rumah › peralatan listrik › Peringkat pianis dunia. Pianis modern: daftar pianis terbaik di zaman kita, berhasil

Peringkat pianis dunia. Pianis modern: daftar pianis terbaik di zaman kita, berhasil

KGKP "Sekolah Seni Akimat Distrik Shemonaikha"

proyek Penelitian

Pianis hebat - pemain

abad 19, 20, 21

Disiapkan oleh: Tayurskikh Daria Kelas 5

Podfatilov Denis Kelas 3

Pemimpin tim:

guru sekolah seni

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Pendahuluan………………………………………………………………...2

Abad XIX………………………………………………………………………..3

Abad XX………………………………………………………………………..13

Abad XXI……………………………………………………………………….24

Kesimpulan…………………………………………………..............

... "piano - itu adalah awal dan akhir dari segalanya, bukan alat musik sebagai cara hidup, dan maknanya bukan pada musik demi musik, tetapi pada musik demi piano."

Herold Schonberg

pianis– Ini musisi, khusus dalam pertunjukan piano karya musik.

Pianis hebat. Bagaimana Anda menjadi pianis yang hebat? Itu selalu banyak pekerjaan. Dan itu semua dimulai pada masa kanak-kanak. Banyak pianis dan komposer mulai bermain musik pada usia 4 atau bahkan 3 tahun.Kemudian, ketika bentuk telapak tangan yang "lebar" terbentuk, yang di masa depan membantu untuk bermain dengan mahir.

Bergantung pada era perkembangan musik piano, persyaratan yang bertentangan secara diametris terkadang diajukan untuk pianis. Selain itu, profesi musisi mau tidak mau bersinggungan dengan profesi komposer. Kebanyakan pianis membuat karya piano sendiri. Dan hanya virtuoso langka yang berhasil menjadi terkenal dengan membawakan melodi orang lain secara eksklusif.
Bagaimanapun, seperti musisi mana pun, penting bagi seorang pianis untuk tulus dan emosional, untuk dapat larut dalam musik yang dimainkannya.

Sejarah musik piano cukup menarik. Ada beberapa tahapan di dalamnya yang masing-masing memiliki tradisinya sendiri. Seringkali, kanon pada zaman itu ditetapkan oleh satu (jarang oleh beberapa) komposer yang mahir memainkan alat musik tersebut (awalnya adalah harpsichord, dan kemudian piano).

Oleh karena itu, menyoroti tiga era dalam sejarah pianisme, mereka dinamai menurut nama komposer paling terkenal - Mozart, Liszt, dan Rachmaninov. Dalam terminologi tradisional sejarawan, ini adalah era klasisisme, kemudian romantisme, dan modernisme awal.

Masing-masing bertahan selama berabad-abad sebagai komposer hebat, tetapi pada satu waktu masing-masing juga menentukan tren utama dalam pianisme: klasisisme, romantisme, dan modernisme awal. Pada saat yang sama, pianis hebat lainnya berakting secara bersamaan dengan mereka masing-masing. Beberapa dari mereka juga komposer hebat. Mereka adalah: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann dan lainnya.

Jika Anda melakukan perjalanan ke dalam sejarah ilmu piano, Anda bisa belajar banyak hal menarik. Misalnya, pada waktu yang berbeda, di era yang berbeda, tradisi kunci dalam bermain piano ditentukan oleh satu atau beberapa komposer hebat yang fasih memainkan harpsichord dan kemudian, dengan munculnya piano, menjadi pianis yang hebat.

Banyak pianis terkenal telah menghibur dan menyenangkan pendengar dan pecinta musik sepanjang sejarah. Piano telah menjadi salah satu instrumen paling populer sejak penemuannya karena keserbagunaan dan suaranya yang menyenangkan. Meskipun sejarah telah melestarikan beberapa nama pianis hebat, ulasan apa pun tentang pemain pianis paling terkenal sangat subyektif, dan nama pemain tersebut sulit untuk dimasukkan ke dalam satu daftar.

Namun, masih ada pianis yang mampu naik ke puncak ketenaran dan pengakuan dunia.

XIXabad

Pada paruh kedua abad ke-19, instrumen baru memasuki kehidupan musik - piano. Penemu "harpsichord dengan piano dan keahlian" ini adalah seorang master Padua

Bartolomeo Cristofori.

Lambat laun, piano, yang meningkat, mengambil tempat dominan dalam latihan musik. Instrumen dengan aksi palu memungkinkan untuk mengekstraksi suara dengan berbagai kekuatan di atasnya dan menerapkannya secara bertahap crescendoDandiminuendo. Kualitas piano ini sesuai dengan keinginan akan ekspresi emosional dari suara, untuk transfer dalam gerakan mereka dan pengembangan gambar, pikiran, dan perasaan yang membuat orang bersemangat.

Dengan munculnya piano dan pengenalannya ke dalam latihan pertunjukan, lahirlah perwakilan baru.

abad ke-19 menampilkan seluruh galaksi komposer luar biasa yang secara signifikan memperluas batas sarana teknis dan ekspresif piano. Di kota-kota terbesar, pusat budaya musik dan pertunjukan Eropa, sekolah piano utama, Ini:

London(Muzio Clementi, Johann Baptist Cramer, John Field);

Wina(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg dan lainnya);

Paris, kemudian dikenal sebagai Perancis(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer dan lainnya);

Jerman(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow dan lainnya);

Rusia(Alexander Dubuk, Mikhail Glinka, Anton dan Nikolai Rubinstein, dll.).

Gaya pertunjukan abad ke-19

Sejarah perkembangan teknik piano adalah sejarah budaya dan gaya. Di antara keterampilan yang sangat diperlukan seorang pianis abad 18-19 adalah improvisasi, kemudian pianis belum berpisah dari komposer, dan jika dia membawakan musik orang lain, maka aturannya dianggap sangat bebas, kreatif secara individual. penanganan teks karawitan, terjadi praktik pewarnaan dan variasi, yang kini dianggap tidak berlaku lagi.

Gaya para master abad ke-19 dipenuhi dengan keinginan eksekutif sedemikian rupa sehingga kami menganggapnya seratus persen tidak berasa dan tidak dapat diterima.

Peran luar biasa dalam pengembangan musik piano dan budaya pianistik dimiliki sekolah London dan Wina.

Pendiri Sekolah London adalah virtuoso, komposer, dan guru yang terkenal

Muzio Clementi (1752 -1832)

Muzio Clementi dan murid-muridnya memainkan piano Inggris, yang memiliki suara yang bagus dan membutuhkan penekanan tombol yang jelas dan kuat, karena instrumen ini memiliki keyboard yang sangat rapat. Piano Wina, dirancang oleh master Johann Stein dan disukai oleh Mozart, memiliki suara yang lebih merdu, meski tidak sekuat, dan memiliki keyboard yang relatif ringan. Oleh karena itu, menjadi direktur dan kemudian menjadi salah satu pemilik salah satu perusahaan piano terbesar di Inggris, Clementi mencapai peningkatan dalam instrumen bahasa Inggris, memberi mereka melodi yang lebih baik dan keyboard yang lebih ringan. Pendorong untuk ini adalah pertemuan pribadi antara Clementi dan Mozart pada tahun 1781 di Wina, di mana kompetisi asli mereka sebagai komposer dan pianis berlangsung di istana kaisar Austria. Clementi terpesona oleh permainan Mozart yang penuh perasaan dan "nyanyian piano" -nya.

Muzio Clementi - penulis banyak karya piano dan guru terbesar, menciptakan sekolah permainan pianonya sendiri. Dia adalah penulis latihan dan etude teknis instruktif pertama dalam sejarah piano, memberikan gambaran tentang prinsip-prinsip metodologisnya.

Clementi sendiri, dan murid-muridnya (I. Kramer, D. Field - salah satu siswa paling berbakat, E. Brekr) - virtuoso utama di awal abad ke-19 - dibedakan oleh teknik jari yang sangat baik. Clementi, bersama dengan murid-muridnya, menciptakan teknik progresif yang berfokus pada pengembangan cara-cara baru dalam menafsirkan instrumen, menggunakan perspektif suara dan relief "konser" yang lengkap. Karya pedagogis M. Clementi "Melangkah ke Parnassus, atau Seni Bermain Piano, diwujudkan dalam 100 latihan dengan gaya yang tegas dan elegan." Pekerjaan ini adalah sekolah dasar untuk pendidikan keterampilan pianistik, 100 latihan memukau dengan variasi konten dan volume tugas yang dilakukan. Banyak perwakilan dari sekolah London adalah inovator yang berani di bidang pianisme, menggunakan komposisi mereka, selain bagian jari, not ganda, oktaf, konstruksi akor, latihan, dan teknik lain yang memberikan kecemerlangan dan variasi suara.

Sekolah Clementi melahirkan tradisi tertentu dalam pedagogi piano:

prinsip latihan teknis berjam-jam;

bermain dengan jari-jari yang "terisolasi", berbentuk palu dengan tangan yang diam;

keparahan ritme dan dinamika kontras.

pendiri Sekolah Wina ada komposer pianis hebat: Haydn, Mozart dan Beethoven.

Perwakilan terkemuka dari pedagogi piano progresif sangat terkenal.

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

"Sekolah Piano Teoritis dan Praktis" Czerny memiliki banyak kesamaan dengan "Manual" Hummel. Berbicara secara rinci tentang teknik bermain, tentang cara pengembangannya dan memperoleh keterampilan yang diperlukan untuk seorang pianis, ia menekankan di bagian ketiga karyanya bahwa semua ini hanyalah “sarana untuk mencapai tujuan seni yang sebenarnya, yang, tidak diragukan lagi, adalah untuk menampilkan jiwa dan semangat, dan dengan demikian mempengaruhi perasaan dan pikiran para pendengar.

Harus disimpulkan bahwa metode pengajaran abad ke-19 direduksi menjadi tugas-tugas teknis murni, yang didasarkan pada keinginan untuk mengembangkan kekuatan dan kefasihan jari melalui pelatihan berjam-jam. Bersamaan dengan ini, pada paruh pertama abad ke-19, pemain paling berbakat, kebanyakan siswa Clementi, Adam, Czerny, Field, dan guru luar biasa lainnya, yang telah mencapai keahlian tinggi, dengan berani mengembangkan teknik bermain piano baru, mencapai kekuatan suara instrumen, kecerahan, dan kecemerlangan bagian yang rumit. Yang sangat penting dalam tekstur karya mereka adalah konstruksi akord, oktaf, nada ganda, latihan, teknik perpindahan tangan, dan efek lain yang membutuhkan partisipasi seluruh tangan.

Paris abad ke-19 adalah pusatnya budaya musik, keterampilan virtuoso. Pencipta sekolah bermain piano Paris dipertimbangkan komposer, pianis, guru

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Dalam karyanya "Metode untuk mengajar piano dengan bantuan pegangan" (1830), penggunaan perangkat teknis untuk pengembangan berbagai jenis teknik (halus, peregangan otot, dll.) Dibuktikan. Fitur sekolah jenis ini - komunitas pedagogis otoriter instalasi. Pelatihan dimulai dengan pengembangan kesesuaian yang tepat untuk instrumen dan penguasaan formula teknis motorik yang paling sederhana, dan baru kemudian siswa mulai mempelajari karya musik.

Keinginan untuk keahlian menyebabkan pemaksaan kecepatan kelas, penyalahgunaan latihan mekanis, yang menyebabkan penyakit akibat kerja dan penurunan kontrol pendengaran.

Jerman abad ke-19 Pengaruh kegiatan kritis-sastra dan pedagogis terhadap estetika romantisme negeri ini sangat signifikan.

Robert Schumann (1810-1856)

tempat yang signifikan Dalam karya Robert Schumann, pengembangan pertanyaan tentang pembentukan musisi, seniman sejati dari tipe baru, yang secara fundamental berbeda dari virtuoso yang modis, ditempati. Komposer menganggap ini sebagai salah satu cara paling efektif untuk membangkitkan budaya musik.

Masalah pedagogi musik disinggung dalam karya R. Schumann "House and Life Rules for Musicians", "Supplement to the Album for Youth", dalam kata pengantar Etudes on the Caprices of Paganini op.Z. masalah musik dan pedagogis utama adalah sebagai berikut: interaksi pendidikan etis dan estetika , perolehan pengetahuan yang dalam dan serbaguna yang menjadi dasar pendidikan apa pun, perumusan prinsip-prinsip seni yang serius dan kritik terhadap arah salon dan hasrat untuk "teknik demi teknologi" dalam menyusun dan pentas seni; perjuangan melawan dilettantisme.

Pandangan musik dan pedagogis Schumann berfungsi dan menjadi dasar bagi yang maju teknik modern. Musik piano sang komposer masih aktif digunakan dalam kurikulum semua tingkatan hingga saat ini.

Mustahil untuk tidak mengatakan tentang komposer hebat dan pianis Polandia virtuoso

Fryderike Chopin (1810-1849)

Pada paruh pertama abad ke-19, Frederic Chopin menjadi komposer pertama yang menulis khusus untuk piano. Sebagai anak yang berbakat, Chopin menulis banyak karya piano yang indah dan rumit yang telah menyenangkan banyak siswa dan pemain piano selama bertahun-tahun. Chopin dengan cepat menaklukkan Paris. Dia langsung memukau penonton dengan penampilan yang aneh dan tidak biasa. Saat itu, Paris dibanjiri musisi dari seluruh dunia. Pianis virtuoso adalah yang paling populer. Permainan yang dibedakan oleh kesempurnaan teknis dan kecemerlangan, memukau penonton. Itulah mengapa penampilan konser pertama Chopin terdengar sangat kontras. Menurut memoar orang-orang sezaman, penampilannya secara mengejutkan spiritual dan puitis. Kenangan musisi Hungaria terkenal Franz Liszt tentang konser pertama Chopin telah dilestarikan. Pianis dan komposer yang juga memulai karirnya yang cemerlang: “Kami mengingat penampilan pertamanya di Hall of Pleyel, ketika tepuk tangan, yang meningkat dengan sepenuh hati, sepertinya tidak cukup untuk mengungkapkan antusiasme kami dalam menghadapi bakat, yang, seiring dengan inovasi-inovasi yang menggembirakan di bidang seninya, membuka babak baru dalam perkembangan rasa puitik. Chopin menaklukkan Paris, seperti Mozart dan Beethoven pernah menaklukkan Wina. Seperti Liszt, dia diakui sebagai pianis terbaik di dunia.

Komposer Hongaria, pianis, konduktor, guru

Franz Liszt (1811-1886)

Seusia dan teman F. Chopin. Guru piano Ferenc adalah K. Czerny.

Tampil di konser sejak usia sembilan tahun, Liszt pertama kali menjadi terkenal sebagai pianis virtuoso.

Pada tahun 1823-1835. dia tinggal dan mengadakan konser di Paris, di mana dia juga mengembangkan aktivitas pedagogis dan mengarangnya. Di sini sang musisi bertemu dan berteman dekat dengan G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand, dan tokoh seni dan sastra terkemuka lainnya.

Pada tahun 1835-1839. Liszt melakukan perjalanan melalui Swiss dan Italia dan selama periode ini menyempurnakan keahliannya sebagai pianis.

Dalam karya gubahannya, Liszt mengedepankan gagasan sintesis dari beberapa seni, terutama musik dan puisi. Karenanya prinsip utamanya - pemrograman (musik disusun untuk plot atau gambar tertentu). Hasil perjalanan ke Italia dan berkenalan dengan lukisan master Italia menjadi siklus piano"Bertahun-tahun mengembara", serta sonata fantasi "Setelah membaca Dante".

Franz Liszt juga memberikan kontribusi besar bagi perkembangan musik piano konser.

Budaya musik Rusia pada abad ke-19. tampaknya menjadi semacam "mesin waktu". Selama seratus tahun, Rusia telah melewati jalur tiga abad, yang tidak dapat dibandingkan dengan perkembangan sekolah komposer nasional yang mulus dan bertahap. negara-negara besar Eropa Barat. Dan hanya pada saat itulah para komposer Rusia berhasil menguasai akumulasi kekayaan seni rakyat dalam arti sebenarnya dan menghidupkan kembali pemikiran rakyat dalam bentuk yang indah dan sempurna. musik klasik.

Di akhir abad ke-18 - awal abad ke-19. pedagogi musik di Rusia mengambil langkah pertamanya: sekolah piano Rusia sedang dibentuk. Ini ditandai dengan pengembangan aktif metode pengajaran asing dan pada saat yang sama keinginan para guru Rusia tingkat lanjut untuk menciptakan sekolah pianisme nasional.

Tidak seperti Eropa Barat, Rusia tidak mengenal budaya clavier yang sangat berkembang, meskipun harpsichord telah dikenal sejak abad ke-16. Pendengar Rusia menunjukkan minat yang besar secara eksklusif musik vokal, dan instrumen keyboard yang ada di Rusia digunakan untuk mengiringi nyanyian dan tarian. Baru pada akhir abad ke-18. tumbuh minat belajar bermain clavier. Sekolah Clavier Simon Lelein, kutipan dari "Sekolah Clavier" oleh Daniel Gottlieb Türk diterbitkan dalam bahasa Rusia.

Pada awal abad ke-19, penerbitan risalah oleh Vincenzo Manfredini "Aturan harmonik dan melodi untuk pengajaran semua musik" sudah ada sejak lama. Bersamaan dengan ini, berbagai sekolah piano musisi asing diterbitkan dalam bahasa Rusia pada paruh pertama abad ke-19: Sekolah Piano M. Clementi (1816), Sekolah Piano Praktis Lengkap D. Steibelt (1830), F Günten (1838) dan lainnya .

Di antara musisi-guru terkemuka di paruh pertama abad ke-19. adalah I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gercke, Alexander Villuan.

Selama tahun-tahun ini, sekolah penulis Rusia juga lulus di Rusia, yang penyusunnya berusaha mendekatkan alat peraga untuk tugas mendidik musisi Rusia. Repertoar "Sekolah" oleh I. Prach (Ceko, nama asli Jan Bohumir, tahun lahir tidak diketahui, meninggal pada tahun 1818; komposer, yang bekerja lama di St. Petersburg sebagai guru musik di berbagai lembaga pendidikan) termasuk , misalnya, banyak karya penulis Rusia.

Dalam panduan asli I. Pracha"Sekolah Lengkap untuk Piano ..." (1806) memperhitungkan secara spesifik budaya pertunjukan Rusia; pertanyaan tentang pendidikan musik anak-anak diangkat. Prach memberikan kontribusi yang signifikan terhadap perkembangan pedagogi piano. Ini mengkonkretkan ketentuan teoretis berdasarkan pedoman metodologis yang menentukan berbagai metode pelaksanaan. (figurasi harmonik, arpeggio dan akord, oktaf rusak, dll.) dengan contoh yang mengilustrasikan teknik atau gerakan tertentu.

Aktivitas J. Lapangan sebagai musisi dan guru sangat penting bagi pedagogi piano Rusia. Dia membawa galaksi musisi terkenal, seperti M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke dan banyak lainnya. Sekolah lapangan, tentu saja, sangat penting. Dia dapat dianggap sebagai pendiri sekolah piano terkemuka. Di usia 20-30-an. abad ke-19 Dalam studinya, Field berusaha untuk menundukkan pekerjaan teknis untuk tujuan artistik: ekspresi ungkapan, finishing kerawang dari suara setiap nada, pengungkapan isi karya.

A.HenseltDanA.Gerke

Mereka mengajar di lembaga pendidikan umum dan di St. Petersburg Conservatory. Metode pedagogis mereka mencerminkan arah progresif sekolah piano Rusia, yaitu: pengembangan wawasan berdasarkan penggunaan repertoar yang luas, keinginan untuk mendidik kemandirian siswa. Mereka sangat menentang metode "pelatihan", "pengeboran".

A.Viluan adalah seorang pendidik progresif. Miliknya peran sejarah terletak pada kenyataan bahwa ia mengungkap bakat musik A. Rubinstein sang anak dan berhasil memberikan arah yang benar untuk perkembangannya. Aspek terbaik dari metode pedagogis Villuan, terwujud dalam dirinya kegiatan praktis, tercermin dalam "Sekolah" -nya (1863). Metode ekstraksi suara yang dia temukan - "bernyanyi" di atas piano - menjadi salah satu yang paling kuat sarana artistik A. Permainan Rubinstein. "Sekolah" mencakup sejumlah besar pengetahuan yang berkaitan dengan pelatihan teknis dan pendidikan musik seorang pianis. Yang sangat berharga adalah pandangan Villuan tentang pencapaian suara piano dalam yang merdu, tentang pengembangan legato, yang menggunakan teknik yang masuk akal yang tidak kehilangan signifikansinya bahkan hingga hari ini.

Dalam sejarah seni pra-revolusioner dan pasca-revolusioner Rusia, peran utamanya adalah Konservatorium St. Petersburg dan Moskow

pusat budaya musik terbesar di negara ini. Kegiatan kedua konservatori berkembang dalam kontak dekat, yang ditentukan tidak hanya oleh kesamaan tugas mereka, tetapi juga oleh fakta bahwa cukup sering murid Konservatorium St. Petersburg bekerja di Moskow, dan orang Moskow menjadi guru di St. Konservatori.

Jadi, P. I. Tchaikovsky lulus dari St. Petersburg Conservatory, kemudian menjadi salah satu profesor pertama di Moscow Conservatory; L. Nikolaev (siswa V. Safonov di Konservatorium Moskow) - kemudian menjadi salah satu perwakilan terkemuka sekolah piano di Leningrad; Siswa Nikolaev V. Sofronitsky dan M. Yudina bekerja di Moskow selama beberapa tahun.

Pendiri Konservatori St. Petersburg dan Moskow, saudara-saudara

anton dan nikolai rubinstein,

Selama bertahun-tahun memimpin konservatori, mereka meletakkan dasar fundamental untuk pelatihan musisi muda. Murid mereka (A. Siloti, E. Sauer - murid Nikolai; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drukker, I. Hoffman - murid Anton) menjadi anak sulung di galaksi pemain muda yang mendapat pengakuan dari komunitas musik dunia.

Melalui upaya Rubinstein bersaudara, pedagogi piano Rusia diperoleh pada sepertiga terakhir abad ke-19. prestise besar dan pengakuan internasional. Kepada merekalah Rusia berutang fakta bahwa ia telah mengambil salah satu tempat pertama dalam belajar bermain piano.

Dapat disimpulkan bahwa guru-musisi tingkat lanjut Eropa Barat dan Rusia abad ke-19 sedang mencari cara yang masuk akal dan orisinal untuk memengaruhi siswa. Mereka mencari cara efektif untuk merasionalisasi pekerjaan teknis. Secara kreatif menggunakan tradisi pembuatan musik clavier dan ide-ide yang berkembang di abad-abad sebelumnya tentang esensi proses pembentukan teknik pertunjukan pianis, metodologi abad ke-19. sampai pada pembenaran prinsip permainan yang bijaksana - penggunaan peralatan pianistik secara holistik. Pada abad ke-19 database etudes dan latihan yang benar-benar megah telah dibuat, yang hingga hari ini tetap sangat diperlukan dalam pengajaran piano.

Analisis materi musik menunjukkan bahwa penciptanya melekat dalam keinginan untuk mencari gerakan permainan alami, prinsip meraba yang terkait dengan fitur struktural tangan manusia.

Namun, perlu dicatat bahwa abad ke-19. memberi pedagogi musik dan pendidikan sistem ide-ide cemerlang yang menjanjikan dan, di atas segalanya, keinginan untuk mendidik musisi yang terpelajar melalui pengembangan bijaksana dari individualitas kreatifnya.

XXabad

20 abad - masa kejayaan seni piano. Periode ini luar biasa kaya akan pianis yang luar biasa berbakat dan luar biasa.

Pada awal abad ke-20 menjadi terkenal Hoffman Dan corto, Schnabel Dan Paderevsky. Dan tentu saja DENGAN. Rachmaninov, jenius Zaman Perak, yang menandai era baru tidak hanya dalam musik piano, tetapi juga dalam budaya dunia pada umumnya.

Paruh kedua abad ke-20 adalah era pianis terkenal seperti Svyatoslav Richter, Emil Gilel, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.Daftarnya terus…

Gaya pertunjukan abad ke-20

***

Ini adalah keinginan untuk pemahaman yang mendalam tentang teks musik, dan untuk transmisi yang tepat dari niat pencipta, dan memahami gaya dan sifat musik sebagai dasar untuk interpretasi realistis dari gambar artistik yang tertanam dalam karya tersebut.

***

Akhir abad ke-19 - awal abad ke-20 - periode yang sangat penting dalam sejarah budaya seni dunia. Konfrontasi antara budaya demokrasi massa, yang semakin aktif memasuki perjuangan untuk hak-hak sosial mereka, dan budaya elit borjuasi menjadi sangat parah.

Artis Utama saat ini mengenali ciri-ciri krisis dalam evolusi musik baru: "Kita hidup di masa ketika fondasi keberadaan manusia terguncang," bantah I.F. Stravinsky, manusia modern kehilangan rasa nilai dan stabilitas .... Karena jiwa itu sendiri sakit, musik di zaman kita, dan terutama apa yang diciptakannya, apa yang dianggapnya benar, disertai dengan tanda-tanda ketidakcukupan patologis. Pengakuan serupa terdengar lebih dari satu kali dari bibir musisi besar lainnya.

Namun, terlepas dari dampak krisis pada zaman itu, musik telah mencapai ketinggian baru yang cemerlang. Pedagogi piano telah diperkaya oleh banyak karya menarik. Perhatian para penulis karya yang diterbitkan diarahkan pada masalah penguasaan artistik siswa.

Guru Piano yang Luar Biasa G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Kogan metode yang dikembangkan untuk keberhasilan belajar siswa.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - pianis, guru, penulis musik. Pendiri sekolah piano Soviet terbesar. Semua yang dia tulis dipenuhi dengan kecintaan yang kuat pada seni, musik piano, dan pertunjukan.

Yang paling menarik bagi kami adalah buku berjudul "On the Art of Piano Playing".

Buku itu ditulis oleh bahasa kiasan, penuh dengan penilaian tentang banyak komposer, artis, dan guru. Ini menimbulkan masalah dan pertanyaan baru yang menjadi perhatian setiap pianis. Ada banyak halaman di dalamnya, yang bersifat otobiografi musik, yang didedikasikan untuk mengenang jalur kreatif mereka sendiri. Namun dalam improvisasi ini, pandangan penulis tentang seni piano dan tugas guru terlihat jelas. Dalam karyanya, Neuhaus menulis tentang citra artistik, ritme, suara, pengerjaan teknik, fingering dan pedalisasi, tentang tugas seorang guru dan siswa, dan tentang aktivitas konser seorang musisi.

Dengan sangat persuasif, dia menunjukkan bahwa apa yang disebut metodologi "buku teks", yang terutama memberikan resep - "aturan keras", meskipun itu benar dan terbukti, akan selalu hanya metodologi awal yang disederhanakan, terus-menerus membutuhkan pengembangan. , klarifikasi ketika berhadapan dengan kehidupan nyata, penambahan, atau, seperti yang dia katakan sendiri, "dalam transformasi dialektis." Dia dengan tajam dan temperamental menentang "metode pelatihan" dan "mengisap karya yang sama tanpa henti" dalam pekerjaan pedagogis, melawan posisi yang salah bahwa "mengarahkan dapat melakukan segalanya dengan siswa." Dia berusaha untuk menyelesaikan secara dialektis tidak hanya masalah pertunjukan musik umum, tetapi juga masalah teknis yang lebih sempit.

Mendefinisikan peran guru, Neuhaus percaya bahwa guru harus berusaha untuk tidak menjadi guru piano seperti guru musik.

Neuhaus memberikan perhatian khusus dalam karya pedagogisnya pada hubungan antara "musikal" dan "teknis". Karena itu, ia terutama berusaha mengatasi ketidakpastian teknis, kekakuan gerakan siswa di bidang pengaruh pada jiwa siswa, di jalur musik itu sendiri. Dia bertindak serupa ketika merekomendasikan kepada siswa metode bekerja di "tempat yang sulit". Menurutnya, segala sesuatu yang "sulit", "kompleks", "asing" harus, jika memungkinkan, direduksi menjadi lebih "mudah", "sederhana", "akrab"; pada saat yang sama, dia sangat menyarankan untuk tidak meninggalkan metode peningkatan kesulitan, karena dengan bantuan metode ini pemain memperoleh keterampilan itu, pengalaman itu, yang akan memungkinkan dia untuk menyelesaikan masalah sepenuhnya.

Akhirnya, Neuhaus berusaha dengan segala cara untuk membawa siswa lebih dekat ke musik, untuk mengungkapkan kepadanya isi dari karya yang ditampilkan, dan tidak hanya untuk menginspirasi dia dengan cara puitis yang hidup, tetapi juga untuk memberinya analisis rinci tentang bentuk tersebut. dan struktur karya - melodi, harmoni, ritme, polifoni, tekstur - singkatnya, mengungkapkan kepada siswa pola musik dan cara pelaksanaannya.

Berbicara tentang irama sebagai salah satu elemen terpenting yang membentuk proses pertunjukan, Neuhaus menekankan pentingnya "rasa keseluruhan", kemampuan untuk "berpikir panjang", yang tanpanya pianis tidak dapat memainkan karya besar apa pun secara memuaskan dalam hal bentuk. .

Penulis menganggap meremehkan suara (tidak cukup mendengarkan suara) dan penilaiannya yang berlebihan, yaitu, "menikmati keindahan sensualnya". Menempatkan pertanyaan ini seperti ini, Neuhaus mendefinisikan konsep keindahan suara dengan cara baru - tidak secara abstrak, terlepas dari gaya dan konten, tetapi menurunkannya dari pemahaman tentang gaya dan sifat musik yang dibawakan.

Pada saat yang sama, ia menekankan bahwa satu karya musik dan "kepercayaan diri musik" tidak menyelesaikan masalah penguasaan teknik piano. Latihan fisik juga diperlukan, hingga permainan yang lambat dan kuat. “Dalam pekerjaan seperti itu,” tambahnya, “aturan berikut harus diperhatikan: pastikan lengan, seluruh lengan, dari tangan hingga sendi bahu, benar-benar bebas, tidak “membeku” di mana pun, tidak dijepit, tidak "mengeras", tidak kehilangan potensi (!) fleksibilitasnya dengan tetap menjaga ketenangan total dan hanya menggunakan gerakan-gerakan yang "diperlukan" secara ketat.

Menentukan perspektif Anda main jari, Neuhaus menulis bahwa penjarian terbaik adalah yang memungkinkan Anda menyampaikan makna musik ini dengan lebih akurat. Fingering yang terkait dengan semangat, karakter, dan gaya musik pengarang, ia sebut sebagai yang paling indah dan estetis.

Dengan cara yang sama, Neuhaus mendefinisikan masalahnya mengayuh. Dia dengan tepat mengatakan bahwa aturan umum tentang cara mengayuh adalah pedalisasi artistik karena beberapa bagian sintaksis adalah bahasa penyair. Intinya, tidak ada pedal yang benar menurutnya. Pedal artistik tidak dapat dipisahkan dari gambar suara. Pemikiran ini didukung dalam buku dengan sejumlah contoh menarik, yang darinya jelas betapa pentingnya penulis melekat pada berbagai metode mengayuh.

Kami hanya dapat mengatakan bahwa Neuhaus menganggap teknik pianis sebagai sesuatu yang secara organik terkait dengan pemahaman musik dan aspirasi artistik. Faktanya, ini adalah dasar dari sekolah pertunjukan Soviet pada umumnya dan, khususnya, sekolah Neuhaus, yang mendidik pemain luar biasa seperti S. Richter, E. Gilels, J. Zak, dan banyak pianis luar biasa lainnya.

Kontribusi khusus untuk sekolah piano Soviet adalah artikel dan buku

Grigory Mikhailovich Kogan (1901-1979)

Dalam buku "At the gates of mastery" penulis berbicara tentang prasyarat psikologis untuk keberhasilan karya pianistik. Dalam karya ini, dia mengidentifikasi "tiga mata rantai utama": visi tujuan yang jelas, fokus pada tujuan ini, dan kemauan yang gigih untuk mencapainya. Dia dengan tepat mencatat bahwa kesimpulan ini bukanlah hal baru dan berlaku tidak hanya untuk pianis, tetapi untuk semua bidang seni dan aktivitas kerja manusia.

Dalam kata pengantar buku tersebut, ia berbicara tentang pentingnya jiwa pianis, tentang peran penyesuaian psikologis yang benar dalam karyanya, yang merupakan syarat penting untuk keberhasilan pelajaran. Topik ini sangat menarik tidak hanya untuk pemain, tetapi juga untuk guru, yang sangat bergantung pada pembentukan jiwa siswa dan penyesuaian psikologisnya.

Berbicara tentang tujuan, kemauan, perhatian, konsentrasi, pengendalian diri, imajinasi, dan elemen lain yang menentukan kesuksesan dalam karya seorang pianis, Kogan menambahkan kepada mereka kebutuhan akan hasrat yang kuat untuk mengekspresikan citra musik yang dikandung dan dicintai dalam cita-cita. membentuk. Dia memberikan perhatian khusus pada masalah "ketenangan kreatif" dan kegembiraan pemain sebelum pertunjukan dan selama pertunjukan di konser.

Mempertimbangkan berbagai tahapan karya pianis pada sebuah karya, Kogan mengkarakterisasi secara rinci tiga tahapan dari proses ini: 1) melihat dan mempratinjau, 2) mempelajari potongan-potongan, 3) "perakitan" karya sebagai tahap akhir.

Kogan secara khusus membahas pertanyaan tentang ungkapan, penjarian, tentang pengelompokan ulang teknis dan representasi mental dari kesulitan. Hampir semua yang dia analisis didasarkan pada prinsip pianistik Busoni.

Buku ini juga memuat analisis beberapa aspek seni pertunjukan, yang di dalamnya literatur metodis mendapat perhatian yang relatif kecil. Ini termasuk, misalnya, pertanyaan tentang subteks verbal dari berbagai episode di karya piano, yang dapat berfungsi sebagai "panduan intonasi tambahan" yang membuatnya lebih mudah untuk "menemukan distribusi alami pernapasan, "pengucapan" yang meyakinkan dari intonasi individu."

Setelah mempelajari warisan pedagogis Kogan, dapat disimpulkan bahwa karya-karya Kogan sebagian besar mencirikan fundamental pedoman metodologis sekolah pianistik Soviet modern dalam seni pertunjukan piano.

Salah satu pianis terhebat di awal abad kita, adalah kejayaan seni pertunjukan abad kedua puluh

Joseph Hoffman (1876-1957)

Nasib artis tur - sebuah fenomena yang dalam bentuk beradab melestarikan tradisi musisi keliling - untuk waktu yang lama menjadi nasib Hoffmann. Hoffmann juga terlibat dalam aktivitas pedagogis, tetapi tidak secemerlang pertunjukan.

Hoffmann sangat mementingkan periode studi. Kebutuhan akan seorang Guru, kebutuhan untuk mempercayainya, pentingnya pembentukan seorang pemain - inilah motif yang berulang kali muncul di halaman buku Hoffmann. Hoffmann sendiri beruntung dengan gurunya - mereka adalah pianis dan komposer terkenal Moritz Moszkowski (penulis studi virtuoso brilian dan karya salon) dan Anton Rubinstein yang terkenal, pertemuan yang menjadi salah satu acara utama dalam kehidupan kreatif Hoffmann.

Peristiwa penting lainnya dalam kehidupan Hoffmann, yang secara radikal memengaruhi takdir kreatifnya, cara berpikirnya, cara hidupnya, adalah pindah ke Amerika (dan kemudian - adopsi kewarganegaraan Amerika). Oleh karena itu - pandangan hidup yang bijaksana dan praktis, pendekatan bisnis untuk masalah apa pun, termasuk masalah kreatif; kepraktisan murni Amerika ini terlihat baik dalam buku maupun artikel.

Dalam bukunya tahun 1914, Piano Playing Answers to Questions About Piano Playing, penting bagi Hoffmann untuk menguraikan prinsip-prinsip umum yang berkontribusi pada permainan piano yang baik. Dia menyoroti keunggulan kelas di pagi hari. Ia menyarankan untuk tidak belajar lebih dari satu jam, paling banyak dua jam berturut-turut. Semuanya harus bergantung pada kondisi fisik. Dia juga menyarankan untuk mengubah waktu dan urutan karya yang dipelajari. Perhatian pianis tertuju pada diskusi tentang "teknologi" permainan piano, yang dia pahami dengan cemerlang. Hoffman menganggap bekerja tanpa instrumen (juga dengan dan tanpa catatan) menjadi penting.

Yang paling penting adalah pemikiran Hoffmann tentang "teknik mental" - kebutuhan untuk memulai analisis sebuah lakon dengan analisis bentuk dan tekstur; selanjutnya, dalam proses penguraian, setiap bagian "harus dipersiapkan secara mental dengan sempurna sebelum diuji pada piano".

Hoffmann, sangat modern dalam banyak fitur gaya. Itu dekat dengan kita dengan kepraktisannya - semuanya pada intinya, tidak ada yang berlebihan.

Jenius Zaman Perak, pianis hebat, komposer, konduktor

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

Mulai mempelajari musik secara sistematis pada usia lima tahun usia. Pada tahun 1882, Sergei memasuki St. Petersburg konservatori. Pada tahun 1885 ia pindah ke Moskow dan menjadi mahasiswa di Moscow Conservatory, tempat ia belajar pertama kali dengan pianis-guru terkenal N. S. Zverev (yang muridnya juga komposer dan pianis Rusia Alexander Nikolaevich Skryabin), dan sejak 1888 - dengan pianis dan konduktor Alexander Ilyich Siloti (piano); komposer, pianis dan konduktor Anton Stepanovich Arensky (komposisi, instrumentasi, harmoni); komposer, pianis dan tokoh musik dan publik Sergei Ivanovich Taneyev (tandingan dari penulisan ketat).

Rachmaninoff adalah salah satu musisi terhebat pada pergantian abad ke-19 dan ke-20. Karya seninya dibedakan oleh kejujuran hidup, orientasi demokratis, ketulusan, dan kelengkapan emosional dari ekspresi artistik. Rachmaninoff mengikuti tradisi musik klasik terbaik, khususnya Rusia. Dia adalah penyanyi yang penuh perasaan dari sifat Rusia.

Dorongan yang penuh gairah dari protes yang tidak dapat didamaikan dan kontemplasi yang tenang, kewaspadaan yang bergetar dan tekad yang kuat, tragedi yang suram, dan himne yang antusias hidup berdampingan dengan erat dalam komposisinya. Musik Rachmaninov, yang memiliki kekayaan melodi dan sub-suara-polifonik yang tiada habisnya, menyerap sumber lagu rakyat Rusia dan beberapa ciri nyanyian Znamenny. Salah satu fondasi asli gaya musik Rachmaninov - kombinasi organik dari keluasan dan kebebasan pernapasan melodi dengan energi ritmis. Tema tanah air, sentral kreativitas yang matang Rachmaninov. Nama Rachmaninov sebagai pianis setara dengan nama F. Liszt dan A. G. Rubinstein. Teknik fenomenal, kedalaman nada yang merdu, ritme yang luwes dan angkuh sepenuhnya mengikuti permainan Rachmaninov.

Ketenaran Rachmaninoff sang pianis cukup hebat, dan segera menjadi benar-benar legendaris. Interpretasinya atas musiknya sendiri dan karya komposer romantis - Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt menikmati kesuksesan tertentu. Aktivitas konser Rachmaninoff sebagai pissist virtuoso pengembara di kota dan negara terus berlanjut tanpa henti selama hampir 25 tahun.

Di Amerika, di mana, secara kebetulan, dia pindah untuk tinggal, dia mencapai kesuksesan luar biasa yang pernah menemani artis asing di sini. Pendengar tidak hanya tertarik oleh keterampilan pertunjukan tinggi Rachmaninoff, tetapi juga oleh cara permainannya dan asketisme eksternal, di baliknya tersembunyi sifat brilian dari musisi yang brilian. “Seseorang yang mampu mengungkapkan perasaannya sedemikian rupa dan dengan kekuatan seperti itu pertama-tama harus belajar menguasainya dengan sempurna, menjadi tuannya ...” - ditulis di salah satu ulasan.

Rekaman gramofon dari permainan Rachmaninov memberikan gambaran tentang teknik fenomenalnya, rasa bentuk, dan sikapnya yang sangat bertanggung jawab terhadap detail. Pianisme Rachmaninov memengaruhi penampilan master piano yang luar biasa seperti Vladimir Vladimirovich Sofronitsky, Vladimir Samoilovich Horowitz, Svyatoslav Teofilovich Richter, Emil Grigorievich Gilels.

Pianis Amerika - virtuoso asal Ukraina-Yahudi, salah satu pianis terbesar abad kedua puluh

Vladimir Samoilovich Horowitz

(1903-1989)

Lahir di Rusia sejak 1928 di AS. Perwakilan dari gaya pertunjukan romantis (karya F. Liszt, termasuk dalam transkripsinya sendiri, Fryderyk Chopin, komposer Rusia, dll.).

Vladimir Horowitz belajar dengan V. Pukhalsky, S. V. Tarnovsky dan F. M. Blumenfeld di Sekolah Musik Kiev, diubah pada September 1913 menjadi Konservatorium Kyiv. Setelah lulus pada tahun 1920, V. Horowitz tidak menerima ijazah, karena tidak memiliki sertifikat kelulusan dari gimnasium. Dia melakukan konser solo pertamanya di Kharkov pada tahun 1920 (tetapi konser publik pertama yang didokumentasikan berlangsung pada bulan Desember 1921 di Kyiv). Kemudian dia mengadakan konser di berbagai kota di Rusia bersama dengan seorang pemuda Odessan - pemain biola Natan Milshtein, di mana dia lebih sering dibayar dengan roti daripada uang, karena situasi ekonomi yang sulit di negara tersebut.

Sejak 1922, Horowitz, mengadakan konser di kota-kota Rusia, Ukraina, Georgia, Armenia, telah mengumpulkan repertoar yang sangat besar dalam hal volume. Jadi, misalnya, dalam tiga bulan (November 1924 - Januari 1925) ia membawakan lebih dari 150 karya dalam "seri Leningrad" yang terkenal, yang terdiri dari 20 konser. Terlepas dari kesuksesan awalnya sebagai pianis, Horowitz mengklaim bahwa dia ingin menjadi seorang komposer, tetapi memilih karier sebagai pianis untuk membantu sebuah keluarga yang kehilangan semua kekayaan mereka selama Revolusi 1917. Keberhasilan "anak-anak Revolusi" (sebagaimana Lunacharsky menyebut mereka di salah satu artikelnya) sangat luar biasa. Klub pengagum musisi muda ini bermunculan di banyak kota.

Pada bulan September 1925, Vladimir Horowitz mendapat kesempatan untuk berangkat ke Jerman (secara resmi ia berangkat untuk belajar). Sebelum pergi, dia belajar dan memainkan konser pertama P. I. Tchaikovsky di Leningrad. Berkat karya ini, ia menjadi terkenal di Eropa. Konser ini memainkan peran "fatal" dalam kehidupan pianis: setiap kali, meraih kemenangan di negara-negara Eropa dan Amerika, Horowitz menampilkan dengan tepat konser pertama P. I. Tchaikovsky. Mengikuti sang pianis, Milstein juga berangkat ke Jerman pada Desember 1925. Di Eropa, kedua musisi dengan cepat mendapatkan ketenaran sebagai virtuoso yang brilian. Horowitz dipilih oleh otoritas Soviet untuk mewakili Ukraina pada Kompetisi Chopin Internasional perdana pada tahun 1927, tetapi pianis tersebut memutuskan untuk tetap tinggal di Barat dan karena itu tidak berpartisipasi dalam kompetisi tersebut. Hingga tahun 1940, ia melakukan perjalanan dengan konser ke hampir semua negara di Eropa dan di mana-mana sukses luar biasa. Di Paris, saat V. Horowitz bermain, polisi dipanggil untuk menenangkan penonton, yang memecahkan kursi dalam ekstasi. Pada tahun 1928, Vladimir Horowitz tampil gemilang di Carnegie Hall di New York dan melakukan perjalanan ke banyak kota di Amerika dengan sukses besar.

Pianis Rusia dengan akar bahasa Jerman

Svyatoslav Teofilovich Richter

(1915 – 1997)

Dia menghabiskan masa kecil dan masa mudanya di Odessa, di mana dia belajar dengan ayahnya, seorang pianis dan organis yang dididik di Wina, dan bekerja sebagai pengiring di gedung opera. Dia memberikan konser pertamanya pada tahun 1934. Pada usia 22 tahun, secara formal belajar sendiri, dia masuk ke Konservatorium Moskow, tempat dia belajar dengan Heinrich Neuhaus. Pada tahun 1940 ia membuat penampilan publik pertamanya di Moskow, menampilkan Sonata ke-6 Prokofiev; kemudian menjadi penampil pertama sonata ke-7 dan ke-9 (yang terakhir didedikasikan untuk Richter). Pada tahun 1945 ia memenangkan kompetisi musisi pertunjukan All-Union.

Sejak langkah pertama di bidang profesional, dia dianggap sebagai seorang virtuoso dan musisi dengan skala yang luar biasa.

Selama beberapa generasi musisi dan pecinta musik Soviet dan Rusia, Richter bukan hanya seorang pianis yang luar biasa, tetapi juga pembawa otoritas artistik dan moral tertinggi, personifikasi dari pendidik-musisi universal modern. Repertoar Richter yang luas, yang berkembang hingga tahun-tahun terakhir kehidupan aktifnya, termasuk musik dari era yang berbeda, dari Well-Tempered Clavier Bach dan suite Handel hingga Gershwin's Concerto, Webern's Variations, dan Stravinsky's Movements.

Di semua bidang repertoar, Richter membuktikan dirinya sebagai seniman yang unik, menggabungkan objektivitas absolut dari pendekatan teks musik (kepatuhan yang cermat pada instruksi penulis, kontrol percaya diri atas detail, menghindari retorika berlebihan) dengan nada dramatis yang luar biasa tinggi dan konsentrasi spiritual interpretasi.

Rasa tanggung jawab Richter yang tinggi terhadap seni dan kemampuan untuk menyerahkan dirinya diwujudkan dalam komitmen khususnya pada pertunjukan ansambel. Pada tahap awal karir Richter, mitra ansambel utamanya adalah pianis Anatoly Vedernikov, murid Neuhaus, penyanyi Nina Dorliak (sopran, istri Richter), pemain biola Galina Barinova, pemain cello Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich (sempurna mereka, kolaborasi yang benar-benar klasik - semuanya sonata cello oleh Beethoven). Pada tahun 1966, komunitas Richter dan David Oistrakh dimulai; pada tahun 1969 mereka menayangkan Violin Sonata karya Shostakovich. Richter sering menjadi mitra Kuartet. Borodin dan rela berkolaborasi dengan musisi generasi yang lebih muda, termasuk dengan Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kochis, pianis Vasily Lobanov dan Andrey Gavrilov. Seni Richter sebagai pemain solo dan ansambel diabadikan dalam sejumlah besar rekaman studio dan live.

Pianis Soviet, Artis Rakyat Uni Soviet

Emil Grigoryevich Gilels (1916-1985)

Emil mulai bermain piano pada usia lima setengah tahun, guru pertamanya adalah Yakov Tkach. Setelah dengan cepat mencapai kesuksesan yang signifikan, Gilels tampil pertama kali di depan umum pada Mei 1929, membawakan karya Liszt, Chopin, Scarlatti, dan komposer lainnya. Pada tahun 1930, Gilels memasuki Institut Musik Odessa (sekarang Konservatorium Odessa).

Dan tahun berikutnya dia memenangkan Kompetisi Piano Seluruh Ukraina, dan setahun kemudian dia bertemu Arthur Rubinstein, yang menyetujui penampilannya.

Ketenaran datang ke musisi setelah kemenangannya pada tahun 1933 di Kompetisi Musisi Pertunjukan All-Union Pertama, yang diikuti oleh banyak konser di seluruh Uni Soviet. Setelah lulus dari Konservatorium Odessa pada tahun 1935, Gilels masuk sekolah pascasarjana Konservatorium Moskow di kelas Heinrich Neuhaus.

Pada paruh kedua tahun 1930-an, pianis mencapai kesuksesan internasional yang besar: dia menempati posisi kedua di kompetisi internasional di Wina (1936), hanya kalah dari Jacob Flier, dan dua tahun kemudian dia membalas dendam darinya, memenangkan Kompetisi Isaiah di Brussel, di mana Flier tetap berada di tempat ketiga. Kembali ke Moskow, Gilels mulai mengajar di konservatori sebagai asisten Neuhaus.

Selama tahun-tahun perang, Gilels berpartisipasi dalam pekerjaan perlindungan militer, pada musim gugur 1943 ia mengadakan konser di Leningrad yang terkepung, setelah perang berakhir ia kembali ke konser aktif dan kegiatan mengajar. Dia sering tampil dengan adik perempuannya, pemain biola Elizaveta Gilels, serta dengan Yakov Zak. Pada tahun 1950] ia membentuk trio piano dengan Leonid Kogan (biola) dan Mstislav Rostropovich (cello), dan pada tahun 1945 ia mengadakan konser di luar negeri untuk pertama kalinya (menjadi salah satu musisi Soviet pertama yang diizinkan melakukannya), melakukan tur di Italia, Swiss, Prancis, dan negara-negara Skandinavia. Pada tahun 1954 dia adalah musisi Soviet pertama yang tampil di aula Pleyel di Paris. Pada tahun 1955, pianis tersebut menjadi musisi Soviet pertama yang mengadakan konser di Amerika Serikat, di mana ia membawakan Konserto Piano Pertama Tchaikovsky dan Konserto Ketiga Rachmaninoff dengan Orkestra Philadelphia yang dipimpin oleh Eugene Ormandy, dan segera memberikan resital di Carnegie Hall, yang merupakan sukses besar. Pada 1960-an dan 1970-an, Gilels adalah salah satu musisi Soviet yang paling dicari di dunia, menghabiskan sekitar sembilan bulan setahun untuk konser dan tur ke luar negeri.

Sebagai kesimpulan, saya ingin mencatat bahwa prinsip-prinsip metodologis dan buku-buku dari perwakilan paling menonjol dari pianisme Soviet menunjukkan bahwa pandangan para musisi ini, untuk semua individualitas pendekatan mereka terhadap permainan piano dan pedagogi, memiliki banyak kesamaan. Ini adalah keinginan untuk pemahaman yang mendalam tentang teks musik, dan untuk transfer yang tepat dari niat pencipta, dan memahami gaya dan sifat musik sebagai dasar untuk interpretasi realistis dari gambar artistik yang tertanam dalam karya tersebut.

Khas dalam hal ini adalah salah satu pernyataan G.G. Neuhaus: "Kita semua berbicara tentang hal yang sama, tetapi dengan kata-kata yang berbeda." Ini biasa dan menentukan prinsip sekolah pianistik Soviet, yang membesarkan pianis hebat dan guru luar biasa.

XXIabad

Apa itu dan apa yang menjadi piano pentas seni sepanjang abad ke-20?

Apa yang baru di awal XXI abad?

Bagaimana kebiasaan bermain piano sekarang, di dekade kedua abad ke-21?

Gaya pertunjukan abad ke-21

***

Pada awal abad ke-21, dua bidang utama pertunjukan musik terus ada - keahlian transendental dan interpretasi yang bermakna. Pada akhir abad ke-20, wilayah-wilayah ini menjadi semakin terkonsentrasi, memisahkan diri satu sama lain. Namun, fenomena baru muncul ketika pianis dapat secara bersamaan menyajikan arus seni pertunjukan yang satu dan yang lainnya.

***

Tradisi pertunjukan dipengaruhi oleh kompetisi total, Dalam hal ini, tingkat kompetitif yang luar biasa dari pertunjukan karya musik menjadi pola yang semakin akrab untuk diikuti, termasuk di panggung konser.

Cita-cita rekaman suara dan tingkat penampilan yang kompetitif, yang memengaruhi tradisi konser, membutuhkan peningkatan kualitas permainan piano yang signifikan. Setiap karya program, dan bukan hanya encore, harus terdengar pada level mahakarya seni pertunjukan. Apa yang mungkin terjadi di studio karena rekayasa suara dan pengeditan komputer dari beberapa opsi pertunjukan, harus terjadi di atas panggung saat ini, di sini dan sekarang.

Kompetisi dan festival internasional berkontribusi pada globalisasi seni piano.

Kami paling sering mengetahui nama mereka setelah kompetisi P.I. Tchaikovsky. Kompetisi ini membawa ketenaran bagi pianis seperti: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhania Aubakirova...

Pianis Amerika yang menaklukkan hati Rusia

Pemenang pertama Kompetisi Tchaikovsky Internasional (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Pianis Amerika Van Cliburn (alias Harvey Levan Clyburn) mungkin adalah musisi asing yang paling dicintai di negara kita. Publik Rusialah yang pertama kali mengapresiasi keterampilan tampil Van Cliburn, setelah berkunjung ke Rusia ia menjadi musisi terkenal dunia.

Dia menerima pelajaran piano pertamanya pada usia tiga tahun pada ibunya. Ketika Cliburn berusia enam tahun, keluarganya pindah ke Texas, di mana dia memenangkan kompetisi pada usia tiga belas tahun, dan segera memulai debutnya di Carnegie Hall.

Pada tahun 1951 ia masuk ke Juilliard School, di kelas Rosina Levina, dan di tahun-tahun mendatang ia menerima sejumlah penghargaan di kompetisi Amerika dan internasional yang bergengsi.

Nama Cliburn mendapatkan ketenaran dunia setelah kemenangan sensasional di Kompetisi Tchaikovsky Internasional pertama di Moskow pada tahun 1958. Pianis muda itu memenangkan simpati baik dari anggota juri maupun publik. Ini semakin mengejutkan mengingat aksi tersebut terjadi pada puncak Perang Dingin. Sekembalinya ke tanah airnya, Cliburn mendapat sambutan antusias yang luar biasa. Musisi itu dijiwai dengan cinta dan rasa hormat terhadap Uni Soviet, dan setelah kompetisi ia berulang kali datang dengan konser.

Van Cliburn melakukan tur baik di negara asalnya maupun di luar negeri. Dia telah berbicara dengan keluarga kerajaan dan kepala negara, dengan semua presiden AS. Ia menjadi penampil pertama musik klasik - pemilik album platinum. Lebih dari satu juta eksemplar penampilan Tchaikovsky's First Piano Concerto telah terjual.

Kompetisi Piano Van Cliburn telah diadakan di Fort Worth, Texas sejak tahun 1962.

pianis Rusia, guru musik, tokoh masyarakat

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

Bakat musik Vladimir Krainev memanifestasikan dirinya di sekolah musik khusus menengah di Kharkov, yang ia masuki pada usia 5 tahun. Dua tahun kemudian, penampilan pertamanya di panggung besar berlangsung - bersama dengan orkestra, dia menampilkan konser Haydn dan Konser Pertama Beethoven.

Dengan dukungan para guru Kharkov, Krainev memasuki Pusat Moskow sekolah musik di konservatori Tchaikovsky di kelas Anaida Sumbatyan. Pada tahun 1962 ia memasuki Conservatory. Tchaikovsky di kelas Heinrich Neuhaus, dan setelah kematiannya dia belajar dengan putranya Stanislav Neuhaus, dari siapa dia juga menyelesaikan studi pascasarjana pada tahun 1969.

Pengakuan dunia datang ke Vladimir Krainev pada awal 1960-an, ketika ia memenangkan hadiah utama di kompetisi internasional besar di Leeds (Inggris Raya, 1963) dan Lisbon (Portugal, 1964). Usai tampil di Leeds, pianis muda itu mendapat undangan untuk berkeliling Amerika Serikat. Pada tahun 1970, ia meraih kemenangan gemilang di Kompetisi Internasional IV yang dinamai P.I. Tchaikovsky di Moskow.

Sejak 1966, Vladimir Krainev telah menjadi solois dari Moscow State Philharmonic. Sejak 1987 - profesor di Moscow Conservatory. Sejak 1992 - profesor di Sekolah Tinggi Musik dan Teater di Hannover (Jerman).

Vladimir Krainev melakukan tur secara ekstensif di Eropa dan Amerika Serikat, tampil dengan konduktor luar biasa seperti Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondeckis.

Krainev adalah penyelenggara festival "Undangan Vladimir Krainev" di Ukraina dan Kompetisi Internasional untuk Pianis Muda di Kharkov (sejak 1992), dinamai menurut namanya.

Pada tahun 1994, pianis tersebut mendirikan International Charitable Foundation for Young Pianists. Yayasan memberikan bantuan dan dukungan kepada musisi profesional masa depan, menciptakan kondisi untuk kreativitas mereka di Rusia dan luar negeri, menyelenggarakan tur dan konser untuk musisi muda, dan mendukung institusi pendidikan budaya dan seni.

Konduktor dan pianis terkenal, Artis Rakyat RSFSR, pendiri dan pemimpin dari 1990 hingga 1999 dan dari 2003 hingga sekarang Orkestra Nasional Rusia. Pemenang medali emas di Kompetisi Tchaikovsky Internasional pada tahun 1978 dan Penghargaan Grammy pada tahun 2004.

Mikhail Vasilyevich Pletnev lahir di1957

Pletnev menghabiskan masa kecilnya di Saratov dan Kazan, sejak usia 7 tahun ia mulai bersekolah di sekolah musik di Kazan Conservatory di kelas piano. Sejak usia 13 tahun ia belajar di Sekolah Musik Pusat di Moscow Tchaikovsky Conservatory. Pada tahun 1973, Pletnev yang berusia 16 tahun memenangkan Grand Prix di Kompetisi Pemuda Internasional di Paris dan tahun berikutnya memasuki Konservatorium Moskow, belajar di bawah profesor Yakov Flier dan Lev Vlasenko.

Pada tahun 1977, Pletnev memenangkan hadiah pertama di Kompetisi Piano All-Union di Leningrad, dan pada tahun 1978 ia memenangkan medali emas dan hadiah pertama di Kompetisi Tchaikovsky Internasional Moskow. Pada 1979, Pletnev lulus dari konservatori, dan pada 1981 - studi pascasarjana, setelah itu ia menjadi asisten Vlasenko, kemudian mulai mengajar di kelas pianonya sendiri.

Menjadi solois Konser Negara pada tahun 1981, Pletnev mendapatkan ketenaran sebagai pianis virtuoso, pers mencatat interpretasinya atas karya Tchaikovsky, tetapi juga penampilan Bach, Beethoven, Rachmaninoff, dan komposer lainnya. Pletnev berkolaborasi dengan konduktor terkenal seperti Vladimir Ashkenazy, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai, dan orkestra simfoni paling terkenal di dunia, termasuk London Symphony dan Los Angeles Philharmonic.

Pada tahun 1980, Pletnev memulai debutnya sebagai konduktor, dan sepuluh tahun kemudian, pada tahun 1990, ia menciptakan Orkestra Simfoni Nasional Rusia yang independen (kemudian berganti nama menjadi Orkestra Simfoni Nasional Rusia, RNO) dengan mengorbankan sumbangan asing dan hingga tahun 1999 adalah artistiknya. direktur, kepala konduktor dan dana presiden. Pada tahun 2008, Pletnev menjadi konduktor tamu di Orkestra Simfoni Swiss Italia (Orkestra della Svizzera italiana). Pada tahun 2006, Pletnev menciptakan Dana Dukungan Budaya nasional. Dari 2006 hingga 2010, Pletnev menjadi anggota Dewan di bawah Presiden Federasi Rusia untuk Kebudayaan dan Seni, dan dari 2007 hingga 2009 ia menjadi anggota Komisi Federasi Rusia untuk UNESCO.

Pianis Kazakh, guru, profesor dan rektor Konservatorium Nasional Kurmangazy Kazakh,

Artis Rakyat Kazakhstan, pemenang kompetisi internasional, profesor

Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova lahir pada tahun 1957

Lulus dari Alma-Ata State Conservatory. Kurmangazy, Konservatorium Negara Moskow. P. I. Tchaikovsky dan studi pascasarjana (dengan Profesor L. N. Vlasenko).

Sejak 1979 - pemimpin konser Negara teater akademik opera dan balet Abai dan seorang asisten peserta pelatihan di Moscow State Conservatory dinamai A. P.I. Tchaikovsky. 1981 - guru senior, profesor asosiasi, kepala departemen piano khusus di Alma-Ata State Conservatory. Kurmangazy. Sejak 1983 ia telah menjadi solois dari Kazakh State Philharmonic. Jambula. Sejak 1993 - Profesor dari Almaty State Conservatory dinamai. Kurmangazy. 1994 - "Sekolah Penulis Zhania Aubakirova" didirikan, mengerjakan metode dan teknologi pendidikan modern. Sejak 1997 - rektor Konservatorium Nasional Kazakh dinamai Kurmangazy. Di bawah kepemimpinannya, konservatori menjadi universitas musik terkemuka di negara itu dan pusat budaya dan pendidikan republik, dan pada tahun 2001 dianugerahi status Nasional.

1998 - Atas prakarsa Zhania Aubakirova, agensi musik Klasik diselenggarakan, yang mengadakan Musim Kazakh di Prancis dengan sukses besar, menyelenggarakan konser di lebih dari 18 negara, merekam lebih dari 30 CD, lebih dari 20 film musikal tentang pemain Kazakstan. 2009 - pada bulan November, Orkestra Simfoni Pelajar dari Konservatorium Nasional Kazakh dinamai menurut namanya. Kurmangazy melakukan tur berlima kota-kota besar AS: Los Angeles, San Francisco, Washington DC, Boston, dan New York. Musisi muda, bersama dengan rektornya, Artis Rakyat Republik Kazakhstan Zhania Aubakirova, tampil di aula paling terkenal di dunia - Kennedy Center dan Carnegie Hall.

Konser dan pertunjukan tunggal oleh Zhania Aubakirova dengan orkestra terkenal, mempromosikan musik klasik dunia dan karya komposer Kazakh, diadakan secara rutin di Kazakhstan, ruang konser terbesar di Prancis, Inggris, Jerman, Jepang, Rusia, Polandia, Italia, AS, Israel, Yunani, Hungaria. Aula besar Konservatorium Tchaikovsky Moskow dan St. Petersburg Philharmonic, Rumah Musik Moskow.

Pianis kontemporer yang luar biasa

Boris Berezovskylahir pada tahun 1969

Dia memasuki Moscow Conservatory di kelas pianis luar biasa Eliso Virsaladze. Setelah beberapa waktu, Berezovsky menjadi "sempit" di kelas Eliso Virsaladze, di mana hanya repertoar tradisional yang dimainkan, jadi dia mulai mengambil pelajaran privat dari Alexander Sats. Sats membuka cakrawala baru musik klasik Rusia untuk Boris Berezovsky. Bersamanya, Berezovsky mulai memainkan Medtner, banyak Rachmaninoff, dan banyak lainnya. Tetapi Boris Berezovsky tidak pernah berhasil menyelesaikan studinya di Moscow Conservatory, ia dikeluarkan karena mengikuti Kompetisi Tchaikovsky selama ujian akhir. Tetapi keadaan ini tidak mencegahnya untuk menjadi pemain paling virtuoso dan paling dicari di zaman kita.

Selama lebih dari satu dekade, Boris Berezovsky telah tampil dengan orkestra paling terkenal di dunia: Orkestra BBC, Orkestra Philharmonic London dan New York, Orkestra Philharmonic Jepang Baru, Orkestra Simfoni Birmingham dan Philadelphia. Berezovsky terus-menerus mengambil bagian dalam berbagai festival musik kamar, dan miliknya konser solo dapat didengar di Berlin dan New York, Amsterdam dan London. Lancar berbahasa Inggris dan Prancis.

Pianis memiliki diskografi yang cukup luas. Rekaman terbaru dari konsernya mendapat rating tertinggi dari para kritikus. Penghargaan Asosiasi Rekaman Jerman penghargaan tinggi sonata oleh Rachmaninoff, ditafsirkan oleh Boris Berezovsky. Rekaman karya Ravel masuk tangga lagu klasik Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, Independent.

Boris Berezovsky adalah pemenang medali emas di Kompetisi Tchaikovsky Internasional ke-9, ia disebut "Richter baru", suara Berezovsky, dengan pianissimo transparan dan spektrum warna dinamis yang kaya, diakui sebagai yang paling sempurna di antara pianis di generasinya . Saat ini, Boris Berezovsky semakin sering terdengar di panggung konser besar di Rusia.

Salah satu artis yang terinspirasi dan cerdas, Rusia pianis , guru, solois Philharmonic Negara Bagian Moskow , Artis Rakyat Rusia

NikolathLvó HIVpadang rumput́ nsky lahir di1972

Permainannya berhasil menyerap semua yang terbaik yang dapat ditawarkan oleh sekolah musik pusat dan konservatori di Moskow.

Penerjemah yang terinspirasi ini, yang memiliki teknik bermain yang brilian, sekarang memiliki bakat langka untuk pendekatan kreatif terhadap materi, salah satu dari sedikit, ia mampu menghadirkan percikan Tuhan ke dunia dalam karya Beethoven, untuk mengungkapkan "suara inferal" yang langka. " dari Mozart, untuk memainkan materi yang layak sehingga penonton yang letih menemukan kembali ribuan kali memainkan melodi dalam inkarnasi yang sama sekali berbeda.

Sekarang di Rusia banyak profesional yang bisa menunjukkan kelas tinggi. Namun, tidak kalah dengan rekan-rekan terkemuka, Lugansky tetap menjadi fenomena unik dalam musik Rusia.

Anda dapat memainkan klasik dengan cara yang berbeda: setiap sekolah - Prancis, Jerman, Italia - menawarkan solusinya sendiri untuk tugas tinggi dari suara yang unik.

Tetapi pianis virtuoso mana pun "menciptakan karya klasiknya sendiri", yang merupakan bukti kejeniusan. Di awal karir musiknya, Nikolai Lugansky disebut sebagai "pianis Richter", kemudian mereka juga dibandingkan dengan Alfred Cortot.

Nikolai Lugansky tetap menjadi fenomena unik dalam musik Rusia.

Pianis Rusia terkenal, musisi klasik

Evgeny Igryevich Kissin lahir pada tahun 1971

Pada usia 6 tahun ia masuk ke Sekolah Musik Gnessin. Guru pertama dan satu-satunya adalah Anna Pavlovna Kantor.

Awalnya, sebagai anak ajaib, ia tampil dengan nama Zhenya Kissin. Pada usia 10 tahun, dia tampil untuk pertama kalinya dengan sebuah orkestra, membawakan konser ke-20 Mozart. Setahun kemudian, dia memberikan konser solo pertamanya. Pada tahun 1984 (pada usia 12 tahun) ia menampilkan Konser Piano Chopin 1 dan 2 di Aula Besar Konservatorium Moskow.

Pada tahun 1985, Evgeny Kissin pergi ke luar negeri untuk pertama kalinya dengan konser, pada tahun 1987 ia memulai debutnya di Eropa Barat di Festival Berlin. Pada tahun 1988 ia tampil bersama Herbert von Karajan di Konser Tahun Baru Berlin Philharmonic Orchestra, membawakan Konserto Pertama Tchaikovsky.

Pada bulan September 1990, Kissin melakukan debutnya di AS, di mana dia membawakan konser Chopin 1 dan 2 dengan New York. Orkestra Philharmonic disutradarai oleh Zubin Mehta. Seminggu kemudian, musisi mengadakan konser solo di Carnegie Hall. Pada bulan Februari 1992, Kissin mengambil bagian dalam upacara Penghargaan Grammy di New York, disiarkan di televisi kepada penonton, menurut perkiraan, satu miliar enam ratus juta penonton. Pada Agustus 1997, dia memberikan resital di festival Prom di Albert Hall London, malam piano pertama dalam sejarah festival selama lebih dari 100 tahun.

Kissin melakukan aktivitas konser intensif di Eropa, Amerika dan Asia, mengumpulkan rumah penuh yang konstan; telah tampil dengan orkestra terkemuka dunia di bawah konduktor seperti Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeny Svetlanov, Yuri Temirkanov , Georg Solti dan Maris Jansons; Mitra musik kamar Kissin termasuk Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalia Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern, dan lainnya.

Yevgeny Kissin juga memberikan pembacaan puisi dalam bahasa Yiddish dan Rusia. CD dengan rekaman karya puisi modern dalam bahasa Yiddish yang dibawakan oleh E. Kisin "Af di keyboard fun yidisher puisi" (Tentang kunci puisi Yahudi) dirilis pada tahun 2010. Menurut Kissin sendiri, dia memiliki identitas Yahudi yang kuat sejak kecil dan telah memposting materi pro-Israel di situs pribadinya.

Pianis Rusia, figur publik, Artis Rakyat Rusia

Denis Leonidovich Matsuev lahir pada tahun 1975

Denis Matsuev menghabiskan masa kecilnya di Irkutsk asalnya. lahir di keluarga kreatif, seorang anak laki-laki dengan tahun-tahun awal sedang bermusik. Pertama dia pergi ke kota sekolah pendidikan umum Nomor 11 dinamai V. V. Mayakovsky dan pada saat yang sama mulai bersekolah di sekolah seni setempat. Pada usia enam belas tahun, Denis Matsuev masuk ke Irkutsk Musical College. Namun, dia segera menyadari bahwa bakatnya membutuhkan pemotongan yang lebih menyeluruh. Di dewan keluarga, diputuskan untuk pindah ke ibu kota. Orang tua mengerti bahwa putra mereka yang berbakat dapat memiliki biografi kreatif yang sangat sukses. Denis Matsuev pindah ke Moskow pada tahun 1990.

Pada tahun 1991, ia menjadi pemenang dari Yayasan Amal Publik Internasional yang disebut "Nama Baru". Berkat keadaan ini, di masa mudanya ia mengunjungi lebih dari empat puluh negara di dunia dengan pertunjukan konser. Orang-orang terpenting datang untuk mendengarkan permainan virtuoso-nya: ratu Inggris, Paus, dan lainnya. Pada tahun 1993, Denis Matsuev berhasil memasuki Moscow State Conservatory. Pada saat yang sama, ia tampil dalam program dana publik Nama Baru, yang diadakan di bawah pengawasan pelindung Denis, Svyatoslav Belz. Pada tahun 1995, artis tersebut diterima sebagai solois di Moscow State Philharmonic. Hal ini memungkinkan Denis Leonidovich memperluas cakupan aktivitas konsernya.

Bersama dengan kemenangan di Kompetisi Internasional Kesebelas yang dinamai Pyotr Ilyich Tchaikovsky, sang musisi datang ke ketenaran dunia. Peristiwa yang menentukan ini menghiasi biografinya pada tahun 1998. Denis Matsuev telah menjadi salah satu pianis paling populer di dunia. Penampilan virtuoso-nya menyebabkan resonansi besar di dunia. Artis mulai diundang ke acara paling bergengsi. Misalnya, dia tampil di penutupan Olimpiade di Sochi.

Sejak 2004, Denis Matsuev telah menghadirkan langganan pribadinya setiap tahun. Di dalamnya, bersama dengan musisi, orkestra simfoni terbaik Rusia dan luar negeri tampil.

Dia melakukan banyak hal untuk negaranya. Dalam upaya menanamkan kecintaan pada musik pada masyarakat, sang seniman menyelenggarakan berbagai macam festival dan perlombaan. Selain itu, ia berusaha keras untuk mengadakannya di berbagai wilayah Rusia, sehingga semua penduduk negara itu dapat menyentuh seni tinggi, mendengar penampilan gemilang dari karya musik terbaik.

Sebagai kesimpulan, kami merangkum arah dan tren utama dalam perkembangan seni piano abad ke-21. Dalam bidang seni piano virtuoso dan bermakna, ditemukan faktor-faktor berikut yang menyertai perkembangan: fokus pada kualitas dan estetika rekaman suara, peningkatan ekspresi konjugasi nada, perluasan peluang di bidang agogics dan timbre suara , perlambatan tempo dan penurunan tingkat kinerja dinamis rata-rata, dan polifonisasi tekstur. Faktor-faktor ini berkontribusi pada pertumbuhan kedalaman dan pembaruan modern dari sisi konten pertunjukan. Bersamaan dengan itu, repertoar konser piano diperbarui karena ditemukannya karya-karya baru yang sangat artistik yang belum pernah diapresiasi sebelumnya.

Namun demikian, generalisasi dan kebermaknaan intonasilah yang menjadi tren utama dalam perkembangan seni piano abad ke-21.

Daftar pianis pertunjukan ini menunjukkan bahwa piano menawarkan inspirasi yang hampir tak terbatas. Selama tiga abad, pemain musik piano telah menyenangkan pendengarnya dan menginspirasi mereka untuk melakukan eksploitasi mereka sendiri di dunia musik.

Kapan pun musisi itu berada, tidak hanya bakatnya yang membuatnya hebat, tetapi juga pembubaran totalnya dalam musik!!!

PSSetelah mempelajari literatur tentang masalah ini, kami sampai pada kesimpulan bahwa perkembangan sekolah piano dari saat pembentukannya hingga zaman kita disebabkan oleh keserbagunaan spiritual dari kepribadian master, dan pencarian pedagogis berfungsi sebagai dasar kreatif dan sebenarnya merupakan insentif untuk kreativitas. Musisi Pencerahan Progresif mendukung segala sesuatu yang mereka anggap berharga dalam seni; cita-cita sipil yang tinggi, tujuan misionaris dari kreativitas.

Pemikiran musisi dan guru pertunjukan hebat selalu diarahkan pada pengembangan prinsip-prinsip pengajaran yang sesuai dengan gagasan tentang tugas pertunjukan. Ini sangat menentukan konten karya ilmiah yang ditujukan untuk memainkan alat musik.

Risalah kuno era klavierisme berbicara tentang menggubah musik, teknik improvisasi dan aransemen komposisi musik, duduk di instrumen, memainkan jari dan aturan permainan. Semua ini dijelaskan oleh fakta bahwa di era pra-piano, komposer adalah pemainnya, memperkenalkan pendengar dengan karyanya sendiri dan penguasaan improvisasinya. Profesi sebagai performer-interpreter (tetapi bukan komposer musik) pada tahun-tahun itu belum dipilih sebagai bentuk khusus dari aktivitas kreatif musisi. Baru pada abad ke-19, seiring dengan dominasi instrumen baru di panggung konser - piano - dan hasrat akan keahlian permainan, ada diferensiasi bertahap dari musisi, komposer, pemain, dan guru yang mengajarkan cara bermain. instrumen ini.

Isinya juga banyak berubah. karya ilmiah dalam seni musik. Dalam berbagai kajian, buku teks dan karya tentang metode pengajaran, semua persoalan yang berkaitan dengan kreativitas musik, pertunjukan dan pedagogi tidak lagi diperhatikan. Tema setiap karya hanyalah bidang musikologi yang terpisah. Penulis buku tentang seni piano terutama tertarik pada masalah penguasaan teknik piano, dan sebagian besar karya dan manual metodis dikhususkan untuk topik ini. Jadi, selama bertahun-tahun, karya teoretis tentang permainan piano direduksi menjadi masalah membangun teknik permainan rasional yang memungkinkan untuk mencapai teknik virtuoso. Baru pada akhir abad ke-19 dan ke-20 para musisi terkemuka beralih ke masalah artistik seni pertunjukan, yang menentukan tugas interpretasi, memahami gaya dan konten karya musik. Tugas-tugas ini juga terkait dengan pertanyaan tentang teknik bermain piano. Tujuan terpenting guru adalah mendidik seorang musisi yang seni pertunjukannya bukan demonstrasi keterampilan teknis, tetapi kemampuan menyampaikan makna terdalam dari sebuah karya seni dalam bentuk ekspresi figuratif yang hidup.

Mengenali satu-satunya pianis modern terbaik di dunia adalah tugas yang mustahil. Untuk setiap kritikus dan pendengar, berbagai master akan menjadi idola. Dan inilah kekuatan umat manusia: dunia berisi banyak pianis yang layak dan berbakat.

Agrerich Marta Archerich

Pianis itu lahir di kota Argentina Buenos Aires pada tahun 1941. Dia mulai memainkan alat musik pada usia tiga tahun, dan pada usia delapan tahun dia melakukan debut publiknya, di mana dia menampilkan konser oleh Mozart sendiri.

Bintang virtuoso masa depan belajar dengan guru seperti Friedrich Gould, Arturo Ashkenazy dan Stefan Michelangeli - salah satu pianis klasik paling menonjol di abad ke-20.

Sejak 1957, Argerich mulai mengikuti kegiatan kompetitif dan memenangkan yang pertama kemenangan besar: Juara 1 di Geneva Piano Competition dan Busoni International Competition.

Namun, kesuksesan yang benar-benar menakjubkan datang ke Marta pada saat, di usia 24 tahun, ia mampu memenangkan kompetisi Chopin internasional di kota Warsawa.

Pada tahun 2005 ia memenangkan Penghargaan Grammy tertinggi untuk penampilan karya kamarnya oleh komposer Prokofiev dan Ravel, dan pada tahun 2006 untuk penampilan karya Beethoven dengan orkestra.

Juga pada tahun 2005, pianis dianugerahi Penghargaan Kekaisaran Jepang.

Permainannya yang bersemangat dan data teknisnya yang luar biasa, dengan bantuan yang dengannya dia menampilkan karya komposer Rusia Rachmaninov dan Prokofiev dengan ahli, tidak dapat membuat siapa pun acuh tak acuh.

Salah satu pianis kontemporer paling terkenal di Rusia adalah musisi Evgeniy Igorevich Kisin.

Ia lahir pada 10 Oktober 1971 di Moskow, pada usia enam tahun ia masuk Sekolah Musik Gnessin. Kantor Anna Pavlovna menjadi guru pertamanya dan satu-satunya seumur hidup.

Sejak 1985, Kissin mulai menunjukkan bakatnya di luar negeri. Pada tahun 1987 ia memulai debutnya di Eropa Barat.

Setelah 3 tahun, dia menaklukkan Amerika Serikat, di mana dia menampilkan konser pertama dan kedua Chopin dengan New York Philharmonic Orchestra, dan seminggu kemudian dia tampil dalam format solo.

Pianis virtuoso Rusia kontemporer paling menonjol lainnya adalah Denis Matsuev yang terkenal.

Denis lahir di kota Irkutsk pada tahun 1975 dari keluarga musisi. Orang tua sejak usia dini mengajari anak seni. Guru pertama anak laki-laki itu adalah neneknya Vera Rammul.

Pada tahun 1993, Matsuev memasuki Moscow State Conservatory, dan dua tahun kemudian menjadi solois terkemuka dari Moscow State Philharmonic.

Dia memperoleh ketenaran di seluruh dunia setelah memenangkan Kompetisi Tchaikovsky Internasional pada tahun 1998, ketika dia baru berusia 23 tahun.

Dia lebih suka menggabungkan pendekatan inovatifnya untuk bermain dengan tradisi sekolah piano Rusia.

Sejak 2004, ia telah mengadakan serangkaian konser bertajuk "Solois Denis Matsuev", mengundang orkestra terkemuka dalam dan luar negeri untuk berkolaborasi dengannya.

Christian Zimmerman

Christian Zimmerman (lahir 1956) adalah seorang pianis kontemporer terkenal asal Polandia. Selain sebagai instrumentalis, ia juga seorang konduktor.

Pelajaran musik awalnya diajarkan oleh ayahnya, seorang pianis amatir. Kemudian Christian melanjutkan studinya dengan guru Andrzej Jasinski dalam format privat, dan kemudian pindah ke Katowice Conservatory.

Dia mulai mengadakan konser pertamanya pada usia 6 tahun dan pada tahun 1975 dia memenangkan Kompetisi Piano Chopin, sehingga menjadi pemenang termuda dalam sejarah. Selama tahun berikutnya, dia mengasah keterampilan pianonya dengan pianis Polandia terkenal Artur Rubinstein.

Christian Zimmermann dianggap sebagai pemain jenius dari karya Chopin. Diskografinya mencakup rekaman semua konserto piano oleh Ravel, Beethoven, Brahms dan, tentu saja, idola utamanya - Chopin, serta rekaman suara komposisi oleh Liszt, Strauss dan Respiha.

Sejak 1996 dia mengajar di Basel Academy of Music. Menerima Academy Awards Kiji dan Leonie Sonning.

Pada tahun 1999 ia menciptakan Orkestra Festival Polandia.

Wang Yujia adalah perwakilan Cina dari seni piano. Dia mendapatkan ketenaran berkat virtuoso dan permainannya yang sangat cepat, di mana dia dianugerahi nama samaran - "Flying Fingers".

Tempat kelahiran pianis modern Tiongkok adalah kota Beijing, tempat ia menghabiskan masa kecilnya di keluarga musisi. Pada usia 6 tahun, dia memulai ujiannya pada keyboard, dan setahun kemudian dia memasuki Konservatorium Pusat ibu kota. Pada usia 11 tahun, dia terdaftar untuk belajar di Kanada dan setelah 3 tahun dia akhirnya pindah ke luar negeri untuk pendidikan lebih lanjut.

Pada tahun 1998, ia menerima hadiah Kompetisi Internasional untuk Pianis Muda di kota Ettlingen, dan pada tahun 2001, selain penghargaan yang dijelaskan di atas, panel juri memberi Van penghargaan untuk pianis di bawah 20 tahun sejumlah 500.000 yen (300.000 dalam rubel).

Pianis juga bermain dengan sukses oleh komposer Rusia: dia memiliki Konser Kedua dan Ketiga Rachmaninoff, serta Konser Kedua Prokofiev.

Fazıl Say adalah seorang pianis dan komposer kontemporer Turki yang lahir pada tahun 1970. Dia belajar di Konservatorium Ankara, dan kemudian di kota-kota Jerman - Berlin dan Düsseldorf.

Perlu dicatat, selain aktivitas pianonya, kualitas komposernya: pada tahun 1987, komposisi pianis "Black Hymns" dibawakan untuk memperingati 750 tahun kota tersebut.

Pada tahun 2006, pemutaran perdana baletnya "Patara" berlangsung di Wina, ditulis berdasarkan tema Mozart, tetapi sudah menjadi piano sonata.

Dua komposer menempati tempat penting dalam repertoar piano pertunjukan Say: titans musik Bach dan Mozart. Di konser, dia mengganti komposisi klasik dengan miliknya.

Pada tahun 2000, dia melakukan eksperimen yang tidak biasa, mempertaruhkan rekaman balet "The Rite of Spring" untuk dua piano, menampilkan kedua bagian dengan tangannya sendiri.

Pada 2013, ia masuk dalam kasus pidana karena pernyataan di jejaring sosial terkait topik Islam. Pengadilan Istanbul menyimpulkan bahwa kata-kata musisi itu ditujukan terhadap keyakinan Muslim dan menghukum Fazil Say 10 tahun masa percobaan.

Pada tahun yang sama, komposer mengajukan mosi untuk persidangan ulang, yang putusannya kembali dikukuhkan pada bulan September.

Lainnya

Tidak mungkin menceritakan tentang semua pianis modern dalam satu artikel. Oleh karena itu, kami akan mencantumkan mereka yang namanya penting saat ini di dunia musik klasik:

Daniel Barenboim dari Israel;
Yundi Li dari Tiongkok;
Dari Rusia;
Murray Perahia dari Amerika Serikat;
Mitsuko Uchida dari Jepang;
dari Rusia dan banyak master lainnya.

Setiap pecinta musik klasik dapat menyebutkan favoritnya.

Alfred Brendel bukanlah anak ajaib, dan orang tuanya tidak ada hubungannya dengan musik. Kariernya dimulai tanpa banyak keributan dan berkembang perlahan. Mungkin ini rahasia umur panjangnya? Di awal tahun ini, Brendel berusia 77 tahun, namun jadwal konsernya terkadang mencakup 8-10 pertunjukan dalam sebulan.

Pertunjukan solo Alfred Brendel di Gedung Konser Teater Mariinsky telah diumumkan pada 30 Juni. Situs web resmi pianis konser ini tidak dapat ditemukan. Namun ada tanggal konser Moskow yang akan datang, yang akan berlangsung pada 14 November. Namun, Gergiev dibedakan oleh kemampuannya memecahkan masalah yang tidak terpecahkan.

Mozart, Liszt dan Rachmaninov - seni piano klasik

Sejarah musik piano cukup menarik. Ada beberapa tahapan di dalamnya yang masing-masing memiliki tradisinya sendiri. Seringkali, kanon pada zaman itu ditetapkan oleh satu (jarang beberapa) yang mahir memainkan alat musik (awalnya harpsichord, dan kemudian piano).

Oleh karena itu, menyoroti tiga era dalam sejarah pianisme, mereka dinamai menurut nama komposer paling terkenal - Mozart, Liszt, dan Rachmaninoff. Dalam terminologi tradisional sejarawan, ini adalah era klasisisme, kemudian romantisme, dan modernisme awal.

Pianis terkenal abad ke-18 dan ke-19

Di setiap periode ini, pianis lain juga bekerja, banyak di antaranya adalah komposer karya musik secara bersamaan dan meninggalkan jejak yang tak terhapuskan dalam sejarah musik piano. Ini adalah dua dari tiga Schubert dan Beethoven "klasik Wina", Brahms dan Schumann dari Jerman, Chopin Kutub dan Charles Valentin Alkan dari Prancis.

Johannes Brahms

Selama periode ini, pianis dituntut untuk mampu berimprovisasi. Profesi seorang pianis sangat erat kaitannya dengan mengarang. Dan bahkan saat melakukan karya orang lain, interpretasinya sendiri, interpretasi bebas, dianggap benar. Saat ini, pertunjukan seperti itu dianggap tidak berasa, salah, bahkan tidak kompeten.

Pianis terkenal abad ke-20 dan ke-21

Abad ke-20 adalah masa kejayaan seni piano. Periode ini luar biasa kaya akan pianis yang luar biasa berbakat dan luar biasa.

Pada awal abad ke-20, Hoffmann dan Cortot, Schnabel, dan Paderewski menjadi terkenal. Dan tentu saja, Rachmaninov, si jenius Zaman Perak, menandai era baru tidak hanya dalam musik piano, tetapi juga dalam budaya dunia pada umumnya.

Paruh kedua abad ke-20 adalah era pianis terkenal seperti Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff…

Svyatoslav Richter

Melanjutkan kreativitas musik mereka di awal abad ke-21 tersebut pianis yang luar biasa seperti American Van Cliburn, yang menjadi pemenang pertama Kompetisi Tchaikovsky Internasional pada tahun 1958. Perlu disebutkan musisi yang memenangkan kompetisi yang sama tahun berikutnya - pianis pop paling populer Vladimir Ashkenazy.

Populer dalam kategori: