Lukisan Renaisans. Seniman Renaisans Besar Seniman Renaisans Abad ke-12-16

Pencapaian Renaisans yang tidak diragukan lagi adalah konstruksi gambar yang benar secara geometris. Seniman membangun gambar menggunakan teknik yang dia kembangkan. Hal utama bagi pelukis pada masa itu adalah memperhatikan proporsi objek. Bahkan alam berada di bawah metode matematis untuk menghitung proporsionalitas gambar dengan objek lain dalam gambar.

Dengan kata lain, seniman Renaisans berusaha menyampaikan citra yang akurat, misalnya seseorang dengan latar belakang alam. Jika dibandingkan dengan metode modern untuk membuat ulang gambar yang terlihat pada beberapa jenis kanvas, kemungkinan besar, foto dengan penyesuaian selanjutnya akan membantu untuk memahami apa yang diperjuangkan oleh seniman Renaisans.

Pelukis Renaisans percaya bahwa mereka memiliki hak untuk memperbaiki kekurangan alam, yaitu jika seseorang memiliki fitur wajah yang jelek, para seniman memperbaikinya sedemikian rupa sehingga wajah menjadi manis dan menarik.

Leonardo da Vinci

Renaisans menjadi berkat banyak kepribadian kreatif yang hidup pada saat itu. Leonardo da Vinci yang terkenal di dunia (1452 - 1519) menciptakan sejumlah besar mahakarya, yang biayanya diperkirakan mencapai jutaan dolar, dan penikmat seninya siap untuk merenungkan lukisannya untuk waktu yang lama.

Leonardo memulai studinya di Florence. Kanvas pertamanya, dilukis sekitar tahun 1478, adalah Benois Madonna. Lalu ada kreasi seperti "Madonna in the Grotto", "Mona Lisa", "Last Supper" yang disebutkan di atas dan sejumlah mahakarya lain yang ditulis oleh tangan seorang raksasa Renaisans.

Tingkat keparahan proporsi geometris dan reproduksi yang tepat dari struktur anatomi seseorang - inilah yang menjadi ciri khas lukisan Leonard da Vinci. Menurut keyakinannya, seni melukis gambar tertentu di atas kanvas adalah ilmu, bukan sekedar hobi.

Rafael Santi

Raphael Santi (1483 - 1520) dikenal di dunia seni sebagai Raphael menciptakan karya-karyanya di Italia. Lukisannya dijiwai dengan lirik dan keanggunan. Raphael adalah perwakilan dari Renaisans, yang menggambarkan seorang pria dan keberadaannya di bumi, suka melukis dinding katedral Vatikan.

Lukisan-lukisan itu mengkhianati kesatuan figur, korespondensi ruang dan gambar yang proporsional, eufoni warna. Kemurnian Perawan menjadi dasar dari banyak lukisan Raphael. Gambar Bunda Allah yang pertama adalah Sistine Madonna, yang dilukis oleh seorang seniman terkenal pada tahun 1513. Potret yang dibuat oleh Raphael mencerminkan citra manusia yang ideal.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445 - 1510) juga seorang pelukis Renaisans. Salah satu karya pertamanya adalah lukisan "The Adoration of the Magi". Puisi halus dan mimpi adalah perilaku aslinya di bidang transfer gambar artistik.

Di awal 80-an abad XV artis hebat melukis dinding Kapel Vatikan. Lukisan dinding yang dibuat olehnya masih menakjubkan.

Seiring berjalannya waktu, lukisannya menjadi bercirikan ketenangan bangunan jaman dahulu, keaktifan karakter yang digambarkan, keharmonisan gambar. Selain itu, ketertarikan Botticelli pada gambar untuk karya sastra terkenal diketahui, yang juga menambah kejayaan pada karyanya.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475-1564) adalah seorang pelukis Italia yang juga berkarya pada zaman Renaisans. Apa yang hanya diketahui oleh banyak dari kita yang tidak dilakukan oleh orang ini. Dan patung, dan lukisan, dan arsitektur, serta puisi. Michelangelo, seperti Raphael dan Botticelli, mengecat dinding kuil Vatikan. Lagipula, hanya pelukis paling berbakat pada masa itu yang terlibat dalam pekerjaan yang bertanggung jawab seperti menggambar gambar di dinding katedral Katolik. Lebih dari 600 meter persegi Kapel Sistina harus dia tutupi dengan lukisan dinding yang menggambarkan berbagai adegan alkitabiah. Karya paling terkenal dalam gaya ini kita kenal sebagai The Last Judgment. Arti cerita alkitabiah diungkapkan secara lengkap dan jelas. Keakuratan transfer gambar seperti itu merupakan ciri khas dari seluruh karya Michelangelo.

Masa Renaisans Tinggi(akhir XV - kuartal pertama abad XVI) - waktu kesempurnaan dan kebebasan. Seperti bentuk seni lainnya pada zaman ini, seni lukis ditandai oleh keyakinan yang mendalam pada manusia, pada daya kreatifnya, dan daya pikirannya. Dalam lukisan para master Renaisans Tinggi, cita-cita keindahan, humanisme, dan harmoni berkuasa, orang di dalamnya adalah dasar alam semesta.

Pelukis saat ini dengan mudah menggunakan semua cara representasi: warna, diperkaya dengan udara, cahaya dan bayangan, dan gambar, bebas dan tajam; mereka memiliki perspektif dan volume yang sempurna. Orang bernafas dan bergerak di atas kanvas seniman, perasaan dan pengalaman mereka tampak sangat emosional.

Era ini memberi dunia empat orang jenius - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian. Dalam lukisan mereka, ciri-ciri High Renaissance - idealitas dan harmoni, dipadukan dengan kedalaman dan vitalitas gambar - terwujud dengan sangat jelas.

Leonardo da Vinci

Pada tanggal 15 April 1452, di kota kecil Vinci di Italia, yang terletak di dekat Florence, seorang anak haram lahir dari notaris Piero da Vinci. Mereka menamainya Leonardo di ser Piero d'Antonio. Ibu anak laki-laki itu, seorang Katerina tertentu, menikah dengan seorang petani beberapa saat kemudian. Sang ayah tidak meninggalkan bayi haram itu, dia mengasuhnya dan memberinya pendidikan yang baik. Setahun setelah kematian kakek Leonardo, Antonio, pada 1469, notaris pergi bersama keluarganya ke Florence.

Sejak usia dini, Leonardo membangkitkan hasrat untuk menggambar. Menyadari hal ini, sang ayah mengirim bocah itu untuk belajar dengan salah satu ahli seni pahat, lukisan, dan perhiasan paling terkenal saat itu, Andrea Verrocchio (1435-1488). Kemuliaan bengkel Verrocchio luar biasa hebat. Dari penduduk bangsawan kota, banyak pesanan terus-menerus diterima untuk pengerjaan lukisan dan patung. Bukan kebetulan bahwa Andrea Verrocchio menikmati prestise yang tinggi di antara murid-muridnya. Orang-orang sezaman menganggapnya sebagai penerus paling berbakat dari ide-ide Renaisans Florentine dalam seni lukis dan pahatan.

Inovasi Verrocchio sebagai seorang seniman terutama dikaitkan dengan pemikiran ulang gambar, yang memperoleh ciri-ciri naturalistik dari pelukisnya. Dari bengkel Verrocchio, sangat sedikit karya yang bertahan hingga hari ini. Para peneliti percaya bahwa "Baptisan Kristus" yang terkenal diciptakan di bengkel ini. Selain itu, telah ditetapkan bahwa lanskap di latar belakang lukisan dan bidadari di bagian kirinya adalah milik kuas Leonardo.

Sudah dalam karya awal ini, individualitas kreatif dan kedewasaan seniman terkenal masa depan terwujud dengan sendirinya. Pemandangan yang dilukis oleh tangan Leonardo sangat berbeda dengan lukisan alam oleh Verrocchio sendiri. Milik seorang seniman muda, seolah-olah diselimuti kabut tipis dan melambangkan ketidakterbatasan dan ketidakterbatasan ruang.

Gambar yang dibuat oleh Leonardo juga asli. Pengetahuan mendalam tentang anatomi tubuh manusia, serta jiwanya, memungkinkan seniman untuk membuat gambar malaikat yang sangat ekspresif. Penguasaan permainan cahaya dan bayangan membantu seniman untuk menggambarkan sosok yang hidup dan dinamis. Sepertinya para malaikat hanya membeku sesaat. Beberapa menit lagi akan berlalu - dan mereka akan hidup kembali, mereka akan bergerak, berbicara ...

Kritikus seni dan penulis biografi da Vinci mengklaim bahwa pada tahun 1472 Leonardo meninggalkan bengkel Verrocchio dan menjadi master di bengkel pelukis. Sejak 1480, ia beralih ke seni pahat, yang menurut Leonardo merupakan cara paling sederhana untuk mengekspresikan dinamika gerak tubuh manusia. Sejak saat itu, dia bekerja di Akademi Seni - itulah nama bengkel yang terletak di taman di San Marco Square, yang dibuat atas prakarsa Lorenzo the Magnificent.

Pada 1480, Leonardo menerima pesanan dari Gereja San Donato Scopeto untuk komposisi artistik "The Adoration of the Magi".

Leonardo tidak tinggal lama di Florence. Pada 1482 dia berangkat ke Milan. Mungkin keputusan ini sangat dipengaruhi oleh fakta bahwa seniman tersebut tidak diundang ke Roma untuk mengerjakan lukisan Kapel Sistina. Dengan satu atau lain cara, sang master segera muncul di hadapan Adipati kota terkenal Italia Ludovico Sforza. Orang Milan dengan hangat menyambut Leonardo. Dia menetap dan tinggal lama di kawasan Porta Ticinese. Dan pada tahun berikutnya, 1483, dia menulis sebuah altar yang ditugaskan untuk Kapel Immacolata di Gereja San Francesco Grande. Mahakarya ini kemudian dikenal sebagai Madonna of the Rocks.

Sekitar waktu yang sama, Leonardo sedang mengerjakan monumen perunggu untuk Francesco Sforza. Namun, baik sketsa, maupun sketsa percobaan dan coran tidak dapat mengungkapkan niat senimannya. Pekerjaan tetap belum selesai.

Pada periode 1489 hingga 1490, Leonardo da Vinci melukis Castello Sforzesco pada hari pernikahan Gian Galeazzo Sforza.

Hampir seluruh tahun 1494 Leonardo da Vinci mengabdikan diri pada pekerjaan baru untuk dirinya sendiri - hidrolika. Atas prakarsa Sforza yang sama, Leonardo mengembangkan dan mengimplementasikan proyek untuk mengeringkan wilayah Dataran Lombard. Namun, pada tahun 1495 master seni rupa terbesar kembali melukis. Tahun inilah yang menjadi tahap awal dalam sejarah penciptaan lukisan dinding terkenal "The Last Supper", yang menghiasi dinding ruang makan biara yang terletak di dekat gereja Santa Maria delle Grazie.

Pada 1496, sehubungan dengan invasi Kadipaten Milan oleh raja Prancis Louis XII, Leonardo meninggalkan kota. Dia pindah pertama ke Mantua dan kemudian menetap di Venesia.

Sejak 1503, seniman tersebut telah tinggal di Florence dan, bersama dengan Michelangelo, telah mengerjakan lukisan Hall of the Great Council di Palazzo Signoria. Leonardo seharusnya menggambarkan "Battle of Anghiari". Namun, sang master, yang terus-menerus mencari kreatif, seringkali meninggalkan pekerjaan yang telah dimulainya. Begitu pula yang terjadi dengan "Battle of Anghiari" - lukisan dinding itu masih belum selesai. Sejarawan seni berpendapat bahwa saat itulah Gioconda yang terkenal diciptakan.

Dari 1506 hingga 1507 Leonardo kembali tinggal di Milan. Sejak 1512 Adipati Maximilian Sforza memerintah di sana. 24 September 1512 Leonardo memutuskan untuk meninggalkan Milan dan menetap bersama murid-muridnya di Roma. Di sini ia tidak hanya melukis, tetapi juga beralih ke studi matematika dan ilmu lainnya.

Setelah mendapat undangan dari Raja Prancis Francis I pada Mei 1513, Leonardo da Vinci pindah ke Amboise. Di sini dia hidup sampai kematiannya: dia melukis, mendekorasi liburan, dan mengerjakan aplikasi praktis dari proyek-proyek yang ditujukan untuk menggunakan sungai-sungai di Prancis.

2 Mei 1519 artis hebat meninggal. Leonardo da Vinci dimakamkan di gereja Amboise San Fiorentino. Namun, pada puncak perang agama (abad XVI), kuburan artis dihancurkan dan dihancurkan sama sekali. Mahakaryanya, yang dianggap sebagai puncak seni rupa pada abad ke-15 hingga ke-16, masih bertahan hingga hari ini.

Di antara lukisan karya da Vinci, lukisan Perjamuan Terakhir menempati tempat khusus. Sejarah fresco terkenal itu menarik dan menakjubkan. Pembuatannya dimulai pada 1495-1497. Itu ditugaskan oleh para biarawan dari ordo Dominikan, yang ingin menghiasi dinding ruang makan di biara mereka, yang terletak di dekat gereja Santa Maria delle Grazie di Milan. Lukisan itu menggambarkan kisah Injil yang cukup terkenal: perjamuan terakhir Yesus Kristus dengan kedua belas rasulnya.

Mahakarya ini diakui sebagai puncak dari semua karya seniman. Gambar Kristus dan para rasul yang diciptakan oleh sang guru luar biasa cerah, ekspresif, dan hidup. Terlepas dari konkrit dan realitas situasi yang digambarkan, isi fresco ternyata sarat dengan makna filosofis yang dalam. Di sini tema abadi dari konflik antara yang baik dan yang jahat, kepuasan diri dan ketidakpedulian spiritual, kebenaran dan kebohongan diwujudkan. Citra yang diturunkan bukan hanya sekumpulan ciri karakter individu (setiap individu individu dalam segala keragaman temperamennya), tetapi juga semacam generalisasi psikologis.

Gambarnya sangat dinamis. Penonton benar-benar merasakan kegembiraan yang mencengkeram semua yang hadir saat makan setelah kata-kata kenabian yang diucapkan oleh Kristus tentang pengkhianatan yang akan datang yang harus dilakukan oleh salah satu rasul. Kanvas itu ternyata semacam ensiklopedia dari nuansa paling halus dari emosi dan suasana hati manusia.

Leonardo da Vinci menyelesaikan pekerjaannya dengan sangat cepat: hanya dalam dua tahun, lukisan itu selesai sepenuhnya. Namun, para bhikkhu tidak menyukainya: cara pelaksanaannya terlalu berbeda dari gaya tulisan bergambar yang diterima sebelumnya. Inovasi sang master tidak hanya terdiri dari dan tidak begitu banyak dalam penggunaan cat dengan komposisi baru. Perhatian khusus diberikan pada cara menggambarkan perspektif dalam gambar. Dibuat dengan teknik khusus, lukisan dinding itu seolah-olah memperluas dan memperbesar ruang nyata. Nampaknya dinding ruangan yang digambarkan pada gambar tersebut merupakan kelanjutan dari dinding ruang makan vihara.

Para biksu tidak menghargai dan tidak memahami niat dan prestasi kreatif seniman tersebut, sehingga mereka tidak terlalu peduli untuk melestarikan lukisan tersebut. Sudah dua tahun setelah pengecatan fresco, catnya mulai rusak dan pudar, permukaan dinding dengan gambar yang diaplikasikan padanya tampak tertutup bahan yang paling tipis. Hal ini terjadi, di satu sisi, karena kualitas cat baru yang buruk, dan di sisi lain, karena paparan kelembapan, udara dingin, dan uap yang terus-menerus masuk dari dapur biara. Penampilan lukisan itu benar-benar hancur ketika para biarawan memutuskan untuk memotong pintu masuk tambahan ke ruang makan di dinding dengan lukisan itu. Akibatnya, gambar itu terpotong di bagian bawah.

Upaya untuk memulihkan mahakarya tersebut telah dilakukan sejak abad ke-13. Namun, semuanya ternyata sia-sia, catnya terus memburuk. Alasannya saat ini adalah memburuknya situasi lingkungan. Kualitas fresco dipengaruhi oleh peningkatan konsentrasi gas buang di udara, serta zat yang mudah menguap yang dipancarkan ke atmosfer oleh pabrik dan pabrik.

Sekarang kita bahkan dapat mengatakan bahwa pekerjaan awal pemugaran lukisan ternyata tidak hanya tidak perlu dan tidak berarti, tetapi juga memiliki sisi negatifnya. Dalam proses pemugaran, seniman sering menambahkan lukisan dinding, mengubah tampilan karakter yang ditampilkan di kanvas dan interior yang digambarkan. Jadi, baru-baru ini diketahui bahwa salah satu rasul awalnya tidak memiliki janggut yang panjang dan bengkok. Selain itu, kanvas hitam yang tergambar di dinding ruang makan ternyata tidak lebih dari karpet kecil. Hanya
di abad ke-20 berhasil menemukan dan mengembalikan sebagian ornamen mereka.

Pemulih modern, di antaranya kelompok yang bekerja di bawah kepemimpinan Carlo Berteli menonjol, memutuskan untuk memulihkan tampilan asli lukisan dinding, membebaskannya dari elemen yang diterapkan kemudian.

Tema keibuan, gambaran seorang ibu muda yang mengagumi anaknya, tetap menjadi kunci dalam karya sang guru besar untuk waktu yang lama. Mahakarya sejati adalah lukisannya "Madonna Litta" dan "Madonna with a Flower" ("Madonna Benois"). Saat ini, "Madonna Litta" disimpan di Pertapaan Negara di St. Petersburg. Lukisan itu dibeli oleh Kaisar Rusia Alexander II pada tahun 1865 dari keluarga Adipati Italia Antonio Litta, yang sebelumnya merupakan hadiah dari Adipati Visconti. Atas perintah Tsar Rusia, lukisan itu dipindahkan dari kayu ke kanvas dan digantung di salah satu aula museum terkenal St.

Sarjana seni percaya (dan Penelitian ilmiah membuktikan ini) bahwa pekerjaan pembuatan gambar tidak diselesaikan oleh penulisnya sendiri. Itu diselesaikan oleh salah satu siswa Leonardo, Boltraffio.

Kanvas adalah ekspresi tema keibuan yang paling mencolok dalam lukisan periode Renaisans. Citra Bunda Madonna cerah dan spiritual. Tatapan yang dihidupkan bayi itu luar biasa lembut, secara bersamaan diekspresikan
kesedihan, dan kedamaian, dan kedamaian batin. Di sini, ibu dan anak tampaknya membentuk dunia mereka sendiri yang unik, membentuk satu kesatuan yang harmonis. Pemikiran yang mendalam dari gambar tersebut dapat diungkapkan dengan kata-kata berikut: dua makhluk hidup, ibu dan anak, mengandung dasar dan makna hidup.

Gambar Madonna dengan seorang anak di pelukannya sangat monumental. Finishing dan penyempurnaan memberikan transisi cahaya dan bayangan yang istimewa dan mulus. Kelembutan dan kerapuhan sosok itu ditekankan oleh gorden jubah yang dilemparkan ke bahu wanita itu. Lukisan jendela yang digambarkan di latar belakang menyeimbangkan dan melengkapi komposisi, menekankan pemisahan dua orang dekat dari seluruh dunia.

Kanvas "Madonna dengan Bunga" ("Madonna Benois"), sekitar tahun 1478, dibeli dari pemilik Rusia terakhirnya oleh Tsar Nicholas II pada tahun 1914 khusus untuk Pertapaan. Pemilik awalnya tetap tidak diketahui. Hanya ada legenda yang mengatakan bahwa seorang aktor keliling Italia membawa lukisan itu ke Rusia, setelah itu dibeli di Samara pada tahun 1824 oleh pedagang Sapozhnikov. Belakangan, kanvas itu diwarisi dari ayah ke putrinya, M. A. Sapozhnikova (oleh suaminya - Benois), dari siapa kaisar membelinya. Sejak saat itu, lukisan tersebut memiliki dua nama: "Madonna with a Flower" (milik penulis) dan "Madonna Benois" (setelah nama pemilik terakhir).

Gambar yang memperlihatkan Bunda Allah dengan bayinya mencerminkan perasaan biasa di dunia seorang ibu yang bermain dengan anaknya. Seluruh adegan dibangun di atas kontras: seorang ibu yang tertawa dan seorang anak mempelajari bunga dengan serius. Seniman, dengan fokus pada pertentangan khusus ini, menunjukkan keinginan seseorang akan pengetahuan, langkah pertamanya menuju jalan kebenaran. Inilah yang bohong ide utama kanvas.

Permainan cahaya dan bayangan menetapkan nada khusus dan intim untuk keseluruhan komposisi. Ibu dan bayi berada di dunianya sendiri, terputus dari kesombongan duniawi. Terlepas dari kekakuan dan kekakuan dari gorden yang digambarkan, kuas Leonardo da Vinci cukup mudah dikenali dari transisi halus dan lembut dari corak warna yang digunakan dan kombinasi cahaya dan bayangan. Kanvas dilukis dengan warna-warna lembut dan tenang, dipertahankan dalam satu sistem warna, dan ini memberikan gambar karakter yang lembut dan membangkitkan perasaan harmoni dan ketenangan kosmik yang tidak wajar.

Leonardo da Vinci adalah ahli potret yang diakui. Di antara lukisannya yang paling terkenal adalah "Lady with an Ermine" (sekitar 1483-1484) dan "Portrait of a Musician".

Kritikus seni dan sejarawan berpendapat bahwa kanvas "Lady with an Ermine" menggambarkan Cecilia Gallerani, yang merupakan favorit Adipati Milan Ludovic Moreau sebelum menikah. Informasi telah disimpan bahwa Cecilia adalah wanita yang sangat terpelajar, yang jarang terjadi pada saat itu. Selain itu, sejarawan dan penulis biografi artis terkenal tersebut juga percaya bahwa dia sangat mengenal Leonardo da Vinci, yang pernah memutuskan untuk melukis potretnya.

Kanvas ini sampai kepada kita hanya dalam versi yang ditulis ulang, dan oleh karena itu para ilmuwan telah lama meragukan kepenulisan Leonardo. Namun, bagian lukisan yang terpelihara dengan baik yang menggambarkan cerpelai dan wajah seorang wanita muda memungkinkan kita untuk berbicara dengan percaya diri tentang gaya master da Vinci yang hebat. Menarik juga bahwa latar belakang gelap pekat, serta beberapa detail gaya rambut, adalah gambar tambahan yang dibuat nanti.

"Lady with an Ermine" adalah salah satu kanvas psikologis paling cemerlang di galeri potret artis. Seluruh sosok gadis itu mengekspresikan dinamisme, berjuang maju, bersaksi tentang karakter manusia yang berkemauan keras dan kuat. Fitur wajah yang benar hanya menekankan hal ini.

Potretnya sangat kompleks dan beraneka segi, harmoni dan kelengkapan gambar dicapai dengan menggabungkan beberapa elemen: ekspresi wajah, rotasi kepala, posisi tangan. Mata seorang wanita mencerminkan pikiran, energi, wawasan yang luar biasa. Bibir terkompresi rapat, hidung lurus, dagu lancip - semuanya menekankan kemauan, tekad, kemandirian. Perputaran kepala yang anggun, leher terbuka, tangan dengan jari-jari panjang membelai hewan yang anggun menekankan kerapuhan dan keharmonisan seluruh sosok. Bukan kebetulan wanita itu sedang memegang cerpelai di pelukannya. Bulu putih binatang itu, mirip dengan salju pertama, di sini melambangkan kemurnian spiritual seorang wanita muda.

Potret itu sangat dinamis. Sang master berhasil menangkap momen secara akurat ketika satu gerakan harus bertransisi dengan mulus ke gerakan lainnya. Itulah mengapa tampaknya gadis itu akan hidup kembali, menoleh dan tangannya akan meluncur di atas bulu lembut binatang itu ...

Ekspresi komposisi yang luar biasa diberikan oleh kejelasan garis-garis yang membentuk figur, serta penguasaan dan penggunaan teknik transisi cahaya menjadi bayangan, dengan bantuan bentuk-bentuk yang dibuat di atas kanvas.

"Portrait of a Musician" adalah satu-satunya potret pria di antara mahakarya Leonardo da Vinci. Banyak peneliti mengidentifikasi model tersebut dengan bupati Katedral Milan, Francino Gaffurio. Namun sejumlah ilmuwan membantah pendapat tersebut dengan mengatakan bahwa yang digambarkan di sini bukanlah bupati, melainkan seorang pemuda biasa, seorang musisi. Terlepas dari adanya beberapa detail yang menjadi ciri khas teknik penulisan da Vinci, sejarawan seni masih meragukan kepenulisan Leonardo. Mungkin, keraguan ini terkait dengan penggunaan karakteristik elemen kanvas pada kanvas tradisi artistik Pelukis potret Lombard.

Teknik potret dalam banyak hal mengingatkan pada karya Antonello da Messina. Dengan latar belakang rambut keriting yang rimbun, garis-garis wajah yang jelas dan tegas menonjol agak tajam. Muncul di hadapan penonton pria pintar dengan karakter yang kuat, meski pada saat yang sama seseorang bisa menangkap sesuatu yang tidak wajar, spiritual di matanya. Mungkin pada saat inilah melodi ilahi yang baru lahir dalam jiwa musisi, yang setelah beberapa saat akan memenangkan hati banyak orang.

Namun, tidak dapat dikatakan bahwa artis tersebut mencoba meninggikan seseorang secara artifisial. Sang master dengan halus dan terampil menyampaikan semua kekayaan dan luasnya jiwa manusia, tanpa menggunakan hiperbola dan kesedihan.

Salah satu yang paling lukisan terkenal da Vinci adalah "Madonna of the Rocks" yang terkenal (1483-1493). Itu dibuat oleh Leonardo atas perintah para biarawan dari gereja San Francesco Grande di Milan. Komposisi itu dimaksudkan untuk menghiasi altar di Kapel Immacolata.

Ada dua versi lukisan itu, salah satunya disimpan di Louvre di Paris, dan yang lainnya di Galeri Nasional di London.

Itu adalah Louvre "Madonna in the Rocks" yang menghiasi altar gereja. Ilmuwan berpendapat bahwa seniman itu sendiri yang memberikannya kepada raja Prancis Louis XII. Ia melakukannya, menurut sejarawan, sebagai tanda terima kasih atas partisipasi raja dalam menyelesaikan konflik yang muncul antara pelanggan lukisan dan seniman pertunjukan.

Versi sumbangan diganti dengan lukisan lain, yang sekarang ada di Galeri Nasional London. Pada 1785, seorang Hamilton tertentu membelinya dan membawanya ke Inggris.

Ciri khas "Madonna in the Rocks" adalah perpaduan sosok manusia dengan lanskap. Ini adalah gambar pertama dari seniman hebat, di mana gambar orang suci terjalin secara harmonis dengan alam yang diilhami oleh kehadiran mereka. Untuk pertama kalinya dalam karya master, figur digambarkan tidak dengan latar belakang elemen apa pun dari struktur arsitektur, tetapi seolah-olah tertutup dalam lanskap berbatu yang keras. Perasaan ini juga tercipta dalam komposisi berkat permainan khusus cahaya dan bayangan yang jatuh.

Gambar Madonna ditampilkan di sini sebagai sesuatu yang sangat spiritual dan tidak wajar. Cahaya lembut jatuh di wajah para malaikat. Seniman membuat banyak sketsa dan sketsa sebelum karakternya menjadi hidup dan gambar mereka menjadi cerah dan ekspresif. Salah satu sketsa menggambarkan kepala bidadari. Kami tidak tahu apakah itu perempuan atau laki-laki. Tetapi satu hal yang pasti dapat dikatakan: ini adalah makhluk yang tidak wajar, penuh kelembutan, kebaikan, kemurnian. Seluruh gambar dijiwai dengan rasa tenang, damai dan tenang.

Versi yang dilukis oleh sang master kemudian berbeda dari yang pertama dalam beberapa detail: lingkaran cahaya muncul di atas kepala orang-orang kudus, Yohanes Pembaptis kecil memegang salib, posisi malaikat berubah. Dan teknik pengerjaannya sendiri menjadi salah satu alasan untuk menghubungkan kepengarangan lukisan itu dengan murid-murid Leonardo. Di sini semua figur disajikan lebih dekat, dalam skala yang lebih besar, dan selain itu, garis-garis yang membentuknya ternyata lebih terlihat, bahkan lebih berat, lebih runcing. Efek ini dibuat dengan menebalkan bayangan dan menyorot tempat-tempat tertentu dalam komposisi.

Gambar versi kedua, menurut sejarawan seni, lebih biasa dan biasa. Mungkin alasannya adalah fakta bahwa lukisan itu diselesaikan oleh murid-murid Leonardo. Namun, hal ini tidak mengurangi nilai kanvas. Niat seniman terlihat jelas di dalamnya, tradisi sang master dalam menciptakan dan mengekspresikan gambar terlacak dengan baik.

Yang tak kalah menarik adalah kisah lukisan terkenal karya Leonardo da Vinci, The Annunciation (1470-an). Penciptaan lukisan tersebut termasuk dalam periode awal karya seniman, pada masa studinya dan bekerja di studio Andrea Verrocchio.

Sejumlah elemen teknik penulisan memungkinkan untuk menyatakan dengan pasti bahwa pengarang mahakarya terkenal itu adalah Leonardo da Vinci dan mengecualikan partisipasi Verrocchio atau murid-muridnya yang lain dalam tulisannya. Namun, beberapa detail komposisi merupakan ciri khas tradisi artistik aliran Verrocchio. Hal ini menunjukkan bahwa pelukis muda, meskipun orisinalitas dan bakatnya sudah terwujud pada saat itu, masih sedikit banyak dipengaruhi oleh gurunya.

Komposisi gambarnya cukup sederhana: lanskap, vila pedesaan, dua sosok - Maria dan bidadari. Di latar belakang
kita melihat kapal, beberapa bangunan, pelabuhan. Kehadiran detail seperti itu tidak sepenuhnya menjadi ciri khas karya Leonardo, dan itu bukan yang utama di sini. Bagi sang seniman, yang lebih penting adalah menunjukkan pegunungan yang tersembunyi dalam kabut berkabut, yang jauh, dan langit yang cerah hampir transparan. Gambaran spiritual dari seorang wanita muda yang menunggu kabar baik dan seorang malaikat sangat cantik dan lembut. Garis-garis bentuknya dirancang dengan cara da Vinci, yang pada suatu waktu memungkinkan untuk mendefinisikan kanvas sebagai mahakarya milik kuas Leonardo awal.

Ciri khas tradisi tuan terkenal juga merupakan teknik pelaksanaan detail-detail kecil: bangku-bangku yang dipoles, tembok pembatas batu, dudukan buku, dihiasi dengan cabang-cabang tanaman yang menakjubkan. Omong-omong, prototipe yang terakhir adalah sarkofagus makam Giovanni dan Piero de Medici, yang dipasang di gereja San Lorenzo. Elemen-elemen ini, yang melekat pada aliran Verrocchio dan ciri khas karya Verrocchio, agak dipikirkan kembali oleh da Vinci. Mereka hidup, banyak, terjalin secara harmonis ke dalam komposisi keseluruhan. Tampaknya penulis menetapkan tujuan untuk dirinya sendiri, dengan menggunakan repertoar gurunya sebagai dasar, untuk mengungkap dunia bakatnya, menggunakan teknik dan alat ekspresi artistiknya sendiri.

Saat ini, satu versi lukisan itu ada di Galeri Uffizi di Florence. Versi kedua komposisi disimpan di Louvre di Paris.

Lukisan Louvre agak lebih kompleks dari versi sebelumnya. Di sini Anda dapat dengan jelas melihat garis-garis yang benar secara geometris dari dinding tembok pembatas batu, yang polanya diulangi oleh bangku-bangku yang terletak di belakang sosok Maria. Gambar yang dibawa ke depan ditempatkan dalam komposisi yang tepat dan logis. Pakaian Maria dan Malaikat, dibandingkan dengan versi pertama, digambar lebih ekspresif dan konsisten. Maria, dengan kepala tertunduk rendah, mengenakan gaun biru tua dengan jubah biru langit menutupi bahunya, tampak seperti makhluk yang tidak wajar. Warna-warna gelap dari pakaian itu menonjolkan lebih cerah dan menonjolkan putihnya wajahnya. Yang tak kalah ekspresifnya adalah citra bidadari yang membawa kabar baik ke Madonna. Beludru kekuningan, jubah merah kaya dengan tirai yang turun mulus melengkapi citra luar biasa dari malaikat yang baik hati.

Yang menarik dalam komposisi terakhir adalah lanskap yang dilukis secara halus oleh sang master: tanpa konvensi apa pun, pepohonan yang hampir terlihat tumbuh di kejauhan, langit biru muda transparan, pegunungan yang tersembunyi oleh kabut tipis, bunga segar di bawah kaki malaikat.

Lukisan "Saint Jerome" mengacu pada periode karya Leonardo da Vinci di bengkel Andrea Verrocchio (yang disebut periode Florentine dari karya seniman). Lukisan itu tetap belum selesai. Tema utama komposisi ini adalah pahlawan yang kesepian, pendosa yang bertobat. Tubuhnya kering karena kelaparan. Namun, tatapannya, penuh tekad dan kemauan, merupakan ekspresi yang jelas dari stamina dan kekuatan spiritual seseorang. Dalam gambar apa pun yang dibuat oleh Leonardo, kita tidak akan menemukan dualitas, ambiguitas penglihatan.

Tokoh-tokoh dalam lukisannya selalu mengungkapkan tingkat tertinggi dari hasrat dan perasaan mendalam yang sangat pasti.

Kepala seorang pertapa yang dilukis dengan ahli juga membuktikan kepenulisan Leonardo. Pergantian yang tidak biasa berbicara tentang penguasaan teknik melukis yang sangat baik dan pengetahuan master tentang seluk-beluk anatomi tubuh manusia. Meskipun perlu membuat sedikit reservasi: dalam banyak hal, sang seniman mengikuti tradisi Andrea del Castagno dan Domenico Veneziano, yang, pada gilirannya, berasal dari Antonio Pollaiolo.

Sosok Jerome luar biasa ekspresif. Tampaknya pertapa yang berlutut semuanya diarahkan ke depan. Di kanan
dia memegang batu di tangannya, sekali lagi - dan dia akan memukul dirinya sendiri di dada dengan itu, menyiksa tubuhnya dan mengutuk jiwanya karena dosa yang dilakukan ...

Komposisi lukisannya juga menarik. Semua itu ternyata seolah-olah tertutup dalam bentuk spiral yang diawali dengan bebatuan, dilanjutkan dengan sosok singa yang terletak di kaki peniten, dan diakhiri dengan sosok seorang pertapa.

Mungkin yang paling populer dari semua mahakarya seni rupa dunia adalah Gioconda. Fakta yang menarik adalah, setelah menyelesaikan pengerjaan potret tersebut, sang seniman tidak berpisah dengannya sampai kematiannya. Belakangan, lukisan itu sampai ke tangan raja Prancis Francis I, yang meletakkannya di Louvre.

Semua ahli seni setuju bahwa gambar itu dilukis pada tahun 1503. Namun, masih ada perselisihan mengenai prototipe gadis muda yang digambarkan dalam potret tersebut. Secara umum diterima (tradisi berasal dari penulis biografi terkenal Giorgio Vasari) bahwa potret tersebut menggambarkan istri warga Florentine Francesco di Giocondo, Mona Lisa.

Melihat gambar tersebut, kita dapat mengatakan dengan yakin bahwa sang seniman telah mencapai kesempurnaan dalam menciptakan citra manusia. Di sini sang master berangkat dari cara melakukan potret yang diterima sebelumnya dan tersebar luas. Gioconda ditulis dengan latar belakang yang terang dan, terlebih lagi, diputar tiga perempat putaran, pandangannya diarahkan langsung ke penonton - ini baru dalam seni potret saat itu. Berkat lanskap terbuka di belakang gadis itu, sosok yang terakhir ternyata, seolah-olah, bagian dari lanskap, menyatu secara harmonis dengannya. Ini dicapai karena teknik artistik dan visual khusus yang dibuat oleh Leonardo dan digunakan olehnya dalam karyanya - sfumato. Esensinya terletak pada kenyataan bahwa garis kontur tidak digariskan dengan jelas, kabur, dan ini menciptakan komposisi perasaan menyatu, interpenetrasi bagian-bagian individualnya.

Dalam potret, teknik ini (perpaduan sosok manusia dan pemandangan alam berskala besar) menjadi cara berekspresi ide filosofis: dunia manusia sangat besar, berskala besar, dan beragam seperti dunia alami di sekitar kita. Namun, di sisi lain, tema utama komposisi juga dapat direpresentasikan sebagai ketidakmungkinan pengetahuan yang lengkap tentang alam oleh pikiran manusia. Dengan pemikiran inilah banyak sejarawan seni mengasosiasikan senyum ironis yang membeku di bibir Mona Lisa. Dia sepertinya berkata: "Semua upaya seseorang untuk mengetahui dunia benar-benar sia-sia dan sia-sia."

Potret Mona Lisa, menurut sejarawan seni, merupakan salah satu pencapaian tertinggi Leonardo da Vinci. Di dalamnya, sang seniman benar-benar mampu mewujudkan dan mengungkapkan sepenuhnya gagasan harmoni dan luasnya dunia, gagasan tentang prioritas akal dan seni.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti, seorang pelukis, pematung, arsitek, dan penyair Italia, lahir di kota Caprese dekat Florence pada 6 Maret 1475. Ayah Michelangelo, Lodovico Buonarroti, adalah walikota kota Caprese. Dia bermimpi putranya akan segera menggantikannya di kantor. Namun, bertentangan dengan keinginan ayahnya, Michelangelo memutuskan untuk mengabdikan hidupnya untuk melukis.

Pada 1488, Michelangelo pergi ke Florence dan masuk sekolah seni di sana, yang kemudian dipimpin oleh master seni rupa terkenal Domenico Ghirlandaio. Setahun kemudian, pada 1489, seniman muda itu sudah bekerja di bengkel yang didirikan oleh Lorenzo Medici. Di sini pemuda itu belajar melukis dari seniman dan pematung terkenal lainnya pada masanya, Bertoldo di Giovanni, yang merupakan murid Donatello. Dalam workshop ini, Michelangelo bekerja sama dengan Angelo Poliziano dan Pico della Mirandola, yang sangat mempengaruhi formasi metode artistik pelukis muda. Namun, karya Michelangelo ternyata tidak menutup ruang lingkup lingkaran Lorenzo Medici. Bakatnya terus berkembang. Perhatian artis semakin tertarik pada yang besar gambar heroik karya Giotto dan Masaccio yang hebat.

Di paruh pertama tahun 90-an. Pada abad ke-15, patung pertama yang dibuat oleh Michelangelo muncul: "Madonna di Tangga" dan "Battle of the Centaur".

Dalam "Madonna" terlihat pengaruh cara representasi artistik yang diterima secara umum dalam seni pada masa itu. Dalam karya Michelangelo ada detail figur plastik yang sama. Namun, di sini orang dapat melihat teknik pematung muda yang murni individual, yang memanifestasikan dirinya dalam penciptaan gambar-gambar heroik yang luhur.

Dalam relief "Battle of the Centaurs" tidak ada jejak pengaruh asing. Karya ini adalah karya independen pertama dari seorang master berbakat, yang menunjukkan gaya individualnya. Pada relief di depan penonton yang isinya penuh terdapat gambaran mitologi pertempuran suku Lapith dengan para centaur. Adegan tersebut dibedakan oleh drama dan realisme yang luar biasa, yang diekspresikan dengan plastisitas yang disampaikan secara akurat dari tokoh-tokoh yang digambarkan. Patung ini bisa dianggap sebagai himne untuk pahlawan, kekuatan dan keindahan manusia. Terlepas dari semua drama plotnya, komposisi keseluruhan mengandung harmoni batin yang dalam.

Sarjana seni menganggap "Battle of the Centaurs" sebagai titik awal karya Michelangelo. Mereka mengatakan bahwa kejeniusan seniman justru berasal dari karya ini. Relief yang mengacu pada karya-karya awal sang master merupakan semacam cerminan kekayaan cara artistik Michelangelo.

Dari 1495 hingga 1496 Michelangelo Buonarroti berada di Bologna. Di sini dia berkenalan dengan kanvas Jacopo della Quercia, yang menarik perhatian seniman muda dengan monumentalitas gambar yang dibuat.

Pada 1496, sang master menetap di Roma, di mana dia mempelajari plastisitas dan cara eksekusi yang baru ditemukan patung kuno, di antaranya adalah "Laocoön" dan "Belvedere Torso". Cara artistik pematung Yunani kuno tercermin oleh Michelangelo di Bacchus.

Dari tahun 1498 hingga 1501, sang seniman mengerjakan pembuatan kelompok marmer, yang disebut "Pieta" dan membawa ketenaran ke Michelangelo sebagai salah satu master pertama Italia. Seluruh adegan, yang menggambarkan seorang ibu muda yang menangisi jenazah putranya yang terbunuh, diresapi dengan perasaan filantropi dan kelembutan yang luar biasa. Bukan kebetulan bahwa sang seniman memilih seorang gadis muda sebagai model - sebuah gambar yang melambangkan kemurnian spiritual.

Karya seorang tuan muda ini, yang menunjukkan pahlawan ideal, sangat berbeda dari patung yang dibuat pada abad ke-15. Gambaran Michelangelo lebih dalam dan lebih psikologis. Perasaan duka dan sedih tersampaikan secara halus melalui ekspresi khusus wajah ibu, posisi tangan, tubuh yang lekuk-lekuknya dipertegas oleh gorden pakaian yang lembut. Omong-omong, gambar yang terakhir dapat dianggap sebagai semacam langkah mundur dalam karya master: perincian detail elemen komposisi (dalam hal ini, lipatan gaun dan tudung) adalah fitur karakteristik dari seni Pra-Renaisans. Komposisi keseluruhan sangat ekspresif dan menyedihkan, yang merupakan ciri khas dari karya pematung muda itu.

Pada 1501, Michelangelo, yang sudah menjadi master patung terkenal di Italia, kembali berangkat ke Florence. Di sinilah marmernya "David". Tidak seperti pendahulunya (Donatello dan Verrocchio), Michelangelo memerankan pahlawan muda yang hanya bersiap untuk berperang. Patung besar (tingginya 5,5 m) mengungkapkan kemauan yang luar biasa kuat dari seseorang, kekuatan fisik dan keindahan tubuhnya. Gambaran seseorang di benak Michelangelo mirip dengan sosok raksasa mitologis raksasa. David muncul di sini sebagai perwujudan gagasan tentang orang yang sempurna, kuat, dan bebas, siap mengatasi segala rintangan di jalannya. Semua nafsu yang mendidih dalam jiwa sang pahlawan disampaikan melalui pergantian tubuh dan ekspresi wajah David, yang berbicara tentang karakternya yang tegas dan berkemauan keras.

Bukan kebetulan bahwa patung Daud menghiasi pintu masuk Palazzo Vecchio (gedung pemerintahan kota Florence) sebagai simbol kekuasaan, kekuatan luar biasa, dan kemandirian negara-kota. Keseluruhan komposisi mengungkapkan keharmonisan jiwa manusia yang kuat dan tubuh yang sama kuatnya.

Pada tahun 1501, bersama dengan patung Daud, karya pertama lukisan monumental ("Battle of Kashin") dan kuda-kuda ("Madonna Doni", format bulat) muncul. Yang terakhir saat ini disimpan di Galeri Uffizi di Florence.

Pada 1505 Michelangelo kembali ke Roma. Di sini dia mengerjakan pembuatan makam Paus Julius II. Rencananya, makam tersebut merupakan bangunan arsitektural yang megah, di sekelilingnya terdapat 40 patung yang diukir dari relief marmer dan perunggu. Namun, setelah beberapa waktu, Paus Julius II menolak perintahnya, dan rencana muluk Michelangelo tidak ditakdirkan untuk menjadi kenyataan. Sumber bersaksi bahwa pelanggan memperlakukan tuannya dengan agak kasar, akibatnya dia, tersinggung, memutuskan untuk meninggalkan ibu kota dan kembali lagi ke Florence.

Namun, otoritas Florentine membujuk pematung terkenal itu untuk berdamai dengan Paus. Segera dia menoleh ke Michelangelo dengan proposal baru - untuk mendekorasi langit-langit Kapel Sistina. Sang master, yang menganggap dirinya sebagai pematung, menerima perintah itu dengan enggan. Meskipun demikian, ia menciptakan kanvas yang masih merupakan mahakarya seni dunia yang diakui dan meninggalkan kenangan pelukis selama beberapa generasi.

Perlu dicatat bahwa Michelangelo mengerjakan pengecatan langit-langit yang luasnya lebih dari 600 meter persegi. m, benar-benar sendirian, tanpa asisten. Namun, empat tahun kemudian lukisan itu selesai seluruhnya.

Seluruh permukaan plafon untuk pengecatan dibagi menjadi beberapa bagian. Tempat sentral ditempati oleh sembilan adegan yang menggambarkan penciptaan dunia, serta kehidupan orang pertama. Di sudut-sudut setiap adegan tersebut terdapat sosok pemuda telanjang. Di kiri dan kanan komposisi ini terdapat lukisan dinding dengan gambar tujuh nabi dan lima peramal. Langit-langit, kubah melengkung, dan stripping dihiasi dengan pemandangan alkitabiah individual. Perlu dicatat bahwa sosok Michelangelo di sini memiliki skala yang berbeda. Teknik khusus ini memungkinkan penulis untuk memusatkan perhatian pemirsa pada episode dan gambar terpenting.

Hingga saat ini, sejarawan seni dibuat bingung dengan masalah tersebut konsep ideologi lukisan dinding. Faktanya adalah bahwa semua plot yang menyusunnya ditulis dengan melanggar urutan logis dari perkembangan plot alkitabiah. Jadi, misalnya lukisan "The Drunkenness of Noah" mendahului komposisi "Separation of Light from Darkness", meski seharusnya sebaliknya. Namun, plot yang tersebar seperti itu sama sekali tidak mempengaruhi keterampilan artistik pelukis. Rupanya, masih lebih penting bagi seniman untuk tidak mengungkapkan isi narasinya, tetapi sekali lagi (seperti dalam patung Daud) untuk menunjukkan keharmonisan jiwa seseorang yang indah dan luhur serta tubuhnya yang kuat dan kuat.
Hal ini dikonfirmasi oleh gambar sesepuh Sabaoth yang mirip titan (fresco "Penciptaan Matahari dan Bulan"), yang menciptakan tokoh-tokoh terkenal.

Di hampir semua lukisan dinding yang menceritakan tentang penciptaan dunia, seorang pria raksasa muncul di hadapan penonton, di mana, atas permintaan pencipta, kehidupan, tekad, kekuatan, dan kemauan bangkit. Ide kemerdekaan mengalir melalui lukisan "The Fall", di mana Hawa, meraih buah terlarang, seolah-olah menantang takdir, mengungkapkan keinginan tegas untuk kebebasan. Gambar lukisan dinding "Banjir" penuh dengan ketidakfleksibelan dan kehausan yang sama akan kehidupan, yang para pahlawannya percaya pada kelangsungan hidup dan kebaikan.

Gambar saudara kandung dan nabi diwakili oleh sosok orang, melambangkan perasaan yang kuat dan individualitas karakter yang cerah. Joel yang bijak di sini adalah kebalikan dari Yehezkiel yang putus asa. Penonton kagum dengan gambaran Yesaya yang spiritual dan cantik, yang ditunjukkan pada saat prediksi, Delphic Sibyl dengan mata besar dan jernih.

Di atas, kesedihan dan monumentalitas gambar yang dibuat oleh Michelangelo telah dicatat lebih dari satu kali. Fakta yang menarik adalah bahkan yang disebut. tokoh pembantu ternyata diberkahi oleh sang master dengan ciri yang sama dengan tokoh utama. Gambaran pemuda yang terletak di sudut-sudut lukisan individu merupakan perwujudan dari kegembiraan hidup yang dialami seseorang dan kesadaran akan kekuatan spiritual dan jasmaninya sendiri.

Sejarawan seni dengan tepat menganggap lukisan Kapel Sistina sebagai karya yang menyelesaikan periode perkembangan kreatif Michelangelo. Di sini sang master membagi langit-langit dengan sangat sukses sehingga, terlepas dari keragaman subjeknya, lukisan dinding secara keseluruhan memberikan kesan harmoni dan kesatuan gambar yang diciptakan oleh senimannya.

Selama karya Michelangelo di fresco, metode artistik sang master berangsur-angsur berubah. Karakter selanjutnya disajikan lebih besar - ini sangat meningkatkan monumentalitas mereka. Selain itu, skala gambar seperti itu telah menyebabkan fakta bahwa plastisitas gambar menjadi jauh lebih rumit. Namun, ini tidak memengaruhi ekspresi gambar. Mungkin di sini, lebih dari di mana pun, bakat pematung terwujud, yang berhasil menyampaikan setiap baris gerakan sosok manusia secara halus. Orang mendapat kesan bahwa lukisan-lukisan itu tidak dilukis dengan cat, tetapi relief tiga dimensi yang dicetak dengan terampil.

Sifat lukisan dinding di berbagai bagian langit-langit berbeda. Jika bagian tengah mengekspresikan suasana hati yang paling optimis, maka di kubah melengkung terdapat gambar yang mempersonifikasikan semua nuansa perasaan suram: kedamaian, kesedihan, dan kecemasan digantikan di sini oleh kebingungan dan mati rasa.

Penafsiran gambar nenek moyang Kristus yang dihadirkan oleh Michelangelo juga menarik. Beberapa dari mereka mengungkapkan perasaan persatuan yang sama. Yang lain, sebaliknya, penuh dengan kedengkian dan kebencian satu sama lain, yang tidak khas dari pahlawan alkitabiah yang dipanggil untuk membawa terang dan kebaikan ke dunia. Sejarawan seni menganggap gambar kapel selanjutnya sebagai manifestasi dari metode artistik baru, awal dari periode baru secara kualitatif dalam karya pelukis ulung terkenal.

Di usia 20-an. Pada abad ke-16, muncul karya Michelangelo yang dimaksudkan untuk menghiasi makam Paus Julius II. Pesanan untuk pembangunan yang terakhir diterima oleh seorang pematung terkenal dari ahli waris Paus. Dalam versi ini, makam itu seharusnya berukuran sedikit lebih kecil dengan jumlah arca yang sedikit. Segera sang master menyelesaikan pengerjaan tiga patung: patung dua budak dan Musa.

Michelangelo mengerjakan gambar tawanan dari tahun 1513. Tema kunci dari pekerjaan ini menjadi seorang pria yang berjuang dengan kekuatan yang memusuhi dia. Di sini, tokoh-tokoh monumental para pahlawan pemenang digantikan oleh tokoh-tokoh yang mati dalam perjuangan yang tidak seimbang melawan kejahatan. Selain itu, gambar-gambar ini ternyata tidak tunduk pada satu tujuan dan tugas seniman, tetapi mewakili jalinan emosi dan perasaan.

Keserbagunaan gambar diekspresikan dengan bantuan semacam metode artistik dan visual yang digunakan oleh sang master. Jika sampai saat itu Michelangelo berusaha menampilkan figur atau kelompok pahatan dari satu sisi, kini citra yang diciptakan seniman menjadi plastis, berubah. Bergantung pada sisi mana dari patung yang dilihatnya, patung itu mengambil garis luar tertentu, sementara masalah ini atau itu dipertajam.

Ilustrasi di atas dapat berfungsi sebagai "Tahanan Terikat". Jadi, jika penonton berjalan mengitari patung searah jarum jam, ia akan dengan mudah melihat hal-hal berikut: pertama, sosok tawanan terikat dengan kepala terlempar ke belakang dan tubuh tak berdaya mengekspresikan penderitaan yang tidak manusiawi dari kesadaran akan impotensinya sendiri, kelemahan jiwa dan raga manusia. Namun, saat Anda bergerak lebih jauh di sekitar patung, gambarnya berubah secara signifikan. Kelemahan mantan narapidana menghilang, ototnya terisi dengan kekuatan, kepalanya terangkat dengan bangga. Dan sekarang di hadapan penonton bukan lagi seorang martir yang kelelahan, tetapi sosok pahlawan titan yang kuat, yang, karena suatu kecelakaan yang tidak masuk akal, ternyata dibelenggu. Tampaknya saat lain - dan belenggu akan dipatahkan. Namun, ini tidak terjadi. Selanjutnya, penonton melihat bagaimana tubuh manusia kembali melemah, kepalanya tenggelam. Dan di sini sekali lagi kita memiliki tahanan yang menyedihkan, pasrah pada nasibnya.

Variabilitas yang sama dapat ditelusuri pada patung "The Dying Prisoner". Saat Anda maju, penonton melihat bagaimana tubuh, yang berdetak kesakitan, secara bertahap menjadi tenang dan menjadi mati rasa, membangkitkan pikiran tentang kedamaian dan ketenangan abadi.

Patung-patung para tawanan sangat ekspresif, yang tercipta karena transfer realistis dari plastisitas pergerakan figur. Mereka menjadi hidup tepat di depan mata pemirsa. Dalam hal kekuatan eksekusi, patung tawanan hanya bisa dibandingkan dengan patung master paling awal - "Battle of the Centaur".

Patung Musa, tidak seperti para Tawanan, memiliki karakter yang agak terkendali, tetapi tidak kalah ekspresifnya. Di sini Michelangelo sekali lagi merujuk pada penciptaan citra pahlawan manusia raksasa. Sosok Musa adalah perwujudan dari seorang pemimpin, seorang pemimpin, seorang pria dengan kemauan yang luar biasa kuat. Esensinya terungkap paling lengkap dibandingkan dengan David. Jika yang terakhir melambangkan keyakinan pada kekuatan dan tak terkalahkan seseorang, maka Musa di sini adalah personifikasi dari gagasan bahwa kemenangan membutuhkan usaha yang luar biasa. Ketegangan spiritual sang pahlawan ini disampaikan oleh sang master tidak hanya melalui ekspresi wajahnya yang luar biasa, tetapi juga dengan bantuan plastisitas sosok itu: garis lipatan pakaian yang dibiaskan tajam, helai janggut Musa menghadap ke atas .

Sejak 1519, Michelangelo telah mengerjakan pembuatan empat patung tawanan lagi. Namun, mereka tetap belum selesai. Selanjutnya, mereka mendekorasi gua di Taman Boboli yang terletak di Florence. Saat ini, patung-patung tersebut disimpan di Akademi Florentine. Dalam karya-karya tersebut, tema baru Michelangelo muncul: hubungan antara sosok pahatan dan balok batu yang diambil sebagai bahan sumber. Di sini pematung mengedepankan gagasan tentang tujuan utama seniman: untuk membebaskan gambar dari belenggu batu. Karena pahatan tersebut ternyata belum selesai dan potongan batu mentah terlihat jelas di bagian bawahnya, penonton dapat melihat keseluruhan proses pembuatan gambar. Di sini ditampilkan konflik artistik baru: manusia dan dunia di sekitarnya. Selain itu, konflik ini tidak diselesaikan demi orang tersebut. Semua perasaan dan nafsunya ditekan oleh lingkungan.

Lukisan Kapel Medici di Florence adalah sebuah karya yang menandai berakhirnya Renaisans Tinggi dan sekaligus tahap baru dalam karya Michelangelo. Pengerjaan dilakukan selama 15 tahun, dari tahun 1520 hingga 1534. Untuk beberapa waktu, seniman terpaksa menangguhkan pekerjaannya sehubungan dengan peristiwa politik yang kemudian terjadi di Italia. Pada tahun 1527, sebagai tanggapan atas kekalahan Roma, Florence mendeklarasikan dirinya sebagai sebuah republik.

Michelangelo, sebagai pendukung sistem negara republik, terpilih menjadi kepala pekerjaan benteng dan memberikan kontribusi besar untuk pertahanan kota. Ketika Florence jatuh dan Medici berkuasa kembali, ancaman kematian yang serius membayangi artis terkenal, dan sekarang juga seorang politisi. Keselamatan datang secara tak terduga. Paus Clement VII Medici, sebagai orang yang sombong dan sia-sia, mengungkapkan keinginannya untuk meninggalkan ingatan tentang dirinya dan kerabatnya kepada anak cucu. Siapa lagi kalau bukan Michelangelo yang terkenal dengan seni menulis gambar yang indah dan menampilkan patung yang luar biasa, dapatkah melakukannya?

Jadi, pekerjaan pembangunan Kapel Medici dilanjutkan. Yang terakhir adalah sebuah bangunan kecil dengan tembok tinggi, dimahkotai dengan kubah di bagian atasnya. Ada dua makam di kapel: Adipati Giuliano dari Nemours dan Lorenzo dari Urbino, yang terletak di sepanjang dinding. Di dinding ketiga, di seberang altar, terdapat patung Madonna. Di kiri dan kanannya terdapat pahatan yang menggambarkan gambar Saints Cosmas dan Damian. Telah ditetapkan bahwa mereka dibuat oleh murid-murid dari guru besar. Peneliti menyarankan bahwa untuk makam Medici patung Apollo (nama lain adalah David) dan Crouching Boy juga dibuat.

Di sebelah patung para adipati, yang tidak memiliki kemiripan eksternal dengan prototipe mereka, ditempatkan figur alegoris: "Pagi", "Siang", "Malam", dan "Malam". Mereka disajikan di sini sebagai simbol kefanaan waktu duniawi dan kehidupan manusia. Patung-patung yang terletak di relung-relung sempit menimbulkan kesan depresi, akan datangnya sesuatu yang mengerikan dan dahsyat dalam waktu dekat. Angka volumetrik adipati, yang ternyata dihancurkan dari semua sisi oleh tembok batu, mengungkapkan kehancuran spiritual dan kekosongan batin dari gambar-gambar itu.

Yang paling harmonis dalam ansambel ini adalah citra Madonna. Luar biasa ekspresif dan penuh lirik, tidak ambigu dan tidak terbebani oleh garis-garis suram.

Kapel Medici sangat menarik dari sudut pandang kesatuan artistik bentuk arsitektur dan pahatan. Garis-garis bangunan dan patung-patung di sini berada di bawah satu gagasan seniman. Kapel adalah contoh paling jelas dari sintesis dan harmoni interaksi dua seni - seni pahat dan arsitektur, di mana bagian-bagian yang satu secara harmonis melengkapi dan mengembangkan makna elemen-elemen yang lain.

Sejak 1534, Michelangelo meninggalkan Florence dan menetap di Roma, di mana dia tinggal sampai akhir hayatnya. Periode Romawi dari karya master agung berlalu dalam kondisi perjuangan Kontra-Reformasi melawan ide-ide yang dinyanyikan oleh para penulis, pelukis, dan pematung Renaisans. Karya yang terakhir digantikan oleh seni Mannerists.

Di Roma, Michelangelo menjadi dekat dengan orang-orang yang membentuk lingkaran religius dan filosofis, yang dipimpin oleh penyair Italia terkenal saat itu, Vittoria Colonna. Namun, seperti di masa mudanya, pemikiran dan gagasan Michelangelo jauh dari yang ada di kepala lingkaran. Nyatanya, sang guru tinggal dan bekerja di Roma dalam lingkungan kesalahpahaman dan kesepian spiritual.

Pada saat inilah (1535-1541) fresco Penghakiman Terakhir muncul, yang menghiasi dinding altar Kapel Sistina.

Kisah alkitabiah di sini dipikirkan kembali oleh penulisnya. Gambar Penghakiman Terakhir dianggap oleh pemirsa bukan sebagai permulaan yang positif, kemenangan keadilan tertinggi, melainkan sebagai tragedi universal kematian seluruh keluarga, seperti Kiamat. Tokoh besar orang meningkatkan drama komposisi.

Sifat dasar dari gambar tersebut sepenuhnya sesuai dengan tugas seniman - untuk menunjukkan seseorang yang tersesat dalam massa umum. Berkat keputusan gambar artistik ini, penonton memiliki perasaan kesepian di dunia ini dan ketidakberdayaan dalam menghadapi kekuatan musuh yang tidak ada gunanya berperang. Nada-nada tragis memperoleh suara yang lebih menusuk juga karena sang master di sini tidak memiliki gambaran integral dan monolitik dari sekelompok orang (seperti yang akan ditampilkan di kanvas seniman Renaisans Akhir), masing-masing dari mereka menjalani hidupnya sendiri. Namun, jasa pelukis yang tidak diragukan lagi dapat dianggap sebagai fakta bahwa ia menunjukkan massa manusia, meskipun masih tidak koheren, tetapi tidak lagi impersonal.

Dalam The Last Judgment, Michelangelo menampilkan teknik pewarnaan yang sangat ekspresif. Kontras tubuh telanjang terang dan langit gelap, hitam-biru meningkatkan kesan ketegangan dan depresi yang tragis dalam komposisi.

Michelangelo. Penghakiman yang mengerikan. Fresco di Kapel Sistina di Vatikan. Pecahan. 1535-1541

Pada periode 1542 hingga 1550, Michelangelo sedang mengerjakan pengecatan dinding Kapel Paolina di Vatikan. Pelukis ulung melukis dua lukisan dinding, salah satunya kemudian disebut "Pertobatan Paulus", dan yang lainnya - "Penyaliban Petrus". Yang terakhir, dalam karakter yang menyaksikan eksekusi Peter, gagasan tentang persetujuan diam-diam, kelambanan, dan kepatuhan seseorang terhadap takdirnya disajikan sepenuhnya. Orang tidak memiliki kekuatan fisik maupun mental untuk melawan kekerasan dan kejahatan.

Di akhir tahun 1530-an. ada patung lain karya Michelangelo - patung Brutus. Karya ini berfungsi sebagai semacam tanggapan dari master terkenal atas pembunuhan Duke Alessandro de Medici yang lalim, yang dilakukan oleh kerabatnya Lorenzo. Terlepas dari motif sebenarnya, tindakan yang terakhir disambut dengan senang hati oleh artis - pendukung Partai Republik. Kesedihan sipil dipenuhi dengan citra Brutus, yang diwakili oleh seorang guru yang mulia, bangga, mandiri, seorang pria dengan kecerdasan tinggi dan hati yang hangat. Di sini Michelangelo tampaknya kembali ke gambar orang yang sempurna dengan kualitas spiritual dan intelektual yang tinggi.

Tahun-tahun terakhir karya Michelangelo berlalu dalam suasana kehilangan teman dan kerabat dan reaksi publik yang semakin parah. Inovasi kontra-reformis tidak bisa tidak mempengaruhi karya sang master, di mana ide-ide Renaisans yang paling progresif terwujud: humanisme, cinta kebebasan, pemberontakan terhadap takdir. Cukuplah untuk mengatakan bahwa dengan keputusan salah satu pengagum kontra-reformasi yang sengit, Paul IV Caraffa, perubahan komposisi Penghakiman Terakhir dilakukan oleh pelukis terkenal. Paus menganggap sosok telanjang cabul yang digambarkan dalam lukisan orang. Atas perintahnya, murid Michelangelo, Daniele da Volterra, menyembunyikan ketelanjangan beberapa gambar Michelangelo dengan tirai jubah.

Suasana kesepian yang suram dan menyakitkan serta runtuhnya semua harapan dijiwai karya terbaru Michelangelo - serangkaian gambar dan pahatan. Karya-karya inilah yang paling jelas mencerminkan kontradiksi internal dari master yang diakui.

Jadi, Yesus Kristus dalam "Pieta" dari Palestrina ditampilkan sebagai pahlawan, dihancurkan di bawah serangan kekuatan eksternal. Gambar yang sama di "Pieta" ("The Entombment") dari Katedral Florence sudah lebih biasa dan manusiawi. Itu bukan titan lagi. Ternyata lebih penting bagi seniman untuk menunjukkan kekuatan spiritual, emosi, dan pengalaman para tokoh di sini.

Kontur tubuh Kristus yang rusak, gambar seorang ibu membungkuk di atas mayat putranya, Nikodemus menurunkan tubuh
Yesus ke dalam kubur - semuanya tunduk pada satu tugas: untuk menggambarkan kedalaman pengalaman manusia. Selain itu, benar
Keuntungan dari karya-karya ini adalah master mengatasi perpecahan gambar. Orang-orang dalam gambar dipersatukan oleh perasaan belas kasih yang mendalam dan kepahitan kehilangan. Teknik Michelangelo ini dikembangkan pada tahap selanjutnya dalam pembentukan seni Italia, dalam karya seniman dan pematung Renaisans Akhir.

Puncak dari tahap terakhir karya Michelangelo dapat dianggap sebagai patung, yang kemudian disebut Pieta Rondanini. Gambar-gambar yang ditampilkan di sini disajikan sebagai perwujudan kelembutan, spiritualitas, kesedihan dan kesedihan yang mendalam. Di sini, lebih dari sebelumnya, tema kesepian manusia di dunia di mana ada begitu banyak orang terdengar akut.

Motif yang sama bergema dalam karya grafis akhir dari master hebat, yang menganggap menggambar sebagai prinsip dasar seni pahat, lukisan, dan arsitektur.

Gambar karya grafis Michelangelo tidak berbeda dengan pahlawan komposisi monumentalnya: pahlawan titan agung yang sama disajikan di sini. Pada periode kreativitas terakhir, Michelangelo beralih ke menggambar sebagai genre artistik dan visual yang independen. Jadi, pada 30-40-an. Munculnya komposisi master yang paling mencolok dan ekspresif berasal dari abad ke-16, seperti: "Kejatuhan Phaeton" dan "Kebangkitan Kristus".

Evolusi metode artistik sang master dengan mudah dilacak pada contoh karya grafis. Jika gambar pertama yang dibuat dengan pulpen berisi gambar figur yang cukup spesifik dengan garis kontur yang agak tajam, maka gambar selanjutnya menjadi lebih kabur dan lembut. Cahaya ini tercipta karena sang seniman menggunakan pensil sanguin atau Italia, dengan bantuan garis yang lebih tipis dan lebih halus dibuat.

Namun, karya akhir Michelangelo ditandai tidak hanya dengan cara yang tragis tanpa harapan. Struktur arsitektur master besar, yang berasal dari masa ini, tampaknya melanjutkan tradisi Renaisans. Katedral Santo Petrus dan ansambel arsitektur Capitol di Roma adalah perwujudan dari gagasan Renaisans tentang humanisme tinggi.

Michelangelo Buonarroti meninggal di Roma pada tanggal 18 Februari 1564. Jenazahnya, dengan sangat rahasia, dibawa keluar dari ibu kota dan dikirim ke Florence. Artis hebat itu dimakamkan di gereja Santa Croce.

Karya master seni lukis dan pahat berperan besar dalam pembentukan dan perkembangan metode artistik banyak pengikut Michelangelo. Di antara mereka adalah Raphael, sang ahli tingkah laku, yang sering meniru garis-garis gambar yang dibuat oleh pelukis terkenal itu. Seni Michelangelo tidak kalah pentingnya bagi perwakilan era Barok. Namun, untuk mengatakan bahwa gambar barok (seseorang yang terbawa bukan oleh dorongan internal, tetapi oleh kekuatan eksternal) mirip dengan pahlawan Michelangelo, memuliakan humanisme, kemauan dan kekuatan batin orang itu akan salah.

Rafael Santi

Rafael Santi lahir di kota kecil Urbino pada tahun 1483. Tidak mungkin untuk menentukan tanggal pasti kelahiran pelukis hebat itu. Menurut salah satu sumber, ia lahir pada 26 atau 28 Maret. Sarjana lain mengklaim bahwa tanggal lahir Raphael adalah 6 April 1483.

Pada akhir abad ke-15, Urbino menjadi salah satu yang terbesar pusat budaya negara. Penulis biografi menyarankan agar Rafael belajar dengan ayahnya, Giovanni Santi. Sejak 1495, pemuda itu bekerja di bengkel seni master Urbino, Timoteo della Vite.

Karya paling awal dari Raphael dianggap sebagai miniatur "The Dream of the Knight" dan "The Three Graces". Sudah dalam karya-karya ini, cita-cita humanistik yang dikhotbahkan oleh para master Renaisans tercermin sepenuhnya.

Dalam "The Knight's Dream" ada semacam pemikiran ulang tentang tema mitologi Hercules, menghadapi pilihan: Keberanian atau Kesenangan? .. Raphael menggambarkan Hercules sebagai seorang ksatria muda yang sedang tidur. Di depannya ada dua wanita muda: satu dengan buku dan pedang di tangannya (simbol pengetahuan, keberanian dan prestasi senjata), yang lain - dengan cabang berbunga, melambangkan kesenangan dan kenikmatan. Seluruh komposisi ditempatkan dengan latar belakang pemandangan yang indah.

"Three Graces" sekali lagi menampilkan gambar antik, kemungkinan besar diambil dari cameo Yunani kuno (gambar di atas batu berharga atau semimulia).

Terlepas dari kenyataan bahwa ada banyak pinjaman dalam karya-karya awal seniman muda, individualitas kreatif pengarang sudah cukup jelas terlihat di sini. Itu terungkap dalam lirik gambar, organisasi ritmis khusus dari karya, kelembutan garis yang membentuk figur. Sebagai seorang seniman dari High Renaissance, keharmonisan yang luar biasa dari gambar-gambar yang dilukis, ciri khas karya-karya awal Raphael, serta kejernihan dan kejernihan komposisi, berbicara tentang sang seniman.

Pada tahun 1500, Raphael meninggalkan kampung halamannya dan pergi ke Perugia, kota utama Umbria. Di sini ia belajar melukis di bengkel Pietro Perugino, yang merupakan pendiri sekolah seni Umbria. Orang-orang sezaman Raphael bersaksi: seorang siswa yang cakap mengadopsi gaya penulisan gurunya begitu dalam sehingga kanvas mereka bahkan tidak dapat dibedakan. Sangat sering, Rafael dan Perugino memenuhi pesanan, mengerjakan lukisan bersama.

Namun, salah jika dikatakan bahwa bakat orisinal seniman muda tersebut tidak berkembang sama sekali selama periode ini. Ini dikonfirmasi oleh Conestabile Madonna yang terkenal, yang dibuat sekitar tahun 1504.

Di kanvas ini, untuk pertama kalinya muncul gambar Madonna, yang di masa depan akan menempati salah satu tempat terdepan dalam karya seniman. Madonna dilukis dengan latar belakang pemandangan indah dengan pepohonan, bukit, dan danau. Gambar-gambar itu disatukan oleh fakta bahwa tatapan Madonna dan bayinya tertuju pada buku yang sedang dibaca ibu muda itu. Kelengkapan komposisi tidak hanya disampaikan oleh sosok tokoh utamanya, tetapi juga oleh bentuk gambarnya sendiri - tondo (bulat), yang sama sekali tidak membatasi kebebasan gambar. Mereka besar dan ringan. Kesan alami dan realisme tercipta melalui penggunaan warna-warna terang dingin dalam komposisi dan kombinasi khususnya: jubah biru tua Madonna, langit biru transparan, pepohonan hijau dan air danau, pegunungan yang tertutup salju dengan puncak putih. Semua ini, saat melihat gambarnya, menimbulkan perasaan murni dan lembut.

Karya Raphael lain yang tak kalah terkenal, juga terkait dengan periode awal karyanya, adalah kanvas yang dibuat pada tahun 1504 berjudul "The Betrothal of Mary". Lukisan itu saat ini disimpan di Galeri Brera di Milan. Yang menarik di sini adalah struktur komposisinya. Pertunangan religius dan ritual dipindahkan oleh pelukis dari dinding gereja, terlihat dari kejauhan, ke jalan. Sakramen dilakukan di bawah langit biru muda yang cerah. Di tengah gambar adalah seorang pendeta, di sebelah kiri dan kanannya adalah Maria dan Yusuf, di sebelahnya berdiri anak perempuan dan laki-laki dalam kelompok kecil. Ditempatkan dalam perspektif komposisi, gereja adalah semacam latar tempat pertunangan berlangsung. Dia adalah simbol watak ilahi dan kebaikan bagi Maria dan Yusuf. Kelengkapan logis dari gambar tersebut diberikan oleh bingkai setengah lingkaran kanvas di bagian atasnya, mengulangi garis kubah gereja.

Sosok-sosok dalam gambar itu sangat liris dan pada saat yang sama alami. Di sini, gerakan, kelenturan tubuh manusia disampaikan dengan sangat akurat dan halus. Contoh nyata dari hal ini adalah sosok seorang anak laki-laki, yang terletak di latar depan komposisi, mematahkan tongkat di lututnya. Anggun, hampir halus, Maria dan Yusuf tampak bagi penonton. Wajah spiritual mereka dipenuhi dengan cinta dan kelembutan. Meski ada simetri tertentu dalam penataan figurnya, kanvas tidak kehilangan suara lirisnya. Gambar yang dibuat oleh Raphael bukanlah skema, mereka adalah orang yang hidup dalam semua keragaman perasaan mereka.

Dalam karya inilah untuk pertama kalinya, dibandingkan dengan karya-karya sebelumnya, bakat tuan muda terwujud paling jelas dalam kemampuan mengatur ritme komposisi secara halus. Karena properti ini, gambar besar gambar-gambar struktur arsitektur ternyata termasuk secara harmonis, yang tidak hanya menjadi elemen lanskap Raphael, tetapi juga menjadi setara dengan karakter utama, mengungkapkan esensi dan karakter mereka.

Keinginan untuk menciptakan ritme khusus dalam karya juga ditentukan oleh penggunaan cat dengan nada tertentu oleh seniman. Jadi, komposisi "The Betrothal of Mary" dibangun hanya di atas empat warna.

Nuansa kuning keemasan, hijau, dan merah, dipadukan dalam pakaian para pahlawan, lanskap, arsitektur, dan pengaturan ritme yang diperlukan dari keseluruhan komposisi, membentuk harmoni dengan nuansa biru muda langit.

Segera, bengkel seni Perugino menjadi terlalu kecil untuk pertumbuhan lebih lanjut dari bakat pelukis. Pada 1504, Raphael memutuskan untuk pindah ke Florence, di mana ide dan estetika seni Renaisans Tinggi sedang dikembangkan. Di sini Raphael berkenalan dengan karya Michelangelo dan Leonardo da Vinci. Dapat dikatakan bahwa mereka adalah guru pelukis muda pada tahap pembentukan metode kreatifnya ini. Dalam karya para master ini, seniman muda ini menemukan sesuatu yang tidak ada di sekolah Umbria: gaya orisinal dalam menciptakan gambar, plastisitas ekspresif dari figur yang digambarkan, representasi realitas yang lebih banyak.

Solusi artistik dan visual baru sudah tercermin dalam karya yang dibuat oleh Raphael pada tahun 1505. Potret Angelo Doni, pelindung seni terkenal dari Florence saat itu, dan istrinya saat ini disimpan di Galeri Pitti. Gambar-gambar itu tidak memiliki kesedihan dan hiperbolisasi heroik. Ini orang biasa Namun, diberkahi dengan kualitas manusia terbaik, di antaranya adalah tekad dan kemauan yang kuat.

Di sini, di Florence, Raphael melukis serangkaian lukisan yang didedikasikan untuk Madonna. Kanvasnya "Madonna in the Green", "Madonna with a Goldfinch", "Madonna the Gardener" muncul. Komposisi ini adalah varian dari bagian yang sama. Semua kanvas menggambarkan Madonna dan Anak dengan Yohanes Pembaptis kecil. Sosok-sosok itu ditempatkan dengan latar belakang pemandangan yang sangat indah. Gambar Raphael sangat liris, lembut dan lembut. Madonna-nya adalah perwujudan dari cinta keibuan yang tenang dan pemaaf. Dalam karya-karya ini, ada sejumlah sentimentalitas dan kekaguman yang berlebihan terhadap keindahan luar karakternya.

Ciri khas metode artistik pelukis selama periode ini adalah kurangnya visi warna yang jelas, yang melekat pada semua master sekolah Florentine. Tidak ada warna dominan pada kanvas. Gambar ditampilkan dalam warna pastel. Warna untuk artis bukanlah hal utama di sini. Yang lebih penting baginya adalah menyampaikan seakurat mungkin garis-garis yang membentuk gambar tersebut.

Di Florence, contoh pertama lukisan monumental karya Raphael dibuat. Di antara mereka, yang paling menarik dibuat pada periode 1506 hingga 1507 “Madonna dengan Yohanes Pembaptis dan St. Nicholas" (atau "Madonna dari Ansidei"). Pada metode kreatif sang seniman sangat dipengaruhi oleh kanvas pelukis Florentine, terutama Leonardo da Vinci dan Fra Bartolomeo.

Pada tahun 1507, ingin membandingkan dengan master terbaik sekolah Florentine, mereka adalah Leonardo da Vinci dan Michelangelo, Raphael membuat kanvas yang agak besar, yang disebut "The Entombment". Elemen terpisah dari gambar komposisi adalah pengulangan dari pelukis terkenal. Jadi, kepala dan tubuh Kristus dipinjam dari patung "Pieta" karya Michelangelo (1498-1501), dan gambar seorang wanita yang menopang Maria berasal dari kanvas master yang sama "Madonna Doni". Banyak sejarawan seni tidak menganggap karya Raphael ini asli, mengungkapkan bakat aslinya dan ciri-ciri metode artistik dan visualnya.

Meskipun karya terakhirnya gagal, pencapaian Raphael dalam seni sangat signifikan. Segera, orang-orang sezaman memperhatikan dan mengenali karya-karya seniman muda, dan penulisnya sendiri disejajarkan dengan para ahli Renaisans yang luar biasa. Pada 1508, di bawah perlindungan arsitek terkenal Bramante, rekan senegaranya Raphael, pelukis melakukan perjalanan ke Roma, di mana dia termasuk di antara mereka yang diundang ke istana kepausan.

Julius II, yang pada saat itu berada di tahta kepausan, dikenal sebagai orang yang sombong, teguh, dan berkemauan keras.
Pada masa pemerintahannya harta kepausan diperluas secara besar-besaran dengan bantuan perang. Kebijakan "ofensif" yang sama dilakukan dalam kaitannya dengan pengembangan budaya dan seni. Jadi, seniman, pematung, dan arsitek paling terkenal diundang ke istana kepausan. Roma, dihiasi dengan banyak bangunan arsitektur, mulai berubah secara nyata: Bramante membangun Katedral St. Peter; Michelangelo, setelah menghentikan sementara pembangunan makam Julius II, mulai mengecat langit-langit Kapel Sistina. Secara bertahap, lingkaran penyair dan ilmuwan terbentuk di sekitar Paus, mengajarkan prinsip dan gagasan humanistik yang tinggi. Rafael Santi, yang datang dari Florence, jatuh ke dalam suasana seperti itu.

Sesampainya di Roma, Raphael mulai mengerjakan pengecatan apartemen Paus (disebut bait). Lukisan dinding dibuat pada periode 1509 hingga 1517. Mereka dibedakan dari karya-karya yang serupa oleh master lain dengan sejumlah fitur. Pertama-tama, ini adalah skala lukisannya. Jika pada karya pelukis sebelumnya terdapat beberapa komposisi kecil pada satu dinding, maka Raphael memiliki dinding tersendiri untuk setiap lukisannya. Sejalan dengan itu, sosok yang digambarkan juga “tumbuh”.

Selanjutnya, perlu diperhatikan kejenuhan lukisan dinding Raphael dengan berbagai elemen dekoratif: langit-langit yang dihiasi marmer buatan dan penyepuhan, komposisi lukisan dinding dan mozaik, dan lantai yang dicat dengan pola mewah. Namun keragaman tersebut tidak menimbulkan kesan berlebihan dan kacau. Diatur di tempatnya dan elemen dekoratif yang ditata dengan terampil membangkitkan rasa harmoni, keteraturan, dan ritme tertentu yang diatur oleh sang master. Sebagai hasil dari inovasi kreatif dan teknis tersebut, gambar yang dibuat oleh seniman dalam lukisan terlihat jelas oleh penonton dan oleh karena itu memperoleh kejernihan dan kejelasan yang diperlukan.

Semua lukisan dinding harus mengikuti tema yang sama: pemuliaan Gereja Katolik dan kepalanya. Dalam hal ini, lukisan-lukisan tersebut dibangun di atas adegan-adegan alkitabiah dan adegan-adegan dari sejarah kepausan (dengan gambar Julius II dan penggantinya Leo X). Namun, di Raphael, gambaran spesifik semacam itu memperoleh makna alegoris yang digeneralisasikan, mengungkapkan esensi gagasan humanistik Renaisans.

Yang menarik dari sudut pandang ini adalah Stanza della Senyatura (ruang khusus). Lukisan dinding komposisi tersebut merupakan ekspresi dari empat bidang aktivitas spiritual manusia. Jadi, fresco "Perdebatan" menunjukkan teologi, "Sekolah Athena" - filsafat, "Parnassus" - puisi, "Kebijaksanaan, Kesederhanaan dan Kekuatan" - keadilan. Bagian atas setiap fresco dimahkotai dengan gambar alegoris dari sosok yang mewakili jenis aktivitas tertentu. Di sudut-sudut kubah ada komposisi kecil, temanya mirip dengan satu atau beberapa fresco.

Komposisi lukisan di Stanza della Senyatura didasarkan pada kombinasi subjek alkitabiah dan Yunani kuno (alkitabiah - "Kejatuhan", antik - "Kemenangan Apollo atas Marsyas"). Fakta bahwa kombinasi tema mitologis, pagan, dan sekuler digunakan untuk menghiasi ruang kepausan membuktikan sikap orang-orang pada masa itu terhadap dogma agama. Lukisan dinding Raphael mengungkapkan prioritas awal sekuler di atas gereja-religius.

Lukisan dinding kultus agama yang paling mencolok dan paling mencerminkan adalah lukisan "Perselisihan". Di sini komposisinya tampak terbagi menjadi dua bagian: langit dan bumi. Di bawah, di tanah, ada sosok bapak gereja, juga pendeta, tua-tua, dan pemuda. Gambar mereka sangat alami, yang dibuat dengan bantuan transmisi realistis dari plastisitas tubuh, belokan, dan pergerakan figur. Di antara banyak orang di sini, Anda dapat dengan mudah mengenali Dante, Savonarola, pelukis Fra Beato Angelico.

Di atas sosok orang ada gambar yang melambangkan Tritunggal Mahakudus: Allah Bapa, sedikit lebih rendah darinya - Yesus Kristus dengan Bunda Allah dan Yohanes Pembaptis, di bawah mereka - seekor merpati - personifikasi Roh Kudus. Di tengah komposisi keseluruhan, sebagai lambang persekutuan, terdapat sebuah hosti.

Dalam "Dispute" Raphael tampil sebagai master komposisi yang tak tertandingi. Terlepas dari banyaknya simbol, gambar tersebut dibedakan oleh kejernihan gambar yang luar biasa dan kejernihan pikiran pengarangnya. Simetri susunan figur di bagian atas komposisi diperlunak oleh figur yang ditempatkan hampir semrawut di bagian bawahnya. Dan oleh karena itu, beberapa sketsa gambar yang pertama menjadi hampir tidak terlihat. Elemen komposisi lintas sektor di sini adalah setengah lingkaran: setengah lingkaran yang terletak di bagian atas orang-orang kudus dan rasul di atas awan dan, sebagai gaungnya, setengah lingkaran sosok orang yang bebas dan lebih alami di bagian bawah gambar.

Salah satu lukisan dinding terbaik dan karya Raphael pada periode karyanya ini adalah lukisan "The School of Athens". Lukisan dinding ini merupakan perwujudan cita-cita humanistik tinggi yang terkait dengan seni. Yunani kuno. Artis itu menggambarkan para filsuf dan ilmuwan kuno yang terkenal. Sosok Plato dan Aristoteles ditempatkan di bagian tengah komposisi. Tangan Plato menunjuk ke bumi, dan Aristoteles - ke langit, yang melambangkan ajaran para filsuf kuno.

Di sisi kiri Plato adalah sosok Socrates, yang sedang bercakap-cakap dengan sekelompok orang, di antaranya wajah Alcibiades muda terlihat menonjol, yang tubuhnya dilindungi oleh cangkang, dan kepalanya ditutupi dengan a helm. Di tangga ditempatkan Diogenes, sang pendiri sekolah filsafat sinis. Di sini dia digambarkan sebagai seorang pengemis yang berdiri di pintu masuk kuil dan meminta sedekah.

Di bagian bawah komposisi ada dua kelompok orang. Di sisi kiri diperlihatkan sosok Pythagoras yang dikelilingi oleh para siswa. Di sebelah kanan - Euclid, menggambar sesuatu di papan tulis, juga dikelilingi oleh siswa. Di sebelah kanan kelompok terakhir adalah Zoroaster dan dimahkotai Ptolemeus dengan bola di tangannya. Di dekatnya, penulis menempatkan potret dirinya dan sosok pelukis Sodom (dialah yang mulai mengerjakan lukisan Stanza della Senyatura). Di sebelah kiri tengah, sang seniman menempatkan Heraclitus of Ephesus yang bijaksana.

Dibandingkan dengan gambar di lukisan dinding Perselisihan, sosok Sekolah Athena jauh lebih besar dan lebih monumental. Ini adalah pahlawan yang diberkahi dengan pikiran luar biasa dan ketabahan yang luar biasa. Gambar utama fresco adalah Plato dan Aristoteles. Signifikansi mereka ditentukan tidak hanya dan tidak begitu banyak oleh tempat dalam komposisi (mereka menempati tempat sentral), tetapi oleh ekspresi wajah dan plastisitas khusus tubuh: figur-figur ini memiliki postur dan gaya berjalan yang benar-benar agung. Fakta yang menarik adalah Leonardo da Vinci menjadi prototipe gambar Plato. Model penulisan gambar Euclid adalah arsitek Bramante. Prototipe Heraclitus adalah sosok yang digambarkan oleh Michelangelo di langit-langit Kapel Sistina. Beberapa ahli berpendapat bahwa gambar Heraclitus disalin oleh master dari Michelangelo sendiri.

Temanya juga berubah di sini: fresco terdengar seperti semacam himne bagi pikiran dan keinginan manusia. Itulah sebabnya semua karakter ditempatkan dengan latar belakang bangunan arsitektur megah, melambangkan ketidakterbatasan pikiran manusia dan pemikiran kreatif. Jika tokoh-tokoh "Perselisihan" bersifat pasif, maka gambaran yang disajikan dalam "Mazhab Athena" adalah pembangun kehidupan mereka yang aktif dan energik, pengubah tatanan sosial dunia.

Solusi komposisi fresco juga menarik. Jadi, sosok Plato dan Aristoteles yang terletak di latar belakang, karena ditampilkan bergerak, adalah yang utama dalam gambar tersebut. Selain itu, mereka membentuk pusat komposisi yang dinamis. Menonjol dari kedalaman, mereka tampak maju, ke arah penonton, yang menimbulkan kesan dinamis, pengembangan komposisi, yang dibingkai oleh lengkungan setengah lingkaran.

Pengerjaan lukisan di belakang ruangan segel Stanza d'Eliodoro dilakukan oleh Rafal antara tahun 1511 dan 1514. Subjek lukisan dinding ruangan ini adalah legenda alkitabiah dan fakta dari sejarah kepausan, dihiasi dengan cerita di mana tempat utama diberikan kepada pemeliharaan ilahi dan keajaiban.

Ruangan itu mendapatkan namanya setelah selesainya pekerjaan dekoratif pada fresco "The Expulsion of Eliodor", yang plotnya didasarkan pada kisah komandan Suriah Eliodor, yang ingin mencuri kekayaan yang disimpan di kastil Yerusalem. Namun, pengendara langit mencegahnya. Lukisan dinding berfungsi sebagai pengingat bagaimana pasukan Paus Julius II mengalahkan dan dengan memalukan mengusir tentara Prancis dari Negara Kepausan.

Namun, fresco ini tidak dibedakan oleh kekuatan ekspresi niat kreatif senimannya. Ini mungkin karena komposisi keseluruhan dibagi menjadi dua bagian terpisah. Di sebelah kiri adalah pengendara cantik yang bersama dua malaikat mencoba menyerang Eliodor. Di sisi kanan fresco adalah Julius II, sedang berbaring di atas tandu. Di antara mereka yang menopang tandu, pelukis tersebut diperankan oleh pelukis terkenal Jerman Albrecht Dürer. Terlepas dari dugaan kesedihan heroik dari plot tersebut, gambar Raphael di sini sama sekali tidak memiliki dinamika dan drama.

Karakter yang agak lebih kuat dan struktur komposisi yang sempurna adalah lukisan dinding yang disebut "Misa di Bolsena". Plotnya didasarkan pada cerita tentang seorang pendeta yang tidak percaya yang wafernya berlumuran darah selama sakramen. Saksi keajaiban di kanvas Raphael ini adalah Paus Julius II, yang terletak di belakangnya, para kardinal dan orang Swiss dari penjaga.

Ciri khas dari karya seniman terkenal ini adalah besarnya, dibandingkan dengan karya-karya sebelumnya, tingkat kealamian dan kealamian dalam penggambaran karakter. Ini bukan lagi sosok abstrak yang memukau dengan kecantikan luarnya, tetapi orang yang cukup nyata. Bukti paling mencolok dari hal ini adalah gambar orang Swiss dari penjaga kepausan, yang wajahnya penuh dengan energi batin, mengekspresikan keinginan manusia yang kuat. Namun, perasaan mereka bukanlah penemuan kreatif sang seniman. Ini adalah emosi manusia yang sangat nyata.

Dalam karya ini, penulis sangat memperhatikan warna, kepenuhan warna kanvas dan gambar. Pelukis sekarang tidak hanya memperhatikan transfer yang tepat dari garis kontur figur, tetapi juga dengan saturasi warna gambar, tampilan dunia batin mereka melalui nada tertentu.

Yang tak kalah ekspresifnya adalah fresco "Produksi Peter", yang menggambarkan adegan pembebasan Rasul Petrus oleh seorang malaikat. Sejarawan seni percaya bahwa gambar ini adalah simbol pelepasan luar biasa dari utusan kepausan Leo X (yang kemudian menjadi Paus) dari penahanan Prancis.

Yang menarik dalam fresco ini adalah komposisi dan solusi warna yang ditemukan oleh penulisnya. Ini mereproduksi pencahayaan malam, yang meningkatkan sifat dramatis komposisi keseluruhan. Latar belakang arsitektur yang dipilih dengan hati-hati juga berkontribusi pada pengungkapan konten dan konten emosional yang lebih besar dari gambar tersebut: penjara bawah tanah yang dibangun dari batu bata besar, lemari besi melengkung yang berat, dan kisi kisi yang tebal.

Lukisan dinding keempat dan terakhir di Stanza d'Eliodoro, yang kemudian disebut "Pertemuan Paus Leo I dengan Attila", dibuat menurut sketsa Raphael oleh murid-muridnya, Giulio Romano dan Francesco Penny. Pekerjaan itu dilakukan dalam periode 1514 hingga 1517. Sang master sendiri, yang pada saat itu telah menjadi seniman yang luar biasa populer, yang ketenarannya menyebar ke seluruh Italia, dan menerima banyak pesanan, tidak dapat menyelesaikan dekorasi ruang kepausan. Selain itu, Raphael saat itu ditunjuk sebagai kepala arsitek Katedral Santo Petrus, dan juga mengawasi penggalian arkeologi yang kemudian dilakukan di wilayah Roma dan sekitarnya.

Lukisan yang menghiasi Stanzas del Incendio didasarkan pada cerita dari sejarah kepausan. Di antara semua lukisan dinding, mungkin hanya satu yang patut mendapat perhatian khusus - "Api di Borgo". Dia menceritakan tentang kebakaran yang terjadi di salah satu pemukiman Romawi pada tahun 847. Paus Leo IV kemudian ikut memadamkan api tersebut. Lukisan dinding ini dibedakan oleh kesedihan yang berlebihan dan drama buatan dalam citra orang yang mencoba melarikan diri dari bencana: seorang putra menggendong ayahnya, seorang pemuda memanjat tembok, seorang gadis memegang kendi.

Lukisan dinding bait Vatikan dengan baik menunjukkan evolusi karya Raphael: sang seniman secara bertahap berpindah dari citra ideal karya-karya awal ke drama dan pada saat yang sama lebih dekat dengan kehidupan dalam karya-karya yang termasuk dalam periode akhir ( komposisi plot dan potret).

Hampir segera setelah kedatangannya di Roma, pada 1509, Raphael melanjutkan tema Madonna, menulis kanvas "Madonna Alba". Dibandingkan dengan sosok Conestabile Madonna, gambar di Alba Madonna jauh lebih kompleks. Maria digambarkan di sini sebagai seorang wanita muda dengan karakter kuat, energik dan percaya diri. Gerakan bayi sama kuatnya. Lukisan itu berbentuk tondo. Namun, gambar-gambar itu ditulis di sini secara lengkap, yang tidak khas untuk kanvas bundar. Penataan figur seperti itu, bagaimanapun, tidak mengarah pada munculnya gambar statis. Mereka, serta seluruh komposisi secara keseluruhan, ditampilkan dalam dinamika. Perasaan ini tercipta karena sang master secara halus dan akurat menyampaikan plastisitas gerakan tubuh manusia.

Yang sangat penting untuk pembentukan metode kreatif seniman adalah lukisan "Madonna in the Chair" (atau "Madonna della sedia"), yang diselesaikan sekitar tahun 1516. Gambar Madonna yang agak ideal diturunkan di sini oleh memperkenalkan elemen spesifik dan nyata ke dalam komposisi. Jadi, misalnya, dada Mary ditutupi dengan selendang lebar berwarna cerah dengan pinggiran. Syal seperti itu pada waktu itu adalah pakaian favorit semua wanita petani Italia.

Sosok Madonna, anak Kristus dan Yohanes Pembaptis kecil terletak berdekatan satu sama lain. Sepertinya gambar-gambar itu mengalir lancar satu sama lain. Seluruh gambar dijiwai dengan perasaan liris yang luar biasa cerah. Tema cinta keibuan yang selalu hidup tersampaikan di sini tidak hanya dalam tatapan Maria, tetapi juga dalam plastisitas sosoknya. Bentuk tondo memberikan keseluruhan komposisi kelengkapan yang logis. Sosok Maria dan bayi yang diletakkan di atas kanvas bundar merupakan simbol persatuan dua orang terdekat: ibu dan anak. Ini
lukisan Raphael diakui oleh orang-orang sezamannya sebagai puncak lukisan kuda-kuda, tidak hanya dari segi konstruksi komposisi, tetapi juga karena transfer garis plastik gambar yang halus.

Dari 10-an. abad ke 16 Raphael sedang mengerjakan komposisi untuk altar. Maka, pada tahun 1511, Foligno Madonna muncul. Dan pada tahun 1515, seniman terkenal itu mulai membuat kanvas, yang nantinya akan membawa pelukis itu ke kejayaan seorang master hebat dan memenangkan hati lebih dari satu generasi orang. "The Sistine Madonna" adalah lukisan yang menandai tahap akhir pembentukan metode artistik Raphael. Tema keibuan telah diterima di sini, dibandingkan dengan karya-karya sebelumnya, perkembangan terbesar dan implementasi yang paling lengkap.

Saat memasuki katedral, mata penonton langsung tertuju pada sosok agung Madonna yang menggendong bayi Yesus Kristus di pelukannya. Efek ini dicapai dengan pengaturan komposisi karakter khusus. Tirai setengah terbuka, mata Saints Sixtus dan Barbara, menoleh ke Mary - semua ini ditujukan untuk menonjolkan dan menjadikan ibu muda sebagai pusat komposisi.

Dalam mengungkap citra Madonna, Raphael menyimpang jauh dari seniman Renaisans. Madonna di sini berbicara langsung kepada penonton. Dia tidak sibuk dengan seorang anak (seperti Madonna dari Leonardo da Vinci) dan tidak tenggelam dalam dirinya sendiri (seperti pahlawan wanita dari karya awal sang master). Mary ini, bergerak melalui awan seputih salju menuju penonton, sedang bercakap-cakap dengannya. Di matanya yang lebar, Anda bisa melihat cinta ibu, dan beberapa kebingungan, dan keputusasaan, dan kerendahan hati, dan kepedulian yang mendalam akan nasib putranya di masa depan. Dia, sebagai seorang peramal, tahu semua yang akan terjadi pada anaknya. Namun, demi menyelamatkan orang, sang ibu siap mengorbankan dirinya. Gambar bayi Kristus diberkahi dengan keseriusan yang sama. Di matanya, seolah-olah, seluruh dunia tertutup, dia, seperti seorang nabi, memberi tahu kita nasib umat manusia dan nasibnya sendiri.

Raphael. Sistin Madonna. 1515-1519

Citra Maria penuh dengan drama dan sangat ekspresif. Namun, itu tidak memiliki idealisasi dan tidak diberkahi dengan ciri-ciri hiperbolik. Perasaan kelengkapan, kelengkapan gambar tercipta di sini karena dinamika komposisi, yang diekspresikan dengan transfer plastisitas figur yang akurat dan setia, dan gorden pakaian para pahlawan. Semua tokoh dihadirkan, hidup, bergerak, cerah. Wajah Mary, seperti bayi Kristus dengan mata sedih yang tidak kekanak-kanakan, mengungkapkan keseluruhan perasaan yang berubah satu demi satu secara harfiah di depan mata pemirsa: kesedihan, kecemasan, kerendahan hati dan, akhirnya, tekad.

Di kalangan sejarawan seni, pertanyaan tentang prototipe Sistine Madonna masih terbuka. Beberapa sarjana mengidentifikasi gambar ini dengan gambar seorang wanita muda yang digambarkan dalam potret "Lady in a Veil" (1514). Namun, menurut kesaksian orang-orang sezaman, Maria di atas kanvas "Sistine Madonna" lebih merupakan tipe wanita yang digeneralisasikan, cita-cita Raphaelian, dan bukan citra spesifik siapa pun.

Di antara karya potret Raphael, potret Paus Julius II yang dilukis pada tahun 1511 sangat menarik.Orang sungguhan ditampilkan di sini sebagai semacam cita-cita, yang merupakan ciri khas dari metode kreatif pelukis.

Catatan khusus adalah potret Count Baldassare Castiglione, yang dibuat pada tahun 1515, yang menggambarkan orang yang tenang, seimbang, dan berkembang secara harmonis. Rafael muncul di sini sebagai ahli warna yang luar biasa. Dia menggunakan kombinasi warna yang kompleks dan transisi nada. Penguasaan rona yang sama juga dibedakan oleh karya pelukis lainnya: potret wanita "Lady in a Veil" ("La donna velata", 1514), di mana warna dominan adalah cat putih (gaun seputih salju wanita itu menyala kerudung tipis).

Bagian penting dalam karya Raphael ditempati oleh karya-karya monumental. Di antara karya-karyanya yang serupa kemudian, yang paling menarik adalah, pertama-tama, lukisan dinding yang menghiasi dinding Villa Farnesina pada tahun 1515 (sebelumnya milik Chigi yang kaya) "The Triumph of Galatea". Gambar ini dibedakan oleh suasana gembira yang luar biasa. Gambar-gambar itu benar-benar dipenuhi dengan kebahagiaan. Nada serupa diciptakan melalui penggunaan kombinasi khusus warna-warna cerah dan jenuh: tubuh putih telanjang dipadukan secara harmonis di sini dengan langit biru transparan dan gelombang biru laut.

Karya monumental Raphael yang terakhir adalah dekorasi dinding galeri melengkung yang terletak di lantai dua Istana Vatikan. Dekorasi aula didekorasi dengan lukisan dan mozaik yang terbuat dari marmer buatan. Plot lukisan dinding digambar oleh seniman dari legenda alkitabiah dan yang disebut. grotesques (lukisan yang ditemukan di kuburan Yunani kuno - gua). Total ada 52 lukisan. Mereka kemudian digabungkan menjadi sebuah siklus dengan nama umum "Raphael's Bible". Menarik juga bahwa seniman terkenal itu melakukan pekerjaan mendekorasi aula Istana Vatikan bersama dengan murid-muridnya, di antaranya Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine menempati tempat yang menonjol.

Lukisan-lukisan kuda-kuda Raphael selanjutnya adalah semacam refleksi dan ekspresi dari krisis kreatif sang master yang tumbuh secara bertahap. Mengikuti jalur dramatisasi gambar yang terus meningkat yang dibuat oleh para ahli Renaisans Tinggi, tetapi pada saat yang sama tetap setia pada metode representasi artistiknya yang sudah mapan, Raphael sampai pada kontradiksi gaya. Sarana dan cara mengungkapkan pikirannya ternyata terlalu sedikit untuk menciptakan citra baru yang lebih sempurna secara kualitatif dalam hal menyampaikan dunia batin dan keindahan luarnya. Contoh nyata yang menggambarkan periode karya Raphael ini adalah "Memikul Salib" (1517), siklus "Keluarga Suci" (sekitar 1518), komposisi altar "Transfigurasi".

Sangat mungkin pelukis berbakat seperti Raphael akan menemukan jalan keluar dari kebuntuan kreatif, jika bukan karena kematian mendadak yang mengejutkan semua orang sezaman sang master. Rafael Santi meninggal pada 6 April 1520 pada usia 37 tahun. Pemakaman mewah diadakan. Abu pelukis besar dimakamkan di Pantheon di Roma.

Karya Raphael hingga saat ini tetap menjadi mahakarya seni dunia. Gambar-gambar ini adalah contohnya seni klasik, dipanggil untuk menunjukkan kepada umat manusia keindahan yang sempurna dan tidak wajar. Mereka menyajikan kepada pemirsa sebuah dunia di mana orang-orang memiliki perasaan dan pikiran yang tinggi. Karya Raphael adalah sejenis himne seni yang mengubah seseorang, menjadikannya lebih bersih, lebih cerah, lebih cantik.

Titian (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio lahir dalam keluarga militer di kota kecil Pieve di Cadore, yang terletak di pegunungan dan bagian dari harta Venesia. Para ilmuwan belum dapat memastikan tanggal dan tahun kelahiran Titian secara akurat. Beberapa percaya bahwa ini adalah 1476-1477, yang lain - 1485-1490.

Ilmuwan berpendapat bahwa keluarga Vecellio kuno dan cukup berpengaruh di kota. Melihat bakat awal anak laki-laki itu dalam melukis, orang tuanya memutuskan untuk memberikan Tiziano ke bengkel seni master mosaik Venesia. Beberapa waktu kemudian, Vecellio muda ditugaskan untuk belajar di bengkel, pertama dari Gentile Bellini, dan kemudian dari Giovanni Bellini. Kali ini, seniman muda itu bertemu dengan Giorgione, yang pengaruhnya tercermin dalam karya-karya awalnya.

Semua karya seniman dapat dibagi menjadi dua periode: yang pertama disebut. dzhordzhonevsky - hingga 1515-1516 (ketika pengaruh Giorgione paling kuat diekspresikan dalam karya pelukis); yang kedua - dari tahun 40-an. abad ke-16 (saat ini, Titian sudah menjadi master mapan yang mewakili seni Renaisans Akhir).

Mengikuti pada tahap awal metode artistik Giorgione dan pelukis Renaisans, Titian memikirkan kembali cara memecahkan masalah artistik. Gambar-gambar baru keluar dari bawah kuas seniman, yang sangat berbeda dari tokoh-tokoh luhur dan halus, seperti Raphael dan Leonardo da Vinci. Para pahlawan Titian adalah orang biasa, bertubuh penuh, sensual, mereka sebagian besar memiliki awal yang kafir. Kanvas awal pelukis dibedakan oleh komposisi yang agak sederhana, yang, bagaimanapun, diresapi dengan suasana hati yang luar biasa gembira dan kesadaran akan kebahagiaan, kepenuhan, dan ketidakterbatasan kehidupan duniawi yang tak berawan.

Di antara karya-karya periode ini, yang paling mengekspresikan metode kreatif senimannya, salah satu yang paling mencolok adalah lukisan "Cinta di Bumi dan Surga", yang berasal dari tahun 10-an. abad ke 16. Penting bagi pengarang untuk tidak hanya menyampaikan plotnya, tetapi juga untuk menunjukkan pemandangan indah yang membangkitkan pikiran tentang kedamaian dan kebahagiaan makhluk, dan keindahan sensual seorang wanita.

Sosok perempuan memang tidak diragukan lagi luhur, tetapi tidak diabstraksikan dari kehidupan dan tidak diidealkan oleh pengarangnya. Lanskap, dicat dengan warna-warna lembut dan ditempatkan di latar belakang, berfungsi sebagai latar belakang yang sangat baik untuk gambar wanita yang anggun dan elegan, tetapi pada saat yang sama cukup nyata dan spesifik: Cinta Bumi dan Cinta Surgawi. Komposisi yang disusun dengan terampil dan rasa warna yang halus membantu seniman untuk menciptakan karya yang luar biasa harmonis, yang setiap elemennya ternyata berada di bawah keinginan pengarang untuk menunjukkan keindahan alam dari alam dan manusia duniawi.

Dalam karya Titian selanjutnya Assunta (atau Ascension of Mary), yang berasal dari tahun 1518, tidak ada kontemplasi yang tenang dan ketenangan yang terdengar dalam karya Cinta Bumi dan Surgawi. Ada lebih banyak dinamika, kekuatan, energi. Tokoh sentral dari komposisi tersebut adalah Maria, yang ditampilkan sebagai seorang wanita muda yang penuh dengan keindahan dan kekuatan duniawi. Pandangan para rasul diarahkan padanya, yang gambarnya mengungkapkan vitalitas dan energi batin yang sama. Semacam himne untuk kecantikan manusia dan perasaan manusia yang kuat adalah komposisi "Bacchus dan Ariadne" (dari siklus "Bacchanalia", 1523).

Pemuliaan duniawi kecantikan wanita menjadi tema karya Titian lainnya yang berjudul "Venus of Urbino". Itu dibuat pada tahun 1538. Terlepas dari kenyataan bahwa sama sekali tidak ada keagungan dan spiritualitas gambar, yang terakhir tetap tidak mengurangi nilai estetika kanvas. Venus sangat indah di sini. Namun, kecantikannya biasa saja dan alami, yang membedakan citra yang diciptakan oleh Titian dari Venus Botticelli.

Namun, salah jika dikatakan bahwa gambaran masa awal perkembangan karya seniman hanya mengagungkan kecantikan luar seseorang. Seluruh penampilan mereka menggambarkan orang yang harmonis, yang kecantikan luarnya disamakan dengan spiritual dan merupakan kebalikan dari jiwa yang sama cantiknya.

Dari sudut pandang ini, yang paling menarik adalah gambar Yesus Kristus di atas kanvas "Caesar's Denarius", yang dibuat pada periode 1515 hingga 1520. Yesus karya Titian sama sekali tidak ditampilkan sebagai makhluk surgawi yang agung dan agung. Ekspresi spiritual wajahnya menunjukkan bahwa di depan penonton adalah orang yang mulia dengan organisasi mental yang sempurna.

Gambar-gambar yang dibuat dalam komposisi altar "Madonna Pesaro" yang ditulis pada periode 1519 hingga 1526 diisi dengan spiritualitas yang sama. Pahlawan-pahlawan ini bukanlah skema atau abstraksi. Penciptaan gambar yang hidup dan nyata sebagian besar difasilitasi oleh penggunaan rangkaian berbagai warna oleh sang master: kerudung seputih salju Mary, biru langit, merah tua, merah cerah, pakaian pahlawan emas, karpet hijau yang kaya. Keragaman nada seperti itu tidak menimbulkan kekacauan dalam komposisi, tetapi sebaliknya membantu pelukis menciptakan sistem gambar yang harmonis dan harmonis.

Di tahun 1520-an Titian menciptakan karya pertama yang bersifat dramatis. Ini adalah lukisan terkenal "The Entombment". Gambar Kristus di sini ditafsirkan dengan cara yang sama seperti pada lukisan "Caesar's Denarius". Yesus ditampilkan bukan sebagai makhluk yang turun dari surga untuk menyelamatkan umat manusia, tetapi sebagai pahlawan duniawi yang gugur dalam pertempuran yang tidak seimbang. Terlepas dari semua tragedi dan drama plot, kanvas tidak membuat penonton merasa putus asa. Sebaliknya, citra yang diciptakan oleh Titian merupakan simbol optimisme dan kepahlawanan, melambangkan kecantikan batin seseorang, keluhuran dan kekuatan jiwanya.

Karakter ini secara signifikan membedakan karya seniman ini dari karya selanjutnya dengan nama yang sama, bertanggal 1559, di mana suasana hati yang optimis digantikan oleh tragedi tanpa harapan. Di sini, serta di lukisan lain karya Titian - “The Assassination of St. Peter the Martyr”, kreasi yang berasal dari periode 1528 hingga 1530, sang master menggunakan metode representasi artistik baru. Gambar-gambar alam yang tersaji di atas kanvas (matahari terbenam dalam “The Entombment” disampaikan dalam warna-warna gelap suram dan pepohonan yang membungkuk di bawah hembusan angin kencang dalam “The Assassination of St. Peter the Martyr”) ternyata semacam ekspresi perasaan dan nafsu manusia. Ibu Pertiwi Agung tunduk di sini kepada Manusia Yang Berdaulat. Titian dalam komposisi yang disebutkan di atas, seolah-olah, menegaskan gagasan bahwa segala sesuatu yang terjadi di alam disebabkan oleh perbuatan manusia. Dia adalah Tuhan dan penguasa dunia (termasuk alam).

Tahap baru dalam pengembangan keterampilan seniman dalam menciptakan komposisi multi-figur adalah kanvas berjudul "Pengantar Kuil", bertanggal 1534-1538. Terlepas dari kenyataan bahwa Titian menulis banyak gambar di sini, semuanya ternyata disatukan menjadi satu kesatuan komposisi oleh ketertarikan pada peristiwa penting yang terjadi di depan mata mereka - pengenalan Maria ke dalam kuil. Sosok tokoh utama dipisahkan dari tokoh minor (tetapi tidak kalah pentingnya) dengan jeda spasial: dia dipisahkan dari kerumunan orang yang penasaran dan pendeta dengan tangga. Suasana meriah, rasa pentingnya apa yang terjadi diciptakan dalam komposisi gerak tubuh dan plastisitas figur. Namun, karena masuknya gambar sosok pedagang telur yang ditempatkan di latar depan, kesedihan yang berlebihan dari karya tersebut berkurang dan kesan realisme dan kealamian situasi yang digambarkan oleh seniman ditingkatkan.

Pengenalan komposisi gambar rakyat merupakan ciri khas dari metode artistik dan visual Titian pada periode 30-an. Abad XVI. Gambar-gambar inilah yang membantu sang master membuat gambar yang sangat jujur.

Ide kreatif terlengkap untuk menampilkan pribadi yang harmonis, cantik jiwa dan raga, diwujudkan dalam karya potret Titian. Salah satu karya pertama dari sifat ini adalah "Potret seorang pemuda dengan sarung tangan." Penciptaan kanvas mengacu pada periode 1515 hingga 1520. Gambar seorang pemuda mewakili seluruh generasi orang pada masa itu - Renaisans. Potret tersebut mewujudkan gagasan keharmonisan jiwa dan raga manusia. Bahu lebar, kelenturan tubuh yang longgar, kerah kemeja yang tidak dikancingkan dengan santai, kepercayaan diri yang tenang diekspresikan oleh penampilan seorang pemuda - semuanya ditujukan untuk menyampaikan gagasan utama penulis tentang kegembiraan keberadaan manusia dan kebahagiaan orang biasa. orang yang tidak mengenal kesedihan dan tidak terkoyak oleh kontradiksi internal.

Jenis yang sama dari orang bahagia yang tertata secara harmonis dapat dilihat pada kanvas "Violante" dan "Potret Tommaso Mosti" (keduanya - 1515-1520).

Dalam potret yang dibuat lama kemudian, pemirsa tidak akan lagi menemukan keterusterangan dan kepastian yang jelas tentang sifat gambar, yang menjadi ciri khas karya serupa pada periode 1515-1520. Inti dari karakter akhir Titian, dibandingkan dengan karakter awal, jauh lebih kompleks dan beragam. Contoh nyata dari perubahan metode artistik pengarang adalah lukisan "Potret Ippolito Riminaldi", yang dibuat pada akhir tahun 1540-an. Potret tersebut menggambarkan seorang pemuda yang wajahnya, dibatasi oleh janggut kecil, mengungkapkan pergumulan perasaan dan emosi yang dalam.

Gambar yang dibuat oleh Titian selama periode ini tidak khas untuk seni Renaisans Tinggi: gambar itu rumit, dalam banyak hal kontradiktif dan dramatis. Ini adalah para pahlawan komposisi, yang disebut "Potret Paus Paulus III dengan Alessandro dan Ottavio Farnese." Kanvas itu dibuat pada periode 1545 hingga 1546. Paus Paulus III ditampilkan sebagai orang yang licik dan tidak percaya. Dia memperhatikan dengan perhatian dan kedengkian Ottavio, keponakannya, seorang penyanjung terkenal dan munafik di pengadilan.

Titian menunjukkan dirinya sebagai ahli komposisi artistik yang luar biasa. Esensi karakter orang terungkap dalam karya ini melalui interaksi karakter satu sama lain, melalui gerak tubuh dan postur tubuh mereka.

Sebuah potret yang menggambarkan Charles V (1548) dibangun di atas kombinasi elemen dekoratif dan realistis yang megah. Dunia batin model ditampilkan dengan presisi yang luar biasa. Penampil mengerti apa yang ada di depannya orang spesial dengan karakter yang kompleks, ciri-ciri utamanya adalah pikiran dan ketabahan yang besar, serta kelicikan, kekejaman, kemunafikan.

Dalam potret yang dibuat oleh Titian, yang lebih sederhana dalam hal konstruksi komposisi, semua perhatian penonton terfokus pada dunia batin gambar. Misalnya, kanvas "Potret Aretino", bertanggal 1545, dipilih oleh seniman sebagai orang terkenal di Venesia pada waktu itu, Pietro Aretino, yang menjadi terkenal karena keserakahannya yang luar biasa akan uang dan duniawi. kesenangan. Namun, meskipun demikian, ia sangat menghargai seni, ia sendiri adalah penulis sejumlah artikel jurnalistik, sejumlah besar komedi, cerita pendek, dan puisi (meski tidak selalu
konten yang layak).

Titian memutuskan untuk menangkap orang seperti itu di salah satu karyanya. Aretino-nya adalah citra realistis yang kompleks, berisi perasaan dan karakter yang paling beragam, terkadang bahkan kontradiktif.

Konflik tragis seseorang dengan kekuatan yang memusuhi dia ditunjukkan dalam lukisan "Lihatlah Manusia", dilukis pada tahun 1543. Plotnya terinspirasi oleh reaksi publik yang berkembang dari para pendukung Kontra-Reformasi terhadap ide-ide humanistik Renaisans. di Italia saat itu. Dalam komposisinya, citra Kristus sebagai pembawa cita-cita universal yang luhur ditentang oleh Pilatus, ditampilkan sebagai orang yang sinis, kejam, dan jelek. Karena
untuk pertama kalinya, catatan penolakan terhadap kesenangan dan kegembiraan duniawi muncul dalam karya tersebut.

Titian. Potret Paus Paulus III bersama Alessandro dan Ottavio Farnese. 1545-1546

Kontras mencolok yang sama menandai gambar kanvas "Danae", yang ditulis sekitar tahun 1554. Karya tersebut dibedakan oleh tingkat drama yang tinggi. Di dalamnya, penulis, seperti sebelumnya, menyanyikan keindahan dan kebahagiaan manusia. Namun, kebahagiaan itu bersifat sementara dan sesaat. Dalam gambar tersebut tidak ada kekekalan suasana hati dan ketenangan karakter yang membedakan gambar yang dibuat sebelumnya ("Cinta di bumi dan surga", "Venus of Urbino").

Tema utama dalam karya tersebut adalah benturan antara yang indah dan yang jelek, yang tinggi dan yang rendah. Dan jika seorang gadis muda mengungkapkan semua yang paling agung yang ada dalam diri seseorang, maka seorang perawan tua yang mencoba menangkap koin hujan emas mempersonifikasikan kualitas manusia yang paling rendah: kepentingan pribadi, keserakahan, sinisme.

Drama ditekankan dalam komposisi dengan kombinasi nada gelap dan terang tertentu. Dengan bantuan cat, sang seniman menempatkan aksen semantik pada gambar. Jadi, seorang gadis muda melambangkan keindahan dan perasaan cerah. Dan wanita tua itu, yang dikelilingi oleh nada-nada gelap yang suram, mengandung ekspresi permulaan yang mendasar.

Periode karya Titian ini tidak hanya ditandai dengan terciptanya citra kontradiktif yang penuh drama. Pada saat yang sama, sang seniman melukis sejumlah karya yang bertema kecantikan wanita yang mempesona. Namun, tetap perlu dicatat fakta bahwa karya-karya ini tidak memiliki suasana optimis dan meneguhkan hidup, yang terdengar, misalnya, dalam Love on Earth and Heaven dan Bacchanalia. Di antara lukisan yang paling menarik adalah "Diana and Actaeon", "Shepherd and Nymph" (1559), "Venus with Adonis".

Satu dari karya-karya terbaik Titian adalah lukisan berjudul "Kayushda Maria Magdalena", dibuat pada tahun 60-an. abad ke 16. Banyak seniman Renaisans beralih ke kisah alkitabiah ini. Namun, Titian menafsirkan kembali gambar Maria Magdalena yang bertobat. Sosok seorang wanita muda, penuh kecantikan dan kesehatan, mengungkapkan bukan pertobatan Kristen, tetapi kesedihan dan kerinduan akan kebahagiaan hilang selamanya. Manusia, seperti biasa, cantik di Titian, tetapi kesejahteraan, ketenangan, dan ketenangan pikirannya bergantung pada kekuatan eksternal. Merekalah yang mengganggu nasib seseorang, menghancurkan keharmonisan jiwa. Bukan kebetulan bahwa gambar Magdalena, yang dilanda kesedihan, ditampilkan dengan latar belakang lanskap suram yang memahkotai langit gelap dengan awan hitam yang akan datang - pendahuluan dari
badai petir.

Tema yang sama tentang penderitaan manusia juga terdengar dalam karya-karya master terkenal selanjutnya: "Coronation with a Crown of Thorns" (1570) dan "St. Sebastian" (1570).

Dalam The Crowning with Thorns, Yesus ditampilkan oleh seniman dalam wujud manusia biasa, melampaui para penyiksanya dalam kualitas fisik, dan yang terpenting, kualitas moral.

Namun, dia sendirian dan hanya karena itu tidak bisa menjadi pemenang. Intensitas adegan yang dramatis dan emosional diperkuat dengan warna gelap yang suram.

Tema pahlawan kesepian yang berkonflik dengan dunia luar juga terdengar dalam karya “St. Sebastian". Sang protagonis ditampilkan di sini sebagai titan yang agung - gambaran yang khas dari seni Renaisans. Namun, dia masih kalah.

Lanskap, melambangkan kekuatan yang memusuhi karakter, memainkan peran independen di sini. Terlepas dari drama plotnya, komposisi secara keseluruhan diresapi dengan suasana yang meneguhkan hidup.

Semacam himne untuk pikiran manusia, kebijaksanaan dan kesetiaan pada cita-cita yang diterima adalah potret diri sang master, yang diciptakan pada tahun 60-an. abad ke 16

Salah satu lukisan Titian yang paling ekspresif dikenal sebagai "Pieta" (atau "Ratapan Kristus"), ditulis sekitar tahun 1576. Sosok wanita yang dilanda kesedihan digambarkan di sini dengan latar belakang ceruk batu dan pemandangan yang suram. Mary, seperti patung, membeku dalam kesedihan. Gambaran Magdalena luar biasa cerah dan dinamis: sosok wanita yang berjuang maju, tangan terangkat, rambut merah menyala berkibar, mulut sedikit terbuka, dari mana tangisan keputusasaan akan keluar. Yesus ditampilkan bukan sebagai makhluk surgawi yang ilahi, tetapi cukup orang asli, dikalahkan dalam pertempuran yang tidak setara dengan kekuatan yang bermusuhan dengan dunia manusia. Tragedi gambar diekspresikan dalam gambar dengan bantuan transisi tonal dan cahaya-dan-bayangan. Tokoh utamanya ternyata seolah-olah direnggut oleh sinar cahaya dari kegelapan malam.

Karya Titian ini memuliakan seorang pria yang diberkahi dengan perasaan yang dalam. Lukisan "Pieta" adalah sejenis lagu perpisahan yang didedikasikan untuk pahlawan yang ringan, luhur, dan agung yang diciptakan pada zaman Renaisans.

Pelukis hebat, yang memberi dunia gambar-gambar indah, meninggal pada 27 Agustus 1576, mungkin karena wabah. Dia meninggalkan banyak kanvas yang masih memukau penonton dengan penguasaan eksekusi dan rasa warna yang halus. Titian muncul di hadapan kita sebagai psikolog yang luar biasa, penikmat jiwa manusia. Di antara murid-muridnya terdapat seniman seperti Jacopo Nigreti (Palma the Elder), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Jacopo Palma the Younger.

Fitur karakteristik dalam seni Renaisans

Perspektif. Untuk menambah kedalaman dan ruang tiga dimensi pada karya mereka, seniman Renaisans meminjam dan memperluas konsep perspektif linier, garis horizon, dan titik hilang.

§ Perspektif linier. Melukis dengan perspektif linier seperti melihat ke luar jendela dan melukis persis seperti yang Anda lihat di panel jendela. Objek dalam gambar mulai memiliki dimensinya sendiri-sendiri, tergantung jaraknya. Mereka yang lebih jauh dari penonton berkurang, begitu pula sebaliknya.

§ Kaki langit. Ini adalah garis pada jarak di mana objek menyusut ke titik setebal garis ini.

§ Titik hilang. Ini adalah titik di mana garis-garis paralel tampak menyatu jauh di kejauhan, seringkali di garis cakrawala. Efek ini bisa diamati jika Anda berdiri di rel kereta api dan melihat rel yang mengarah ke ya. l.

Bayangan dan cahaya. Seniman bermain dengan minat pada bagaimana cahaya jatuh pada objek dan menciptakan bayangan. Bayangan dan cahaya dapat digunakan untuk menarik perhatian ke titik tertentu dalam sebuah lukisan.

Emosi. Seniman Renaisans ingin pemirsa, melihat karya, merasakan sesuatu, mengalami pengalaman emosional. Itu adalah bentuk retorika visual di mana pemirsa merasa terinspirasi untuk menjadi lebih baik dalam sesuatu.

Realisme dan naturalisme. Selain perspektif, para seniman berupaya membuat objek, terutama manusia, terlihat lebih realistis. Mereka mempelajari anatomi manusia, mengukur proporsi, dan mencari bentuk ideal manusia. Orang-orang tampak nyata dan menunjukkan emosi yang tulus, memungkinkan pemirsa membuat kesimpulan tentang apa yang dipikirkan dan dirasakan orang-orang yang digambarkan.

Era "Renaisans" dibagi menjadi 4 tahap:

Proto-Renaisans (paruh ke-2 abad ke-13 - abad ke-14)

Awal Renaisans (awal abad ke-15 - akhir abad ke-15)

High Renaissance (akhir 15 - 20 tahun pertama abad ke-16)

Renaisans Akhir (pertengahan 16 - 1590-an)

Proto-Renaisans

Proto-Renaissance terkait erat dengan Abad Pertengahan, bahkan muncul di Abad Pertengahan Akhir, dengan tradisi Bizantium, Romawi, dan Gotik, periode ini merupakan cikal bakal Renaisans. Ini dibagi menjadi dua sub-periode: sebelum kematian Giotto di Bondone dan sesudahnya (1337). Artis dan arsitek Italia, pendiri era Proto-Renaissance. Salah satu tokoh kunci dalam sejarah seni Barat. Setelah mengatasi tradisi lukisan ikon Bizantium, ia menjadi pendiri sejati sekolah seni lukis Italia, mengembangkan pendekatan yang sama sekali baru untuk menggambarkan ruang. Karya Giotto terinspirasi oleh Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo. Tokoh sentral lukisan adalah Giotto. Seniman Renaisans menganggapnya sebagai pembaharu lukisan. Giotto menguraikan jalan yang dilalui perkembangannya: mengisi bentuk-bentuk religius dengan konten sekuler, transisi bertahap dari gambar planar ke gambar tiga dimensi dan relief, peningkatan realisme, memperkenalkan volume plastik figur ke dalam lukisan, menggambarkan interior dalam lukisan .

Pada akhir abad ke-13, bangunan candi utama, Katedral Santa Maria del Fiore, didirikan di Florence, penulisnya adalah Arnolfo di Cambio, kemudian Giotto melanjutkan pekerjaannya.

Penemuan terpenting, master paling cemerlang hidup dan bekerja di periode pertama. Segmen kedua terkait dengan wabah wabah yang melanda Italia.

Seni proto-Renaisans pertama kali terwujud dalam seni pahat (Niccolò dan Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). Lukisan diwakili oleh dua sekolah seni: Florence dan Siena.

Renaisans awal

Periode yang disebut "Renaisans Awal" di Italia mencakup waktu dari 1420 hingga 1500. Selama delapan puluh tahun ini, seni belum sepenuhnya meninggalkan tradisi masa lalu baru-baru ini (Abad Pertengahan), tetapi mencoba mencampurkan unsur-unsur yang dipinjam dari zaman klasik ke dalamnya. Baru kemudian, di bawah pengaruh kondisi kehidupan dan budaya yang semakin berubah, para seniman benar-benar meninggalkan fondasi abad pertengahan dan dengan berani menggunakan contoh seni kuno, baik dalam konsep umum karya mereka maupun dalam detailnya.

Sedangkan seni di Italia sudah dengan tegas mengikuti jalur peniruan zaman klasik, di negara lain sudah lama berpegang pada tradisi gaya Gotik. Di utara Pegunungan Alpen, dan juga di Spanyol, Renaisans baru datang pada akhir abad ke-15, dan itu periode awal berlangsung hingga kira-kira pertengahan abad berikutnya.

Seniman Renaisans Awal

Salah satu perwakilan pertama dan paling cemerlang dari periode ini adalah Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), pelukis Italia terkenal, master terbesar sekolah Florentine, pembaharu lukisan era Quattrocento.

Dengan karyanya, dia berkontribusi pada transisi dari Gotik ke seni baru, mengagungkan kebesaran manusia dan dunianya. Kontribusi Masaccio pada seni diperbarui pada tahun 1988 ketika ciptaan utamanya - Lukisan dinding di Kapel Brancacci di Santa Maria del Carmine, Florence- telah dikembalikan ke bentuk aslinya.

- Kebangkitan putra Theophilus, Masaccio dan Filippino Lippi

- Adorasi orang Majus

- Keajaiban dengan stater

Perwakilan penting lainnya dari periode ini adalah Sandro Botticelli. pelukis Renaisans Italia yang hebat, perwakilan dari sekolah seni lukis Florentine.

- Kelahiran Venus

- Venus dan Mars

- Musim semi

- Pemujaan orang Majus

Renaisans Tinggi

Periode ketiga Renaisans - masa perkembangan gayanya yang paling megah - biasanya disebut "Renaisans Tinggi". Itu meluas ke Italia dari sekitar 1500 hingga 1527. Pada saat ini, pusat pengaruh seni Italia dari Florence pindah ke Roma, berkat aksesi tahta kepausan Julius II - seorang pria yang ambisius, berani, giat, yang menarik seniman terbaik Italia ke istananya, menduduki mereka. dengan banyak dan karya penting dan memberi contoh kecintaan pada seni kepada orang lain. Di bawah Paus ini dan di bawah penerus langsungnya, Roma seolah-olah menjadi Athena baru pada zaman Pericles: banyak bangunan monumental dibangun di dalamnya, karya pahatan yang megah dibuat, lukisan dinding dan lukisan dilukis, yang masih dianggap sebagai mutiara lukisan; pada saat yang sama, ketiga cabang seni itu berjalan beriringan secara harmonis, saling membantu dan saling bertindak satu sama lain. Jaman dahulu sekarang dipelajari lebih teliti, direproduksi dengan ketelitian dan konsistensi yang lebih besar; ketenangan dan martabat menggantikan keindahan main-main yang menjadi cita-cita periode sebelumnya; kenangan abad pertengahan benar-benar hilang, dan jejak klasik sepenuhnya jatuh pada semua karya seni. Tetapi peniruan orang-orang kuno tidak menghalangi kemandirian mereka pada para seniman, dan dengan banyak akal dan keaktifan imajinasi, mereka dengan bebas memproses dan menerapkan pada bisnis apa yang mereka anggap pantas untuk dipinjam sendiri dari seni Yunani-Romawi kuno.

Karya tiga master besar Italia menandai puncak Renaisans, inilah Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo di Ser Piero da Vinci pelukis Renaisans Italia yang hebat, perwakilan dari sekolah seni lukis Florentine. Seniman Italia (pelukis, pematung, arsitek) dan ilmuwan (ahli anatomi, naturalis), penemu, penulis, musisi, salah satu perwakilan terbesar seni Renaisans Tinggi, contoh nyata dari " manusia universal»

Perjamuan Terakhir

Mona lisa,

-Pria Vitruvia ,

- Madonna Litta

- Madonna di bebatuan

-Madonna dengan poros

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni. Pematung Italia, pelukis, arsitek [⇨], penyair [⇨], pemikir [⇨]. . Salah satu master terhebat dari Renaisans [⇨] dan Barok awal. Karya-karyanya dianggap sebagai pencapaian tertinggi seni Renaisans selama kehidupan sang master sendiri. Michelangelo hidup selama hampir 89 tahun, seluruh era, dari Renaisans Tinggi hingga asal-usul Kontra-Reformasi. Selama periode ini, tiga belas Paus diganti - dia menjalankan perintah untuk sembilan dari mereka.

Penciptaan Adam

Penghakiman Terakhir

dan Rafael Santi (1483-1520). pelukis Italia yang hebat, seniman grafis dan arsitek, perwakilan dari sekolah Umbria.

- Sekolah Athena

-Sistine Madonna

- Transformasi

- Tukang kebun yang luar biasa

Renaisans akhir

Renaisans Akhir di Italia mencakup periode dari tahun 1530-an hingga 1590-an-1620-an. Kontra-Reformasi menang di Eropa Selatan ( kontra-reformasi(lat. Kontrareformasi; dari kontra- melawan dan reformasi- transformasi, reformasi) - gerakan politik-gereja Katolik di Eropa pada pertengahan abad 16-17, diarahkan melawan Reformasi dan bertujuan memulihkan posisi dan prestise Gereja Katolik Roma.), yang memandang dengan hati-hati pada kebebasan apa pun pemikiran, termasuk nyanyian tubuh manusia dan kebangkitan cita-cita kuno sebagai landasan ideologi Renaisans. Kontradiksi pandangan dunia dan perasaan krisis secara umum mengakibatkan Florence dalam seni "gugup" dengan warna yang dibuat-buat dan garis putus-putus - tingkah laku. Di Parma, tempat Correggio bekerja, Mannerisme tercapai hanya setelah kematian artis pada tahun 1534. Tradisi artistik Venesia memiliki logika perkembangannya sendiri; hingga akhir tahun 1570-an, Palladio bekerja di sana (nama asli Andrea di Pietro). arsitek besar Italia dari akhir Renaisans dan Mannerisme.( Perangai(dari bahasa Italia maniera, tata krama) - Gaya sastra dan artistik Eropa Barat abad ke-16 - sepertiga pertama abad ke-17. Ini ditandai dengan hilangnya keharmonisan Renaisans antara jasmani dan rohani, alam dan manusia.) Pendiri Palladianisme ( Palladianisme atau arsitektur Palladian- bentuk awal klasisisme, yang tumbuh dari gagasan arsitek Italia Andrea Palladio (1508-1580). Gaya ini didasarkan pada ketaatan yang ketat pada simetri, dengan mempertimbangkan perspektif dan meminjam prinsip arsitektur candi klasik Yunani Kuno dan Roma.) Dan klasisisme. Mungkin arsitek paling berpengaruh dalam sejarah.

Karya independen pertama Andrea Palladio, sebagai desainer berbakat dan arsitek berbakat, adalah Basilika di Vicenza, di mana bakat aslinya yang tak ada bandingannya terwujud.

Di antara rumah pedesaan, kreasi master yang paling menonjol adalah Villa Rotunda. Andrea Palladio membangunnya di Vicenza untuk seorang pensiunan pejabat Vatikan. Ini terkenal sebagai bangunan sekuler pertama Renaisans, dibangun dalam bentuk kuil kuno.

Contoh lain adalah Palazzo Chiericati, yang tidak biasa karena lantai pertama bangunan hampir seluruhnya digunakan untuk kepentingan umum, yang sesuai dengan persyaratan otoritas kota pada masa itu.

Di antara konstruksi kota Palladio yang terkenal, Teater Olimpico, yang dirancang dengan gaya amfiteater, harus disebutkan.

Titian ( Titian Vecellio) Pelukis Italia, perwakilan terbesar dari sekolah Venesia dari Renaisans Tinggi dan Akhir. Nama Titian setara dengan seniman Renaisans seperti Michelangelo, Leonardo da Vinci, dan Raphael. Titian melukis gambar-gambar tentang subjek alkitabiah dan mitologis, ia menjadi terkenal sebagai pelukis potret. Dia ditugaskan oleh raja dan paus, kardinal, adipati dan pangeran. Titian belum genap berusia tiga puluh tahun ketika dia diakui sebagai pelukis terbaik di Venesia.

Dari tempat kelahirannya (Pieve di Cadore di provinsi Belluno, Republik Venesia), ia terkadang disebut sebagai da kader; juga dikenal sebagai Titian sang Ilahi.

- Kenaikan Perawan Maria

- Bacchus dan Ariadne

- Diana dan Akeon

-Venus Urbino

- Penculikan Europa

yang karyanya memiliki sedikit kesamaan dengan fenomena krisis dalam seni Florence dan Roma.

Awal lukisan Renaisans dianggap sebagai era Ducento, yaitu. akhir abad ketiga belas. Proto-Renaisans masih terkait erat dengan Romawi abad pertengahan. Tradisi Gotik dan Bizantium. Seniman akhir XIII - awal abad XIV. masih jauh dari kajian ilmiah terhadap realitas di sekitarnya. Mereka mengungkapkan gagasannya tentang hal itu, masih menggunakan gambaran konvensional dari sistem visual Bizantium - bukit berbatu, pohon simbolis, menara bersyarat. Namun terkadang penampakan struktur arsitektural direproduksi dengan sangat akurat sehingga mengindikasikan adanya sketsa dari alam. Karakter religius tradisional mulai digambarkan di dunia yang diberkahi dengan sifat-sifat realitas - volume, kedalaman spasial, materialitas material. Pencarian metode transmisi pada bidang volume dan ruang tiga dimensi dimulai. Para master saat ini menghidupkan kembali prinsip kuno yang terkenal dari pemodelan bentuk chiaroscuro. Berkat itu, figur dan bangunan memperoleh kepadatan dan volume.

Rupanya, yang pertama menerapkan perspektif kuno adalah Florentine Cenny di Pepo (data dari 1272 hingga 1302), dijuluki Cimabue. Sayangnya, karyanya yang paling signifikan - serangkaian lukisan bertema Kiamat, kehidupan Maria dan Rasul Petrus di gereja San Francesco di Assisi, telah sampai kepada kita hampir dalam keadaan hancur. Komposisi altarnya, yang ada di Florence dan di Museum Louvre, lebih terpelihara. Mereka juga kembali ke prototipe Bizantium, tetapi mereka dengan jelas menunjukkan ciri-ciri pendekatan baru lukisan religius. Cimabue kembali dari lukisan Italia abad ke-13, yang mengadopsi tradisi Bizantium, ke asal mulanya. Dia merasakan di dalamnya apa yang tetap tidak dapat diakses oleh orang-orang sezamannya - awal yang harmonis dan keindahan gambar Hellenic yang luhur.

Seniman hebat tampil sebagai inovator berani yang menolak sistem tradisional. Pembaru seperti itu dalam lukisan Italia abad XIV harus diakui Giotto di Bondone(1266-1337). Dia adalah pencipta sistem gambar baru, pembaharu besar dari semua lukisan Eropa, pendiri sebenarnya dari seni baru. Ini adalah seorang jenius yang melampaui orang-orang sezamannya dan banyak pengikutnya.

Seorang Florentine sejak lahir, dia bekerja di banyak kota Italia, dari Padua dan Milan di utara hingga Naples di selatan. Karya Giotto paling terkenal yang sampai kepada kita adalah siklus mural di kapel del Arena di Padua, yang didedikasikan untuk kisah Injil tentang kehidupan Kristus. Ansambel bergambar unik ini adalah salah satu karya tonggak dalam sejarah seni Eropa. Alih-alih mengisolasi adegan dan figur terpisah yang khas dari lukisan abad pertengahan, Giotto menciptakan satu siklus epik. . Alih-alih latar belakang emas Bizantium yang biasa, Giotto memperkenalkan latar belakang lanskap. Sosok-sosok itu tidak lagi melayang di angkasa, tetapi mendapatkan tanah yang kokoh di bawah kaki mereka. Dan meski masih tidak aktif, mereka menunjukkan keinginan untuk menyampaikan anatomi tubuh manusia dan kealamian geraknya.

Reformasi yang dilakukan oleh Giotto dalam seni lukis memberikan kesan mendalam bagi semua orang sezamannya. Ulasan dengan suara bulat tentang dia sebagai pelukis hebat, banyak pelanggan dan pelindung, komisi kehormatan di banyak kota di Italia - semua ini menunjukkan bahwa orang-orang sezaman sangat memahami pentingnya seninya. Tetapi generasi berikutnya meniru Giotto sebagai siswa yang pemalu, meminjam keterangan darinya.

Pengaruh Giotto memperoleh kekuatan dan keberhasilannya hanya setelah satu abad. Para seniman Quattrocento menjalankan tugas yang ditetapkan oleh Giotto.

Kemuliaan pendiri lukisan Quattrocento adalah milik seniman Florentine Masaccio yang meninggal sangat muda (1401-1428). Dia adalah orang pertama yang memecahkan masalah utama lukisan Renaisans - linier dan perspektif udara. Pada lukisan dindingnya di Kapel Brancacci di gereja Florentine di Santa Maria del Carmine, figur-figur yang dilukis menurut hukum anatomi terhubung satu sama lain dan dengan lanskap.

Gereja Santa Maria del Carmine menjadi semacam akademi, tempat generasi seniman yang dipengaruhi oleh Masaccio belajar: Paolo Uccello, Andrei Castagno, Domenico Veniziano dan banyak lainnya hingga Michelangelo.

Sekolah Florentine untuk waktu yang lama tetap memimpin dalam seni Italia. Itu juga memiliki tren yang lebih konservatif. Beberapa seniman aliran ini adalah biksu, jadi dalam sejarah seni mereka disebut monastik. Salah satu yang paling terkenal di antara mereka adalah fra (yaitu saudara - seruan para biarawan satu sama lain) Giovanni Beato Angelico da Fiesole(1387-1455). Gambarannya tentang tokoh-tokoh alkitabiah ditulis dalam semangat tradisi abad pertengahan, penuh dengan lirik, martabat yang tenang, dan kontemplasi. Latar belakang lanskapnya dijiwai dengan rasa ceria, ciri khas Renaisans.

Salah satu artis Quattrocento yang paling menonjol - Sandro Botticelli(1445-1510) - eksponen cita-cita estetika istana tiran terkenal, politisi, dermawan, penyair dan filsuf Lorenzo de 'Medici, dijuluki Yang Agung. Pengadilan penguasa yang tidak bermahkota ini adalah pusatnya budaya artistik, menyatukan para filsuf, ilmuwan, seniman terkenal.

Renaisans awal berlangsung sekitar satu abad. Itu selesai pada periode High Renaissance, yang hanya berlangsung sekitar 30 tahun. Roma menjadi pusat utama kehidupan seni saat ini.

Menjelang pergantian abad XV-XVI. termasuk dimulainya intervensi asing yang lama di Italia, fragmentasi dan perbudakan negara, hilangnya kemerdekaan kota-kota bebas, penguatan reaksi Katolik feodal. Tetapi perasaan patriotik tumbuh di antara orang-orang Italia, berkontribusi pada pertumbuhan dan aktivisme politik kesadaran nasional, keinginan unifikasi nasional. Peningkatan kesadaran populer ini menciptakan basis rakyat yang luas untuk budaya Renaisans Tinggi.

Akhir dari Cinquecento dikaitkan dengan tahun 1530, ketika negara-negara Italia kehilangan kebebasannya, menjadi mangsa monarki Eropa yang kuat. Krisis sosial-politik dan ekonomi Italia, yang tidak didasarkan pada revolusi industri, tetapi pada perdagangan internasional, telah dipersiapkan sejak lama. Penemuan Amerika dan rute perdagangan baru merampas keuntungan kota-kota Italia perdagangan internasional. Namun, seperti diketahui, dalam sejarah kebudayaan, masa-masa berkembangnya seni tidak sejalan dengan perkembangan sosial ekonomi masyarakat secara umum. Dan dalam periode penurunan ekonomi dan perbudakan politik, di masa-masa sulit bagi Italia, abad singkat Renaisans Italia dimulai - Renaisans Tinggi. Pada saat itulah budaya humanistik Italia menjadi warisan dunia, tidak lagi menjadi fenomena lokal. seniman Italia mulai menikmati popularitas seluruh Eropa, yang memang pantas mereka dapatkan.

Jika seni Quattrocento adalah analisis, pencarian, penemuan, kesegaran pandangan dunia muda, maka seni Renaisans Tinggi adalah hasil, sintesis, kedewasaan yang bijak. Pencarian cita-cita artistik selama periode Quattrocento membawa seni ke generalisasi, hingga pengungkapan pola umum. Perbedaan utama antara seni Renaisans Tinggi adalah bahwa ia menolak hal-hal khusus, detail, detail atas nama gambar yang digeneralisasikan. Semua pengalaman, semua pencarian pendahulu dikompresi oleh master hebat Cinquecento dalam generalisasi yang megah.

Metode realistis para seniman High Renaissance itu aneh. Mereka yakin bahwa yang penting hanya bisa ada dalam cangkang yang indah. Oleh karena itu, mereka cenderung hanya melihat fenomena luar biasa yang muncul di atas kehidupan sehari-hari. Seniman Italia menciptakan citra kepribadian heroik, orang-orang cantik dan berkemauan keras.

Itu adalah era para raksasa Renaisans, yang memberi budaya dunia karya Leonardo, Raphael, Michelangelo. Dalam sejarah budaya dunia, ketiga jenius ini, terlepas dari semua perbedaannya, individualitas kreatifnya, mempersonifikasikan nilai utama Renaisans Italia - harmoni keindahan, kekuatan, dan kecerdasan. Nasib para seniman ini (yang individualitas manusia dan artistiknya yang kuat memaksa mereka untuk bertindak sebagai saingan, untuk memperlakukan satu sama lain dengan permusuhan) memiliki banyak kesamaan. Ketiganya dibentuk di sekolah Florentine, dan kemudian bekerja di pengadilan para pelindung, terutama para paus. Kehidupan mereka menjadi bukti perubahan sikap masyarakat terhadap kepribadian kreatif seniman yang menjadi ciri khas Renaisans. Ahli seni menjadi tokoh terkemuka dan berharga dalam masyarakat, mereka dianggap sebagai orang paling terpelajar pada masanya.

Karakteristik ini, mungkin lebih dari tokoh Renaisans lainnya, cocok untuk itu Leonardo da Vinci(1452-1519). Dia menggabungkan kejeniusan artistik dan ilmiah. Leonardo adalah seorang ilmuwan yang mempelajari alam bukan untuk seni, tetapi untuk sains. Oleh karena itu, begitu sedikit karya Leonardo yang telah selesai sampai kepada kita. Dia memulai gambar dan meninggalkannya segera setelah masalahnya tampak jelas baginya. Banyak pengamatannya mengantisipasi perkembangan ilmu pengetahuan dan seni lukis Eropa selama berabad-abad. Modern penemuan ilmiah membangkitkan minat pada gambar teknik fiksi ilmiahnya. Refleksi teoretis Leonardo tentang warna, yang ia uraikan dalam karyanya Treatise on Painting, mengantisipasi premis utama Impresionisme abad ke-19. Leonardo menulis tentang kemurnian suara warna hanya pada sisi terang subjek, tentang pengaruh timbal balik warna, tentang perlunya melukis di udara terbuka. Pengamatan Leonardo ini sama sekali tidak digunakan dalam lukisannya. Dia lebih ahli teori daripada praktis. Baru pada abad ke-20 pengumpulan dan pemrosesan aktif warisan manuskripnya yang sangat besar (sekitar 7.000 halaman) dimulai. Studinya pasti akan mengarah pada penemuan dan penjelasan baru tentang misteri karya legendaris raksasa Renaisans ini.

Tahap baru dalam seni adalah lukisan dinding ruang makan biara Santa Maria delle Grazie di plot The Last Supper, yang dilukis oleh banyak seniman Quattrocento. "The Last Supper" adalah landasan seni klasik, yang menjalankan program High Renaissance. Itu dipengaruhi oleh perhatian mutlak, koordinasi bagian-bagian dan keseluruhan, oleh kekuatan konsentrasi spiritualnya.

Leonardo mengerjakan karya ini selama 16 tahun.

Salah satu lukisan paling terkenal di dunia adalah karya Leonardo "La Gioconda". Potret istri saudagar del Giocondo ini telah menarik perhatian selama berabad-abad, ratusan halaman komentar telah ditulis tentang dia, dia diculik, dipalsukan, disalin, dia dikreditkan dengan kekuatan sihir. Ekspresi wajah Mona Lisa yang sulit dipahami menentang deskripsi dan reproduksi yang tepat. Perubahan warna sekecil apa pun (yang mungkin hanya bergantung pada pencahayaan potret) di sudut bibir, dalam transisi dari dagu ke pipi, mengubah karakter wajah. Pada reproduksi yang berbeda, Gioconda terlihat sedikit berbeda, terkadang sedikit lebih lembut, terkadang lebih ironis, terkadang lebih bijaksana. Elusiveness dalam penampilan Mona Lisa, dalam tatapannya yang tajam, seolah mengikuti penonton yang tak terpisahkan, dalam setengah senyumnya. Potret ini telah menjadi mahakarya seni Renaisans. Untuk pertama kalinya dalam sejarah seni dunia, genre potret naik ke level yang sama dengan komposisi bertema religi.

Gagasan seni monumental Renaisans menemukan ekspresi yang hidup dalam karya Rafael Santi(1483-1520). Leonardo menciptakan gaya klasik, Rafael menyetujui dan mempopulerkannya. Seni Raphael sering didefinisikan sebagai "mean emas". Komposisinya melampaui segala sesuatu yang telah diciptakan dalam lukisan Eropa, dengan proporsi yang sangat harmonis. Selama lima abad, seni Raphael dianggap sebagai tengara tertinggi dalam kehidupan spiritual umat manusia, sebagai salah satu contoh kesempurnaan estetika. Karya Raphael dibedakan oleh kualitas klasik - kejelasan, kesederhanaan yang luhur, harmoni. Dengan segala esensinya, itu terkait dengan budaya spiritual Renaisans.

Karya monumental Raphael yang paling menonjol adalah mural di apartemen Vatikan paus. Komposisi skala besar multi-figur menutupi semua dinding ketiga aula. Murid membantu Raphael melukis. Lukisan dinding terbaik, seperti, misalnya, "The School of Athens", ia tampilkan dengan tangannya sendiri. Subjek mural termasuk lukisan dinding-alegori bidang utama aktivitas spiritual manusia: filsafat, puisi, teologi, dan keadilan. Dalam lukisan dan lukisan dinding Raphael - gambar gambar Kristen, mitos kuno, dan sejarah manusia yang idealnya luhur. Dia tahu bagaimana menggabungkan nilai-nilai keberadaan duniawi dan ide-ide ideal tidak seperti master Renaisans lainnya. Kelebihan sejarah dari seninya adalah bahwa ia menghubungkan dua dunia menjadi satu kesatuan - dunia Kristen dan dunia pagan. Sejak saat itu, cita-cita artistik baru telah tertanam kuat dalam seni religius Eropa Barat.

Kejeniusan Raphael yang cemerlang jauh dari kedalaman psikologis ke dunia batin seseorang, seperti Leonardo, tetapi bahkan lebih asing bagi pandangan dunia tragis Michelangelo. Dalam karya Michelangelo, keruntuhan gaya Renaisans ditunjukkan dan kecambah dari pandangan dunia artistik baru diuraikan. Michelangelo Buonarroti(1475-1564) menjalani kehidupan yang panjang, sulit dan heroik. Kejeniusannya terwujud dalam arsitektur, lukisan, puisi, tetapi yang paling jelas dalam seni pahat. Dia memandang dunia secara plastis, di semua bidang seni dia terutama adalah seorang pematung. Baginya, tubuh manusia adalah subjek gambar yang paling berharga. Tapi ini adalah pria dari ras yang spesial, kuat, dan heroik. Seni Michelangelo didedikasikan untuk pemuliaan pejuang manusia, aktivitas heroik dan penderitaannya. Seninya dicirikan oleh gigantomania, awal yang sangat besar. Ini adalah seni alun-alun, bangunan umum, dan bukan aula istana, seni untuk rakyat, dan bukan untuk bangsawan istana.

Karyanya yang paling megah adalah lukisan lemari besi Kapel Sistina. Michelangelo melakukan pekerjaan yang sangat besar - selama empat tahun dia sendiri melukis area seluas sekitar 600 meter persegi. meter. Hari demi hari, ia menulis di ketinggian 18 meter, berdiri di atas perancah dan menundukkan kepala. Setelah lukisan berakhir, kesehatannya benar-benar dirusak, dan tubuhnya cacat (dadanya merosot, tubuhnya melengkung, gondok tumbuh; untuk waktu yang lama seniman tidak dapat melihat lurus ke depan dan membaca, mengangkat buku di atasnya. kepala). Lukisan megah itu didedikasikan untuk adegan-adegan sejarah sakral, mulai dari penciptaan dunia. Michelangelo melukis sekitar 200 figur dan komposisi figuratif di langit-langit. Tidak pernah dan tidak ada tempat seperti rencana Michelangelo dalam ruang lingkup dan integritas. Di lemari besi Kapel Sistina, dia menciptakan himne untuk kemuliaan kemanusiaan yang heroik. Pahlawannya adalah orang-orang yang hidup, tidak ada yang supernatural di dalamnya, tetapi pada saat yang sama, mereka adalah kepribadian titanic yang luar biasa kuat. Jauh sebelum Michelangelo, para master Quattrocento mengilustrasikan berbagai episode tradisi gereja di dinding kapel, Michelangelo ingin menyajikan nasib umat manusia sebelum penebusan di lemari besi.

Pikiran bahwa gambar itu adalah sebuah pesawat menghilang. Sosok-sosok itu bergerak bebas di ruang angkasa. Lukisan dinding oleh Michelangelo menerobos bidang dinding. Ilusi ruang dan gerakan ini merupakan pencapaian besar seni Eropa. Penemuan Michelangelo bahwa dekorasi dapat mendorong atau mendorong kembali dinding dan langit-langit kemudian memanfaatkan seni dekoratif Barok.

Seni, setia pada tradisi Renaisans, terus hidup di abad ke-16 di Venesia, kota yang paling lama mempertahankan kemerdekaannya. Di republik pedagang ningrat yang kaya ini, yang telah lama memelihara hubungan perdagangan dengan Byzantium, dengan Timur Arab, selera dan tradisi oriental diproses dengan caranya sendiri. Pengaruh utama lukisan Venesia terletak pada warnanya yang luar biasa. Kecintaan pada warna secara bertahap membawa para seniman sekolah Venesia ke prinsip gambar baru. Volume, materialitas gambar dicapai bukan dengan pemodelan hitam putih, tetapi dengan seni pemodelan warna.

Renaissance adalah fenomena fenomenal dalam sejarah umat manusia. Tidak pernah lagi ada kilatan cemerlang di bidang seni. Pematung, arsitek, dan seniman Renaisans (daftarnya panjang, tetapi kami akan menyentuh yang paling terkenal), yang namanya diketahui semua orang, memberi dunia tak ternilai harganya. Orang-orang unik dan luar biasa menunjukkan diri mereka tidak di satu bidang, tetapi di beberapa bidang sekaligus.

Lukisan Renaisans awal

Renaisans memiliki kerangka waktu yang relatif. Ini pertama kali dimulai di Italia - 1420-1500. Saat ini, seni lukis dan semua seni pada umumnya tidak jauh berbeda dengan masa lalu. Namun, unsur-unsur yang dipinjam dari zaman klasik mulai muncul untuk pertama kalinya. Dan hanya di tahun-tahun berikutnya, pematung, arsitek, dan seniman Renaisans (daftarnya sangat panjang), di bawah pengaruh kondisi kehidupan modern dan tren progresif, akhirnya meninggalkan yayasan abad pertengahan. Mereka dengan berani mengadopsi contoh terbaik seni kuno untuk karya mereka, baik secara umum maupun detail individu. Nama mereka dikenal banyak orang, mari kita fokus pada kepribadian yang paling cemerlang.

Masaccio - jenius lukisan Eropa

Dialah yang memberikan kontribusi besar bagi perkembangan seni lukis, menjadi pembaharu yang hebat. Master Florentine lahir pada 1401 dalam keluarga pengrajin artistik, sehingga indra perasa dan keinginan untuk mencipta ada dalam darahnya. Pada usia 16-17 tahun dia pindah ke Florence, tempat dia bekerja di bengkel. Donatello dan Brunelleschi, pematung dan arsitek hebat, dianggap sebagai gurunya. Komunikasi dengan mereka dan keterampilan yang diperoleh tidak bisa tidak memengaruhi pelukis muda itu. Sejak awal, Masaccio meminjam pemahaman baru tentang kepribadian manusia, ciri khas seni pahat. Di master kedua - dasar Para peneliti menganggap Triptych of San Giovenale (di foto pertama) sebagai karya andal pertama, yang ditemukan di sebuah gereja kecil dekat kota tempat Masaccio dilahirkan. Karya utamanya adalah lukisan dinding yang didedikasikan untuk sejarah kehidupan St. Peter. Seniman berpartisipasi dalam penciptaan enam di antaranya, yaitu: "The Miracle with the Stater", "The Expulsion from Paradise", "The Baptism of Neophytes", "Distribusi Properti dan Kematian Ananias", "Kebangkitan Putra Teofilus", "St. Petrus Menyembuhkan Orang Sakit dengan Bayangannya" dan "Santo Petrus di Mimbar".

Seniman Renaisans Italia adalah orang-orang yang mengabdikan diri sepenuhnya pada seni, tidak memperhatikan masalah sehari-hari yang biasa, yang terkadang membawa mereka ke kehidupan yang buruk. Masaccio tidak terkecuali: tuan yang brilian meninggal sangat awal, pada usia 27-28 tahun, meninggalkan pekerjaan besar dan banyak hutang.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Ini adalah perwakilan dari sekolah pelukis Padua. Dia menerima dasar-dasar keterampilan dari ayah angkatnya. Gaya itu terbentuk di bawah pengaruh karya lukisan Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello, dan Venesia. Ini menentukan sikap Andrea Mantegna yang agak kasar dan kasar dibandingkan dengan Florentines. Dia adalah seorang kolektor dan penikmat karya budaya zaman kuno. Berkat gayanya, tidak seperti yang lain, ia menjadi terkenal sebagai inovator. Karyanya yang paling terkenal adalah: "Dead Christ", "Caesar's Triumph", "Judith", "Battle of the Sea Gods", "Parnassus" (foto), dll. Dari tahun 1460 hingga kematiannya, ia bekerja sebagai pelukis istana di keluarga Adipati Gonzaga.

Sandro Botticelli(1445-1510)

Botticelli adalah nama samaran nama asli- Filipina. Ia tidak langsung memilih jalur seniman, namun awalnya mempelajari pembuatan perhiasan. Dalam karya independen pertama (beberapa Madonna), pengaruh Masaccio dan Lippi sangat terasa. Di masa depan, ia juga mengagungkan dirinya sebagai pelukis potret, sebagian besar pesanan datang dari Florence. Sifat karyanya yang halus dan halus dengan elemen stilisasi (generalisasi gambar menggunakan teknik konvensional - kesederhanaan bentuk, warna, volume) membedakannya dari master lain pada masa itu. Seorang kontemporer Leonardo da Vinci dan Michelangelo muda meninggalkan jejak cemerlang pada seni dunia ("The Birth of Venus" (foto), "Spring", "Adoration of the Magi", "Venus and Mars", "Natal", dll .). Lukisannya tulus dan sensitif, dan jalan hidupnya rumit dan tragis. Persepsi romantis tentang dunia di usia muda digantikan oleh mistisisme dan peninggian religius dalam kedewasaan. Tahun-tahun terakhir hidupnya, Sandro Botticelli hidup dalam kemiskinan dan pelupaan.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Seorang pelukis Italia dan perwakilan lain dari Renaisans awal, berasal dari Tuscany. Gaya pengarang dibentuk di bawah pengaruh sekolah seni lukis Florentine. Selain bakat artis, Piero della Francesca memiliki kemampuan luar biasa di bidang matematika, dan mengabdikan tahun-tahun terakhir hidupnya untuknya, mencoba menghubungkannya dengan seni tinggi. Hasilnya adalah dua risalah ilmiah: "On Perspective in Painting" dan "The Book of Five Correct Solids". Gayanya dibedakan oleh keseriusan, harmoni dan kemuliaan gambar, keseimbangan komposisi, garis dan konstruksi yang presisi, rentang warna yang lembut. Piero della Francesca memiliki pengetahuan yang luar biasa saat itu sisi teknis lukisan dan fitur perspektif, yang membuatnya mendapatkan prestise tinggi di antara orang-orang sezamannya. Karya paling terkenal: "The History of the Queen of Sheba", "The Flagellation of Christ" (foto), "The Altar of Montefeltro", dll.

Lukisan Renaisans Tinggi

Jika Proto-Renaisans dan era awal masing-masing berlangsung hampir satu setengah abad, kemudian periode ini hanya mencakup beberapa dekade (di Italia dari 1500 hingga 1527). Itu adalah kilatan yang terang dan menyilaukan yang memberi dunia seluruh galaksi orang-orang hebat, serba bisa, dan cemerlang. Semua cabang seni berjalan seiring, begitu banyak master juga ilmuwan, pematung, penemu, dan bukan hanya seniman Renaisans. Daftarnya panjang, tetapi puncak Renaisans ditandai oleh karya L. da Vinci, M. Buanarotti, dan R. Santi.

Jenius Luar Biasa Da Vinci

Mungkin inilah kepribadian paling luar biasa dan menonjol dalam sejarah budaya seni dunia. Dia adalah orang universal dalam arti sebenarnya dan memiliki pengetahuan dan bakat yang paling serbaguna. Seniman, pematung, ahli teori seni, ahli matematika, arsitek, ahli anatomi, astronom, fisikawan, dan insinyur - semua ini tentang dia. Apalagi di setiap bidang, Leonardo da Vinci (1452-1519) menunjukkan dirinya sebagai seorang inovator. Sejauh ini, hanya 15 lukisannya, serta banyak sketsa yang bertahan. Dengan luar biasa energi kehidupan dan haus akan pengetahuan, dia tidak sabar, dia terpesona oleh proses pengetahuan itu sendiri. Di usia yang sangat muda (20 tahun) dia memenuhi syarat sebagai master Guild of St. Luke. Karya terpentingnya adalah fresco "The Last Supper", lukisan "Mona Lisa", "Madonna Benois" (gambar di atas), "Lady with an Ermine", dll.

Potret oleh seniman Renaisans jarang terjadi. Mereka lebih suka meninggalkan gambar mereka dalam lukisan dengan banyak wajah. Nah, seputar potret diri da Vinci (foto), perselisihan tak kunjung reda hingga saat ini. Versi dikemukakan bahwa dia membuatnya pada usia 60 tahun. Menurut penulis biografi, artis, dan penulis Vasari, guru besar itu sekarat di pelukan teman dekatnya Raja Francis I di kastil Clos Luce miliknya.

Rafael Santi (1483-1520)

Artis dan arsitek berasal dari Urbino. Namanya dalam seni selalu dikaitkan dengan gagasan keindahan luhur dan harmoni alam. Untuk kehidupan yang cukup singkat (37 tahun), ia menciptakan banyak lukisan, lukisan dinding, dan potret terkenal di dunia. Plot yang dia gambarkan sangat beragam, namun dia selalu tertarik dengan citra Bunda Allah. Benar-benar dibenarkan Raphael disebut "penguasa Madonna", yang dia lukis di Roma sangat terkenal. Di Vatikan, dia bekerja dari tahun 1508 hingga akhir hayatnya sebagai artis resmi di istana kepausan.

Berbakat secara komprehensif, seperti banyak seniman besar Renaisans lainnya, Raphael juga seorang arsitek, dan juga terlibat dalam penggalian arkeologi. Menurut satu versi, hobi terakhir berkorelasi langsung dengan kematian dini. Agaknya, dia terjangkit demam Romawi selama penggalian. Guru agung dimakamkan di Pantheon. Foto itu adalah potret dirinya.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Pria berusia 70 tahun yang panjang ini cerdas, dia mewariskan kepada keturunannya kreasi yang tidak dapat binasa tidak hanya dari lukisan, tetapi juga dari pahatan. Seperti seniman Renaisans hebat lainnya, Michelangelo hidup di zaman yang penuh dengan kejadian bersejarah dan kejutan. Seninya adalah nada akhir yang indah dari seluruh Renaisans.

Sang master menempatkan patung di atas semua seni lainnya, tetapi atas kehendak takdir ia menjadi pelukis dan arsitek yang luar biasa. Karyanya yang paling ambisius dan tidak biasa adalah lukisan (foto) di istana di Vatikan. Luas fresco melebihi 600 meter persegi dan berisi 300 sosok manusia. Yang paling mengesankan dan familiar adalah pemandangan Penghakiman Terakhir.

Seniman Renaisans Italia adalah talenta multifaset. Jadi, hanya sedikit orang yang tahu bahwa Michelangelo juga seorang penyair yang hebat. Sisi kejeniusannya ini terwujud sepenuhnya di akhir hidupnya. Sekitar 300 puisi bertahan hingga hari ini.

Lukisan Renaisans akhir

Periode terakhir mencakup periode waktu dari 1530 hingga 1590-1620. Menurut Encyclopædia Britannica, Renaisans sebagai periode sejarah berakhir dengan jatuhnya Roma pada tahun 1527. Sekitar waktu yang sama, Kontra-Reformasi berjaya di Eropa selatan. Arus Katolik memandang dengan ketakutan pada setiap pemikiran bebas, termasuk nyanyian keindahan tubuh manusia dan kebangkitan seni zaman kuno - yaitu, segala sesuatu yang menjadi pilar Renaisans. Ini menghasilkan tren khusus - tingkah laku, yang ditandai dengan hilangnya harmoni antara spiritual dan fisik, manusia dan alam. Tetapi bahkan selama masa sulit ini, beberapa seniman Renaisans terkenal menciptakan mahakarya mereka. Diantaranya adalah Antonio da Correggio, (dianggap sebagai pendiri klasisisme dan Palladianisme) dan Titian.

Titian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Dia dianggap sebagai titan Renaisans, bersama dengan Michelangelo, Raphael, dan da Vinci. Bahkan sebelum berusia 30 tahun, Titian dikenal sebagai "raja pelukis dan pelukis raja". Pada dasarnya seniman melukis gambar bertema mitologis dan alkitabiah, terlebih lagi ia menjadi terkenal sebagai pelukis potret yang luar biasa. Orang-orang sezaman percaya bahwa dicetak dengan kuas seorang guru besar berarti mendapatkan keabadian. Dan memang benar. Perintah kepada Titian datang dari orang yang paling dihormati dan mulia: paus, raja, kardinal, dan adipati. Berikut ini beberapa, yang paling terkenal, dari karyanya: "Venus of Urbino", "The Abduction of Europe" (foto), "Carrying the Cross", "Coronation with Thorns", "Pesaro Madonna", "Woman with cermin", dll.

Tidak ada yang diulang dua kali. Era Renaisans memberi umat manusia kepribadian yang cemerlang dan luar biasa. Nama mereka tertulis di sejarah dunia huruf emas seni. Arsitek dan pematung, penulis dan seniman Renaisans - daftar mereka sangat panjang. Kami hanya menyentuh para raksasa yang membuat sejarah, membawa ide-ide pencerahan dan humanisme ke dunia.