디지털 페인팅: 컴퓨터에서 일러스트레이션을 만드는 세 가지 방법. 사진에서 일러스트레이션 만들기

그림을 그리는 꿈을 꾸지만 경험이 많지 않다면 연필과 연관지을 가능성이 높습니다. 하지만 정말로 생각을 표현하고 싶다면 연필 하나로는 충분하지 않습니다. 좋은 소프트웨어가 포함된 드로잉 태블릿이 최고입니다. 필요한 모든 색상이 포함되어 있으며 흔적을 남기지 않고 오류를 제거할 수 있습니다.

여기에는 한 가지 큰 문제가 있습니다. 태블릿 용 펜은 연필과 비슷하지만 다양한 브러시, 파스텔, 숯, 마커, 심지어 지우개까지. 화면을 "덮는" 데 사용할 수 있습니다. 아크릴 물감, 오일 페인트그리고 잉크를 사용하여 완전히 새로운 것으로 혼합합니다. 이것은 하나의 훌륭한 다목적 도구이므로 연필로 사용할 수 없습니다!

연필에 대한 경험이 있다면 초기그래픽 태블릿을 잘 활용하고 싶다면 찾기에 어려움을 겪을 수 있습니다. 좋은 학습당신을 위한. 전통 예술에서 "그리기"와 "그림 그리기"는 사용 도구가 다른 완전히 다른 두 가지이기 때문입니다. 디지털 아트에서는 브러시라는 하나의 도구만 있으면 되므로 디지털 드로잉과 디지털 페인팅이 하나로 결합됩니다. 따라서 연필을 사용하는 데는 상당히 편하지만 디지털 아트에 어려움을 겪는다면 "그림을 그릴 수 없기" 때문이 아닐 수도 있습니다. 문제는 당신이 많은 기술, 약간의 드로잉, 약간의 페인팅을 혼합하고 있기 때문에 "디지털 드로잉"을 검색하려고 하면 완전히 그린 초상화가 나온다는 것입니다.

이 기사에서는 차이점을 설명하여 준비되지 않은 학습에 시간을 낭비하지 않고 원하는 것을 정확히 알 수 있습니다. 이렇게 하면 불필요한 좌절을 덜고 더 빠르게 발전할 수 있습니다.

전통 그림

다양한 도구로 그릴 수 있습니다. 표시할 표면이 있는 한 손가락을 사용할 수도 있습니다. 드로잉의 가장 기본적인 정의는 단순히 뾰족한 도구로 선을 그리는 것입니다. "선명도"는 크기에 따라 다르므로 도면이 클수록 팁이 더 무디게 허용됩니다. 브러시로도 칠할 수 있습니다!

어떤 도구를 사용하든 방법은 매우 유사합니다. 당신이 할 수 있는 모든 것은 직선과 물결 모양의 납선입니다. 다양한 관계서로에게. 추가 도구 종속 기능은 라인 다크니스입니다. 마커와 좁은 선은 매번 완벽한 검정색 선을 제공합니다. 부드러운 연필(클래스 B 이하)을 사용하면 전체 회색 그라디언트 중에서 선택할 수 있습니다. 딱딱한 연필(HB 이상)은 밝은 회색으로 제한됩니다. 선 자체는 현실에 존재하지 않습니다. 물체는 그것들로 만들어지지 않았지만, 패턴 인식에 매우 능률적인 우리의 뇌는 선 구름 속에서 현실을 보는 데 많은 것을 필요로 하지 않습니다. 그리고 선은 만들기가 매우 쉽기 때문에 드로잉은 가장 대중적이고 접근하기 쉬운 예술 형식이 되었습니다. 그리고 선은 만들기가 매우 쉽기 때문에 드로잉은 가장 대중적이고 접근하기 쉬운 예술 형식이 되었습니다.

그림이 현실을 모방하려면 뇌가 기대하는 패턴과 유사해야 합니다. 따라서 성공적인 아티스트는 이러한 모델이 무엇이며 어떻게 생성하는지 알아야 합니다.

이것이 사실적인 그림이 정의의 일반적인 의미를 초월하는 이유입니다. 더 이상 선을 이끄는 것이 아니라 의미 있는 패턴을 만드는 것입니다. 이 기술은 전통적인 예술가와 디지털 예술가에게 동일합니다. 동물을 그리는 방법이나 원근감 있게 작업하는 방법을 배우기 위해 그래픽 태블릿이 필요하지 않습니다. 그리고 디지털 아티스트로서 연필 사용자를 위한 자습서도 성공적으로 사용할 수 있습니다.

차이점은 도구 자체에 있습니다. 그들은 모두 선을 만들지 만 다른 방법을 사용할 수 있습니다. 예를 들어 일부 펜은 잉크 흐름을 제어해야 할 수 있으며 부드러운 연필은 압력에 따라 다양한 회색 음영을 제공합니다. 사용할 수 있는 경우 부드러운 연필, 잉크로 전환하는 것은 매우 불편할 수 있으며 그 반대도 마찬가지입니다. 그리기 도구로 만들 수 있는 또 다른 종류의 패턴이 있습니다. 우리의 뇌는 빛과 그림자에 매우 민감합니다. 도면에서 선의 어둡게, 선이 없으면 밝게 그림자를 모델링할 수 있습니다. 실제로 빛과 그림자는 선이 아닌 점으로 만들어지기 때문에 이를 모델링하기 위한 작업 방법(예: 음영)을 사용해야 합니다.

이 효과에는 다른 기술이 필요합니다. 빛과 그림자에 대한 이해와 볼륨 연습, 선으로만 흉내내는 것입니다. 요약하면 그래픽 드로잉의 기반이 되는 다섯 가지 기술을 받았습니다.

• 뾰족한 도구로 의도적인 선 만들기
• 다른 음영을 달성
• 선으로 해칭
• 현실 분석에 기반한 의미 있는 선 기반 패턴 구축
• 빛과 그림자의 이해

링크를 복사하는 것만으로도 처음 세 가지 기술만 마스터하면 훌륭한 아티스트가 될 수 있지만 개발자가 되려면 더 많은 노력을 기울여 마지막 두 가지에 집중해야 합니다.

색연필을 사용하기로 선택한 경우 색상을 이해해야 하는데, 이는 또 다른 큰 작업이며 보기보다 쉽지 않습니다.

전통 회화

그림은 도구가 다르다고 해서 그림과 다르지 않습니다. 목적과 효과도 완전히 다릅니다. 그림은 형태를 완전히 제어할 수 없고 제어해서는 안 되는 색상 패치로 생성됩니다. 이 목적을 위해 다른 안료를 사용할 수 있습니다. 밀도와 블렌딩 특성이 다르기 때문에 각각 다른 처리가 필요합니다.

색상 패치는 우리의 뇌가 세상을 보는 방식을 크게 모델링할 수 있습니다. 그림은 사실적일 수 있지만 다양한 다른 스타일로 사실감을 얻을 수도 있습니다. 한 번에 넓은 영역을 칠할 수 있기 때문에 음영과 같은 인위적인 트릭이 필요하지 않으며 일부 안료는 많은 노력 없이도 매우 잘 혼합됩니다.

이것은 그림이 더 쉽다는 것을 의미하지 않습니다. 큰 플롯을 사용하려면 완전히 다른 유형의 분석적 사고가 필요합니다. 여전히 의미있는 패턴을 만드는 것에 관한 것이지만 이번에는 빛, 그림자 및 색상에 관한 것입니다. 따라서 페인팅은 세 가지 기술을 기반으로 하며 각 기술을 마스터하기는 매우 어렵습니다.

• 의도적인 색상 영역 만들기(안료 흐름 제어, 색상 혼합)
• 빛과 그림자의 이해
• 색상 이해

그림에서는 동물의 해부학에 대해 배운 후 환상적인 동물을 만들 수 있지만 그림에서는 이것만으로는 충분하지 않습니다. 추상 예술가가 되고 싶지 않다면 여기에서 빛과 그림자를 이해하는 것이 중요합니다. 반점이 실제로 더 쉬울 수 있다고 생각하는 사람들이 있기 때문에 선의 모양에 익숙한 대부분의 사람들에게는 익숙해지는 데 오랜 시간이 걸립니다.

전통에서 디지털 아트

로 전환할 때 어도비 포토샵, 중요한 드로잉과 페인팅 사이에는 단 하나의 큰 차이점이 있습니다. 드로잉은 제어할 수 있는 선이고 페인팅은 완전히 제어할 수 없는 점입니다. 결국 브러시의 크기도 중요하지 않지만 경도입니다. 그림의 형태를 미리 짐작할 수 있다면 그것은 아마도 그림일 것이다. 예상치 못한 것을 계획하고 있다면 그것은 그림이어야 합니다.

이 분포는 다양한 생성 방법을 고려하기 때문에 가능한 한 완벽합니다. 그림을 그릴 때 아무리 혼란스럽더라도 일부 선이 나타나기를 기대하고 일반적으로마지막에. 크고 다채로운 획을 사용하는 경우에도 배치할 위치를 정확히 알 수 있습니다. 칠할 때 많은 점을 함께 섞습니다. 예측할 수 없는 브러시가 만드는 혼돈을 사용하여 새로운 것을 만듭니다. 페인팅은 끊임없는 고정 및 조정 과정입니다. 완벽한 가장자리는 없으며 최종 효과를 100% 계획할 수 없습니다. 이것이 우리가 벡터로 그릴 수 없는 이유입니다(벡터 소프트웨어는 혼돈을 처리할 수 없습니다).

이 두 가지 접근 방식에는 서로 다른 방법이 필요합니다. 드로잉에 익숙한 경우 페인팅의 첫 번째 단계는 예측할 수 없는 질감이 있는 브러시로 선을 그리는 것일 수 있습니다. 말그대로 관리하기 어려운 브러쉬를 선택하셔서 관리를 해보시는 것입니다. 그림과 거의 관련이 없습니다!

그러나 그림을 그리는 습관을 들이면 영원히 엄격한 선과 단색으로만 그릴 수는 없습니다. 두 가지 방법을 편리한 방식으로 혼합하는 방법을 이해하기만 하면 됩니다.

확장 도면

페인팅과 관련이 없는 다른 도구를 사용하거나 페인팅을 통해 Photoshop에서 그림을 향상시킬 수 있습니다. "전통적인" 현실에는 존재하지 않지만 그림에 익숙하다면 쉽게 사용할 수 있습니다.

변환

Photoshop에는 이러한 목적으로 사용할 수 있는 몇 가지 도구가 있습니다.

• 워프 모드에서 자유 변형(Control-T)
• 플라스틱(Control-Shift-X) 뒤틀기
• 편집 - 퍼펫 뒤틀기

이러한 모든 도구를 사용하면 부정 행위라고 할 만큼 강력한 작업을 수행할 수 있습니다. 무언가를 그린 후에는 전체 또는 일부만 변경할 수 있습니다. 그린 후 완전히 새로운 스케치를 만들 수 있습니다! 혼란스러운 선을 여러 개 그려서 살로 변형할 수도 있습니다. 그림이 그것을 기반으로 했다는 분석적 사고만 있으면 됩니다.

색상 채우기

전통적으로 그림을 그려 영역을 채우고 싶다면 그 효과를 얻기 위해 선을 조심스럽게 교차하는 데 많은 시간을 소비해야 합니다. 원하는 것을 정확히 알고 있습니다. 시간이 많이 걸립니다. Photoshop에서 올가미 도구(L)를 사용하여 색칠하고 싶은 영역을 그릴 수 있습니다. 내가 “그리다”라고 말한 것을 눈치채셨나요? 올가미 도구도 같은 방식으로 작동합니다. 선택하려는 영역을 그립니다. 나중에 페인트 통 도구(G)를 사용하여 단일 브러시 스트로크 없이 영역을 색상으로 채울 수 있습니다.

해칭(음영)

편리한 방법으로 평면 색상을 음영 처리하면 이전과 같이 별도의 레이어에 그림자를 그릴 수 있습니다. 올가미 도구로 그리고 채웁니다. 그런 다음 혼합 모드 및/또는 불투명도를 변경하여 음영을 아래의 평면 색상과 일치시킬 수 있습니다.

혼입

색상과 음영 사이의 경계를 편리하게 혼합하려면 여러 방법 중 하나를 사용할 수 있습니다. 아트 스타일 팬에게는 "가짜"로 간주될 수 있지만 나쁜 것은 아닙니다.

드로잉 경험이 있는 사람들에게 더 직관적인 다른 스타일일 뿐입니다.

이것이 귀하의 바람이지만 다음을 안전하게 사용할 수 있습니다.

• 블러 도구
• 혼합 브러시 도구
• 올가미 도구를 사용하여 영역을 선택한 다음 필터 > 블러 > 가우시안 블러

드로잉과 페인팅의 혼합

드로잉과 페인팅을 성공적으로 혼합하여 만들 수 있습니다. 훌륭한 일미술. 그들 중 하나만으로 자신을 제한할 필요가 없습니다!

클리핑 마스크

페인팅은 오른쪽 가장자리를 모릅니다. 그림 같은 터치는 원하는 곳으로 이동하고 제어하려고 하면 그들의 영혼을 죽입니다. Photoshop에서 절충안을 찾을 수 있습니다. 어떤 경우에도 스트로크가 교차하지 않는 영역을 칠할 수 있습니다.

올가미 도구(L)로 도형을 그리고 원하는 색상으로 채웁니다. 다른 레이어를 자르려면 Alt 키를 누른 상태에서 둘 사이의 경계선을 클릭합니다. 이제 윤곽을 늦추지 않고 무엇이든 그릴 수 있습니다!

그림 같은 블렌딩

무언가를 그리고 채색한 후 적절한 종류의 블렌딩을 사용하기만 하면 회화적인 스타일로 바꿀 수 있습니다. 이번에는 "혼합 도구"를 사용하는 대신 흐름이 가변적인 텍스처 브러시를 사용합니다(세게 누를수록 획이 세게). 스포이드 도구(I)를 사용하여 한 영역에서 색상을 선택한 다음 해당 색상의 얇은 레이어를 가장자리에 배치합니다. 가장자리에 더 가까운 색상을 선택하고 반복하십시오.

윤곽선이 없을수록 보기에 좋을수록 드로잉에서 멀어지고 페인팅에 가까워집니다.

세부

도색이 거의 끝나가면 디테일한 부분까지 도색을 해주면 최종 광택을 낼 수 있습니다. 가늘고 단단한 브러시를 사용하여 전통 회화. 윤곽선을 단단하게 하고 여기저기 가는 털을 추가하고 흰색 점을 추가하여 표면을 윤기나게 만들 수 있습니다. 사실 디지털 페인팅은 두 가지 방법을 혼합하는 것입니다. 용어를 들었을 때 전통적인 방법을 모방한 작업에 관한 경우는 거의 없습니다.

따라서 디지털 드로잉은 선 중심 프로세스에 국한되는 반면 디지털 페인팅은 가능한 모든 기술을 사용한다고 말할 수 있습니다.

혼합 공정

Photoshop 아티스트는 창작 과정의 적절한 단계에서 페인팅 및 드로잉 방법을 자유롭게 사용할 수 있습니다. 예를 들어 살아있는 존재를 만들고 싶다면 단계는 다음과 같을 수 있습니다.

• 아이디어를 얻기 위해 불확실한 스케치 그리기 (페인팅)
• 양식에 맞게 선 조정(그림)
• 라인 클리닝(그림)
• 마스크 만들기(그리기)
• 차광(그리기 또는 페인팅)
• 블렌딩(페인팅)
• 디테일 추가(도면)

나는 그림을 그리고 있는가?

요약하자면 다음과 같습니다.

1. 도면은 선을 기준으로 합니다. 현실 분석에 따라 뼈대를 구조로 계획한 다음 천천히 점점 더 많은 선을 만들어 뇌가 인식할 패턴을 만듭니다.
2. 페인팅은 점(짧고 볼륨 있는 "선")을 기반으로 합니다. 최종 모양의 대략적인 추정으로 시작한 다음 조각하고 각 단계에서 모양을 조정하고 이동하면서 브러시를 더 작게 만듭니다.

사실적인 그림을 그리는 데 가장 중요한 기술:

• 현실을 구성하는 구조 이해(예: 개의 골격과 근육)
• 구조를 선의 형태로 변형

페인팅에서 이러한 기술은 다음과 같습니다.

• 빛, 그림자, 색의 이해.
• 물체의 3차원 형상 이해
• 실제와 같은 패턴을 재현하기 위해 다양한 크기와 색상의 영역을 혼합

이 모든 것을 처리할 수 있는 경우 두 가지 방법을 혼합하여 작업 흐름을 늘려야 합니다. 예를 들면 다음과 같습니다.

• 스케치와 "빨간색" 선(그리기)으로 시작한 다음 채색 및 음영 처리(페인팅)
• 대략적인 형태(채색)를 시작으로 선화의 밑바탕(그리기), 그리고 채색과 명암(채색)

결론

이 기사에서 배워야 할 가장 중요한 교훈은 디지털 창작 과정이 획일적이지 않다는 것입니다. Photoshop에서 많은 것을 사용하기 때문에 다양한 도구기능이 다르면 다른 방식으로 사용해야 합니다. 그것들을 모두 드로잉(또는 페인팅)의 방식으로 취급함으로써 당신은 불필요하게 당신 자신과 당신의 성공을 제한하게 됩니다.

융통성을 발휘하십시오. 당신에게 도움이 될 때 그림 기법을 사용하고 더 많은 것을 줄 수 있을 때 그림으로 전환하십시오. 디지털 제작만이 유일한 기술은 아니며 어떤 단계에서 어떤 기술을 사용할지 파악한다면 이를 최대한 활용할 수 있습니다.

그리고 다시, 당신의 약점그리고 그들을 통해 배웁니다. 음영이 나빠 보인다면 사용 중인 색상을 탓하지 말고 기본 조명 원칙으로 돌아가십시오. 그림은 잘 그리는데 비율이 항상 어긋나면 잠시 그림에 신경을 쓰세요. 핵심은 실수가 어디에서 왔는지, 어떤 기술이 실수를 정확히 손상시킬 수 있는지 확인할 수 있다는 것입니다.

컴퓨터 (CG)컴퓨터에서만 작품을 만드는 예술가는 디지털 이미지를 만들려면 많은 것을 갖추어야 하기 때문에 종합적으로 발전한 사람입니다. 기술 지식. 이는 캔버스, 붓, 물감 외에 불필요한 도구가 필요하지 않은 일반 화가들과 구별된다.

1. 모든 아티스트에게는 재능이 필요하다고 믿어집니다. 그러나 모든 유명한 그래픽 아티스트와 화가들은 성공이 재능의 1%에 불과하다고 주장합니다. 나머지 99%는 근면과 노동. 따라서 원래 값으로 1%를 취하면 아티스트가 발생하는 모든 어려움, 게으름 및 기타 많은 산만함을 극복하고 창작할 수 있으려면 많은 노력이 필요하다는 것을 이해할 수 있습니다.

끊임없는 훈련만이 당신의 재능을 실현시킬 수 있습니다.

2. 컴퓨터 아티스트는 다른 화가와 마찬가지로 기본을 갖추어야 합니다. 학술 도면그리고 그림. 그는 단단하고 꽉 찬 손, 잘 발달된 구도와 눈, 정확한 색상 인식을 가지고 있어야 합니다. 부지런한 훈련을 통해서만 드로잉에 대한 전문적인 숙달을 달성할 수 있습니다.

3. 디지털 이미지의 유능한 실행을 위해서는 드로잉 및 페인팅의 고전적인 기본 사항 외에도 다음과 같은 추가 지식이 필요합니다. 외국어특수 그래픽 프로그램의 숙달. 이러한 기술이 없으면 그림은 즐거움을 가져다주지 못하지만 "과부하".

4. 당연히 컴퓨터 그래픽, 특히 3차원 및 애니메이션 이미지를 만들려면 상당히 강력한 컴퓨터가 필요합니다.

5. 색 재현력이 뛰어나고 해상도가 높은 완벽하게 보정된 모니터가 전제 조건입니다.

6. 당신을 실현하기 위해 창의성 CG 아티스트는 컴퓨터 마우스, 그래픽 태블릿, 스캐너 및 디지털 카메라와 같은 추가 장치가 필요합니다.

벡터 프로그램에서 작업할 때 충분합니다. 광학 마우스.

보다 정확하고 복잡한 도면필요 태블릿, 또는 이라고도 합니다. 그래픽 태블릿은 A6에서 A3까지 종이와 동일한 형식을 가집니다. 전문 컴퓨터 그래픽의 경우 가장 큰 형식이 사용됩니다.

디지타이저로 작업하려면 일반 펜 모양의 특수 펜이 필요합니다. 이 커서는 스타일러스라고도 합니다. 그래픽 태블릿을 사용하면 일반 용지에 그려진 이미지에 최대한 가깝게 그림을 그릴 수 있으며, 숙련된 작업은 손으로 만든 작업과 구별할 수 없습니다.

디지타이저를 이용한 작동 원리는 일반 용지와 동일하지만, 이 경우 ""는 그래픽 장치 역할을 하며 생성된 그림이 파일에 나타나 모니터에 표시됩니다.

아티스트에게는 컴퓨터 자체보다 디지타이저 자체가 더 가치 있는 경우가 많습니다.

보조 입력 장치는 스캐너그리고 카메라. 종종 종이에 스케치를 그린 다음 전자 형식으로 전송하는 것이 더 쉽고 적절합니다. 자연에서 필요한 사진 (참조)을 만들기 위해 없어서는 안될 조수인 카메라가 구출됩니다.

화면에 이미지가 생성되고 펜에 잉크가 있는 것과 같이 이미 고급이고 값비싼 장치가 있습니다. 전문적인 디지털 페인팅의 경우 이러한 장치는 일반 태블릿보다 훨씬 편리합니다.

7. 또한 그의 작업에서 컴퓨터 아티스트는 때때로 인쇄기. 큰 형식을 인쇄하려면 다음이 필요합니다. 음모자. 이러한 장치는 비용이 상당히 높고 크기가 큽니다. 집에서 일할 여유가 있는 예술가는 거의 없습니다.

8. 중요한 조건은 없이는 할 수 없는 그래픽 프로그램에 대한 뛰어난 지식입니다. 디지털 페인팅. 많은 그래픽 편집기가 있으며 각각 고유한 특성과 장점이 있습니다.

모든 프로그램에는 목적이 있습니다.

어도비 포토샵가장 일반적인 편집기로 래스터와 벡터 이미지. 이 프로그램을 사용하면 사진 예술 기술로 작업하고 애니메이션 이미지를 만들 수 있습니다.

Photoshop은 다양한 효과를 제공합니다. 이 모든 것 외에도 이 그래픽 편집기파일을 저장하고 편집하는 편리한 방법이 많이 있습니다. 프로그램의 가능성은 너무 커서 모든 것을 공부한 사람은 거의 없습니다.

코렐 페인터또한 CG 아티스트들 사이에서 그다지 인기가 없는 프로그램을 말합니다. 이 그래픽 편집기에는 400개 이상의 다양한 브러시가 있습니다. Corel은 주로 벡터 이미지를 만들기 위해 설계되었으므로 매우 다양한 효과와 기능이 필요하지 않습니다.

어도비 일러스트레이터- 목적과 기능이 비슷하다. 코렐 드로우벡터 프로그램.

3D맥스, 마야, 지브러시- 3D 모델링용 편집기. 작업하려면 강력한 최소 4코어 컴퓨터가 필요합니다. 더 많은 그래픽 편집기가 있으며 각각 고유한 용도가 있습니다.

라이선스 프로그램은 비용이 많이 들지만 컴퓨터 아티스트에게는 전문적인 작업검증 기관과의 문제를 피하기 위해 여전히 이 버전을 구입하는 것이 좋습니다. 이러한 그래픽 프로그램을 제작하는 회사는 점점 더 저작권 준수에 주의를 기울이고 있습니다.

대체 무료 프로그램이 있으며 가장 일반적인 프로그램은 다음과 같습니다. 단. CG 아티스트는 자신이 가장 좋아하는 편집자를 가장 선호하지만 다른 프로그램을 사용해야 하는 경우가 많습니다.

9. 디지털 페인팅을 전문으로 하는 아티스트의 경우 필요한 기술, 장비, 그래픽 편집기의 도구 및 지식을 갖추면 생산적인 작업을 수행할 수 있습니다. 그러나 그는 여느 때처럼 창의적인 사람, 명상가의 승인이 필요합니다. 또한 인정이 많을수록 그의 창의적 잠재력 개발에 더 좋습니다.

10. 상당한 노력과 근면의 결과는 서비스 시장의 수요입니다.

컴퓨터 아티스트가 완전히 성공하려면 이 모든 조건을 준수해야 합니다! CG 아티스트라면 누구나 이에 동의할 것입니다. 그러나 존재를 잊어서는 안 된다. 가장 중요한 조건: 자신의 창의력을 최대한 발휘하려면 이 활동에 최대한 전념해야 합니다!

이제 생각해보자 예술 스타일. 내가 정확히 무엇을 어떻게 묘사하고 싶은지 결정해야 할 순간이 왔습니다. 내가 원하는 것을 이해하기 시작한 것 같아요. 다음은 제가 가장 좋아하는 디지털 아티스트의 작품입니다. 나는 그들이 당신에게 영감을 주고 당신이 당신의 파도를 잡을 수 있도록 돕기를 바랍니다. 다음은 순전히 내 취향에 따른 내 판단입니다. 우리는 누군가가 잘못 그리는지 여부가 아니라 내가 어떻게 그리고 싶은지에 대해 이야기하고 있습니다. 또한 여기에 제시된 작품은 원칙적으로 판단 할 권리가없는 심각한 수준의 작가의 작품입니다.

이제 기술, 분위기 및 플롯 측면에서 제가 가장 좋아하는 것부터 시작하겠습니다. tebe_interestingno .

내가 가장 좋아하는 뚜렷한 스트로크 방법:

구름은 그려진 규범입니다.

가벼운 찰과상 - 좋음:

내가 인터넷에서 찾은 것에서 :

(아쉽게도 저자를 찾을 수 없었습니다)

여기서 나는 얼굴을 제대로 작업했을 것입니다.

미친 것:

이것은 나를 고정하지만 직접 해결하기에는 너무 게을러서 일반화합니다.

너무 적은 세부 정보:

엄청난:

나는 부주의 한 스트로크로 이런 종류의 디테일을 정말 좋아합니다. 그러나 모든 작업이 이렇게 완료되는 것은 아닙니다! 여기에서 우리는 더 중앙화된 구성을 원한다는 결론을 내립니다. 그리고 원칙적으로 풍경은 나를위한 것이 아닙니다. 아마도 어떤 종류의 주요 대상이있는 경우를 제외하고는 결국 환경이 주요 대상에 초점을 맞추는 것만으로 윤곽이 잡힐 것입니다.

화려하지만 외모가 너무 방황합니다. 나는 이 기계적인 것과 소녀에 더 집중할 것이고, 심지어 환경의 일부를 차단할 것입니다. 나는 소녀를 얼마나 깔끔하게 그린 지 정말 좋아합니다.

그리고 여기에 제 생각에는 두 가지 주요 대상이 있으므로 동물도 더 조심스럽게 그릴 것입니다. 글쎄, 환경은 여전히 ​​더 조심 스럽습니다) 그리고 예, 저는 컨셉 아트, 작업이 다를 수 있었던 모든 것을 이해합니다. 그러나 이것이 마치 독립적 인 일러스트레이션 인 것처럼 생각하는 것을 방해하지는 않습니다.

좋아, 하지만 나는 작품에서 텍스처를 명시적으로 사용하는 것을 좋아하지 않는다. 내 것이 아닌 것 같습니다.

약간의 디테일링 = (일반적으로 주둥이는 멋질 수 있습니다. 울, 하이라이트, 모든 것 ...

슈퍼,하지만 다시-소녀는 더 자세 할 것입니다 ... 특히 그녀의 길쭉한 다리.

그리고 여기서 스타일의 혼합을 보는 것은 매우 흥미 롭습니다. 나는 타워, 질감 및 만화 캐릭터의 깔끔한 획을 좋아합니다. 하지만 흥미롭습니다.

그리고 이 아티스트의 페이지에서 멋진 GIF를 찾았습니다.

(매우 특이한 예술가글룸82)

초상화와 함께 매우 흥미로운 작업과 뚜렷한 획이 있습니다.

내가 가장 좋아하는 Windrunner는 DotA의 캐릭터입니다.

동일한 게임의 Traxex:

획, 모양 - 다음과 같습니다.

캐릭터는 잘 작동합니다. 그래서 집중할 사람을 찾은 것 같아요. 나는 그가 굉장하다고 생각합니다.

그는 멋진 구름을 가지고 있습니다 (고양이가 태블릿에 똥을 싸고 나는 원을 그리며 예)

그러나 나는 그의 뇌졸중의 논리를 이해하지 못했습니다. 예를 들어 비슷한 스카프를 그려보십시오.

일반적으로 작업은 매우 감정적입니다. 볼거리가 있습니다.

또한 감성과 신속성 측면에서 나는 leventep을 좋아합니다. 그는 혼란스러운 (보이는 것처럼) 선을 가지고 있으며 획은 종종 모양이 벗어납니다. 그는 그림보다 메트 그림에 더 관심이 있지만 그림을 잘 그리고 모든 것을 완벽하게 혼합합니다. 공부하라고 조언합니다.

다시 DotA(첫 번째 작품에서만)에서 맵 업데이트마다 삽화를 그리는 kunkka의 작품을 발견했습니다. 그림을 잘 그리긴 하지만 구도 면에서 오랫동안나온 죽:

이제 그는 업그레이드되었으며 볼 것이 있습니다.

그리고 여기서는 디테일이 선형 드로잉을 통해 표현된 느낌입니다. 흥미로운 점(Kerem Beyit):

(아티스트
텍스처가 없는 경우:

나머지 작업과 달리 놀라운 것은 다음과 같은 양식화된 것입니다.

(일반적으로 아티스트 DavidRapozaArt를 사랑하고 호의를 표하십시오)

텍스처와 모든 종류의 효과가 추가된 3D 모델을 기반으로 한 작업도 있습니다. 이 작품들은 매우 깨끗하지만 이것은 나를 위한 것이 아닙니다.

다양한 스타일을 직접 분석하고 원하는 스타일을 정했어요. 어쩌면 당신에게도 도움이 되었을 것입니다.
여기에 지난 1년 반을 응시하는 작가들의 작품을 가져왔습니다. 이것은 내 컬렉션입니다 =)
귀하의 링크, 스타일 및 선호도에 대한 귀하의 견해를 기대합니다. 정말 관심이 있어요.

일반 정보

디지털 아티스트 작품의 예

• 루슬란 스보보딘의 인퀴지터
• 일리야 코마로프의 천사들
• 저자 B. Slobodan의 상트 페테르부르크 은행 다리.
• 에두아르트 망고 키치긴의 작은 공주를 위한 하늘을 나는 성
• Deisis-Anticipation, Konstantin Khudyakov (ART&SPACE 갤러리, 뮌헨)
• Evgeny Volos의 기계에서 온 신

디지털 페인팅의 발전

XX 말에 - 초기 XXI수세기 동안 CG-art (Computer Graphics Art)는 빠르게 발전해 왔으며 책 / 포스터 디자인에서 강력한 위치를 차지하고 있으며 업계에서 우세합니다. 컴퓨터 게임아마추어 예술에서 인기있는 현대 영화. 이러한 영역에서 오래된 자금이 빠르게 이동하는 이유는 다음과 같습니다.

유효성

만들기 위해서는 디지털 작품모든 수준에서 충분한 성능의 개인용 컴퓨터, 그래픽 태블릿 및 컴퓨터 페인팅을 위한 여러 프로그램을 구매/보유해야 합니다. 이 모든 비용은 초기 버전에서 ~$1500(이 금액의 대부분은 라이선스 프로그램 비용임)입니다(전문가는 더 비싼 컴퓨터, 모니터 및 태블릿을 구입하지만 작업의 편의성만 높임).

뛰어난 작업 속도

유료 예술 활동 분야에서 특히 중요합니다: 책, 영화, 게임 디자인. CG 아티스트를 위한 전문 프로그램(예: Painter)에는 작업 속도를 높이는 많은 도구가 포함되어 있습니다. 선택 원하는 색상- 몇 초 만에(올바른 색상을 얻기 위해 페인트를 혼합해야 하는 전통적인 페인팅과 달리 경험과 시간이 필요함) 올바른 브러시/도구를 선택하는 것도 거의 즉각적인 작업입니다. 작업을 실행 취소할 수 있는 기능, 작업 중 언제든지 저장하고 나중에 다시 되돌릴 수 있는 기능, 심지어 많은 기능 및 이점 목록까지 포함하여 이 모든 것이 전문 아티스트의 작업을 몇 배 더 빠르게 만듭니다. 같은 품질. 또한 컴퓨터 작업은 영화, 게임, 레이아웃의 디지털 기술에 즉시 사용할 수 있습니다. 오일로 칠한 캔버스는 먼저 디지털 형식으로 전송되어야 합니다.

독특한 툴킷

예를 들어 레이어로 작업하거나 사진의 텍스처를 필요한 그림 부분에 적용합니다. 주어진 유형의 소음 발생; 다양한 브러시 효과; HDR 사진; 다양한 필터 및 수정 - 이 모든 것과 훨씬 더 많은 것은 전통적인 그림에서는 사용할 수 없습니다.

전망

전통예술은 18세기로 거슬러 올라가 기술과 수단의 완성도 면에서 거의 한계에 다다랐다. 그 이후로 새로운 것이 추가되지 않았습니다. 이전과 마찬가지로 안료, 오일 (또는 기성품 혼합물), 캔버스 및 브러시가 있습니다. 그리고 새로운 것은 나타나지 않을 것입니다. 현대 컴퓨터 페인팅은 작업의 질과 규모 면에서 과거 천재들의 최고의 그림과는 거리가 멀다고 말하는 것이 타당하지만 발전할 여지가 있습니다. 모니터의 해상도가 높아지고, 색상 재현의 품질이 높아지고, 컴퓨터의 성능이 커지고, 디지털 페인팅 프로그램이 변경 및 개선되고 있으며, 색상 / 색상 출력 작업을 위한 새로운 방법과 장치를 만들 수 있는 근본적인 가능성이 있습니다. 영사기 또는 홀로그래피).

일부 그룹의 학습 용이성 및 조작 용이성

컴퓨터에서 작업하는 방법을 알고 호기심 많고 활기찬 사람이라면 컴퓨터 페인팅 프로그램의 인터페이스를 이해하는 것이 어렵지 않을 것입니다. 대부분의 Windows 프로그램 + 매우 논리적인 디지털 아티스트 도구와 동일합니다. 특정 프로그램 작업에 대한 유료 및 무료 비디오 자습서는 모두 인터넷에서 사용할 수 있습니다. cg-art 프로그램과 관련하여 이러한 비디오 자습서에는 그림에 대한 디지털 아티스트 작업의 모든 단계에 대한 기록이 포함되어 있습니다.

디지털 페인팅의 단점

개발의 어려움

현재이 전문 분야를 가르치는 학교 또는 더 심각한 교육 기관은 거의 없습니다. 대부분 가장 활기차고 호기심 많은 사람들, 특히 스스로 배우고 스스로 정보를 찾을 수있는 어린이가 디지털 아티스트가됩니다. 디자이너 및 프린터(PC에서 그래픽 작업 경험이 있는 사람) 대부분의 유명한 디지털 아티스트는 전통 회화 교육 기관을 졸업하고 독립적으로 cg-art로 전환했습니다. 또한 현대 디지털 아티스트는 인터넷 없이는 상상할 수 없습니다 (동료, 고용주와의 의사 소통, 새로운 프로그램 검색 또는 그림 그리기 방법 등). 컴퓨터에서 그림을 그리는 방법에 관한 책은 거의 없지만 상황은 점차 개선되고 있습니다.

2007년 현재 상황은 상당히 좋은 위치에 있습니다. 이 순간꽤 다양하다. 교육 자원미래의 순수 예술 교사가 디지털 장치로 작업할 수 있도록 준비합니다. 컴퓨터에서 작업하는 기술 그래픽 태블릿그리고 다양한 프로그램미디어 드로잉에 참여할 수 있습니다. 가까운 장래에 이러한 과정은 국가의 주요 교육 대학에서 시작되어 미디어 드로잉 및 디지털 페인팅에 대한 경험이 풍부한 새로운 교사를 받으면 학교 및 기타 대학에 긍정적인 영향을 미칠 것입니다. .

컴퓨터 기술의 현재 한계

최신 모니터는 여전히 우리 눈의 해상도에 가까운 해상도에서 작동하지 않습니다. 즉, 모니터는 고전 회화 캔버스의 동일한 크기 섹션의 실시간 관찰이 제공할 수 있는 많은 세부 사항과 세부 사항을 표시할 수 없습니다. 사진을 프린터로 인쇄할 수 있지만 이것은 cg-art의 세 번째 문제를 야기합니다.

컴퓨터 이미지를 물리적 매체로 출력하는 문제

모니터는 RGB 색 공간(1,670만 가지 색상)에서 작동합니다. 종이에 인쇄하는 것은 물리적으로 이 전체 색상 범위를 커버할 수 없습니다. CMYK 색상 공간은 더 적은 수의 색상과 음영을 커버합니다. 이 시점에서 Canon이나 HP와 같은 대형 잉크젯 포토 프린터가 존재하며 점점 더 많이 사용되고 있습니다. 이러한 프린터는 1200-2400dpi 해상도의 RGB 색 공간에서 작동하며 다양한 인쇄 매체에 인쇄할 수 있습니다. 그러나 그러한 작업의 비용은 매우 높습니다. 사진의 모든 색상을 표시할 수 있는(및 밝기, 대비, 색상 설정이 있는) 모니터는 해상도가 너무 낮아 사진의 모든 세부 정보를 표시할 수 없습니다(보간 없이는 전체 크기로 표시되지 않습니다. 일반 모니터는 동시에 1-2메가픽셀 이상을 표시할 수 없으며 특수하고 다소 비싼 LCD 모니터는 약 8메가픽셀을 표시할 수 있습니다.

저작권 문제

원본(소스) 도면 파일을 가지고 있는 사람이 도면의 소유자입니다. 그러나 모든 디지털 정보와 마찬가지로 유형의 비용 없이 파일을 무제한으로 복사하고 복제할 수 있습니다. 가장 간단한 예도면 보호 - 축소된 사본을 인터넷에 게시(보통 전문 예술가그들은 고해상도-6000 × 10000 픽셀 이상으로 그립니다-세부 사항을 그리는 것이 편리하고 작은 버전이 인터넷에 게시됩니다-1600 × 1200 이하; 또는 단편). 이 경우 그림의 큰 버전을 가지고 있는 사람이 작성자이자 소유자입니다. 디지털 도면의 저작권은 변경하기 쉽고 잘 알려진 예술가만이 저작권의 존재를 실제로 도울 수 있습니다.

연결

러시아어 포럼에 대한 외부 링크

모든 방향의 예술가들이 소통하는 곳

• - 2D 아티스트 포럼. 애쉬 창립자.
• Skill.ru는 모든 사람이 자신의 작품(사진에서 시까지)을 게시하고 가혹한 것을 배울 수 있는 창의적인 사이트입니다. 여론그들의 계정에. 또는 인생에서 합당한 인정을 받으십시오. 그것이 얼마나 운이 좋은지입니다.
• Hofarts.com은 전용 학교 섹션과 CG 뉴스 매거진이 있는 포럼입니다.
• 구로아트포럼은 전문포럼을 기반으로 유명한 예술가 2002년 12월 로만 구로 구냐빔
• CGFight.com은 "싸움"과 아티스트(팀 포함) 경쟁을 전문으로 하는 포럼입니다.
• CGTalk.ru - CGTalk.ru 포럼
• Manga.ru - "만화" 스타일의 아티스트 포럼
• 실시간 - 실시간 학교의 하위 섹션입니다. 모든 영역(2D, 3D)에서 컴퓨터 아트를 가르치는 몇 안 되는 기관 중 하나입니다. 포럼 개발 초기에 그림의 방향은 러시아에서 가장 유명한 CG 아티스트인 Anry가 이끌었습니다. 현재 포럼은 비활성화되어 있지만 아카이브는 초보자와 전문가 모두에게 매우 유용합니다.
• Arttalk.ru - 창의적인 사람들의 커뮤니티
• Render.ru - 온라인 잡지 컴퓨터 그래픽및 애니메이션
• artburn - cg 아티스트 컬렉션.
• "어떤 미학" - 젊은 예술가들의 커뮤니티. 창립자는 유명한 예술가 Ketka입니다.
• Sketchers.ru는 아티스트를 위한 편리한 기능(잡지, 갤러리)이 많은 다소 젊은 리소스입니다. 2004년 1월 17일 아티스트/디자이너 AJ가 설립했습니다. 이 도메인은 현재 활성 상태가 아닙니다. 2010.01.10
• ecreatorman.com - 집합적인 디지털 캔버스를 만들기 위한 원본 사이트입니다.
• PointArt - 아티스트를 위한 포털.
• DigitalBrush - 디지털 작업을 하는 주요 아티스트의 작가 작품 갤러리입니다.
• ArtTower.ru - 컴퓨터 그래픽, 드로잉 및 사진 전용 아트 포럼. 발행 된 전자저널아트타워 매거진. 초보자를 위한 정기적으로 업데이트되는 수업 카탈로그가 포함되어 있습니다.
• - 그래픽, 아트 포럼에 관한 모든 것.
• - 디자인 및 그래픽.

해외 포럼 및 예술가 커뮤니티에 대한 외부 링크

• 일본어 pixiv.net

디지털 페인팅용 프로그램

자유 소프트웨어

• 김프는 그림 그리기에도 적합한 래스터 그래픽 편집기입니다.
• MyPaint는 그리기 프로그램, 끝없는 캔버스, 많은 브러시 및 최소한의 기능입니다.
• Krita는 Calligra Suite의 일부인 드로잉 프로그램입니다.
• 연금술-
• Inkscape는 그리기용으로 설계된 벡터 그래픽 편집기입니다.

독점 프로그램

• Painter - 디지털 아티스트를 위한 Corel의 프로그램입니다.

• 1일부터 마감!

• 유화보다 가격이 저렴하고 품질도 나쁘지 않습니다.
• 1일부터 마감!
• 새로운 아이디어가 있습니까? 디지털 초상화에 쉽게 추가할 수 있습니다! 원하는 만큼 세부 사항을 변경하시겠습니까? 용이하게! 손으로 초상화를 쓸 때 이것은 불가능합니다.
• 몇 시간 동안 아티스트 앞에 앉아있을 필요가 없으며 놀라움을 만드는 방법에 대해 생각할 필요가 없습니다. 단 한 장의 사진 만 있으면 마스터의 독창적 인 선물을 받게됩니다.
• 귀하와 함께 남게 될 초상화의 전자 버전은 품질을 잃지 않고 아티스트의 작업 비용을 다시 지불하지 않고도 여러 번 인쇄할 수 있습니다.
• 이미지 균열이나 페인트 벗겨짐 없음, 단지 최고의 재료획의 효과는 그대로 유지하면서 인쇄할 수 있습니다!
• 이것 최신 기술우리가 살고 있기 때문에 현대 세계, 안 그래? 우리 아티스트들은 고등 교육예술 분야에서 올바른 장소의 손, 창의적인 사고 및 많은 유용한 아이디어! 당신은 우리의 긍정적인 부분을 원하십니까? 지금 바로 디지털 초상화를 주문하세요