Un artista che non ha quadri ma imbratta. Capolavori o daub? Dipinti del valore di decine di milioni di dollari sono falsi! Efficienza delle pubbliche relazioni: manicotti "brillanti".
Continuo a credere che il concetto di capolavoro non possa essere generale per tutti. Non c'è da stupirsi che ci sia un detto "il gusto e il colore, non ci sono compagni". Una parte significativa delle persone guarderà l'immagine all'inizio del post e dirà - daub, l'altra parte della gente guarderà "La Gioconda" di Da Vinci e dirà - una zia normale, cosa c'è di sbagliato in questo. Questo è generalmente normale, ma se è così, allora che tipo di capolavori sono. Un capolavoro può essere qualcosa di così universalmente riconosciuto che nessuno oserà sminuirlo o dire che non è bello! Bene, diciamo. O forse qualcosa di simile e generalmente riconosciuto non esiste affatto o un giorno apparirà, ma ora spesso ci accontentiamo di capolavori locali per un certo gruppo di persone.
Ad esempio, io, che considero i capolavori, sono sempre stato interessato a come nascono capolavori come la prima foto del post.
Ma questo è...
... l'apogeo della "Composizione VII. 1913" di Wassily Kandinsky. Immagina l'inizio del XX secolo, l'era dei cambiamenti in tutte le sfere della vita e dell'arte. Anche la pittura non si è fatta da parte. Gli artisti cercavano nuove forme di espressione in belle arti. L'astrattismo divenne una logica continuazione del cubismo e del futurismo. Kandinsky e divenne uno dei più rappresentanti di spicco questa tendenza
Vasilij Kandinskij al lavoro, 1936
Personalmente, mi sembra che la tela rappresenti solo macchie e macchie. Tuttavia, ero curioso di sapere che prima di iniziare a dipingere il quadro, l'artista ha svolto molto lavoro preparatorio. Ha realizzato oltre trenta schizzi a matita, olio e acquerello. La tela stessa fu dipinta da Kandinsky in quattro giorni dal 25 al 28 novembre 1913.
Vasilij Kandinskij al cavalletto, 1936
Gli esperti dicono dell'artista che era un sinestetico che percepiva il mondo a modo suo. Poteva vedere i suoni, sentire i colori. "Composizione VII" - si tratta di frammenti di colore di diversa intensità, intervallati da combinazioni ad angolo acuto e lisce. Studiando gli archivi dell'artista, i critici d'arte sono giunti alla conclusione che Vasily Vasilyevich ha raffigurato diversi temi nella sua foto: la Resurrezione dai morti, il Giorno del Giudizio, alluvione globale e il Giardino del Paradiso. Non so nemmeno come sentirmi al riguardo. O questo può essere considerato un dato di fatto, oppure è tutto inventato e "risucchiato dal nulla" per chi ancora non ci capisce niente.
Beh, qualcosa del genere:
o giù di lì
Lo stesso autore ha descritto la creazione come segue: “Schiuma rosa e bianca in modo che sembrino trovarsi al di fuori del piano della tela o di qualche altro piano ideale. Piuttosto, fluttuano nell'aria e sembrano avvolti dal vapore. Una simile mancanza di piano e incertezza delle distanze può essere osservata, ad esempio, nel bagno di vapore russo. Una persona in mezzo al vapore non è né vicina né lontana, è da qualche parte. La posizione del centro principale - "da qualche parte" - determina il suono interiore dell'intera immagine. Ho lavorato molto su questa parte fino a raggiungere quello che all'inizio era solo un mio vago desiderio, per poi diventare sempre più chiaro internamente.
Hai desiderato a lungo cimentarti nella pittura, ma non sei riuscito a decidere di prendere un pennello e una tavolozza e stare al cavalletto? Tutti intorno a te pensano che i tuoi sforzi creativi siano patetici imbrattamenti? Quindi sei un perdente! Quindi, una selezione di dipinti dell'artista canadese Kim Dorland (Kim Dorland) ti servirà come una buona consolazione. O forse anche ispirazione.
Gli esperti chiamano il lavoro di Dorland " arte ingenua", i critici dispettosi - una macchia incurante, e i fan del talento originale credono che i dipinti che Kim crea siano psicologicamente e stilisticamente inaspettati. Ed è vero - nessuno si aspetta di vedere una tela intonacata di vernice invece dei paesaggi e dei ritratti promessi, su che, inoltre, l'autore non ha lasciato tratti e linee nette, ma solchi ruvidi, come se un trattore attraversasse un campo fertilizzato e bagnato...
Il principio con cui Kim Dorland disegna il suo dipinti originali, può essere caratterizzato da una breve frase: "l'importante è non risparmiare la vernice". Dopotutto, se guardi da vicino, i dipinti sono letteralmente graffiati su uno spesso strato di olio, con cui l'autore unge generosamente le sue tele. Si scopre che le immagini non sono disegnate, ma modellate, come se fossero sculture.
E l'artista non cerca l'accuratezza e il realismo. Egli crea dentro stile speciale, una sorta di astrattismo infantile, che non si preoccupa né di mantenere le proporzioni, né di dare volume alle immagini, né dell'estetica delle tele. Sembra che il compito principale dell'autore sia il più casualmente possibile, con la mano sinistra da sotto il ginocchio destro, gettare la vernice sulla tela, mettere una macchia: questa è pittura!
Anche se, potrebbe benissimo essere, a noi cittadini sembra solo che sia facile e semplice disegnare in questo modo. Dopotutto, in un modo o nell'altro, e Kim Dorland partecipa abbastanza spesso a mostre, i suoi dipinti sono presentati nelle gallerie di Toronto, dove vive e lavora, e vende con successo le sue opere sia in Canada che all'estero.
Efficienza delle pubbliche relazioni: manicotti "brillanti".
Se prendo un pennello e dipingo sulla tela una specie di paesaggio o ritratto, allora chiunque, guardando il mio lavoro, può tranquillamente dire: che imbrattatura! E sarà giusto, perché non so disegnare. Tuttavia, il mio daub potrebbe essere venduto per milioni di dollari se avessi la reputazione di grande artista. Teoricamente, è difficile immaginare che i miei quadri non dipinti, ma non per questo meno terribili, possano essere promossi come grandi opere d'arte e venduti per "soldi pazzi". Ma nella vita reale, questo è accaduto più di una volta: la seconda metà del XIX secolo e l'intero XX secolo è un continuo trionfo dell'imbrattatura nell'arte.
Dal momento in cui è nato pittura moderna, il cui padre è considerato l'italiano Giotto di Bondone (1267-1337), e nei secoli successivi l'abilità dell'artista nel mostrare la realtà su qualsiasi superficie adatta al disegno (tela, muro o tavola) fu messa al primo posto nella valutazione del lavoro. La fotografia allora non esisteva, ma molti volevano avere il proprio ritratto o un'immagine dei loro parenti. Anche la vista sulle foreste e sui campi circostanti è stata apprezzata. Ci piace ancora appendere le riproduzioni nei nostri appartamenti diversi dipinti, ea chi lo consente la condizione materiale, allora gli originali stessi. Nel medioevo anche ai ricchi piaceva decorare con dipinti le pareti delle case e dei castelli, e alcuni dei ricchi collezionavano enormi collezioni. Qualcuno lo ha fatto per amore della pittura, altri per migliorare il proprio status.
Oltre ai ricchi, la chiesa aveva bisogno anche di opere d'arte. La Chiesa non aveva bisogno di dipinti raffiguranti la vita reale: ne avevano bisogno racconti biblici, che sembrerebbero foto reali eventi reali(anche se allora non avevano idea delle fotografie). La gente doveva credere in Cristo, in Maria, negli apostoli e in altre figure religiose, e per questo personaggi biblici dovrebbero sembrare persone reali.
Quali erano le richieste dei clienti - tali erano le immagini. Le idee folli abbozzate sulla tela da una mano inetta non servivano a nessuno. Nessuno comprerebbe un ritratto di se stesso che non assomigli all'originale, e ancor di più uno che, in linea di principio, non assomigli all'immagine di una persona. A quei tempi, per dipingere un ritratto, era necessario un artista che padroneggiasse il mestiere di pittore. Non essendo un professionista, non potresti vendere quadri e guadagnarti da vivere. Coloro che collezionavano dipinti avevano già bisogno non solo di calchi della realtà: volevano ottenere cose esclusive che nessuno potesse ripetere. Cioè a immagine realistica l'artista ha dovuto aggiungere qualcosa di suo - un certo stile unico così che la sua pittura si distingue tra la massa di artigianato di qualità. Potrebbe essere tecnica unica come Leonardo da Vinci, l'uso innovativo di luci e ombre di Van Eyck, immagini fantastiche come Bosch...
15-17 secoli in Europa è il periodo di massimo splendore della pittura mondiale. A questo punto, nei paesi economicamente sviluppati dell'Europa (Venezia, Firenze, Paesi Bassi, Fiandre, Germania), è apparso un numero sufficiente di clienti per i dipinti - grazie a questo, abbiamo ricevuto un'intera galassia di artisti eccezionali, le cui opere adornano ancora di più famosi musei pace. Insieme a grandi pittori del Rinascimento universalmente riconosciuti come Leonardo da Vinci, Raffaello e Michelangelo Buonarroti, lavorarono in quel periodo diverse dozzine di artisti altrettanto eccezionali: l'olandese Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jan Vermeer, gli italiani Giorgione, Tiziano, Correggio, Caravaggio, i tedeschi Albrecht Dürer, Hans Holbein Jr., lo spagnolo Diego Velasquez... Tutti avevano un modo originale di esibirsi realtà, ma con In questo erano uniti dal fatto che tutti scrivevano immagini superbamente estremamente realistiche. Realistico non secondo la trama: le stesse immagini bibliche non sono mai state così. Realistico - dalla somiglianza raffigurata con vita reale. Nessuno ha dipinto cubi o quadrati - presumibilmente è così che vede il mondo, poiché i "capolavori" in uno stile simile non troverebbero il loro acquirente. I clienti dei dipinti a quei tempi erano persone semplici, come la nostra Nikita Khrushchev. C'è una storia che una volta ha chiesto su uno dei dipinti in una mostra astrattista: "Che razza di culo è questo?". Noto che per quanto riguarda i dipinti di Raffaello o Correggio, nessuno ha mai detto niente del genere, compreso Krusciov - chiunque abbia la vista capisce cosa è raffigurato su di loro: Madonne sotto forma di belle donne, e non alcune terribili e incomprensibili creature come nei quadri di Picasso. Ogni artista eccezionale era in qualche modo un innovatore, ma tutte le tecniche innovative nella pittura avevano senso solo se l'artista poteva rappresentare adeguatamente la vita in tutte le sue manifestazioni. La novità nell'immagine è stata usata per amore del realismo, e non in sé. Possiamo dire che i pittori hanno cercato di lavorare come costruttori: ogni casa deve avere fondamenta, muri e tetto, e tutti gli esperimenti erano consentiti solo all'interno di questo quadro.
Come professionisti, gli artisti del Rinascimento raggiunsero l'apice della pittura. E possiamo tranquillamente affermare che è impossibile superare Raphael o Van Eyck: possono solo essere ripetuti. Oppure crea qualcosa di tuo, che negli anni è diventato sempre più difficile. Già nel XVII secolo c'erano meno artisti eccezionali rispetto al XVI secolo e nel XVIII si contano sulle dita. È estremamente difficile distinguersi sullo sfondo dei maestri del Rinascimento - questo è il livello più alto abilità, che, in linea di principio, solo pochi possono raggiungere.
E in un tale contesto, quando ci sono molti artigiani e pochi maestri eccezionali, nel mondo dell'arte è in atto una vera rivoluzione: i "grandi artisti" hanno cominciato a essere creati artificialmente. Questo era difficile da fare nel Medioevo.- senza i media, le tecnologie di PR sono inefficaci, poiché le informazioni devono essere trasmesse attraverso voci che le distorcono. Soprattutto se noi stiamo parlando sulla diffusione di informazioni a lunga distanza. Solo i media possono creare e introdurre rapidamente ed efficacemente nella coscienza di massa l'immagine di qualsiasi oggetto (prodotto, marchio) come ideale e necessario nella vita. Non è un caso che quando nella seconda metà dell'Ottocento nella vita degli stati Europa occidentale che sono già entrati nell'era della rivoluzione industriale, la stampa inizia a svolgere un ruolo sempre più importante, allo stesso tempo iniziano ad apparire "grandi artisti di un nuovo tipo". In altre parole: muffin.
Chi ha reindirizzato in modo specifico gli acquirenti di pittura a un vero e proprio daub? Ce ne sono molti. Fondamentalmente, queste sono persone che critica d'arte nei media, così come quelli che hanno organizzato mostre. Ad esempio, il critico Roger Fry ha "lavato" i post-impressionisti, il francese Guillaume Apollinaire ha promosso ai consumatori i prodotti di Matisse e Picasso. Ma anche maggior valore per il mercato della pittura è stato il fatto che nel mondo sono apparsi sempre più ricchi collezionisti, soprattutto nella seconda metà del XX secolo. In un ambiente in cui si trovano opere d'arte davvero eccezionali musei statali o appartengono a chiese che non vendono i loro capolavori per soldi, da cosa raccogliere collezioni? - Da ciò che è considerato alla moda. Ciò che è diventato di moda è stato acquisito dagli acquirenti.
E come è stata creata la moda per questo o quel "pittore"? Fondamentalmente, tutto è iniziato con uno scandalo. Alla fine dell'Ottocento, la mera esibizione in pubblico di una terribile imbrattatura sotto forma di opere d'arte significava scandalo pubblico. È stata una vera sfida per la società. Le persone, vedendo "tale", erano indignate, tutto questo è stato procrastinato nella stampa e nei luoghi bohémien, la fama dell'autore e dei suoi dipinti è cresciuta - ed è così che è apparsa la moda per questo o quel personaggio. Prima in circoli ristretti e poi, se sei fortunato, il grande pubblico ha appreso dell'emergere di un nuovo "grande pittore". "Se parlano di te, allora esisti" - questa è la regola di base delle pubbliche relazioni. Se diventi famoso, almeno qualcuno comprerà i tuoi dipinti, indipendentemente dal loro valore artistico. Non appena le persone mediocri in un ambiente bohémien si sono rese conto quella macchia - anche questa è una merce calda, quindi tali dipinti hanno letteralmente spazzato il mercato. Molti grandi manicotti in futuro sono iniziati con dipinti realistici, ma col tempo si sono riorientati verso lo sporco. E alcuni non avevano bisogno di cambiare nulla: inizialmente non sapevano disegnare.
In periodi diversi, è nata una moda per uno direzione artistica, poi a un altro: impressionismo, post-impressionismo, astrattismo, cubismo, espressionismo .... E la moda è il motore principale del commercio. Non appena l '"artista" è diventato un marchio, da allora tutto ciò che è stato prodotto con questo marchio "è andato a ruba". Non importava cosa dipingesse esattamente questo o quell'"artista": l'industria della moda opera secondo leggi diverse rispetto all'industria artigianale. La moda per questo o quel manicotto, ovviamente, non è nata immediatamente, e all'inizio gli "allori" sotto forma di enormi soldi non sono andati agli artisti stessi, ma agli acquirenti di quadri. I soldi folli che iniziarono a essere pagati per le macchie alla moda nelle aste apparvero solo verso la fine della seconda metà del XX secolo. Un numero enorme di persone con denaro facile ottenuto nei mercati finanziari mondiali, così come durante il saccheggio di proprietà statali in Russia, semplicemente non sapeva dove metterle - di conseguenza, qualsiasi feci spalmata sulla tela è diventata una merce estremamente calda .
Con chi iniziò il trionfo dell'imbrattatura nell'arte?La strada per impressionisti e cubisti è stata aperta dall'inglese Joseph Turner, che ha "creato" nella prima metà del XIX secolo. Il suo unico merito come artista era quello di non essere molto bravo a dipingere paesaggi. Aveva anche dipinti quasi buoni, ma divenne noto per le imbrattature franche, come la tela "Sailing to Venice". Se Venezia fosse la stessa della sua foto, quasi nessuno ci avrebbe navigato ... Turner una volta ha semplicemente scioccato il pubblico, grazie al quale è diventato famoso. C'è una sua caricatura: Turner si trova di fronte a un dipinto con un pennello (che all'epoca era usato per dipingere le recinzioni) e dipinge qualcosa ...
Il francese Edgar Degas ha poi raccolto il testimone: sapeva disegnare e talvolta ci riusciva immagini meravigliose, ma per qualche motivo Edgar è stato attratto dal dipingere le donne nude più brutte che si preparano a fare il bagno, lavarsi o hanno appena terminato le procedure dell'acqua ... - Per tali disegni vengono espulse dal 1 ° corso scuola d'arte per incompetenza, ma Degas divenne popolare soprattutto grazie a loro.
Alla fine del XIX e all'inizio del XX secolo, il numero di muffin iniziò ad aumentare notevolmente.
In questo momento, i "grandi impressionisti" Claude Monet (che non deve essere confuso con artista famosoÉdouard Manet) e Auguste Renoir. Renoir sapeva disegnare, ma lui, come Degas, veniva spesso portato a dipingere a titolo definitivo. All'inizio Monet cercò anche di diventare un vero artista, ma si rese conto che non ci sarebbe riuscito - di conseguenza, può essere definito uno dei successori più eclatanti dell'opera di Joseph Turner - i paesaggi di Monet sono terribili quasi quanto quelli del suo predecessore.
Il suo principale "capolavoro" è " Cattedrale di Rouen, facciata ovest alla luce del sole" - un tipico intonaco per bambini. Monet ha rivettato molte opere in questo "stile", e tutte sono ancora popolari: "Water Lilies" (senza nome non si riconosce subito che si tratta di gigli sull'acqua ...) è andato all'asta per 36,7 milioni di dollari (2007. ), Waterloo Bridge (nella foto sotto) venduto per $ 35,9 milioni (2007),
"Stagno con ninfee..." (rispetto a "Waterloo Bridge" può anche essere definito un dipinto) - per 33 milioni di dollari (1998). Il quotidiano Times nel 2009 ha condotto un sondaggio tra i lettori, i cui risultati hanno determinato di più artisti popolari 20° secolo - Claude Monet si è classificato al 4° posto!
All'inizio del secolo, anche i postimpressionisti si misero al lavoro: Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Quale di loro era più "grande", in altre parole, di più artista della moda Al giorno d'oggi? Cezanne ha almeno un dipinto che può essere descritto come "interessante" - lo ha dipinto all'età di 27 anni. Poi tutto è andato molto peggio - senza illuminazione, imbrattatura dopo imbrattatura. Tuttavia, non è sicuramente il "più grande". I prezzi per alcuni dei suoi dipinti ammontano a decine di milioni di dollari (il più costoso - "Natura morta con brocca e drappeggio" è stato acquistato per 60,5 milioni di dollari (!), Ma la popolarità delle sue opere tra i collezionisti è chiaramente inferiore alla popolarità delle opere di Gauguin, e ancor di più Van Gogh Ma i lettori di The Times hanno messo Cezanne al 2 ° posto tra gli artisti del XX secolo!
Il malato di mente Van Gogh dipinto come un bambino di 5-7 anni senza talento che non è mai cresciuto. Un tempo fu curato in una clinica psichiatrica, ma questo non aiutò e all'età di 40 anni si suicidò. La sua biografia è più simile a una biografia di un "grande artista". Ciò è dimostrato dai prezzi dei suoi dipinti: $ 40,3 milioni per un terribile ritratto di Madame Ginoux, $ 40,5 milioni per "Girasoli", $ 47,5 milioni per "Contadina con cappello di paglia", 53, $ 9 milioni per Iris, $ 57 milioni per Cypress Wheat Field, $ 71 milioni per un autoritratto e $ 82,5 milioni per il dottor Gachet. Questo Gachet, tra l'altro, si è preso cura di Van Gogh poco prima del suo suicidio - probabilmente, l '"artista" ha deciso di vendicarsi del dottore per il suo lavoro con il suo ritratto caratteristico.
L'amante di Van Gogh, Gauguin, dipinse da ragazzo un po' più grande del ragazzo di Van Gogh. Questo è un chiaro svantaggio per lui come "grande artista". Inoltre, Gauguin non era pazzo come Van Gogh, anche se c'è un episodio meraviglioso nella sua biografia quando è venuto a visitare Van Gogh e alla fine si è tagliato l'orecchio - questa è davvero una pesante affermazione di "grandezza"! Tuttavia, la domanda per i dipinti di Gauguin non è così grande come per Van Gogh: solo pochi dei suoi dipinti sono stati venduti per oltre 30 milioni di dollari.
Il quasi nano Toulouse-Lautrec era pazzo delle brutte puttane francesi, che incarnava nei suoi dipinti non meno brutti. Se guardi l'immagine qui sotto sotto il nome condizionale "puttane in ispezione", te ne farai un'idea maniera creativa Toulouse-Lautrec.
Era piuttosto un maestro dello schizzo, ma non si è mai preso la briga di scrivere un'immagine a tutti gli effetti. Rispetto a Gauguin e Van Gogh, Toulouse-Lautrec è del tutto impopolare, e il norvegese Munch chiaramente non è all'altezza di loro, sebbene la sua biografia sia molto personale: soffriva costantemente di una terribile depressione ed è stato curato più volte per disturbi mentali. Molti dei suoi dipinti compaiono nella lista dei "100 dipinti più costosi della storia", ma questo è tutto.
Ma l'austriaco Gustav Klimt è davvero il più grande post-impressionista. È popolare quanto Van Gogh e molti altri immagine costosaè stato acquistato per 135 milioni di dollari! E la cosa più sorprendente per il grande artista del XX secolo è che l'immagine mostra una donna con volto umano! Tutto lo spazio rimanente è occupato da una tipica imbrattatura, ma il volto si è rivelato realistico. E altri dipinti di Klimt, in cui sono raffigurate persone, sono simili a questo quadro: gli stessi volti tra lo sporco "post-impressionista".
Anche la gente di Klimt rispetta - 3 ° posto tra migliori artisti XX secolo: solo Picasso e Cézanne sono avanti.
Passiamo al XX secolo. Come ha scritto Wendy Beckett nella sua Storia della pittura, "due regnano nell'arte del XX secolo: Henri Matisse e Pablo Picasso". È difficile dire perché esattamente questi due, perché c'erano centinaia di questi manicotti, ma i modi della moda sono imperscrutabili. Pablo, a proposito, e secondo un sondaggio tra i lettori di The Times, ha preso il 1 ° posto.
Lo spagnolo Pablo Picasso sapeva disegnare, ma non voleva. Era lontano dal livello di Da Vinci (che non crede - guardalo immagine iniziale"Ragazzo con la pipa" - non male, ma non eccezionale), ma semplicemente belle foto nel XX secolo erano già irrilevanti. Daubing divenne sempre più di moda e Pablo decise di navigare per volere delle onde. E ha fatto benissimo!
Nel 1907 dipinse il dipinto "Le ragazze di Avignone", che divenne la prima opera del genere cubista. All'inizio l'artista era imbarazzato nel mostrare questa macchia agli estranei, il che, in generale, è comprensibile: cinque creature assolutamente terribili ti guardano dalla foto e mostrare agli altri simili sciocchezze è come dire pubblicamente: sono pazzo! Sono uno psicopatico completo! Comunque Pablo azzardò ad esporre il suo "capolavoro" e non ho indovinato. Nessuno lo nascose in un ospedale e Picasso continuò a rovinare le tele. Ha messo in pratica il postulato del materialismo dialettico: la quantità si sviluppa in qualità. IN questo caso- in reputazione. Picasso ha dipinto per circa 70 anni e non sorprende che sia diventato il manicotto più popolare del nostro tempo.
Il suo Ritratto di Dora Maar (acquistato per 95,2 milioni di dollari all'asta nel 2006, nella foto sopra), Woman Seated in a Garden (49,5 milioni di dollari nel 1999), Dream (48,4 milioni di dollari nel 1997), "Nude in a black chair" (45,1 milioni di dollari) dollari nel 1999) - è entrato nel "fondo d'oro" del daub del XX secolo.
Ci sono stati molti gloriosi pittori del XX secolo - molto più dei grandi artisti del Rinascimento, il che non sorprende: rompere - non costruire, rovinare tele - non dipingere. Anche i nostri Vasya Kandinsky e Kazimir Malevich sono stati notati in questo campo - sebbene siano eccezionali, non sono grandi manicotti per gli standard mondiali. Certo, i russi hanno la loro spiritualità speciale, ma nel daub non si è manifestata troppo. Entro la metà del XX secolo, l'americano Pollack e l'olandese de Kooning, "espressionisti astratti", iniziarono a dargli il tono.
Tutto nel nostro mondo è relativo, e sullo sfondo di Pollack e dei suoi fratelli, anche Monet o Gauguin sembrano bravi artisti. storici dell'arte questo il grado più alto le macchie erano chiamate "espressionismo astratto", e direi che questa è una macchia completamente senile! I suoi rappresentanti più in vista non furono solo i già citati Willem de Kooning e Jackson Pollack, ma anche Mark Rothko, americano di origine russa. Questi tre sono solo l'apice del fango del 20° secolo!
Un espressionista astratto è una persona che, in linea di principio, non disegna. Van Gogh dipinse almeno al livello di un bambino di 5 anni, ma Pollak non riuscì nemmeno a raggiungere questo livello. Per citare The History of Painting di Wendy Beckett: “Pollack è stato il primo ad abbandonare il pennello, la tavolozza e tutte le convenzioni della trama. Ha ballato in estasi sulle tele stese sul pavimento, completamente immerso nella creatività, schizzando e versando vernici sotto completo controllo. “La pittura”, ha detto, “vive Propria vita. Cerco di lasciarglielo fare". Non c'è nemmeno nulla da commentare qui: l'uomo era molto, molto malato. La foto del suo dipinto lo conferma.
Mark Rothko è un artista ancora peggiore di Pollack. Dirai che non può essere così - dopotutto, ho appena detto che Pollak non sapeva disegnare. Forse! I dipinti di Pollak assomigliano almeno a una carta da parati caotica, quelli di Rothko sono solo tele dipinte colori differenti- ad esempio, la parte superiore è nera e quella inferiore è grigia. O ancora più "lavoro eccezionale" - in fondo è cremisi, in alto - una specie di giallo scuro, e nel mezzo - bianco.
Il dipinto si chiama "White Center" ed è stato acquistato da Sotheby's nel 2007. per 72,8 milioni di dollari. - quasi 73 milioni per una tela danneggiata! E questo, a proposito, è il 12 ° posto nella lista dei dipinti più costosi del mondo! Ma il dipinto più costoso al mondo oggi (2010) appartiene a Jackson Pollack e si chiama "No. 5" - venduto nel 2006 da Sotheby's per 140 milioni di dollari! Il mondo occidentale non è solo pieno di artisti pazzi: c'è un numero enorme di milionari pazzi. Anche la gente comune, a proposito, non è molto sana in Occidente: in un sondaggio del quotidiano Times, Pollack si è classificato al 7 ° posto tra gli artisti più popolari del XX secolo.
Il suo, come si suol dire, "eterno rivale" Willem de Kooning in questo sondaggio è diventato nono. Lo definirei il più divertente di tutti i manicotti. Il dipinto più costoso di Kooning, "Woman No. 3" (acquistato nel 2006 per 137,5 milioni di dollari!) da chiunque persona sana causerà uno scoppio di risate. Ancora più divertente è Donna con bicicletta.
Penso che Willem avesse dei problemi con le donne, quindi si è vendicato sottilmente di loro.
Sull'esempio di Pollack, Kooning e Rothko, vediamo chiaramente a cosa è arrivato il mercato dell'arte oggi. Se Krusciov fosse vivo, avrebbe detto: a tutto culo!
Quindi grazie potere magico Pu relazioni bliche le macchie di alcuni individui mentalmente squilibrati furono riconosciute come opere d'arte eccezionali e messe alla pari con le tele dei grandi artisti del Rinascimento. Per la prima volta, il potere delle pubbliche relazioni si è manifestato così chiaramente proprio nella promozione dei manicotti. Fino al XIX secolo PR ha agito efficacemente solo in politica (la storia e la religione hanno anche avuto obiettivi politici e non possono essere considerate separatamente dalla politica). Nel caso dell'annuncio di manicotti mediocri artisti brillanti incontriamo il fenomeno quando PR si è distinto nel campo della moda. Ed è stato così efficace e duraturo che ancora oggi, dopo più di un secolo da quando è entrata in voga la macchia di psicopatici incompetenti, incontriamo molte persone che credono sinceramente che Van Gogh sia grande artista. Ancora più milioni sanno chi è Van Gogh. Diverse centinaia di ricchi fannulloni, no chissà dove spendi soldi, compra imbrattature alla moda alle aste. Tutti gli altri sentono parlare di un acquisto multimilionario di daub, poi di un altro. Beh, non possono pagare $ 30 milioni per feci franche, vero? - così sostiene il profano. - Possono, anche se possono ... L'importante è che sia di moda.
