Dmitry Vdovin dari kelas master membuat daya tarik. Dmitry Vdovin - Wakil Kepala Perusahaan Opera Bolshoi - Apa itu? Kesombongan atau perfeksionisme

Dmitry Vdovin lahir pada 17 April 1962 di Yekaterinburg. Lulus Institut Negara seni teater di Moskow, dan kemudian belajar di sekolah pascasarjana universitas ini di bawah bimbingan Profesor Inna Solovieva as kritikus teater, diterbitkan dalam terbesar surat kabar nasional dan majalah. Selanjutnya, ia menjalani pelatihan ulang dan lulus dari Akademi Seni Paduan Suara V.S. Popov sebagai vokalis dan guru vokal. Dari tahun 1987 hingga 1992 - seorang karyawan yang bertanggung jawab atas pekerjaan di lapangan teater musikal Persatuan tokoh teater Uni Soviet.

Dia dilatih sebagai guru vokal di ECOV - Pusat Opera dan Seni Vokal Eropa di Belgia di bawah bimbingan kepala departemen vokal Institut Musik Curtis di Philadelphia Michael Elaysen. Pada tahun 1992, Dmitry Vdovin menjadi direktur artistik Pusat Musik dan Teater Moskow, sebuah agensi seni yang berpartisipasi dalam kerjasama proyek kreatif dengan teater, festival, dan organisasi musik internasional terbesar.

Sejak 1996, D.Vdovin berkolaborasi dengan penyanyi hebat Rusia I.K. Arkhipova sebagai guru dan kepala Sekolah Musim Panasnya, pembawa acara bersama televisinya dan program konser. Dari 1995 - guru, dari 2000 hingga 2005 - kepala departemen vokal Universitas Kedokteran Negeri Gnessin, pada 1999-2001 - guru Akademi Musik Gnessin, dari 2001 - profesor asosiasi, kepala departemen bernyanyi solo akademi Seni paduan suara dinamai menurut V.S. Popov, sejak 2008 - Profesor Achia.

D. Vdovin memberikan kelas master di banyak kota di Rusia, serta di AS, Meksiko, Italia, Latvia, Prancis, Polandia, Swiss. Dia adalah guru tamu tetap Program Pemuda di Houston Grand Opera. Dari 1999 hingga 2009 - direktur artistik dan guru Moskow Sekolah internasional penguasaan vokal, yang memungkinkan guru dan spesialis opera terbesar dari Rusia, AS, Italia, Jerman, Inggris Raya datang ke Moskow untuk bekerja dengan penyanyi muda

Anggota juri dari banyak kompetisi vokal bergengsi - Kompetisi Internasional Glinka, ke-1 dan ke-2 Seluruh Rusia kompetisi musik, Kompetisi Internasional Le voci verdiane di Busseto, Kompetisi Vokal Internasional Viotti dan Pavarotti di Vercelli, AsLiCo di Como, Kompetisi internasional di Paris dan Bordeaux, Kompetisi dell'opera Italiana di Teater Bolshoi, Kompetisi Internasional di Montreal, kompetisi saluran TV "Budaya" "Opera Besar", kompetisi vokal di Izmir, Kompetisi Internasional Moniuszko di Warsawa, "Die Meistersinger von Nürnberg" di Nuremberg , Opera de Tenerife di Spanyol.

Sejak 2009 - salah satu pendiri dan direktur artistik Program Opera Pemuda Teater Bolshoi Rusia. Sejak 2015 - mengundang guru Internasional studio opera Zürich Opera. Kelas master di Metropolitan Opera, New York.

Konsultan musik untuk film Pavel Lungin " Ratu Sekop". Juga, D.Yu. Vdovin adalah wakil manajernya tim kreatif Perusahaan Opera Teater Bolshoi.

Guru vokal terkenal, kepala Program Pemuda Teater Bolshoi Dmitry Vdovin mengadakan kelas master interaktif di Winter International Festival musik Yuri Bashmet di Sochi.

Ketika saya mengemudi di sini, saya tidak yakin seseorang selama Olimpiade akan tertarik dengan kelas master seorang guru vokal, - Vdovin langsung mengakuinya. - Tapi Anda telah berkumpul, yang berarti ada minat pada musik bahkan di Olimpiade. Kami bekerja dengan suara, dan ini bukan instrumen yang bisa dibersihkan dengan kain lap dan diletakkan di sudut. Ini adalah keseluruhan kerumitan pekerjaan kami.

Fitur kelas master di festival Yuri Bashmet adalah geografi. Berkat kerja sama dengan perusahaan Rostelecom, guru yang datang ke festival mengadakan kelas master di banyak kota sekaligus. Di aula sekolah musik kit video dipasang, suara dan gambar tanpa penundaan memasuki aula organ Sochi Philharmonic. Kali ini kelas master dihadiri dan, yang terpenting, Rostov, Yekaterinburg, Samara, dan Novosibirsk ambil bagian di dalamnya.

Tapi mereka memulai semuanya dengan Sochi. David Chikradze, siswa tahun ke-2 Sekolah Seni Sochi, adalah orang pertama yang berani naik ke atas panggung, menyanyikan aria dari Handel, romansa kedua Iblis, kepada guru terkenal itu.

Anda memiliki bariton yang indah, tetapi untuk penampilan publik mereka memilih karya yang harus Anda lakukan di luar jangkauan. Tapi pertama-tama, catatan penting. Datang ke kelas master, Anda harus memiliki tiga set catatan - satu untuk pengiring, satu lagi untuk guru, dan yang ketiga untuk Anda sendiri. Kenapa untuk dirimu sendiri? Karena Anda khawatir, dan Anda mungkin akan banyak melupakan apa yang dikatakan, jadi Anda perlu membuat catatan di salinan Anda.

Secara khusus Dmitry Vdovin menegur artis muda karena pengucapan yang kabur atau salah - baik bahasa Rusia maupun Italia.

Pengucapan sangat penting. Seringkali Anda harus bernyanyi dalam bahasa Italia, selain itu, beberapa ratus juta orang berbicara bahasa ini. Pengucapan yang benar akan memberi Anda kunci penampilan, dengarkan keindahan pengucapan frasa oleh orang Italia!

Kualitas lain yang tidak diabaikan oleh Vdovin adalah sifat organik dari penyanyi tersebut.

Bernyanyi harus spontan, alami. Seperti yang dikatakan Oscar Wilde, hal yang paling sulit adalah menjadi alami. Jadi untuk bernyanyi yang utama adalah tetap natural. Sekarang dalam peran opera sutradara teater menjadi lebih penting, artis opera perlu bekerja keras pada gambar, dan kealamian adalah asisten terpenting untuk peran tersebut. Bernyanyilah dengan penuh kenikmatan - nikmati suara terbang yang indah.

Dan sang master mengingatkan bariton David:

Handel tidak memiliki suku cadang untuk bariton, bariton itu sendiri baru muncul pada abad ke-19. Kami akan menyerahkan aria ini kepada tenor dan counter-tenor, dan Anda akan mencari sesuatu yang lebih cocok untuk suara Anda.

Audisi berikutnya adalah seorang anak laki-laki berusia 12 tahun dari Samara, Valery Makarov, yang mendemonstrasikan treble yang indah melebihi usianya.

Anda memiliki suara yang indah dan musikalitas, dan ini penting. Spesialis terpisah bekerja dengan anak-anak, saya tidak melakukan ini, tetapi saya akan mengatakan beberapa pemikiran. Ini lagu yang manis! Bukan di mana Anda perlu menunjukkan kekuatan suara, tekanan. Segera setelah Anda beralih ke warna lembut, segera menjadi jelas apa yang Anda nyanyikan. Lagunya tentang apa? Pahlawan lagu itu memiliki seorang ibu tua, dan dia bernyanyi untuknya bahwa dia pasti akan kembali padanya dan memeluknya. Apakah Anda memiliki seorang ibu muda?

Ya! Jawab Valera tanpa ragu.

Dan pahlawan lagu ini sudah tua. Dan untuk pengucapannya. Ada kata-kata dalam bahasa Italia yang dilafalkan seperti "mamma" dan "mama" - ada arti yang berbeda- "ibu" dan "Aku mencintaimu", masing-masing. Dalam lagu ini - "mama". Cobalah bernyanyi dengan lebih penuh perasaan. Anda memiliki timbre yang indah - dan timbre adalah hal terindah dalam suara.

Perwakilan lain dari Samara bernyanyi dengan tekanan berlebihan. Vdovin mulai menjelaskan tentang berhemat secara visual.

Sebelum mengangkat melodi, suara ditutup. Sampulnya bukan untuk mendorong suara ke belakang dan ke bawah, tetapi untuk membuatnya lebih cerah! Anda perlu bernyanyi lebih musikal. Ketika seorang pemuda keluar, tentu saja, semua orang menunggu suaranya, tetapi terlebih lagi - mereka menunggu bakatnya. Ada banyak suara. Tapi kebetulan suaranya kecil, tapi semua orang berkata - bagaimana dia bernyanyi! Perhatikan penyajian materi itu sendiri.

Novosibirsk dipersembahkan oleh Irina Kolchuganova yang berusia 18 tahun, dengan lembut dan malu-malu menyanyikan aria Gilda dari Rigoletto Verdi. Vdovin menarik perhatian pada bagaimana dia menyebut pekerjaan itu.

Saat Anda mengumumkan aria mana yang akan Anda nyanyikan, selalu tambahkan kata pertama aria ke judulnya - dan semua pendengar dari berbagai negara akan mengerti apa sebenarnya yang akan Anda nyanyikan.

Kamu bernyanyi dengan lembut. Masalahnya dengan penyanyi kami, yang saya dengarkan di audisi di Teater Bolshoi dan di kompetisi, adalah mereka tidak menghargai kelembutan. Pelaku segera menginginkan agresi, penyampaian yang kuat, mereka mencoba menyanyikan bagian-bagian yang ditulis untuk penyanyi dari peralatan yang lebih kuat. Dan kelembutan - menyentuh hati pendengarnya. Simpan kelembutan ini, kerapuhan dalam diri Anda - manfaatkan itu.

Vdovin memberikan nasihat berharga lainnya tentang kemampuan menyajikan materi.

Nama lain untuk aria ini adalah "The Story". Anda perlu melihat orang yang Anda ceritakan cerita ini, dan dialah yang menceritakan aria. Gilda menceritakan bagaimana dia menyelinap di belakang kekasihnya - yah, kamu tidak bisa bernyanyi di sini! Semua orang tahu bagaimana dengan cinta pertama - menyelinap, ini adalah emosi khusus - dan itu harus ditunjukkan kepada pendengar.

Rostov berikutnya dalam siaran video. Bariton Vadim Popechuk yang berusia 21 tahun menyanyikan Leoncavallo dengan sangat emosional. Pertama-tama, Vdovin menarik perhatian pada tepuk tangan meriah di aula Sekolah Musik Rostov.

Artis adalah profesi yang sulit sehingga Anda perlu mendukungnya dan - bertepuk tangan! Seringkali banyak ahli duduk di aula Teater Bolshoi untuk audisi, tetapi artis bernyanyi - dan tidak ada yang bertepuk tangan. di bawah martabat mereka. Dan Anda harus bertepuk tangan!

Tentang penampilan Vadim, sang master mengatakan ini:

21 tahun tidak cukup untuk seorang bariton. Aria menulis untuk suara penuh, bariton dewasa. Leoncavallo sudah memiliki banyak emosi, dan Anda tidak perlu bersandar pada emosi, tetap legato, jika tidak, bukan bahasa Italia, tetapi intonasi gipsi muncul.

Mengikuti Dmitry Vdovin merumuskan dalil penting lainnya:

Profesi kami terkait dengan matematika, anehnya. Anda harus menghitung setiap istirahat, setiap nada, durasi setiap fermata. Untuk apa? Agar penonton tertular emosi Anda dalam keadaan yang diusulkan, ini penting - kita berada di teater. Vokalis harus mengetahui terlebih dahulu dengan tepat durasi setiap nada, mengetahui kapan dia akan menarik napas, - menghitung semuanya hingga milidetik.

Dan kemudian daya tarik sebenarnya dimulai. Di aula, Vdovin memperhatikan bariton Andrei Zhilikhovsky, yang berpartisipasi dalam Program Pemuda Teater Bolshoi yang diawasi olehnya, dan datang ke Sochi untuk bernyanyi dalam produksi Yuri Bashmet dari Eugene Onegin. Dan Andrei Zhilikhovsky diundang ke atas panggung, menawarkan untuk menyanyikan duet dengan Vadim, bait secara bergantian. Melihat tatapan bingung Zhilikhovsky, dia menjelaskan bahwa mereka akan menemani dari Rostov. Dan itu berhasil! Koneksinya ternyata stabil, tanpa jeda sedikit pun (yang sering kita lihat di siaran langsung saluran TV), - dua bariton bernyanyi secara bergantian, menyatu serempak di coda.

Saya tidak terlalu suka kelas master, karena hanya sedikit yang bisa diperbaiki. Tapi itu memungkinkan saya untuk memberikan beberapa pemikiran... Sekarang situasinya luar biasa, kami duduk di pantai Laut Hitam, Andrey dari Moldova, Vadim dan pengiringnya ada di Rostov. Kami memiliki Pertandingan Olimpiade kami sendiri!

Inklusi lain dari Yekaterinburg. Tenor Alexander yang berusia 15 tahun menyanyikan romansa Tchaikovsky "Di tengah pesta yang bising."

Bahan yang dipilih sedikit tidak akurat - banyak lagu yang bagus, tetapi romansa ini untuk banyak orang tua, dengan pengalaman hidup yang luar biasa. Tapi Anda bernyanyi dengan sangat menyentuh sehingga sangat berharga, dan Anda perlu menyimpan utas ini seumur hidup. Nyanyikan semua frasa dalam bahasa Rusia. Bukan "pipa", tapi "pipa". Bukan "tipis", itu pengucapan yang ketinggalan jaman, tapi "kurus". Nyanyikan semua frasa sebagaimana seharusnya terdengar sesuai dengan aturan bahasa Rusia - dan hasilnya akan jauh lebih jelas dan kuat. Anda tidak dapat menyanyikan vokal "U" - itu berubah menjadi "O", dan persepsi teks menderita karenanya, yang sangat penting untuk sebuah romansa.

Terakhir, Dmitry Vdovin memberikan nasehat kepada semua artis muda.

Saya selalu menyarankan artis muda - bernyanyi di mana saja dan untuk semua orang yang Anda bisa. Muncul di mana-mana, berpartisipasi dalam kompetisi. Negara ini besar, dan sangat sulit untuk ditembus. Setiap orang dapat mendaftar untuk masuk ke Program Pemuda Teater Bolshoi. Pengumuman tentang masuk ke Program Pemuda akan segera muncul di situs web Teater Bolshoi, terapkan aplikasi elektronik- dan kami akan mendengarkan Anda. Ingatlah bahwa akan selalu ada orang yang akan mendengarkan Anda di suatu tempat di festival, menasihati Anda, mengundang Anda ke suatu tempat, membantu - begitulah cara kerja kehidupan profesional kami.

Kelas master diakhiri dengan roman Tchaikovsky "To the Yellow Fields" berdasarkan syair Alexei Tolstoy, dibawakan oleh bariton Andrei Zhilikhovsky.

Vadim Ponomarev
Foto - Alexey Molchanovsky

- Dear Dmitry Yuryevich, informasi biografi singkat tentang Anda dapat ditemukan di internet, tetapi mari kita mulai lagi dari awal: dari keluarga Anda, dari masa kanak-kanak. Bagaimana dan dengan apa Anda mulai bergabung dengan dunia musik, vokal, teater opera?

Saya lahir dan besar di Sverdlovsk. Orang tua saya, secara umum, semua kerabat, seluruhnya adalah fisikawan dan matematikawan. Ibu adalah seorang guru matematika yang lebih tinggi di Uralsky Universitas Negeri, ayah adalah seorang ahli fisika, adalah direktur sebuah lembaga penelitian besar, paman juga seorang ahli fisika, bibi adalah seorang ahli aljabar, saudara laki-laki adalah seorang kepala. Departemen Matematika di Akademi sekarang di Yekaterinburg. Tersebar di seluruh dunia sepupu dan saudara perempuan - semuanya ahli matematika.

Jadi saya satu-satunya pengecualian, seperti yang mereka katakan, dalam sebuah keluarga bukan tanpa ... seorang musisi!

Tetapi pada saat yang sama, semua orang belajar musik di masa kanak-kanak: baik ayah maupun saudara laki-laki. Tapi di sinilah saya, entah bagaimana "tertunda" dalam hal ini. Dia lulus dari sekolah musik di piano, masuk GITIS di jurusan teater. Dan kemudian pianisme saya ternyata sangat berguna, saya menjalaninya, mengiringi para vokalis. Artinya, itu semacam "barter" - saya belajar vokal dari teman dan kenalan dan "membayar" mereka dengan memainkan arias, roman di piano, mempelajari karya baru dengan mereka. Saya sangat ingin menyanyi sendiri di masa muda saya, tetapi orang tua saya, sebagai orang yang serius, menasihati saya untuk mendapatkan spesialisasi yang lebih dapat diandalkan terlebih dahulu, jadi saya lulus dari institut sebagai kritikus teater, berspesialisasi dalam opera, dan kemudian lulus sekolah.

Sayangnya, saya tidak bertemu dengan seorang guru vokal sejati yang akan percaya pada saya, memberi saya permulaan. Mungkin tidak ada cukup kualitas pribadi untuk berkarier sebagai solois, dan alhamdulillah saya memahaminya tepat waktu. Segala sesuatu yang tidak dilakukan adalah menjadi lebih baik. Secara umum, saya bernyanyi cukup terlambat, pada usia 30 tahun. Pada saat itu, banyak orang sudah mengenal saya dunia opera dalam kapasitas yang berbeda. Situasinya sulit - di Serikat Pekerja Teater saya "memerintahkan" teater musikal. Itu adalah asosiasi yang tidak bertahan lama setelah runtuhnya Uni Soviet, mengatur festival dan kompetisi besar dengan jutaan anggaran dan niat baik ...

Di awal tahun 90-an, saya pergi ke Belgia untuk berkembang sebagai guru vokal, dan ketika mereka menawari saya kontrak dengan agensi yang cukup besar sebagai penyanyi, saya tiba-tiba menyadari bahwa sudah terlambat, seperti yang mereka katakan, “semua tenaga hilang keluar", atau lebih tepatnya, menuju ke arah lain - untuk mengajar.

- Tapi ada contoh sejarah karir vokal terlambat - tenor Nikandr Khanaev, yang memulai pada usia 36, ​​bass Boris Gmyrya - pada usia 33, Antonina Nezhdanova memulai debutnya di panggung profesional hanya pada usia 29.

Pertama, mereka hidup di awal hingga pertengahan abad ke-20, semakin dekat mereka dengan orang-orang sezamannya, semakin sulit menemukan penyanyi yang memulai pada usia 30, dan kemudian, masing-masing memiliki "batas keamanan" sendiri di ketekunan dalam mencapai tujuan.

Ketika berantakan Uni Soviet, kami menyelenggarakan konser dan agen akting STD "on the wreckage", cukup sukses. Saya mengingat hari-hari itu dengan rasa terima kasih yang khusus, karena untuk pertama kalinya pada usia 28 tahun saya mulai bepergian ke luar negeri, sebelumnya mereka tidak mengizinkan saya keluar karena suatu alasan. Ini memberikan pengalaman mendengarkan yang luar biasa, kesempatan untuk berkenalan dengan produksi opera terbaik di panggung dunia, untuk mengevaluasi suara langsung penyanyi terkenal. Saya menemukan sendiri dunia baru, di mana mereka bernyanyi sama sekali tidak seperti milik kita, dengan pengecualian yang jarang terjadi.

Saya harus memecahkan beberapa ide dalam diri saya, karena telinga "diburamkan" oleh tradisi opera Soviet, baik dalam kebaikan maupun dalam akal sehat Dunia ini. Dibangun kembali secara teknis, gaya, selera saya telah berubah. Itu tidak mudah, terkadang dia melakukan hal-hal bodoh. Untuk beberapa waktu saya belajar dengan anak laki-laki karena minat, saya bahkan tidak ingat mengambil uang untuk pelajaran.

Dan kemudian saya diundang untuk mengajar vokal di Sekolah Gnessin, di Fakultas Aktor Teater Musikal. Bagi saya, khusus untuk set tambahan, mereka mengambil satu-satunya siswa - Rodion Pogosov. Dia saat itu berusia 16 tahun, dia tidak pernah bernyanyi dan umumnya bercita-cita menjadi aktor drama. Tapi di universitas teater dia tidak diterima, dan "karena kesedihan" dia masuk sekolah dan mendatangi saya. Sudah di usia 19 tahun, di tahun ke-3, ia memulai debutnya sebagai Papageno di " Opera Baru”, dan pada usia 21 tahun ia menjadi peserta termuda dalam program remaja di Metropolitan, dan seterusnya. Sekarang Rodion adalah artis kelas internasional yang dicari.

- Yah, bahkan "panekuk pertama" tidak keluar untukmu!

Ya, bekerja dengan siswa pertama saya membutuhkan banyak kekuatan dan energi dari saya. Saya memaksanya untuk melakukan vokal sepanjang waktu, bekerja sama dengan ibunya. Ini bukan kelas biasa dua kali seminggu selama 45 menit, tapi pelajaran hampir setiap hari. Sederhananya, saya mengejarnya, mengatasi penolakan dan keengganan untuk belajar. Anda benar-benar bisa mengerti anak muda, selain tidak percaya dengan kemampuan vokal mereka. Dia bahkan menertawakan para penyanyi, proses menyanyi akademis itu sendiri tampak konyol baginya.

- Ternyata kamu harus belajar dari awal! Dan orang mendapat kesan bahwa siswa Vdovin - kita tahu lebih banyak tentang lulusan Akademi Paduan Suara - sudah dipersiapkan sejak kecil, bernyanyi dari usia 6-7 tahun, musisi yang sangat kompeten.

Sekarang mereka mengatakan tentang saya bahwa saya mengambil "krim" di kelas saya, suara terbaik. Dan apa, perlu mengambil yang buruk? Atau apakah saya harus membuktikan sesuatu kepada seseorang? Artis normal mana pun (artis, master) selalu memilih yang terbaik. Ya, sekarang orang-orang muda datang kepada saya, melihat hasil pekerjaan saya, dan saya memiliki kesempatan untuk memilih. Dan pada awalnya mereka memberi saya siswa yang berbeda. Jadi saya melewati sekolah untuk mengeluarkan siswa yang sulit sepenuhnya, dan saya pikir ini perlu untuk seorang guru muda.

- Apakah ada pilihan yang sama sekali tidak ada harapan? Untuk seseorang yang kehilangan suaranya sama sekali, atau meninggalkan karier vokalnya, meskipun bukan karena kesalahan Anda?

Usia yang sangat muda dari para pemula saat ini juga menjadi salah satu masalah. Sebelumnya, mereka mulai belajar vokal secara profesional pada usia 23-25 ​​tahun, terutama laki-laki, yaitu orang-orang yang bugar secara fisik, kuat tidak hanya secara jasmani tetapi juga secara rohani, yang memilih profesinya dengan penuh arti. Sekarang anak usia 15-16 tahun datang ke sekolah, ke Akademi Paduan Suara di kelas saya - pada usia 17 tahun.

Ternyata di usia 22 tahun mereka sudah lulus. Saya memiliki pria seperti itu, bass, sangat bagus, memenangkan kompetisi. Dia langsung dibawa ke program pemuda di salah satu negara-negara Eropa dan kemudian ke teater. Dan itu saja - saya sudah lama tidak mendengar apa-apa tentang dia, dia sudah pergi. Apa yang disebut kontrak fest di teater perbendaharaan sangat berisiko bagi vokalis yang sangat muda. Artinya - menyanyikan segalanya, apakah itu cocok atau tidak sesuai dengan suara Anda. Hari ini - Rossini, besok - Mussorgsky, lusa - Mozart, dan seterusnya hingga Bernstein dan operet. Anda lihat, bahkan belum beberapa tahun berlalu, tetapi alih-alih suara - sisa-sisa keindahan masa lalu.

- Tapi bagaimanapun, dalam tradisi Rusia-Soviet, gaya dan nama yang sangat berbeda di poster selalu berganti-ganti, dan penyanyi solo terkemuka juga menyanyikan bukan 6-7 "La Traviata" atau "Puncak", seperti sekarang di Barat , tetapi 4-5 peran paling beragam per bulan .

Saya percaya bahwa rombongan reguler dan teater perbendaharaan ketinggalan jaman, mereka buruk untuk semua orang: artis, konduktor, publik. Pertama, selalu ada kekurangan latihan untuk mempertahankan judul saat ini dalam kondisi yang baik. Tidak ada cukup latihan bahkan dalam ansambel yang kuat seperti Metropolitan Opera di New York atau Vienna Staatsoper. Jadi jangan mengira bahwa semuanya buruk dengan kita, tetapi mereka semua makmur di sana. Saya ingat bagaimana murid saya membuat debut Met-nya paling sulit pihak utama tanpa satu tahap latihan! Begitulah cara dia keluar - dan bernyanyi, dan bahkan meja putar macet, dan dia memulai aria dari belakang layar.

Jadi saya bukan pendukung sistem repertoar, di negara kami saya menganggapnya sebagai peninggalan zaman Soviet, tidak terkait dengan seni, tetapi hanya terkait dengan undang-undang perburuhan, ideologi, dll. Jadi kita sekarang duduk di jalan buntu dan tidak tahu harus berbuat apa. Para penyanyi tidak yakin tentang masa depan mereka, tapi omong-omong, profesinya artis opera umumnya cukup berisiko, suara instrumen terlalu rapuh, jika ragu - Anda dapat dan harus memilih bidang lain terlebih dahulu. Kondektur tidak senang, karena penyanyi itu tidak bisa secara meyakinkan membawakan Mozart hari ini dan Prokofiev besok. Publik saat ini juga dimanjakan dan membutuhkan bintang atau nama baru. Dan diperoleh kompromi yang merugikan seni.

Dalam situasi free lanser, penyanyi terkemuka selalu memiliki lebih banyak kesempatan untuk menguasai repertoar yang tepat untuk mereka, untuk bertemu konduktor yang menarik, mitra dengan level yang setara, dll. Dan betapa hati-hati semuanya dapat dilatih dalam kasus tim produksi untuk proyek tertentu!

- Tapi kemudian, dalam situasi di mana bahkan tidak ada 5-6, dan terkadang bahkan 12 pertunjukan dengan nama yang sama berturut-turut, apakah artis memiliki efek otomatisme, seperti solois dalam musikal? Saya hampir tidak dapat memahami bagaimana mungkin untuk mengerjakan ratusan pertunjukan berturut-turut di Broadway dengan satu hari libur, seringkali tanpa pengganti, yang menggambarkan perasaan, tawa dan air mata di atas panggung ...

Berbeda dengan Broadway, di gedung opera setiap malam para artis tidak keluar (kecuali dalam kasus darurat), selalu ada satu atau dua hari istirahat. Dan pertunjukan jarang berlangsung lebih dari lima kali di blok pementasan. Teater terbaik, seperti Metropolitan, saat ini berusaha mengumpulkan pemain terbaik opera ini di seluruh dunia. Dan percayalah, di atmosfer profesionalisme yang tinggi dan kesempurnaan setiap detail, lebih mudah bagi seniman untuk fokus pada gambar.

Contoh Met juga menarik untuk umum, karena dalam seminggu Anda bisa mendengarkan karya terbanyak gaya yang berbeda dalam performa terbaik. Lagipula, bukan rahasia lagi bahwa pengunjung, turis, lebih sering daripada "penduduk asli" cenderung pergi ke gedung opera. Jadi, saat berada di New York pada bulan Januari tahun ini, dalam beberapa hari saya mengunjungi kompilasi barok berbakat Enchanted Island, melihat Faust yang sensasional, kemudian Tosca dan Daughter of the Regiment. Dan untuk "lokal" yang lamban, judul paling sukses diulangi setelah sekitar enam bulan, seperti "Anne Boleyn" yang sama, yang membuka musim opera saat ini.

Secara umum, tema dari berbagai tradisi keberadaan gedung opera sangat menarik dan sulit, setiap negara memiliki momen rasionalnya sendiri yang dapat dipadukan untuk kebaikan, Anda hanya perlu mengetahuinya dan mengetahui cara melakukannya.

- Untuk Anda secara pribadi, terutama di awal kegiatan pedagogis, tidak mengganggu kurangnya pengalaman panggungnya?

Awalnya, tentu saja, ya, itu mengganggu! Secara alami, ketika saya duduk di kelas master dengan Elena Vasilievna Obraztsova, yang saya kagumi, saya hanya menikmati perbandingannya, pidato kiasan. Pengalamannya yang luas, bekerja dengan master yang luar biasa, ditambah fantasi artistik pribadinya yang paling kaya - semuanya mempesona! Ketika dia mengerjakan penggalan dari sebuah opera atau romansa yang dia kenal dengan baik, maka dia membangun seluruh dunia yang diciptakan dari pengetahuan dan bakat bersama, di mana tidak hanya ada akting, tetapi juga penyutradaraan, bahkan konduktor.

Saya belajar sepanjang waktu! Dia belajar sambil bekerja dengan Irina Konstantinovna Arkhipova yang tak terlupakan, sekarang di sebelah Obraztsova, dengan Evgeny Evgenievich Nesterenko, dengan guru Program Pemuda kami. Saya melewati karang pesta dan produksi baru, termasuk yang asing, dengan murid-murid saya. Semua ini adalah pencarian, sekolah, pengayaan praktik pribadi. Saya beruntung dari segi waktu, saya mulai aktif mengajar di usia ketika penyanyi opera biasanya sibuk hanya dengan diri mereka sendiri dan karir mereka. Saya memiliki kesempatan untuk membenamkan diri dalam masalah pedagogis dengan sangat dalam dan luas - untuk mendapatkan pengalaman pedagogis, bekerja dengan semua jenis suara, mempelajari berbagai repertoar.

Izinkan saya membuat perbandingan yang agak tidak terduga di sini. Ada anggapan bahwa dokter kandungan terbaik adalah laki-laki, karena tidak mampu memahami, membayangkan nyeri persalinan dan bertindak lebih tegas dan tenang.

Ya, mungkin momen pelepasan saya dari penampilan seperti itu bisa bermanfaat. Saya banyak memikirkannya dan sampai pada kesimpulan bahwa nyanyian opera dan pedagogi vokal adalah dua hal profesi yang berbeda, dalam beberapa hal, tentu saja, serupa, tetapi tidak dalam segala hal.

Bagaimana mereka ada, jika Anda beralih ke kedokteran, ahli bedah dan ahli diagnosa. Seorang ahli bedah yang sangat baik dengan "tangan emas" dapat membuat diagnosis yang buruk, begitu pula sebaliknya. Profesi ini membutuhkan pengetahuan yang berbeda.

Kami, pedagogis, agak sempit jika hanya menyangkut teknik vokal dan membutuhkan pandangan yang sangat luas ketika muncul pertanyaan tentang repertoar, pengetahuan tentang profesi penyanyi dari semua sisi. Ya, saya tidak bernyanyi di atas panggung, tetapi saya melakukannya sepanjang waktu di kelas, tampil dengan suara saya. Saya tidak bermain piano di depan umum, tapi saya bisa menemani siswa dengan baik. Saya adalah seorang manajer, jadi saya dapat memberi tahu siswa tentang "jebakan" kontrak, tentang yang buruk dan kondisi bagus pidato. Kecuali saya sendiri tidak memimpin dan mementaskan opera, tetapi, sekali lagi, saya melakukan fungsi ini saat latihan.

- Dan untuk semua itu, Anda, Dmitry, adalah pengecualian dari aturan - seorang guru vokal yang sukses yang belum pernah tampil di atas panggung. Apakah ada rekan lain yang bernasib sama?

Saya dapat menyebutkan nama Svetlana Grigoryevna Nesterenko (senama bass hebat kami), kami bekerja bersama di Program Pemuda Teater Bolshoi, dia adalah kepala departemen vokal di Akademi Paduan Suara. V. S. Popova. Di antara murid-muridnya adalah Alexander Vinogradov, Ekaterina Lekhina, Dinara Alieva dan banyak penyanyi lain yang layak. Dan masyarakat umum, sebagai penyanyi, tidak mengenal banyak guru Barat yang berprestasi. Secara umum, kami, guru vokal, adalah pejuang di garis depan yang tak terlihat.

Dan dengan semua keluhan, level umum penyanyi di dunia sekarang cukup tinggi, bahkan ada kelebihan tertentu dari mereka, tetapi kekurangan guru vokal serius yang berharga adalah konstan, karena ada profesi bidik, dan tetap ada. Inilah paradoksnya.

Di awal karya, komentar dari vokalis berpengalaman bahwa saya, kata mereka, saya sendiri bukan penyanyi, saya tidak mengendus riasan, tidak mencobanya, sakit, tidak banyak, tetapi tergores. Dan sekarang - sama sekali tidak peduli. Saya menjadi tenang dalam pengertian ini, saya memiliki begitu banyak tugas, dan tanggung jawab yang begitu besar untuk puluhan siswa sukses saya yang tersebar di seluruh dunia. Penting untuk mencegah mereka membuat kesalahan, dari keinginan untuk naik ke repertoar yang salah, Anda perlu menulis kepada mereka, menelepon mereka, meyakinkan mereka. Hingga konflik - ini jarang terjadi, tetapi kebetulan itu berakhir dengan pertengkaran dan perpisahan (bukan di pihak saya). Setiap orang ingin menjadi dewasa, dan pada saat yang sama, setiap orang rentan, seperti anak-anak! Mereka terkadang tidak mengerti bahwa nyanyian mereka yang bagus adalah minat saya yang dalam, dan bukan karena saya tiran dengan cambuk, saya datang ke pertunjukan atau konser untuk mengkritik mereka dengan keras.

- Seorang guru yang sangat tua dan bijaksana di sekolah musik selalu segera setelah konser hanya memuji para siswa, dan menunda "pembekalan" untuk keesokan harinya. Karena panggungnya memacu adrenalin, toh kritik tidak akan dianggap serius dalam euforia tepuk tangan, tapi sayap, keinginan bermain musik bisa dipatahkan oleh seorang anak dengan ucapan tajam.

Dalam hal ini, saya memiliki karakter yang sulit. Saya tahu bahwa saya melakukan kesalahan, menjadi orang yang emosional dan tangguh, tetapi saya tidak selalu dapat menahan diri, meskipun saya mencoba.

Baru-baru ini ada satu konser, sangat tidak berhasil. Begitulah yang terjadi - situasi yang sulit, sedikit latihan, kontak yang buruk dengan orkestra. Pada akhirnya, saya pergi ke teman-teman dan hanya mengutip E.V. Obraztsova lagi: "Kawan-kawan, hari ini kami tidak memiliki teater, tetapi klub yang dinamai Tsuryupa." Semua orang, tentu saja, menjadi sangat sedih, tetapi ini tidak mencegah konser kedua keesokan harinya menjadi jauh lebih baik!

Terkadang, tentu saja, Anda menyakiti siswa. Tapi saya katakan pada saat yang sama: teman-teman, tapi saya melukai diri sendiri dan menyinggung diri sendiri dengan komentar, saya tidak menyalahkan Anda untuk semuanya, ini adalah kesalahan umum kita, saya sendiri tidak tidur di malam hari, saya menderita, saya menganalisis.

- Seorang guru yang tidak memarahi adalah dokter yang sama yang tidak merawat!

Ada juga masalah perbedaan mental. Salah satu kolega saya, pianis kami yang sangat terkenal dan guru yang luar biasa, suatu kali di Amerika meninggikan suaranya di dalam hatinya dan melemparkan nada ke arah seorang siswa. Di sana - investigasi, polisi, skandal ... Oleh karena itu, di AS tidak mudah bagi saya untuk membiasakan diri bekerja dalam hal ini: yah, terkadang saya ingin menambahkan emosi, meninggikan suara saya kepada seorang siswa, tetapi ini tidak mungkin di sana.

Tapi ada siswa lain juga! Saya terkejut pada kunjungan pertama saya ke kelas master di Houston. Seorang bariton muda yang baik mendatangi saya dan menunjukkan kepada saya aria Yeletsky. Saya menawarinya pelajaran tambahan di malam hari, setelah semua. Dia ingin melewati cavatina Figaro dari Seville. Tetapi pada pukul 18 menit, pianis itu bangun dan pergi - hari kerjanya telah berakhir, semuanya ketat. Saya sendiri menyadari bahwa saya akan menggali terlalu dalam ke dalam iringan bravura Rossini, dan berkata: "Maukah Anda menyanyikan Yeletsky lagi?" Dia dengan rela setuju dan membuat saya takjub - dalam beberapa jam yang telah berlalu sejak kelas pagi, dia memperbaiki semuanya! Semua komentar saya tentang ungkapan, pengucapan, intonasi, konten akting - semuanya diperhitungkan!

"Ya apa kabar?" Saya bertanya kepadanya. “Maestro, saya duduk, melihat catatan selama 15 menit, mendengarkan rekaman pelajaran kita, memahami apa yang Anda katakan - dan aria sekarang sudah siap.”

Bagi saya itu adalah kejutan yang menyenangkan! Kembali ke Moskow, bagaimana dia mencela siswanya sendiri dengan kejadian ini, karena sampai Anda memberi tahu mereka dua puluh kali, mereka tidak akan melakukannya! Mereka datang ke kelas tanpa tape recorder, terkadang bahkan tanpa pensil dan salinan musik tambahan untuk mencatat. Apa yang bisa kamu katakan? Anda harus tangguh.

- Anda memiliki anak perempuan di kelas Anda. Apakah ada perbedaan dalam pendekatan?

Lebih mudah dengan laki-laki sampai batas tertentu, tetapi tanpa perempuan di kelas itu akan membosankan! Tentu saja, suara wanita menuntut dari saya pendekatan yang berbeda terhadap realitas vokal, konsentrasi perhatian yang lebih besar. Bahan berbeda, dan, karenanya, alat berbeda. Itu membutuhkan lebih banyak waktu untuk refleksi, lebih banyak usaha dan bahkan pengetahuan teknis dan pengalaman. Tapi, seperti yang ditunjukkan kehidupan, secara umum, dan dengan suara wanita Saya mengerti. Dan di dalam kelas, kehadiran gender yang berbeda memberikan keuntungan besar dalam repertoar, Anda bisa menampilkan ansambel, duet.

- Apakah ada krisis umum dalam dunia vokal di akhir abad ke-20 - awal abad ke-21? dibandingkan, misalnya, dengan 60-70 abad ke-20, dan jika demikian, mengapa?

Jika demikian, krisis selalu ada. Selama masa kejayaan Callas dan Del Monaco, ada orang yang berbicara dengan kerinduan tentang zaman Ponselle, Gigli dan Caruso, dan seterusnya, kembali ke masa lalu, ke awal abad ke-19, hingga nama-nama yang sepenuhnya legendaris. Ini dari seri: "Langit lebih biru dan rumput lebih hijau."

Pada prinsipnya, sekolah menjadi lebih baik dan lebih merata negara lain, karena kami mulai hidup dalam satu ruang informasi, mendapat kesempatan untuk sering mendengar hidup atau dalam rekaman yang sangat segar dari semua yang terbaik di panggung opera dunia. Bagi banyak pecinta musik, naik pesawat dan dalam beberapa jam menemukan diri Anda berada di ibukota musik mana pun telah menjadi kenyataan yang dapat diakses.

Menurut pendapat saya, krisis terletak di tempat lain. Ada cukup banyak profesional yang kuat sekarang, pengangguran berlipat ganda di antara manajer menengah, tetapi hanya ada sedikit suara yang luar biasa dan luar biasa. Dan bahkan tidak terlalu cantik, tapi dalam kekuatan, volume suara.

- Saya bergabung dengan Anda dengan sepenuh hati - hanya sedikit dari penyanyi opera terbaik saat ini yang dapat dikenali tanpa pengumuman di radio, meskipun "orang tua" - secara instan, dari dua nada!

Dan ini juga merupakan biaya teknologi! Semua orang mulai bernyanyi dengan sama baiknya. Banyak mantan hebat dapat dikenali, luar biasa, dan cantik tidak hanya karena jasa mereka, tetapi juga karena "ketidakteraturan ilahi", seperti Callas yang tak tertandingi. Tidak hanya kekurangan warna nada yang cerah, tetapi terutama individualitas, dengan pengecualian yang jarang. Sebagian karena para penyanyi kini menjadi sangat bergantung pada kediktatoran sutradara dan profesi mereka tidak menempati urutan pertama dalam hal kepentingan gedung opera.

- Oh, topik favorit kami adalah tentang "operator ulang"! Bagaimana perasaan Anda tentang dia?

Ada periode di teater musikal saat ini yang kita semua lalui seperti sakit atau cuaca buruk. Ingat ketika kita mempelajari sejarah musik dan berbicara tentang "jatuhnya opera" di era Barok, tentang "konser dalam kostum"? Di pertengahan abad ke-20, di pentas dunia, bersama Callas dan Luchino Visconti, opera mulai menyatu dengan dunia drama, sinema, menggambar gambar dari lukisan, dan dalam beberapa hal naik ke level artistik. Tapi, akibatnya, gedung opera beralih ke ekstrim lain, tingkah laku. Ini sangat radikal di Jerman, sedemikian rupa sehingga Peter Stein pernah mengatakan di suatu tempat, ketika berbicara tentang penyutradaraan opera Jerman: "Maaf, tetapi dalam konteks ini saya merasa tidak nyaman menyebut diri saya seorang sutradara Jerman, saya tidak menganggap diri saya sendiri."

Namun yang menarik, selama berabad-abad telah ada pembicaraan tentang kematian opera. Dia bertindak ekstrem sepanjang waktu. Tetapi ketika, tampaknya, semuanya sudah berakhir, tiba-tiba dia berhasil menemukan cara baru dan muncul kembali dengan segala kecantikannya.

- Ya ya! Itu sebabnya produksi kostum tradisional, seperti Werther pada 2010 di Bastille Opera di Paris, Adrienne Lecouvreur musim lalu di Covent Garden, atau Enchanted Island terbaru di Met, memecah tepuk tangan sejak pembukaan pertama tirai. .

Tetapi dalam situasi ini saya tidak ingin terlihat seperti ortodoks terry, mundur dan konservatif. Ada yang luar biasa tipis dan dalam produksi kontemporer opera.

Setiap orang menentukan tingkat persuasif dan bakat sutradara itu sendiri, dan saya juga mengembangkan pendapat pribadi tentang masalah ini. Saya pikir jika produksi memiliki logika yang dalam, jika setiap "senjata menembak", maka produksinya sukses. Dan jika dalam sebuah pertunjukan sutradara hanya mengumpulkan semua gambar dan metafora yang dia simpan di tahun-tahun sebelumnya dari waktu henti, dan tidak dapat memenuhi kebutuhan, dan kita duduk dan tidak mengerti - lalu mengapa demikian? Secara teori, secara harfiah "berjalan di atas kepalamu" juga bisa dibuat meyakinkan, seperti yang ditunjukkan Natalie Dessay di Ariadne auf Naxos.

- Tapi tidak bisakah master vokal Vdovin mengatakan bahwa berjalan terbalik sambil bernyanyi itu sulit dan tidak fisiologis, untuk membela siswa?

Tidak, sayangnya, saya tidak bisa mengatakan apa-apa, meski terkadang saya marah pada banyak hal. Di teater - semua orang bergantung, dan harus setia pada rencana sutradara. Saya terkadang melihat bahwa orang malu untuk malu di atas panggung dalam beberapa skenario sutradara. Persuasif artistik macam apa yang kita bicarakan di sini! Dan yang paling menyedihkan adalah, selain keegoisan dan tingkah, terkadang hal ini tidak masuk akal. Tetapi di sisi lain, saya setuju bahwa adalah mungkin untuk menunjukkan seorang seniman dengan cara yang jelek, jika ada tugas artistik yang sangat dalam di dalamnya.

Saya seorang ahli teater dengan pendidikan pertama, yang pemimpin pertamanya adalah Pavel Alexandrovich Markov, dan master utamanya adalah Inna Natanovna Solovyova, orang-orang hebat. Saya menemukan waktu yang baik untuk teater - saya pergi ke pertunjukan A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, dan ada begitu banyak tur di Moskow ...

- Apakah ada siswa yang tidak ingin "membungkuk" di bawah tirani sutradara dan menganggap diri mereka hanya dalam genre konser kamar yang murni?

Saya bertemu satu seperti itu, namun, dia bukan murid saya. Dia memiliki segalanya untuk menjadi fenomena luar biasa di zaman kita - ini adalah bass Dmitry Beloselsky. Dia keluar dari paduan suara, untuk waktu yang lama dia hanya menyanyikan musik kantata-oratorio, konser. Saya tidak ingin pergi ke opera. Baru-baru ini, pada usia 34 tahun, dia berubah pikiran, datang ke Teater Bolshoi, dan, alhamdulillah, begitulah masalahnya. Di usia ini, dia memiliki lebih banyak kesempatan untuk tidak meninggalkan balapan sebelum waktunya, untuk membangun umur panjang dengan kecerdasan dan pengertian. karir yang gemilang. Dmitry kini sukses luar biasa di mana pun dia tampil. Dari Metropolitan ke Bolshoi. Namun sayangnya, penyanyi konser yang "murni" sulit bertahan secara finansial, profesi penyanyi kamar bisa dibilang sekarat. Sayang!

- Apakah konsep "sekolah vokal Rusia" masuk akal saat ini? Dalam hal ini, pada konser kelulusan Program Pemuda Teater Bolshoi musim semi lalu, yang Anda, Dmitry, pimpin, saya sangat terkejut dengan betapa penyanyi muda yang jauh lebih baik dan meyakinkan mengatasi musik Barat, dan betapa bermasalahnya hal itu bagi mereka untuk menampilkan bahasa Rusia.

Sekolah Rusia tidak diragukan lagi ada, karena ada warisan opera yang sangat besar dan bahasa Rusia. Dan sebagai komponen - tradisi teater. Repertoar Rusia sendiri menentukan pendekatan teknis yang berbeda dari karya-karya Italia, Prancis, musik Jerman. Masalahnya, menurut saya, musik kami dirancang terutama untuk suara yang sangat kuat, untuk penyanyi dewasa. Karena sebagian besar opera ditulis untuk dua Teater Kekaisaran, yang selalu terkenal dengan suaranya yang kuat dan dalam. Pertanyaan tentang di mana menemukan Herman atau Marfa yang asli untuk Khovanshchina saat ini menjadi semakin sulit untuk dipecahkan ...

Ngomong-ngomong, di Amerika, Tatyana dianggap sebagai pesta usia yang lebih kuat daripada Lisa di "Puncak". Dan Yeletsky lebih kuat dari Count di Le nozze di Figaro. Lensky dan Onegin juga tidak dianggap sebagai peran pemuda, seperti kebiasaan kami, hanya karena Pyotr Ilyich menulis adegan lirisnya untuk siswa Konservatorium Moskow. Tapi ada orkestrasi yang sangat padat dan tessitura vokal yang kompleks, dengan lompatan besar ke atas dan ke bawah, yang percayalah, sebagai guru, tidak semua penyanyi muda bisa melakukannya. Dan mengingat akustik bermasalah yang kami miliki di banyak aula, dan betapa orkestra suka bergemuruh, Anda harus memiliki suara yang kuat dan kuat untuk menahan semua ini. Maaf, tapi menurut saya cavatina Antonida Glinka, misalnya, sangat sulit untuk dituliskan untuknya Penampilan yang bagus segera Anda harus memberikan medali di sayap soprano! Poin rumit lainnya - komposer Rusia, dengan segala kejeniusannya, tidak selalu menguasai seluk-beluk penulisan vokal. Dan ini bisa dimengerti - dirinya sendiri tradisi opera di Rusia tidak terlalu tua, dan banyak dari perwakilannya mempelajarinya sendiri.

Lebih lanjut tentang Glinka, sehubungan dengan yang sensasional pemutaran perdana terakhir"Ruslana", sekarang saya hanya berbicara tentang sisi vokal, karena ada pernyataan di media bahwa, kata mereka, tidak ada yang menyanyi dengan baik dibandingkan dengan produksi Teater Bolshoi tahun 70-an B. A. Pokrovsky sebelumnya. Saya akan mengatakan sebagai saksi hidup dan pendengar - ya, dalam pertunjukan itu ada Ruslan yang brilian - Evgeny Nesterenko, Lyudmila - Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya - Ratmir. Namun di antara banyaknya karakter (dan pertunjukannya dalam 2-3 pemeran) ada penyanyi yang, untuk beberapa alasan yang tidak diketahui, muncul di panggung Teater Bolshoi, dan, bukan rahasia lagi bahwa ada pertunjukan, setelah masuk ke dalamnya. Anda bisa kehilangan minat pada opera selamanya.

Saya akan kembali ke pembagian genre lagi - ada penyanyi hebat yang unik dalam opera Mozart, dan tidak lebih. Dan yang lain harus menyanyikan musik Rusia secara eksklusif - inilah kekuatan mereka. Tetapi ketika mereka mulai menyanyikan ini dan itu, itu lebih buruk bagi Mozart, dan Glinka, dan bagi para pendengarnya.

- Sayangnya, tidak semua penyanyi memiliki pikiran analitis yang sadar dan keinginan untuk menolak proyek petualangan, seperti Dmitry Korczak Anda, yang telah ditawari untuk menyanyikan Herman!

Ya, Dima hebat dalam hal ini, tetapi fakta bahwa musik Rusia dalam repertoarnya sangat sedikit, karena suaranya terlalu ringan - sayang sekali, dia melakukannya dengan sangat baik. Dan Vasily Ladyuk, omong-omong, juga. Saya ingat malam ketika dia menampilkan romansa Rusia - meskipun saya tidak suka karya kamar yang diatur, Mikhail Pletnev melakukannya dengan sangat baik, salah satu konser terbaik dalam menembus makna musik terjadi!

Secara umum, untuk menyanyikan musik Rusia dengan baik, Anda harus bekerja sangat keras untuk menghilangkan banyak klise kita sendiri, agar tidak kehilangan perasaan segar. Kadang-kadang orang asing memiliki nuansa baru yang mengejutkan, dan kadang-kadang kita tanpa sadar menganggap tradisi itu sebagai urtext, rekaman klise dari adegan klasik Rusia yang sudah lama dikenal.

- Tentang "mendengar" catatan lama. Untuk waktu yang lama, pernyataan Svyatoslav Teofilovich Richter telah meresap ke dalam jiwa, itu pemuda kekinian, dimanjakan dengan tersedianya alat perekam suara, membiasakan diri untuk terus mengontrol dirinya dari luar, setelah tampil. Dan musisi generasi sebelumnya, yang kehilangan berkah peradaban ini, mengembangkan apa yang disebut "prehearing", yaitu kemampuan untuk merasakan frasa musik berikutnya terlebih dahulu, dengan telinga bagian dalam.

Ke titik. Baru-baru ini saya mendengar rekaman audio dari Met - "The Marriage of Figaro". Dan selama ansambel, terkadang saya tidak bisa mengerti, duduk tanpa nada, siapa yang bermain sekarang - Countess, Susanna atau Cherubino. Karena ketiganya, maaf, Rene Fleming kecil! Tentu saja, ketersediaan rekaman suara untuk semua orang, YouTube, dll. meninggalkan jejak mereka artis kontemporer, dan interpretasi klise berasal dari sini.

- Tapi apakah Anda secara pribadi mengizinkan siswa menggunakan teknologi dalam pelajaran, pertunjukan?

saya izinkan ya. Sebagai orang teater, saya memahami bahwa ketika Anda mulai membangun tugas dengan para pria, mencari asal-usul gambar musik ini atau itu, sebab dan akibat, maka klise hilang, tekanan rekaman audio dan video orang lain hilang.

- Apakah penyanyi membutuhkan konteks sejarah, pengetahuan tentang waktu dan tempat aksi pahlawannya, tentang biografi pengarangnya?

Yah, tentu saja! Artis opera, penyanyi pasti orang terpelajar! Untuk mengisi pekerjaan, teks dengan makna - bahkan lebih bahasa pertama perlu untuk memahami tidak hanya kata-kata, tetapi juga seluruh situasi di sekitar karakter, plot, ikatan sejarah kalo gitu bahannya. Sungguh mengerikan ketika anak muda tidak mengetahui nama-nama penyair yang menulis teks romansa, atau ketika mereka bingung di mana Flanders berada, yang dinyanyikan dalam aria dari Don Carlos. Atau tidak membayangkan bahwa aria ditujukan kepada pasangannya dan, pada dasarnya, ini adalah duet.

Yang terpenting adalah mengembangkan imajinasi artistik penyanyi, membuatnya melihat dan memahami apa yang ada di kedalaman dan yang tersirat.

- Sebuah pertanyaan yang agak provokatif: apa yang Anda sukai - vokal penyanyi yang cemerlang dipadukan dengan kesenian yang terbatas dan penampilan yang tidak mencolok, atau sebaliknya, kesenian yang cemerlang dengan vokal yang sangat moderat?

Secara pribadi, saya sekarang lebih suka tinggal di rumah dalam situasi seperti itu! Tapi, serius, dalam sebuah opera, kesenian yang brilian dipadukan dengan vokal yang biasa-biasa saja tidak pantas, mungkin ada vokalis yang biasa-biasa saja dalam hal kekuatan atau timbre, tetapi dia harus menguasai instrumennya sepenuhnya. Tidak ada jalan lain, tubuh ramping, fitur wajah yang benar dan keliatan akting, jika mereka benar-benar melewatkan nadanya, tidak akan menyelamatkan - apa yang harus dilakukan, genre sintetik.

Oleh karena itu, kami sangat menghargai contoh paling langka dari keharmonisan segalanya: suara yang fenomenal, musikalitas, temperamen akting yang luar biasa, dipadukan dengan kecantikan yang cerah dan sangat berani - begitulah Vladimir Andreevich Atlantov di atas panggung, yang memerintah di atas panggung Bolshoi Teater. Saya senang bertemu dengannya selama tahun-tahun mahasiswa saya. Atlantov, mungkin, bukanlah contoh yang ideal, halus sekolah vokal, tapi dia memberi saya banyak hal dalam hal memahami proses menyanyi opera, bagaimana seharusnya seorang Artis sejati.

Diwawancarai oleh Tatyana Elagina

Perlu dicatat bahwa di tiga opera tampil di festival ROF tahun ini, bagian tenor utama akan dibawakan oleh penyanyi dari Rusia, dan semuanya adalah murid Profesor Dmitry Yuryevich Vdovin.

Bulan-bulan musim panas, tampaknya, akan menurunkan intensitas gairah teater, tetapi ini tidak terjadi. Hanya di musim panas ada banyak kompetisi dan festival yang sulit dan sangat bergengsi. Di antara sejumlah besar festival, ROF memiliki tempat khusus - Festival Opera Rossini, yang berlangsung setiap tahun di kota Pesaro di Italia, tanah air Gioacchino Rossini. Pada 10 Agustus, pembukaan festival ini akan berlangsung.

Program ROF-2017 akan dibuka dengan penampilan opera The Siege of Corinth oleh G. Rossini, tenor Sergei Romanovsky sebagai pemeran utama. Keesokan harinya, 11 Agustus, opera The Touchstone karya G. Rossini akan dibawakan dengan partisipasi tenor Maxim Mironov. Opera "Torvaldo and Dorlisca" oleh G. Rossini akan dipersembahkan pada 12 Agustus, tenor Dmitry Korczak akan menyanyi di dalamnya. Semuanya adalah murid dari Dmitry Vdovin.

- Apa rahasia dari "fenomena sekolah Vdovin"?

Sebuah pertanyaan yang tidak mudah dijawab, karena sifatnya yang agak "riuh". Dan, seperti yang Anda tahu, "untuk kemeriahan" Anda bisa bergemuruh. (tertawa) Tapi di sisi lain, saya tidak akan berbohong, ada hasil dan penyanyi yang bekerja sama dengan saya menempati tempat tertentu dan serius di dunia teater opera. Sangat mengherankan bahwa di masa remaja saya, saya menjadi sangat tertarik dengan Rossini. Ini karena rekaman "The Barber of Seville" dan "Italian in Algeria". Mereka dibuat dalam bahasa Rusia, yang juga memainkan peran penting, saya masih terlalu muda dan mungkin bernyanyi dalam bahasa Italia tidak akan begitu memikat saya. Saya terpikat oleh sandiwara Rossini, humornya, kemurahan hati melodinya yang luar biasa, dan kehidupan hedonismenya. Dan bagi saya, yang tinggal di iklim Ural yang keras dan dalam kondisi Uni Soviet yang tidak kalah kerasnya, tidak hanya musiknya, tetapi seluruh sejarahnya (saya membaca Stendhal's "Rossini's Life") tampak agak tidak biasa dan dunia yang meriah. Yang hanya bisa saya masuki sebagai pemilik piringan hitam sederhana.

Tetapi kebetulan pada awal pekerjaan mengajar saya, tiga tenor mendatangi saya dengan jeda waktu yang kecil, yang menjadi spesialis dalam repertoar Rossinian. Benar, semuanya tidak begitu sederhana. Maxim Mironov yang berusia 18 tahun langsung dianggap oleh saya sebagai tenor Rossini karena kekhasan suaranya yang luar biasa tinggi dan sangat lincah. Aria pertama yang kuberikan padanya adalah Languir per una bella dari The Italian Girl in Algiers dan kemudian O come mai non senti dari Othello. Dan sekarang dia adalah salah satu Lindor dan Rodrigo terbaik.

Sergey Romanovsky... Bulan-bulan pertama dan bahkan satu tahun, mungkin, saya lebih banyak belajar dengannya Don Ottavio, Nemorino, Lensky. Tidak, kami mulai menyanyikan Cinderella segera, dan saya ingat bagaimana Mironov mendengarnya untuk pertama kali ketika dia menelepon saya, seperti orang lain menyanyikan Rossini. Itu Romanovsky! Tapi entri serius dengan Serezha di Rossini terjadi ketika saya memutuskan untuk membuat pertunjukan semi-tahap Journey to Reims di Moskow. Saya harus mengatakan bahwa kisah 10 tahun yang lalu ini memperkenalkan banyak orang ke dalam profesi dan dunia Rossini. Tapi terutama dia memberikan banyak hal kepada Romanovsky, yang merupakan satu-satunya Pangeran Liebenskoff. Ini adalah bagian yang paling sulit, paling virtuoso, dan berkat itu dia menarik perhatian para spesialis, banyak di antaranya secara khusus datang ke Moskow pada waktu itu untuk melihat penampilan praktis siswa kami. Tak lama kemudian, ia melakukan debutnya dalam peran ini di Italia, di Treviso dan Jesi, dan tak lama kemudian ternyata dalam serangkaian pertunjukan di La Scala, Liebenskoff dinyanyikan secara bergantian oleh Korczak dan Romanovsky. Itu adalah momen yang sangat berisiko, masih terlalu dini untuk debut di teater yang begitu penting di usia yang begitu muda. Tapi, bagaimanapun, semuanya terus berjalan. Mironov menyanyikan Rossini pertamanya di La Fenice di Venesia (Mohammed II), ini adalah kontrak pertamanya di Barat sejak kompetisi Neue Stimmen, di mana dia mengambil flat E stratosfer atas di ujung aria Lindor. Ngomong-ngomong, saya harus mengatakan bahwa di awal tahun 2000-an tidak banyak tenor Rossini yang tinggi seperti sekarang. Persaingan meningkat tajam.

Dmitry Korczak, yang saya anggap lebih sebagai tenor Mozart, seorang Prancis opera lirik dan repertoar Rusia (dan sampai hari ini saya yakin ini adalah miliknya yang paling banyak kekuatan), bagaimanapun, Rossini mulai banyak bernyanyi. Kemampuan musiknya yang luar biasa menarik perhatian konduktor besar (Muti, Chaya, Maazel, Zedda), serta Ernesto Palacio, tenor Rossinian yang sangat menonjol di masa lalu, kemudian menjadi mentor Juan Diego Flores, dan sekarang orang pertama di Dunia Rossinian, kepala festival , dan sekarang Akademi di Pesaro, tanah air Rossini. Dialah, Maestro Palacio, yang menyatukan ketiga tenor kami tahun ini, yang tidak bisa tidak saya banggakan.

Ada tiga tenor di ROF-2017, dan semua siswa Anda. Ini adalah Korczak, Mironov, Romanovsky. Mereka berbeda, tentu saja, tetapi apa yang menyatukan mereka sebagai siswa Anda?

Mereka berbakat, sangat pintar, masing-masing dengan caranya sendiri, dan sangat pekerja keras. Saya tidak tahan dengan orang malas. pemilik malas suara-suara indah- bagi saya, ini adalah filistin dari seni, semacam penyewa mental berperut buncit dari kemampuan vokal mereka. Ketiganya tidak seperti itu sama sekali. Seniman yang sangat bertanggung jawab, serius, dan bijaksana. Inilah yang menyatukan mereka.

Dmitry Yurievich Vdovin(lahir) - Tokoh opera Rusia dan guru vokal, Artis Terhormat Federasi Rusia, profesor di Akademi Seni Paduan Suara.

Direktur artistik Program Opera Pemuda Teater Bolshoi Rusia.

Biografi

Lahir pada 17 April 1962 di Sverdlovsk (sekarang Yekaterinburg). Dia lulus dari Institut Seni Teater Negara (sekarang RATI) di Moskow, dan kemudian belajar di sekolah pascasarjana universitas ini di bawah bimbingan Profesor Inna Solovieva sebagai kritikus teater (opera), diterbitkan di surat kabar dan majalah nasional besar. Selanjutnya, ia menjalani pelatihan ulang dan lulus dari Academy of Choral Art. V. S. Popova sebagai vokalis dan guru vokal. Dari tahun 1987 hingga 1992 - seorang karyawan yang bertanggung jawab untuk bekerja di bidang teater musikal dari Persatuan Pekerja Teater Uni Soviet. Dilatih sebagai guru vokal di ECOV - Pusat Opera dan Seni Vokal Eropa di Belgia di bawah bimbingan kepala departemen vokal Curtis Institute of Music di Philadelphia Michael Elaysen (1992-1993). Pada tahun 1992, Dmitry Vdovin menjadi direktur artistik Pusat Musik dan Teater Moskow, sebuah agensi seni yang berpartisipasi dalam proyek kreatif bersama dengan teater, festival, dan organisasi musik internasional besar. Sejak 1996, D. Vdovin telah berkolaborasi dengan penyanyi hebat Rusia I. K. Arkhipova sebagai guru dan kepala Sekolah Musim Panasnya, pembawa acara bersama program televisi dan konsernya. Sejak 1995 - menjadi guru, dari tahun 2000 hingga 2005. - Kepala departemen vokal Universitas Kedokteran Negeri. Gnesins, pada 1999-2001 - guru Akademi Ilmu Pengetahuan Rusia. Gnesinykh, sejak 2001 - Associate Professor, Kepala (hingga 2003) Departemen Bernyanyi Solo Akademi Seni Paduan Suara. V. S. Popova, sejak 2008 - Profesor Akademi Seni. D. Vdovin memberikan kelas master di banyak kota di Rusia, serta di AS, Meksiko, Italia, Latvia, Prancis, Polandia, Monako, Swiss. Dia telah menjadi guru tamu reguler di Houston Grand Opera House Youth Program (HGO Studio). Dari 1999 hingga 2009 - direktur artistik dan guru Sekolah Seni Vokal Internasional Moskow, yang memungkinkan guru dan spesialis opera terbesar dari Rusia, AS, Italia, Jerman, Inggris Raya datang ke Moskow untuk bekerja dengan penyanyi muda

Anggota juri dari banyak kompetisi vokal bergengsi - Kompetisi Internasional. Glinka, Kompetisi Musik Seluruh Rusia ke-1 dan ke-2, Kompetisi Internasional Le voci verdiane (suara Verdi) di Busseto, Kompetisi Vokal Internasional. Viotti dan Pavarotti di Vercelli, AsLiCo di Como (Italia), Kompetisi Internasional di Paris dan Bordeaux (Prancis), Competizione dell'opera Italiana di Moskow dan Linz, Kompetisi Internasional di Montreal (Kanada), kompetisi saluran TV "Budaya" "Big Opera ”, kompetisi Elena Obraztsova di St. Petersburg, kompetisi vokal di Izmir (Turki), Kompetisi Internasional. Moniuszko di Warsawa, "Die Meistersinger von Nürnberg" di Nuremberg, Opera de Tenerife di Spanyol.

Sejak 2009 - salah satu pendiri dan direktur artistik Program Opera Pemuda Teater Bolshoi Rusia. Sejak 2015 ia menjadi guru tamu di International Opera Studio of the Zurich Opera. Kelas master di Metropolitan Opera, New York (Program Pengembangan Artis Muda Lindemann).

Konsultan musik untuk film Pavel Lungin "The Queen of Spades" (2016).

Juga, D. Yu Vdovin adalah wakil manajer tim kreatif rombongan opera Teater Bolshoi (2013-2014)