Breve storia dell'orchestra, dall'antichità a Beethoven. Tipi di orchestre che eseguono musica strumentale e sinfonica Fatti interessanti sull'Orchestra Sinfonica di Yaroslavl

Interessante ma vero...

Il fisico Albert Einstein, interrogandosi sulle questioni più difficili, suonava il violino finché non arrivava una soluzione. Poi si alzò e annunciò: "Bene, finalmente ho capito qual era il problema!"

Struttura di un'orchestra sinfonica

Orchestra v Grecia antica chiamato posto, inteso per coro(Greco orheomai - io ballo). Allo stato attuale, un'orchestra è chiamata una certa composizione di strumenti musicali che formano un insieme organico basato su una profonda interconnessione interna di timbri tra loro. La pratica musicale ha sviluppato vari tipi di orchestre. Ognuno ha una certa composizione di strumenti e un numero diverso di essi. Tipi principali: opera e sinfonia, ottoni, orchestra di strumenti popolari, orchestra jazz.

L'orchestra sinfonica, a sua volta, ha varietà. Orchestra da camera (10 - 12 persone) è creato per l'esecuzione di musica antica dalla composizione per la quale è stato scritto (Concerti brandeburghesi di Bach, Concerto grosso di Vivaldi, Corelli, Handel). Il nucleo dell'orchestra da camera è un gruppo d'archi con l'aggiunta di clavicembalo, flauto, oboe, fagotto e corni. L'appello all'orchestra da camera nella musica moderna è associato o alla ricerca di nuove possibilità espressive (Shostakovich. Opera "The Nose", 14a sinfonia, A. Schnittke. Concerto grosso per due violini e orchestra da camera, 1977), oppure è spiegato da considerazioni pratiche. Tali circostanze si rivelarono decisive quando I. Stravinsky creò La storia di un soldato nel 1918: “... le nostre strutture di messa in scena erano molto scarse ... non vedevo altro modo che fermarmi a una composizione del genere che includesse il più strumenti caratteristici dei registri alti e bassi. Da archi - violino e contrabbasso, da legno - clarinetto e fagotto, da rame - tromba e trombone e, infine, percussioni, che sono controllate da un musicista.

orchestra d'archi comprende gruppo di prua orchestra (Tchaikovsky. Serenata per orchestra d'archi, Onneger. Seconda Sinfonia).

Entro la fine del XVIII secolo, quando modo creativo Haydn e Mozart e le prime sinfonie di Beethoven apparvero, si svilupparono piccola orchestra (classica). La sua composizione:

gruppo di stringhe tamburi di ottoni a fiato

violini I flauti 2 corni 2 – 4 timpani 2 – 3

violini II oboi 2 trombe 2

clarinetti contralti 2

fagotti per violoncello 2

contrabbassi

J. Haydn. Sinfonia "Ore", parte II

Nella seconda metà del XIX secolo, il grande orchestra sinfonica. La principale caratteristica distintiva di una grande orchestra da una piccola è la presenza di tre tromboni e una tuba ( quartetto di rame pesante ). Per creare un equilibrio dinamico, il numero di esecutori nel gruppo di archi aumenta.

piccola orchestra grande orchestra

violini I 4 consolle 8 – 10 consolle

violini II 3 consolle 7 – 9 consolle

viole 2 telecomandi 6 telecomandi

violoncelli 2 telecomandi 5 telecomandi

contrabbassi 1 consolle 4 – 5 consolle

A seconda del numero di strumenti a fiato, ci sono diverse composizioni di una grande orchestra sinfonica.

Doppio o doppia composizione , in cui ci sono 2 strumenti di ogni famiglia

Schubert. Sinfonia h-moll.

Glinka. Fantasia di valzer.

Chaikovsky. Sinfonia n. 1.

tripla composizione, in cui sono presenti 3 strumenti di ogni famiglia:

Lyadov. Baba è uno yaga.

Rimskij-Korsakov. Opera Il galletto d'oro, La storia dello zar Saltan.

Composizione quadrupla : 4 flauti, 4 oboi, 4 clarinetti, 4 fagotti.

Come viene rilevata l'eccezione composizione unica:

Prokof'ev. Racconto sinfonico"Pietro e il lupo".

Rimskij-Korsakov. Opera Mozart e Salieri.

Disponibile composizione intermedia:

Rimskij-Korsakov. "Scheherazade".

Shostakovich. Sinfonie 7, 8, 10.

Chaikovsky. Sinfonia n. 5. Ouverture "Francesca da Rimini", Romeo e Giulietta.

L'organizzazione di un'orchestra sinfonica è unire relativi strumenti in gruppi. Ce ne sono cinque:

Strumenti a corda - archi

Di legno strumenti a fiato – Fiati (legno)

Ottoni - ottoni

Strumenti a percussione - percussioni

Strumenti pizzicati sulla tastiera.

3. Trova informazioni sulla composizione dell'orchestra nell'opera "Orfeo" di Monteverdi

strumenti a fiato

Flauto (it. flauto, flauto francese, flauto tedesco, flauto inglese)

Il flauto è uno degli strumenti più antichi del mondo, conosciuto fin dall'antichità - in Egitto, Grecia e Roma. Sin dai tempi antichi, le persone hanno imparato a estrarre suoni musicali di canna tagliata, chiusa ad un'estremità. Questo strumento musicale primitivo era apparentemente il lontano antenato del flauto. In Europa nel Medioevo si diffusero due tipi di flauto: dritto e trasversale. Il flauto dritto, o "flauto a punta", era tenuto dritto davanti a sé, come un oboe o un clarinetto; obliquo o trasversale - ad angolo. Il flauto traverso si è rivelato più praticabile, poiché era facile da migliorare. A metà del XVIII secolo sostituì finalmente il flauto diritto dell'orchestra sinfonica. Allo stesso tempo, il flauto, insieme all'arpa e al clavicembalo, divenne uno degli strumenti musicali domestici più amati. Il flauto, ad esempio, è stato suonato dall'artista russo Fedotov e dal re prussiano Federico II.

Il flauto è lo strumento a fiato più mobile: in termini di virtuosismo supera tutti gli altri strumenti a fiato. Un esempio di ciò è la suite di balletto "Daphnis and Chloe" di Ravel, dove il flauto funge effettivamente da strumento solista.

Il flauto è un tubo cilindrico, di legno o di metallo, chiuso da un lato - in testa. C'è anche un foro laterale per l'iniezione d'aria. Suonare il flauto richiede molto consumo d'aria: quando viene soffiata, parte di essa si rompe sul bordo tagliente del foro e se ne va. Da questo si ottiene un caratteristico armonico sibilante, specialmente in un registro grave. Per lo stesso motivo, le note sostenute e le melodie ampie sono difficili da suonare con il flauto.

Rimsky-Korsakov ha descritto la sonorità del flauto come segue: "Il timbro è freddo, più adatto a melodie di natura aggraziata e frivola in maggiore, e con un tocco di tristezza superficiale in minore".

I compositori usano spesso un ensemble di tre flauti. Un esempio è la danza delle pastorelle dello Schiaccianoci di Ciajkovskij..

Oboe (tedesco: oboe)

Nell'antichità della sua origine, l'oboe compete con il flauto: fa risalire la sua discendenza al flauto primitivo. Degli antenati dell'oboe, il greco aulos era il più diffuso, senza il quale gli antichi elleni non potevano immaginare né una festa né Esibizione teatrale. Gli antenati dell'oboe arrivarono in Europa dal Medio Oriente.

Nel XVII secolo fu creato un oboe da una bombarda, uno strumento a pipa, che divenne subito popolare nell'orchestra. Ben presto divenne anche uno strumento da concerto. Da quasi un secolo l'oboe è l'idolo dei musicisti e degli amanti della musica. I migliori compositori del XVII e XVIII secolo - Lully, Rameau, Bach, Handel - hanno reso omaggio a questo hobby: Handel, ad esempio, ha scritto concerti per oboe, la cui difficoltà può confondere anche gli oboisti moderni. Tuttavia, all'inizio dell'Ottocento, il "culto" dell'oboe nell'orchestra svanì un po 'e il ruolo di primo piano nel gruppo di fiati passò al clarinetto.

Secondo la sua struttura, l'oboe è un tubo conico; a un'estremità c'è una piccola campana a forma di imbuto, all'altra un bastone, che l'esecutore tiene in bocca.

Grazie ad alcune accortezze progettuali, l'oboe non perde mai la sua accordatura. Pertanto, è diventata una tradizione sintonizzare l'intera orchestra su di essa. Davanti a un'orchestra sinfonica, quando i musicisti si radunano sul palco, non è raro sentire l'oboista suonare in LA nella prima ottava, e gli altri esecutori che accordano i loro strumenti.

L'oboe ha una tecnica mobile, sebbene sia inferiore sotto questo aspetto al flauto. È più un canto che uno strumento virtuosistico: di regola, il suo dominio è la tristezza e l'elegiaco. Così suona nel tema dei cigni dall'intervallo al secondo atto " Il lago dei cigni"e nella semplice melodia malinconica della seconda parte della 4a sinfonia di Čajkovskij. Occasionalmente, all'oboe vengono assegnati "ruoli comici": nella bella addormentata di Čajkovskij, ad esempio, nella variazione de "Il gatto e il gattino", l'oboe in modo divertente imita il miagolio di un gatto.

Fagotto (fagotto it., fagotto tedesco, fagotto francese, fagotto inglese)

L'antenato del fagotto è considerato il vecchio flauto basso - bombarda. Il fagotto che lo sostituì fu costruito dal canonico Afragno degli Albonesi nella prima metà del XVI secolo. Una grande pipa di legno piegata a metà somigliava a un fascio di legna da ardere, che si riflette nel nome dello strumento (la parola italiana fagotto significa "fagotto"). Il fagotto ha conquistato i contemporanei con l'eufonia del timbro, che, a differenza di voce rauca i bombardieri cominciarono a chiamarlo "dolcino".

In futuro, pur mantenendo i suoi contorni esterni, il fagotto subì seri miglioramenti. Dal XVII secolo entrò nell'orchestra sinfonica e dal XVIII secolo nell'esercito. Il tronco conico di legno del fagotto è molto grande, quindi è "piegato" a metà. Un tubo di metallo ricurvo è attaccato alla parte superiore dello strumento, sul quale è inserita una canna. Durante il gioco, il fagotto è appeso a una corda intorno al collo dell'esecutore.

Nel XVIII secolo lo strumento godeva di grande amore tra i contemporanei: alcuni lo chiamavano "orgoglioso", altri - "gentile, malinconico, religioso". Rimsky-Korsakov ha definito il colore del fagotto in un modo molto particolare: "Il timbro è senilmente beffardo in maggiore e dolorosamente triste in minore". L'esecuzione del fagotto richiede molta respirazione e il forte in un registro basso può causare estrema fatica all'esecutore. Le funzioni dello strumento sono molto diverse. È vero, nel XVIII secolo erano spesso limitati a supportare i bassi a corda. Ma nell'Ottocento, con Beethoven e Weber, il fagotto divenne la voce individuale dell'orchestra, e ciascuno dei successivi maestri trovò in esso nuove proprietà. Meyerbeer in "Robert the Devil" ha costretto i fagotti a ritrarre "risate mortali, da cui il gelo strappa la pelle" (parole di Berlioz). Rimsky-Korsakov in "Scheherazade" (una storia del principe Kalender) ha scoperto un narratore poetico nel fagotto. In quest'ultimo ruolo, il fagotto si esibisce particolarmente spesso - questo è probabilmente il motivo per cui Thomas Mann ha definito il fagotto un "mockingbird". Esempi possono essere trovati nello Scherzo umoristico per quattro fagotti e in Petya and the Wolf di Prokofiev, dove al fagotto viene assegnato il "ruolo" del nonno, o all'inizio del finale della Nona Sinfonia di Shostakovich.

controfagotto

Le varietà del fagotto sono limitate ai nostri tempi a un solo rappresentante: il controfagotto. È lo strumento di gamma più bassa dell'orchestra. Più bassi dei suoni limitanti del controfagotto, suonano solo i pedali bassi dell'organo.

L'idea di continuare la scala del fagotto verso il basso è apparsa molto tempo fa: il primo controfagotto fu costruito nel 1620. Ma era così imperfetto che fino alla fine del XIX secolo, quando lo strumento fu migliorato, pochissime persone vi si rivolgevano: occasionalmente Haydn, Beethoven, Glinka.

Il moderno controfagotto è uno strumento piegato tre volte: la sua lunghezza in forma espansa è di 5 m 93 cm (!); nella tecnica ricorda un fagotto, ma è meno agile e ha un timbro denso, quasi da organo. I compositori del XIX secolo - Rimsky-Korsakov, Brahms - di solito si rivolgevano al controfagotto per migliorare il basso. Ma a volte per lui vengono scritti assoli interessanti: Ravel, ad esempio, in "The Conversation of the Beauty and the Beast" (il balletto "My Mother the Goose") gli ha affidato la voce del mostro.

Clarinetto (It. clarinetto, clarinetto tedesco, clarinetto francese,)

Se l'oboe, il flauto e il fagotto sono stati nell'orchestra per più di quattro secoli, il clarinetto vi è entrato saldamente solo nel XVIII secolo. L'antenato del clarinetto era uno strumento popolare medievale: il flauto "chalumo". Si ritiene che nel 1690 il maestro tedesco Denner sia riuscito a migliorarlo. Il registro acuto dello strumento colpì i contemporanei con il suo timbro acuto e penetrante - ricordò loro subito il suono di una tromba, che all'epoca si chiamava "clarino". Il nuovo strumento fu chiamato clarinetto, che significa "piccola tromba".

In apparenza, il clarinetto ricorda un oboe. È un tubo cilindrico di legno con una campana a forma di corona a un'estremità e una punta di canna all'altra.

Di tutti i legni, solo il clarinetto ha la flessibilità di cambiare il volume del suono. Questa e molte altre qualità del clarinetto ne hanno fatto una delle voci più espressive dell'orchestra. È curioso che due compositori russi, alle prese con la stessa trama, abbiano agito esattamente allo stesso modo: in entrambi "The Snow Maiden" - Rimsky-Korsakov e Tchaikovsky - le melodie del pastore di Lel sono affidate al clarinetto.

Il timbro del clarinetto è spesso associato a cupe situazioni drammatiche. Questa area di espressività è stata "scoperta" da Weber. Nella scena "Wolf Valley" da " tiratore magico"In primo luogo ha intuito quali effetti tragici si nascondono nel registro grave dello strumento. Successivamente, Čajkovskij ha utilizzato il suono inquietante dei clarinetti bassi in La dama di picche nel momento in cui appare il fantasma della contessa.

Piccolo clarinetto.

Il piccolo clarinetto è arrivato all'orchestra sinfonica dagli ottoni militari. Fu usato per la prima volta da Berlioz, che gli affidò il "tema amato" distorto nell'ultimo movimento della Sinfonia fantastica. Il clarinetto piccolo era spesso usato da Wagner, Rimsky-Korsakov, R. Strauss. Shostakovich.

Corno di bassotto.

Alla fine del XVIII secolo, la famiglia dei clarinetti si arricchì di un altro membro: apparve nell'orchestra un corno di bassetto - varietà d'epoca clarinetto contralto. In dimensioni superava lo strumento principale e il suo timbro - calmo, solenne e opaco - occupava una posizione intermedia tra il solito e il clarinetto basso. Rimase nell'orchestra solo per pochi decenni e dovette il suo periodo di massimo splendore a Mozart. Fu per due corni di bassetto con fagotti che fu scritto l'inizio del "Requiem" (ora i corni di bassetto vengono sostituiti dai clarinetti).

Un tentativo di far rivivere questo strumento sotto il nome di clarinetto contralto fu fatto da R. Strauss, ma da allora sembra non aver avuto ripetizioni. Al giorno d'oggi, i corni di bassetto sono inclusi nelle bande militari.

Clarinetto basso.

Il clarinetto basso è il membro più "impressionante" della famiglia. Costruito alla fine del XVIII secolo, ha conquistato una posizione di rilievo nell'orchestra sinfonica. La forma di questo strumento è piuttosto insolita: la sua campana è piegata verso l'alto, come una pipa fumante, e il bocchino è montato su un'asta ricurva, tutto questo per ridurre l'esorbitante lunghezza dello strumento e facilitarne l'uso. Meyerbeer fu il primo a "scoprire" l'enorme potenza drammatica di questo strumento. Wagner, a partire da "Lohengrin", lo rende un fiato basso permanente.

I compositori russi usavano spesso il clarinetto basso nel loro lavoro. Quindi, i suoni cupi del clarinetto basso si sentono nella quinta immagine della "Regina di picche" nel momento in cui Herman sta leggendo la lettera di Liza. Ora il clarinetto basso è un membro permanente di una grande orchestra sinfonica e le sue funzioni sono molto diverse.

Anteprima:

Ottone

Sassofono

Il creatore del sassofono è l'eccezionale maestro strumentale franco-belga Adolf Sax. Sachs è partito da un presupposto teorico: è possibile costruire uno strumento musicale che occupi una posizione intermedia tra i legni e gli ottoni? Uno strumento simile, capace di unire i timbri del rame e del legno, aveva un grande bisogno delle imperfette fanfare militari di Francia. Per attuare il suo piano, A. Sachs ha utilizzato un nuovo principio costruttivo: ha collegato un tubo conico con un'ancia di clarinetto e un meccanismo a valvola di oboe. Il corpo dello strumento era di metallo, i contorni esterni ricordavano un clarinetto basso; svasato all'estremità, tubo fortemente ricurvo verso l'alto, al quale è attaccata una canna su punta metallica, ricurva a forma di "S". L'idea di Sax è stata un brillante successo: nuovo strumento divenne davvero l'anello di congiunzione tra ottoni e legni nelle bande militari. Inoltre, il suo timbro si è rivelato così interessante da attirare l'attenzione di molti musicisti. La colorazione del suono del sassofono ricorda allo stesso tempo il corno inglese, il clarinetto e il violoncello, ma la potenza sonora del sassofono supera di gran lunga la potenza sonora del clarinetto.

Avendo iniziato la sua esistenza nelle bande di ottoni militari francesi, il sassofono fu presto introdotto nell'opera e nell'orchestra sinfonica. Per molto tempo - diversi decenni - si sono rivolti a lui solo compositori francesi: Thomas ("Amleto"), Massenet ("Werther"), Bizet ("Arlesienne"), Ravel (strumentazione del Katrinok di Mussorgsky da un'esposizione). Poi anche i compositori di altri paesi hanno creduto in lui: Rachmaninov, ad esempio, ha affidato al sassofono una delle sue migliori melodie nella prima parte delle Danze sinfoniche.

È curioso che nel suo insolito percorso il sassofono abbia dovuto affrontare l'oscurantismo: in Germania durante gli anni del fascismo fu bandito come strumento di origine non ariana.

Nel decimo anno del XX secolo i musicisti di ensemble jazz prestarono attenzione al sassofono, e presto il sassofono divenne il "re del jazz".

Molti compositori del XX secolo hanno apprezzato questo interessante strumento. Debussy ha scritto Rhapsody per sassofono e orchestra, Glazunov - Concerto per sassofono e orchestra, Prokofiev, Shostakovich e Khachaturian si sono ripetutamente riferiti a lui nelle loro opere.

Corno francese (it. corno, tedesco Waldhorn, francese cor, inglese francese corno)

Il progenitore del corno moderno era il corno. Fin dall'antichità il segnale del corno annunciava l'inizio della battaglia, nel Medioevo e successivamente - fino all'inizio del XVIII secolo - si sentiva in occasione di cacce, gare e solenni cerimonie di corte. Nel XVII secolo, il corno da caccia fu occasionalmente introdotto nell'opera, ma fu solo nel secolo successivo che divenne un membro permanente dell'orchestra. E il nome stesso dello strumento - corno - ricorda il suo ruolo passato: questa parola deriva dal tedesco "Waldhorn" - "corno della foresta". In ceco, questo strumento è ancora chiamato corno della foresta.

Il tubo metallico del vecchio corno francese era molto lungo: una volta aperto, alcuni di essi raggiungevano i 5 m 90 cm Era impossibile tenere uno strumento del genere raddrizzato tra le mani; così il tubo di corno fu piegato e modellato in una graziosa forma simile a una conchiglia.

Il suono del vecchio corno era molto bello, ma lo strumento si è rivelato limitato nelle sue capacità sonore: è stato possibile estrarre solo la cosiddetta scala naturale, cioè quei suoni che nascono dalla divisione della colonna d'aria contenuta nel tubo in 2, 3, 4, 5, 6, ecc. parti. Secondo la leggenda, nel 1753 il suonatore di corno di Dresda Gampel mise accidentalmente la mano nella campana e scoprì che l'accordatura del corno era diminuita. Da allora, questa tecnica è stata ampiamente utilizzata. I suoni ottenuti in questo modo venivano chiamati "chiusi". Ma erano sordi e molto diversi da quelli luminosi e aperti. Non tutti i compositori spesso rischiavano di rivolgersi a loro, di solito accontentandosi di motivi di fanfara brevi e ben suonanti costruiti su suoni aperti.

Nel 1830 fu inventato il meccanismo a valvola, un sistema permanente di tubi aggiuntivi che consente di ottenere una scala cromatica completa e di buon suono sul corno. Pochi decenni dopo, il corno francese migliorato sostituì finalmente il vecchio corno naturale, che fu usato per l'ultima volta da Rimsky-Korsakov nell'opera May Night nel 1878.

Il corno è considerato lo strumento più poetico del gruppo degli ottoni. Nel registro grave il timbro del corno è alquanto cupo, nel registro acuto è molto teso. Il corno può cantare o raccontare lentamente. Il quartetto di fiati suona molto piano - puoi sentirlo nel "Valzer dei fiori" dal balletto "Lo schiaccianoci" di Tchaikovsky.

Tromba (it. tromba, tromba tedesca, tromba francese, tromba inglese)

Sin dai tempi antichi - in Egitto, in Oriente, in Grecia ea Roma - non potevano fare a meno della tromba né in guerra né nei solenni culti o nelle cerimonie di corte. La tromba fa parte dell'orchestra d'opera sin dal suo inizio; L'Orfeo di Monteverdi aveva già suonato cinque trombe.

Nel XVII e nella prima metà del XVIII secolo furono scritte parti molto virtuosistiche e acute per trombe, il cui prototipo erano le parti di soprano nelle composizioni vocali e strumentali dell'epoca. Per eseguire queste parti più difficili, i musicisti dell'epoca di Purcell, Bach e Handel usavano strumenti naturali comuni a quell'epoca con una lunga pipa e un bocchino di un dispositivo speciale che permetteva di estrarre facilmente le sfumature più alte. Una tromba con un tale bocchino era chiamata "clarino", lo stesso nome le è stato dato nella storia della musica e nello stile di scrittura.

Nella seconda metà del Settecento, con il mutamento della scrittura orchestrale, lo stile del clarino fu dimenticato e la tromba divenne prevalentemente uno strumento da fanfara. Era limitato nelle sue possibilità come un corno francese, e si trovava in una posizione ancora peggiore, poiché i "suoni chiusi" che espandevano la scala non venivano usati su di esso a causa del loro cattivo timbro. Ma negli anni Trenta dell'Ottocento, con l'invenzione del meccanismo a valvola, iniziò una nuova era nella storia della pipa. Divenne uno strumento cromatico e, dopo diversi decenni, sostituì la tromba naturale dell'orchestra.

Il timbro della tromba non è caratterizzato dal testo, ma l'eroismo riesce nel migliore dei modi. Tra i classici viennesi, le trombe erano uno strumento puramente da fanfara. Spesso svolgevano le stesse funzioni nella musica dell'Ottocento, annunciando l'inizio di processioni, marce, feste solenni e cacce. Wagner usava le pipe più di altre e in modo nuovo. Il loro timbro è quasi sempre associato nelle sue opere al romanticismo cavalleresco e all'eroismo.

La tromba è famosa non solo per la sua potenza sonora, ma anche per la sua eccezionaledoti virtuose.

Tuba (it.tuba)

A differenza di altri rappresentanti del gruppo di ottoni di strumenti a fiato, la tuba è uno strumento piuttosto giovane. Fu costruito nel secondo quarto del XIX secolo in Germania. Le prime tube erano imperfette e inizialmente venivano utilizzate solo nelle orchestre militari e da giardino. Solo quando arrivò in Francia, nelle mani del maestro strumentale Adolphe Sax, la tuba iniziò a soddisfare le elevate esigenze dell'orchestra sinfonica.

La tuba è uno strumento basso in grado di raggiungere l'estremità più bassa della gamma nel gruppo di ottoni. In passato le sue funzioni erano svolte da un serpente, uno strumento dalla forma bizzarra che ad esso deve il suo nome (su tutti Lingue romanze serpente significa "serpente") - poi tromboni basso e contrabbasso e oficleide dal timbro barbaro. Ma le qualità sonore di tutti questi strumenti erano tali da non dare alla banda di ottoni un basso buono e stabile. Fino a quando non è apparsa la tuba, i maestri hanno cercato ostinatamente un nuovo strumento.

Le dimensioni della tuba sono molto grandi, il suo tubo è lungo il doppio del tubo del trombone. Durante il gioco, l'esecutore tiene lo strumento davanti a sé con la campana alzata.

La tuba è uno strumento cromatico. Il consumo d'aria sul tubo è enorme; a volte, soprattutto in forte in un registro grave, l'esecutore è costretto a cambiare respiro ad ogni suono. Pertanto, gli assoli su questo strumento sono generalmente piuttosto brevi. Tecnicamente, la tuba è mobile, anche se pesante. In un'orchestra, di solito fa da basso in un trio di tromboni. Ma a volte la tuba funge da strumento solista, per così dire, in ruoli caratteristici. Così, mentre strumentava i "Quadri di un'esposizione" di Mussorgsky nella commedia "Cattle", Ravel ha affidato alla tuba bassa un'immagine umoristica di un carro rumoroso che si trascina lungo la strada. La parte di tuba è qui scritta in un registro molto acuto.

Trombone (it., inglese, trombone francese)

Il trombone prende il nome dalla parola italiana per tromba, tromba, con il suffisso di ingrandimento "uno": trombone significa letteralmente "trombe". E infatti: il tubo del trombone è lungo il doppio di quello della tromba. Già nel XVI secolo il trombone ricevette il suo forma moderna ed è stato uno strumento cromatico sin dal suo inizio. La piena scala cromatica si ottiene su di esso non attraverso il meccanismo delle valvole, ma con l'aiuto del cosiddetto backstage. Il backstage è un lungo tubo aggiuntivo, a forma di lettera latina U. Si inserisce nel tubo principale e lo prolunga a piacere. In questo caso, il sistema dello strumento diminuisce di conseguenza. L'esecutore abbassa le ali con la mano destra e sostiene lo strumento con la sinistra.

I tromboni sono stati a lungo una "famiglia" composta da strumenti di varie dimensioni. Non molto tempo fa, la famiglia dei tromboni era composta da tre strumenti; ognuna di esse corrispondeva a una delle tre voci del coro e ne riceveva il nome: trombone-contralto, trombone-tenore, trombone-basso.

Suonare il trombone richiede un'enorme quantità d'aria, poiché il movimento delle ali richiede più tempo che premere le valvole su un corno o una tromba. Tecnicamente, il trombone è meno mobile dei suoi vicini nel gruppo: la scala su di esso non è così veloce e chiara, il forte è un po' pesante, il legato è difficile. Cantilena su un trombone richiede molta tensione da parte dell'esecutore. Tuttavia, questo strumento ha qualità che lo rendono indispensabile in orchestra: il suono del trombone è più potente e maschile. Monteverdi nell'opera "Orfeo" forse per la prima volta ha sentito il carattere tragico insito nel suono di un ensemble di tromboni. E a partire da Gluck, tre tromboni divennero obbligatori in un'orchestra d'opera; spesso appaiono al culmine di un dramma.

Il trio di tromboni è bravo nelle frasi oratorie. Dalla seconda metà del XIX secolo, il gruppo del trombone è stato integrato da uno strumento basso: la tuba. Insieme, tre tromboni e una tuba formano un quartetto di "ottoni pesanti".

Sul trombone è possibile un effetto molto particolare: il glissando. Si ottiene facendo scorrere il backstage in una posizione delle labbra dell'esecutore. Questa tecnica era nota anche ad Haydn, che nell'oratorio "Le quattro stagioni" la usava per imitare l'abbaiare dei cani. Il glissando è ampiamente utilizzato nella musica moderna. Il glissando deliberatamente ululante e maleducato del trombone nella Danza della sciabola del balletto Gayane di Khachaturian è curioso. Interessante anche l'effetto di un trombone con sordina, che conferisce allo strumento un suono minaccioso e bizzarro.

Flicorno (Flicorno tedesco, da Flugel - "ala" e corno - "corno", "corno")

Strumento musicale in ottone. Esternamente è molto simile a una pipa oa una cornetta a pistone, ma differisce da loro per una scala più ampia e un foro conico, che parte immediatamente dal bocchino della pipa. Ha 3 o 4 valvole. Utilizzato negli ensemble jazz, a volte in un'orchestra sinfonica, meno spesso nelle bande di ottoni. I flicorni sono spesso suonati dai trombettisti, eseguendo i passaggi necessari su questo strumento.

Anteprima:

Violino (It. violino, violino francese, violino inglese, violino tedesco, Geige)

Il violino è giustamente chiamato un discendente di altri strumenti ad arco precedenti.

Il primo strumento ad arco - il fidel - apparve in Europa nel X-XI secolo,l'altro - zhiga - è diventatostrumento musicale preferito di menestrelli francesi, cantanti itineranti e musicisti del XII e XIII secolo. Dopo qualche tempo, fidels, rebecs e gigi hanno lasciato il posto alle vecchie viole: viola da gamba, viola da bardone, viola quinton - il cui posto, a sua volta, è stato preso dai violini. Apparvero in Francia e in Italia già all'inizio del XVI secolo e poco dopo l'arte dell'archetteria si diffuse in tutta Europa. Cominciarono a essere realizzati in Tirolo, Vienna, Sassonia, Olanda e Inghilterra, ma l'Italia era famosa per i migliori violini. A Brescia e Cremona - due piccole città nel nord-est del paese - hanno lavorato maestri eccezionali più di cinque secoli fa: Gasparo Bertolotti (soprannominato de Salò) a Brescia e Andrea Amati a Cremona. L'arte di costruire i violini è stata tramandata di generazione in generazione e da duecento anni le famiglie Amati, Guarneri e Stradivari realizzano strumenti che ancora oggi sono considerati tra i migliori.

La forma del violino è stata determinata già nel XVI secolo e da allora è cambiata solo nei dettagli.

Tutto ciò che si dice sulla tecnica degli archi si riferisce specificamente al violino: è il massimostrumento mobile e flessibile tra le corde. Le sue capacità tecniche crebbero insieme all'arte di virtuosi come Vitali, Torelli e Corelli nel XVII secolo,e successivamente - Tartini,Viotti, Spohr, Viettan, Berio, Wienyavsky, Sarasate, Ysaye e, ovviamente, N. Paganini. Ha imparato l'incredibile arte di suonare doppie note, accordi, pizzicati, armonici. Quando durante un concerto le sue corde si ruppero, continuò a suonare quelle rimaste.

Un effetto irresistibile è dato dall'assolo di violino che esegue il tema principale - si può citare come esempio "Scheherazade" di Rimsky-Korsakov.

Per tutte le sue qualità, il violino, insieme al pianoforte, ha da tempo svolto un ruolo di primo piano tra gli strumenti da concerto solista.

Anteprima:

Batteria

timpani (It.timpani, timbales francesi, Pauken tedeschi)

Il timpano è uno degli strumenti più antichi del mondo. Sin dai tempi antichi sono stati diffusi in molti paesi: in Oriente e in Africa, in Grecia, a Roma e tra gli Sciti. Suonando i timpani, le persone accompagnavano eventi importanti nella mia vita: vacanze e guerre.

In Europa esistono da tempo piccoli timpani manuali. I cavalieri medievali li usavano mentre erano a cavallo. I grandi timpani entrarono in Europa solo nel XV secolo, attraverso la Turchia e l'Ungheria. Nel XVII secolo i timpani entrarono nell'orchestra.

I timpani moderni assomigliano esternamente a grandi calderoni di rame su un supporto, ricoperti di pelle. La pelle viene tesa sul calderone con diverse viti. Colpiscono la pelle con due bastoncini dalle morbide punte arrotondate di feltro.

A differenza di altri strumenti a percussione con cuoio, i timpani producono un suono di una certa altezza. Ogni timpano è accordato su un certo tono, quindi, per ottenere due suoni, una coppia di timpani iniziò ad essere utilizzata nell'orchestra dal XVII secolo. I timpani possono essere ricostruiti: per questo l'esecutore deve stringere o allentare la pelle con delle viti: maggiore è la tensione, più alto è il tono. Tuttavia, questa operazione richiede tempo ed è rischiosa durante l'esecuzione. Pertanto, nel 19 ° secolo, i maestri hanno inventato i timpani meccanici, accordati rapidamente utilizzando leve o pedali.

Il ruolo dei timpani nell'orchestra è piuttosto vario. I loro battiti enfatizzano il ritmo di altri strumenti, formando figure ritmiche semplici o intricate. La rapida alternanza di colpi di entrambe le bacchette (tremolo) produce un efficace accumulo o riproduzione del tuono. Haydn ha anche raffigurato rintocchi fragorosi con l'aiuto dei timpani in Le quattro stagioni. Shostakovich nella Nona Sinfonia fa imitare ai timpani il cannoneggiamento. A volte ai timpani vengono assegnati piccoli assoli melodici, come, ad esempio, nel primo movimento dell'undicesima sinfonia di Shostakovich.

Tamburo rullante (tamburo it. (militare), tamburo francese (militare), trommel tedesco, tamburo laterale inglese)

Il rullante è fondamentalmente uno strumento militare. È un cilindro piatto ricoperto di pelle su entrambi i lati. Le corde sono tese sotto la pelle dalla parte inferiore; rispondendo ai colpi delle bacchette, danno al suono del tamburo un caratteristico crepitio. Il ritmo della batteria suona molto interessante: tremolo con due bacchette, che può essere portato alla massima velocità. La forza del suono in un tale tremolo varia da un fruscio a un fragoroso crepitio. L'ouverture de "La gazza ladra" di Rossini inizia con un colpo di due rullanti, un colpo sordo del rullante si sente al momento dell'esecuzione di Till Ulenspiegel in un poema sinfonico di Richard Strauss.

A volte le corde sotto la pelle inferiore del tamburo si abbassano e smettono di rispondere ai battiti delle bacchette. Questo effetto equivale all'introduzione di una sordina: il rullante perde la sua potenza sonora. Così suona nella sezione di danza "Principe e principessa" in "Scheherazade" di Rimsky-Korsakov.

Il rullante apparve per la prima volta nella piccola opera nel XIX secolo, e inizialmente fu introdotto solo in episodi militari. Meyerbeer è stato il primo a togliere il rullante dagli episodi militari delle opere Gli ugonotti e Il profeta.

In alcuni casi, il rullante diventa il "main attore"non solo nei grandi episodi sinfonici, ma nell'intera opera. Un esempio è l '"episodio di invasione" dalla Settima Sinfonia di Shostakovich e dal Bolero di Ravel, dove uno e poi due rullanti tengono l'intero battito ritmico della musica.

Grancassa (It. gran casso, francese grosse caisse, tedesco grobe Trommel, grancassa inglese).

Al giorno d'oggi ci sono due tipi di grancassa. Uno di questi è un cilindro di metallo di grande diametro - fino a 72 cm - rivestito di pelle su entrambi i lati. Questo tipo di grancassa è ampiamente utilizzato nelle bande militari, jazz e sinfoniche americane. Un altro tipo di tamburo è un cerchio con pelle su un lato. È apparso in Francia e si è rapidamente diffuso nelle orchestre sinfoniche d'Europa. Per colpire la pelle della grancassa si usa una bacchetta di legno con un morbido martello ricoperto di feltro o sughero.

Molto spesso, i battiti della grancassa sono accompagnati da piatti o si alternano con essi, come nella danza frenetica "In the Hall of the Mountain King" da "Peer Gynt" di Grieg. Sul tamburo grande è anche possibile una rapida alternanza di battiti: il tremolo. Per fare questo, usa un bastone con due bacchette su entrambe le estremità o bastoncini per timpani. Il tremolo della grancassa è stato utilizzato con grande successo da Rimksy-Korsakov nella strumentazione quadro sinfonico La notte sul monte calvo di Musorgskij.

All'inizio, il grande tamburo è apparso solo in " musica turca", ma dall'inizio del XIX secolo iniziarono spesso a usarlo per scopi di rappresentazione del suono: imitare cannonate, scoppi di tuono. Beethoven includeva tre grandi tamburi nella battaglia di Vittoria - per rappresentare colpi di cannone. Anche Rimsky-Korsakov ha utilizzato questo strumento per lo stesso scopo in "The Tale of Tsar Saltan", Shostakovich nell'undicesima sinfonia, Prokofiev nell'ottava scena dell'opera "Guerra e pace" (l'inizio della battaglia di Borodino).

Xilofono (It.xylofono, xilofono francese)

Lo xilofono, a quanto pare, è nato nel momento in cui l'uomo primitivo ha colpito un blocco di legno secco con un bastone e ha sentito il suono di un certo tono. Molti di questi primitivi xilofoni in legno sono stati trovati in Sud America, Africa e Asia. In Europa, a partire dal XV secolo, questo strumento cadde nelle mani di musicisti itineranti e solo all'inizio del XIX secolo divenne uno strumento da concerto. Deve il suo miglioramento al musicista autodidatta di Mogilev, Mikhail Iosifovich Guzikov.

Il corpo che suona nello xilofono è costituito da blocchi di legno di diverse dimensioni (xylon - in greco "albero", telefono - "suono"). Sono disposti in quattro file su fasci di stuoie. L'esecutore può arrotolarli e disporli su un tavolo speciale durante il gioco; Lo xilofono è suonato con due zampe di capra in legno. Il suono dello xilofono è secco, scattante e tagliente. Ha un colore molto caratteristico, quindi il suo aspetto in un brano musicale è solitamente associato a una situazione di trama speciale oa uno stato d'animo speciale. Rimsky-Korsakov in "The Tale of Tsar Saltan" affida allo xilofono la canzone "In the garden, in the garden" nel momento in cui lo scoiattolo rosicchia le noci dorate. Lyadov disegna il volo di Baba Yaga in un mortaio con i suoni di uno xilofono, cercando di trasmettere il crepitio dei rami che si spezzano. Molto spesso il timbro dello xilofono evoca uno stato d'animo cupo, crea immagini bizzarre e grottesche. Le brevi frasi dello xilofono nell '"episodio dell'invasione" della Settima sinfonia di Shostakovich suonano malinconiche.

Lo xilofono è uno strumento molto virtuoso. Su di esso è possibile una grande fluidità nei passaggi veloci, tremolo e un effetto speciale - glissando: un rapido movimento di una bacchetta lungo le barre.

Piatti (It.piatti, piatti francesi, Becken tedesco, piatti inglesi)

I piatti erano già conosciuti nel mondo antico e nell'antico Oriente, ma i turchi sono famosi per il loro amore speciale e l'eccezionale arte di realizzarli. In Europa, i piatti divennero popolari nel XVIII secolo, dopo la guerra con gli Ottomani.

I piatti sono grandi piatti di metallo realizzati con leghe di rame. I piatti sono leggermente convessi al centro: qui sono attaccate cinghie di cuoio in modo che l'esecutore possa tenere lo strumento tra le mani. I piatti vengono suonati in piedi in modo che nulla interferisca con la loro vibrazione e in modo che il suono si diffonda liberamente nell'aria. Il metodo usuale per suonare questo strumento è un colpo obliquo e scorrevole di un piatto contro un altro - dopodiché si sente uno spruzzo metallico sonoro, che rimane sospeso nell'aria per lungo tempo. Se l'esecutore vuole fermare la vibrazione dei piatti, se li porta al petto e le vibrazioni si attenuano. I compositori spesso accompagnano il colpo dei piatti con il tuono della grancassa; questi strumenti spesso suonano insieme, come, ad esempio, nelle prime battute del finale della 4a sinfonia di Čajkovskij. Oltre all'impatto obliquo, ci sono molti altri modi per suonare i piatti: quando, ad esempio, un piatto sospeso viene colpito con una bacchetta di timpani o con bacchette di legno per rullante.

Un'orchestra sinfonica di solito usa un paio di piatti. In rari casi, come, ad esempio, nella Sinfonia funebre e trionfale di Berlioz, vengono utilizzate tre coppie di piatti.

Triangolo (it. triahgalo, triangolo francese, triangolo tedesco, triangolo inglese)

Il triangolo è uno degli strumenti più piccoli di un'orchestra sinfonica. È un'asta d'acciaio piegata a forma di triangolo. È appeso a una corda venosa e colpito con un bastoncino di metallo: si sente un suono squillante e molto chiaro.

I modi di giocare sul triangolo non sono molto diversi. A volte viene estratto un solo suono, a volte semplici schemi ritmici. Suona bene su un triangolo tremolo.

Il triangolo fu menzionato per la prima volta nel XV secolo. Nel XVIII secolo fu utilizzato in un'opera del compositore Grétry. Quindi il triangolo divenne un membro invariabile del "turco", ad es. musica esotica, che appare insieme a grancassa e piatti. Questo gruppo di percussioni è stato utilizzato da Mozart in "Il ratto dal serraglio", Beethoven nella "Marcia turca" da "Le rovine di Atene" e alcuni altri compositori che hanno cercato di riprodurre l'immagine musicale dell'Oriente. Il triangolo è interessante anche in graziosi pezzi di danza: in Anitra's Dance from Grieg's Peer Gynt, Glinka's Waltz-Fantasy.

Campane (it. campanelli, fr. carillon, germ. Glockenspiel)

Le campane sono probabilmente lo strumento a percussione più poetico. Il suo nome deriva dalla sua antica varietà, dove il corpo che suonava era costituito da piccole campane accordate ad una certa altezza. Successivamente sono stati sostituiti con una serie di lastre metalliche di varie dimensioni. Sono disposti su due file, come i tasti di un pianoforte, e sono fissati in una scatola di legno. Le campane vengono suonate con due mazze di metallo. Esiste un'altra varietà di questo strumento: le campane della tastiera. Hanno una tastiera di pianoforte e martelli che trasmettono le vibrazioni dai tasti alle piastre metalliche. Tuttavia, questa catena di meccanismi non si riflette molto bene nel loro suono: non è così brillante e squillante come sulle normali campane. Tuttavia, cedendo alle campane a martello nella bellezza del suono, le tastiere le superano in termini tecnici. Grazie alla tastiera del pianoforte, su di essi sono possibili passaggi piuttosto veloci e accordi polifonici. Il timbro delle campane è argenteo, gentile e sonoro. Suonano nel Flauto magico di Mozart quando entra Papageno, nell'aria con le campane nella Lakma di Delibes, nella fanciulla di neve di Rimsky-Korsakov, quando Mizgir, inseguendo la fanciulla di neve, vede le luci delle lucciole, nel gallo d'oro quando l'astrologo se ne va .

Campane (it. campane, fr. cloches, germ. Glocken)

Sin dai tempi antichi, il suono delle campane ha chiamato le persone a cerimonie e festività religiose e ha anche annunciato disgrazie. Con lo sviluppo dell'opera, con la comparsa di trame storiche e patriottiche, i compositori iniziarono a introdurre le campane Teatro dell'opera. I suoni delle campane nell'opera russa sono rappresentati in modo particolarmente ricco: il suono solenne in "Ivan Susanin", "The Tale of Tsar Saltan", "The Maid of Pskov" e "Boris Godunov" (nella scena dell'incoronazione), il tocsin inquietante in "Prince Igor", il rintocco funebre in "Boris Godunov. Tutte queste opere suonavano reali campane della chiesa, che sono collocati dietro il palco nei grandi teatri d'opera. Tuttavia, non tutti i teatri d'opera potevano permettersi di avere il proprio campanile, quindi i compositori introdussero solo occasionalmente piccole campane nell'orchestra, come fece Čajkovskij nell'ouverture del 1812. Nel frattempo, con lo sviluppo della musica a programma, divenne sempre più necessario imitare il suono delle campane in un'orchestra sinfonica - così, dopo un po', furono create le campane orchestrali - un insieme di tubi d'acciaio sospesi a un telaio. In Russia, queste campane sono chiamate italiane. Ciascuno dei tubi è sintonizzato su un tono specifico; colpirli con un martello di metallo con una guarnizione di gomma.

Le campane dell'orchestra furono usate da Puccini nell'opera "Tosca", Rachmaninov nel poema sinfonico vocale "Le campane". Prokofiev in "Alexander Nevsky" ha sostituito i tubi con lunghe barre di metallo.

Tamburello

Uno degli strumenti più antichi del mondo, il tamburello, apparve nell'orchestra sinfonica nel XIX secolo. Il dispositivo di questo strumento è molto semplice: di regola si tratta di un cerchio di legno, su un lato del quale è tesa la pelle. Dei ninnoli di metallo sono attaccati alla fessura del cerchio (sul lato) e all'interno sono infilate delle campanelle, su una corda tesa a forma di stella. Tutto questo risuona al minimo scuotimento del tamburello.

La parte del tamburello, così come altri tamburi che non hanno una certa altezza, viene solitamente registrata non sul pentagramma, ma su un righello separato, chiamato "filo".

I metodi per suonare il tamburello sono molto diversi. Prima di tutto, si tratta di colpi acuti sulla pelle e su di essa che battono schemi ritmici complessi. In questi casi, sia la pelle che le campane emettono il suono. Con un forte colpo il tamburello suona bruscamente, con un tocco debole si sente un leggero tintinnio di campanelli. Ci sono molti modi in cui l'esecutore fa suonare solo le campane. Questo è un rapido scuotimento del tamburello: dà un tremolo penetrante; è un leggero scuotimento; e infine si sente uno spettacolare trillo quando l'esecutore passa il pollice bagnato sulla pelle: questa tecnica provoca un vivace suono di campanelli.

Il tamburello è uno strumento caratteristico, quindi è ben lungi dall'essere utilizzato in ogni opera. Di solito appare dove l'Oriente o la Spagna dovrebbero prendere vita nella musica: in Scheherazade e nel Capriccio spagnolo di Rimsky-Korsakov, nella danza dei ragazzi arabi nel balletto Raymond di Glazunov, nelle danze capricciose della Polovtsy nel Principe Igor di Borodin, nella Carmen di Bizet.

Nacchere (castanetas spagnole)

Il nome "nacchere" in spagnolo significa "piccole castagne". La Spagna, molto probabilmente, era la loro patria; lì le nacchere divennero un vero e proprio strumento nazionale. Le nacchere sono realizzate in legno duro: ebano o bosso, le nacchere hanno una forma simile alle conchiglie.

In Spagna si usavano due paia di nacchere per accompagnare la danza e il canto; ogni paio era fissato con una corda che veniva tirata insieme attorno al pollice. Le restanti dita, rimanendo libere, battevano intricati ritmi sui gusci di legno. Ogni mano richiedeva la propria misura di nacchere: nella mano sinistra, l'esecutore teneva conchiglie di grande volume, emettevano un tono più basso e dovevano battere il ritmo principale. Le nacchere per la mano destra erano più piccole; il loro tono era più alto. Ballerini e ballerini spagnoli hanno padroneggiato alla perfezione quest'arte complessa, che è stata loro insegnata fin dall'infanzia. Il ticchettio secco e fervente delle nacchere ha sempre accompagnato i capricciosi balli spagnoli: bolero, seguidillo, fandango.

Quando i compositori volevano introdurre le nacchere musica sinfonica, è stata progettata una versione semplificata di questo strumento: nacchere orchestrali. Si tratta di due coppie di conchiglie montate alle estremità di un manico di legno. Quando vengono scossi, si sente un clic: una debole copia delle vere nacchere spagnole.

Nell'orchestra, le nacchere iniziarono ad essere utilizzate principalmente nella musica di natura spagnola: nelle ouverture spagnole di Glinka "La caccia d'Aragona" e "Notte a Madrid", nel "Capriccio spagnolo" di Rimsky-Korsakov, nelle danze spagnole dai balletti di Ciajkovskij, e nella musica occidentale - in " Carmen" di Bizet, nelle opere sinfoniche "Iberia" di Debussy, "Alborada del Gracioso" di Ravel. Alcuni compositori hanno portato le nacchere oltre l'ambito della musica spagnola: Saint-Saens le ha usate nell'opera "Sansone e Dalida", Prokofiev - nel terzo concerto per pianoforte.

Tam-tam (tam-tam francese e italiano, Tam-Tam tedesco)

Il tam-tam è uno strumento a percussione di origine cinese, a forma di disco dai bordi ispessiti. È realizzato con una lega speciale vicina al bronzo. Durante il gioco, il tam-tam viene sospeso a un telaio di legno e battuto con un mazzuolo con punta in feltro. Il suono del tam-tama è basso e corposo; dopo l'impatto, si diffonde a lungo, poi entrando, poi recedendo. Questa caratteristica dello strumento e la natura stessa del suo timbro gli conferiscono una minacciosa espressività. Dicono che a volte un singolo colpo di tam-tam durante l'intero lavoro è sufficiente per fare l'impressione più forte sugli ascoltatori. Un esempio di ciò è il finale della sesta sinfonia di Tchaikovsky.

In Europa, lì è apparso durante la Rivoluzione francese. Dopo qualche tempo questo strumento è stato portato nell'orchestra dell'opera e da allora, di regola, è stato utilizzato in situazioni tragiche, "fatali". Un colpo tam-tam segna la morte, la catastrofe, la presenza di poteri magici, una maledizione, un presagio e altri "eventi fuori dal comune". In "Ruslan e Lyudmila" il tam-tam suona al momento del rapimento di Lyudmila da parte di Chernomor, in "Robert the Devil" di Meyerberg - nella scena della "resurrezione delle suore", in "Scheherazade" di Rimsky-Korsakov - nel momento in cui la nave di Sinbad si schianta contro gli scogli. I ritmi tam-tam si sentono anche nel tragico climax del primo movimento della Settima Sinfonia di Shostakovich.

Clave.

Le claves sono uno strumento a percussione di origine cubana: si tratta di due bastoncini rotondi, lunghi ciascuno 15-25 cm, ricavati da un legno molto duro. L'esecutore ne tiene uno in modo speciale nella mano sinistra - in modo che il palmo chiuso sia un risonatore - e lo colpisce con un altro bastone.

Il suono delle clavette è acuto, alto, schioccante come uno xilofono, ma senza una certa altezza. L'intonazione del suono dipende dalla dimensione delle bacchette; a volte in un'orchestra sinfonica vengono utilizzate due o anche tre paia di tali bastoncini, di dimensioni diverse.

Frutto.

Frusta è costituito da due tavole di legno, una delle quali ha una maniglia, e la seconda è fissata con l'estremità inferiore sopra la maniglia su una cerniera - con un'oscillazione acuta o con l'aiuto di una molla tesa, produce un cotone sull'altra con la sua estremità libera. Di norma, solo battimani separati, non troppo spesso successivi forte, fortissimo vengono estratti su fruste.

Frusta è uno strumento a percussione che non ha una certa altezza, quindi la sua parte, come la parte di un tamburello, è registrata non su un pentagramma, ma su un "filo".

Frusta contenta si trova spesso nelle partiture moderne. Con due applausi su questo strumento, inizia la terza parte di "Lorelei" dalla Quattordicesima Sinfonia di Shostakovich.

Blocco di legno.

Il blocco di legno è uno strumento a percussione di origine cinese. Prima della sua apparizione nel gruppo di percussioni dell'orchestra sinfonica, il blocco di legno era molto popolare nel jazz.

Un blocco di legno è un piccolo blocco di legno duro rettangolare con un taglio profondo e stretto nella parte anteriore. La tecnica per suonare il blocco di legno è la percussione: il suono viene estratto colpendo il piano superiore dello strumento con bacchette di un rullante, mazze di legno, bacchette con teste di gomma. Il suono che ne risulta è acuto, acuto, tipicamente rumoroso, indefinito nel tono.

In quanto strumento a percussione, di altezza indefinita, il blocco di legno è annotato su un "filo" o su una combinazione di righelli.

Tempiale, tartaruga.

Il blocco del tempio è uno strumento di origine coreana o della Cina settentrionale, un attributo di un culto buddista. Lo strumento ha una forma rotonda, cavo all'interno, con un profondo taglio al centro (come una bocca che ride), ed è fatto di legno duro.

Come la maggior parte degli altri strumenti a percussione "esotici", la diffusione iniziale del blocco del tempio avvenne nel jazz, da dove penetrò nella composizione dell'orchestra sinfonica.

Il suono del blocco del tempio è più cupo e profondo di quello del blocco di legno che gli è vicino, ha un tono abbastanza certo, quindi usando un set di blocchi del tempio, puoi ottenere frasi melodiche su di essi - ad esempio, S Slonimsky ha usato questi strumenti in "Concert Buff".

Suonano sui blocchi delle tempie, colpendo il coperchio superiore con bacchette dalla testa di gomma, mazze di legno e bacchette per rullante.

A volte in un'orchestra sinfonica vengono usati set di gusci di tartaruga, simili in linea di principio a suonare sui blocchi del tempio, ma suonano più secchi e più deboli. Un tale set di gusci di tartaruga chiamato Tartaruga è stato usato da S. Slonimsky in "Concert-buff".

Guiro, reco-reco, sapo.

Questi strumenti sono di origine latinoamericana, sono simili sia nel principio costruttivo che nel modo di suonare.

Sono fatti da un segmento di bambù (reco-reco), da una zucca essiccata (guiro), o da un altro oggetto cavo che è un risonatore. Su un lato dello strumento viene realizzata una serie di tacche o tacche. In alcuni casi viene montata una piastra con una superficie ondulata. Queste tacche vengono eseguite con uno speciale bastoncino di legno, a seguito del quale viene estratto un suono acuto, acuto, con un caratteristico scoppiettio. La varietà più comune di questi strumenti correlati è il guiro. I. Stravinsky è stato il primo a introdurre questo strumento nell'orchestra sinfonica - in "The Rite of Spring". Reko-reko si trova in "Concert-buff" di Slonimsky, e il sapo - uno strumento simile a reko-reko - è usato nella partitura di "Three Poems by Henri Michaud" di V. Lutoslavsky.

Cricchetto.

Negli strumenti musicali di vari popoli ci sono molti sonagli di un'ampia varietà di forme e dispositivi. In un'orchestra sinfonica, un cricchetto è una scatola che l'esecutore fa ruotare su una maniglia attorno a una ruota dentata. Allo stesso tempo, un piatto di legno elastico, saltando da un dente all'altro, emette una caratteristica crepa.

Maracas, chocalo (tubo), cameso.

Tutti questi strumenti sono di origine latinoamericana. Una maracas è un sonaglio di legno rotondo o a forma di uovo su un manico e imbottito con pallini, grani, ciottoli o altri materiali sciolti. Questi strumenti popolari sono realizzati, di regola, da una noce di cocco o da una zucca secca cava su un manico naturale. Le maracas sono molto popolari nelle orchestre di musica da ballo, nel jazz. Come parte di un'orchestra sinfonica, S. Prokofiev è stato il primo a utilizzare questo strumento ("Dance of the Antillean Girls" dal balletto "Romeo and Juliet", cantata "Alexander Nevsky"). Ora vengono solitamente utilizzati un paio di strumenti: l'esecutore li tiene con entrambe le mani e, tremando, estrae un suono. Come altri strumenti a percussione senza un tono specifico, le maracas sono annotate sul "filo". Secondo il principio della produzione del suono, le maracas sono vicine a chocalo e cameso. Questi sono cammei-cilindri di metallo - a scacchi o di legno, riempiti, come maracas, con una sorta di sostanza sciolta. Alcuni modelli hanno un assegno parete laterale ricoperto da una membrana di cuoio. Sia il chekalo che il cameso sono più rumorosi e acuti delle maracas. Sono anche tenuti con entrambe le mani, scossi verticalmente o orizzontalmente o ruotati.

Taverna.

Inizialmente, questo strumento di origine afro-brasiliana era popolare nelle orchestre di musica latinoamericana, da dove ha ricevuto la sua ulteriore distribuzione. Esternamente, la taverna ricorda una maracas doppia, coperta da una rete con grosse perle infilate sopra. L'esecutore tiene lo strumento in una mano e lo batte semplicemente con le dita dell'altra mano, oppure fa scorrere la griglia con perline con un movimento tangenziale del palmo. In quest'ultimo caso si verifica un suono frusciante e più lungo, che ricorda il suono delle maracas. Uno dei primi kabatsu è stato usato da Slonimsky in "Concert-buff".

Bong.

Questo strumento è di origine cubana. Dopo la modernizzazione, i bonghi iniziarono ad essere ampiamente utilizzati nelle orchestre di musica da ballo, nel jazz e persino nelle opere di musica seria. I bong hanno il seguente accorgimento: su un corpo cilindrico di legno (alto da 17 a 22 cm) viene tesa la pelle e fissata con un cerchio metallico (la sua tensione viene regolata dall'interno con delle viti). Il bordo metallico non si alza sopra il livello della pelle: questo è ciò che determina un gioco così caratteristico sui bong con i palmi - con le mani o dita - con le dita. Due bong con diametri diversi sono solitamente collegati tra loro da un supporto comune. Un bong più piccolo suona circa un terzo più alto di uno più largo. Il suono del bong è alto, precisamente "vuoto" e varia a seconda del luogo e del metodo di percussione. A causa di ciò, su ogni strumento puoi ottenere due suoni di diverse altezze: un colpo con un allungato indice vicino al bordo o largo al centro - e più in basso (da qualche parte entro una seconda o terza maggiore) - da un colpo con l'intero palmo o la punta del dito più vicino al centro.

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Piano (It.piano-forte, French piano; German Fortepiano, Hammerklavier; English piano)

La fonte del suono nel pianoforte sono le corde di metallo, che iniziano a suonare dall'impatto dei martelli di legno ricoperti di feltro, e i martelli sono guidati dalla pressione delle dita sui tasti.

Primo strumenti a tastiera, già noti all'inizio del XV secolo, erano il clavicembalo e il clavicordo (in italiano - clavicembalo). Sul clavicordo le corde venivano fatte vibrare da leve metalliche - tangenti, sul clavicembalo - da piume di corvo, e successivamente - da ganci metallici. Il suono di questi strumenti era dinamicamente monotono e svaniva rapidamente.

Il primo pianoforte a percussione, così chiamato perché suonava sia il forte che il pianoforte, fu molto probabilmente costruito da Bartolomeo Cristofori nel 1709. Questo nuovo strumento ottenne rapidamente riconoscimenti e, dopo molti miglioramenti, divenne il moderno pianoforte a coda da concerto. Nel 1826 fu costruito un pianoforte per la musica domestica.

Il pianoforte è ampiamente conosciuto come strumento da concerto solista. Ma a volte funge anche da normale strumento dell'orchestra. I compositori russi, a cominciare da Glinka, iniziarono a introdurre il pianoforte nell'orchestra, a volte insieme all'arpa, per ricreare la sonorità dell'arpa. È così che viene usato nelle canzoni di Bayan in "Ruslan and Lyudmila" di Glinka, in "Sadko" e in "May Night" di Rimsky-Korsakov. A volte il pianoforte suona il suono di una campana, come nel Boris Godunov di Mussorgsky, orchestrato da Rimsky-Korsakov. Ma non sempre imita solo altri timbri. Alcuni compositori lo usano nell'orchestra come strumento di decorazione che può introdurre sonorità e nuovi colori nell'orchestra. Così, Debussy ha scritto nella suite sinfonica "Primavera" la parte del pianoforte a quattro mani. Infine, a volte è considerato come una sorta di strumento a percussione dal timbro forte e secco. Lo scherzo acuto e grottesco nella Sinfonia 1 di Shostakovich ne è un esempio.

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Clavicembalo

Strumento musicale a corde della tastiera. Un clavicembalista è un musicista che esegue opere musicali sia sul clavicembalo che sulle sue varietà. La prima menzione di uno strumento tipo clavicembalo appare in una fonte padovana del 1397, la prima immagine famosa - sull'altare a Minden (1425). Come strumento solista, il clavicembalo rimase in uso fino alla fine del XVIII secolo. Poco più a lungo è stato utilizzato per eseguire il basso digitale, per accompagnare i recitativi nelle opere. OK. 1810 cadde praticamente in disuso. La rinascita della cultura del suonare il clavicembalo iniziò a cavallo tra il XIX e il XX secolo. I clavicembali del XV secolo non sono sopravvissuti. A giudicare dalle immagini, si trattava di strumenti corti con un corpo pesante. La maggior parte dei clavicembali del XVI secolo sopravvissuti furono realizzati in Italia, dove Venezia era il centro principale della loro produzione. Una copia del clavicembalo fiammingo Avevano un registro di 8' (raramente due registri di 8' e 4'), si distinguevano per grazia. Il loro corpo era spesso fatto di cipresso. L'attacco su questi clavicembali era più distinto e il suono più brusco di quello dei successivi strumenti flamadici. Anversa era il centro di produzione di clavicembali più importante del nord Europa, dove operavano rappresentanti della famiglia Ruckers dal 1579. I loro clavicembali hanno corde più lunghe e corpi più pesanti degli strumenti italiani. Dal 1590 ad Anversa vengono prodotti clavicembali con due manuali. I clavicembali francesi, inglesi e tedeschi del XVII secolo combinano le caratteristiche dei modelli fiamminghi e olandesi. Clavicembalo francese Sono sopravvissuti alcuni clavicembali francesi a due manuali con corpo in noce. Dal 1690 in Francia sono stati prodotti clavicembali dello stesso tipo degli strumenti di Rookers. Tra i maestri di clavicembalo francesi si distinse la dinastia dei Blanchet. Nel 1766 Taskin ereditò la bottega di Blanche. I produttori di clavicembali inglesi più significativi nel XVIII secolo furono Schudy e la famiglia Kirkman. I loro strumenti avevano un corpo di quercia rivestito in compensato e si distinguevano per un suono forte di timbro ricco. Nella Germania del XVIII secolo, il centro principale per la produzione di clavicembali era Amburgo; tra gli strumenti realizzati in questa città con registri 2' e 16', oltre che con 3 manuali. Il modello insolitamente lungo del clavicembalo è stato progettato da J. D. Dülcken, uno dei principali maestri olandesi del XVIII secolo. Nella seconda metà del XVIII sec. il clavicembalo cominciò a essere soppiantato dal pianoforte. OK. 1809 Kirkman produce il suo ultimo clavicembalo. L'iniziatore del revival dello strumento fu A. Dolmech. Costruì il suo primo clavicembalo nel 1896 a Londra e presto aprì laboratori a Boston, Parigi, Heislemere. Clavicembalo moderno La produzione di clavicembali fu avviata anche dalle ditte parigine Pleyel ed Erard. Pleyel iniziò a produrre un modello di clavicembalo con una struttura in metallo che trasportava corde spesse e tese; Wanda Landowska ha formato un'intera generazione di clavicembalisti su questo tipo di strumento. Gli artigiani di Boston Frank Hubbard e William Dyde furono i primi a copiare clavicembali antichi..

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Organo (it. organo, orgue francese, orgel tedesco, organo inglese)

Lo strumento a fiato a tastiera - organo - era conosciuto nei tempi antichi. Negli organi antichi, l'aria veniva pompata a mano con soffietti. IN Europa medievale l'organo divenne uno strumento di culto della chiesa. Fu nell'ambiente spirituale del XVII secolo che nacque l'arte polifonica organistica, i cui migliori rappresentanti furono Frescobaldi, Bach e Handel.

L'organo è uno strumento gigantesco con molti timbri diversi.

"Questa è un'intera orchestra, che in mani abili può trasmettere tutto, esprimere tutto", ha scritto Balzac di lui. In effetti, la gamma dell'organo supera quella di tutti gli strumenti dell'orchestra messi insieme. L'organo comprende soffietti per l'alimentazione dell'aria, un sistema di canne di vari modelli e dimensioni (negli organi moderni il numero di canne raggiunge i 30.000), diverse tastiere manuali - manuali e un pedale. I tubi più grandi raggiungono un'altezza di 10 metri o più, l'altezza del più piccolo - 8 millimetri. Questa o quella colorazione di un suono dipende dal loro dispositivo.

Un insieme di canne di un solo timbro è chiamato registro. I grandi organi della cattedrale hanno più di cento registri: nell'organo della cattedrale Notre Dame di Parigi il loro numero raggiunge i 110. La colorazione dei suoni dei singoli registri ricorda il timbro di flauto, oboe, corno inglese, clarinetto, clarinetto basso, tromba, violoncello. Più ricchi e vari sono i registri, maggiori sono le opportunità per l'esecutore, perché l'arte di suonare l'organo è l'arte della buona registrazione, cioè uso sapiente di tutto risorse tecniche attrezzo.

Nel più recente musica orchestrale(soprattutto teatrale) l'organo veniva utilizzato principalmente per scopi sonoro-visivi - dove era necessario riprodurre l'atmosfera della chiesa. Liszt, ad esempio, nel suo poema sinfonico "La battaglia degli Unni", con l'ausilio di un organo, opponeva il mondo cristiano ai barbari.

Anteprima:

Arpa - strumento musicale a corde pizzicate. Ha la forma di un triangolo, che consiste: in primo luogo, in una scatola-scatola risonante lunga circa 1 metro, che si espande verso il basso; la sua forma antica era quadrangolare, mentre quella attuale è arrotondata da un lato; è dotato di un ponte piatto, solitamente in legno d'acero, al centro del quale è fissata una stretta e sottile rotaia di legno duro lungo la lunghezza del corpo, in cui sono praticati dei fori per l'infilatura delle corde di budello; in secondo luogo, dalla parte superiore (a forma di grande collo), ricurvo a forma di serpente, attaccato alla sommità del corpo, formando con esso un angolo acuto; a questa parte sono attaccati dei piroli per rinforzare le corde e accordarle; in terzo luogo, dalla trave anteriore, che ha la forma di una colonna, il cui scopo è quello di resistere alla forza prodotta dalle corde tese tra la tastiera e il corpo risonante. Poiché l'arpa già in passato aveva un volume sonoro significativo (cinque ottave), e lo spazio per le corde della scala cromatica completa non è sufficiente, le corde nell'arpa vengono tese solo per produrre i suoni della scala diatonica. Un'arpa senza pedale può suonare solo una scala. Per le alzate cromatiche ai vecchi tempi, le corde dovevano essere accorciate premendo le dita contro la tastiera; in seguito, questa pressatura cominciò ad essere eseguita con l'ausilio di uncini azionati a mano. Tali arpe si sono rivelate estremamente scomode per gli artisti; queste carenze furono in gran parte eliminate dal meccanismo nei pedali, inventato da Jacob Hochbrucker nel 1720. Questo maestro attaccò all'arpa sette pedali, agendo sui conduttori, che passavano attraverso lo spazio vuoto della trave fino alla tastiera e lì portavano i ganci in posizione tale che esse, saldamente accostate alle corde, producessero esaltazioni cromatiche su tutto il volume dello strumento.

Si sentono lontani rombi di tuono. Qui tuona sempre più forte, lampi lampeggiano, inizia un acquazzone, il suono della pioggia si intensifica. Ma l'uragano si attenua gradualmente, il sole è uscito e le gocce di pioggia hanno brillato sotto i suoi raggi.
Suona la sesta sinfonia di Beethoven.
Ascoltare! Il tuono è rappresentato dai timpani. Il suono della pioggia è trasmesso da contrabbassi e violoncelli. Violini e flauti suonano in modo tale che sembra che il vento ululi furiosamente.
L'orchestra esegue la sinfonia.

Orchestra Sinfonica. Si chiama miracolo del suono: può trasmettere una varietà di sfumature di suoni.
In un'orchestra sinfonica, di regola, ci sono più di cento strumenti. I musicisti si siedono in un ordine rigorosamente definito. Ciò rende più facile per il direttore controllare l'orchestra.
In primo piano sono gli strumenti a corda. Loro, per così dire, tessono la base del tessuto musicale, su cui altri strumenti applicano sfumature di colore con il loro suono: flauti, oboi, clarinetti, fagotti, trombe, corni, tromboni e percussioni - tamburi, timpani, piatti.
Puoi vedere i principali strumenti dell'orchestra sinfonica nelle immagini. A volte il compositore introduce strumenti che normalmente non fanno parte di un'orchestra sinfonica. Può essere un organo, un pianoforte, campane, tamburelli, nacchere.
Devi aver sentito "Saber Dance" dal balletto "Gayane" di Aram Khachaturian. Una delle melodie principali di questa danza è eseguita dal sassofono. Per la prima volta il sassofono è entrato nell'orchestra sinfonica solo nel XIX secolo, e da allora è stato spesso ascoltato nelle opere sinfoniche.

Gli strumenti musicali sono apparsi molti secoli fa. Le percussioni più antiche - tamburi, tom-tom, timpani - erano già tra i primitivi. Naturalmente, gli strumenti cambiano nel tempo. Quindi i timpani moderni sono molto diversi dai loro antenati. Se prima era un calderone di ferro ricoperto dalla pelle di un animale, ora i timpani sono di rame, serrati con plastica, e vengono realizzate viti che ne consentono la messa a punto.
In un'orchestra sinfonica, le percussioni sono la base ritmo musicale. Sono anche usati per rappresentare tuoni, pioggia, salve di cannone, la marcia solenne delle truppe in una parata, ecc. Danno forza e potenza al suono dell'orchestra.
Alcune persone pensano che suonare strumenti a percussione non sia affatto difficile. Colpisci, diciamo, i piatti dove necessario - e basta. In effetti, suonare uno strumento così apparentemente semplice richiede una grande abilità. I piatti suonano in modo diverso. Dipende da quanto li colpisci. Il loro suono può essere sia penetrante che simile al fruscio delle foglie. In alcune opere, i piatti eseguono parti soliste. Ad esempio, nell'ouverture-fantasy di Ciajkovskij "Romeo e Giulietta" conducono una melodia che trasmette l'inimicizia di due famiglie: i Montecchi e i Capuleti.

I piatti sono spesso confusi con i timpani. Ma i timpani si suonano in modo completamente diverso, colpendoli con bacchette rivestite di feltro.
Forse hai più familiarità con gli strumenti a fiato. Molti di loro probabilmente li hai visti e sentiti come suonano.
Dalle fiabe e dalle leggende, a volte apprendiamo la storia dell'origine degli strumenti. Sì, in uno antico mito greco si narra che il dio delle foreste e dei campi, patrono dei pastori, Pan si innamorò della ninfa Syrinx. Pan era molto spaventoso: con zoccoli e corna, ricoperto di lana. La bella ninfa, in fuga da lui, si rivolse al dio del fiume per chiedere aiuto. E ha trasformato Syrinx in una canna. Da esso Pan fece un flauto dal suono dolce.
La pipa ad ancia del pastore è il primissimo strumento a fiato. I pronipoti di questa pipa sono flauti, fagotti, clarinetti e oboi. Questi strumenti differiscono l'uno dall'altro nell'aspetto e suonano in modo diverso.
Di solito nell'orchestra dietro di loro sullo sfondo ci sono ottoni.
Molto tempo fa, le persone hanno notato che se soffi nei gusci o nelle corna degli animali, possono emettere suoni musicali. Quindi hanno iniziato a realizzare strumenti di metallo, simili a corna e conchiglie. Ci sono voluti molti anni prima che diventassero quello che vedete nella foto.
Ci sono anche molti ottoni nell'orchestra. Queste sono tube, corni e tromboni. Il più grande di loro è la tuba. Questo strumento per cantare il basso è un vero gigante.
Guarda ora la pipa. È molto simile al corno. C'era una volta la tromba che chiamava i guerrieri in battaglia, apriva le vacanze. E nell'orchestra, le furono affidate per la prima volta semplici parti di segnale. Ma poi i bocchini sono migliorati e la tromba ha cominciato ad essere usata sempre più spesso come strumento solista. Nel balletto di P. I. Ciajkovskij "Il lago dei cigni" c'è un "ballo napoletano". Nota quanto è brillante l'assolo di tromba.

E se tutti gli ottoni suonano insieme, ottieni una melodia potente e maestosa.
Ma soprattutto nell'orchestra di strumenti ad arco. Ci sono solo diverse dozzine di violini, e ci sono anche secondi violini, violoncelli e contrabbassi.
Gli strumenti a corda sono i più importanti. Dirigono l'orchestra, eseguendo la melodia principale.
Il violino è chiamato la regina dell'orchestra. Molti concerti speciali sono stati scritti per violino. Hai sentito parlare, ovviamente, del grande violinista Paganini. Nelle mani di questo mago-musicista, il violino piccolo e aggraziato suonava come un'intera orchestra.
Il violino è nato in Italia, nella città di Cremona. I violini dei migliori maestri italiani Amati, Guarneli, Stradivari e russi I. Batov, A. Leman sono considerati insuperabili fino ad oggi.
Ora conosci un po' gli strumenti musicali di un'orchestra sinfonica. Quando ascolti la musica, cerca di distinguere gli strumenti "a voce".
Naturalmente, questo può essere difficile da fare subito. Ma ricorda come hai imparato a leggere, come hai iniziato con libri piccoli e semplici, e poi sei cresciuto, hai imparato sempre di più e hai iniziato a leggere libri seri e intelligenti.
Anche la musica deve essere compresa. Se tu stesso non suoni, prova ad ascoltarlo più spesso e la musica ti svelerà i suoi segreti, il suo mondo magico e favoloso.

Orchestra Sinfonica

Orchestra(dall'orchestra greca) - una grande squadra di musicisti strumentali. A differenza degli ensemble da camera, nell'orchestra alcuni dei suoi musicisti formano gruppi che suonano all'unisono, cioè suonano le stesse parti.
L'idea stessa di fare musica simultanea da parte di un gruppo di esecutori strumentali risale a tempi antichi: indietro nel tempo Antico Egitto piccole bande di musicisti suonavano insieme in varie celebrazioni e funerali.
La parola "orchestra" ("orchestra") deriva dal nome dell'area rotonda davanti al palco in antico teatro greco, dove si trovava l'antico coro greco, partecipante a qualsiasi tragedia o commedia. Durante il Rinascimento e oltre XVII secolo l'orchestra è stata trasformata in buca dell'orchestra e, di conseguenza, ha dato il nome al collettivo di musicisti che vi si trova.
Esistono molti tipi diversi di orchestra: orchestre militari di ottoni e legni, orchestre di strumenti popolari, orchestre d'archi. La più grande nella composizione e la più ricca in termini di capacità è l'orchestra sinfonica.

Sinfonicochiamata orchestra, composta da diversi gruppi eterogenei di strumenti: una famiglia di archi, fiati e percussioni. Il principio di tale associazione si è sviluppato in Europa nel XVIII secolo. Inizialmente l'orchestra sinfonica comprendeva gruppi di strumenti ad arco, legni e ottoni, ai quali si aggiungevano alcuni strumenti musicali a percussione. Successivamente, la composizione di ciascuno di questi gruppi si è ampliata e diversificata. Attualmente, tra una serie di varietà di orchestre sinfoniche, è consuetudine distinguere tra una piccola e una grande orchestra sinfonica. La Small Symphony Orchestra è un'orchestra di composizione prevalentemente classica (che suona musica della fine del XVIII - inizio del XIX secolo o pastiche moderna). Si compone di 2 flauti (raramente un piccolo flauto), 2 oboi, 2 clarinetti, 2 fagotti, 2 (raramente 4) corni, talvolta 2 trombe e timpani, un gruppo d'archi di non più di 20 strumenti (5 primi e 4 secondi violini , 4 viole, 3 violoncelli, 2 contrabbassi). La grande orchestra sinfonica (BSO) include tromboni obbligatori nel gruppo di rame e può avere qualsiasi composizione. Spesso gli strumenti lignei (flauti, oboi, clarinetti e fagotti) arrivano fino a 5 strumenti per famiglia (a volte più clarinetti) e comprendono varietà (plettro e flauti contralti, oboe cupido e oboe inglese, clarinetti piccoli, contralto e basso, controfagotto). Il gruppo di rame può includere fino a 8 corni (comprese le speciali tube Wagner), 5 trombe (incluse piccole, contralto, basso), 3-5 tromboni (tenore e tenore basso) e una tuba. I sassofoni sono spesso usati orchestra jazz tutti e 4 i tipi). Il gruppo di archi raggiunge i 60 o più strumenti. Gli strumenti a percussione sono numerosi (sebbene timpani, campane, tamburi piccoli e grandi, triangolo, cimbali e tam-tom indiano ne costituiscano la spina dorsale), sono spesso utilizzati arpa, pianoforte, clavicembalo.
Per illustrare il suono dell'orchestra, utilizzerò la registrazione del concerto finale dell'Orchestra Sinfonica di YouTube. Il concerto ha avuto luogo nel 2011 nella città australiana di Sydney. È stato visto in diretta televisiva da milioni di persone in tutto il mondo. L'Orchestra sinfonica di YouTube è dedicata a promuovere l'amore per la musica e a mostrare la vasta diversità creativa dell'umanità.

Il programma del concerto comprendeva opere note e poco note di compositori noti e poco noti.
Qui il suo programma:

Hector Berlioz - Carnevale Romano - Ouverture op. 9 (con Android Jones - artista digitale)
Incontra Maria Chiossi
Percy Grainger - Arrivo su una piattaforma Humlet da in a Nutshell - Suite
Johann Sebastian Bach
Incontra Paulo Calligopoulos - Chitarra elettrica e violino
Alberto Ginastera - Danza del trigo e Danza finale (Malambo) dal balletto Estancia (diretto da Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bell "idol mio" - Canone a tre voci, K562 (con il Sydney Children's Choir e il soprano Renee Fleming via video)
Incontra Xiomara Mass - Oboe
Benjamin Britten - La guida del giovane all'orchestra, Op. 34
William Barton - Kalkadunga (con William Barton - Didgeridoo)
Timothy Conestabile
Incontra Roman Riedel - Trombone
Richard Strauss - Fanfara per la Filarmonica di Vienna (con Sarah Willis, Horn, Berlin Philharmoniker e diretta da Edwin Outwater)
*PREMIERE* Mason Bates - Mothership (composta appositamente per l'Orchestra Sinfonica di YouTube 2011)
Incontra Su Chang
Felix Mendelssohn - Concerto per violino in mi minore op. 64 (Finale) (con Stefan Jackiw e diretto da Ilyich Rivas)
Incontra Ozgur Baskin - Violino
Colin Jacobsen e Siamak Aghaei - Ascending Bird - Suite per orchestra d'archi (con Colin Jacobsen, violino, e Richard Tognetti, violino, e Kseniya Simonova - artista della sabbia)
Incontra Stepan Grytsay - Violino
Igor Stravinskij - L'uccello di fuoco (Danza infernale - Berceuse - Finale)
*BIS* Franz Schubert - Rosamunde (con Eugene Izotov - oboe, e Andrew Mariner - clarinetto)

L'orchestra sinfonica si è formata nel corso dei secoli. Il suo sviluppo per molto tempo ha avuto luogo nelle profondità dell'opera e degli ensemble della chiesa. Tali squadre in XV-XVII secoli erano piccoli e vari. Includevano liuti, viole, flauti con oboi, tromboni, arpe e tamburi. A poco a poco, gli strumenti ad arco ad arco conquistarono la posizione dominante. Le viole sono state sostituite dai violini con il loro suono più ricco e melodioso. Torna in cima XVIII v. regnavano già sovrani nell'orchestra. Un gruppo separato e strumenti a fiato (flauti, oboi, fagotti) si sono uniti. Dall'orchestra della chiesa sono passati alle trombe sinfoniche e ai timpani. Il clavicembalo era un membro indispensabile degli ensemble strumentali.
Una tale composizione era tipica di J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi.
Dal mezzo XVIII v. iniziano a svilupparsi i generi della sinfonia e del concerto strumentale. L'allontanamento dallo stile polifonico ha portato i compositori a lottare per la diversità timbrica, l'individuazione in rilievo delle voci orchestrali.
Le funzioni dei nuovi strumenti stanno cambiando. Il clavicembalo, con il suo suono debole, sta gradualmente perdendo il suo ruolo di primo piano. Ben presto i compositori lo abbandonarono completamente, affidandosi principalmente al gruppo di archi e fiati. Alla fine XVIII v. si formò la cosiddetta composizione classica dell'orchestra: circa 30 archi, 2 flauti, 2 oboi, 2 fagotti, 2 flauti, 2-3 corni e timpani. Il clarinetto si unì presto agli ottoni. J. Haydn, W. Mozart ha scritto per una tale composizione. Tale è l'orchestra nelle prime composizioni di L. Beethoven. IN XIX v.
Lo sviluppo dell'orchestra è andato principalmente in due direzioni. Da un lato, aumentando di composizione, si arricchì di strumenti di vario tipo (questo è un grande merito compositori romantici, principalmente Berlioz, Liszt, Wagner), d'altra parte, si svilupparono le capacità interne dell'orchestra: i colori del suono divennero più puri, la consistenza - più chiara, le risorse espressive - più economiche (questa è l'orchestra di Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov) . Arricchito in modo significativo la tavolozza orchestrale e molti compositori del compianto XIX - 1a metà del XX v. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich e altri).

Un'orchestra sinfonica moderna è composta da 4 gruppi principali. La base dell'orchestra è un gruppo d'archi (violini, viole, violoncelli, contrabbassi). Nella maggior parte dei casi, gli archi sono i principali portatori dell'inizio melodico nell'orchestra. Il numero di musicisti che suonano gli archi è circa i 2/3 dell'intera band. Il gruppo dei legni comprende flauti, oboi, clarinetti, fagotti. Ognuno di loro di solito ha una festa indipendente. Cedendo a quelli ad arco per saturazione timbrica, proprietà dinamiche e una varietà di tecniche di esecuzione, gli strumenti a fiato hanno grande potenza, suono compatto, tonalità luminose e colorate. Il terzo gruppo di strumenti dell'orchestra è l'ottone (corno, tromba, trombone, tromba). Portano nuovi colori vivaci all'orchestra, arricchendo le sue capacità dinamiche, conferendo potenza e brillantezza al suono, e fungono anche da basso e supporto ritmico.
Tutto maggior valore acquisire strumenti a percussione in un'orchestra sinfonica. La loro funzione principale è ritmica. Inoltre, creano uno speciale sottofondo sonoro e acustico, completano e decorano la tavolozza orchestrale con effetti cromatici. Secondo la natura del suono, i tamburi si dividono in 2 tipi: alcuni hanno una certa altezza (timpani, campane, xilofono, campane, ecc.), altri mancano di un'altezza esatta (triangolo, tamburello, tamburo piccolo e grande, piatti) . Tra gli strumenti che non sono inclusi nei gruppi principali, il ruolo dell'arpa è il più significativo. Occasionalmente, i compositori includono la celesta, il pianoforte, il sassofono, l'organo e altri strumenti nell'orchestra.
Maggiori informazioni sugli strumenti di un'orchestra sinfonica - gruppo di archi, legni, ottoni e percussioni sono disponibili su luogo.
Non posso ignorare un altro sito utile, "Children about Music", che ho scoperto durante la preparazione del post. Non c'è bisogno di essere intimidito dal fatto che questo è un sito per bambini. Ci sono alcune cose piuttosto serie, raccontate solo in un linguaggio più semplice e comprensibile. Qui collegamento su di lui. A proposito, contiene anche una storia su un'orchestra sinfonica.

Fonti:

Marina Razeva
Sinossi della NOD "Orchestra Sinfonica"

Riassunto della lezione

« Orchestra Sinfonica»

per bambini di 5-6 anni

Preparato: direttore musicale

Razheva Marina Anatolievna

Teikovo 2015

Bersaglio: introdurre i bambini in età prescolare alla musica classica

Compiti. Formare nei bambini una percezione estetica del mondo che li circonda.

Impegnarsi nella cultura musicale.

Formare il bisogno di percezione della musica.

Sviluppare capacità cognitive e creative.

Arricchire il vocabolario.

Area didattica - "Educazione artistica ed estetica"

Forma di organizzazione - Lavoro di squadra insegnante con i bambini.

Tipo di attività dei bambini: cognitivo, comunicativo, musicale e artistico.

Materiali e attrezzature: centro musicale per ascoltare musica, strumenti musicali per bambini, presentazione.

lavoro preliminare: SU lezioni di musica i bambini dovrebbero avere familiarità con gli strumenti di base Orchestra Sinfonica, il loro vero suono, colorazione timbrica. Distinguere i gruppi di strumenti: archi, fiati, percussioni, singoli.

Contenuto software.

1. Espandi la conoscenza dei bambini sulle caratteristiche del suono degli strumenti musicali.

2. Coltivare l'interesse, il desiderio di ascoltare il suono degli strumenti.

3. Continuare a sviluppare le competenze DMI (strumenti musicali per bambini)

4. Sviluppa l'udito del timbro dei bambini.

Risultato pianificato.

Formazione di idee su Orchestra Sinfonica.

Rafforzare la capacità di distinguere il suono degli strumenti Orchestra Sinfonica.

Partecipa attivamente al gioco su DMI.

Senti il ​​bisogno di percepire la musica durante la performance Orchestra Sinfonica.

Avanzamento del corso.

I bambini entrano nella sala ed eseguono il solito complesso di movimenti musicali e ritmici, quindi vanno con calma alle sedie.

Sig. salutare i bambini con canti "Ciao!", autore…

Sig. Attira l'attenzione dei bambini sullo schermo, dove i bambini vedono un folto gruppo di musicisti.

Sig. Ragazzi, cosa vedete in questa foto.

Le risposte dei bambini.

Sig. Sì orchestra - un gruppo di musicisti che suonano insieme lo stesso brano musicale. Ogni musicista suona la sua parte secondo le note, che si chiamano spartito. I punteggi si trovano su supporti speciali - console.

Ora, voglio darti un indovinello. Prova a indovinarlo.

Lui gestisce l'orchestra,

Porta gioia alle persone.

Basta agitare la bacchetta

La musica inizierà a suonare.

Non è un medico o un autista.

Chi è questo? (Conduttore)

Bambini. Conduttore.

Sig. A orchestra suonava armoniosamente e armoniosamente - è controllato dal direttore d'orchestra. Sta di fronte ai musicisti. Il conduttore può fare gioco d'orchestra e veloce, e lentamente, in silenzio e ad alta voce - come preferisci! Ma non pronuncia una sola parola. Usa solo la bacchetta magica del suo direttore d'orchestra. Di fronte al direttore d'orchestra ci sono note spesse e spesse, in cui sono dipinte le parti di tutti i musicisti. Tali note sono chiamate clavier.

Il violino è uno strumento ad arco a 4 corde, il suono più alto nella sua famiglia e il più importante in orchestra.

Violoncello - grande violino, che si suona stando seduti. Il violoncello ha un suono basso ricco.

Contrabbasso: il più basso nel suono e il più grande nelle dimensioni (fino a 2 metri) nella famiglia degli strumenti ad arco a corda. Si gioca in piedi o su una sedia speciale. Questa è la base dei bassi (la base) Totale orchestra.

Il flauto appartiene al gruppo degli strumenti a fiato. Ma i flauti moderni sono molto raramente realizzati in legno, più spesso in metallo, a volte in plastica e vetro. Lo strumento più virtuoso e tecnicamente mobile della famiglia dei fiati. Il flauto è spesso affidato assolo orchestrale.

Sig. Ragazzi, perché gli strumenti si chiamano strumenti a fiato?

Le risposte dei bambini.

Sig. Sì, fanno davvero schifo. Sarebbe più corretto dire che gli strumenti a fiato suonano quando viene soffiata aria al loro interno.

E ora vedi e senti una tromba di ottone. La tromba ha un suono alto e chiaro, molto adatto alla fanfara. Le fanfare sono usate per dare segnali: solenni o bellicosi durante le celebrazioni festive, le parate militari.

Di fronte a te c'è un trombone. Il trombone suona più una linea di basso che una melodica. Si differenzia dagli altri ottoni per la presenza di un backstage mobile, muovendosi avanti e indietro il musicista cambia il suono dello strumento.

Corno francese - corno. Originariamente discendente da un corno da caccia. Il corno può essere morbido ed espressivo o aspro e graffiante.

Sig. Assegna un nome agli strumenti a percussione.

Bambini. Tamburo, tamburello, maracas, triangolo, metallofono, nacchere, sonagli, sonagli, sonagli.

Sig. Esatto ragazzi. Ci sono molti strumenti a percussione, ma non tutti possono servire Orchestra Sinfonica.

Dai un nome agli strumenti che vedi sulla diapositiva.

Tamburi, piatti, xilofono.

Diapositiva 14.15.

Inoltre, ragazzi, orchestra vengono utilizzati strumenti singoli. E devi sapere e nominare

correttamente.

Bambini. Pianoforte. Arpa.

Sig. Giusto. Questo è un pianoforte a coda da concerto e lo strumento più antico: l'arpa.

E voi ragazzi volete sentirvi musicisti di un grande orchestra? Allora ti suggerisco di prendere i tuoi strumenti e suonare un brano musicale molto bello.

Esecuzione "Rondo in stile turco"- W. Mozart o

"Polca cattiva"- A. Filippenko.

Sig. Grazie ragazzi. Mi piace.

E cosa ne pensate ragazzi, strumenti come la balalaika o il sassofono possono suonare orchestra. E in cosa? Il fatto è che questi strumenti fanno parte di altri orchestre.

Osserva attentamente queste illustrazioni. Tranne Orchestra Sinfonica ci sono altri tipi orchestre: ottoni, folk, pop, jazz. Differiscono nella composizione degli strumenti e nel numero dei musicisti. IN Orchestra Sinfonica, in media, circa 60-70 persone, ma a volte - 100 o più. I musicisti sono disposti in un certo ordine. Sono combinati in gruppi di strumenti simili nel timbro.:

archi, legni, ottoni e percussioni. I musicisti dello stesso gruppo si siedono fianco a fianco per ascoltarsi meglio. E questo crea un suono coerente.

E ora, voglio invitarti a giocare.

Conosci lo strumento.

Diapositiva 17, 18, 19.

Sig. Siamo stati benissimo con te. Ti è piaciuto? Quale è il nome di orchestra con chi ci siamo incontrati oggi? Che strumento ti è piaciuto? (I bambini rispondono uno alla volta). Ho preparato per te delle carte con un indovinello che proverai a risolvere con mamma o papà e tiri a indovinare. (sul retro della silhouette - punti).

Per favore, vieni da me, voglio ringraziare e salutare (i bambini chiudono gli occhi, il direttore musicale accarezza la testa)