साहित्य में एक तस्वीर क्या है। इंटीरियर में मॉड्यूलर पेंटिंग

चित्रकारी- पेंटिंग का एक काम जिसमें एक पूर्ण चरित्र होता है (एक स्केच और एक स्केच के विपरीत) और एक स्वतंत्र कलात्मक मूल्य. इसमें एक आधार (कैनवास, लकड़ी या धातु का बोर्ड, कार्डबोर्ड, कागज, पत्थर, रेशम, आदि), एक प्राइमर और एक पेंट की परत होती है। पेंटिंग चित्रफलक कला के प्रकारों में से एक है। चित्र विभिन्न शैलियों में आते हैं। चित्र बनाते समय, कलाकार प्रकृति पर निर्भर करता है, लेकिन रचनात्मक कल्पना इस प्रक्रिया में महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है। 19वीं शताब्दी का अंत पूरे यूरोप में दुनिया के एक नए, गतिशील दृष्टिकोण द्वारा चिह्नित किया गया था। सदी के मोड़ के कलाकार को लगातार बदलते जीवन के अनुरूप होना था: अपने आसपास की दुनिया को प्रदर्शित करने के लिए इतना नहीं (फोटोग्राफी और सिनेमा अब ऐसा कर रहे हैं), लेकिन अपने व्यक्तित्व को व्यक्त करने में सक्षम होने के लिए भीतर की दुनिया, अपनी दृष्टि। उत्कृष्ट चित्रकारों के चित्रों में कला के शिखर को छुआ गया है। आधुनिकतावाद की विविध धाराओं में, कथानक की हानि और आलंकारिकता की अस्वीकृति होती है, जिससे एक चित्र की अवधारणा को महत्वपूर्ण रूप से संशोधित किया जाता है। चित्रकला के विभिन्न विद्यालयों से संबंधित कुछ कलाकार दुनिया (लोगों, जानवरों, प्रकृति) को चित्रित करने से दूर चले गए हैं जैसा कि हम देखते हैं। उनके चित्रों में, दुनिया विकृत दिखाई देती है, कभी-कभी पूरी तरह से पहचानने योग्य नहीं होती है, क्योंकि कलाकार हमारे आसपास की घटनाओं की दृश्य धारणा से अधिक उनकी कल्पना द्वारा निर्देशित होते हैं।

चित्रकला के विकास में चित्रकला की महत्वपूर्ण भूमिका है।

एक पुनरुत्पादन को एक पेंटिंग भी कहा जा सकता है, यदि प्रासंगिक संदर्भ में इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि यह एक प्रति है या नहीं मूल काम.

एक आलंकारिक या अधिक में चित्र सामान्य अर्थ- कला का कोई भी पूर्ण, अभिन्न कार्य, जिसमें जीवित और शामिल हैं सजीव वर्णन, मौखिक या लिखित, प्रकृति का प्रकार।

पेंटिंग विमान की कला है और एक दृष्टिकोण है, जहां अंतरिक्ष और आयतन केवल भ्रम में मौजूद हैं। जटिलता के माध्यम से चित्रकारी दृश्य साधनविमान पर भ्रमपूर्ण स्थान और बहुआयामीता की इतनी गहराई पैदा करने में सक्षम है कलात्मक वास्तविकता, जो प्रतिनिधित्व के अन्य तरीकों के अधीन नहीं है। प्रत्येक चित्र दो कार्य करता है - सचित्र और अभिव्यंजक-सजावटी। चित्रकार की भाषा केवल उन लोगों के लिए काफी समझ में आती है जो चित्र के तल के सजावटी-लयबद्ध कार्यों से अवगत हैं।

सौंदर्य बोध में, चित्र के सभी कार्यों (सजावटी, समतल और सचित्र, स्थानिक दोनों) को एक साथ भाग लेना चाहिए। एक तस्वीर को सही ढंग से देखने और समझने का मतलब एक साथ सतह, और गहराई, और पैटर्न, और लय और छवि को अविभाज्य रूप से देखना है।

एक पेंटिंग की सौंदर्य धारणा बहुत बढ़ जाती है जब इसे एक उपयुक्त फ्रेम में रखा जाता है जो पेंटिंग को आसपास की दुनिया से अलग करती है। प्राच्य प्रकार की पेंटिंग एक फ्री-हैंगिंग अनफोल्डेड स्क्रॉल (क्षैतिज या ऊर्ध्वाधर) के पारंपरिक रूप को बरकरार रखती है। चित्र, स्मारकीय पेंटिंग के विपरीत, एक निश्चित इंटीरियर के साथ कठोरता से जुड़ा नहीं है। इसे दीवार से उतारकर अलग तरीके से लटकाया जा सकता है।

चित्रों के भ्रामक स्थान की गहराई

प्रोफेसर रिचर्ड ग्रेगोरी ने "पेंटिंग के अजीब गुण" का वर्णन किया: "पेंटिंग वस्तुओं का एक अनूठा वर्ग है, क्योंकि वे दोनों अपने आप में दिखाई देते हैं और कागज की एक शीट से काफी अलग हैं, जिस पर वे खींचे जाते हैं। चित्र विरोधाभासी हैं। कोई वस्तु एक ही समय में दो स्थानों पर नहीं हो सकती; कोई भी वस्तु एक ही समय में द्वि-आयामी और त्रि-आयामी दोनों नहीं हो सकती है। और इसी तरह हम तस्वीरें देखते हैं। तस्वीर का एक पूरी तरह से परिभाषित आकार है, और साथ ही यह सही आकार दिखाता है मानवीय चेहरा, भवन या जहाज। चित्र असंभव वस्तुएं हैं।

किसी व्यक्ति की चित्रों में प्रस्तुत काल्पनिक स्थितियों में अनुपस्थित होने पर प्रतिक्रिया करने की क्षमता है मील का पत्थरअमूर्त सोच के विकास में।

पेंटिंग कैसे बनती है

चित्र है आध्यात्मिक दुनियाकलाकार, अपने अनुभव और भावनाओं को कैनवास या कागज पर व्यक्त करता है। यह समझाना मुश्किल है कि चित्र कैसे बनाए जाते हैं - इसे अपने लिए देखना बेहतर है। शब्दों में यह बताना असंभव है कि कलाकार कैनवास पर कैसे पेंट करता है, किस ब्रश से वह कैनवास को छूता है, वह कौन सा पेंट चुनता है। काम के दौरान, सब कुछ एक हो जाता है: कलाकार, ब्रश और कैनवास। और पहले से ही कार्यशाला में ब्रश के पहले स्ट्रोक के बाद, पेंटिंग का विशेष जादू काम करना शुरू कर देता है।

चित्र केवल एक चित्रित कैनवास नहीं हैं, वे भावनाओं और विचारों को प्रभावित करते हैं, आत्मा पर एक छाप छोड़ते हैं, पूर्वाभास जगाते हैं।

पेंटिंग कैसे बनाई जाती है?

ऐसा लगता है, कैनवास पर पेंट, ब्रश। एक और सार्वभौमिक उत्तर हो सकता है: विभिन्न तरीकों से।

कला के पूरे इतिहास में पेंटिंग पर काम करने के तरीके लगातार बदलते रहे हैं। कलाकार की इतालवी पुनर्जागरणउन्होंने 17 वीं शताब्दी के रेम्ब्रांट या "लिटिल डच" की तुलना में पूरी तरह से अलग तरीके से काम किया, रोमांटिक - प्रभाववादियों, अमूर्ततावादियों, समकालीन यथार्थवादी कलाकारों से अलग। हां, और एक ही युग में और यहां तक ​​कि एक दिशा में भी आप बहुत विविधता पा सकते हैं।

अतीत और वर्तमान के यथार्थवादी कलाकार (यदि हम यथार्थवाद को शब्द के व्यापक अर्थ में समझते हैं) निम्नलिखित से एकजुट हैं:

एक पूर्ण कार्य का निर्माण इस मामले मेंचित्र, चित्र या परिदृश्य, जीवन के गहन अध्ययन के बिना असंभव है, इसके प्रति लेखक का सक्रिय दृष्टिकोण। जीवन के कलात्मक ज्ञान के साधन हैं प्रकृति से काम, दृश्य प्रभाव, विश्लेषण और जीवन की घटनाओं का संश्लेषण।

पेंटिंग बनाना जटिल, समय लेने वाला है रचनात्मक प्रक्रिया, जिसके परिणाम खर्च किए गए समय से नहीं, बल्कि कलाकार की प्रतिभा, कौशल, मूल आलंकारिक समाधान की ताकत और प्रभावशीलता के माप से निर्धारित होते हैं। मील के पत्थरयह प्रक्रिया विचार की उत्पत्ति और संक्षिप्तीकरण है, प्रत्यक्ष अवलोकन, रेखाचित्र, प्रकृति से रेखाचित्र, आवश्यक रूप से रचनात्मक, जीवन सामग्री के सक्रिय प्रसंस्करण के साथ चित्र की वास्तविक पेंटिंग।

और जब कोई दर्शक किसी संग्रहालय या प्रदर्शनी में किसी पेंटिंग के पास जाता है, तो उसके बारे में अपना निर्णय लेने से पहले, उसे यह याद रखना चाहिए कि उसके पीछे हमेशा एक जीवित व्यक्ति होता है, एक कलाकार जिसने अपने जीवन, हृदय, नसों का एक टुकड़ा लगाया होता है , प्रतिभा और काम में कौशल। यह कहा जा सकता है कि पेंटिंग एक कलाकार का सपना सच होता है।

जी एस ओस्त्रोवस्की

चित्र की पूर्णता

जीवन में, संयोग से बहुत कुछ होता है - चित्र में ऐसी दुर्घटनाएँ नहीं हो सकती हैं, इसमें सब कुछ तार्किक रूप से पूरा होना चाहिए। एक पेंटिंग को किस बिंदु पर पूर्ण माना जाता है?

कलाप्रवीण व्यक्ति रेम्ब्रांट का इम्पैस्टो सचित्र स्ट्रोक, जो बाद में और हमारे समय में अत्यधिक मूल्यवान था, रेम्ब्रांट के समकालीनों के बीच केवल घबराहट पैदा करता था और उनके खर्च पर उपहास और व्यंग्य को जन्म देता था। अपने आलोचकों पर आपत्ति जताते हुए, रेम्ब्रांट ने एक पेंटिंग की पूर्णता की उनकी समझ की शुद्धता पर विवाद किया, उनकी अपनी समझ के साथ उनका विरोध किया, जिसे उन्होंने इस तरह से तैयार किया: चित्र को पूर्ण माना जाना चाहिए जब कलाकार ने वह सब कुछ कहा जो वह उसमें चाहता था। . अपने चित्रों की "अपूर्णता" के बारे में उन्हें परेशान करने वाले सवालों को न सुनने के लिए, रेम्ब्रांट ने अपने स्टूडियो में भोले-भाले आगंतुकों को उनके करीब आने की अनुमति देना बंद कर दिया, जो उनकी पेंटिंग के ब्रावुरा स्ट्रोक को बड़ी उत्सुकता से देखते थे, उन्हें डराते थे। तथ्य यह है कि चित्रों को बहुत पास नहीं जाना चाहिए, क्योंकि उनके रंगों को सूंघना अस्वास्थ्यकर है।

उनकी पेंटिंग पर मैटिस:

"मैं बस उन रंगों को कैनवास पर उतारने की कोशिश करता हूं जो मेरी भावना को व्यक्त करते हैं। स्वरों का आवश्यक अनुपात मुझे आकृति के आकार को बदलने या रचना को बदलने के लिए मजबूर कर सकता है। जब तक मैं चित्र के सभी भागों में इस अनुपात तक नहीं पहुँच जाता, तब तक मैं देखता हूँ इसके लिए और काम करना जारी रखें। फिर वह क्षण आता है, जब सभी भाग अपने अंतिम अनुपात में आ जाते हैं, और फिर मैं इसे फिर से दोहराए बिना चित्र को छू नहीं सकता।

लगभग प्रभाववादियों के साथ शुरुआत करते हुए, ड्राइंग, रूप और रंग की श्रेणियां निकटता से जुड़ी हुई हैं, एक साथ बढ़ी हैं, एक सतत प्रक्रिया प्रतीत होती हैं: ड्राइंग और रंग, मॉडलिंग और रचना, स्वर और रेखा एक ही समय में दिखाई और विकसित होती है। किसी चित्र को चित्रित करने की प्रक्रिया, इसलिए बोलने के लिए, अनिश्चित काल तक जारी रह सकती है, काम पूरा होने का क्षण कुछ मनमाना है: कैनवास पर कहीं भी, कलाकार इसे जारी रख सकता है, समान लोगों को नए स्ट्रोक लगा सकता है, लेकिन नीचे झूठ बोल रहा है। इस प्रणाली का सबसे हड़ताली और सुसंगत प्रतिनिधि सीज़ेन है। पत्रों और रिकॉर्ड की गई बातचीत में, उन्होंने बार-बार इस मिश्रित या, अधिक सही ढंग से, पेंटिंग की उदासीन पद्धति को तैयार किया। पेंटिंग पर काम किसी भी समय बाधित हो सकता है, लेकिन काम अपने सौंदर्य मूल्य को नहीं खोएगा। किसी भी समय तस्वीर तैयार है।

वास्तविक स्थान के साथ चित्र के सचित्र स्थान का संबंध

रचना के सिद्धांत के दौरान कलाकार और कला सिद्धांतकार वी. ए. फेवरस्की ने इस बात पर जोर दिया कि वास्तव में कलात्मक काम का जन्म से दोहरा अस्तित्व होता है: आसपास के अंतरिक्ष में एक वस्तु के रूप में और अपने स्वयं के अनुपात-लौकिक संबंधों के साथ एक अपेक्षाकृत बंद दुनिया के रूप में . पेंटिंग में, यह लक्ष्य फ्रेम के साथ तस्वीर की आंतरिक संरचना, मूर्तिकला में - आसपास के स्थान के साथ समन्वय करके प्राप्त किया जाता है (एक उत्कृष्ट उदाहरण: एक आला में एक मूर्ति)।

चित्रमय स्थान को वास्तविक स्थान से जोड़ने के लिए जिसमें दर्शक स्थित है, एक चित्र फ़्रेम का उपयोग किया जाता है। कलाकार छवि में ही कई "फ्रेम के पुनरुत्पादन" के साथ खेलते हैं, दृश्य तुकबंदी, लंबवत और क्षैतिज की पुनरावृत्ति। एक विशेषता तकनीक जो आपको एक आयताकार प्रारूप की सीमाओं के भीतर छवि को "मजबूत" करने की अनुमति देती है, वह "बेवेल कॉर्नर" है। वास्तुकला से चित्रकला के पृथक्करण ने चित्रफलक चित्रकला की धारणा की एक निश्चित प्रणाली को जन्म दिया। चित्र की मुख्य सामग्री अंतरिक्ष के समग्र दृष्टिकोण की अभिव्यक्ति है। रचना एक प्रदर्शनी में तब्दील हो जाती है जिसमें दर्शक अनुपात-लौकिक संबंधों की रूपांतरित दुनिया का सामना करता है और उसमें खुद को एक दर्पण के रूप में देखता है। तो पुनर्जागरण का पारदर्शी कांच शास्त्रीय और बारोक युगों के दर्पण में बदल गया। उत्तर-पुनर्जागरण युग की कला को दर्पण में प्रतिबिंबों के साथ खेलने की विशेषता है, चित्र की रचना में आंकड़े-मध्यस्थों का परिचय, ऐसे व्यक्ति जो अपनी स्थिति, टकटकी या हाथ के इशारे से, कार्रवाई में होने का संकेत देते हैं तस्वीर की गहराई, मानो उन्हें इसमें प्रवेश करने के लिए आमंत्रित कर रही हो। फ्रेम के अलावा, ऐसी रचनाओं में एक प्रोसेकेनियम होता है - मंच का अगला भाग, बैकस्टेज, फिर मध्य मैदान, जिसमें मुख्य क्रिया होती है, और पृष्ठभूमि - "बैकड्रॉप"।

कलाकार आमतौर पर चित्र के मध्य तल में मुख्य आकृतियों को रखता है, उन्हें एक मानसिक क्षैतिज रेखा पर एक कुरसी पर स्थापित करता है। इस संदर्भ की स्थिति से क्षैतिज रेखा"स्थानिक परत" की गहराई निर्भर करती है (प्लैमेट्रिक शब्दों में - चित्र फ़्रेम के निचले किनारे के ऊपर या नीचे)। क्षैतिज को कई बार स्थगित करके, चित्रकार काल्पनिक स्थान की गहराई में गति की एक निश्चित लय बनाता है। इसके लिए धन्यवाद, एक छोटे कैनवास पर भी, आप किसी भी लम्बाई के स्थान को किसी भी संख्या में आकृतियों और वस्तुओं के साथ चित्रित कर सकते हैं। इस तरह की व्याख्या में, किसी को विशेष रूप से दर्शकों का ध्यान इस तथ्य की ओर आकर्षित करना होता है कि कुछ वस्तुएं करीब हैं, जबकि अन्य दूर हैं। ऐसा करने के लिए, "पॉइंटर्स" का उपयोग किया जाता है: परिप्रेक्ष्य में कमी, बड़े पैमाने पर स्थलों (पृष्ठभूमि में लोगों के छोटे आंकड़े), ओवरलैपिंग योजनाएं, टोनल कंट्रास्ट, तस्वीर के अंदर या बाहर एक प्रकाश स्रोत से छाया गिरना। तस्वीर के स्थान में दर्शक के मानसिक आंदोलन के लिए एक और संदर्भ बिंदु विकर्ण है, मुख्य "प्रवेश विकर्ण" (आमतौर पर बाएं से दाएं) होता है।

चित्र में चित्र

चित्र में चित्र

पिक्चर इन पिक्चर का उपयोग एक विशेष रचना समारोह में किया जा सकता है। एक चित्र के भीतर एक चित्र (साथ ही दीवार चित्रों में भित्ति चित्र, आदि) के चित्रण के मामले में एक समान पदानुक्रमित संगठन प्रस्तुत किया गया है।

"चित्र में चित्र" - रचना तकनीक, XVI-XVII सदियों की शास्त्रीय चित्रकला की कला में पाया गया। एक तस्वीर के भीतर एक तस्वीर को एक विशेष छिपे अर्थ के साथ संपन्न किया जा सकता है।

रचना तकनीक "पिक्चर इन पिक्चर" कई कार्य कर सकती है:

• एक विचार व्यक्त करें
• कथानक की व्याख्या करें
• विरोध या सद्भाव पैदा करना
• स्थिति का विवरण होना (आंतरिक)

बहुत बार, एक पेंटिंग में एक पृष्ठभूमि की छवि को एक तस्वीर में एक तरह की तस्वीर के रूप में समझा जा सकता है, जो कि अपने स्वयं के विशेष कानूनों के अनुसार निर्मित एक स्वतंत्र छवि है। उसी समय, पृष्ठभूमि की छवि, मुख्य तल पर आंकड़ों की छवि की तुलना में अधिक हद तक, विशुद्ध रूप से सजावटी कार्यों के अधीन है, हम कह सकते हैं कि यह अक्सर दुनिया ही नहीं है जिसे यहां चित्रित किया गया है, लेकिन इस दुनिया के दृश्य, यानी स्वयं छवि नहीं, बल्कि इस छवि की छवि प्रस्तुत की गई है।

डच के पास एक नक्शा, एक टेपेस्ट्री, एक पेंटिंग है, खुली खिड़कीकैसे चित्र में शामिल छवि दुनिया की सीमाओं का विस्तार करती है या मुख्य कथानक के रूपक अर्थ को विकसित करने का कार्य करती है। वर्कशॉप का पर्दा खोलते हुए वर्मियर, वास्तविकता के तीन स्तरों के माध्यम से एक मार्गदर्शक बन जाता है: दर्शक का स्थान, उसकी कार्यशाला का स्थान, कला के काम का स्थान (चित्रफलक पर खड़ा कैनवास), इन कायापलट की तुलना करता है चित्रित महासागरों पर तैरने के लिए भौगोलिक नक्शाया मैप की गई भूमि पर उड़ना।

वेलाज़्केज़ में वास्तविकता - कला - मिथक का अतिप्रवाह भी देखा जा सकता है, जो स्वेच्छा से "पिक्चर इन पिक्चर" तकनीक का सहारा लेता है, जिसका एक उदाहरण मेनिनस और स्पिनर हो सकते हैं।

वेलास्केज़ द्वारा "पिक्चर इन पिक्चर" भी "वीनस फ्रॉम ए मिरर" में है, लेकिन धूमिल दर्पण केवल प्रेम की देवी की छाया को दर्शाता है।

पेंटिंग और फ्रेम

किसी कलाकार द्वारा बनाई गई कोई भी छवि, प्राचीन के अपवाद के साथ रॉक पेंटिंग्स, एक फ्रेम है। फ़्रेमिंग आवश्यक है और महत्वपूर्ण भागरचना, यह इसे पूरा करती है, एकता देती है। फ़्रेम चित्रात्मक या ग्राफ़िक रचना के समान तल पर हो सकता है। इसे सजावटी, मूर्तिकला और स्थापत्य तत्वों की मदद से विशेष रूप से राहत के रूप में भी बनाया जा सकता है। अक्सर एक आयताकार आकार के फ्रेम होते हैं, कुछ हद तक कम - गोल और अंडाकार।

फ्रेम पेंटिंग को हाइलाइट करने में मदद करता है पर्यावरणकुछ विशेष और ध्यान देने योग्य के रूप में, लेकिन साथ ही साथ इसे पर्यावरण से जोड़ता है। इसलिए, यदि फ्रेम की शैली इंटीरियर की कलात्मक उपस्थिति, संरचना और चरित्र के साथ मेल खाती है जहां चित्र स्थित है, तो यह कलाकारों की टुकड़ी की अखंडता में योगदान देता है। रंग के आधार पर, सजावटी और मूर्तिकला विवरण के साथ संतृप्ति, फ्रेम सचित्र छवि के समग्र प्रभाव को महत्वपूर्ण रूप से प्रभावित करता है। यह सब हमें तस्वीर और फ्रेम की एकता के बारे में बात करने की अनुमति देता है, जहां फ्रेमिंग प्रदर्शन करता है, ज़ाहिर है, मुख्य नहीं, बल्कि एक बहुत ही आवश्यक कार्य।

चित्रफलक चित्रकला का विकास जटिल था। इसके इतिहास में क्या ही उज्ज्वल मील का पत्थर मध्य युग से नवजागरण तक का संक्रमण था! इसमें सबसे महत्वपूर्ण मध्य युग पर हावी होने वाली आइकन छवि की कठोरता और अमूर्तता से दूर होने की इच्छा थी। लगभग XIV सदी में, शब्द के आधुनिक अर्थों में एक पेंटिंग का जन्म हुआ, और इसके साथ एक फ्रेम दिखाई दिया, जो अभी भी गॉथिक दृश्यों के फीते से सजे हुए थे।

पहले फ्रेम पूरी तरह से पूरी छवि के विपरीत नहीं थे और इससे अलग नहीं थे; दोनों की सामग्री समान थी, पृष्ठभूमि की सशर्त गिल्डिंग, उदाहरण के लिए, एक प्राचीन रूसी या बीजान्टिन आइकन, फ्रेम में पारित हो गई, और छवि अक्सर उस पर "छिड़क" गई। फिर तस्वीर और फ्रेम के बीच की सीमाएं अधिक से अधिक स्पष्ट रूप से पहचानी जाने लगीं। फिर भी, पिछली शताब्दियों की स्मृति के रूप में, फ्रेम ने अपने सुनहरे रंग को बरकरार रखा। जब सुनहरी पृष्ठभूमि, दिव्य दुनिया को दर्शाते हुए, पेंटिंग से गायब हो गई, तो फ्रेम के गिल्डिंग को सशर्त रूप से माना जाने लगा, दूसरे शब्दों में, फ्रेम की एक आवश्यक विशेषता के रूप में, जिसने कमरे में तस्वीर को उजागर करने में मदद की, दर्शकों का ध्यान अपनी ओर आकर्षित करें।

पुनर्जागरण में, एक खिड़की के माध्यम से दुनिया को देखने के रूप में पेंटिंग का विचार हावी हो गया, फ्रेम, इसके रूपों के साथ, बहुत स्पष्ट रूप से प्रचलित विचार का संकेत दिया और इसका जवाब दिया। ये शानदार, गंभीर फ्रेम विशेष कार्यशालाओं में कलाकारों के चित्र के अनुसार या उनकी कार्यशाला में काम करने वाले कलाकार के सहायकों द्वारा बनाए गए थे।

पुनर्जागरण के दौरान, पेंटिंग की तुलना लगातार एक दर्पण से की जाती थी जो वास्तविकता को दर्शाती है, और सजावटी दर्पण फ्रेम की तरह बनाए गए फ्रेम ने इस तुलना पर और भी अधिक जोर दिया। यह फ्रेम न केवल लकड़ी के स्लैट्स और प्लास्टर से बनाया जा सकता था, बल्कि चांदी, हाथी दांत, मदर-ऑफ-पर्ल आदि सहित कीमती सामग्रियों से भी बनाया जा सकता था। सामग्रियों की कीमतीता पेंटिंग की कीमतीता से मेल खाती दिख रही थी, इसे पुष्ट कर रही थी।

पुराने स्वामी फ्रेम के प्रति बहुत चौकस थे, काम की प्रक्रिया में इसके प्रभाव को ध्यान में रखते हुए, कभी-कभी वे एक निश्चित स्वर और फ्रेम की सजावटी लय को ध्यान में रखते हुए एक तैयार फ्रेम में चित्रित भी करते थे। इसलिए पुराने उस्तादों की रचनाएँ अक्सर मूल फ़्रेमों में बहुत लाभ पहुँचाती हैं।

पुराने स्वामी के फ्रेम पर अवलोकन हमें एक और सिद्धांत स्थापित करने की अनुमति देता है - प्रोफ़ाइल और फ्रेम की चौड़ाई और चित्र के आकार के बीच पत्राचार: उदाहरण के लिए, डच चित्रकार अपने चित्र सम्मिलित करते थे छोटे चित्रगहरी, स्पष्ट रूपरेखा के साथ बड़े फ्रेम में, जो कि, जैसा कि था, चित्र के केंद्र में आंख को ले जाता है और इसे पर्यावरण के किसी भी प्रभाव से अलग करता है

20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, आवाजें पूरी तरह से तख्ते के परित्याग के लिए बुलाई जाने लगीं, कुछ बहुत ही भौतिक, कला की आध्यात्मिकता को "ग्राउंडिंग" करने के लिए। विभिन्न अवांट-गार्डे कलाकारों ने इस तरह के कॉल किए, बिना फ्रेम के अपने काम का प्रदर्शन करना शुरू किया। हालाँकि, इस नवाचार के परिणामस्वरूप, शब्द के संकीर्ण अर्थों में उनकी रचनाएँ स्वयं पेंटिंग बन गईं। ये कुछ प्रकार की "वस्तुएं", "धब्बे" थे, जो अक्सर स्पष्ट अर्थ से रहित होते थे।

हालाँकि अब फ्रेम के डिजाइन में कोई एक शैली नहीं है, जैसा कि एक बार था, लेकिन पहले की तुलना में अधिक है, कलाकार की व्यक्तिगत शैली के लिए फ्रेम का पत्राचार।

में हाल के समय मेंपर कला प्रदर्शनियांयह देखा जा सकता है कि फ्रेम के डिजाइन के संबंध में जड़ता (उन्हें होने दें, और जो इतना महत्वपूर्ण नहीं है), जो हमारे कलाकारों द्वारा अतीत में प्रकट हुई थी, दूर होने लगी है। फ्रेम को विभिन्न रंगों में चित्रित किया जाता है, छोटी अतिरिक्त छवियां और शिलालेख अक्सर उन पर रखे जाते हैं, मूर्तिकार चित्रकारों की मदद करते हैं - समृद्ध प्लास्टिक रूपांकनों वाले फ्रेम दिखाई देते हैं।

चित्र प्रारूप

हालाँकि, चित्र के दो विशिष्ट तत्व हैं, जो एक ही समय में चित्र की वास्तविकता और उसकी कल्पना - प्रारूप और फ्रेम से संबंधित विमान से छवि में एक संक्रमण पैदा करते हैं। ऐसा लग सकता है कि चित्र का प्रारूप केवल कलाकार का उपकरण है, लेकिन उसकी रचनात्मक अवधारणा की प्रत्यक्ष अभिव्यक्ति नहीं है: आखिरकार, कलाकार केवल प्रारूप चुनता है। इस बीच, प्रारूप की प्रकृति कला के काम की संपूर्ण आंतरिक संरचना के साथ सबसे अधिक निकटता से जुड़ी हुई है और अक्सर कलाकार के इरादे को समझने का सही तरीका भी बताती है। एक नियम के रूप में, चित्रकार का काम शुरू होने से पहले प्रारूप चुना जाता है। लेकिन कई कलाकारों को जाना जाता है जो काम करते समय चित्र के प्रारूप को बदलना पसंद करते थे, या तो इसमें से टुकड़े काटते थे, या नए जोड़ते थे (वेलास्केज़ ने इसे विशेष रूप से स्वेच्छा से किया था)।

एक चित्र के लिए सबसे आम प्रारूप चतुष्कोणीय है, जिसमें एक शुद्ध वर्ग अधिक या कम ऊपर की ओर या चौड़ाई में चतुर्भुज की तुलना में बहुत दुर्लभ है। कुछ युग गोल प्रारूप (टोंडो) या अंडाकार की सराहना करते हैं। प्रारूप का चुनाव यादृच्छिक नहीं है, प्रारूप आमतौर पर गहरी पहचान करता है, जैविक कनेक्शनकला के काम की सामग्री के साथ, इसके भावनात्मक स्वर के साथ, और चित्र की रचना के साथ, यह कलाकार के व्यक्तिगत स्वभाव और पूरे युग के स्वाद को समान रूप से स्पष्ट रूप से दर्शाता है। हम प्रत्येक तस्वीर से पहले प्रारूप और कलाकार के इरादे के बीच छिपे हुए कारण संबंध को महसूस करते हैं, जिससे कला के एक सच्चे काम का आकर्षण आता है। ऐसे चित्र हैं जिनकी सामग्री प्रारूप की प्रकृति के साथ इतनी घुलमिल गई है कि अनुपात में मामूली बदलाव, ऐसा लगता है, चित्र के शैलीगत और वैचारिक संतुलन को बिगाड़ देना चाहिए।

सामान्य रूप से क्षैतिज, लम्बी प्रारूप, निश्चित रूप से कथा रचना के लिए अधिक उपयुक्त है, दर्शक के पिछले आंदोलन के क्रमिक खुलासा के लिए। इसलिए, कलाकार जो मूड में महाकाव्य हैं, सक्रिय रचना के लिए प्रयास कर रहे हैं, कार्रवाई के लिए, स्वेच्छा से इस प्रारूप की ओर मुड़ते हैं, उदाहरण के लिए, 14 वीं के इतालवी चित्रकार और 15 वीं शताब्दी के पहले भाग (विशेष रूप से फ्रेस्को रचनाओं में)। इसके विपरीत, एक वर्ग प्रारूप या एक जिसमें ऊँचाई कुछ हद तक चौड़ाई पर हावी होती है, जैसे कि कार्रवाई की गतिशीलता को तुरंत रोक देती है और रचना को एक गंभीर प्रतिनिधित्व का चरित्र देती है - यह इस प्रकार का प्रारूप था जिसे स्वामी पसंद करते थे उनकी वेदी पेंटिंग। उच्च पुनर्जागरण ("सिस्टिन मैडोना")। बदले में, चौड़ाई पर ऊंचाई की एक महत्वपूर्ण प्रबलता के साथ, संरचना फिर से गतिशीलता, मजबूत कर्षण प्राप्त करती है, लेकिन इस बार ऊपर या नीचे; इस तरह के एक संकीर्ण प्रारूप विशेष रूप से अभिजात, सजावटी (क्रिवेली) या रहस्यमय कलाकारों की पसंद के लिए था (तरीकेवादी, ग्रीको), कुछ भावनाओं, मनोदशाओं को मूर्त रूप देना चाहते हैं।

कलाकार के व्यक्तिगत स्वभाव के साथ प्रारूप का संबंध भी निस्संदेह है: रूबेंस की कामुक, गतिशील कल्पना को रेम्ब्रांट की संयमित और आध्यात्मिक कल्पना की तुलना में बड़े प्रारूप की आवश्यकता होती है। अंत में, प्रारूप सीधे पर निर्भर है पेंटिंग तकनीक. कलाकार का ब्रशस्ट्रोक जितना व्यापक, मुक्त होता है, एक बड़े प्रारूप के लिए उसकी इच्छा उतनी ही स्वाभाविक होती है।

छवि, जल रंग, पैनल, पस्टेल, परिदृश्य, कैनवास, स्केच, अध्ययन, सिर, प्रकृति मोर्ट; मोज़ेक। बुध . .. छवि देखें... रूसी पर्यायवाची और समान भावों का शब्दकोश। अंतर्गत। ईडी। एन। अब्रामोवा, एम।: रूसी शब्दकोश, 1999। चित्र ... पर्यायवाची शब्द

चित्र, पेंटिंग, महिला। 1. पेंट्स में पेंटिंग का काम। बातचीत का अंश. वॉटरकलर वाली पेंटिंग। 2. सिनेमाई फिल्म। 3. कई छवियां जो स्पष्टता में भिन्न होती हैं और एक संपूर्ण बनाती हैं। प्रकृति का चित्र। सुदूर अतीत की एक तस्वीर। यह… … शब्दकोषउशाकोव

पेंटिंग का एक काम जिसका एक स्वतंत्र कलात्मक मूल्य है और इसमें पूर्णता का गुण है (जैसा कि एक अध्ययन और एक स्केच के विपरीत है)। चित्र, एक नियम के रूप में, जुड़ा नहीं है, एक फ्रेस्को या एक पुस्तक लघुचित्र की तरह, एक निश्चित इंटीरियर के साथ ... कला विश्वकोश

- (इनोस्क।) सुंदर रूप। बुध "देखो, तस्वीर, और तुम देखोगे, जानवर।" बुध बादाम जैसे दांत, दालचीनी जैसी आंखें, बुलबुल जैसी आवाज और तस्वीर। बेकर, नानबाई। (कॉम।) बुध। बिल्डशॉन ... मिशेलसन का बड़ा व्याख्यात्मक वाक्यांशविज्ञान शब्दकोश (मूल वर्तनी)

चित्र, एस, महिला। 1. पेंटिंग का काम। रूसी कलाकारों की तस्वीरें। तस्वीरें लटकाओ। 2. फिल्म के समान (2 मूल्यों में) (बोलचाल)। 3. क्या एन की छवि। वी कला का काम. के जीवन। 4. क्या देखा जा सकता है, सर्वेक्षण किया जा सकता है या ... ... ओज़ेगोव का व्याख्यात्मक शब्दकोश

महिला चित्र, रात · विचलित करना। चित्र तिरस्कारपूर्ण चित्र · दूर ले गया। पेंटिंग, एस्प। पेंट में; | मौखिक या लिखित जीवंत और विशद छवि; | प्रकृति का सुंदर दृश्य। | छतों पर: लोहे की दो चादरें आपस में जुड़ी हुई हैं। ... ... डाहल का व्याख्यात्मक शब्दकोश

रेपिन "पिपली"। जर्ग। कहते हैं शटल। लोहा। 1. अधूरी आशाओं, असफलताओं, असफलताओं के बारे में। 2. क्या एल। बेतुका, समझ से बाहर, भ्रामक। बीएसआरजी, 245; वाखितोव 2003, 74. आंसू भरी तस्वीर। साहब। यह बहुत दयनीय है, आंसुओं के लिए यह किसी के लिए दया है। एफएसएस, 91. द्वारा ... ... बड़ा शब्दकोशरूसी कहावतें

चित्रकारी- चित्र, चित्रमाला, कैनवास, कैनवास, खुला, तिरस्कार। लीपापोती, बोलचाल का, तिरस्कारपूर्ण गंदा ... शब्दकोश-रूसी भाषण के पर्यायवाची का थिसॉरस

- "तस्वीर", सोवियत संघ, 1989, रंग, 40 मिनट। ट्रैजिकोमेडी, टीवी शो। द्वारा इसी नाम का नाटकवी। स्लावकिन। एक होटल के कमरे में रहने वाले एक इंजीनियर के पास एक स्थानीय कलाकार, एक हारे हुए, एक पेंटिंग के लेखक का दौरा होता है जो इस कमरे की दीवार पर कई वर्षों से लटका हुआ है। कभी अ…… सिनेमा विश्वकोश

चित्रकारी- चित्र, एस, एफ। चेहरा। उसे एक तस्वीर दो। पोखर में एक तस्वीर। पोस। 19वीं शताब्दी का अहंकारवाद; उदाहरण के लिए, ए.पी. चेखव में ... रूसी अर्गो का शब्दकोश

चित्रकारी- (जैसे घटना) [ए.एस. गोल्डबर्ग। अंग्रेजी रूसी ऊर्जा शब्दकोश। 2006] सामान्य एन पिक्चर में विषय ऊर्जा ... तकनीकी अनुवादक की पुस्तिका

पुस्तकें

• चित्र, ग्रैनिन डेनियल अलेक्जेंड्रोविच। डेनियल ग्रैनिन, रूस के राज्य पुरस्कार के विजेता और यूएसएसआर के राज्य पुरस्कार के दो बार पुरस्कार विजेता, "द पिक्चर" उपन्यास में फिर से महान सार्वजनिक अनुनाद की समस्याओं को संदर्भित करते हैं। पुस्तक में सेट है ...

हम विभिन्न रंगों में चित्रित संग्रहालयों में चित्रों को देखने के आदी हैं: तड़का, तेल, जल रंग। लेकिन हम कितनी बार सोचते हैं कि वे कैसे दिखाई दिए, और उनका निर्माता कौन था? पहली बार, पेंट, जो वास्तव में मिट्टी के रूप में कार्य करता था, द्वारा उपयोग किया गया था प्राचीन. फिर, उन्होंने मिट्टी, कोयले और अन्य प्राकृतिक रंगों को वसा के साथ मिलाना शुरू किया, जिसे पहला वास्तविक पेंट माना जा सकता है। पेंट के आगमन से पहले पूरी सहस्राब्दी बीत गई, जिसे कलाकारों ने हर जगह इस्तेमाल करना शुरू कर दिया।

अंडे का तड़का

यह पेंट अंडे का तड़का था। यह पुनर्जागरण के दौरान विशेष रूप से लोकप्रिय हो गया, जब राफेल, लियोनार्डो दा विंची और माइकलएंजेलो जैसे महान स्वामी ने इसके साथ काम किया। टेम्परा शामिल है अंडे की जर्दी, पानी और सूखे रंगद्रव्य। उन दिनों कलाकारों को अपनी पेंटिंग खुद बनाने के लिए मजबूर किया जाता था। वे मिट्टी, पौधे के खनिज, जामुन और यहां तक ​​​​कि कीड़ों को एक महीन पाउडर में पीसते हैं, फिर इसे पानी और अंडे की जर्दी के साथ मिलाते हैं। टेम्परा को कलाकारों से विशेष कौशल की आवश्यकता होती है। यह पानीदार लाल आश्चर्यजनक रूप से जल्दी सूख गया। इसने मास्टर्स को पैटर्न की एकता बनाए रखने के लिए बहुत तेज गति से काम करने के लिए मजबूर किया।

तैलीय रंग

पेंटिंग में एक वास्तविक क्रांति 15वीं शताब्दी में जन वैन आईक द्वारा तेल के पेंट के आविष्कार से हुई थी। एक बांधने की मशीन के रूप में, उन्होंने सामान्य अंडे की जर्दी के बजाय अलसी के तेल का इस्तेमाल किया। कड़ाई से बोलना, वे हमारे युग से पहले जाने जाते थे। बामियान बुद्ध प्रतिमाओं के विनाश के बाद मिले पेंट के अवशेषों से इसकी पुष्टि होती है। यह ज्ञात है कि प्राचीन चित्रकार रंगीन रचनाओं के लिए वनस्पति तेलों का भी उपयोग करते थे। 8वीं से 12वीं शताब्दी के विभिन्न ग्रंथ अलसी के तेल के उपयोग की बात करते हैं। हालांकि, कोई भौतिक सबूत नहीं बचा है। तैलीय रंगकई मायनों में अंडे के तड़के से बेहतर। सबसे पहले, कलाकारों को उसकी प्लास्टिसिटी से रिश्वत दी गई थी। ऑइल पेंट्स को मिलाना आसान था, जिससे पूरी तरह से नए रंग तैयार किए जा सकते थे। पेंट को पतली परतों में लगाया जाने लगा। इस तकनीक ने अंतरिक्ष, मात्रा और रंग की गहराई को सबसे अच्छा बताया।

आबरंग

इस तथ्य के बावजूद कि इसकी उपस्थिति का श्रेय दूसरी शताब्दी ईस्वी को दिया जाता है, इसने 18वीं-19वीं शताब्दी के मोड़ पर ही व्यापक लोकप्रियता हासिल की। इसमें बारीक पिसा हुआ वर्णक और पौधे की उत्पत्ति के गोंद होते हैं जो पानी में आसानी से घुलनशील होते हैं। इस पेंट को पानी से पतला किया जाता है और कागज पर लगाया जाता है। विशेषता जल रंग तकनीकइसकी पारदर्शिता में निहित है। जल रंग हल्के, नाजुक, जैसे हवा से भरे चित्र बनाते हैं। लेकिन एक पकड़ है: आरेखण को फिर से करें या परत को रिकॉर्ड करें, जैसा कि इसमें है तैल चित्र, उदाहरण के लिए, असंभव है। दो या तीन से अधिक रंगों को मिलाने पर पेंट अपनी चमक और शुद्धता खो देता है, और जब पेंट की परत धुल जाती है, तो कागज ख़राब हो जाता है, जिससे गंदगी हो जाती है।

उन दूर के समय से, प्राकृतिक अवयवों के आधार पर पेंट बनाए गए हैं: वनस्पति तेल, लकड़ी के राल और प्राकृतिक रंग। लेकिन 20वीं सदी की शुरुआत में, प्रमुख पेंट निर्माताओं के लिए काम करने वाले रसायनज्ञों ने नए पेंट फॉर्मूले का आविष्कार करना शुरू किया। यह 20वीं सदी में है कि पेंट्स का इतिहास जो आज दुकानों में देखा जा सकता है शुरू होता है। उनमें से कई में सिंथेटिक घटक होते हैं, लेकिन किसी भी तरह से प्राकृतिक से कमतर नहीं हैं।

• पेंटिंग में एक तस्वीर कला का एक काम है जिसमें एक पूर्ण चरित्र (एक स्केच और स्केच के विपरीत) और एक स्वतंत्र कलात्मक मूल्य है। एक फ्रेस्को या पुस्तक लघुचित्र के विपरीत, एक पेंटिंग आवश्यक रूप से किसी विशेष इंटीरियर या किसी विशेष सजावट प्रणाली से जुड़ी नहीं है। पेंटिंग चित्रफलक कला के सबसे विशिष्ट प्रकारों में से एक है। एक कैनवास बनाना, कलाकार प्रकृति पर निर्भर करता है, लेकिन रचनात्मक कल्पना इस प्रक्रिया में महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है। चित्रकला के विकास में चित्रकला की अग्रणी भूमिका है।

  इसमें एक पेंटिंग बेस (कैनवास, लकड़ी या धातु का बोर्ड, कार्डबोर्ड, कागज, पत्थर, रेशम, आदि), एक प्राइमर और एक पेंट की परत होती है।

  नाटक, ओपेरा, बैले, सिनेमा कला में एक चित्र एक क्रिया या कार्य का एक पूर्ण भाग है, जो क्रिया के एक अचल स्थान द्वारा सीमित है। जब मंचन किया जाता है, एक नियम के रूप में, इसे दृश्यों को बदले बिना दिखाया जाता है।

  एक आलंकारिक या अधिक सामान्य अर्थ में एक चित्र कला का कोई भी पूर्ण, अभिन्न कार्य है, जिसमें प्रकृति का जीवंत और विशद वर्णन, मौखिक या लिखित शामिल है।

  किसी मूल के पुनरुत्पादन या प्रतिलिपि को भी एक पेंटिंग के रूप में संदर्भित किया जा सकता है यदि यह प्रासंगिक संदर्भ में मायने नहीं रखता है कि यह एक प्रति है या मूल कार्य है। उदाहरण के लिए, "गलियारे में कई पेंटिंग लटकी हुई थीं।" यदि आप प्रयोग नहीं कर रहे हैं आधुनिक प्रकाश व्यवस्था(बिजली, मोमबत्तियाँ, आदि), किसी चित्र (पेंटिंग) पर काम शुरू करने से पहले, वर्ष के उसी दिन धूपघड़ी का उपयोग करके समय को चिह्नित करने की सलाह दी जाती है, उदाहरण के लिए, यदि आपने 13.00 बजे चित्र बनाना शुरू किया और जारी रखा 25 जुलाई, 1979 को दोपहर 2:00 बजे से पहले एक घंटे के दौरान इसे पेंट करने के लिए, फिर आपका अगला लेखन सत्र 25 जुलाई, 1980 को दोपहर 1:00 बजे से दोपहर 2:00 बजे तक होगा। यह आवश्यकता सूर्य के सापेक्ष हमारे ग्रह की खगोलीय स्थिति से जुड़ी है। यह जानना भी आवश्यक है कि ज़हर से संतृप्त पेंटिंग (विशेष रूप से पुराने स्वामी) हैं, क्योंकि ज़हरीले पौधे, तरल पदार्थ और खनिज हैं जो उन्हें लिखने के लिए उपयोग किए गए थे।

  प्रोफेसर रिचर्ड ग्रेगोरी ने "पेंटिंग के अजीब गुण" का वर्णन किया: "पेंटिंग वस्तुओं का एक अनूठा वर्ग है क्योंकि वे दोनों स्वयं में और खुद में दिखाई देते हैं और कागज की शीट की तुलना में बहुत अलग हैं, जिस पर वे खींचे जाते हैं। चित्र विरोधाभासी हैं। कोई वस्तु एक ही समय में दो स्थानों पर नहीं हो सकती; कोई भी वस्तु एक ही समय में द्वि-आयामी और त्रि-आयामी दोनों नहीं हो सकती है, और इसी तरह हम चित्र देखते हैं। चित्र का एक निश्चित आकार होता है, और साथ ही यह मानव चेहरे, भवन या जहाज के सही आकार को दर्शाता है। चित्र असंभव वस्तुएं हैं। चित्र महत्वपूर्ण हैं क्योंकि आंख उनमें लापता वस्तुओं को देखती है। जैविक रूप से, यह बेहद अजीब है।"

  किसी व्यक्ति की अनुपस्थित, चित्रों में प्रस्तुत काल्पनिक स्थितियों पर प्रतिक्रिया करने की क्षमता अमूर्त सोच के विकास में एक महत्वपूर्ण चरण है।

  जोहान वोल्फगैंग गोएथे ने लिखा: "चित्र केवल एक चित्रित कैनवास नहीं हैं, वे भावनाओं और विचारों को प्रभावित करते हैं, आत्मा पर एक छाप छोड़ते हैं, पूर्वाभास जगाते हैं।"