심포닉 음악. 심포니 오케스트라에 대하여 심포니 오케스트라를 위한 훌륭한 음악

시설 음악적 표현력

음악 장르:

장르(프랑스어 번역 - 성별, 유형, 방식) - 특정, 역사적으로 예술 형식

확립된 특징.

1. 성악-합창 장르- 공연을 위해 창작된 작품 포함

칸타타, 오라토리오, 미사 등

1. 악기 장르- 다양한 악기 연주를 위해 제작된 작품이 포함됩니다. 악기주기- 모음곡, 소나타, 협주곡, 기악 앙상블(트리오, 4중주, 5중주) 등
2. 뮤지컬 연극 장르- 오페라, 오페레타, 발레, 연극 공연을 위한 음악 등 연극 공연을 위해 제작된 작품이 포함됩니다.
3. 교향곡 장르- 교향악단을 위해 작곡된 작품이 포함됩니다: 교향곡, 모음곡, 서곡, 교향곡 등.

음악 연설의 요소:

1. 멜로디(그리스어 번역 - 노래) - 한 목소리로 표현된 음악적 사고.

멜로디 유형:

칸틸레나(노래하는 성가) – 여유로운 멜로디

보컬 멜로디는 목소리로 연주하기 위해 만들어진 멜로디입니다.

기악 선율은 악기로 연주하기 위해 만들어진 선율입니다.

2. 젊은이(슬라브어 - 조화, 조화, 질서, 평화에서 번역됨) - 관계

음악적 소리, 일관성 및 일관성. 여러 가지 방법 중

메이저와 마이너가 가장 널리 사용됩니다.

1. 조화(그리스어로 번역 - 비례, 연결) - 소리를 자음으로 결합하고

관계. (하모니라는 단어의 또 다른 의미는 화음의 과학입니다).

1. 미터(그리스어로 번역 - 측정) - 강하고 약한 몫이 지속적이고 균일하게 교대로 나타납니다. 크기 - 미터의 디지털 지정.

기본 미터: 두 부분(폴카, 갤럽, 에코세즈),

트리플(폴로네즈, 미뉴에트, 마주르카, 왈츠), 쿼드러플(행진, 가보트).

1. 율(그리스어로 번역 - 비례) - 지속 시간, 소리 및 일시 중지가 번갈아 나타납니다.

리듬의 종류:

짝수 - 동일한 우세를 갖는 기간의 드물게 변경됩니다.

점선(라틴어-점으로 번역) - 두 개의 소리로 구성된 그룹으로, 그 중 하나는 다른 것보다 3배 짧습니다(점이 있는 8분의 1, 점이 있는 16분의 1).

당김 (그리스어 번역 - 생략, 축소) - 리듬과 역동적인 악센트가 미터법과 일치하지 않습니다. (강한 비트를 약한 비트로 전환)

Ostinato (이탈리아어 번역 - 완고하고 완고함) - 반복적으로 반복됨

리드미컬하거나 멜로디적인 회전.

6. 범위(그리스어로 번역 - 모든 것을 통해) - 가장 낮은 것에서 가장 높은 것까지의 거리

악기나 목소리가 낼 수 있는 소리.

1. 등록하다- 다음을 포함하는 악기 또는 음성의 음역의 일부

색상이 비슷한 것 같습니다(상위, 중간, 하위 음역을 구별).

1. 역학- 소리의 강도, 크기. 동적 음영 - 특별 조건

음악의 음량 정도를 결정합니다.

1. 속도(라틴어로 번역 - 시간) - 음악의 속도. 뮤지컬 작품에서는

템포는 특별한 용어로 표시됩니다.

1. 해치(이탈리아어 번역 - 방향, 선) - 노래하고 악기를 연주할 때 소리를 추출하는 방법입니다.

기본 스트로크:

레가토(Legato) - 일관되게, 원활하게

스타카토 - 육포, 날카로운

논 레가토(Non Legato) - 모든 소리를 분리함

1. 조직(라틴어 번역 - 처리, 장치) - 작품의 음악적 구조,

음악을 표현하는 방법. 송장 요소: 멜로디, 코드, 베이스, 미들보이스,

주요 송장 유형:

Monody (그리스어로 번역됨 - 한 가수의 노래) - 모노포니 또는 하나의 멜로디

다성적 질감(그리스어 번역 - 많은 소리) - 음악적 구조를 가지고 있습니다.

여러 멜로디 보이스의 조합으로 구성됩니다. 모든 목소리는

독립형 멜로디.

동음이의-고조파 질감 또는 동음이의 (그리스어 번역 - 주요 리더

소리) - 선두 목소리가 명확하게 구별됩니다 - 멜로디와 나머지 목소리

동반하다.

반주 유형:

화음, 베이스 화음, 하모닉 형상.

코드 텍스처(Chord Texture)는 위쪽 성부가

멜로디다.

1. 음색(프랑스어로 번역됨 - 라벨, 독특한 기호) - 뮤지컬 사운드의 특별한 색상

옥타브. 출연자: Tamara Milashkina, Galina Vishnevskaya, Montserrat Caballe 등.

소프라노 품종 - 콜로라투라 소프라노.

콜로라투라(이탈리아어 번역 - 장식) - 빠른 거장 구절과 멜리스마,

솔로 보컬 파트를 장식하는 역할을 맡고 있습니다.

메조소프라노 - 작은 옥타브의 "la" 범위를 지닌 평균적인 여성 노래 목소리 - "la"

("si flat") 두 번째 옥타브입니다. 출연자: 나데즈다 오부코바, 이리나 아르히포바,

Elena Obraztsova 등.

콘트랄토(Contralto) - 작은 옥타브의 "fa" 범위를 가진 가장 낮은 여성 노래 목소리 - "fa"

두 번째 옥타브. 출연자: Tamara Sinyavskaya 외.

출연자: 레오니드 소비노프, 세르게이 레메셰프, 이반 코즐로프스키, 바딤 코진, 엔리코

카루소, 플라시도 도밍고, 루치아노 파바로티, 호세 카레라스 등.

옥타브. 출연자: Yuri Gulyaev, Dmitry Hvorostovsky, Tita Ruffo 등.

출연자: Fedor Chaliapin, Boris Shtokolov, Evgeny Nesterenko 등.

성악

보컬 작품악기 반주와 반주 없이 연주할 수 있는 아카펠라입니다.

성악을 연주할 수 있습니다:

솔로 - 한 명의 가수가

보컬 앙상블 - 듀엣(2), 트리오(3), 콰르텟(4) 등

합창단 - 15명 이상의 대규모 연주자 그룹입니다.

합창단

합창단은 연주자의 구성이 다를 수 있습니다.

남성

여성용

아기

혼합

합창단은 연주 방식이 다를 수 있습니다.

학업 - 클래식 음악 및 현대 작품 연주, 노래

"덮인" "둥근" 소리.

민속 - "개방형"소리로 특별한 방식으로 노래합니다.

장르 성악

노래 - 성악의 가장 널리 퍼진 장르.

민요는 사람들 사이에서 태어나고 살았습니다. 구두로 기록된 어떤 사람도 대대로 전해지지 않았습니다. 연주자는 동시에 창작자이기도 했습니다. 그는 각 노래에 새로운 것을 가져왔습니다. 민요 창의성의 가장 유명한 유형은 자장가, 동요, 농담, 댄스, 만화, 라운드 댄스, 게임, 노동, 의식, 역사, 서사시, 서정적 노래입니다.

미사가요라는 장르는 20세기 20년대부터 발전하기 시작했다. 미사곡은 모두가 사랑하고 알고 있기 때문에 민요에 가깝고, 시인과 작곡가의 이름을 모르고 멜로디를 약간 바꾸면서 자신의 방식으로 노래하는 경우가 많습니다. 대중 노래 개발 단계: 내전 노래, 30년대 노래, 위대한 애국 전쟁 노래 등

팝송은 20세기 후반에 널리 보급되었습니다. 그들은 다음과 같이 수행됩니다.

무대 공연자는 전문가입니다.

작가(음유시인)의 노래는 20세기 60년대에 가장 큰 인기를 얻었습니다. 작가의 노래에서는 시인, 작곡가, 연주자가 한 사람으로 등장합니다. 가장 유명한 대표자는 Vladimir Vysotsky, Bulat Okudzhava, Alexander Rosembaum, Segey Nikitin 등입니다.

로맨스 - 반주와 함께 목소리를 위한 보컬 작업.

로맨스는 스페인에서 나타나 유럽 전역으로 퍼졌습니다. 이 작품은 19세기에 프랑스에서 러시아로 건너왔으며 처음에는 19세기에만 공연되었습니다. 프랑스 국민. 러시아어 텍스트로 된 성악 작품을 "러시아 노래"라고 불렀습니다.

시간이 지남에 따라 "로맨스"라는 단어의 의미가 확장되었습니다. 로맨스는 노래보다 더 복잡한 형태로 쓰여진 반주가있는 성악 작품으로 불리기 시작했습니다. 노래에서는 가사의 일반적인 내용을 반영하여 절과 합창의 멜로디가 반복됩니다. 로맨스에서는 멜로디가 변화하면서 유연하게 단어를 따릅니다. 반주에는 큰 역할이 부여됩니다(대부분 피아노 부분).

칸타타와 오라토리오.

오라토리오 장르는 교회에서 유래되었습니다. 16세기 말 로마에서는 가톨릭 신자들이 성경을 읽고 해석하기 위해 교회의 특별한 방인 기도실에 모이기 시작했습니다. 그들의 설교에는 음악이 수반되었습니다. 그리하여 특별한 작품이 탄생했습니다. 성경 이야기솔리스트, 합창단 및 악기 앙상블 - 오라토리오. 18세기에는 세속적인 오라토리오가 등장했습니다. 콘서트 공연을 위한 것입니다. 첫 번째 제작자는 G.F.Handel입니다. 오페라와 달리 오라토리오에는 연극적인 행위가 없다는 점을 기억하는 것이 중요합니다.

17 세기에는 오라토리오와 유사한 장르 인 칸타타가 나타났습니다. 이는 아리아와 암송으로 구성된 서정적, 축하 또는 환영 성격의 콘서트 보컬 곡입니다. 오케스트라와 함께 솔리스트나 합창단이 연주합니다. (오라토리오와의 차이점 - 줄거리 부족)

J.S. 바흐는 훌륭한 칸타타를 많이 썼습니다.

현재 오라토리오와 칸타타의 구분은 모호합니다.

이제 이것은 조국의 영광, 영웅의 이미지, 국민의 영웅적 과거, 평화를위한 투쟁 등의 주요 주제인 대규모 다중 파트 성악 및 교향곡 작품입니다.

아리아 -오페라에서 가장 밝은 솔로 번호.

이것은 주인공의 특징을 가장 완전하고 포괄적으로 묘사하고 그의 음악적 자화상을 그려내는 성악 독백이다. 안에 클래식 오페라아리아는 노래보다 형식이 더 복잡합니다.

아리아의 종류에는 아리오소(arioso), 아리에타(arietta), 카바티나(cavatina)가 있습니다.

오페라 아리아는 일반적으로 낭송 앞에 옵니다.

암송 - 음성 억양을 기반으로 한 일종의 성악.

자유롭게 구축되어 연설에 접근합니다.

대량의 - 여러 부분으로 이루어진 작업 교회 음악합창단, 기악을 연주하는 독창자를 위한

호위

미사는 그리스도의 고난, 십자가 죽음, 부활을 기억하는 것입니다. 기독교 성찬이 있습니다. 감사와 빵과 포도주가 그리스도의 몸과 피로 변합니다.

미사는 필수 성가로 구성됩니다.

Kirie eleison - 주님, 자비를 베푸소서

글로리아 - 가장 높은 곳에서는 하나님께 영광을

신조 - 나는 믿는다

상투스(Sanctus) - 거룩하다

베네딕투스 - 축복받은 자

· Agnus Dei - 하나님의 어린 양 (그리스도께서도 자신을 희생하셨기 때문에 양을 희생하는 전통을 상기시켜줌)

이 찬송가들을 결합하면 동시에 하나님의 형상을 보여주고 사람이 하나님 앞에서 경험하는 감정에 대해 이야기합니다.

기악

앙상블 악기

(앙상블 - 공동으로)

포크 - "la" 소리를 내는 두 갈래 포크 형태의 악기입니다.

1711년 존 쇼어(John Shore)가 발명했습니다.

소리굽쇠의 도움으로 모든 음악가는 함께 연주할 수 있도록 악기를 조율합니다.

챔버 앙상블 (라틴어 단어 카메라 - 즉 방에서 유래) - 악기가 음파에서 서로 잘 균형을 이루는 작고 안정적인 유형의 앙상블입니다.

가장 일반적인 실내악 앙상블은 다음과 같습니다.

현악4중주는 바이올린 2대, 비올라, 첼로로 구성되어 있습니다.

현악 삼중주 – 바이올린, 비올라, 첼로

피아노 트리오 - 바이올린, 첼로, 피아노

바이올린 연주자만으로 구성된 앙상블이나 하프로만 구성된 앙상블 등이 있습니다.

오케스트라의 종류

오케스트라 - 기악을 함께 연주하는 음악가 그룹.

지휘자 - 오케스트라의 리더

수년에 걸쳐 진행 방법은 여러 번 변경되었습니다.

지휘자들은 무대 뒤, 오케스트라 앞, 오케스트라 뒤, 오케스트라 중앙에 있었습니다. 경기 중에는 앉거나 걸었습니다. 조용히 지휘하고, 노래하고, 큰 소리로 외치고, 악기 중 하나를 연주했습니다.

그들은 거대한 막대를 가지고 지휘했습니다. 튜브에 감겨진 종이 롤; 발 차기, 샌들을 신었고 발바닥은 철로 덮여있었습니다. 절하다; 지휘봉 - 바투타.

이전에는 지휘자들이 오케스트라를 등지고 서 있었습니다. 19세기 독일 작곡가 리하르트 바그너. 이 전통을 깨고 오케스트라를 향해 돌아섰습니다.

점수 - 개별 악기의 부분이 결합된 다성 음악 작품의 기보법

심포니 오케스트라:

최초의 오케스트라의 탄생은 16~17세기 오페라의 출현과 관련이 있습니다. 한 무리의 음악가들이 무대 앞의 "오케스트라"라고 불리는 특별한 작은 플랫폼에 별도로 배치되었습니다. 첫 번째 오케스트라의 악기 세트는 비올(바이올린과 첼로의 전신), 2-3개의 바이올린, 여러 개의 류트, 트럼펫, 플루트, 하프시코드 등 일관성이 없었습니다. 동시에, 이 모든 악기는 당시 "교향곡"이라고 불렸던 오프닝 곡에서만 소리가 났습니다. 18세기까지 작곡가들은 오케스트라에서 가장 좋은 악기 조합을 찾고 있었습니다.

비엔나 고전 - J. Haydn 및 W. A. ​​​​Mozart - 클래식 심포니 오케스트라의 구성을 결정했습니다.

현대 심포니 오케스트라에는 최대 100명의 연주자가 있습니다.

심포니 오케스트라의 네 가지 주요 그룹

때때로 오케스트라에는 하프, 오르간, 피아노, 첼레스타가 포함됩니다.

브라스 밴드

주로 야외 무대에서 들리며 행렬, 행진에 수반됩니다. 그 음파는 특히 강력하고 밝습니다. 브라스 밴드의 주요 악기는 브라스(클라리넷, 트럼펫, 호른)입니다. 목관악기도 있습니다: 플루트, 클라리넷, 대규모 오케스트라또한 오보에와 바순, 타악기(드럼, 팀파니, 심벌즈)도 있습니다. 브라스 밴드를 위해 특별히 작곡된 작품도 있지만, 브라스 밴드를 위해 편성된 교향곡 작품이 자주 연주됩니다.

버라이어티 오케스트라

교향곡과 유사한 큰 것부터 앙상블과 같은 아주 작은 것까지 악기와 크기의 구성이 가장 다양합니다. 다양한 오케스트라에는 우쿨렐레, 색소폰 등이 포함되는 경우가 많습니다. 타악기. 팝 오케스트라는 댄스 음악, 다양한 유형의 노래, 재미있는 성격의 음악 작품, 간단한 내용의 인기 클래식 작품을 연주합니다.

O. Lundstrem, P. Moriah, B. Goodman 등이 이끄는 유명한 팝 오케스트라.

오케스트라 민속 악기

그들의 구성이 다르기 때문입니다. 모든 나라에는 그 나라의 나라가 있다 국가 악기. 러시아에서는 민속 악기 오케스트라에 다음이 포함됩니다.

문자열 뽑아낸 악기: 돔라, 발랄라이카, 구슬리,

관악기 - 파이프, zhaleyka, 뿔, 노즐, 플루트

바얀스, 하모니카

타악기의 대규모 그룹

1888년 최초의 전문 민속 악기 오케스트라가 창설되었습니다. 유명한 음악가 V. V. Andreeva.

재즈 - 오케스트라

심포니 오케스트라와 달리 재즈 오케스트라는 고정된 악기 구성이 없습니다. 재즈는 언제나 솔리스트들의 앙상블이다. 재즈 오케스트라에는 피아노, 색소폰, 밴조, 기타가 포함됩니다. 현악기 - 현악기, 트롬본, 트럼펫, 클라리넷이 포함될 수 있습니다. 타악기 그룹은 매우 크고 다양합니다.

재즈의 주요 특징은 즉흥 연주(연주 중에 바로 음악을 작곡하는 솔리스트의 능력)입니다. 리듬의 자유.

최초의 재즈 밴드가 미국에 나타났습니다. 가장 유명한 재즈 거장인 루이 암스트롱(Louis Armstrong)입니다.

러시아에서는 Leonid Utyosov가 최초의 재즈 오케스트라를 창설했습니다.

뮤지컬 작품의 구조. 음악적 형식. 음악 테마.

주제 (그리스어 번역 - 기초는 무엇입니까) - 작품의 주요 음악적 아이디어. 한 작품에는 하나 또는 여러 개의(보통 대조되는) 주제가 있을 수 있습니다.

기조 (독일어 번역 - 인도 동기) - 문구 또는 전체 주제, 반복적으로

작업에서 반복됩니다.

되풀이 - 변경 없이 또는 사소한 변경을 통해 여러 번 주제를 수행하는 것입니다.

순서 - 다른 높이에서 테마를 변경하지 않고 반복적으로 반복합니다.

변화 - 중요한 변화를 주면서 주제를 반복적으로 반복합니다.

동기 개발 (개발) - 밝은 요소(동기)와 그 주제로부터의 격리

순차, 음역, 음색, 음색 개발.

음악적 형식

형태 (라틴어 번역-이미지, 개요)-음악 작품의 구성, 부분의 비율.

음악 형식의 요소: 동기, 문구, 문장.

동기 (이탈리아어 번역 - 기본)는 음악 형식의 가장 작은 요소입니다. 일반적으로 모티프에는 하나의 악센트가 포함되어 있으며 하나의 막대와 같습니다.

문구 (그리스어로 번역-표현)는 두 가지 또는

여러 동기. 프레이즈의 길이는 2~4소절입니다. 때로는 문구가 동기로 구분되지 않는 경우도 있습니다.

문장은 여러 구로 구성된 상대적으로 완전한 음악 형식의 요소입니다. 제안의 양은 4~8주기입니다. 구로 나누어지지 않는 문장이 있습니다.

기간- 완전하거나 상대적인 부분을 포함하는 가장 단순한 음악 형식

생각을 마쳤다. 마침표는 두 개(드물게 세 개)의 문장으로 구성됩니다. 기간 볼륨

8바에서 16바까지. 기간은 다음과 같습니다:

반복 구성(두 번째 문장이 첫 번째 문장을 문자 그대로 또는 다음과 같이 반복하는 경우)

작은 변화. 도표: a + a 또는 a + a 1)

비반복 구조(두 번째 문장이 첫 번째 문장을 반복하지 않는 경우. 구성표: a + b)

간단하고 복잡한 형태가 있습니다.

단순한 - 각 부분이 마침표를 넘지 않는 형태로 호출합니다.

복잡한 - 적어도 한 부분이 마침표보다 큰 형식을 호출합니다.

모든 형태에는 서론과 결론(코다)이 주어질 수 있습니다.

간단한 두 부분으로 구성된 형식

두 부분으로 구성된 음악 형식(각 부분은 한 마침표를 초과하지 않음)

품종:

Reprise - 두 번째 부분의 두 번째 문장이 첫 번째 부분의 문장 중 하나를 반복하는 경우

예를 들어:

차이콥스키의 '옛 프랑스 노래'. 계획: A B

a + a 1 b + a 2

비반복 - 두 개의 서로 다른 기간으로 구성됩니다. 예를 들어:

차이코프스키 <오르간 그라인더가 노래하다> 계획: A B

a + b c + c 1

간단한 3부분 형식

세 악장으로 구성된 음악 형식으로 각 악장은 한 마침표를 넘지 않습니다.

품종:

Reprise - 세 번째 부분이 문자 그대로 또는 작은 부분으로 첫 번째 부분을 반복하는 경우

변화. 예를 들어:

차이코프스키 "나무 병사들의 행진" 계획: A B A

a + a 1 b + b 1 a 2 + a 3

Non-reprise - 세 번째 부분이 첫 번째 부분의 반복이 아닌 경우입니다. 예를 들어:

차이콥스키의 '나폴리 노래'. 도표: A B C

a + a 1 b + b c + c 1

복잡한 세 부분으로 구성된 형식

극단은 단순한 2부 또는 3부 형식이고, 중간부는 극단과 대비되어 임의의 단순한 형태를 취하는 3부 재현형식이다.

예: 차이코프스키 "왈츠". 계획:

a + a 1 b + b 1 c + c 1 a + a 1 b + b 1

(간단한 두 부분) (마침표) (간단한 두 부분)

론도 모양

론도(프랑스어 번역 - 원, 라운드 댄스) - 주요 주제가 반복되는 음악형식

다른 주제(에피소드)와 번갈아 가며 적어도 세 번.

메인테마라고 합니다 그만두다 (프랑스어-합창에서 번역됨).

후렴과 에피소드는 어떤 간단한 형태로도 제시될 수 있습니다.

계획: A B A C A

변형 형태

변형 형태 - 주제가 변화하면서 반복되는 음악형식.

주제의 수정된 반복을 호출합니다. 변화 (라틴어로 번역됨 - 변경,

다양성).

변형에서는 음악적 연설의 모든 요소가 변경될 수 있습니다.

변형의 수는 2개에서 수십개까지입니다.

주제는 어떤 간단한 형태로든 작성할 수 있습니다. 그러나 가장 자주 - 간단한 두 부분으로 구성됩니다.

계획 : A A 1 A 2 A 3 A 4 등

테마 1 var. 2변수 3변수 4변수

소나타 형식

소나타 형식 - 일반적으로 두 가지 주제를 병치하여 전개하는 음악형식

대조.

소나타 형식은 세 부분으로 구성된다.

섹션 1 - 박람회 (라틴어 번역 - 표시) - 행동의 줄거리.

이번 전시는 두 가지 주요 주제에 초점을 맞췄다. 집 그리고 옆 .

집 테마는 작품의 메인, 메인 키에서 들립니다. 옆 테마가 다른 톤으로 되어있습니다.

집 그리고 옆 테마 연결 접합재 주제.

박람회를 완료합니다 결정적인 주제.

섹션 2 - 개발 - 소나타 형식의 극적인 중심

박람회에서 제시된 주제의 비교, 충돌 및 개발. 개발은 키가 자주 변경되는 것이 특징입니다. 주제를 개발하는 주요 기술은 동기 부여 개발입니다.

섹션 3 - 반복 - 디커플링 동작.

기본 키에서 설명 자료를 수행합니다.

박람회 개발 재현

Gl.t. 의사소통 Pob.t. 서표 Gl.t. 의사소통 Pob.t. 서표

ㅇ------------D, VI, III T T

순환 형태

주기 - 차선에 있어요. 그리스어에서 - 원.

순환 형태 – 음악 형식여러 개의 독립적인 요소로 구성됨

하나의 아이디어로 통합된 대조되는 부분.

가장 중요한 순환 형식은 모음곡, 소나타 순환입니다.

모음곡.

에인션트 스위트룸 (16 - 18세기) - 다양한 고대 춤의 순환이 하나로 쓰여졌습니다.

색조.

옛 모음곡의 주요 춤:

보통의 알레망드 (독일 쿼드러플)

기운찬 종소리 (프랑스 삼자)

느린 사라반드 (스페인 삼자)

빠른 지그 (영어 삼자)

때로는 미뉴에트, 가보트, 부레 및 기타 춤이 이전 모음곡에 포함되었을 뿐만 아니라 춤이 아닌 곡(전주곡, 푸가, 아리아, 론도)도 포함되었습니다.

G. Handel, J.S. Bach, F. Couperin, J. Lully, J. Rameau의 작품에 나오는 고대 모음곡의 예.

뉴 스위트 (19~20세기) - 서로 다른 키로 쓰여진 밝게 대조되는 희곡의 순환.

새 모음곡은 댄스곡이 아닌 곡이 지배적입니다.

새로운 제품군의 예:

P.I. 차이코프스키 "계절";

MP Mussorgsky "전람회의 그림";

E. Grieg "페르 귄트";

N. A. Rimsky - Korsakov "Scheherazade";

K. Sen-Sans "동물의 카니발".

쏘나타 사이클최소한 한 악장이 소나타 형식으로 쓰여진 음악 형식입니다.

한 명 또는 두 명의 독주 연주자를 위한 소나타 사이클을 다음과 같이 부릅니다. 소나타;

세 명의 출연자를 위해 트리오;

네 명의 출연자를 위해 사중주;

5명의 출연자를 위해 - 오중주.

교향악단을 위해 작곡된 소나타 사이클은 다음과 같습니다. 교향곡;

독주 악기와 오케스트라를 위한 - 콘서트.

세 부분으로 구성된 사이클 - 소나타, 협주곡.

4부 사이클 - 교향곡, 4중주, 5중주.

다성적 형태

다음(그리스어 폴리 - 다수, 전화 - 음성, 소리) - 동음이의어보다 훨씬 일찍 등장하여 16세기와 17세기에 널리 퍼진 다성음악의 일종입니다. 여기서 모든 목소리는 독립적이고 똑같이 중요하며 똑같이 표현력이 풍부한 멜로디를 이룹니다.
다성 예술은 그 자체로 특별한 장르: 이것 파사칼리아, 샤콘느, 인벤션과 카논 . 이 연극은 모두 모방 기법을 사용합니다.

모방 "모방", 즉 다른 목소리로 멜로디를 반복하는 것을 의미합니다.

예를 들어, 정경 모든 성부의 동일한 멜로디를 엄격하고 지속적으로 모방하는 데 기반을 두고 있습니다. 음색은 선두 음색의 멜로디를 반복하여 이 멜로디가 이전 멜로디로 끝나기 전에 들어갑니다.
다성음악의 정점은 푸가이다 . 이러한 형태의 다성음악은 요한 세바스티안 바흐의 작품에서 최고조에 달했습니다.
단어 "둔주곡" 라틴어 "run"에서 유래. 푸가는 특별하고 매우 엄격한 법칙에 따라 작곡되었습니다. 푸가는 일반적으로 하나의 뮤지컬을 기반으로 합니다. 주제 - 밝고 잘 기억됩니다. 이 주제는 다양한 목소리로 일관되게 들립니다. 푸가는 성부의 수에 따라 2성부, 3부성, 4부성 등으로 나눌 수 있습니다.
푸가는 구조에 따라 세 부분으로 나누어진다.

첫 번째는 모든 목소리가 주제를 연주하는 박람회입니다. 테마가 연주될 때마다 다른 목소리의 멜로디가 동반됩니다. 반대 위치 . 푸가에는 주제가 누락된 부분이 있습니다. 막간, 주제 사이에 위치합니다.
푸가의 두 번째 부분은 전개(development)라고 불리며, 거기에서 주제가 전개되어 다양한 성부를 번갈아 통과합니다.
세 번째 섹션은 반복이며 여기서 테마는 기본 키에 포함됩니다. 속도에 대한 보답으로 음악적 발전일반적으로 사용되는 기술 스트레타. 이것은 주제의 각 후속 구절이 다른 목소리로 끝나기 전에 들어가는 모방입니다.
재현에는 푸가의 발전을 요약하는 코다가 붙어 있습니다.
음악 문헌에는 하나가 아닌 두 개, 심지어 세 가지 주제로 쓰여진 푸가가 있습니다. 그런 다음 각각 이중 및 삼중이라고 부릅니다. 푸가 앞에는 판타지, 변주곡, 합창 같은 작은 곡이 나오는 경우가 많습니다. 그러나 "전주곡과 푸가"주기가 특히 인기가있었습니다. 이다. 바흐는 48개의 전주곡과 푸가를 작곡하여 <평균율 클라비어>라는 제목으로 두 권으로 묶었습니다.

발명품

발명이라는 단어는 라틴어로 "발명"을 의미합니다. 사실, 본 발명의 주제는 짧은 표현 멜로디인 발명입니다. 또한 본 발명의 구조는 푸가의 구조와 거의 다르지 않으며 모든 것이 초보 음악가의 연주에 훨씬 더 간단하고 접근하기 쉽습니다.

주제 - 모든 목소리를 차례로 전달하는 짧은 표현 음악 문구입니다.

반대 위치 - 주제에 맞춰 다른 목소리로 멜로디를 연주합니다.

사이드쇼 - 주제 사이에 위치합니다.

다운로드:

시사:

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슬라이드 캡션:

게임 "추측 악기» 작업: S.S. Prokofiev의 동화 "Peter and the Wolf"의 영웅 주제를 연주하는 악기의 이름을 지정하세요.

오보에 어떤 악기가 새 테마를 연주하나요? 플루트

할아버지 주제를 연주하는 악기는 무엇입니까? 바순 오보에

플루트 고양이 주제를 연주하는 악기는 무엇인가요? 클라리넷

플루트 어떤 악기가 오리 테마를 연주하나요? 오보에

현악기 Petit의 테마를 연주하는 악기는 무엇입니까? 목관악기

동화 '피터와 늑대'로 여러분을 초대합니다

시사:

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슬라이드 캡션:

"동화는 숲 속을 걷고있다"Muz. V. 프셰니치니코바

동화는 숲 속을 걷고, 동화는 손으로 이끌고, 동화는 강에서, 전차에서, 문에서 나옵니다.

이 둥근 춤은 무엇입니까? 이것은 동화 같은 라운드 댄스입니다! 동화 - 영리하고 매력적이며 우리 옆에 산다.

그래서 선한 악이 다시 승리하도록. To, Good to Zlova 좋은 확신을 가지세요.

그리고 나와 당신을 위해 동화는 군중 속에서 흘러나옵니다. 좋아하는 동화 어떤 열매보다 달콤합니다.

동화에서는 태양이 타오르고, 정의가 그 안에서 통치합니다. 동화는 영리하고 매력적입니다. 길은 어디에서나 그녀에게 열려 있습니다!

그래서 선한 악이 다시 승리하도록. To, Good to Zlova 좋은 확신을 가지세요.

그래서 선한 악이 다시 승리하도록. To, Good to Zlova 좋은 확신을 가지세요.

그래서 선한 악이 다시 승리하도록. To, Good to Zlova 좋은 확신을 가지세요.

그래서 선한 악이 다시 승리하도록. To, Good to Zlova 좋은 확신을 가지세요.

시사:

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슬라이드 캡션:

"S. Prokofiev의 동화 "Peter and the Wolf"에 나오는 심포니 오케스트라의 악기 테스트에 대한 답변:

Bowed Strings Woodwinds Percussion No. 1: 어떤 악기가 Petya의 테마를 연주하나요? 작업 번호 2:

더 생각해 보세요! 더 생각해 보세요!

오른쪽! 문자열 문자열

작업 3: 플루트 오보에 클라리넷 고양이 주제를 연주하는 악기는 무엇인가요? 2번:

서두르지 마!

오른쪽! 클라리넷

작업 4: 플루트 클라리넷 오보에 어떤 악기가 새를 주제로 연주하나요? 3번:

더 생각해 보세요!

플루트 맞아요!

활동 #5: 클라리넷 바순 어떤 악기가 할아버지 테마를 연주하나요? 4번: 플루트

더 생각해 보세요!

오른쪽! 바순

오리 테마를 연주하는 악기는 무엇입니까? 클라리넷 오보에 5번: 플루트

오 안돼 안돼 안돼! 서두르지 마!

오보에 그렇죠!

시사:

프로그램에 따른 수업 모델의 기술 지도"미술. 음악”(T.I. Naumenko, V.V. Aleev)

음악 교사 MBU "Gymnasium No. 39" Malova Daria Anatolyevna

주제: "위대한 이미지 애국 전쟁 D. 쇼스타코비치의 일곱 번째 교향곡에서.

수업 유형: 새로운 지식을 발견하는 수업

7급

수업의 목적: 학생들의 전반적인 영적 문화의 일부를 교육합니다. 뮤지컬 예술, 학생들의 마음 속에 애국심이 발달합니다.

수업 목표:

1) 교육적: 쇼스타코비치 음악의 개념을 시대정신에 부합하는 음악으로 형성한다.D. 쇼스타코비치의 7번 교향곡을 예로 들어 교향곡 장르에 대한 아이디어를 제공합니다.

2) 개발 중: 교향곡에 대한 감정적으로 의식적인 인식 기술, 분석 능력 개발 음악 작곡작곡과 역사적 사건 사이의 불가분의 연관성을 인식하고,학습 활동을 통제하세요.

3) 교육적: 러시아 국민, 특히 레닌그라드 봉쇄에서 살아남은 세대에 대한 존경심, 자부심, 감사의 마음을 키우는 것입니다.

기본 개념:교향곡, 정점, 표현 수단(역동적인 색조, 템포, 악기, 음색…)

인지 활동 조직의 형태:정면, 스팀 룸, 독립

장비: 방법론 가이드, 역사적 참고 자료, 교사가 편집한 D. Shostakovich 전기 발췌, 그룹 과제가 포함된 카드. 스크린, 프로젝터, 삶의 비디오 조각 포위된 레닌그라드, 뮤직센터, D. Shostakovich의 7번 교향곡 단편 녹음, 전쟁 노래 오디오 편집, 부러진 반지 기념물 사진(A3), 프레젠테이션, 화환용 월계수 잎.

수업 중:

6개 클래스의 음악 진단 작업

학생들을 위한 지침.

리드타임 진단 작업 1 레슨.

작업은 14개 작업을 포함하여 3개 부분으로 구성됩니다.

1 부

작업 1-10

각 질문에는 세 가지 가능한 답이 있으며 그 중 하나만 정답입니다. 문제 번호에 따라 답안지에 올바른 문자를 쓰십시오.

2 부

작업 11-12

용어와 정의, 음악의 저자와 그의 작품에 맞는 정답을 선택하세요.

과제 번호에 따라 답안지에 올바른 문자를 쓰십시오.

파트 3

작업 13-14

13. 과제가 끝나면 의미에 따라 텍스트에 삽입해야 할 단어가 있습니다. 답안지에 다음 단어를 쓰세요.

14. 답안지에 자세한 설명을 기재해야 합니다.

과제를 완료할 때 초안을 사용할 수 있습니다. 초안의 항목은 작업 평가 시 고려되지 않습니다.

완료된 모든 작업에 대해 받은 포인트가 합산됩니다. 가능한 한 많은 작업을 완료하고 가장 많은 점수를 얻으십시오.

우리는 당신의 성공을 기원합니다!

부분나

1. 고대에는 말하지 않고 노래하는 것이 관례였던 문학 작품:

가) 수수께끼

b) 동화;

c) 서사시.

2. 가사 없이 노래하기 위한 음악:

a) 발성;

c) 로맨스.

3. 엄숙한 국가:

c) 칸타타.

4. 심포니 오케스트라 및 독주 악기 작업:

가) 콘서트

c) 교향곡.

5. 단어에 대한 올바른 정의를 선택하세요. 다음:

a) 그리스어 번역에서 이 단어는 두 개 이상의 독립적인 멜로디의 동시 조합을 기반으로 하는 다성음악의 일종인 다성음악을 의미합니다.

b) 메인 섹션의 여러 반복으로 구성된 음악 형식 - 에피소드가 번갈아 나타나는 후렴.

c) 주제와 주제의 변형된 반복으로 구성된 음악 형식.

a) 작곡가 M. I. Glinka와 시인 W. 괴테

b) 작곡가 M.I. Glinka와 시인 A.S. Pushkin;

c) 작곡가 P.I. 차이코프스키와 시인 A.S. 푸쉬킨.

7. N. A. Rimsky-Korsakov는 A. S. 푸쉬킨 탄생 100주년을 기념하여 오페라를 썼습니다.

a) "사드코";

b) "눈 처녀";

c) "차르 살탄 이야기".

8. 상트페테르부르크 음악원의 이름은 다음과 같습니다.

a) M.I. 글린카;

b) N. A. Rimsky-Korsakov;

c) P.I. 차이코프스키.

9. 상트페테르부르크 국립 학술 예배당의 이름은 다음과 같습니다.

a) M.I. 글린카;

b) N. A. Rimsky-Korsakov;

c) P.I. 차이코프스키.

10. 나열된 성 중에서 귀하에게 알려진 러시아 작곡가의 성만 선택하십시오.

a) K.I. Chukovsky, A.S. Pushkin, N.V. 네크라소프;

b) F. 슈베르트, E. 그리그, L. 베토벤;

c) V.Kikta, V.Gavrilin, S.Rakhmaninov.

부분II

11. 표현 수단의 이름과 정의 사이의 일치성을 설정합니다.

12. 작품과 작곡가의 제목을 연결하세요.

부분III

의미에 따라 누락된 단어를 삽입하세요.

그의 일기에서 예술가 V. Boris-Musatov는 음악과 그림의 상호 침투에 대해 씁니다.

“나는 집에 앉아서 혼자 ____________________에게 묻습니다.

______________ 대신 모든 색상이 있습니다. 나 _______________________________.

내 꿈은 항상 앞서 있습니다. 그들은 나를 위해 전체 __________________________을(를) 만들어냅니다.

내 생각은 색상이고 내 색상은 __________________입니다.

단어: 즉흥 연주, 곡, 소리, 콘서트, 교향곡.

단어 용어의 선택을 정당화하십시오.

심포닉 음악 - 심포니 오케스트라의 연주를 위한 음악 작품. 대규모 기념비적 작품과 소극이 포함됩니다. 주요 장르: 교향곡, 모음곡, 서곡, 교향시.

대규모 음악가 그룹인 심포니 오케스트라에는 관악기, 타악기, 현악기의 세 가지 악기 그룹이 포함됩니다.

소규모 심포니 오케스트라의 클래식(더블 또는 더블) 구성은 J. Haydn(금관 쌍, 팀파니 및 현악 5중주)의 작품에서 형성되었습니다. 현대의 소규모 심포니 오케스트라는 불규칙한 구성을 가질 수 있습니다.

대규모 심포니 오케스트라(19세기 초부터)에서는 관악기와 타악기 그룹이 확장되었고, 하프와 때로는 피아노가 도입되었습니다. 활을 휘는 현의 그룹이 수치적으로 증가했습니다. 심포니 오케스트라의 구성 명칭은 각 관악군(더블, 트리플 등)의 악기 수에 따라 결정됩니다.

교향곡(그리스 심포니아 - 자음에서 유래) - 교향악단을 위한 음악으로, 가장 높은 형식인 소나타 순환 형식으로 작곡되었습니다. 기악. 보통 4부분으로 구성됩니다. 고전적인 형태의 교향곡은 18세기 말과 19세기 초에 형성되었습니다. (J. 하이든, W. A. ​​​​모차르트, L. V. 베토벤). 낭만주의 작곡가 큰 중요성서정적 교향곡 획득 (F. Schubert, F. Mendelssohn), 프로그램 교향곡(G. 베를리오즈, F. 리스트).

I. Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, S. Frank, A. Dvorak, J. Sibelius 등 19~20세기 서유럽 작곡가들이 교향곡 발전에 중요한 공헌을 했습니다. 중요한 장소 A.P. Borodin, P.I. Tchaikovsky, A.K. Glazunov, A.N. Skryabin, S.V. Rakhmaninov, N.Ya. D. Shostakovich, A.I. Khachaturian 등 러시아 음악의 교향곡을 차지합니다.

기악의 순환 형태, - 상대적으로 독립적인 여러 부분으로 구성된 음악 형식으로, 전체적으로 하나의 예술적 개념을 드러냅니다. 소나타 순환 형식은 일반적으로 소나타 형식의 빠른 1도, 느린 서정 2도, 빠른 3도(스케르초 또는 미뉴에트), 빠른 4도(최종)의 네 부분으로 구성됩니다. 이 형식은 교향곡, 때로는 소나타, 실내악 앙상블에 일반적이며, 축약된 순환 형식(스케르초나 미뉴에트 없음)은 협주곡, 소나타에 일반적입니다. 다른 유형 순환 형태모음곡을 구성하고 때로는 변주곡(오케스트라, 피아노)을 구성하며, 부분의 수와 성격이 다를 수 있습니다. 줄거리, 한 작가의 말 등으로 통합된 보컬 사이클(일련의 노래, 로맨스, 앙상블 또는 합창단)도 있습니다.

모음곡(프랑스어 모음곡, lit. - 행, 시퀀스), 여러 대조되는 부분으로 구성된 악기 순환 음악 작품입니다. 모음곡은 성부의 수, 성격, 순서에 대한 엄격한 규정이 없고 노래와 춤이 긴밀하게 연결되어 있다는 점에서 소나타나 교향곡과 구별됩니다. 모음곡 17~18세기 allemande, chimes, sarabande, gigi 및 기타 춤으로 구성되었습니다. 19세기와 20세기에는 오케스트라 비댄스 모음곡(P.I. Tchaikovsky)이 생성되고 때로는 프로그램 모음곡(N.A. Rimsky-Korsakov의 Scheherazade)이 생성됩니다. 오페라, 발레 음악, 연극 음악으로 구성된 모음곡도 있습니다.

서장(라틴어 apertura에서 유래한 프랑스 곡 - 오프닝, 시작), 오페라, 발레, 드라마 등에 대한 오케스트라 소개(종종 소나타 형식) 및 일반적으로 프로그램 성격의 독립 오케스트라 곡입니다.

교향시 -교향곡 프로그램 음악의 장르. 예술의 종합이라는 낭만적인 아이디어에 따른 한 부분으로 구성된 오케스트라 작품으로, 다양한 출처프로그램(문학, 회화, 덜 자주 철학이나 역사). 장르의 창시자는 F. Liszt입니다.

프로그램 음악- 작곡가가 인식을 구체화하는 언어 프로그램을 제공한 음악 작품. 많은 프로그램 작품이 뛰어난 문학 작품의 줄거리와 이미지와 연관되어 있습니다.

"오케스트라"라는 단어는 이제 모든 학생에게 친숙합니다. 이것은 공동으로 음악을 연주하는 대규모 음악가 그룹의 이름입니다. 그리고 그 사이에 고대 그리스"오케스트라"(현대 단어 "오케스트라"가 이후에 형성됨)라는 용어는 합창단이 위치한 무대 앞 영역을 나타냅니다. 이는 필수 참가자입니다. 고대 그리스 비극. 나중에 한 무리의 음악가들이 같은 장소에 위치하기 시작했고 이를 "오케스트라"라고 불렀습니다.

수세기가 지났습니다. 그리고 이제 "오케스트라"라는 단어 자체에는 명확한 의미가 없습니다. 요즘에는 다양한 오케스트라: 브라스, 포크, 바얀 오케스트라, 실내악 오케스트라, 팝 재즈 등. 그러나 그들 중 누구도 " 기적의 소리»; 물론 심포니 오케스트라라고 부르는 경우가 많습니다.

심포니 오케스트라의 가능성은 정말 무궁무진합니다. 그의 처분에는 거의 들리지 않는 진동과 바스락거리는 소리부터 강력한 천둥소리까지 온갖 음파가 있습니다. 그리고 요점은 역동적인 색조의 폭이 넓다는 것(일반적으로 모든 오케스트라가 접근할 수 있음)이 아니라 항상 진정한 교향곡 걸작의 사운드를 수반하는 매혹적인 표현력에 있습니다. 이것은 강력한 물결 모양의 상승 및 하강, 표현력 있는 솔로 큐, 융합된 "오르간" 사운드 레이어뿐만 아니라 음색 조합이 구출되는 곳입니다.

교향곡의 몇 가지 예를 들어보세요. 관통하는 침묵이 놀랍도록 유명한 러시아 작곡가 A. Lyadov의 멋진 그림 "Magic Lake"를 기억하십시오. 여기 이미지의 주제는 손길이 닿지 않은 정적인 상태의 자연입니다. 작곡가는 "Magic Lake"에 대한 그의 진술에서도 이를 강조합니다. "깊은 곳에 별과 신비가 있는 얼마나 그림처럼 아름답고 순수합니까! 그리고 가장 중요한 것은 사람도없고 요청과 불만도없는 하나의 죽은 본성입니다. 동화처럼 차갑고 사악하지만 환상적입니다. 그러나 Lyadov의 점수는 죽었거나 차갑다고 할 수 없습니다. 오히려 떨리지만 절제된 따뜻한 서정적 느낌으로 따뜻해집니다.

유명한 소련 음악학자 B. Asafiev는 이 "시적 명상"에서 다음과 같이 썼습니다. 뮤지컬 사진... Lyadov의 작업은 서정적 교향곡 풍경의 영역을 차지합니다. "Magic Lake"의 다채로운 팔레트는 가려져 있고 숨막히는 소리, 바스락거리는 소리, 바스락거리는 소리, 거의 눈에 띄지 않는 튀는 소리 및 변동으로 구성됩니다. 여기에는 미세한 투각 스트로크가 우세합니다. 동적 축적은 최소한으로 유지됩니다. 모든 오케스트라 목소리는 독립적인 시각적 부하를 전달합니다. 진정한 의미에서 멜로디 전개는 없습니다. 별도의 짧은 문구-모티프가 깜박이는 하이라이트처럼 빛납니다... 민감하게 "침묵을 들을 수 있는" Lyadov는 놀라운 기술로 마법에 걸린 호수의 그림을 그립니다. 연기가 자욱하지만 영감을 받은 그림, 멋진 향기와 순수하고 순결한 그림입니다. 아름다움. 그러한 풍경은 심포니 오케스트라의 도움을 통해서만 "그려질" 수 있습니다. 어떤 악기도 다른 "오케스트라 유기체"도 그렇게 선명한 그림을 묘사하고 미묘한 음색 색상과 음영을 찾을 수 없기 때문입니다.

그리고 여기에 A. Scriabin의 유명한 "Poem of Ecstasy"의 피날레 인 반대 유형의 예가 있습니다. 작곡가는 이 작품에서 꾸준하고 논리적으로 사려 깊은 발전 속에서 인간 상태와 행동의 다양성을 보여줍니다. 음악은 관성, 의지의 각성, 위협적인 세력과의 만남, 그들과의 투쟁을 일관되게 전달합니다. 클라이맥스는 클라이맥스를 따릅니다. 시가 끝날 무렵에는 긴장감이 커지고 새롭고 더욱 웅장한 고조를 준비합니다. "황홀경의시"의 에필로그는 거대한 범위의 눈부신 그림으로 변합니다. 반짝이는 무지개빛 배경(오르간은 거대한 오케스트라와 연결되어 있음)을 배경으로 여덟 개의 호른과 트럼펫이 즐겁게 주를 선포합니다. 뮤지컬 테마, 그 음파는 결국 초인적 인 힘에 도달합니다. 다른 어떤 앙상블도 이러한 힘과 사운드의 장엄함을 달성할 수 없습니다. 오직 심포니 오케스트라만이 황홀함, 엑스터시, 광적인 감정의 고조를 풍부하고 동시에 다채롭게 표현할 수 있습니다.

Lyadov의 "Magic Lake"와 "The Poem of Ecstasy"의 에필로그는 말하자면 심포니 오케스트라의 가장 풍부한 사운드 팔레트에서 극단적인 사운드와 다이내믹한 극입니다.

이제 다른 종류의 예를 살펴보겠습니다. D. 쇼스타코비치의 교향곡 11번 두 번째 부분에는 "1월 9일"이라는 부제가 있습니다. 그 안에서 작곡가는 "Bloody Sunday"의 끔찍한 사건에 대해 이야기합니다. 그리고 그 순간 군중의 비명과 신음 소리, 소총의 일제 사격, 군인의 발걸음의 강철 리듬이 놀라운 힘과 힘의 사운드 그림으로 합쳐지면 귀가 먹먹한 돌풍이 갑자기 터집니다 ... 그리고 계속해서 침묵, "휘파람" 속삭임 속에서 현악기합창단의 조용하고 애절한 노래가 선명하게 들린다. 음악학자 G. Orlov의 적절한 정의에 따르면, "마치 궁전 광장의 공기가 성취된 잔학 행위를 보고 슬픔으로 신음하는 것처럼"이라는 인상을 받습니다. 탁월한 음색 감각과 뛰어난 기악 작문 기술을 보유한 D. Shostakovich는 순전히 오케스트라 수단을 사용하여 합창 사운드의 환상을 만들 수있었습니다. 심지어 교향곡 11번 초연에서 관객들이 오케스트라 뒤 무대에 합창단이 있는 줄 알고 계속 자리에서 일어나는 경우도 있었는데…

심포니 오케스트라는 또한 다양한 자연주의적 효과를 전달할 수 있습니다. 따라서 독일의 뛰어난 작곡가 리하르트 슈트라우스(Richard Strauss)는 세르반테스의 소설에서 잘 알려진 에피소드를 묘사한 그의 교향시 "돈키호테"에서 놀랍게도 오케스트라에서 양 떼의 울음소리를 "시각적으로" 묘사했습니다. 스위트 룸에서 프랑스 작곡가 C. Saint-Saens의 "동물의 카니발"은 당나귀의 울음소리, 코끼리의 서투른 걸음걸이, 수탉과 함께 쉬지 않고 부르는 암탉의 울음소리를 재치 있게 전달했습니다. 교향곡 스케르초 "The Sorcerer's Apprentice"(W. Goethe의 같은 이름의 발라드를 기반으로 작성됨)의 프랑스인 Paul Dukas는 야생 물 요소의 그림을 훌륭하게 그렸습니다. 빗자루를 하인으로 만들기로 결정합니다. 그는 빗자루에게 물을 나르게 하고 점차 집 전체가 범람합니다. 오페라와 발레 음악에는 얼마나 많은 의성어 효과가 흩어져 있는지는 말할 필요도 없습니다. 여기에서는 교향악단을 통해서도 전달되지만 즉각적인 무대 상황에 의해 촉발되는 것이지 문학 프로그램교향곡에서와 마찬가지로. N. Rimsky-Korsakov의 The Tale of Tsar Saltan과 The Snow Maiden, I. Stravinsky의 발레 Petrushka 등과 같은 오페라를 회상하는 것으로 충분하며 이러한 작품의 발췌 또는 모음곡은 종종 심포니 콘서트에서 공연됩니다.

그리고 얼마나 많은 웅장하고 거의 시각적인 사진이 있습니까? 바다 요소교향곡에서 찾을 수 있어요! N. Rimsky-Korsakov의 모음곡 "Scheherazade", C. Debussy의 "The Sea", F. Mendelssohn의 서곡 "Sea Silence and Happy Swimming", P. Tchaikovsky의 교향곡 환상 "The Tempest" 및 A의 "The Sea" .Glazunov - 그러한 작품의 목록은 매우 많습니다. 심포니 오케스트라를 위해 자연의 그림을 묘사하거나 잘 겨냥된 내용을 담은 많은 작품이 저술되었습니다. 풍경 스케치. L. 베토벤의 적어도 여섯 번째 ( "목회") 교향곡의 이름을 갑작스런 뇌우의 그림으로 명명합시다. 교향곡 그림 A. 보로딘 "에서 중앙 아시아", A. Glazunov의 교향곡 판타지 "Forest", G. Berlioz의 Fantastic Symphony의 "들판의 장면". 그러나 이 모든 작품에는 자연의 이미지가 항상 연관되어 있다. 감정의 세계작곡가 자신과 작곡 전체의 성격을 결정하는 아이디어. 일반적으로 묘사적이고 자연주의적이며 의성어적인 순간은 교향곡 캔버스에서 아주 작은 부분을 차지합니다. 더욱이 표제음악 본연의 음악, 즉 어떤 문학적 줄거리를 일관되게 전달하는 음악 역시 교향악 장르 중에서 선두 자리를 차지하지 못한다. 심포니 오케스트라가 자랑스러워할 수 있는 가장 중요한 것은 다양한 표현 수단의 풍부한 팔레트입니다. 이것은 거대하고 다양한 조합과 악기 조합의 가능성이 아직 소진되지 않았으며, 이는 구성하는 모든 그룹 중 가장 풍부한 음색 자원입니다. 오케스트라.

심포니 오케스트라는 구성이 항상 엄격하게 정의된다는 점에서 다른 악기 그룹과 크게 다릅니다. 예를 들어, 현재 세계 거의 모든 지역에 풍부하게 존재하는 수많은 팝-재즈 앙상블을 생각해 보십시오. 그들은 서로 전혀 유사하지 않습니다. 악기 수(3-4개에서 24개 이상)와 참가자 수도 다를 수 있습니다. 그러나 가장 중요한 것은 이들 오케스트라의 사운드가 유사하지 않다는 것입니다. 일부는 현악기가 지배하는 반면 다른 일부는 색소폰과 금관이 지배합니다. 관악기; 일부 앙상블에서는 피아노(드럼과 더블 베이스의 지원)가 주역을 맡습니다. 여러 나라의 버라이어티 오케스트라에는 국민악기 등이 포함된다. 따라서 거의 모든 버라이어티 오케스트라나 재즈에서는 엄격하게 정의된 악기 구성을 고수하지 않고 조합을 자유롭게 사용한다. 다양한 도구. 따라서 동일한 작업이 팝-재즈 그룹에 따라 다르게 들립니다. 각 그룹은 고유한 특정 처리를 제공합니다. 그리고 이것은 이해할 수 있습니다. 결국 재즈는 예술이고 기본적으로 즉흥적입니다.

다른 것도 있습니다 브라스 밴드. 일부는 금관악기로만 구성됩니다(타악기가 의무적으로 포함됨). 그리고 그들 대부분은 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순과 같은 목관 악기 없이는 할 수 없습니다. 민속 악기 오케스트라도 서로 다릅니다. 러시아 민속 오케스트라는 키르기스스탄 오케스트라와 유사하지 않으며 이탈리아 민속 오케스트라는 스칸디나비아 국가의 민속 오케스트라와 같지 않습니다. 그리고 가장 큰 음악 유기체인 심포니 오케스트라만이 오랫동안 확립되고 엄격하게 정의된 구성을 가지고 있습니다. 그러므로 한 나라에서 작곡된 교향곡은 다른 나라의 어떤 교향악단에서도 연주될 수 있습니다. 그러므로 교향악의 언어는 참으로 국제적인 언어. 그들은 2세기 이상 동안 사용되어 왔습니다. 그리고 그는 늙지 않습니다. 더욱이 현대 심포니 오케스트라만큼 흥미로운 "내부" 변화가 많은 곳은 없습니다. 한편으로는 종종 새로운 음색으로 보충되면서 오케스트라는 매년 더욱 풍부 해지는 반면, 18 세기에 결성 된 메인 프레임은 점점 더 뚜렷해지고 있습니다. 그리고 때때로 우리 시대의 작곡가들은 그러한 "구식"구성으로 전환하여 표현 가능성이 얼마나 큰지 다시 한 번 증명합니다.

아마 그 어느 것도 음악 그룹이렇게 멋진 음악이 만들어지지 않았습니다! 교향곡 작곡가들의 화려한 은하계에는 하이든과 모차르트, 베토벤과 슈베르트, 멘델스존과 슈만, 베를리오즈와 브람스, 리스트와 바그너, 그리그와 드보르작, 글린카와 보로딘, 림스키코르사코프와 차이코프스키, 라흐마니노프와 스크리아빈, 글라주노프 등의 이름이 있다. 그리고 Taneyev, Shine, Mahler와 Bruckner, Debussy와 Ravel, Sibelius와 R. Strauss, Stravinsky와 Bartok, Prokofiev와 Shostakovich. 또한 교향악단은 아시다시피 오페라와 음악에 없어서는 안 될 단원입니다. 발레 공연. 따라서 수백 개의 교향곡 작품에 오케스트라(솔리스트, 합창단 또는 단순히 오케스트라가 아닌)인 오페라와 발레의 단편을 추가해야 합니다. 무대 액션)이 중요한 역할을 합니다. 하지만 그게 전부는 아닙니다. 우리는 수백 편의 영화를 보고 그 중 대부분은 심포니 오케스트라의 목소리로 연주됩니다.

라디오, 텔레비전, CD 등을 통해 교향곡이 우리 삶에 확고히 들어왔습니다. 많은 영화관에서는 상영 전에 소규모 심포니 오케스트라가 연주합니다. 이러한 오케스트라는 아마추어 공연에서도 만들어집니다. 즉, 우리를 둘러싸고 있는 광활하고 거의 무한한 음악의 바다에서 절반은 어떻게든 교향곡과 연결되어 있습니다. 교향곡과 오라토리오, 오페라와 발레, 기악 협주곡과 모음곡, 연극과 영화를 위한 음악 등 이 모든 장르(및 기타 여러 장르)는 심포니 오케스트라 없이는 할 수 없습니다.

그러나 어떤 음악이든 오케스트라에서 연주할 수 있다고 가정하는 것은 잘못된 것입니다. 결국, 악기 연주의 원리와 법칙을 알면 모든 유능한 음악가가 피아노나 다른 작품을 편성할 수 있는 것, 즉 밝은 교향악 의상을 입힐 수 있는 것처럼 보입니다. 그러나 실제로 이것은 비교적 드뭅니다. N. Rimsky-Korsakov가 악기 연주가 "작곡 자체의 영혼의 측면 중 하나"라고 말한 것은 우연이 아닙니다. 따라서 이미 아이디어를 고려하면서 작곡가는 특정 악기 구성을 믿고 있습니다. 따라서 심포니 오케스트라를 위해 가볍고 소박한 작품과 장대하고 대규모 캔버스를 모두 쓸 수 있습니다.

사실, 작품이 새로운 교향악 버전으로 두 번째 생명을 얻는 경우가 있습니다. M. Mussorgsky의 화려한 피아노 사이클 "전람회의 그림"에서 이런 일이 일어났습니다. 이 곡은 M. Ravel이 훌륭하게 편곡했습니다. (전시회에서 그림을 편성하려는 덜 성공적인 시도도 있었습니다.) 무소르그스키의 오페라 보리스 고두노프와 호반시치나의 악보는 새로운 관현악 버전을 연주한 D. 쇼스타코비치의 손에 의해 다시 살아났습니다. 때로는 창조적 유산작곡가는 동일한 작품의 두 가지 버전(솔로 악기 버전과 교향곡 버전)이 평화롭게 공존합니다. 그러한 예는 거의 없지만 매우 흥미 롭습니다. Ravel의 "Pavane"은 피아노 버전과 오케스트라 버전 모두에 존재하며 둘 다 동등한 위치에 있습니다. 콘서트 생활. 프로코피예프는 4번의 느린 악장을 편성했다. 피아노 소나타, 독립적이고 순전히 교향곡적인 작품으로 만듭니다. 레닌그라드 작곡가 S. Slonimsky는 보컬 사이클 "자유인의 노래"를 썼습니다. 민속 텍스트; 이 작품에는 예술적 중요성이 동일한 두 가지 버전도 있습니다. 하나는 피아노가 반주되고 다른 하나는 오케스트라 반주가 동반됩니다. 그러나 대부분의 경우 작곡가는 작업을 시작할 때 작곡 아이디어뿐만 아니라 음색 구현에 대해서도 좋은 아이디어를 가지고 있습니다. 교향곡 같은 장르도 그렇고, 기악 콘서트, 교향시, 모음곡, 랩소디 등은 항상 심포니 오케스트라의 사운드와 밀접하게 연결되어 있으며, 분리할 수 없다고 말할 수도 있습니다.