Glazbena kultura i obrazovanje u renesansi. Apstraktna glazbena kultura preporoda

Glazba u razdoblju od XV-XVII stoljeća.

U srednjem vijeku glazba je bila prerogativ crkve, pa je većina glazbenih djela bila sakralna, temeljila se na crkvenim pjesmama (gregorijanskom koralu), koje su bile dio vjere od samog početka kršćanstva. Početkom 6. stoljeća kultne su melodije, uz izravno sudjelovanje pape Grgura I., konačno kanonizirane. Gregorijanski koral izvodili su profesionalni pjevači. Nakon što je crkvena glazba ovladala polifonijom, gregorijansko je pjevanje ostalo tematska osnova višeglasnih kultnih djela (misa, moteta i dr.).

Nakon srednjeg vijeka slijedi renesansa koja je za glazbenike bila doba otkrića, inovacija i istraživanja, renesansa svih slojeva kulturnih i znanstvenih manifestacija života od glazbe i slikarstva do astronomije i matematike.

Iako je, uglavnom, glazba ostala vjerska, ali slabljenje crkvene kontrole nad društvom otvorilo je veću slobodu skladateljima i izvođačima u ispoljavanju njihovih talenata.

Izumom tiskarskog stroja postalo je moguće tiskati i distribuirati notne zapise i od tog trenutka počinje ono što nazivamo klasičnom glazbom.

U tom su se razdoblju pojavili novi glazbeni instrumenti. Najpopularniji su bili instrumenti na kojima su ljubitelji glazbe svirali lako i jednostavno, bez posebnih vještina.

U to se vrijeme pojavljuje viola, preteča violine. Pragovi (drvene trake preko fretboarda) olakšavali su sviranje, a zvuk je bio tih, nježan i dobro se svirao u malim prostorima.

Također su bili popularni puhački instrumenti- blok flauta, flauta i rog. Najkompleksnija glazba napisana je za novostvoreno čembalo, virginal (englesko čembalo, karakterizirano malom veličinom) i orgulje. Istodobno, glazbenici nisu zaboravili skladati jednostavniju glazbu, koja nije zahtijevala visoku izvođačku vještinu. Istodobno je došlo do promjena u glazbenom pisanju: teška drvena tiskarska polja zamijenjena su mobilnim metalnim slovima koje je izumio Talijan Ottaviano Petrucci. Objavljena glazbena djela brzo su se rasprodala, glazbi se počelo pridruživati ​​sve više ljudi.

Morate vidjeti: Glavni događaji u povijesti klasične glazbe u Italiji.

preporod(Francuski renesanse) - doba u kulturnom i povijesnom životu zapadne Europe u XV-XVI stoljeću. (u Italiji - XIV-XVI stoljeća). To je razdoblje nastanka i razvoja kapitalističkih odnosa, formiranja nacija, jezika i nacionalnih kultura. Renesansa je doba velikih geografskih otkrića, izuma tiska, razvoja znanosti.

Doba je dobilo ime po oživljavanje interes antički umjetnosti, koja je postala ideal za kulturnjake toga doba. Skladatelji i glazbeni teoretičari - J. Tinktoris, J. Tsarlino i dr. - proučavali su starogrčke glazbene rasprave; u glazbenim djelima Josquina Despresa, koji se uspoređuje s Michelangelom, "povećalo se izgubljeno savršenstvo starih Grka"; pojavio se krajem 16. - početkom 17. stoljeća. opera je orijentirana na uzore antičke drame.

Renesansna umjetnost temeljila se na humanizam(od latinskog "humanus" - human, filantropski) - pogled koji proglašava osobu najvišom vrijednošću, brani pravo osobe na vlastitu procjenu pojava stvarnosti, postavlja zahtjev znanstvene spoznaje i odgovarajuće refleksije u umjetnosti fenomena stvarnosti. Ideolozi renesanse teologiji srednjeg vijeka suprotstavili su novi ideal čovjeka prožetog zemaljskim osjećajima i interesima. Istodobno, značajke prethodnog doba zadržane su u umjetnosti renesanse (budući da je u biti svjetovna, koristila je slike srednjovjekovne umjetnosti).

Renesansa je i vrijeme širokih antifeudalnih i antikatoličkih vjerskih pokreta (husitizam u Češkoj, luteranstvo u Njemačkoj, kalvinizam u Francuskoj). Sve ove vjerske pokrete ujedinjuje zajednički koncept " protestantizam" (ili " reformacija»).

Tijekom renesanse umjetnost (uključujući glazbu) uživala je veliki javni ugled i postala izuzetno raširena. Likovna umjetnost (L. da Vinci, Rafael, Michelangelo, Jan van Eyck, P. Bruegel i dr.), arhitektura (F. Brunelleschi, A. Palladio), književnost (Dante, F. Petrarka, F. Rabelais, M. Cervantes). , W. Shakespeare), glazb.

Karakteristične značajke glazbene kulture renesanse:

brz razvoj svjetovni glazba (široka raširenost svjetovnih žanrova: madrigali, frotoli, vilanele, francuske "šansone", engleske i njemačke višeglasne pjesme), njezin nasrtaj na staru crkvenu glazbenu kulturu koja je postojala usporedno sa svjetovnom;

realan trendovi u glazbi: novi zapleti, slike koje odgovaraju humanističkim pogledima i, kao rezultat toga, nova sredstva glazbena izražajnost;

narodni melodičan kao vodeći početak glazbenog djela. Folk pjesme koriste se kao cantus firmus (glavna, nepromjenjiva tenorska melodija u polifonim djelima) i u polifonoj glazbi (uključujući crkvenu glazbu). Melodija postaje glatkija, gipkija, melodičnija, jer izravan je izraz ljudskih iskustava;

snažan razvoj višeglasan glazba, uklj. i " strogi stil" (inače - " klasična vokalna polifonija“, jer usmjerena na vokalnu i zborsku izvedbu). Strogi stil podrazumijeva obvezno pridržavanje utvrđenih pravila (stroge stilske norme formulirao je Talijan J. Carlino). Majstori strogog stila ovladali su tehnikom kontrapunkta, imitacije i kanona. Strogo pismo temeljilo se na sustavu dijatonskih crkvenih modusa. U harmoniji dominiraju konsonancije, uporaba disonanci bila je strogo ograničena posebnim pravilima. Dodani su glavni i sporedni modovi te sustav takta. Tematska osnova bila je gregorijansko pjevanje, ali su korištene i svjetovne melodije. Koncept strogog stila ne pokriva svu polifonu glazbu renesanse. Usredotočuje se uglavnom na polifoniju Palestrine i O. Lassa;

formiranje novog tipa glazbenika – profesionalni, koji je stekao sveobuhvatno specijalno glazbeno obrazovanje. Pojam "skladatelj" pojavljuje se prvi put;

formiranje nacionalnih glazbenih škola (engleske, nizozemske, talijanske, njemačke itd.);

pojava prvih izvođača lutnja, violina, violina, čembalo, orgulje; procvat amaterskog muziciranja;

nastanak tipografije.

Glavni glazbeni žanrovi renesanse

Glavni glazbeni teoretičari renesanse:

Johannes Tinctoris (1446. - 1511.),

Glarean (1488. - 1563.),

Josephfo Carlino (1517. - 1590.).

Doba visoke renesanse.

(Iz povijesti talijanske glazbe od 1500.)

Renesansa je razdoblje promjena u svim područjima umjetnosti – slikarstvu, arhitekturi, kiparstvu, glazbi. To je razdoblje označilo prijelaz iz srednjeg vijeka u sadašnjost. Razdoblje između 1500. i 1600. godine, nazvano Visoka renesansa, najrevolucionarnije je razdoblje u povijesti europske glazbe, stoljeće u kojem se razvija harmonija i rađa opera.

U 16. stoljeću prvo se raširilo notno tiskarstvo, 1501. venecijanski tiskar Ottaviano Petrucci objavio je Harmonice Musices Odhecaton, prvu veliku zbirku svjetovne glazbe. Bila je to revolucija u širenju glazbe, a pridonijela je i činjenici da je franko-flamanski stil postao dominantan glazbeni jezik Europe u sljedećem stoljeću, budući da je Petrucci, kao Talijan, uglavnom uključivao glazbu franko-flamanskih skladatelja u svojoj zbirci. Nakon toga je objavio mnoga djela i talijanskih skladatelja, svjetovnih i duhovnih.

Italija postaje središte stvaranja čembala i violina. Otvaraju se mnoge radionice violine. Jedan od prvih majstora bio je slavni Andrea Amati iz Cremone, koji je postavio temelje dinastiji proizvođača violina. U dizajnu postojećih violina napravio je značajne izmjene, čime je poboljšao zvuk i približio ga suvremenom izgledu.
Francesco Canova da Milano (1497. - 1543.) - izvanredan talijanski svirač lutnje i skladatelj renesanse, stvorio je reputaciju Italije kao zemlje virtuoznih glazbenika. Još uvijek se smatra najboljim sviračem lutnje svih vremena. Nakon propasti kasnog srednjeg vijeka, glazba je postala važan element kulture.
Tijekom renesanse madrigal je dosegao svoj vrhunac i postao najpopularniji glazbeni žanr tog doba. Madrigalisti su nastojali stvoriti visoku umjetnost, često koristeći prerađenu poeziju velikih talijanskih pjesnika kasnog srednjeg vijeka: Francesca Petrarce, Giovannija Boccaccia i drugih. Najkarakterističnija značajka madrigala bila je odsutnost strogih strukturnih kanona, glavno načelo bilo je slobodno izražavanje misli i osjećaja.
Skladatelji poput predstavnika venecijanske škole Cypriana de Rorea i predstavnika francusko-flamanske škole Rolanda de Lassua eksperimentirali su s povećanjem kromatizma, harmonije, ritma, teksture i drugih sredstava glazbenog izražavanja. Njihovo će se iskustvo nastaviti i kulminirati u manirističkoj eri Carla Gesualda.
Godine 1558. Josephfo Zarlino (1517.-1590.), najveći glazbeni teoretičar od vremena Aristotela do baroka, stvorio je Osnove harmonike, u ovoj najvećoj tvorevini glazbene znanosti 16. stoljeća, oživio je antički koncept. zvučnog broja, potkrijepio teorijsku i estetsku opravdanost velikog i malog trozvuka. Njegovo učenje o glazbi imalo je značajan utjecaj na zapadnoeuropsku glazbenu znanost i utemeljilo brojne kasnije karakteristike dura i mola.

Rođenje opere (firentinska kamerata)

Kraj renesanse obilježen je najvažnijim događajem u glazbena povijest- rođenje opere.
Skupina humanista, glazbenika i pjesnika okupila se u Firenci pod pokroviteljstvom svog vođe grofa Giovannija De Bardija (1534. - 1612.). Grupa se zvala "kamerata", njeni glavni članovi bili su Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (otac astronoma Galilea Galileija), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri i Ottavio Rinuccini u mladim godinama.
Prvi dokumentirani sastanak grupe održan je 1573. godine, a najaktivnije godine "Firentinske kamerate" bile su 1577. - 1582. godine.
Vjerovali su da je glazba "iskvarena" i nastojali su se vratiti obliku i stilu antičke Grčke, vjerujući da se glazbena umjetnost može poboljšati, a sukladno tome i društvo. Camerata je kritizirala postojeću glazbu zbog pretjerane polifonije nauštrb razumljivosti teksta i gubitka poetske komponente djela, te je predložila stvaranje novog glazbenog stila u kojem bi tekst u monodijskom stilu pratio instrumentalna glazba. Njihovi eksperimenti doveli su do stvaranja novog vokalnog i glazbenog oblika - recitativa, koji je prvi upotrijebio Emilio de Cavalieri, a kasnije je izravno povezan s razvojem opere.
Krajem 16. stoljeća skladatelji počinju pomicati granice renesansnih stilova, a na njegovo mjesto dolazi barokno doba sa svojim karakteristikama i novim glazbenim otkrićima. Jedan od njih bio je Claudio Monteverdi.

Monteverdi. Presso u Fiume Tranquillo.

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (15.5.1567. - 29.11.1643.) - talijanski kompozitor, glazbenik, pjevač. Najvažniji skladatelj baroka, njegova se djela često smatraju revolucionarnima, označavajući prijelaz u glazbi iz renesanse u barok. Živio je u doba velikih promjena u glazbi i sam je bio čovjek koji ju je promijenio.

Monteverdi, Venite, Venite.

Monteverdi. Iz opere "Orfej"

Prva službeno priznata opera koja zadovoljava suvremene standarde bila je opera "Dafne" (Daphne), prvi put predstavljena 1598. godine. Autori "Dafne" su Jacopo Peri i Jacopo Corsi, libreto Ottavija Rinuccinija. Ova opera nije sačuvana. Prva sačuvana opera je "Euridika" (1600.) istih autora - Jacopa Perija i Ottavija Rinuccinija. Ova kreativna zajednica ipak je stvorila mnoga djela, od kojih je većina izgubljena.

Jacopo Peri. Tu dormi, e I dolce sonno.

Jacopo Peri. Hor che gli augelli.

Crkvena glazba 16. stoljeća.

16. stoljeće karakterizira vrlo snažan utjecaj Katoličke crkve i njezine inkvizicije na razvoj umjetnosti i znanosti u Europi. Godine 1545. sastao se Tridentski koncil, jedan od najvažnijih koncila u povijesti Katoličke crkve, čija je svrha bila odgovoriti na reformacijski pokret. U ovoj se katedrali posebno razmišljalo o crkvenoj glazbi.
Neki delegati tražili su povratak na monofoni gregorijanski koral i isključivanje kontrapunkta iz napjeva, već je postojala prešutna zabrana upotrebe polifonog stila u sakralnoj glazbi, uključujući gotovo sve sekvence. Razlog ovakvom stavu bilo je uvjerenje da polifona glazba zbog kontrapunktskih pleksusa gura tekst u drugi plan, a pritom je narušena i glazbena harmonija djela.
Osnovano je posebno povjerenstvo za rješavanje spora. Ovo je povjerenstvo zadužilo Giovannija Pierluigija da Palestrinu (1514.-1594.), jednog od najvećih skladatelja crkvene glazbe, da sklada probne mise, uzimajući u obzir sve zahtjeve stranaka. Palestrina je stvorio tri šestoglasne mise, uključujući svoju najpoznatiju "Misu pape Marcela", posvećenu papi Marselu II., njegovom zaštitniku u mladosti. Ta su djela imala snažan utjecaj na svećenstvo i okončala spor, prestali su govori protiv uporabe kontrapunkta u crkvenoj glazbi.
Djelo Giovannija Pierluigija Palestrine vrhunac je razvoja kontrapunktske sakralne glazbe a capella, spajajući sve moguće kombinacije polifonije i jasnoće teksta.

Palestrina. Sicut Cervus.

Palestrina. Gloria

Sažetak: Glazba renesanse

FEDERALNA AGENCIJA ZA OBRAZOVANJE

SEI HPE "Mari State University"

fakultet osnovne škole

Specijalnost: 050708

"Pedagogija i metodika primarnog obrazovanja"

Katedra: "Pedagogija primarnog obrazovanja"

Test

"Glazba renesanse"

Yoshkar-Ola 2010

Doba renesanse (renesansa) je vrijeme procvata svih vrsta umjetnosti i privlačnosti njihovih figura drevnim tradicijama i oblicima.

Renesansa ima nejednake povijesne i kronološke granice u različitim zemljama Europe. U Italiji počinje u 14. stoljeću, u Nizozemskoj počinje u 15. stoljeću, au Francuskoj, Njemačkoj i Engleskoj njegovi znakovi najjasnije se očituju u 16. stoljeću. Istodobno, razvoj veza između različitih kreativnih škola, razmjena iskustava između glazbenika koji su se selili iz zemlje u zemlju, djelovali u različitim kapelama, postaje znakom vremena i omogućuje nam govoriti o trendovima zajedničkim cijeloj doba.

Umjetnička kultura renesanse osobni je početak utemeljen na znanosti. Neobično složena vještina polifonista 15.-16. stoljeća, njihova virtuozna tehnika koegzistirala je sa svijetlom umjetnošću svakodnevnih plesova, sofisticiranošću svjetovnih žanrova. Lirsko-dramatizam u njegovim djelima sve više dolazi do izražaja.

Dakle, kao što vidimo, razdoblje renesanse je teško razdoblje u povijesti razvoja glazbene umjetnosti, stoga se čini razumnim razmotriti ga detaljnije, pridajući dužnu pozornost pojedinim osobnostima.

Glazba je jedini svjetski jezik, ne treba je prevoditi, u njoj duša s dušom razgovara.

Averbakh Berthold.

Renesansna glazba ili renesansna glazba odnosi se na razdoblje u razvoju europske glazbe između otprilike 1400. i 1600. godine. Početak u Italiji nova era došao po glazbenu umjetnost u XIV. Nizozemska se škola oblikovala i dosegla svoje prve vrhunce u 15. stoljeću, nakon čega se njen razvoj širi, a utjecaj na ovaj ili onaj način zahvaća majstore drugih nacionalnih škola. Znakovi renesanse jasno su se očitovali u Francuskoj u 16. stoljeću, iako su njezini stvaralački dometi bili veliki i neosporni iu prethodnim stoljećima.

DO XVI stoljeće odnosi se na uspon umjetnosti u Njemačkoj, Engleskoj i nekim drugim zemljama uključenim u orbitu renesanse. Pa ipak, s vremenom je novi kreativni pokret postao odlučujući za zapadnu Europu u cjelini i na svoj je način odgovorio u zemljama istočne Europe.

Ispostavilo se da je glazba renesanse potpuno strana grubim i oštrim zvukovima. Zakoni harmonije činili su njegovu glavnu bit.

Vodeće mjesto je i dalje bilo zauzeto duhovne glazbe, koji zvuči tijekom crkvene službe. U renesansi je sačuvala glavne teme srednjovjekovne glazbe: hvalu Gospodinu i Stvoritelju svijeta, svetost i čistoću religioznog osjećaja. Glavni cilj takve glazbe, kako je rekao jedan od njezinih teoretičara, jest "ugoditi Bogu".

Mise, moteti, himne i psalmi činili su osnovu glazbene kulture.

Misa - glazbena kompozicija, koja je zbirka dijelova katoličke liturgije latinskog obreda, čiji su tekstovi uglazbljeni za jednoglasno ili višeglasno pjevanje, uz pratnju glazbeni instrumenti ili bez, za glazbenu pratnju svečanog bogoslužja u Rimokatoličkoj crkvi i protestantskim crkvama visokog usmjerenja, na primjer, u Švedskoj crkvi.

Mise glazbene vrijednosti izvode se i izvan bogoslužja na koncertima, štoviše, mnoge mise kasnijih vremena bile su posebno skladane ili za izvođenje u koncertnoj dvorani ili prigodom kakve proslave.

Crkvena misa, vraćajući se na tradicionalne melodije gregorijanskog korala, najjasnije je izražavala bit glazbene kulture. Kao iu srednjem vijeku, misa se sastojala od pet dijelova, ali sada je postala veličanstvenija i veća. Svijet se čovjeku više nije činio tako malen i vidljiv. Uobičajen život sa svojim zemaljskim radostima već prestao smatrati grešnim.

Motet (fr. motet iz mot- riječ) - vokalno polifono djelo polifonog skladišta, jedan od središnjih žanrova u glazbi zapadnoeuropskog srednjeg vijeka i renesanse.

Himna (starogrčki ὕμνος) je svečana pjesma kojom se veliča i veliča netko ili nešto (izvorno božanstvo).

Psalam (grčki ψαλμός " hvalospjev“), r.p. psalam, mn. psalmi (grč. ψαλμοί) su himni židovske (hebrejski תהילים‎) i kršćanske vjerske poezije i molitve (iz Starog zavjeta).

Oni čine Psaltir, 19. knjigu Starog zavjeta. Autorstvo psalama tradicionalno se pripisuje kralju Davidu (oko 1000. pr. Kr.) i nekolicini drugih autora, uključujući Abrahama, Mojsija i druge legendarne ličnosti.

Ukupno Psaltir obuhvaća 150 psalama, podijeljenih na molitve, pohvale, pjesme i pouke.

Psalmi su imali veliki utjecaj na folklor i bili su izvor mnogih poslovica. U judaizmu su se psalmi pjevali u obliku himni uz pratnju. Uz svaki je psalam u pravilu bio naznačen način izvođenja i “model” (nazvan intonacija u gregorijanskom pjevanju), odnosno pripadajući napjev. Psaltir je zauzeo važno mjesto u kršćanstvu. Psalmi su se pjevali za vrijeme bogoslužja, kućnih molitava, prije bitke i prilikom kretanja u formaciji. U početku ih je pjevala cijela zajednica u crkvi. Psalmi su se pjevali a cappella, samo je kod kuće bila dopuštena uporaba instrumenata. Izvedba je bila recitativno-psalmodijska. Osim cijelih psalama korišteni su i pojedini, najizrazitiji stihovi iz njih. Na toj su osnovi nastali samostalni napjevi - antifona, gradual, put i aleluja.

Postupno su svjetovni trendovi počeli prodirati u djela crkvenih skladatelja. Teme su hrabro uvedene u polifono tkivo crkvenih pjesama folk pjesme uopće nije religiozan. Ali sada to nije proturječilo općem duhu i raspoloženjima ere. Naprotiv, u glazbi čudesno sjedinio božansko i ljudsko.

Sakralna glazba svoj vrhunac doživljava u 15. stoljeću. u Nizozemskoj. Ovdje se glazba cijenila više od drugih oblika umjetnosti. Nizozemski i flamanski skladatelji prvi su uveli nova pravila višeglasan(višeglasna) izvedba - klasika " strogi stil". Najvažnija kompozicijska tehnika nizozemskih majstora bila je imitacija- ponavljanje iste melodije različiti glasovi. Vodeći glas bio je tenor, kojemu je bila povjerena glavna repetitivna melodija - cantus firmus ("nepromjenjiva melodija"). Bas je zvučao ispod tenora, a alt iznad. Najviši, to jest nadvisujući sve, zvao se glas sopran.

Uz pomoć matematičkih izračuna nizozemski i flamanski skladatelji uspjeli su izračunati formulu kombinacije glazbeni intervali. Glavni cilj pisanja je stvaranje skladne, simetrične i grandiozne, iznutra cjelovite zvučne konstrukcije. Jedan od najsjajnijih predstavnika ove škole Johannes Okeghem (oko 1425.-1497.) na temelju matematičkih proračuna skladao je motet za 36 glasova!

U Okeghemu su zastupljeni svi žanrovi karakteristični za nizozemsku školu: misa, motet i šansona. Najvažniji žanr mu je misa, iskazao se kao izvanredan polifoničar. Okeghemova glazba je vrlo dinamična, melodijska linija se kreće u širokom rasponu, ima široku amplitudu. Istodobno, Okeghem karakterizira glatka intonacija, najčišća dijatonika i drevno modalno razmišljanje. Stoga se Okeghemova glazba često karakterizira kao "usmjerena u beskonačnost", "lebdeća" u pomalo odvojenom figurativnom okruženju. Manje je vezan uz tekst, bogat napjevima, improvizacijski, ekspresivan.

Preživjelo je vrlo malo Okeghemovih spisa:

oko 14 misa (11 potpuno):

· Requiem Missa pro Defunctis (prvi polifoni rekvijem u povijesti svjetske glazbene literature);

9-13 (prema različitim izvorima) moteta:

preko 20 šansona

Mnogo je djela čije je vlasništvo Okegem pod znakom pitanja, a među njima i slavni motet "Deo gratias" za 36 glasova. Neke anonimne šansone pripisuju se Okegemu na temelju sličnosti u stilu.

Trinaest misa iz Okeghema sačuvano je u rukopisu iz 15. stoljeća poznatom kao Chigijev kodeks.

Među misama prevladavaju četveroglasne mise, dvije su peteroglasne i jedna osmeračka. Ockeghem kao teme misa koristi narodne ("L'homme armé"), vlastite ("Ma maistresse") melodije ili melodije drugih autora (npr. Benchois u "De plus en plus"). Postoje mise bez posuđenih tema ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

Moteti i šansone

Okeghemovi moteti i šansone neposredno su susjedni njegovim misama i razlikuju se od njih uglavnom po svojoj skali. Među motetima ima veličanstvenih, svečanih djela, kao i strožih duhovnih zborskih skladbi.

Najpoznatiji je svečani zahvalni motet "Deo gratias", napisan za četiri devetoglasne skladbe te se stoga smatra 36-glasnim. Naime, sastoji se od četiri deveterodijelna kanona (na četiri različite teme), koji slijede jedan za drugim s blagim preklapanjem početka sljedećeg na kraju prethodnog. U presnimkama ima 18 glasova, u motetu nema pravih 36 glasova.

Ništa manje zanimljivo nije ni djelo nizozemskog skladatelja Orlanda Lassa (oko 1532.-1594.), koji je stvorio više od dvije tisuće djela kultne i svjetovne naravi.

Lasso je najplodniji skladatelj svog vremena; zbog ogromne količine baštine, umjetnički značaj njegovih djela (od kojih su mnoga naručena) još nije u potpunosti procijenjen.

Djelovao je isključivo u vokalnim žanrovima, uključujući više od 60 misa, rekviem, 4 ciklusa pasija (prema svim evanđelistima), službe Velikog tjedna (odgovori Jutrenja Velikog četvrtka, Velikog petka i Velika subota), više od 100 magnificata, himni, faubourdons, oko 150 franc. šansona (njegova šansona "Susanne un jour", parafraza biblijske priče o Suzani, bila je jedna od najpopularnijih drama u 16. stoljeću), talijanske (villanelles, moresques, canzone) i njemačke pjesme (više od 140 pjesama), oko 250 madrigala.

Lasso se odlikuje najdetaljnijim razvojem tekstova na različiti jezici, kako liturgijski (uključujući tekstove Svetoga pisma), tako i slobodno skladani. Ozbiljnost i dramatičnost koncepta, dugi svesci razlikuju skladbu "Suze svetog Petra" (ciklus 7-glasnih duhovnih madrigala na pjesme Luigija Tranzilla, objavljen 1595.) i "Davidove pokorničke psalme" (rukopis 1571. u folio formatu ukrašen ilustracijama G. Milicha, koje pružaju dragocjenu ikonografsku građu o životu, uklj. glazbena zabava, Bavarski dvor).

Međutim, u svjetovnoj glazbi Lassu nije bio stranac humor. Primjerice, u šansoni “Na gozbama se pije u tri osobe” (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) prepričava se stara anegdota iz života Vaganta; u poznatoj pjesmi "Matona mia cara" njemački vojnik pjeva ljubavnu serenadu, iskrivljujući talijanske riječi; u himni "Ut queant laxis" oponaša se nesretno solfegging. Niz svijetlih Lassovih kratkih drama napisan je na vrlo neozbiljnim stihovima, na primjer, šansona "Dama je sa zanimanjem gledala u dvorac / Priroda je gledala mramorni kip" (En un chasteau ma dame ...), a neki pjesme (osobito mores) sadrže opsceni vokabular.

svjetovna glazba Renesansa je zastupljena raznim žanrovima: madrigalima, pjesmama, kanconama. Glazba, koja je prestala biti "službenica crkve", sada je počela zvučati ne na latinskom, već na materinjem jeziku. Najpopularniji žanr svjetovne glazbe bili su madrigali (tal. Madrigal - pjesma na domaćem jeziku) - višeglasne zborske skladbe napisane na tekst lirske pjesme ljubavnog sadržaja. Najčešće su u tu svrhu korištene pjesme poznatih majstora: Dantea, Francesca Petrarke i Torquata Tassa. Madrigale nisu izvodili profesionalni pjevači, već cijeli ansambl amatera, gdje je svaki dio vodio jedan pjevač. Glavno raspoloženje madrigala je tuga, melankolija i melankolija, ali bilo je i radosnih, živahnih skladbi.

Suvremeni istraživač glazbene kulture D.K. Kirnarskaya primjećuje:

Madrigal okrenuo cijelu glazbeni sustav renesanse: ujednačena i harmonična melodijska plastičnost mise se urušila... nestao je i nepromjenjivi cantus firmus, temelj glazbene cjeline... uobičajene metode razvijanja "strogog pisanja"... ustupile su mjesto emocionalnim i melodijski kontrasti epizoda od kojih je svaka nastojala što ekspresivnije prenijeti pjesničku misao sadržanu u tekstu. Madrigal je konačno potkopao sve slabije snage "strogog stila".

Ništa manje popularan žanr svjetovne glazbe bila je pjesma uz pratnju glazbenih instrumenata. Za razliku od glazbe koja se svirala u crkvi, pjesme su bile prilično jednostavne za izvođenje. Njihov rimovani tekst bio je jasno podijeljen u 4-6 stihova. U pjesmama, kao iu madrigalima, tekst je dobio veliku važnost. Prilikom izvođenja, poetski stihovi ne smiju se izgubiti u višeglasnom pjevanju. Pjesme su bile poznate francuski kompozitor Clement Janequin (oko 1485.-1558.). Clement Janequin napisao je oko 250 šansona, uglavnom za 4 glasa, na pjesme Pierrea Ronsarda, Clementa Marota, M. de Saint-Gelea, anonimnih pjesnika. Što se tiče još 40 šansona, moderna znanost osporava autorstvo Janequina (što, međutim, ne umanjuje kvalitetu same ove osporene glazbe). Glavno obilježje njegove svjetovne višeglasne glazbe je programsko i slikovito. Pred mislima slušatelja su slike bitke ("Bitka kod Marignana", "Bitka kod Rentyja", "Bitka kod Metza"), prizori lova ("Ptičji pjev", "Pjev slavuja", "Ševa"), svakodnevnica scene (»Žensko čavrljanje«). Janequin zorno prenosi atmosferu pariške svakodnevice u šansoni "Cries of Paris", gdje se čuju povici uličnih prodavača ("Mlijeko!" - "Pite!" - "Artičoke!" - "Ribe!" - "Šibice" !" - "Golubovi!" - "Stare cipele!" - "Vino!"). Uz svu domišljatost u teksturi i ritmu, Janequinova glazba na polju harmonije i kontrapunkta ostaje vrlo tradicionalna.

Renesansa je označila početak profesionalna skladateljska kreativnost. Upečatljiv predstavnik tog novog smjera nedvojbeno je Palestrina (1525-1594). Njegova ostavština obuhvaća mnoga djela sakralne i svjetovne glazbe: 93 mise, 326 pjesama i moteta. Autor je dva sveska svjetovnih madrigala na Petrarkine riječi. Dugo je radio kao zborovođa u bazilici sv. Petra u Rimu. Crkvena glazba koju je stvarao odlikuje se čistoćom i uzvišenošću osjećaja. Svjetovna glazba skladatelja prožeta je izvanrednom duhovnošću i harmonijom.

Renesansu dugujemo formaciji instrumentalna glazba kao samostalna umjetnička forma. U to vrijeme nastaje niz instrumentalnih djela, varijacija, preludija, fantazija, ronda, toccata. Od glazbenih instrumenata osobito su popularne orgulje, čembalo, viola, razne vrste flauta, a krajem XVI.st. - violina.

Renesansa završava pojavom novih glazbenih žanrova: solo pjesme, oratorija i opere. Ako je ranije hram bio središte glazbene kulture, od tada je glazba zvučala u opernoj kući. A dogodilo se ovako.

U talijanskom gradu Firenci krajem XVI. stoljeća. počeo skupljati talentirani pjesnici, glumci, znanstvenici i glazbenici. Nitko od njih tada nije razmišljao ni o kakvom otkriću. Pa ipak, oni su bili predodređeni da naprave pravu revoluciju u kazališnoj i glazbenoj umjetnosti. Nastavljajući s produkcijom djela starogrčkih dramatičara, počeli su skladati vlastitu glazbu, koja je, po njihovom mišljenju, odgovarala prirodi antičke drame.

članovi kamere(kako se ovo društvo zvalo) pomno osmišljena glazbena pratnja monologa i dijaloga mitoloških likova. Glumci su morali izvoditi govorne uloge recitativa(recitacija, pjevni govor). I premda je riječ i dalje imala vodeću ulogu u odnosu na glazbu, učinjen je prvi korak prema njihovoj konvergenciji i harmonijskoj fuziji. Takva je izvedba omogućila da se u većoj mjeri prenese bogatstvo unutarnjeg svijeta osobe, njegovih osobnih iskustava i osjećaja. Na temelju takvih vokalnih dionica nastale su arije- završene epizode u glazbenoj izvedbi, uključujući operu.

Operna kuća brzo je osvojila ljubav i postala popularna ne samo u Italiji, već iu drugim europskim zemljama.

Popis korištene literature

1) Enciklopedijski rječnik mladog glazbenika / Komp. V.V. Meduševski, O.O. Očakovskaja. - M .: Pedagogija, 1985.

2) Svijet likovna kultura. Od nastanka do XVII stoljeća: udžbenik. za 10 ćelija. opće obrazovanje humanitarne ustanove / G.I. Danilova. - 2. izd., stereotip. – M.: Bustard, 2005.

3) Materijali iz arhiva renesansne glazbe: http://manfredina.ru/

Poglavlje 1 Značajke glazbene kulture i umjetnosti renesanse

1.1 Filozofska i estetska obilježja kulture renesanse

Renesansa, ili renesansa (fr. renaissance), - prekretnica u povijesti europskih naroda vrijeme velikih otkrića. Renesansa označava početak nove etape u povijesti svjetske kulture. Ova faza, kako je primijetio F. Engels, bila je najveći progresivni preokret od svih koje je čovječanstvo doživjelo do tog vremena. I, doista, renesansa je sa sobom donijela značajne promjene u raznim područjima gospodarstva, znanosti, kulture, otvorila novi način poimanja svijeta i odredila mjesto čovjeka u njemu.

U Italiji su se novi trendovi pojavili već na prijelazu iz XIII-XIV stoljeća, u drugim europskim zemljama - u XV-XVI stoljeća. Ovo vrijeme karakteriziraju: prijelaz iz feudalizma u kapitalizam, geografska otkrića, trgovina, osobno poduzetništvo, oslobađanje čovjeka od klasnih ograničenja. A također u renesansi se rađa moderna znanost, posebno prirodna znanost. Dovoljno je prisjetiti se briljantnih znanstvenih pretpostavki Leonarda da Vincija, temelja Francisa Bacona, astronomskih teorija Kopernika, geografskih otkrića Kolumba i Magellana.

Bez sumnje, sve to nije moglo ne utjecati na prirodu svjetonazora. Renesansa je revolucija, prije svega, u sustavu vrijednosti, u procjeni svega što postoji iu odnosu na to. Postoji uvjerenje da je čovjek najveća vrijednost, rađa se filozofija humanizma. Humanizam iznosi posve novo tumačenje estetskih kategorija, izraslo na novom shvaćanju svijeta.

Jedna od središnjih kategorija bio je pojam "harmonije". Estetika renesanse razvija drugačiju ideju harmonije, zasnovanu na novom shvaćanju prirode, bića i čovjeka. Ako je srednji vijek u skladu vidio jednostavan otisak ideala, kreativnost, božanska ljepota, zatim se u estetskoj svijesti renesanse harmonija javlja, prije svega, kao razvoj kreativnih potencijala same prirode, kao dijalektičko jedinstvo tjelesnog i duhovnog, idealnog i materijalnog.

Humanisti su tragali za idealom skladne osobe u antici, i starogrčkom i rimska umjetnost poslužio kao uzor njihovom umjetničkom stvaralaštvu. No, govoreći o estetici renesanse, potrebno je uočiti činjenicu da se ona, unatoč antičkom osloncu, od nje ipak razlikovala. Renesansna estetika propovijeda oponašanje prirode ništa gore od antičke, no zavirujući u te revivalističke teorije oponašanja, može se primijetiti i da u prvom planu nije toliko priroda koliko umjetnik, njegova osobnost, njegovi osjećaji. Umjetnik prvo, na temelju vlastitog estetskog ukusa, odabire određene procese prirode, a tek potom ih podvrgava umjetničkoj obradi. Teoretičari renesanse mogu pronaći sljedeću usporedbu: umjetnik mora stvarati kao što je Bog stvorio svijet, pa čak i savršenije od toga.

Tako je renesansa, koristeći pouke antike, uvela inovacije. Nije vratio u život sve antičke žanrove, nego samo one koji su bili u skladu sa stremljenjima njegova vremena i kulture. Renesansa je spojila novo čitanje antike s novim čitanjem kršćanstva. Renesansa je približila ova dva temeljna načela. europska kultura.

Bog nije odredio čovjekovo mjesto u hijerarhiji, kaže Pico u svojoj poznatoj Govoru o dostojanstvu čovjeka: imali ste vlastita volja prema vašoj volji i vašoj odluci. Slika drugih kreacija određena je unutar granica zakona koje smo uspostavili. Ali ti ćeš, nesputan nikakvim granicama, odrediti svoju sliku prema svojoj odluci, u čijoj te vlasti ostavljam. Ovdje talijanski mislilac u središte svijeta stavlja osobu, to je osoba koja nema svoju posebnu prirodu, mora je sama formirati, kao i sve što je okružuje.

Dakle, glavna stvar u renesansi je promicanje i odobravanje ljudske osobnosti u kulturi i društvu, što rezultira različitim oblicima revivalističkog antropocentrizma. Antropocentrizam je u prvi plan stavio ne samo osobu, nego osobu kao aktivno, djelatno načelo. Kao rezultat svega toga postupno se počelo javljati stvaralačko, aktivno materijalno načelo nova slikačovjek, njegov novi tip - "homo faber" - "čovjek-tvorac", "čovjek-stvaratelj". U njoj se formiraju temelji novog europskog osjećaja osobnosti – autonomne individualističke osobnosti, svjesne vlastite vrijednosti, aktivne i potrebne slobode. Odsada pa nadalje ljudska osobnost, a ne svijet, ne cjelina, po prvi put postaje polazište za formiranje sustava percepcije svijeta.

S posebnom su se svjetlinom pojavili i potom čvrsto ustalili znakovi novog svjetonazora umjetničko stvaralaštvo, u progresivnom kretanju raznih umjetnosti, za koje se iznimno važnom pokazala “revolucija umova” koju je proizvela renesansa.

Umjetnost je u renesansi imala iznimnu ulogu u kulturi i umnogome odredila lice epohe. Nema sumnje da je humanizam u svom "revivalističkom" shvaćanju ulio golemu svježinu u umjetnost svoga vremena, nadahnuo umjetnike na traženje novih tema i umnogome odredio prirodu slika i sadržaj njihovih djela. Srednjovjekovnu kulturu zamijenila je nova, svjetovna, humanistička kultura oslobođena crkvene dogme i skolastike.

Umjetnost renesanse karakterizira afirmacija načela realizma i humanizma u književnosti, kazalištu i likovnoj umjetnosti. Umjetnost renesanse je prije svega svjetovna umjetnost nastala na temeljima humanizma, koja istiskuje religiozne ideje i budi interes za stvarni život, otkriva individualni identitet pojedinca i razotkriva društveno tipična i svojstvena svojstva osoba.

Svi glavni oblici umjetnosti - slikarstvo, grafika, kiparstvo, arhitektura, glazba - uvelike se mijenjaju. Analiza kulturnih spomenika renesanse svjedoči o odmaku od mnogih najvažnijih načela feudalnog svjetonazora. Kod stvaratelja umjetničkog djela, koji se postupno oslobađa crkvene ideologije, najviše se cijeni oštar umjetnički pogled na stvari, profesionalna samostalnost, osobita vještina, a njegove kreacije dobivaju samodostatan, a ne sakralni karakter.

Karakteristična značajka umjetnosti renesanse bio je neviđeni procvat realističkog slikarstva. Realistični portret renesanse povezan je s djelima poznatih umjetnika kao što su Jan van Eyck, Leonardo da Vinci, Raphael, Dürer, Tizian. Portreti su prožeti patosom afirmacije pojedinca, sviješću da je različitost i bistrina pojedinca nužno obilježje normalnog društva u razvoju. U renesansi slikarstvo po prvi put otkriva mogućnosti koje su mu svojstvene za široko pokrivanje života, prikazivanje ljudske aktivnosti i okolnog životnog okruženja. Srednjovjekovni asketizam i prezir prema svemu zemaljskom sada zamjenjuje gorljivo zanimanje za stvarni svijet, za čovjeka, za svijest o ljepoti i veličini prirode.

Valja napomenuti da je razvoj znanosti bio od velike važnosti za slikarstvo, kao i za umjetnost općenito. U umjetnosti se počinju ispreplitati putovi znanstvenog i umjetničkog poimanja svijeta i čovjeka. Prava slika svijeta i čovjeka morala se temeljiti na njihovom znanju, stoga je spoznajno načelo imalo osobito važnu ulogu u umjetnosti ovoga vremena. Strast prema znanosti pridonijela je ovladavanju ljudskom anatomijom, razvoju realistične perspektive, spektakularnom prijenosu zračnog okoliša, vještini građenja kutova, svemu što je bilo potrebno slikarima da istinski oslikaju čovjeka i stvarnost koja ga okružuje. Proizvedeno novi sustav umjetničko viđenje svijeta, utemeljeno na povjerenju u ljudske osjetilne percepcije, prvenstveno vizualne. Prikazivati ​​kao što vidimo, u jedinstvu s okolinom - to je početni princip renesansnih umjetnika.

U razdoblju kasne renesanse to je nadopunjeno razvojem sustava tehnika koje potezu kistom daju izravnu emocionalnu ekspresivnost, majstorstvo prijenosa učinaka posvete, shvaćanje načela svjetlozračne perspektive. Tvorci teorije perspektive su poznati umjetnici kao što su Masaccio, Alberti, Leonardo da Vinci. Otkriće perspektive nije bilo od male važnosti, pomoglo je proširiti raspon prikazanih pojava, uključiti prostor, pejzaž i arhitekturu u slikarstvo.

Progresivni humanistički sadržaj kulture renesanse živo je došao do izražaja iu kazališnoj umjetnosti, koja je bila pod znatnim utjecajem antičke drame. Karakterizira ga zanimanje za unutarnji svijet osobe koja je obdarena značajkama snažne individualnosti. Izrazite značajke Kazališna umjetnost renesanse bila je razvoj tradicije narodne umjetnosti, patosa koji potvrđuje život, hrabre kombinacije tragičnih i komičnih, poetskih i buffoon-areal elemenata. Takvo je kazalište Italije, Španjolske, Engleske.

U arhitekturi su ideali humanizma koji potvrđuje život, težnja za skladno jasnom ljepotom oblika, djelovali ne manje nego u drugim oblicima umjetnosti i uzrokovali odlučujući zaokret u razvoju arhitekture. Osobito je važnu ulogu imalo pozivanje na klasičnu tradiciju. Očituje se ne samo u odbacivanju gotičkih oblika i oživljavanju antičkog sustava reda, već iu klasičnoj proporcionalnosti proporcija, u razvoju centričnog tipa zgrada u arhitekturi hramova s ​​lako vidljivim unutarnjim prostorom.

Svjetovne zgrade bile su široko razvijene, to su razne gradske zgrade - gradske vijećnice, kuće trgovačkih cehova, sveučilišta, tržnice. Istodobno, uz arhitekturu koja služi društvenim potrebama grada, javlja se potpuno novi tip arhitekture u odnosu na srednji vijek, stan bogatog građanina - palazzo, koji s iznimnom lakoćom odražava duh praznično ozračje koje je vladalo u palačama aristokrata tog vremena. Time je umjetnost renesanse ušla u novu etapu razvoja u kojoj je nastojala spoznati i prikazati stvarni svijet, svoju ljepotu, bogatstvo, raznolikost kroz nove metode i tehnike.

1.2. Mjesto glazbe u sustavu renesansne umjetnosti

Opće zakonitosti razvoja umjetnosti, novo filozofsko i estetsko shvaćanje biti i prirode harmonije, svojstveno renesansi, očitovale su se i u glazbi. Kao i druge oblike umjetnosti toga vremena, glazbu također karakterizira aktivan uzlet kreativnih snaga, humanističkih tendencija.

Valja napomenuti da glazba u ovom razdoblju zauzima posebno mjesto u sustavu umjetnosti, ustupajući dominantno mjesto samo slikarstvu. Prema Leonardu da Vinciju, glazba je samo "mlađa sestra slikarstva" i čak joj je služila. “Slikarstvo nadilazi glazbu i dominira njome”, “Glazba je sluškinja slike”.

Ne može se ne složiti s definicijom velikog umjetnika, glazba je zaista zauzimala daleko od prvog mjesta u sustavu umjetnosti, ali je ipak odigrala veliku ulogu u kulturi renesanse, ostavila je trag na kasniji razvoj, kako na području glazbene kulture i umjetnosti općenito . Glazbena kultura renesanse svojevrsni je prijelaz iz srednjeg u novi vijek, u doba u kojem ova umjetnost zvuči i percipira se na novi način.

Glazba je posjedovala, možda, posebno široke mogućnosti društvenog utjecaja; više od drugih umjetnosti bila je sveprožimajuća: nepromjenjivi dio života običnih ljudi, vlasništvo mnogih skupina, po čemu se bitno razlikuje od glazbe srednjeg vijeka. . Polazak iz srednjovjekovna tradicija najopipljiviji u traktatu Ramisa da Pareje »Praktična glazba«. Ramis kaže: “Neka se nitko ne boji veličine filozofije, ili složenosti aritmetike, ili zamršenosti proporcija. upućen glazbenik. Postavili smo si zadatak podučavati ne samo filozofe ili matematičare; svatko tko je upoznat s temeljima gramatike razumjet će ovo naše djelo. Ovdje i miš i slon mogu plivati ​​na isti način; i preletjeti i Dedala i Ikara." U ovoj raspravi Ramis oštro kritizira srednjovjekovna glazba, sugerira da su teoretičari svoje skladbe pisali samo za glazbenike – profesionalce i znanstvenike, dok bi glazba, po njegovom mišljenju, trebala obuhvatiti širi sloj stanovništva. Bez sumnje, rad Ramisa imao je značajan utjecaj na njegove suvremenike, tradicije srednjeg vijeka bile su uvelike potkopane, u tijeku je prijelaz iz srednjeg vijeka u novi vijek, u renesansu.

Renesansa je svojim humanističkim svjetonazorom imala golem utjecaj na glazbenu kulturu. Humanizam je za glazbenu umjetnost prije svega značio produbljivanje u osjećaje čovjeka, prepoznavanje nove estetske vrijednosti iza njih. To je pridonijelo prepoznavanju i implementaciji najjačih svojstava glazbene specifičnosti. Najizrazitija obilježja rane renesanse nalazi se u umjetnosti talijanske Ars nove XIV. stoljeća, čiji je glavni predstavnik bio Francesco Landino. U njegovom stvaralaštvu naglasak je na svjetovnoj profesionalnoj umjetnosti, koja je raskinula s krugom slika i estetike kultne glazbe i oslanjala se, prije svega, na narodno pjesmotvorstvo, pisano ne više na latinskom, nego na Nacionalni jezik.

U budućnosti je val transformacija na području glazbene umjetnosti zahvatio i druge europske zemlje. U francuskoj glazbi javlja se višeglasna pjesma - šansona, predstavnici: K. Zhaneken, K. de Sermisi, G. Kotelet i dr.; ovaj je žanr bio prožet narodno-svakodnevnim žanrom, gravitirajući realističkom programskom prikazivanju, što je svjedočilo o oštrom odmaku od crkvene glazbe. U španjolskoj su glazbi renesansnim obilježjima obilježeni pjesnički žanrovi folklornoga podrijetla, poput villancica i romanse. Njemačku profesionalnu glazbu karakterizira polifona pjesma s glavnom melodijom u tenoru, koja gravitira prema skladnom zborskom skladištu.

U renesansi počinje intenzivan razvoj instrumentalne glazbe uz zadržavanje veze s vokalnim žanrovima. Utjecaj narodne umjetnosti na duhovnu glazbu raste, osobito u zemljama koje je zahvatio antikatolički reformacijski pokret, koji je u Češkoj oživio husitske himne, u Njemačkoj protestantsko pjevanje, u Francuskoj hugenotske psalme. Međutim, crkva je i dalje imala ulogu moćnog organizacijskog središta, kao provodnik službene ideologije, odgojila je većinu profesionalnih skladatelja.

No, unatoč tome, napredni svjetovni vokalni i vokalno-instrumentalni žanrovi sve su glasnije deklarirali svoje pravo na više značajno mjesto u glazbenoj kulturi nastojali su istisnuti mise, motete i njima bliske žanrove crkvene glazbe. To je bilo zbog činjenice da su ti žanrovi, namijenjeni ili crkvi (u majstorskoj izvedbi dobro organizirane zborne kapele), ili (motet) dvoru određenog kralja, princa, vojvode (u umjetničkom prijenosu sredstvima dvorske kapele) nisu bili baš pogodni za izražavanje vlastite osobnosti. Tek s vremenom, kad se u humanističkim krugovima razvilo drukčije estetsko ozračje, lirika i drama dobivaju šire i slobodnije utjelovljenje, najprije u talijanskom madrigalu, a potom i u prvim primjerima novoga žanra – “drame na glazbu”, tj. , talijanska opera.

Talijanski, njemački i engleski žanrovi madrigala i pjesama jasno su odražavali pozornost prema unutarnjem svijetu pojedinca, karakterističnu za humanističku umjetnost renesanse. Značajna manifestacija naprednih realističkih strujanja u glazbi nije samo stvaranje novih sižea, novih glazbeno-poetskih slika, nego i dalekosežne promjene u glazbenim izražajnim sredstvima. Narodni melos pojavljuje se u mnogim žanrovima skladateljske glazbe. Narodne pjesme koriste se kao cantus firmus (osnova opetovano ponavljane melodije koja je išla u drugom glasu iz dna višeglasnih djela) iu polifonoj glazbi. Daljnji razvoj polifonija u zapadnoj Europi dovela je do razvoja i učvršćivanja obrazaca takozvanog "strogog stila" - jednog od vrhunaca tadašnje višeglasne glazbe. Strogi stil do danas je bitna faza u povijesti polifonije.

Glavna, glavna tekovina napredne glazbe bio je novi karakter cjelokupnog intonacijsko-melodijskog razvoja, glatkoća, gipkost, melodičnost; značajniji stupanj generalizacije melodije »velikog daha« u odnosu na prošlost – najživlji izraz ljudskih doživljaja.

Veliko postignuće glazbene kulture renesanse bio je razvoj instrumentalne glazbe temeljene na novim varijantama melodijskih žičanih instrumenata koji su omogućavali "pjevanje" na instrumentima (viola, gudala lira, gamba, violina), a s druge strane, značajno proširenje izražajnih mogućnosti instrumenata s tipkama (orgulje, klavikord, čembalo) u odnosu na akordsko-harmonijske progresije. Brzo se usavršava i lutnja - jedan od najčešćih instrumenata za svakodnevno i koncertno muziciranje.

Osim toga, tijekom renesanse dolazi do razvoja profesionalnih vještina povezanih s pojavom metrisa – pjevačkih internata – svojevrsnih zborskih kapela, u kojima se uči pjevati, svirati orgulje, glazbena teorija a općeobrazovni predmeti proizvodili su se od ranog djetinjstva i osiguravali sustavno usavršavanje glazbena sposobnost učenicima.

Tako se formira novi tip glazbenika - ne amater od aristokrata, ne žongler i pastir, već profesionalac koji je stekao posebno glazbeno obrazovanje.

Konsolidacija glazbenog profesionalizma dovela je do stvaranja nacionalnih glazbenih škola izvrsnosti, koje su se oblikovale u najvećim središtima urbane glazbene kulture, koja su imala velike obrazovne mogućnosti. Jedan od najranijih oblika u zapadnoj Europi bila je engleska polifonija, koja se brzo razvila i procvjetala u djelima Dönstepla u prvoj polovici 15. stoljeća. Najutjecajnija je bila nizozemska ili francusko-flamanska škola, u kojoj je takav poznatih skladatelja G. Dufay, J. Okegema, J. Obrecht, O. Lasso. Djelujući u raznim zemljama, spojili su značajke niza nacionalnih glazbenih kultura: nizozemske, njemačke, francuske, talijanske, engleske, stvorili visoko razvijen polifoni stil, uglavnom zborski, u kojem su jasno izražene renesansne značajke.

Do sredine 16. st. izravni nasljednici nizozemskih polifoničara i vodećih europskih skladateljske škole postaje rimska škola, na čelu s Palestrinom, u čijem se djelu spajaju renesansna obilježja sa obilježjima koja odražavaju utjecaj protureformacije, te venecijanska škola vodio D. Gabrieli, koji već ima barokna obilježja. Nacionalne škole karakterizirala je uporaba novih glazbenih sredstava, koja su u skladbu unijela koherentnost i jedinstvo. Glavno glazbeno sredstvo koje je u skladbe unosilo koherentnost i jedinstvo bila je imitacija, odnosno ponavljanje melodije nadolazećim glasom, neposredno prije izvođenja drugog glasa. U školama su postojale osebujne vrste imitacija: kanonska, imitacija u optjecaju, povećanje, smanjenje, što je kasnije dovelo do najvišeg kontrapunktskog oblika - fuge.

Stil predstavljenih nacionalnih škola ogledao se u djelima izvrsnih polifonista iz drugih zemalja - K. Morales i T. Victoria (Španjolska), W. Byrd i T. Tallis (Engleska), M. Zalensky iz Poljske i mnogi drugi .

Stoga je glazba među renesansnim umjetnostima zauzimala donekle posebno mjesto, kako zbog svoje specifičnosti, tako i ovisno o uvjetima postojanja u društvu. Ipak, ona je bila umjetnost svoga vremena, izražavala ju je, iskusila za nju karakteristične poteškoće i proturječnosti, u skladu s njom razvijala vlastiti stil, nizala do tada nezamislive pobjede i nizala nove stvaralačke uspjehe.

Drugo poglavlje Plesna kultura u renesansi

2.1 Glazba i ples: aspekti interakcije

Dakle, glazbena kultura zauzima posebno mjesto u umjetnosti i kulturi renesanse. Kada je u pitanju glazba, nemoguće je ne osvrnuti se na njezine različite sfere. Jedno od tih područja je plesna umjetnost.

Ples - vrsta umjetnosti u kojoj umjetničke slike nastaju plastičnim pokretima te ritmički jasnom i kontinuiranom izmjenom izražajnih položaja ljudskog tijela. Treba napomenuti da su glazba i ples bili u aktivnoj interakciji već stoljećima. Ples je neraskidivo povezan s glazbom, emocionalnim i figurativnim sadržajem, koji je utjelovljen u njegovoj koreografskoj kompoziciji, pokretima , figure.

Još od antike nalazimo svojevrsnu sintezu glazbe, poezije, plesa, za Grke to nisu bile različite umjetnosti, već jedna, jedinstvena cjelina. Za označavanje ove jedinstvene umjetnosti korištena je riječ "chorea", koja je nastala od riječi "hor" koja je ušla u ruski jezik, što je samo značilo ne toliko kolektivno pjevanje koliko kolektivni ples. U budućnosti se riječ "chorea" transformira u koreografiju, koja je počela označavati samu umjetnost plesa, točnije, umjetnost skladanja plesa.

U doba srednjeg vijeka otkrivaju se i značajke odnosa glazbe i plesa, koji zahvaća složenije tehnike i oblike, plesna glazba postaje pretežno instrumentalna. Glavni utjecaj na njegovu strukturu i druga obilježja počinje vršiti koreografija koju karakterizira sve veća ujednačenost i periodičnost pokreta plesača. Plesni ritmovi spremno prodiru u žanrove instrumentalne glazbe namijenjene isključivo slušanju. Za takve plesove karakteristična je značajna komplikacija glazbenog jezika: povećava se uloga kroz razvoj, dolazi do kršenja plesnih periodičnih struktura sekvencama, polifonim tehnikama. Time daljnja povezanost glazbene kulture i plesa postaje složenija i specifičnija.

Velika transformacija glazbe i plesa dogodila se tijekom renesanse. Ples, plesna glazba najvažniji su slojevi renesansne kulture. Razvoj glazbene umjetnosti tijekom renesanse bio je usko povezan s razvojem plesa, budući da su se gotovo svi veći skladatelji u svojim skladbama fokusirali na ples. Plesni ritmovi prodiru u žanrove instrumentalne glazbe namijenjene isključivo slušanju. Pavane, galliard, gigue, chimes, volta i druge vrste narodnih plesova postale su materijalom za virtuozne skladbe: razvila se gipkost melodija, jasnoća točaka, kontinuirana povezanost motiva. Glazbenici posuđuju melodije i ritmove iz narodnih pjesama i plesova za žanrove instrumentalne glazbe, što se posebno jasno vidi u takvom djelu glazbene kulture kao što je suita.

Na početno stanje svoga razvoja glazba suite imala je primijenjeni karakter – uz nju se plesalo. Bila je to svojevrsna kombinacija lutnje, a kasnije klavirskih i orkestralnih plesnih djela. U 15.-16. stoljeću prototip suite bio je niz od tri ili više plesova (za različite instrumente) koji su pratili dvorske procesije i ceremonije, kao i uparene kombinacije kontrastnih plesova (pavane - galliard, passamezzo - saltarello itd.). .). Najtipičnija osnova za plesnu suitu bio je skup plesova koji se razvio u suitama I. Ya. Frobergera: allemande - courant - sarabande - gigue. No za razvoj dramaturgije ciklusa suita bilo je potrebno stanovito udaljavanje od svakodnevnih plesova. Ta se prekretnica događa u renesansi i tek tada se najjasnije odražava u glazba XVII stoljeća. Od sredine 17. stoljeća plesna suita, izgubivši svoju primijenjenu svrhu, postoji uglavnom pod nazivima partita (njem.), lekcije(Engleski), balet, sonata za kameru, ordre(francuski), a ponekad i kao "zbirka klavirskih djela". Tako transformacijom i interakcijom s glazbom ona postaje dijelom glazbene umjetnosti, utječe na oblikovanje sonatnog oblika. Umjetničke vrhunce u tom žanru dosegnuli su J. S. Bach (francuske i engleske suite, partite za klavir, za violinu i violončelo solo) i G. F. Handel (17 klavirskih suita).

Što se tiče ostalih aspekata, prije svega valja istaknuti utjecaj plesne glazbe na formiranje homofono-harmonijskog sklada. S njom stručna umjetnost, usred polifonog crkvenog višeglasja, dolazi homofono-harmonijska misao, jasno razuđena, tematski jarka melodija, periodični ritam; dolazi do formiranja tonske organizacije (npr. u plesovima renesanse prvi se ustalio za to doba novi durski način).

U plesnoj glazbi su izvori mnogih glavnih instrumentalnih oblika na kojima se temelji sva klasična umjetnost (razdoblje, jednostavni trodijelni oblik, varijacijski, ciklički). Emancipacija instrumentalne glazbe uvelike je povezana s plesnom književnošću (pojavljuju se novi žanrovi), formiranjem samostalnih klavirskih (kasnije - glasovirskih), lutnje i orkestralnih stilova. Bogatstvo plesnih slika snimljeno u klasična glazba, ogroman. I to ne čudi: uostalom, figurativna implementacija plesnih ritmova i intonacija, uz folklor pjesme, igra važnu ulogu u jačanju realističkih temelja glazbene umjetnosti. Skladatelji u svojim djelima uvijek utjelovljuju izraze lica, gestu, plastičnost u pokretu plesa ili marša, okrećući se plesnoj glazbi pri stvaranju instrumentalnih (komornih, simfonijskih) i vokalnih, uključujući operne skladbe.

Stoga treba istaknuti važnu ulogu plesa u glazbenoj kulturi zapadne Europe, počevši od renesanse. Plesni ritmovi privlačili su velike skladatelje, a glazba temeljena na takvim ritmovima utjecala je na praksu i teoriju plesa. Glazba je zahtijevala od plesa da slijedi svoja otkrića, upija nešto novo i komunicira s drugim oblicima umjetnosti. Dokaz takvog pomaka daju nam plesovi renesanse, kao simbol formiranja plesne umjetnosti na novom putu razvoja.

2.2 Koreografija na rubu samoodređenja

Među ostalim vrstama umjetnosti u renesansi se počinje isticati ples. Ples postaje posebno popularan i postiže neviđen uspjeh u svom razvoju. Ako je u prethodnim razdobljima ples bio samo dio kulta ili opće zabave, onda u renesansi koreografska umjetnost ima nove funkcije, novi odnos prema plesu. Grešnost, nedostojnost ovog zanimanja, karakterističnog za srednji vijek, u renesansi se pretvara u obveznu potrepštinu svjetovnog života i postaje jedna od najpotrebnijih vještina dobro odgojene i obrazovane osobe (uz vještine kao što su vješto posjedovanje mača, sposobnost jahanja konja, ugodan i uljudan govor, suptilno govorništvo). Ples se ulijeva u opći tok transformacija: pod utjecajem glazbe pretvara se u profesionalnu umjetnost.

Koreografija kreće putem samoodređenja: umjetnost se usmjerava, uspostavlja određena pravila i norme, brusi tehnike i strukturne forme, dolazi do razdvajanja vrsta plesova: nastavlja se narodni (seljački) i dvorski (plemićko-feudalni) ples, započet u srednjem vijeku. Taj se proces odvijao postupno i bio je povezan sa sve većim raslojavanjem društva i iz toga proizašlim razlikama između načina života običnih ljudi i plemstva. “Spontanost je prošla”, piše Kurt Sachs. – Dvorski i narodni plesovi razdvojeni su jednom zauvijek. Oni će stalno utjecati jedni na druge, ali njihovi ciljevi postali su bitno drugačiji.

Ako narodni plesovi zadržavaju svoj opušteni, grubi karakter, onda stil dvorskih plesova postaje sve svečaniji, odmjereniji i pomalo primarni. To je bilo zbog nekoliko čimbenika. Prvo, bujni i teški stil odijevanja feudalnih gospodara isključivao je energične, naporne pokrete i nagle skokove. Drugo, stroga regulacija manira, pravila ponašanja i cjelokupnog plesnog bontona dovodi do isključenja pantomime i improvizacijskih elemenata iz plesa.

Dolazi do značajne promjene u tehnici plesa: nalaže se ravnoteža između pokreta i ritmova plesa, periodi oscilacija od mirovanja do pokreta i od mirovanja do napetosti, izmjena ritmova u jednom plesu. Osim toga, tehnika izvedbe se mijenja: Plesovi s kružnim plesom i linearnom kompozicijom zamjenjuju se parnim (duetnim) plesovima, koji se grade na složenim pokretima i figurama koje imaju karakter manje ili više iskrene ljubavne igre. Osnova koreografskog obrasca je brza izmjena epizoda, različitih po prirodi pokreta i broju sudionika.

Potreba za reguliranjem plesnog bontona doprinosi formiranju kadra profesionalnih plesnih majstora. Plesni majstori stvaraju kanonske oblike plesa, koje privilegirano društvo marljivo i točno proučava. To je u velikoj mjeri olakšano udžbenicima, gdje su pokreti sistematizirani, pokušava se popraviti plesne kompozicije. Argumentirajući važnost ovog trenutka u povijesti plesa, Kurt Sachs posebno ističe sjevernu Italiju, u kojoj je, prije svega, nastao profesionalni plesni trening. I doista, u Italiji cvjeta najveličanstvenija plesna umjetnost. Lopte u Firenci 15.-16. stoljeća primjer su sjaja, sjaja, domišljatosti. Učitelji talijanskog plesa pozvani su u razne zemlje. “Profesionalni plesači nekada su bili lutajući mimičari i prezreni žongleri”, piše Sacks, učitelj plesa u sjevernoj Italiji koji je bio na časnom položaju. Bio je pratilac prinčeva, ponekad i pouzdanik; na venecijanskim vjenčanjima, gdje je bio običaj uvesti mladenku u tihi ples, on je mogao nastupiti umjesto oca. Učiteljice su bile posebno zainteresirane za stvaranje škola za podučavanje plesa. I već u 15. stoljeću u Italiji su se pojavile posebne škole, profesija učitelja plesa bila je čvrsto utemeljena. Stoga je vjerojatno da je Italija u 16. stoljeću bila kraljica plesa, baš kao što se čini da je bila iu 15. stoljeću.

Domenico iz Piacenze smatra se prvim talijanskim teoretičarem plesne umjetnosti. Domenico da Piacenza na prijelazu iz XIV u XV stoljeće sastavio je raspravu "O umjetnosti plesa i plesa". Knjiga se sastoji od dva dijela. Prvi dio posvećen je plesu u cjelini i definira njegovih pet elemenata: mjeru, ponašanje, podelu platforme, memoriju i visinu. Mjera je glavno načelo povezivanja brzih i sporih pokreta u glazbi; podjela mjesta bitna je za sastav grupnog plesa; pamćenje je potrebno za stvarno stvaranje plesa; način držanja oslobađa ples nepomičnih i zastarjelih formi; elevacija je namijenjena razvoju plesne tehnike. Drugi dio traktata utvrđuje kategorije osnovnih pokreta. Ovdje on dijeli pokrete u dvije vrste: umjetne i prirodne. Prirodni pokreti - prosti i dvokorak, plemeniti stav, okret i poluokret, naklon i skok. Umjetni pokreti uključuju udarce nogama, mljeveni korak i skok s promjenjivom nogom.

Osim toga, vrijedi istaknuti još jednog teoretičara i učitelja plesa - Guglielma Embrea, koji je sastavio Traktat o plesnoj umjetnosti. U svojoj raspravi također savjetuje usklađivanje pokreta s mjerom koju postavlja glazba. Uvodi pojam contro tempo – protiv tempa, koji se mora poštovati da bi se uspjelo u naučenom plesu. Osim toga, on iznosi koncept arije, koji podrazumijeva sposobnost kretanja između tempa i prijelaza iz jednog plesa u drugi. Nemoguće je precijeniti Guglielmovo djelo, izrazio je humanistički svjetonazor renesanse kada je ples proglasio "slobodoumnom znanošću" jednako uzvišenom i značajnom od drugih, a više od onih upućenih ljudskoj prirodi.

Među talijanskim djelima o koreografiji 16. stoljeća pozornost zaslužuje knjiga Fabrizia Carosa Plesačica, objavljena 1581. godine. Ova je knjiga svojevrstan priručnik namijenjen dvoranskom plesu, no može se reći da su se ova pravila koristila iu scenskom plesu, iako su u njima prevladavali reprezentativniji koraci. U knjizi nastoji sistematizirati ne samo plesove, već i pokrete koji ih čine. Na primjer, on dijeli naklone na "važne" ("grobne"), "male" ("minima"), "srednje" ("semiminima"). "Srednji" naklon uključivao je skok. U skladu s varijantnošću plesa s raznolikošću glazbenih ritmova, Coroso je već koristio položaje bliske prvom, trećem i četvrtom položaju klasičnog plesa, te piruete i razne vrste skokova, uključujući i zaklizavanja (entrecha). Plesna tehnika uključivala je akrobatske pokrete, kao što je saut de noeud (skok na čvor), ali ta je tehnika kasnije nestala. Nova tehnika omogućila je Corosu da sklada balete od pet, šest pa čak i deset dijelova, u skladu s glazbom. Caroso je zahtijevao da evolucija plesača odgovara veličini antičke versifikacije, a spominjao je daktil, safičku strofu, spodeje. Pisao je o plesu - slobodnom ansamblu, "izvedenom matematičkom preciznošću, u skladu s Ovidijevim stihovima".

Caroso je nedvojbeno postavio temelje razvoju baleta, njegove tehnike i izvedbe. Naravno, prve baletne predstave pojavile su se u Italiji. Tako je, primjerice, 1489. godine Langobardac Bergonzo di Bota u čast vjenčanja milanskog vojvode Galaza Viscontija osmislio veličanstvenu kazališnu proslavu u kojoj su se ples izmjenjivali s pjevanjem, glazbom i recitiranjem. Talijanska koreografija imala je velik utjecaj na prve francuske balete. Do kraja 16. stoljeća pojavile su se baletne predstave sa zaokruženom radnjom koja se otkriva kroz ples, pjevanje, poetski recitativ, složenu i veličanstvenu dekoraciju. Iskustvo mladog talijanskog baleta, njegove pedagoške metode i radove na koreografiji prihvatile su mnoge europske zemlje. Tako se već u renesansi može govoriti o počecima baleta.

Još poznati autor o "umijeću plesa" - Tuano Arbo - francuski književnik, svećenik. Njegov doprinos razvoju plesa nije ništa manje značajan od doprinosa talijanskih plesnih majstora. "Orkezografija" Tuana Arbauda najpopularnija je rasprava koja sadrži podatke o francuskim bas plesovima 16. stoljeća. Arbo nastoji obnoviti srednjovjekovni ples, redizajnirati ga na novi način, odakle se rađa njegova slava kao prvog specijalista za rekonstrukciju plesa.

Ukratko, možemo reći da je plesna umjetnost u rangu s drugim vrstama umjetnosti i ni u čemu im ne zaostaje. Ples je stiliziran, doveden u sustav. Otvaraju se goleme mogućnosti ljudskog tijela. Ples se kreće od pričanja stvarnosti do izražavanja apstraktne misli. Dalje - od dvorske predstave do kazališnog plesa.

Tijekom renesanse ples postaje način društvene zabave i komunikacije. Krajem 16. stoljeća svi su vjerovali da je ples neophodan društvu kao sredstvo razigranog koketiranja kojim se demonstrira gracioznost i šarm dama te snaga i junaštvo gospode. Balovi su priređivani u povodu svih značajnih događaja, općih i privatnih. Ljepota i profinjenost svake sudionice bila je važna za stvaranje svečane plesne atmosfere, potvrđivanje visokog društveno-političkog statusa vlasnika i omogućavanje sklapanja brakova, što je u to vrijeme bilo iznimno važno za održavanje strukture društva. Sposobnost plesa izbrusili su plemići i srednja klasa koji su ih oponašali svakodnevnim vježbanjem pod vodstvom mnogih učitelja. Na kraljevskim dvorovima postojali su koreografi – učitelji plesa, čije su dužnosti uključivale podučavanje plesovima osoba oba spola, kao i priređivanje spektakla općenito.

Tako profesionalni ples počeo ulaziti u kojekakve spektakle. Ples koji je u srednjem vijeku bio namijenjen "svetom činu", u 15. stoljeću povukao se pred svečanostima svjetovnog karaktera. Najviše su u to vrijeme voljeli maškare - maske su u to doba bile od posebne važnosti. Ples je bio uključen iu ulične procesije, u kojima su se izvodile cijele predstave plesnog karaktera. Češće su takve ulične povorke tumačile poganske priče, sadržaj mitova, što je tipično za renesansu, kao za doba okrenuto antici.

Veliki doprinos plesu kao javnoj zabavi dali su i karnevali. Najveličanstveniji među njima bili su trijumfi (trionfi), predstave na mitološke teme s vješto izvedenim scenografijama. Nešto su skromnije bile karije (carri, od tal. carro - “kola”) - maškare obrtnika i trgovaca u talijanski gradovi: ovdje su gomile maskiranih ljudi marširale iza ukrasnih simbola svojih profesija. Predstave, u kojima su se miješali glazba, pjevanje, recitacija, pantomima i ples, pratile su svečane večere, razne dvorske gozbe.

Ali ipak, renesansni ples mnogo je širi od jednostavne zabave. U ovo doba oživljavaju drevne ideje o najdubljem utjecaju plesa na duhovno i tjelesno stanje čovjeka. Na stranicama brojnih plesnih traktata često se iznosi misao da ples nipošto nije čista plastika, već način odražavanja duhovnih pokreta. “Što se tiče najvišeg savršenstva plesova, ono se sastoji u usavršavanju duha i tijela i njihovom dovođenju na najbolje moguće mjesto”, napisao je u jednom od svojih djela francuski glazbeni teoretičar, filozof, fizičar i matematičar M. Mersenne. Često se plesu, kao u davna vremena, daje kozmološki

značenje. Nije slučajno da interes i svijest o pitanjima plesne umjetnosti otkrivaju osobe klera – opat de Pure, kanonik Arbaud, svećenik Menetrier.

2.3 Žanrovska paleta plesne umjetnosti

Novi odnos prema plesu tijekom renesanse iznjedrio je brojne plesne žanrove. Sudeći prema naslovima skladbi smještenih u razne glazbene zbirke, praktične vodiče i rasprave, slika je neobično šarolika: neki plesovi brzo izlaze iz mode; drugi, koji su se pojavili u jednom stoljeću, zadržavaju svoje značenje u drugom (na primjer, saltarello, bas dance, branle), neki od njih mijenjaju prirodu i stil koreografije tijekom vremena.

Svaka pokrajina ima svoje plesove i svoj stil izvedbe. Noverre je napisao da nam je menuet došao iz Angoulemea, da je rodno mjesto plesa burre Auvergne. U Lyonu će pronaći prve rudimente gavote, u Provansi tamburu.

Dakle, svi svakodnevni plesovi ovog vremena podijeljeni su u dvije glavne skupine: Bassa danza (francuski bass danses) - to jest, "niski" plesovi u kojima nije bilo skokova, a noge se gotovo nisu dizale iznad poda (pavane, alemande, zvona, sarabande itd.); Alta danza (francuski haute danses) - to jest "visoki" plesovi kola, u kojima su se plesači vrtjeli i poskakivali (moreška, galiard, volta, saltarello, razne vrste branlesa itd.)

U doba rane renesanse karakteristično je suprotstavljanje plesova sporijeg i življeg pokreta (bassa danza i alta danza). Susreće se kako na balovima, tako iu profesionalnoj glazbi u nastajanju već u kasnom srednjem vijeku. U glazbenim izvorima 14. – ranog 15. stoljeća uobičajeno je grupiranje plesova u 2: 1. ples svakog para održava se u jednakom taktu i sporom tempu, 2. – u trotaktnom taktu i brz tempo. Više od ostalih, česti su bili parovi pavan - galijard passamezzo - saltarello. Međusobno su komunicirali, ali su ipak zadržali svoje individualne osobine.

Što se tiče žanrova plesne umjetnosti tog doba, bilo ih je prilično mnogo, ali najpopularniji su bili: bas ples, pavane, zvona, branle, moresca, galliard, saltarello i volta. Da bismo razumjeli u čemu je specifičnost svakog od plesova, potrebno je obratiti se na njihov opis i interpretaciju.

bas ples(franc. basse danse - "niski ples") - skupni naziv dvorskih plesova umjerenog ili umjereno sporog tempa i, u pravilu, u veličini od 4 takta, uobičajenih u Francuskoj, Italiji, Nizozemskoj između 2. pol. XIV i sredinom XVI stoljeća. Podrijetlo imena nije sasvim jasno. Možda je to povezano s praksom izvođenja glazbe ovih plesova na instrumentima niskog registra, a možda i s izostankom visokih skokova plesača u bas plesovima. Zbog nedostatka brzih pasova i skokovitih pokreta karakterističnih za "visoke plesove" (francuski - haute danse, talijanski - alta danza), bas plesovi su često nazivani "promenada". Kompozicijski crtež mogao bi se graditi u obliku okruglog plesa, procesije. Bas plesovi bili su, takoreći, mala koreografska kompozicija u kojoj su se plesači pokazali okupljenom društvu i demonstrirali svoje bogatstvo, raskoš odjeće i plemenitost ponašanja. U 15. stoljeću, prema K. Sachsu, bass ples “… nije slijedio nikakav utvrđeni red koraka. Šareno, poput boja u kaleidoskopu, svaki je put spajao nove pokrete. Bas plesna glazba, često koralne prirode, obično je bila improvizirana na temelju cantus firmusa. Slobodnoj koreografiji odgovarala je i otvorena (otvorena) glazbena struktura s proizvoljnim brojem dionica. Za izvođenje bas plesa korišteni su različiti instrumentalni sastavi: lutnja, harfa i bubanj; trombon, flauta s malim bubnjem i dr. Kao jedan od dijelova, bas ples uvršten je u rane instrumentalne suite. Varijante bas plesa: Bassadani- profinjenija talijanska verzija bas plesa, popularna u 15. stoljeću. Razlikuje se u pokretljivijem tempu; pivo - Talijanski ples iz 15. stoljeća, tempo je čak brži od Bassadana, do 16. stoljeća naziv "pivo" bio je zaštićen brzim plesom u 3 takta, prije kojeg su se često izvodili pavane i saltarello.

pavana- svečani spori ples. Podrijetlo ovog plesa prilično je dvosmisleno: prema jednoj verziji, pavane je domaći talijanski ples, njegovo ime je povezano s mjestom podrijetla, gradom Padovom, prema drugoj verziji, pavane je ples španjolskog podrijetla . Ima razloga vjerovati da se pojam "padovana" koristio i kao riječ koja označava generički pojam - određenu vrstu plesa koji spaja pavanu i njezinu varijantu - passamezzo.

Već početkom 16. stoljeća pavana je postala jedan od najpopularnijih dvorskih plesova: plesala se u ogrtaču i s mačem za vrijeme svečanih obreda: kad je mladenka odlazila u crkvu, kad je svećenstvo izvodilo vjerske procesije, kad knezovi, članovi gradskog poglavarstva otis. Pavansku glazbu karakteriziraju: jasnoća strukture, često kvadratura metroritmičke strukture, pretežno akordska prezentacija, ponekad obojena pasažima.

Postoje dokazi da je izvedba pavane bila praćena tamburom, flautom, oboom i trombonom, uz podršku bubnja koji je naglašavao ritam plesa. U svakoj zemlji, priroda pokreta i način izvođenja pavana imali su svoje karakteristike: u Francuskoj su koraci bili glatki, spori, graciozni, klizni; u Italiji su bili živahniji, nemirniji, izmjenjivali su se s malim skokovima. U 2. polovici 16. stoljeća pavana se u Europi praktički više ne upotrebljava, ali ostaje sve do sredine 1620-ih. jedan od najpopularnijih plesova u Engleskoj. Instrumentalna pavana dosegla je svoj osvit u djelu engleskih virginalista. Srodne pavane bile su: pavanila- instrumentalni ples, popularan u Italiji u 1. polovici 17. stoljeća, bio je življi po karakteru i tempu; padova - raširen je krajem renesanse, a karakterističan je za 17. stoljeće - tako su se nazivala najmanje dva različita plesa: dvodijelni pavane i trodijelni ples koji se izvodi nakon passamezza; pasameco- Talijanski ples, razlikuje se od pavana pokretljivijim tempom. Doslovno prevedeno kao "ples u 1,5 koraka", što ukazuje na bržu prirodu njegovog kretanja nego u pavani. Postojale su dvije najčešće varijante "stara" (antico) i "moderna" (moderno), proizašle iz karakteristika plana harmonijske pratnje.

Courant- dvorski ples, talijanskog porijekla, od talijanske riječi corrente, što znači tok vode, glatko, jednolično. Kompozicijski model plesa obično je išao duž ovala, ali je mogao biti i izduženi kvadrat ili osmerokut, što je omogućavalo izvođenje cik-cak pokreta karakterističnih za talijanski ples piva koji je postojao u 15. stoljeću. Zvono je bilo jednostavno i složeno. Prvi se sastojao od jednostavnih, klizećih koraka, izvedenih pretežno naprijed. Složena zvonjava imala je pantomimski karakter: tri gospodina pozvala su tri dame na ples, odveli su dame u suprotni kut dvorane i pozvali ih na ples, dame su odbile, gospoda su nakon odbijanja otišli, ali zatim se opet vratio i kleknuo pred dame. Tek nakon scene pantomime započeo je ples. U složenom zvonu izvodili su se pokreti naprijed, natrag i u stranu. Sredinom 16. stoljeća nestaje pantomimski dio plesa. Courante je mnogo puta promijenio takt. Prvo je bilo 2/4, kasnije trostruko.

branle- izvorno narodno kolo, kasnije i plesni, dvorski ples 15.-17.st. Sama riječ branle, što na francuskom znači - ljuljanje, kružni ples, također karakterizira jedan od glavnih pokreta - ljuljanje tijela. Poznate su njegove brojne varijante, koje se međusobno razlikuju po veličini tempa, koreografiji (jednostavni balet, dvostruki bal, baletna plesačica, balet s cipelama, balet s bakljom, balet s poljupcima itd.) i lokalnim varijantama (B. iz Poitou, B. iz Champagne). Tempo plesa je umjereno brz, živahan. Veličina je obično 2-taktna, ponekad 3-taktna (u "jolly branle", koja uključuje skokove i zamahe) i 4-taktna (u Champagneu). Folk branle - energičan, nagao, brkan, plesni - više uglađen i smiren, s puno naklona. Ponekad uz pjevanje (stihovi s pripjevom) i sviranje narodni instrumenti(svirala, frula, tambura, gajde). U 15. stoljeću izvodio se kao završetak bas plesa, odakle, možda, i potječe. U koreografskom smislu još uvijek je bila dosta primitivna, tim više što se njezina glazbena pratnja sastojala od prilično jednoličnih taktova tamburice, zvukova frule i monotonog pjevanja plesača. No, istodobno treba napomenuti da je branle bio primarni izvor svih kasnije nastalih salonskih plesova, odigravši veliku ulogu u razvoju plesne koreografije.

Moreška -(moresca(tal.) - doslovno "maurski", morisdance - od engleskog morris dance) - glazbeno - plesna scena. Scena je simbolično reproducirala borbu između kršćana i Maura. U Italiji se ples zvao "Morisca", isti naziv nosili su i Mauri koji su se pokrstili i prešli na kršćanstvo. Podrijetlom iz Španjolske, moresca je izvorno bila narodni ples i plesale su je dvije skupine. Tijekom renesanse moreška je bila jedan od najpopularnijih plesova, postavši dijelom raznih gradskih kazališnih spektakala i predstava novonastalih glazbeno kazalište. Tu ona gubi svoje izvorne značajke pučke igre (zadržavši, doduše, masku Maura), te postupno prelazi u figuralni ples svečanog, često ratničkog karaktera. Kasnije, u 17. stoljeću, pojam moreska označava balet ili pantomimski ples u operi: npr. Monteverdi uvodi moresku u finale opere "Orfej" -1607.

galijard(gagliarda, tal. veseo, odvažan, veseo) - stari ples romanskog podrijetla s kraja XV - XVII stoljeća. Navodno dolazi iz sjeverne Italije, u raznim krajevima i gradovima nosio je pečat lokalnih običaja i običaja. Ovo je veseo i živahan ples, potječe iz narodne koreografije, iako je bio najrašireniji među povlaštenim staležima, zadržavši značajke seljačkih plesova - skokove i nagle pokrete, često šaljivih naziva (“korak ždrala”, “kravlji udarac”). . Kao i zvona, imala je karakter svojevrsnog dijaloga. Uz pratnju manjeg orkestralnog ansambla ili sviranje lutnje i gitare. Galijardi 16. stoljeća karakteriziraju 3 metra, umjereno brz tempo, skladište akorda, dijaton. Obično se izvodila nakon polagane pavane od 4 takta, mijenjajući njenu melodiju i

metrički uzorak. Sličan slijed spore pavane od 4 takta i brzog galijara od 3 takta bio je prototip barokne instrumentalne suite.

Saltarella- narodni talijanski ples. Ime mu dolazi od talijanske riječi saltare - skočiti, skočiti. Poznat je u Romagni, Lazu, San Marinu, In Abruzziu. Svaka regija to izvodi drugačije. Saltarella je vrlo jednostavan ples, nema fiksne figure. Glavni pokret je ravnoteža. Ali izvođači moraju imati spretnost i snagu, budući da se tempo u plesu stalno povećava, dostižući vrlo buran. Saltarella - ples u paru, broj parova koji sudjeluju u plesu može biti vrlo velik. Kao i mnogi drugi narodni plesovi, saltarella ponekad počinje razigranom scenom pantomime. U nekim područjima Italije, na primjer u Giogariju, saltarella postoji kao nisko skačući ples.

Postoje i njegove varijante okruglog plesa. U plesnom kolu saltarella plesači stoje čvrsto stisnuti jedni uz druge, tijela su im nagnuta prema naprijed, glave im se gotovo sudaraju u središtu kruga; ruke su položene jedna drugoj na ramena. Bose noge lagano klize po tlu. Izvođači se njišu u ritmu pokreta nogu. Izvedba saltarelle u Romagni je osebujna. Ovdje je to popraćeno pjesmom koju pjeva jedan od sudionika, a to je, takoreći, demonstracija spretnosti. Žene stavljaju na glavu čašu do vrha napunjenu vodom ili vinom. Tijekom složenih i brzih pokreta ne smije se proliti niti jedna kap.

Volta- ples u paru talijanskog porijekla. Ime mu dolazi od talijanske riječi voltare, što znači "okrenuti". Obično pleše jedan par (muškarac i žena), ali se broj parova može povećati. Kao i mnogi drugi narodni plesovi, volta se ubrzo nakon svoje pojave počela izvoditi na dvorskim svečanostima. U 16. stoljeću bila je poznata u svim europskim zemljama, ali je najveći uspjeh imala na francuskom dvoru. Međutim, već pod Lujem XIII., francuski dvor Volta ne pleše. Ovaj je ples najduže trajao u Italiji.

Livanova, T. "Povijest zapadnoeuropske glazbe do 1789. (renesansa). [Tekst] / T. Livanova. - M., 1983. 453 s.: C5.

Povijest estetike. [Tekst] / Spomenici svjetske estetske misli u 5 sv. T.1. - M., 1985. 876 str.: C 506-514.

Losev, V. Estetika renesanse. [Tekst] / A. Losev. – M., 1982. 415 str.: P 154.

"Povijest umjetnosti: renesansa" [Tekst] / - M., 1989. str. 356.: str. 205.

Šestakov, V. Glazbena estetika renesanse. [Elektronički izvor]/ V. Shestakov.// Način pristupa: #"#_ftnref6" name="_ftn6" title=""> Gruber, R. Povijest glazbene kulture. [Tekst] / R. Gruber. - M., 1975. 478 str.: P 123.

Zakharov, R. Kompozicija plesa. [Tekst] / R. Zakharov. - M., 1983. 250s.: S67.

Block, L.D. „Klasični ples. Povijest i suvremenost“. [Tekst] / L.D. Blok. - M., 1987. 556 str.: P 167.

Vasiljeva - Božić, M. Povijesno - kućni ples. [Tekst] / M. Vasiljeva - Božić. - M., 1987. 328 str.: S107.