संगीत स्वर, साधन की मधुर क्षमताओं पर ध्यान केंद्रित करना और एक विशिष्ट प्रदर्शनों की सूची का निर्माण, कई मायनों में अद्वितीय, विशेष छूत "रिक्तता" का उपयोग करने का एक प्रगतिशील तरीका। , परीक्षण और ताल, साधन की क्षमताओं का खुलासा।

वाद्य यंत्र बजाने की प्रणाली में संगीत के कार्यों, स्वरों और उनकी अपीलों को बजाना शामिल था, जिन्हें प्रत्येक कुंजी में अलग-अलग याद किया गया था और आवाजों का अप्रत्याशित आंदोलन था। अक्सर इस तरह के व्यक्तिगत छूत, मेलोडिक-हार्मोनिक "रिक्त स्थान" को उत्साह से संरक्षित किया जाता था और केवल सर्वश्रेष्ठ छात्रों को ही पारित किया जाता था। कामचलाऊ व्यवस्था का विशेष रूप से अध्ययन नहीं किया गया था, यह एक सामान्य तकनीकी आधार का परिणाम था, और एक अच्छा गिटारवादक एक हार्मोनिक अनुक्रम के साथ एक गीत के परिचित स्वरों को संयोजित करने में सक्षम था। विभिन्न तालों का एक सेट अक्सर एक संगीत वाक्यांश से घिरा होता है और संगीत के ताने-बाने को एक अजीबोगरीब रंग देता है। ऐसी आविष्कारशील शिक्षण पद्धति विशुद्ध रूप से रूसी खोज प्रतीत होती है और उस समय के विदेशी कार्यों में कहीं नहीं पाई जाती है। दुर्भाग्य से, XVIII-XIX सदियों के रूसी गिटार प्रदर्शन की परंपराएं। गलत तरीके से भुला दिया गया था, और केवल उत्साही लोगों के प्रयासों के लिए धन्यवाद, इस दिशा में स्थिति बेहतर के लिए बदल रही है।

गिटार कला सोवियत काल में भी विकसित हुई थी, हालांकि इस संगीत वाद्ययंत्र के विकास के लिए अधिकारियों का रवैया इसे हल्का, शांत करने के लिए था। उत्कृष्ट शिक्षक, कलाकार और संगीतकार ए.एम. की भूमिका को कम आंकना मुश्किल है। इवानोव-क्राम्स्कोय। उनके खेलने के स्कूल के साथ-साथ गिटारवादक और शिक्षक पी. ए. Agafoshina युवा गिटारवादकों के लिए एक अनिवार्य शिक्षण सहायता है। इस गतिविधि को उनके कई छात्रों और अनुयायियों द्वारा शानदार ढंग से जारी रखा गया है: ई. लारिचेव, एन. कोमोलियातोव, ए. फ्राउची, वी. कोज़लोव, एन. शैली) और कई अन्य।

गिटार शास्त्रीय पॉप जैज

2. कहानीघटनाऔरविकासपॉप जैजदिशा-निर्देशवीकला

2.1 पॉप-जैज़ कला में प्रयुक्त विभिन्न प्रकार के गिटार

आधुनिक पॉप संगीत में मुख्य रूप से चार प्रकार के गिटार का प्रयोग किया जाता है:

1. फ्लैट टॉप (फ्लैट टॉप) - धातु के तार के साथ सामान्य लोक गिटार।

2. शास्त्रीय (शास्त्रीय) - नायलॉन तार के साथ शास्त्रीय गिटार।

3. आर्क टॉप (आर्क टॉप) - साउंडबोर्ड के किनारों के साथ "ईएफएस" के साथ बढ़े हुए वायलिन के आकार का एक जैज गिटार।

4. इलेक्ट्रिक गिटार - इलेक्ट्रोमैग्नेटिक पिकअप वाला गिटार और एक अखंड लकड़ी का डेक (बार)।

120-130 साल पहले भी यूरोप और अमेरिका में सिर्फ एक ही तरह का गिटार प्रचलित था। विभिन्न देशों में उपयोग किया जाता है विभिन्न प्रणालियाँसेटिंग्स, और कुछ स्थानों पर तारों की संख्या भी बदल गई (रूस में, उदाहरण के लिए, सात तार थे, छह नहीं)। लेकिन रूप में, सभी गिटार बहुत समान थे - शरीर के अपेक्षाकृत सममित ऊपरी और निचले हिस्से, जो 12 वीं झल्लाहट में गर्दन के साथ परिवर्तित होते हैं।

छोटे आकार, खांचेदार हथेली, चौड़ी गर्दन, पंखे के आकार के स्प्रिंग्स आदि। - यह सब इस प्रकार के गिटार की विशेषता है। वास्तव में, उपरोक्त उपकरण रूप और सामग्री में आज के शास्त्रीय गिटार जैसा दिखता है। और आज के शास्त्रीय गिटार का रूप स्पेनिश मास्टर टोरेस का है, जो लगभग 120 साल पहले रहते थे।

पिछली शताब्दी के अंत में, गिटार ने नाटकीय रूप से लोकप्रियता हासिल करना शुरू कर दिया। यदि इससे पहले, गिटार केवल निजी घरों और सैलून में बजाए जाते थे, तो पिछली शताब्दी के अंत तक, गिटार चरणों में दिखाई देने लगे। आवाज बढ़ाने की जरूरत थी। यही वह समय था जब क्लासिक्स और जिसे अब अक्सर लोक गिटार या पश्चिमी कहा जाता है, के बीच एक स्पष्ट विभाजन था। प्रौद्योगिकी ने धातु के तार बनाने शुरू कर दिए जो तेज आवाज करते थे।

इसके अलावा, कैबिनेट खुद आकार में बढ़ गया, जिससे ध्वनि गहरी और तेज हो गई। अकेला छोड़ दिया गंभीर समस्या- धातु के तारों के मजबूत तनाव ने वास्तव में शीर्ष डेक को मार डाला, और खोल की दीवारों की मोटाई, अंत में, कंपन को मार डाला, और इसके साथ ध्वनि। और फिर प्रसिद्ध एक्स-आकार के स्प्रिंग माउंट का आविष्कार किया गया। स्प्रिंग्स को आड़े-तिरछे चिपकाया गया था, जिससे शीर्ष डेक की ताकत बढ़ गई, लेकिन इसे कंपन करने की अनुमति मिली।

इस प्रकार, एक स्पष्ट विभाजन था - शास्त्रीय गिटार, जो तब से बहुत अधिक नहीं बदला है (सिंटेटिक्स से केवल तार बनाना शुरू किया गया था, और पहले की तरह सिन्यू से नहीं), और लोक-पश्चिमी गिटार, जिसमें कई थे रूपों, लेकिन लगभग हमेशा एक्स-आकार के स्प्रिंग्स, धातु के तार, बढ़े हुए शरीर और इतने पर चले गए।

उसी समय, एक अन्य प्रकार का गिटार विकसित हो रहा था - "आर्क टॉप" (आर्क टॉप)। क्या है वह? जबकि मार्टिन जैसी कंपनियाँ स्प्रिंग्स को जोड़कर ध्वनि को बढ़ाने की समस्या से निपट रही थीं, गिब्सन जैसी कंपनियाँ दूसरे रास्ते पर चली गईं, गिटार को आकार दिया और वायलिन की तरह बनाया। इस तरह के उपकरणों को एक घुमावदार शीर्ष साउंडबोर्ड, एक नट, जो एक डबल बास की तरह था, और एक टेलपीस की विशेषता थी। एक नियम के रूप में, इन उपकरणों में केंद्र में पारंपरिक गोल छेद के बजाय साउंडबोर्ड के किनारों पर वायलिन कटआउट थे। इन गिटारों में एक ऐसी ध्वनि थी जो गर्म और गहरी नहीं थी, लेकिन संतुलित और छिद्रपूर्ण थी। इस तरह के एक गिटार के साथ, प्रत्येक नोट स्पष्ट रूप से श्रव्य था, और जाजमेन ने तुरंत महसूस किया कि उनकी दृष्टि के क्षेत्र में "डार्क हॉर्स" क्या दिखाई दिया। यह जैज़ है कि "आर्क टॉप्स" उनकी लोकप्रियता का श्रेय देते हैं, जिसके लिए उन्हें जैज़ गिटार उपनाम दिया गया था। 1930 और 1940 के दशक में, स्थिति बदलने लगी - मुख्य रूप से उच्च गुणवत्ता वाले माइक्रोफोन और पिकअप के उद्भव के कारण। इसके अलावा, संगीत की एक नई लोकप्रिय शैली, ब्लूज़, ने क्षेत्र में प्रवेश किया और तुरंत दुनिया को जीत लिया। जैसा कि आप जानते हैं, ब्लूज़ मुख्य रूप से गरीब काले संगीतकारों के प्रयासों के कारण विकसित हुए। उन्होंने इसे हर तरह से उंगलियों, पिक्स और यहां तक ​​​​कि बीयर की बोतलों के साथ खेला (बीयर की बोतल की गर्दन आधुनिक स्लाइड के प्रत्यक्ष पूर्वज थे)। इन लोगों के पास महंगे वाद्ययंत्रों के लिए पैसे नहीं थे, उनके पास हमेशा अपने लिए नए तार खरीदने का अवसर नहीं था, किस तरह के जैज़ गिटार हैं? और उन्हें जो कुछ भी करना था, उन्होंने बजाया, ज्यादातर अधिक सामान्य वाद्ययंत्रों पर - पश्चिमी। उन वर्षों में, महंगे "आर्कटॉप्स" के अलावा, गिब्सन कंपनी ने अभी भी एक बड़ा उत्पादन किया पंक्ति बनायें"उपभोक्ता" लोक गिटार। बाजार की स्थिति ऐसी थी कि गिब्सन लगभग सस्ती, लेकिन उच्च गुणवत्ता वाले लोक गिटार बनाने वाली एकमात्र कंपनी थी। यह तर्कसंगत है कि अधिकांश ब्लूज़मैन, पैसे की कमी के लिए कुछ अधिक परिपूर्ण के लिए, गिब्सन को अपने हाथों में ले लिया। इसलिए अब तक वे उनसे अलग नहीं हुए हैं।

जैज़ गिटार का क्या हुआ? पिकअप के आगमन के साथ, यह पता चला कि इस प्रकार के उपकरण की संतुलित और स्पष्ट ध्वनि उस समय के प्रवर्धन प्रणाली के लिए सबसे उपयुक्त है। हालांकि जैज़ गिटार आधुनिक फेंडर या इबनेज़ की तरह बिलकुल नहीं है, लियो फेंडर ने शायद अपने टेलीकास्टर्स और स्ट्रैटोकास्टर्स कभी नहीं बनाए होते। अगर मैंने पहले जैज़ गिटार और पिकअप के साथ प्रयोग नहीं किया होता। वैसे, बाद में इलेक्ट्रिक ब्लूज़ भी बजाए गए और पिकअप के साथ जैज़ वाद्ययंत्रों पर बजाए गए, बस उनमें शरीर की मोटाई कम हो गई। इसका एक आकर्षक उदाहरण बी.बी. किंग और उनका प्रसिद्ध लुसिल गिटार है, जिसे कई लोग आज ब्लूज़ इलेक्ट्रिक गिटार मानक मानते हैं।

बिजली के साथ एक गिटार ध्वनि को बढ़ाने के साथ पहला ज्ञात प्रयोग 1923 में हुआ, जब इंजीनियर और आविष्कारक लॉयड लोर ने एक इलेक्ट्रोस्टैटिक पिकअप का आविष्कार किया जिसने तार वाले उपकरणों के रेज़ोनेटर बॉक्स के कंपन को रिकॉर्ड किया।

1931 में, जार्ज ब्यूचैम्प और एडॉल्फ रेनबैकर ने एक विद्युत चुम्बकीय पिकअप का आविष्कार किया जिसमें एक विद्युत पल्स एक चुंबक की घुमावदार के माध्यम से चलती थी, एक विद्युत चुम्बकीय क्षेत्र का निर्माण करती थी जिसमें एक कंपन स्ट्रिंग से संकेत प्रवर्धित होता था। 1930 के दशक के अंत में, कई प्रयोगकर्ताओं ने पिकअप को अधिक पारंपरिक दिखने वाले स्पेनिश खोखले-बॉडी गिटार में शामिल करना शुरू कर दिया। खैर, सबसे कट्टरपंथी विकल्प गिटारवादक और इंजीनियर लेस पॉल (लेस पॉल) द्वारा प्रस्तावित किया गया था - उन्होंने गिटार मोनोलिथिक के लिए ध्वनिबोर्ड बनाया।

यह लकड़ी से बना था और बस इसे "बार" (द लॉग) कहा जाता था। एक ठोस या लगभग ठोस टुकड़े के साथ, अन्य इंजीनियरों ने प्रयोग करना शुरू किया। XX सदी के 40 के दशक के बाद से, व्यक्तिगत उत्साही और बड़ी कंपनियां दोनों सफलतापूर्वक ऐसा कर रही हैं।

गिटार निर्माताओं का बाजार सक्रिय रूप से विकसित हो रहा है, लगातार सीमा का विस्तार कर रहा है। और अगर पहले "ट्रेंडसेटर" विशेष रूप से अमेरिकी थे, तो अब यामाहा, इबनेज़ और अन्य जापानी फर्मों ने प्रमुख पदों पर कब्जा कर लिया है, जिससे उनके मॉडल और उत्पादन में नेताओं के बीच प्रसिद्ध गिटार की उत्कृष्ट प्रतियां बन रही हैं।

एक विशेष स्थान पर गिटार का कब्जा है - और मुख्य रूप से विद्युतीकृत - रॉक संगीत में। हालाँकि, लगभग सभी बेहतरीन रॉक गिटारवादक रॉक संगीत की शैली से परे जाते हैं, जैज़ को बड़ी श्रद्धांजलि देते हैं, और कुछ संगीतकार पूरी तरह से रॉक से टूट गए हैं। इसमें कोई आश्चर्य की बात नहीं है, क्योंकि गिटार वादन की सर्वश्रेष्ठ परंपराएँ जैज़ में केंद्रित हैं।

जो पास के ध्यान में एक बहुत ही महत्वपूर्ण बिंदु खींचा गया है, जो अपने प्रसिद्ध जैज स्कूल में लिखते हैं: "शास्त्रीय गिटारवादकों को प्रदर्शन के लिए एक जैविक, सुसंगत दृष्टिकोण विकसित करने के लिए कई शताब्दियां मिली हैं -" सही "विधि। जैज़ गिटार, पेलट्रम गिटार, हमारी सदी में ही दिखाई दिया, और इलेक्ट्रिक गिटार अभी भी एक ऐसी नई घटना है कि हम इसकी क्षमताओं को एक पूर्ण संगीत वाद्ययंत्र के रूप में समझने लगे हैं। ऐसी परिस्थितियों में, संचित अनुभव, गिटार निपुणता की जाज परंपराओं का विशेष महत्व है।

पहले से ही ब्लूज़ के प्रारंभिक रूप में, "पुरातन", या "ग्रामीण", जिसे अक्सर अंग्रेजी शब्द "कंट्री ब्लूज़" (कंट्री ब्लूज़) भी कहा जाता है, गिटार तकनीक के मुख्य तत्वों का गठन किया गया, जिसने इसके आगे के विकास को निर्धारित किया। ब्लूज़ गिटारवादकों की अलग-अलग तकनीकें बाद में बाद की शैलियों के निर्माण का आधार बनीं।

देशी ब्लूज़ की सबसे पुरानी रिकॉर्डिंग 20 के दशक के मध्य की है, लेकिन यह मानने का हर कारण है कि संक्षेप में, यह उस मूल शैली से लगभग अलग नहीं है जो दक्षिणी राज्यों (टेक्सास, लुइसियाना, टेक्सास, लुइसियाना) के अश्वेतों के बीच बनाई गई थी। अलबामा, आदि)। ) XIX सदी के 70-80 के दशक में वापस।

इस शैली के उत्कृष्ट गायक-गिटारवादक ब्लाइंड लेमन जेफरसन (1897-1930) हैं, जिनका बाद के दौर के कई संगीतकारों पर ध्यान देने योग्य प्रभाव था, न कि केवल ब्लूज़। गिटार रैगटाइम और ब्लूज़ के एक शानदार मास्टर ब्लाइंड ब्लेक (ब्लाइंड) थे ब्लेक, 1895 -1931), जिनमें से कई रिकॉर्डिंग अभी भी अपनी उत्कृष्ट तकनीक और कामचलाऊ व्यवस्था की सरलता से विस्मित करती हैं। ब्लेक को एक एकल वाद्य के रूप में गिटार के उपयोग के आरंभकर्ताओं में से एक माना जाता है। हुडी लीडबेटर, जिसे आमतौर पर लीडबेली (1888-1949) के रूप में जाना जाता है, को कभी "बारह-तार वाले गिटार का राजा" कहा जाता था। वह कभी-कभी जेफरसन के साथ युगल गीत बजाता था, हालांकि एक कलाकार के रूप में वह उससे कमतर था। लीडबेली ने संगत में विशेषता बास आंकड़े पेश किए - "वांडरिंग बास", जो बाद में जैज़ में व्यापक रूप से उपयोग किया जाएगा।

देश-ब्लूज़ गिटारवादक लोनी जॉनसन (लोनी जॉनसन, 1889-1970), एक गुणी संगीतकार, जैज़ के बहुत करीब हैं। उन्होंने वोकल्स के बिना उत्कृष्ट ब्लूज़ रिकॉर्ड किए, और अक्सर उन्होंने एक मध्यस्थ के रूप में खेला, न केवल उत्कृष्ट तकनीक का प्रदर्शन किया, बल्कि उत्कृष्ट कामचलाऊ कौशल का भी प्रदर्शन किया।

पारंपरिक जाज के विकास में शिकागो काल की विशेषताओं में से एक, जो स्विंग के लिए संक्रमणकालीन हो गया, उपकरणों का प्रतिस्थापन था: कॉर्नेट, टुबा और बैंजो के बजाय, तुरही, डबल बास और गिटार सामने आए।

इसके कारणों में माइक्रोफोन और इलेक्ट्रोमेकैनिकल रिकॉर्डिंग विधि का उद्भव था: गिटार अंततः रिकॉर्ड पर पूरी तरह से लग रहा था। शिकागो जैज की एक महत्वपूर्ण विशेषता एकल कामचलाऊ व्यवस्था की बढ़ी हुई भूमिका थी। यह यहाँ था कि गिटार के भाग्य में एक महत्वपूर्ण मोड़ आया: यह एक पूर्ण एकल वाद्य यंत्र बन गया।

यह एडी लैंग (एडी लैंग, असली नाम - सल्वाडोर मस्सारो) के नाम के कारण है, जिन्होंने गिटार को अन्य वाद्ययंत्रों की विशिष्ट कई जैज़ तकनीकों को बजाने के लिए पेश किया - विशेष रूप से, पवन उपकरणों की वाक्यांश विशेषता। एडी लैंग ने मध्यस्थ के रूप में खेलने की वह जैज़ शैली भी बनाई, जो बाद में प्रमुख हो गई। उन्होंने पहली बार एक पल्ट्रम गिटार का इस्तेमाल किया - जैज़ बजाने के लिए एक विशेष गिटार, जो एक गोल रोसेट की अनुपस्थिति में सामान्य स्पेनिश से अलग था। इसके बजाय, डेक पर वायलिन वाले के समान, और एक हटाने योग्य पैनल-शील्ड दिखाई दिया, जो पिक स्ट्राइक से बचाता है। कलाकारों की टुकड़ी में एडी लैंग की भूमिका एक मजबूत ध्वनि उत्पादन द्वारा प्रतिष्ठित थी। वह अक्सर पासिंग साउंड्स, क्रोमैटिक सीक्वेंस का इस्तेमाल करते थे; कभी-कभी उन्होंने फ़िंगरबोर्ड के संबंध में पेलट्रम के कोण को बदल दिया, इस प्रकार एक विशिष्ट ध्वनि प्राप्त की।

लैंग के तरीके की विशेषता म्यूट स्ट्रिंग्स, कठोर एक्सेंट, समानांतर नॉनकॉर्ड्स, पूरे-टोन स्केल, आइडियोसिंक्रेटिक ग्लिसैंडो, आर्टिफिशियल हार्मोनिक्स, संवर्धित कॉर्ड प्रोग्रेस और ब्रास फॉन्टिंग के साथ कॉर्ड्स हैं। हम कह सकते हैं कि यह एडी लैंग के प्रभाव में था कि कई गिटारवादियों ने कॉर्ड्स में बास नोटों पर अधिक ध्यान देना शुरू किया और यदि संभव हो तो बेहतर आवाज अग्रणी हासिल किया। इलेक्ट्रिक गिटार का आविष्कार नए गिटार स्कूलों और प्रवृत्तियों के उद्भव के लिए प्रेरणा था। वे दो जैज गिटारवादकों द्वारा स्थापित किए गए थे: अमेरिका में चार्ली क्रिश्चियन और डीजेंगो रेनहार्ड्ट

(Django Reinhardt) यूरोप में

अपनी पुस्तक "फ्रॉम रेग टू रॉक" में, प्रसिद्ध जर्मन आलोचक आई। बेरेन्ड्ट लिखते हैं: "एक आधुनिक जैज संगीतकार के लिए, गिटार का इतिहास चार्ली क्रिश्चियन के साथ शुरू होता है। जैज़ सीन पर अपने दो वर्षों के दौरान, उन्होंने अपने गिटार बजाने में क्रांति ला दी। बेशक, उसके पहले गिटारवादक थे, लेकिन ऐसा लगता है कि ईसाई से पहले बजाया जाने वाला गिटार और उसके बाद बजने वाला गिटार दो अलग-अलग वाद्ययंत्र हैं।

चार्ली ने एक ऐसे गुण के साथ खेला जो उनके समकालीनों के लिए अप्राप्य था। उनके आगमन के साथ, गिटार जैज़ पहनावा का एक समान सदस्य बन गया। वह तुरही और टेनर सैक्सोफोन के साथ एक तीसरी आवाज़ के रूप में एक गिटार एकल पेश करने वाले पहले व्यक्ति थे, जो ऑर्केस्ट्रा में विशुद्ध रूप से लयबद्ध कार्यों से उपकरण को मुक्त करते थे। दूसरों से पहले, सी। क्रिश्चियन ने महसूस किया कि इलेक्ट्रिक गिटार बजाने की तकनीक ध्वनिक बजाने के तरीकों से काफी अलग है। सामंजस्य में, उन्होंने बढ़े हुए और घटे हुए रागों के साथ प्रयोग किया, सर्वश्रेष्ठ जैज़ धुनों (सदाबहार) के लिए नए लयबद्ध पैटर्न का आविष्कार किया। अंशों में, वह अक्सर श्रोताओं को मधुर और लयबद्ध सरलता से प्रभावित करते हुए, सातवें राग में ऐड-ऑन का उपयोग करते थे। वह अपने आशुरचनाओं को विकसित करने वाले पहले व्यक्ति थे, जो विषय के सामंजस्य पर नहीं, बल्कि पासिंग कॉर्ड्स पर निर्भर थे, जिन्हें उन्होंने मुख्य लोगों के बीच रखा था। मेलोडिक क्षेत्र में, यह हार्ड स्टैकाटो के बजाय लेगाटो के उपयोग की विशेषता है।

सी। क्रिश्चियन का प्रदर्शन हमेशा अभिव्यक्ति की अपनी असाधारण शक्ति द्वारा प्रतिष्ठित किया गया है, जो तीव्र स्विंग के साथ संयुक्त है। जैज सिद्धांतकारों का दावा है कि अपने खेल के साथ उन्होंने एक नई जैज शैली बीबॉप (बी-बॉप) के उद्भव का अनुमान लगाया था और वह इसके रचनाकारों में से एक थे।

इसके साथ ही ईसाई के साथ, समान रूप से उत्कृष्ट जैज गिटारवादक Django Reinhardt पेरिस में चमके। चार्ली क्रिस्चियन, अभी भी ओक्लाहोमा में क्लबों में प्रदर्शन करते हुए, डीजेंगो की प्रशंसा करते थे और अक्सर रिकॉर्ड पर रिकॉर्ड किए गए अपने सोलोस नोट के लिए दोहराते थे, हालांकि ये संगीतकार खेलने के तरीके में एक दूसरे से अलग थे। कई जाने-माने संगीतज्ञों और जैज़ कलाकारों ने गिटार बजाने की जैज़ शैली के विकास और उसकी महारत में Django के योगदान के बारे में बात की। डी. एलिंगटन के अनुसार, “जैंगो एक सुपर आर्टिस्ट है। उनके द्वारा लिया गया प्रत्येक नोट एक खजाना है, प्रत्येक राग उनके अडिग स्वाद का प्रमाण है।

Django अपनी अभिव्यंजक, समृद्ध ध्वनि और अजीबोगरीब खेल शैली में अन्य गिटारवादकों से अलग था, कई उपायों के बाद लंबे ताल के साथ, अचानक तेजी से मार्ग, स्थिर और तेज उच्चारण ताल। चरमोत्कर्ष के क्षणों में, वह अक्सर सप्तक में बजाते थे।

इस प्रकार की तकनीक सी। क्रिश्चियन द्वारा उनसे उधार ली गई थी, और बारह साल बाद - डब्ल्यू। मॉन्टगोमरी द्वारा। तेज़ टुकड़ों में, वह ऐसी आग और दबाव पैदा करने में सक्षम था, जो पहले केवल वायु उपकरणों के प्रदर्शन में पाया जाता था। धीमे लोगों में, वह नीग्रो ब्लूज़ के करीब, प्रीलुडिंग और रैप्सोडी के लिए प्रवृत्त था। Django न केवल एक उत्कृष्ट गुणी एकल कलाकार था, बल्कि एक उत्कृष्ट संगतकार भी था। वह अपने कई समकालीनों से माइनर सेवेंथ कॉर्ड्स, ह्रासित, संवर्धित और अन्य पासिंग कॉर्ड्स के उपयोग में आगे थे। Django ने टुकड़ों की हार्मोनिक योजनाओं के सामंजस्य पर बहुत ध्यान दिया, अक्सर इस बात पर जोर दिया कि अगर कॉर्ड अनुक्रम में सब कुछ सही और तार्किक है, तो राग अपने आप बह जाएगा।

एक संगतकार के रूप में, वह अक्सर उन तारों का इस्तेमाल करता था जो पीतल के खंड की ध्वनि की नकल करते थे। जैज़ गिटार के इतिहास में चार्ली क्रिश्चियन और जोंगो रेनहार्ड्ट का योगदान अमूल्य है। इन दो उत्कृष्ट संगीतकारों ने न केवल संगत में, बल्कि कामचलाऊ एकल में भी आपके वाद्ययंत्र की अटूट संभावनाओं को दिखाया, आने वाले कई वर्षों के लिए इलेक्ट्रिक गिटार बजाने की तकनीक के विकास की मुख्य दिशाओं को पूर्व निर्धारित किया।

एक एकल वाद्य के रूप में गिटार की बढ़ी हुई भूमिका ने कलाकारों को छोटे पहनावा (कॉम्बो) में बजाने की लालसा पैदा की। यहाँ गिटारवादक ने पहनावा के एक पूर्ण सदस्य की तरह महसूस किया, जो एक संगतकार और एकल कलाकार दोनों के कार्यों का प्रदर्शन करता था। गिटार की लोकप्रियता हर दिन बढ़ रही थी, अधिक से अधिक प्रतिभाशाली जैज़ गिटारवादक दिखाई दिए, और बड़े बैंडों की संख्या सीमित रही। इसके अलावा, कई नेताओं और बड़े ऑर्केस्ट्रा के अरेंजर्स ने हमेशा गिटार को रिदम सेक्शन में पेश नहीं किया। यह कहना पर्याप्त है, उदाहरण के लिए,

ड्यूक एलिंगटन, जो संगत में गिटार और पियानो की आवाज़ को मिलाना पसंद नहीं करते थे। हालांकि, कभी-कभी "मैकेनिकल" कार्य, जो एक बड़े बैंड में लय बनाए रखने के लिए कार्य करता है, वास्तविक जाज कला में बदल जाता है। हम बात कर रहे हैं फ्रेडी ग्रीन बजाने वाले गिटार की राग-ताल शैली के प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक की।

एक कलाप्रवीण कॉर्डल तकनीक, झूले की एक अद्भुत भावना, एक नाजुक संगीत का स्वाद उनके खेल को अलग करता है। उन्होंने लगभग कभी भी एकल नहीं बजाया, लेकिन साथ ही उनकी तुलना अक्सर एक टगबोट से की जाती थी, जो पूरे ऑर्केस्ट्रा में प्रवेश करती थी।

यह फ्रेडी ग्रीन है, जो काफी हद तक, काउंट बेसी के बड़े बैंड को ताल खंड की एक असामान्य कॉम्पैक्टनेस, मुक्ति और खेल की संक्षिप्तता का श्रेय देता है। इस मास्टर का गिटारवादकों पर बहुत प्रभाव था, जो लंबे मार्ग और मोनोफोनिक आशुरचनाओं के खेल के लिए संगत और कॉर्डल इम्प्रोवाइज़ेशन पसंद करते हैं। चार्ली क्रिश्चियन, डीजेंगो और फ़्रेडी ग्रीन के काम जैज़ गिटार वंश-वृक्ष की तीन शाखाएँ हैं। हालाँकि, एक और दिशा का उल्लेख किया जाना चाहिए, जो कुछ हद तक अलग थी, लेकिन हमारे समय में अधिक से अधिक मान्यता और वितरण प्राप्त कर रही है।

तथ्य यह है कि सभी गिटारवादकों ने Ch. क्रिश्चियन की शैली को स्वीकार्य नहीं पाया, जिनके हाथों में गिटार ने पवन उपकरणों की ध्वनि प्राप्त की (यह कोई दुर्घटना नहीं है कि चार्ली क्रिश्चियन की रिकॉर्डिंग को सुनकर, सैक्सोफोन के लिए अपने गिटार की आवाज़ को गलत समझा)। सबसे पहले, ध्वनिक गिटार पर उंगलियां बजाने वालों के लिए उनकी शैली असंभव थी।

सी. क्रिस्चियन द्वारा विकसित कई तकनीकें (लॉन्ग लेगेटो, हार्मोनिक सपोर्ट के बिना लंबी इम्प्रोवाइज़ेशनल लाइन्स, निरंतर नोट्स, बेंड्स, ओपन स्ट्रिंग्स का दुर्लभ उपयोग, आदि) उनके लिए अप्रभावी थीं, खासकर जब नायलॉन स्ट्रिंग्स के साथ वाद्य यंत्र बजा रहे हों। इसके अलावा, गिटारवादक दिखाई दिए जिन्होंने शास्त्रीय, गिटार वादन, फ्लेमेंको और लैटिन अमेरिकी संगीत के तत्वों को अपने रचनात्मक तरीके से जैज़ के साथ जोड़ा। इनमें मुख्य रूप से दो प्रमुख जैज संगीतकार शामिल हैं: लॉरिंडो अल्मेडा (लॉरिंडो अल्मेडा) और चार्ली बर्ड (चार्ली बर्ड), जिनके काम ने कई गिटारवादकों को प्रभावित किया है। शास्त्रीय शैली, अभ्यास में ध्वनिक गिटार की असीमित संभावनाओं का प्रदर्शन। अच्छे कारण से, उन्हें "जैज़ में शास्त्रीय गिटार" शैली का संस्थापक माना जा सकता है।

नीग्रो गिटारवादक वेस जॉन लेस्ली मोंटगोमरी, सी. क्रिश्चियन के बाद से जैज़ दृश्य में दिखाई देने वाले प्रतिभाशाली संगीतकारों में से एक हैं। उनका जन्म 1925 में इंडियानापोलिस में हुआ था; उन्हें केवल 19 साल की उम्र में चार्ली क्रिश्चियन रिकॉर्ड्स और अपने भाइयों बडी और मोंक के उत्साह के तहत गिटार में दिलचस्पी हो गई, जिन्होंने प्रसिद्ध वाइब्रोनोनिस्ट लियोनेल हैम्पटन के ऑर्केस्ट्रा में पियानो और डबल बास बजाया। वह एक असामान्य रूप से गर्म, "मखमली" ध्वनि (एक पिक के बजाय अपने दाहिने हाथ के अंगूठे का उपयोग करके) प्राप्त करने में कामयाब रहे और ऑक्टेव तकनीक को इस हद तक विकसित किया कि उन्होंने ऑक्टेव्स में पूरे कामचलाऊ कोरस को अद्भुत सहजता और शुद्धता के साथ प्रदर्शित किया, अक्सर काफी हद तक तेज गति। उनके कौशल ने भागीदारों को इतना प्रभावित किया कि उन्होंने मजाक में वेस का उपनाम "मिस्टर ऑक्टेव" रख दिया। डब्ल्यू मॉन्टगोमरी की रिकॉर्डिंग के साथ पहला डिस्क 1959 में जारी किया गया था और तुरंत गिटारवादक की सफलता और व्यापक पहचान लाया। जैज प्रेमी उनके खेल, परिष्कृत और संयमित मुखरता, आशुरचनाओं की मधुरता, ब्लूज़ इंटोनेशन की एक निरंतर भावना और स्विंग ताल की एक ज्वलंत भावना के गुण से हैरान थे। स्ट्रिंग समूह सहित एक बड़े ऑर्केस्ट्रा की ध्वनि के साथ एकल इलेक्ट्रिक गिटार का वेस मोंटगोमरी का संयोजन बहुत दिलचस्प है।

जिम हॉल, जो पास, जॉन मैकलॉघलिन, जॉर्ज बेन्सन, लैरी कोरियल जैसे प्रसिद्ध संगीतकारों सहित बाद के अधिकांश जैज़ गिटारवादकों ने अपने काम पर वेस मॉन्टगोमरी के महान प्रभाव को मान्यता दी। पहले से ही 40 के दशक में, कई संगीतकारों को संतुष्ट करने के लिए स्विंग द्वारा विकसित मानक बंद हो गए। गीत के रूप, शब्दावली के सामंजस्य में स्थापित क्लिच, अक्सर उत्कृष्ट जैज मास्टर्स, लयबद्ध एकरसता के प्रत्यक्ष उद्धरण तक कम हो जाते हैं और व्यावसायिक संगीत में स्विंग का उपयोग रास्ते में एक ब्रेक बन जाता है। इससे आगे का विकासशैली। झूले के "सुनहरे काल" के बाद, यह नए, अधिक उन्नत रूपों की खोज करने का समय है। अधिक से अधिक नई दिशाएं उभर रही हैं, जो एक नियम के रूप में आम तौर पर एकजुट होती हैं नाम - आधुनिकजैज (आधुनिक जैज)। इसमें बीबॉप ("जैज-स्टैकाटो"), हार्ड बॉप, प्रोग्रेसिव, कूल, थर्ड करंट, बोसा नोवा और एफ्रो-क्यूबन जैज, मोडल जैज, जैज-रॉक, फ्री जैज, फ्यूजन और कुछ अन्य शामिल हैं: ऐसी विविधता, पारस्परिक प्रभाव और अलग-अलग धाराओं की आपसी पैठ व्यक्तिगत संगीतकारों के काम के विश्लेषण को जटिल बनाती है, खासकर जब से उनमें से कई एक समय में कई तरह के तरीके से बजाए जाते हैं। इसलिए, उदाहरण के लिए, Ch. Byrd की रिकॉर्डिंग में बॉस नोवा, ब्लूज़, स्वंग थीम, क्लासिक्स की व्यवस्था, और कंट्री रॉक, और बहुत कुछ मिल सकता है। बी केसेल के खेल में - स्विंग, बीबॉप, बोसा नोवा, मोडल जैज़ के तत्व आदि। यह विशेषता है कि जैज गिटारवादक स्वयं अक्सर उन्हें एक या दूसरे जैज दिशा के रूप में वर्गीकृत करने के प्रयासों पर काफी तेजी से प्रतिक्रिया करते हैं, यह उनके काम का आकलन करने के लिए एक आदिम दृष्टिकोण पर विचार करता है। इस तरह के बयान लैरी कोरियल, जो पास, जॉन मैकलॉघलिन और अन्य में पाए जा सकते हैं।

2 .2 मुख्यदिशा-निर्देशपॉप जैजप्रदर्शन60-70 - एक्ससाल

और फिर भी, जैज आलोचकों में से एक के अनुसार, आई। बेरेन्ड्ट, 60 -70 के दशक के कगार पर, आधुनिक गिटार प्रदर्शन में चार मुख्य दिशाएँ विकसित हुई हैं: 1) मुख्यधारा (मुख्य धारा); 2) जैज़-रॉक; 3) ब्लूज़ दिशा; 4) चट्टान। मुख्यधारा के सबसे प्रमुख प्रतिनिधियों को जिम हॉल, केनी बरेल और जो पास माना जा सकता है। जिम हॉल, "जैज़ के कवि" जैसा कि उन्हें अक्सर कहा जाता है, 50 के दशक के उत्तरार्ध से लेकर आज तक जनता द्वारा जाना और पसंद किया जाता रहा है।

"जैज़ गिटार गुणी" को जो पास (जो पास, पूरा नाम जोसेफ एंथोनी जैकोबी पासलाक्वा) कहा जाता है। आलोचकों ने उन्हें ऑस्कर पीटरसन, एला फिट्जगेराल्ड और बार्नी केसेल जैसे संगीतकारों के बराबर रखा। एला फिट्जगेराल्ड और हर्ब एलिस के साथ उनके युगल रिकॉर्ड, ऑस्कर पीटरसन और बेसिस्ट निल्स पेडरसन के साथ तिकड़ी और विशेष रूप से उनकी एकल डिस्क "जो पास द वर्चुओसो" को बड़ी सफलता मिली। जो पास जैको रेनहार्ड्ट, चार्ली क्रिश्चियन और वेस मॉन्टगोमरी की परंपरा में सबसे दिलचस्प और बहुमुखी जैज गिटारवादकों में से एक थे। उनका काम आधुनिक जैज़ के नए रुझानों से बहुत कम प्रभावित है: उन्होंने बीबॉप को प्राथमिकता दी। कॉन्सर्ट गतिविधियों के साथ, जो पास ने बहुत कुछ और सफलतापूर्वक प्रकाशित पद्धति संबंधी कार्यों को पढ़ाया, जिसमें उनके स्कूल "जो पास गिटार स्टाइल" का एक विशेष स्थान है "2E"

हालांकि, सभी जैज़ गिटारवादक "मुख्यधारा" के प्रति समर्पित नहीं हैं। जाज के विकास में नए की ओर बढ़ने वाले उत्कृष्ट संगीतकारों में जॉर्ज बेन्सन, कार्लोस सैन्टाना, ओला डि मेओला का उल्लेख किया जाना चाहिए। मैक्सिकन संगीतकार कार्लोस सैन्टाना (कार्लोस सैन्टाना, 1947 में पैदा हुए) "लैटिन रॉक" की शैली में खेलते हैं, लैटिन अमेरिकी लय (सांबा, रूंबा, साल्सा, आदि) के प्रदर्शन के आधार पर एक चट्टानी तरीके से, फ्लेमेंको के तत्वों के साथ संयुक्त .

जॉर्ज बेन्सन का जन्म 1943 में पिट्सबर्ग में हुआ था और एक बच्चे के रूप में उन्होंने ब्लूज़ गाया और गिटार और बैंजो बजाया। 15 साल की उम्र में, जॉर्ज को उपहार के रूप में एक छोटा इलेक्ट्रिक गिटार मिला, और 17 साल की उम्र में, स्कूल से स्नातक होने के बाद, उन्होंने एक छोटा रॉक एंड रोल बैंड बनाया, जिसमें उन्होंने गाया और बजाया। एक साल बाद, जैज ऑर्गेनिस्ट जैक मैकडफ पिट्सबर्ग पहुंचे। आज, कुछ विशेषज्ञ जैक मैकडफ के साथ उनकी पहली रिकॉर्डिंग को बेन्सन की संपूर्ण डिस्कोग्राफी में सर्वश्रेष्ठ मानते हैं। बेंसन जोंगो रेनहार्ड्ट और वेस मॉन्टगोमरी के काम से बहुत प्रभावित थे, विशेष रूप से बाद की तकनीक से।

जैज़-रॉक बजाने वाले गिटारवादकों की नई पीढ़ी के बीच, और एक अपेक्षाकृत नई जैज़ शैली विकसित करना - फ्यूजन, ओल दी मेओला (एआई डी मेओला) बाहर खड़ा है। जैज़ गिटार के लिए युवा संगीतकार का जुनून लैरी कोरियल की एक तिकड़ी की रिकॉर्डिंग सुनने के साथ शुरू हुआ (जो संयोग से, अल डि मेओला को कुछ साल बाद उसी लाइन-अप में बदल दिया गया)। पहले से ही 17 साल की उम्र में, वह रिकॉर्डिंग में भाग लेता है चिकोम कोरिया. ओल डि मेओला ने गिटार बजाया - दोनों अपनी उंगलियों से और एक पल्ट्रम के साथ। उनके द्वारा लिखी गई पाठ्यपुस्तक "एक मध्यस्थ द्वारा गिटार बजाने की विशिष्ट विधियाँ" को विशेषज्ञों द्वारा बहुत सराहा गया।

हमारे समय के नवप्रवर्तकों में प्रतिभाशाली गिटारवादक लैरी कोरियल भी शामिल हैं, जो एक कठिन दौर से गुजरे हैं रचनात्मक तरीका- रॉक एंड रोल के जुनून से लेकर आधुनिक जैज संगीत के नवीनतम रुझानों तक।

वास्तव में, Django के बाद, केवल एक यूरोपीय गिटारवादक ने दुनिया भर में बिना शर्त मान्यता प्राप्त की और सामान्य रूप से जैज़ के विकास को प्रभावित किया - अंग्रेज जॉन मैकलॉघलिन। उनकी प्रतिभा का उत्कर्ष बीसवीं शताब्दी के 70 के दशक की पहली छमाही में आता है - एक ऐसी अवधि जब जैज़ ने तेजी से अपनी शैलीगत सीमाओं का विस्तार किया, रॉक संगीत के साथ विलय, इलेक्ट्रॉनिक और अवांट-गार्डे संगीत में प्रयोग, और विभिन्न लोक संगीत परंपराएँ। यह कोई संयोग नहीं है कि न केवल जैज़ प्रशंसक मैकलॉघलिन को "अपना" मानते हैं: हम रॉक संगीत के किसी भी विश्वकोश में उनका नाम पाएंगे। 1970 के दशक की शुरुआत में, मैकलॉघलिन ने महाविष्णु (महान विष्णु) ऑर्केस्ट्रा का आयोजन किया। कीबोर्ड, गिटार, ड्रम और बास के अलावा, उन्होंने वायलिन को अपनी रचना में पेश किया। इस ऑर्केस्ट्रा के साथ, गिटारवादक ने कई रिकॉर्ड बनाए, जिन्हें जनता ने उत्साहपूर्वक प्राप्त किया। भारतीय संगीत के तत्वों के उपयोग के कारण समीक्षकों ने मैकलॉघलिन की खूबी, व्यवस्था में नवीनता, ध्वनि की ताजगी पर ध्यान दिया। लेकिन मुख्य बात यह है कि इन डिस्क की उपस्थिति एक नई जैज़ प्रवृत्ति की स्थापना और विकास को चिह्नित करती है: जैज़-रॉक।

वर्तमान में, कई उत्कृष्ट गिटारवादक सामने आए हैं जो अतीत के उस्तादों की परंपराओं को जारी रखते हैं और बढ़ाते हैं। जिम हॉल के सबसे प्रसिद्ध छात्र - पैट मैटिनी का काम विश्व पॉप-जैज़ संस्कृति के लिए बहुत महत्वपूर्ण है। उनके नवीन विचारों ने आधुनिक पॉप संगीत की मधुर-सुरीली भाषा को बहुत समृद्ध किया है। मैं माइक स्टर्न, फ्रैंक गम्बल, जो सतरानी, ​​स्टीव वाई, जो पास के छात्र ली रिटेनौर और कई अन्य लोगों के शानदार प्रदर्शन और शिक्षण गतिविधियों पर भी ध्यान देना चाहूंगा।

हमारे देश में पॉप-जैज़ (इलेक्ट्रिक और ध्वनिक) गिटार बजाने की कला के विकास के लिए, यह वी। मनिलोव, वी। मोलोतकोव, ए। कुज़नेत्सोव द्वारा कई वर्षों के सफल शैक्षिक और शैक्षिक कार्यों के बिना संभव नहीं होता। , ए। विनित्स्की, साथ ही साथ उनके अनुयायी एस। पोपोव, आई। बॉयको और अन्य। इस तरह के संगीतकारों की संगीत कार्यक्रम-प्रदर्शन गतिविधि का बहुत महत्व है: ए कुज़नेत्सोव, आई। स्मिरनोव, आई। बॉयको, डी। चेतवर्गोव, टी। ब्लूज़ से जैज़-रॉक तक जाने के बाद, गिटार ने न केवल अपनी संभावनाओं को समाप्त कर दिया, बल्कि इसके विपरीत, जैज़ की कई नई दिशाओं में नेतृत्व हासिल किया। ध्वनिक और विद्युतीकृत गिटार बजाने की तकनीकों के क्षेत्र में उपलब्धियां, इलेक्ट्रॉनिक्स का उपयोग, फ्लेमेंको के तत्वों का समावेश, शास्त्रीय शैली, आदि, गिटार को संगीत की इस शैली के प्रमुख उपकरणों में से एक मानने का कारण देते हैं। यही कारण है कि नई पीढ़ी के संगीतकारों के लिए अपने पूर्ववर्तियों - जैज गिटारवादकों के अनुभव का अध्ययन करना इतना महत्वपूर्ण है। केवल इस आधार पर एक व्यक्तिगत प्रदर्शन शैली, आत्म-सुधार के तरीके और पॉप-जैज़ गिटार के आगे के विकास की खोज करना संभव है।

निष्कर्ष

हमारे समय में, 6-स्ट्रिंग गिटार पर प्रदर्शन कौशल विकसित करने का विषय प्रासंगिक बना हुआ है, क्योंकि इस समय कई स्कूल और प्रशिक्षण प्रणालियाँ हैं। इनमें खेलने के शास्त्रीय स्कूल से लेकर जैज़, लैटिन, ब्लूज़ स्कूल तक विभिन्न दिशाएँ शामिल हैं।

जैज़ शैलीविज्ञान के विकास में, एक विशिष्ट वाद्य तकनीक द्वारा एक बहुत ही महत्वपूर्ण भूमिका निभाई जाती है, जो उपकरण के जैज़ उपयोग और इसकी अभिव्यंजक क्षमताओं की विशेषता है - मेलोडिक, इंटोनेशनल, लयबद्ध, हार्मोनिक इत्यादि। जैज़ के निर्माण में ब्लूज़ ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। बदले में, "पहले और कम औपचारिक प्रकार के नीग्रो लोककथाओं से ब्लूज़ के क्रिस्टलीकरण में निर्णायक कारकों में से एक इस माध्यम में गिटार की 'खोज' थी।"

गिटार कला के विकास का इतिहास गिटारवादक-शिक्षकों, संगीतकारों और कलाकारों के कई नामों से जाना जाता है, जिन्होंने गिटार बजाना सीखने के लिए कई शिक्षण सहायक सामग्री बनाई, उनमें से कई प्रत्यक्ष या अप्रत्यक्ष रूप से उँगलियों की सोच विकसित करने की समस्या से संबंधित हैं।

वास्तव में, हमारे समय में, एक गिटारवादक की अवधारणा में मुख्य शास्त्रीय तकनीकों की महारत शामिल है, दोनों आधार, और शैली की क्षमता और समझ जो फ़ंक्शन के साथ होती है, डिजिटल पर खेलने और सुधारने की क्षमता, सभी सूक्ष्मताएं और ब्लूज़ और जैज़ सोच की विशेषताएं।

दुर्भाग्य से, में हाल तकमीडिया न केवल गंभीर शास्त्रीय, बल्कि गैर-व्यावसायिक प्रकार के पॉप-जैज़ संगीत पर भी बहुत कम प्रभाव डालता है

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रूस में गिटार के प्रदर्शन का अपना अनूठा इतिहास है। हालाँकि, इस काम में हम केवल उन पृष्ठों पर विचार करेंगे जो सीधे तौर पर सात-तार वाले गिटार बजाने के अभ्यास से संबंधित हैं और रूसी गिटार शैली के गठन की अंतर्निहित विशेषताओं को प्रभावित करते हैं।
रूसी गिटार स्कूल की स्थापना ऐसे समय में हुई थी जब पश्चिमी यूरोप में शास्त्रीय गिटार ने पहले ही खुद को एक स्वतंत्र एकल संगीत कार्यक्रम के रूप में घोषित कर दिया था। वह विशेष रूप से इटली में लोकप्रिय थी। स्पेन। कई कलाकार और संगीतकार दिखाई दिए। एक नया, क्लासिक प्रदर्शनों की सूची बनाई। उनमें से सबसे प्रसिद्ध हैं डी। अगुआडो। एम गिउलिआनी। एफ Carulli, एम Carcassi। बाद में, फ्रांज शूबर्ट, निकोलो पगनीनी, कार्ल वेबर और अन्य जैसे उल्लेखनीय संगीतकारों ने पीआर की ओर रुख किया और इसके लिए लिखा।

यूरोप में लोकप्रिय रूसी गिटार और शास्त्रीय गिटार के बीच मुख्य अंतर तार की संख्या (सात, छह नहीं) और उनके ट्यूनिंग का सिद्धांत था। यह ट्यूनिंग का सवाल है जो छह या सात-तार वाले गिटार के लाभ के बारे में सदियों पुराने विवाद में हमेशा आधारशिला रहा है। इस मुद्दे के विशेष महत्व को समझते हुए, हम सात-तार वाले गिटार की उत्पत्ति और रूस में इसकी उपस्थिति के विषय पर लौटना आवश्यक समझते हैं।
XVIII सदी के अंत तक। यूरोप में विभिन्न डिजाइनों, आकारों के कई प्रकार के गिटार थे, जिनमें विभिन्न संख्या में स्ट्रिंग्स और उन्हें ट्यून करने के कई तरीके थे (यह उल्लेख करने के लिए पर्याप्त है कि स्ट्रिंग्स की संख्या पाँच से बारह तक भिन्न होती है) -। गिटार का एक बड़ा समूह बीच में एक प्रमुख तीसरे के साथ स्ट्रिंग्स को चौथाई ट्यूनिंग के सिद्धांत के अनुसार एकजुट किया गया था (सुविधा के लिए, हम इस ट्यूनिंग को चौथाई कहेंगे)। इन उपकरणों का व्यापक रूप से इटली में उपयोग किया जाता था। स्पेन। फ्रांस।
ग्रेट ब्रिटेन, जर्मनी, पुर्तगाल और मध्य यूरोप में, तथाकथित टर्ट्स सिस्टम के साथ उपकरणों का एक समूह था, जिसमें वॉयस स्ट्रिंग्स को ट्यून करते समय तीसरे को प्राथमिकता दी जाती थी (उदाहरण के लिए, दो बड़े टर्ट्स को एक चौथाई से अलग किया गया था)।
उपकरणों के ये दोनों समूह इस तथ्य से एकजुट थे कि एक पैमाने के लिए लिखे गए संगीत को दूसरे पैमाने के उपकरण पर एक छोटी सी व्यवस्था का उपयोग करके बजाया जा सकता है।
हमारे लिए रुचि चार दोहरे तारों वाला एक गिटार है, जो इंग्लैंड से यूरोप और यूरोप से रूस (सेंट पीटर्सबर्ग) में आया था। इस गिटार की संरचना दो प्रकार की थी: चौथी और तीसरी। उत्तरार्द्ध आकार में सात-स्ट्रिंग रूसी गिटार से भिन्न था (यह बहुत छोटा था), लेकिन विस्तारित प्रमुख त्रय (जी, ई, सी, जी, एफ, सी, जी) के अनुसार इसकी ट्यूनिंग के सिद्धांतों का व्यावहारिक रूप से अनुमान लगाया गया था। यह तथ्य हमारे लिए बहुत महत्वपूर्ण है।

गिटार निकाय, उसके आकार और तारों के समग्र पैमाने के परिवर्तन के बारे में ऐतिहासिक साक्ष्य की कमी हमें केवल उनके विकास के विकल्पों को ग्रहण करने की अनुमति देती है। सबसे अधिक संभावना है, गिटार की गर्दन के आयाम खेलने की सुविधा द्वारा निर्धारित किए गए थे, और तार के तनाव, उनकी ट्यूनिंग, गायन आवाज के टेसिटुरा के अनुरूप थी। शायद सुधारों के कारण शरीर में वृद्धि हुई, धातु के टुकड़ों को स्ट्रैंड्स के साथ बदल दिया गया, और इसलिए ध्वनि के टेसिटुरा में कमी, समग्र प्रणाली के "स्लाइडिंग" को नीचे कर दिया।
इस बात की पुष्टि करने वाली कोई विश्वसनीय जानकारी नहीं है कि यह गिटार था जो रूसी "सात-स्ट्रिंग" के प्रोटोटाइप के रूप में कार्य करता था, लेकिन उनका संबंध स्पष्ट है। रूस में गिटार के प्रदर्शन का इतिहास विदेशी गिटारवादकों के कैथरीन द ग्रेट (1780-90 के दशक) के शासनकाल के दौरान जुड़ा हुआ है, जिन्होंने तीसरा और तीसरा गिटार बजाया था। इनमें ग्यूसेप सार्ती, जीन-बैप्टिस्ट गुएंग्लेज़ प्रमुख हैं। 5-6-स्ट्रिंग गिटार, गिटार पत्रिकाओं के लिए टुकड़ों के संग्रह के प्रकाशन हैं।
इग्नाज़ वॉन गेल्ड (इग्नाटियस वॉन गेल्ड) ने पहली बार "एक शिक्षक के बिना सात-तार गिटार बजाना सीखने की एक आसान विधि" नामक एक मैनुअल प्रकाशित किया। दुर्भाग्य से, गिटार बजाने के इस पहले रूसी स्कूल की एक भी प्रति नहीं, साथ ही साथ इसके लेखक के शिक्षण विधियों के बारे में जानकारी गिटार प्रकार, इसे कैसे सेट अप करें। केवल समकालीन साक्ष्य हैं। वह गेल्ड एक महान अंग्रेजी गिटार वादक था।
लेकिन रूसी गिटार स्कूल का सच्चा संस्थापक मैं था जो 18 वीं शताब्दी के अंत में मास्को में बस गया था। एक शिक्षित संगीतकार, एक शानदार हार्पिस्ट एंड्री ओसिपोविच सिखरा। यह वह था जिसने डी, एच, जी, डी, एच, जी, डी की प्रणाली के साथ सात-स्ट्रिंग गिटार के व्यावहारिक संगीत-निर्माण में पेश किया, जिसे बाद में रूसी के रूप में जाना जाने लगा।

हम यह नहीं जान सकते हैं कि ए। सिचरा विभिन्न प्रकार के तारों और उन्हें ट्यूनिंग के तरीकों के साथ गिटार बनाने में यूरोपीय प्रयोगों से कितना परिचित था, चाहे उसने शास्त्रीय छह के "सुधार" (लेकिन अपने शब्दों में) पर अपने काम में उनके परिणामों का उपयोग किया हो -स्ट्रिंग गिटार। यह इतना महत्वपूर्ण नहीं है।
खास बात यह है कि ए. सिहरा. गिटार प्रदर्शन के एक उत्साही प्रशंसक, एक शानदार शिक्षक और अपने विचारों के एक सक्षम लोकप्रिय होने के नाते, उन्होंने रूसी वाद्य प्रदर्शन के विकास के इतिहास में एक उज्ज्वल छाप छोड़ी। शास्त्रीय स्पेनिश गिटार स्कूल की सर्वोत्तम उपलब्धियों का उपयोग करते हुए, उन्होंने सात-तार वाले गिटार को पढ़ाने के लिए एक पद्धति विकसित की, इसे बाद में 1832 और 1840 में प्रकाशित एक पुस्तक में स्थापित किया। "विद्यालय"। शास्त्रीय रूपों और शैलियों का उपयोग करना। साइक्रा ने विशेष रूप से रूसी गिटार के लिए एक नया प्रदर्शन किया और छात्रों के एक शानदार नक्षत्र को लाया।

A. O. सिखरा और उनके सहयोगियों की गतिविधियों के लिए धन्यवाद, सात-तार वाले गिटार ने विभिन्न वर्गों के प्रतिनिधियों के बीच असाधारण लोकप्रियता हासिल की: रूसी बुद्धिजीवियों और मध्यम वर्ग के प्रतिनिधियों ने इसे पसंद किया, पेशेवर संगीतकारों और रोजमर्रा के संगीत के प्रेमियों ने इसकी ओर रुख किया: समकालीनों ने इसे रूसी शहरी लोक संगीत के सार के साथ जोड़ना शुरू किया। पुश्किन की हृदयस्पर्शी पंक्तियों में सात तार वाले गिटार की मोहक ध्वनि का वर्णन पाया जा सकता है। लेर्मोंटोव, तुर्गनेव। चेखव, टॉल्स्टॉय और कई अन्य कवि और लेखक। गिटार को रूसी संगीत संस्कृति का एक स्वाभाविक हिस्सा माना जाने लगा।
स्मरण करो कि ए। सिखरा का गिटार रूस में उन परिस्थितियों में दिखाई दिया जब सात-तार वाला गिटार लगभग कहीं भी नहीं देखा गया था, इसे या तो दुकानों में या कारीगर कारीगरों से खरीदना असंभव था। अब कोई केवल आश्चर्य कर सकता है कि कितनी जल्दी (2-3 दशकों में) ये स्वामी, जिनमें सबसे बड़े वायलिन वादक थे, रूसी गिटार के उत्पादन को स्थापित करने में सक्षम थे। यह इवान बाटोव, इवान अरहुजेन हैं। इवान क्रास्नोशेकोव। विनीज़ मास्टर आई। शेज़र के गिटार को सर्वश्रेष्ठ में से एक माना जाता था। समकालीनों के अनुसार, F. Savitsky, E. Eroshkin, F. Paserbsky के गिटार उनके अद्वितीय व्यक्तित्व से प्रतिष्ठित थे। लेकिन अब हम इस पर ध्यान नहीं देंगे, क्योंकि यह एक अलग चर्चा का पात्र है।

रूसी लोक गीतों के विषयों पर इसके लिए लिखी गई व्यवस्थाओं द्वारा सात-तार वाले गिटार का राष्ट्रीय स्वाद भी दिया गया था। "संगीत की कला पर लोक संगीत का प्रभाव निश्चित रूप से कई देशों की परंपराओं के हिस्से के रूप में शुरू होगा। हालांकि, रूस में, लोक संगीत अपने स्वयं के संगीत के लिए लोगों के सबसे उन्मादी उत्साह का विषय बन गया है, शायद रूसी आत्मा के सबसे उल्लेखनीय आंदोलनों में से एक है।
निष्पक्ष होने के लिए, यह ध्यान दिया जाना चाहिए। कि रूसी विषयों पर ए। सिखरा की रचनाएँ शास्त्रीय विविधताओं की शैली में लिखी गई थीं और उनमें ऐसा मूल, विशुद्ध रूप से रूसी स्वाद नहीं था जो अन्य रूसी गिटारवादकों की व्यवस्था को अलग करता हो। विशेष रूप से, रूसी लोक गीतों के विषयों पर कई रचनाओं के निर्माता मिखाइल टिमोफीविच वैयोट्स्की ने एक मूल राष्ट्रीय घटना के रूप में रूसी गिटार स्कूल के गठन में बहुत बड़ा योगदान दिया। रूसी लोक परंपराओं के लिए प्यार और सम्मान के माहौल में मास्को विश्वविद्यालय के रेक्टर कवि एम। लड़का अद्भुत सुन सकता था लोक गायकलोक अनुष्ठानों में भाग लेने के लिए। एक सर्फ़ का बेटा होना। मीशा केवल रचनात्मक बुद्धिजीवियों और खेरसकोव्स के घर की बैठकों में भाग लेने, कविताओं, बहसों को सुनने और शिक्षित मेहमानों द्वारा अचानक प्रदर्शन करने से ही शिक्षा प्राप्त कर सकती थी।

उनमें से एम। वैयोट्स्की के मुख्य शिक्षक थे - शिमोन निकोलाइविच अक्सेनोव। उसने लड़के की प्रतिभा पर ध्यान दिया और उसे रूसी गिटार बजाने का पाठ देना शुरू किया। और यद्यपि ये कक्षाएं व्यवस्थित नहीं थीं, फिर भी लड़के ने उल्लेखनीय प्रगति की। यह एस अक्सेनोव के प्रयासों के लिए धन्यवाद था कि एम। वैयोट्स्की ने 1813 में अपनी स्वतंत्रता प्राप्त की और आगे की शिक्षा के लिए मास्को चले गए। बाद में, प्रसिद्ध संगीतकार, संगीतकार ए। दुबुक ने संगीत और सैद्धांतिक विषयों में महारत हासिल करने में वायसोस्की को महत्वपूर्ण सहायता प्रदान की।

एम। वैयोट्स्की एक अद्भुत गिटारवादक - सुधारक, संगीतकार बन गए। जल्द ही एक नायाब गुणी गिटारवादक की ख्याति उनके पास आ गई। समकालीनों के अनुसार, वायसॉस्की का खेल न केवल उनकी असाधारण तकनीक से प्रभावित था, बल्कि उनकी प्रेरणा, धन से भी प्रभावित था। संगीतमय कल्पना. वह गिटार के साथ विलीन हो गया था: यह उसके आध्यात्मिक मनोदशा, उसके विचारों की एक जीवंत अभिव्यक्ति थी।
इसी तरह उनके छात्र और सहयोगी गिटारवादक आई। ई। लयाखोव ने वैयोट्स्की के खेल का आकलन किया: - उनका खेल अतुलनीय, अवर्णनीय था और ऐसी छाप छोड़ी जिसे कोई नोट और शब्द नहीं बता सकता। यहाँ वादी, कोमलता, उदासी आपके सामने स्पिनर के गीत की आवाज़ थी; एक छोटा फ़र्मेटो - और सब कुछ उसके जवाब में बात करने के लिए लग रहा था: वे कहते हैं, आहें, बास, वे ट्रेबल्स की रोने वाली आवाज़ों द्वारा उत्तर दिए जाते हैं, और यह पूरा कोरस समृद्ध सामंजस्यपूर्ण रागों से आच्छादित है; लेकिन तब ध्वनियाँ, थके हुए विचारों की तरह, तिकड़ी में भी बदल जाती हैं, विषय लगभग गायब हो जाता है, जैसे कि गायक कुछ और सोच रहा हो; लेकिन नहीं, वह फिर से विषय पर, अपने विचार पर लौटता है, और यह गंभीर और यहां तक ​​​​कि एक प्रार्थनापूर्ण अडाजियो में बदल जाता है। आप एक रूसी कुत्ते को सुनते हैं, जो पवित्र (सुडेट) तक ऊंचा है। सब कुछ इतना सुंदर और स्वाभाविक है, इतना गहरा ईमानदार और संगीतमय है, जैसा कि आप शायद ही कभी रूसी गीतों के लिए अन्य रचनाओं में देखते हैं। यहां आपको ऐसा कुछ भी याद नहीं होगा: यहां सब कुछ नया है और मूल। हमारे सामने एक प्रेरित रूसी संगीतकार है, आपके सामने वैयोट्स्की है।

वैयोट्स्की के काम की एक विशिष्ट विशेषता रूसी लोक गीत और आंशिक रूप से वाद्य रचनात्मकता की शक्तिशाली परतों पर निर्भरता थी। इसने रूसी गिटार स्कूल, इसकी मास्को शाखा के विकास को निर्धारित किया। एम. वैयोट्स्की, शायद, सात-तारों वाले गिटार को बजाना सीखने के लिए व्यवस्थित अनुशंसाओं से कम चिंतित थे, हालाँकि उन्होंने बड़ी संख्या में पाठ दिए। लेकिन उनके काम में, रूसी सात-स्ट्रिंग गिटार वास्तव में बन गया राष्ट्रीय साधन, अपने स्वयं के विशेष प्रदर्शनों की सूची, विशेष तकनीकों और शैलीगत अंतर, प्रदर्शन शैली, संगीत रूपों के भीतर विकास के पैटर्न (हमारा मतलब एक गीत की काव्य सामग्री और एक संगीत रचना में भिन्न विकास की प्रक्रिया के बीच संबंध है)। इस संबंध में, एम। वैयोट्स्की हमारे लिए हैं। शायद रूसी गिटार वादन में सबसे महत्वपूर्ण व्यक्ति। उनके काम ने खेल की एक मूल शैली की नींव रखी, साथ ही एक मधुर ध्वनि और उसके साथ आने वाली तकनीकों को प्राप्त करने का सिद्धांत। लेकिन इस पर बाद में चर्चा की जाएगी।

इस प्रकार, रूस में एक मूल गिटार स्कूल का उद्भव ए सिखरा और एम। वैयोट्स्की के साथ-साथ उनके सर्वश्रेष्ठ छात्रों के नाम से जुड़ा हुआ है।
अंत में, मैं यह कहना चाहूंगा कि रूस में थोड़े समय के ऐतिहासिक काल में गिटार का व्यापक उपयोग एक दुर्घटना नहीं हो सकती। बल्कि, यह साधन की व्यवहार्यता का एक अच्छा प्रमाण है। रूसी गिटार स्कूल की उपलब्धियों पर गर्व करने के पर्याप्त कारण हैं। हालांकि, कटुता के साथ यह कहा जा सकता है कि हम अपने यंत्र और उसके लिए बनाई गई विरासत के बारे में पूरी सच्चाई नहीं जानते हैं। यह जानना और समझना आज महत्वपूर्ण है, जब अतीत में रूस जिस पर गर्व करता था, लगभग सब कुछ जमीन पर नष्ट हो गया है, और इसे बदलने के लिए कुछ भी नहीं बनाया गया है। शायद यह आपके चेहरे को रूसी गिटार विरासत में बदलने का समय है ?! इसमें अपने समय के सबसे शिक्षित लोगों के काम, तरीके और प्रदर्शनों की सूची शामिल है। यहाँ कुछ नाम हैं: एम। स्टाखोविच - रईस, इतिहासकार, लेखक; ए। गोलिकोव - रईस, कॉलेजिएट रजिस्ट्रार; वी। सरेंको - चिकित्सा विज्ञान के डॉक्टर; एफ। ज़िम्मरमैन - रईस, ज़मींदार; I. मकारोव - एक ज़मींदार, एक प्रमुख ग्रंथ सूचीकार; वी। मोर्कोव - एक रईस, एक वास्तविक राज्य पार्षद: वी। रुसानोव - एक रईस, कंडक्टर, एक उत्कृष्ट संपादक।