rumah › Tubuh › Seni Jepang - Sejarah - Pengantar - Menghibur Jepang — LiveJournal. Rahasia kehebatan karya utama seni rupa Jepang Seni rupa Jepang

Seni Jepang - Sejarah - Pengantar - Menghibur Jepang — LiveJournal. Rahasia kehebatan karya utama seni rupa Jepang Seni rupa Jepang

Terbentuknya upacara minum teh (chanoyu) sebagai salah satu fenomena terbesar budaya Jepang terjadi di masa yang sangat sulit dan bermasalah bagi negara, ketika perang berdarah internal dan perseteruan antar klan feodal membuat kehidupan masyarakat tak tertahankan. Upacara minum teh muncul di bawah pengaruh estetika dan filosofi Buddhisme Zen dan berusaha melawan suasana keputusasaan dengan memuja Kecantikan.

Pada masa itu, para penguasa kelas militer dan pedagang kaya, berkumpul untuk diskusi politik dan komersial, sering mengambil kesempatan untuk menyajikan teh. Duduk santai di ruang teh yang tenang, terlepas dari kekhawatiran dan kekhawatiran hidup, dan mendengarkan suara air mendidih di anglo dianggap sebagai kesenangan yang halus. Guru hebat Sen-no-Rikyu menjadikan minum teh sebagai seni. Ia mampu mengembangkan seni upacara minum teh seperti yang dilakukannya, antara lain karena latar belakang sosial yang ada di atas.

Ruang teh yang dibangun oleh Sen no Rikyu sekilas tampak sangat sederhana bahkan terlalu kecil. Tapi itu direncanakan dengan sangat hati-hati, dengan keterbacaan yang bagus, hingga ke detail terkecil. Itu dihiasi dengan pintu geser yang dilapisi kertas putih Jepang tembus pandang. Langit-langitnya dilapisi dengan bambu atau jerami, dan tekstur dinding yang terbuka sangat dihargai. Penopangnya sebagian besar terbuat dari kayu, mempertahankan kulit alaminya. Untuk menciptakan efek pertapaan dalam desain ruang teh, semua dekorasi yang tidak berguna dan dekorasi yang berlebihan dibuang.

Hari ini, upacara minum teh adalah yang paling khas, seni yang unik. Itu telah memainkan peran penting dalam kehidupan spiritual dan sosial orang Jepang selama beberapa abad. Seiring waktu, ritual upacara minum teh dikanonisasi, urutan tindakan dan perilaku diberikan. Setelah memasuki gerbang kayu sederhana, para tamu terjun ke dunia khusus, meninggalkan segala sesuatu yang duniawi di belakang mereka dan dalam konsentrasi diam hanya mematuhi hukum tindakan.

Chanoyu klasik adalah ritual yang dijadwalkan secara ketat di mana master teh (orang yang menyeduh dan menuangkan teh) dan peserta upacara lainnya berpartisipasi. Pada dasarnya, master teh adalah pendeta yang melakukan aksi minum teh, selebihnya adalah mereka yang bergabung dengannya. Setiap orang memiliki gaya perilakunya masing-masing, termasuk postur saat duduk, dan setiap gerakan, hingga ekspresi wajah dan cara berbicara.

Selama minum teh, pidato bijak dibuat, puisi dibacakan, karya seni dipertimbangkan. Karangan bunga dan peralatan khusus untuk menyeduh minuman dipilih dengan perhatian khusus untuk setiap kesempatan.

Suasananya sendiri menciptakan suasana yang sesuai, yang ternyata sederhana dan bersahaja: teko tembaga, cangkir, pengaduk bambu, kotak penyimpanan teh, dll. Orang Jepang tidak menyukai benda berkilau cerah, mereka terkesan kusam. D. Tanizaki menulis tentang ini: “Orang Eropa menggunakan peralatan makan yang terbuat dari perak, baja atau nikel, memolesnya hingga berkilau mempesona, tetapi kami tidak tahan dengan kilau seperti itu. Kami juga menggunakan benda-benda dari perak... tapi kami tidak pernah memolesnya hingga berkilau. Sebaliknya, kami bersukacita ketika kilau ini keluar dari permukaan benda, ketika mereka memperoleh sentuhan resep, ketika menjadi gelap seiring waktu ... Kami menyukai benda-benda yang mengandung jejak daging manusia, jelaga minyak, pelapukan dan pembengkakan hujan. Semua barang untuk upacara minum teh memiliki jejak waktu, tetapi semuanya bersih rapi. Senja, keheningan, teko paling sederhana, sendok kayu untuk menuangkan teh, cangkir keramik kasar - semua ini memesona mereka yang hadir.

Elemen terpenting dalam interior rumah teh adalah ceruk - tokonoma. Biasanya berisi gulungan dengan lukisan atau tulisan kaligrafi dan karangan bunga, pedupaan dengan dupa. Tokonoma terletak di seberang pintu masuk dan langsung menarik perhatian para tamu. Gulungan tokonama dipilih dengan sangat hati-hati dan merupakan topik diskusi yang sangat diperlukan selama upacara. Itu ditulis dalam gaya Buddha Zen dan dengan kaligrafi kuno yang hanya sedikit yang bisa melihat dan memahami arti dari apa yang tertulis, misalnya: "Bambu berwarna hijau, dan bunga berwarna merah", "Benda adalah benda, dan ini indah. !" atau "Air adalah air." Mereka yang hadir dijelaskan arti dari perkataan ini, secara lahiriah sederhana, tetapi pada saat yang sama secara filosofis sangat dalam. Terkadang pemikiran tersebut diungkapkan dalam bentuk puitis haiku, terkadang tercermin dalam lukisan empu tua, biasanya sesuai dengan prinsip "wabi".

Di Jepang, ada banyak bentuk upacara minum teh, tetapi hanya sedikit yang ditetapkan secara ketat: teh malam, teh matahari terbit, teh pagi, teh sore, teh sore, teh spesial.

Teh malam dimulai dengan bulan. Para tamu tiba sekitar pukul setengah sebelas dan berangkat sekitar pukul empat pagi. Biasanya teh bubuk diseduh, yang disiapkan di depan para tamu: daunnya dibebaskan dari uratnya dan digiling menjadi bubuk dalam lesung. Teh ini sangat kuat, tidak disajikan dengan perut kosong. Oleh karena itu, pada awalnya para tamu disuguhi makanan yang sedikit berbeda. Teh diminum saat matahari terbit sekitar pukul tiga atau empat pagi. Para tamu menginap pada waktu yang sama hingga pukul enam. Teh pagi dilakukan dalam cuaca panas, para tamu berkumpul pada pukul enam pagi. Teh sore biasanya hanya disajikan dengan kue sekitar jam 1 siang. Teh sore dimulai sekitar jam 6 sore. Pesta teh khusus (rinjitya-noyu) diatur pada setiap acara khusus: pertemuan dengan teman, liburan, pergantian musim, dll.

Menurut orang Jepang, upacara minum teh mengedepankan kesederhanaan, kealamian, kerapian. Ini benar, tentu saja, tetapi upacara minum teh lebih dari itu. Memperkenalkan orang pada ritual yang mapan, itu membiasakan mereka pada tatanan yang ketat dan pemenuhan aturan sosial tanpa syarat. Upacara minum teh adalah salah satu fondasi terpenting untuk penanaman perasaan kebangsaan.

Jepang adalah negara timur yang menakjubkan yang terletak di pulau-pulau. Nama lain Jepang adalah Negeri Matahari Terbit. Iklim lembab yang hangat dan hangat, pegunungan gunung berapi dan perairan laut menciptakan pemandangan yang luar biasa di mana anak muda Jepang tumbuh, yang tidak diragukan lagi meninggalkan jejak pada seni negara bagian kecil ini. Di sini, orang sejak usia dini terbiasa dengan keindahan, dan bunga segar, tanaman hias, dan taman kecil dengan danau adalah atribut rumah mereka. Setiap orang mencoba mengatur sendiri sepotong satwa liar. Seperti semua bangsa timur, orang Jepang telah mempertahankan hubungan dengan alam, yang dihormati dan dihormati selama berabad-abad keberadaan peradaban mereka.

Pelembab udara: mesin cuci udara WINIX WSC-500 menghasilkan partikel air yang halus.. Mode pengoperasian sink Winix WSC-500: Sink udara "WINIX WSC-500" memiliki mode pengoperasian otomatis yang nyaman. Pada saat yang sama, kelembapan yang paling optimal dan nyaman di dalam ruangan dipertahankan - 50-60%, dan mode pemurnian udara dan ionisasi plasma ("Plasma Wave™") diaktifkan secara default.

arsitektur Jepang

Untuk waktu yang lama Jepang dianggap sebagai negara tertutup, kontak hanya dengan China dan Korea. Oleh karena itu, perkembangan mereka terjadi di sepanjang jalur khususnya. Belakangan, ketika berbagai inovasi mulai merambah wilayah kepulauan, Jepang dengan cepat menyesuaikannya untuk diri mereka sendiri dan membuatnya kembali dengan caranya sendiri. Gaya arsitektur Jepang adalah rumah dengan atap melengkung besar yang memungkinkan Anda melindungi diri dari hujan lebat yang terus-menerus. Karya seni yang sebenarnya adalah istana kekaisaran dengan taman dan paviliun.

Dari tempat ibadah yang ditemukan di Jepang, orang dapat membedakan kuil kayu Shinto, pagoda Buddha, dan kompleks kuil Buddha yang bertahan hingga hari ini, yang muncul di periode sejarah selanjutnya, ketika agama Buddha memasuki negara itu dari daratan dan dinyatakan sebagai agama negara. Bangunan kayu, seperti yang Anda ketahui, tidak tahan lama dan rentan, tetapi di Jepang merupakan kebiasaan untuk membuat ulang bangunan dalam bentuk aslinya, sehingga bahkan setelah kebakaran bangunan tersebut dibangun kembali dalam bentuk yang pernah dibangun pada satu waktu.

Patung Jepang

Buddhisme memiliki pengaruh yang kuat pada perkembangan seni Jepang. Banyak karya yang mewakili citra Buddha, sehingga banyak patung dan pahatan Buddha dibuat di kuil-kuil. Mereka terbuat dari logam, kayu dan batu. Hanya beberapa waktu kemudian, muncul pengrajin yang mulai membuat patung potret sekuler, namun seiring waktu, kebutuhan akan mereka menghilang, sehingga semakin sering, relief pahatan dengan ukiran yang dalam mulai digunakan untuk menghiasi bangunan.

Patung miniatur netsuke dianggap sebagai bentuk seni nasional di Jepang. Awalnya, figur seperti itu berperan sebagai gantungan kunci yang dipasang di ikat pinggang. Setiap patung memiliki lubang untuk tali tempat barang-barang yang diperlukan digantung, karena pakaian pada saat itu tidak memiliki saku. Patung-patung Netsuke menggambarkan karakter sekuler, dewa, setan atau berbagai item memakai khusus makna rahasia, misalnya, keinginan untuk kebahagiaan keluarga. Netsuke terbuat dari kayu, gading, keramik atau logam.

seni dan kerajinan Jepang

Pembuatan senjata tajam diangkat ke peringkat seni di Jepang, membuat pembuatan pedang samurai menjadi sempurna. Pedang, belati, kerangka pedang, elemen amunisi tempur berfungsi sebagai semacam perhiasan pria, yang menunjukkan milik suatu kelas, jadi dibuat pengrajin terampil, dihiasi dengan batu dan ukiran berharga. Juga di antara kerajinan rakyat Jepang adalah pembuatan keramik, pernis, tenun dan kerajinan kayu. Tembikar Jepang melukis tembikar tradisional dengan berbagai pola dan glasir.

lukisan Jepang

Pada awalnya seni lukis Jepang didominasi oleh jenis lukisan monokrom yang erat kaitannya dengan seni kaligrafi. Keduanya diciptakan menurut prinsip yang sama. Seni membuat cat, tinta, dan kertas datang ke Jepang dari daratan. Akibatnya, itu dimulai babak baru perkembangan seni lukis. Pada masa itu, salah satu jenis lukisan Jepang adalah gulungan horizontal panjang ekinomo yang menggambarkan pemandangan dari kehidupan Sang Buddha. Lukisan pemandangan di Jepang mulai berkembang lama kemudian, setelah itu muncul seniman yang berspesialisasi dalam pemandangan kehidupan sekuler, menulis potret dan pemandangan militer.

Di Jepang, mereka biasanya menggambar di layar lipat, shoji, dinding rumah, dan pakaian. Layar untuk orang Jepang bukan hanya elemen fungsional rumah, tetapi juga sebuah karya seni untuk kontemplasi, yang menentukan suasana umum ruangan. Pakaian kimono nasional juga termasuk dalam benda seni Jepang yang mengusung cita rasa oriental yang khas. Panel dekoratif pada foil emas yang menggunakan warna-warna cerah juga dapat dikaitkan dengan karya lukisan Jepang. Orang Jepang mencapai keterampilan hebat dalam menciptakan ukiyo-e, yang disebut ukiran kayu. Plot lukisan-lukisan tersebut adalah episode-episode dari kehidupan warga biasa, seniman dan geisha, serta pemandangan indah yang menjadi hasil perkembangan seni lukis di Jepang.

Wilayah yang luas, secara konvensional disebut sebagai Timur Jauh, meliputi Cina, Jepang, Korea, Mongolia, dan Tibet - negara-negara yang memiliki sejumlah kesamaan, tetapi pada saat yang sama memiliki perbedaan budaya yang signifikan.

Semua negara di Timur Jauh dipengaruhi oleh peradaban kuno Cina dan India, di mana sejak milenium pertama SM, ajaran filosofis dan agama muncul yang meletakkan dasar bagi konsep alam sebagai Kosmos yang komprehensif - yang hidup dan spiritual. organisme yang hidup menurut hukumnya sendiri. Alam ternyata menjadi pusat pencarian filosofis dan artistik sepanjang periode abad pertengahan, dan hukumnya dianggap universal, menentukan kehidupan dan hubungan manusia. Dengan beragam manifestasi alam dibandingkan dunia batin orang. Hal ini mempengaruhi perkembangan metode simbolik dalam seni visual, yang mendefinisikan bahasa puitis alegorisnya. Di Cina, Jepang dan Korea, di bawah pengaruh sikap seperti itu terhadap alam, jenis dan genre seni dibentuk, ansambel arsitektur dibangun, terkait erat dengan lanskap sekitarnya, seni taman dan, akhirnya, fajar lukisan pemandangan. Di bawah pengaruh peradaban India kuno, agama Buddha mulai menyebar, dan agama Hindu juga mulai menyebar di Mongolia dan Tibet. Sistem religi ini tidak hanya membawa ide-ide baru ke negara-negara Timur Jauh, tetapi juga berdampak langsung pada perkembangan seni rupa. Berkat agama Buddha, bahasa seni patung dan lukisan baru yang sebelumnya tidak dikenal muncul di semua negara di kawasan itu, ansambel diciptakan, ciri khasnya adalah interaksi arsitektur dan seni rupa.

Ciri-ciri citra dewa Buddha dalam seni pahat dan lukisan berkembang selama berabad-abad sebagai bahasa simbol khusus yang mengungkapkan gagasan tentang alam semesta, hukum moral, dan takdir manusia. Dengan demikian, pengalaman budaya dan tradisi spiritual banyak orang dikonsolidasikan dan dilestarikan. Gambar-gambar seni Buddha mewujudkan ide-ide tentang konfrontasi antara yang baik dan yang jahat, belas kasihan, cinta dan harapan. Semua kualitas ini menentukan orisinalitas dan signifikansi universal dari kreasi luar biasa dari budaya artistik Timur Jauh.

Jepang terletak di pulau-pulau Samudera Pasifik membentang di sepanjang pantai timur benua Asia dari utara ke selatan. Kepulauan Jepang terletak di daerah yang rawan gempa bumi dan angin topan. Penduduk pulau terbiasa untuk selalu waspada, puas dengan kehidupan sederhana, dengan cepat memulihkan rumah dan rumah tangga mereka setelah bencana alam. Terlepas dari unsur-unsur alam yang terus menerus mengancam kesejahteraan manusia, budaya Jepang mencerminkan keinginan untuk harmoni dengan dunia luar, kemampuan untuk melihat keindahan alam secara besar dan kecil.

Dalam mitologi Jepang, pasangan dewa, Izanagi dan Izanami, dianggap sebagai nenek moyang segala sesuatu di dunia. Dari mereka muncul tiga serangkai dewa besar: Amaterasu - dewi Matahari, Tsukiyomi - dewi Bulan dan Susanoo - dewa badai dan angin. Menurut gagasan orang Jepang kuno, para dewa tidak memiliki penampilan yang terlihat, tetapi diwujudkan dalam alam itu sendiri - tidak hanya di Matahari dan Bulan, tetapi juga di pegunungan dan bebatuan, sungai dan air terjun, pepohonan dan rerumputan, yang dipuja sebagai roh-kami (slovakia dalam terjemahan dari bahasa Jepang berarti angin ilahi). Pendewaan alam ini bertahan sepanjang periode Abad Pertengahan dan disebut Shinto - jalan para dewa, menjadi agama nasional Jepang; Orang Eropa menyebutnya Shinto. Asal usul budaya Jepang berakar pada zaman kuno. Karya seni paling awal berasal dari milenium ke-4...2 SM. Seni Jepang terpanjang dan paling berhasil adalah periode Abad Pertengahan (abad ke-6...19).

Desain rumah tradisional Jepang berkembang pada abad 17-18. Ini adalah bingkai kayu dengan tiga dinding bergerak dan satu tetap. Dinding tidak berfungsi sebagai penyangga, sehingga dapat dipindahkan atau bahkan dilepas, sekaligus berfungsi sebagai jendela. Di musim hangat, dindingnya berupa kisi-kisi, ditempel dengan kertas tembus pandang yang membiarkan cahaya masuk, dan di musim dingin dan hujan ditutup atau diganti dengan panel kayu. Dengan kelembapan tinggi di iklim Jepang, rumah harus berventilasi dari bawah. Oleh karena itu, dinaikkan 60 cm di atas permukaan tanah, untuk melindungi pilar penyangga dari pembusukan, dipasang di atas pondasi batu.

Rangka kayu yang ringan memiliki fleksibilitas yang diperlukan, yang mengurangi daya dorong yang merusak selama gempa bumi yang sering terjadi di negara tersebut. Atapnya, ubin atau alang-alang, memiliki kanopi besar yang melindungi dinding kertas rumah dari hujan dan terik matahari musim panas, tetapi tidak menahan sinar matahari yang rendah di musim dingin, awal musim semi, dan akhir musim gugur. Di bawah kanopi atap ada beranda.

Lantai ruang tamu ditutupi dengan tikar - tikar tatami, tempat mereka kebanyakan duduk, bukan berdiri. Oleh karena itu, semua proporsi rumah difokuskan pada orang yang duduk. Karena tidak ada perabot permanen di dalam rumah, mereka tidur di lantai, di atas kasur tebal khusus, yang disimpan di lemari pada siang hari. Mereka makan, duduk di atas tikar, di meja rendah, juga melayani untuk berbagai kegiatan. Geser partisi internal, ditutupi dengan kertas atau sutra, bisa membelah ruang interior tergantung pada kebutuhan, yang memungkinkan untuk menggunakannya lebih beragam, namun, tidak mungkin setiap penghuninya benar-benar pensiun di dalam rumah, yang memengaruhi hubungan intra-keluarga dalam keluarga Jepang, dan dalam arti yang lebih umum, tentang ciri-ciri karakter bangsa Jepang. Detail penting dari rumah ini adalah ceruk yang terletak di dekat dinding yang tidak dapat dipindahkan - tokonama, tempat lukisan atau komposisi bunga dapat digantung - ikebana dapat berdiri. Itu adalah pusat spiritual rumah. Dalam dekorasi ceruk, kualitas individu penghuni rumah, selera dan kecenderungan artistik mereka terwujud.

Kelanjutan dari rumah tradisional Jepang adalah taman. Ia berperan sebagai pagar sekaligus menghubungkan rumah dengan lingkungan. Ketika dinding luar rumah dibongkar, batas antara ruang dalam rumah dan taman menghilang dan perasaan kedekatan dengan alam, komunikasi langsung dengannya tercipta. Ini adalah fitur penting dari sikap nasional. Namun, kota-kota Jepang tumbuh, ukuran taman berkurang, sering digantikan oleh komposisi simbolis kecil dari bunga dan tumbuhan, yang berfungsi sebagai kontak yang sama antara tempat tinggal dan alam. rumah mitologi jepang ikebana netsuke

Seni merangkai bunga dalam vas - ikebbna (kehidupan bunga) - berasal dari kebiasaan kuno menempatkan bunga di altar dewa, yang menyebar ke Jepang dengan agama Buddha pada abad ke-6. Paling sering, komposisi dengan gaya waktu itu - rikka (bunga yang ditanam) - terdiri dari cabang pinus atau cemara dan teratai, mawar, bakung, dipasang di bejana perunggu kuno.

Dengan perkembangan budaya sekuler pada abad ke-10...12, rangkaian bunga dipasang di istana dan tempat tinggal perwakilan kelas aristokrat. Di istana kekaisaran, kompetisi khusus dalam mengatur karangan bunga menjadi populer. Pada paruh kedua abad ke-15, arah baru dalam seni ikebana muncul, yang pendirinya adalah master Ikenobo Sen'ei. Karya-karya sekolah Ikenobo dibedakan oleh keindahan dan kecanggihannya yang istimewa, mereka dipasang di altar rumah dan disajikan sebagai hadiah. Pada abad ke-16, dengan meluasnya upacara minum teh, jenis ikebana khusus dibentuk untuk menghiasi relung tokonoma di paviliun teh. Tuntutan akan kesederhanaan, keharmonisan, skema warna yang tertahan, disajikan pada semua objek pemujaan teh, meluas ke desain bunga - tyabana (ikebana untuk upacara minum teh). Master teh terkenal Senno Rikyu menciptakan gaya baru yang lebih bebas - nageire (bunga yang ditempatkan secara sembarangan), meskipun kerumitan dan keindahan khusus dari gambar gaya ini terletak pada kekacauan yang tampak. Salah satu jenis nageire adalah yang disebut tsuribana, ketika tanaman ditempatkan di wadah gantung berbentuk perahu. Komposisi semacam itu ditawarkan kepada seseorang yang menjabat atau lulus sekolah, karena melambangkan "pergi ke lautan kehidupan". Pada abad ke-17...ke-19, seni ikebana tersebar luas, dan muncul kebiasaan untuk melatih wajib perempuan dalam seni membuat karangan bunga. Namun, karena popularitas ikebana, komposisinya disederhanakan, dan aturan stylistikka yang ketat harus ditinggalkan demi nageire, yang menonjol dari yang lain. gaya baru seika atau shoka (bunga hidup). Pada akhir abad ke-19, master Ohara Usin menciptakan gaya moribana, inovasi utamanya adalah bunga ditempatkan di bejana lebar.

Dalam komposisi ikebana, biasanya ada tiga unsur wajib yang menunjukkan tiga prinsip: Langit, Bumi, dan Manusia. Mereka dapat diwujudkan sebagai bunga, cabang dan rumput. Korelasi mereka satu sama lain dan elemen tambahan menciptakan karya dengan gaya dan konten yang berbeda. Tugas seniman tidak hanya untuk membuat komposisi yang indah, tetapi juga untuk menyampaikan pemikirannya sendiri tentang kehidupan seseorang dan tempatnya di dunia secara maksimal. Karya-karya master ikebana yang luar biasa dapat mengungkapkan harapan dan kesedihan, keharmonisan spiritual dan kesedihan.

Menurut tradisi di ikebana, musim harus direproduksi, dan kombinasi tumbuhan membentuk harapan baik simbolis yang terkenal di Jepang: pinus dan mawar - umur panjang; peony dan bambu - kemakmuran dan kedamaian; krisan dan anggrek - kegembiraan; magnolia - kemurnian spiritual, dll.

Patung miniatur - netsuke tersebar luas pada abad 18-19 sebagai salah satu jenis seni dan kerajinan. Kemunculannya karena kostum nasional Jepang - kimono - tidak memiliki saku dan semua yang diperlukan barang-barang kecil(tabung, kantong, kotak obat) diikatkan pada ikat pinggang menggunakan gantungan kunci penyeimbang. Netsuke, oleh karena itu, harus memiliki lubang untuk renda, dengan bantuan benda yang diinginkan dipasang padanya. Gantungan kunci dalam bentuk tongkat dan kancing telah digunakan sebelumnya, tetapi sejak akhir abad ke-18, master terkenal telah mengerjakan kreasi netsuke, membubuhkan tanda tangan mereka pada karya tersebut.

Netsuke adalah seni kelas urban, massa dan demokratis. Menurut plot netsuke, seseorang dapat menilai kebutuhan spiritual, minat sehari-hari, adat istiadat, dan adat istiadat penduduk kota. Mereka percaya pada roh dan setan, yang sering digambarkan dalam patung mini. Mereka menyukai patung "tujuh dewa kebahagiaan", di antaranya yang paling populer adalah dewa kekayaan Daikoku dan dewa kebahagiaan Fukuroku. Plot konstan netsuke adalah sebagai berikut: terong retak dengan banyak biji di dalamnya - keinginan untuk keturunan jantan besar, dua bebek - simbol kebahagiaan keluarga. Sejumlah besar netsuke dikhususkan untuk topik sehari-hari dan Kehidupan sehari-hari kota. Ini adalah aktor dan pesulap pengembara, pedagang kaki lima, wanita yang melakukan berbagai aktivitas, biksu pengembara, pegulat, bahkan orang Belanda dalam pakaian eksotis mereka, dari sudut pandang orang Jepang - topi bertepi lebar, kamisol, dan celana panjang. Dibedakan oleh keragaman tematik, netsuke mempertahankan fungsi aslinya sebagai gantungan kunci, dan tujuan ini mendikte pengrajin bentuk yang kompak tanpa detail menonjol yang rapuh, bulat, nyaman saat disentuh. Pemilihan bahan juga terkait dengan ini: tidak terlalu berat, tahan lama, terdiri dari satu bagian. Bahan yang paling umum adalah berbagai jenis kayu, gading, keramik, pernis, dan logam.

Lukisan Jepang sangat beragam tidak hanya dalam konten, tetapi juga dalam bentuk: ini adalah lukisan dinding, lukisan layar, gulungan vertikal dan horizontal, dibuat di atas sutra dan kertas, lembaran album dan kipas.

TENTANG lukisan kuno hanya dapat dinilai dengan referensi dalam dokumen tertulis. Karya luar biasa paling awal yang masih ada berasal dari periode Heian (794-1185). Ini adalah ilustrasi dari "Kisah Pangeran Genji" yang terkenal oleh penulis Murasaki Shikibu. Ilustrasi dibuat pada beberapa gulungan horizontal dan dilengkapi dengan teks. Mereka dikaitkan dengan kuas seniman Fujiwara Takayoshi (paruh pertama abad ke-12).

Ciri khas dari budaya pada masa itu, yang diciptakan oleh lingkaran kelas aristokrat yang agak sempit, adalah kultus keindahan, keinginan untuk menemukan dalam semua manifestasi kehidupan material dan spiritual pesona yang melekat, terkadang sulit dipahami dan sulit dipahami. Lukisan pada masa itu, yang kemudian disebut yamato-e (secara harfiah lukisan Jepang), tidak menyampaikan suatu tindakan, melainkan suatu keadaan pikiran. Ketika perwakilan kelas militer yang keras dan berani berkuasa, budaya era Heian mulai menurun. Dalam lukisan di atas gulungan, prinsip naratif ditetapkan: ini adalah legenda tentang keajaiban yang penuh dengan episode dramatis, biografi pengkhotbah agama Buddha, adegan pertempuran para pejuang. Pada abad 14-15, di bawah pengaruh ajaran sekte Zen, dengan perhatian khusus pada alam, lukisan pemandangan mulai berkembang (awalnya di bawah pengaruh model Cina).

Selama satu setengah abad, seniman Jepang menguasai sistem seni Tiongkok, menjadikan lukisan lanskap monokromatik sebagai warisan. seni nasional. Berbunga tertinggi dikaitkan dengan nama yang luar biasa Master Toyo Oda (1420...1506), lebih dikenal dengan nama samaran Sesshu. Dalam lanskapnya, hanya dengan menggunakan corak tinta hitam terbaik, ia berhasil memantulkan seluruh sifat warna-warni dari alam dan keadaannya yang tak terhitung jumlahnya: atmosfer yang dipenuhi kelembapan awal musim semi, angin yang tak terlihat tetapi terasa dan hujan musim gugur yang dingin, keheningan musim dingin yang tak bergerak.

Abad ke-16 membuka era yang disebut Abad Pertengahan akhir, yang berlangsung selama tiga setengah abad. Saat ini, lukisan dinding menjadi tersebar luas, menghiasi istana para penguasa negara dan tuan feodal besar. Salah satu pendiri arah baru dalam seni lukis adalah master terkenal Kano Eitoku, yang hidup di paruh kedua abad ke-16. Ukiran kayu (xylography) yang berkembang pada abad 18-19 menjadi salah satu jenis seni rupa Abad Pertengahan. Ukiran, seperti lukisan bergenre, disebut ukiyo-e (gambar dunia sehari-hari). Dalam membuat sebuah ukiran, selain seniman yang membuat gambar dan menuliskan namanya lembar selesai, melibatkan pemahat dan pencetak. Pada awalnya ukirannya monofonik, dilukis dengan tangan oleh senimannya sendiri atau oleh pembeli. Kemudian pencetakan dalam dua warna ditemukan, dan pada tahun 1765 seniman Suzuki Harunobu (1725-1770) pertama kali menggunakan pencetakan multiwarna. Untuk melakukan ini, pengukir meletakkan kertas kalkir dengan pola pada papan gergaji memanjang yang disiapkan khusus (dari pir, ceri, atau kayu box Jepang) dan memotong jumlah papan cetak yang diperlukan, tergantung pada skema warna ukiran. Terkadang ada lebih dari 30 orang. Setelah itu, printer memilih corak yang tepat, mencetak di atas kertas khusus. Keahliannya adalah mencapai kecocokan yang tepat dari kontur setiap warna, yang diperoleh dari papan kayu yang berbeda. Semua ukiran dibagi menjadi dua kelompok: teater, yang menggambarkan aktor teater Kabuki klasik Jepang dalam berbagai peran, dan tulisan sehari-hari, yang didedikasikan untuk penggambaran keindahan dan pemandangan dari kehidupan mereka. Ahli ukiran teater yang paling terkenal adalah Toshyushay Syaraku, yang menggambarkan wajah para aktor secara close-up, menekankan ciri-ciri peran yang mereka mainkan, ciri-ciri orang yang bereinkarnasi sebagai karakter lakon: kemarahan, ketakutan, kekejaman, penipuan.

Seniman luar biasa seperti Suzuki Harunobu dan Kitagawa Utamaro menjadi terkenal dalam ukiran kehidupan sehari-hari. Utamaro adalah penciptanya gambar wanita mewujudkan cita-cita kecantikan nasional. Para pahlawan wanita tampaknya telah membeku sesaat dan sekarang akan melanjutkan gerakan anggun mereka yang mulus. Namun jeda ini adalah momen paling ekspresif saat kemiringan kepala, gestur tangan, siluet sosok menyampaikan perasaan yang mereka jalani.

oleh sebagian besar tuan terkenal ukiran adalah artis brilian Katsushika Hokusai (1776-1849). Karya Hokusai didasarkan pada budaya bergambar Jepang yang berusia berabad-abad. Hokusai membuat lebih dari 30.000 gambar dan mengilustrasikan sekitar 500 buku. Sudah berusia tujuh puluh tahun, Hokusai menciptakan salah satu karya paling signifikan - serangkaian "36 Pemandangan Fuji", yang memungkinkannya disejajarkan dengan seniman seni dunia yang paling menonjol. Menampilkan Gunung Fuji - simbol nasional Jepang - dari berbagai tempat, Hokusai untuk pertama kalinya mengungkap citra ibu pertiwi dan citra masyarakat dalam kesatuannya. Seniman memandang kehidupan sebagai satu proses dalam segala keragaman perwujudannya, mulai dari perasaan sederhana seseorang, aktivitas kesehariannya hingga diakhiri dengan alam sekitarnya dengan unsur dan keindahannya. Karya Hokusai, yang menyerap pengalaman seni bangsanya yang berusia berabad-abad, adalah puncak terakhir budaya artistik Jepang abad pertengahan, hasilnya luar biasa.

Halo, para pembaca yang budiman pencari ilmu dan kebenaran!

Seniman Jepang dibedakan oleh gayanya yang unik, diasah oleh generasi master. Hari ini kita akan berbicara tentang perwakilan lukisan Jepang yang paling cemerlang dan lukisan mereka, dari zaman kuno hingga zaman modern.

Nah, mari selami seni Negeri Matahari Terbit.

Kelahiran seni

Seni lukis kuno di Jepang terutama dikaitkan dengan kekhasan tulisan dan oleh karena itu didasarkan pada dasar-dasar kaligrafi. Contoh pertama termasuk pecahan lonceng perunggu, piring, dan barang-barang rumah tangga yang ditemukan selama penggalian. Banyak dari mereka dicat cat alami, dan penelitian memberikan alasan untuk percaya bahwa produk tersebut dibuat lebih awal dari 300 SM.

Tahap baru dalam perkembangan seni dimulai dengan kedatangan di Jepang. Pada emakimono - gulungan kertas khusus - gambar dewa dari jajaran Buddha, adegan dari kehidupan Guru dan para pengikutnya diterapkan.

Dominasi tema religi dalam seni lukis dapat ditelusuri pada abad pertengahan Jepang, yaitu abad ke-10 hingga ke-15. Sayangnya, nama-nama seniman pada zaman itu hingga saat ini belum terlestarikan.

Dalam kurun waktu 15-18 abad, dimulailah zaman baru yang ditandai dengan munculnya seniman-seniman dengan gaya individual yang berkembang. Mereka menandai vektor untuk pengembangan seni rupa lebih lanjut.

Perwakilan cerah dari masa lalu

Shubun tegang (awal abad ke-15)

Untuk menjadi master yang luar biasa, Xubong mempelajari teknik menulis seniman Sung Tiongkok dan karya mereka. Selanjutnya, ia menjadi salah satu pendiri seni lukis di Jepang dan pencipta sumi-e.

Sumi-e adalah gaya seni yang didasarkan pada gambar tinta, yang berarti satu warna.

Shubun melakukan banyak hal untuk membuat gaya baru mengakar lingkaran artistik... Dia mengajarkan seni kepada talenta lain, termasuk masa depan pelukis terkenal seperti Sessu.

Lukisan Shubun yang paling populer disebut "Membaca di Hutan Bambu".

"Membaca di Hutan Bambu" oleh Tense Shubun

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Dia menjadi pencipta sekolah, dinamai menurut namanya - Hasegawa. Awalnya, ia mencoba mengikuti kanon sekolah Kano, tetapi lambat laun "tulisan tangan" individualnya mulai terlacak dalam karya-karyanya. Tohaku dipandu oleh grafik Sesshu.

Dasar dari pekerjaan itu adalah lanskap yang sederhana, ringkas, tetapi realistis dengan nama yang tidak rumit:

"Pinus";
"Maple";
Pinus dan tanaman berbunga.

Pinus, Hasegawa Tohaku

Saudara Ogata Korin (1658-1716) dan Ogata Kenzan (1663-1743)

Saudara-saudara adalah pengrajin yang luar biasa di abad ke-18. Yang tertua, Ogata Korin, mengabdikan dirinya sepenuhnya untuk melukis dan mendirikan genre rimpa. Dia menghindari gambar stereotip, lebih memilih genre impresionis.

Ogata Korin melukis alam pada umumnya dan bunga dalam bentuk abstraksi cerah pada khususnya. Kuasnya milik lukisan itu:

"Bunga prem merah dan putih";
"Gelombang Matsushima";
"Krisan".

Gelombang Matsushima oleh Korin Ogata

Adik laki-laki - Ogata Kenzan - memiliki banyak nama samaran. Setidaknya dia terlibat dalam melukis, tetapi dia lebih terkenal sebagai ahli keramik yang hebat.

Ogata Kenzan menguasai banyak teknik tembikar. Ia dibedakan dengan pendekatan yang tidak standar, misalnya ia membuat pelat dalam bentuk persegi.

Lukisannya sendiri tidak dibedakan oleh kemegahannya - ini juga merupakan keunikannya. Dia suka memasang kaligrafi pada produk seperti gulungan atau kutipan puisi. Terkadang mereka bekerja sama dengan saudara laki-laki mereka.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Dia bekerja dengan gaya ukiyo-e - sejenis ukiran kayu, dengan kata lain, lukisan ukiran. Sepanjang waktu kreativitas, dia mengubah sekitar 30 nama. Karya paling terkenal adalah The Great Wave off Kanagawa, berkat itu ia menjadi terkenal di luar tanah airnya.

"Gelombang Hebat Kanagawa" oleh Hokusai Katsushika

Hokusai yang sangat keras mulai bekerja setelah 60 tahun, yang membawa hasil yang baik. Van Gogh, Monet, Renoir akrab dengan karyanya, dan sampai batas tertentu memengaruhi karya master Eropa.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Satu dari seniman terbesar abad ke-19. Lahir, tinggal, bekerja di Edo, melanjutkan karya Hokusai, terinspirasi dari karyanya. Cara dia menggambarkan alam hampir sama mencoloknya dengan jumlah karya itu sendiri.

Edo adalah nama lama Tokyo.

Berikut adalah beberapa sosok tentang karyanya, yang diwakili oleh siklus lukisan:

5,5 ribu - jumlah semua ukiran;
“100 Pemandangan Edo;
"36 Pemandangan Fuji";
"69 Stasiun Kisokaido";
"53 Stasiun Tokaido".

Lukisan oleh Ando Hiroshige

Menariknya, Van Gogh yang luar biasa menulis beberapa salinan ukirannya.

Kemodernan

Takashi Murakami

Pelukis, pematung, perancang busana, dia sudah mendapatkan namanya di akhir abad ke-20. Dalam karyanya, ia mengikuti tren mode dengan elemen klasik, dan mengambil inspirasi dari kartun anime dan manga.

Lukisan oleh Takashi Murakami

Karya Takashi Murakami diklasifikasikan sebagai subkultur, tetapi pada saat yang sama karya tersebut sangat populer. Misalnya, pada tahun 2008, salah satu karyanya dibeli di lelang dengan harga lebih dari $15 juta. Pada suatu waktu, pencipta modern bekerja sama dengan rumah mode "Marc Jacobs" dan "Louis Vuitton".

Tycho Asima

Seorang rekan dari seniman sebelumnya, dia menciptakan lukisan surealis kontemporer. Mereka menggambarkan pemandangan kota, jalan kota besar dan makhluk seolah-olah dari alam semesta lain - hantu, roh jahat, gadis asing. Di latar belakang lukisan, Anda sering dapat melihat alam yang masih asli, bahkan terkadang menakutkan.

Lukisannya mencapai ukuran besar dan jarang terbatas pada kertas. Mereka dipindahkan ke kulit, bahan plastik.

Pada tahun 2006, sebagai bagian dari pameran di ibu kota Inggris, seorang wanita menciptakan sekitar 20 bangunan melengkung yang mencerminkan keindahan alam desa dan kota, siang dan malam. Salah satunya menghiasi stasiun kereta bawah tanah.

Hei Arakawa

Pemuda itu tidak bisa disebut hanya seorang seniman dalam arti kata klasik - dia menciptakan instalasi yang begitu populer dalam seni abad ke-21. Tema pamerannya benar-benar Jepang dan menyentuh hubungan persahabatan, serta karya seluruh tim.

Ei Arakawa kerap mengikuti berbagai biennale, misalnya di Venesia, dipamerkan di Museum of Modern Art di tanah airnya, dan sepantasnya menerima berbagai penghargaan.

Ikenaga Yasunari

Pelukis modern Ikenaga Yasunari berhasil menggabungkan dua hal yang tampaknya tidak cocok: kehidupan gadis masa kini dalam bentuk potret dan teknik tradisional Jepang berasal dari zaman kuno. Dalam karyanya, pelukis menggunakan kuas khusus, cat pigmen alami, tinta, dan arang. Alih-alih linen biasa - kain linen.

Lukisan Ikenaga Yasunari

Teknik mengontraskan era yang digambarkan dan penampilan para pahlawan wanita ini menimbulkan kesan bahwa mereka telah kembali kepada kita dari masa lalu.

Serangkaian lukisan tentang kompleksitas kehidupan buaya, yang baru-baru ini populer di komunitas Internet, juga dibuat oleh kartunis Jepang Keigo.

Kesimpulan

Jadi, lukisan Jepang berasal sekitar abad ke-3 SM, dan telah banyak berubah sejak saat itu. Gambar pertama diaplikasikan pada keramik, kemudian motif Buddha mulai mendominasi seni, tetapi nama pengarangnya tidak bertahan hingga hari ini.

Di era Zaman Baru, para ahli kuas memperoleh lebih banyak individualitas, menciptakan berbagai arah, sekolah. Seni visual saat ini tidak terbatas pada lukisan tradisional - instalasi, karikatur, patung seni, struktur khusus digunakan.

Terima kasih banyak atas perhatian Anda, para pembaca yang budiman! Kami harap Anda menemukan artikel kami bermanfaat, dan cerita tentang kehidupan dan pekerjaan perwakilan paling cerdas seni memungkinkan untuk mengenal mereka lebih baik.

Tentu sulit untuk diceritakan dalam satu artikel tentang semua seniman dari jaman dahulu hingga sekarang. Oleh karena itu, biarlah ini menjadi langkah awal menuju pengetahuan seni lukis Jepang.

Dan bergabunglah dengan kami - berlangganan blog - kita akan belajar agama Buddha dan budaya Timur bersama!

Sejak zaman kuno, seni Jepang ditandai dengan aktif kreativitas. Terlepas dari ketergantungan pada China, di mana tren artistik dan estetika baru terus muncul, seniman Jepang selalu memperkenalkan ciri-ciri baru dan mengubah seni guru mereka, memberikan tampilan Jepang.

Sejarah Jepang dengan demikian mulai mengambil bentuk yang pasti hanya pada akhir abad ke-5. Relatif sedikit barang yang berasal dari abad sebelumnya (periode kuno) telah ditemukan, meskipun beberapa penemuan yang dilakukan selama penggalian atau selama pekerjaan konstruksi berbicara tentang bakat artistik yang luar biasa.

periode kuno.

Karya seni Jepang tertua adalah pot tanah liat jenis Jomon (kesan kabel). Namanya berasal dari dekorasi permukaan dengan tayangan spiral dari tali yang melilit tongkat yang digunakan master untuk membuat bejana. Mungkin, pada awalnya, para empu secara tidak sengaja menemukan cetakan anyaman, tetapi kemudian mereka mulai menggunakannya secara sadar. Kadang-kadang ikal tanah liat seperti kabel tersangkut di permukaan, menciptakan efek dekoratif yang lebih kompleks, hampir melegakan. Patung Jepang pertama berasal dari budaya Jomon. Dogu (lit. "gambar tanah liat") seseorang atau hewan mungkin memiliki semacam makna religius. Gambar orang, kebanyakan wanita, sangat mirip dengan dewi tanah liat dari budaya primitif lainnya.

Analisis radiokarbon menunjukkan bahwa beberapa temuan dari budaya Jomon mungkin berasal dari 6-5 ribu SM, tetapi penanggalan awal seperti itu tidak diterima secara umum. Tentu saja, hidangan seperti itu dibuat untuk waktu yang lama, dan meskipun tanggal pastinya belum dapat ditentukan, tiga periode dibedakan. Sampel tertua memiliki dasar runcing dan hampir tanpa hiasan, kecuali jejak alat pembuat tembikar. Kapal periode tengah lebih kaya ornamen, terkadang dengan elemen cetakan yang menciptakan kesan volume. Bentuk bejana periode ketiga sangat beragam, tetapi dekorasinya kembali rata dan menjadi lebih terkendali.

Kira-kira pada abad ke-2. SM. Keramik Jōmon digantikan oleh keramik Yayoi, yang dicirikan oleh keanggunan bentuk, kesederhanaan desain, dan kualitas teknis yang tinggi. Pecahan bejana menjadi lebih tipis, ornamennya tidak terlalu aneh. Jenis ini berlaku sampai abad ke-3. IKLAN

Dari segi artistik, mungkin karya terbaik pada periode awal adalah khaniwa, silinder tanah liat yang berasal dari abad ke-3 hingga ke-5. IKLAN Monumen khas pada zaman ini adalah bukit-bukit besar, atau gundukan kuburan, bangunan pemakaman kaisar dan bangsawan yang kuat. Seringkali sangat besar, mereka adalah bukti kekuatan dan kekayaan keluarga dan abdi dalem kekaisaran. Pembangunan struktur seperti itu untuk Kaisar Nintoku-tenno (c. 395-427 M) membutuhkan waktu 40 tahun. Ciri yang paling luar biasa dari gerobak dorong ini adalah silinder tanah liat yang mengelilinginya seperti pagar, khaniva. Biasanya silinder ini cukup sederhana, tetapi terkadang dihiasi dengan figur manusia, lebih jarang dengan figur kuda, rumah, atau ayam jantan. Tujuan mereka ada dua: untuk mencegah erosi massa bumi yang sangat besar dan untuk memasok almarhum dengan semua yang diperlukan yang dia gunakan dalam kehidupan duniawi. Secara alami, silinder segera dibuat dalam jumlah banyak. Variasi tema, ekspresi wajah, dan gerak tubuh para tokoh yang menghiasinya sebagian besar merupakan hasil improvisasi sang master. Terlepas dari kenyataan bahwa ini lebih merupakan karya pengrajin, daripada seniman dan pematung, mereka sangat penting sebagai orang Jepang yang baik. bentuk seni. Bangunan, kuda terbungkus selimut, wanita prima dan prajurit mewakili gambar yang menarik kehidupan militer Jepang feodal awal. Ada kemungkinan prototipe silinder ini muncul di Tiongkok, di mana berbagai benda ditempatkan langsung ke pemakaman, tetapi eksekusi dan penggunaan haniwa adalah tradisi lokal.

Zaman kuno sering dipandang sebagai masa tanpa karya seni tingkat tinggi, masa dominasi hal-hal yang terutama memiliki nilai arkeologis dan etnologis. Namun, harus diingat bahwa karya-karya budaya awal ini secara keseluruhan memiliki vitalitas yang besar, karena bentuknya bertahan dan terus eksis secara spesifik. karakteristik nasional Seni Jepang di periode selanjutnya.

periode Asuka

(552-710 M). Pengenalan agama Buddha pada pertengahan abad ke-6 c. membuat perubahan signifikan dalam cara hidup dan berpikir orang Jepang dan menjadi pendorong bagi perkembangan seni periode ini dan selanjutnya. Kedatangan agama Buddha dari Cina melalui Korea secara tradisional bertanggal 552 M, tetapi mungkin diketahui lebih awal. Pada tahun-tahun awal, agama Buddha menghadapi tentangan politik, tentangan terhadap agama nasional Shinto, tetapi hanya setelah beberapa dekade, keyakinan baru tersebut mendapat persetujuan resmi dan akhirnya didirikan. Pada tahun-tahun awal penetrasinya ke Jepang, agama Buddha adalah agama yang relatif sederhana dengan sejumlah kecil dewa yang membutuhkan gambar, tetapi setelah sekitar seratus tahun agama ini memperoleh kekuatan dan panteon berkembang pesat.
Selama periode ini, kuil-kuil didirikan, yang tidak hanya berfungsi untuk mempromosikan iman, tetapi juga merupakan pusat seni dan pendidikan. Biara-kuil di Horyu-ji adalah salah satu yang paling penting untuk mempelajari seni Buddha awal. Di antara harta lainnya, terdapat patung tiga serangkai agung Syaka-Nerai (623 M). Karya Tori Busshi ini, pematung besar Jepang pertama yang kita kenal, adalah gambar perunggu bergaya, mirip dengan kelompok serupa di kuil gua besar di Cina. Frontalitas yang ketat terlihat pada pose Shaki yang duduk (transkripsi Jepang dari kata "shakyamuni", Buddha historis) dan dua sosok yang berdiri di sisinya. Formulir sosok manusia tersembunyi oleh lipatan simetris tebal dari pakaian yang dibuat secara skematis, dan pada wajah halus memanjang orang dapat merasakan penyerapan dan kontemplasi diri yang melamun. Patung periode Buddhis pertama ini didasarkan pada gaya dan prototipe dari daratan utama lima puluh tahun yang lalu; itu setia mengikuti tradisi Cina yang datang ke Jepang melalui Korea.

Beberapa patung terpenting saat ini terbuat dari perunggu, tetapi kayu juga digunakan. Dua patung kayu yang paling terkenal adalah patung dewi Kannon: Yumedono Kannon dan Kudara Kannon, keduanya di Horyuji. Mereka adalah objek pemujaan yang lebih menarik daripada tiga serangkai Shaki, dengan senyum kuno dan ekspresi melamun. Meski susunan lipatan jubah pada sosok Kannon juga skematis dan simetris, namun lebih ringan dan penuh gerak. Tinggi sosok ramping tekankan spiritualitas wajah, kebaikan abstrak mereka, jauh dari semua urusan duniawi, tetapi peka terhadap permohonan penderitaan. Pematung memperhatikan garis luar sosok Kudara Kannon, tersembunyi di balik lipatan pakaian, dan berbeda dengan siluet bergerigi Yumedono, pergerakan sosok dan kain diarahkan secara mendalam. Dalam profil Kudar, Kannon memiliki bentuk S yang anggun.

Satu-satunya contoh lukisan yang memberikan gambaran tentang gaya awal abad ke-7 adalah Tamamushi Zushi, "kuil bersayap". Tempat perlindungan miniatur ini mengambil namanya dari sayap kumbang warna-warni yang dipasang pada bingkai logam berlubang; kemudian dihiasi dengan komposisi religius dan figur karakter individu, dibuat dengan pernis berwarna. Seperti patung pada periode ini, beberapa gambar menunjukkan kebebasan desain yang luar biasa.

periode Nara

(710-784). Pada tahun 710 ibu kota dipindahkan ke Nara, sebuah kota baru yang meniru ibu kota Cina Chang'an. Ada jalan lebar, istana besar, banyak kuil Buddha. Tidak hanya Buddhisme dalam segala aspeknya, tetapi seluruh kehidupan budaya dan politik Tionghoa dipandang sebagai panutan. Tidak ada negara lain, mungkin, yang merasakan ketidakcukupan budayanya sendiri sedemikian rupa dan tidak begitu rentan terhadap pengaruh luar. Para sarjana dan peziarah bergerak bebas antara Jepang dan daratan, dan kehidupan administrasi dan istana meniru Cina selama Dinasti Tang. Namun, harus diingat bahwa, meskipun meniru model Tang Cina, terutama dalam seni, memahami pengaruh dan gayanya, orang Jepang hampir selalu menyesuaikan bentuk asing dengan bentuk mereka sendiri.

Dalam seni pahat, frontalitas dan simetri yang ketat dari periode Asuka sebelumnya digantikan oleh bentuk-bentuk yang lebih bebas. Perkembangan gagasan tentang dewa, peningkatan keterampilan teknis, dan kebebasan kepemilikan materi memungkinkan seniman untuk membuat gambar ikonik yang lebih dekat dan lebih mudah diakses. Pendirian sekte-sekte Buddhis baru memperluas pantheon untuk memasukkan bahkan orang-orang suci dan pendiri agama Buddha. Selain patung perunggu, sejumlah besar karya yang terbuat dari kayu, tanah liat, dan pernis juga dikenal. Batu itu langka dan hampir tidak pernah digunakan untuk pahatan. Pernis kering sangat populer, mungkin karena, meskipun proses pembuatan komposisinya rumit, karya yang dibuat darinya terlihat lebih spektakuler daripada kayu dan lebih kuat daripada produk tanah liat yang lebih mudah dibuat. Sosok pernis dibentuk di atas dasar kayu atau tanah liat, yang kemudian dilepas, atau di atas alat kelengkapan kayu atau kawat; mereka ringan dan kuat. Meskipun teknik ini mendikte beberapa kekakuan dalam pose, banyak kebebasan diperbolehkan dalam penggambaran wajah, yang sebagian berkontribusi pada pengembangan apa yang disebut patung potret yang tepat. Penggambaran wajah dewa dilakukan sesuai dengan aturan ketat dari kanon Buddha, tetapi popularitas dan bahkan pendewaan beberapa pendiri dan pengkhotbah agama memberikan peluang yang sangat baik untuk menyampaikan kemiripan potret. Kesamaan seperti itu dapat ditelusuri pada patung pernis kering dari patriark Cina Genjin, yang dihormati di Jepang, yang terletak di kuil Toshodaiji. Genjin buta ketika dia tiba di Jepang pada tahun 753, dan matanya yang buta serta keadaan kontemplasi batinnya yang tercerahkan dengan indahnya dibuat oleh seorang pematung yang tidak dikenal. Tren realistis ini paling jelas diekspresikan dalam patung kayu pengkhotbah Kui, yang dibuat oleh pematung Kosho pada abad ke-13 hingga ke-14. Pengkhotbah berpakaian seperti pengemis pengembara dengan tongkat, gong dan palu, dan sosok kecil Buddha keluar dari mulutnya yang setengah terbuka. Tidak puas dengan citra biksu yang bernyanyi, pematung berusaha mengungkapkan makna terdalam dari kata-katanya.
Gambar Buddha pada periode Nara juga dibedakan oleh realisme yang hebat. Dibuat untuk jumlah kuil yang terus bertambah, mereka tidak sedingin dan pendiam seperti pendahulunya, memiliki keindahan dan kebangsawanan yang lebih anggun, dan berpaling kepada orang-orang yang menyembahnya dengan lebih nikmat.

Sangat sedikit lukisan dari periode ini yang bertahan. Gambar beraneka warna di atas kertas menggambarkan kehidupan Sang Buddha di masa lalu dan sekarang. Ini adalah salah satu dari sedikit contoh kuno emakimono, atau lukisan gulir. Gulungan itu perlahan-lahan dibuka dari kanan ke kiri, dan penonton hanya bisa menikmati bagian dari gambar yang ada di antara kedua tangan yang membuka gulungan itu. Ilustrasi berada tepat di atas teks, berbeda dengan gulungan-gulungan selanjutnya, di mana bagian teks berganti-ganti dengan gambar penjelasan. Dalam contoh lukisan gulir tertua yang masih ada ini, figur yang digariskan diatur dengan latar belakang lanskap yang nyaris tidak digariskan, dan karakter sentral, di kasus ini Syaka muncul di berbagai episode.

Awal Heian

(784-897). Pada tahun 784 ibu kota dipindahkan sementara ke Nagaoka, sebagian untuk menghindari dominasi pendeta Buddha Nara. Pada tahun 794 dia pindah ke Heian (sekarang Kyoto) untuk waktu yang lebih lama. Akhir abad ke-8 dan ke-9 adalah masa ketika Jepang berhasil berasimilasi, beradaptasi dengan karakteristiknya sendiri, banyak inovasi asing. Agama Buddha juga mengalami masa perubahan, munculnya sekte-sekte baru Buddhisme esoterik, dengan ritual dan etiket yang berkembang. Dari jumlah tersebut, yang paling berpengaruh adalah sekte Tendai dan Shingon, yang berasal dari India, mencapai Cina, dan dari sana dibawa ke Jepang oleh dua sarjana yang kembali ke tanah air mereka setelah lama magang. Sekte Shingon ("Kata-Kata Sejati") sangat disukai di istana dan dengan cepat menduduki posisi dominan. Biara utamanya terletak di Gunung Koya dekat Kyoto; seperti pusat Buddhis penting lainnya, mereka menjadi gudang koleksi besar monumen seni.

Patung 9 c. sebagian besar adalah kayu. Gambar dewa dibedakan oleh keparahan dan keagungan yang tidak dapat diakses, yang ditekankan oleh keseriusan penampilan dan kebesaran mereka. Tirai dipotong dengan terampil sesuai dengan pola standar, syal diletakkan bergelombang. Sosok Shaki berdiri dari kuil di Muroji adalah contoh dari gaya ini. Untuk ini dan gambar serupa dari abad ke-9. ditandai dengan ukiran yang kaku dengan lipatan yang lebih dalam dan jelas serta detail lainnya.

Bertambahnya jumlah dewa menimbulkan kesulitan besar bagi para seniman. Dalam mandala yang rumit seperti peta (desain geometris dengan makna magis), para dewa diatur secara hierarkis di sekitar Buddha yang ditempatkan di tengah, yang dirinya hanyalah salah satu manifestasi dari yang absolut. Pada saat ini, muncul cara baru untuk menggambarkan sosok dewa penjaga yang dikelilingi oleh api, penampilan yang mengerikan, tetapi sifatnya yang dermawan. Dewa-dewa ini diatur secara asimetris dan digambarkan dalam pose bergerak, dengan fitur wajah yang tangguh, dengan gigih melindungi keyakinan dari kemungkinan bahaya.

Heian Tengah dan Akhir, atau periode Fujiwara

(898-1185). Pemindahan ibu kota ke Heian, yang dimaksudkan untuk menghindari tuntutan sulit dari para ulama, menyebabkan perubahan dalam sistem politik. Bangsawan adalah kekuatan yang dominan, dan keluarga Fujiwara menjadi perwakilannya yang paling khas. Periode 10-12 abad. sering dikaitkan dengan nama ini. Periode kekuatan khusus dimulai, ketika kaisar sejati "sangat disarankan" untuk mengesampingkan urusan negara demi pengejaran puisi dan lukisan yang lebih menyenangkan. Hingga mencapai usia dewasa, kaisar dipimpin oleh seorang bupati yang tegas - biasanya dari keluarga Fujiwara. Itu adalah zaman kemewahan dan pencapaian luar biasa dalam sastra, kaligrafi, dan seni; semuanya terasa lesu dan emosional, yang jarang mencapai kedalaman, tetapi secara keseluruhan memesona. Kecanggihan dan pelarian yang elegan tercermin dalam seni saat ini. Bahkan penganut agama Buddha pun mencari cara yang lebih mudah, dan pemujaan terhadap Buddha surgawi, Amida, menjadi sangat populer. Gagasan welas asih dan anugrah Buddha Amida sangat tercermin dalam lukisan dan pahatan pada periode ini. Masif dan pengekangan patung-patung abad ke-9 c. dalam 10-11 abad. memberi jalan untuk kebahagiaan dan pesona. Para dewa digambarkan sebagai sosok yang melamun, sangat tenang, ukirannya menjadi kurang dalam, permukaannya menjadi lebih berwarna, dengan tekstur yang berkembang dengan kaya. Monumen terpenting pada periode ini adalah milik pematung Jocho.
Karya seniman juga memperoleh fitur yang lebih lembut, mengingatkan pada gambar di atas kain, dan bahkan dewa yang mengerikan - para pembela agama menjadi tidak terlalu mengintimidasi. Sutra (teks Buddha) ditulis dengan emas dan perak di atas kertas berwarna biru tua, kaligrafi teks yang bagus sering kali didahului dengan ilustrasi kecil. Paling destinasi populer Ajaran Buddha dan dewa-dewa terkait mereka mencerminkan preferensi aristokrasi dan penyimpangan bertahap dari cita-cita keras agama Buddha awal.

Suasana saat ini dan karya-karyanya sebagian terkait dengan pemutusan hubungan formal dengan Tiongkok pada tahun 894. Agama Buddha di Tiongkok pada saat itu dianiaya, dan istana Tang yang korup sedang mengalami kemunduran. Keberadaan pulau terpencil yang mengikuti keterputusan ini mendorong orang Jepang untuk beralih ke budaya mereka sendiri dan mengembangkan gaya Jepang baru yang lebih murni. Memang, lukisan sekuler abad 10-12. hampir seluruhnya orang Jepang - baik dalam teknik maupun dalam komposisi dan plot. Ciri khas dari gulungan Jepang ini, yang disebut yamato-e, adalah dominasi plot engi (asal, sejarah). Sementara gulungan Cina paling sering menggambarkan alam yang menakjubkan, panorama pegunungan, sungai, batu dan pohon, dan orang-orang tampak relatif tidak penting, pada gulungan naratif orang Jepang dalam gambar dan teks, orang adalah hal utama. Lanskap hanya memainkan peran sebagai latar belakang cerita yang diceritakan, berada di bawah karakter atau orang utama. Banyak dari gulungan-gulungan itu melukiskan sejarah kehidupan para pengkhotbah Buddhis yang terkenal atau tokoh sejarah, perjalanan dan kampanye militer mereka. Yang lain menceritakan tentang episode romantis dari kehidupan bangsawan dan abdi dalem.

Gaya gulungan awal yang tampaknya istimewa berasal dari sketsa tinta sederhana di halaman buku catatan Buddhis. Ini adalah gambar-gambar terampil yang membuat karikatur perilaku manusia melalui gambar-gambar binatang: monyet berpakaian biara menyembah katak yang menggelembung, kompetisi antara kelinci, monyet, dan katak. Gulungan-gulungan Heian akhir ini dan lainnya memberikan dasar bagi gulungan naratif yang lebih kompleks dari gaya yang dikembangkan pada abad ke-13 dan ke-14.

periode Kamakura

(1185-1392). Akhir abad ke-12 membawa perubahan serius pada kehidupan politik dan agama Jepang dan, tentu saja, pada seninya. Keanggunan dan estetika istana Kyoto diganti atau, dalam tradisi pemerintahan "khusus", "menerima tambahan" dalam bentuk pemerintahan baru yang keras dan berani - Keshogunan Kamakura. Meskipun Kyoto secara nominal tetap menjadi ibu kota, shogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) mendirikan markas besarnya di kota Kamakura dan hanya dalam 25 tahun mendirikan sistem kediktatoran militer dan feodalisme yang kaku. Agama Buddha, yang telah menjadi begitu rumit dan diritualkan sehingga tidak dapat dipahami oleh orang awam biasa, juga mengalami perubahan besar yang tidak menjanjikan perlindungan seni. Sekte Yodo ("Tanah Murni"), suatu bentuk pemujaan terhadap Buddha Amida, di bawah kepemimpinan Honen Shonin (1133-1212) mereformasi hierarki buddha dan dewa dan memberikan harapan keselamatan bagi semua orang yang hanya percaya pada Amida. Doktrin surga yang mudah dicapai ini kemudian disederhanakan oleh biksu lain, Shinran (1173-1262), pendiri sekte Shin, yang mengakui bahwa kegemaran Amida begitu besar sehingga tidak perlu melakukan tindakan keagamaan, cukup hanya mengulangi mantra "Namu Amida Butsu" (kata pertama berarti "tunduk"; dua yang kedua adalah "Buddha Amida"). Cara sederhana untuk menyelamatkan jiwa sangat menarik, dan sekarang jutaan orang menggunakannya. Satu generasi kemudian, pengkhotbah militan Nichiren (1222-1282), yang menjadi nama sekte tersebut, meninggalkan bentuk agama yang disederhanakan ini. Pengikutnya menghormati Sutra Teratai, yang tidak menjanjikan keselamatan instan dan tanpa syarat. Khotbahnya sering menyentuh topik politik, dan keyakinannya serta usulan reformasi gereja dan negara menarik kelas prajurit baru di Kamakura. Akhirnya, filosofi Zen, yang muncul sejak abad ke-8, mulai memainkan peran yang lebih besar dalam pemikiran Buddhis pada periode itu. Zen menekankan pentingnya meditasi dan penghinaan terhadap gambar apa pun yang mungkin menghalangi manusia dalam upayanya untuk terhubung dengan Tuhan.

Jadi, saat itu pemikiran religius membatasi jumlah lukisan dan patung yang sebelumnya dibutuhkan untuk ibadah. Namun demikian, selama periode Kamakura, beberapa dari karya terbaik seni Jepang. Stimulusnya adalah kecintaan orang Jepang yang melekat pada seni, tetapi kunci dari teka-teki itu adalah sikap orang-orang terhadap kepercayaan baru, dan bukan dogma seperti itu. Memang, karya itu sendiri menunjukkan alasan penciptaannya, karena banyak dari patung dan lukisan yang penuh kehidupan dan energi ini adalah potret. Meskipun filosofi Zen mungkin menganggap objek pemujaan agama biasa sebagai penghalang menuju pencerahan, tradisi menghormati guru cukup dapat diterima. Potret itu sendiri tidak bisa menjadi objek pemujaan. Sikap terhadap potret ini tidak unik bagi Buddhisme Zen: banyak menteri sekte Tanah Suci yang dipuja hampir seperti dewa Buddha. Berkat potret itu, bahkan bentuk arsitektur baru pun muncul - mieido, atau kapel potret. Pesatnya perkembangan realisme sepenuhnya dalam semangat zaman.
Meskipun lukisan potret para biksu jelas merupakan gambar orang-orang tertentu, lukisan itu sering kali merupakan pengerjaan ulang lukisan yang menggambarkan pendiri agama Buddha di Tiongkok. Mereka dilukis sedang berkhotbah, mulut terbuka, tangan menggerakkan tangan; kadang-kadang biksu pengemis digambarkan melakukan perjalanan yang sulit demi kemuliaan iman.

Salah satu plot paling populer adalah raigo (kedatangan yang diinginkan), yang menggambarkan Buddha Amida dengan teman-temannya, turun di atas awan untuk menyelamatkan jiwa seorang mukmin di ranjang kematiannya dan memindahkannya ke surga. Warna dari gambar seperti itu sering kali diperkuat dengan emas yang diaplikasikan, dan garis bergelombang, jubah yang berkibar, awan yang berputar-putar memberi kesan gerakan pada turunnya Buddha.

Unkei, yang bekerja pada paruh kedua abad ke-12 dan awal abad ke-13, adalah penulis inovasi yang memudahkan mengukir kayu, yang tetap menjadi bahan favorit pematung selama periode Kamakura. Sebelumnya, master dibatasi oleh ukuran dan bentuk geladak atau batang kayu tempat gambar itu dipotong. Elemen lengan dan pakaian ditumpangkan secara terpisah, tetapi potongan akhirnya sering kali menyerupai bentuk silinder aslinya. Dalam teknik baru, lusinan potongan kecil dipasang dengan hati-hati satu sama lain, membentuk piramida berongga, dari mana para magang kemudian dapat memotong sosok itu secara kasar. Pematung memiliki bahan yang lebih lunak dan kemampuan untuk membuat bentuk yang lebih kompleks. Penjaga kuil berotot dan dewa dengan jubah dan jubah berkibar tampak lebih hidup juga karena kristal atau kaca mulai dimasukkan ke dalam rongga mata mereka; patung-patung mulai dihiasi dengan perunggu berlapis emas. Mereka menjadi lebih ringan dan kecil kemungkinannya retak saat kayu mengering. Patung kayu Kuya Shonin yang disebutkan, karya putra Unkei Kosho, menunjukkan pencapaian tertinggi realisme era Kamakura dalam patung potret. Memang, patung pada saat itu mencapai puncaknya dalam perkembangannya, dan kemudian tidak lagi menempati tempat yang menonjol dalam seni.

Lukisan sekuler juga mencerminkan semangat zaman. Gulungan naratif akhir periode Heian, dengan warna terkendali dan garis-garis anggun, menceritakan petualangan romantis Pangeran Genji atau hiburan para wanita istana yang tertutup. Kini, dengan warna-warna cerah dan sapuan energik, para seniman era Kamakura menggambarkan pertempuran klan yang bertikai, istana yang dilalap api, dan ketakutan orang-orang yang melarikan diri dari pasukan penyerang. Bahkan ketika sebuah kisah religius terungkap pada gulungan itu, gambar itu bukanlah ikon melainkan bukti sejarah perjalanan orang-orang suci dan mukjizat yang mereka lakukan. Dalam desain plot ini, orang dapat menemukan kecintaan yang tumbuh terhadap alam dan kekaguman terhadap lanskap asli.

Muromachi, atau periode Ashikaga

(1392-1568). Pada tahun 1392, setelah lebih dari 50 tahun perselisihan, shogun ketiga dari keluarga Ashikaga, Yoshimitsu (1358-1408), menyatukan kembali negara tersebut. Pusat pemerintahan kembali menjadi ibu kota nominal Kyoto, tempat para shogun Ashikaga membangun istana mereka di kawasan Muromachi. (Periode ini terkadang disebut Muromachi, terkadang Ashikaga.) Waktu perang tidak menyisihkan banyak kuil - gudang seni Jepang, yang dibakar bersama dengan harta karun yang ada di sana. Negara itu sangat hancur, dan bahkan perdamaian membawa sedikit kelegaan, karena klan yang bertikai, dalam keberhasilan mereka, memberikan bantuan sesuai keinginan mereka. Tampaknya situasinya sangat tidak menguntungkan bagi perkembangan seni, tetapi kenyataannya para shogun Ashikaga melindunginya, terutama pada abad ke-15 dan ke-16, ketika seni lukis berkembang pesat.

Seni paling signifikan saat ini adalah gambar tinta puitis monokrom yang didorong oleh Buddhisme Zen dan dipengaruhi oleh desain Tiongkok dari dinasti Song dan Yuan. Selama Dinasti Ming (1368-1644), kontak dengan Tiongkok diperbarui, dan Yoshimitsu, seorang kolektor dan pelindung seni, mendorong pengumpulan dan pembelajaran lukisan Cina. Dia menjadi model dan titik awal bagi seniman berbakat yang melukis pemandangan, burung, bunga, gambar pendeta dan orang bijak dengan sapuan kuas yang ringan dan lancar. Seni lukis Jepang saat ini bercirikan ekonomi garis; sang seniman tampaknya mengekstraksi intisari dari plot yang digambarkan, membiarkan tatapan penonton mengisinya dengan detail. Peralihan tinta abu-abu dan hitam mengkilat pada lukisan-lukisan ini sangat dekat dengan filosofi Zen, yang tentunya menginspirasi pengarangnya. Meskipun kredo ini mencapai pengaruh yang cukup besar bahkan di bawah kekuatan militer Kamakura, kredo ini terus menyebar dengan cepat pada abad ke-15 dan ke-16, ketika banyak biara Zen muncul. Mengkhotbahkan terutama gagasan "penyelamatan diri", itu tidak mengaitkan keselamatan dengan Buddha, melainkan mengandalkan disiplin diri manusia yang keras untuk mencapai "pencerahan" intuitif yang tiba-tiba yang menyatukannya dengan yang absolut. Penggunaan tinta yang hemat namun berani dan komposisi asimetris, di mana bagian kertas yang tidak dicat memainkan peran penting dalam menggambarkan lanskap, orang bijak, dan ilmuwan yang diidealkan, sejalan dengan filosofi ini.

Salah satu eksponen sumi-e yang paling terkenal, sebuah gaya lukisan tinta monokrom, adalah Sesshu (1420-1506), seorang pendeta Zen yang umur panjang dan produktif memastikan dia terus dihormati. Di penghujung hayatnya, ia mulai menggunakan gaya haboku (tinta cepat), yang berbeda dengan gaya dewasa yang membutuhkan guratan-guratan yang jelas dan ekonomis, membawa tradisi lukisan monokrom hampir ke abstraksi.
Aktivitas seniman keluarga Kano dan perkembangan gaya mereka jatuh pada periode yang sama. Dalam hal pemilihan subjek dan penggunaan tinta, mirip dengan bahasa Cina, tetapi tetap bahasa Jepang dalam hal sarana ekspresif. Kano, dengan dukungan dari keshogunan, menjadi sekolah "resmi" atau gaya artistik lukisan dan berkembang bahkan di abad ke-19.

Tradisi naif yamato-e terus hidup dalam karya sekolah Tosa, jurusan seni lukis Jepang yang penting kedua. Padahal, pada saat itu, kedua sekolah, Kano dan Tosa, terhubung erat, dipersatukan oleh kepentingan kehidupan modern. Motonobu Kano (1476-1559), salah satunya seniman yang luar biasa periode ini, tidak hanya menikahkan putrinya dengan artis terkenal Tosa, tetapi juga melukis dengan gayanya.

Pada abad 15-16. hanya ada beberapa karya patung yang patut diperhatikan. Namun, perlu dicatat bahwa perkembangan drama noo, dengan keragaman suasana hati dan emosinya, membuka bidang aktivitas baru bagi para pematung - mereka mengukir topeng untuk para aktor. Dalam drama klasik Jepang yang dipentaskan oleh dan untuk aristokrasi, para aktor (satu atau lebih) memakai topeng. Mereka menyampaikan berbagai perasaan mulai dari ketakutan, kecemasan, dan kebingungan hingga kegembiraan yang tertahan. Beberapa topeng diukir dengan sangat indah sehingga sedikit saja putaran kepala aktor menyebabkan perubahan ekspresi yang halus. Contoh luar biasa dari topeng ini telah disimpan selama bertahun-tahun oleh keluarga yang anggotanya dibuat.

periode Momoyama

(1568-1615). Pada tahun 1593, diktator militer besar Hideyoshi membangun kastilnya di Momoyama, "Bukit Persik", dan dengan nama ini biasanya digunakan untuk menetapkan periode 47 tahun dari jatuhnya keshogunan Ashikaga hingga berdirinya Tokugawa, atau periode Edo. , pada tahun 1615. Ini adalah masa dominasi kelas militer yang sama sekali baru, yang kekayaannya yang besar berkontribusi pada berkembangnya seni. Kastil yang mengesankan dengan ruang audiensi yang besar dan koridor panjang mulai populer pada akhir abad ke-16. dan menuntut ornamen yang sesuai dengan kebesaran mereka. Itu adalah masa orang-orang yang tegas dan berani, dan pelindung baru, tidak seperti aristokrasi sebelumnya, tidak terlalu tertarik pada pengejaran intelektual atau seluk-beluk pengerjaan. Untungnya, seniman generasi baru hidup sesuai dengan pelindung mereka. Selama periode ini, layar indah dan panel bergerak berwarna merah terang, zamrud, hijau, ungu dan bunga biru. Warna-warna cerah dan bentuk dekoratif seperti itu, seringkali dengan latar belakang emas atau perak, sangat populer selama seratus tahun, dan penciptanya berhak disebut "dekorator hebat". Berkat cita rasa Jepang yang halus, gaya sombong tidak berubah menjadi vulgar, dan bahkan ketika pengekangan dan meremehkan digantikan oleh kemewahan dan dekorasi yang berlebihan, orang Jepang berhasil mempertahankan keanggunan.

Eitoku Kano (1543-1590), salah satu seniman hebat pertama pada periode ini, bekerja dengan gaya Kano dan Tosa, memperluas konsep menggambar yang pertama dan menggabungkannya dengan kekayaan warna yang kedua. Meskipun hanya beberapa karya yang Eitoku dapat dengan aman diidentifikasi sebagai penulisnya yang bertahan, dia dianggap sebagai salah satu pendiri gaya Momoyama, dan sebagian besar seniman pada periode ini adalah muridnya atau dipengaruhi olehnya.

periode Edo atau Tokugawa

(1615-1867). Masa damai panjang yang datang ke Jepang yang baru bersatu disebut waktu Tokugawa, menurut nama penguasa, atau Edo (Tokyo modern), karena pada 1603 kota ini menjadi pusat kekuasaan baru. Dua jenderal terkenal dari periode singkat Momoyama, Oda Nobunaga (1534-1582) dan Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), melalui aksi militer dan diplomasi, akhirnya berhasil mendamaikan klan-klan yang kuat dan ulama militan. Dengan kematian Hideyoshi pada tahun 1598, kekuasaan diteruskan ke Ieyasu Tokugawa (1542-1616), yang menyelesaikan langkah-langkah yang dimulai bersama. Pertempuran Sekigahara yang menentukan pada tahun 1600 memperkuat posisi Ieyasu, jatuhnya Kastil Oska pada tahun 1615 disertai dengan runtuhnya terakhir rumah Hideyoshi dan pembentukan pemerintahan tak terbagi dari Keshogunan Tokugawa.

Aturan damai Tokugawa berlangsung selama 15 generasi dan baru berakhir pada abad ke-19. Itu pada dasarnya adalah periode kebijakan "pintu tertutup". Dengan keputusan tahun 1640, orang asing dilarang masuk ke Jepang, dan orang Jepang tidak dapat bepergian ke luar negeri. Satu-satunya hubungan komersial dan budaya adalah dengan Belanda dan Cina melalui pelabuhan Nagasaki. Seperti pada periode isolasi lainnya, terjadi kebangkitan perasaan kebangsaan dan kemunculannya pada akhir abad ke-17. yang disebut sekolah seni lukis dan ukiran bergenre.
Ibukota Edo yang berkembang pesat tidak hanya menjadi pusat kehidupan politik dan bisnis kerajaan pulau, tetapi juga pusat seni dan kerajinan. Persyaratan bahwa daimyo, penguasa feodal provinsi, berada di ibu kota selama waktu tertentu setiap tahun menciptakan kebutuhan akan gedung-gedung baru, termasuk gedung istana, dan oleh karena itu seniman harus mendekorasinya. Kelas pedagang kaya tetapi non-aristokrat yang muncul secara bersamaan memberikan perlindungan baru dan seringkali tidak profesional kepada seniman.

Seni periode Edo awal sebagian melanjutkan dan mengembangkan gaya Momoyama, mengintensifkan kecenderungannya ke arah kemewahan dan kemegahan. Kekayaan gambar-gambar aneh dan polikrom yang diwarisi dari periode sebelumnya terus berkembang. Gaya dekoratif ini mencapai puncaknya pada kuartal terakhir abad ke-17. dalam apa yang disebut. era Genroku pada periode Tokugawa (1688-1703). Dalam seni dekoratif Jepang, ia tidak memiliki kesejajaran dalam pemborosan dan kekayaan warna dan motif dekoratif dalam lukisan, kain, pernis, dalam hal-hal sepele artistik - atribut gaya hidup mewah.

Karena kita berbicara tentang relatif periode terlambat sejarah, tidak mengherankan jika nama banyak seniman dan karya mereka telah dilestarikan; di sini dimungkinkan untuk menyebutkan hanya beberapa yang paling menonjol. Di antara perwakilan sekolah dekoratif yang hidup dan bekerja selama periode Momoyama dan Edo adalah Honnami Koetsu (1558-1637) dan Nonomura Sotatsu (w. 1643). Karya mereka menunjukkan rasa pola, komposisi, dan warna yang luar biasa. Koetsu, seorang ahli keramik dan pernis berbakat, dikenal karena keindahan kaligrafinya. Bersama dengan Sotatsu, mereka membuat puisi gulungan yang sedang populer saat itu. Dalam kombinasi sastra, kaligrafi, dan lukisan ini, gambar bukan sekadar ilustrasi: mereka menciptakan atau menyarankan suasana yang sesuai dengan persepsi teks. Ogata Korin (1658-1716) adalah salah satu pewaris gaya dekoratif dan, bersama adik laki-lakinya Ogata Kenzan (1663-1743), menyempurnakan tekniknya. Kenzan, lebih dikenal sebagai ahli keramik daripada sebagai seniman, menembakkan bejana yang bertuliskan desain kakak laki-lakinya yang terkenal. Kebangkitan kembali sekolah ini pada awal abad ke-19. oleh penyair dan pelukis Sakai Hoitsu (1761-1828) adalah gelombang terakhir dalam gaya dekoratif. Gulungan dan layar Horitsu yang indah menggabungkan rasa menggambar Korin dengan minat naturalisme Maruyama pada alam, menghasilkan kekayaan warna dan motif dekoratif dari periode sebelumnya, diredam oleh kemegahan dan kemahiran sapuan kuas.

Seiring dengan gaya dekoratif polikrom, gambar tinta sekolah Kano tradisional terus menjadi populer. Pada tahun 1622 Kanō Tanyu (1602-1674) ditunjuk sebagai pelukis istana untuk shogun dan dipanggil ke Edo. Dengan pengangkatannya ke posisi ini dan pendirian sekolah seni lukis Kano Edo di Kobikito, periode setengah abad kepemimpinan artistik dari tradisi ini dimulai, yang memulihkan keunggulan keluarga Kano dan menjadikan karya-karya periode Edo paling banyak. penting dalam lukisan Kano. Terlepas dari popularitas layar yang dicat dengan emas dan warna-warna cerah, yang dibuat oleh "dekorator hebat" dan saingannya, Tangyu, berkat kekuatan bakat dan posisi resminya, mampu mempopulerkan lukisan sekolah Kano yang dihidupkan kembali di kalangan bangsawan. Tanyu menambahkan kekuatan dan kesederhanaan pada fitur tradisional aliran Kano, berdasarkan garis putus-putus yang kaku dan susunan elemen komposisi yang dipikirkan dengan matang pada permukaan bebas yang besar.

Arah baru di mana Fitur utama ada minat pada alam, mulai berlaku pada akhir abad ke-18. Maruyama Okyo (1733-1795), kepala sekolah baru, adalah seorang petani, kemudian menjadi pendeta dan akhirnya menjadi seniman. Dua kelas pertama tidak memberinya kebahagiaan atau kesuksesan, tetapi sebagai seorang seniman ia mencapai puncaknya dan dianggap sebagai pendiri sekolah realistik Maruyama. Dia belajar dengan master sekolah Kano, Ishida Yutei (w. c. 1785); atas dasar ukiran Belanda yang diimpor, ia memahami teknik representasi perspektif Barat, dan kadang-kadang hanya menyalin ukiran ini. Dia juga mempelajari gaya Cina dari Dinasti Song dan Yuan, termasuk gaya halus dan realistis dari Chen Xuan (1235-1290) dan Shen Nanping; yang terakhir tinggal di Nagasaki pada awal abad ke-18. Okyo membuat banyak karya dari alam, dan pengamatan ilmiahnya menjadi dasar persepsi alam, yang menjadi dasar aliran Maruyama.

Selain minat pada naturalisme di abad ke-18. pengaruh baru dari tradisi seni Cina. Perwakilan dari tren ini condong ke arah sekolah melukis Ming (1368-1644) dan Qing (1644-1912) pelukis-ilmuwan, meskipun pemahaman mereka tentang keadaan seni saat ini di Tiongkok mungkin terbatas. Seni sekolah Jepang ini disebut bujinga (seni orang terpelajar). Salah satu master gaya bujinga yang paling berpengaruh adalah Ikeno Taiga (1723-1776), seorang pelukis dan ahli kaligrafi terkenal. Gayanya yang dewasa dicirikan oleh garis kontur tebal yang diisi dengan sapuan bulu tipis dengan nada dan tinta ringan; ia juga melukis dengan sapuan tinta hitam yang lebar dan bebas, menggambarkan batang bambu yang tertunduk ditiup angin dan hujan. Dengan garis-garis melengkung yang pendek, ia mendapatkan efek yang mengingatkan pada pahatan pada gambar pegunungan berkabut di atas danau yang dikelilingi hutan.
abad ke-17 menelurkan arahan seni luar biasa lainnya pada periode Edo. Inilah yang disebut ukiyo-e (gambar dunia yang berubah) - adegan bergenre yang dibuat oleh dan untuk orang biasa. Awal ukiyo-e berasal dari ibu kota lama Kyoto dan sebagian besar indah. Tetapi pusat produksi mereka segera pindah ke Edo, dan perhatian para master terfokus pada potongan kayu. Keterkaitan yang erat antara percetakan cukil kayu dengan ukiyo-e telah menimbulkan kesalahpahaman bahwa percetakan cukil kayu adalah penemuan periode ini; sebenarnya, itu berasal dari abad ke-11. Gambar awal seperti itu bersifat nazar, menggambarkan pendiri agama Buddha dan dewa, dan selama periode Kamakura, beberapa gulungan naratif direproduksi dari balok berukir. Namun, seni ukiran menjadi sangat populer pada periode pertengahan abad ke-17 hingga abad ke-19.

Subjek ukiran ukiyo-e adalah pelacur cantik dari kawasan gay, aktor favorit, dan adegan dari drama. Awal, disebut. ukiran primitif dibuat dalam warna hitam, dengan garis bergelombang ritmis yang kuat, dan dibedakan pola sederhana. Mereka terkadang dilukis dengan tangan dengan warna oranye-merah yang disebut tan-e (lukisan merah cerah), dengan tanda kuning dan hijau mustard. Beberapa seniman "primitif" menggunakan lukisan tangan yang disebut urushu-e (lukisan pernis), di mana area gelap diperbesar dan dibuat lebih terang dengan penambahan lem. Cetakan polikrom awal, yang muncul pada tahun 1741 atau 1742, disebut benizuri-e (cetakan merah tua) dan biasanya menggunakan tiga warna - merah mawar, hijau, dan terkadang kuning. Ukiran yang benar-benar multiwarna, menggunakan seluruh palet dan disebut nishiki-e (gambar brokat), muncul pada tahun 1765.

Selain membuat cetakan individu, banyak pengukir mengilustrasikan buku dan menghasilkan uang dengan membuat ilustrasi erotis di buku dan gulungan. Perlu diingat bahwa pengukiran ukiyo-e terdiri dari tiga jenis kegiatan: itu adalah pekerjaan juru gambar, yang namanya cetakan, pemahat dan pencetak.

Hishikawa Moronobu (c. 1625-1694) dianggap sebagai pendiri tradisi pembuatan cetakan ukiyo-e. Seniman "primitif" lainnya dari tren ini adalah Kiyomasu (1694-1716) dan kelompok Kaigetsudo (komunitas seniman aneh yang keberadaannya masih belum jelas), serta Okumura Masanobu (1686-1764).

Seniman peralihan yang menciptakan cetakan benizuri-e adalah Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (aktif c. 1751-1760), dan Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Karya Suzuki Harunobu (1725-1770) membuka era ukiran polikrom. Dipenuhi dengan warna lembut, hampir netral, diisi oleh wanita anggun dan kekasih gagah, cetakan Harunobu sukses besar. Sekitar waktu yang sama, Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) dan Kitagawa Utamaro (1753-1806) bekerja dengannya. Masing-masing berkontribusi pada perkembangan genre ini; master membawa ukiran yang menggambarkan keindahan anggun dan aktor terkenal untuk kesempurnaan. Dalam beberapa bulan pada 1794-1795, Tosusai Saraku yang misterius menciptakan potret para aktor pada masa itu yang sangat kuat dan terus terang kejam.

Pada dekade pertama abad ke-19 genre ini telah mencapai kematangan dan mulai menurun. Katsushika Hokusai (1760-1849) dan Ando Hiroshige (1797-1858) adalah master terhebat di zaman itu, yang karyanya menghubungkan penurunan seni ukir di abad ke-19. dan kebangkitan barunya di awal abad ke-20. Keduanya pada dasarnya adalah pelukis lanskap, mengabadikan peristiwa kehidupan modern dalam ukiran mereka. Penguasaan teknik pemahat dan pencetak yang cemerlang memungkinkan untuk menyampaikan garis-garis aneh dan sedikit bayangan matahari terbenam atau kabut yang terbit saat fajar dalam ukiran.

Restorasi Meiji dan Periode Modern.

Sering terjadi bahwa seni kuno satu atau beberapa orang miskin dalam nama, tanggal, dan karya yang bertahan, sehingga penilaian apa pun hanya dapat dibuat dengan sangat hati-hati dan konvensi. Namun, tidak kalah sulitnya menilai seni rupa kontemporer, karena kita kehilangan perspektif sejarah untuk menilai dengan tepat skala gerakan atau seniman dan karyanya. Kajian seni rupa Jepang tidak terkecuali, dan yang paling bisa dilakukan adalah menghadirkan panorama seni rupa kontemporer dan menarik beberapa kesimpulan sementara sementara.

Di paruh kedua abad ke-19 Pelabuhan Jepang dibuka kembali untuk perdagangan, perubahan besar terjadi di kancah politik. Pada tahun 1868, keshogunan dihapuskan dan pemerintahan Kaisar Meiji dipulihkan. Ibukota resmi dan kediaman kaisar dipindahkan ke Edo, dan kota itu sendiri dikenal sebagai Tokyo (ibu kota timur).

Seperti yang terjadi di masa lalu, berakhirnya isolasi nasional menimbulkan ketertarikan yang besar terhadap prestasi bangsa lain. Saat ini, Jepang membuat lompatan besar dalam sains dan teknologi. Secara artistik, awal era Meiji (1868-1912) menunjukkan penerimaan terhadap segala hal yang berbau Barat, termasuk teknologi. Namun, semangat ini tidak bertahan lama, dan diikuti oleh masa asimilasi, munculnya bentuk-bentuk baru, menggabungkan kembali ke tradisi mereka sendiri dan tren baru Barat.

Di antara para seniman, Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) dan Tomioka Tessai (1836-1942) mendapatkan ketenaran. Tiga yang pertama menganut gaya dan subjek tradisional Jepang, meskipun mereka berusaha menunjukkan orisinalitas dalam suasana hati dan teknik. Seihō, misalnya, bekerja dalam suasana Kyoto yang tenang dan konservatif. Karya awalnya dilakukan dengan cara naturalistik Maruyama, tetapi kemudian dia melakukan perjalanan secara ekstensif di Tiongkok dan sangat dipengaruhi oleh lukisan tinta Tiongkok. Perjalanannya ke museum dan pusat seni terkemuka di Eropa juga meninggalkan jejak pada karyanya. Dari semua artis terkemuka saat ini, hanya Tomioka Tessai yang hampir mengembangkan gaya baru. Dalam karya-karyanya yang energik dan penuh kekuatan, garis-garis kasar, bengkok, bergerigi dan noda tinta hitam dipadukan dengan bercak-bercak warna yang tertulis halus. Di tahun-tahun berikutnya, beberapa pelukis cat minyak muda berhasil di mana kakek mereka gagal. Upaya pertama untuk mengerjakan bahan yang tidak biasa ini mengingatkan pada kanvas Paris dan tidak dibedakan oleh nilai atau kekhususan khusus. Fitur Jepang. Namun, karya-karya dengan daya tarik luar biasa kini sedang diciptakan, di mana rasa warna dan keseimbangan Jepang yang khas bersinar melalui tema-tema abstrak. Seniman lain, bekerja dengan tinta yang lebih alami dan tradisional dan terkadang menggunakan kaligrafi sebagai titik awal, membuat karya abstrak yang energik dalam warna hitam cemerlang dengan nuansa abu-abu.

Seperti pada zaman Edo, pada abad ke-19 dan ke-20. patung tidak populer. Tetapi bahkan di bidang ini, perwakilan generasi modern yang belajar di Amerika dan Eropa bereksperimen dengan sangat sukses. kecil patung perunggu, abstrak dalam bentuk dan nama yang aneh, menampilkan rasa garis dan warna Jepang, yang memanifestasikan dirinya dalam penggunaan patina hijau lembut atau cokelat hangat; ukiran kayu membuktikan kecintaan orang Jepang pada tekstur bahannya.

Sosaku hanga, "cetakan kreatif" Jepang, hanya muncul pada dekade pertama abad ke-20, tetapi sebagai arah seni khusus, ia melampaui semua bidang seni modern lainnya. Tegasnya, cetakan modern ini bukanlah penerus potongan kayu ukiyo-e yang lebih tua; mereka berbeda dalam gaya, plot, dan metode pembuatan. Seniman, banyak di antaranya sangat dipengaruhi oleh lukisan Barat, menyadari pentingnya warisan artistik mereka sendiri dan menemukan bahan kayu yang tepat untuk mengekspresikan cita-cita kreatif mereka. Ahli Hanga tidak hanya melukis, tetapi juga mengukir gambar pada balok kayu dan mencetaknya sendiri. Meskipun pengerjaan kayu adalah yang tertinggi dalam bentuk seni ini, semua teknik seni grafis Barat modern digunakan. Bereksperimen dengan daun, benang, dan "objek yang ditemukan" dalam beberapa kasus memungkinkan Anda membuat efek tekstur permukaan yang unik. Pada awalnya, para ahli tren ini terpaksa mencari pengakuan: lagipula, pencapaian terbaik sekolah ukiyo-e pun diasosiasikan oleh seniman intelektual dengan kerumunan yang buta huruf dan dianggap sebagai seni kampungan. Seniman seperti Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi, dan Maekawa Senpan telah melakukan banyak hal untuk memulihkan rasa hormat terhadap seni grafis dan menetapkan arah ini sebagai cabang yang layak. seni rupa. Mereka menarik banyak seniman muda ke grup mereka dan pengukir sekarang berjumlah ratusan. Di antara master generasi ini yang mendapat pengakuan di Jepang dan di Barat adalah Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen, dan Saito Kiyoshi. Ini adalah para master yang inovasi dan bakatnya yang tak terbantahkan telah memungkinkan mereka menempati posisi yang layak di antara seniman terkemuka Jepang. Banyak rekan mereka dan seniman hanga muda lainnya juga menghasilkan ukiran yang luar biasa; fakta bahwa kami tidak menyebutkan nama mereka di sini tidak berarti penilaian yang rendah terhadap pekerjaan mereka.

SENI DAN SENI TERAPAN, ARSITEKTUR DAN TAMAN

Pada bagian sebelumnya, ini terutama tentang lukisan dan patung, yang di sebagian besar negara dianggap sebagai jenis seni rupa utama. Mungkin tidak adil untuk memasukkan di akhir artikel seni dekoratif dan kerajinan rakyat, seni taman dan arsitektur - bentuk-bentuk yang merupakan bagian penting dan integral dari seni Jepang. Namun, mungkin, dengan pengecualian arsitektur, mereka memerlukan pertimbangan khusus selain periodisasi umum Seni Jepang dan dengan perubahan gaya.

Keramik dan porselen.

Seni dan kerajinan terpenting di Jepang adalah keramik dan porselen. Seni keramik secara alami terbagi dalam dua kategori. Polikrom halus Imari, Nabeshima, dan Kakiemon china mengambil namanya dari tempat produksinya, dan lukisannya yang kaya pada permukaan krem atau putih kebiruan ditujukan untuk kalangan bangsawan dan istana. Proses pembuatan porselen asli mulai dikenal di Jepang pada akhir abad ke-16 atau awal abad ke-17; piring dan mangkuk dengan glasir halus, dengan pola asimetris atau seperti brokat, dihargai baik di rumah maupun di Barat.

Berbeda dengan porselen dalam tembikar kasar yang terbuat dari tanah liat atau massa batu berkualitas rendah, yang merupakan ciri khas Shino, Oribe, dan Bizen, perhatian difokuskan pada bahannya, yang tampaknya ceroboh, tetapi penataan elemen dekoratifnya dengan cermat. Dipengaruhi oleh konsep Buddhisme Zen, bejana semacam itu sangat populer di kalangan intelektual dan digunakan secara luas, terutama dalam upacara minum teh. Dalam banyak cangkir, teko, dan caddie, atribut seni upacara minum teh, inti dari Buddhisme Zen diwujudkan: disiplin diri yang keras dan kesederhanaan yang ketat. Pada masa kejayaan seni dekoratif Jepang seniman berbakat Korin dan Kenzan terlibat dalam dekorasi produk keramik. Perlu diingat bahwa kemasyhuran Kenzan lebih banyak dikaitkan dengan bakatnya sebagai seorang ahli keramik, dan bukan sebagai seorang pelukis. Beberapa jenis dan teknik pembuatan kapal yang lebih sederhana berasal dari tradisi kerajinan rakyat. Bengkel modern, melanjutkan tradisi lama, menghasilkan produk cantik yang menyenangkan dengan kesederhanaannya yang elegan.

Produk pernis.

Sudah dalam 7-8 abad. pernis dikenal di Jepang. Sejak saat itu, tutup peti mati yang dihiasi gambar orang dan motif geometris yang diaplikasikan dengan garis tipis keemasan telah dilestarikan. Kami telah berbicara tentang pentingnya teknik pernis kering untuk seni pahat pada abad ke-8 dan ke-9; pada saat yang sama dan kemudian, dibuatlah benda-benda dekoratif seperti kotak surat atau kotak dupa. Pada zaman Edo, produk ini dibuat dalam jumlah banyak dan dengan dekorasi yang paling megah. Kotak-kotak yang dihias dengan mewah untuk sarapan, untuk kue, untuk dupa dan obat-obatan, yang disebut inro, mencerminkan kekayaan dan kecintaan akan kemewahan yang melekat saat ini. Permukaan benda-benda itu dihiasi dengan pola bubuk emas dan perak, potongan-potongan kertas emas, sendiri-sendiri atau dikombinasikan dengan inlay cangkang, induk mutiara, paduan timah dan timah, dll.; pola-pola ini kontras dengan permukaan merah, hitam atau coklat yang dipernis. Terkadang seniman seperti Korin dan Koetsu membuat desain pernis, tetapi kecil kemungkinannya mereka secara pribadi berpartisipasi dalam karya ini.

Pedang.

Orang Jepang, seperti yang telah dikatakan, telah menjadi bangsa pejuang selama periode yang cukup lama dalam sejarah mereka; senjata dan baju besi dianggap sebagai barang penting bagi sebagian besar penduduk. Pedang adalah kebanggaan seorang pria; baik bilahnya sendiri maupun semua bagian pedang lainnya, terutama gagangnya (tsuba), didekorasi dengan berbagai teknik. Tsuba yang terbuat dari besi atau perunggu dihiasi dengan tatahan emas dan perak, diukir, atau dipangkas dengan keduanya. Mereka menggambarkan pemandangan atau sosok orang, bunga atau lambang keluarga (mon). Semua ini melengkapi karya pembuat pedang.

Kain.

Sutra bermotif kaya dan kain lainnya, disukai oleh istana dan pendeta pada saat kemewahan dan kelimpahan, serta kain polos dengan karakteristik desain seni rakyat yang hampir primitif, juga merupakan ekspresi bakat nasional Jepang. Mencapai puncaknya pada era Genroku yang kaya, seni tekstil kembali berkembang di Jepang modern. Ini menggabungkan ide dan serat buatan dari Barat dengan warna tradisional dan motif dekoratif.

Taman.

Dalam beberapa dekade terakhir, minat terhadap taman dan arsitektur Jepang telah meningkat karena publik Barat lebih banyak terpapar pada bentuk seni ini. Taman di Jepang memiliki tempat khusus; mereka adalah ekspresi dan simbol dari kebenaran religius dan filosofis yang tinggi, dan nada simbolis yang tidak jelas ini, dikombinasikan dengan keindahan taman yang tampak, membangkitkan minat dunia Barat. Tidak dapat dikatakan bahwa ide-ide religius atau filosofis adalah alasan utama membuat taman, tetapi ketika merencanakan dan membuat taman, perencana mempertimbangkan elemen-elemen seperti itu, yang perenungannya akan mengarahkan pemirsa untuk berpikir tentang berbagai kebenaran filosofis. Di sini, aspek kontemplatif Buddhisme Zen diwujudkan dalam kelompok batu yang tidak biasa, gelombang pasir dan kerikil yang digaruk, dikombinasikan dengan rumput, atau tanaman yang diatur sedemikian rupa sehingga aliran di belakangnya menghilang dan muncul kembali, yang semuanya mendorong pemirsa untuk menyelesaikannya sendiri. yang ditetapkan selama ide taman konstruksi. Preferensi untuk petunjuk yang tidak jelas daripada penjelasan yang dapat dipahami adalah ciri khas filosofi Zen. Pohon kerdil bonsai dan taman pot kecil, yang sekarang populer di Barat, telah menjadi kelanjutan dari gagasan ini.

Arsitektur.

Utama monumen arsitektur Jepang adalah kuil, kompleks biara, kastil dan istana feodal. Dari zaman kuno hingga saat ini, kayu telah menjadi bahan bangunan utama dan sebagian besar menentukan fitur desain. Bangunan keagamaan tertua adalah kuil agama nasional Jepang Shinto; dilihat dari teks dan gambarnya, mereka adalah bangunan yang relatif sederhana dengan atap jerami, seperti tempat tinggal kuno. Bangunan kuil yang didirikan setelah penyebaran agama Buddha dan terkait dengannya didasarkan pada prototipe Cina dalam gaya dan tata letak. Arsitektur kuil Buddha telah berubah dari waktu ke waktu, dan dekorasi serta penataan bangunan bervariasi di sekte yang berbeda. Bangunan Jepang dicirikan oleh aula besar dengan atap tinggi dan sistem konsol yang rumit, dan dekorasinya mencerminkan selera pada masanya. Arsitektur kompleks Horyu-ji yang sederhana dan megah, dibangun di dekat Nara pada awal abad ke-7, merupakan ciri khas periode Asuka sebagaimana keindahan dan keanggunan proporsi Hoodo, "Aula Phoenix" Uji yang tercermin di Danau Teratai , adalah periode Heian. Struktur yang lebih rumit dari periode Edo menerima hiasan tambahan dalam bentuk pintu geser dan layar yang dicat dengan indah yang dibuat oleh "dekorator hebat" yang sama yang menghiasi interior kastil berparit dan istana feodal.

Arsitektur dan taman Jepang sangat erat kaitannya sehingga dapat dianggap sebagai bagian dari satu sama lain. Ini terutama berlaku untuk bangunan dan rumah taman untuk upacara minum teh. Keterbukaan, kesederhanaan, dan koneksi mereka yang dibuat dengan hati-hati dengan lanskap dan perspektif memiliki pengaruh yang besar Arsitektur modern Barat.

DAMPAK SENI JEPANG DI BARAT

Hanya dalam satu abad, seni Jepang dikenal di Barat dan berdampak signifikan padanya. Ada juga kontak sebelumnya (misalnya, Belanda berdagang dengan Jepang melalui pelabuhan Nagasaki), tetapi benda-benda yang sampai ke Eropa pada abad ke-17 sebagian besar adalah karya seni terapan - porselen dan pernis. Mereka dengan penuh semangat dikumpulkan sebagai keingintahuan dan disalin dengan berbagai cara, tetapi ekspor dekoratif ini tidak mencerminkan esensi dan kualitas seni Jepang dan bahkan memberi orang Jepang gagasan yang tidak menyenangkan tentang cita rasa Barat.

Untuk pertama kalinya, seni lukis Barat mengalami pengaruh langsung seni rupa Jepang di Eropa pada tahun 1862 dalam masa yang sangat besar Pameran Internasional di London. Diperkenalkan di Pameran Paris lima tahun kemudian, cetakan balok kayu Jepang membangkitkan minat baru. Beberapa koleksi ukiran pribadi segera bermunculan. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh, dan lainnya mengambil cetakan warna Jepang sebagai wahyu; pengaruh seni grafis Jepang yang sedikit tetapi selalu dapat dikenali pada kaum Impresionis sering dicatat. Orang Amerika Whistler dan Mary Cassatt tertarik dengan batasan garis dan warna cerah dari cetakan dan lukisan ukiyo-e.

Pembukaan Jepang untuk orang asing pada tahun 1868 menciptakan daya tarik dengan segala hal Barat dan membuat orang Jepang berpaling dari kekayaan budaya dan warisan seni mereka sendiri. Saat ini, banyak lukisan dan pahatan indah dijual dan berakhir di museum Barat dan koleksi pribadi. Pameran barang-barang ini memperkenalkan Barat ke Jepang dan membangkitkan minat untuk bepergian ke Timur Jauh. Tidak diragukan lagi, pendudukan Jepang oleh pasukan Amerika pada akhir Perang Dunia II membuka lebih banyak peluang daripada sebelumnya untuk mengenal dan mempelajari lebih dalam kuil-kuil Jepang dan harta karunnya. Ketertarikan ini tercermin dari kehadiran museum-museum Amerika. Ketertarikan pada Timur pada umumnya disebabkan oleh penyelenggaraan pameran seni Jepang yang dipilih dari koleksi publik dan pribadi Jepang dan dibawa ke Amerika dan Eropa.

Penelitian ilmiah dalam beberapa dekade terakhir telah banyak membantah pandangan bahwa seni Jepang hanyalah cerminan dari seni Tiongkok, dan banyak publikasi Jepang dalam bahasa Inggris telah memperkenalkan Barat pada cita-cita Timur.

Populer dalam kategori: